नगरपालिका सरकार शैक्षिक संस्था अतिरिक्त शिक्षा बच्चों का नाम "चिल्ड्रन्स म्यूजिक स्कूल नंबर 1" के नाम पर रखा गया यू। के। टेम्पिरानोव "नालचिक का शहर जिला शैक्षणिक रचनात्मकता का अखिल रूसी महोत्सव (2015-2016 शैक्षणिक वर्ष) नामांकन: बच्चों और स्कूली बच्चों के लिए अतिरिक्त शिक्षा

विधायी विकास विषय पर:

"गिटारवादक की तकनीक के गठन के सवाल पर"

विधि - ई। ईव द्वारा एट्यूड्स का विश्लेषण करना शिक्षक द्वारा विकसित लोगों की शाखा लोपटिना आई.जी. नालचिक 2015 सामग्री

परिचय

गिटारवादक की तकनीक (etudes) के गठन पर ……

1. गिटार तकनीक के विकास में आधुनिक रुझानों के बारे में

2. मैथेमेटिकल - ई। बावेव "स्कूल ऑफ गिटार टेक्नीक" द्वारा ट्यूटोरियल का विश्लेषण ...

रचनात्मक पथ (जीवनी, गतिविधि के मुख्य क्षेत्र) ...

दिशानिर्देशों के साथ बच्चों के संगीत स्कूल के लिए तकनीकी प्रदर्शनों की सूची (रेखाचित्र) ...

निष्कर्ष ...

ग्रंथ सूची ...

आवेदन …………

परिचय

"आपका तकनीकी शस्त्रागार जितना बड़ा होगा, उतना ही आप संगीत के साथ कर सकते हैं। इसमें तो कोई शक ही नहीं है "
एम। बर्रूको

छह तार वाला गिटार

- सबसे पुराने संगीत वाद्ययंत्रों में से एक। गिटार की उत्पत्ति गहरे अतीत में जाती है, और इसका समृद्ध इतिहास दसियों शताब्दियों में वापस जाता है और कई ऐतिहासिक और सांस्कृतिक युगों से गुजरता है। पिछली 20 वीं शताब्दी में एक पुनरुद्धार और गिटार बजाने की कला का एक सच्चा उत्कर्ष देखा गया है। कलाकारों-गिटारवादकों के संघर्ष सभी महाद्वीपों पर पूर्ण घर इकट्ठा करते हैं। उन्होंने दुनिया के महानतम संगीतकारों द्वारा चैंबर और सिम्फोनिक कार्यों में अपना स्थान पाया। गिटार शीट संगीत विशाल संस्करणों में प्रकाशित होता है। कई देशों में उच्च पेशेवर प्रदर्शन करने वाले स्कूल सामने आए हैं। गिटार में रुचि हर जगह बढ़ती रहती है। यहां तक \u200b\u200bकि अफ्रीकी और दक्षिण एशियाई देशों में अपनी विशिष्ट संगीत संस्कृति के साथ।

यह उल्लेखनीय है कि कई संगीत संस्कृतियों के लिए गिटार एक पारंपरिक उपकरण है, क्योंकि अनेक संगीत शैलियों (विशेषकर फ्लेमेंको, लैटिन अमेरिकी संगीत, देश, जैज, रॉक, फ्यूजन), अपने शुरुआती दिनों में, गिटार पर निर्भर थे। यह भी महत्वपूर्ण है कि प्रत्येक शैली में गिटार ने अपनी विशिष्ट विशेषताओं (उपकरण का आकार, ट्यूनिंग, ध्वनि उत्पादन की विशेषताएं, लैंडिंग, हाथों की सेटिंग) का अधिग्रहण किया। इसके अलावा, 20 वीं शताब्दी में, गिटार की एक विशाल विविधता और आकार दिखाई दिए, क्रमशः, पिछले दशकों में साधन खेलने की तकनीक एक नए, उच्च स्तर के विकास तक पहुंच गई है। 3 इसलिए, गिटार कलाकारों में तकनीकी कौशल के गठन के बारे में सवाल उठता है। प्रशिक्षण के सभी चरणों में तकनीकी समस्याओं और उनके समाधान के तरीकों पर गंभीर ध्यान दिया जाता है। प्रस्तावित विकास ई। बेव के स्कूल पर आधारित है, तकनीकी प्रशिक्षण की पद्धति पर रूस में अग्रणी शिक्षकों और कलाकारों के विचारों का विश्लेषण, साथ ही साथ अपने स्वयं के कार्य अनुभव। विकास का उद्देश्य ई। बेव "स्कूल ऑफ गिटार टेक्नीक" के शैक्षिक - पद्धति संबंधी मैनुअल पर विचार और विश्लेषण करना है और यह साबित करना है कि आधुनिक गिटार शिक्षाशास्त्र में उनकी कार्यप्रणाली एक महत्वपूर्ण और प्रासंगिक योगदान है।
इसलिए, गिटार कलाकारों में तकनीकी कौशल के गठन के बारे में सवाल उठता है। प्रशिक्षण के सभी चरणों में तकनीकी समस्याओं और उनके समाधान के तरीकों पर गंभीर ध्यान दिया जाता है। प्रस्तावित विकास ई। बेव के स्कूल पर आधारित है, तकनीकी प्रशिक्षण की पद्धति पर रूस में अग्रणी शिक्षकों और कलाकारों के विचारों का विश्लेषण, साथ ही साथ अपने स्वयं के कार्य अनुभव।

विकास का उद्देश्य ई। बेव "स्कूल ऑफ गिटार टेक्नीक" के शैक्षिक - पद्धति संबंधी मैनुअल पर विचार और विश्लेषण करना है और यह साबित करना है कि आधुनिक गिटार शिक्षाशास्त्र में उनकी कार्यप्रणाली एक महत्वपूर्ण और प्रासंगिक योगदान है।

लक्ष्य निर्धारण ने विकास लिखने की प्रक्रिया में निर्धारित कई कार्यों को निर्धारित किया:

1) गिटार कलाकारों के तकनीकी कौशल के गठन पर आधुनिक गिटार शिक्षाशास्त्र के विचारों पर विचार करें।

3) ई। बैव द्वारा शिक्षाप्रद प्रदर्शनों की सूची (स्केच) के प्रदर्शन के लिए पद्धतिगत सिफारिशें दें। इन कार्यों ने पद्धतिगत विकास की संरचना को निर्धारित किया, जिसमें निम्नलिखित अनुभाग शामिल हैं: परिचय; मुख्य खंड, जिसमें दो उप-अनुच्छेद शामिल हैं; निष्कर्ष; ग्रंथ सूची; आवेदन। काम में केंद्रीय स्थान पर अनुभाग द्वारा कब्जा कर लिया गया है - "गिटारवादक की तकनीक के गठन के सवाल पर", जो सबसे अधिक दबाव वाली समस्याओं में से एक के अध्ययन के लिए समर्पित है आधुनिक पद्धति सिक्स-स्ट्रिंग गिटार बजाना सीखना: गिटारवादक - कलाकार के तकनीकी कौशल के निर्माण के लिए शर्तें। मुख्य भाग उप-मदों में विभाजित है।

पहले उप-मद में - "गिटार प्रौद्योगिकी के विकास में आधुनिक रुझानों पर" - पिछले वर्षों के गिटार बजाने वाले स्कूल और पिछले दशकों में प्रकाशित होने वाले लोगों को मुद्दे की बारीकियों का अध्ययन करने के दृष्टिकोण से माना जाता है। यह समझने का प्रयास किया गया है कि हमारे देश में प्रकाशित गिटार स्कूलों के क्या फायदे और नुकसान हैं। आधुनिक प्रगतिशील संगीत शिक्षाशास्त्र के विचारों पर भी विचार किया जाता है, प्रशिक्षक के तकनीकी कौशल को विकसित करने के लिए शिक्षाप्रद सामग्री (etudes) पर काम को एक महत्वपूर्ण और प्रभावी साधन के रूप में माना जाता है।

दूसरा उप-आइटम - "ई-ब्वॉय का स्कूल ऑफ गिटार टेक्नीक" - "मैथेमैटिकल - प्रदर्शन विश्लेषण" - आधुनिक गिटारवादक - कलाकार और शिक्षक येवगेनी बेव के पद्धतिगत विकास के लिए समर्पित है। एक संक्षिप्त बायोडेटा, यह समझने के लिए आवश्यक है कि ई। बेव की अवधारणा कैसे बनी। लेखक की कार्यप्रणाली के मुख्य तत्व, जो उनके मैनुअल में वर्णित हैं और लेखक की वेबसाइट के पन्नों पर विचार किए जाते हैं। एटिट्यूड पर काम, गिटारिस्ट की तकनीक के गठन में उनके महत्व पर विचार किया जाता है। यह भी विश्लेषण करता है कि ई। बेव की पद्धति का नवाचार क्या है, वह आधुनिक गिटार शिक्षाशास्त्र के लिए कितना प्रासंगिक है

गिटारवादक की तकनीक (एट्यूड्स) के गठन पर

1. गिटार तकनीक के विकास में आधुनिक रुझानों के बारे में।

इस तथ्य के बावजूद कि गिटार संगीत प्रेमियों के बीच अधिक से अधिक लोकप्रिय हो रहा है, मंच पर अपेक्षाकृत हाल ही में स्थापित "स्वतंत्र संगीत इकाई" होने के नाते, यह पेशेवरों द्वारा निकट ध्यान और अध्ययन का एक उद्देश्य बन गया है।

पिछले 20-30 वर्षों में, हमारे देश में गिटार शिक्षाशास्त्र एक सक्रिय परीक्षा पास कर चुका है विकास का तरीका, लेकिन हमारे समय के प्रमुख उपकरणों वायलिन और पियानो की तुलना में बहुत छोटा है। (यह मौलिक कार्यप्रणाली अनुसंधान की कमी की व्याख्या करता है)।

छह-स्ट्रिंग गिटार बजाने पर स्कूल और ट्यूटोरियल

बड़ी संख्या में प्रकाशित और पुनर्मुद्रित किया गया है स्कूलों और ट्यूटोरियल। पी। अगफोशिन, ई। पुहोल, एम। करकस्सी द्वारा सिक्स-स्ट्रिंग गिटार के स्कूल सबसे लोकप्रिय हैं। ए इवानोव-क्राम्कोय, ए। क्रावत्सोव और स्कूल ऑफ चार्ल्स डंकन, साथ ही ई। लार्चिव, पी। वेश्चित्सकी द्वारा स्व-ट्यूटोरियल।
इनमें से अधिकांश स्कूलों में कई और उपयोगी दिशानिर्देश हैं जिन्होंने वर्तमान दिन के लिए अपना महत्व बनाए रखा है। लेकिन उनके पास शिक्षण विधियों की एक संपूर्ण और व्यापक प्रस्तुति नहीं है, कलाकार के प्रशिक्षण और शिक्षा की प्रणाली - गिटारवादक। आखिरकार, जैसा कि आप जानते हैं, स्कूल एक विशिष्ट शिक्षण पद्धति, अनुभव का प्रदर्शन है। और विगत वर्षों के स्कूलों के अधिकांश लेखकों ने खुद को हाथ और उंगलियों के रोपण और कुछ विशुद्ध रूप से कलात्मक निर्देशों और खेल की व्यक्तिगत तकनीकों का विवरण रखने के लिए खुद को सीमित कर लिया। इसी समय, गिटार बजाने की तकनीक विकसित करने के तरीके बेतरतीब ढंग से विकसित किए गए हैं और स्पष्ट रूप से पर्याप्त रूप से कवर नहीं किए गए हैं। इसलिए, पिछले वर्षों के अधिकांश स्कूलों से, शिक्षक मुख्य रूप से संगीत सामग्री खींचते हैं, और पद्धतिगत विचार नहीं करते हैं। और लंबे समय से, गिटार बजाने के लिए सबसे सही और उच्च-गुणवत्ता वाले शिक्षण की समस्या गिटार शिक्षकों के लिए जरूरी है। सभी प्रकार की 6 तकनीकों और प्रौद्योगिकियों को व्यापक रूप से कवर करने वाले, सर्वश्रेष्ठ स्कूल ऑफ प्ले के लिए खोजें प्रभावी कार्यप्रणाली गिटार सीखने वालों के लिए खेलना सीखना सबसे महत्वपूर्ण है।

यह कोई रहस्य नहीं है कि छात्रों को पढ़ाते समय, शिक्षक अक्सर अपने व्यक्तिगत अनुभव का उपयोग करता है, अपने शिक्षक के साथ पहले पाठ के अपने स्वयं के छापों को याद करते हुए - क्रियाओं का एक ही क्रम, समान अभ्यास, समान प्रदर्शन। इसी समय, यह पूरी तरह से ध्यान में नहीं रखा जाता है कि किसी भी छात्र के लिए ऐसी नकल तकनीक बिल्कुल अनुपयुक्त हो सकती है, इस तथ्य का उल्लेख नहीं करने के लिए कि समय अभी भी खड़ा नहीं है, और गिटार शिक्षाशास्त्र, सक्रिय विकास में होने के कारण बहुत दूर जा सकता है। आगे।

इसलिए, वर्तमान में, पूरी दुनिया में, तकनीकी समस्याओं और प्रशिक्षण के सभी चरणों में उनके समाधान के तरीकों पर गंभीर ध्यान दिया जाता है। वास्तव में, संगीत की भावनात्मक सामग्री को पूरी तरह से व्यक्त करने के लिए, किसी भी संगीतकार-कलाकार के पास तकनीक होनी चाहिए, पहले से ही अपने वाद्य बजाने के तकनीकी कौशल का एक निश्चित सेट होना चाहिए।

खेलने की तकनीक के तत्वों में शामिल हैं: गिटार गर्दन और तार पर अभिविन्यास; तार के साथ विभिन्न प्रकार के संपर्क; ध्वनि उत्पादन; उच्चारण; स्ट्रोक; विभिन्न प्रकार के आंदोलनों का समन्वय; श्रवण-मोटर सीसा; एकाग्रता; दृढ़ता और ध्यान की विविधता; मनोचिकित्सक। प्रदर्शन तकनीक के व्यक्तिगत तत्वों का निरंतर सुधार इसे उच्च स्तर की महारत में लाने में योगदान देता है। अतीत में, कई शिक्षकों का मानना \u200b\u200bथा कि इंस्ट्रूमेंटलिस्ट की तकनीक केवल अभ्यास, तराजू और एट्यूड के अध्ययन के माध्यम से बनाई गई थी, जो हमेशा उनके ध्यान के केंद्र में होनी चाहिए। इस या उस गेम तकनीक की महारत को यांत्रिक प्रशिक्षण के माध्यम से समस्या के मार्ग की पुनरावृत्ति की विधि द्वारा सबसे अधिक बार किया गया था। गिटार शिक्षाशास्त्र ने अक्सर तकनीकी "प्रशिक्षण", यांत्रिक अभ्यासों के पथ का अनुसरण किया, जिससे साधन में 7 घंटे खर्च करने की संख्या बढ़ गई। कुछ खेल कौशल में महारत हासिल करने में कठिनाइयों के कारण प्रदर्शन के तकनीकी पक्ष की भूमिका अतिशयोक्तिपूर्ण हो गई। नतीजतन, शैक्षणिक प्रणालियां पैदा हुईं जो उनकी बहुत नींव में त्रुटिपूर्ण थीं: प्रशिक्षण के पहले चरणों से उन्होंने संगीतकार के कलात्मक और तकनीकी विकास की एकता के सिद्धांत का उल्लंघन किया।

आधुनिक संगीत शिक्षाशास्त्र में, मनोचिकित्सा विद्यालय अधिक व्यापक होता जा रहा है, जो श्रवण विधि पर आधारित है, जहां यांत्रिक अभ्यास मोटर तकनीक पर सचेत कार्य करने का रास्ता देते हैं। यहां मुख्य ध्यान छात्रों की रचनात्मक क्षमताओं के प्रकटीकरण, ज्वलंत और सार्थक कलात्मक और कल्पनाशील अभ्यावेदन पर आधारित प्रौद्योगिकी के गठन पर दिया गया है। मोटर विधि की तुलना में श्रवण विधि में बहुत फायदे हैं: इसके लिए आंदोलन के उद्देश्य की स्पष्ट जागरूकता, प्रत्येक ध्वनि की स्पष्ट पूर्व सुनवाई की आवश्यकता होती है। फिर भी, श्रवण और मोटर विधियां गिटारवादक की प्रदर्शन तकनीक के समन्वित विकास के उद्देश्य से एक ही प्रक्रिया के दो पहलू के रूप में कार्य करती हैं। दोनों तरीकों को अस्तित्व का अधिकार है, लेकिन केवल छात्रों के व्यक्तिगत और मोटर डेटा को ध्यान में रखते हुए। इन आंकड़ों के आधार पर, शिक्षण की सामान्य रणनीति का निर्माण किया जाना चाहिए: कुछ मामलों में - संगीत और कलात्मक कार्यों के आवंटन और तकनीकी पक्ष के लिए अपेक्षाकृत "शांत" रवैये के साथ; दूसरों में - प्रौद्योगिकी के लिए बहुत गहन ध्यान के साथ, लेकिन कलात्मक और अर्थ संबंधी कार्यों के निर्माण के साथ इसके पूर्ण संबंध में। कलाकार के तकनीकी विकास के लिए एक महत्वपूर्ण और प्रभावी साधन, आधुनिक प्रगतिशील शिक्षाशास्त्र सभी प्रकार के शिक्षाप्रद सामग्री पर काम करने पर विचार करता है: तराजू, व्यायाम, दृष्टिकोण। नियमित तकनीकी कार्य के साथ, जो काम करने के समय का लगभग एक तिहाई लेता है, लोकोमोटर सिस्टम के सभी घटकों (गति / गति की गति /, निपुणता, शक्ति और धीरज) को लगातार बनाए रखा जाता है ऊँचा स्तरसीखने की प्रक्रिया अधिक तर्कसंगत हो जाती है, 8 संगीत के टुकड़ों के अध्ययन की प्रक्रिया को दैनिक सीखने से समान संगीत सूत्रों के लगातार दोहराव से समय में छोटा कर दिया जाता है। एक युवा कलाकार एक तथाकथित मोबाइल कौशल विकसित करता है। उन। जब छात्र ने एक टुकड़ा अच्छी तरह से सीखा है, तो उसने एक सरल कौशल विकसित किया है। अन्य कार्यों पर लंबे समय तक काम करने से नए सरल कौशल का निर्माण होता है। जब बड़ी संख्या में तराजू, व्यायाम, ईमानदार अध्ययन के साथ खेलते हैं एक लंबी संख्या स्केच, एक मोबाइल कौशल धीरे-धीरे विकसित किया जा रहा है, जो जटिल तकनीकी समस्याओं को बहुत प्रारंभिक तैयारी के बिना हल करने की अनुमति देता है, जब पिछली विधि और "एनालॉग्स की विधि" शुरू हो जाती है। यह मार्ग गिटार की कला के आधुनिक उच्च स्तर के विकास के लिए आवश्यक तकनीक की ओर जाता है। हालांकि, अगर कोई छात्र केवल कला के कार्यों के अध्ययन पर अपने सभी प्रयासों को केंद्रित करता है, और तकनीकी पक्ष "परीक्षण से परीक्षण तक" होता है, तो यह मार्ग निराशाजनक लगता है। आखिरकार, कॉन्सर्ट स्टेज में जो लाया जाता है, वह प्रदर्शन कार्य के "हिमशैल" का केवल ऊपरी भाग होता है, जबकि इसका मुख्य ("अंडरवाटर") भाग शिक्षाप्रद, तकनीकी सामग्री पर दैनिक कार्य होता है। और यहां छात्र साहसपूर्वक जोखिम ले सकता है, बिना अध्ययन के "चैटिंग" के डर से, कला के एक काम के विपरीत, इसे मंच पर नहीं रखा जाता है।

यह सर्वविदित है कि एक etude केवल एक या किसी अन्य प्रकार की तकनीक में एक व्यायाम नहीं है। प्रारंभ में, वाद्ययंत्र बजाने के तकनीकी कौशल को बेहतर बनाने के उद्देश्य से किया गया था, लेकिन विकास के साथ इस शैली ने कलात्मक महत्व हासिल कर लिया, इसकी व्याख्या एक उज्ज्वल गुणसूत्र के रूप में या एक प्रस्तावना की तरह एक लघु के रूप में की जाने लगी। इस प्रकार, एट्यूड्स को सशर्त रूप से दो प्रकारों में विभाजित किया जा सकता है: शिक्षाप्रद, अर्थात्, टुकड़ों में तैयार किए गए अभ्यास और संगीत कार्यक्रम। 9 उत्तरार्द्ध का प्रदर्शन, बल्कि, इसे प्राप्त करने के साधन के बजाय पहले से ही प्राप्त तकनीकी स्तर का एक संकेतक है। जबकि प्रौद्योगिकी के विकास के लिए शिक्षाप्रद रेखाचित्र बहुत महत्व रखते हैं। एटिकेट्स में निहित तकनीक गिटारवादक के लिए एक अमूल्य खजाना है। अपने विद्यार्थियों के लिए स्केच चुनते समय, शिक्षक को विभिन्न कारकों की एक विस्तृत श्रृंखला को ध्यान में रखना चाहिए। दृष्टिकोण, उनकी समग्रता में, गिटार साहित्य में पाई जाने वाली कई प्रकार की तकनीकों को कवर करते हैं, जो प्रदर्शन "स्कूल" की नींव के निर्माण में योगदान देता है।

विभिन्न प्रकार की तकनीक के लिए रेखाचित्रों के कई समूह हैं:

1. अर्पेगियो;

2. राग और अंतराल।

3. गैमो-जैसे मार्ग;

4. ट्रेमोलो;

5. तकनीकी लेगैटो और मेलिस्मा।

ऐसा विभाजन, निश्चित रूप से, केवल एक ही नहीं है, पर्याप्त रूप से विस्तृत नहीं है, लेकिन यह व्यवस्थितकरण पहले से ही सकारात्मक परिणाम देता है।

यह महत्वपूर्ण है कि छात्र को दिया गया अध्ययन संभव है। एक सामान्य नियम के रूप में, तकनीकी और कलात्मक कौशल के क्रमिक संचय को सुनिश्चित करने के लिए बढ़ती जटिलता के सिद्धांत का पालन किया जाना चाहिए। ढकी हुई सामग्री पर वापस लौटना बहुत उपयोगी है। लेकिन प्रदर्शन की तकनीक पर काम हमेशा एक सर्पिल की तरह चक्रीय होना चाहिए, जब पहले से सीखी गई तकनीकों की वापसी उनके एकीकरण के साथ होती है।

आधुनिक शिक्षाशास्त्र इस तथ्य पर ध्यान आकर्षित करता है कि प्रदर्शन तकनीक के विकास के उद्देश्य से कक्षाएं एक विकासशील प्रकृति की हैं, और विशेष रूप से एक तकनीक के लिए नहीं हैं। और उनके लिए बच्चों को खुशी और सीखने की इच्छा लाने के लिए, एक रचनात्मक 10 और व्यक्तिगत दृष्टिकोण की आवश्यकता होती है, जो छात्र को "संगीत के साथ किसी भी तकनीकी कार्रवाई को भरने" की क्षमता बनाने की अनुमति देता है। यह वह जगह है जहाँ तकनीकी प्रदर्शनों का सवाल उठता है। तथ्य यह है कि गिटार बजाने की प्रारंभिक सीख शास्त्रीय गिटार साहित्य की महारत पर बनी है। इसमें पिछली दो शताब्दियों के रचनाकारों द्वारा लिखित एटूड शैली की सबसे समृद्ध परत है। ध्वनि उत्पादन के सिद्धांतों को मजबूत करने के लिए शास्त्रीय अध्ययन (एम। करकासी, एम। गियुलियानी, एफ। सोरा, डी। अगुआडो) अपरिहार्य हैं।

हालांकि, गिटारवादक का संगीत - क्लासिक्स काफी ध्यान में नहीं रखता है आधुनिक वास्तविकताओं... एक कलात्मक अर्थ में परिपूर्ण होने के नाते, यह पारंपरिक है, और यह आधुनिक छात्रों के बीच बहुत रुचि पैदा नहीं करता है। यह मात्रात्मक शब्दों में भी सीमित है और नौसिखिया गिटारवादकों की उम्र (7-8 वर्ष) के एक तीव्र कायाकल्प के कारक को ध्यान में नहीं रखता है।

इसलिए, कई शिक्षकों के प्रयासों से शैक्षिक प्रदर्शनों का विस्तार होता है और इस तरह एक नई धारा आती है शैक्षणिक प्रक्रिया.

