पहले हाफ की पेंटिंग उन्नीसवीं सदी:

अठारहवीं शताब्दी की यथार्थवादी चित्रकला की प्रवृत्ति नई शताब्दी के पूर्वार्ध में अग्रणी बनी हुई है, इस अवधि के दौरान रूसी जीवन की विशेषताओं पर विशेष ध्यान दिया जाता है, जो एक लोक और राष्ट्रीय चरित्र के हैं। 19 वीं शताब्दी के पहले तीसरे में रूसी चित्रकला की एक महत्वपूर्ण उपलब्धि चित्र शैली का विकास था। इस समय के चित्र मानव गरिमा के लिए अपने असीम सम्मान के साथ, पुश्किन युग के मानवतावाद को रोशन करते हैं। 1812 के फ्रांसीसी हस्तक्षेप के खिलाफ संघर्ष के कारण पैदा हुए देशभक्ति के उभार, सामाजिक न्याय की जीत की उम्मीद ने इस युग के प्रगतिशील व्यक्ति की विश्वदृष्टि को एक उत्कृष्ट चरित्र दिया, साथ ही, यहां नागरिक सिद्धांत को एक गीतात्मक के साथ जोड़ा गया , अंतरंग एक, जिसने उस समय के सर्वश्रेष्ठ लोगों की आध्यात्मिक उपस्थिति को एक विशेष पूर्णता दी।

19वीं सदी के पूर्वार्द्ध के सबसे बड़े रूसी चित्रकारों में शामिल हैं वसीली एंड्रीविच ट्रोपिनिन (जीवन के वर्ष 1776-1857), रूसी चित्रकला में रूमानियत के संस्थापकों में से एक। अपने चित्रों में, ट्रोपिनिन ने मानव व्यक्ति के मूल्य को उसके बाहरी स्वरूप और आध्यात्मिक दुनिया की सभी संक्षिप्तता में प्रकट किया। ट्रोपिनिन के चित्र उनके पात्रों की आत्मसंतुष्ट अभिव्यक्ति से आसानी से पहचाने जा सकते हैं; उन्होंने अपने पात्रों को अपनी शांति और परोपकार के साथ संपन्न किया। पोर्ट्रेट के अलावा, ट्रोपिनिन ने अपने काम में रोजमर्रा के विषयों को भी विकसित किया, जो उन्हें रूसी शैली की पेंटिंग के संस्थापकों में से एक बनाता है। "पोर्ट्रेट ऑफ आर्सेनी ट्रोपिनिन" को ट्रोपिनिन के शुरुआती काम की उत्कृष्ट कृति कहा जा सकता है। बच्चों के चित्र कलाकार के लिए विशेष रूप से आकर्षक थे। ट्रोपिनिन द्वारा बच्चों के अधिकांश चित्रों में एक शैली टाई है, वह जानवरों, पक्षियों, खिलौनों, संगीत वाद्ययंत्र ("बॉय विद ए पिटी", "बॉय विद ए गोल्डफिंच" और अन्य) के साथ बच्चों को दर्शाता है। "पोर्ट्रेट ऑफ आर्सेनी ट्रोपिनिन" अपनी ईमानदारी और भावनाओं की पवित्रता से आकर्षित करता है, यह आसानी से और सामान्यीकृत तरीके से लिखा जाता है। परिष्कृत रंग योजना सुनहरे-भूरे रंग के टन के संयोजन पर आधारित है, पेंट परत के माध्यम से और जमीन के गुलाबी रंग के स्वर को चमकाते हैं और अंडरपेंटिंग चमकती है।

वीए ट्रोपिनिन। लेसमेकर। 1823 ग्रा.

पेंटिंग "द लेसमेकर" ने ट्रोपिनिन को महिला छवियों के एक मास्टर के रूप में प्रसिद्धि दिलाई और उस समय की पेंटिंग की कला में एक महत्वपूर्ण घटना बन गई।

एक सुंदर लड़की की छवि, जो अपने व्यवसाय से क्षण भर के लिए अलग हो जाती है और दर्शक को देखती है, यह बताती है कि काम उसके लिए बिल्कुल भी बोझ नहीं है, यह सिर्फ एक खेल है। एक स्थिर जीवन सावधानी से और प्यार से चित्रित किया गया था - फीता, बॉबिन, सुईवर्क के लिए एक बॉक्स। इस तस्वीर में ट्रोपिनिन द्वारा बनाई गई शांति और आराम की भावना रोजमर्रा के मानव अस्तित्व के हर पल के मूल्य की पुष्टि करती है।

रूसी शैली की पेंटिंग के शुरुआती रूपों में ट्रोपिनिन द्वारा सर्फ़ सुईवुमेन के अन्य चित्र शामिल हैं - सोने की कढ़ाई करने वाले, कढ़ाई करने वाले, स्पिनर। उनके चेहरे समान हैं, कलाकार के स्त्री आदर्श की विशेषताएं उनमें स्पष्ट रूप से दिखाई देती हैं - एक कोमल अंडाकार, गहरे बादाम के आकार की आँखें, एक दोस्ताना मुस्कान, एक चुलबुला रूप। ट्रोपिनिन के इन कार्यों को स्पष्ट आकृति और पेंट के कॉर्पस ओवरले द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, सुरम्य बनावट घनत्व प्राप्त करती है। छोटे, घने स्ट्रोक चित्रों को तामचीनी लघुचित्रों की तरह बनाते हैं।

वीए ट्रोपिनिन। एएस पुश्किन का पोर्ट्रेट। 1827 जी.

1827 में, ट्रोपिनिन ने ए.एस. पुश्किन के प्रसिद्ध चित्र को चित्रित किया। इस चित्र में, कलाकार ने एक स्वतंत्र व्यक्ति के अपने आदर्श को व्यक्त किया।

पुश्किन को आराम की मुद्रा में बैठे हुए चित्रित किया गया है, उनका दाहिना हाथ एक खुली किताब के साथ एक मेज पर रखा गया है। पृष्ठभूमि और कपड़े एक सामान्य सुनहरे-भूरे रंग के स्वर से एकजुट होते हैं, जिसके खिलाफ कवि का चेहरा बाहर खड़ा होता है - चित्र का सबसे तीव्र रंग स्थान और रचना केंद्र। कवि की खुली-खुली नीली आँखों में सच्ची प्रेरणा झलकती है। सभी समकालीनों ने इस चित्र में पुश्किन के साथ एक त्रुटिहीन समानता का उल्लेख किया, जहां कलाकार, कर्तव्यनिष्ठा से प्रकृति का पालन करते हुए, कवि की उच्च आध्यात्मिकता को पकड़ने में सक्षम था।

1830-1840 के दशक में ट्रोपिनिन द्वारा चित्रित चित्रों की सबसे बड़ी संख्या है। ये शहर के पदानुक्रम में शीर्ष अधिकारियों और निजी व्यक्तियों के व्यक्ति - रईसों, व्यापारियों, साथ ही अभिनेताओं, लेखकों और कलाकारों के चित्र हैं जो आध्यात्मिक रूप से ट्रोपिनिन के करीब हैं।

इन वर्षों के दौरान, कार्ल ब्रायलोव के प्रभाव में, जो इटली से रूस लौटे थे, ट्रोपिनिन के बड़े आकार के काम, एक औपचारिक चित्र की तरह दिखाई देते हैं। खुद ब्रायलोव के चित्र में, ट्रोपिनिन कलाकार की कलात्मक मौलिकता पर जोर देता है, जिसमें लताओं और धूम्रपान वेसुवियस के साथ प्राचीन खंडहरों के साथ एक रसीला पृष्ठभूमि होती है।

ट्रोपिनिन के बाद के काम उनकी शैली के अवलोकन के साथ आकर्षित करते हैं, रोजमर्रा की जिंदगी में रुचि की आशंका, 1860 के दशक में रूसी चित्रकला की विशेषता।

यह ध्यान देने योग्य है कि ट्रोपिनिन अपने जीवन के अधिकांश समय के लिए एक सर्फ़ थे और उन्होंने केवल 47 वर्ष की आयु में अपनी स्वतंत्रता प्राप्त की (और उनके परिवार, पत्नी और बेटे, एक और 5 साल बाद), लेकिन इसके बावजूद, कलाकार ने अपने पूरे जीवन में एक बनाए रखा लोगों के प्रति उदार रवैया, उन्हें अच्छे मूड में और सुखद अभिव्यक्ति के साथ चित्रों में चित्रित करना।

वासिली एंड्रीविच ट्रोपिनिन ने अपने सभी लंबे रचनात्मक जीवन में तीन हजार से अधिक चित्र बनाए हैं, जिसका मॉस्को स्कूल ऑफ पेंटिंग के गठन और रूसी कला में यथार्थवादी प्रवृत्तियों के विकास पर जबरदस्त प्रभाव पड़ा है।

19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध के सबसे महत्वपूर्ण रूसी चित्रकारों में से एक कहा जा सकता है कार्ल पावलोविच ब्रायलोव (जीवन के वर्ष 1799-1852)। ब्रायलोव अपने काम में बड़े, ऐतिहासिक कैनवस की ओर बढ़ते हैं, उनका सामान्य डिजाइन अक्सर रोमांटिक होता है, हालांकि वे क्लासिकवाद और यथार्थवादी आधार की विशेषताओं को बरकरार रखते हैं।

कार्ल ब्रायलोव का जन्म एक शिक्षाविद, वुडकार्वर और पेंटर-डेकोरेटर के परिवार में हुआ था। 1809 में, ब्रायलोव को कला अकादमी में भर्ती कराया गया, सम्मान के साथ स्नातक, इटली की सेवानिवृत्ति यात्रा पर भेजा गया, जहां उन्होंने एक स्वस्थ व्यक्ति की जीवन-पुष्टि सौंदर्य के विषय पर चित्रों की एक श्रृंखला लिखी, जो आनंद महसूस करता है अपने पूरे अस्तित्व के साथ ("इतालवी सुबह", "इतालवी दोपहर", "बतशेबा")।

हर्षित सौंदर्य और सद्भाव का यह विषय "इतालवी दोपहर" पेंटिंग में स्पष्ट रूप से लगता है। ब्रायुल्लोव ने पत्ते और रस से भरे अंगूर के गुच्छे को छेदते हुए सूरज की किरणों के प्रभाव को उत्कृष्ट रूप से व्यक्त किया, एक इतालवी महिला की काली त्वचा पर प्रतिबिंबों द्वारा नरम प्रकाश और छाया के खेल का पता लगाया, जबकि उसके नंगे कंधों के प्लास्टिक की मात्रा की स्पष्टता को बनाए रखा और पूर्ण हथियार।

कार्ल ब्रायलोव को औपचारिक चित्र का मास्टर भी कहा जा सकता है। छवि का रोमांटिक उत्थान, इसकी शोभा, वॉल्यूमेट्रिक रूप की प्लास्टिक स्पष्टता और वस्तुओं की बनावट की अद्भुत भौतिकता को ब्रायलोव के सर्वश्रेष्ठ औपचारिक चित्रों द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, जैसे कि "द हॉर्सवुमन" और काउंटेस यूलिया समोइलोवा के दो चित्र।

हालांकि, यह ध्यान दिया जा सकता है कि ब्रायलोव के औपचारिक चित्रों में उस महत्व का अभाव है जो 18 वीं शताब्दी की एक प्रतिनिधि छवि में निहित है। ब्रायलोव के कई औपचारिक चित्र प्रकृति में विशुद्ध रूप से बाहरी हैं, जो 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के सैलून चित्र की आशा करते हैं।

कस्टम-निर्मित औपचारिक चित्रों के विपरीत, मॉडलों की मनोवैज्ञानिक विशेषताओं की विशेष सटीकता ब्रायलोव (कवि कुकोलनिक, मूर्तिकार विटाली, फ़ाबुलिस्ट क्रायलोव, लेखक और आलोचक स्ट्रुगोवशिकोव) द्वारा कला के लोगों के चित्रों को अलग करती है।

चित्र में, विटाली ब्रायलोव मूर्तिकार को एक उत्साही निर्माता के रूप में दर्शाता है, उसकी नम आँखों की चमक रचनात्मक स्थिति के तनाव को धोखा देती है, और एक सफेद शर्ट के आकस्मिक रूप से फेंके गए कॉलर के साथ साधारण कपड़े मूर्तिकार के काम के माहौल की याद दिलाते हैं। ब्रायलोव ने विटाली के चेहरे और हाथ को एक उज्ज्वल प्रकाश के साथ हाइलाइट किया, बाकी के वातावरण को नरम अर्ध-अंधेरे में डुबो दिया।

के.पी.ब्रायलोव। पोम्पेई का आखिरी दिन। 1830-1833

कार्ल ब्रायलोव की रचनात्मक उपलब्धियों, उज्ज्वल प्रतिभा और गुणी कौशल के शिखर को बड़ी ऐतिहासिक पेंटिंग "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" कहा जा सकता है, जो रूसी चित्रकला में रूमानियत की विशेषता है, जो आदर्शवाद के साथ मिश्रित है और प्लीइन एयर में बढ़ती रुचि है।

पेंटिंग में, ब्रायलोव ने 79 ईस्वी में वेसुवियस के विस्फोट के क्षण को दर्शाया। एन.एस. और नेपल्स के पास पोम्पेई शहर का विनाश। अंधे, तात्विक शक्तियों के प्रभाव में लोगों की मृत्यु दुखद रूप से अपरिहार्य है, एक ज्वालामुखी की चमक और बिजली की रोशनी मोक्ष चाहने वाले लोगों की भयावह भीड़ को रोशन करती है। ब्रायलोव इस चित्र में पात्रों की छवियों में क्लासिकवाद के लिए पारंपरिक वीर आदर्शीकरण और असाधारण स्थितियों में प्रकृति को चित्रित करने के लिए नई रोमांटिक दिशा में निहित प्रवृत्ति को जोड़ता है।

पेंटिंग की रचना के निर्माण में, ब्रायलोव क्लासिकवाद के बुनियादी नियमों का उपयोग करता है: रचना की ललाट और बंद प्रकृति, तीन योजनाओं में गहराई से इसका विभाजन, समूहों में पात्रों का वितरण, शैक्षणिक त्रिकोण के रूप में व्यवस्थित। क्लासिकवाद की शैली में रचना का ऐसा निर्माण चित्र की अवधारणा की सामान्य रोमांटिक प्रकृति का खंडन करता है, चित्र में एक निश्चित पारंपरिकता और शीतलता का परिचय देता है।

अपने समकालीनों के विपरीत, जिन्होंने तटस्थ विसरित दिन के उजाले के साथ चित्रों को रोशन किया, ब्रायलोव ने साहसपूर्वक और सफलतापूर्वक सबसे जटिल दोहरी रोशनी का प्रसारण किया: गहराई में ज्वालामुखी की लौ से गर्म लाल बत्ती और अग्रभूमि में ठंडी, हरी-नीली रोशनी। बिजली की चमक।

कार्ल ब्रायलोव की पेंटिंग "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" ने रूस और विदेशों दोनों में सनसनी मचा दी, जो रूसी स्कूल ऑफ पेंटिंग की पहली महान अंतरराष्ट्रीय सफलता थी।

पहली छमाही की मूर्तिकला उन्नीसवीं सदी:

पर। रूस। आई.पी. मार्टोस का पोर्ट्रेट

19 वीं शताब्दी के पहले दशक रूसी मूर्तिकला की महान उपलब्धियों और सबसे पहले, स्मारकीय प्लास्टिक को चिह्नित करते हैं।

इस अवधि की मूर्तिकला में रूसी क्लासिकवाद का सबसे प्रमुख प्रतिनिधि कहा जा सकता है इवान पेट्रोविच मार्टोस (जीवन के वर्ष 1754-1835)।

मार्टोस के काम में स्मारक मूर्तिकला एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है। मार्टोस को क्लासिकवाद के युग के एक अजीबोगरीब प्रकार के रूसी ग्रेवस्टोन के रचनाकारों में से एक कहा जा सकता है। मार्टोस के पहले जीवित कार्यों में, एस.एस. वोल्कोन्सकाया का मकबरा खड़ा है, जो एक संगमरमर के स्लैब के साथ एक रोती हुई महिला की बेस-रिलीफ छवि के साथ एक मार्बल स्लैब है। पतला, आलीशान आकृति पूरी तरह से लंबे वस्त्रों में लिपटी हुई है, उसका चेहरा उसके सिर पर फेंके गए घूंघट से छायांकित है और लगभग अदृश्य है। मानव दुख को व्यक्त करने में संयम का एक बड़ा उपाय मार्टोस के काम में निहित है; समाधि की सामान्य संरचना का शांत और स्पष्ट समाधान।

वही विशेषताएं ई.एस. कुराकिना के मकबरे की विशेषता हैं। एक जटिल बहु-आकृति वाली रचना के बजाय, मूर्तिकार ने समाधि के पत्थर की चौकी पर एक महिला की केवल एक झुकी हुई आकृति को रखा; मृतक के चित्र के साथ एक अंडाकार पदक पर अपनी कोहनी झुकाकर, महिला, दु: ख में, अपने हाथों से अपना चेहरा ढक लेती है। समाधि के पत्थर की पीठ पर, मार्टोस ने क्लासिकवाद की एक चिकनी तटस्थ पृष्ठभूमि की विशेषता के खिलाफ मृतक के दो बेटों को चित्रित करते हुए एक आधार-राहत को उकेरा।

मार्टोस ने कलात्मक कुशलता और प्लास्टिक की अभिव्यक्ति के साथ इस काम में गहरी मानवीय भावनाओं की ताकत और नाटक को व्यक्त किया है।

मार्टोस के संगमरमर के मकबरे में, गहरी कविता के साथ दु: ख का विषय प्रकट होता है, भावनाओं की एक महान ईमानदारी है, मानव दुःख की एक उत्कृष्ट नैतिक समझ है, उनमें मृत्यु के भय का अभाव है जो एक व्यक्ति को अभिभूत करता है।

आईपी ​​​​मैप्टोस। मिनिन और पॉज़र्स्की को स्मारक मास्को में। 1804-1818

मार्टोस का सबसे महत्वपूर्ण काम और रूसी स्मारकीय मूर्तिकला की सबसे बड़ी कृतियों में से एक को मॉस्को में रेड स्क्वायर पर मिनिन और पॉज़र्स्की का स्मारक भी कहा जा सकता है, जो मुसीबतों के समय में पोलिश हस्तक्षेप के दौरान दूसरे लोगों के मिलिशिया के नेताओं को समर्पित है। और 1612 में पोलैंड पर विजय।

मिनिन और पॉज़र्स्की का स्मारक एक सख्त आयताकार आकार के ग्रेनाइट पेडस्टल पर एक मूर्तिकला समूह है। क्रेमलिन की ओर अपना हाथ बढ़ाते हुए, जैसे कि पितृभूमि के उद्धार के लिए बुलाते हुए, कुज़्मा मिनिन ने तलवार को राजकुमार पॉज़र्स्की, पॉज़र्स्की को सौंप दिया, तलवार लेकर और अपने बाएं हाथ से ढाल पकड़कर, अपने बिस्तर से उठ गया, जिस पर वह उसके घावों के बाद आराम किया।

समूह में प्रमुख छवि कुज़्मा मिनिन की आकृति है; उनकी शक्तिशाली आकृति स्पष्ट रूप से हावी है और अपने हाथ की एक विस्तृत मुक्त लहर के साथ मुख्य ध्यान आकर्षित करती है। उच्च राहतें दोनों तरफ कुरसी में उकेरी गई हैं, सामने की उच्च राहत में देशभक्त नागरिकों को मातृभूमि की भलाई के लिए अपनी संपत्ति दान करते हुए दर्शाया गया है, पीठ में प्रिंस पॉज़र्स्की को मास्को से डंडे चलाते हुए दर्शाया गया है।

मार्टोस, लैकोनिक साधनों के साथ, मातृभूमि के नाम पर नागरिक कर्तव्य और करतब के विचार को स्मारक में पूरी तरह से व्यक्त करने में सक्षम था, जो पूरी तरह से युद्ध में जीत के बाद रूसी लोगों के कर्मों और भावनाओं के अनुरूप था। 1812 में फ्रेंच।

आसन पर स्मारक शिलालेख

देर से मार्टोस की रचनाएँ 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की मूर्तिकला की रोमांटिक प्रवृत्तियों का अनुमान लगाती हैं। मार्टोस स्मारकों का निर्माण करता है जो शहरों की कल्पनाशील संरचना बनाने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं: ओडेसा में ड्यूक ई। रिशेल्यू, टैगान्रोग में अलेक्जेंडर I, खेरसॉन में जीए पोटेमकिन-टेवरिचस्की, आर्कान्जेस्क में एमवी लोमोनोसोव।

मार्टोस के देर से स्मारकीय कार्यों में, ओडेसा में रिशेल्यू स्मारक खड़ा है, जो इस शहर का प्रतीक बन गया है। मार्टोस ने एक प्राचीन रोमन टोगा पहने हुए रिशेल्यू को चित्रित किया, उसकी हरकतें संयमित और अभिव्यंजक हैं, जो छवि की महान सादगी पर जोर देती है। स्मारक संरचनात्मक रूप से आसपास के स्थापत्य कलाकारों की टुकड़ी के साथ जुड़ा हुआ है: वर्ग के अर्धवृत्त में स्थित इमारतों के साथ, प्रसिद्ध ओडेसा सीढ़ी और समुद्र तटीय बुलेवार्ड के साथ।

इवान पेट्रोविच मार्टोस ने 19वीं शताब्दी के कई रूसी मूर्तिकारों के काम को आकार देने में निर्णायक भूमिका निभाई। पचास से अधिक वर्षों तक उन्होंने कला अकादमी में पढ़ाया, 1814 से वे इसके रेक्टर थे।

उन्नीसवीं सदी के पूर्वार्ध के कई मूर्तिकारों की कृतियों में वास्तविकता के प्रसारण में बढ़ती दिलचस्पी और शैली और रोजमर्रा के विषयों के प्रति आकर्षण देखा जा सकता है, जो सदी के उत्तरार्ध में कला की विशेषताओं को निर्धारित करेगा। मूर्तिकला कार्यों की विषय वस्तु का विस्तार और शैली में रुचि पी.के. क्लोड्ट के काम की सबसे विशेषता है।

पीटर कार्लोविच क्लोड्टे (जीवन के वर्ष 1805-1867) - बाल्टिक-जर्मन मूल के औपनिवेशिक परिवार क्लोड्ट वॉन जुर्गेंसबर्ग के रूसी मूर्तिकार।

अपनी युवावस्था में, बैरन क्लोड्ट, अपने पिता के आग्रह पर, सेपरेट साइबेरियन कॉर्प्स के चीफ ऑफ स्टाफ ने आर्टिलरी स्कूल में प्रवेश किया, लेकिन उन्होंने अपना सारा खाली समय अपने मुख्य शौक के लिए समर्पित कर दिया: थोड़े से अवसर पर, क्लोड्ट ने एक पेंसिल ली या एक चाकू और छोटे आकार में घोड़ों को खींचा या काटा।

23 साल की उम्र में, क्लोड्ट ने सैन्य सेवा छोड़ दी और अपने बाद के जीवन को विशेष रूप से मूर्तिकला के लिए समर्पित कर दिया। 1830 में, क्लोड्ट ने एक स्वयंसेवक के रूप में कला अकादमी में प्रवेश किया, अकादमी के रेक्टर आईपी मार्टोस, साथ ही मूर्तिकला के प्रसिद्ध स्वामी एस. उसी समय, घोड़ों को दर्शाने वाली क्लोड्ट की प्रतिमाओं को बड़ी सफलता मिलने लगी।

क्लॉड के पहले प्रसिद्ध स्मारकीय कार्य को सेंट पीटर्सबर्ग में नरवा गेट के डिजाइन में घोड़ों का एक मूर्तिकला समूह कहा जा सकता है। इस बड़े सरकारी आदेश पर, क्लोड्ट ने एस.एस. पिमेनोव और वी.आई. डेमुट-मालिनोव्स्की जैसे अनुभवी मूर्तिकारों के साथ मिलकर काम किया।

क्लोड्ट के मॉडल के अनुसार, महिमा की देवी के रथ को लेकर द्वार के मेहराब के अटारी पर तांबे के छह घोड़े लगाए गए थे। इस भूखंड के शास्त्रीय चित्रणों के विपरीत, क्लोड्ट द्वारा प्रस्तुत घोड़े आगे बढ़ते हैं और पीछे की ओर बढ़ते हैं, जिससे संपूर्ण मूर्तिकला रचना को तेज गति का आभास होता है।

1833 से 1841 तक, क्लोड्ट ने सेंट पीटर्सबर्ग में एनिचकोव ब्रिज पर स्थापित "हॉर्स टैमर्स" के चार समूहों के मॉडल पर काम किया।

रूसी क्लासिकवाद की सर्वश्रेष्ठ परंपराओं में प्रदर्शित इन समूहों के रोमांटिक रूप से लगने वाले विषय को प्रकृति की शक्तियों के साथ मनुष्य की इच्छा और कारण के संघर्ष के रूप में परिभाषित किया जा सकता है। जानवर पर अंकुश लगाने के पहले प्रयास में जमीन पर हारने वाला व्यक्ति अंततः विजेता बन जाता है। स्पष्ट रूप से प्रदान की गई लोचदार मात्रा सभी चार समूहों की विशेषता है, उनके सिल्हूट स्पष्ट और अभिव्यंजक हैं। इन गुणों के लिए धन्यवाद, क्लोड्ट के मूर्तिकला समूह आसपास के स्थापत्य शहरी पहनावा के लिए संरचनात्मक रूप से अभिन्न हैं।

पी.के.क्लोड्ट. घोड़े की नाल। 1833-1841	पहले समूह में, एक नग्न एथलीट एक पालने वाले घोड़े को रोकता है, एक जानवर और एक व्यक्ति तनाव में है। लड़ाई का निर्माण दो मुख्य विकर्णों का उपयोग करके दिखाया गया है: घोड़े की गर्दन और पीठ का चिकना सिल्हूट पहला विकर्ण बनाता है, जो एथलीट की आकृति द्वारा गठित विकर्ण के साथ प्रतिच्छेद करता है। आंदोलनों को लयबद्ध दोहराव के साथ हाइलाइट किया गया है।
	दूसरे समूह में, जानवर का सिर ऊंचा कर दिया जाता है, मुंह बंद हो जाता है, नाक सूज जाती है, घोड़ा अपने सामने के खुरों से हवा को मारता है, घोड़े को रोकने के प्रयास में मानव आकृति को एक सर्पिल में तैनात किया जाता है . रचना के मुख्य विकर्ण एक-दूसरे के करीब आते हैं, घोड़े और एक आदमी के सिल्हूट एक-दूसरे के साथ जुड़ते प्रतीत होते हैं।
	तीसरे समूह में, आदमी को जमीन पर फेंक दिया जाता है, और घोड़ा मुक्त होने की कोशिश करता है, विजयी रूप से उसकी गर्दन को झुकाता है, उसकी स्वतंत्रता केवल आदमी के बाएं हाथ में लगाम से बाधित होती है। रचना के मुख्य विकर्ण स्पष्ट रूप से पठनीय हैं और उनके प्रतिच्छेदन पर प्रकाश डाला गया है। पहले दो समूहों के विपरीत, एक घोड़े और एक आदमी के सिल्हूट एक खुली रचना बनाते हैं।
	चौथे समूह में, एक आदमी गुस्से में जानवर को वश में करता है: एक घुटने पर झुककर, वह घोड़े की जंगली दौड़ को रोकता है, दोनों हाथों से लगाम को निचोड़ता है। घोड़े का सिल्हूट एक कोमल विकर्ण बनाता है, एक आदमी का सिल्हूट घोड़े के पीछे से गिरने वाले एक चिलमन से ढका होता है। स्मारक का समग्र सिल्हूट फिर से बंद और संतुलित हो जाता है।

1848-55 में। क्लोड्ट ने सेंट पीटर्सबर्ग में समर गार्डन के लिए महान कवि-फ़ैबुलिस्ट I.A.Krylov के लिए एक स्मारक बनाया है। क्लोड्ट का यह काम स्मारकीय शहरी मूर्तिकला में एक नया, अप्रत्याशित शब्द बन गया।

यहाँ क्लोड्ट ने शास्त्रीयता की मूर्तिकला के सभी पारंपरिक और आदर्शवादी तरीकों को अस्वीकार कर दिया और अपने ज्वलंत छापों और एक ऐसे व्यक्ति की उपस्थिति को व्यक्त किया जिसे वह अच्छी तरह से जानता और प्यार करता था। मूर्तिकार एक सरल, प्राकृतिक मुद्रा में बैठे कवि को दर्शाता है, जो क्रायलोव के चेहरे पर ध्यान केंद्रित करता है, जिससे उसकी व्यक्तिगत विशेषताओं का पता चलता है। असामान्य रूप से, क्लोड्ट स्मारक के पेडस्टल को हल करता है, जिसके पूरे मध्य भाग पर विभिन्न जानवरों की छवियों, क्रायलोव की दंतकथाओं के पात्रों के साथ परिधि को घेरते हुए एक निरंतर उच्च राहत का कब्जा है। एक कुरसी पर जानवरों को चित्रित करने में अत्यधिक यथार्थवाद के लिए कुछ आलोचनाओं के बावजूद, स्मारक की अत्यधिक सराहना की गई और रूसी मूर्तिकला के इतिहास में अपना सही स्थान प्राप्त किया।

