बनाने में दृश्य कलाचित्रकला की शैलियों का भी निर्माण हुआ। यदि गुफा के लोगों की तस्वीरों में केवल यह देखना संभव था कि उन्हें क्या घेरता है, तो समय के साथ पेंटिंग अधिक से अधिक बहुआयामी हो गई और व्यापक अर्थ प्राप्त कर लिया। कलाकारों ने चित्रों में दुनिया के बारे में अपनी दृष्टि व्यक्त की। इतिहासकार पेंटिंग की निम्नलिखित शैलियों की पहचान करते हैं जो इस कला के पूरे इतिहास में बनी हैं।

. नाम से आता है लैटिन शब्दपशु, जिसका अर्थ है पशु। इस शैली में जानवरों पर केंद्रित पेंटिंग शामिल हैं।

अलंकारिक शैली... एलेगोरिया का अर्थ है रूपक। ऐसी तस्वीरें शामिल हैं गुप्त अर्थ... प्रतीकों, लोगों, जीवित या पौराणिक प्राणियों की छवि का उपयोग करते हुए, कलाकार इस या उस विचार को व्यक्त करने का प्रयास करता है।

युद्ध शैली।लड़ाई, लड़ाई, सैन्य अभियानों की छवि। इन चित्रों में विविधता, कई पात्रों की उपस्थिति की विशेषता है।

महाकाव्य और पौराणिक शैलियों... लोककथाओं के कार्यों के भूखंड, प्राचीन किंवदंतियों के विषय, महाकाव्य और प्राचीन ग्रीक मिथकों को चित्रित किया गया था।

रोजमर्रा की जिंदगी से सरल दृश्यों का चित्रण। यह शैली सादगी और यथार्थवाद की विशेषता है।

Vanitas... शैली की उत्पत्ति बारोक युग में हुई थी। यह एक प्रकार का स्थिर जीवन है, जिसके केंद्र में आवश्यक रूप से एक खोपड़ी होती है। कलाकारों ने जो कुछ भी मौजूद है उसकी कमजोरियों के साथ समानांतर खींचने की कोशिश की।

वेदुता... इस शैली का जन्मस्थान वेनिस है। यह एक शहरी पैनोरमा का प्रतिनिधित्व करता है, जो देख रहा है स्थापत्य रूपऔर अनुपात।

परिसर की आंतरिक सजावट की छवि।

हिप्पी शैली।नाम ही अपने में काफ़ी है। ये घोड़ों को समर्पित पेंटिंग हैं।

ऐतिहासिक शैली... ऐतिहासिक घटनाओं को दर्शाने वाले कैनवस। चित्रकला की एक बहुआयामी और महत्वपूर्ण शैली।

कैप्रिसियो।काल्पनिक स्थापत्य परिदृश्य।

नाम फ्रांसीसी मूल का है, और इसका अर्थ है कि छवि के केंद्र में एक निर्जीव वस्तु है। कलाकारों ने मुख्य रूप से फूल, घरेलू सामान, घरेलू बर्तनों का चित्रण किया।

नंगा... नग्न छवि मानव शरीर... प्रारंभ में, यह शैली पौराणिक और ऐतिहासिक शैली से निकटता से जुड़ी हुई थी।

सम्मिश्रण।एक शैली जिसमें कलाकारों ने भ्रम पैदा करने के लिए विशेष तकनीकों का इस्तेमाल किया।

देहाती... एक ऐसी शैली जो साधारण ग्रामीण जीवन को एक अलग हाइपोस्टैसिस तक बढ़ाती है, इसे अलंकृत और विभूषित करती है।

एक शैली जिसमें प्रकृति के चित्रों को कैनवास पर चित्रित किया जाता है। यह एक त्रि-आयामी दिशा है जिसमें सिटीस्केप, सीस्केप और अन्य समान थीम शामिल हैं।

. तस्वीर के केंद्र में एक व्यक्ति की छवि है। कलाकार उन तकनीकों का उपयोग करता है जो न केवल बाहरी रूप को, बल्कि उसके नायक की आंतरिक दुनिया को भी व्यक्त करती हैं। चित्र समूह, व्यक्तिगत, औपचारिक हो सकता है। आप एक स्व-चित्र को भी हाइलाइट कर सकते हैं जिसमें कलाकार खुद को चित्रित करता है।

धार्मिक शैली... इसमें धार्मिक विषयों पर अन्य पेंटिंग शामिल हैं।

कैरिकेचर।एक शैली, जिसका उद्देश्य हास्य प्रभाव के माध्यम से कुछ व्यक्तित्व दोषों पर जोर देना है। इसके लिए, अतिशयोक्ति, चेहरे की विशेषताओं और अनुपात की विकृति, प्रतीकवाद और कल्पना के तत्वों का उपयोग किया जाता है।

पेंटिंग विधाएं एक-दूसरे के साथ विलय और बातचीत कर सकती हैं। कुछ विधाएं समय के साथ अपनी प्रासंगिकता खो देती हैं, लेकिन कई, इसके विपरीत, जीवन के साथ विकसित होती रहती हैं।

शैलियों और प्रवृत्तियों की संख्या बहुत अधिक है, यदि अनंत नहीं है। मुख्य विशेषता जिसके द्वारा कार्यों को शैली द्वारा समूहीकृत किया जा सकता है, वह है कलात्मक सोच के एकीकृत सिद्धांत। कलात्मक सोच के कुछ तरीकों का दूसरों द्वारा प्रतिस्थापन (रचनाओं के प्रकारों का विकल्प, स्थानिक निर्माण के तरीके, रंग की ख़ासियत) आकस्मिक नहीं है। कला के प्रति हमारी धारणा भी ऐतिहासिक रूप से परिवर्तनशील है।
शैली प्रणाली को एक पदानुक्रमित क्रम में बनाते समय, हम यूरोकेंद्रित परंपरा का पालन करेंगे। कला के इतिहास में सबसे बड़ी अवधारणा एक युग की अवधारणा है। प्रत्येक युग में एक निश्चित "दुनिया की तस्वीर" की विशेषता होती है, जिसमें दार्शनिक, धार्मिक, राजनीतिक विचार, वैज्ञानिक विचार, मनोवैज्ञानिक विशेषताएंदुनिया की धारणा, नैतिक और नैतिक मानदंड, जीवन के सौंदर्य मानदंड, जिसके अनुसार वे एक युग को दूसरे युग से अलग करते हैं। ये आदिम युग हैं, युग प्राचीन दुनिया के, पुरातनता, मध्य युग, पुनर्जागरण, नया समय।
कला में शैलियों की स्पष्ट सीमाएँ नहीं होती हैं, वे आसानी से एक दूसरे में विलीन हो जाती हैं और निरंतर विकास, मिश्रण और विरोध में होती हैं। एक ऐतिहासिक कला शैली के ढांचे के भीतर, हमेशा एक नया जन्म होता है, और वह बदले में, अगले में चला जाता है। कई शैलियाँ एक ही समय में सह-अस्तित्व में हैं और इसलिए कोई "शुद्ध शैलियाँ" नहीं हैं।
एक ही ऐतिहासिक युग में कई शैलियाँ सह-अस्तित्व में आ सकती हैं। उदाहरण के लिए, 17वीं शताब्दी में शास्त्रीयवाद, शिक्षावाद और बारोक, 18वीं शताब्दी में रोकोको और नवशास्त्रवाद, 19वीं में स्वच्छंदतावाद और शिक्षावाद। उदाहरण के लिए, क्लासिकवाद और बारोक जैसी शैलियों को महान शैली कहा जाता है, क्योंकि वे सभी प्रकार की कलाओं पर लागू होती हैं: वास्तुकला, चित्रकला, कला और शिल्प, साहित्य, संगीत।
कलात्मक शैलियों, प्रवृत्तियों, प्रवृत्तियों, स्कूलों और व्यक्तिगत स्वामी की व्यक्तिगत शैलियों की विशिष्टताओं के बीच अंतर किया जाना चाहिए। एक शैली के भीतर कई शैलियाँ मौजूद हो सकती हैं। कलात्मक दिशाएं... कलात्मक दिशा किसी दिए गए युग की विशिष्ट विशेषताओं और कलात्मक सोच के अजीबोगरीब तरीकों से बनती है। उदाहरण के लिए, आर्ट नोव्यू शैली में सदी के अंत में कई रुझान शामिल हैं: पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म, प्रतीकवाद, फ़ौविज़्म, आदि। दूसरी ओर, एक कलात्मक दिशा के रूप में प्रतीकात्मकता की अवधारणा साहित्य में अच्छी तरह से विकसित होती है, जबकि चित्रकला में यह बहुत अस्पष्ट है और कलाकारों को इतनी अलग शैलीगत रूप से एकजुट करती है कि इसे अक्सर एक एकीकृत विश्वदृष्टि के रूप में व्याख्या किया जाता है।

नीचे उन युगों, शैलियों और प्रवृत्तियों की परिभाषा दी जाएगी जो किसी तरह आधुनिक ललित और सजावटी कलाओं में परिलक्षित होती हैं।