2. पद्धति - ई। बावे "स्कूल ऑफ़ गिटार टेक्नीक" द्वारा ट्यूटोरियल का विश्लेषण

रूसी गिटारवादक, संगीतकार और शिक्षक एवगेनी अनातोलेविच बेव भी अलग नहीं खड़े थे। 15 जुलाई, 1952 को सर्वर्दलोस्क क्षेत्र पर्वेराल्स्क शहर में पैदा हुआ। 1977 में उन्होंने यूराल कंजर्वेटरी से स्नातक किया। ए.वी. माइनव से गिटार वर्ग में म.प्र। मुसॉर्स्की। 1980 में, एन.ए. कोमोलियाटोव और ए.के. फ्रूची के साथ, वह मॉस्को स्टेट पेडागोगिकल इंस्टीट्यूट में गिटार क्लास खोलने के आयोजकों में से एक बने। गैन्सिन। 1988 में उन्होंने Tver में एक वाद्य युगल संगीत लघु (वायलिन और गिटार) बनाया। उन्होंने उसके साथ इटली, फिनलैंड, फ्रांस, जर्मनी, लातविया, अमेरिका का दौरा किया। इस जोड़ी को लगभग बीस साल हो गए हैं। ई। बैव न केवल देश के सर्वश्रेष्ठ गिटारवादकों में से एक हैं, बल्कि प्रसिद्ध संगीतकारविदेशों में मान्यता प्राप्त और यूरोप में प्रकाशित। ई। बेव के स्कोर पूरी दुनिया में बेचे जाते हैं। संगीत स्कूलों और संरक्षकों के लिए उनके प्रदर्शनों की सूची, साथ ही साथ रूसियों द्वारा व्यवस्था लोक संगीत... उनका गिटार स्कूल इटली में एकमात्र मान्यता प्राप्त है - संगीत की मातृभूमि में। अब यह न केवल यूरोप में, बल्कि संयुक्त राज्य अमेरिका, जापान, ऑस्ट्रेलिया और लैटिन अमेरिका में भी फैल रहा है। संगीतकार गिटार, वायलिन, वायोला, सेलो, बालिका, डोमरा और अन्य उपकरणों के लिए संगीत लिखते हैं। के लिए एक उच्च पुरस्कार से सम्मानित किया गया अंतर्राष्ट्रीय प्रतियोगिता मास्को (1999) में संगीतकार, यूएसए (भैंस) में अंतर्राष्ट्रीय महोत्सव के एक डिप्लोमा विजेता हैं। हाल के वर्षों में, वह Tverskoy Music School No. राज्य विश्वविद्यालय और एक संगीत विद्यालय। उन्होंने अंतर्राष्ट्रीय और अखिल रूसी प्रतियोगिताओं के 20 पुरस्कार जीते।

जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, ई। बेव अपने स्वयं के गिटार बजाने वाले स्कूल के निर्माता हैं, जो 12 साल की रचनात्मक गतिविधि (तीस से अधिक वर्षों) के परिणामस्वरूप उत्पन्न हुआ था। प्रारंभ में, ये नोटबुक थे: “शुरुआती गिटारवादक के लिए। Etudes and Exercises "," 35 Etudes for Beginner Guitarists "," 10 Etudes for Different Types of Technique "प्लस 13 उपचार विभिन्न प्रकार की तकनीक के लिए। इन नोटबुक के एकीकरण से, प्रस्तावित ट्यूटोरियल "स्कूल ऑफ़ गिटार टेक्नीक" का उदय हुआ। इसमें 1,000 एटिट्यूड के टुकड़े हैं - नौसिखिए गिटारवादकों के बुनियादी तकनीकी कौशल को विकसित करने के लिए लिखे गए और बुनियादी प्रकार की गिटार तकनीक के अनुसार समूहीकृत।

मैनुअल में 19 खंड हैं, और प्रत्येक अनुभाग के लिए विस्तृत कार्यप्रणाली प्रदान की गई है। परिचय एक संगीतकार के तकनीकी कौशल की अवधारणा से संबंधित है और उनके गठन की शर्तों की जांच करता है। इस प्रकार, लेखक श्रवण और मोटर विधियों की एकता को समग्र रूप से संगीत तकनीक के विकास के लिए मुख्य स्थिति के रूप में देखता है। (वे आधुनिक मनोचिकित्सा विद्यालय के समर्थक हैं)। "चूंकि एक तकनीकी कौशल स्वचालितता के लिए लाया गया एक कार्य है और अब कलाकार के हिस्से पर सचेत नियंत्रण की आवश्यकता नहीं है, इसलिए शुरुआत में यह सचेत श्रवण नियंत्रण को अधिकतम बनाने के लिए आवश्यक है ...

सामग्री की मात्र पुनरावृत्ति अच्छी तकनीक विकसित करने के लिए पर्याप्त से दूर है। अपने घटकों के बारे में जागरूकता के बिना "सहज" स्वचालित होने वाले कार्य लचीले नहीं होते हैं और बस "गलत" हो सकते हैं। कौशल, जो सभी घटकों की प्रारंभिक जागरूकता के साथ बनते हैं, लचीले होते हैं, यदि कलाकार चाहें तो उन्हें आसानी से सुधारा और पुनः बनाया जा सकता है।

दुर्भाग्य से, सुनने का नियंत्रण हमेशा खिलाड़ी के लिए स्वचालित नहीं होता है। आपके खेलने और सुनने की क्षमता को भी विकसित करने की आवश्यकता है। एक संगीतकार द्वारा अनुचित तकनीकी प्रदर्शन का पहला संकेत अपर्याप्त ध्वनि की गुणवत्ता है। और निश्चित रूप से, तेज गति से खेलते समय नियंत्रण संभव नहीं है।

केवल एक धीमी गति आपको गुणात्मक रूप से इस या उस कार्रवाई में महारत हासिल करने की अनुमति देती है। इसलिए, छात्र को धीमी गति से काम करने के लिए विशेष रूप से तैयार होने की भी आवश्यकता है। और, ज़ाहिर है, किसी को यह कभी नहीं भूलना चाहिए कि एक संगीतकार के लिए, तकनीक अपने आप में एक अंत नहीं है, बल्कि केवल संगीत की भावनात्मक सामग्री को व्यक्त करने का एक साधन है। और छात्र के तकनीकी कार्य के लिए सामग्री "तटस्थ" नहीं होनी चाहिए, उंगलियों के यांत्रिक अभ्यास के सभी प्रयासों को कम करना। " इसलिए, इस मैनुअल में शामिल सभी अध्ययन प्रोग्रामेटिक हैं और दिलचस्प आलंकारिक नाम हैं, उनका अपना संगीत का चरित्र, जो हमें उनमें छोटे टुकड़े देखने और भावनात्मक रूप से व्यक्तिगत रूप से उनके प्रदर्शन से संबंधित होने की अनुमति देता है।

मैनुअल में स्केच को बढ़ती जटिलता के सिद्धांत के अनुसार व्यवस्थित किया जाता है। एक विशिष्ट तकनीकी कौशल के गठन पर किसी भी अनुभाग में, आप शुरुआती और अधिक उन्नत हाई स्कूल के छात्रों दोनों के लिए एक etude उठा सकते हैं। यह संगीत स्कूल में अपनी पढ़ाई के दौरान एक युवा गिटारवादक की तकनीक में सुधार करना संभव बनाता है, जब तकनीक पर काम चक्रीय (एक सर्पिल की तरह) हो जाता है।

अपने काम में ई। बेव की विधि का परीक्षण करने के बाद, मुझे एहसास हुआ कि तकनीकी प्रशिक्षण के किसी भी स्तर के छात्रों के लिए इसकी पहुंच के लिए यह उल्लेखनीय है, इसका उपयोग करना बहुत सुविधाजनक है, क्योंकि प्रत्येक वर्ग के लिए सभी प्रकार के उपकरणों के लिए एक जटिल में स्केच का चयन करने का अवसर है। लेखक द्वारा प्रस्तुत तकनीकी प्रदर्शनों की सूची छात्रों के बीच एक बहुत बड़ी भावनात्मक प्रतिक्रिया पैदा करती है, सामान्य रूप से कक्षाओं में उनकी रुचि बढ़ जाती है और गिटार के रूप में इस तरह के एक जटिल उपकरण को खेलने के लिए अपने सीखने को जारी रखने की इच्छा होती है। इसलिए, मैंने ई। बेव की विधि के अनुसार छात्रों के साथ अपना काम जारी रखने का फैसला किया।

आज हम आपकी कक्षा के छात्रों द्वारा ई। ब्यूव द्वारा की गई पाठ्यपुस्तक से विभिन्न प्रकार की तकनीकों के लिए आपके ध्यान के नमूने लाते हैं। इसके अलावा, प्रत्येक प्रदर्शन किए गए etude को पद्धतिगत सिफारिशें दी जाएंगी।

ध्वनि उत्पादन की मुख्य विधियाँ

अब एक etude एक सार्वभौमिक प्रकार की तकनीक के लिए किया जाएगा - tirando तकनीक, जिसका उपयोग गिटार के लिए किसी भी टुकड़े को खेलते समय किया जा सकता है। ई। बाएव "एंट" द्वारा Etude। पहली कक्षा के शिक्षक द्वारा प्रदर्शन किया गया। खंडोगी अनास्तासिया। इस etude का कार्य ध्वनि उत्पादन की मुख्य विधि की गुणवत्ता में महारत हासिल करना है - tirando। कठिनाई दाहिने हाथ की स्थिति पर निरंतर नियंत्रण है, जिसे कूदना नहीं चाहिए, चिकोटी लेना चाहिए और अनावश्यक आंदोलनों को करना चाहिए। चूंकि यह किफायती क्रियाएं हैं जो संगीत तकनीक को विकसित करने में सक्षम बनाती हैं। गिटार बजाने का एक अन्य मुख्य तरीका अपायंडो है। यह चाल और दाहिने हाथ की तीन-अंगुलियों की उँगलियाँ अगले etude खेलेंगे।

तो, ई। बेव का एट्यूड "द डे इज लीविंग" उसी प्रदर्शन में है। एपेटांडो तकनीक के गुणात्मक विकास के अलावा, इस एटूडे का अध्ययन करने का उद्देश्य तीन उंगलियों को लगातार वैकल्पिक करने की क्षमता विकसित करना है - मैं एम ए। चूंकि अक्सर एपीओंडो, साथ ही टिरंडो खेलते हैं, गिटारवादक केवल उंगलियों की एक जोड़ी का उपयोग करते हैं - या तो इम, या (अक्सर कम)। यह उनकी प्रौद्योगिकी की क्षमताओं को महत्वपूर्ण रूप से सीमित करता है, इसके विकास पर एक प्रकार का ब्रेक होता है। और, निश्चित रूप से, इस तरह से उँगलियों के ऊपर सोचना बहुत ज़रूरी है, ताकि दायें हाथ की उँगलियों से स्ट्रिंग तक के सबसे प्राकृतिक संक्रमणों को सुनिश्चित किया जा सके और तथाकथित "क्रॉसिंग" से बचा जा सके। टिरंडो और एपॉयंडो तकनीकों की गुणवत्ता में महारत हासिल करने के साथ, पैमाने के मार्ग में महारत हासिल करना भी महत्वपूर्ण है। आप स्केल नोटों के छोटे अनुक्रमों के रूप में उन पर काम करना शुरू कर सकते हैं।

अध्ययन "फ्लिकरिंग" इस प्रकार की तकनीक के लिए समर्पित है। यह द्वितीय श्रेणी शिक्षक द्वारा किया जाएगा। खुटोवॉय लियाना।

जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, ध्वनि में ध्वनि के पैमाने जैसे तत्व होते हैं, जिसमें महारत हासिल करने के लिए दोनों हाथों के स्पष्ट समन्वय की आवश्यकता होती है। गेमिंग मशीन के इस तरह के काम के साथ ही तेजी से मार्ग और अन्य जटिल कार्यों का प्रदर्शन करना संभव होगा। इसके अलावा, इस अध्ययन पर काम, इसकी उंगलियों के लिए धन्यवाद, हमें बाएं हाथ की सभी उंगलियों, विशेष रूप से 4 वीं की ताकत और स्वतंत्रता को विकसित करने की समस्या को हल करने की अनुमति देता है।
अपने ध्यान की पेशकश की arpeggio तकनीक में महारत हासिल करने के लिए अगला अध्ययन। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि संगीतकार, कई अन्य दृष्टिकोणों के रूप में, यहां "कोमोडो" शब्द के साथ टुकड़े के टेम्पो को दर्शाता है - आसानी से, स्वाभाविक रूप से, औसत गति से। यह खिलाड़ी को लगातार श्रवण नियंत्रण का अभ्यास करने में सक्षम बनाता है।

ई। ब्यूव "एलेगी" द्वारा एटूड 2 टीचर के शिक्षक द्वारा किया गया। अमीना नॉर्डोनाएवा।

जब आर्पीगियो ध्वनि बजती है, तो बाएं हाथ आमतौर पर अधिक स्थिर होता है और दाहिना हाथ अधिक गतिशील होता है। इसलिए, इस एटूड के मुख्य कार्यों में से एक दाहिने हाथ का किफायती काम है, "अनावश्यक" आंदोलनों की अनुपस्थिति। विशेष रूप से, गिटारवादक को चिकोटी या उछाल के लिए सावधान रहने की जरूरत है। इस etude का एक अन्य कार्य क्रमबद्ध रूप से किए गए कॉर्ड ध्वनियों की आवाज़ का समरूपता है। हमें यह सुनिश्चित करने का प्रयास करना चाहिए कि वे ताकत और समय दोनों में समान हैं। निरंतर श्रवण निगरानी और धीमी गति से खेलने के बिना, यह लक्ष्य हासिल नहीं किया जा सकता है।

इस etude का एक गुणात्मक अध्ययन arpeggio के सभी नोटों की आवाज़ के विकास में योगदान देता है।

अगर ई-उंगली का उपयोग करने वाले अपरंपरागत तक, दाहिने हाथ के कई पैटर्न हो सकते हैं, अगर हाथ की संरचना की अनुमति देता है (ई-उंगली अन्य सभी की तुलना में कमजोर और कम है)।

संग्रह में एटेप्स आर्पीगियो में दाहिने हाथ के आंदोलनों के गहन अभ्यास के लिए एक बहुत विविध सामग्री प्रदान करते हैं।
अगले etude, जो प्रदर्शन किया जाएगा, वह भी arpeggios प्रदर्शन की तकनीक का अभ्यास करने के लिए है, इसे "व्हाइट क्लाउड" कहा जाता है। 4 वीं कक्षा का छात्र है। रिमिज़ोव एलेक्सी। यह एटूड बड़ी संख्या में आवाज़ों से प्रतिष्ठित है, जो तथाकथित मिश्रित आर्पीगियो, और परिष्कृत आधुनिक सद्भाव के उपयोग के लिए धन्यवाद है। आर्पेगियो तकनीक में महारत हासिल करने के लिए उपरोक्त सभी कार्यों के लिए, यहां दाहिने हाथ की ताकत और धीरज का विकास जोड़ा गया है, जो बाईं ओर से अधिक गतिशील रूप से काम करता है। यदि, आर्पीगियो तकनीक में महारत हासिल करने के दौरान, गिटारवादक को कॉर्ड ध्वनियों के क्रमिक निष्कर्षण पर निरंतर श्रवण नियंत्रण की आवश्यकता होती है, तो जब कॉर्ड तकनीक में महारत हासिल करना है, तो यह सुनिश्चित करना महत्वपूर्ण है कि इसकी सभी ध्वनियां एक-दूसरे के साथ विलय हो जाएं, यानी ध्वनियां कॉर्ड को एक साथ और एक ही बल के साथ खेला जाना चाहिए। मैनुअल में कई प्रस्तावित दृष्टिकोण आपको कॉर्ड ध्वनियों की एक साथ काम करने में मदद करेंगे।

उनमें से एक - "शरद ऋतु" - अब ध्वनि होगी। ई। बावे। Etude "शरद ऋतु"। 3 ग्रेड के शिक्षक द्वारा प्रदर्शन किया गया। ब्रेज़ुमिखोवा लिलियाना। इस एट्यूड का अध्ययन करने के लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए - कॉर्ड की सभी ध्वनियों की एक साथ ध्वनि - उंगलियां एम एक मैं करीब होनी चाहिए, उन्हें एक दूसरे को महसूस करने की जरूरत है, एक उंगली की तरह काम करें। फिर एक आवेग स्ट्रिंग्स को प्रेषित किया जाएगा। हालांकि, इस संबंध में, माप को महसूस करना महत्वपूर्ण है। अपनी उंगलियों को एक साथ कसकर दबाने से आपके हाथ में अनावश्यक तनाव पैदा होगा। इसके अलावा, जब इस तरह का खेल तय हो जाता है, तो कॉर्ड के भीतर किसी भी आवाज़ का चयन असंभव हो जाएगा, और इस कलाकार के लिए कई पॉलीफोनिक रचनाएं दुर्गम हो जाएंगी।

एक साथ ध्वनियों को निकालने का एक ही कार्य भी सामना करना पड़ता है जब डबल नोट्स खेलने की तकनीक में महारत हासिल होती है।
ई। बेव "टू फ्रेंड्स" द्वारा अगला स्केच इस कौशल के विकास के लिए समर्पित है। यह दूसरी कक्षा के छात्र द्वारा किया जाएगा। ग्जयेवा कैमिला।

अंतराल की जंजीरों को बजाते समय ध्वनि की निरंतरता प्राप्त करने के लिए, बाएं हाथ की उँगलियों के ऊपर विचार करना आवश्यक है ताकि एक अंगुली स्ट्रिंग पर बनी रहे, इसे "बंधे"। इस मामले में, इस उंगली पर आराम करने वाला हाथ, उस पर "ड्राइव" करने में सक्षम होगा, और अन्य उंगलियों के लिए सही स्थानों पर जाना आसान होगा। बार के साथ आंदोलन का नेतृत्व करने वाली उंगली का दृश्य नियंत्रण भी बहुत सहायक है। इस अध्ययन में, बाएं हाथ की स्थिति में अक्सर बदलाव होता है, इसलिए यह सुनिश्चित करना आवश्यक है कि इस तरह के संक्रमण के दौरान गर्दन के संबंध में हाथ अपनी बारी नहीं बदलता है।

गिटार के प्रदर्शनों की सूची में टूटे हुए दोहरे नोट आम हैं। एक नियम के रूप में, इस मामले में बाएं हाथ के लिए कोई अतिरिक्त कठिनाइयां नहीं हैं - नोटों के प्रत्येक संयोजन की दोनों उंगलियां एक ही समय में तार पर डाल दी जाती हैं। दाहिने हाथ की क्रियाएं बदल जाती हैं। गिटारवादक उपयुक्त एल्गोरिथ्म चुनता है। अक्सर, पी-उंगली अंतराल के निचले नोटों को खेलती है, और मैं और एम उंगलियां बारी-बारी से ऊपरी नोट्स खेलती हैं। ऐसे एल्गोरिदम को अलग से महारत हासिल होनी चाहिए, खुले तारों पर उनके स्पष्ट प्रदर्शन का अभ्यास करना।

मेलिस्मा।

निम्नलिखित तकनीकों के प्रदर्शन के बारे में, अर्थात् मेलिस्मा, जिसमें ग्रेस नोट्स, मोर्डेंट्स, ग्रुपेट्टोस और गिटार पर खेले गए ट्रिल्स शामिल हैं, संगीत साहित्य में एक समान मानक नहीं है। यदि प्राचीन संगीत सजावट ने उस समय अपूर्ण उपकरणों की तेजी से क्षय की आवाज की समस्या पर काबू पाने का कार्य किया, तो बाद के समय में वे इसका हिस्सा बन गए अर्थपूर्ण अर्थ.
हम ई। बेव के अध्ययन "स्टबबोर्न डोंकी" पर आपका ध्यान उसी प्रदर्शन में आकर्षित करना चाहेंगे।

एक छोटे से पार कर अनुग्रह नोट के निष्पादन में महारत हासिल करने के लिए एक लग रहा है। अनुग्रह नोटों का उपयोग किए बिना ऐसी तकनीकी सामग्री पर काम करना शुरू करना बेहतर है। टुकड़े के लयबद्ध पक्ष में महारत हासिल करने के बाद, आप अनुग्रह नोटों के साथ एट्यूड खेलना शुरू कर सकते हैं। अनुग्रह नोट और अन्य सभी मेलिस्मा प्रदर्शन करने की तकनीक व्यावहारिक रूप से लेगाटो तकनीक के साथ मेल खाती है। हर कोई जानता है कि लेगोटो ध्वनियों का सुसंगत प्रदर्शन है। लेकिन गिटार लेगेटो की अपनी विशिष्टता है - इसे "तकनीकी" कहा जाता है, ताकि यह "सिमेंटिक" लेगाटो के साथ भ्रमित न हो, जो एक संगीत वाक्यांश के सहज मार्गदर्शन को मानता है।

गिटार बजाने के तरीके के अनुसार तीन प्रकार के लेगेटो हैं:

1. उगता हुआ टमाटर

2. अधोमुख फलता

3. विभिन्न स्ट्रिंग्स पर लेगाटो।

अब एक etude प्रदर्शन किया जाएगा, जिसमें आरोही और अवरोही दोनों प्रकार के लेगो का उपयोग किया जाता है।

ई ब्यूव "मोथ" द्वारा एटूड 4 वीं कक्षा के शिक्षक द्वारा किया जाता है। उझखोवा तमारा।

इस etude का लक्ष्य उन सभी नोटों की सबसे आसान संभव ध्वनि को प्राप्त करना है जो भरे गए हैं। ऐसा करने के लिए, यह सलाह दी जाती है कि सामान्य रूप से संगीत सामग्री को बजाते हुए एट्यूड पर काम शुरू करें, अर्थात् लेगो के बिना प्रशिक्षण की शुरुआत में, लेगेटो के साथ खेलना अक्सर अनियमित, लंगड़ा होता है। लयबद्ध कार्यों को हल करने के बाद ही कोई ठीक से प्रदर्शन करना शुरू कर सकता है।