अपने पूरे जीवन में, क्लोड्ट ने छोटे प्लास्टिक पर बहुत ध्यान दिया - घोड़ों को चित्रित करने वाली छोटी मूर्तियाँ ("पानी के छेद में एक घोड़ा", "एक कंबल के साथ कवर किया गया घोड़ा", "घोड़ा सरपट दौड़ना", "फोल", आदि) . इन मूर्तियों में मूर्तिकार प्रत्येक जानवर के व्यक्तिगत चरित्र को उत्कृष्ट रूप से बताता है; ये वास्तविक चित्र हैं, जिन्हें भावनाओं के साथ, संवेदनशील ध्यान और प्रकृति के प्रति वास्तविक सम्मान के साथ प्रदर्शित किया गया है।

19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में रूसी कलात्मक संस्कृति ने बड़ी सफलता हासिल की। यह इस समय था कि पुश्किन, गोगोल, लेर्मोंटोव, ग्रिबॉयडोव, ज़ुकोवस्की, क्रायलोव ने काम किया। कलात्मक संस्कृति का यह तेजी से विकास 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध के दौरान रूसी समाज के उन्नत हलकों में राष्ट्रीय आत्म-जागरूकता के उदय से जुड़ा था। विदेशी हस्तक्षेप से मातृभूमि की मुक्ति के लिए संघर्ष, जिसने उच्च देशभक्ति की भावनाओं की लहर पैदा की, रूसी कला की घटनाओं को प्रभावित नहीं कर सका।

इस समय की प्रगतिशील रूसी विचारधारा का गठन 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध और कुलीनता के क्रांतिकारी आंदोलन के प्रत्यक्ष प्रभाव में हुआ था, जिसने डिसमब्रिस्टों के कार्यक्रम में आकार लिया।
देशभक्तिपूर्ण युद्ध ने लोगों की आत्म-जागरूकता, देशभक्ति और राष्ट्रीय गौरव को असामान्य रूप से उच्च स्तर पर पहुंचा दिया। युद्ध के लोकप्रिय चरित्र और सामान्य रूसी लोगों के देशभक्ति के कारनामों ने लंबे समय तक रूस में उन्नत जनता का ध्यान आकर्षित किया और सौंदर्य मूल्यों के एक प्रकार के पुनर्मूल्यांकन का कारण बना: लोक छवियों और राष्ट्रीय भूखंडों ने रूसी कला में एक अत्यंत महत्वपूर्ण स्थान लिया। , अधिकांश स्वामी XVIII सदी के काम में उनके द्वारा निभाई गई प्रासंगिक भूमिका के साथ अतुलनीय। लोगों से अपील ने रूसी कलात्मक संस्कृति में नई ताकतों का संचार किया। उन्नत रचनात्मक दिशाएँ उन विचारों के चक्र पर निर्भर करती थीं जिन्हें महान क्रांतिकारी विचार ने आगे रखा था।

उस समय की आलोचना ने कला के सभी क्षेत्रों में "राष्ट्रीयता की ओर आधुनिक प्रतिभा की एक शक्तिशाली दिशा" की ओर इशारा किया। पिछली शताब्दी के बिसवां दशा और तीस के दशक में "नारोदनोस्ट" उन्नत रूसी संस्कृति की केंद्रीय समस्या बन गई। यहां तक ​​कि प्रतिक्रियावादी प्रचारकों ने राष्ट्रीयता की अवधारणा का उपयोग करने की कोशिश की, जिसमें इसे सरकारी नीति के आधिकारिक सूत्र ("रूढ़िवादी, निरंकुशता, राष्ट्रीयता") में शामिल किया गया था। उन्नत कलात्मक हलकों में राष्ट्रीयता की आधिकारिक व्याख्या के विपरीत, इसकी एक पूरी तरह से अलग समझ का गठन किया गया था, जो कि शुरुआती तीसवां दशक में प्रगतिशील कला सिद्धांतकारों में से एक द्वारा तैयार किया गया था: स्वर्ग, मूल पवित्र भूमि, देशी कीमती किंवदंतियां, देशी रीति-रिवाज और रीति-रिवाज, मूल जीवन, मूल गौरव, देशी महानता। ”

19वीं शताब्दी का पूर्वार्ध रूस की संस्कृति का एक उज्ज्वल पृष्ठ है। सभी दिशाओं - साहित्य, वास्तुकला, इस युग की पेंटिंग को नामों के एक पूरे नक्षत्र द्वारा चिह्नित किया गया है जिसने रूसी कला को विश्व प्रसिद्धि दिलाई। 18 वीं शताब्दी में, रूसी चित्रकला में क्लासिकवाद की शैली प्रबल थी। उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में क्लासिकवाद ने एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। हालांकि, 1830 के दशक तक, यह प्रवृत्ति धीरे-धीरे अपने सामाजिक महत्व को खो रही थी, और अधिक से अधिक औपचारिक सिद्धांतों और परंपराओं की एक प्रणाली में बदल गई। यह पारंपरिक पेंटिंग सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स द्वारा समर्थित और नियंत्रित एक ठंडी, आधिकारिक कला बन जाती है। बाद में "अकादमिकता" की अवधारणाजीवन कला से तलाकशुदा, निष्क्रियता को दर्शाने के लिए इस्तेमाल किया जाने लगा।

उन्होंने रूसी कला में विचारों की एक नवीनता लाई प्राकृतवाद- एक यूरोपीय प्रवृत्ति जिसने 18वीं - 19वीं शताब्दी के मोड़ पर आकार लिया। रूमानियत के मुख्य पदों में से एक, क्लासिकवाद के विपरीत, - कला में मुख्य मूल्य के रूप में किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व, उसके विचारों और दुनिया की धारणा की पुष्टि।एक व्यक्ति के व्यक्तिगत स्वतंत्रता के अधिकार की रक्षा ने उसकी आंतरिक दुनिया में एक विशेष रुचि को जन्म दिया, और साथ ही साथ कलाकार की रचनात्मकता की स्वतंत्रता को ग्रहण किया। रूस में, रूमानियत ने अपनी ख़ासियत हासिल कर ली: सदी की शुरुआत में, यह था वीर रंग, और निकोलेव प्रतिक्रिया के वर्षों में - दुखद... साथ ही, रूस में रूमानियत हमेशा कलात्मक सोच का एक रूप रहा है, जो क्रांतिकारी और स्वतंत्रता-प्रेमी भावनाओं के करीब है।

अपनी विशिष्टता के रूप में एक विशिष्ट व्यक्ति का ज्ञान होने के कारण, रोमांटिकतावाद बाद के उद्भव का आधार बन गया और एक यथार्थवादी दिशा स्थापित करना, 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में कला में स्थापित। यथार्थवाद की एक विशिष्ट विशेषता आधुनिक लोक जीवन के विषय की अपील थी, कला में एक नए विषय की स्थापना - किसानों का जीवन। यहां, सबसे पहले, कलाकार ए.जी. का नाम नोट करना आवश्यक है। वेनेत्सियानोव। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध की सबसे पूर्ण यथार्थवादी खोजें 1840 के दशक में पी.ए. के कार्यों में परिलक्षित हुईं। फेडोटोव।

कुल मिलाकर सांस्कृतिक इस अवधि का जीवन अस्पष्ट और विविध था: कला में कुछ प्रचलित प्रवृत्तियों को दूसरों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था। इसलिए, शोधकर्ता, जब 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध की कला की अधिक विस्तार से जांच करते हैं, तो इसे आमतौर पर दो अवधियों में विभाजित किया जाता है - सदी की पहली और दूसरी तिमाही। हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि यह विभाजन सशर्त है। इसके अलावा, इस अवधि के दौरान अपने शुद्ध रूप में क्लासिकवाद, रोमांटिकवाद और यथार्थवाद के बारे में बात करना आवश्यक नहीं है: उनका भेदभाव, कालानुक्रमिक और विशेषताओं के अनुसार, पूर्ण नहीं है।

19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में चित्रकला ने समाज के जीवन में 18वीं शताब्दी की तुलना में कहीं अधिक महत्व प्राप्त कर लिया। 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध में जीत के कारण राष्ट्रीय पहचान का विकास हुआ राष्ट्रीय संस्कृति और इतिहास में लोगों की रुचि, घरेलू प्रतिभाओं में... परिणामस्वरूप, सदी की पहली तिमाही के दौरान, पहली बार सार्वजनिक संगठनों का उदय हुआ, जिसका मुख्य कार्य कला का विकास था। इन संगठनों में इस प्रकार थे साहित्य, विज्ञान और कला के प्रेमियों की नि: शुल्क सोसायटी, कलाकारों के प्रोत्साहन के लिए समाज।विशेष पत्रिकाएँ दिखाई दीं, रूसी कला को इकट्ठा करने और प्रदर्शित करने का पहला प्रयास किया गया। इस प्रकार, शिक्षित हलकों में, पी। सविनिन के छोटे निजी "रूसी संग्रहालय" ने प्रसिद्धि प्राप्त की, और रूसी गैलरी को 1825 में इंपीरियल हर्मिटेज के तहत बनाया गया था। सदी की शुरुआत के बाद से, कला अकादमी के अभ्यास में आवधिक प्रदर्शनियां शामिल हैं, जिन्होंने कई आगंतुकों को आकर्षित किया है। साथ ही, आम लोगों के कुछ दिनों में इन प्रदर्शनियों में प्रवेश एक बड़ी उपलब्धि थी, जो कुछ पत्रिका आलोचकों से आपत्तियों का कारण बनी।

उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत की रूसी कला में उत्कृष्ट उपलब्धियों की विशेषता है पोर्ट्रेट पेंटिंग।पूरी सदी में, रूसी चित्रांकन पेंटिंग की शैली होगी जो कि उत्कृष्ट समकालीनों के साथ, समाज के साथ सीधे जुड़े हुए कलाकार हैं। आखिरकार, जैसा कि आप जानते हैं, कलाकारों को पोर्ट्रेट के लिए व्यक्तियों से बड़ी संख्या में ऑर्डर मिले।

ओरेस्ट किप्रेंस्की (1782-1836)

19वीं सदी के पूर्वार्द्ध के सबसे बड़े चित्रकारों में से एक ओरेस्ट किप्रेंस्की - स्व-चित्र (1)। इस कलाकार की कला, किसी भी महान गुरु की तरह, विषम है। अपनी रचनात्मक आकांक्षाओं में, किप्रेंस्की के अधीन है रूमानियत और क्लासिकवाद दोनों का प्रभाव।कलाकार के काम, यहां तक ​​​​कि उसी अवधि के, अक्सर भिन्न होते हैं। किप्रेंस्की के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में, मानव व्यक्ति की रोमांटिक समझ का उल्लेख किया गया है। अपने कामों में, कलाकार व्यक्ति को आध्यात्मिक गुणों से संपन्न करता है-बुद्धि, बड़प्पन, चरित्र, सोचने और महसूस करने की क्षमता। यही कारण है कि किप्रेंस्की ने अपने चित्रों में मुख्य रूप से चित्रित या प्रमुख समकालीन- उनके कार्यों में पुश्किन, बट्युशकोव, ज़ुकोवस्की, 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध के नायकों के चित्र हैं, या आपके करीबी दोस्त... उनके द्वारा बनाई गई चित्रों की गैलरी रूसी ललित कला का गौरव है। कला अकादमी से स्नातक होने के तुरंत बाद Kiprensky पूरी तरह से पोर्ट्रेट पेंटिंग के लिए समर्पित... तत्कालीन युवा कलाकार की सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक थी डेविडोव का पोर्ट्रेट (2). किप्रेंस्की ने एक रूसी अधिकारी की छवि बनाई जो उस युग की विशेषता थी - मातृभूमि की स्वतंत्रता के लिए संघर्ष में एक भागीदार। चित्र के भावनात्मक उत्थान और रंग की समृद्धि ने किप्रेंस्की के उच्च चित्रकला कौशल को प्रकट किया। अन्य चित्रों में और पेंसिल चित्रों की एक पूरी श्रृंखला में, कलाकार ने युद्ध प्रतिभागियों, अधिकारियों, मिलिशिया की छवियों को कैप्चर किया, जिनसे वह व्यक्तिगत रूप से परिचित थे। किप्रेंस्की के सभी चित्र कार्यों में, रोमांटिक उत्साह की विशेषताओं के साथ, कोई भी स्पष्ट रूप से देख सकता है मानव मनोविज्ञान के यथार्थवादी प्रकटीकरण के लिए प्रयास करना।असाधारण रुचि है ए.एस. पुश्किन का चित्र (3) जिन्होंने वास्तव में आने वाली पीढ़ियों के लिए महान कवि की छवि पर कब्जा कर लिया। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में रूसी कला में एक सूक्ष्म ड्राफ्ट्समैन और रंगकर्मी किप्रेंस्की का महत्व बहुत अधिक है।

समकालीनों ने उनके काम की तुलना गीत कविता की शैलियों के साथ की, दोस्तों के लिए एक काव्य समर्पण, जो पुश्किन के समय में प्रसिद्ध था। किप्रेंस्की के चित्र हमेशा गहरी विचारशीलता से संपन्न होते हैं, वे दुनिया में झाँकते प्रतीत होते हैं। किप्रेंस्की ने पेंटिंग में कई तरह से नई संभावनाओं की खोज की। उनके प्रत्येक चित्र को एक नई सचित्र प्रणाली, अच्छी तरह से चुनी गई रोशनी और छाया, विभिन्न प्रकार के विपरीत की विशेषता है - "फलों के साथ नियति लड़की" (4), "मर्टल की एक शाखा के साथ जिप्सी महिला" (5), "हाथ में एक कार्नेशन के साथ एक पोस्ता पुष्पांजलि में लड़की (मारियुकिया)" (6), "यंग माली" (7) , "ईपी का पोर्ट्रेट ... रोस्तोपचीना "(8)। मॉडल की व्यक्तिगत विशेषताओं को सही ढंग से व्यक्त करते हुए, के। अपने सर्वश्रेष्ठ चित्रों में एक महान सामाजिक सामग्री को शामिल करने में सक्षम थे, मानव गरिमा और लोगों की आध्यात्मिक संस्कृति की गहराई को दर्शाने के लिए: उनकी बाहरी शांति के पीछे, जीवित मानवीय भावनाएं हमेशा रहती हैं। अनुभूत।

डिसमब्रिस्टों की हार के बाद हुई निकोलेव प्रतिक्रिया ने कलाकार को 1828 में फिर से इटली छोड़ने के लिए मजबूर किया, जहां उसकी मृत्यु हो गई।

वसीली ट्रोपिनिन (1776-1857) - (9)

रूसी चित्रकला के इतिहास में एक महत्वपूर्ण घटना वी। ट्रोपिनिन का काम था, एक उल्लेखनीय यथार्थवादी कलाकार, मेरे जीवन का एक महत्वपूर्ण हिस्सा पूर्व सर्फ़

वासिली एंड्रीविच ट्रोपिनिन किप्रेंस्की से कुछ हद तक बड़े थे, लेकिन प्रतिकूल परिस्थितियों ने उनकी प्रतिभा के विकास में लंबे समय तक देरी की।
उन वर्षों में जब किप्रेंस्की ने रूसी रोमांटिक पेंटिंग के शिखर को चिह्नित करते हुए डेविडोव का चित्र बनाया, ट्रोपिनिन अभी भी काउंट मोर्कोव की यूक्रेनी संपत्ति पर एक अज्ञात सर्फ़ कलाकार था और एक पेस्ट्री शेफ और पेंटिंग के साथ एक वरिष्ठ कमी के कर्तव्यों को जोड़ा। जमींदार के कहने पर वह कला अकादमी में अपनी शिक्षा पूरी नहीं कर सके। ट्रोपिनिन की युवावस्था के वर्षों में बाधाओं के बावजूद, तकनीकी कौशल में महारत हासिल करने और पेशेवर कौशल हासिल करने के लिए, आत्म-शिक्षा पर खर्च किया गया था। अपने अध्ययन में, उन्होंने वह रास्ता चुना जो उनके समय के स्व-सिखाए गए कलाकार आमतौर पर चलते थे: उन्होंने प्रकृति से बड़ी मात्रा में कड़ी मेहनत की और निजी कला संग्रहों में चित्रों की नकल की, जिसके लिए उन्हें अपने जमींदार के कनेक्शन के लिए धन्यवाद मिला। उन्होंने पेंटिंग तकनीक का अध्ययन एक अकादमिक कार्यशाला में नहीं, बल्कि अपने अनुभव और पुराने उस्तादों के कामों और यूक्रेन में जीवन पर किया, जैसा कि कलाकार ने खुद बाद में कहा, इटली की अपनी यात्रा को बदल दिया।

स्व-शिक्षा की यह प्रणाली, अपनी सभी कमियों के बावजूद, एक महान और विशिष्ट प्रतिभा वाले कलाकार के लिए अभी भी कुछ सकारात्मक पक्ष हो सकते हैं। नियमित शैक्षणिक शिक्षण से स्वतंत्रता ने ट्रोपिनिन को उनकी कलात्मक धारणाओं की शुद्धता और मौलिकता को बरकरार रखने में मदद की। प्रकृति से निरंतर कार्य द्वारा समर्थित प्रकृति और लोक जीवन के ज्ञान के साथ लाइव संचार ने ट्रोपिनिन की प्रतिभा में निहित यथार्थवादी प्रवृत्तियों के विकास में योगदान दिया। लेकिन अपने छोटे वर्षों में, कलात्मक वातावरण से जबरन कटे हुए, वे अभी तक अपने समय की कला के उन्नत कार्यों के स्तर पर नहीं थे। ट्रोपिनिन का काम, 1810 के दशक के अंत में भी, शैली में अपने साथियों के कार्यों के साथ नहीं, बल्कि 18 वीं शताब्दी की कला के साथ आता है।

दासता से लंबे समय से प्रतीक्षित स्वतंत्रता केवल 1823 में आई, जब ट्रोपिनिन पहले से ही सैंतालीस वर्ष का था; उनकी प्रतिभा का उदय भी इसी काल का है। यह इस अवधि के दौरान था कि उनकी अपनी, स्वतंत्र कलात्मक प्रणाली का उदय हुआ, जिसने एक अजीबोगरीब तरीके से 18 वीं शताब्दी की क्लासिकवाद और चित्रात्मक तकनीकों की विरासत को फिर से तैयार किया, और अंत में ट्रोपिनिन द्वारा निर्मित आकार लिया। अंतरंग रोजमर्रा के चित्र की शैली।विशेषज्ञ ट्रोपिनिन के चित्रों को किप्रेंस्की के चित्रों को "एंटीपोड" कहते हैं, क्योंकि उनके चित्रों में एक स्वतंत्र, निर्जन, "घर" व्यक्ति दिखाई देता है।
"एक आदमी का एक चित्र उसके करीबी लोगों की स्मृति के लिए लिखा गया है, जो लोग उससे प्यार करते हैं," खुद ट्रोपिनिन ने कहा; यह कुछ हद तक भोले-भाले बयान में, संक्षेप में, एक संपूर्ण कार्यक्रम है जो ट्रोपिनिन के कार्यों और वास्तविकता से उसके संबंध को दर्शाता है। ट्रोपिनिन के चित्रों से अवगत कराया अंतरंग, "घर" अपने युग के लोगों की उपस्थिति; ट्रोपिनिन के पात्र कलाकार और दर्शकों के सामने "मुद्रा" नहीं करते हैं, लेकिन परिवार के चूल्हे के आसपास निजी जीवन में कैद हो जाते हैं।
ट्रोपिनिन शैली के उद्देश्यों में बदल गया, समर्पित एक आम कामकाजी आदमी का चित्रणकई कार्य। अपने कार्यों में, वह प्रकृति के अध्ययन पर बहुत ध्यान देता है - उसके सभी चित्र ईमानदारी से कलाकार के आसपास के जीवन को पुन: पेश करते हैं, उनमें कुछ भी जानबूझकर, दूर की कौड़ी नहीं है - "गर्ल विद ए डॉल" (10), "एन ओल्ड कोचमैन लीनिंग ऑन ए व्हिप" (11), "द लेसमेकर" (12)। उनके नरम रूप से चित्रित चित्र उच्च सचित्र गुणों और धारणा में आसानी से प्रतिष्ठित हैं, मानव छवियों को विशेषता के रूप में माना जाता है सच्चाई और शांतिबिना किसी आंतरिक उत्तेजना के . इनमें से कुछ कृतियों में उनके स्पष्ट यथार्थवादी चरित्र के बावजूद भावुकता की विशेषताएं हैं - "गुलाब के बर्तन वाली लड़की" (13), "खिड़की में महिला। (कोषाध्यक्ष) "(14)।

1826 के अंत में, पुश्किन के एक करीबी दोस्त एस ए सोबोलेव्स्की ने कवि के चित्र को चित्रित करने के प्रस्ताव के साथ ट्रोपिनिन की ओर रुख किया। "घरेलू" के गुण - एक ड्रेसिंग गाउन, एक बिना बटन वाला शर्ट कॉलर, अव्यवस्थित बाल, को पोज़िंग की अंतरंग सहजता के प्रमाण के रूप में नहीं माना जाता है, बल्कि "काव्य विकार" के संकेत के रूप में माना जाता है, जिसके साथ रोमांटिक कला अक्सर जुड़ी होती है। प्रेरणा का विचार "पुश्किन का पोर्ट्रेट" (15)। अपनी आलंकारिक संरचना में, पुश्किन का चित्र समकालीन ट्रोपिनिन की रोमांटिक पेंटिंग के कार्यों को प्रतिध्वनित करता है, लेकिन साथ ही ट्रोपिनिन छवि की यथार्थवादी सटीकता और सच्चाई से समझौता किए बिना एक रोमांटिक छवि बनाने में कामयाब रहा। पुश्किन को एक प्राकृतिक और आराम की मुद्रा में बैठे हुए दिखाया गया है। शर्ट लैपेल की सफेदी से छायांकित चेहरा, - चित्र में सबसे तीव्र रंग का स्थान उसी समय इसका रचना केंद्र है। कलाकार ने पुश्किन के चेहरे को "अलंकृत" करने और उनकी विशेषताओं की अनियमितता को नरम करने की कोशिश नहीं की; लेकिन, ईमानदारी से प्रकृति का पालन करते हुए, वह इसे फिर से बनाने और पकड़ने में कामयाब रहे उच्च आध्यात्मिकता।ट्रोपिनिन के चित्र में समकालीनों ने सर्वसम्मति से पुश्किन के लिए एक त्रुटिहीन समानता को मान्यता दी। किप्रेंस्की द्वारा पुश्किन के प्रसिद्ध चित्र की तुलना में, ट्रोपिनिन का चित्र अधिक विनम्र और, शायद, अंतरंग लगता है, लेकिन अभिव्यंजना या चित्रात्मक शक्ति में उससे नीच नहीं है।

उन्नीसवीं शताब्दी की पहली तिमाही में, इस क्षेत्र में महत्वपूर्ण प्रक्रियाएं हो रही हैं परिदृश्य चित्रकला।यदि पिछली बार के कलाकारों के परिदृश्य बड़े पैमाने पर सशर्त और जानबूझकर बनाए गए थे, इसके अलावा, एक नियम के रूप में, उन्हें कार्यशाला में चित्रित किया गया था, प्रकृति के बिना या इसके साथ बहुत कम जुड़े हुए थे, अब परिदृश्य चित्रकार अपने काम में बहुत कुछ लाते हैं जीवन सत्य, जीवंत अवलोकन और भावनात्मक शुरुआत... यहाँ सबसे महत्वपूर्ण स्थान, निश्चित रूप से, सिल्वेस्टर शेड्रिन का है।

सिलवेस्टर शेड्रिन (1791-1830)

रूसी परिदृश्य के मास्टर रोमांटिकतावाद और प्रकृति की गेय समझ। सिल्वेस्टर फोडोसिविच शेड्रिन का काम रूसी परिदृश्य के इतिहास में पुराने और नए के बीच की सीमा थी। कलाकार ने पूर्णता के लिए लाया जो उनके पूर्ववर्तियों की आकांक्षा थी, और रूसी परिदृश्य चित्रकला के एक नए यथार्थवादी विकास की नींव रखी। अपने कार्यों में, जिद्दी प्रकृति से काम... वह पहले रूसी चित्रकार थे जिन्होंने प्लेन एयर वर्क की ओर रुख किया। उसके सभी परिदृश्य प्रकृति की प्रकृति को सटीक रूप से व्यक्त करें... शेड्रिन मनुष्य को अपने परिदृश्य में पेश करता है, हालांकि, पैमाने के लिए फेसलेस आंकड़ों के रूप में नहीं, जैसा कि पहले था, लेकिन जीवित लोग जो वास्तव में प्रकृति से जुड़े हुए हैं।अपने सर्वश्रेष्ठ कार्यों में, उन्होंने पारंपरिक, "संग्रहालय" स्वाद और सच्चाई को सफलतापूर्वक पार कर लिया प्रकृति की प्राकृतिक स्थिति से अवगत कराया- सूरज की रोशनी की बारीकियां, दूरी में हल्की नीली धुंध, नीले आसमान का कोमल खेल। उन्हें एक सूक्ष्म . की विशेषता थी प्रकृति की गीतात्मक भावना.