	- एक कलात्मक शैली जो XII-XV सदियों में पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों में विकसित हुई। यह मध्ययुगीन कला के सदियों पुराने विकास का परिणाम था, इसका उच्चतम चरण और साथ ही, इतिहास में पहली यूरोपीय, अंतर्राष्ट्रीय कलात्मक शैली। इसमें सभी प्रकार की कला - वास्तुकला, मूर्तिकला, पेंटिंग, सना हुआ ग्लास, पुस्तक सजावट, कला और शिल्प शामिल थे। गॉथिक शैली का आधार वास्तुकला था, जो ऊपर की ओर निर्देशित नुकीले मेहराब, बहुरंगी सना हुआ ग्लास खिड़कियां और रूप के दृश्य अभौतिकीकरण की विशेषता है। गॉथिक कला के तत्व अक्सर आधुनिक इंटीरियर डिजाइन में पाए जा सकते हैं, विशेष रूप से, भित्ति चित्रों में, कम अक्सर चित्रफलक पेंटिंग में। पिछली शताब्दी के अंत से, एक गॉथिक उपसंस्कृति रही है जो संगीत, कविता और कपड़ों के डिजाइन में स्पष्ट रूप से प्रकट हुई है।
	(पुनर्जागरण) - (फ्रांसीसी पुनर्जागरण, इतालवी रिनसिमेंटो) पश्चिमी और मध्य यूरोप के कई देशों के साथ-साथ कुछ देशों के सांस्कृतिक और वैचारिक विकास में युग पूर्वी यूरोप के... पुनर्जागरण संस्कृति की मुख्य विशिष्ट विशेषताएं: धर्मनिरपेक्ष चरित्र, मानवतावादी दृष्टिकोण, प्राचीन सांस्कृतिक विरासत के लिए अपील, इसका एक प्रकार का "पुनरुद्धार" (इसलिए नाम)। पुनर्जागरण की संस्कृति में मध्य युग से नए समय तक संक्रमणकालीन युग की विशिष्ट विशेषताएं हैं, जिसमें पुराने और नए, आपस में जुड़कर, एक अजीबोगरीब, गुणात्मक रूप से नया मिश्र धातु बनाते हैं। पुनर्जागरण की कालानुक्रमिक सीमाओं का प्रश्न (इटली में - 14-16 शताब्दी, अन्य देशों में - 15-16 शताब्दी), इसका क्षेत्रीय वितरण और राष्ट्रीय विशेषताएं एक जटिल है। समकालीन कला में इस शैली के तत्वों का उपयोग अक्सर दीवार चित्रों में किया जाता है, कम अक्सर चित्रफलक पेंटिंग में।
	- (इतालवी मनिएरा से - स्वागत, ढंग) वर्तमान में यूरोपीय कला XVI सदी। व्यवहारवाद के प्रतिनिधि दुनिया की पुनर्जागरण सामंजस्यपूर्ण धारणा से दूर चले गए, प्रकृति की एक आदर्श रचना के रूप में मनुष्य की मानवतावादी अवधारणा। जीवन की एक गहरी धारणा को प्रकृति का पालन न करने की प्रोग्रामेटिक इच्छा के साथ जोड़ा गया था, बल्कि एक व्यक्तिपरक "आंतरिक विचार" व्यक्त करने के लिए जोड़ा गया था। कलात्मक छविकलाकार की आत्मा में पैदा हुआ। सबसे स्पष्ट रूप से इटली में प्रकट हुआ। 1520 के इतालवी तरीके के लिए। (पोंटोर्मो, पार्मिगियानो, गिउलिओ रोमानो) छवियों की नाटकीय तीक्ष्णता, विश्व धारणा की त्रासदी, पोज़ की जटिलता और अतिरंजित अभिव्यक्ति और आंदोलन के उद्देश्यों, आंकड़ों के अनुपात में वृद्धि, रंगीन और कट-एंड-लाइट विसंगतियों की विशेषता है। हाल ही में, कला समीक्षकों द्वारा इसका उपयोग ऐतिहासिक शैलियों के परिवर्तन से जुड़ी समकालीन कला में घटनाओं को दर्शाने के लिए किया गया है।
	- ऐतिहासिक कला शैली, जो शुरू में इटली में मध्य में फैली हुई थी। XVI-XVII सदियों में, और फिर XVII-XVIII सदियों में फ्रांस, स्पेन, फ़्लैंडर्स और जर्मनी में। अधिक व्यापक रूप से, इस शब्द का उपयोग एक बेचैन, रोमांटिक दृष्टिकोण, अभिव्यंजक, गतिशील रूपों में सोच की निरंतर-नवीनीकरण प्रवृत्ति को परिभाषित करने के लिए किया जाता है। अंत में, हर समय, लगभग हर ऐतिहासिक कलात्मक शैली में, आप अपनी खुद की "बैरोक अवधि" को उच्चतम रचनात्मक उछाल, भावनाओं के तनाव, रूपों की विस्फोटकता के चरण के रूप में पा सकते हैं।
	- 17वीं - 20वीं सदी की शुरुआत में पश्चिमी यूरोपीय कला में कलात्मक शैली XIX सदी और में रूसी XVIII- शीघ्र। XIX, प्राचीन विरासत का पालन करने के लिए एक आदर्श के रूप में संदर्भित करता है। यह वास्तुकला, मूर्तिकला, चित्रकला, कला और शिल्प में खुद को प्रकट करता है। कलाकार-क्लासिकिस्टों ने पुरातनता को सर्वोच्च उपलब्धि माना और इसे कला में अपना मानक बनाया, जिसका उन्होंने अनुकरण करने का प्रयास किया। समय के साथ, यह अकादमिकता में पतित हो गया।
	- 1820-1830 के दशक की यूरोपीय और रूसी कला में एक प्रवृत्ति, जिसने क्लासिकवाद को बदल दिया। रोमांटिक लोगों ने क्लासिकिस्टों की आदर्श सुंदरता के लिए "अपूर्ण" वास्तविकता का विरोध करते हुए व्यक्तित्व पर प्रकाश डाला। कलाकार उज्ज्वल, दुर्लभ, असाधारण घटनाओं के साथ-साथ एक शानदार प्रकृति की छवियों से आकर्षित हुए। रूमानियत की कला में, तीव्र व्यक्तिगत धारणा और अनुभव एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। स्वच्छंदतावाद ने कला को अमूर्त क्लासिकवादी हठधर्मिता से मुक्त किया और इसे राष्ट्रीय इतिहास और लोककथाओं की छवियों की ओर मोड़ दिया।
	- (अक्षांश से। भावना - भावना) - XVIII की दूसरी छमाही की पश्चिमी कला की दिशा।, "सभ्यता" में "कारण" (ज्ञानोदय की विचारधारा) के आदर्शों के आधार पर निराशा व्यक्त करना। एस "छोटे आदमी" के ग्रामीण जीवन की भावना, एकान्त प्रतिबिंब, सादगी की घोषणा करता है। जे जे रूसो को एस.
	- कला में एक प्रवृत्ति जो बाहरी रूप और घटनाओं और चीजों के सार दोनों को सबसे बड़ी सच्चाई और विश्वसनीयता के साथ प्रदर्शित करना चाहती है। एक रचनात्मक विधि के रूप में, यह छवि बनाते समय व्यक्तिगत और विशिष्ट लक्षणों को जोड़ती है। अस्तित्व की दिशा में सबसे लंबा समय, आदिम युग से आज तक विकसित हो रहा है।
	- 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में यूरोपीय कलात्मक संस्कृति में एक प्रवृत्ति। बुर्जुआ "सामान्य ज्ञान" (दर्शनशास्त्र, सौंदर्यशास्त्र - प्रत्यक्षवाद, कला में - प्रकृतिवाद) के मानदंडों के मानवीय क्षेत्र में प्रभुत्व की प्रतिक्रिया के रूप में उत्पन्न, प्रतीकवाद ने सबसे पहले 1860-70 के दशक के अंत में फ्रांसीसी साहित्य में आकार लिया। बाद में बेल्जियम, जर्मनी, ऑस्ट्रिया, नॉर्वे, रूस में फैल गया। प्रतीकात्मकता के सौंदर्यवादी सिद्धांत कई मायनों में रूमानियत के विचारों के साथ-साथ ए। शोपेनहावर, ई। हार्टमैन, आंशिक रूप से एफ। नीत्शे के आदर्शवादी दर्शन के कुछ सिद्धांतों पर वापस चले गए, जर्मन के काम और सिद्धांत के लिए। संगीतकार आर वैगनर। प्रतीकवाद ने सजीव वास्तविकता का दर्शन और सपनों की दुनिया में विरोध किया। काव्य अंतर्दृष्टि से उत्पन्न प्रतीक और सामान्य चेतना से छिपी हुई घटनाओं के अलौकिक अर्थ को व्यक्त करने को अस्तित्व और व्यक्तिगत चेतना के रहस्यों को समझने के लिए एक सार्वभौमिक उपकरण माना जाता था। कलाकार-निर्माता को वास्तविक और सुपरसेंसिबल के बीच मध्यस्थ के रूप में देखा गया था, हर जगह विश्व सद्भाव के "संकेत" ढूंढते हुए, भविष्य के संकेतों का अनुमान लगाते हुए जैसे कि समसामयिक घटनाऔर अतीत की घटनाओं में।
	- (फ्रांसीसी छाप से - छाप) 19 वीं के अंतिम तीसरे - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में कला में एक प्रवृत्ति, जो फ्रांस में उत्पन्न हुई। नाम दर्ज किया गया था कला समीक्षकएल। लेरॉय, जिन्होंने 1874 में कलाकारों की प्रदर्शनी के बारे में तिरस्कारपूर्वक बात की, जहां, दूसरों के बीच, सी। मोनेट की पेंटिंग "सनराइज। प्रभाव"। प्रभाववाद ने सुंदरता का दावा किया वास्तविक दुनिया, पहली छाप की ताजगी, पर्यावरण की परिवर्तनशीलता पर जोर देना। विशुद्ध रूप से चित्रमय समस्याओं के समाधान पर प्रमुख ध्यान ने कला के काम के मुख्य घटक के रूप में ड्राइंग के पारंपरिक विचार को कम कर दिया। यूरोपीय देशों और संयुक्त राज्य अमेरिका की कला पर प्रभाववाद का एक शक्तिशाली प्रभाव पड़ा, वास्तविक जीवन से विषयों में रुचि पैदा हुई। (ई। मानेट, ई। डेगास, ओ। रेनॉयर, सी। मोनेट, ए। सिसली, आदि)
	- पेंटिंग में वर्तमान (पर्यायवाची - विभाजनवाद), जो नव-प्रभाववाद के ढांचे के भीतर विकसित हुआ। नव-प्रभाववाद 1885 में फ्रांस में उत्पन्न हुआ और बेल्जियम और इटली में भी फैल गया। नव-प्रभाववादियों ने कला में आवेदन करने की कोशिश की नवीनतम उपलब्धियांप्रकाशिकी के क्षेत्र में, जिसके अनुसार दृश्य धारणा में प्राथमिक रंगों के अलग-अलग बिंदुओं के साथ की गई पेंटिंग रंगों का एक संलयन और पेंटिंग के पूरे सरगम ​​​​को देती है। (जे। सेरात, पी। सिग्नैक, सी। पिस्सारो)।
	प्रभाववाद के बाद- फ्रांसीसी चित्रकला की मुख्य दिशाओं का सशर्त सामूहिक नाम। XIX - पहली तिमाही। XX सदी प्रभाववाद के बाद की कला का उदय प्रभाववाद की प्रतिक्रिया के रूप में हुआ, जिसने क्षण के संचरण पर ध्यान केंद्रित किया, सुरम्यता की भावना पर और वस्तुओं के रूप में खोई हुई रुचि पर। पोस्ट-इंप्रेशनिस्टों में पी। सेज़ेन, पी। गौगिन, वी। गॉग और अन्य शामिल हैं।
	- XIX-XX सदियों के अंत में यूरोपीय और अमेरिकी कला में शैली। आधुनिक ने विभिन्न युगों की कला की पंक्तियों की पुनर्व्याख्या और शैलीकरण किया, और अभ्यास के सिद्धांतों के आधार पर अपनी कलात्मक प्रथाओं को विकसित किया। आधुनिकीकरण का उद्देश्य भी stanovyatsya और प्राकृतिक रूप है। यह obyacnyaetcya ne tolko intepec to pactitelnym opnamentam in ppoizvedeniyax modepna, Nr and kama THEIR kompozitsionnaya and placticheckaya ctpyktypa - obilie kpivolineynyx ocheptany, oplyvayuschix, konty. यह आधुनिकता से निकटता से संबंधित है - एक प्रतीकवाद जिसने फैशन के लिए सौंदर्य-दार्शनिक-दार्शनिक आधार के रूप में कार्य किया है, आधुनिकता पर अपने विचारों के व्यावहारिक कार्यान्वयन के रूप में निर्भर है। आधुनिक के अलग-अलग देशों में अलग-अलग नाम थे, जो अनिवार्य रूप से समानार्थी हैं: आर्ट नोव्यू - फ्रांस में, अलगाव - ऑस्ट्रिया में, जुगेन्स्टिल - जर्मनी में, लिबर्टी - इटली में।
	- (फ्रांसीसी आधुनिक - आधुनिक से) 20 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध की कई कला प्रवृत्तियों का सामान्य नाम, जो अतीत के पारंपरिक रूपों और सौंदर्यशास्त्र के खंडन की विशेषता है। आधुनिकता अवंत-गार्डे के करीब है और अकादमिक के विपरीत है।
	- एक ऐसा नाम जो 1905-1930 के दशक में आम कलात्मक प्रवृत्तियों की एक श्रृंखला को एकजुट करता है। (फौविज्म, क्यूबिज्म, फ्यूचरिज्म, एक्सप्रेशनिज्म, दादावाद, अतियथार्थवाद)। ये सभी दिशाएँ कला की भाषा को नवीनीकृत करने, उसके कार्यों पर पुनर्विचार करने, कलात्मक अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता प्राप्त करने की इच्छा से एकजुट हैं।
	- कला में दिशा देर से XIX - n। XX सदी, पर आधारित रचनात्मक सबकफ्रांसीसी कलाकार पॉल सेज़ेन द्वारा, जिन्होंने छवि के सभी रूपों को सरलतम ज्यामितीय आकृतियों में और रंग को गर्म और ठंडे स्वरों के विपरीत निर्माणों में कम कर दिया। Cezanneism ने क्यूबिज़्म के शुरुआती बिंदुओं में से एक के रूप में कार्य किया। काफी हद तक, सेज़ानिज़्म ने पेंटिंग के रूसी यथार्थवादी स्कूल को भी प्रभावित किया।
	- (फौवे से - जंगली) फ्रांसीसी कला में अवंत-गार्डे प्रवृत्ति एन। XX सदी "जंगली" नाम दिया गया था समकालीन आलोचककलाकारों का समूह, जिन्होंने 1905 में पेरिसियन सैलून ऑफ़ इंडिपेंडेंट में प्रदर्शन किया, और स्वभाव से विडंबनापूर्ण थे। समूह में ए। मैटिस, ए। मार्क्वेट, जे। राउल्ट, एम। डी व्लामिनक, ए। डेरेन, आर। ड्यूफी, जे। ब्रेक, सी। वैन डोंगेन और अन्य शामिल थे। , आदिम रचनात्मकता में आवेगों की खोज, कला की कला। मध्य युग और पूर्व।
	- जानबूझकर सरलीकरण वीज़्युअल मीडिया, कला के विकास के आदिम चरणों की नकल। यह शब्द तथाकथित को संदर्भित करता है। कलाकारों की भोली कला जिन्होंने एक विशेष शिक्षा प्राप्त नहीं की है, लेकिन 19 वीं - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के अंत की सामान्य कलात्मक प्रक्रिया में शामिल हैं। XX सदी। इन कलाकारों के काम - एन। पिरोसमानी, ए। रूसो, वी। सेलिवानोव और अन्य को प्रकृति की व्याख्या में एक अजीबोगरीब बचकानापन, सामान्यीकृत रूप का संयोजन और विवरण में छोटी शाब्दिकता की विशेषता है। प्रपत्र का आदिमवाद किसी भी तरह से सामग्री की प्रधानता को पूर्व निर्धारित नहीं करता है। यह अक्सर उन पेशेवरों के लिए एक स्रोत के रूप में कार्य करता है जिन्होंने लोक से रूप, चित्र, तरीके उधार लिए थे, वास्तव में, आदिम कला। एन। गोंचारोव, एम। लारियोनोव, पी। पिकासो, ए। मैटिस ने आदिमवाद से प्रेरणा ली।
	- कला में एक प्रवृत्ति, पुरातनता और पुनर्जागरण के सिद्धांतों का पालन करने के आधार पर बनाई गई। 16वीं से 19वीं सदी तक कई यूरोपीय कला स्कूलों में इसका इस्तेमाल किया गया था। अकादमिकता ने शास्त्रीय परंपराओं को "शाश्वत" नियमों और विनियमों की एक प्रणाली में बदल दिया, जो रचनात्मक खोजों को बाधित करते थे, अपूर्ण जीवित प्रकृति के लिए सौंदर्य के "उच्च" बेहतर, गैर-राष्ट्रीय और कालातीत रूपों का विरोध करने की कोशिश करते थे। अकादमिकता को समकालीन कलाकार के जीवन से प्राचीन पौराणिक कथाओं, बाइबिल या ऐतिहासिक विषयों के विषयों के लिए प्राथमिकता दी जाती है।
	- (फ्रेंच क्यूबिज्म, क्यूब - क्यूब से) XX सदी की पहली तिमाही की कला में दिशा। क्यूबिज़्म की प्लैक्टिक भाषा ज्यामितीय विमानों पर मापदंडों के विरूपण और व्यवस्था पर आधारित थी, फॉर्म के प्लैक्टिक विस्थापन। क्यूबिज़्म का जन्म 1907-1908 - प्रथम विश्व युद्ध की पूर्व संध्या पर पड़ता है। इस प्रवृत्ति के निर्विवाद नेता कवि और प्रचारक जी. अपोलिनेयर थे। यह आंदोलन प्रमुख प्रवृत्तियों को शामिल करने वाले पहले लोगों में से एक था। आगामी विकाशबीसवीं सदी की कला। इन प्रवृत्तियों में से एक पेंटिंग के कलात्मक आंतरिक मूल्य पर अवधारणा का प्रभुत्व था। जे. ब्रैक और पी. पिकासो को क्यूबिज़्म का जनक माना जाता है। फर्नांड लेगर, रॉबर्ट डेलाउने, जुआन ग्रिस और अन्य उभरते हुए प्रवाह में शामिल हो गए।
	- साहित्य, चित्रकला और सिनेमा में वर्तमान, जिसका उदय 1924 में फ्रांस में हुआ। इसने चेतना के निर्माण में बहुत योगदान दिया आधुनिक आदमी... आंदोलन के मुख्य आंकड़े आंद्रे ब्रेटन, लुई आरागॉन, सल्वाडोर डाली, लुइस बुनुएल, जुआन मिरो और दुनिया भर के कई अन्य कलाकार हैं। अतियथार्थवाद ने वास्तविक के बाहर अस्तित्व के विचार को व्यक्त किया, विशेष रूप से महत्वपूर्ण भूमिकायहाँ बेतुका, अचेतन, स्वप्न, स्वप्न प्राप्त होते हैं। अतियथार्थवादी कलाकार की विशिष्ट विधियों में से एक सचेत रचनात्मकता से अलगाव है, जो उसे एक ऐसा उपकरण बनाता है जो विभिन्न तरीकों से मतिभ्रम के समान अवचेतन की विचित्र छवियों को निकालता है। अतियथार्थवाद कई संकटों से बच गया, द्वितीय विश्व युद्ध से बच गया और धीरे-धीरे, जन संस्कृति के साथ विलय, ट्रांस-अवंत-गार्डे के साथ मिलकर, एक अभिन्न अंग के रूप में उत्तर आधुनिकता में प्रवेश किया।
	- (lat.futurum से - भविष्य) 1910 के दशक की कला में साहित्यिक और कलात्मक धारा। Otvodya cebe pol ppoobpaza ickycctva bydyschego, fytypizm in kachectve ocnovnoy ppogpammy vydvigal ideyu pazpysheniya kyltypnyx ctepeotipov और ppedlagal vzamen apologiyu texniki और n ग्लायस्चेचेनाकोव। भविष्यवाद का महत्वपूर्ण कलात्मक विचार आधुनिक जीवन की गति के मौलिक जीवन के रूप में गति की दर की भौतिक अभिव्यक्ति की खोज बन गया। भविष्यवाद के रूसी संस्करण ने किबोफाइटरिज्म नाम को जन्म दिया और यह काल्पनिक क्यूबिज्म के प्लास्टिक सिद्धांतों और सामान्य की उदारता के संबंध पर आधारित था।

यह कोई रहस्य नहीं है कि पेंटिंग की अपनी विशिष्टता है और इसे शैलियों में विभाजित किया गया है। यह घटना 15 वीं शताब्दी में यूरोप में उत्पन्न हुई, फिर प्रथम श्रेणी की पेंटिंग की अवधारणा का गठन किया गया, इसमें एक पौराणिक और ऐतिहासिक अभिविन्यास के चित्र, परिदृश्य, चित्र शामिल थे, अभी भी जीवन को दूसरे दर्जे के लोगों के रूप में संदर्भित किया गया था। लेकिन इस छँटाई ने 1900 के दशक के आसपास अपनी प्रासंगिकता खो दी, जब बहुत सारी शैलियाँ और शैलियाँ थीं और केवल इन दो समूहों में स्पष्ट विभाजन का उपयोग करना बहुत पुराने जमाने का होगा। इसलिए आज मैं आपको वर्तमान प्रकार की पेंटिंग के बारे में बताना चाहता हूं।

स्थिर वस्तु चित्रण (नेचर मोर्टे- "मृत प्रकृति") - निर्जीव चीजों के चित्र। इस शैली की उत्पत्ति 15वीं शताब्दी में हुई थी, 17वीं में स्वतंत्रता प्राप्त हुई, डच कलाकारों की बदौलत। हॉलैंड में स्वर्ण युग की शुरुआत के संबंध में शैली स्वतंत्र हो गई, कलाकारों को भोजन और अन्य चीजों की एक बहुतायत से खराब कर दिया गया, जिन्हें पहले विलासिता और धन माना जाता था, यह इस आधार पर था कि डच जैसी संकीर्ण शैली अभी भी जीवन दिखाई दिया। आज भी जीवन एक व्यापक प्रकार की पेंटिंग है, और पेंटिंग के खरीदारों के बीच इसकी बहुत मांग है।

चित्र- एक व्यक्ति या लोगों का समूह जिसे चित्र में दर्शाया गया है। इस शैली का दायरा बहुत अस्पष्ट है, चित्र अक्सर अन्य शैलियों के साथ प्रतिच्छेद करता है, उदाहरण के लिए, एक परिदृश्य या स्थिर जीवन के साथ। चित्र भी ऐतिहासिक, मरणोपरांत और धार्मिक हैं। एक सेल्फ-पोर्ट्रेट भी होता है, जब कोई कलाकार खुद को पेंट करता है।

परिदृश्य- चित्रकला में एक बहुत ही महत्वपूर्ण शैली। इसमें कलाकार या तो प्राचीन प्रकृति का चित्रण करता है, या मनुष्य द्वारा रूपांतरित प्रकृति, या इलाके को। यह लंबे समय से सामान्य समुद्र या पहाड़ के दृश्यों से परे चला गया है, और आज यह सबसे लोकप्रिय प्रकार की पेंटिंग में से एक है। परिदृश्य शहरी, ग्रामीण, समुद्र, पहाड़ आदि हैं। पहले, परिदृश्य केवल खुली हवा में चित्रित किए जाते थे, जब कलाकार ने प्रकृति से जो कुछ देखा, उसे चित्रित किया। यह प्रथा इन दिनों कम आम होती जा रही है, और समकालीन कलाकार फोटोग्राफी से काम करना पसंद करते हैं।

मरीना- वही समुद्री अभी भी जीवन, केवल सही नाम के साथ। मरीना समुद्र में होने वाली घटनाओं, लड़ाइयों, बड़ी लहरों, मालवाहक जहाजों आदि को दर्शाती हैं। इवान ऐवाज़ोव्स्की इस शैली के एक प्रमुख प्रतिनिधि थे।