इसके अलावा, गिटारवादक को पैर चढ़ते हुए बाहर देखने की जरूरत है ताकि हड़ताली उंगलियां स्वतंत्र हों, और हमले काटने और सटीक हो। नीचे की ओर ले जाते समय, यह महत्वपूर्ण है कि दिए गए लेगैट को खेलने के लिए आवश्यक सभी अंगुलियों को एक ही समय में स्ट्रिंग पर रखा जाए। मैं जोड़ना चाहूंगा कि कुछ भी बाएं हाथ की उंगलियों की ताकत और स्वतंत्रता को विकसित नहीं करता है, जैसे कि एक पैरेटो पर काम करना। इसके अलावा, यह अतिरिक्त रूप से प्रदर्शन तंत्र की व्यवस्था की शुद्धता की जांच करने का एक अच्छा कारण है, क्योंकि यदि गिटारवादक का हाथ गर्दन के समानांतर नहीं है, लेकिन "वायलिन की तरह" खड़ा है, तो इसके कोण पर, अत्यधिक हाथ तनाव अपरिहार्य हो जाएगा। साथ ही लेगेटो की गुणवत्ता भी प्रभावित होगी।

बर्रे

बुनियादी और सबसे कठिन गिटार तकनीकों में से एक बैरे है।

तथाकथित छोटे बैरे, या अर्ध-बैरे के साथ बैरे को माहिर करना शुरू करना सबसे तर्कसंगत है, जिसमें तर्जनी दो, तीन या चार तार दबाती है।

इस तकनीक में महारत हासिल करने वाले ई। बेव के ईटूड "वेव्स" के अध्ययन से सुविधा होगी। यह दूसरी कक्षा के छात्र द्वारा किया जाएगा। कुलीव अस्तेमिर।

इस अध्ययन का उद्देश्य बाएं हाथ की उंगलियों को मजबूत करना और उन्हें बड़े बैरे खेलने के लिए तैयार करना है। युवा गिटारवादक का काम अधिक कुशल होगा यदि अन्य सभी उंगलियों को सूचकांक पर ढेर नहीं किया जाता है। अंगूठे, गर्दन के पीछे स्थित है, तर्जनी के साथ मिलकर एक तरह का "क्लोथस्पिन" बनाता है। हालांकि, इस मामले में, इसे तर्जनी के विपरीत स्थित होने की आवश्यकता नहीं है - इसे तिरछे रखा जा सकता है, मध्य उंगली के नीचे या रिंग फिंगर के आगे भी। इस मामले में, "क्लॉथस्पिन" "बेवेल" होगा, जिसके कारण हाथ को बार्रे को दबाने के लिए कम प्रयास की आवश्यकता होती है। इसके अलावा, अंगूठे की यह स्थिति बार्रे को हिलाने के लिए उपयोगी हो सकती है।

इस तरह से एक छोटे बैरे का काम करने के बाद, एक बड़े बैरे में महारत हासिल करना बहुत आसान हो जाएगा।

ई। बैव द्वारा मैनुअल में प्रस्तुत तकनीकी प्रदर्शनों की सूची के बारे में बोलते हुए, ध्वनि प्रभावों के विकास के लिए अध्ययनों की उपेक्षा करना असंभव है।

उन्हें बनाने के लिए, धातु, कांच की वस्तुओं, कागज, पन्नी, माचिस और बहुत कुछ का उपयोग किया जा सकता है। गिटारवादक की पसंदीदा तकनीकों में से एक स्नेयर ड्रम की आवाज़ की नकल है, जिसे दो पार किए गए तारों पर खेलने से हासिल किया जाता है। "बैटल" तकनीक में महारत हासिल करने के लिए "बैटल" एट्यूड के अध्ययन की सुविधा है, जिसे आप उसी प्रदर्शन में सुनेंगे।
"ड्रम" तकनीक को पांचवें और छठे तार को पार करके किया गया था, जब दाहिने हाथ की तर्जनी छठी के नीचे पांचवीं स्ट्रिंग को हवा देती है, और अंगूठे को छठे स्ट्रिंग को थोड़ा ऊपर उठाता है और इसे पांचवें की ओर ले जाता है। फिर वह पांचवें के ऊपर छठी स्ट्रिंग लाता है और इसके साथ इस स्ट्रिंग को "कवर" करता है। केवल बाएं हाथ की उंगलियों के साथ तारों को पार करने का विकल्प संभव है, लेकिन तारों को पार करने के किसी भी तरीके के लिए, आपको यह सुनिश्चित करना होगा कि क्रॉसिंग बिंदु गिटार गर्दन के वांछित झल्लाहट और तर्जनी से सख्ती से ऊपर है दृढ़ता से दोनों तारों को दबाएं। गिटार पर बजाए जाने वाले साउंड इफेक्ट का एक अन्य टैम्बोरिन है।

टैम्बोरिन एक प्राचीन प्राच्य टक्कर उपकरण है।

इसकी ध्वनि के प्रभाव को बनाने के लिए, आपको अपने दाहिने अंगूठे के साथ स्टैंड के पास स्ट्रिंग्स को हिट करने की आवश्यकता है।

अध्ययन "इको" इस तकनीक में महारत हासिल करने के लिए समर्पित है। इसका प्रदर्शन तीसरी कक्षा के शिक्षक द्वारा किया जाएगा। ब्रेज़ुमिखोवा लिलियाना। एक टैम्बोरिन की ध्वनि की नकल प्राप्त करने के लिए, यह महत्वपूर्ण है कि झटका काट रहा है, आंदोलन हाथ से पानी को मिलाते हुए या थर्मामीटर मिलाते हुए जैसा दिखता है। इस मामले में, दाहिना हाथ यथासंभव मुक्त होना चाहिए।

झटका "स्पॉट से" बाहर किया जा सकता है, इसके लिए एक विशेष स्विंग की आवश्यकता नहीं है। ध्वनि उत्पादन के दौरान, स्टैंड को हाथ की एक हल्की पर्ची संभव है, एक झटका "स्मियरिंग" के समान। अंगूठा बोनी अखरोट के समानांतर होना चाहिए। तारों पर प्रभाव का स्थान इससे 3-5 सेमी है।

सबसे अधिक अभिव्यंजक गिटार तकनीकों में से एक है कंपन, जो दो उपकरणों की ध्वनि का भ्रम पैदा करता है। "ट्रेमोलो" - सचमुच - संगीत में "कांप" ध्वनि। इस तकनीक की महारत को एटूड "बर्करॉल" पर काम करने से सुविधा होगी। इसका प्रदर्शन चतुर्थ श्रेणी शिक्षक द्वारा किया जाएगा। उझखोवा मिलिना।

इस एटूडे का अध्ययन करने का उद्देश्य सभी दोहराए जाने वाले नोटों की आवाज निकालना भी है। आपको इस तकनीक को कम गति से शुरू करने की आवश्यकता है, धीरे-धीरे इसे तेज करना। दाहिने हाथ की उंगलियों के आंदोलनों को सक्रिय और सटीक होना चाहिए। और हाथ को खुद पकड़ने की सलाह दी जाती है ताकि उंगलियां करीब हों, फिर खेल के लिए कम तनाव की आवश्यकता होती है। वाइब्रोलो फिंगरिंग की कई किस्में हैं। प्रस्तावित etude "शास्त्रीय" संस्करण - पमी में किया गया था।
आपके ध्यान में पेश किया जाने वाला अगला अध्ययन, मध्य और उच्च विद्यालय में अध्ययन के लिए अनुशंसित किया जा सकता है, क्योंकि इसे करने के लिए, पर्याप्त रूप से अच्छी तरह से विकसित पॉलीफोनिक कान की आवश्यकता होती है।

ई। बेव के एटूड "रोमांस" का प्रदर्शन उसी प्रदर्शन में किया जाएगा।

प्रदर्शन किया गया एटूड्यू तीन भाग है, जिसमें से एक आवाज एक अधीनस्थ भूमिका निभाती है, एक संगत है जिसके खिलाफ मुख्य आवाजों की आवाजाही होती है। पॉलीफोनी खेलने की तकनीक में महारत हासिल करने के लिए सबसे सरल दो भाग हैं, जिसमें आवाज़ों को "बदले में" ध्वनि दी जाती है।

पॉलीफोनिक टुकड़ों को खेलने के लिए, एक संगीतकार को सभी आवाज़ों को अलग-अलग सुनने में सक्षम होना चाहिए और प्रत्येक आवाज़ को अलग-अलग आवाज़ों की बातचीत की समझ होनी चाहिए। इस तरह की सुनवाई का विकास आवाज़ों के गायन से होता है: आप प्रत्येक आवाज़ को अलग-अलग तरीके से गा सकते हैं (बिना किसी वाद्य यंत्र के), आप एक आवाज़ गा सकते हैं, और बाकी बजा सकते हैं, आप आवाज़ों में से एक गाना गा सकते हैं, पूरा टुकड़ा खेल रहा है। इस काम में लगने वाला समय निश्चित रूप से प्रदर्शन की गुणवत्ता पर सकारात्मक प्रभाव डालेगा।

इसके अलावा, पॉलीफोनी खेलते समय, दाहिने हाथ की उंगलियों के काम पर विशेष नियंत्रण महत्वपूर्ण है: यह किसी भी अंगुलियों के साथ एक उज्जवल या शांत ध्वनि लेने की क्षमता विकसित करने के लिए आवश्यक है। (मैनुअल में, लेखक इस कौशल को विकसित करने के लिए अभ्यास प्रदान करता है)।

ई। देव की पाठ्यपुस्तक में "संयुक् त प्रकार की तकनीकें" नामक एक खंड है, इसमें शामिल अध्ययनों में उनके संयोजन में विभिन्न प्रकार की तकनीकों का समावेश है। इन रेखाचित्रों की जटिलता की डिग्री भी अलग-अलग है, कई को कलाकारों से बहुत गंभीर स्तर की आवश्यकता होती है - तकनीकी और कलात्मक दोनों।

Etude "Tsyganochka" इस तरह की गिटार तकनीकों के उपयोग पर आधारित है जैसे कि प्रत्यक्ष, रिवर्स और मिश्रित आर्पेगियोस; तकनीकी लेगाटो; कॉर्ड तकनीक; पॉलीफोनी। ई। बेव का एटूडे "द त्स्योनोगोका" एक 4 ग्रेड शिक्षक द्वारा किया जाएगा। उझखोवा तमारा।
निष्कर्ष

अंत में, मैं यह जोड़ना चाहूंगा कि आपके ध्यान में प्रस्तुत किए गए एटिकेट्स ई। बेव द्वारा "स्कूल" के प्रदर्शनों का एक छोटा सा हिस्सा हैं, क्योंकि सेमिनार के लिए आवंटित समय के भीतर पाठ्यपुस्तक के सभी एक सौ कार्यों को कवर करना असंभव है। लेकिन, आज सुनी गई प्रत्येक आवाज़ का अध्ययन करते हुए, छात्रों ने बड़े उत्साह और उच्च भावनात्मक उत्साह के साथ काम किया। प्रतीत होता है कि सूखी मार्गदर्शन सामग्री के लिए इस दृष्टिकोण के साथ, तकनीकी कौशल में महारत हासिल करने की प्रक्रिया अधिक रचनात्मक, पुरस्कृत और प्रभावी हो जाती है। हम सुरक्षित रूप से कह सकते हैं कि छात्रों के साथ काम में संगीतकार ई। बैव द्वारा एट्यूड्स के टुकड़ों का उपयोग छात्रों-गिटारवादक के प्रदर्शनकारी स्कूल की नींव बनाने में योगदान देता है। आखिरकार, सामग्री की प्रस्तुति में इसकी सुविधा, पहुंच और स्थिरता के लिए उनकी पद्धति प्रणाली उल्लेखनीय है। इसके अलावा, यह विशेष रूप से कुछ मुद्दों को उजागर करता है जो गिटारवादक के लिए अन्य मैनुअल में उचित ध्यान नहीं दिया गया है, विशेष रूप से, गिटार बजाने के कौशल को प्राप्त करने की प्रणाली, दाहिने हाथ की उंगलियों के कुछ सिद्धांत। और चूंकि, गिटार तकनीक में आधुनिक रुझानों के प्रकाश में, गर्दन के साथ बाएं हाथ के अधिक तीव्र आंदोलन के कारक पर बहुत ध्यान दिया जाता है, फिर, तदनुसार, दाहिने हाथ पर भार भी बढ़ जाता है - इसके लिए अधिक सटीकता की आवश्यकता होती है और इसके काम में विस्तार। यह गैर-पारंपरिक प्रकार की तकनीकों में महारत हासिल करने के लिए तकनीकी सामग्री भी प्रदान करता है, जिसमें ई-उंगली को सक्रिय किया जाता है, जब वे आर्पागियोसिस और जीवा करते हैं; पी-फिंगर ऑपरेशन ("शटल विधि") की अपरंपरागत तकनीक पर भी प्रकाश डाला गया है।

काम के अंत में, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि रूस में छह-स्ट्रिंग गिटार की लोकप्रियता लगातार बढ़ रही है। गिटार शिक्षाशास्त्र बदल रहा है और सक्रिय रूप से विकसित हो रहा है, साधन पर शिक्षण के नए तरीके दिखाई देते हैं। ई। बेव द्वारा "स्कूल" आज हमारे देश और विदेश दोनों में गिटार शैक्षणिक प्रणाली में एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है।

बच्चों और युवाओं के लिए संगीतकार की तकनीकी प्रदर्शनशाला बच्चों के संगीत स्कूलों और बच्चों के कला विद्यालयों के शिक्षकों को उनके महान शैक्षणिक कार्यों में मदद करती है और छात्रों के लिए गिटार के विकास की सुविधा प्रदान करने में सक्षम है, साथ ही साथ बच्चों को लगातार अच्छे आधुनिक गिटार संगीत से परिचित कराती है। काम को बच्चों के संगीत स्कूलों और बच्चों के कला स्कूलों के शिक्षकों के लिए एक पद्धति संबंधी मार्गदर्शिका के रूप में अनुशंसित किया जा सकता है।

ग्रंथ सूची

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आवेदन ईमेल: [ईमेल संरक्षित] | [ईमेल संरक्षित]

MBOU DO "चिल्ड्रेन्स म्यूजिक स्कूल"

MYSKAMENSK ब्रंच

एर्मोलोविच एल.जी.

विधायी संदेश

"कम उम्र में गिटार बजाना सीखने की समस्या पर"

एक बार यह माना जाता है कि 6-7 साल की उम्र में गिटार बजाना शुरू करने की अनुमति नहीं है। फिर भी, शिक्षक - वायलिन वादक, पियानोवादक 4-5 वर्ष की आयु के बच्चों के साथ काम करना शुरू करते हैं। यद्यपि बच्चों के साथ कक्षाओं में विभिन्न उपकरणों के शिक्षकों के लिए कुछ पहलू होते हैं: संगीत सामग्री का चयन, पाठ पढ़ाने की विधि, एक उपकरण जो आपको अनुचित प्रयास के बिना बच्चे को सौंपे गए कार्यों को पूरा करने की अनुमति देता है। यदि ये सभी पहलू हल करने योग्य हैं, तो यह कहना सुरक्षित है कि गिटार सीखना जल्द से जल्द शुरू किया जाना चाहिए।

बेशक, आपको उम्र से संबंधित विशेषताओं को ध्यान में रखना होगा: अक्सर ध्यान स्विच करना, तेजी से थकान, संगीत कौशल की कमी, आदि।

प्राप्त करने के लिए सबसे अच्छा परिणाम एक शुरुआत सिखाने में, उसे काम में दिलचस्पी लेना, प्रत्येक नए कौशल के अध्ययन में अनुक्रम का पालन करना और उनकी सार्थक आत्मसात करना आवश्यक है।

प्रत्येक मामले में, बच्चे के चरित्र को ध्यान में रखा जाना चाहिए। बच्चों के मनोविज्ञान की ख़ासियतें अलग-अलग हैं, लेकिन उन सभी में एक चीज समान है: 4-5 साल की उम्र में। एक वस्तु पर ध्यान, एकाग्रता की अवधि 5-6 मिनट है। तब संवेदनशीलता में तेजी से कमी आती है। इसलिए, कक्षा में, प्रत्येक 5-6 मिनट में छात्र के साथ काम के प्रकारों को बदलना उचित है।

पाठ की अवधि को 20-25 मिनट तक सीमित करना उचित है, और प्रति सप्ताह पाठ की संख्या को 3-4 गुना तक बढ़ाना।

समग्र रूप से सीखने की प्रक्रिया को सामान्य अवधारणाओं से लेकर विशेषों पर संकीर्णता और कार्य को गहरा करना चाहिए। व्यापक रूप से सामान्य शैक्षिक नींव बचपन में रखी गई, बाद में एक विशेष रूप से, पेशेवर रूप से पेशेवर क्षेत्र में अधिक फलदायी रूप से काम किया गया। पिरामिड का आधार जितना व्यापक होगा, उसका शीर्ष उतना ही अधिक होगा। नींव है, सबसे पहले, एक विकसित बुद्धि, बहु-घटक तार्किक योजनाओं के निर्माण की क्षमता।

प्रारंभिक सामान्य के स्तर पर संगीत की शिक्षा बच्चे को कान से चयन करना, गाना बजाना गाना, कमेंट्री के बाद संगीत सुनना, प्रदर्शन फिल्में देखना आदि सीखना चाहिए।

लेकिन 5-7 साल की उम्र के बच्चों को कैसे पढ़ाया जाए? उत्कृष्ट शिक्षक एंटोन सेमेनोविच मकारेंको अपने एक काम में सुझाव देते हैं: " एक महत्वपूर्ण विधि है - खेल। मुझे लगता है कि एक बच्चे की गतिविधियों में से एक के रूप में खेलने पर विचार करना कुछ गलत है। बचपन में, खेल आदर्श है, और बच्चे को हमेशा खेलना चाहिए, यहां तक \u200b\u200bकि एक गंभीर मामला करते हुए भी ... बच्चे को खेलने का शौक है, और उसे संतुष्ट होना चाहिए। यह आवश्यक हैनहीं बस उसे खेलने के लिए समय दें, लेकिन आपको इस खेल के साथ अपने पूरे जीवन को संतृप्त करने की आवश्यकता है”। श्रम से खेलने का विरोध नहीं, बल्कि उनका संश्लेषण! यह खेल विधि का सार है। श्रम और खेल के एकीकृत सिद्धांतों के बारे में बोलते हुए, ए.एस. मकरेंको ने कहा: "हर अच्छे खेल में, सबसे पहले, एक काम करने का प्रयास और विचार का एक प्रयास है ... एक खेल बिना प्रयास, बिना जोरदार गतिविधि के हमेशा एक बुरा खेल होता है।"

खेल से बच्चे को खुशी मिलती है। यह रचनात्मकता की खुशी, या जीत की खुशी, या सौंदर्य की खुशी होगी - गुणवत्ता की खुशी। अच्छा काम करने से वही खुशी मिलती है, और यहाँ पूरी समानता है।

कुछ लोग सोचते हैं कि काम खेल से अलग है कि काम में जिम्मेदारी है, लेकिन खेल में नहीं। यह सही नहीं है: काम करने में भी वही जिम्मेदारी होती है - बेशक, अच्छा खेलने में, सही।

शब्द "सही, अच्छा खेल" को एक ऐसे खेल के रूप में समझा जाना चाहिए जो शिक्षित, विकसित होता है।

दूसरी ओर, मार्क ट्वेन, समान परिशुद्धता के साथ विख्यात: "काम वह है जो एक व्यक्ति करने के लिए बाध्य है, और वह वह है जो वह करने के लिए बाध्य नहीं है।"

इम्पीरेटिव शिक्षाशास्त्र छात्र को प्रभावित करने का प्रत्यक्ष, प्रत्यक्ष साधन निर्धारित करता है: सटीकता और सख्त नियंत्रण। वर्तमान में, परवरिश के अभ्यास में, सीधे प्रभावों का ऐसा अतिरेक है कि हम पहले से ही मनोचिकित्सक से इसके परिणामों के बारे में पढ़ते हैं। इस प्रकार, वी। लेवी लिखते हैं: " चिकित्सा पद्धति के वर्षों में, मुझे करीब से एक सौ से अधिक लोगों को पता चला, छोटे और बड़े, जो

• नमस्कार मत करो
• मत धोना
• अपने दाँत ब्रश मत करो
• किताबें न पढ़ें
• के लिए मत जाओ (खेल, संगीत, मैनुअल श्रम, भाषा ...., आत्म-सुधार समावेशी)
• काम नहीं करता है
• शादी मत करो
• इलाज नहीं
• आदि। आदि।

केवल इसलिए कि उन्हें ऐसा करने के लिए प्रोत्साहित किया गया था!

क्या ऐसा हमेशा नहीं होता है? हमेशा, लेकिन अक्सर, और बहुत बार दुर्घटना कहा जाता है। "

प्रभाव के प्रत्यक्ष साधनों में शामिल हैं:

• गण
• मांग
• संकेत
• प्रोत्साहन
• अनुस्मारक
• सलाह
• संकेत
• समझौतों का निष्कर्ष
• ठेकों का
• आदि..

प्ले एक अप्रत्यक्ष विधि को संदर्भित करता है, जब एक बच्चा खुद को एक वयस्क के प्रभाव की वस्तु नहीं महसूस करता है, जब वह गतिविधि का एक पूर्ण विषय है। इसलिए, खेलने की प्रक्रिया में, बच्चे स्वयं कठिनाइयों को दूर करने, कार्यों को निर्धारित करने और उन्हें हल करने का प्रयास करते हैं। खेल एक ऐसा साधन है जिसके द्वारा परवरिश आत्म-शिक्षा में बदल जाती है, निश्चित रूप से, यदि यह खेल "सही" और "अच्छा" है ».

यह खेल में है कि एक वयस्क और बच्चे के बीच संबंध बनाया जाता है। ये रिश्ते व्यक्तिगत दृष्टिकोण से गुजरते हैं, जब शिक्षक एक पूरे के रूप में बच्चे के व्यक्तित्व पर केंद्रित होता है, न कि केवल एक छात्र के रूप में उसके कार्य पर।

खेल मनोरंजन नहीं है, बल्कि रचनात्मक गतिविधि में बच्चों को शामिल करने का एक विशेष तरीका, उनकी गतिविधि को उत्तेजित करने का एक तरीका है। रोल-प्लेइंग, किसी भी अप्रत्यक्ष विधि की तरह, प्रत्यक्ष प्रभाव की तुलना में उपयोग करना अधिक कठिन है। बस बच्चों को इंगित करना बहुत आसान है: "यह करो!", "मेरे बाद दोहराएं!"। रोल प्ले के लिए कुछ शैक्षणिक प्रयासों और शैक्षणिक कौशल की आवश्यकता होती है।

आज, जब भूमिका-अर्थशास्त्र व्यापक रूप से अर्थशास्त्रियों, समाजशास्त्रियों, सामाजिक मनोवैज्ञानिकों द्वारा विशुद्ध रूप से "वयस्क" क्षेत्रों में उपयोग किया जाता है, तो कॉल को शैक्षणिक सम्मेलनों में तेजी से सुना जाता है: « खेल को स्कूल में वापस करें!».

जो लोग बचपन में रोल-प्लेइंग गेम्स से गुजरते थे, वे रचनात्मक गतिविधि के लिए अधिक तैयार होते हैं .

शिक्षा शास्त्र - ये है “कला सबसे व्यापक, जटिल, सबसे आवश्यक है सभी कलाओं की", - के। उशिन्स्की ने कहा, - यह डेटा से संचालित कला विज्ञान”। संगीत शिक्षाशास्त्र दोहरी कला है, दोगुनी रचनात्मकता है,

नगरपालिका बजटीय शैक्षिक संस्थान

बच्चों के लिए अतिरिक्त शिक्षा

“बच्चों के कला विद्यालय का नाम एम.पी. Mussorgsky

फ़ोकिनो "

गिटार कक्षा में प्रवेश करें

गिटार शिक्षक

बच्चों के स्कूल ऑफ आर्ट्स, फोकिनो

समीक्षा

पहनावा काम कार्यक्रम (गिटार वर्ग) के लिए

बच्चों के स्कूल ऑफ आर्ट्स के शिक्षक। एम.पी. मुसोर्स्की, फॉकिनो

Sysoeva L.E.