1818 में सेंट पीटर्सबर्ग में कला अकादमी से स्नातक होने के बाद। इटली आयाऔर 10 से अधिक वर्षों तक जीवित रहे। उस समय के लिए एक अविश्वसनीय लायक इटालियंस के साथ लोकप्रियताजो लोग उसकी पेंटिंग खरीदना चाहते थे, उन्हें कभी-कभी अपने सबसे सफल कार्यों की कई प्रतियां लिखनी पड़ती थीं, जो जल्दी ही बिक जाती थीं। उनकी प्रसिद्ध रचनाएँ - "न्यू रोम" कैसल ऑफ़ द होली एंजेल "(17), नेपल्स में मर्जेलिना का तटबंध (18), कैपरी द्वीप पर ग्रैंड हार्बर (19) और अन्य। "वीर परिदृश्य" की परंपरा और कला अकादमी में विकसित ऐतिहासिक यादों के बहाने प्रकृति की समझ को दूर करने के बाद, जीवित, समकालीन वास्तविकता और वास्तविक प्रकृति की ओर मुड़ते हुए, शेड्रिन ने एक ही समय में पारंपरिक शैक्षणिक योजना पर काबू पा लिया। परिदृश्य विषय के कलात्मक समाधान की।

एक छोटा लेकिन रचनात्मक जीवन जीने के बाद, शेड्रिन कभी रूस नहीं लौट पाए। शानदार इतालवी परिदृश्य ने इस क्षेत्र की प्रकृति की सभी अनूठी सुंदरता को प्रतिबिंबित किया, जो कई रूसी कलाकारों को स्वर्ग जैसा लग रहा था - वादा की गई भूमि - "ग्रोटो इन फ्लोरेंस" (20), "इतालवी परिदृश्य। कैपरी "(21)," मूनलाइट नाइट इन नेपल्स "(22)," रोम के आसपास के क्षेत्र में नेमी झील का दृश्य।

इस छोटे से कैनवास में, जो रूसी परिदृश्य चित्रकला की सर्वश्रेष्ठ कृतियों से संबंधित है, शेड्रिन की नई कलात्मक प्रणाली की मुख्य विशेषताएं पूर्ण स्पष्टता में दिखाई देती हैं। "झील नेमी का दृश्य" उन जानबूझकर प्रभावों के लिए अलग है जो अकादमिक परिदृश्य का सार बनाते हैं। शेड्रिन परिदृश्य में, कोई क्लासिक ग्रोव नहीं हैं, कोई झरना नहीं है, कोई राजसी खंडहर नहीं है; आदर्शीकरण की जगह प्रकृति की छवि के जीवंत और सच्चे मनोरंजन ने ले ली है। नई पद्धति का आधार परिदृश्य की "रचना" नहीं है, बल्कि प्रकृति का प्रत्यक्ष और सटीक अवलोकन.
पुराने पेड़ों से घिरा एक संकरा रास्ता तट के किनारे हवाएँ देता है और दर्शकों की निगाहों को चित्र की गहराई में ले जाता है। अग्रभूमि में कई आंकड़े हैं: दो किसान महिलाएं किनारे पर बात कर रही हैं, एक साधु चल रहा है, और एक ड्राइवर उसके पीछे एक गधे का नेतृत्व कर रहा है। इसके अलावा, झील के शांत हल्के पानी दिखाई दे रहे हैं; गहराई में, क्षितिज को अवरुद्ध करते हुए, एक ऊंचा, जंगली पहाड़ नीला हो जाता है। एक नरम विसरित प्रकाश चित्र को भर देता है, रेतीले रास्ते पर पेड़ों की शाखाओं के माध्यम से सूरज की चमक गिरती है, पानी धूप में चांदी के साथ चमकता है, और एक पारदर्शी हवा का आवरण निकट और दूर की वस्तुओं को ढँक देता है।

अंतरिक्ष की यथार्थवादी महारत इस चित्र में शेड्रिन की मुख्य उपलब्धियों में से एक है। गहराई को चिह्नित करने वाले अब कोई साइड पर्दे या मील के पत्थर नहीं हैं। रैखिक परिप्रेक्ष्य को एक हवादार दृष्टिकोण से बदल दिया गया था। सच है, चित्र में तीन पारंपरिक विमान अभी भी संरक्षित हैं, लेकिन गहरी जाने वाली सड़क उन्हें एक साथ जोड़ती है और अंतरिक्ष को निरंतर बनाती है। कलाकार अब व्यक्तिगत विवरणों के सच्चे पुनरुत्पादन से संतुष्ट नहीं है; वह समग्र प्रभाव की अखंडता और परिदृश्य को बनाने वाले सभी तत्वों की जैविक एकता को प्राप्त करता है। प्रकाश और वायु संचरण, प्रकाश एकतावस्तुओं और स्थानिक योजनाओं को जोड़ना, मुख्य साधन है जिसके माध्यम से चित्र इस अखंडता को प्राप्त करता है।
खुली हवा (तथाकथित प्लेन-एयर पेंटिंग) में प्रकृति के अध्ययन के आधार पर शेड्रिन द्वारा विकसित पेंटिंग सिस्टम परिदृश्य के इतिहास में एक नया पृष्ठ खोलता है। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि रूसी मास्टर के नवाचार की तुरंत सराहना नहीं की गई और रूढ़िवादी कला आलोचना के विरोध को उकसाया। अकादमिक कला के विचारकों को यह प्रतीत होता था कि शेड्रिन "प्रकृति की एक सुस्त नकल का पालन करते थे, यहां तक ​​​​कि सुरुचिपूर्ण के पक्ष में विचलन की अनुमति नहीं देते थे।" वास्तव में, कलाकार ने जानबूझकर पारंपरिक और काल्पनिक प्रभावों को त्याग दिया, जिन्हें कला अकादमी के निकट मंडलियों में "सुंदर" माना जाता था। लेकिन, ज़ाहिर है, वह प्रकृति की निष्क्रिय नकल से बहुत दूर था। उनकी पेंटिंग न केवल नेमी झील के तटों की वास्तविक उपस्थिति को पकड़ती है, बल्कि इतालवी प्रकृति की कविता, इसकी धूप की शांति और प्रकाश, शांत सद्भाव की गहरी और वास्तविक पैठ के साथ भी प्रकट होती है।
कलाकार को एक और मकसद से दूर ले जाया गया - समुद्र के सामने अंगूर के साथ एक छत - "बरामदा अंगूर के साथ जुड़ गया" (24)।

एलेक्सी वेनेत्सियानोव (1780-1847) - (25)

वेनेत्सियानोव कहा जाता है रूसी शैली (रोजमर्रा की) पेंटिंग के संस्थापक... यह पूरी तरह से सच नहीं है - 18 वीं शताब्दी में उनके पूर्ववर्ती थे। लेकिन यह वेनेत्सियानोव के साथ है कि यथार्थवादी प्रवृत्तियों का उदयरूसी कला में, राष्ट्रीय और लोक छवियों की दुनिया के लिए एक अपील और आधुनिक जीवन में रुचि में वृद्धि के साथ।

वेनेत्सियानोव का काम देशभक्ति और वास्तविक से प्रभावित है लोकतांत्रिक रवैया।देशभक्तिपूर्ण युद्ध से जुड़े सामाजिक उत्थान के युग ने कलाकार की आँखें लोगों से एक साधारण रूसी व्यक्ति के गहरे नैतिक गुणों, उसकी वीरता और मानवीय गरिमा के लिए खोल दीं। वी रूसी सर्फ़ किसानवेनेत्सियानोव, एक मानवतावादी कलाकार, दास की नहीं, बल्कि, इसके विपरीत, एक उच्च मानव प्रकार की विशेषताओं को समझने में सक्षम था।

अद्भुत रूसी शैली चित्रकार और चित्र चित्रकाररूसी चित्रकला में पहली बार एलेक्सी गवरिलोविच वेनेत्सियानोव किसानों और राष्ट्रीय प्रकृति की संयुक्त छवियां।वेनेत्सियानोव - पूरी गैलरी के निर्माता किसान चित्र - "स्लीपिंग शेफर्ड बॉय" (26)।

स्लीपिंग शेफर्ड बॉय इस चक्र में एक प्रमुख स्थान रखता है। वह वेनेत्सियानोव की सबसे काव्य रचनाओं में से एक है। कलाकार ने किसान बच्चों को विशेष गर्मजोशी और गीतात्मक उत्साह के साथ चित्रित किया। उनकी कलात्मक सोच की पवित्रता और सामंजस्यपूर्ण स्पष्टता बच्चों की दुनिया को फिर से बनाने के कार्यों से पूरी तरह मेल खाती है। अपने समय के रूसी आचार्यों में से किसी ने भी बच्चों की छवियों और बच्चों के अनुभवों को चित्रित करने में इतनी पैठ, इतनी तीव्र सत्यता और साथ ही, काव्य भावना की ऐसी ताकत हासिल नहीं की। हालाँकि, यह स्लीपिंग शेफर्डेस की सामग्री को समाप्त नहीं करता है। वेनेत्सियानोव की कलात्मक भाषा की सभी मुख्य विशेषताएं, उनकी आलंकारिक सोच की पूरी संरचना, उनकी कला के सभी प्रगतिशील पहलू, लेकिन साथ ही साथ उनके यथार्थवाद की ऐतिहासिक रूप से व्याख्या करने योग्य जैविक प्रकृति, यहां स्पष्ट और विशद रूप से दिखाई देती है। स्लीपिंग शेफर्डेस में कोई क्रिया नहीं होती है। एक किसान लड़के को एक खेत में सोते हुए दिखाया गया है; वह एक संकरी नदी के तट पर बैठता है, एक बड़े पुराने सन्टी के तने के खिलाफ झुकता है, और उसके पीछे, चित्र की पृष्ठभूमि में, एक विशिष्ट रूसी परिदृश्य को एक विकट झोपड़ी, दुर्लभ क्रिसमस ट्री और अंतहीन खेतों के साथ खोलता है। क्षितिज। लेकिन इस सरल कथानक में एक गहरी भावनात्मक सामग्री है। वेनेत्सियानोव की पेंटिंग शांति और शांति, प्रकृति और मनुष्य के लिए गीतात्मक प्रेम की भावना से ओतप्रोत है।
पेंटिंग का मुख्य विषय प्रकृति के साथ मनुष्य का सामंजस्यपूर्ण संलयन है, और वेनेत्सियानोव निस्संदेह यहां 18 वीं शताब्दी के अंत में भावुकता के साथ गूँजता है। "शेफर्ड" में जानबूझकर प्रस्तुत करने का कोई निशान नहीं है, इसके विपरीत, एक सोते हुए लड़के की पूरी उपस्थिति एक जीवंत और अप्रतिबंधित स्वाभाविकता की विशेषताओं द्वारा चिह्नित है। वेनेत्सियानोव विशेष देखभाल के साथ उनमें राष्ट्रीय रूसी प्रकार पर जोर देता है और उनके चेहरे को वास्तविक स्पर्श करने वाली आध्यात्मिक शुद्धता की अभिव्यक्ति देता है। आलोचकों ने कभी-कभी वेनेत्सियानोव को चरवाहे के कुछ हद तक व्यवहार के लिए फटकार लगाई, लेकिन यह फटकार अनुचित है - यह एक अजीबोगरीब सुन्नता के साथ एक सोते हुए लड़के की मुद्रा है, जो अच्छी तरह से नींद की स्थिति को बताती है, कलाकार के अवलोकन और निकटता की गवाही देती है जीवित प्रकृति के लिए उनकी छवियों की। चित्र में परिदृश्य विशेष रूप से महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। यह अब किसी व्यक्ति की छवि के लिए "पृष्ठभूमि" नहीं बन जाता है, बल्कि भावनाओं के प्रसारण और छवि के निर्माण में एक स्वतंत्र और आवश्यक साधन बन जाता है। यह परिदृश्य में था कि वेनेत्सियानोव एक नई प्रवृत्ति के संस्थापक के रूप में उभरा, जिसे बाद में 19 वीं शताब्दी की रूसी कला द्वारा व्यापक रूप से विकसित किया गया था। वेनेत्सियानोव ने अपने मूल देश की सरल, "अनसुना" प्रकृति की ओर रुख किया और इसे न केवल सावधानीपूर्वक सटीकता के साथ, बल्कि एक गहरी गीतात्मक भावना के साथ फिर से बनाया।

प्रकृति की छवि, साथ ही मनुष्य की छवि, वेनेत्सियानोव की कला में एक सुखद जीवन का दृष्टिकोण बन जाता है।

"फॉर्च्यून-टेलिंग ऑन कार्ड्स" (27), "रीपर्स" (28), "किसान वुमन विथ ए स्किथ एंड ए रेक (पेलगेया" (29), "बाथर्स" (30), "ऑन एग्रीबल लैंड। स्प्रिंग" (31 ) . कला के अपने कार्यों में, चित्रकार अपनी वैचारिक और सौंदर्यवादी स्थिति को व्यक्त करता है। वेनेत्सियानोव ने दिखाया किसानों की मानसिक अपील, उसके व्यक्तित्व पर जोर दिया, जिससे उसके मानवाधिकारों की रक्षा हुई। किसानों को चित्रित करने वाले अपने कार्यों में, कलाकार ने प्रकट करने की मांग की एक साधारण रूसी व्यक्ति की आध्यात्मिक और शारीरिक सुंदरता... चित्रकार ने किसान हिस्से के प्रति गहरी सहानुभूति व्यक्त की, सर्फ़ कलाकारों की स्थिति को कम करने के लिए बहुत प्रयास किया, लेकिन साथ ही वह था सामाजिक आलोचना से कोसों दूर... वेनेत्सियानोव का काम शास्त्रीय विरासत से बहुत प्रभावित था: वह अपने कामों में पुरानी पेंटिंग के साधनों का उपयोग करने से नहीं डरते थे। साथ ही, आकांक्षाओं में यथार्थवादी होने के साथ-साथ क्लासिकिस्टों के उत्कृष्ट सद्भाव के साथ, वह व्यक्ति के सम्मान, रोमांटिकवाद की विशेषता के करीब थे। किसान विषय के लिए "रूसी शैली के पिता" की व्यापक अपील उस समय के लिए एक सच्चा कलात्मक रहस्योद्घाटन था और रूसी समाज के उन्नत हिस्से द्वारा गर्मजोशी से प्राप्त किया गया था।

वेनेत्सियानोव के नवाचार ने न केवल इस तथ्य में खुद को प्रकट किया कि उन्होंने रूसी चित्रकला में नई छवियों की एक श्रृंखला की ओर रुख किया, बल्कि इस तथ्य में भी कि उनके अवतार के लिए उन्होंने नए यथार्थवादी सचित्र साधन विकसित किए। वेनेत्सियानोव ने अकादमी की पुरानी पारंपरिक कला को खुले तौर पर तोड़ दिया और जीवन से, प्रकृति से सीखने, उसका अध्ययन करने और उसका अनुकरण करने का आग्रह किया.

वेनेत्सियानोव का महत्व महान है एक शिक्षक के रूप में... अपनी संपत्ति सफ़ोनकोवो पर, उन्होंने एक कला विद्यालय बनाया, जिसमें चित्रकारों की एक पूरी आकाशगंगा, तथाकथित वेनेटियन शिक्षित थे। इन कलाकारों ने अपने शिक्षक के उपदेशों का पालन करते हुए, मुख्य रूप से शैली के क्षेत्र में काम किया, जिसमें घरेलू जीवन, सड़क के दृश्य, किसानों और कारीगरों के काम और गाँव के परिदृश्य का चित्रण किया गया।

स्कूल को बनाए रखने और अपने विद्यार्थियों के लिए प्रदान करने की आवश्यकता से जुड़े अत्यधिक खर्चों ने संपत्ति पर भारी बोझ डाला। अंत में, उन्हें संपत्ति को न्यासी बोर्ड को गिरवी रखने के लिए मजबूर होना पड़ा। किसी तरह वित्तीय स्थिति को सुधारने की कोशिश करते हुए, वेनेत्सियानोव ने कमीशन का काम किया। अधिकांश भाग के लिए, ये चर्चों के लिए चित्र और चिह्न थे। 4 दिसंबर, 1847 को, Tver चर्चों में से एक के लिए चिह्नों के रेखाचित्रों को समाप्त करने के बाद, वह व्यक्तिगत रूप से उन्हें Tver ले जाना चाहते थे। एक खड़ी पहाड़ से उतरने पर, घोड़ों को ले जाया गया, वेनेत्सियानोव को बेपहियों की गाड़ी से बाहर फेंक दिया गया, और वह बागडोर में फंस गया। ट्रोइका पहले से ही एक बेजान शरीर को पोद्दुबे गांव ले आया।

कार्ल ब्रायलोव (1799-1852) - (32)

कार्ल पेट्रोविच ब्रायलोव - एक उत्कृष्ट रूसी ऐतिहासिक चित्रकार, चित्र चित्रकार, परिदृश्य चित्रकार, स्मारकीय चित्रों के लेखक; मानद पुरस्कारों के विजेता: पेंटिंग के लिए बड़े स्वर्ण पदक "द अपीयरेंस ऑफ थ्री एंजल्स टू अब्राहम बाय द ओक ऑफ ममवरी" (1821) और "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" (1834), ऑर्डर ऑफ अन्ना III डिग्री; मिलान और पर्मा अकादमियों के सदस्य, रोम में सेंट ल्यूक की अकादमी, सेंट पीटर्सबर्ग में प्रोफेसर और कला के फ्लोरेंटाइन अकादमियों, पेरिस कला अकादमी के मानद मुक्त सहयोगी।

सजावटी मूर्तिकला शिक्षाविद् पीआई ब्रुलो के परिवार में, सभी सात बच्चों में कलात्मक प्रतिभा थी। पांच बेटे: फेडर, अलेक्जेंडर, कार्ल, पावेल और इवान कलाकार बन गए। लेकिन कार्ल के लिए जो प्रसिद्धि गिरी, वह अन्य भाइयों की सफलताओं पर भारी पड़ी। इस बीच, वह एक कमजोर और नन्हे बच्चे के रूप में बड़ा हुआ, सात साल व्यावहारिक रूप से बिस्तर से नहीं उठा और स्क्रोफुला से इतना थक गया कि "वह अपने माता-पिता के लिए घृणा का पात्र बन गया।"

कार्ल पावलोविच ब्रायलोव थे प्रतिभाशाली में से एक, और उस समय पर ही विवादास्पद कलाकार XIX सदी की रूसी पेंटिंग में। ब्रायलोव में एक उज्ज्वल प्रतिभा थी और सोचने का स्वतंत्र तरीका।समय की प्रवृत्तियों (रोमांटिकता के प्रभाव) के बावजूद, कलाकार शास्त्रीय सिद्धांतों से पूरी तरह छुटकारा नहीं पा सका। शायद इसीलिए उनके काम को उन्नत पीटर्सबर्ग कला अकादमी से बहुत दूर रखा गया था: अपनी युवावस्था में वह उनके छात्र थे, और बाद में एक सम्मानित प्रोफेसर बन गए। हालांकि, फेडोटोव के अपवाद के साथ, कलाकार के पास महत्वपूर्ण प्रतिभा के छात्र नहीं थे। अधिकांश भाग के लिए उनके अनुयायी सतही सैलून चित्रकार बन गए, जिन्होंने केवल ब्रायलोव की कुछ बाहरी तकनीकों में महारत हासिल की। फिर भी, अपने जीवनकाल के दौरान, ब्रायलोव, या "महान कार्ल", जैसा कि अभिजात वर्ग ने उन्हें बुलाया था, न केवल रूस में, बल्कि यूरोप के कई प्रमुख लोगों द्वारा भी सम्मानित किया गया था। उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, यथार्थवाद के उदय के दौरान, कलाकारों और आलोचकों ने ब्रायलोव में केवल एक "अकादमिक" दिशा का प्रतिनिधि देखा जो उनके लिए अस्वीकार्य था। कलाकार को रूसी कला के इतिहास में अपना सही स्थान लेने से पहले कई साल बीत गए।

ब्रायलोव महान प्रतिभा के व्यक्ति थे, जिन्हें उनके द्वारा कला की सबसे विविध विधाओं में दिखाया गया था। विकास रूसी ऐतिहासिक पेंटिंग, चित्र, ड्राइंग, सजावटी पेंटिंगअपने काम के लिए बहुत कुछ बकाया है। इनमें से प्रत्येक विधा में, उल्लेखनीय कलाकार के कलाप्रवीण कौशल ने गहरी छाप छोड़ी है।
अपने पिता से अपनी प्रारंभिक शिक्षा प्राप्त करने के बाद, कला अकादमी में एक प्रोफेसर, और बाद में अकादमी में ही, ब्रायलोव ने अपनी युवावस्था से ही उत्कृष्ट कलात्मक क्षमताओं की खोज की।

रोम में एक पेंशनभोगी के रूप में और शास्त्रीय विरासत का अध्ययन करने के बाद, वह ऐसे कार्यों के साथ आए, जो न केवल उनकी प्रतिभा की परिपक्वता को दिखाते हैं, बल्कि कलात्मक छवि की यथार्थवादी अभिव्यक्ति के लिए उनकी खोज की फलदायी भी हैं। ब्रायलोव द्वारा इस तरह की पेंटिंग as "इतालवी सुबह" (33), "दोपहर" और कुछ अन्य, इतालवी लोगों के जीवन को समर्पित, सेंट पीटर्सबर्ग में क्लासिकवाद के रक्षकों से युवा कलाकार के वास्तविक जीवन के अत्यधिक पालन के लिए फटकार लगाते हैं। इसने ब्रायलोव को बिल्कुल भी परेशान नहीं किया, और उसने अपने सबसे बड़े कैनवास पर बड़े उत्साह के साथ काम करना जारी रखा। "पोम्पेई का आखिरी दिन" (34), जिसने उन्हें युग के सर्वश्रेष्ठ चित्रकार की प्रसिद्धि दिलाई। एक विशाल प्रारंभिक कार्य करने के बाद, उन्होंने वास्तव में एक नाटकीय महाकाव्य बनाया, छवियों के रोमांटिक उत्थान ने उनके समकालीनों पर जबरदस्त प्रभाव डाला। यह चित्र रूसी ललित कला की विजय थी, जो इसकी परिपक्वता का पुख्ता सबूत था।

पोम्पेई के अंतिम दिन में व्यक्त ऐतिहासिक विषय की समझ, 1820 और 1830 के दशक के उन्नत रूसी साहित्य और सामाजिक विचारों द्वारा विकसित ऐतिहासिक अवधारणाओं की श्रेणी के साथ सीधे प्रतिध्वनित होती है।
अपने नायकों के पंथ के साथ पिछली ऐतिहासिक पेंटिंग के विपरीत और व्यक्ति पर ध्यान देने पर जोर दिया, अवैयक्तिक भीड़ के विरोध में, ब्रायलोव ने एक सामूहिक दृश्य के रूप में "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" की कल्पना की, जिसमें एकमात्र और सच्चे नायक लोग होंगे।चित्र में सभी मुख्य पात्र इसके विषय के लगभग समान प्रतिपादक हैं; चित्र का अर्थ किसी एक वीर कार्य के चित्रण में नहीं, बल्कि जनता के मनोविज्ञान के एक चौकस और सटीक हस्तांतरण में सन्निहित है। "द लास्ट डे ऑफ़ पोम्पेई" पर काम लगभग छह वर्षों तक चला।

चित्र का विषय प्राचीन रोमन इतिहास से लिया गया है।
पोम्पेई (या बल्कि पोम्पेई), वेसुवियस के तल पर स्थित एक प्राचीन रोमन शहर, लावा से भर गया था और 24 अगस्त, 79 ईस्वी को एक हिंसक ज्वालामुखी विस्फोट के परिणामस्वरूप पत्थरों और राख से ढक गया था। भगदड़ के दौरान शहर की सड़कों पर दो हजार निवासियों (जिनमें से कुल लगभग 30,000 थे) की मृत्यु हो गई।
डेढ़ हजार से अधिक वर्षों तक, शहर भूमिगत दफन रहा और भुला दिया गया। केवल 16वीं शताब्दी के अंत में, उत्खनन कार्य के दौरान, वह स्थान जहाँ एक बार नष्ट हुई रोमन बस्ती को गलती से खोजा गया था। पुरातत्व उत्खनन 1748 में शुरू हुआ, खासकर 19वीं सदी के पहले दशकों में।

पेंटिंग के केंद्र में एक युवा महिला का साष्टांग चित्र है जो रथ से गिरते समय दुर्घटनाग्रस्त हो गई थी। यह माना जा सकता है कि इस आकृति में ब्रायलोव संपूर्ण मरणासन्न प्राचीन दुनिया का प्रतीक बनना चाहता था; इस तरह की व्याख्या का एक संकेत उनके समकालीनों की प्रतिक्रियाओं में भी मिलता है। यह संयोग से नहीं है कि हत्या की गई महिला के केंद्रीय आंकड़े के बगल में, कलाकार ने एक सुंदर बच्चे को जीवन की अटूट शक्ति के प्रतीक के रूप में चित्रित किया। तस्वीर में एक बुतपरस्त पुजारी और एक ईसाई पुजारी दोनों हैं, जैसे कि प्राचीन दुनिया को छोड़कर और ईसाई सभ्यता को उसके खंडहरों पर छोड़ दिया गया हो।

महान प्रतिभा के चित्रकार के रूप में, ब्रायलोव ने अपने कार्यों से अकादमिक सिद्धांतों के संकीर्ण ढांचे को नष्ट कर दिया। उनका काम हमेशा डिजाइन की चौड़ाई से अलग था।
अपने काम में, कलाकार मुख्य रूप से है एक व्यक्ति पर ध्यान दिया, उसके मन की शक्ति को प्रकट किया और उसकी आकांक्षाओं के बड़प्पन की पुष्टि की... ब्रायलोव के हर काम में, उनके किसी भी कैनवास में और उनके किसी भी चित्र में, किसी व्यक्ति के लिए प्यार और सम्मान हमेशा सन्निहित होता है - "द जीनियस ऑफ आर्ट" (35), "नार्सिसस लुकिंग इन द वॉटर" (36), "स्लीपिंग जूनो" (37)।

चित्रांकन के क्षेत्र में कलाकार की उपलब्धियाँ आकस्मिक नहीं हैं। ब्रायलोव ने अपने समकालीनों की छवियों की एक पूरी श्रृंखला छापी। आधिकारिक कमीशन किए गए चित्रों के साथ, उन्होंने हमें कलाकारों, उनके सर्कल के लोगों - लेखकों, कलाकारों, अभिनेताओं की कई गहरी यथार्थवादी छवियां छोड़ दीं - "हॉर्सवुमन" (38), "फॉर्च्यून-टेलिंग स्वेतलाना" (39), "पोर्ट्रेट ऑफ प्रिंसेस वोल्कोन्सकाया" (40), "तुर्की वुमन" (41), "स्लीप ऑफ ए नन" (42), "प्रोफाइल ऑफ ग्लिंका हेड "(43)।

अलेक्जेंडर इवानोव (1806-1858)

रूसी चित्रकला के इतिहास में एक नया और अधिक महत्वपूर्ण पृष्ठ अलेक्जेंडर इवानोव का काम था। सेंट पीटर्सबर्ग में कला शिक्षा प्राप्त करने के बाद, इवानोव को कला के प्रोत्साहन के लिए सोसायटी के पेंशनभोगी के रूप में शास्त्रीय कला में सुधार और अध्ययन के लिए इटली भेजा गया था।
अपने पिता द्वारा उठाए गए, कला अकादमी में ऐतिहासिक चित्रकला के प्रोफेसर, रूसी क्लासिकवाद की परंपराओं में, इवानोव को नई ऐतिहासिक परिस्थितियों में इस शैली की गिरावट और हाल ही में सौंदर्यवादी आदर्शों और विचारों के पतन के बारे में पता था। हावी। अपने पूरे जीवन का कार्य, उन्होंने कला की वापसी को उसके सामाजिक महत्व पर स्थापित किया। उनकी राय में, महान शास्त्रीय कलाकारों की रचनात्मक उपलब्धियों को रूसी समाज के नए प्रगतिशील विचारों से जोड़ा जाना चाहिए। "राफेल की तकनीक को जोड़ना, - उन्होंने लिखा, - एक नई सभ्यता के विचारों के साथ - वर्तमान समय में कला का यह कार्य है।"

"मरियम मगदलीनी को मसीह का प्रकटन" (44), - इवानोव के काम की प्रारंभिक अवधि से संबंधित है और इसमें क्लासिकवाद में निहित सभी विशेषताएं हैं: एक संतुलित रचना, योजनाओं के अनुसार आंकड़ों और वस्तुओं का वितरण, एक चिकनी पैटर्न और स्थानीय रंग, पारंपरिक पौराणिक और इंजील विषयों की व्याख्या में भावनात्मक अभिव्यक्ति। .

इवानोव के लिए इतालवी पुनर्जागरण की कला की छवियों का प्रमुख महत्व है। कलाकार के काम की प्रारंभिक अवधि एक पेंटिंग के साथ समाप्त होती है "अपोलो, जलकुंभी और सरू संगीत और गायन का अभ्यास करते हैं" (44ए), इवानोव द्वारा पहले से ही रोम में बनाया गया है, जो प्राचीन मिथक की छवियों की व्याख्या की असामान्य रूप से सूक्ष्म रचना और रंगीन सद्भाव और काव्य उदात्तता द्वारा प्रतिष्ठित है। यह पुरातनता है, जिसे पुनर्जागरण के माध्यम से माना जाता है। कलाकार, जैसा कि था, प्रकृति के छिपे हुए दिव्य अर्थ को प्रकट करता है।

महान रूसी कलाकार अलेक्जेंडर एंड्रीविच इवानोव ने 19वीं शताब्दी की रूसी और यूरोपीय पेंटिंग को दार्शनिक विचारों की गहराई से समृद्ध किया। अपने काम में, इवानोव ने समकालीन जीवन की कई समस्याओं को उठाया: कलाकार रूसी चित्रकला में पहला व्यक्ति था जिसने उठाया लोगों की सामाजिक असमानता का सवाल... उनका विश्वदृष्टि एन.वी. गोगोल के प्रभाव में बना था, जिनके साथ कलाकार इन वर्षों के दौरान दोस्त थे। गोगोल ने कला के शैक्षिक कार्यों के बारे में इवानोव के विचारों को काफी हद तक प्रभावित किया। इवानोव ने महसूस किया कलाकार की शैक्षिक और भविष्यवाणी की भूमिकाउनका मानना ​​​​था कि कला को मानव जाति के परिवर्तन और नैतिक सुधार की सेवा करनी चाहिए। कलाकार परासरण की आकांक्षा रखता है