ऐतिहासिक पेंटिंग- आवश्यकता से उत्पन्न, पुनर्जागरण के दौरान, कलाकारों ने महत्वपूर्ण सांस्कृतिक और ऐतिहासिक घटनाओं को चित्रित किया। ऐतिहासिक पेंटिंग हमेशा इतिहास पर आधारित नहीं होती हैं, इसमें विभिन्न प्रकार की पेंटिंग भी शामिल होती हैं, जैसे: पौराणिक कथाएं, इंजील और बाइबिल की घटनाएं।

बैटल पेंटिंग- एक विषय जो युद्ध और सैन्य जीवन के विषय को प्रकट करता है। कलाकार युद्ध या युद्ध के एक महत्वपूर्ण, महाकाव्य, महत्वपूर्ण क्षण को चित्रित करने का प्रयास करता है। उसी समय, विश्वसनीयता पृष्ठभूमि में फीकी पड़ सकती है।

पेंटिंग प्राचीन कलाओं में से एक है, जो कई शताब्दियों के दौरान पुरापाषाण काल ​​के शैल चित्रों से लेकर XX और यहां तक ​​कि XXI सदी के नवीनतम रुझानों तक विकसित हुई है। यह कला व्यावहारिक रूप से मानवता के आगमन के साथ पैदा हुई थी। प्राचीन लोगों ने, यहां तक ​​​​कि खुद को एक आदमी के रूप में पूरी तरह से महसूस नहीं किया, उन्हें अपने आसपास की दुनिया को सतह पर चित्रित करने की आवश्यकता महसूस हुई। उन्होंने जो कुछ भी देखा उसे चित्रित किया: जानवर, प्रकृति, शिकार के दृश्य। पेंट करने के लिए, उन्होंने प्राकृतिक सामग्री से बने पेंट के समान कुछ इस्तेमाल किया। वे मिट्टी के रंग, लकड़ी का कोयला, काली कालिख थे। ब्रश जानवरों के बालों से बनाए जाते थे, या बस आपकी उंगलियों से रंगे जाते थे।

परिवर्तनों के परिणामस्वरूप, पेंटिंग के नए प्रकार और शैलियों का उदय हुआ। प्राचीन काल के बाद पुरातनता का काल आया। चित्रकारों और कलाकारों की इच्छा आसपास के वास्तविक जीवन को पुन: पेश करने की उठी, जैसे कि यह एक व्यक्ति द्वारा देखा जाता है। प्रतिपादन की सटीकता के लिए प्रयास ने परिप्रेक्ष्य की नींव, विभिन्न छवियों के काले और सफेद निर्माण की नींव और कलाकारों द्वारा इसका अध्ययन किया। और उन्होंने, सबसे पहले, फ्रेस्को पेंटिंग में, दीवार के तल पर वॉल्यूमेट्रिक स्पेस को चित्रित करने का तरीका अध्ययन किया। कला के कुछ काम, जैसे कि वॉल्यूमेट्रिक स्पेस, काइरोस्कोरो, का उपयोग कमरों, धर्म के केंद्रों और दफनाने के लिए किया जाने लगा।

चित्रकला के अतीत में अगला महत्वपूर्ण काल ​​मध्य युग है। इस समय, पेंटिंग अधिक धार्मिक प्रकृति की थी, और विश्वदृष्टि कला में परिलक्षित होने लगी। कलाकारों की रचनात्मकता को आइकॉन पेंटिंग और धर्म की अन्य धुनों के लिए निर्देशित किया गया था। मुख्य महत्वपूर्ण बिंदु जिन पर कलाकार को जोर देना था, वे वास्तविकता का इतना सटीक प्रतिनिधित्व नहीं थे, बल्कि चित्रकला के सबसे विविध कार्यों में भी आध्यात्मिकता का हस्तांतरण था। उस समय के उस्तादों के कैनवस उनके अभिव्यंजक रूप, रंग और प्रतिभा में हड़ताली थे। मध्य युग की पेंटिंग हमें सपाट लगती है। उस समय के कलाकारों के सभी पात्र एक ही पंक्ति में हैं। और इसलिए, कई रचनाएँ हमें कुछ हद तक शैलीबद्ध लगती हैं।

ग्रे मध्य युग की अवधि के बाद पुनर्जागरण का उज्जवल काल आया। पुनर्जागरण काल ​​एक बार फिर इस कला के ऐतिहासिक विकास में एक महत्वपूर्ण मोड़ लेकर आया। समाज में नए मूड, एक नया विश्वदृष्टि कलाकार को निर्देशित करना शुरू कर दिया: पेंटिंग के किन पहलुओं को अधिक पूरी तरह और स्पष्ट रूप से प्रकट करना है। चित्र और परिदृश्य जैसी चित्रकारी शैलियाँ स्वतंत्र शैलियाँ बन जाएँगी। कलाकार पेंटिंग के नए तरीकों के माध्यम से एक व्यक्ति और उसकी आंतरिक दुनिया की भावनाओं को व्यक्त करते हैं। 17वीं और 18वीं शताब्दी में चित्रकला में और भी अधिक गंभीर वृद्धि देखी गई। इस अवधि के दौरान, कैथोलिक चर्च अपना महत्व खो देता है, और कलाकार अपने कार्यों में अधिक से अधिक बार लोगों, प्रकृति, रोजमर्रा और रोजमर्रा की जिंदगी के सच्चे विचारों को दर्शाते हैं। इस अवधि के दौरान, इस तरह की शैलियों जैसे - बारोक, रोकोको, क्लासिकिज्म, व्यवहारवाद का भी गठन किया गया था। स्वच्छंदतावाद उत्पन्न होता है, जिसे बाद में एक अधिक शानदार शैली - प्रभाववाद से बदल दिया जाता है।

बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, पेंटिंग नाटकीय रूप से बदल गई और समकालीन कला की एक नई दिशा दिखाई दी - अमूर्त पेंटिंग। इस प्रवृत्ति का विचार मनुष्य और कला के बीच सामंजस्य स्थापित करना, रेखाओं और रंग हाइलाइट्स के संयोजन में सामंजस्य बनाना है। इस कला की कोई वस्तुनिष्ठता नहीं है। वह वास्तविक छवि के सटीक प्रसारण का पीछा नहीं करती है, लेकिन इसके विपरीत - कलाकार की आत्मा में क्या है, उसकी भावनाओं को बताती है। इस कला रूप में आकार और रंग एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। इसका सार पहले से परिचित वस्तुओं को नए तरीके से व्यक्त करना है। यहां कलाकारों को उनकी कल्पनाओं की पूरी आजादी दी जाती है। इसने आधुनिक प्रवृत्तियों के उद्भव और विकास को गति दी, जैसे कि अवंत-गार्डे, भूमिगत, अमूर्त कला। बीसवीं शताब्दी के अंत से लेकर आज तक, पेंटिंग लगातार बदल रही है। लेकिन, सभी नई उपलब्धियों और आधुनिक तकनीकों के बावजूद, कलाकार अभी भी शास्त्रीय कला के प्रति वफादार हैं - तेल और वॉटरकलर वाली पेंटिंग, पेंट और कैनवस का उपयोग करके उनकी उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण करें।

नतालिया मार्टिनेंको

ललित कला का इतिहास

पेंटिंग का इतिहास एक अंतहीन श्रृंखला है जो पहले बनाई गई पेंटिंग से शुरू हुई थी। प्रत्येक शैली उस शैली से विकसित होती है जो उससे पहले आई थी। प्रत्येक महान कलाकार पहले के कलाकारों की उपलब्धियों में कुछ जोड़ता है और बाद के कलाकारों को प्रभावित करता है।

हम इसकी सुंदरता के लिए पेंटिंग का आनंद ले सकते हैं। इसकी रेखाएं, आकार, रंग और रचना (भागों की व्यवस्था) हमारी इंद्रियों को खुश कर सकती है और हमारी यादों में बनी रहती है। लेकिन कला का आनंद तब और बढ़ जाता है जब हम सीखते हैं कि इसे कब और क्यों और कैसे बनाया गया।

कई कारकों ने चित्रकला के इतिहास को प्रभावित किया है। भूगोल, धर्म, राष्ट्रीय विशेषताएं, ऐतिहासिक घटनाएं, नई सामग्री का विकास - यह सब कलाकार की दृष्टि को आकार देने में मदद करता है। पूरे इतिहास में, पेंटिंग ने एक बदलती दुनिया और इसके बारे में हमारे विचारों को प्रतिबिंबित किया है। बदले में, कलाकारों ने सभ्यता के विकास के कुछ बेहतरीन रिकॉर्ड प्रदान किए हैं, कभी-कभी लिखित शब्द से अधिक खुलासा करते हैं।

प्रागैतिहासिक चित्रकला

गुफा में रहने वाले सबसे पहले चित्रकार थे। दक्षिणी फ्रांस और स्पेन में गुफाओं की दीवारों पर 30,000 से 10,000 ईसा पूर्व के जानवरों के रंगीन चित्र पाए गए हैं। इनमें से कई चित्र उल्लेखनीय रूप से संरक्षित हैं क्योंकि गुफाओं को सदियों से सील कर दिया गया है। प्रारंभिक मनुष्यों ने अपने आस-पास देखे गए जंगली जानवरों को चित्रित किया। बहुत ही कच्चे मानव आंकड़े . में बने हैं जीवन की स्थितिअफ्रीका और पूर्वी स्पेन में पाए गए हैं।

गुफा कलाकारों ने गुफा की दीवारों को समृद्ध, जीवंत रंगों में चित्रों से भर दिया। कुछ सबसे खूबसूरत पेंटिंग स्पेन की अल्तामिरा गुफा में हैं। एक विवरण से पता चलता है कि एक घायल बाइसन अब खड़ा नहीं हो सकता - शायद एक शिकारी का शिकार। यह लाल भूरे रंग का होता है और सरलता से, लेकिन कुशलता से, काले रंग में उल्लिखित होता है। पिगमेंट का इस्तेमाल किया गुफा कलाकार- गेरू (लौह आक्साइड हल्के पीले से गहरे नारंगी रंग में भिन्न होते हैं) और मैंगनीज (गहरा धातु)। उन्हें एक महीन पाउडर में कुचल दिया गया, एक स्नेहक (संभवतः वसायुक्त तेल के साथ) के साथ मिलाया गया, और किसी प्रकार के ब्रश के साथ सतह पर लगाया गया। कभी-कभी वर्णक क्रेयॉन जैसी छड़ियों का रूप ले लेते थे। पाउडर पिगमेंट के साथ मिश्रित वसा ने पेंट को तरल बना दिया और वर्णक कण एक साथ चिपक गए। गुफा के निवासियों ने जानवरों के बालों या पौधों से ब्रश और सिलिकॉन से तेज उपकरण (ड्राइंग और खरोंच के लिए) बनाए।

लगभग 30,000 साल पहले, मनुष्यों ने पेंटिंग के लिए बुनियादी उपकरण और सामग्री का आविष्कार किया था। निम्नलिखित शताब्दियों में विधियों और सामग्रियों को परिष्कृत और बेहतर किया गया है। लेकिन गुफा में रहने वालों की खोजें पेंटिंग के लिए मुख्य हैं।

मिस्र और मेसोपोटामिया की पेंटिंग (3400-332 ईसा पूर्व)

पहली सभ्यताओं में से एक मिस्र में दिखाई दी। मिस्रवासियों द्वारा छोड़े गए लिखित अभिलेखों और कला से उनके जीवन के बारे में बहुत कुछ जाना जाता है। उनका मानना ​​​​था कि शरीर को संरक्षित किया जाना चाहिए ताकि आत्मा मृत्यु के बाद भी जीवित रह सके। महान पिरामिड अमीर और शक्तिशाली मिस्र के शासकों के लिए जटिल मकबरे थे। राजाओं और अन्य महत्वपूर्ण लोगों के पिरामिडों और मकबरों के लिए मिस्र की बहुत सारी कलाएँ बनाई गईं। यह सुनिश्चित करने के लिए कि आत्मा का अस्तित्व बना रहेगा, कलाकारों ने पत्थर में एक मृत व्यक्ति की छवियां बनाईं। उन्होंने दफन कक्षों में दीवार चित्रों में मानव जीवन के दृश्यों को भी पुन: प्रस्तुत किया।

मिस्र की दृश्य कला तकनीक सदियों से अपरिवर्तित रही है। एक तरह से पानी के रंग का पेंटमिट्टी या चूना पत्थर की सतहों पर लगाया जाता है। एक अन्य प्रक्रिया में, रूपरेखा को पत्थर की दीवारों में उकेरा गया और पानी के रंगों से चित्रित किया गया। गोंद अरबी नामक सामग्री का उपयोग संभवतः किसी सतह पर पेंट का पालन करने के लिए किया जाता था। सौभाग्य से, शुष्क जलवायु और सीलबंद कब्रों ने इनमें से कुछ जल रंग चित्रों के लिए नमी से बिगड़ना मुश्किल बना दिया। लगभग 1450 ईसा पूर्व के थेब्स में कब्रों की दीवारों से शिकार के कई दृश्य अच्छी तरह से संरक्षित हैं। वे दिखाते हैं कि कैसे शिकारी पक्षियों या मछलियों का पीछा करते हैं। इन भूखंडों को आज भी पहचाना जा सकता है क्योंकि इन्हें सावधानीपूर्वक और सावधानी से चित्रित किया गया था।

मेसोपोटामिया सभ्यता, जो 3200 से 332 ईसा पूर्व तक चली, मध्य पूर्व में टाइग्रिस और यूफ्रेट्स नदियों के बीच एक घाटी में स्थित थी। मेसोपोटामिया में घर मुख्य रूप से मिट्टी के बने होते थे। जैसे ही बारिश से मिट्टी नरम हो गई, उनकी इमारतें धूल में गिर गईं, किसी भी दीवार पेंटिंग को नष्ट कर दिया जो शायद बहुत दिलचस्प हो। जो बचे हैं वे सजाए गए मिट्टी के बर्तनों (रंगे और जले हुए) और रंगीन मोज़ाइक हैं। हालांकि मोज़ाइक को पेंटिंग के रूप में नहीं माना जा सकता है, वे अक्सर उस पर प्रभाव डालते हैं।

ईजियन सभ्यता (3000-1100 ईसा पूर्व)

तीसरी महान प्रारंभिक संस्कृति ईजियन सभ्यता थी। ईजियन ग्रीस के तट से दूर द्वीपों पर और एशिया माइनर के प्रायद्वीप पर प्राचीन मिस्र और मेसोपोटामिया के लगभग उसी समय रहते थे।

1900 में, पुरातत्वविदों ने क्रेते के नोसोस में किंग मिनोस के महल की खुदाई शुरू की। उत्खनन से लगभग 1500 ईसा पूर्व चित्रित कला के कार्यों का पता चला है। उस समय की असामान्य रूप से मुक्त और सुंदर शैली में। जाहिर है, क्रेटन हल्के-फुल्के, प्रकृति-प्रेमी लोग थे। कला में उनके पसंदीदा विषयों में समुद्री जीवन, पशु, फूल, खेल खेल, विशाल जुलूस। नोसोस और अन्य एजियन महलों में, गीली प्लास्टर की दीवारों पर खनिजों, रेत और मिट्टी के गेरू के पेंट के साथ चित्रों को चित्रित किया गया था। पेंट गीले प्लास्टर में भीग गया और दीवार का स्थायी हिस्सा बन गया। इन चित्रों को बाद में फ्रेस्को (इतालवी शब्द "ताज़ा" या "नया" से) कहा गया। क्रेटन को चमकीले पीले, लाल, नीले और हरे रंग पसंद थे।

ग्रीक और रोमन शास्त्रीय चित्रकला (1100 ईसा पूर्व - 400 ईस्वी)

प्राचीन यूनानियों ने मंदिरों और महलों की दीवारों को भित्तिचित्रों से सजाया था। प्राचीन साहित्यिक स्रोतों और ग्रीक कला की रोमन प्रतियों से यह कहा जा सकता है कि यूनानियों ने छोटे-छोटे चित्र बनाए और मोज़ाइक बनाए। ग्रीक आचार्यों के नाम और उनके जीवन और कार्यों में से कुछ ज्ञात हैं, हालांकि बहुत कम ग्रीक पेंटिंग सदियों और युद्धों के परिणामों से बची हैं। यूनानियों ने कब्रों में ज्यादा नहीं लिखा था, इसलिए उनके काम की रक्षा नहीं की गई थी।