कार्यक्रम एक कलाकारों की टुकड़ी में बच्चों के साथ काम करने की गहरी समझ के साथ बनाया गया है। मैं बच्चों के संगीत विद्यालय में अध्ययन की पूरी अवधि के दौरान प्रदर्शनों की सूची का चयन करना और बच्चों पर भार वितरित करना सही मानता हूं।

अध्ययन की अवधि के दौरान कार्यों का चयन बच्चों के संगीत स्कूलों और संगीत शिक्षा स्टूडियो के कार्यक्रम से मेल खाता है। यह काम शुरुआती लोगों को इस कार्यक्रम के दायरे में इस उपकरण को मास्टर करने में मदद करेगा, बिना स्थापित मानदंडों से विचलित हुए। हलकों, संगीत शिक्षा स्टूडियो, बच्चों के संगीत स्कूलों में बच्चों के साथ काम करने के लिए अनुशंसित।

परिचय

में शिक्षा प्रणाली रूसी संघ विभिन्न स्तरों और दिशाओं के क्रमिक शैक्षिक मानकों पर बातचीत करने का एक सेट है।

शिक्षा प्रणाली में अतिरिक्त शिक्षा के विभिन्न संस्थानों का एक समूह शामिल है। उनमें से "विभिन्न प्रकार की कला" के लिए स्कूलों का एक नेटवर्क है, जिसमें बच्चों के संगीत विद्यालय (चिल्ड्रन म्यूजिक स्कूल) और बच्चों के कला विद्यालय (DSHI) शामिल हैं।

संगीत परवरिश और शिक्षा मानव व्यक्तित्व के निर्माण और विकास के उद्देश्य से समग्र प्रक्रिया का एक अभिन्न अंग है।

देश में संगीत शिक्षा की अवधारणा बड़े पैमाने पर (सामान्य) संगीत शिक्षा और शिक्षा की व्यवस्था का निर्माण करती है, जिसे सामान्य कलात्मक और पेशेवर में विभाजित किया गया है। आधुनिक परिस्थितियों में, संगीत संस्कृति के व्यापक प्रसार के लिए संगीत विद्यालय मुख्य आधारों में से एक है। सामान्य संगीत शिक्षा के स्कूल का लक्ष्य संगीत को न केवल प्रतिभाशाली बच्चों की संपत्ति बनाना है जो इसे अपने पेशे के रूप में चुनेंगे, बल्कि स्कूल में पढ़ने वाले हर व्यक्ति को भी; आखिरकार, मध्यम आयु वर्ग के बच्चों को भी गंभीर संगीत शिक्षा प्राप्त करनी चाहिए। शिक्षा प्रणाली में एक विशेष स्थान पर कब्जा, बच्चों के संगीत स्कूलों और बच्चों के स्कूलों में शैक्षिक प्रक्रिया की विशिष्ट विशेषताएं हैं।

शैक्षिक और शैक्षिक कार्य, जो बच्चों के संगीत स्कूलों के शिक्षकों द्वारा हल किए जाते हैं, मूल रूप से सभी विषयों के लिए समान हैं। एकता और अंतर्संबंध संगीत अध्ययन की ख़ासियत के कारण हैं, जिसमें संगीत अनुभूति की वस्तु के रूप में और शिक्षा के साधन के रूप में, साथ ही साथ इसके साथ संचार के मानदंड और ज्ञान और कौशल को लागू करने की काफी व्यापक संभावनाएं हैं। कुछ विषयों जब दूसरों में महारत हासिल है।

सामान्य संगीत शिक्षा की दक्षता और गुणवत्ता में सुधार बच्चों के संगीत स्कूलों के शिक्षकों के लिए जटिल और जिम्मेदार कार्य बन गया है। शिक्षा और परवरिश के विकास के सिद्धांत, जो विशेष रूप से विशेष कक्षाओं में प्रवेश कर रहे हैं और संगीत स्कूल प्रशिक्षण के सभी रूपों, सक्षम संगीतकारों को शिक्षित करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं - शौकीनों और पेशेवरों, उन्हें संगीत और उपकरणों के लिए एक रचनात्मक दृष्टिकोण का कौशल दें, समाप्त करें या कम करें कॉन्सर्ट प्रदर्शन के न्यूनतम मनोवैज्ञानिक बाधा "डर", व्यावहारिक रूप से फिर से रचनात्मकता और आत्म-अभिव्यक्ति की जरूरतों को विकसित करने की क्षमता विकसित करना।

इस प्रकार, प्राथमिक शिक्षा में प्रारंभिक कड़ी होने के नाते, चिल्ड्रन्स म्यूजिक स्कूल खुद को प्रत्येक छात्र को पेशेवर गतिविधि के लिए तैयार करने का कार्य निर्धारित नहीं करता है। इसका उद्देश्य बच्चों और किशोरों की एक विस्तृत श्रृंखला की संगीतमय और सौंदर्य शिक्षा है, लेकिन, इसके अलावा, संगीत विद्यालय को सबसे सक्षम छात्रों की पहचान करनी चाहिए और उन्हें विशेष शैक्षणिक संस्थानों में प्रवेश के लिए तैयार करना चाहिए। संगीत शिक्षा केंद्रीय घटकों में से एक है सौंदर्य शिक्षा, यह बच्चे के व्यक्तित्व के सर्वांगीण विकास में एक विशेष भूमिका निभाता है। बच्चों के संगीत विद्यालयों की शैक्षिक प्रक्रिया को व्यवस्थित किया जाना चाहिए ताकि यह संगीत के प्रति छात्रों के प्रेम के विकास और उनके संगीत क्षितिज का विस्तार करे।

भावुक और चेतन की एकता का सिद्धांत

बारीकियों के कारण संगीत कला और इसकी धारणा की ख़ासियत, जिसके विकास के लिए संगीत के कारण होने वाले भावनात्मक प्रभावों के साथ-साथ इसके उपलब्ध अभिव्यंजक साधनों के बारे में जागरूकता की आवश्यकता होती है।

कलात्मक और तकनीकी की एकता का सिद्धांत इस तथ्य पर आधारित है कि किसी कार्य के कलात्मक, अभिव्यंजक प्रदर्शन के लिए उपयुक्त कौशल और क्षमताओं की आवश्यकता होती है, जिसमें से एक लक्ष्य प्राप्त करने का साधन है - एक संगीत कार्य का कलात्मक प्रदर्शन, लेकिन छात्र की रचनात्मक पहल के विकास के अधीन। ।

मोडल लयबद्ध भावना और रूप की भावना के विकास की एकता का सिद्धांत विभिन्न प्रकार की संगीत गतिविधि से गुजरना चाहिए। संगीत क्षमताओं के जटिल और सुसंगत विकास के लिए धन्यवाद, बच्चे संगीत के विकास के सिद्धांतों, संगीत भाषण के तत्वों की अभिव्यंजना, संगीत रूपों की अभिव्यंजक संभावनाओं के बारे में विचार बनाते हैं।

कार्यप्रणाली के उद्देश्यों में शैक्षिक प्रक्रिया के विभिन्न रूपों का सुधार, संगीत विद्यालय शामिल हैं: विशेषता में पाठ, सैद्धांतिक अध्ययन, सामूहिक खेल संगीत, पसंद का विषय, पाठ्येतर और पाठ्येतर कार्य।

संगीत विद्यालय और बच्चों के विद्यालय संगीत परवरिश और बच्चों की शिक्षा का केंद्र बने हुए हैं। एक सामान्य संगीत शिक्षा देने के लिए, सौंदर्य स्वाद बनाने के लिए, तैयार श्रोता को लाने के लिए, शौकिया प्रदर्शन में एक सक्रिय भागीदार, संगीत वाद्ययंत्र बजाना सिखाने के लिए, रचनात्मक झुकाव विकसित करने के लिए - ये कार्य अभी भी बच्चों के संगीत के काम की दिशा निर्धारित करते हैं स्कूल।

एकरूपता और औसत के सिद्धांतों के अनुसार शैक्षिक प्रक्रिया का निर्माण छात्रों के विकास को रोकता है। विकासात्मक शिक्षण मॉडल की लगातार बढ़ती भूमिका स्पष्ट है, कला के क्षेत्र में बच्चों की जोरदार गतिविधि सुनिश्चित करना और सीखने में छात्रों की सतत रुचि का योगदान है। बच्चों के संगीत स्कूलों और बच्चों के स्कूलों को भी छात्रों के शुरुआती व्यावसायिक मार्गदर्शन के कार्यों को करने के लिए कहा जाता है, बच्चों के प्रभावी विकास और शिक्षा के लिए वास्तविक परिस्थितियां पैदा करनी चाहिए जो कला के क्षेत्र में व्यावसायिक शिक्षा प्राप्त करने की क्षमता रखते हैं। बच्चों के संगीत स्कूलों और बच्चों के कला स्कूलों में काम का आधार विशेषता में कक्षा में व्यक्तिगत प्रशिक्षण है।

संगीत स्कूलों में शैक्षिक प्रक्रिया की मौलिकता काफी हद तक शैक्षिक कार्यों के विभिन्न रूपों के संयोजन से निर्धारित होती है। बच्चों के संगीत विद्यालय और बच्चों के कला विद्यालय (व्यक्तिगत, समूह, सामूहिक) का कोई भी पाठ छात्रों को स्वतंत्र संगीत गतिविधि के लिए तैयार करता है।

प्रजनन गतिविधि, सामग्री में महारत हासिल करने की प्रक्रिया में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है: यह उस चीज़ का प्रजनन हो सकता है जिसे पूरे या कुछ हिस्सों में सुना गया है, नकल या नकल, लेकिन हमेशा किसी की सक्रिय क्रिया में। केवल साधन प्रदर्शन पर पाठ एक छात्र को पूर्ण ज्ञान और सैद्धांतिक ज्ञान को आत्मसात करने के लिए तैयार कर सकता है। बच्चों के संगीत विद्यालय के शिक्षक का कार्य साधन में महारत हासिल करने की प्रक्रिया में बच्चे को रुचि रखने में सक्षम होना है, और फिर इसके लिए आवश्यक कार्य धीरे-धीरे एक आवश्यकता बन जाएगा। साधन में महारत हासिल करने का आधार कोई तकनीकी तकनीक नहीं है, बल्कि छात्र की संगीत चेतना (श्रवण) है।

बच्चों के संगीत स्कूलों में छात्रों की व्यक्तिगत शिक्षा और परवरिश एक व्यक्तिगत छात्र की योजना के आधार पर की जाती है, जिसमें उनके विकास का पता लगाया जाता है और संगीत स्कूल में अध्ययन के सभी वर्षों के लिए योजना बनाई जाती है।

एक व्यक्तिगत कार्यक्रम बनाते समय, शैक्षणिक योग्यता के सिद्धांत को ध्यान में रखा जाता है। प्रत्येक छात्र का कार्यक्रम शैलियों और शैलियों में विविध होना चाहिए।

कला के क्षेत्र में शैक्षिक संस्थानों की गतिविधियों के लिए बदली हुई परिस्थितियाँ नए, पाठ्यक्रम और शैक्षिक कार्यक्रमों के लिए विशेष आवश्यकताएं निर्धारित करती हैं।

1. संगीत वाद्ययंत्र का उपयोग करने में व्यावहारिक कौशल सिखाना;

2. शिक्षण सैद्धांतिक और व्यावहारिक नींव संगीत साक्षरतानोट्स से गाने का कौशल;

3. पाठ्यक्रम और "बच्चों के संगीत स्कूलों में संगीत साहित्य" के ढांचे के भीतर कलात्मक और सौंदर्य शिक्षा;

4. सामूहिक सीखने के रूपों और कौशल का गठन (सामूहिक संगीत-निर्माण);

5. छात्रों की आत्म-अभिव्यक्ति की रचनात्मक क्षमताओं और आवश्यकताओं का व्यावहारिक कार्यान्वयन (पसंद का विषय)।

कलाकारों की टुकड़ी - एक साथ प्रदर्शन करने वाले कलाकारों का एक समूह नाटक का एक सामूहिक रूप है, जिसकी प्रक्रिया में कई संगीतकार संयुक्त रूप से प्रदर्शन करके किसी कार्य की कलात्मक सामग्री को प्रकट करते हैं। कलात्मक इरादों की एकता, जो प्रदर्शन किया जा रहा है उसके प्रति भावनात्मक प्रतिक्रिया की एकता, सभी का प्रेरणादायक नाटक वह है जो कला को इकट्ठा करता है।

कलाकारों की टुकड़ी - संगीतकार के स्कूल की पूर्णता।

इच्छा और आत्म-नियंत्रण एक संगीतकार की आवश्यकताएं हैं। उनके बिना, न तो दैनिक स्वतंत्र कार्यों में, और न ही मंच पर यह असंभव है। लेकिन बहुत हद तक, इन गुणों की आवश्यकता खिलाड़ी की टुकड़ी में होती है। "वसीयत" की परिभाषा का अर्थ है "किसी व्यक्ति के अपने व्यवहार और गतिविधियों के प्रति सचेत स्व-विनियमन, जो मस्तिष्क के कार्यों को नियंत्रित करता है, जिसमें बाहरी और आंतरिक बाधाओं को पार करते हुए सक्रिय रूप से एक निर्धारित लक्ष्य को प्राप्त करने की क्षमता होती है।"

एक कलाकार के लिए, "इच्छा" कलात्मक सफलता में सबसे महत्वपूर्ण, अक्सर निर्णायक कारक है: एक संगीत प्रदर्शन का परिणाम अक्सर इसकी उपस्थिति या अनुपस्थिति पर निर्भर करता है। यह ज्ञात है कि एक कलाकारों की टुकड़ी के काम के लिए सामान्य रिहर्सल के अलावा, गहन स्वतंत्र अध्ययन की आवश्यकता होती है।

विल हमारे अवचेतन में होने वाली प्रक्रियाओं के साथ एक आदेश है। यह कोई संयोग नहीं है कि मैंने वाष्पशील गुणों के लक्षण वर्णन पर इतना ध्यान दिया। एक पहनावा रचनात्मकता का एक सामूहिक रूप है, इसलिए यह मौजूद नहीं हो सकता है यदि इसके प्रत्येक सदस्य भावनाओं के साथ खुद को नियंत्रित करना नहीं सीखते हैं। दरअसल, काम की प्रक्रिया में, आपको रचनात्मक रूप से हल करना होगा - मुश्किल सवाल... सशर्त गुणों की परवरिश आवश्यक है, वे सामान्य रूप से व्यक्ति की परवरिश से अविभाज्य हैं।

पहनावा एक तनावपूर्ण माहौल में रहना चाहिए, जो पहले से ही हासिल की गई चीज़ों से भी अधिक के लिए निरंतर प्रयास में है। मुख्य बात लक्ष्य है। यह महसूस करना आवश्यक है कि एक छोटा सा कदम भी आपको लक्ष्य के करीब लाता है। लक्ष्य को समझने के बाद, उन साधनों को निर्धारित करना आवश्यक है जिनके द्वारा इसे प्राप्त किया जाएगा।

अनुभूति एक शाश्वत और अंतहीन प्रक्रिया है। समय पहनावा के काम को भी प्रभावित करता है। समय के कारक को ध्यान में रखते हुए, कलाकारों की टुकड़ी की कला में महारत हासिल करने के लिए एक कार्यप्रणाली विकसित करना आवश्यक है: यह सुनिश्चित करना है कि कम से कम समय में महत्वपूर्ण परिणाम प्राप्त किए जाएं। इसलिए, समय की योजना बनाने के लिए एक नए काम पर काम करने वाले कलाकारों की टुकड़ी के लिए यह उचित है।

पहनावा में मनोवैज्ञानिक जलवायु की भूमिका।

"मनोवैज्ञानिक जलवायु" की अवधारणा में कलाकारों की टुकड़ी के सामंजस्य का स्तर, आपसी समझ, संगठन, अनुशासन, खुद के प्रति दूसरों के प्रति सटीकता और आपसी सहयोग और सहायता शामिल है, अर्थात। कई कारक जो बनाते हैं उन्हें आमतौर पर पहनावा का रचनात्मक वातावरण कहा जाता है।

सभी कार्य जो नेता के पहनावे के लिए निर्धारित किए गए हैं, उन्हें साझेदारों द्वारा गहराई से महसूस किया जाना चाहिए और अपनी खुद की मान्यताओं का एक अभिन्न अंग बनना चाहिए।

कला शिक्षा नैतिक से अविभाज्य। स्वयं की क्षमता, किसी की क्षमताओं, स्वार्थों की अधिकता, व्यावसायिक कौशल के विकास को नकारात्मक रूप से प्रभावित करती है। कलाकारों की टुकड़ी में से एक में इस बीमारी की अभिव्यक्ति पूरे व्यवसाय को बर्बाद कर सकती है।

कलाकारों की टुकड़ी के अस्तित्व के लिए आवश्यक शर्तों में से एक अपने सदस्यों और नेता के "अधिकारों और जिम्मेदारियों" का स्पष्ट रूप से वर्णन है। यह प्रश्न, हालांकि, जटिल है, और आज सर्वसम्मति नहीं है: कुछ का मानना \u200b\u200bहै कि कलाकारों की टुकड़ी को एक नेता की जरूरत है, क्योंकि सामूहिक के काम में एक एकीकृत सिद्धांत की आवश्यकता होती है, दूसरों को यकीन है कि, ऑर्केस्ट्रा के विपरीत, यह एक संघ है समान संगीतकारों की, और इसलिए प्रतिभागियों में से एक को प्रस्तुत करना एक कलाकारों की टुकड़ी की अवधारणा के साथ असंगत है।

अपने निर्देशों का पालन करते हुए, कंडक्टर का पालन करना, चीजों के क्रम में है, लेकिन पहनावा में यह असंभव है। नेता को अतिरिक्त व्यक्तिगत ज़िम्मेदारी, पहनावे के मामलों के लिए अतिरिक्त ज़िम्मेदारियाँ निभानी पड़ती हैं। वह रचनात्मक प्रक्रिया में सर्जक, आयोजक है, विशेष रूप से, दूसरों की तुलना में अधिक प्रदर्शनियों के चयन में पहल करनी चाहिए।

एक पहनावा सामूहिक रचनात्मकता का एक रूप है, जहां प्रत्येक प्रतिभागियों को दो गुणों को जोड़ना होगा: परिस्थितियों के आधार पर, एक नेता और एक अधीनस्थ दोनों हो।

नेता का कार्य कलाकारों की टुकड़ी के सदस्यों को एकजुट करना है कला सामूहिक, इसके तात्कालिक कार्यों को निर्धारित करते हैं, काम की संभावनाओं को रेखांकित करते हैं। नेता को यह याद रखना चाहिए कि प्रत्येक कलाकारों की टुकड़ी में एक रचनात्मक व्यक्तित्व विकसित करने के लिए आवश्यक है, अपनी "भूमिका" प्रकट करने के लिए। बहुत कुछ नेता के व्यक्तिगत गुणों पर निर्भर करता है। टीम का नेतृत्व करने में सक्षम होना एक महान कला है। नेता खुद पर उच्च मांगों के लिए बाध्य है; प्रबंधक की जिम्मेदारियों में शामिल हैं:

1. एक नए प्रदर्शनों की सूची के लिए खोजें;

2. योजना और आचरण पूर्वाभ्यास कार्य;

3. एकल और समूह संगीत कार्यक्रम आदि की रचना करना।

मुख्य समस्या प्रदर्शनों की सूची, प्रदर्शनों का जीवन है। निष्कर्ष में, हम निम्नलिखित कह सकते हैं:

पहनावा होना चाहिए:

निर्धारित लक्ष्य प्राप्त करने में पहनावा की सहायता करना;

अपने प्रदर्शन कौशल को बेहतर बनाने के लिए व्यवस्थित रूप से कार्य करें;

टीम के काम के परिणामों का गंभीरता से आकलन करें, यह याद रखें कि जो हासिल किया गया है उस पर कोई रोक नहीं सकता है;

आत्म-आलोचनात्मक बनो;

सिर के निर्देशों को पूरा करने के लिए;

पूर्वाभ्यास आदि के लिए सावधानीपूर्वक तैयारी करें।

पहनावा का रचनात्मक कार्य

पूर्वाभ्यास करने की शर्तें।

पूर्वाभ्यास एक विशाल कमरे में होना चाहिए और मंच पर भी बेहतर होना चाहिए। कमरे के ध्वनिकी का बहुत महत्व है। रिहर्सल समय पर शुरू होनी चाहिए और समय पर सही खत्म होनी चाहिए। जब तक यह शुरू हो जाता है, तब तक कलाकारों को खेलना चाहिए ताकि वे किसी भी जटिलता के टुकड़े के साथ पूर्वाभ्यास शुरू कर सकें। पूर्वाभ्यास योजना अग्रिम में निर्धारित की जाती है, इसे तीव्र होना चाहिए, लेकिन इसे पूरा करने के लिए यथार्थवादी होना चाहिए।

खेलों को सावधानीपूर्वक निर्धारित किया जाना चाहिए।

एक पहनावा एक एकल जीव है, यह केवल एक दूसरे के साथ सुसंगतता में पैदा होता है, सबसे पहले, अर्थ अर्थ में, और इसलिए एक धराशायी, गतिशील, गति, लयबद्ध आदि में।

पहले रिहर्सल में, आपको कामों को पूरी तरह से कवर करना चाहिए और फिर विवरणों पर श्रमसाध्य रूप से काम करना चाहिए, उन्हें पॉलिश करना चाहिए। जैसा कि आप अलग-अलग हिस्सों को मास्टर करते हैं - कनेक्ट करें, उन्हें "संपादित करें", अंत में शुरू से अंत तक टुकड़ा खेलने की कोशिश करें। एक पंक्ति में कई बार पूरे टुकड़े को खेलना शुरू में उचित नहीं है। यह अच्छे से ज्यादा नुकसान करता है। अगले रिहर्सल में, हमें मुख्य कलात्मक लक्ष्य के बारे में भूलकर भी, एक पल के लिए, वाक्यांशों, गतिशीलता, ध्वनि गुणों को सुधारने पर काम करना जारी रखना चाहिए।

नेता को खेल के दौरान आवश्यक टिप्पणियां करके समग्र ध्वनि को सही करना चाहिए। अपनी टिप्पणी के साथ कलाकारों का ध्यान भंग करके, वह उन्हें एक विचित्रता में डाल देता है। और, फिर भी, यह अन्य बातों के अलावा, पार्टियों के ज्ञान की ताकत का परीक्षण करने के लिए काम का एक उपयोगी रूप है। खेल के दौरान स्टॉप संभव हैं। इस मामले में, प्रबंधक को कारण स्पष्ट करना चाहिए, एक विशिष्ट टिप्पणी करनी चाहिए और इसके लिए तर्क देना चाहिए।

एक नया टुकड़ा खेलने के रूप इसकी तत्परता की डिग्री, साथ ही मात्रा के आधार पर भिन्न हो सकते हैं। यह गति और गतिशीलता को अलग करने के लिए वांछनीय है। इसी समय, गतिशीलता की दृष्टि से सार्थक रूप से खेलना, बारीकियों का अवलोकन करना और पार्टियों का सही अनुपात बनाए रखना महत्वपूर्ण है। एक टुकड़ा बजाते समय, हर बार आपको एक निश्चित कार्य निर्धारित करना चाहिए - जो आपने पास किया है उसे समेकित करना, भागों के बीच संबंध में सुधार करना, कठिन स्थानों पर काम करना, कैसुरा, फरमेट, गति को बढ़ाना, आदि। आपको यह सुनिश्चित करने के लिए प्रयास करने की आवश्यकता है कि प्रत्येक अगला दोहराव पिछले एक से बेहतर है।