स्वच्छंदतावाद और यथार्थवाद रूसी ललित कलाओं की विशेषता थी। हालांकि, आधिकारिक तौर पर मान्यता प्राप्त विधि क्लासिकवाद थी। कला अकादमी एक रूढ़िवादी और निष्क्रिय संस्था बन गई जिसने रचनात्मक स्वतंत्रता के किसी भी प्रयास को हतोत्साहित किया। उसने क्लासिकवाद के सिद्धांतों के सख्त पालन की मांग की, बाइबिल और पौराणिक विषयों पर चित्रों के लेखन को प्रोत्साहित किया। युवा प्रतिभाशाली रूसी कलाकार शिक्षा के ढांचे से संतुष्ट नहीं थे। इसलिए, वे अक्सर चित्र शैली की ओर रुख करते थे।
पेंटिंग ने राष्ट्रीय उत्थान के युग के रोमांटिक आदर्शों को मूर्त रूप दिया। क्लासिकवाद के सख्त, गैर-अपमानजनक सिद्धांतों को खारिज करते हुए, कलाकारों ने अपने आसपास की दुनिया की विविधता और विशिष्टता की खोज की। यह न केवल पहले से ही परिचित शैलियों - चित्र और परिदृश्य में परिलक्षित होता था - बल्कि रोजमर्रा की पेंटिंग के जन्म को भी बढ़ावा देता था, जो सदी के उत्तरार्ध के उस्तादों के ध्यान का केंद्र बन गया। इस बीच, ऐतिहासिक शैली के साथ प्रधानता बनी रही। यह क्लासिकवाद की अंतिम शरणस्थली थी, लेकिन यहां भी औपचारिक रूप से क्लासिकिस्ट "मुखौटा" के पीछे रोमांटिक विचार और विषय छिपे हुए थे।
स्वच्छंदतावाद - (फ्रेंच रोमांटिकवाद), 18 वीं - पहली छमाही के अंत में यूरोपीय और अमेरिकी आध्यात्मिक संस्कृति में एक वैचारिक और कलात्मक प्रवृत्ति। 19वीं शताब्दी आत्मज्ञान और सामाजिक प्रगति की विचारधारा में 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की फ्रांसीसी क्रांति के परिणामों में निराशा को दर्शाता है। स्वच्छंदतावाद ने उपयोगितावाद और व्यक्तित्व के स्तर को असीमित स्वतंत्रता और "अनंत", पूर्णता और नवीकरण की प्यास, व्यक्तिगत और नागरिक स्वतंत्रता के मार्ग के साथ विपरीत किया। आदर्श और सामाजिक वास्तविकता के बीच एक दर्दनाक कलह रोमांटिक विश्वदृष्टि और कला का आधार है। एक व्यक्ति के आध्यात्मिक और रचनात्मक जीवन के आंतरिक मूल्य का दावा, मजबूत जुनून की छवि, मजबूत जुनून की छवि, एक आध्यात्मिक और उपचार प्रकृति, कई रोमांटिक लोगों के लिए - विरोध या संघर्ष की वीरता "दुनिया के उद्देश्यों के साथ सह-अस्तित्व में है दु: ख", "विश्व बुराई", आत्मा का "रात" पक्ष, विडंबना के रूप में कपड़े पहने, एक दोहरी दुनिया की विचित्र कविताएँ। राष्ट्रीय अतीत में रुचि (अक्सर इसका आदर्शीकरण), लोककथाओं की परंपराएं और अपने और अन्य लोगों की संस्कृति, दुनिया की एक सार्वभौमिक तस्वीर (मुख्य रूप से इतिहास और साहित्य) बनाने की इच्छा, कला के संश्लेषण का विचार रूमानियत की विचारधारा और व्यवहार में अभिव्यक्ति मिली।
दृश्य कलाओं में, स्वच्छंदतावाद चित्रकला और ग्राफिक्स में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ, मूर्तिकला और वास्तुकला में कम स्पष्ट रूप से (उदाहरण के लिए, झूठी गॉथिक)। दृश्य कला में स्वच्छंदतावाद के अधिकांश राष्ट्रीय विद्यालय आधिकारिक अकादमिक क्लासिकवाद के खिलाफ संघर्ष में विकसित हुए।
आधिकारिक राज्य संस्कृति की गहराई में, "कुलीन" संस्कृति की एक परत है जो शासक वर्ग (अभिजात वर्ग और शाही दरबार) की सेवा करती है और विदेशी नवाचारों के लिए एक विशेष संवेदनशीलता रखती है। ओ। किप्रेंस्की, वी। ट्रोपिनिन, के। ब्रायलोव, ए। इवानोव और 19 वीं शताब्दी के अन्य प्रमुख कलाकारों की रोमांटिक पेंटिंग को याद करने के लिए यह पर्याप्त है।
किप्रेंस्की ऑरेस्ट एडमोविच, रूसी कलाकार। रूमानियत की रूसी ललित कला के एक उत्कृष्ट मास्टर, उन्हें एक अद्भुत चित्रकार के रूप में जाना जाता है। पेंटिंग "दिमित्री डोंस्कॉय ऑन द कुलिकोवो फील्ड" (1805, रूसी संग्रहालय) में, उन्होंने अकादमिक ऐतिहासिक चित्र के सिद्धांतों के बारे में एक आश्वस्त ज्ञान का प्रदर्शन किया। लेकिन शुरुआत में, एक चित्र वह क्षेत्र बन जाता है जहां उसकी प्रतिभा सबसे स्वाभाविक और स्वाभाविक रूप से प्रकट होती है। उनका पहला सचित्र चित्र ("ए.के. श्वाल्बे", 1804, ibid।), "रेम्ब्रांट" तरीके से लिखा गया है, जो अपनी अभिव्यंजक और नाटकीय कट-एंड-शैडो प्रणाली के लिए खड़ा है। इन वर्षों में, उनका कौशल - बनाने की क्षमता में प्रकट हुआ, सबसे पहले, अद्वितीय व्यक्तिगत रूप से विशिष्ट छवियां, विशेष प्लास्टिक का चयन करने का मतलब इस विशेषता को छाया देना - मजबूत हो रहा है। वे प्रभावशाली जीवन शक्ति से भरे हुए हैं: एक लड़के का चित्र ए.ए. चेलिशचेव (लगभग 1810-11), पति-पत्नी एफ.वी. और ई.पी. ट्रेटीकोव गैलरी की जोड़ीदार छवियां)। कलाकार तेजी से रंग और कट-एंड-लाइट कंट्रास्ट, लैंडस्केप बैकग्राउंड, प्रतीकात्मक विवरण (ई.एस. अवदुलिना, लगभग 1822, ibid।) की संभावनाओं को निभाता है। कलाकार जानता है कि बड़े औपचारिक चित्रों को लयात्मक रूप से कैसे बनाया जाता है, लगभग सहजता से ("पोर्ट्रेट ऑफ़ द लाइफ-हुसर कर्नल एवग्राफ डेविडोव", 1809, रूसी संग्रहालय)। युवाओं का उनका चित्र, ए.एस. रोमांटिक छवि बनाने में पुश्किन सर्वश्रेष्ठ में से एक है। किप्रेंस्की के काम में, पुश्किन काव्य महिमा की आभा में गंभीर और रोमांटिक दिखते हैं। "आप मेरी चापलूसी करते हैं, ओरेस्ट," पुश्किन ने तैयार कैनवास को देखते हुए आह भरी। किप्रेंस्की एक कलाप्रवीण व्यक्ति ड्राफ्ट्समैन भी थे, जिन्होंने ग्राफिक कौशल के उदाहरण (मुख्य रूप से इतालवी पेंसिल और पेस्टल की तकनीक में) बनाए, जो अक्सर खुले, रोमांचक रूप से हल्की भावुकता के साथ उनके सचित्र चित्रों को पार कर जाते थे। ये रोज़मर्रा के प्रकार हैं ("द ब्लाइंड म्यूज़िशियन", 1809, रूसी संग्रहालय; "कल्मिचका बायस्टा", 1813, ट्रीटीकोव गैलरी), और 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध में प्रतिभागियों के पेंसिल चित्रों की प्रसिद्ध श्रृंखला (ई. , पाओलेनिन, कवि बट्युशकोव और अन्य के साथ एक ही चित्र; 1813-15, ट्रेटीकोव गैलरी और अन्य संग्रह); यहां वीर शुरुआत एक आत्मीय अर्थ लेती है। बड़ी संख्या में रेखाचित्रों और पाठ्य साक्ष्यों से पता चलता है कि कलाकार अपनी परिपक्व अवधि के दौरान एक बड़े (1834 में ए. जहां यूरोपीय इतिहास के परिणामों को अलंकारिक रूप में चित्रित किया जाएगा, साथ ही साथ रूस की नियति भी। "नेपल्स में समाचार पत्रों के पाठक" (1831, ट्रीटीकोव गैलरी) - जाहिरा तौर पर सिर्फ एक समूह चित्र - वास्तव में यूरोप में क्रांतिकारी घटनाओं के लिए एक गुप्त रूप से प्रतीकात्मक प्रतिक्रिया है।
हालांकि, किप्रेंस्की के सचित्र रूपक में सबसे महत्वाकांक्षी अधूरा रह गया या गायब हो गया (जैसे एनाक्रेन मकबरा, 1821 में पूरा हुआ)। हालाँकि, इन रोमांटिक खोजों को के.पी. ब्रायलोव और ए.ए. इवानोव के कार्यों में बड़े पैमाने पर निरंतरता मिली।
यथार्थवादी शैली वी.ए. के कार्यों में परिलक्षित होती थी। ट्रोपिनिन। ट्रोपिनिन के शुरुआती चित्र, एक संयमित रंगीन पैमाने में चित्रित (1813 और 1815 में काउंट्स मोर्कोव्स के पारिवारिक चित्र, दोनों ट्रीटीकोव गैलरी में), अभी भी पूरी तरह से ज्ञान के युग की परंपरा से संबंधित हैं: मॉडल बिना शर्त और स्थिर केंद्र है उनमें छवि का। बाद में, ट्रोपिनिन की पेंटिंग का रंग अधिक तीव्र हो जाता है, वॉल्यूम आमतौर पर अधिक स्पष्ट रूप से और मूर्तिकला रूप से गढ़े जाते हैं, लेकिन सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि जीवन के मोबाइल तत्व की विशुद्ध रूप से रोमांटिक भावना तेजी से बढ़ रही है, जिसका केवल एक हिस्सा चित्र का नायक लगता है एक टुकड़ा होना (बुलाखोव, 1823; केजी रवीच, 1823; आत्म-चित्र, लगभग 1824; तीनों एक ही स्थान पर हैं)। 1827 के प्रसिद्ध चित्र में एएस पुश्किन (एएस पुश्किन, पुश्किन के अखिल रूसी संग्रहालय) में ऐसा है: कवि, कागज के ढेर पर अपना हाथ रखता है, जैसे कि "म्यूज सुनता है", रचनात्मक सपने को सुनता है जो चारों ओर से घेरे हुए है एक अदृश्य प्रभामंडल के साथ छवि ... उन्होंने ए.एस. का एक चित्र भी चित्रित किया। पुश्किन। दर्शक को एक बुद्धिमान जीवन अनुभव के साथ प्रस्तुत किया जाता है, बहुत खुश व्यक्ति नहीं। ट्रोपिनिन के चित्र में, कवि घर पर आकर्षक है। ट्रोपिनिन के कार्यों से कुछ विशेष पुरानी मास्को गर्मजोशी और सहवास निकलता है। 47 वर्ष की आयु तक, वह सर्फ़ कैद में था। इसलिए, शायद, आम लोगों के चेहरे उनके कैनवस में इतने ताजा, इतने आध्यात्मिक हैं। और अंतहीन यौवन और उनके "लेसमेकर" का आकर्षण। सबसे अधिक बार वी.ए. ट्रोपिनिन ने लोगों से लोगों की छवि की ओर रुख किया ("द लेसमेकर", "पोर्ट्रेट ऑफ ए सोन", आदि)।
रूसी सामाजिक विचार की कलात्मक और वैचारिक खोज, परिवर्तन की उम्मीद के.पी. ब्रायलोव "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" और ए.ए. इवानोव "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल"।
कार्ल पावलोविच ब्रायलोव (1799-1852) की पेंटिंग "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" कला का एक बड़ा काम है। 1830 में, रूसी कलाकार कार्ल पावलोविच ब्रायलोव ने प्राचीन शहर पोम्पेई की खुदाई का दौरा किया। वह प्राचीन फुटपाथों पर चलता था, भित्तिचित्रों की प्रशंसा करता था, और अगस्त 79 ईस्वी की वह दुखद रात उसकी कल्पना में उठी। ई।, जब शहर लाल-गर्म राख और जागृत वेसुवियस के झांसे से ढका हुआ था। तीन साल बाद, पेंटिंग "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" ने इटली से रूस तक की विजयी यात्रा की। कलाकार को विस्मयकारी विसुवियस के लावा और राख के नीचे मर रहे एक प्राचीन शहर की त्रासदी को चित्रित करने के लिए अद्भुत रंग मिले। यह चित्र उदात्त मानवतावादी आदर्शों से ओत-प्रोत है। यह लोगों के साहस, उनके समर्पण को दर्शाता है, जो एक भयानक आपदा के दौरान दिखाया गया था। ब्रायलोव कला अकादमी की व्यावसायिक यात्रा पर इटली में थे। इस शिक्षण संस्थान में पेंटिंग और ड्राइंग की तकनीक का प्रशिक्षण अच्छी तरह से आयोजित किया जाता था। हालांकि, अकादमी को प्राचीन विरासत और वीर विषयों द्वारा स्पष्ट रूप से निर्देशित किया गया था। अकादमिक पेंटिंग को एक सजावटी परिदृश्य, समग्र रचना की नाटकीयता की विशेषता थी। आधुनिक जीवन के दृश्य, एक साधारण रूसी परिदृश्य को कलाकार के ब्रश के योग्य नहीं माना जाता था। चित्रकला में शास्त्रीयतावाद को शिक्षावाद की उपाधि मिली। ब्रायलोव अपने सभी कार्यों से अकादमी से जुड़े रहे।
उनके पास एक शक्तिशाली कल्पना, एक गहरी नजर और एक वफादार हाथ था - और उन्होंने अकादमिक के सिद्धांतों के अनुरूप जीवित रचनाओं को जन्म दिया। वास्तव में पुश्किन की कृपा से, वह नग्न मानव शरीर की सुंदरता और हरे पत्ते पर सूरज की किरण के कांप दोनों को कैनवास पर पकड़ने में सक्षम था। उनकी पेंटिंग "हॉर्सवुमन", "बाथशेबा", "इटैलियन मॉर्निंग", "इटैलियन नून", कई औपचारिक और अंतरंग चित्र हमेशा रूसी चित्रकला की उत्कृष्ट कृतियों के रूप में बने रहेंगे। हालांकि, मानव इतिहास में महत्वपूर्ण घटनाओं के चित्रण के लिए कलाकार ने हमेशा बड़े ऐतिहासिक विषयों की ओर रुख किया है। इस संबंध में उनकी कई योजनाओं को लागू नहीं किया गया था। ब्रायलोवा ने रूसी इतिहास के एक कथानक के आधार पर एक महाकाव्य कैनवास बनाने का विचार कभी नहीं छोड़ा। उन्होंने पेंटिंग "द सीज ऑफ पस्कोव बाय द ट्रूप्स ऑफ किंग स्टीफन बेटरी" शुरू की। यह 1581 की घेराबंदी की परिणति को दर्शाता है, जब प्सकोव योद्धा और। नगर के लोग उन डंडों पर आक्रमण करते हैं जो शहर में घुस गए हैं और उन्हें वापस शहरपनाह के पीछे फेंक देते हैं। लेकिन चित्र अधूरा रह गया, और वास्तव में राष्ट्रीय ऐतिहासिक चित्रों को बनाने का कार्य ब्रायलोव द्वारा नहीं, बल्कि रूसी कलाकारों की अगली पीढ़ी द्वारा किया गया था। पुश्किन के एक वर्षीय, ब्रायलोव ने उसे 15 साल तक जीवित रखा। वह हाल के वर्षों में बीमार रहे हैं। उस समय चित्रित एक स्व-चित्र से, नाजुक विशेषताओं वाला एक लाल रंग का आदमी और एक शांत, गहन निगाहें हमें देख रही हैं।
XIX सदी की पहली छमाही में। कलाकार अलेक्जेंडर एंड्रीविच इवानोव (1806-1858) रहते थे और काम करते थे। उन्होंने अपना पूरा रचनात्मक जीवन लोगों के आध्यात्मिक जागरण के विचार के लिए समर्पित कर दिया, इसे "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल" पेंटिंग में शामिल किया। 20 से अधिक वर्षों तक उन्होंने पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल" पर काम किया, जिसमें उन्होंने अपनी प्रतिभा की सारी शक्ति और चमक डाल दी। अपने भव्य कैनवास के अग्रभूमि में, जॉन द बैपटिस्ट की साहसी आकृति लोगों को आकर्षित करती है, जो लोगों को निकट आने वाले मसीह की ओर इशारा करती है। दूरी में उनका फिगर दिया गया है। वह अभी आया नहीं है, वह आ रहा है, वह जरूर आएगा, कलाकार कहता है। और उद्धारकर्ता की प्रतीक्षा करने वालों के चेहरे और आत्माएं उज्ज्वल और शुद्ध होती हैं । इस तस्वीर में, उन्होंने दिखाया, जैसा कि इल्या रेपिन ने बाद में कहा, "एक उत्पीड़ित लोग स्वतंत्रता के शब्द की लालसा रखते हैं।"
XIX सदी की पहली छमाही में। रूसी पेंटिंग में एक घरेलू भूखंड शामिल है।
एलेक्सी गवरिलोविच वेनेत्सियानोव (1780-1847) उनके पास जाने वाले पहले लोगों में से एक थे। उन्होंने किसानों के जीवन को चित्रित करने के लिए अपना काम समर्पित किया। वह इस जीवन को एक आदर्श, अलंकृत रूप में दिखाता है, तत्कालीन फैशनेबल भावुकता को श्रद्धांजलि देता है। हालांकि, वेनेत्सियानोव की पेंटिंग "द थ्रेसिंग फ्लोर", "एट द फ़सल। ग्रीष्म ”,“ कृषि योग्य भूमि पर। स्प्रिंग "," कॉर्नफ्लॉवर के साथ किसान महिला "," ज़खरका "," मॉर्निंग ऑफ़ ज़मींदार "सामान्य रूसी लोगों की सुंदरता और बड़प्पन को दर्शाता है, जिसने किसी व्यक्ति की गरिमा को उसकी सामाजिक स्थिति की परवाह किए बिना मुखर करने का काम किया।
पावेल एंड्रीविच फेडोटोव (1815-1852) द्वारा उनकी परंपराओं को जारी रखा गया था। उनके कैनवस यथार्थवादी हैं, व्यंग्यपूर्ण सामग्री से भरे हुए हैं, जो व्यापारिक नैतिकता, जीवन के तरीके और समाज के शीर्ष के रीति-रिवाजों ("द कोर्टशिप ऑफ ए मेजर", "फ्रेश कैवेलियर", आदि) को उजागर करते हैं। उन्होंने एक व्यंग्यकार के रूप में एक अधिकारी-रक्षक के रूप में अपना करियर शुरू किया। फिर उन्होंने सेना के जीवन के मजाकिया, शरारती सवेरे किए। 1848 में, उनकी पेंटिंग "द फ्रेश कैवेलियर" एक अकादमिक प्रदर्शनी में प्रस्तुत की गई थी। यह न केवल मूर्ख, आत्म-धार्मिक नौकरशाही का, बल्कि अकादमिक परंपराओं का भी एक साहसी उपहास था। चित्र के नायक ने जिस गंदे लबादे को पहना था, वह एक प्राचीन टोगा की बहुत याद दिलाता था। ब्रायलोव लंबे समय तक कैनवास के सामने खड़ा रहा, और फिर लेखक से आधा-मजाक में आधा-गंभीरता से कहा: "मैं आपको बधाई देता हूं, आपने मुझे हरा दिया है।" फेडोटोव की अन्य पेंटिंग ("एक अरिस्टोक्रेट का नाश्ता", "द कोर्टशिप ऑफ ए मेजर") भी एक हास्य और व्यंग्यात्मक चरित्र की हैं। उनकी अंतिम पेंटिंग बहुत दुखद हैं ("एंकर, स्टिल एंकर!", "द विडो")। समकालीनों ने उचित रूप से पीए की तुलना की। फेडोटोव पेंटिंग में एन.वी. साहित्य में गोगोल। सामंती रूस के अल्सर को उजागर करना पावेल एंड्रीविच फेडोटोव के काम का मुख्य विषय है।