चित्रित फूलदान वे सभी हैं जो आज ग्रीक चित्रकला से बने हुए हैं। ग्रीस में मिट्टी के बर्तन बनाना एक बड़ा उद्योग था, खासकर एथेंस में। कंटेनर बहुत मांग में थे, निर्यात किए गए थे, साथ ही साथ मक्खन और शहद, और घरेलू उद्देश्यों के लिए। सबसे पहले फूलदान की पेंटिंग ज्यामितीय आकृतियों और गहनों (1100-700 ईसा पूर्व) में की गई थी। हल्की मिट्टी पर भूरे शीशे के आवरण में फूलदानों को मानव आकृतियों से भी सजाया गया था। छठी शताब्दी तक, फूलदान कलाकारों ने अक्सर प्राकृतिक लाल मिट्टी पर काले मानव आकृतियों को चित्रित किया। विवरण को एक तेज उपकरण के साथ मिट्टी में उकेरा गया था। इसने लाल को राहत की गहराई में प्रकट होने दिया।

लाल रंग की शैली ने अंततः काले रंग की जगह ले ली। यही है, इसके विपरीत: आंकड़े लाल हैं, और पृष्ठभूमि काली हो गई है। इस शैली का लाभ यह था कि कलाकार पथ बनाने के लिए ब्रश का उपयोग कर सकता था। काले घुंघराले फूलदानों में प्रयुक्त धातु उपकरण की तुलना में ब्रश एक ढीली रेखा देता है।

रोमन दीवार पेंटिंग मुख्य रूप से पोम्पेई और हरकुलेनियम में विला (देश के घरों) पर पाए गए हैं। 79 ईसवी में वेसुवियस पर्वत के विस्फोट से ये दोनों शहर पूरी तरह से दब गए थे। इस क्षेत्र की खुदाई करने वाले पुरातत्वविदों को इन शहरों से प्राचीन रोमन जीवन के बारे में बहुत कुछ सीखने को मिला। पोम्पेई के लगभग हर घर और विला की दीवारों पर पेंटिंग थी। रोमन चित्रकारों ने संगमरमर की धूल और प्लास्टर के मिश्रण से दीवार की सतह को सावधानीपूर्वक तैयार किया। उन्होंने सतहों को एक संगमरमर खत्म करने के लिए पॉलिश किया। कई पेंटिंग ईसा पूर्व चौथी शताब्दी के ग्रीक चित्रों की प्रतियां हैं। पोम्पेई में रहस्यों के विला की दीवारों पर चित्रित आकृतियों की सुंदर मुद्रा ने 18 वीं शताब्दी के कलाकारों को प्रेरित किया जब शहर की खुदाई की गई थी।

यूनानियों और रोमनों ने भी चित्रों को चित्रित किया। इनमें से एक छोटी संख्या, ज्यादातर मिस्र के कलाकारों द्वारा ग्रीक शैली के ममी के चित्र, उत्तरी मिस्र में अलेक्जेंड्रिया के आसपास बच गए हैं। ग्रीस के सिकंदर महान द्वारा चौथी शताब्दी ईसा पूर्व में स्थापित, अलेक्जेंड्रिया ग्रीक और रोमन संस्कृति का एक प्रमुख केंद्र बन गया। चित्रों को लकड़ी पर मटमैला तकनीक का उपयोग करके चित्रित किया गया था और चित्रित व्यक्ति की मृत्यु के बाद एक ममी के रूप में स्थापित किया गया था। पिघले हुए मोम के साथ मिश्रित पेंट में बने एन्कास्टिक चित्रों की शेल्फ लाइफ बहुत लंबी होती है। वास्तव में, ये चित्र अभी भी ताजा दिखते हैं, हालांकि उन्हें दूसरी शताब्दी ईसा पूर्व के रूप में वापस ले जाया गया था।

प्रारंभिक ईसाई और बीजान्टिन पेंटिंग (300-1300)

चौथी शताब्दी ईस्वी में रोमन साम्राज्य का पतन शुरू हुआ। उसी समय, ईसाई धर्म मजबूत हो रहा था। 313 में, रोमन सम्राट कॉन्सटेंटाइन ने आधिकारिक तौर पर धर्म को मान्यता दी और स्वयं ईसाई धर्म में परिवर्तित हो गए।

ईसाई धर्म के उदय ने कला को बहुत प्रभावित किया। चर्च की दीवारों को भित्तिचित्रों और मोज़ाइक से सजाने के लिए कलाकारों को नियुक्त किया गया था। उन्होंने चर्च के चैपल में पैनल बनाए, सचित्र और चर्च की किताबों को सजाया। चर्च के प्रभाव में, कलाकारों को ईसाई धर्म की शिक्षाओं को यथासंभव स्पष्ट रूप से संप्रेषित करना था।

प्रारंभिक ईसाइयों और बीजान्टिन चित्रकारों ने यूनानियों से सीखी गई मोज़ेक तकनीक को जारी रखा। गीले सीमेंट या प्लास्टर पर रंगीन कांच या पत्थर के छोटे-छोटे सपाट टुकड़े रखे जाते थे। कभी-कभी अन्य कठोर सामग्री का उपयोग किया जाता था, जैसे पकी हुई मिट्टी के टुकड़े या गोले। इतालवी मोज़ेक में, रंग विशेष रूप से गहरे और भरे हुए होते हैं। इतालवी कलाकारों ने सोने के कांच के टुकड़ों से पृष्ठभूमि बनाई। उन्होंने चमकदार सोने की पृष्ठभूमि के खिलाफ समृद्ध रंगों में मानव आकृतियों को चित्रित किया। समग्र प्रभाव सपाट, सजावटी और यथार्थवादी नहीं था।

बीजान्टिन कलाकारों के मोज़ेक अक्सर शुरुआती ईसाइयों की तुलना में कम यथार्थवादी और यहां तक ​​​​कि अधिक सजावटी थे। बीजान्टिन कला की एक शैली को दिया गया नाम है जो प्राचीन शहर बीजान्टियम (अब इस्तांबुल, तुर्की) के आसपास विकसित हुई है। मोज़ेक तकनीक शानदार ढंग से सजाए गए चर्चों के लिए बीजान्टिन स्वाद से पूरी तरह मेल खाती है। थियोडोरा और जस्टिनियन के प्रसिद्ध मोज़ाइक, जो लगभग 547 ईस्वी में बने थे, धन के लिए एक स्वाद दिखाते हैं। आंकड़ों पर गहने चमकते हैं, और रंगीन कोर्ट के कपड़े चमकदार सोने की पृष्ठभूमि के खिलाफ चमकते हैं। बीजान्टिन कलाकारों ने भी भित्तिचित्रों और पैनलों में सोने का इस्तेमाल किया। मध्य युग के दौरान आध्यात्मिक वस्तुओं को रोजमर्रा की दुनिया से अलग करने के लिए सोने और अन्य कीमती सामग्रियों का उपयोग किया जाता था।

मध्यकालीन पेंटिंग (500-1400)

मध्य युग का पहला भाग, लगभग 6ठी से 11वीं शताब्दी ईस्वी तक, आमतौर पर डार्क के रूप में जाना जाता है। अशांति के इस समय के दौरान, कला को मुख्य रूप से मठों में रखा गया था। 5वीं शताब्दी में ए.डी. उत्तरी और मध्य यूरोप से वारन जनजातियाँ महाद्वीप में घूमती थीं। सैकड़ों वर्षों से, वे पश्चिमी यूरोप पर हावी हैं। इन लोगों ने कला का निर्माण किया जिसमें मुख्य तत्व पैटर्न है। वे विशेष रूप से ड्रेगन और पक्षियों को जोड़ने की संरचनाओं के शौकीन थे।

सेल्टिक और सैक्सन कला का सबसे अच्छा 7 वीं और 8 वीं शताब्दी की पांडुलिपियों में पाया जा सकता है। रोमन काल के उत्तरार्ध से प्रचलित पुस्तक चित्रण, प्रकाश व्यवस्था और लघु चित्रकला, पूरे मध्य युग में फैल गई। प्रकाश पाठ, टोपी और हाशिये की सजावट है। इस्तेमाल किए गए रंग सोने, चांदी और चमकीले थे। लघुचित्र एक छोटा चित्र होता है, अक्सर एक चित्र। यह शब्द मूल रूप से एक पांडुलिपि में प्रारंभिक अक्षरों के आसपास सजावटी ब्लॉक का वर्णन करने के लिए इस्तेमाल किया गया था।

शारलेमेन, जिसे 9वीं शताब्दी की शुरुआत में पवित्र रोमन सम्राट का ताज पहनाया गया था, ने देर से रोमन और प्रारंभिक ईसाई काल की शास्त्रीय कला को पुनर्जीवित करने का प्रयास किया। उनके शासनकाल के दौरान, लघु चित्रकारों ने शास्त्रीय कला का अनुकरण किया, लेकिन उन्होंने अपनी वस्तुओं के माध्यम से व्यक्तिगत भावनाओं को भी व्यक्त किया।

मध्य युग से बहुत कम दीवार पेंटिंग बची है। रोमनस्क्यू काल (11-13वीं शताब्दी) के दौरान बनाए गए चर्चों में कई महान भित्तिचित्र थे, लेकिन उनमें से अधिकतर गायब हो गए हैं। गोथिक काल (XII-XVI सदियों) के चर्चों में दीवार चित्रों के लिए पर्याप्त जगह नहीं थी। गॉथिक चित्रकार का मुख्य कार्य पुस्तक चित्रण था।

सबसे अच्छी सचित्र पांडुलिपियों में घंटों की किताबें थीं - कैलेंडर, प्रार्थना और स्तोत्र का संग्रह। एक इतालवी पांडुलिपि के एक पृष्ठ में विस्तृत आद्याक्षर और एक ड्रैगन को मारने वाले सेंट जॉर्ज का एक बारीक विस्तृत सीमांत दृश्य दिखाया गया है। रंग चमकीले और मणि जैसे होते हैं, जैसे कि सना हुआ ग्लास, और पृष्ठ के ऊपर सोना झिलमिलाता है। नाजुक पतले पत्तेदार और पुष्प डिजाइन पाठ पर बॉर्डर। कलाकारों ने शायद इस तरह के जटिल, विस्तृत काम को पूरा करने के लिए आवर्धक चश्मे का इस्तेमाल किया।

इटली: Cimabue और Giotto

13वीं शताब्दी के अंत में इतालवी चित्रकार अभी भी बीजान्टिन शैली में काम कर रहे थे। मानव आकृतियों को सपाट और सजावटी बनाया गया था। चेहरों ने शायद ही कभी अभिव्यक्ति दिखाई। शरीर भारहीन थे और जमीन पर मजबूती से खड़े होने के बजाय तैरने लगते थे। फ्लोरेंस में, चित्रकार सिमाबु (1240-1302) ने कुछ पुराने बीजान्टिन तरीकों को आधुनिक बनाने की कोशिश की। मैडोना के दूत उस समय के चित्रों में सामान्य से अधिक सक्रिय हैं। उनके हावभाव और चेहरे मानवीय भावनाओं को कुछ ज्यादा ही दिखाते हैं। Cimabue ने अपने चित्रों में स्मारकीयता या भव्यता की एक नई भावना जोड़ी। हालांकि, उन्होंने कई बीजान्टिन परंपराओं का पालन करना जारी रखा, जैसे सोने की पृष्ठभूमि और वस्तुओं और आंकड़ों की पैटर्न वाली व्यवस्था।

यह महान फ्लोरेंटाइन चित्रकार गियट्टो (1267-1337) थे जिन्होंने वास्तव में बीजान्टिन परंपरा को तोड़ दिया था। पडुआ में एरिना चैपल में उनकी फ्रेस्को श्रृंखला बीजान्टिन कला को बहुत पीछे छोड़ देती है। मैरी और क्राइस्ट के जीवन के इन दृश्यों में वास्तविक भावनाएं, तनाव और प्रकृतिवाद है। मानवीय गर्मजोशी और सहानुभूति के सभी गुण मौजूद हैं। लोग पूरी तरह से असत्य या स्वर्गीय नहीं लगते। गियट्टो ने आकृतियों की रूपरेखा को छायांकित किया, और उसने गोलाई और ताकत की भावना देने के लिए कपड़ों की सिलवटों में गहरी छाया रखी।

अपने छोटे पैनलों के लिए, गियोटो ने शुद्ध अंडे के तापमान का इस्तेमाल किया, एक ऐसा माध्यम जिसे 14 वीं शताब्दी में फ्लोरेंटाइन द्वारा सिद्ध किया गया था। इसके रंगों की स्पष्टता और जीवंतता ने बीजान्टिन पैनलों के गहरे रंगों के आदी लोगों को बहुत प्रभावित किया होगा। टेम्परा पेंटिंग्स मंच पर दिन के उजाले के नरम पड़ने का आभास देती हैं। तेल चित्रकला की चमक के विपरीत, उनका लगभग सपाट रूप है। 16वीं शताब्दी में जब तक तेल ने इसे लगभग पूरी तरह से बदल नहीं दिया, तब तक अंडे का तापमान मुख्य रंग बना रहा।

आल्प्सो के उत्तर में देर से मध्ययुगीन पेंटिंग

15वीं शताब्दी की शुरुआत में, कलाकारों में उत्तरी यूरोपइतालवी चित्रकला से बिल्कुल अलग शैली में काम किया। नॉर्डिक कलाकारों ने अपने चित्रों में अनगिनत विवरण जोड़कर यथार्थवाद हासिल किया। सभी बालों को खूबसूरती से कंटूर किया गया था और ड्रेपरी या फर्श के हर विवरण को ठीक से सेट किया गया था। ऑइल पेंटिंग के आविष्कार ने डिटेलिंग को आसान बना दिया।

फ्लेमिश चित्रकार जान वैन आइक (1370-1414) ने तेल चित्रकला के विकास में एक महान योगदान दिया। जब तड़के का उपयोग किया जाता है, तो रंगों को अलग से लागू किया जाना चाहिए। वे एक दूसरे को अच्छी तरह से छाया नहीं दे सकते क्योंकि पेंट जल्दी सूख जाता है। तेल के साथ जो धीरे-धीरे सूखता है, कलाकार अधिक जटिल प्रभाव प्राप्त कर सकता है। 1466-1530 के उनके चित्रों को फ्लेमिश तेल तकनीक में निष्पादित किया गया था। सभी विवरण और यहां तक ​​कि मिररिंग भी स्पष्ट और सटीक हैं। रंग टिकाऊ होता है और इसमें सख्त, तामचीनी जैसी सतह होती है। प्राइमेड लकड़ी का पैनल उसी तरह तैयार किया गया था जिस तरह से Giotto ने तड़के के लिए अपने पैनल तैयार किए थे। वैन आइक ने ग्लेज़ नामक सूक्ष्म रंग की परतों में पेंटिंग बनाई। टेम्परा का इस्तेमाल शायद मूल अंडरग्राउंड और हाइलाइट्स के लिए किया गया था।

इतालवी पुनर्जागरण

जब वैन आइक उत्तर में काम कर रहे थे, इटालियंस कला और साहित्य के स्वर्ण युग में प्रवेश कर रहे थे। इस अवधि को पुनर्जागरण कहा जाता है, जिसका अर्थ है पुनर्जन्म। इतालवी चित्रकार प्राचीन यूनानियों और रोमनों की मूर्तिकला से प्रेरित थे। इटालियंस शास्त्रीय कला की भावना को पुनर्जीवित करना चाहते थे, जो मानव स्वतंत्रता और बड़प्पन का जश्न मनाती है। पुनर्जागरण कलाकारों ने धार्मिक दृश्यों को चित्रित करना जारी रखा। लेकिन उन्होंने सांसारिक जीवन और लोगों की उपलब्धियों पर भी जोर दिया।

फ़्लोरेंस

14 वीं शताब्दी की शुरुआत में गियट्टो की उपलब्धियों ने पुनर्जागरण की शुरुआत को चिह्नित किया। 17वीं सदी के इतालवी कलाकारों ने इसे जारी रखा। Masaccio (1401-1428) पुनर्जागरण चित्रकारों की पहली पीढ़ी के नेताओं में से एक थे। वह एक समृद्ध व्यापारिक शहर फ्लोरेंस में रहता था जहाँ पुनर्जागरण कला शुरू हुई थी। बीस के दशक के उत्तरार्ध में अपनी मृत्यु के समय तक, उन्होंने चित्रकला में क्रांति ला दी थी। अपने प्रसिद्ध फ्रेस्को, द ट्रिब्यूट मनी में, वह एक ऐसे परिदृश्य में ठोस मूर्तिकला के आंकड़े सेट करता है जो दूर तक फैला हुआ प्रतीत होता है। मासासिओ ने फ्लोरेंटाइन वास्तुकार और मूर्तिकार ब्रुनेलेस्ची (1377-1414) के साथ परिप्रेक्ष्य का अध्ययन किया हो सकता है।