भविष्य में, आपको दिल से भाग प्रदर्शन करना चाहिए। यह वांछनीय है: कि काम में प्रत्येक पूर्वाभ्यास पर ऐसे टुकड़े हैं जो विभिन्न कार्यों को करते हैं, उदाहरण के लिए: एक सामान्य परिचित के लिए टुकड़े! दृष्टि पठन पर आधारित ;; कलात्मक कार्य / विश्लेषण / के पहले चरण में काम करता है; कलात्मक विकास के लिए काम करता है; काम के अंतिम चरण में काम करता है / भागों के अंतिम पीस! बार-बार किए जाने वाले टुकड़े।

एक संगीत पर काम के मुख्य चरण

उत्पाद।

पहला चरण काम के साथ सामान्य शब्दों में परिचित होना है, इसके लेखक, वह युग जिसमें संगीतकार रहते थे, काम के निर्माण के इतिहास के साथ।

दूसरा - कलाकार को ध्यान से पाठ को काम करना चाहिए, इसकी बनावट, स्ट्रोक, गतिकी, लय का विश्लेषण करना चाहिए, आयाम, खेल की तकनीक, आदि का निर्धारण करना चाहिए। लेखक के इरादे के मूर्त रूप के लिए प्रदर्शन उपकरण की खोज और अनुमोदन।

तीसरा - खेल के स्थापित कौशल और तकनीकों के आधार पर, लेखक के इरादे को मूर्त रूप देने के लिए; इसके साथ ही, कलात्मक छवि की पहचान में योगदान देने वाले अर्थपूर्ण अर्थ को और बेहतर बनाना और गहरा करना आवश्यक है। जैसा कि आप देख सकते हैं, दूसरे और तीसरे चरण के कार्यों में बहुत कुछ है।

चौथा - काम के साथ खेलना, अपनी कलात्मक छवि के लिए अभ्यस्त होना।

एक काम की तकनीकी महारत के चरण:

मोटर कौशल का निर्माण।

सबसे पहले, इस स्तर पर कलाकारों की टुकड़ी का काम संगीत पाठ के सभी तत्वों का अध्ययन और विकास, बनावट का विकास, खेल के आंदोलनों का गठन होना चाहिए। इस चरण को आमतौर पर कार्य के विस्तृत विश्लेषण के रूप में परिभाषित किया जाता है।

इसलिए, सबसे पहले, आपको पाठ पढ़ने की आवश्यकता है:

सबसे पहले, लय को समझना, भागों में पाए जाने वाले विभिन्न लयबद्ध पैटर्न के संबंधों और बातचीत पर विशेष ध्यान देना;

दूसरे, हर चीज में स्ट्रोक को समझने के लिए, उनकी विविधता, उनके कार्यान्वयन के लिए कार्यकारी तकनीकों को रेखांकित करना;

तीसरा, गतिशीलता को सामान्य शब्दों में महसूस करना, ताकि बाद में, जब इसे महसूस करने के लिए अधिक विस्तार से काम किया जाए।

विशेष रूप से तकनीकी रूप से कठिन स्थानों पर बार-बार जाँच करने के बाद, तर्कसंगत फ़िंगरप्रिंटिंग की परिभाषा पर विशेष ध्यान दिया जाना चाहिए। उंगलियों को चलाने और महारत हासिल करने वाले आंदोलनों के आधार पर, धीरे-धीरे गर्दन पर मजबूत अभिविन्यास कौशल बनाते हैं, आलंकारिक रूप से बोलते हुए, "उंगलियों की आंखों के साथ फ्रेट्स देखने के लिए।"

यह याद रखना चाहिए कि गिटार बजाने की प्रक्रिया कलाकार के आंखों के संपर्क से बाहर तार के साथ होती है। इसलिए, पूर्ण आत्मविश्वास हासिल करने के लिए पाठ और विशेष रूप से स्थिति के परिवर्तन से जुड़े स्थानों पर काम करना महत्वपूर्ण है। इसी समय, आंदोलनों का स्वचालितकरण एक अत्यंत आवश्यक शर्त है।

काम के इस चरण में, भागों में होने वाली सभी अस्पष्टताओं को समाप्त करने के लिए, संगीत पाठ को और भी अधिक ध्यान से पढ़ना आवश्यक है। एक कोशिश की और परीक्षण किए गए खेल को एक दूसरे के साथ खेलना, रूपरेखा करना उचित है सामान्य आकृति उनकी आवाज़, जबकि उन हिस्सों को जोड़ना आवश्यक है जो एक-दूसरे के पूरक हैं या समान कार्य करते हैं, काम किए गए भाग एक-दूसरे के साथ जुड़े हुए हैं।

विषयगत सामग्री / मेलोडी /, जो एक संदर्भ बिंदु है, के साथ प्रत्येक ऐसे परिचय को समन्वित करने के लिए, नई आवाज़ों की शुरुआत पर ध्यान देना और याद रखना भी आवश्यक है।

यदि एक टुकड़ा में तेज गति होना चाहिए, तो इसका मतलब यह नहीं है कि एक को तुरंत निर्दिष्ट टेम्पो में खेलना चाहिए। आपको पार्टियों के परिपक्व होने तक इंतजार करना चाहिए। समय से पहले तेज गति से मुड़ने से नुकसान ही हो सकता है।

एक टुकड़े का विश्लेषण करते समय, इसे शुरू से अंत तक, बार द्वारा बार से खेलना उचित नहीं है। कभी-कभी, सामग्री की जटिलता के आधार पर, टुकड़ों में, चुनिंदा रूप से खेलना उपयोगी होता है। इस तरह से काम करने से हमें सीखी हुई या लगभग सीखे हुए टुकड़ों की एक श्रृंखला मिल जाएगी, और यह उन्हें एक पूरे में इकट्ठा करना रहेगा।

यह काफी स्वाभाविक है: यह संगीत के एक छोटे से टुकड़े पर ध्यान केंद्रित करने के लिए एक बात है, और एक और चीज पर ध्यान देना है। यदि पहले मामले में सब कुछ सीखने वाले मार्ग में ट्यून करने की क्षमता पर निर्भर करता है, तो इस मामले में यह एक मार्ग से दूसरे में पुनर्निर्माण की क्षमता पर निर्भर करता है, क्योंकि तकनीकी समस्याओं को एक धारा में हल करना होता है विभिन्न प्रकार बनावट, विभिन्न-बजने वाले संगीत की एक धारा में। आगे के काम में, डायनामिक्स के दृष्टिकोण से आवाज़ों के अनुपात का पालन करना महत्वपूर्ण है: किस टुकड़े को किसी दिए गए टुकड़े में अग्रभूमि में ध्वनि करनी चाहिए, और दूसरी में (और क्यों)।

तुल्यकालिक प्रदर्शन, लयबद्ध सटीकता, रेखा परिभाषा आदि की आवश्यकता वाले स्थानों पर विशेष ध्यान दिया जाना चाहिए।

दूसरे शब्दों में, यह आवश्यक है, कदम से कदम, तकनीकी रूप से निर्दोष प्रदर्शन के लिए नींव रखना, जिसके पीछे कलात्मक प्रदर्शन की आकृति पहले से ही दिखाई देती है। काम को इस तरह से संरचित किया जाना चाहिए कि प्रत्येक पूर्वाभ्यास के साथ यह अंतिम लक्ष्य के करीब और अधिक हो।

पहले से ही इस अवधि के दौरान, धीरे-धीरे दिल से खेलने के कौशल को मास्टर करना आवश्यक है। दिल से खेलने में समय लगता है, इसलिए इसे जल्द से जल्द बनना चाहिए।

संगीतमय छवि के प्रदर्शन के कार्यान्वयन का चरण।

एक कलाकार को एक संगीत छवि को मूर्त रूप देने की क्या आवश्यकता है? संक्षिप्त उत्तर में प्रवेश करने में सक्षम होना है भावनात्मक दुनिया प्रत्येक कृति के लेखक ने अपने विचारों, अपने अनुभवों के साथ प्रदर्शन किया। आखिरकार, एक संगीत कार्यक्रम के कार्यक्रम में विभिन्न संगीतकारों, शैली और चरित्र में अलग-अलग काम शामिल हो सकते हैं, उन्हें प्रकट करने के लिए, उनमें से प्रत्येक को इसकी अंतर्निहित विशेषताओं से "लैस" करना - यह कार्य की जटिलता है।

प्रत्येक भाग पूरे कलाकारों की टुकड़ी द्वारा बनाई गई एकल छवि का एक हिस्सा है, नाटक से एक प्रकार का "चरित्र", एक निश्चित चरित्र के साथ संपन्न होता है, जिसमें किसी को अपनी अंतर्निहित विशेषताओं को गहरा करने की आदत डालनी चाहिए। यह इस दिशा में है कि पार्टी पर काम आगे बढ़ना चाहिए: किसी को न केवल बाहरी सजावट से निपटना चाहिए, प्रदर्शन के तकनीकी पक्ष में सुधार करना चाहिए, बल्कि मुख्य बात यह है कि पार्टी को अंदर से चमकाने के लिए, अपनी सामग्री में गहराई से घुसना चाहिए। ।

किसी काम पर काम करते समय, किसी को न केवल पाठ, बल्कि उप-पाठ भी बेहतर ढंग से पढ़ना चाहिए।

मुख्य कार्य के साथ घनिष्ठ संबंध में - एक संगीत छवि का निर्माण - इस अवधि में, ध्वनि उत्पादन के लिए आवश्यक तकनीकों का सावधानीपूर्वक विकास, ध्वनि रंगों की खोज, गतिशील रंगों के शोधन आदि जैसे मुद्दों का समाधान किया जा रहा है। । रंगों की तलाश में, किसी को मुखर ध्वनि, या एक ऑर्केस्ट्रा के समय के प्रतिनिधित्व से आगे बढ़ना चाहिए। ध्वनि पर काम किए बिना, एक संगीत छवि को "आकर्षित" करना शायद ही संभव होगा। इसी समय, प्रत्येक मधुर रेखा के राहत प्रजनन को प्राप्त करने के लिए, उपकरणों की टिमबर क्षमताओं का उपयोग करना आवश्यक है।

काम पर निरंतर काम करते हुए, व्यक्तिगत संगीत निर्माणों के अंतर्संबंध का पालन करना आवश्यक है: वाक्यांश, भाग, परिणति पर ध्यान देना, "स्थानीय" और केंद्रीय, टेम्पो की शाम, लयबद्ध स्थिरता, कृषि विचलन आदि। इसके साथ ही - काम की संरचना का विश्लेषण करने के लिए, इसका नाटक।

भागों में से प्रत्येक के लिए पूरी तरह से और पूर्ण भावनात्मक समर्पण के साथ खेलने के लिए गहन और अधिक सार्थक प्रदर्शन के लिए प्रयास करना आवश्यक है। एक नए काम के अध्ययन पर काम का समापन तब शुरू होता है जब कुछ भी नहीं जोड़ा जा सकता है, लेकिन जब कुछ भी पहले से हासिल नहीं किया जा सकता है।

एक काम को माहिर करना, जैसा कि हम देख सकते हैं, एक जटिल बहु-कार्य प्रक्रिया है। यहां, निस्संदेह, एक कठिन समस्या को अपेक्षाकृत सरल लोगों की संख्या में विभाजित किया जाना चाहिए, उन्हें सरल से जटिल सिद्धांत के अनुसार क्रमिक रूप से हल करना।

टिम्ब्रे और ध्वनि उत्पादन की कला।

ध्वनि, जैसा कि आप जानते हैं, गुण हैं: पिच, मात्रा, समय और अवधि।

झुका हुआ स्ट्रिंग पहनावा एक पहनावा का एक उत्कृष्ट उदाहरण है जहां संबंधित उपकरणों में अलग-अलग टाइमब्रिज होते हैं।

हालांकि, यह कार्य न केवल कलाकारों की टुकड़ी के लिए समृद्ध समय की संभावनाओं के लिए है, बल्कि यह भी है कि कैसे कुशलतापूर्वक उनका उपयोग किया जाए। काफी हद तक यह साधन का उपयोग करने की कला पर निर्भर करता है। यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि वाद्य-यंत्र के पास अपने निपटान में न केवल वह समय-सारिणी है जो इस या उस उपकरण के पास है, बल्कि उनके संयोजन के परिणामस्वरूप प्राप्त की जा सकती है।

कलाकारों की टुकड़ी में खेलने के लिए, ध्वनि के रंग का सूक्ष्म बोध होना बहुत जरूरी है, जिसे रचना की शैली और प्रकृति के आधार पर बदलना चाहिए। ध्वनि की संस्कृति पर काम बारीकियों की सटीकता के साथ गतिशीलता के उन्नयन पर काम करता है, विभिन्न स्ट्रोक का विकास, पहनावा की व्यक्तिगत आवाज़ों की आवाज़ के संतुलन पर काम करता है, आदि।

इस मामले में, गहन कौशल की परवरिश पर विशेष ध्यान दिया जाना चाहिए, "ध्वनियों का सार्थक उच्चारण।"

संगीतकार - कलाकार का कार्य: ध्वनि के माध्यम से खुद को व्यक्त करने में सक्षम होना। पूर्णता के लिए ध्वनि की अभिव्यक्ति की कला में महारत हासिल किए बिना, संगीत की आवश्यक विशेषता को व्यक्त करने के लिए एक पूर्ण कलात्मक छवि बनाना असंभव है।

संक्षेप में ध्वनि उत्पादन की तकनीकों के बारे में।

ध्वनि निष्कर्षण की विधि के बारे में बात करने से पहले, प्रत्येक उंगली की विशेषताओं के बारे में कुछ शब्द कहना आवश्यक है। सबसे मजबूत सबसे बड़ा है; सबसे निपुण - (सूचकांक); सबसे मजबूत, सबसे लंबा, तीसरे पर निर्भर करता है; चौथी उंगली (अनामिका) कमजोर और कम मोबाइल है। पांचवें (छोटी उंगली) - वह खेल में भाग नहीं लेता है।

आवाज़ निकालने के दो तरीके हैं:

1. Apoyando - दाहिने हाथ की उंगलियों के साथ ध्वनि उत्पादन की एक विधि, इसके बाद अगले (आसन्न) स्ट्रिंग पर उंगलियों को रोककर।

2. टायरोन्डो - बगल के तारों पर उंगलियों के बाद के रोक के बिना दाहिने हाथ की उंगलियों के साथ ध्वनि उत्पन्न करने की एक विधि।

स्ट्रोक - अभिव्यक्ति के साधन के रूप में।

कलाकारों की टुकड़ी के प्रदर्शन के रूप में, एकल नाटक में, छू रहे हैं महत्वपूर्ण उपाय अभिव्यक्ति इसलिए, पहनावा के सभी सदस्यों को पूरी तरह से विभिन्न स्ट्रोक प्रदर्शन की तकनीक में महारत हासिल करनी चाहिए। स्ट्रोक के विवरण में विस्तार से जाने के बिना, बस उन्हें याद करें।

लेगाटो (1 ईगेटो - एक जुड़ा हुआ प्रदर्शन, जब एक ध्वनि आसानी से दूसरे में गुजरती है, तो अपनी उँगलियों को तारों से ऊँचा न उठाएँ और उन्हें धीरे से रखें। लेगाटो गिटार तकनीक में, न केवल जुड़े हुए प्रदर्शन पर विचार करना आवश्यक है, बल्कि यह भी है। ध्वनि उत्पादन की एक तकनीक, जो सर्वोपरि है।

लेटाटो तकनीक को तीन तरीकों से किया जाता है:

1. मेथोड: ध्वनियों के आरोही क्रम में, पहली ध्वनि हिटिंग द्वारा निर्मित होती है

दाहिने हाथ की उंगली, और दूसरी या बाद की उंगलियां (दाएं)

बाएं हाथ, जो एक ही स्ट्रिंग पर बल के साथ कम है, इसे दबाएं और

दाहिने हाथ की भागीदारी के बिना इसे आवाज़ दें:

2. विधि: जब ध्वनियों के आउटगोइंग क्रम का उपयोग किया जाता है। पहली ध्वनि दाहिने हाथ की उंगली से निकाली जाती है, और दूसरी और बाद वाली - बाएं हाथ की उंगलियों की ओर हटाने से।

3. मेथोड: इसका उपयोग ध्वनियों के आउटगोइंग क्रम के लिए भी किया जाता है, जब दो नोटों को फ्यूज किया जाता है, जो अलग-अलग तारों पर खेले जाते हैं, पहला नोट दाहिने हाथ की उंगली से एक झटका से प्राप्त किया जाता है, और दूसरा - एक से बाएं हाथ की एक उंगली से झटका, जो जबरदस्ती सही जगह पर एक और स्ट्रिंग पर उतारा जाता है और दाहिने हाथ की भागीदारी के बिना इसे आवाज करता है।

स्टैकटो - नोटों के ऊपर या नीचे डॉट्स द्वारा इंगित; लगता है कि अचानक किया जाता है, जैसे कि प्रत्येक नोट के बाद एक विराम। जिसके ऊपर साइन लगा हो।

गिटार पर स्टेकाटो खेलने के लिए, आपको अपने दाहिने हाथ से ध्वनि निकालने की आवश्यकता है और तुरंत इस उंगली को उस स्ट्रिंग पर रखें जहां से ध्वनि निकाली गई थी, जिससे स्ट्रिंग को प्रतिध्वनित होने से रोका जा सके।

नॉन लेगैटो एक स्ट्रोक है जिसमें ध्वनियों की लगभग समान अवधि होती है जब लेगैट बजाते हैं। हालांकि, वे संबंधित नहीं हैं।

लयबद्ध एकता के कारक के रूप में ताल।

उन घटकों में से जो संगीतकारों को एक सामंजस्यपूर्ण कलाकारों की टुकड़ी में एकजुट करते हैं, मेट्रो ताल शायद सबसे महत्वपूर्ण है। मेट्रो ताल की अनुभूति। संक्षेप में, वह पहनावे में एक कंडक्टर का कार्य करता है:

प्रत्येक प्रतिभागी द्वारा एक मजबूत बीट की भावना वह "छिपा हुआ" कंडक्टर है, जिसका "इशारा" पहनावा के एकीकरण में योगदान देता है।

पहनावा एक साथ खेलने की कला है। एकता, इसकी ध्वनि की समकालिकता अन्य महत्वपूर्ण स्थितियों में पहली है। मेट्रो ताल नींव है, जिस पर पहनावा की पूरी इमारत टिकी हुई है। लयबद्ध निश्चितता खेल को और अधिक विश्वसनीय, अधिक तकनीकी रूप से विश्वसनीय बनाती है। इस आधार पर, अंतिम विश्लेषण में, आंदोलनों की स्वचालितता को मजबूत किया जाता है, जिसके बिना प्रदर्शन तकनीक अकल्पनीय है। इसके अलावा, एक कलाकार जो अनियमित रूप से खेलता है वह सभी प्रकार की दुर्घटनाओं के लिए अतिसंवेदनशील होता है।

मेट्रो ताल की एक और विशेषता को इंगित करते हैं; यहां तक \u200b\u200bकि आंदोलन की भावना, एक निश्चित गति पर आंदोलन विकसित नहीं किया गया है, कभी-कभी विभिन्न कृषि विचलन के कलात्मक माप को निर्धारित करना मुश्किल होता है। यह आवश्यक है कि पहनावा में लयबद्ध, स्थिर कलाकार शामिल हैं, ताकि उनमें से अधिक हो।

लयबद्ध एकता व्यावहारिक रूप से एक पहनावा में कैसे प्राप्त की जाती है? प्रत्येक व्यक्तिगत मामले में, उस भाग का चयन करना आवश्यक है, जो इसकी लयबद्ध संरचना के अनुसार, अग्रणी कार्य को सबसे अच्छे तरीके से करेगा।

इस प्रकार, पहनावा और ताल के क्षेत्र में "अग्रणी" और "नेतृत्व" की अवधारणा।

"पोल्का" आई। कफ़नर।

गतिशीलता व्यक्त के साधन के रूप में

संगीतमय बनावट के विभिन्न तत्वों को अलग-अलग गतिशील स्तरों पर ध्वनि करनी चाहिए। यह याद रखना चाहिए कि किसी कार्य की गतिशीलता का अर्थ स्वयं से नहीं, बल्कि विभिन्न गतिशील स्तरों की तुलना (विपरीत) है।

एफ। डुरेंटे "गैलियार्डा"।

पुत्र-शक्ति की समरूपता का श्रवण करने के बाद, व्यक्ति धीरे-धीरे बढ़ने या धीरे-धीरे ध्वनि की शक्ति कम करने से जुड़े कौशल का अभ्यास कर सकता है। यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि क्रैसेन्डो प्रभावशाली है जब ताकत में वृद्धि विशेष रूप से चढ़ाई के बहुत अंत में, अंतिम चरण में अंतिम स्थान पर होती है। इसलिए, क्रमिक विकास पर नज़र रखते हुए, creschendo को लाइन के पूरा होने के क्षण में उपयोग करने के लिए ताकत का एक आरक्षित होना आवश्यक है। यही बात डिमिनुएन्डो पर लागू होती है, इस अंतर के साथ कि ध्वनि की ताकत को कम करने से इसे बढ़ाने की तुलना में अधिक मुश्किल है। इस बीच, न केवल इस स्थिति का अक्सर उल्लंघन होता है, बल्कि ध्वनि की तीव्रता में क्रमिक वृद्धि या कमी की बहुत प्रक्रिया भी होती है।

अर्र। वाई। सोलोवैवा "सेब के पेड़ के नीचे हरा"

गति के साधन के रूप में टेंपो

टुकड़े के गति का निर्धारण - महत्वपूर्ण बिंदु प्रदर्शन कला में। सही तरीके से चुना गया टेम्पो संगीत के चरित्र के सही संचरण में योगदान देता है, एक तरह से गलत टेम्पो या दूसरा टुकड़ा के चरित्र को विकृत करता है। यद्यपि इसमें सामग्री के रूप में, संगीत की गति की परिभाषा तक, टेम्पो के लेखक के निर्देश हैं कलात्मक चित्र.