19वीं सदी के उत्तरार्ध की रूसी पेंटिंग

19वीं सदी का दूसरा भाग रूसी ललित कलाओं के उत्कर्ष द्वारा चिह्नित किया गया था। यह वास्तव में एक महान कला बन गई, लोगों के मुक्ति संघर्ष के मार्ग से प्रभावित थी, जीवन की मांगों का जवाब दिया और सक्रिय रूप से जीवन पर आक्रमण किया। यथार्थवाद अंततः दृश्य कलाओं में स्थापित हो गया - लोगों के जीवन का एक सच्चा और व्यापक प्रतिबिंब, समानता और न्याय के आधार पर इस जीवन के पुनर्निर्माण की इच्छा।
लोकतांत्रिक यथार्थवाद, राष्ट्रीयता, आधुनिकता की ओर नई रूसी पेंटिंग का जानबूझकर मोड़ 50 के दशक के अंत में, देश में क्रांतिकारी स्थिति के साथ, विविध बुद्धिजीवियों की सामाजिक परिपक्वता के साथ, चेर्नशेव्स्की, डोब्रोलीबोव, साल्टीकोव के क्रांतिकारी ज्ञान के साथ स्पष्ट हो गया। -शेड्रिन, नेक्रासोव की लोकप्रिय कविता के साथ। "गोगोल काल के रेखाचित्र" (1856 में) में चेर्नशेव्स्की ने लिखा: "यदि पेंटिंग अब आम तौर पर एक दयनीय स्थिति में है, तो इसका मुख्य कारण समकालीन आकांक्षाओं से इस कला का अलगाव माना जाना चाहिए।" सोवरमेनिक पत्रिका के कई लेखों में इसी विचार का हवाला दिया गया था।
कला का केंद्रीय विषय लोग बन गए हैं, न केवल उत्पीड़ित और पीड़ित, बल्कि लोग भी - इतिहास के निर्माता, लोग-सेनानी, जीवन में सभी सर्वश्रेष्ठ के निर्माता।
कला में यथार्थवाद का दावा आधिकारिक दिशा के खिलाफ एक जिद्दी संघर्ष में हुआ, जिसका प्रतिनिधि कला अकादमी का नेतृत्व था। अकादमी के आंकड़ों ने अपने छात्रों को यह विचार दिया कि कला जीवन से अधिक है, कलाकारों के काम के लिए केवल बाइबिल और पौराणिक विषयों को सामने रखा।
लेकिन पेंटिंग पहले से ही आधुनिक आकांक्षाओं का पालन करने लगी थी - सबसे पहले मास्को में। मॉस्को स्कूल के दसवें हिस्से में भी सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स के विशेषाधिकारों का आनंद नहीं लिया गया था, लेकिन यह अपने अंतर्निहित हठधर्मिता पर कम निर्भर था, इसमें वातावरण अधिक जीवंत था। हालांकि स्कूल के शिक्षक ज्यादातर शिक्षाविद हैं, शिक्षाविद माध्यमिक और ढुलमुल हैं - उन्होंने अपने अधिकार के साथ दमन नहीं किया जैसा कि अकादमी एफ। ब्रूनी में है, जो पुराने स्कूल का स्तंभ है, जो कभी ब्रायलोव की पेंटिंग "द ब्रेज़ेन सर्पेंट" के साथ प्रतिस्पर्धा करता था। .
1862 में, सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स की परिषद ने ऐतिहासिक चित्रकला की प्रधानता को समाप्त करते हुए, अधिकारों में सभी शैलियों की बराबरी करने का निर्णय लिया। चित्र के विषय की परवाह किए बिना अब केवल उसकी खूबियों को ध्यान में रखते हुए स्वर्ण पदक से सम्मानित किया गया। हालांकि, अकादमी की दीवारों के भीतर "स्वतंत्रता" लंबे समय तक नहीं टिकी।
1863 में, अकादमिक प्रतियोगिता में भाग लेने वाले युवा कलाकारों ने "दी गई थीम के अलावा, उन लोगों के लिए स्वतंत्र रूप से विषयों को चुनने की अनुमति के लिए एक याचिका प्रस्तुत की।" अकादमी परिषद ने मना कर दिया। आगे जो हुआ उसे रूसी कला के इतिहास में "चौदह का विद्रोह" कहा जाता है। इतिहास की कक्षा के चौदह छात्र स्कैंडिनेवियाई पौराणिक कथाओं - "फ़ेस्ट इन वलगाल" से प्रस्तावित विषय पर चित्रों को चित्रित नहीं करना चाहते थे और प्रदर्शनकारी रूप से अकादमी छोड़ने के लिए एक याचिका प्रस्तुत की। कार्यशालाओं के बिना और पैसे के बिना खुद को पाकर, विद्रोही एक तरह के कम्यून में एकजुट हो गए - जैसे कि चेर्नशेव्स्की द्वारा उपन्यास "क्या किया जाना है?" में वर्णित कम्यून्स - चित्रकार इवान निकोलाइविच क्राम्स्कोय की अध्यक्षता में कलाकारों का एक आर्टेल। आर्टेल श्रमिकों ने विभिन्न कला कार्यों के निष्पादन के लिए आदेश लिया, एक ही घर में रहते थे, बातचीत के लिए आम कमरे में इकट्ठा होते थे, चित्रों पर चर्चा करते थे, किताबें पढ़ते थे।
सात साल बाद, आर्टेल टूट गया। इस समय तक, 70 के दशक में, कलाकार ग्रिगोरी ग्रिगोरिविच मायसोएडोव की पहल पर, एक संघ का उदय हुआ - "द एसोसिएशन ऑफ आर्टिस्टिक मूवेबल इंसर्ट", कलाकारों का एक पेशेवर-व्यावसायिक संघ, जो समान वैचारिक पदों पर थे।
वांडरर्स एसोसिएशन, बाद के कई संघों के विपरीत, बिना किसी घोषणा और घोषणापत्र के किया। इसके चार्टर में केवल यह कहा गया है कि पार्टनरशिप के सदस्यों को अपने भौतिक मामलों का प्रबंधन स्वयं करना चाहिए, इस संबंध में किसी पर निर्भर नहीं होना चाहिए, साथ ही स्वयं प्रदर्शनियों का आयोजन करना चाहिए और उन्हें परिचित करने के लिए विभिन्न शहरों (रूस में "स्थानांतरित") करना चाहिए। रूसी कला वाला देश। इन दोनों बिंदुओं का महत्वपूर्ण महत्व था, अधिकारियों से कला की स्वतंत्रता और कलाकारों की इच्छा न केवल राजधानी से लोगों के साथ व्यापक रूप से संवाद करने के लिए। पार्टनरशिप के निर्माण और इसके चार्टर के विकास में मुख्य भूमिका क्राम्स्कोय, मायसोएडोव, जीई - पीटर्सबर्ग से, और मस्कोवाइट्स - पेरोव, प्रियनिशनिकोव, सावरसोव की थी।
"वांडरर्स" अपनी पौराणिक कथाओं, सजावटी परिदृश्य और भव्य नाटकीयता द्वारा "अकादमिकवाद" की अस्वीकृति में एकजुट थे। वे जीवित जीवन को चित्रित करना चाहते थे। शैली (रोज़मर्रा के) दृश्यों ने उनके काम में प्रमुख स्थान लिया। किसानों को "यात्रा करने वालों" के लिए विशेष सहानुभूति थी। उन्होंने उसकी जरूरत, पीड़ा, उत्पीड़न दिखाया। उस समय - 60-70 के दशक में। XIX सदी - कला के वैचारिक पक्ष को सौंदर्यवादी की तुलना में अधिक महत्व दिया गया था। केवल समय के साथ कलाकारों को पेंटिंग के आंतरिक मूल्य की याद आई।
शायद विचारधारा को सबसे बड़ी श्रद्धांजलि वासिली ग्रिगोरिविच पेरोव (1834-1882) ने दी थी। "जांच के लिए पुलिस अधिकारी का आगमन", "मायतीशी में चाय पीना" जैसी उनकी ऐसी तस्वीरों को याद करने के लिए पर्याप्त है। पेरोव के कुछ काम वास्तविक त्रासदी ("ट्रोइका", "अपने बेटे की कब्र पर बूढ़े माता-पिता") से प्रभावित हैं। पेरोव का ब्रश उनके प्रसिद्ध समकालीनों (ओस्त्रोव्स्की, तुर्गनेव, दोस्तोवस्की) के कई चित्रों से संबंधित है।
प्रकृति से या वास्तविक दृश्यों की छाप के तहत चित्रित कुछ "वांडरर्स" कैनवस ने किसान जीवन की हमारी समझ को समृद्ध किया है। एसए कोरोविन की पेंटिंग "इन द वर्ल्ड" एक अमीर आदमी और एक गरीब आदमी के बीच एक गाँव की सभा में टकराव को दर्शाती है। वीएम मक्सिमोव ने परिवार के विभाजन के रोष, आँसू और दुःख को पकड़ लिया। किसान श्रम का गंभीर उत्सव जीजी मायसोएडोव "मावर्स" की पेंटिंग में परिलक्षित होता है।
क्राम्स्कोय के काम में, मुख्य स्थान पर चित्र चित्रकला का कब्जा था। उन्होंने गोंचारोव, साल्टीकोव-शेड्रिन, नेक्रासोव को लिखा। वह लियो टॉल्स्टॉय के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में से एक के मालिक हैं। लेखक की निगाह दर्शक को जिस भी बिंदु से कैनवास पर देखती है उसका पीछा नहीं छोड़ती है। क्राम्स्कोय की सबसे शक्तिशाली कृतियों में से एक पेंटिंग "क्राइस्ट इन द डेजर्ट" है।
"वांडरर्स" की पहली प्रदर्शनी, जो 1871 में खुली, ने एक नई प्रवृत्ति के अस्तित्व को स्पष्ट रूप से प्रदर्शित किया जो 60 के दशक के दौरान आकार ले रही थी। उस पर केवल 46 प्रदर्शन थे (अकादमी की बोझिल प्रदर्शनियों के विपरीत), लेकिन सावधानी से चुने गए, और हालांकि प्रदर्शनी को जानबूझकर प्रोग्राम नहीं किया गया था, सामान्य अलिखित कार्यक्रम काफी स्पष्ट रूप से चल रहा था। सभी शैलियों को प्रस्तुत किया गया था - ऐतिहासिक, रोज़ाना, परिदृश्य चित्र - और दर्शक "यात्रा करने वालों" द्वारा यह तय कर सकते थे कि उनमें क्या नया था। केवल मूर्तिकला अशुभ थी (केवल एक थी, और फिर भी एफ। कमेंस्की द्वारा एक अचूक मूर्तिकला), लेकिन इस प्रकार की कला लंबे समय तक "दुर्भाग्यपूर्ण" थी, वास्तव में सदी के पूरे दूसरे भाग में।
90 के दशक की शुरुआत तक, मॉस्को स्कूल के युवा कलाकारों के बीच, हालांकि, पूर्व-सुधार गांव की गरिमा और नाटकीय (वास्तव में नाटकीय!) टक्करों के साथ विचार-विमर्श किया गया था। लेकिन यह वे नहीं थे जिन्होंने स्वर सेट किया: "कला की दुनिया" के सामने आना आ रहा था, समान रूप से यात्रा आंदोलन और अकादमी से दूर। उस समय अकादमी कैसी दिखती थी? उसकी पिछली कलात्मक कठोरता दूर हो गई, उसने अब नवशास्त्रवाद की सख्त आवश्यकताओं पर जोर नहीं दिया, शैलियों के कुख्यात पदानुक्रम पर, वह रोजमर्रा की शैली के प्रति काफी सहिष्णु थी, उसने केवल यह पसंद किया कि यह "मुज़िक" के बजाय "सुंदर" हो ( "सुंदर" गैर-शैक्षणिक कार्यों का एक उदाहरण - तत्कालीन लोकप्रिय एस। बाकलोविच के प्राचीन जीवन के दृश्य)। अधिकांश भाग के लिए, गैर-शैक्षणिक उत्पाद, जैसा कि अन्य देशों में होता था, बुर्जुआ-सैलून उत्पाद थे, उनकी "सुंदरता" अश्लील सुंदरता थी। लेकिन यह नहीं कहा जा सकता है कि उसने प्रतिभाओं को सामने नहीं रखा: उपर्युक्त जी। सेमिराडस्की, वी। स्मिरनोव, जो जल्दी मर गए (जो एक प्रभावशाली बड़ी तस्वीर "द डेथ ऑफ नीरो" बनाने में कामयाब रहे), बहुत प्रतिभाशाली थे; ए। स्वेडोम्स्की और वी। कोटारबिंस्की द्वारा पेंटिंग के कुछ कलात्मक गुणों को नकारना असंभव है। रेपिन ने इन कलाकारों के बारे में अनुमोदन से बात की, उन्हें अपने बाद के वर्षों में "हेलेनिक भावना" के वाहक मानते हुए, उन्होंने ऐवाज़ोव्स्की की तरह, एक "अकादमिक" कलाकार भी व्रुबेल को प्रभावित किया। दूसरी ओर, अकादमी के पुनर्गठन के दौरान सेमिराडस्की के अलावा किसी ने भी निर्णायक रूप से शैली के पक्ष में बात नहीं की, पेरोव, रेपिन और वी। मायाकोवस्की को एक सकारात्मक उदाहरण के रूप में इंगित किया। इसलिए "वांडरर्स" और अकादमी के बीच अभिसरण के पर्याप्त बिंदु थे, और अकादमी के तत्कालीन उपाध्यक्ष, आई.आई. टॉल्स्टॉय, जिनकी पहल पर अग्रणी "वांडरर्स" को पढ़ाने के लिए बुलाया गया था।
लेकिन मुख्य बात जो हमें सदी के उत्तरार्ध में मुख्य रूप से एक शैक्षणिक संस्थान के रूप में कला अकादमी की भूमिका को पूरी तरह से छूट देने की अनुमति नहीं देती है, वह यह है कि इसकी दीवारों से कई उत्कृष्ट कलाकार उभरे हैं। ये रेपिन, और सुरिकोव, और पोलेनोव, और वासनेत्सोव, और बाद में - सेरोव और व्रुबेल हैं। इसके अलावा, उन्होंने "चौदह के दंगा" को नहीं दोहराया और जाहिर है, उनकी शिक्षुता से लाभ हुआ।
ड्राइंग के लिए सम्मान, निर्मित रचनात्मक रूप के लिए रूसी कला में जड़ें जमा लीं। यथार्थवाद के प्रति रूसी संस्कृति का सामान्य अभिविन्यास चिस्त्यकोव की पद्धति की लोकप्रियता का कारण बन गया - एक तरह से या किसी अन्य, सेरोव, नेस्टरोव और व्रुबेल तक के रूसी चित्रकार, समावेशी, "रूप के अडिग शाश्वत कानूनों" का सम्मान करते थे और "डी" से सावधान थे। -रीफिकेशन" या रंगीन अनाकार तत्व को प्रस्तुत करना, चाहे वे रंग से कैसे भी प्यार करते हों।
अकादमी में आमंत्रित किए गए यात्रा करने वालों में दो परिदृश्य चित्रकार - शिश्किन और कुइंदज़ी थे। यह उस समय था जब कला में परिदृश्य का आधिपत्य शुरू हुआ, दोनों एक स्वतंत्र शैली के रूप में, जहां लेविटन ने शासन किया, और रोजमर्रा, ऐतिहासिक और आंशिक रूप से चित्र चित्रकला के समान तत्व के रूप में। स्टासोव के पूर्वानुमानों के विपरीत, जो मानते हैं कि परिदृश्य की भूमिका घट जाएगी, 90 के दशक में यह पहले से कहीं अधिक बढ़ गया है। सावरसोव और पोलेनोव से अपने वंश का पता लगाते हुए, गीतात्मक "मनोदशा परिदृश्य" प्रबल हुआ।
"वांडरर्स" ने लैंडस्केप पेंटिंग में वास्तविक खोज की। एलेक्सी कोंडराटयेविच सावरसोव (1830-1897) एक साधारण रूसी परिदृश्य की सुंदरता और सूक्ष्म गीतवाद दिखाने में कामयाब रहे। उनकी पेंटिंग "द रूक्स हैव अराइव्ड" (1871) ने कई समकालीनों को उनके मूल स्वभाव पर एक नया रूप दिया।
फ्योडोर अलेक्जेंड्रोविच वासिलिव (1850-1873) ने एक छोटा जीवन जिया। उनका काम, जो बहुत शुरुआत में छोटा था, ने रूसी चित्रकला को कई गतिशील, रोमांचक परिदृश्यों के साथ समृद्ध किया। कलाकार विशेष रूप से प्रकृति में संक्रमणकालीन अवस्थाओं में सफल रहा: सूरज से बारिश तक, शांत से तूफान तक।
इवान इवानोविच शिश्किन (1832-1898) रूसी जंगल के गायक बने, रूसी प्रकृति की महाकाव्य चौड़ाई। आर्किप इवानोविच कुइंदज़ी (1841-1910) प्रकाश और वायु के सुरम्य खेल से आकर्षित थे। दुर्लभ बादलों में चंद्रमा की रहस्यमय रोशनी, यूक्रेनी झोपड़ियों की सफेद दीवारों पर भोर के लाल प्रतिबिंब, कोहरे के माध्यम से तिरछी सुबह की किरणें टूटती हैं और कीचड़ भरी सड़क पर पोखरों में खेलती हैं - ये और कई अन्य सुरम्य खोजों को उनके पर कब्जा कर लिया गया है कैनवस
19 वीं शताब्दी की रूसी परिदृश्य पेंटिंग सावरसोव के छात्र इसहाक इलिच लेविटन (1860-1900) के काम में अपने चरम पर पहुंच गई। लेविटन शांत, शांत परिदृश्य का स्वामी है। एक बहुत ही डरपोक, शर्मीला और कमजोर व्यक्ति, वह जानता था कि प्रकृति के साथ अकेले कैसे आराम करना है, अपने प्यारे परिदृश्य के मूड से प्रभावित है।
एक बार वह सूर्य, वायु और नदी के विस्तार को चित्रित करने के लिए वोल्गा आए। लेकिन सूरज नहीं था, आकाश में अंतहीन बादल रेंग रहे थे, और सुस्त बारिश बंद हो गई थी। कलाकार इस मौसम में शामिल होने तक घबराया हुआ था और रूसी खराब मौसम के बकाइन रंगों के विशेष आकर्षण की खोज की। तब से, ऊपरी वोल्गा, प्लास का प्रांतीय शहर, अपने काम में मजबूती से स्थापित हो गया है। उन हिस्सों में, उन्होंने अपनी "बरसात" रचनाएँ बनाईं: "आफ्टर द रेन", "ग्लॉमी डे", "ओवर इटरनल पीस"। शांत शाम के परिदृश्य भी चित्रित किए गए थे: "इवनिंग ऑन द वोल्गा", "इवनिंग। सुनहरी पहुंच "," शाम की घंटी "," शांत निवास "।
अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, लेविटन ने फ्रांसीसी प्रभाववादी चित्रकारों (ई। मानेट, सी। मोनेट, सी। पिजारो) के काम की ओर ध्यान आकर्षित किया। उन्होंने महसूस किया कि उनमें उनके साथ बहुत कुछ समान था, कि उनकी रचनात्मक खोजें उसी दिशा में जा रही थीं। उनकी तरह, वह स्टूडियो में नहीं, बल्कि खुली हवा में (खुली हवा में, जैसा कि कलाकार कहते हैं) काम करना पसंद करते थे। उनकी तरह, उन्होंने गहरे, मिट्टी के रंगों को हटाते हुए पैलेट को रोशन किया। उनकी तरह, उन्होंने जीवन की क्षणभंगुरता को पकड़ने, प्रकाश और वायु की गति को व्यक्त करने का प्रयास किया। इसमें वे उससे भी आगे निकल गए, लेकिन प्रकाश-हवा के प्रवाह में लगभग घुले हुए आकार (मकान, पेड़) घुल गए। उन्होंने इससे परहेज किया।
"लेविटन के चित्रों को एक धीमी परीक्षा की आवश्यकता होती है, - उनके काम के एक महान पारखी केजी पस्टोव्स्की ने लिखा, - वे आंख को अभिभूत नहीं करते हैं। वे चेखव की कहानियों की तरह विनम्र और सटीक हैं, लेकिन जितनी देर आप उन्हें देखते हैं, प्रांतीय टाउनशिप, परिचित नदियों और देश की सड़कों का सन्नाटा उतना ही सुखद होता जाता है।
19वीं सदी के उत्तरार्ध में। आई.ई. रेपिन, वी.आई.सुरिकोव और वी.ए.
इल्या एफिमोविच रेपिन (1844-1930) का जन्म चुगुएव शहर में एक सैन्य निवासी के परिवार में हुआ था। वह कला अकादमी में प्रवेश करने में कामयाब रहे, जहां उनके शिक्षक पी। पी। चिस्त्यकोव थे, जिन्होंने प्रसिद्ध कलाकारों (वी। आई। सुरिकोव, वी। एम। वासनेत्सोव, एम। ए। व्रुबेल, वी। ए। सेरोव) की एक पूरी आकाशगंगा बनाई। रेपिन ने भी क्राम्स्कोय से बहुत कुछ सीखा। 1870 में, युवा कलाकार ने वोल्गा के साथ यात्रा की। यात्रा से लाए गए कई रेखाचित्र, उन्होंने "वोल्गा पर बार्ज होलर्स" (1872) पेंटिंग के लिए इस्तेमाल किया। उसने जनता पर एक मजबूत छाप छोड़ी। लेखक तुरंत सबसे प्रसिद्ध उस्तादों की श्रेणी में आ गया।
रेपिन एक बहुमुखी प्रतिभा के धनी कलाकार थे। कई स्मारकीय शैली के चित्र उनके ब्रश से संबंधित हैं। कुर्स्क प्रांत में क्रॉस का जुलूस शायद बुर्लाकी से कम प्रभावशाली नहीं है। चमकीला नीला आकाश, सूरज से घिरी सड़क की धूल के बादल, क्रॉस और बनियान की सुनहरी चमक, पुलिस, आम लोग और अपंग - सब कुछ इस कैनवास पर फिट बैठता है: रूस की महानता, ताकत, कमजोरी और दर्द।
रेपिन के कई चित्रों में, क्रांतिकारी विषयों को छुआ गया था ("स्वीकारोक्ति का इनकार", "वे उम्मीद नहीं करते", "एक प्रचारक की गिरफ्तारी")। उनके चित्रों में क्रांतिकारी नाटकीय मुद्रा और इशारों से बचते हुए, सरल और स्वाभाविक रूप से व्यवहार करते हैं। पेंटिंग "कन्फेशन ऑफ कन्फेशन" में, मौत की निंदा करने वाले ने जानबूझकर अपने हाथों को अपनी आस्तीन में छुपाया। कलाकार ने स्पष्ट रूप से अपने चित्रों के नायकों के प्रति सहानुभूति व्यक्त की।
रेपिन के कई कैनवस ऐतिहासिक विषयों ("इवान द टेरिबल एंड हिज सोन इवान", "कोसैक्स ने तुर्की सुल्तान को एक पत्र की रचना", आदि) पर लिखे थे। रेपिन ने चित्रों की एक पूरी गैलरी बनाई। उन्होंने वैज्ञानिकों (पिरोगोव और सेचेनोव), लेखकों टॉल्स्टॉय, तुर्गनेव और गार्शिन, संगीतकार ग्लिंका और मुसॉर्स्की, कलाकार क्राम्स्कोय और सुरिकोव के चित्र चित्रित किए। XX सदी की शुरुआत में। उन्हें पेंटिंग "राज्य परिषद की औपचारिक बैठक" के लिए एक आदेश मिला। कलाकार न केवल इतनी बड़ी संख्या में मौजूद लोगों को कैनवास पर रखने के लिए, बल्कि उनमें से कई का मनोवैज्ञानिक विवरण देने में भी कामयाब रहे। उनमें S.Yu जैसी जानी-मानी हस्तियां भी शामिल थीं। विट्टे, के.पी. पोबेडोनोस्त्सेव, पी.पी. शिमोनोव त्यान-शैंस्की। चित्र में निकोलस II शायद ही ध्यान देने योग्य है, लेकिन बहुत सूक्ष्मता से चित्रित किया गया है।
वासिली इवानोविच सुरिकोव (1848-1916) का जन्म क्रास्नोयार्स्क में एक कोसैक परिवार में हुआ था। उनके काम का उदय 80 के दशक में आता है, जब उन्होंने अपनी तीन सबसे प्रसिद्ध ऐतिहासिक पेंटिंग बनाई: "द मॉर्निंग ऑफ़ द स्ट्रेलेट्स एक्ज़ीक्यूशन", "बेरेज़ोवो में मेन्शिकोव" और "बॉयरीन्या मोरोज़ोवा"।
सुरिकोव पिछले युगों के जीवन के तरीके और रीति-रिवाजों को अच्छी तरह से जानता था, विशद मनोवैज्ञानिक विशेषताओं को देने में सक्षम था। इसके अलावा, वह एक उत्कृष्ट रंगकर्मी (रंग के उस्ताद) थे। पेंटिंग बॉयरिन्या मोरोज़ोवा में चमकदार ताजा, चमकदार बर्फ को याद करने के लिए पर्याप्त है। यदि आप कैनवास के करीब जाते हैं, तो बर्फ, जैसे वह थी, नीले, नीले, गुलाबी स्ट्रोक में "उखड़ जाती" है। यह चित्रात्मक तकनीक, जब दो तीन अलग-अलग स्ट्रोक एक दूरी पर विलय करते हैं और वांछित रंग देते हैं, फ्रांसीसी प्रभाववादियों द्वारा व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था।
वैलेन्टिन अलेक्जेंड्रोविच सेरोव (1865-1911), संगीतकार के बेटे, चित्रित परिदृश्य, ऐतिहासिक विषयों पर कैनवस, एक थिएटर कलाकार के रूप में काम करते थे। लेकिन प्रसिद्धि उनके लिए, सबसे पहले, उनके चित्रों द्वारा लाई गई थी।
1887 में, 22 वर्षीय सेरोव मॉस्को के पास संरक्षक एस. आई. ममोनतोव के एक डाचा, अब्रामत्सेवो में छुट्टियां मना रहा था। उनके कई बच्चों में, युवा कलाकार उनका अपना आदमी था, जो उनके शोर-शराबे वाले खेलों में भागीदार था। एक दोपहर, दो लोग गलती से भोजन कक्ष में रह गए - सेरोव और 12 वर्षीय वेरुशा ममोंटोवा। वे मेज पर बैठे थे, जिस पर आड़ू थे, और बातचीत के दौरान वेरुशा ने ध्यान नहीं दिया कि कैसे कलाकार ने उसका चित्र बनाना शुरू किया। काम एक महीने के लिए घसीटा गया, और वेरुशा गुस्से में थी कि एंटोन (जो सेरोव का घर का नाम था) उसे भोजन कक्ष में घंटों बैठने के लिए मजबूर कर रहा था।
सितंबर की शुरुआत में "गर्ल विद पीचिस" समाप्त हो गया था। अपने छोटे आकार के बावजूद, गुलाब-सोने के स्वर में चित्रित पेंटिंग बहुत "विशाल" लग रही थी। उसमें बहुत रोशनी और हवा थी। वह लड़की, जो एक मिनट के लिए मेज पर बैठी थी और दर्शक पर अपनी निगाहें टिकाए रखी थी, उसे स्पष्टता और आध्यात्मिकता से मंत्रमुग्ध कर दिया। हां, और पूरा कैनवास रोजमर्रा की जिंदगी की विशुद्ध बचकानी धारणा के साथ फँसा हुआ था, जब खुशी को खुद का पता नहीं होता है, और आगे एक पूरा जीवन होता है।
"अब्रामत्सेवो" घर के निवासी, निश्चित रूप से समझ गए थे कि उनकी आंखों के सामने एक चमत्कार हुआ था। लेकिन केवल समय ही अंतिम अनुमान देता है। इसने "गर्ल विद पीचिस" को रूसी और विश्व चित्रकला में सर्वश्रेष्ठ चित्र कार्यों में रखा।
अगले साल सेरोव अपने जादू को लगभग दोहराने में सक्षम था। उन्होंने अपनी बहन मारिया साइमनोविच ("सूर्य से प्रकाशित एक लड़की") का एक चित्र चित्रित किया। नाम थोड़ा गलत था: लड़की छाया में बैठती है, और पृष्ठभूमि में ग्लेड सुबह के सूरज की किरणों से रोशन होता है। लेकिन तस्वीर में सब कुछ इतना एकजुट है, इसलिए एक - सुबह, सूरज, गर्मी, यौवन और सुंदरता - कि एक बेहतर नाम के बारे में सोचना मुश्किल है।
सेरोव एक फैशनेबल चित्रकार बन गया। प्रसिद्ध लेखक, कलाकार, चित्रकार, उद्यमी, अभिजात, यहाँ तक कि राजा भी उनके सामने खड़े थे। जाहिर है, उनके द्वारा लिखे गए सभी लोगों में उनके लिए दिल नहीं था। निष्पादन की फिलाग्री तकनीक के साथ कुछ उच्च समाज के चित्र ठंडे निकले।
कई वर्षों तक सेरोव ने मॉस्को स्कूल ऑफ़ पेंटिंग, स्कल्पचर एंड आर्किटेक्चर में पढ़ाया। वे एक मांगलिक शिक्षक थे। पेंटिंग के जमे हुए रूपों के विरोधी, सेरोव, एक ही समय में, मानते थे कि रचनात्मक खोजों को ड्राइंग और चित्रमय लेखन की तकनीक की दृढ़ महारत पर आधारित होना चाहिए। कई उत्कृष्ट स्वामी खुद को सेरोव के छात्र मानते थे। यह एम.एस. सरयान, के.एफ. यूओन, पी.वी. कुज़नेत्सोव, के.एस. पेट्रोव-वोडकिन।
ट्रेटीकोव के संग्रह में रेपिन, सुरिकोव, लेविटन, सेरोव, "यात्रा करने वालों" की कई पेंटिंग शामिल थीं। पावेल मिखाइलोविच ट्रीटीकोव (1832-1898), एक पुराने मास्को व्यापारी परिवार का प्रतिनिधि, एक असामान्य व्यक्ति था। पतली और लंबी, मोटी दाढ़ी और नीची आवाज के साथ, वह एक व्यापारी की तुलना में एक संत की तरह अधिक लग रहा था। उन्होंने 1856 में रूसी कलाकारों द्वारा चित्रों का संग्रह करना शुरू किया। उनका शौक उनके जीवन के मुख्य कार्य में विकसित हुआ। 90 के दशक की शुरुआत में। संग्रह एक संग्रहालय के स्तर तक पहुंच गया, कलेक्टर की लगभग पूरी संपत्ति को अवशोषित कर लिया। बाद में यह मास्को की संपत्ति बन गई। ट्रीटीकोव गैलरी रूसी चित्रकला, ग्राफिक्स और मूर्तिकला का विश्व प्रसिद्ध संग्रहालय बन गया है।
1898 में, मिखाइलोव्स्की पैलेस (के। रॉसी का निर्माण) में सेंट पीटर्सबर्ग में रूसी संग्रहालय खोला गया था। इसे हर्मिटेज, कला अकादमी और कुछ शाही महलों से रूसी कलाकारों द्वारा काम मिला। इन दो संग्रहालयों का उद्घाटन, जैसा कि यह था, 19 वीं शताब्दी की रूसी चित्रकला की उपलब्धियों का ताज पहनाया गया।

XIX सदी की रूसी कला

19वीं सदी की पहली छमाही - रूसी कलात्मक संस्कृति का उदय, जिसे दुनिया भर में पहचान मिली। इस अवधि के दौरान सबसे बड़ा महत्व का साहित्य बनाया गया था (ए.एस. पुश्किन, ए.एस. ग्रिबॉयडोव, आई.ए. क्रायलोव, एन.वी. गोगोल, एम.यू. लेर्मोंटोव, वी.ए. ज़ुकोवस्की, ईए बारातिन्स्की, डीवी वेनेविटिनोव), संगीत (एमआई ग्लिंका), वास्तुकला (एएन वोरोनिखिन, एडी ज़खारोव, केआई रॉसी)! पेंटिंग (O. A. Kiprensky, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov, P. A. Fedotov)।

सभी प्रकार की कलाओं का ऐसा उत्कर्ष मुख्य रूप से नेपोलियन के साथ युद्ध में रूसी लोगों की देशभक्ति की भावनाओं के उदय, राष्ट्रीय चेतना की वृद्धि, डिसमब्रिस्टों के प्रगतिशील, मुक्त विचारों के विकास के कारण था। रूसी संस्कृति के पूरे "स्वर्ण युग" को नागरिक जुनून, मनुष्य के महान भाग्य में विश्वास द्वारा चिह्नित किया गया था।

आर्किटेक्चर

ऐसा माना जाता है कि सिकंदर युग में रूसी वास्तुकला अपने चरम पर पहुंच गई थी। "कैथरीन के क्लासिकवाद" के विपरीत, "सिकंदर के क्लासिकवाद" की शैली में मुख्य बात स्मारक के लिए प्रयास करना, रूपों की अत्यंत सरलता, यहां तक ​​​​कि तपस्या, प्राचीन ग्रीस के डोरिक आदेश के अनुरूप था।

अलेक्जेंडर I के शासनकाल के दौरान, सेंट पीटर्सबर्ग में उत्कृष्ट स्थापत्य संरचनाओं का एक महत्वपूर्ण हिस्सा बनाया गया था, जो रूसी क्लासिकवाद की वास्तुकला के स्मारक बन गए। उसी समय, उत्तरी पलमायरा के क्लासिकिस्ट स्वरूप के निर्माण में सिकंदर की भूमिका की तुलना एथेनियन एक्रोपोलिस के निर्माण में पेरिकल्स की भूमिका से की गई थी। इस तरह की संरचनाएं कज़ान कैथेड्रल और माइनिंग इंस्टीट्यूट हैं, एक्सचेंज बिल्डिंग और रोस्ट्रल कॉलम के साथ-साथ एडमिरल्टी के साथ वासिलीवस्की द्वीप का स्ट्रेलका पहनावा।

कज़ान कैथेड्रल, यहां तक ​​​​कि पॉल I के अनुरोध पर, सेंट पीटर्सबर्ग के कैथेड्रल जैसा होना चाहिए था। रोम में पीटर। इसने एक उपनिवेश की उपस्थिति का नेतृत्व किया, जो इसके रोमन प्रोटोटाइप के उपनिवेश की याद दिलाता है: इसके दो पंख, योजना में घुमावदार, बहत्तर कुरिन्थियन स्तंभों से मिलकर बने होते हैं जिनमें एक कटघरा होता है। एंड्री निकिफोरोविच वोरोनिखी "(1759-1814), कैथेड्रल के वास्तुकार, टाउन-प्लानिंग सिद्धांतों द्वारा निर्देशित, ने कॉलोननेड को उत्तरी मोर्चे के किनारे पर रखा, जो चर्च के सिद्धांतों के अनुसार माध्यमिक है, लेकिन नेवस्की प्रॉस्पेक्ट का सामना कर रहा है, शहर का सबसे महत्वपूर्ण मार्ग।

वोरोनिखिन, कज़ान कैथेड्रल की संरचना में, शहर-नियोजन सिद्धांतों को विकसित किया जो 18 वीं शताब्दी में वापस विकसित हुए थे। नेवस्की प्रॉस्पेक्ट पर धार्मिक इमारतों को रखते समय। उन सभी ने विकास की "लाल रेखा" का उल्लंघन किया, घरों के बीच एक अंतर बना दिया, लेकिन साथ ही उन्होंने विशेष स्थानिक "विराम" भी बनाया। यह अन्य वास्तुकारों द्वारा लिया गया था जिन्होंने वोरोनिखिन के बाद काम किया था, और रॉसी ने पॉल I, मिखाइल और अलेक्जेंड्रिया थिएटर के चौथे बेटे के लिए बनाए गए मिखाइलोव्स्की पैलेस के पहनावे में विशेष रूप से प्रभावी ढंग से इसकी व्याख्या की।

कज़ान कैथेड्रल, जिसका आकार पश्चिम से पूर्व तक "लैटिन क्रॉस" का है, को नवशास्त्रीय शैली में एक पतले ड्रम पर एक गुंबद के साथ ताज पहनाया गया है। कज़ान कैथेड्रल की रचना में, वास्तुकला में पहली बार, मूर्तिकला ने एक छवि बनाने में एक निश्चित भूमिका निभानी शुरू की, इस मामले में एक सैन्य स्मारक। उदाहरण के लिए, कैथेड्रल के उपनिवेश के साइड पोर्टिको के अटारी को बाइबिल के विषयों पर आधार-राहत से सजाया गया है: पूर्व - "मूसा द्वारा एक पत्थर से पानी का बहिर्वाह" (मूर्तिकार आईपी मार्टोस), पश्चिम - "कॉपर सर्पेंट" " (मूर्तिकार आईपी प्रोकोफिव)। दोनों भूखंडों ने एक नायक के विषय पर प्रकाश डाला जो एक कठिन समय में अपने लोगों की सहायता के लिए आता है, जो कि क्लासिकवाद के सौंदर्यशास्त्र के लिए महत्वपूर्ण है। प्रवेश द्वार के किनारों पर राजकुमारों व्लादिमीर और अलेक्जेंडर नेवस्की, जॉन द बैपटिस्ट और एंड्रयू द फर्स्ट-कॉल की कांस्य मूर्तियां रखी गई हैं, जिन्होंने राष्ट्रीय-देशभक्ति विषय को मजबूत करने में भी योगदान दिया।

1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध के बाद युद्ध स्मारक के रूप में कैथेड्रल का महत्व विशेष रूप से बढ़ गया। इमारत की बहुत ही गंभीर वास्तुकला दुश्मन पर जीत के मार्ग के अनुरूप थी। कज़ान कैथेड्रल से, एक गंभीर प्रार्थना सेवा के बाद, एमआई कुतुज़ोव सक्रिय सेना में चला गया, और जून 1813 में यहां लाया गया। एक महान सेनापति का दिल। रूसी सेनाओं को आत्मसमर्पण करने वाले शहरों से ट्रॉफी बैनर और चाबियां कैथेड्रल में रखी गई थीं। कज़ान कैथेड्रल की सैन्य-स्मारक छवि को पूरा करने वाला एक आवश्यक प्लास्टिक घटक एमआई कुतुज़ोव और एमबी बार्कले डी टॉली (मूर्तिकार बीआई ओरलोवस्की) के स्मारक थे, जो कोलोनेड के साइड पोर्टिको के सामने स्थापित थे और व्यवस्थित रूप से वास्तुशिल्प और मूर्तिकला में विलय हो गए थे। गिरजाघर का पहनावा ...