पुनर्जागरण के दौरान फ्रेस्को तकनीक बहुत लोकप्रिय थी। यह बड़े चित्रों के लिए विशेष रूप से उपयुक्त था क्योंकि भित्तिचित्रों में रंग सूखे और पूरी तरह से सपाट होते हैं। छवि को किसी भी कोण से बिना चकाचौंध या प्रतिबिंब के देखा जा सकता है। इसके अलावा, भित्तिचित्र सस्ती हैं। आमतौर पर, कलाकारों के पास कई सहायक होते थे। काम भागों में किया गया था क्योंकि इसे पूरा करना था जबकि प्लास्टर अभी भी गीला था।

मासासिओ की पूर्ण "त्रि-आयामी" शैली 15वीं शताब्दी के नए प्रगतिशील आंदोलन की विशिष्टता थी। फ्रा एंजेलिको की शैली (1400-1455) कई कलाकारों द्वारा उपयोग किया जाने वाला एक अधिक पारंपरिक दृष्टिकोण है प्रारंभिक पुनर्जागरण... वह परिप्रेक्ष्य से कम चिंतित थे और सजावटी डिजाइन में अधिक रुचि रखते थे। उनका "कोरोनेशन ऑफ द वर्जिन" सबसे खूबसूरत प्रदर्शन में स्वभाव का एक उदाहरण है। हंसमुख, तीव्र रंग सोने के खिलाफ सेट और सोने के साथ उच्चारण। तस्वीर एक बढ़े हुए लघु की तरह दिखती है। मसासिओ के साथ लंबी, संकरी आकृतियों में बहुत कम समानता है। रचना को क्राइस्ट और मैरी के केंद्रीय आंकड़ों के चारों ओर घूमते हुए आंदोलन की व्यापक रेखाओं में व्यवस्थित किया गया है।

पारंपरिक शैली में काम करने वाले एक अन्य फ्लोरेंटाइन सैंड्रो बोथिसेली (1444-1515) थे। बहने वाली लयबद्ध रेखाएं बॉटलिकेली द्वारा "स्प्रिंग" के वर्गों को जोड़ती हैं। पछुआ हवा द्वारा ले जाने वाली वसंत की आकृति दाईं ओर से बहती है। तीनों गण एक घेरे में नृत्य करते हैं, उनके पहनावे की फड़फड़ाती तह और उनके हाथों की सुंदर हरकतें नृत्य की लय को व्यक्त करती हैं।

लियोनार्डो दा विंची (1452-1519) ने फ्लोरेंस में पेंटिंग का अध्ययन किया। वह अपने के लिए जाना जाता है वैज्ञानिक अनुसंधानऔर आविष्कार, साथ ही साथ उनके चित्र। उनकी बहुत कम पेंटिंग बची हैं, आंशिक रूप से क्योंकि उन्होंने अक्सर आजमाए हुए और सच्चे तरीकों का उपयोग करने के बजाय पेंट बनाने और लगाने के विभिन्न तरीकों के साथ प्रयोग किया। द लास्ट सपर (1495 और 1498 के बीच चित्रित) तेल में किया गया था, लेकिन दुर्भाग्य से लियोनार्डो ने इसे एक नम दीवार पर चित्रित किया जिसने पेंट को तोड़ दिया। लेकिन खराब स्थिति में भी (बहाली से पहले), पेंटिंग में इसे देखने वाले हर व्यक्ति में भावनाओं को जगाने की क्षमता थी।

लियोनार्डो की शैली की एक पहचान रोशनी और अंधेरे को चित्रित करने का उनका तरीका था। इटालियंस ने इसे सेमी-डार्क लाइटिंग "sfumato" कहा, जिसका अर्थ है धुएँ के रंग का या धुंधला। मैडोना ऑफ द रॉक्स में आंकड़े एक sfumato वातावरण में छिपे हुए हैं। उनके आकार और विशेषताएं धीरे-धीरे छायांकित होती हैं। लियोनार्डो ने इन प्रभावों को प्रकाश और अंधेरे स्वरों के बहुत सूक्ष्म उन्नयन का उपयोग करके हासिल किया।

रोम

पुनर्जागरण चित्रकला की परिणति 16वीं शताब्दी में हुई। उसी समय, कला और संस्कृति का केंद्र फ्लोरेंस से रोम चला गया। पोप सिक्सटस IV और उनके उत्तराधिकारी, जूलियस II के तहत, रोम शहर को पुनर्जागरण कलाकारों द्वारा शानदार और समृद्ध रूप से सजाया गया था। इस अवधि की सबसे महत्वाकांक्षी परियोजनाओं में से कुछ जूलियस II की पोपसी के दौरान शुरू हुईं। जूलियस ने महान मूर्तिकार और चित्रकार माइकल एंजेलो (1475-1564) को सिस्टिन चैपल की छत को पेंट करने और पोप की कब्र के लिए एक मूर्ति बनाने के लिए नियुक्त किया। जूलियस ने वेटिकन को सजाने में मदद करने के लिए चित्रकार राफेल (1483-1520) को भी आमंत्रित किया। सहायकों के साथ, राफेल ने वेटिकन पैलेस में पोप के अपार्टमेंट के चार कमरों को चित्रित किया।

माइकल एंजेलो, जन्म से फ्लोरेंटाइन, ने एक स्मारकीय पेंटिंग शैली विकसित की। उनकी पेंटिंग की आकृतियां इतनी ठोस और बड़ी हैं कि वे मूर्तियों की तरह दिखती हैं। सिस्टिन की छत, जिसमें माइकल एंजेलो को 4 साल लगे, में सैकड़ों मानव आकृतियाँ शामिल हैं पुराना वसीयतनामा... इस भव्य भित्तिचित्र को पूरा करने के लिए माइकल एंजेलो को मचान में अपनी पीठ के बल लेटना पड़ा। छत के चारों ओर नबियों के बीच यिर्मयाह का आक्रामक चेहरा कुछ विशेषज्ञों द्वारा माइकल एंजेलो का आत्म-चित्र माना जाता है।

राफेल एक बहुत ही युवा व्यक्ति के रूप में उरबिनो से फ्लोरेंस आया था। फ्लोरेंस में, उन्होंने लियोनार्डो और माइकल एंजेलो के विचारों को आत्मसात किया। जब राफेल वेटिकन में काम करने के लिए रोम गए, तब तक उनकी शैली निष्पादन की सुंदरता में सबसे महान में से एक बन गई थी। वह विशेष रूप से मैडोना और चाइल्ड के अपने सुंदर चित्रों से प्यार करता था। उन्हें हजारों में पुन: पेश किया गया है और हर जगह देखा जा सकता है। उनकी मैडोना डेल ग्रैंडुका अपनी सादगी के कारण सफल है। अपनी शांति और शुद्धता में कालातीत, यह हमारे लिए उतना ही आकर्षक है जितना कि राफेल के युग के इटालियंस के लिए।

वेनिस

वेनिस पुनर्जागरण का मुख्य उत्तरी इतालवी शहर था। यह फ़्लैंडर्स और अन्य क्षेत्रों के कलाकारों द्वारा दौरा किया गया था जो फ्लेमिश के तेल पेंट के प्रयोगों के बारे में जानते थे। इसने शुरुआती उपयोग को प्रेरित किया तेल प्रौद्योगिकीवी इतालवी शहर... आमतौर पर फ्लोरेंस में उपयोग की जाने वाली लकड़ी के पैनलिंग के बजाय वेनेटियन ने कसकर फैले हुए कैनवास पर पेंट करना सीखा।

जियोवानी बेलिनी (1430-1515) 15वीं सदी के सबसे महान विनीशियन चित्रकार थे। वह कैनवास पर तेल का उपयोग करने वाले पहले इतालवी चित्रकारों में से एक थे। जियोर्जियोन (1478-1151) और टिटियन (1488-1515), जो सभी विनीशियन चित्रकारों में सबसे प्रसिद्ध हैं, बेलिनी की कार्यशाला में प्रशिक्षु थे।

ऑयल मास्टर टिटियन ने विशाल कैनवस को गर्म, समृद्ध रंगों में चित्रित किया। अपने परिपक्व चित्रों में, उन्होंने मैडोना पेसारो जैसे आश्चर्यजनक प्रभावों के लिए विवरण का त्याग किया। उन्होंने बड़े स्ट्रोक बनाने के लिए बड़े ब्रश का इस्तेमाल किया। उनके रंग विशेष रूप से समृद्ध हैं क्योंकि उन्होंने धैर्यपूर्वक विषम रंगों के ग्लेज़ बनाए। पेंटिंग को एक समान टोन देने के लिए आमतौर पर, ग्लेज़ को भूरे रंग की टेम्पर्ड सतह पर लगाया जाता था।

16वीं शताब्दी का एक और महान विनीशियन चित्रकार टिंटोरेटो (1518-1594) था। टिटियन के विपरीत, वह आमतौर पर प्रारंभिक रेखाचित्र या रूपरेखा के बिना सीधे कैनवास पर काम करता था। उन्होंने रचना और कथानक नाटक के लिए अक्सर अपने रूपों को विकृत किया (उन्हें मोड़ दिया)। उनकी तकनीक, जिसमें व्यापक स्ट्रोक और प्रकाश और अंधेरे के नाटकीय विरोधाभास शामिल हैं, बहुत आधुनिक लगती हैं।

चित्रकार क्यारीकोस थियोटोकोपोलोस (1541-1614) को एल ग्रीको (ग्रीक) के नाम से जाना जाता था। क्रेते द्वीप पर जन्मे, जिस पर विनीशियन सेना का कब्जा था, एल ग्रीको को इतालवी कलाकारों द्वारा प्रशिक्षित किया गया था। युवावस्था में वे वेनिस में पढ़ने चले गए। बीजान्टिन कला का संयुक्त प्रभाव जो उसने अपने आसपास क्रेते में देखा, और इतालवी कलापुनर्जागरण ने एल ग्रीको के काम को उत्कृष्ट बना दिया।

अपने चित्रों में, उन्होंने विकृत किया प्राकृतिक रूपऔर टिंटोरेटो की तुलना में अजनबी, अधिक ईथर रंगों का भी इस्तेमाल किया, जिसकी उन्होंने प्रशंसा की। बाद में, एल ग्रीको स्पेन चले गए, जहां स्पेनिश कला की निराशा ने उनके काम को प्रभावित किया। टोलेडो की उनकी नाटकीय दृष्टि में, शहर के घातक सन्नाटे पर एक तूफान उठता है। ठंडे ब्लूज़, ग्रीन्स, और ब्लूज़ और व्हाइट्स परिदृश्य पर ठंडक ले जाते हैं।

फ़्लैंडर्स और जर्मनी में पुनर्जागरण

फ़्लैंडर्स (अब बेल्जियम और उत्तरी फ्रांस का हिस्सा) में पेंटिंग का स्वर्ण युग 15 वीं शताब्दी था, वैन आइक का समय था। 16वीं शताब्दी में, कई फ्लेमिश कलाकारों ने अनुकरण किया इतालवी कलाकारनवजागरण। हालांकि, कुछ फ्लेमिंग ने यथार्थवाद की फ्लेमिश परंपरा को जारी रखा। फिर शैली चित्रकला फैल गई - रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य जो कभी आकर्षक और कभी शानदार थे। Hieronymus Bosch (1450-1515), जो शैली के चित्रकारों से पहले थे, की असामान्य रूप से विशद कल्पना थी। उन्होंने द टेम्पटेशन ऑफ सेंट के लिए सभी प्रकार के अजीब, विचित्र जीवों का आविष्कार किया। एंथोनी "। पीटर ब्रूगल द एल्डर (1525-1569) ने भी फ्लेमिश परंपरा में काम किया, लेकिन अपनी शैली के दृश्यों में परिप्रेक्ष्य और अन्य पुनर्जागरण विशेषताओं को जोड़ा।

अल्ब्रेक्ट ड्यूरर (1471-1528), हैंस होल्बिन द यंगर (1497-1543) और लुकास क्रानाच द एल्डर (1472-1553) 16वीं सदी के तीन सबसे महत्वपूर्ण जर्मन चित्रकार थे। उन्होंने प्रारंभिक जर्मन चित्रकला के गंभीर यथार्थवाद को नरम करने के लिए बहुत कुछ किया। ड्यूरर ने कम से कम एक बार इटली का दौरा किया, जहां वह जियोवानी बेलिनी और अन्य उत्तरी इटालियंस के चित्रों से प्रभावित हुए। इस अनुभव के माध्यम से, उन्होंने जर्मन चित्रकला में परिप्रेक्ष्य का ज्ञान, रंग और प्रकाश की भावना और रचना की एक नई समझ पैदा की। होल्बीन ने और भी अधिक इतालवी उपलब्धियों को आत्मसात किया। उनकी संवेदनशील ड्राइंग और केवल सबसे महत्वपूर्ण विवरणों को चुनने की क्षमता ने उन्हें एक उत्कृष्ट चित्रकार बना दिया।

बारोक पेंटिंग

17वीं शताब्दी को कला में बारोक काल के रूप में जाना जाता है। इटली में, चित्रकारों Caravaggio (1571-1610) और Annibale Carracci (1560-1609) ने दो विपरीत दृष्टिकोण प्रस्तुत किए। Caravaggio (असली नाम माइकल एंजेलो मेरिसी) ने हमेशा जीवन की वास्तविकताओं से सीधे प्रेरणा ली है। उनकी मुख्य समस्याओं में से एक प्रकृति को किसी भी तरह से महिमामंडित किए बिना यथासंभव सटीक रूप से कॉपी करना था। दूसरी ओर, कैरासी ने पुनर्जागरण सौंदर्य के आदर्श का अनुसरण किया। उन्होंने माइकल एंजेलो, राफेल और टिटियन द्वारा प्राचीन मूर्तिकला और कार्यों का अध्ययन किया। Caravaggio की शैली ने कई कलाकारों, विशेष रूप से Spaniard Ribera और युवा Velazquez की प्रशंसा की। कैरासी ने 17वीं शताब्दी के प्रसिद्ध फ्रांसीसी चित्रकार निकोलस पॉसिन (1594-1665) को प्रेरित किया।

स्पेन

डिएगो वेलाज़क्वेज़ (1599-1660), स्पेन के राजा फिलिप चतुर्थ के दरबारी चित्रकार, सभी स्पेनिश चित्रकारों में सबसे महान थे। टिटियन के काम का एक प्रशंसक, वह समृद्ध, सामंजस्यपूर्ण रंगों का उपयोग करने में माहिर था। कोई भी कलाकार समृद्ध ऊतक या मानव त्वचा का भ्रम बेहतर ढंग से नहीं बना सकता। छोटे राजकुमार फिलिप प्रॉस्पर का चित्र इस कौशल को दर्शाता है।

फ़्लैंडर्स

फ्लेमिश कलाकार पीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640) की पेंटिंग पूर्ण-रंग वाली बारोक शैली का अवतार हैं। वे ऊर्जा, रंग और प्रकाश के साथ फूट रहे हैं। रूबेन्स ने छोटे चित्रों को चित्रित करने की फ्लेमिश परंपरा को तोड़ दिया। उनके कैनवस विशाल हैं, मानव आकृतियों से भरे हुए हैं। जितना वह संभाल सकता था, उससे कहीं अधिक बड़ी पेंटिंग के लिए उन्हें अधिक ऑर्डर मिले। इसलिए, वह अक्सर केवल एक छोटा रंगीन रेखाचित्र बनाता था। फिर उनके सहायकों ने स्केच को एक बड़े कैनवास पर स्थानांतरित कर दिया और रूबेन्स के निर्देशन में पेंटिंग को समाप्त कर दिया।

हॉलैंड

उपलब्धियों डच चित्रकाररेम्ब्रांट (1606-1669) इतिहास में सबसे प्रमुख हैं। उनके पास एक अद्भुत उपहार था - मानवीय भावनाओं को सटीक रूप से पकड़ने और व्यक्त करने के लिए। टिटियन की तरह, उन्होंने बहुस्तरीय चित्रों के निर्माण पर लंबे समय तक काम किया। मिट्टी के रंग - गेरू पीला, भूरा और भूरा-लाल - उनके पसंदीदा थे। उनकी पेंटिंग ज्यादातर गहरे रंगों में बनाई गई हैं। डार्क लेयर्ड पार्ट्स का महत्व उनकी तकनीक को असामान्य बनाता है। उज्ज्वल क्षेत्रों के संबंध में उज्ज्वल प्रकाश द्वारा जोर दिया जाता है।

जान वर्मीर (1632-1675) डच कलाकारों के एक समूह का हिस्सा थे जिन्होंने रोजमर्रा की जिंदगी के विनम्र दृश्यों को चित्रित किया। वह किसी भी बनावट - साटन, फारसी कालीन, ब्रेड क्रस्ट, धातु को खींचने में माहिर थे। वर्मीर के इंटीरियर की समग्र छाप प्रतिष्ठित घरेलू सामानों से भरे एक धूप, हंसमुख कमरे की है।

