संगीत का विकास

अठारहवीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में संगीत का विकास एक शानदार युग में पहुँचता है। 17वीं शताब्दी की शुरुआत में उत्पन्न हुए रूप पूर्णता के उच्चतम स्तर तक पहुंचते हैं। चार अलग-अलग देशों में काम करने वाले चार महान उस्ताद, इस अवधि की पूरी संगीत कला को अपने काम से परिभाषित करते हैं: इटली में एलेक्जेंड्रो स्कारलाटी, फ्रांस में जीन फिलिप रमेउ, इंग्लैंड में जोहान जॉर्ज हैंडेल और जर्मनी में जोहान सेबेस्टियन बाख।

स्वाद और प्रवृत्तियों के आधार पर, कोई भी उनके कार्यों का विभिन्न तरीकों से मूल्यांकन कर सकता है। लेकिन यह कि चारों ने, अपने-अपने क्षेत्र में, अपने मिशन को समान पूर्णता के साथ पूरा किया, संदेह से परे है। उनमें से दो जर्मन हैं। उनकी रचनात्मकता की ताकत ने अपने चारों ओर वह सब कुछ केंद्रित कर दिया जो उस समय तक यूरोपीय संगीत द्वारा हासिल किया गया था।

अठारहवीं शताब्दी के पूर्वार्ध में, इतालवी संगीत अभी भी हावी था और, शायद, कभी भी अधिक शानदार नहीं था। जर्मनी में, 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में, इटालियंस को कोर्ट चैपल में पदों के लिए लिखने और थिएटर में सेवा के लिए, यहां तक ​​​​कि एक संपूर्ण इतालवी ओपेरा स्थापित करने के लिए भी फैल रहा था। प्रदर्शनों की भव्यता और धूमधाम उस समय तक देखी गई किसी भी चीज़ को पार कर गई। इटालियंस हर जगह दिखाई देते हैं और न केवल जर्मनी में इंग्लैंड, पोलैंड, रूस में पहला स्थान लेते हैं। अकेले फ्रांस इतालवी ओपेरा के हमले का डटकर विरोध करता है और इसके बुरे और अच्छे दोनों पक्षों को अलग रखता है।

वेनिस, नेपल्स से अलग जल्दी XVIIIसदी ओपेरा के क्षेत्र में संगीत आंदोलन का नेतृत्व करती है। फ्रांसेस्को प्रोवेनजेल और एलेक्जेंड्रो स्कारलाट्टी के लिए धन्यवाद, नेपल्स, जिसने तब तक संगीत के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका नहीं निभाई थी, एक निश्चित दिशा के साथ एक स्कूल को अपना नाम देता है और इसके माध्यम से गौरवान्वित होता है।

फ्रांसेस्को प्रोवेन्ज़ेल कई ओपेरा के संगीतकार हैं: कॉमिक ("उनकी पत्नी का दास") प्राचीन विषयों (साइरस, क्रेर्क्स, इरिट्रिया, आदि) पर गंभीर है। फ्रांसेस्को प्रोवेन्ज़ेल वेनेशियन से प्रभावित था, लेकिन इसके परिणामस्वरूप एक ऐसी शैली विकसित हुई जो जल्द ही पूरे नियति ओपेरा स्कूल और फिर 18 वीं शताब्दी के पूरे इतालवी ओपेरा की विशेषता बन गई।

एलेक्जेंड्रो स्कारलाटी का जन्म 1659 में सिसिली में हुआ था, 17 वीं शताब्दी में नेपल्स में मृत्यु हो गई, कैरिसिमी के एक छात्र, 1679 में रोम में अपने पहले ओपेरा इनोसेंट एरर का मंचन करने के बाद, 1680 में वह स्वीडिश क्वीन क्रिस्टीना के दरबार में बैंडमास्टर बन गए, जो रहते थे रोम में। 1694 में स्कार्लट्टी नेपल्स में वायसराय के बैंडमास्टर बने। XVII 03 से XVII 08 तक वह रोमन चर्चों में से एक में एक मेट्रिज़ा (संगीत विद्यालय) का प्रबंधन करता है, फिर फिर से नेपल्स लौटता है। स्कारलाट्टी के कार्यों की संख्या बहुत बड़ी है: अकेले 1 XVIII ओपेरा हैं, 700 कैंटटास, आदि।