इसके साथ ही ए.एन. वोरोनिखिन के नेतृत्व में कज़ान कैथेड्रल के साथ, खनन संस्थान का भवन भी बनाया गया था, जो एक उपनिवेश से घिरा हुआ था। जैसा कि कज़ान कैथेड्रल में, पृथ्वी के विषय को प्रकट करने वाली मूर्तियां, पृथ्वी के आंतरिक भाग की संपत्ति, खनन संस्थान की छवि का एक अनिवार्य प्लास्टिक घटक था, इसका उद्देश्य।

स्टॉक एक्सचेंज का निर्माण जीन फ्रांकोइस थॉमस डी थोमन (1760-1813) की परियोजना के अनुसार वासिलिव्स्की द्वीप के थूक पर किया गया था और नेवा के लिए खोले गए शहर के पैनोरमा में सबसे महत्वपूर्ण मील का पत्थर बन गया। एक विशाल ग्रेनाइट आधार पर उठाया गया, आयताकार भवन, एक विशाल डोरिक उपनिवेश से घिरा हुआ है और एक विशाल छत से ढका हुआ है, दूर से पूरी तरह से दिखाई देता है। एक्सचेंज की इमारत को "संतुलन की धुरी" बनाते हुए, थॉमस डी थॉमन ने अपने प्राकृतिक परिवेश को सुव्यवस्थित किया: स्ट्रेलका बैंक को मिट्टी जोड़कर उठाया गया और सौ मीटर से अधिक आगे बढ़ाया गया, समुद्र तट को सही सममित आकार दिया गया, जिसे ग्रेनाइट की दीवारों से सजाया गया था। और आयोडीन के लिए ढलान। पहनावा की सख्त समरूपता पर दो लंबवत - रोस्ट्रल कॉलम द्वारा जोर दिया जाता है जो बीकन के रूप में कार्य करता है। स्तंभों और एंकरों की धातु की छवियों से सजाए गए स्तंभों के पैर में, वोल्गा, नीपर, वोल्खोव और नेवा के अलंकारिक आंकड़े हैं, और स्टॉक एक्सचेंज के गैबल्स के सामने - रचनाएं "दो नदियों के साथ नेपच्यून" ( पूर्व के सामने) और "बुध और दो नदियों के साथ नेविगेशन" (पश्चिमी के सामने)।

"अलेक्जेंडर क्लासिकिज्म" के युग में बनाया गया चौथा भव्य पहनावा, एडमिरल्टी था, जो रूस की नौसैनिक शक्ति का प्रतीक बन गया। एडमिरल्टी शाही महल के पास स्थित थी और भूमि की ओर से शहरी विकास समूह को व्यवस्थित करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई थी।

मौजूदा परिसर का पुनर्निर्माण वास्तुकार को सौंपा गया था

नौवाहनविभाग. एंड्री दिमित्रिच ज़खारोव (1761-1811)। आईके कोरोबोव द्वारा निर्मित टॉवर को संरक्षित करने के बाद, ज़खारोव ने इसे नई दीवारों के एक मामले में संलग्न किया, जिससे तीन-स्तरीय रचना तैयार हुई: एक आर्च के साथ एक भारी और स्थिर आधार पहला टियर बनाता है, जिसमें से एक प्रकाश आयनिक उपनिवेश बढ़ता है, एक असर मूर्तियों के साथ प्रवेश - दूसरा स्तर। कोलोनेड के ऊपर तीसरे टीयर के गुंबद के साथ एक दीवार है, जिसके शीर्ष पर एक नौकायन जहाज की छवि के साथ एक 72-मीटर सोने का पानी चढ़ा हुआ शिखर है। एडमिरल्टी के गैबल्स बेस-रिलीफ से भरे हुए हैं। इमारत को एक गोल मूर्तिकला से भी सजाया गया था, जिसे चर्च के अधिकारियों के अनुरोध पर हटा दिया गया था, जब एक चर्च एडमिरल्टी की इमारतों में से एक में बनाया गया था। केंद्रीय टॉवर पर केंद्रित मूर्तिकला सजावट (मूर्तिकार II तेरेबेनेव) का मुख्य विषय रूस की समुद्री शक्ति का महिमामंडन था: उदाहरण के लिए, पीटर द ग्रेट को नेपच्यून से एक त्रिशूल प्राप्त करने वाली मूर्तियों में से एक, शक्ति का प्रतीक समुद्र में, और एक लॉरेल के पेड़ के नीचे एक कॉर्नुकोपिया और हाथों में एक क्लब के साथ बैठी एक महिला रूस का प्रतीक है।

इन इमारतों के निर्माण के साथ, सेंट पीटर्सबर्ग की वास्तुकला में पहली बार इतनी विस्तृत स्थानिक ध्वनि का एक समूह दिखाई दिया। ग्रे सेंट पीटर्सबर्ग आकाश, तटबंधों के क्षैतिज, स्टॉक एक्सचेंज के सफेद डोरिक उपनिवेश, कारमाइन-लाल रोस्ट्रल कॉलम की लंबवत रेखाएं, पीटर और पॉल किले और एडमिरल्टी के सोने का पानी चढ़ा हुआ शिखर - यह सब एक में संयुक्त अभूतपूर्व पैमाने की रचना, जो दुनिया में और कहीं नहीं पाई जाती है।

एक मजबूत फ्रांसीसी प्रभाव "अलेक्जेंड्रोव्स्की क्लासिकिज्म" की विशेषता थी, और नेपोलियन के साथ युद्ध ने सम्राट की कलात्मक प्राथमिकताओं को कम से कम नहीं बदला। इसके बाद, रूसी वास्तुकला में "अलेक्जेंड्रोव्स्की क्लासिकिज्म" की शैली साम्राज्य शैली में विकसित होने लगी।

साम्राज्य शैली ("साम्राज्य की शैली") फ्रांस में उत्पन्न हुई और शाही रोम के कला रूपों द्वारा निर्देशित थी।

रूस में, 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध में रूस की जीत के बाद यह शैली। शाही शहर, "विश्व राजधानी" के नए दावों को प्रतिबिंबित किया। ऐतिहासिक विरोधाभास यह था कि विजयी रूसी लोगों का राष्ट्रीय गौरव पराजित फ्रांस के नेपोलियन साम्राज्य के रूपों में सन्निहित था। उसी समय, रूस में साम्राज्य शैली में निहित नियमितता, समरूपता और स्थिर प्रकृति को स्थानिक निर्णयों और शहरी नियोजन के दायरे के साहस के साथ जोड़ा गया था।

सेंट पीटर्सबर्ग साम्राज्य शैली के सजावटी तत्व मुख्य रूप से प्राचीन रोमन सैन्य उपकरणों के तत्वों से बने थे: ईगल, भाले के बंडल, ढाल, कुल्हाड़ियों और तीरों के गुच्छा के साथ सेना के प्रतीक चिन्ह। मिस्र के अलंकरण और मूर्तिकला के तत्वों का भी उपयोग किया गया था, क्योंकि मिस्र के फिरौन के समय के कला रूपों, फ्रांसीसी तानाशाह और रूसी सम्राटों की अनिवार्य रूप से एक समान विचारधारा थी और इसलिए काफी व्यवस्थित रूप से बातचीत की।

एक विशेष, "संप्रभु" पौराणिक कथा, जटिल शाही प्रतीक, शायद, सेंट पीटर्सबर्ग की ललित कलाओं में मुख्य चीज थी। इसके अलावा, शास्त्रीय सजावट के विपरीत, एम्पायर शैली में रचना को दीवार की सतह के स्पष्ट क्षेत्र और कड़ाई से निर्दिष्ट क्षेत्रों में संकीर्ण सजावटी बेल्ट के बीच एक मजबूत विपरीत पर बनाया गया था। सेंट पीटर्सबर्ग साम्राज्य शैली की रंग विशेषता द्वारा भी प्रभाव पर जोर दिया गया था - स्वयं इमारतों के लिए हल्का पीला रंग और पेडिमेंट्स, कॉलम, पायलट और स्थापत्य सजावट के अन्य विवरणों का सफेद दिन (रंगों के विपरीत) नेपोलियन साम्राज्य शैली - लाल, नीला, सफेद और सोना)।

एम्पायर आर्किटेक्चर का पीला रंग मनमाना नहीं था। यह रूसी सैन्य संस्कृति की सबसे विशिष्ट विशेषताओं में से एक थी - शाही रूस की संपूर्ण संस्कृति का हिस्सा। सेंट पीटर्सबर्ग में, सैन्य संस्कृति ने बड़े पैमाने पर शहर की योजना संरचना, उसके रंग, जीवन लय को निर्धारित किया। बैरक और रेजिमेंटल कैथेड्रल, राइडिंग हॉल और गार्डहाउस, सैन्य परेड और रेजिमेंटल वर्दी की वास्तुकला - इन सभी ने शहर की उपस्थिति पर एक विशिष्ट छाप छोड़ी।

सेंट पीटर्सबर्ग की नींव ही उत्तरी युद्ध से जुड़ी थी। शहर का लेआउट इसके सैन्य-रणनीतिक महत्व से निर्धारित होता था। पहली इमारतें पीटर और पॉल किले और एडमिरल्टी - सैन्य प्रतिष्ठान थे। और बाद में, राजधानी के प्रमुख वास्तुशिल्प प्रभुत्व अपने सैन्य जीवन से जुड़े थे: ट्रांसफिगरेशन और ट्रिनिटी कैथेड्रल (वास्तुकार वीपी स्टासोव) को प्रीब्राज़ेंस्की और इस्मेलोव्स्की रेजिमेंट के रेजिमेंटल कैथेड्रल के रूप में बनाया गया था, पीटर और पॉल और कज़ान कैथेड्रल युद्ध स्मारक बन गए थे जहां ट्रॉफी बैनर रखे गए थे, रुम्यंतसेव ओबिलिस्क, अलेक्जेंडर और चेसमे कॉलम सैन्य जीत की याद में बनाए गए थे।

पहले से ही बाल्टिक सागर तक रूस की पहुंच के संघर्ष में पहली सफलताओं को एक नए राज्य शासन द्वारा चिह्नित किया गया था - ज़ार का मानक, सुनहरे (पीले) क्षेत्र पर, जिसमें एक काले दो सिर वाले ईगल ने चार समुद्रों के कार्ड अपने में रखे थे चोंच और पंजे। पवित्र रोमन साम्राज्य के प्रतीकवाद में शाही के रूप में सोने (पीला) रंग का इस्तेमाल किया गया था। रूसी शाही मानक का पीला रंग शाही रक्षक का रंग बन गया और सैन्य स्थापत्य संरचनाओं, बैरकों के रंग में बदल गया, और फिर, साम्राज्य की आधिकारिक स्थापत्य शैली के एक अभिन्न अंग के रूप में, राजधानी का रंग बन गया सामान्य, "पीटर्सबर्ग रंग"।

रूसी साम्राज्य के विचारों के मुख्य प्रवक्ता वास्तुकार कार्ल रॉसी (1775-1849) थे, जिन्होंने सेंट पीटर्सबर्ग के केंद्र में तेरह वर्ग और बारह सड़कों का निर्माण किया था। इसके दृष्टिकोणों, चौकों, उपनिवेशों, शक्तिशाली रूप से फेंके गए मेहराबों के आगे, बाकी सब कुछ एक डरपोक शैली की तरह दिखता है। केवल "रूसी साम्राज्य" वही करने में कामयाब रहा जो पीटर द ग्रेट का इरादा था - एक शाही शहर की छवि बनाने के लिए। यह आर्किटेक्ट केआई रॉसी, वीपी स्टासोव, ओ मोंटफेरैंड का काम था जिसने सेंट पीटर्सबर्ग के केंद्रीय वर्गों के उस राजसी पहनावा का गठन किया, जो विश्व राजधानी की विशेषताओं को दर्शाता है। और इस तरह का पहला पहनावा, न केवल रूसी में, बल्कि विश्व कला में भी सबसे उत्कृष्ट में से एक था, पैलेस स्क्वायर, जिसे के। रॉसी द्वारा डिजाइन किया गया था।

पैलेस स्क्वायर पहनावा के निर्माण में सबसे महत्वपूर्ण राज्य संस्थानों - जनरल (या जनरल) स्टाफ और दो मंत्रालयों (विदेश मामलों और वित्त) के यहां स्थानांतरण से बहुत सुविधा हुई थी।

वर्ग के दक्षिण की ओर के मौजूदा घुमावदार आकार को संरक्षित करते हुए, रॉसी ने वहां दो विशाल इमारतें रखीं, जो एक मेहराब से जुड़ी हुई थीं। मुखौटा के लोचदार वक्रता के लिए धन्यवाद, जनरल स्टाफ भवन की वास्तुकला ने एक स्पष्ट गतिशीलता प्राप्त की, जो साम्राज्य शैली में निहित नहीं थी, लेकिन सामान्य स्टाफ को बारोक शीतकालीन पैलेस के करीब लाने के लिए रचनात्मक रूप से संभव बना दिया। एक ही लक्ष्य की उपलब्धि को अन्य तरीकों से सुगम बनाया गया था: मुख्यालय के पहलुओं को दो स्तरों में विभाजित करना, जैसे शीतकालीन एक; आदेश की शोभा; कई मूर्तिकला विवरण और जनरल स्टाफ बिल्डिंग के मेहराब का एक जटिल फ्रिज़।

विशेष प्रतिभा के साथ एक शहर योजनाकार के रूप में रॉसी का कौशल एक विशाल मेहराब के डिजाइन में प्रकट हुआ, जिसकी व्याख्या फ्रांस के साथ युद्ध में जीत के सम्मान में एक विजयी मेहराब के रूप में की गई। वास्तव में, रॉसी ने तीन मेहराबों की एक प्रणाली का उपयोग किया, जिसकी मदद से उन्होंने एक कठिन कार्य को प्रभावी ढंग से हल किया - गली में एक मजबूत मोड़ को वास्तुशिल्प रूप से डिजाइन करने के लिए। उसी समय, जीत के वीर प्रमुख विषय को दो समानांतर मेहराबों के शक्तिशाली विस्तार के साथ व्यक्त किया गया था।

इसे स्मारकीय मूर्तिकला की उपस्थिति से बढ़ाया गया था। मेहराब के तल पर, सैन्य कवच की उच्च राहत रचनाएँ कुरसी पर स्थापित की जाती हैं। मेहराब के दूसरे स्तर पर, स्तंभों के बीच, सैनिकों के आंकड़े हैं, जो 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध में भाग लेने वाले रूसी लोगों की विभिन्न पीढ़ियों का प्रतिनिधित्व करते हैं। इमारत को उनके हाथों में लॉरेल पुष्पांजलि के साथ उड़ने वाले स्लाव की राहत छवियों से भी सजाया गया है। . इस पूरे विजयी का शानदार समापन, वीर पथिक रचना से भरा हुआ विजय रथ की छवि है, जो आकाश की पृष्ठभूमि के खिलाफ खड़ा है और, जैसा कि यह था, शहर के ऊपर चढ़ता है। इसके केंद्र में राज्य के प्रतीक और हाथों में लॉरेल पुष्पांजलि के साथ एक पंख वाली महिला की छवि में विजय की एक अलंकारिक मूर्ति है।

रॉसी का काम परिपक्व रूसी क्लासिकवाद की सबसे महत्वपूर्ण विशेषता को दर्शाता है, जिसमें यह तथ्य शामिल था कि कोई भी शहरी नियोजन कार्य, चाहे वह कितना भी महत्वहीन क्यों न हो, अलग से नहीं, बल्कि दूसरों के साथ घनिष्ठ सहयोग में हल किया गया था। नतीजतन, एक निरंतर और नायाब पहनावे की श्रृंखला बनाई गई थी। मोइका नदी के तट पर मिखाइलोव्स्की गार्डन में रॉसी द्वारा निर्मित, मंडप इसका एक उत्कृष्ट उदाहरण के रूप में कार्य करता है: यह विशाल पहनावा - मिखाइलोव्स्की पैलेस और मंगल के क्षेत्र के बीच एक प्रकार का रचनात्मक पुल है।

एक विशाल पार्क और सेवाओं के साथ मिखाइलोव्स्की पैलेस क्लासिकवाद के युग की शहरी संपत्ति का एक विशिष्ट उदाहरण है: मुख्य भवन और सेवा पंख तीन तरफ सामने के यार्ड से घिरे हुए हैं, जो एक बाड़ से सड़क से अलग हैं। मुख्य मुखौटा भी क्लासिकिस्ट परंपराओं का प्रतिबिंब था: मुख्य प्रवेश द्वार को कोरिंथियन पोर्टिको द्वारा हाइलाइट किया गया था, सममित पंखों ने रिसालिट्स को पूरा किया था, और दीवार की सतह को तीन-चौथाई स्तंभों से सजाया गया था, जिससे आर्केड के विस्तार का भ्रम पैदा हुआ था। पोर्टिको से। बगीचे का अग्रभाग अलग था, जिसमें दो छह-स्तंभ कोरिंथियन पोर्टिकोस, पेडिमेंट्स के साथ ताज पहनाया गया था, और एक कोरिंथियन कॉलोनेड (विस्तृत लॉजिया)।

महल का निर्माण करने के बाद, रॉसी ने मिखाइलोव्स्की कैसल, नेवस्की प्रॉस्पेक्ट और मंगल के क्षेत्र से जुड़ी एक एकल शहरी नियोजन संरचना बनाने के लिए शहर के आस-पास के हिस्से का पुनर्विकास किया। नई सड़कें बिछाई गईं, महल के सामने एक वर्ग बिछाया गया, जिसमें एक सख्त आयताकार आकार था, जिसकी निरंतरता पूरे वास्तुशिल्प परिसर के मुख्य संरचना केंद्र के साथ औपचारिक प्रांगण थी - मिखाइलोव्स्की पैलेस।

अलेक्जेंड्रिंस्की थिएटर का पहनावा उस विचार के पैमाने के समान है, जिसके निर्माण में रॉसी ने अपने किसी भी अन्य काम की तुलना में लगभग अधिक समय और प्रयास समर्पित किया।

अलेक्जेंड्रिंस्की थिएटर रूस के सबसे सामंजस्यपूर्ण कार्यों में से एक है। अच्छी तरह से चुने गए अनुपात के कारण, भवन, जो आकार में काफी बड़ा है, हल्का और सुंदर लगता है। थिएटर के मुख्य भाग की रचना एक लॉजिया के रूपांकन पर आधारित है, जिसे एक पवित्र, कोरिंथियन आदेश के एक उपनिवेश से सजाया गया है, जो पूरे वास्तुशिल्प परिसर में इमारत की प्रमुख भूमिका पर जोर देता है। आदेश के उपयोग से बनाया गया मजबूत कायरोस्कोरो, अग्रभाग की प्लास्टिसिटी को बहुत अभिव्यंजक बनाता है और सभागार की दीवारें, अटारी के ऊपर एक शक्तिशाली घन को लगभग अगोचर बनाती हैं। इमारत के अग्रभाग को शानदार अपोलो क्वाड्रिगा द्वारा ताज पहनाया गया है।

रॉसी ने, 19वीं शताब्दी की शुरुआत के अन्य रूसी वास्तुकारों की तरह, अपने सभी कार्यों में बाहर और अंदर मूर्तिकला और सचित्र सजावट के साथ स्थापत्य रूपों को कुशलता से जोड़ा। उन्होंने राहत, पेंटिंग, मूर्तियों, पर्दे, फर्नीचर के स्थान और चरित्र को डिजाइन किया। इंटीरियर में सजावट ने उसी सिद्धांत का पालन किया, 396

बाहरी डिजाइन के रूप में: तालमेल का प्रत्यावर्तन (आभूषण का एक दोहराव वाला हिस्सा। - एलई), रचना में सख्त समरूपता, सजावट के सभी आलंकारिक तत्वों की प्राचीन प्रकृति - लॉरेल पुष्पांजलि, एकैन्थस के पत्ते, शेर के मुखौटे, रंग की स्थिरता संयोजन। आंतरिक सजावट का एक महत्वपूर्ण तत्व था दीवार और छत की पेंटिंग या तो ग्रिसैल तकनीक में, मूर्तिकला की सजावट की नकल करना, या स्केलियोलो तकनीक में, जो पोम्पियन दीवार चित्रों की नकल में रंगीन प्लास्टर के साथ जड़ा हुआ है: एक सफेद पृष्ठभूमि पर - नाचती हुई अप्सराएं, स्पंदन कामदेव, चमकीले लाल, नीले, पीले और काले रंग के ग्रिफिन।

एम्पायर इंटीरियर के सबसे अच्छे उदाहरणों में से एक मिखाइलोव्स्की पैलेस का व्हाइट हॉल है। दीवारों और स्तंभों की शांत सफेदी प्लास्टर कॉर्निस और कोरिंथियन राजधानियों की गिल्डिंग द्वारा निर्धारित की जाती है। दरवाजे के ऊपर आराम करने वाले bacchantes, पुष्पांजलि, माला और अन्य साम्राज्य विशेषताओं के आंकड़े के साथ आधार-राहतें हैं। छत और दीवारों के ऊपरी हिस्से की सबसे समृद्ध पेंटिंग बहुरंगी पेंटिंग, सोने के पैटर्न और ग्रिसैल को जोड़ती है। जड़े हुए लकड़ी की छत और दरवाजों का सुनहरा स्वर सोने का पानी चढ़ा फर्नीचर के नीले रंग के असबाब के अनुरूप है। इंटीरियर को लंबे स्तंभ के आकार के फर्श लैंप, झूमर, कैंडेलब्रा, कांस्य, पत्थर और क्रिस्टल से बने कैंडलस्टिक्स द्वारा पूरक किया गया था। तालिकाओं को सुशोभित करने वाले कांस्य विवरण ने काउंटरटॉप्स के रंगीन पत्थर के गहरे स्वर को बढ़ा दिया। इसकी सभी असाधारण समृद्धि के लिए, आंतरिक सजावट को अनुपात की भावना से अलग किया जाता है, जो आम तौर पर साम्राज्य शैली की विशेषता है।

वास्तुकारों, मूर्तिकारों, चित्रकारों-सज्जाकारों और अनुप्रयुक्त कला के उस्तादों के प्रयासों के संयोजन ने 19 वीं शताब्दी के रूसी कला के इतिहास में एक स्वतंत्र अवधि के रूप में साम्राज्य शैली की अनूठी शैलीगत अखंडता को निर्धारित किया।

सदी की शुरुआत में, स्मारक मूर्तिकला, जो रूसी कला के लिए बिल्कुल नया था, बहुत विकसित किया गया था। रूसी साम्राज्य के मकबरे के निर्माता, "प्रबुद्ध दुःख के कवि", जैसा कि उनके समकालीनों ने उन्हें बुलाया, इवान पेट्रोविच मार्टोस (सी। 1754-1835) थे। मकबरे में, मार्टोस ने प्राचीन क्लासिक्स की परंपराओं का पालन किया और एक सामान्यीकृत प्लास्टिक रूप, सिल्हूट और ड्रैपरियों के आंदोलन की मदद से एक शोकपूर्ण मूड बनाया, जिससे उनकी छवियों को आदर्श रूप से भावहीन चेहरों के साथ समाप्त किया गया। साथ ही, मूर्तिकला अपने आप में एक जीवंत मानवीय भावना, संयमित भावुकता और गीतकारिता को बरकरार रखती है। इस तरह के "मौत की प्रतिभा", "शोक करने वाली प्रतिभा", "शोक" उनके प्रसिद्ध मकबरे सांसद सोबकिना, ईएस कुराकिना, एपी कोझुखोवा हैं। रूसी साम्राज्य शैली के लिए सबसे विशिष्ट ई.आई. गगारिना का मकबरा है: एक कांस्य महिला आकृति जो एक ग्रीक केश के साथ एक प्राचीन अंगरखा में एक गोल कुरसी पर अकेली खड़ी है। मुलायम

कपड़ों की बहने वाली तहें, जमीन की ओर इशारा करने वाला इशारा और आंखों के सॉकेट्स की गहरी छायांकन छवि को एक नाटकीय छाया देते हैं। यदि आप स्मारक को बगल से देखते हैं, तो आप मृत्यु के सामने एक युवती की मार्मिक असहायता को महसूस कर सकते हैं, जो कि मिली आकृति की रूपरेखा से बेहद सटीक रूप से व्यक्त होती है। मार्टोस की पसंदीदा छवि विलुप्त जीवन के प्रतीक के रूप में अपने हाथों में एक उलटी मशाल के साथ दु: ख का दूत थी।

नरम गीतवाद भी पार्क की मूर्तिकला, सजावटी कुटी, फव्वारे, उद्यान मंडप, गलियों में निहित था। शायद उनमें से सबसे काव्यात्मक कांस्य फव्वारा मूर्तिकला है "एक टूटे हुए जग के साथ एक दूधवाली" (मूर्तिकार पी। पी। सोकोलोव) ज़ारसोए सेलो पार्क में। एक उदास झुके हुए सिर का एक उत्कृष्ट बहने वाला सिल्हूट, एक हाथ पर नीचा, एक लड़की के शरीर की कोमलता की भावना, बहने वाले कपड़े की रेशमीपन, और अंत में, बहुत ही सामग्री - कांस्य - साम्राज्य शैली की विशेषता है। यह इस शैली की विशेषता भी है कि शैली की आकृति रोजमर्रा की जिंदगी की छाया से भी रहित है: लड़की को एक प्राचीन अप्सरा के रूप में माना जाता है, न कि एक साधारण दूधिया। एएस पुश्किन ने ग्रीक हेक्सामीटर में Tsarskoye Selo की मूर्ति को समर्पित पंक्तियाँ लिखीं:

युवती ने कलश को पानी से गिराकर चट्टान पर तोड़ दिया। कन्या उदास बैठी है, एक शार्प पकड़े हुए है। चमत्कार! टूटे हुए कलश में से उण्डेलने से जल नहीं सूखेगा; कन्या शाश्वत धारा के ऊपर सदा उदास बैठी रहती है।

उस समय की देशभक्ति की आकांक्षाओं का अवतार मॉस्को में रेड स्क्वायर पर मिनिन और पॉज़र्स्की का प्रसिद्ध स्मारक था, जिसे मार्टोस द्वारा प्रस्तुत किया गया था। राष्ट्रीय नायक का आदर्श, जो कज़ान कैथेड्रल और एडमिरल्टी के लिए VI डेमुट-मालिनोव्स्की, एसएस पिमेनोव, IE तेरेबेनेव की मूर्तियों में सन्निहित था, को मार्टोस के स्मारक में सबसे ठोस समाधान मिला: निज़नी नोवगोरोड व्यापारी मिनिन कॉल करता है कमांडर प्रिंस पॉज़र्स्की अपनी रक्षा पितृभूमि के लिए। लेकिन चूंकि मार्टोस ग्रीस के लिए आदर्श था कि उन्होंने अपने पूरे जीवन का पालन किया, उनकी रूसी छवियां पूर्वजों के मॉडल के अनुसार बनाई गई प्रतीत होती हैं, हालांकि सामान में "रूसी" विवरण होते हैं, उदाहरण के लिए, मिनिन की किसान शर्ट और छवि राजकुमार पॉज़र्स्की की ढाल पर हाथों से नहीं बनाया गया उद्धारकर्ता।

30 के दशक की शुरुआत तक, एक प्रवृत्ति के रूप में क्लासिकवाद पूरी तरह से समाप्त हो गया था: राष्ट्रीय भावना का उदय, सामंती-सेरफ राज्य के ढांचे के भीतर मातृभूमि की सेवा करने का नागरिक मार्ग, जिसने एक सदी की पहली तिमाही में क्लासिकवाद का पोषण किया, डीसमब्रिस्टों की हार के बाद नहीं हो सका। 19वीं शताब्दी के दूसरे तीसरे भाग में वास्तुकला और स्मारकीय मूर्तिकला के क्रमिक ह्रास का यही कारण था।

सम्राट निकोलस I के शासनकाल के पहले वर्षों में, के. रॉसी की गतिविधियाँ जारी रहीं। आर्किटेक्ट वीपी एस / पासोव ने भी बहुत काम किया, जिन्होंने अपने प्रसिद्ध "सैन्य" कैथेड्रल - ट्रिनिटी, प्रीओब्राज़ेंस्की, विजयी द्वार - मॉस्को, मॉस्को चौकी पर, और नरवा, रूसी गार्ड की जीत के स्मारक के रूप में बनाया। 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध, पावलोवस्की बैरक गार्ड रेजिमेंट।

शैली, जिसे "निकोलेव साम्राज्य" कहा जा सकता है, रूसी वास्तुकला में क्लासिकवाद के विकास का अंतिम चरण बन गया, और XIX सदी के मध्य में। - यह पहले से ही क्लासिकिस्ट सौंदर्यशास्त्र के संकट का समय है। बाह्य रूप से, संकट वास्तुशिल्प रूपों के सामंजस्य के नुकसान में प्रकट हुआ, उनकी अत्यधिक ज्यामिति, जटिल सजावटी विवरण। उन्नीसवीं सदी के मध्य में रूसी वास्तुकला की शैली में हुए परिवर्तन का एक स्पष्ट विचार उन इमारतों से मिलता है जो सेंट पीटर्सबर्ग में सेंट इसाक स्क्वायर के विकास में शामिल थे, जिनमें से मुख्य स्थान था निस्संदेह सेंट आइजैक कैथेड्रल, अगस्टे मोंटफेरैंड (1786-1858) की परियोजना द्वारा बनाया गया था। उच्च राहत के साथ सजाए गए भारी गैबल्स वाले पोर्टिको। एक सोने का पानी चढ़ा हुआ गुंबद गिरजाघर के ऊपर 101 मीटर की ऊँचाई तक उगता है, ड्रम एक कोलोनेड से घिरा होता है जिसे मूर्तियों के साथ एक बेलस्ट्रेड के साथ ताज पहनाया जाता है।

वॉल क्लैडिंग के लिए, मोंटफेरैंड ने हल्के भूरे रंग के ओलोनेट्स मार्बल का इस्तेमाल किया, जो गर्म रंगों के पारंपरिक प्लास्टर क्लैडिंग की जगह लेता है, जो रूसी क्लासिक्स के लिए पारंपरिक है। अग्रभाग की संरचना में ग्रेनाइट स्तंभों का उपयोग भी असामान्य था। उनकी चड्डी की दर्पण पॉलिशिंग, आधारों और राजधानियों के निर्माण के लिए धातु का उपयोग - यह सब स्थापत्य छवि में कठोर, ठंडे लक्षण लाए।

पवित्र इतिहास के विषय पर इमारत के अग्रभाग को गोल मूर्तिकला और धातु से बनी उच्च-राहतों से सजाया गया था। अत्यधिक वैभव और रूपों का विखंडन, एक प्रकार का "कालीन" विमान का भरना आंतरिक सजावट में दिखाई दिया। "रूसी मोज़ेक" की तकनीक में बने कैथेड्रल के प्रसिद्ध मैलाकाइट कॉलम, जिसमें पत्थरों को उनके रंग और प्राकृतिक पैटर्न के अनुसार चुना गया था, तैयार उत्पाद में एक मोनोलिथ की छाप देते हुए, शायद ही कलात्मक रूप से सफल कहा जा सकता है, चूंकि पत्थर का पैटर्न और रंगों का अतिप्रवाह गायब हो जाता है क्योंकि स्तंभ दर्शक से बड़ी दूरी पर होते हैं। कैथेड्रल के इंटीरियर में मूर्तिकला का व्यापक रूप से प्रतिनिधित्व किया जाता है, हालांकि इसमें प्रमुख भूमिका मोज़ाइक और अकादमिक क्लासिकिज्म-के के उत्कृष्ट चित्रकारों द्वारा बनाई गई पेंटिंग द्वारा निभाई जाती है। पी। ब्रायलोव, एफ। ए। ब्रूनी, पी। वी। वासीन। ब्रायलोव के स्केच के अनुसार, गुंबद को चित्रित किया गया था, ब्रूनी ने "द फ्लड", "द बैटल ऑफ अलेक्जेंडर नेवस्की विद द स्वेड्स" की रचना की।