18वीं सदी की पेंटिंग

18वीं शताब्दी में वेनिस ने कई उत्कृष्ट कलाकारों का निर्माण किया। सबसे प्रसिद्ध जियोवानी बतिस्ता टाईपोलो (1696-1770) था। उन्होंने महलों और अन्य इमारतों के अंदरूनी हिस्सों को भव्य रंगीन भित्तिचित्रों से सजाया, जो धन के दृश्यों का प्रतिनिधित्व करते हैं। फ्रांसेस्को गार्डी (1712-1793) ब्रश के साथ बहुत कुशल थे, रंग के कुछ ही धब्बों के साथ वह एक नाव में एक छोटी आकृति के विचार को जोड़ सकते थे। एंटोनियो कैनालेटो (1697-1768) के शानदार दृश्यों ने वेनिस के अतीत के गौरव का जश्न मनाया।

फ्रांस: रोकोको शैली

फ्रांस में, 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में पेस्टल रंगों और जटिल फिनिश के स्वाद ने रोकोको शैली का विकास किया। जीन एंटोनी वट्टू (1684-1721), किंग लुई XV के दरबारी चित्रकार, और बाद में फ्रांस्वा बाउचर (1703-1770) और जीन होनोर फ्रैगोनार्ड (1732-1806) रोकोको प्रवृत्तियों से जुड़े थे। वट्टू ने स्वप्निल दर्शन लिखे, एक ऐसा जीवन जिसमें सब कुछ मजेदार है। शैली पार्कों, वन पार्टियों में पिकनिक पर आधारित है, जहां हंसमुख सज्जन और सुंदर महिलाएं प्रकृति में मस्ती करती हैं।

अठारहवीं शताब्दी के अन्य चित्रकारों ने दृश्यों को चित्रित किया साधारण जीवनमध्यम वर्ग। डच वर्मीर की तरह, जीन बैप्टिस्ट शिमोन चारडिन (1699-1779) ने साधारण घरेलू दृश्यों और अभी भी जीवन की सराहना की। उनके रंग वट्टू की तुलना में शांत और शांत हैं।

इंगलैंड

अठारहवीं शताब्दी में, अंग्रेजों ने सबसे पहले पेंटिंग का एक अलग स्कूल विकसित किया। कोर में मुख्य रूप से चित्र चित्रकार शामिल थे जो विनीशियन पुनर्जागरण चित्रकारों से प्रभावित थे। सर जोशुआ रेनॉल्ड्स (1723-1792) और थॉमस गेन्सबोरो (1727-1788) सबसे प्रसिद्ध हैं। रेनॉल्ड्स, जिन्होंने इटली की यात्रा की, ने पुनर्जागरण चित्रकला के आदर्शों का पालन किया। उनके चित्र, आकर्षक और मार्मिक, रंग या बनावट में विशेष रूप से दिलचस्प नहीं हैं। दूसरी ओर, गेन्सबोरो में प्रतिभा की प्रतिभा थी। उनके चित्रों की सतहें दीप्तिमान रंग से चमकती हैं।

19वीं सदी की पेंटिंग

19वीं शताब्दी को कभी-कभी उस अवधि के रूप में देखा जाता है जिसके दौरान समकालीन कला ने आकार लेना शुरू किया। इस समय के दौरान कला में तथाकथित क्रांति का एक महत्वपूर्ण कारण कैमरे का आविष्कार था, जिसने कलाकारों को पेंटिंग के उद्देश्य पर पुनर्विचार करने के लिए मजबूर किया।

अधिक महत्वपूर्ण घटनापूर्वनिर्मित पेंट का व्यापक उपयोग बन गया। 19वीं शताब्दी तक, अधिकांश कलाकारों या उनके सहायकों ने रंगद्रव्य को पीसकर अपने स्वयं के पेंट बनाए। प्रारंभिक व्यावसायिक पेंट हाथ के पेंट से कमतर थे। 19वीं सदी के अंत में कलाकारों ने पाया कि गहरे नीले और भूरे रंग अधिक थे प्रारंभिक पेंटिंगकई वर्षों के दौरान काला या धूसर हो गया। उन्होंने अपने काम को संरक्षित करने के लिए फिर से ठोस रंगों का उपयोग करना शुरू कर दिया, और कभी-कभी क्योंकि उन्होंने सड़क के दृश्यों में सूरज की रोशनी को अधिक सटीक रूप से प्रतिबिंबित करने की कोशिश की।

स्पेन: गोया

फ्रांसिस्को गोया (1746-1828) 17वीं शताब्दी से उभरने वाले पहले महान स्पेनिश चित्रकार थे। स्पेनिश दरबार के पसंदीदा चित्रकार के रूप में, उन्होंने शाही परिवार के कई चित्र बनाए। शाही पात्र सुरुचिपूर्ण कपड़ों और सुंदर गहनों से सुसज्जित हैं, लेकिन उनके कुछ चेहरों पर वह सब दिखाई देता है जो घमंड और लालच है। चित्रों के अलावा, गोया ने तीसरे मई 1808 जैसे नाटकीय दृश्यों को चित्रित किया। यह पेंटिंग फ्रांसीसी सैनिकों द्वारा स्पेनिश विद्रोहियों के एक समूह द्वारा निष्पादन को दर्शाती है। हल्के और गहरे और उदास रंगों के बोल्ड कंट्रास्ट, लाल छींटों से सजे, तमाशे की भयावह भयावहता को उजागर करते हैं।

हालांकि 1800 के दशक में फ्रांस कला का एक बड़ा केंद्र था, लेकिन अंग्रेजी परिदृश्य चित्रकार जॉन कॉन्स्टेबल (1776-1837) और जोसेफ मलॉर्ड विलियम टर्नर (1775-1851) ने 19वीं शताब्दी की पेंटिंग में बहुमूल्य योगदान दिया। दोनों ही प्रकाश और हवा को चित्रित करने में रुचि रखते थे, प्रकृति के दो पहलू जिन्हें 19वीं सदी के कलाकारों ने पूरी तरह से खोजा था। कांस्टेबल ने एक तकनीक का इस्तेमाल किया जिसे विभाजन, या टूटे हुए रंग के रूप में जाना जाता है। उन्होंने मुख्य पृष्ठभूमि के रंग पर विपरीत रंगों का इस्तेमाल किया। रंग को कसकर लगाने के लिए वह अक्सर पैलेट चाकू का इस्तेमाल करता था। 1824 में पेरिस में दिखाए जाने के बाद पेंटिंग "हे वेन" ने उन्हें प्रसिद्ध बना दिया। यह एक साधारण गाँव की घास काटने का दृश्य है। बादल धूप के धब्बों से ढके घास के मैदानों पर बहते हैं। टर्नर की पेंटिंग कॉन्स्टेबल की तुलना में अधिक नाटकीय हैं, जिन्होंने प्रकृति के राजसी स्थलों - तूफान, समुद्र के दृश्य, धधकते सूर्यास्त, ऊंचे पहाड़ों को चित्रित किया। अक्सर, एक सुनहरी धुंध उनके चित्रों में वस्तुओं को आंशिक रूप से अस्पष्ट कर देती है, जिससे वे अंतहीन अंतरिक्ष में तैरती हुई प्रतीत होती हैं।

फ्रांस

नेपोलियन के शासनकाल की अवधि और फ्रेंच क्रांतिफ्रांसीसी कला में दो विपरीत प्रवृत्तियों का उदय हुआ - क्लासिकवाद और रूमानियत। जैक्स लुई डेविड (1748-1825) और जीन अगस्टे डोमिनिक इंग्रेस (1780-1867) प्राचीन ग्रीक और रोमन कला और पुनर्जागरण से प्रेरित थे। उन्होंने विवरण पर जोर दिया और ठोस आकार बनाने के लिए रंग का इस्तेमाल किया। क्रांतिकारी सरकार के पसंदीदा कलाकार के रूप में डेविड ने अक्सर उस दौर की ऐतिहासिक घटनाओं को लिखा। मैडम रिकैमियर जैसे अपने चित्रों में, उन्होंने शास्त्रीय सादगी प्राप्त करने का प्रयास किया।

थियोडोर गुएरिकॉल्ट (1791-1824) और रोमांटिक यूजीन डेलाक्रोइक्स (1798-1863) ने डेविड की शैली के खिलाफ विद्रोह किया। डेलाक्रोइक्स के लिए, पेंटिंग में रंग सबसे महत्वपूर्ण तत्व था और उनमें शास्त्रीय मूर्तियों की नकल करने का धैर्य नहीं था। इसके बजाय, उन्होंने रूबेन और वेनेटियन की प्रशंसा की। उन्होंने अपने चित्रों के लिए रंगीन, आकर्षक विषयों को चुना जो प्रकाश से जगमगाते हैं और गति से भरे हुए हैं।

बारबिजोन चित्रकार भी एक सामान्य रोमांटिक आंदोलन का हिस्सा थे जो लगभग 1820 से 1850 तक चला। वे फॉनटेनब्लियू जंगल के किनारे बारबिजोन गांव के पास काम करते थे। उन्होंने प्रकृति से प्रेरणा ली और अपने स्टूडियो में पेंटिंग्स को पूरा किया।

अन्य कलाकारों ने रोजमर्रा की सामान्य वस्तुओं के साथ प्रयोग किए। जीन बैप्टिस्ट केमिली कोरोट (1796-1875) के परिदृश्य प्रकृति के प्रति उनके प्रेम को दर्शाते हैं, और मानव शरीर के उनके अध्ययन में एक प्रकार की संतुलित शांति दिखाई देती है। गुस्ताव कोर्टबेट (1819-1877) ने खुद को एक यथार्थवादी कहा क्योंकि उन्होंने दुनिया को वैसे ही चित्रित किया जैसा उन्होंने देखा - यहां तक ​​​​कि इसका कठोर, अप्रिय पक्ष भी। उन्होंने अपने पैलेट को केवल कुछ उदास रंगों तक सीमित कर दिया। एडौर्ड मानेट (1832-1883) ने भी अपने आसपास की दुनिया से उनकी कहानियों का आधार लिया। लोग उसके रंगीन विरोधाभासों और असामान्य तकनीकों से हैरान थे। उनके चित्रों की सतहों में अक्सर ब्रश स्ट्रोक की एक सपाट, पैटर्न वाली बनावट होती है। प्रभावित युवा कलाकारों, विशेष रूप से प्रभाववादियों को बनाने के लिए हल्के प्रभावों को लागू करने के लिए मानेट की तकनीक।

1870 और 1880 के दशक में काम करते हुए, प्रभाववादियों के रूप में जाने जाने वाले कलाकारों का एक समूह प्रकृति को ठीक उसी रूप में चित्रित करना चाहता था जैसा वह थी। वे रंग में प्रकाश के प्रभावों के अध्ययन में कांस्टेबल, टर्नर और मानेट से बहुत आगे निकल गए। उनमें से कुछ ने रंग के वैज्ञानिक सिद्धांत विकसित किए हैं। क्लाउड मोनेट (1840-1926) ने अक्सर एक ही प्रजाति को दिन के अलग-अलग समय पर चित्रित किया ताकि यह दिखाया जा सके कि यह विभिन्न प्रकाश व्यवस्था की स्थिति में कैसे बदलता है। विषय जो भी हो, उनके चित्रों में सैकड़ों छोटे स्ट्रोक होते हैं जो एक दूसरे के बगल में रखे जाते हैं, अक्सर विपरीत रंगों में। दूरी में, ठोस आकृतियों की छाप बनाने के लिए स्ट्रोक मिश्रित होते हैं। पियरे अगस्टे रेनॉयर (1841-1919) ने पेरिस के जीवन के उत्सव को पकड़ने के लिए प्रभाववादी तकनीकों का इस्तेमाल किया। मौलिन डे ला गैलेट में उनके नृत्य में, चमकीले रंग के कपड़ों में लोगों की भीड़ उमड़ पड़ी और उन्होंने जमकर नृत्य किया। रेनॉयर ने पूरी तस्वीर को छोटे स्ट्रोक से चित्रित किया। पेंट के डॉट्स और स्ट्रोक पेंटिंग की सतह पर बनावट बनाते हैं जो इसे एक विशेष रूप देता है। भीड़ में घुलने लगता है सूरज की रोशनीऔर झिलमिलाता रंग।

20वीं सदी की पेंटिंग

कई कलाकार जल्द ही प्रभाववाद से असंतुष्ट हो गए। पॉल सेज़ेन (1839-1906) जैसे कलाकारों ने महसूस किया कि प्रभाववाद प्रकृति में रूपों की ताकत का वर्णन नहीं करता है। सीज़ेन को स्टिल लाइफ़ पेंट करना पसंद था क्योंकि उन्होंने उसे फल या अन्य वस्तुओं के आकार और उनके स्थान पर ध्यान केंद्रित करने की अनुमति दी थी। उसके स्थिर जीवन में वस्तुएँ ठोस दिखती हैं क्योंकि उसने उन्हें सरल ज्यामितीय आकृतियों में घटा दिया। पेंट के दाग और समृद्ध रंग के छोटे स्ट्रोक को साथ-साथ रखने की उनकी तकनीक से पता चलता है कि उन्होंने प्रभाववादियों से बहुत कुछ सीखा।

विंसेंट वैन गॉग (1853-90) और पॉल गाउगिन (1848-1903) ने प्रभाववादियों के यथार्थवाद पर प्रतिक्रिया व्यक्त की। प्रभाववादियों के विपरीत, जिन्होंने कहा कि वे प्रकृति को निष्पक्ष रूप से देखते हैं, वैन गॉग ने सटीकता की बहुत कम परवाह की। वह अपने विचारों को अधिक रचनात्मक रूप से व्यक्त करने के लिए अक्सर वस्तुओं को विकृत कर देता था। उन्होंने विपरीत रंगों को एक दूसरे के बगल में रखने के लिए प्रभाववादी सिद्धांतों का इस्तेमाल किया। कभी-कभी वह पेंट को ट्यूबों से सीधे कैनवास पर निचोड़ता था, जैसे कि द फील्ड ऑफ येलो कॉर्न में।

गागुइन ने प्रभाववादियों के धब्बेदार रंग की परवाह नहीं की। उन्होंने बड़े समतल क्षेत्रों में रंग को तरल रूप से लागू किया कि वह एक दूसरे से रेखाओं या गहरे किनारों से अलग हो गए। रंगीन उष्णकटिबंधीय लोगों ने उनके अधिकांश भूखंडों को प्रदान किया।

सीज़ेन की सरल ज्यामितीय आकृतियों का उपयोग करके स्थान बनाने की विधि को पाब्लो पिकासो (1881-1973), जॉर्जेस ब्रैक (1882-1963) और अन्य द्वारा विकसित किया गया था। उनकी शैली को क्यूबिज़्म के रूप में जाना जाने लगा। क्यूबिस्ट ने वस्तुओं को इस तरह चित्रित किया जैसे कि उन्हें एक साथ कई कोणों से देखा जा सकता है, या जैसे कि उन्हें अलग करके एक सपाट कैनवास पर इकट्ठा किया गया हो। अक्सर वस्तुएँ प्रकृति में मौजूद किसी भी चीज़ से भिन्न होती हैं। कभी-कभी, क्यूबिस्ट कपड़े, कार्डबोर्ड, वॉलपेपर, या अन्य सामग्रियों से आंकड़े काटते हैं और उन्हें कोलाज बनाने के लिए कैनवास पर चिपकाते हैं। पेंट में रेत या अन्य पदार्थ मिलाने से बनावट भी भिन्न होती है।

हाल के रुझान इस विषय पर कम जोर देने के लिए हैं। रचना और छवि तकनीक पर अधिक जोर दिया जाने लगा।

छात्र, स्नातक छात्र, युवा वैज्ञानिक जो अपने अध्ययन और कार्य में ज्ञान के आधार का उपयोग करते हैं, वे आपके बहुत आभारी रहेंगे।

परिचय

1. पेंटिंग के प्रकार

2. पेंटिंग और इसकी शैली

निष्कर्ष

ग्रंथ सूची

परिचय

"पेंटिंग" शब्द "जीवंत" और "लिखने" शब्दों से बना है। "पेंट करने के लिए," डाहल बताते हैं, "ब्रश के साथ या शब्दों के साथ, पेन के साथ सही और स्पष्ट रूप से चित्रित करने के लिए।" चित्रकार के लिए सही ढंग से चित्रित करने का अर्थ है सटीक प्रसारण। बाह्य उपस्थितिदेखा, इसकी सबसे महत्वपूर्ण विशेषताएं। उन्हें ग्राफिक माध्यमों - रेखा और स्वर द्वारा सही ढंग से व्यक्त करना संभव था। लेकिन इनके साथ स्पष्ट रूप से व्यक्त करें सीमित धन के साथआसपास की दुनिया की बहुरंगी प्रकृति, किसी वस्तु की रंगीन सतह के हर सेंटीमीटर में जीवन का स्पंदन, इस जीवन का आकर्षण और निरंतर गति और परिवर्तन असंभव है। पेंटिंग, ललित कला के प्रकारों में से एक, वास्तविक दुनिया के रंग को सच्चाई से प्रतिबिंबित करने में मदद करती है।