कई कार्यों के लिए, एक तथाकथित टेम्पो ज़ोन है, जिसके भीतर ही संगीत के अर्थ को बदले बिना टेम्पो को विविध किया जा सकता है।

तेज गति के लिए, यह अपने आप में एक अंत नहीं होना चाहिए: टेम्पो हमेशा प्रदर्शन किए गए टुकड़े के संगीत की प्रकृति से निर्धारित होता है। एक तेज गति मेट्रो-लयबद्ध स्थिरता के लिए ताकत के लिए पहनावा की एक परीक्षा है। पहनावा को आंदोलन की गति से ही नहीं, बल्कि उसमें सामंजस्य, व्यवस्था, तकनीकी स्वतंत्रता और सुसंगतता की कमी से डरना चाहिए।

टेम्पो की सीमाओं का निर्धारण, काम की बनावट को ध्यान में रखना आवश्यक है, और, निश्चित रूप से, कलाकारों की टुकड़ी की तकनीकी क्षमता। तेज गति की सीमाएं भी निर्भर करती हैं गुणात्मक रचना सामूहिक। अंत में, टेम्पो कलाकार के व्यक्तित्व पर निर्भर करता है।

सीखा हुआ टुकड़ा हर समय तेज गति से नहीं खेला जा सकता है; पाठ को "साफ" करने के बाद, आप फिर से नए, अधिक के साथ एक तेज गति से वापस आ सकते हैं उच्च मांगें, प्रदर्शन की गुणवत्ता के अर्थ में।

सिंक्रोनसिटी हासिल करने की तकनीक

ध्वनि को इकट्ठा करना

पहनावा ध्वनि की समकालिकता को प्रत्येक उपाय की मजबूत और कमजोर धड़कनों के समय संयोग की सटीकता के रूप में समझा जाना चाहिए, पहनावा के सभी सदस्यों द्वारा सबसे छोटी अवधि का प्रदर्शन करते समय अत्यंत सटीकता।

किसी को यह धारणा मिलनी चाहिए कि एक व्यक्ति नियंत्रण के एक "केंद्र" के साथ खेल रहा है, जिसका अर्थ है कि समान रूप से एक साथ खेलना, जैसे कि भाग के प्रदर्शन में थोड़ी सी भी विसंगतियां एक चौकस श्रोता द्वारा किसी का ध्यान नहीं जाती हैं।

हम ऐसी एकता कैसे प्राप्त कर सकते हैं ताकि हर कोई एक व्यक्ति के रूप में एक ही समय में शामिल हो सके, सभी एक साथ खेलें (टुकड़े की लंबाई की परवाह किए बिना), साथ ही साथ टेम्पो को बदल दें, यदि आवश्यक हो, तो एक साथ "टेक" या "कॉर्ड" निकालें , और इसी तरह। यह कार्य इस तथ्य से और अधिक जटिल है कि पहनावा प्रसिद्ध मेट्रो-लयबद्ध में निहित होना चाहिए, और इसलिए प्लेटो स्वतंत्रता है।

एक साथ खेलने के लिए, सबसे पहले, एक साथी को समझना सीखना चाहिए, अपने आप में एक गुणवत्ता की खेती करनी चाहिए, जिसे पहनावा की भावना कहा जाता है। यह मुख्य बात है।

START के क्षण में समकालिकता प्राप्त करना

कलाकारों की टुकड़ी में एक कलाकार होना चाहिए जो कंडक्टर के कुछ कार्यों को करता है - वह कभी-कभी इंट्रो दिखाने, उतारने, मंदी आदि के लिए बाध्य होता है।

प्रवेश के लिए संकेत सिर का एक छोटा सा सिर है, जिसमें दो क्षण शामिल हैं: एक मुश्किल से ध्यान देने योग्य ऊपर की ओर आंदोलन और फिर एक स्पष्ट, बल्कि तेज नीचे की ओर आंदोलन। उत्तरार्द्ध प्रवेश के लिए एक संकेत के रूप में कार्य करता है।

नोड हमेशा एक ही तरीके से नहीं किया जाता है: यह सब उस टुकड़े की प्रकृति और गति पर निर्भर करता है। जब एक टुकड़ा एक बार के पीछे से शुरू होता है, तो संकेत अनिवार्य रूप से समान होता है, इस अंतर के साथ कि यदि पहले संस्करण में, सिर उठाते समय, एक ठहराव था, इस मामले में यह ऑफ-बार की आवाज से भर जाता है ।

"मैं तुमसे मिला"।

निष्पादन प्रक्रिया में समानता हासिल करना।

प्रदर्शन के साथ ध्वनि को अपने आप में रखना एक टुकड़े की शुरुआत में एक साथ परिचय की तुलना में और भी कठिन काम है। यह सब इस बात पर निर्भर करता है कि प्रत्येक पहनावा में मेट्रो-लयबद्ध स्थिरता कितनी है, वह कितनी ताल से बजाता है।

एक साथ इगथ के साथ खेलना एक मुश्किल काम है, "तितर-बितर" करने का अवसर हर कदम पर पहनावे के इंतजार में है। आप शुरुआत में यहां छोटे ताल पर जोर देकर मेट्रो-लयबद्ध आधार को मजबूत कर सकते हैं। लहजे आयोजन और एकीकरण सिद्धांत हैं, जिसके कारण ध्वनि का सिंक्रनाइज़ेशन हासिल किया जाता है।

टुकड़े के अंत में सिंक्रोनसिटी।

इस बात पर जोर देने की आवश्यकता शायद ही है कि एक ही समय में सभी को एक साथ पूरा करना कितना महत्वपूर्ण है। इस संबंध में, हम दो संभावित विकल्पों पर ध्यान देते हैं:

1. अंतिम राग (या नोट) की एक विशिष्ट अवधि है;

2. जीवा के ऊपर एक फरमाटा होता है। पहले मामले में, ठीक निरंतर अवधि के आधार पर समकालिकता हासिल की जाती है।

प्रत्येक टुकड़ी मेट्रो-रिदमिक बीट्स को "खुद के लिए" गिनती है और कॉर्ड को समय पर निकाल देती है।

एगोगिक्स के निष्पादन में समकालिकता।

एगोगिक्स करते समय पहनावा की एकता को बनाए रखना, अर्थात। गति और मीटर (मंदी, त्वरण) से छोटे विचलन - एक कार्य जिसे कलाकारों से करीबी ध्यान देने की आवश्यकता होती है। जब टेम्पो निर्धारित किया जाता है, और आंदोलन समान रूप से होना चाहिए, तो पहनावा की एकता बनाए रखना आसान है। गति और बाद में वसूली से विचलन के साथ, ज्ञात कठिनाइयों, क्योंकि पहनावा का प्रत्येक सदस्य अपने तरीके से टेम्पो से इस या उस विचलन को महसूस कर सकता है।

एक कलाकारों की टुकड़ी पर व्यक्तिगत काम

पहनावा हिस्सा - कलाकारों की टुकड़ी पर काम करने के लिए, उच्च स्तर पर अपने प्रदर्शन को सुनिश्चित करने के लिए, यह उसी तरह आवश्यक है जैसे एकल भाग पर। कलाकारों की टुकड़ी का हिस्सा कलात्मक रूप में अभिव्यंजक के रूप में और तकनीकी रूप से एकल के हिस्से के रूप में तकनीकी रूप से स्पष्ट रूप से ध्वनि होना चाहिए। विशेष रूप से उंगलियों पर ध्यान दिया जाना चाहिए, और इसका विश्लेषण करते समय, किसी को न केवल जटिल तकनीकी स्थानों पर ध्यान देना चाहिए, बल्कि उन लोगों पर भी ध्यान देना चाहिए जो पहली नज़र में सरल लगते हैं। यह माना जाना चाहिए कि पहनावा के ध्यान का एक महत्वपूर्ण हिस्सा अन्य भागों को सुनने के लिए निर्देशित है, इसलिए अपने हिस्से के प्रदर्शन के तकनीकी पक्ष पर अंगुली आंशिक रूप से नियंत्रण में लेती है। इसके आधार पर, आंदोलनों का ऑटोमैटिज़्म विकसित किया जाता है, जो पार्टी के प्रदर्शन की सटीकता (तकनीकी शब्दों में) सुनिश्चित करता है।

खेल पर काम करते समय, आपको इसे अच्छी तरह से जानना होगा ताकि आप इसे किसी भी स्थान से खेल सकें, न कि केवल शुरुआत से। यह एक कलाकारों की टुकड़ी के लिए बहुत महत्वपूर्ण है, क्योंकि एक महत्वपूर्ण स्थिति में जल्दी से नेविगेट करने में मदद करता है।

दिल से एक हिस्से को याद करते हुए, इसके कार्य की कल्पना करना आवश्यक है सामान्य जटिल ध्वनि को इकट्ठा करना।

एक पहनावा हिस्सा याद रखने के लिए सबसे महत्वपूर्ण शर्त एक विकसित स्मृति है, और इसके सभी प्रकार: श्रवण, दृश्य, स्पर्श या स्पर्श, मोटर या पेशी।

आइए प्रत्येक प्रकार पर अलग से विचार करें।

एक संगीतकार के लिए श्रवण स्मृति मुख्य प्रकार की स्मृति में से एक है। कलाकार जो भी खेलता है, उसे सबसे पहले सुनना चाहिए और याद रखने की कोशिश करनी चाहिए कि वह क्या खेल रहा है। इस मामले में, किसी को न केवल सुनना चाहिए, बल्कि ध्यान से सुनना चाहिए।

दृश्य स्मृति - निर्धारण दृश्य चित्र... एक निश्चित समय के लिए एक नोट पाठ के साथ काम करना, हम इसे प्रबंधित करते हैं, जैसा कि यह था, हमारे दिमाग में इसकी एक तस्वीर ले लो। नतीजतन, यह अक्सर न केवल पाठ के लिए, बल्कि इसके स्थान के लिए भी याद किया जाता है पत्रक संगीत... इसलिए, आपको नोट्स के साथ भाग नहीं लेना चाहिए, आपको काम करने के लिए दृश्य स्मृति को समय देने की आवश्यकता है।

स्पर्श या स्पर्श - स्पर्श की संवेदना (स्पर्शीय बोध) के आधार पर स्मृति। गिटार बजाते समय, बाएं हाथ पर ध्यान दें, गिटार की गर्दन पर।

मोटर (पेशी) स्मृति - आंदोलनों के स्वचालितता में: उंगलियां "याद रखें"। इसलिए, एक भाग को सीखते समय, किसी को हर समय बाएं हाथ को नहीं देखना चाहिए, इससे केवल मांसपेशियों की स्मृति के विकास में बाधा हो सकती है, जो न केवल सीखने की अवस्था को लंबा कर देगा, बल्कि खेल को दिल से जानने की ताकत को भी प्रभावित करेगा। स्मरण की इस पद्धति के साथ, उंगलियां चलती हैं जैसे कि स्वयं के द्वारा, इस बनावट की केवल संदर्भ ध्वनियां चेतना में दर्ज की जाती हैं, बाकी सभी मांसपेशियों की स्मृति, अवचेतन की उपलब्धि बन जाती हैं।

5. संगीत साक्षरता में सुधार।

6. स्कूल के सामुदायिक जीवन में भाग लेने के लिए छात्रों की मदद करना।

इसी समय, यह जोर दिया जाना चाहिए कि सभी शिक्षण और शैक्षिक कार्य एक शिक्षक द्वारा उच्च पेशेवर स्तर पर किए जाने चाहिए। एक व्यक्तिगत कार्य योजना उन छात्रों के साथ बनाई जानी चाहिए जो पहनावा का हिस्सा हैं।

प्रस्तावित शैक्षिक कार्यक्रम को ध्यान में रखा जाता है: संचयी अनुभव, शिक्षकों की इच्छाओं और टिप्पणियों - चिकित्सकों, साथ ही साथ वर्तमान पद्धति संबंधी कार्यक्रम.

अध्ययन का प्रथम वर्ष

मैं छह महीने (ग्रेड 2)

छात्र को विभिन्न पात्रों के 3-4 कार्यों का अध्ययन करना चाहिए। प्रत्येक छात्र, अपने हिस्से के संगीत पाठ का विश्लेषण करता है, कलाकारों की टुकड़ी के संगीत बनाने की विशेषताओं से परिचित होता है। एक पहनावे में खेलने के प्रारंभिक कौशल का अभ्यास किया जाता है: एक साथ एक ध्वनि लेना और निकालना, न केवल अपने स्वयं के भाग का निरीक्षण करने की क्षमता, बल्कि संगीत पाठ में साथी का हिस्सा भी।

एक साथ खेलते समय लगातार होने वाली झिझक और रुकावटों से बचने के लिए, आपको शुरुआत में धीमी गति का चयन करने की आवश्यकता है। दोनों खिलाड़ी हर व्यंजन, हर संरचनात्मक कण को \u200b\u200bइकट्ठा करते हैं।

शिक्षक छात्र को पहनावे की विशिष्टताओं से परिचित कराता है, भागीदारों की मनोवैज्ञानिक स्थिति पर बारीकी से नजर रखता है। टुकड़े की आवाज़ के लिए उनकी सामूहिक जिम्मेदारी के छात्र को समझाना और कलाकारों की टुकड़ी के प्रति एक दयालु रवैया विकसित करना महत्वपूर्ण है।

पहली तिमाही के अंत में, पहनावा सुनने का एक नियंत्रण रखा जाता है, और वर्ष की पहली छमाही के अंत में, एक परीक्षण, जहां पहनावा विभिन्न पात्रों की दो रचनाएं करता है।

द्वितीय आधा वर्ष

छात्र को विभिन्न वर्णों के 4-5 कार्यों का अध्ययन करना चाहिए। कार्य निष्पादन के विभिन्न स्ट्रोक (स्टैकटो, लेगाटो, नॉन लेगैटो) के लिए चुने जाते हैं। पहनावा में इन स्ट्रोक के निष्पादन की एकता पर काम किया जा रहा है।

इसी समय, कलाकारों की टुकड़ी के काम पर काम चल रहा है और कलाकारों की टुकड़ी के सदस्यों के बीच एक एकीकृत फूटासिंग का विकास हो रहा है।

यह याद रखना चाहिए कि प्राथमिक विद्यालय के बच्चों के लिए खेल की एक तकनीक में संलग्न होना मुश्किल है, इसलिए, पाठ में, आपको संगीत के कई टुकड़ों पर काम करने की आवश्यकता है। और निश्चित रूप से, यहाँ आप लाक्षणिक रूप से स्ट्रोक के निष्पादन की तुलना कर सकते हैं:

"स्टैकाटो" - एक सुई चुभन;

"लेगाटो" - चिकनी गायन (वांछित ध्वनि के आधार पर)।

सीखा हुआ टुकड़ा कक्षा, स्कूल के संगीत कार्यक्रमों में किया जाना चाहिए। ऐसा करने के लिए, छात्र को मंच व्यवहार के लिए पेश किया जाता है। मंच पर प्रदर्शन करने का कौशल तैयार किया जाता है।

चौथी तिमाही में - एक परीक्षण, जहां पहनावा विभिन्न पात्रों की दो रचनाएं करता है।

अध्ययन का दूसरा वर्ष

मैं भूमि द्वारा (ग्रेड 3)

उज्ज्वल के साथ 4-5 टुकड़े संगीत छवियोंजहां कार्य के रूप के बारे में प्रारंभिक ज्ञान का उपयोग किया जाता है। कार्यक्रम के आधार पर, बातचीत एक विशेष टुकड़े के अभिव्यंजक साधनों (स्ट्रोक, गतिकी, लय, गति, आदि) के बारे में है। और कलाकारों को ठीक से बेहतर बनाने के लिए, कलात्मक सोच उपयुक्त है।

शिक्षक को यह याद रखना चाहिए कि छात्र के मानस को धारणा के विखंडन की विशेषता है, अर्थात। एकल फीचर (टेम्पो, डायनामिक्स, टिम्ब्रे, फोंटेसिंग) का पालन। इसलिए, किसी को बहुत अधिक काम के साथ छात्र को "अधिभार" नहीं देना चाहिए। लेकिन एक सुलभ प्रदर्शनों की सूची अत्यंत महत्वपूर्ण है।

द्वितीय आधा वर्ष

हासिल किए गए कौशल में सुधार पर काम जारी है, अभिव्यक्ति के कार्यों और साधनों के रूप का विश्लेषण किया जा रहा है।

ऐतिहासिक, जीवनी, सैद्धांतिक तथ्यों के बारे में एक वार्तालाप छात्र की सोच और धारणा को महत्वपूर्ण रूप से सक्रिय करता है। समझने में मदद करता है, और इसलिए काम करने के लिए।

अध्ययन के 3 वर्ष

1 सेमेस्टर (चतुर्थ श्रेणी)

कार्य की आलंकारिक ध्वनि पर ध्यान दिया जाता है। संगीत लिखना। पहली तिमाही में - सुनने को नियंत्रित करें।

वर्ष का दूसरा भाग

छात्र को 4-5 टुकड़े सीखना चाहिए।

4 साल की पढ़ाई

मैं छह महीने (ग्रेड 5)

छात्र को 4-5 टुकड़े सीखना चाहिए। रोंडो, सोनाटा के बड़े रूपों के साथ परिचित। मजबूत छात्रों के साथ, संगीत कार्यक्रम के रूप से परिचित होना संभव है। पार्टियों के एक समान गति, लयबद्ध तालमेल और गतिशील संतुलन के विकास पर काम जारी है।

कार्य की आलंकारिक ध्वनि पर ध्यान दिया जाता है। संगीत लिखना। पहली तिमाही में - सुनने को नियंत्रित करें।

दूसरी तिमाही में - एक परीक्षण, जहां विभिन्न चरित्र की दो रचनाएं की जाती हैं या बड़े रूप की एक रचना।

द्वितीय आधा वर्ष

छात्र को 4-5 टुकड़े सीखना चाहिए।

कार्यों में तकनीकी समस्याओं की जटिलता को कार्यशील लाइन के विकास पर काम करने की आवश्यकता होती है, साथ ही साथ प्रदर्शन के समान स्ट्रोक के विकास, छात्र के खेल आंदोलनों में स्थिरता। स्वतंत्रता और आत्म-नियंत्रण को बढ़ावा देने के लिए, छात्र को अपने दम पर एक काम सीखने के लिए आमंत्रित किया जाता है।

तीसरी तिमाही में - सुनने को नियंत्रित करें।

चौथी तिमाही में - एक परीक्षण, जहां विभिन्न पात्रों की दो रचनाएं की जाती हैं। संगीत लिखना।

ग्रन्थसूची

1. "यंग गिटारिस्ट", वी कालिनिन;

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5. [०६] पियानो बजाने की कला। शिक्षक के नोट्स ”, जी। न्यूहॉस;

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संगीत निर्माण को सुनिश्चित करें - सर्वांगीण विकास की एक विधि के रूप में

गिटार शिक्षक पिकुलिना जी.बी. की पद्धतिगत रिपोर्ट।

प्राचीन रोमवासी मानते थे कि शिक्षा की जड़ कड़वी थी। लेकिन जब शिक्षक सहयोगी दलों में रुचि के लिए कहता है, जब बच्चे ज्ञान की प्यास से संक्रमित हो जाते हैं, सक्रिय, रचनात्मक कार्य के लिए प्रयास करते हैं, तो शिक्षण की जड़ अपना स्वाद बदल देती है और बच्चों में पूरी तरह से स्वस्थ भूख का कारण बनती है। सीखने में रुचि, खुशी और आनंद की भावना से जुड़ी हुई है जो काम और रचनात्मकता एक व्यक्ति को देती है। बच्चों के खुश रहने के लिए सीखने की रुचि और आनंद आवश्यक है।.

संज्ञानात्मक रुचि का विकास प्रशिक्षण के ऐसे संगठन द्वारा किया जाता है जिसमें छात्र सक्रिय रूप से कार्य करता है, स्वतंत्र खोज और नए ज्ञान की खोज की प्रक्रिया में शामिल होता है, और एक समस्याग्रस्त, रचनात्मक प्रकृति की समस्याओं को हल करता है। केवल छात्रों के मामले में सक्रिय दृष्टिकोण के साथ, संगीत के "निर्माण" में उनकी प्रत्यक्ष भागीदारी कला में रुचि जागृत करती है.

इन कार्यों के कार्यान्वयन में कलाकारों की टुकड़ी की एक बड़ी भूमिका होती है - यह एक प्रकार का संयुक्त संगीत-निर्माण है, जिसका अभ्यास हर समय, हर अवसर पर और किसी भी स्तर पर प्रवीणता में किया जाता था, और आज भी किया जाता है। शैक्षणिक मूल्य इस तरह के संयुक्त संगीत-निर्माण को अच्छी तरह से समझा नहीं गया है, और इसलिए इसे शिक्षण में बहुत कम उपयोग किया जाता है। हालांकि छात्रों के विकास के लिए कलाकारों की टुकड़ी के लाभों को लंबे समय से जाना जाता है।

संगीत बनाने के कलाकारों को क्या फायदा है? यह किन कारणों से छात्रों के सामान्य संगीत विकास को प्रोत्साहित करने में सक्षम है?

छात्रों के सर्वांगीण विकास की एक विधि के रूप में संगीत-निर्माण को सुनिश्चित करें।

1. पहनावा खेलना एक ऐसी गतिविधि है जो व्यापक और विस्तृत के लिए सबसे अनुकूल अवसर प्रदान करती हैसंगीत साहित्य से परिचय।संगीतकार के सामने विभिन्न कलात्मक शैलियों और ऐतिहासिक युगों के काम होते हैं। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि पहनावा खिलाड़ी एक ही समय में विशेष रूप से अनुकूल परिस्थितियों में है - साथ ही गिटार को संबोधित किए गए प्रदर्शनों की सूची के साथ, वह अन्य उपकरणों, प्रतिलेखन, व्यवस्थाओं के लिए प्रदर्शनों की सूची का उपयोग कर सकता है। दूसरे शब्दों में, पहनावा खेलना -निरंतर और नई धारणाओं का तेजी से परिवर्तन, छापे, "खोजों", समृद्ध और विविध संगीत जानकारी का एक गहन प्रवाह।

2. संगीत बजाना छात्र के संगीत और बौद्धिक गुणों के क्रिस्टलीकरण के लिए सबसे अनुकूल परिस्थितियों का निर्माण करता है। क्यों, किन परिस्थितियों के आधार पर? छात्र सामग्री से संबंधित है, वी.ए. के शब्दों में। सुखोमलिंस्की "स्मरण के लिए नहीं, स्मरण के लिए नहीं, बल्कि सोचने, पहचानने, खोजने, समझने और अंत में चकित होने की जरूरत से बाहर।" यही कारण है कि एक पहनावा में अध्ययन करते समय एक विशेष मनोवैज्ञानिक रवैया होता है। संगीत की सोच में सुधार होता है, धारणा तेज होती है, जीविका, तेज, दृढ़ होता है।

3. ताज़े और विविध छापों, अनुभवों का एक निरंतर प्रवाह प्रदान करना, संगीत बजाना, "संगीत के केंद्र" के विकास में योगदान देता है - एक भावनात्मकसंगीत के प्रति जवाबदेही।

4. उज्ज्वल कई स्टॉक का संचय श्रवण प्रतिनिधित्व संगीत के लिए कान के गठन को उत्तेजित करता है,कलात्मक कल्पना।

5. संगृहीत और विश्लेषित संगीत की मात्रा के विस्तार के साथ, संभावनाएँ भी बढ़ती हैं संगीत की सोच... भावनात्मक लहर के शिखर पर, संगीत और बौद्धिक कार्यों में सामान्य वृद्धि होती है। इस प्रकार से यह है कि कलाकारों की टुकड़ी खेलना न केवल प्रदर्शनों के क्षितिज को बढ़ाने या संगीत - सैद्धांतिक और संगीतमय ऐतिहासिक जानकारी को बढ़ाने के लिए महत्वपूर्ण है, बल्कि ये कक्षाएं प्रक्रियाओं के गुणात्मक सुधार में योगदान करती हैंसंगीत की सोच।

संगीत-कलाकारों की टुकड़ी के रूप में काम का यह रूप के लिए बहुत उपयोगी हैरचनात्मक सोच का विकास। छात्र, एक शिक्षक के साथ, सबसे सरल धुन करता है, दोनों हिस्सों को सुनना सीखता है, अपने हार्मोनिक, मधुर कान, ताल की भावना विकसित करता है।

तो, कलाकारों की टुकड़ी में खेलना छात्रों के सामान्य संगीत विकास के सबसे कम, सबसे आशाजनक तरीकों में से एक है। यह सभी पूर्णता और स्पष्टता के साथ कलाकारों की टुकड़ी खेलने की प्रक्रिया में है कि विकासात्मक सीखने के मुख्य सिद्धांतों का पता चलता है:

क) प्रदर्शन की गई संगीत सामग्री की मात्रा में वृद्धि।

b) इसके पारित होने की गति को तेज करना।

इस प्रकार, पहनावा खेलना कम से कम समय में अधिकतम जानकारी की आत्मसात करने से ज्यादा कुछ नहीं है।