उसी समय, रोमांटिक प्रवृत्ति तेज हो गई। कला में रूमानियत की एक विशिष्ट विशेषता पिछले ऐतिहासिक युगों की अपील थी, जिसने "राष्ट्रीय रोमांटिकवाद" के एक नए कलात्मक आंदोलन के गठन में योगदान दिया, जो नेपोलियन युद्धों के बाद पूरे यूरोप में फैल गया। इन्हीं आकांक्षाओं ने पावलोव्स्क के पास ग्लेज़ोवो गांव में द्वितीय विश्व युद्ध के दिग्गजों के लिए लकड़ी के घरों को "रूसी शैली में" डिजाइन करने में के। रॉसी के प्रयोगों को निर्धारित किया, या ओ। मोंटफेरैंड और ए। स्टेकेंसनाइडर द्वारा "अनुकरणीय सराय", किसानों की नकल करते हुए। मकानों।

निकोलेव युग में, "राष्ट्रीय रोमांटिकवाद" का आंदोलन अंग्रेजी गोथिक और प्रशिया हेलेनिज़्म की ओर उन्मुख था। इसका कारण निकोलस और उनके परिवार के जर्मन शाही घराने के साथ व्यक्तिगत संबंध थे। इस प्रवृत्ति का सबसे उत्कृष्ट उदाहरण पीटरहॉफ में कॉटेज था, जिसे 1920 के दशक के अंत में ए.ए. मेनेलस द्वारा बनाया गया था। इसकी सभी बाहरी और आंतरिक सजावट अंग्रेजी "गॉथिक हाउस" से मेल खाती है। फर्नीचर, दीवारों पर गोथिक नक्काशी, खिड़कियों में रंगीन कांच ने एक विशेष रोमांटिक माहौल बनाया। ज़ुकोवस्की ने विशेष रूप से कॉटेज के लिए एक तलवार के साथ शूरवीर काल की भावना में हथियारों का एक कोट, एक ढाल पर गुलाब की एक माला और आदर्श वाक्य "फॉर फेथ, ज़ार और फादरलैंड" की रचना की।

अपने कठोर, ज्यामितीय रूप से नियमित विमानों और प्राचीन गहनों के छोटे, आंशिक चित्र के साथ प्रशिया हेलेनिज़्म का एक विशिष्ट उदाहरण लियोन वॉन क्लेंज़ की परियोजना के अनुसार निर्मित न्यू हर्मिटेज की इमारत है।

रूसी राष्ट्रीय संस्कृति के विकास के तरीकों के बारे में "स्लावोफाइल्स" और "वेस्टर्नाइज़र" के बीच के विवादों में, आर्किटेक्ट के। टन और ए। गोर्नोस्टेव की "रूसी-बीजान्टिन शैली" का जन्म हुआ, जो बाद की अवधि में मुख्य बन गया।

नई सदी के पहले वर्षों से, समाज के स्वाद और शौक में विभिन्न कलात्मक प्रवृत्तियों का सह-अस्तित्व था: एक ओर, क्लासिकवाद ने शासन किया, जो अपने सिद्धांत से किसी भी विचलन को नहीं पहचानता था, दूसरी ओर, रोमांटिक आवेगों को कुछ मुक्त और अधिक स्वतंत्र दिखाई दिया। रूसी चित्रकला में रूमानियत का विकास खंडहर, फ्रीमेसनरी संस्कार, शूरवीर उपन्यास और रोमांस के लिए फैशन से जुड़ा है।

ऑरेस्ट एडमोविच किप्रेंस्की (1782-1836) अलेक्जेंड्रोव क्लासिकिज्म की अवधि के एक उत्कृष्ट रोमांटिक कलाकार थे। सेंट पीटर्सबर्ग एकेडमी ऑफ आर्ट्स से ऐतिहासिक पेंटिंग की कक्षा में स्नातक होने के बाद, किप्रेंस्की ने एक चित्रकार के रूप में रूसी संस्कृति के इतिहास में प्रवेश किया। रूसी कला की एक विशेषता क्लासिकवाद, भावुकता और रूमानियत का संलयन था। इसने कलाकार द्वारा बनाई गई छवियों की नागरिक उदात्तता, उनकी व्यक्तिगत मौलिकता, मानवीय गर्मजोशी के साथ एक दुर्लभ संयोजन का नेतृत्व किया। इन पदों से किप्रेंस्की के किसी भी चित्र को देखा जा सकता है, लेकिन शायद सबसे ग्राफिक "एवग्राफ वी। डेविडोव का पोर्ट्रेट" है। अपने वीर पैमाने और रोमांटिक प्रेरणा में, यह एक नए युग की छवि है। जिस तरह इन वर्षों के दौरान सेना में सेवा वर्ग परंपराओं से देशभक्ति के मामले में बदल गई, उसी तरह डिजाइन द्वारा यह औपचारिक चित्र 18 वीं शताब्दी के आधिकारिक वैभव से बहुत दूर है।

एवग्राफ डेविडोव प्रसिद्ध डेनिस डेविडोव के चचेरे भाई हैं, जिन्होंने 1807-1808 के सैन्य अभियानों में खुद को प्रतिष्ठित किया, लीपज़िग के पास "राष्ट्रों की लड़ाई" के भविष्य के नायक को एक बहादुर और एक शूरवीर, विद्रोही और स्वप्निल के रूप में प्रस्तुत किया गया है। वह "हुसर गाने" के नायक डेनिस डेविडॉव से मिलता-जुलता है, जो "बिना मर्जी के दावतों में बिना जुताई के भरा हुआ है" और जिसने रोमांटिक नायक पुश्किन की तरह, "अपने वफादार कृपाण और काठी के बीच एक अपमानजनक गीत लटका दिया।" यह चित्र पूरी तरह से एक रूसी व्यक्ति की आत्मा के बड़प्पन को व्यक्त करता है - एक देशभक्त जो पितृभूमि के लिए अपना सिर रखने के लिए तैयार है, और एक प्रेरित कवि। शायद यही कारण है कि इस छवि को "नायक-गायक" डेनिस डेविडोव के चित्र पर विचार करने की परंपरा इतनी मजबूत है, क्योंकि यह महान कवि-पक्षपातपूर्ण की छवि के साथ मेल खाती है, जो राष्ट्रीय आदर्श है।

XIX सदी के लिए एक अद्भुत पेंटिंग में। महारत ने रंग सामंजस्य हासिल किया: नीले-काले आकाश और जैतून के पत्ते घुंघराले सिर और नायक के चेहरे के शहद-पीले रंग के स्वर को सेट करते हैं, स्कारलेट, स्पार्कलिंग गोल्ड मैन्टिक हार्नेस की लटकी हुई चांदी की रस्सी के साथ चमकदार सफेद लेगिंग पर जोर देता है। और न केवल नायक की उपस्थिति, बल्कि रंग भी एक प्रमुख मूड बनाता है।

यूगर के पोर्ट्रेट में। डेविडोव ”किप्रेंस्की एक रोमांटिक, लेकिन एक रूसी रोमांटिक के रूप में दिखाई दिए, जो रूसी कला की विशद मौलिकता को दर्शाता है। यह ऐतिहासिक काल 1800-1810 की ख़ासियत से वातानुकूलित था, इस तथ्य से कि रूस पितृभूमि के दुश्मनों के खिलाफ मुक्ति संघर्ष के मार्ग पर चल पड़ा, और न्याय में विश्वास, जीत में, सामाजिक आशावाद, उच्च नागरिक चेतना और सामाजिक पाथोस ने रूसी रूमानियत की विशिष्ट विशेषताओं को निर्धारित किया।

किप्रेंस्की ने 1812 के युद्ध के नायकों के चित्रों की एक पूरी गैलरी बनाई, जिसमें प्रत्येक मामले में पेंटिंग शैली, रंगीन, प्रकाश प्रभाव और चित्र की संपूर्ण भावनात्मक संरचना को संशोधित करने की अद्भुत क्षमता का प्रदर्शन किया गया।

कलाकार की निस्संदेह उत्कृष्ट कृति एएस पुश्किन का चित्र था, जिसे कवि के जीवन भर के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में से एक माना जाता है, क्योंकि उस समय के कलाकारों में से केवल किप्रेंस्की सबसे महत्वपूर्ण की सही समझ के मामले में पुश्किन के करीब आने में सक्षम थे। युग के ऐतिहासिक रुझान।

उन्होंने उत्साह से चित्र के बारे में लिखा कि यह "एक जीवित पुश्किन है ... उसे कम से कम एक बार जीवित देखकर, आप तुरंत उसकी मर्मज्ञ आंखों और मुंह को पहचान लेते हैं, जिसमें केवल एक निरंतर शुरुआत का अभाव है।" पुश्किन ने किप्रेंस्की को लिखा: "मैं खुद को एक दर्पण के रूप में देखता हूं ..." और इन शब्दों का अर्थ, संभवतः, एक अशिक्षित व्यक्ति की कल्पना से कहीं अधिक गहरा है। किप्रेन्स्की पेंटिंग की ऐसी प्रणाली बनाने के सपने से ग्रस्त थे जो जीवन का एक पूर्ण भ्रम देगा, "एक दर्पण की तरह अभिनय करना जो कई रंगों से झिलमिलाता है जैसे कि इसकी सतह पर परिलक्षित चीजों में होता है।" और कलाकार सतह पर जो प्रतिबिंबित करता है वह मुद्रा की बाहरी शांति के साथ एक महान माथे पर कठिन प्रतिबिंब और कड़वाहट की छाप है। कवि की आध्यात्मिक दुनिया में भागीदारी ने किप्रेंस्की को "स्मारक" की अमर पंक्तियों के अनुरूप एक स्थायी छवि बनाने की अनुमति दी:

मैंने अपने लिए एक स्मारक बनाया है जो हाथों से नहीं बनाया गया है, एक लोक पथ उस तक नहीं बढ़ेगा। वह अलेक्जेंड्रिया के विद्रोही स्तंभ के शीर्ष पर चढ़ गया।

अलेक्सी गवरिलोविच वेनेत्सियानोव (1780-1847), बोरोविकोवस्की के पसंदीदा छात्र, एक उल्लेखनीय चित्रकार थे, जो रूसी चित्रकला में एक अजीबोगरीब राष्ट्रीय-रोमांटिक आंदोलन के निर्माता थे। वेनेत्सियानोव ने 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में महानगरीय शिक्षावाद, रूसी रूमानियत की परंपराओं को अपने कार्यों में जोड़कर एक अनूठी शैली बनाई। और किसान जीवन का आदर्शीकरण। वह रूसी शैली की शैली के पूर्वज बन गए। अकादमिक सौंदर्यशास्त्र में मौजूद "सरल प्रकृति" और "सुंदर प्रकृति" के विरोध के विपरीत, वेनेत्सियानोव ने किसान जीवन के चित्रण की ओर मुड़ते हुए, इसे सद्भाव, भव्यता और सुंदरता से भरी दुनिया के रूप में दिखाया। वेनेत्सियानोव की शैली ने अनुप्रयुक्त कला के विकास को भी प्रभावित किया। उनके चित्र, जो रूसी साम्राज्य में रहने वाले "विशिष्ट प्रकार" का प्रतिनिधित्व करते थे, ने गार्डनर कारखाने में चीनी मिट्टी के बरतन मूर्तियों की एक श्रृंखला के निर्माण के आधार के रूप में कार्य किया।

उसी समय, आधिकारिक कलात्मक जीवन में, रोमांटिकवाद प्रमुख था, उस समय अकादमिक क्लासिकवाद के साथ संयुक्त।

XIX सदी के 30-40 के दशक में। दृश्य कलाओं में प्रमुख भूमिका चित्रकला की थी, मुख्यतः ऐतिहासिक चित्रकला। इसकी विशिष्ट विशेषता दुखद चरमोत्कर्ष में प्राचीन इतिहास की घटनाओं का प्रतिबिंब थी। पिछले युग (ए, पी। लोसेन्को) की ऐतिहासिक पेंटिंग के विपरीत, जिसने नैतिक इतिहास के साथ राष्ट्रीय इतिहास की ओर रुख किया, जहां उज्ज्वल शुरुआत बुराई की ताकतों पर विजय प्राप्त करती है, के.पी.ब्रायलोव, एफ.ए. ब्रूनी, ए.ए. की ऐतिहासिक रचनाएं। इवानोव प्रकृति में अमूर्त प्रतीकात्मक हैं। एक नियम के रूप में, उनके चित्र धार्मिक विषयों पर लिखे गए हैं, छवि में जोर एक महत्वपूर्ण क्षण में नायक की केंद्रीय आकृति से भीड़ में स्थानांतरित किया जाता है। अंध अपरिहार्य भाग्य (ब्रायलोव "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई") या दैवीय प्रतिशोध (ब्रूनी "द ब्रेज़ेन सर्प") द्वारा पीछा की गई बेचैन भीड़, नबियों के चरणों में और मूर्तियों के चरणों में गिरती है। कथानक की नाटकीय प्रकृति, रचना की गतिशीलता, जुनून की तीव्रता, विपरीत रंग और प्रकाश प्रभाव - ब्रायलोव, ब्रूनी और इवानोव के कार्यों में निहित इन सभी विशेषताओं ने रूसी ऐतिहासिक चित्रकला के विकास में रोमांटिक अवधि निर्धारित की।

यहां प्रमुख भूमिका कार्ल पावलोविच ब्रायलोव (1799-1852) की है, जिन्होंने अपने काम में चित्रण के क्लासिकिस्ट कैनन के साथ एक रोमांटिक अवधारणा को जोड़ा। ब्रायलोव के समकालीनों के मुख्य कार्य ने सर्वसम्मति से बड़े ऐतिहासिक कैनवास "द लास्ट डे ऑफ पोम्पेई" पर विचार किया। चित्र का विचार चित्रित लोगों की पूर्णता और उनकी मृत्यु की अनिवार्यता के बीच एक रोमांटिक भावनात्मक विपरीत पर आधारित था: इमारतें गिरती हैं, संगमरमर की मूर्तियाँ गिरती हैं, और कोई भी, वह बहादुर, सुंदर और महान नहीं हो सकता, बचाया जा सकता है एक आपदा के दौरान। रोमांटिकतावाद की विशिष्टता भी ऐतिहासिक घटना को "देखने" और सच्चाई से व्यक्त करने की इच्छा थी: ब्रायलोव ने प्रकृति से "कब्रों की सड़कों" का एक चित्र भी बनाया, जिसे चित्र में लगभग अपरिवर्तित किया गया था। क्लासिकिस्ट अकादमिक परंपरा ने रचना की एक निश्चित कृत्रिमता में खुद को प्रकट किया, जो एक भव्य ओपेरा समापन की याद दिलाता है, जीवित लोगों के प्रतिस्थापन में मोम के आंकड़ों के संग्रह के साथ बहुत सुंदर लेकिन मृत चेहरे और एक ही इशारों में, एक विशुद्ध रूप से नाटकीय कोलाहल में , याद दिलाता है, ए. बेनोइस के शब्दों में, "बंगाली रोशनी का जलना और बिजली की चमक।" उसी समय, ब्रायलोव अपनी कलात्मकता, कलाप्रवीण व्यक्ति तकनीक, रचना की गुंजाइश और विशद सुरम्यता से विस्मित हो जाता है।

ब्रायलोव अपने समय के सबसे महत्वपूर्ण और लोकप्रिय रूसी चित्रकारों में से एक थे। वह एक मास्टर है, सबसे पहले, एक औपचारिक तेल चित्र, जहां एक व्यक्ति को एक गंभीर वातावरण में पूरी ऊंचाई पर प्रस्तुत किया जाता है, साथ ही साथ उत्कृष्ट पेंसिल और पानी के रंग के चित्र भी। ब्रायलोव के चित्र एक सुंदर और गर्वित व्यक्ति के रोमांटिक आदर्श को दर्शाते हैं जो अपने आसपास के लोगों से ऊपर खड़ा होता है। ऐसा है, उदाहरण के लिए, "द हॉर्सवुमन", जिसे 18 वीं शताब्दी की समृद्ध वेलेरियन पेंटिंग की याद ताजा करते हुए, सुनहरे-भूरे रंग के, गुलाबी और हरे-भूरे रंग के स्वर में निष्पादित किया गया है।

अपने पूर्ण वैभव में, ब्रायुल्लोव की विशाल प्रतिभा, उनके शैक्षणिक प्रशिक्षण के बावजूद, काउंटेस यू.पी. समोइलोवा के दो चित्रों में प्रकट हुई - शिष्य जोवनिना और छोटे अरापचोन के साथ और एक बहाना में छात्र अमात्सिलिया के साथ। बाद के चित्र में, नीले और लाल रंग के समृद्ध रंग के विपरीत, रचना की सादगी और रंग की संक्षिप्तता, कैनवास को एक विशेष सजावटी प्रभाव और साथ ही, स्मारकीयता प्रदान करती है। चमकीले लाल पर्दे की पृष्ठभूमि के खिलाफ काले कर्ल द्वारा तैयार काउंटेस का सुंदर ठंडा चेहरा, एक बहाना रानी के रूप में उसकी पोशाक, एक प्राच्य पोशाक में एक युवा साथी, हॉल के पीछे मुखौटों की एक आकर्षक भीड़ - सभी निर्माण में योगदान करते हैं एक ज्वलंत रोमांटिक छवि की।

ब्रायलोव ने कई चित्र भी बनाए जो किसी व्यक्ति की वास्तविक छवि को प्रकट करते हैं; उनमें रोमांटिक शुरुआत केवल रंग की चमक और संतृप्ति में प्रकट हुई थी। यह एक लाल रंग की पृष्ठभूमि पर एक काले रंग के लबादे में कला समाचार पत्र ए.एन. स्ट्रुगोवशिकोव के प्रकाशक का चित्र है, जहां उनके व्यक्तित्व की विरोधाभासी विशेषताओं को सही ढंग से नोट किया गया है।

ब्रायलोव का नाम रोमांस के तत्वों के साथ एक नए सचित्र शिक्षावाद का प्रतीक बन गया है।

फ्योडोर एंटोनोविच ब्रूनी (1799-1875) के काम में और भी अधिक अकादमिक रूमानियत प्रकट हुई। उनका "ब्रेज़ेन सर्पेंट" पूरी तरह से अपने युग से संबंधित है: चेहरे एक भीड़ में विलीन हो जाते हैं, जो सामान्य भय और दासता के अधीन होते हैं। मानव आकृतियों के वितरण की लय, प्रकाश और छाया का वितरण, जैसा कि था, उस लय को दोहराता है जिसमें भीड़ की भावनाएँ बढ़ती और फीकी पड़ती हैं। चित्र के धार्मिक और रहस्यमय अभिविन्यास ने अदालत में और उच्च समाज के हलकों में फैशनेबल मूड को दर्शाया।

30-50 के दशक की रूसी चित्रकला में सबसे महत्वपूर्ण घटना। XIX सदी। - अलेक्जेंडर एंड्रीविच इवानोव (1806-1858) का काम करता है। इवानोव ने मोम मॉडल-पुतलों की मदद से चित्र की रचना के पारंपरिक शैक्षणिक तरीकों का इस्तेमाल किया, हर चीज में "क्लासिकिज़्म" का परीक्षण करने की कोशिश की, प्राचीन मूर्तियों के साथ अपने स्वयं के रेखाचित्रों की तुलना करते हुए, उनसे पोज़ और आंदोलनों को उधार लिया। "अपोलो, सरू और जलकुंभी, संगीत और गायन में लगे हुए", "पुनरुत्थान के बाद मैरी मैग्डलीन को मसीह की उपस्थिति" ने अकादमिक क्लासिकवाद की सभी विशेषताओं को अवशोषित कर लिया, एक रोमांटिक व्याख्या द्वारा नरम। 19वीं सदी के दूसरे तीसरे भाग की ऐतिहासिक पेंटिंग का सबसे विशिष्ट उदाहरण। उनकी प्रसिद्ध पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल" है, जिसमें कलाकार ईसाई धर्म के सार को व्यक्त करना चाहता था, नैतिक क्रांति जिसने इस शिक्षण के नैतिक और नैतिक मानकों का निर्माण किया। अपने टाइटैनिक बीस वर्षों के काम के दौरान, कलाकार रचना, ड्राइंग, पेंटिंग की पारंपरिक शैक्षणिक तकनीकों की सीमाओं के बारे में अधिक आश्वस्त हो गया और वास्तविक जीवन लिखने का प्रयास किया, न कि अकादमिक प्रदर्शन का आविष्कार किया। चित्र के चेहरों के रेखाचित्र इस बात का एक संपूर्ण प्रेरित कलात्मक अध्ययन है कि गुलामी में, संदेह में, कट्टरता के अंधेपन में, सत्य की अंतर्दृष्टि में एक व्यक्ति कैसा है। यहां हम मानवता को एक ऐतिहासिक चौराहे पर, बुतपरस्ती और ईसाई धर्म के मोड़ पर, आध्यात्मिक ज्ञान के क्षण में, अपना रास्ता चुनने से पहले देखते हैं, और यह सब इवानोव द्वारा अद्वितीय मनोवैज्ञानिक कौशल के साथ बनाया गया था। मानव आत्मा के गुणों की समझ की गहराई इवानोव को विश्व चित्रकला के महानतम उस्तादों में डालती है। इवानोव के रेखाचित्र रंग के मामले में भी अद्वितीय हैं: मानव शरीर पर नीली छाया, धूप में धूसर, सुस्त हरा, चेहरों पर नारंगी और हरे रंग की सजगता - रंग अनुपात की वह सभी विविधता और नवीनता जो केवल प्रभाववादी आए और जो, पहले इवानोव, पेंटिंग के पूरे इतिहास में बिल्कुल भी नहीं था। लेकिन उन्होंने अपनी रंगीन खोजों को पूरी तरह से एक बड़े कैनवास पर स्थानांतरित करने की हिम्मत नहीं की, जैसे कि जीवन से चित्रित आंकड़े और प्रकार।

यह कुछ भी नहीं था कि समकालीनों ने माना कि चित्र एक टेपेस्ट्री की तरह दिखता है, और ए बेनोइस ने लिखा है कि यह एक दर्दनाक प्रभाव डालता है, क्योंकि ऐसा लगता है कि आपके सामने दो पेंटिंग हैं - एक को दूसरे के ऊपर चित्रित किया गया है, शीर्ष एक को एक नीरस और सुस्त ट्रेसिंग पेपर के रूप में माना जाता है जिसके नीचे एक है।

पहली नज़र में, "द अपीयरेंस ऑफ़ क्राइस्ट टू द पीपल" के रूमानियत से संबंधित ब्रायलोव और ब्रूनी के चित्रों की तरह निर्विवाद नहीं लगता है। इसमें कथानक के नाटक, क्रिया की गतिशीलता, जुनून की उग्रता, रंग और कट-ऑफ प्रभाव का अभाव है। उसी समय, चित्र का सामान्य डिजाइन, इसका विचार निस्संदेह रोमांटिक है: पैगंबर जॉन द बैपटिस्ट का आह्वान और मसीह का उपदेश यहूदिया के लोगों को "युगों की चुप्पी" से जगाने वाला था। यह कलाकार और कला के संदेशवाहक उद्देश्य के विचार से भी संबंधित है। "द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल" की अवधारणा मानव जाति के नैतिक सुधार की प्रक्रिया के रूप में ऐतिहासिक प्रक्रिया की एक रोमांटिक समझ को दर्शाती है। इवानोव की प्रतिभा, बाइबिल की साजिश के चित्रण में प्रकट हुई, नई पेंटिंग का अग्रदूत बन गई।

ए. इवानोव का रूस में कोई अनुयायी नहीं था। वह अंतिम ऐतिहासिक चित्रकार थे, जिसके बाद "प्राकृतिक स्कूल" और वांडरर्स के कलाकारों के चित्रों में "वास्तविकता का चित्रण" और "जीवन का एक्सपोजर" के रास्ते पर रूसी चित्रकला स्कूल विकसित होना शुरू हुआ।

प्राकृतिक विद्यालय, जो आलोचनात्मक यथार्थवाद और एक तीव्र सामाजिक अभिविन्यास की विशेषताओं की विशेषता है, 19 वीं शताब्दी के मध्य में उभरा। मूल रूप से रूसी साहित्य में और एन.वी. गोगोल, एन.ए. नेक्रासोव, एफ.एम.दोस्तोव्स्की, आई.ए. गोंचारोव, डी.वी. ग्रिगोरोविच के कार्यों में खुद को प्रकट किया। इसके साथ ही नए साहित्य के साथ, जिनके प्रतिनिधियों ने स्वाभाविकता, स्वाभाविकता के लिए प्रयास किया, बिना अलंकरण के जीवन का चित्रण किया, ”19 वीं शताब्दी के मध्य 40 के दशक तक। कलाकारों की एक पूरी पीढ़ी दिखाई दी - प्राकृतिक विद्यालय के अनुयायी। और उनमें से पहले को पावेल एंड्रीविच फेडोटोव (1815-1852) माना जाना चाहिए, जिनकी पेंटिंग जीवन के दृश्य हैं, जहां स्थिति का दुखद सार सामान्य की आड़ में छिपा है। यह एक प्रकार का नैतिक उपदेश है, जिसका उद्देश्य दूसरों को ठीक करना है। ये हैं "फ्रेश कैवेलियर", "चॉसी ब्राइड", "ब्रेकफास्ट ऑफ ए एरिस्टोक्रेट", "मेजर कोर्टशिप"।

पेंटिंग में "द मेजर की मैचमेकिंग" उस समय के जीवन की एक विशिष्ट घटना थी - सुविधा की शादी: एक धनी व्यापारी और उसका पूरा परिवार अपनी बेटी की शादी के माध्यम से "लत्ता से धन के लिए" पाने का सपना देखता है। . यहां फेडोटोव की विशेषता, मिस-एन-सीन की कला सबसे अधिक ध्यान देने योग्य है: केंद्र में, एक प्यारी दुल्हन अपनी मां के हाथों से मुक्त हो जाती है, उसे कमरे में रखने के लिए उसे स्कर्ट से पकड़कर, बाकी पात्रों को समूहों में एकजुट होते हैं, जिनमें से प्रत्येक व्यापारी के पितृसत्तात्मक जीवन के बारे में अपने तरीके से "बताता है"। असाधारण परिष्कार, पोज़ की अभिव्यक्ति, हावभाव, पात्रों के चेहरे के भाव इस परिवार के सच्चे रीति-रिवाजों को देखने के लिए एक पल के लिए अनुमति देते हैं। एक मिनट में बेटी अपनी पोशाक सीधी करेगी, माँ मुस्कुराएगी और शालीनता से झुकेगी, रसोइया और घरवाले पीछे के कमरों में छिप जाएंगे। पात्रों को फेडोटोव द्वारा रूसी जीवन के एक अद्भुत ज्ञान के साथ चुना गया था और 40 के दशक की शारीरिक विशेषताओं के एक दिलचस्प और कीमती संग्रह का प्रतिनिधित्व करते हैं।

पेंटिंग एक सचित्र अर्थ में एक सच्ची कृति है: इसकी रंग योजना गुलाबी, बैंगनी के साथ हरे-गेरू और पीले रंग के एक अभिव्यंजक जुड़ाव पर आधारित है। घने रेशमी कपड़े का खेल, पुराने कांसे की झिलमिलाहट, पारदर्शी कांच की चमक सामग्री की अद्भुत भावना के साथ व्यक्त की जाती है। दुल्हन के फेंके हुए सिर की कोमल रेखाओं में, उसके हावभाव में, दिखावा के अलावा, बहुत अधिक स्त्रीत्व है, जो उसकी पोशाक के सफेद-गुलाबी कपड़ों की वायुहीनता पर जोर देती है। इस सब में, फेडोटोव के अलावा व्यंग्यकार, फेडोटोव कवि को महसूस किया जाता है।

हालांकि, फेडोटोव का सबसे काव्यात्मक और सही काम उनका आखिरी कैनवास "एंकर, अभी भी एंकर!" माना जाता है, जहां लगभग कोई नाटकीय कार्रवाई नहीं होती है, और विषय चित्र की रंग योजना में एक मुद्रा, इशारा में प्रकट होता है।

एक तंग झोपड़ी में, एक मरते हुए ठूंठ से मंद रोशनी, बिस्तर पर फैला एक दुखी युवा अधिकारी, किसी गाँव में एक शीतकालीन शिविर में जबरन आलस्य से ऊब गया। उनका एकमात्र मनोरंजन एक छड़ी पर पूडल कूदना है। "एंकर," अधिकारी कुत्ते को चिल्लाता है, "एक और लंगर!" - और बेचैन, हंसमुख प्राणी अपने मालिक की खुशी के लिए अथक रूप से सरपट दौड़ता है।

एक दूर के कोने में जीवन की नीरस एकरसता और दमघोंटू वातावरण को रंग द्वारा उत्कृष्ट रूप से व्यक्त किया जाता है: धब्बों में एक अकेली मोमबत्ती की गर्म-लाल दोलनशील रोशनी उन वस्तुओं को चुनती है जो धुंध से अस्पष्ट और अवास्तविक लगती हैं, जो ठंडे ग्रे-नीले रंग के स्वर के विपरीत होती हैं। खिड़की के बाहर चांदनी परिदृश्य की।