रंग - पेंटिंग में मुख्य सचित्र और अभिव्यंजक साधन - इसमें स्वर, संतृप्ति और हल्कापन है; वह पूरी तरह से एक वस्तु की विशेषता वाली हर चीज में फ़्यूज़ करता है: दोनों जिसे एक रेखा के साथ चित्रित किया जा सकता है और जो इसके लिए पहुंच योग्य नहीं है।

पेंटिंग, ग्राफिक्स की तरह, हल्की और गहरी रेखाओं, स्ट्रोक और धब्बों का उपयोग करती है, लेकिन उसके विपरीत, ये रेखाएँ, स्ट्रोक और धब्बे रंगीन होते हैं। वे चकाचौंध और चमकदार रोशनी वाली सतहों के माध्यम से प्रकाश स्रोत के रंग को व्यक्त करते हैं, वस्तु (स्थानीय) रंग और पर्यावरण द्वारा परावर्तित रंग के साथ वॉल्यूमेट्रिक रूप को ढालते हैं, स्थानिक संबंध और गहराई स्थापित करते हैं, वस्तुओं की बनावट और भौतिकता को दर्शाते हैं।

पेंटिंग का कार्य न केवल कुछ दिखाना है, बल्कि जो चित्रित किया गया है उसके आंतरिक सार को प्रकट करना, "विशिष्ट परिस्थितियों में विशिष्ट पात्रों" को पुन: पेश करना है। इसलिए, जीवन की घटनाओं का एक वास्तविक कलात्मक सामान्यीकरण यथार्थवादी चित्रकला की नींव का आधार है।

1. पेंटिंग के प्रकार

स्मारकीय पेंटिंगएक विशेष प्रकार है चित्रोंबड़े पैमाने पर, स्थापत्य संरचनाओं की दीवारों और छतों को सजाते हुए। यह प्रमुख सामाजिक घटनाओं की सामग्री को प्रकट करता है जिनका समाज के विकास पर सकारात्मक प्रभाव पड़ा है, देशभक्ति, प्रगति और मानवता की भावना में लोगों को शिक्षित करने में मदद करते हुए, उनका महिमामंडन करता है और उन्हें कायम रखता है। स्मारकीय पेंटिंग की सामग्री की उत्कृष्टता, इसके कार्यों का महत्वपूर्ण आकार, वास्तुकला के साथ संबंध के लिए बड़े रंग द्रव्यमान, सख्त सादगी और संक्षिप्त रचना, आकृति की स्पष्टता और प्लास्टिक रूप के सामान्यीकरण की आवश्यकता होती है।

सजावटी पेंटिंगइसका उपयोग इमारतों, अंदरूनी हिस्सों को रंगीन पैनलों के रूप में सजाने के लिए किया जाता है, जो एक यथार्थवादी छवि के साथ एक दीवार की सफलता का भ्रम पैदा करता है, एक कमरे के आकार में एक दृश्य वृद्धि, या, इसके विपरीत, जानबूझकर चपटा रूपों की पुष्टि करता है दीवार की समतलता और अंतरिक्ष का घेरा। पैटर्न, माल्यार्पण, माला और अन्य प्रकार की सजावट, स्मारकीय पेंटिंग और मूर्तिकला के अलंकरण कार्य, इंटीरियर के सभी तत्वों को एक साथ बांधते हैं, उनकी सुंदरता, वास्तुकला के साथ स्थिरता पर जोर देते हैं।

नाट्य और सजावटी पेंटिंग(दृश्यावली, वेशभूषा, मेकअप, कलाकार के रेखाचित्रों के अनुसार बनाई गई रंगमंच की सामग्री) प्रदर्शन की सामग्री को गहराई से प्रकट करने में मदद करती है। दृश्यों की धारणा के लिए विशेष नाटकीय परिस्थितियों में दर्शकों के कई दृष्टिकोणों, उनकी महान दूरदर्शिता, कृत्रिम प्रकाश व्यवस्था और रंगीन रोशनी के प्रभाव को ध्यान में रखना आवश्यक है। दृश्यावली कार्रवाई के स्थान और समय का एक विचार देती है, मंच पर क्या हो रहा है, इसके बारे में दर्शकों की धारणा को सक्रिय करती है। नाट्य कलाकार पात्रों के व्यक्तिगत चरित्र, उनकी सामाजिक स्थिति, युग की शैली, और बहुत कुछ वेशभूषा और श्रृंगार के रेखाचित्रों में तेजी से व्यक्त करने का प्रयास करता है।

लघु चित्रकलामुद्रण के आविष्कार से पहले, मध्य युग में महान विकास प्राप्त हुआ। हस्तलिखित पुस्तकों को बेहतरीन हेडपीस, अंत, विस्तृत लघु चित्रों से सजाया गया था। रूसी कलाकारों द्वारा लघुचित्रों की पेंटिंग तकनीक पहली थी XIX का आधासदियों का कुशलता से छोटे (मुख्य रूप से जल रंग) चित्र बनाते समय उपयोग किया जाता है। पानी के रंगों के शुद्ध गहरे रंग, उनके उत्कृष्ट संयोजन, लेखन की गहना सूक्ष्मता इन चित्रों को अलग करती है, जो अनुग्रह और बड़प्पन से भरे हुए हैं।

चित्रफलक पेंटिंग, एक मशीन पर किया जाता है - चित्रफलक, सामग्री के आधार के रूप में लकड़ी, कार्डबोर्ड, कागज का उपयोग करता है, लेकिन ज्यादातर कैनवास एक स्ट्रेचर पर फैला होता है। चित्रफलक पेंटिंगएक स्वतंत्र काम होने के नाते, यह पूरी तरह से सब कुछ चित्रित कर सकता है: कलाकार द्वारा वास्तविक और काल्पनिक, निर्जीव वस्तुओं और लोगों, आधुनिकता और इतिहास - एक शब्द में, इसके सभी अभिव्यक्तियों में जीवन। ग्राफिक्स के विपरीत, चित्रफलक पेंटिंग में रंग की समृद्धि होती है, जो भावनात्मक, मनोवैज्ञानिक रूप से बहुमुखी और आसपास की दुनिया की सुंदरता को सूक्ष्म रूप से व्यक्त करने में मदद करती है।

तकनीक और निष्पादन के माध्यम से, पेंटिंग को तेल, तड़का, फ्रेस्को, मोम, मोज़ेक, सना हुआ ग्लास, वॉटरकलर, गौचे, पेस्टल में विभाजित किया गया है। ये नाम एक बांधने की मशीन से या सामग्री और तकनीकी साधनों के उपयोग की विधि से आए हैं।

तैल चित्रयह वनस्पति तेलों से मिटाए गए पेंट के साथ किया जाता है। जब तेल या विशेष थिनर और वार्निश इसमें मिलाए जाते हैं तो गाढ़ा पेंट द्रवीभूत हो जाता है। आयल पेंटआप कैनवास, लकड़ी, कार्डबोर्ड, कागज, धातु पर काम कर सकते हैं।

टेम्परानायापेंटिंग अंडे की जर्दी या कैसिइन पर पकाए गए पेंट से की जाती है। टेम्परा पेंट पानी में घुलनशील होता है और दीवार, कैनवास, कागज, लकड़ी पर पेस्टी या तरल लगाया जाता है। रूस में टेम्परा ने घरेलू सामानों पर दीवार पेंटिंग, चिह्न और पैटर्न बनाए। आजकल, पेंटिंग और ग्राफिक्स में, कला और शिल्प में, और डिजाइन और सजावट में तड़के का उपयोग किया जाता है।

फ्रेस्को पेंटिंगपानी के पेंट के साथ गीले प्लास्टर पर लागू स्मारकीय और सजावटी रचनाओं के रूप में अंदरूनी सजावट करता है। फ्रेस्को में एक सुखद मैट सतह है और यह इनडोर परिस्थितियों में टिकाऊ है।

मोम पेंटिंग(एनास्टिक) कलाकारों द्वारा इस्तेमाल किया गया था प्राचीन मिस्र, जैसा कि प्रसिद्ध "फयूम पोर्ट्रेट्स" (पहली शताब्दी ईस्वी) से प्रमाणित है। मटमैला में बांधने की मशीन प्रक्षालित मोम है। मोम के पेंट को पिघला हुआ अवस्था में गर्म आधार पर लगाया जाता है, जिसके बाद उन्हें दागदार किया जाता है।

मोज़ेक पेंटिंग, या मोज़ेक, छोटे या रंगीन पत्थरों के अलग-अलग टुकड़ों से इकट्ठा किया जाता है और एक विशेष सीमेंट जमीन पर तय किया जाता है। नीचे जमीन में एम्बेडेड पारदर्शी स्माल्ट विभिन्न कोण, प्रकाश को परावर्तित या अपवर्तित करता है, जिससे रंग चमकने और झिलमिलाने का कारण बनता है। मोज़ेक पैनल मेट्रो में, थिएटर और संग्रहालय के अंदरूनी हिस्सों आदि में पाए जा सकते हैं। सना हुआ ग्लास पेंटिंग - काम करता है सजावटी कला, किसी भी वास्तुशिल्प संरचना में खिड़की के उद्घाटन को सजाने के लिए डिज़ाइन किया गया। सना हुआ ग्लास खिड़की रंगीन कांच के टुकड़ों से बनी होती है, जिसे एक मजबूत धातु के फ्रेम द्वारा एक साथ रखा जाता है। चमकदार प्रवाह, सना हुआ ग्लास खिड़की की रंगीन सतह को छेदते हुए, फर्श और आंतरिक दीवारों पर सजावटी रूप से शानदार, बहुरंगी पैटर्न बनाता है।

2. पेंटिंग और इसकी शैली

पेंटिंग शैलियों (fr। Genre - जीनस, प्रजाति) छवि के विषयों और वस्तुओं के अनुसार पेंटिंग के कार्यों का एक ऐतिहासिक रूप से स्थापित विभाजन है। आधुनिक चित्रकला में, निम्नलिखित विधाएँ हैं: चित्र, ऐतिहासिक, पौराणिक, युद्ध, रोजमर्रा की जिंदगी, परिदृश्य, स्थिर जीवन, पशुवादी शैली।

यद्यपि "शैली" की अवधारणा अपेक्षाकृत हाल ही में पेंटिंग में दिखाई दी, प्राचीन काल से कुछ शैली अंतर मौजूद हैं: पुरापाषाण युग की गुफाओं में जानवरों की छवियां, 3000 ईसा पूर्व से प्राचीन मिस्र और मेसोपोटामिया के चित्र, परिदृश्य और अभी भी हेलेनिस्टिक और रोमन में जीवन मोज़ेक और भित्तिचित्र। चित्रफलक चित्रकला में एक प्रणाली के रूप में शैली का गठन यूरोप में 15वीं-15वीं शताब्दी में शुरू हुआ। और मुख्य रूप से 17 वीं शताब्दी में समाप्त हुआ, जब, ललित कला को शैलियों में विभाजित करने के अलावा, छवि, विषय, कथानक के विषय के आधार पर "उच्च" और "निम्न" शैलियों की अवधारणा दिखाई दी।

ऐतिहासिक और पौराणिक शैलियों को "उच्च" शैली, चित्र, परिदृश्य, और अभी भी जीवन - "निम्न" शैली के लिए जिम्मेदार ठहराया गया था। शैलियों का यह क्रम 19वीं शताब्दी तक चला। इसलिए, हॉलैंड में 17वीं शताब्दी में, यह "निम्न" शैलियों (परिदृश्य, शैली, स्थिर जीवन) थी जो चित्रकला में अग्रणी बन गई, और औपचारिक चित्र, जो औपचारिक रूप से चित्र की "निम्न" शैली से संबंधित था, ने किया ऐसे से संबंधित नहीं है।

जीवन को प्रदर्शित करने का एक रूप बनने के बाद, शैलियों को सभी स्थिरता के साथ चित्रित करना सामान्य सुविधाएंअपरिवर्तनीय नहीं हैं, वे जीवन के साथ विकसित होते हैं, कला के विकास के साथ बदलते हैं। कुछ विधाएं मर जाती हैं या एक नया अर्थ प्राप्त कर लेती हैं (उदाहरण के लिए, एक पौराणिक शैली), नए दिखाई देते हैं, आमतौर पर पहले से मौजूद लोगों के भीतर (उदाहरण के लिए, एक वास्तुशिल्प परिदृश्य और परिदृश्य शैली के भीतर एक समुद्री दृश्य दिखाई देता है)। ऐसे काम हैं जो विभिन्न शैलियों को जोड़ते हैं (उदाहरण के लिए, एक परिदृश्य के साथ शैली की शैली का संयोजन, एक ऐतिहासिक शैली के साथ एक समूह चित्र)।

ललित कला की शैली, जो किसी व्यक्ति या लोगों के समूह की बाहरी और आंतरिक उपस्थिति को दर्शाती है, कहलाती है एक चित्र... यह शैली न केवल चित्रकला में, बल्कि मूर्तिकला, ग्राफिक्स आदि में भी व्यापक है। एक चित्र के लिए मुख्य आवश्यकताएं बाहरी समानताओं का हस्तांतरण और आंतरिक दुनिया का प्रकटीकरण, किसी व्यक्ति के चरित्र का सार हैं। छवि की प्रकृति से, दो मुख्य समूह प्रतिष्ठित हैं: औपचारिक और कक्ष चित्र। एक औपचारिक चित्र एक वास्तुशिल्प या परिदृश्य पृष्ठभूमि के खिलाफ एक व्यक्ति को पूर्ण विकास (घोड़े पर, खड़े या बैठे) में दिखाता है। चेंबर पोर्ट्रेट में, एक तटस्थ पृष्ठभूमि के विरुद्ध आधी-लंबाई या बस्ट छवि का उपयोग किया जाता है। स्व-चित्र - कलाकार की स्वयं की छवि - एक विशेष समूह में विशिष्ट है।

चित्र ललित कला की सबसे पुरानी शैलियों में से एक है, शुरू में इसका एक पंथ उद्देश्य था, इसे मृतक की आत्मा के साथ पहचाना गया था। प्राचीन दुनिया में, मूर्तिकला में और साथ ही सचित्र चित्रों में चित्रांकन अधिक विकसित हुआ - पहली - तीसरी शताब्दी के फयूम चित्र। मध्य युग में, एक चित्र की अवधारणा को सामान्यीकृत छवियों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, हालांकि भित्तिचित्रों, मोज़ाइक, आइकन, लघु चित्रों पर, ऐतिहासिक आंकड़ों के चित्रण में कुछ व्यक्तिगत विशेषताएं हैं। स्वर्गीय गोथिक और पुनर्जागरण चित्रांकन के विकास में एक तूफानी अवधि है, जब चित्र शैली का निर्माण होता है, एक व्यक्ति में मानवतावादी विश्वास की ऊंचाइयों तक पहुंचता है और उसके आध्यात्मिक जीवन की समझ होती है।

ऐतिहासिक घटनाओं और पात्रों को समर्पित ललित कला की शैली कहलाती है ऐतिहासिक शैली... ऐतिहासिक शैली, जो स्मारकीयता की विशेषता है, लंबे समय से विकसित हुई है भित्ति चित्रण... पुनर्जागरण से 19वीं शताब्दी तक। कलाकारों ने प्राचीन पौराणिक कथाओं, ईसाई किंवदंतियों के भूखंडों का इस्तेमाल किया। अक्सर, चित्र में चित्रित वास्तविक ऐतिहासिक घटनाओं को पौराणिक या बाइबिल के अलंकारिक पात्रों से संतृप्त किया जाता था।

ऐतिहासिक शैली दूसरों के साथ परस्पर जुड़ी हुई है - रोजमर्रा की जिंदगी की शैली (ऐतिहासिक दृश्य), चित्र (अतीत के ऐतिहासिक आंकड़ों का चित्रण, चित्र-ऐतिहासिक रचनाएं), परिदृश्य ("ऐतिहासिक परिदृश्य"), युद्ध शैली के साथ विलीन हो जाती है।