शिक्षक और छात्र के बीच रचनात्मक संपर्क कितना महत्वपूर्ण है, इसके बारे में बात करने की कोई जरूरत नहीं है। और यह संगीत का संयुक्त पहनावा है जो इसके लिए आदर्श साधन है। एक बच्चे को एक उपकरण बजाने की शिक्षा देने की शुरुआत से, बहुत सारे कार्य दिखाई देते हैं: लैंडिंग, हाथों को सेट करना, गर्दन का अध्ययन करना, ध्वनि उत्पादन के तरीके, नोट्स, गिनती, ठहराव आदि। , इस महत्वपूर्ण अवधि के दौरान मुख्य एक को याद नहीं करना महत्वपूर्ण है - न केवल संगीत का प्यार बनाए रखना, बल्कि संगीत के प्रति रुचि भी विकसित करना है। और इस स्थिति में, संगीत बजाना कलाकारों के साथ काम का आदर्श रूप होगा। पहले पाठ से, छात्र सक्रिय खेल संगीत में शामिल होता है। शिक्षक के साथ, वह सरल खेलता है, लेकिन पहले से ही कलात्मक मूल्य खेलता है।

एक समूह में पढ़ाने के तरीके में सकारात्मक और नकारात्मक दोनों पक्ष हैं। बच्चों के लिए एक समूह में अध्ययन करना अधिक दिलचस्प है, वे अपने साथियों के साथ संवाद करते हैं, न केवल एक शिक्षक से सीखते हैं, बल्कि एक-दूसरे से भी, अपने खेल की तुलना दोस्तों से करते हैं, पहले बनने का प्रयास करते हैं, सुनना सीखते हैं। पड़ोसी, एक पहनावा में खेलते हैं, और हार्मोनिक सुनवाई विकसित करते हैं। लेकिन साथ ही, इस तरह के प्रशिक्षण के नुकसान भी हैं। मुख्य एक यह है कि प्रदर्शन की गुणवत्ता हासिल करना मुश्किल है, क्योंकि विभिन्न पृष्ठभूमि वाले छात्रों को प्रशिक्षित किया जाता है, जो, इसके अलावा, विभिन्न तरीकों से लगे हुए हैं। जब हर कोई एक ही समय में खेल रहा होता है, तो शिक्षक हमेशा अलग-अलग छात्रों की गलतियों पर ध्यान नहीं देता है, लेकिन यदि प्रत्येक व्यक्ति को प्रत्येक पाठ में व्यक्तिगत रूप से जांच की जाती है, तो सीखने की प्रक्रिया व्यावहारिक रूप से ऐसे कई छात्रों के साथ रुक जाएगी। अगर तुम शर्त लगाओ पेशेवर गुणवत्ता इसे खेलना, बहुत समय समर्पित करना, जैसा कि व्यक्तिगत पाठों में किया जाता है, बल्क जल्दी से इससे ऊब जाएगा, और वे सीखने में रुचि खो देंगे। इसलिए, प्रदर्शनों की सूची सुलभ, दिलचस्प, आधुनिक और उपयोगी होनी चाहिए, और प्रगति की गति पर्याप्त ऊर्जावान होनी चाहिए,

एकरसता से बचना चाहिए, लगातार छात्रों की रुचि। नियंत्रण पाठों से पहले प्राप्त किए गए ज्ञान की जांच करने के लिए, आप निम्नलिखित कार्य का उपयोग कर सकते हैं: कार्य के याद होने के बाद, समूह के प्रदर्शन के अलावा, इसे छोटे भागों में सभी छात्रों द्वारा वैकल्पिक रूप से खेलने के लिए उपयोगी है (उदाहरण के लिए, दो सलाखों के प्रत्येक) सही गति पर रोक के बिना, सुनिश्चित करें कि खेल समझदार और जोर से था। यह तकनीक ध्यान को केंद्रित करती है, आंतरिक कान को विकसित करती है, छात्र की जिम्मेदारी बढ़ाती है। आप इस तरह के काम का भी इस्तेमाल कर सकते हैं, क्योंकि पिछड़े हुए लोगों पर मजबूत छात्रों के संरक्षण (जिन्होंने सामग्री में अच्छी तरह से महारत हासिल की है) खाली समय उन लोगों की मदद करें जो कार्यों से सामना नहीं कर सकते हैं, जब एक सकारात्मक परिणाम प्राप्त होता है, तो शिक्षक ऐसे सहायक को एक उत्कृष्ट चिह्न के साथ प्रोत्साहित करता है)।

गिटार क्लास में बच्चों को पढ़ाने का उद्देश्य और विशिष्टता संगीत प्रेमियों को शिक्षित करना है, उनके क्षितिज का विस्तार करना, रचनात्मक क्षमताओं, संगीत और कलात्मक स्वाद का विकास करना और व्यक्तिगत पाठों के साथ - विशुद्ध रूप से पेशेवर संगीत-निर्माण कौशल का अधिग्रहण: एक पहनावा में खेलना , कान से चयन, दृष्टि-पठन।

"प्रज्वलित" करने के लिए, संगीत की भाषा में महारत हासिल करने की इच्छा के साथ एक बच्चे को "संक्रमित" करना एक शिक्षक के प्रारंभिक कार्यों में सबसे महत्वपूर्ण है।

गिटार वर्ग में, काम के विभिन्न रूपों का उपयोग किया जाता है। उनमें से, कलाकारों की टुकड़ी के संगीत-निर्माण में विशेष विकासशील क्षमताएं हैं। सामूहिक वाद्य संगीत बनाना संगीत की दुनिया में छात्रों को पेश करने के सबसे सुलभ रूपों में से एक है। इन कक्षाओं का रचनात्मक वातावरण शैक्षिक प्रक्रिया में बच्चों की सक्रिय भागीदारी को निर्धारित करता है। अध्ययन के पहले दिनों से एक साथ संगीत खेलने का आनंद और आनंद इस तरह की कला - संगीत में रुचि की गारंटी है। एक ही समय में, प्रत्येक बच्चा पहनावा का एक सक्रिय सदस्य बन जाता है, भले ही उसकी क्षमताओं का स्तर इस समय कुछ भी हो, जो मनोवैज्ञानिक आराम, स्वतंत्रता और एक दोस्ताना माहौल में योगदान देता है।

व्यावहारिक शिक्षकों को पता है कि एक पहनावा में खेलना ताल को यथासंभव अनुशासित करता है, दृष्टि-पठन की क्षमता में सुधार करता है, और एकल प्रदर्शन के लिए आवश्यक तकनीकी कौशल और क्षमताओं को विकसित करने के मामले में अपरिहार्य है। संयुक्त संगीत-निर्माण में गुण, जिम्मेदारी, अनुशासन, समर्पण, सामूहिकता जैसे गुणों का विकास होता है। यह और भी महत्वपूर्ण है कि संगीत बनाने वाला एक साथी को सुनना सिखाता है, संगीत सोच सिखाता है।

गिटारवादक की जोड़ी या तिकड़ी के रूप में सामूहिक रूप से प्रदर्शन करना बहुत आकर्षक है क्योंकि यह एक साथ काम करने की खुशी लाता है। हम किसी भी समय संयुक्त संगीत बनाने में लगे हुए थेसाधन में प्रवीणता का स्तर और हर अवसर पर। कई संगीतकारों ने इस शैली में होम म्यूजिक मेकिंग और कॉन्सर्ट प्रदर्शन के लिए लिखा है। हंगरी के संगीतकार, बेला बार्टोक, बेला बार्टोक, का मानना \u200b\u200bथा कि बच्चों को संगीत के पहले चरणों से, यथासंभव जल्दी संगीत-निर्माण से परिचित कराना चाहिए।

हमेशा की तरह एक पहनावा नहीं शैक्षिक अनुशासन ध्यान दिया जाता है। अक्सर संगीत बजाने के लिए दिए गए घंटे का उपयोग शिक्षकों द्वारा व्यक्तिगत पाठ के लिए किया जाता है। हालांकि, वर्तमान में यह कल्पना करना असंभव है संगीतमय जीवन कलाकारों की टुकड़ी के बिना। यह युगल, तिकड़ी, संगीत समारोहों, समारोहों और प्रतियोगिताओं में एक बड़ी रचना के कलाकारों के प्रदर्शन से स्पष्ट होता है। गिटारवादक के युगल और तिकड़ी एक लंबे समय से स्थापित पहनावा है, जिसमें 19 वीं शताब्दी के बाद से परंपराएं हैं, अपने स्वयं के इतिहास के साथ, "विकासवादी विकास", एक समृद्ध प्रदर्शनों की सूची - मूल रचनाएं, क्षणिकाएं और क्षणिकाएं। लेकिन ये पेशेवर टीम हैं। और स्कूल के लोगों के लिए समस्याएं हैं। उदाहरण के लिए, प्रदर्शनों की सूची की समस्या। संगीत विद्यालय गिटारवादक के कलाकारों के लिए उपयुक्त साहित्य की कमी सीखने की प्रक्रिया और संगीत कार्यक्रम के मंच पर खुद को दिखाने के अवसर में बाधा डालती है। कई शिक्षक खुद ही उन टुकड़ों की व्यवस्था करते हैं, जिन्हें वे पसंद करते हैं।

साधन के पहले पाठ के साथ कलाकारों की टुकड़ी पर काम करना शुरू करना महत्वपूर्ण है। पहले एक छात्र एक कलाकारों की टुकड़ी में खेलना शुरू करता है, जितना अधिक सक्षम, तकनीकी, संगीतकार उससे बाहर हो जाएगा।

कई प्रशिक्षक प्रशिक्षक कक्षा के भीतर अभ्यास करते हैं। ये सजातीय और मिश्रित पहनावा दोनों हो सकते हैं। एक ही कक्षा के छात्रों के साथ कलाकारों की टुकड़ी में काम करना शुरू करना बेहतर है। व्यवहार में, हमने देखा है कि पहनावा कार्य को तीन चरणों में विभाजित किया जा सकता है।

इसलिए, चरण I ... बच्चा पहले सबक में पहले से ही संगीत-कलाकारों की टुकड़ी के कौशल को प्राप्त करता है। उन्हें एक या एक से अधिक ध्वनियों से युक्त होने दें, लयबद्ध रूप से व्यवस्थित हों। शिक्षक इस समय माधुर्य और संगति करता है। इस कार्य की प्रक्रिया में, छात्र संगत के साथ प्रदर्शन करने के लिए सुनवाई विकसित करता है, लयबद्ध सटीकता, मास्टर्स प्राथमिक गतिशीलता, प्रारंभिक खेल कौशल पर ध्यान केंद्रित करता है। ताल, श्रवण और सबसे महत्वपूर्ण बात, पहनावा की भावना, एक सामान्य कारण के लिए जिम्मेदारी की भावना विकसित होती है।ऐसा प्रदर्शन संगीत की आवाज़ में छात्र की रुचि पैदा करेगा जो उसके लिए नया है, दिलचस्प और रंगीन। सबसे पहले, छात्र एक शिक्षक के साथ, वाद्ययंत्र पर सरल धुन बजाता है (यह सब छात्र की क्षमताओं पर निर्भर करता है)। काम के इस चरण में, छात्रों को होमोफोनिक-हार्मोनिक की बारीकियों को महसूस करना और पॉलीफोनी के तत्वों के साथ प्रदर्शन करने में खुद को आज़माना महत्वपूर्ण है। नाटकों को टेम्पो, चरित्र, आदि में विविध चुना जाना चाहिए।

अनुभव से मुझे पता है कि छात्रों को एक कलाकारों की टुकड़ी में खेलना पसंद है। इसलिए, उपरोक्त टुकड़ों को प्रत्येक छात्र के साथ व्यक्तिगत रूप से खेला जा सकता है, या छात्रों को युगल, तिकड़ी (शिक्षक के विवेक पर, उपकरणों की क्षमताओं, उनकी उपलब्धता के आधार पर) में जोड़ा जा सकता है। युगल (तिकड़ी) के लिए, उन छात्रों का चयन करना महत्वपूर्ण है जो संगीत प्रशिक्षण और उपकरण की महारत के मामले में समान हैं। इसके अलावा, आपको विचार करने की आवश्यकता है अंत वैयक्तिक संबंध प्रतिभागियों। इस स्तर पर, छात्रों को एक पहनावा में खेलने के बुनियादी नियमों को समझना चाहिए। सबसे पहले, सबसे कठिन स्थान काम की शुरुआत और अंत है, या इसका हिस्सा है।

उद्घाटन और समापन कॉर्ड या ध्वनियों को समान रूप से और साफ-सुथरे तरीके से बजाया जाना चाहिए, भले ही उनके बीच क्या और कैसे लग रहा हो। सिंक्रोनसिटी कलाकारों की टुकड़ी के मुख्य गुण का परिणाम है: ताल और टेम्पो की एक आम समझ और भावना। सिंक्रोनसिटी भी खेल की एक तकनीकी आवश्यकता है। आपको एक ही समय में ध्वनि निकालने और निकालने की आवश्यकता है, एक साथ रुकें, अगली ध्वनि पर जाएं। पहले कॉर्ड में दो कार्य होते हैं - संयुक्त शुरुआत और बाद के टेम्पो की परिभाषा। श्वास बचाव में आ जाएगा। साँस लेना किसी भी संगीतकार के लिए खेलना शुरू करने के लिए सबसे स्वाभाविक और समझने योग्य संकेत है। जैसा कि गायक प्रदर्शन करने से पहले अपनी सांस लेते हैं, वैसे ही संगीतकार - कलाकार भी करते हैं, लेकिन प्रत्येक वाद्य की अपनी विशिष्टता होती है। हवा के उपकरण ध्वनि की शुरुआत, वायलिन वादकों - धनुष की गति, पियानोवादियों द्वारा - हाथ की "आह" और कुंजी को स्पर्श करनेवालों के लिए, शोषक और अधिनायकवादियों के लिए साँस को दिखाते हैं - आंदोलन के साथ ब्रश, फर। उपरोक्त सभी को कंडक्टर के प्रारंभिक स्ट्रोक में संक्षेपित किया गया है - एक ओवरटेक। एक महत्वपूर्ण बिंदु सही गति ले रहा है। यह सब साँस की गति पर निर्भर करता है। एक तेज सांस कलाकार को तेज गति, एक शांत के बारे में बताता है - एक धीमी गति के बारे में एक संकेत। इसलिए, यह महत्वपूर्ण है कि युगल सदस्य न केवल एक-दूसरे को सुनें, बल्कि यह भी देखें, आंखों के संपर्क की आवश्यकता है। पहले चरण में, पहनावा के सदस्य राग और दूसरी आवाज, संगत को सुनना सीखते हैं। कार्य एक उज्ज्वल, यादगार, सरल संगीत के साथ होना चाहिए, दूसरी आवाज - एक स्पष्ट लय के साथ। अपने भागीदारों को सुनने और सुनने की कला बहुत कठिन व्यवसाय है। आखिरकार, अधिकांश ध्यान नोट्स पढ़ने के लिए निर्देशित किया जाता है। एक और महत्वपूर्ण विवरण लयबद्ध पैटर्न को पढ़ने की क्षमता है। यदि कोई छात्र आकार की सीमाओं से परे जाकर एक लय पढ़ता है, तो वह एक पहनावे में खेलने के लिए तैयार है, क्योंकि एक मजबूत बीट के नुकसान के कारण पतन और रुक जाता है। जब टीम तैयार होती है, तो पहला प्रदर्शन संभव है, उदाहरण के लिए, माता-पिता की बैठक या कक्षा के संगीत कार्यक्रम में।

स्टेज II हम पहले चरण में अर्जित ज्ञान, कौशल और क्षमताओं का विकास करते हैं। हम संगीत बनाने की टुकड़ी की गहराई को भी समझते हैं। इस काम की प्रक्रिया में, छात्र संगत के साथ टुकड़ों के प्रदर्शन के लिए सुनवाई विकसित करता है, लयबद्ध सटीकता, मास्टर्स प्राथमिक गतिशीलता, प्रारंभिक खेल कौशल पर ध्यान केंद्रित करता है। ताल, श्रवण, कलाकारों की टुकड़ी की एकता, विचारशील प्रदर्शन और सबसे महत्वपूर्ण बात, पहनावा की भावना, एक सामान्य कारण के लिए जिम्मेदारी की भावना विकसित होती है। प्रदर्शनों की सूची में शामिल हैं शास्त्रीय कार्य, विभिन्न लघु। इस तरह के एक प्रदर्शन में रुचि जागती है, नए काम और प्रदर्शन के लिए एक सेट करता है।

स्टेज III ... यह चरण वरिष्ठ ग्रेड (6-7) से मेल खाता है, जब पाठ्यक्रम संगीत खेलने के घंटे के लिए प्रदान नहीं करता है। मेरी राय में, यह एक चूक है, क्योंकि छात्रों के पास पहले से ही ज्ञान, कौशल और क्षमताओं का आवश्यक परिसर है, दोनों एकल प्रदर्शन और कलाकारों की टुकड़ी में, वे अधिक जटिल, प्रभावी टुकड़े कर सकते हैं। इस मामले में, युगल (या तिकड़ी) अधिक जटिल कलात्मक समस्याओं को हल करने में सक्षम है।

गिटारवादक की युगल या तिकड़ी की अधिक रंगीन ध्वनि के लिए, अतिरिक्त उपकरणों को आकर्षित करके रचना का विस्तार करने की अनुमति है। यह एक पियानो बांसुरी, वायलिन हो सकता है। इस तरह के विस्तार एक काम को "रंगीन" करने में सक्षम हैं, इसे उज्ज्वल बनाते हैं। यह विधि कॉन्सर्ट प्रदर्शन के लिए उपयुक्त है और किसी भी टुकड़े को, यहां तक \u200b\u200bकि सबसे सरल, आकर्षक बना देगा। हालांकि, कक्षा में, परिवर्धन के बिना कक्षाएं संचालित करना बेहतर होता है, ताकि युगल सदस्य संगीत पाठ की सभी बारीकियों को सुनें।

प्रदर्शन के लिए, आपको विभिन्न शैलियों के प्रदर्शनों की सूची जमा करनी होगी। चूंकि आपको अलग-अलग दर्शकों के साथ, अलग मानसिकता वाले लोगों के सामने प्रदर्शन करना होगा, इसलिए आपको एक अलग प्रदर्शन करना होगा: शास्त्रीय से लेकर पॉप तक।

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प्रतिलिपि

1 स्टारोस्कोलस्क शहरी जिले के प्रशासन का संस्कृति विभाग। बच्चों के लिए अतिरिक्त शिक्षा का नगरपालिका बजटीय शिक्षण संस्थान "चिल्ड्रन म्यूजिक स्कूल 5" विषय पर कार्यप्रणाली रिपोर्ट: "छात्रों के बीच बुनियादी तकनीकी कौशल और क्षमताओं का विकास निम्न ग्रेड गिटार "गिटार शिक्षक नोविको इरीना विक्टोरोवना स्टारी ओस्कोल 2013

2 शिक्षा, प्रशिक्षण, छात्रों का संगीत विकास उचित, समय-परीक्षण के तरीकों पर आधारित है। विभिन्न अवधियों उन्हें बदल दिया जाता है, पूरक किया जाता है, सुधारा जाता है। केवल शिक्षा का अंतिम लक्ष्य अपरिवर्तित रहता है - साक्षर संगीत प्रेमियों की शिक्षा। उसी समय, सभी बच्चों को पेशेवर रूप से पढ़ाना आवश्यक है, चाहे संगीत उनका पेशा बन जाए या संगीत शिक्षा स्कूल छोड़ने के प्रमाण पत्र की प्राप्ति के साथ समाप्त हो जाए। संगीत निर्देशन पेशेवर रूप से आधारित होना चाहिए। यह भी ध्यान दिया जाना चाहिए कि आधुनिक बच्चे उन लोगों से भिन्न होते हैं जिन्हें हमने पहले सिखाया था, न केवल उनकी संगीत क्षमताओं में, बल्कि उनके चरित्र, व्यवहार, कार्य करने के दृष्टिकोण, साथ ही एक सामान्य शिक्षा स्कूल में एक महान कार्यभार और सभी प्रकार के अतिरिक्त गतिविधियां। इन बच्चों के बीच भी मुशायरों का उपहार पाया जाता है, लेकिन थोक औसत संगीत की क्षमता वाले बच्चे हैं। इसका मतलब यह बिल्कुल नहीं है कि ऐसे बच्चों को संगीत नहीं सिखाया जाना चाहिए। मेरी राय में, सभी को सिखाया जाना चाहिए। संगीत सबक, चाहे वे सफल हों या न हों, न केवल सीखने वाले बच्चे को, बल्कि उसके आसपास के वयस्कों को भी बहुत लाभ होता है। सबसे पहले, कक्षाएं सभी को अनुशासित करती हैं, उन्हें धैर्य, काम, अपने समय की योजना बनाने की क्षमता सिखाती हैं। समय के साथ, संगीत क्षमता भी विकसित होती है: श्रवण, लय, स्मृति। लेकिन सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि बच्चा संगीत की भाषा से प्यार करना और समझना सीखता है। लर्निंग तकनीक गिटारवादक की बिजली आपूर्ति का हिस्सा है। तकनीकी कार्य सामान्य संगीत विकास के विपरीत नहीं है। तेखने - प्राचीन ग्रीक से अनुवादित, शिल्प, कला, शिल्प कौशल का मतलब है। आवश्यक तकनीकी कौशल - उंगली का प्रवाह, आंदोलनों का समन्वय, तर्कसंगत फिंगरप्रिंट का चयन करने की क्षमता, ध्वनि उत्पादन तकनीकों की एक किस्म, आदि - सावधानी के माध्यम से प्राप्त किए जाते हैं।

3 व्यवस्थित काम। इसलिए, शुरुआत से ही, बच्चे को यह महसूस करने के लिए सिखाया जाना चाहिए कि संगीत सबक मज़ेदार नहीं हैं, बल्कि कठिन काम है। एक छात्र के तकनीकी विकास पर काम बहुत पहले सबक से शुरू होता है, रोपण से शुरू होता है, खेल तंत्र का संगठन और मोटर संस्कृति की शिक्षा। एक छात्र के तकनीकी विकास में मुख्य कमियों में से एक तंत्र की जकड़न और कठोरता है। आपको प्राकृतिक से आगे बढ़ने की आवश्यकता है, अर्थात्। आरामदायक हाथ की स्थिति। हाथों को स्वतंत्र होना चाहिए, लेकिन सुस्त और कमजोर-इच्छाशक्ति नहीं, और हाथों की स्वतंत्रता का शिथिलता से कोई लेना-देना नहीं है। एक छोटा बच्चा, न जाने कैसे हाथ के वजन का उपयोग करता है, हाथ हिलाते हुए उंगलियों की कमजोरी पर काबू पाता है, जबकि झटकों और अनावश्यक हरकतें दिखाई देती हैं। उंगलियों को दैनिक व्यायाम की आवश्यकता होती है। प्रौद्योगिकी का विकास न केवल कला के कार्यों के आधार पर किया जाता है, बल्कि विशेष निर्देशात्मक सामग्री पर भी किया जाता है। प्रशिक्षण के प्रारंभिक चरण में, व्यायाम विभिन्न मोटर कौशल में महारत हासिल करने में महत्वपूर्ण सहायता प्रदान कर सकता है। कई अभ्यास हैं। वे इसमें सुविधाजनक हैं कि शिक्षक और छात्र दोनों कल्पना कर सकते हैं, उन्हें बदल सकते हैं, केवल व्यायाम के अंतिम लक्ष्य को अपरिवर्तित छोड़ देते हैं, जिसके लिए यह व्यायाम दिया जाता है। यह बहुत मूल्यवान है जब कोई छात्र अपनी कल्पना को दिखाता है। उदाहरण के लिए: सद्भाव, व्यायाम की समाप्ति, लयबद्ध पैटर्न, गतिकी, और इसी तरह। हाल ही में, बच्चे विशेष रूप से अक्सर उंगलियों के बहुत कमजोर, अविकसित मांसपेशियों के साथ आते हैं, जो आवश्यक आकार की उंगली को पकड़ने में सक्षम नहीं होते हैं। इस मामले में, अधिभार से बचने के लिए, आपको थोड़ी देर के लिए गहरी आवाज़ छोड़नी होगी। आपको बाहरी और आंतरिक तनाव पर ध्यान देना चाहिए - मांसपेशियों और मानसिक। कई प्रसिद्ध गिटारवादक और गिटार शिक्षक (उदाहरण के लिए: एन.ए.