फेडोटोव रूसी शैली की पेंटिंग में महत्वपूर्ण यथार्थवाद के अग्रदूत थे। यह विश्लेषणात्मक पद्धति थी, जो आसपास की दुनिया के अंतर्विरोधों को प्रकट करती है, जिसे 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में रूसी कला में प्रमुख होना था।

संगीत संस्कृति

प्रमुख रूसी लेखकों द्वारा शुरू की गई साहित्यिक और संगीत सभा, सदी की शुरुआत के सांस्कृतिक जीवन की एक विशिष्ट घटना बन गई। संगीत संग्रह एए डेलविग में व्यापक रूप से ज्ञात हो गए, जहां कवि ए.एस. पुश्किन, आई.ए. क्रायलोव, एन.आई. गेनिडिच, डी.वी. वेनेविटिनोव के साथ, संगीतकार एम.आई. ग्लिंका ने दौरा किया।

एम.यू. का संगीत सैलून विलेगॉर्स्की, एक प्रबुद्ध शौकिया संगीतकार, को आम तौर पर राजधानी में एक "विशेषाधिकार प्राप्त" कॉन्सर्ट हॉल के रूप में मान्यता दी गई थी। सर्वश्रेष्ठ रूसी कलाकार और आने वाली हस्तियां यहां चमक गईं, और विदेशी अतिथि कलाकार एमयू विलेगॉर्स्की के साथ निजी शाम के बाद ही सार्वजनिक समारोहों में दर्शकों के साथ सफलता पर भरोसा कर सकते थे।

1820 के दशक में मॉस्को में, संगीत जीवन का केंद्र नोविंस्की बुलेवार्ड पर ए.एस. ग्रिबॉयडोव का घर था, जहां संगीतकार ए.ए. एल्याबयेव, ए.एन. वेरस्टोवस्की और पहले रूसी संगीत समीक्षक वी.एफ. ओडोएव्स्की मिले थे।

लेकिन सबसे प्रसिद्ध Z.A. Volkonskaya का संगीत सैलून था, जो एक प्रसिद्ध सौंदर्य, गायक और लेखक थे, जो 1824 में मास्को में रोमन मूर्तियों और पोम्पियन भित्तिचित्रों के साथ एक असली पलाज़ो में टावर्सकाया गेट पर बस गए थे। उनके घर में शाम को साहित्यिक वाचन, संगीत कार्यक्रम, नाट्य प्रदर्शन, शौकिया ओपेरा प्रदर्शन, लाइव चित्र, बहाना, बच्चों के प्रदर्शन रैसीन के नाटकों पर आधारित थे। सैलून में Volkonskaya लगातार दार्शनिक और साहित्यिक सर्कल "सोसाइटी ऑफ विजडम" के सदस्यों को इकट्ठा करता है डीवी वेनेविटिनोव, वीएफ ओडोएव्स्की, IV किरीव्स्की, एसपी शेवरेव। साहित्यिक वाचन में लगभग सभी प्रसिद्ध कवियों ने भाग लिया: वी.ए. ज़ुकोवस्की, ईए बारातिन्स्की, एनएम याज़ीकोव, ए.ए. डेलविग, निर्वासित पोलिश कवि ए। मित्सकेविच, आई। रेजिमेंट"), लेखक एमएन ज़ागोस्किन, इस्तर्गनेव, एएस ग्रिबॉयडोव। 1920 के दशक में रूस में सफलतापूर्वक प्रदर्शन करने वाली सभी मुखर हस्तियां - पॉलीन वियार्डोट, एंजेलिका कैटलानी - निश्चित रूप से राजकुमारी की संगीत संध्या में शामिल हुईं। यह जिनेदा अलेक्जेंड्रोवना के सैलून में था कि प्रसिद्ध संगीत संध्या का आयोजन एम.एन. वोल्कोन्सकाया (नी रवेस्काया) के सम्मान में किया गया था, जो अपने पति के लिए निर्वासन के लिए जा रही थी, जिस पर ए.एस. पुश्किन।

महान कवि Z.A. Volkonskaya के सैलून में लगातार मेहमान थे। "वापस आओ," उसने उसके बाद लिखा। - एक महान रूसी कवि के लिए या तो स्टेप्स के विस्तार के बीच, या क्रेमलिन की छाया में लिखना उचित है; बोरिस गोडुनोव के निर्माता राजाओं के शहर के हैं।" जवाब में, पुश्किन ने उन्हें प्रसिद्ध काव्य समर्पण के साथ अपनी कविता "द जिप्सी" भेजी:

बिखरे हुए मास्को के बीच, सीटी और बोस्टन की अफवाहों के साथ, अफवाह के बॉलरूम प्रलाप के साथ, आप अपोलो के खेल से प्यार करते हैं। कस्तूरी और सुंदरता की रानी, ​​एक कोमल हाथ से आप प्रेरणा के जादू के राजदंड को पकड़ते हैं, और एक गहन माथे पर,

एक डबल ताज पहनाया पुष्पांजलि के साथ, और प्रतिभा मुड़ती है और जलती है। गायक, आपके द्वारा कब्जा कर लिया गया, विनम्र श्रद्धांजलि को अस्वीकार न करें, एक मुस्कान के साथ मेरी आवाज सुनें, जैसे खानाबदोश कैटलानी को पास से सुनता है।

1920 और 1930 के दशक के संगीत और साहित्यिक मंडलियों ने रूसी बुद्धिजीवियों के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधियों को एकजुट किया और नाटकीय और संगीतमय सार्वजनिक जीवन के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

रूसी थिएटर के विकास में सर्फ़ थिएटरों ने एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, ओपेरा, नाटक और बैले में प्रदर्शन स्कूलों के गठन, जिसके मंच पर पी। ज़ेमचुगोवा, टी। ग्रेनाटोवा और कई अन्य लोगों की प्रतिभाएँ पहली बार दिखाई दीं।

सर्फ़ थिएटर की परंपरा ने धीरे-धीरे सार्वजनिक शहर के सरकारी थिएटरों को रास्ता दिया, जहां ई.एस. सेमेनोवा, ए.एस. याकोवलेव, पीएस मोचलोव जैसे नाटकीय अभिनेताओं की एक पूरी आकाशगंगा सामने आई।

नाट्य प्रदर्शनों की सूची असामान्य रूप से विस्तृत थी: 18 वीं शताब्दी के लेखकों ए.पी. सुमारोकोव और डी.आई.फोनविज़िन के नाटकों के साथ, नई सदी के लेखक वी.ए. डेविडोव और के.कावोस द्वारा देशभक्ति की त्रासदी हुई थी। 1807 में दिया गया। वी। ए। ओज़ेरोव "दिमित्री डोंस्कॉय" की त्रासदी ने खुशी का एक अभूतपूर्व तूफान ला दिया। उसी समय, कॉमेडी शैलियों को सफलता मिली - कॉमिक ओपेरा, वाडेविल, कॉमेडी।

वाडविल, गायन और नृत्य के साथ एक हल्की कॉमेडी, जो शायद 1920 के दशक में सबसे लोकप्रिय शैली बन गई, ने थिएटर के विकास में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। सफलता न केवल वाडेविल के भोले "मनोरंजन" से जुड़ी थी, इसने हमारे समय के तीव्र, सामयिक विषयों को छुआ, रूसी जीवन की परिचित तस्वीरों को प्रतिबिंबित किया। उदाहरण के लिए, 1812 के युद्ध के दौरान, कावोस के वाडेविल किसानों, या बिन बुलाए की बैठक, जिसमें मुख्य पात्र पक्षपातपूर्ण बुजुर्ग वासिलिसा था, 1812 के युद्ध के दौरान बहुत लोकप्रिय था। वाडेविल की तीक्ष्ण व्यंग्य और सामयिकता की अंतर्निहित विशेषताओं ने रूसी रंगमंच में यथार्थवाद के निर्माण में योगदान दिया। यह कोई संयोग नहीं है कि वाडेविल को वह मिट्टी माना जाता है जिस पर ए.एस. ग्रिबॉयडोव का शानदार नाटक "वो फ्रॉम विट" विकसित हुआ।

यह 19वीं सदी की शुरुआत में था। रूसी कोरियोग्राफिक स्कूल की उच्च परंपराएं आकार लेने लगीं, रूसी बैले के लिए विश्व प्रसिद्धि प्राप्त की। इसके विकास को प्रसिद्ध कोरियोग्राफर, जादुई काव्य बैले, चार्ल्स डिडलॉट (1767-1837) के क्षेत्र में एक प्रमुख प्रर्वतक द्वारा बहुत सुविधाजनक बनाया गया था। डिडलॉट ने एक नई, अभूतपूर्व बैले तकनीक के साथ दर्शकों को चकित कर दिया, विशेष रूप से उस नकल की उड़ान - गुब्बारे, जिस पर उन्हें अपने आविष्कार के रूप में गर्व था और जो रूसी नर्तक ए.आई. इस्तोमिना और ए.पी. ग्लुशकोवस्की की प्रतिभा की बदौलत रूसी मंच पर संभव हुआ। इस्तोमिना की कला का सबसे अच्छा विवरण यूजीन वनगिन में ए.एस. पुश्किन ने दिया था।

रूसी रंगमंच के लिए, यह एक राष्ट्रीय विशेषता नृत्य करने की परंपरा बन गई है: रूसी, यूक्रेनी, कोसैक नृत्य, माज़ुर्कस, हंगेरियन, स्पेनिश नृत्य सभी बैले और डायवर्टिसमेंट में मंचित किए गए थे (नाटकीय, ओपेरा, एक्सयूपी के बैले प्रदर्शन में संख्याएं डालें) -XIX सदियों)।

1810-1820 के नाट्य जीवन की एक विशद तस्वीर "यूजीन वनगिन" में चित्रित की गई है:

ओपेरा ने बड़े पैमाने पर उन रूपों को बरकरार रखा जो पिछले युग में विकसित हुए थे, जब संवादी संवाद गीत संख्याओं के साथ बदलते थे। यह अक्सर लोक गीतों के उपयोग के साथ लोक जीवन की कहानी पर आधारित एक घरेलू ओपेरा था।

XIX सदी की शुरुआत में। नई ओपेरा शैलियों का जन्म हुआ, जिन्हें एम.आई. ग्लिंका के काम में और विकसित किया गया। इनमें एक परी-कथा ओपेरा और एक ऐतिहासिक-देशभक्ति ओपेरा शामिल हैं। रूसी परी-कथा ओपेरा लोक जीवन और लोककथाओं में गहरी रुचि के साथ 1800 के रोमांटिकवाद के निस्संदेह प्रभाव के तहत उभरा। इस तरह के "मैजिक ओपेरा" का पहला उदाहरण संगीतकार एस.आई.डेविडोव और के.कावोस द्वारा ओपेरा "मरमेड" था। जर्मन ओपेरा "द वर्जिन ऑफ द डेन्यूब" को एक आधार के रूप में लिया गया था, जिसे रूसी लोक कथाओं की भावना में फिर से बनाया गया था।

"द मिलर द सॉर्सेरर" को छोड़कर किसी भी ओपेरा को ऐसी सफलता नहीं मिली, जिसे कई सजावटी प्रभावों के साथ मनोरंजक मंच प्रदर्शन द्वारा इतना समझाया नहीं गया, जितना कि एसआई डेविडोव के संगीत द्वारा: ओपेरा के शानदार दृश्यों को प्रतिष्ठित किया गया था रंगीन, पारदर्शी ऑर्केस्ट्रेशन द्वारा, नृत्य एपिसोड - राष्ट्रीय स्वाद द्वारा मुखर संख्याएं लोक धुनों पर आधारित थीं, लेकिन बड़े अरिया और पहनावा के रूप में।

देशभक्ति के ओपेरा में, के। कावोस द्वारा "इवान सुसैनिन" सबसे महत्वपूर्ण है। ओपेरा लिबरेटिस्ट, प्रसिद्ध नाटककार ए.ए. शाखोव्सकोय ने 17 वीं शताब्दी में पोलिश हस्तक्षेप के खिलाफ अपने संघर्ष में रूसी लोगों की उपलब्धि पर ध्यान दिया, 19 वीं शताब्दी में नेपोलियन के खिलाफ वीर संघर्ष के साथ एक सीधा जुड़ाव पैदा किया। लेकिन, उस समय के पारंपरिक फ्रांसीसी "ओपेरा ऑफ मोक्ष" के नमूनों के आधार पर, के। कावोस ने इसे अपनी वास्तविक त्रासदी से वंचित कर दिया, क्योंकि इसमें मुख्य क्षण की कमी थी - नायक के वीरतापूर्ण पराक्रम का विचार। समापन में, एक रूसी दस्ता बचाव में आया, और ओपेरा नैतिक छंदों के साथ समाप्त हुआ।

रूसी राष्ट्रीय संस्कृति के महानतम आंकड़ों में मिखाइल इवानोविच ग्लिंका (1804-1857) हैं, एक संगीतकार जिनके बहुमुखी काम ने रूसी संगीत के विकास में एक नया युग खोला, नई शैलियों के विकास और माधुर्य के संदर्भ में इसके आगे के मार्ग निर्धारित किए। (लोक गीतों पर निर्भरता)।

ग्लिंका सहित रूसी संगीतकारों का काम पुश्किन के यथार्थवादी सौंदर्यशास्त्र से बहुत प्रभावित था, जिन्होंने मौखिक लोक कला, लोक भाषण का अध्ययन करते हुए एक नई शास्त्रीय साहित्यिक भाषा बनाई। उनकी रचनाएँ "रुस्लान और ल्यूडमिला" और "रुसालका", जो आत्मा और स्वभाव में गहराई से लोक हैं, ने ग्लिंका और डार्गोमीज़्स्की द्वारा प्रसिद्ध शास्त्रीय ओपेरा के लिब्रेटोस के लिए आधार बनाया, गीत कविताएँ रोमांस बन गईं।

ओपेरा ए लाइफ फॉर द ज़ार और रुस्लान और ल्यूडमिला, जिसने रूसी ओपेरा स्कूल के भविष्य के मार्ग को निर्धारित किया, एमआई ग्लिंका के काम में एक केंद्रीय स्थान पर कब्जा कर लिया। यह उनसे था कि ओपेरा क्लासिक्स की दो शाखाएं बाद में विकसित हुईं: लोक ऐतिहासिक संगीत नाटक और परी-कथा महाकाव्य ओपेरा। ज़ार के लिए एक जीवन एक वीर ओपेरा है, जिसमें मुख्य भूमिका लोगों और उनके प्रतिनिधि, देशभक्त किसान की है। लोग अपने इतिहास में महत्वपूर्ण क्षणों में पितृभूमि के भाग्य का फैसला करते हैं, एक अमर उपलब्धि के लिए सक्षम नायकों को सामने रखते हैं। इस तरह से डिसमब्रिस्ट कवि केएफ रेलीव ने अपने एक डूम्स में नायक को चित्रित किया, जो ओपेरा का आधार है।

इसलिए, सुसैनिन की मृत्यु को एक जीत के रूप में माना जाता है जो लोगों को खुशी देती है - नायक की मृत्यु हो गई, लेकिन उसकी जन्मभूमि बच गई। इसलिए सुखद अंत: ओपेरा सुसैनिन की मृत्यु के दृश्य के साथ नहीं, बल्कि लोगों के उत्सव के दृश्य के साथ समाप्त होता है - भव्य कोरस "ग्लोरी!" ज़ार के लिए एक जीवन व्यापक सिम्फोनिक विकास का पहला रूसी ओपेरा है, बिना बोले गए संवाद के, लेकिन दो लोक गायक मंडलियों के साथ जो ओपेरा को शुरू और समाप्त करते हैं और रूसी लोगों की देशभक्ति और वीरता के विचार को व्यक्त करते हैं।

एमआई ग्लिंका रूसी सिम्फोनिक संगीत के संस्थापक हैं, जिनमें से सबसे अच्छे उदाहरण कमरिंस्काया, अर्गोनी जोटा, मैड्रिड में रात और वाल्ट्ज-फंतासी हैं। उनमें से लगभग सभी लोक, गीत या नृत्य विषयों का उपयोग करते हैं और वास्तविक वास्तविकता की छवियों को फिर से बनाते हैं: कामारिंस्काया में एक उत्सव और दक्षिण के उमस भरे सूरज के तहत अर्गोनी जोटा में एक लोक उत्सव। "कामारिंस्काया" न केवल लोक मनोरंजन की एक तस्वीर है, यह राष्ट्रीय रूसी चरित्र की विशेषताओं का एक सच्चा मनोरंजन है - साहस, चौड़ाई, यहां तक ​​\u200b\u200bकि स्वैगर, हास्य और भावपूर्ण गीतवाद। संगीत दो लोक गीतों पर आधारित है - शादी का गीत "वन के कारण, अंधेरे जंगल" और नृत्य गीत "कमरिंस्काया", जो वैकल्पिक रूप से लोक संगीत के करीब, दोहरे रूपों के तथाकथित रूप का निर्माण करता है। रूसी सिम्फनी स्कूल के लिए "कामारिंस्काया" का ऐतिहासिक महत्व पीआई त्चिकोवस्की के प्रसिद्ध शब्दों में प्रकट होता है: "यह सब कमरिंस्काया में है, जैसे पूरा ओक एक बलूत का फल में है।"

"ग्लिंका के रोमांस, जिसे उन्होंने अपने पूरे जीवन में रचा, न केवल उनके काम के विकास को दर्शाता है, बल्कि सामान्य रूप से रूसी गीत कविता भी है। XIX सदी के बिसवां दशा। समकालीन कवियों के एलिगेंस - वीए ज़ुकोवस्की, ईए बारातिन्स्की, केएन बट्युशकोव। इस अवधि का शिखर ईए बाराटिन्स्की के छंदों पर प्रसिद्ध शोकगीत "प्रलोभ न करें" था।

30 के दशक का अंत - 40 के दशक की शुरुआत - एम.आई. ग्लिंका के कक्ष मुखर कार्य में पुश्किन युग। ए। पुश्किन के शब्दों में एम। ग्लिंका के रोमांस की संगीत संरचना "मैं यहाँ हूँ, इनसिला", "नाइट मार्शमैलो", "इच्छा की आग रक्त में जलती है" पूरी तरह से पुश्किन के पाठ की काव्य छवियों से मेल खाती है। ए.एस. पुश्किन के छंदों का रोमांस "मुझे एक अद्भुत क्षण याद है" सुंदर है, जहां संगीत पूरी तरह से कविता में विलीन हो जाता है:

मुझे एक अद्भुत क्षण याद है: तुम मेरे सामने प्रकट हुए, एक क्षणभंगुर दृष्टि की तरह, शुद्ध सौंदर्य की प्रतिभा की तरह।

आशाहीन उदासी के झोंके में,

शोरगुल की चिंता में

और सुंदर सुविधाओं का सपना देखा।

साल बीत गए। तूफानों का विद्रोही झोंका

टूटे पुराने सपने

आपकी स्वर्गीय विशेषताएं।

जंगल में, कैद के अँधेरे में

मेरे दिन चुपचाप घसीटते रहे

बिना किसी देवता के, बिना प्रेरणा के,

न आंसू, न जीवन, न प्रेम।

आत्मा में जागरण आया है:

और यहाँ तुम फिर से हो,

क्षणभंगुर दृष्टि की तरह

शुद्ध सौंदर्य की प्रतिभा की तरह।

और मेरा दिल खुशी से धड़कता है

और उसके लिये वे फिर जी उठे

और देवता और प्रेरणा,

और जीवन, और आँसू, और प्रेम।

लेर्मोंटोव के चिंतन और दुखद आत्म-अवशोषण के मूड से रंगे हुए, नए युग की प्रवृत्तियों को दर्शाते हुए, बाद की अवधि के मुखर गीत समृद्ध और विविध हैं। नाटकीय रोमांस-मोपोलॉग में शोकपूर्ण स्वर ध्वनि "मार्गरीटा का गीत", "आप जल्द ही मुझे भूल जाएंगे", "यह मत कहो कि तुम्हारा दिल दुखता है।" इसी समय, एम.आई. ग्लिंका के देर से रोमांस में हल्के, हंसमुख भी हैं। अलेक्जेंडर पुश्किन "ज़द्रावनी कप" और "आई ड्रिंक टू मैरी हेल्थ" की कविताओं के लिए इस तरह के बैचिक पीने के गाने हैं।

एम.आई. ग्लिंका का काम, जो लोक जीवन के दृश्यों, लोक चरित्र, भावनाओं और एक व्यक्ति के अनुभवों को दर्शाता है, ने यथार्थवाद के मार्ग पर संगीत के आगे विकास में योगदान दिया।

रूसी कलात्मक संस्कृति, जिसकी उत्पत्ति क्लासिकवाद के साथ शुरू हुई, जिसने एक शक्तिशाली लोक ध्वनि प्राप्त की, उच्च क्लासिकवाद के रूप में, जो 19 वीं शताब्दी की पेंटिंग में परिलक्षित हुआ, धीरे-धीरे रूसी ललित कला में रूमानियत से यथार्थवाद की ओर बढ़ गया। उस समय के समकालीनों ने विशेष रूप से रूसी कलाकारों की दिशा की सराहना की जिसमें ऐतिहासिक शैली राष्ट्रीय विषयों पर जोर देने के साथ प्रबल हुई।

लेकिन साथ ही, 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के स्वामी की तुलना में और रूसी चित्रकला के इतिहास की शुरुआत से ही ऐतिहासिक दिशा की कला में कोई महत्वपूर्ण परिवर्तन नहीं हुआ। अक्सर उनके कार्यों में, प्राचीन रूस के सच्चे नायकों को समर्पित कई स्वामी, जिनके कारनामों ने ऐतिहासिक कैनवस के लेखन को प्रेरित किया। उस समय के रूसी चित्रकारों ने चित्रों और चित्रों का वर्णन करने के अपने सिद्धांत को मंजूरी दी, एक व्यक्ति, प्रकृति को चित्रित करने में अपनी दिशा विकसित की, पूरी तरह से स्वतंत्र कल्पनाशील अवधारणा की गवाही दी।

रूसी कलाकारों ने अपने चित्रों में राष्ट्रीय उत्थान के विभिन्न आदर्शों को प्रतिबिंबित किया, धीरे-धीरे अकादमिक नींव द्वारा लगाए गए क्लासिकवाद के सख्त सिद्धांतों को त्याग दिया। उन्नीसवीं शताब्दी को रूसी चित्रकला के एक उच्च उत्कर्ष द्वारा चिह्नित किया गया था, जिसमें रूसी चित्रकारों ने रूसी ललित कला के इतिहास में भावी पीढ़ी के लिए एक अमिट छाप छोड़ी, जो लोगों के जीवन के व्यापक प्रतिबिंब की भावना से प्रभावित थी।

19 वीं शताब्दी के रूसी चित्रकला के सबसे बड़े शोधकर्ता, महान रूसी उस्तादों और ललित कलाओं के काम के उच्च फूल में उत्कृष्ट भूमिका पर ध्यान देते हैं। रूसी आकाओं द्वारा बनाए गए अद्वितीय कार्यों ने हमेशा रूसी संस्कृति को समृद्ध किया है।

19वीं सदी के प्रसिद्ध चित्रकार

(1782-1836) किप्रेंस्की के शानदार और सूक्ष्मता से चित्रित चित्रों ने उन्हें अपने समकालीन लोगों के बीच प्रसिद्धि और सच्ची पहचान दिलाई। उनकी रचनाएँ स्व-चित्र, ए। आर। टोमिलोव, आई। वी। कुसोव, ए। आई। कोर्साकोव 1808 एक लड़के का पोर्ट्रेट चेलिशचेव, गोलित्सिन ए। एम। 1809 पोर्ट्रेट ऑफ डेनिस डेविडॉव, 1819 अफीम की पुष्पांजलि के साथ लड़की ए। पुश्किन और अन्य का एक सफल 1827 चित्र। उनके चित्र प्रतिबिंबित करते हैं उत्तेजना की सुंदरता, छवियों की एक परिष्कृत आंतरिक दुनिया और मन की स्थिति। समकालीनों ने उनके कार्यों की तुलना गीत कविता की शैलियों, मित्रों के लिए काव्य समर्पण से की। (1791-1830) रूसी परिदृश्य रोमांटिकतावाद और प्रकृति की गीतात्मक समझ के मास्टर। अपने चालीस से अधिक चित्रों में, शेड्रिन ने सोरेंटो के विचारों को चित्रित किया। इनमें सोरेंटो नेबरहुड की पेंटिंग हैं। शाम, न्यू रोम "कैसल ऑफ द होली एंजेल", नेपल्स में मर्जेलिना तटबंध, कैपरी द्वीप पर ग्रेट हार्बर, आदि।

परिदृश्य के रोमांस और धारणा के प्राकृतिक वातावरण के प्रति पूरी तरह से आत्मसमर्पण करते हुए, शेड्रिन, जैसा कि वह था, अपने चित्रों के साथ उस समय के अपने साथी आदिवासियों की गिरती हुई रुचि को परिदृश्य में बनाता है। शेड्रिन अपनी रचनात्मकता और पहचान की सुबह को जानता था।

(1776-1857) एक उल्लेखनीय रूसी चित्रकार, सर्फ़ का मूल निवासी। उनकी प्रसिद्ध रचनाएँ हैं: द लेसमेकर, पोर्ट्रेट ऑफ़ पुश्किन ए.एस., एनग्रेवर ई.ओ. स्कोटनिकोवा, एक बूढ़ा आदमी - एक भिखारी, एक हल्के स्वाद से प्रतिष्ठित एक बेटे का पोर्ट्रेट, 1826 स्पिनर, सोने की कढ़ाई, इन कार्यों ने विशेष रूप से समकालीनों का ध्यान आकर्षित किया। 1846 ट्रोपिनिन ने चित्र की अपनी स्वतंत्र आलंकारिक शैली विकसित की, जो पेंटिंग की विशिष्ट मास्को शैली की विशेषता है। उस समय, ट्रोपिनिन मास्को अभिजात वर्ग का केंद्रीय व्यक्ति बन गया।

(1780-1847) किसान शैली के संस्थापक, रीपर का उनका प्रसिद्ध चित्र, पेंटिंग> द रीपर्स, द गर्ल इन द हेडस्कार्फ़, स्प्रिंग ऑन द एराबल लैंड, द पीजेंट वूमन विद कॉर्नफ्लॉवर, ज़खरका और अन्य। पेंटिंग बार्न के बारे में विशेष रूप से जोर दिया जा सकता है, जिसने सम्राट अलेक्जेंडर I का ध्यान आकर्षित किया, वह किसानों की ज्वलंत छवियों से छुआ था, लेखक द्वारा सच्चाई से अवगत कराया गया था। वह आम लोगों से प्यार करता था, इसमें कुछ गीत ढूंढता था, यह उनके चित्रों में कठिन किसान जीवन को दर्शाता था। उनकी सर्वश्रेष्ठ कृतियों को 1920 के दशक में बनाया गया था। (1799-1852) ऐतिहासिक चित्रों के मास्टर, पोम्पेई का अंतिम दिन, उथल-पुथल में, बर्बाद निवासी वेसुवियस ज्वालामुखी के प्रकोप से भाग जाते हैं। पेंटिंग ने अपने समकालीनों पर एक आश्चर्यजनक छाप छोड़ी। वह उत्कृष्ट रूप से धर्मनिरपेक्ष चित्रों, घुड़सवारी और चित्र की रचना में चमकीले रंगीन क्षणों का उपयोग करते हुए चित्रित करता है, काउंटेस यू। पी। समोइलोवा। उनके चित्र और चित्र प्रकाश और छाया के विरोधाभासों से बने हैं। ... पारंपरिक अकादमिक क्लासिकवाद से प्रभावित होकर, कार्ल ब्रायलोव ने अपने चित्रों को ऐतिहासिक सटीकता, रोमांटिक भावना और मनोवैज्ञानिक सत्य के साथ संपन्न किया। (1806-1858) ऐतिहासिक शैली के उत्कृष्ट उस्ताद। लगभग दो दशकों तक, इवानोव ने अपनी मुख्य पेंटिंग द अपीयरेंस ऑफ क्राइस्ट टू द पीपल पर काम किया, जिसमें यीशु मसीह के पृथ्वी पर आने को चित्रित करने की उनकी भावुक इच्छा पर जोर दिया गया। प्रारंभिक चरण में, ये अपोलो, जलकुंभी और सरू 1831-1833 की पेंटिंग हैं, 1835 में पुनरुत्थान के बाद मैरी मैग्डलीन को मसीह की उपस्थिति। अपने छोटे जीवन के दौरान, इवानोव ने कई रचनाएँ बनाईं, प्रत्येक चित्र के लिए वह कई रेखाचित्र लिखता है परिदृश्य और चित्र। इवानोव असाधारण बुद्धि के व्यक्ति हैं, हमेशा अपने कार्यों में लोकप्रिय आंदोलनों के तत्व को दिखाने का प्रयास करते हैं। (1815-1852) व्यंग्य निर्देशन के उस्ताद, जिन्होंने दैनिक जीवन की शैली में आलोचनात्मक यथार्थवाद की नींव रखी। फ्रेश कैवेलियर 1847 और चोसी ब्राइड 1847,