ऐतिहासिक शैली चित्रफलक और स्मारकीय रूपों में, लघुचित्रों, दृष्टांतों में सन्निहित है। पुरातनता में उत्पन्न, ऐतिहासिक शैली ने वास्तविक ऐतिहासिक घटनाओं को मिथकों के साथ जोड़ा। प्राचीन पूर्व के देशों में, प्रतीकात्मक रचनाएँ भी थीं (राजा की सैन्य जीत का एपोथोसिस, एक देवता द्वारा उसे सत्ता का हस्तांतरण) और चित्रों और राहत के कथा चक्र। प्राचीन ग्रीस में थे मूर्तिकला चित्रप्राचीन रोम में ऐतिहासिक नायकों, सैन्य अभियानों और विजय के दृश्यों के साथ राहतें बनाई गईं।

यूरोप में मध्य युग में, ऐतिहासिक घटनाएं इतिहास के लघुचित्रों में, चिह्नों में परिलक्षित होती थीं। चित्रफलक चित्रकला की ऐतिहासिक शैली यूरोप में पुनर्जागरण के दौरान 17वीं - 18वीं शताब्दी में आकार लेने लगी थी। इसे एक "उच्च" शैली के रूप में देखा गया, जो सामने लाया गया (धार्मिक, पौराणिक, रूपक, वास्तव में ऐतिहासिक विषय)।

ऐतिहासिक शैली के चित्र नाटकीय सामग्री, उदात्त सौंदर्य आदर्शों और मानवीय संबंधों की गहराई से भरे हुए थे।

प्राचीन लोगों के मिथकों के बारे में बताए गए नायकों और घटनाओं को समर्पित ललित कला की शैली को कहा जाता है पौराणिक शैली(ग्रीक मिथोस से - किंवदंती)। पौराणिक शैली ऐतिहासिक के संपर्क में आती है और पुनर्जागरण में आकार लेती है, जब प्राचीन किंवदंतियों ने जटिल नैतिक, अक्सर रूपक के साथ कहानियों और पात्रों के अवतार के लिए सबसे समृद्ध अवसर प्रदान किए। XVII सदी में। - शीघ्र। पौराणिक शैली के कार्यों में XIX सदी नैतिक, सौंदर्य संबंधी समस्याओं की सीमा का विस्तार करती है, जो उच्च में सन्निहित हैं कलात्मक आदर्शऔर या तो जीवन के करीब पहुंचें, या उत्सव का तमाशा बनाएं। XIX-XX सदियों से। जर्मनिक, सेल्टिक, भारतीय, स्लाव मिथकों के विषय लोकप्रिय हो गए।

युद्ध शैली(फ्रांसीसी बैटेल से - लड़ाई) पेंटिंग की एक शैली है जो ऐतिहासिक, पौराणिक शैली का हिस्सा है और लड़ाई, सैन्य कारनामों, सैन्य कार्रवाइयों, सैन्य वीरता का महिमामंडन करने, लड़ाई के रोष, जीत की जीत को चित्रित करने में माहिर है। युद्ध शैली में अन्य शैलियों के तत्व शामिल हो सकते हैं - रोजमर्रा की जिंदगी, चित्र, परिदृश्य, पशुवत, स्थिर जीवन।

ललित कलाओं की शैली, जिसमें व्यक्ति के दैनिक, व्यक्तिगत जीवन, किसान और शहरी जीवन के दैनिक जीवन के दृश्यों को दिखाया जाता है, कहलाती है रोजमर्रा की शैली... लोगों के जीवन और नैतिकता के लिए अपील पहले से ही प्राचीन पूर्व के चित्रों और राहतों में, प्राचीन फूलदान पेंटिंग और मूर्तिकला में, मध्ययुगीन प्रतीकों और घंटों की किताबों में पाई जाती है। लेकिन रोजमर्रा की शैली बाहर खड़ी थी और धर्मनिरपेक्ष चित्रफलक कला की एक घटना के रूप में अपने विशिष्ट रूपों को प्राप्त कर लिया। इसकी मुख्य विशेषताएं XIV-XV सदियों में आकार लेने लगीं। नीदरलैंड, जर्मनी, फ्रांस में वेदी पेंटिंग, राहत, टेपेस्ट्री, लघुचित्रों में। नीदरलैंड में 16वीं शताब्दी में, रोजमर्रा की जिंदगी की शैली तेजी से विकसित होने लगी और अलग-थलग पड़ गई। इसके संस्थापकों में से एक हिरेमोनस बॉश था।

यूरोप में शैली की शैली का विकास पीटर ब्रूगल के काम से बहुत प्रभावित था: वह एक शुद्ध शैली की ओर बढ़ता है, यह दर्शाता है कि रोजमर्रा की जिंदगी अध्ययन की वस्तु और सुंदरता का स्रोत हो सकती है। 17वीं शताब्दी को यूरोप के सभी चित्रकला विद्यालयों में शैली की शैली की शताब्दी कहा जा सकता है।

XVIII सदी में। फ्रांस में, शैली की पेंटिंग वीर दृश्यों के चित्रण से जुड़ी है, "देहाती", परिष्कृत और सुंदर, विडंबनापूर्ण हो जाती है। रोजमर्रा की शैली के काम विविध हैं: उन्होंने घरेलू जीवन की गर्मजोशी और दूर के देशों के विदेशीता, भावुक अनुभवों और रोमांटिक जुनून को दिखाया। रोजमर्रा की जिंदगी की शैली, किसान जीवन और एक शहर के निवासी के जीवन को दिखाने पर केंद्रित, 19 वीं शताब्दी की रूसी पेंटिंग में विशद रूप से विकसित हुई: उदाहरण के लिए, ए.जी. वेनेत्सियानोव, पी.ए.फेडोटोव, वी.जी. पेरोव, आई.ई. रेपिन के कार्यों में।

ललित कला की एक शैली, जहां मुख्य चीज प्रकृति की छवि है, वातावरण, ग्रामीण इलाकों के प्रकार, शहर, ऐतिहासिक स्मारक, कहलाते हैं परिदृश्य(एफआर.पेसेज)। ग्रामीण, शहरी, स्थापत्य, औद्योगिक, समुद्री (मरीना) और नदी परिदृश्य के बीच अंतर करें।

प्राचीन काल में और मध्य युग में, मंदिरों, महलों, चिह्नों और लघु चित्रों के चित्रों में परिदृश्य दिखाई देता है। यूरोपीय कला में, प्रकृति के चित्रण की ओर सबसे पहले पुनर्जागरण के विनीशियन चित्रकार थे। XVI सदी के बाद से। परिदृश्य एक स्वतंत्र शैली बन जाता है, इसकी किस्में और दिशाएँ बनती हैं: गेय, वीर, वृत्तचित्र परिदृश्य। XIX सदी में। लैंडस्केप मास्टर्स की रचनात्मक खोज, सामाजिक मुद्दों के साथ इसकी संतृप्ति, प्लीन एयर (प्राकृतिक पर्यावरण की छवि) का विकास प्रभाववाद की उपलब्धियों के साथ समाप्त हुआ, जिसने स्थानिक गहराई के सचित्र हस्तांतरण में नए अवसर दिए, प्रकाश की परिवर्तनशीलता- वायु पर्यावरण, रंग सीमा की जटिलता।

ललित कला की एक शैली जो घरेलू सामान, श्रम, रचनात्मकता, फूल, फल, कुचले हुए खेल, पकड़ी गई मछली, वास्तविक घरेलू वातावरण में रखी जाती है, को दर्शाती है, कहलाती है स्थिर वस्तु चित्रण(fr। प्रकृति मोर्टे - मृत प्रकृति)। फिर भी जीवन जटिल से संपन्न हो सकता है प्रतीकात्मक अर्थतथाकथित होने के लिए, एक सजावटी पैनल की भूमिका निभाने के लिए। "चाल", जो वास्तविक वस्तुओं या आंकड़ों का एक भ्रामक प्रजनन देता है, जिससे वास्तविक प्रकृति की उपस्थिति का प्रभाव होता है।

वस्तुओं का चित्रण पुरातनता और मध्य युग की कला में भी जाना जाता है। लेकिन चित्रफलक पेंटिंग में पहले अभी भी जीवन को वेनिस जैकोपो डी बारबरी के कलाकार द्वारा "एक तीर और दस्ताने के साथ तीतर" की पेंटिंग माना जाता है। पहले से ही 16 वीं शताब्दी में, अभी भी जीवन कई प्रकारों में विभाजित है: लोगों के साथ या बिना रसोई इंटीरियर, ग्रामीण सेटिंग में एक रखी हुई मेज, प्रतीकात्मक वस्तुओं (फूलों का एक फूलदान, एक बुझी हुई मोमबत्ती, संगीत वाद्ययंत्र) के साथ "वनितास"। विशेष रूप से समृद्ध डच अभी भी जीवन था, रंग में मामूली और चित्रित चीजों में, लेकिन वस्तुओं की अभिव्यंजक बनावट में परिष्कृत, रंग और प्रकाश के खेल में।

जानवरों की विशेषता वाली एक ललित कला शैली कहलाती है पशुवत शैली(अक्षांश से।जानवर - जानवर)। पशु चित्रकार जानवर की कलात्मक और आलंकारिक विशेषताओं, उसकी आदतों, आकृति की सजावटी अभिव्यक्ति, सिल्हूट पर ध्यान देता है। अक्सर जानवर संपन्न होते हैं लोगों में निहितलक्षण, कार्य और अनुभव। जानवरों की छवियां अक्सर प्राचीन मूर्तिकला और फूलदान पेंटिंग में पाई जाती हैं।

निष्कर्ष

अंत में, आइए उपरोक्त को संक्षेप में प्रस्तुत करें:

पेंटिंग को स्मारकीय, सजावटी, नाट्य और सजावटी, लघु और चित्रफलक पेंटिंग में विभाजित किया गया है।

तकनीक और निष्पादन के माध्यम से, पेंटिंग को तेल, तड़का, फ्रेस्को, मोम, मोज़ेक, सना हुआ ग्लास, वॉटरकलर, गौचे, पेस्टल में विभाजित किया गया है।

आधुनिक चित्रकला में, निम्नलिखित विधाएँ हैं: चित्र, ऐतिहासिक, पौराणिक, युद्ध, रोजमर्रा की जिंदगी, परिदृश्य, स्थिर जीवन, पशुवादी शैली।

ऐतिहासिक पेंटिंग कुछ ऐतिहासिक क्षणों की एक छवि है, साथ ही अतीत के सार्वजनिक जीवन के आंकड़े भी हैं।

बैटल पेंटिंग का उद्देश्य लड़ाई, लड़ाई और युद्धों को पकड़ना है। पौराणिक चित्रकला मिथकों, महाकाव्यों और किंवदंतियों में वर्णित घटनाओं को दर्शाती है।

घरेलू (शैली) पेंटिंग दृश्यों की एक छवि है असली जीवनइसकी वास्तविकता और विशेषताएं।

लैंडस्केप (लैंडस्केप) पेंटिंग प्राकृतिक प्रकृति या किसी क्षेत्र की छवि है।

पोर्ट्रेट पेंटिंग एक व्यक्ति का कलात्मक चित्रण है। एक विशिष्ट प्रकार का चित्र स्व-चित्र है।

स्थिर जीवन विभिन्न निर्जीव वस्तुओं की एक छवि है, उदाहरण के लिए, फल, फूल, घरेलू सामान, बर्तन, वास्तविक रोजमर्रा के वातावरण में रखे जाते हैं और एक समूह में व्यवस्थित रूप से व्यवस्थित होते हैं।

ग्रंथ सूची

1. XX सदी के बत्राकोवा एसपी कलाकार। और पेंटिंग की भाषा। एम।, 1996।

2. वाइपर बी.आर. कला के ऐतिहासिक अध्ययन के लिए एक परिचय। एम., ललित कला, 1985

3. XX सदी की पश्चिमी कला। क्लासिक विरासत और आधुनिकता। एम, 1992।

4. विदेशी कला का इतिहास। एम., ललित कला, 1984

5. विश्व कला का इतिहास। तीसरा संस्करण, पब्लिशिंग हाउस "अकादमी", एम।, 1998।

6. रचनावाद से अतियथार्थवाद तक। एम।, 1996।

7. पॉलाकोव वी.वी. विश्व कला का इतिहास। XX सदी की ललित कला और वास्तुकला। एम।, 1993।

8. सदोखिन ए.पी. संस्कृति विज्ञान: संस्कृति का सिद्धांत और इतिहास: पाठ्यपुस्तक। - एम।: एक्समो, 2007।

9. समकालीन पश्चिमी कला... XX सदी: समस्याएं और रुझान। एम।, 1982।

10. सुजदालेव पी। पेंटिंग की शैलियों पर। // रचनात्मकता, 2004, नंबर 2, 3. एस। 45-49।

इसी तरह के दस्तावेज

कला की वर्तमान शैलियों में से एक के रूप में सामान्य विशेषताएं, वर्गीकरण और परिदृश्य के प्रकार। पेंटिंग, फोटोग्राफी, फिल्म और टेलीविजन में परिदृश्य शैली की विशेषताओं, अंतर्संबंधों का खुलासा। फोटोग्राफी के उद्भव का इतिहास XIX-XX . के मोड़ परसदियों।

सार, जोड़ा गया 01/26/2014


एक स्वतंत्र कला के रूप में चित्रफलक चित्रकला की अवधारणा। गोगुरियो साम्राज्य की अवधि से कोरियाई पेंटिंग। सिला ललित कला और वास्तुकला। उत्कृष्ट कलाकार और उनकी रचनाएँ। कोरियाई लोक चित्रकला की सामग्री की विशेषताएं।

सार, जोड़ा गया 06/04/2012


गुफा युग में कला की उत्पत्ति। प्राचीन ग्रीस और रोम में कला का विकास। मध्य युग, पुनर्जागरण और बारोक में चित्रकला के विकास की विशेषताएं। समकालीन कला में कलात्मक रुझान। नैतिक दृष्टि से सौन्दर्य का सार।

लेख 02/16/2011 को जोड़ा गया


कला को स्थानिक (प्लास्टिक), अस्थायी (गतिशील), सिंथेटिक (शानदार) प्रकारों के समूहों में वर्गीकृत करने की एक प्रणाली। ऐतिहासिक विकासग्राफिक्स, मूर्तिकला और पेंटिंग में कला सामग्री के उपयोग की विशेषताएं और तरीके।

परीक्षण, जोड़ा गया 01/29/2010


प्रतिनिधियों का अध्ययन इतालवी स्कूलचित्र। मुख्य प्रकार की ललित कलाओं की विशेषताओं की विशेषताएं: चित्रफलक और अनुप्रयुक्त ग्राफिक्स, मूर्तिकला, वास्तुकला और फोटोग्राफी। तेल पेंट के साथ काम करने की तकनीकों और विधियों का अनुसंधान।

टर्म पेपर जोड़ा गया 02/15/2012


पेंटिंग में एक शैली के रूप में पोर्ट्रेट। पोर्ट्रेट पेंटिंग का इतिहास। रूसी चित्रकला में पोर्ट्रेट। चित्र की संरचना का निर्माण। तेल चित्रकला तकनीक। पेंटिंग का आधार। तेल कला पेंट और ब्रश। रंग पैलेट और पेंट मिश्रण।

थीसिस, जोड़ा गया 05/25/2015


17वीं शताब्दी में डच कला की उत्पत्ति और विकास। डच और डच शैली और लैंडस्केप पेंटिंग के महानतम उस्तादों की रचनात्मकता का अध्ययन। शैली, चित्र, परिदृश्य और स्थिर जीवन जैसी शैलियों की विशिष्ट विशेषताओं का अध्ययन।

परीक्षण, जोड़ा गया 12/04/2014


ललित कला की शैलियों में से एक के रूप में अभी भी जीवन, चित्रकला के कौशल और क्षमताओं से परिचित। तरल के उपयोग की विशेषताएं एक्रिलिक पेंट... पेंटिंग के कार्यों से परिचित होना। बीजान्टियम की गहन तपस्वी कला का विश्लेषण।

टर्म पेपर जोड़ा गया 09/09/2013


आंतरिक पेंटिंग की विशेषताएं, जो कला की एक स्वतंत्र शैली के रूप में और ऐतिहासिक, रोजमर्रा की घटनाओं को दर्शाने वाले कार्यों में पृष्ठभूमि के रूप में मौजूद हैं। पेंटिंग के. ब्रायलोव, आई। रेपिन के उस्तादों के चित्रों में आंतरिक विशेषताओं का विश्लेषण।

परीक्षण, जोड़ा गया 08/26/2011


विशेषता संकेतप्राचीन रोमन कला। ऐतिहासिक जड़ेंरोमन संस्कृति। रोमन पेंटिंग शैली। प्राचीन रोमन चित्रकला की मुख्य दिशाएँ और विविधता: फ़यूम चित्र, स्मारकीय पेंटिंग, एट्रस्केन पेंटिंग।