4 कोमोलियाटोव ई। पुहोल, ए। सेगोविया, आर। एवर्स और अन्य) ने त्रुटिहीन खेल तकनीक के विकास के लिए अपने स्वयं के अभ्यास प्रणाली विकसित की है। गिटार वर्ग के लिए पाठ्यक्रम में, तकनीकी परीक्षण प्रदान किए जाते हैं, जो पहली और चौथी तिमाही में वर्ष में दो बार अध्ययन के दौरान आयोजित किए जाते हैं। एक नियम के रूप में, तकनीकी परीक्षण में एक ईटूड और एक पैमाने पर सुनना शामिल है। तकनीकी परीक्षणों और परीक्षाओं को पास करने की तैयारी स्कूल में कक्षा में होती है, जहाँ छात्र व्यक्तिगत रूप से, शिक्षक के साथ, प्रदर्शनों की सूची का अध्ययन करते हैं और इसके ढांचे के भीतर आने वाली तकनीकी कठिनाइयों को हल करते हैं। छात्र अपने घर पर स्कूल में ज्ञान प्राप्त करते हैं। पाठ्यक्रम के अनुसार, प्रत्येक छात्र के लिए बच्चों के संगीत स्कूलों और बच्चों के कला स्कूलों में एक विशेष उपकरण पर कक्षाओं के लिए प्रति सप्ताह दो शैक्षणिक घंटे आवंटित किए जाते हैं। यह लगभग एक आधुनिक संगीत विद्यालय में गिटार बजाने की शैक्षिक प्रक्रिया कैसे आयोजित की जाती है। छात्रों के तकनीकी विकास पर काम लगभग पूरी तरह से प्रदर्शनों की रूपरेखा के भीतर होता है जो वे पढ़ रहे हैं। एक अपवाद तराजू है, जिसका विकास स्कूली बच्चों के संगीत और तकनीकी विकास में बेहद महत्वपूर्ण है। लेकिन उन्हें संगीत रचनाओं से अलग से अध्ययन किया जाता है, और छात्र खुद, गिटारवादक, एक नियम के रूप में, इस तरह की गतिविधि को गंभीरता से नहीं लेते हैं, क्योंकि अल्पावधि में इसमें सकारात्मक परिणाम नहीं दिखता है। शिक्षक को इस तथ्य पर ध्यान देना चाहिए कि प्रदर्शन तकनीक के विकास के उद्देश्य वाली कक्षाएं एक विकासशील प्रकृति की हैं और विशेष रूप से एक तकनीक के लिए नहीं हैं। एक रचनात्मक और व्यक्तिगत दृष्टिकोण यहां विशेष रूप से महत्वपूर्ण है। प्रदर्शन तकनीक पर काम करने के लिए छात्रों द्वारा खर्च किए जाने वाले समय को अग्रिम में नियोजित किया जाना चाहिए, इसके सभी मुख्य प्रकारों को कवर करना चाहिए। लेकिन सामान्य तौर पर, यह साधन का अभ्यास करने के लिए कुल समय का 20-30% से अधिक नहीं होना चाहिए। अन्यथा, तकनीक पर हावी होना शुरू हो सकता है

5 एक संगीत कार्य की कलात्मक सामग्री और उसकी छवि के प्रकटीकरण में योगदान करना बंद करो। छात्र गिटारवादक के तकनीकी विकास में प्रदर्शन पर काम शामिल होना चाहिए: 1. आर्पीगियो; 2. अंतराल और तार; 3. पैमाना; 4. कांपोल; 5. तकनीकी लेगाटो और मेलिमाटिक्स। प्रत्येक पाठ में, विशिष्ट प्रदर्शन तकनीकों में से एक पर विस्तार से विचार करने की सलाह दी जाती है, और फिर, एक स्थिर कौशल प्राप्त करने के लिए, छात्रों को कम से कम अगले पाठ तक घर पर इसका अभ्यास करना चाहिए, अर्थात। एक हफ्ता। समय-समय पर कवर सामग्री पर वापस आना बहुत उपयोगी है। लेकिन प्रदर्शन की तकनीक पर काम हमेशा एक सर्पिल की तरह चक्रीय होना चाहिए, जब पहले से सीखी गई तकनीकों की वापसी उनके एकीकरण के साथ होती है। सभी अभ्यासों को अलग-अलग दरों पर खेला जाना चाहिए, जोर से और स्पष्ट। यांत्रिक अनियंत्रित पुनरावृत्ति से बचा जाना चाहिए। आंतरिक संवेदनाओं के अनुसार, किसी को यह सुनिश्चित करने का प्रयास करना चाहिए कि ध्वनि उत्पादन की प्रक्रिया में, सभी ऊर्जा या बल उंगली के अंतिम चरण (बहुत टिप) को निर्देशित किया जाता है (विशेषकर दाहिने हाथ के लिए, बाएं हाथ के मामले में,) बर्रे विधि एक अपवाद है), बशर्ते कि सभी मांसपेशियों को आराम शरीर हो। यदि शरीर के किसी भी हिस्से (मांसपेशी या मांसपेशी समूह) में प्रशिक्षण की प्रक्रिया में क्लैंप होता है, तो आगे तकनीकी विकास धीमा हो जाएगा या पूरी तरह से बंद हो जाएगा। जूनियर और वरिष्ठ छात्रों के लिए तकनीकी विकासात्मक अभ्यास की बारीकियों में महत्वपूर्ण अंतर है। आइए संक्षेप में उन पर विचार करें: 1. ध्वनियों के आर्गेजियो अनुक्रमिक निष्कर्षण। नौसिखिए छात्रों-गिटारवादकों की तकनीक के विकास पर सभी कार्य प्रदर्शन "स्कूल" की नींव बनाने के उद्देश्य से होना चाहिए। यह सभी प्रकार के आर्पीगियोस के अध्ययन और प्रदर्शन से सुविधा प्रदान करता है। पर

प्रारंभिक चरण में, ए। गिटमैन के संग्रह से ओपन स्ट्रिंग्स पर आर्पीगियोस का उपयोग करना बेहतर है "छह-स्ट्रिंग गिटार पर प्रारंभिक प्रशिक्षण।" मैट्टो कारकासी के सिक्स-स्ट्रिंग गिटार स्कूल विभिन्न प्रकार के आर्पीगियोस के लिए 22 अभ्यास प्रदान करता है। आरोहीओ पुजोल द्वारा आरोही और अवरोही के लिए कई अभ्यासों की पेशकश एमिलियो पुजोल ने अपने "स्कूल ऑफ़ द सिक्स-स्ट्रिंग गिटार" में की है: - तीन ध्वनियों से 29-32; - चार ध्वनियों में से 85-90; - छः ध्वनियाँ उपर्युक्त संग्रहों में, अभ्यासों के अलावा, इस प्रकार की तकनीक के लिए बड़ी संख्या में दृष्टिकोण और प्रस्ताव हैं: - एम। कारकासी प्रस्ताव (ई), (सी); - एम। गिउलियानी एटूड 5, ऑप 48, "स्ट्रीम"; - ई। पुहोल एटुदे "भौंरा"; 2. अंतराल और जंजीरों को सीखने के अंतराल और जंजीरों को बजाने की तकनीक सीखने की प्रारंभिक अवस्था में पेश करने की सिफारिश की जाती है। ए। गेटमैन द्वारा ए। गिटमैन, एम। कार्कासी, पी। एगाफोशिन के कई अभ्यासों को "सिक्स-स्ट्रिंग गिटार पर प्रारंभिक प्रशिक्षण" संग्रह में पेश किया गया है। एमिलियो पुजोल द्वारा "स्कूल ऑफ़ सिक्स-स्ट्रिंग गिटार" बजाने में, यह एक ऐसी एक्सरसाइज है जिसमें एफ। कारुल्ली, एम। कारासी द्वारा एंडेंटिनो, एलेग्रेटो, प्रूडेल्स और वॉल्टज में व्यापक रूप से इस तरह की तकनीक का इस्तेमाल किया जाता है। 3. तराजू आगे, जैसा कि हाथों का रुख स्थिर होता है और निचले ग्रेड के छात्रों-गिटारवादकों के संगीत-तकनीकी विकास, आप तराजू पर काम करना शुरू कर सकते हैं, विभिन्न तारों पर रंगीन दृश्यों के साथ शुरू करना सुविधाजनक है। "एपोएंडो" तकनीक के साथ तराजू खेलना सबसे अच्छा है और ए। सेगोविआ के विशिष्ट फिंगरप्रिंटिंग का उपयोग करें, लेकिन उंगलियों में "क्रॉसिंग" से बचने की कोशिश करें। गामा इस प्रकार है

7 एक अलग लयबद्ध सेटिंग में खेलते हैं (युगल, ट्रिपल, क्वार्टर, बिंदीदार लय)। तराजू का लक्ष्य उंगलियों को संरेखित करना है, और इसके लिए निरंतर श्रवण निगरानी की आवश्यकता होती है। तराजू खेलते समय, आपको यह सीखने की ज़रूरत है कि ताल और गतिकी के संबंध में ध्वनि को नियंत्रित करते हुए, समान रूप से ध्वनि की आवाज़ कैसे उत्पन्न करें। तराजू पर काम करना हाथ समन्वय को बढ़ावा देने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है, जो मोटर-तकनीकी स्वतंत्रता की कुंजी है। एमिलियो पुजोल द्वारा "सिक्स-स्ट्रिंग गिटार के स्कूल" में सुझाए गए तराजू को खेलने के लिए उंगलियां तैयार करने का अभ्यास। क्लासिको गिटारवादक और समकालीन लेखकों दोनों के कार्यों में गैमो-जैसे मार्ग व्यापक रूप से उपयोग किए जाते हैं। 4. ट्रेमोलो शास्त्रीय गिटार बजाने की सबसे खास तकनीक है। यह बहुत प्रभावी लगता है, क्योंकि पहली तार पर मुख्य राग के अलावा, बास पर संगत एक ही समय में लगता है - यह भी मुख्य कठिनाई है जब इस पर काम कर रहे हैं। बहुत से लोग एक कांप नहीं सकते हैं ताकि दो-भाग स्पष्ट रूप से सुनाई दें - दो वाद्य (युगल)। उंगलियों को कुछ प्रारंभिक कौशल देने के लिए शॉर्ट अभ्यास के साथ ट्रैपोलो तकनीक का सबसे अच्छा अभ्यास किया जाता है। संग्रह के भाग 2 में " कलात्मक तकनीक गिटारवादक "ई.शिलिन बारह विशेष अभ्यास प्रदान करता है। आपको रोजाना कम से कम 15 मिनट तक उन पर काम करने की आवश्यकता है। अभ्यासों को आरोही क्रम में व्यवस्थित किया जाता है, आसान से कठिन तक, और इसलिए कंपोलो, यदि आप इस पर दैनिक काम करते हैं, तो धीरे-धीरे सुधार होगा। आपको प्रत्येक बाद के व्यायाम को लेने की आवश्यकता है जब पिछले एक अच्छी तरह से काम किया जाता है। दाहिने हाथ की उंगलियों को बहुत ही किफायती, छोटे स्ट्रोक के साथ आवाज़ बनाना सीखना चाहिए। दाहिने हाथ के अंगूठे द्वारा बहुत महत्वपूर्ण और सूक्ष्म भूमिका निभाई जाती है। एक ओर, वह ट्रापोलो मेलोडिक लाइन का सदस्य है और 4 नोटों के समूह में पहली ध्वनि निकालता है, और दूसरी ओर, वह मुख्य और एकमात्र कलाकार है

8 संगत। इसलिए, यह बहुत सामंजस्यपूर्ण रूप से राग और संगत दोनों के अनुकूल होना चाहिए। जब आप एक कांपोलो बजाते हैं, तो आपको दोनों एकल कलाकार पर ध्यान देने की आवश्यकता होती है, जो एक सुंदर राग ("ये अंगुलियां हैं) गाते हैं, और संगतकार - उंगली (पी), जो न केवल कॉर्ड की आवाज़ के साथ मदद करता है , लेकिन टुकड़ा की लय भी रखता है। कांपोलो तकनीक के साथ टुकड़ों की सूची: - एम। कारकासी - एटूड (एम) -एम। वायसोस्की - रूसी मेलोडी (एमएम या जीएम) - एच। विनयस - फंतासी (ई) -फिर। टरेगा - स्मृतियाँ अलहम्ब्रा (Am) - Fr. टरेगा - ड्रीम्स (ई) - ए इवानोव-क्राम्कोय - ड्रीम्स (डी)। 5. तकनीकी लेगाटो और मेलिस्मैटिक लेगाटो अभ्यासों में बाएं हाथ की उंगलियों की ताकत विकसित होती है, लेकिन यह याद रखना चाहिए कि लेगोटो अभी भी एक विशिष्ट तकनीक है। सामान्य चाल की तुलना में लेगैटो में फिंगर मूवमेंट तेज होते हैं। लेगेटो का उपयोग कभी-कभी स्केल आर्गेजेस में दाहिने हाथ की क्रियाओं को सुविधाजनक बनाने के लिए किया जा सकता है, लेकिन इसका मुख्य उद्देश्य रंगीन है। लेगेटो खेलने से प्रदर्शन को एक अद्वितीय ध्वनि स्वाद मिलता है। प्राथमिक ग्रेड में तकनीकी लेगाटो और मेलिमाटिक्स के अध्ययन के संबंध में, शिक्षक को विशेष रूप से आरोही लेगेटो के निष्पादन की निगरानी करनी चाहिए, और मेलिस्मा पर काम करने में, एक में एक स्ट्रिंग के लिए विभिन्न ग्रेस नोट्स और शॉर्ट ट्रिल्स करने के लिए खुद को सीमित करना चाहिए। कॉर्ड संगत के बिना मानक स्थिति। ई। पुजोल के "स्कूल" में विभिन्न प्रकार के लेगो के लिए व्यायाम को काफी विस्तार से विकसित किया गया है। इस प्रकार की तकनीक एंडेंटिनो, एलेग्रेट्टो, एम। कैरासी में पाई जाती है। Etude 13 op.100 M. Giulii, Etude (व्यायाम 99) ) ई। पुजोल द्वारा।

9 स्कूल में प्रौद्योगिकी की नींव रखी गई है। आंदोलनों की तकनीक का अधिग्रहण न केवल शारीरिक और मानसिक गुणों के विकास के साथ जुड़ा हुआ है, बल्कि श्रवण विकास के साथ, संगीतमय ऊतक के आंदोलन की लाइव पल्स को महसूस करने की क्षमता के साथ, कल्पनाशील अभ्यावेदन की चमक के साथ जुड़ा हुआ है। तकनीक के विकास के लिए रेखाचित्र उंगलियों को सक्रिय करते हैं, उनकी लपट, स्पष्टता, गतिशीलता को शिक्षित करते हैं। यह कहा जाना चाहिए कि न केवल स्केच, बल्कि कोई भी टुकड़ा एक व्यायाम है और इससे बहुत लाभ हो सकता है यदि छात्र रुचि और प्रेम दिखाता है। प्रयास और ऊर्जा बचत के न्यूनतम खर्च के साथ आंदोलनों के लचीलेपन और प्लास्टिसिटी को प्राप्त करना आवश्यक है, सुनिश्चित करें कि अनावश्यक मांसपेशियां जुड़ी नहीं हैं और कोई हिला नहीं है। अग्रिम में एक आरामदायक स्थिति तैयार करें, न कि अंदर अंतिम क्षण... ध्वनि, तप और उंगलियों के समर्थन के लिए अपर्याप्त ध्यान न केवल संगीत की अभिव्यक्ति के लिए, बल्कि तकनीकी स्पष्टता को भी बहुत नुकसान पहुंचाता है। छात्र के तकनीकी विकास को संगीत और ध्वनि के साथ अनिवार्य रूप से जोड़ा जाना चाहिए। प्रशिक्षण के विभिन्न चरणों में, एक या दूसरे कार्य को सामने लाया जाता है। व्यावहारिक रूप से - सौंदर्य के कार्यों के संबंध में ध्वनि की गुणवत्ता, ध्वनि की समता, टिमब्रे, टेम्पो की चिंता है। बच्चे को लगातार श्रवण नियंत्रण के आदी होना आवश्यक है। आप केवल तकनीकी समस्याओं के साथ व्यस्त नहीं हो सकते, अपनी सुनवाई को सक्रिय किए बिना यंत्रवत् खेलते हैं, लेकिन छोटा बच्चा... मार्ग में छोटी अनियमितताओं को सुनना मुश्किल है। यहां तक \u200b\u200bकि सबसे औसत दर्जे के छात्रों में भी स्वाद पैदा करना आवश्यक है, प्रदर्शन में अनुपात की भावना विकसित करना, "ध्वनि की संस्कृति" को प्रेरित करना, इसके प्रति एक सम्मानजनक रवैया। ध्वनि का समय, इसका रंग एक विशेष टुकड़े पर निर्भर करता है। वह क्रमशः आर्टिक्यूलेशन, और खेल की तकनीक का भी निर्धारण करेगा। वैरिगेटेड आर्टिकुलेशन से बचना भी आवश्यक है। तकनीकी विकास का मुख्य लक्ष्य बेहतर कार्यान्वयन के लिए शर्तें प्रदान करना है संगीत के कार्य. प्रणोदन प्रणाली जरूर

10 को वसीयत, और तकनीकी तंत्र के अधीनस्थ होना चाहिए - छवि के संगीत अवतार के लिए। एक गिटारवादक के काम में शारीरिक और मानसिक तनाव, ध्वनि कल्पना के विकास दोनों की आवश्यकता होती है। आंदोलनों की सुविधा, उनकी सटीकता, मुफ्त फिट, एक अच्छी आवाज में महारत हासिल करना, संगीत प्रदर्शनएक नियम के रूप में, छात्र में गिटार बजाने के लिए एक प्रेम पैदा होता है, जो अपने आप में उसकी आगे की सफलता के लिए एक बहुत महत्वपूर्ण शर्त है। एक बच्चे का रचनात्मक विकास शिक्षण के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक है। यह कला के साथ और विशेष रूप से, एक संगीत विद्यालय में विशेष पाठ के साथ बारीकी से जुड़ा हुआ है। ये पाठ न केवल संगीत के बारे में, बल्कि जीवन के बारे में सोच, धारणा, रचना, प्रदर्शन, कामचलाऊ व्यवस्था में बच्चों के विभिन्न रचनात्मक कौशल विकसित करने में मदद करते हैं। कल्पना, फंतासी का अनुकूलन, उज्ज्वल, भावनात्मक और रंगीन संगीत सामग्री का चयन एक रचनात्मक व्यक्तित्व के निर्माण में मूल दिशानिर्देश हैं। एक विशेष सबक एक कला सबक है, जिसे एक बच्चे की आंतरिक दुनिया को संबोधित किया जाता है, और रचनात्मकता समृद्ध व्यक्तिगत क्षमता के संचय के लिए एक मार्गदर्शिका है। संदर्भ की सूची। 1. वी। जी। बोरीसेविच "संगीत और तकनीकी विकास का अनुकूलन छात्र गिटारवादक संगीत शिक्षा (लेख) के प्रारंभिक चरण में। 2. गेटमैन ए। छह-स्ट्रिंग गिटार पर प्रारंभिक प्रशिक्षण। एम।, इवानोव-क्रम्सकोय ए। स्कूल सिक्स-स्ट्रिंग गिटार बजाने का। एम।, करकासी एम। गिटार बजाने का स्कूल। एम।, पुहोल ई। गिटार बजाने का स्कूल। एम।, शिलिन ई। गिटार बजाने का स्कूल। भाग 2 "गिटारवादक की कलात्मक तकनीक" एम।, 2001।

शिक्षण अनुभव का विवरण प्रासंगिकता और संभावनाएं: व्याख्याता: नापालकोवा टी.वी. वर्तमान में गिटार बजाने में एक उतार-चढ़ाव है,

बच्चों के लिए सतत शिक्षा की नगर स्वायत्तशासी संस्था "चिल्ड्रन स्कूल ऑफ़ आर्ट्स" MAUDOD के "बाल कला विद्यालय" की शैक्षणिक परिषद द्वारा माना जाता है (28.12.2011 के मिनट 4)

व्याख्यात्मक नोट अध्ययन के 4 वें वर्ष की शैक्षिक सामग्री को बच्चों की क्षमताओं और उम्र की विशेषताओं, छात्रों के सुसंगत और क्रमिक विकास को ध्यान में रखते हुए संकलित किया गया है और इसका उद्देश्य क्रमिक है

सामग्री 1. व्याख्यात्मक नोट 2. पाठ्यक्रम और विषयगत योजना 3. प्रशिक्षण पाठ्यक्रम के विषयों की सामग्री। छात्रों के प्रशिक्षण के स्तर के लिए आवश्यकताएँ 5. साहित्य और प्रशिक्षण के सामग्री और तकनीकी साधन

पठन-पाठन के कौशल के निर्माण पर चिल्ड्रन आर्ट स्कूल के शिक्षक टीलीप ए.के. 2017-2018 1. परिचय 2. दृष्टि-कौशल के कौशल के निर्माण के लिए आवश्यक शर्तें 3. पढ़ने के नोट्स के कौशल को प्राप्त करने की प्रारंभिक अवस्था

व्याख्यात्मक नोट इस कार्यक्रम का ध्यान कलात्मक है। गिटार स्टडी प्रोग्राम अतिरिक्त शैक्षणिक सेवाओं के दायरे का अनुपालन करता है। यह कार्यक्रम आधार पर विकसित किया गया

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व्याख्यात्मक नोट का संक्षिप्त विवरण children बच्चों की संगीत शिक्षा के वर्तमान चरण में, हमारे देश में गिटार कितना प्यारा और लोकप्रिय है, विशेष प्रासंगिकता हासिल कर रहा है।

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गिटार बस्टिंग खेलने की 1 मूल बातें। फिंगर तकनीक इस खंड में, हम मानक फ़िंगरिंग (आर्कपीगियोस) को देखेंगे। सीखे हुए और कर्तव्यनिष्ठा से काम लेने के बाद, आप भविष्य में सफलतापूर्वक बल लागू कर सकते हैं।

सामग्री: व्याख्यात्मक नोट .... पृष्ठ 3 शैक्षिक-विषयक योजना ... पृष्ठ 4 अध्ययन पाठ्यक्रम की सामग्री ... पृष्ठ 5 कार्यक्रम का पद्धतिगत समर्थन ... पृष्ठ 7 संदर्भ। पेज 8 प्रदर्शनी

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में शैक्षणिक वर्ष 2015/2016 लेखक के गीत "MOST" के स्टूडियो का कार्यक्रम लागू किया गया तीन समूह अध्ययन का पहला, दूसरा और तीसरा वर्ष। कुल मिलाकर, संघ में 34 लोगों को प्रशिक्षित किया जाता है। छात्रों की औसत आयु