नीपोलिटन स्कूल की शैली स्पष्ट विशेषताओं से अलग है। सबसे पहले, यह एक मधुर शैली है, जो पूरी तरह से हमारे मोडल और टोनल मेजर-माइनर सिस्टम पर आधारित है। माधुर्य नियपोलिटन संगीत का मुख्य तत्व है, एक राग जो बड़े पैमाने पर उग आया है, भावुक और उमस भरा है, एक शक्तिशाली तत्काल भावना की अभिव्यक्ति है। यह भावना, सभी के लिए सामान्य, पहली ध्वनियों से तुरंत समझ में आती है। इस प्रकार, नीपोलिटन स्कूल में माधुर्य सबसे मजबूत सामान्यीकरण और एकीकृत सामाजिक कारक है। मधुरता (मुखर) इस गेय-नाटकीय संगीत का एक अनिवार्य गुण है। यहाँ से इसके रूप आते हैं, यहाँ से - समृद्ध वाद्य संगत के साथ नियति ओपेरा के अभिव्यंजक मधुर गायन, यहाँ से - इन ओपेरा का संपूर्ण अजीब निर्माण: सस्वर पाठ से जुड़े अरिया का एक क्रम।

जीन फिलिप रमेउ (1683-XVII 64) - सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक ऑपरेटिव कला 18वीं सदी का फ्रांस। रामो ने सबसे पहले दिखाया अपना संगीत गतिविधिएक जीव विज्ञानी के रूप में - सिद्धांतवादी और हार्पसीकोर्ड और पंथ संगीत के संगीतकार के रूप में। केवल XVII 33 में वह अपने ओपेरा हिप्पोलीटे के साथ एक नाट्य संगीतकार के रूप में खुद पर ध्यान आकर्षित करने में कामयाब रहे।

शुरुआत से अंत तक, यह एक मूल, विशिष्ट फ्रांसीसी काम है: सब कुछ संयम में है, सब कुछ स्पष्ट है, सब कुछ संतुलित है, भावना को कारण, स्वाद और सामाजिक राजनीति के ढांचे द्वारा नियंत्रित व्यक्ति के सामान्य अनुशासन द्वारा नियंत्रित किया जाता है, वीरता और विडंबना। रमेउ का संगीत इतालवी गीतों की कामुक नग्नता और जर्मन "स्वयं में विसर्जन" के साथ, किसी के व्यक्तिगत मानसिक जीवन में पूरी तरह से विपरीत है। सच है, रामू के काम में - एक दुर्लभ मामला - एक महान संगीतकार और एक महान सिद्धांतकार विलीन हो गए। संगीतकार के स्वभाव को शोधकर्ता की तर्कसंगतता से ठंडा किया जाता है, और, इसके विपरीत, सट्टा निष्कर्ष संगीतकार की अंतर्दृष्टि और भावना द्वारा समर्थित होते हैं, क्योंकि रामू के सैद्धांतिक कार्य अभी भी अनुभव से आने वाले एक व्यावहारिक संगीतकार का काम हैं। सच्चे विचारक।

रमेउ का संगीत सचित्र, प्लास्टिक और नाटकीय है। 19वीं शताब्दी के अंत तक थिएटर फ्रांसीसी बौद्धिक जीवन के सबसे महत्वपूर्ण अंगों में से एक था। अधिकांश नहीं तो सभी फ्रेंच संगीत XVIIऔर XVIII सदी और उसके बाद, बर्लियोज़ सहित, सचित्र और प्लास्टिक है और थिएटर और बैले का संगीत है। कूपरिन के सुइट्स से लेकर डेब्यू के आर्केस्ट्रा के कामों तक और बर्लियोज़ के सिम्फनी और ऑरेटोरियो के केंद्र में सभी फ्रांसीसी संगीत कार्यक्रम और चैम्बर संगीत, नाटकीयता से जुड़े हुए हैं। रामू द्वारा कुछ और ओपेरा यहां दिए गए हैं: द गैलेंट इंडियंस (XVII 35), कैस्टर एंड पोलक्स (XVII 37) द सेलिब्रेशन ऑफ हेबे (XVII 39) डार्डानस (XVII 39)।

संगीत नाटक के इतिहास के लिए ग्लक का सुधार बहुत महत्वपूर्ण था। इसके प्रस्थान का बिंदु नीपोलिटन ओपेरा था, लेकिन सुधार फ्रांसीसी क्षेत्र में ही हुआ था। अपने संगीत में, ग्लक ने अपने युग के नए आदर्शों को व्यक्त किया और एक ऐसा काम बनाया जो अभी भी समय का विरोध करता है। प्राचीन मिथक ईमानदार और ईमानदार, क्रिस्टल स्पष्ट संगीत और सरल क्रिया में जीवन में आया: कोई साजिश नहीं, कोई अंतराल नहीं, नहीं द्वितीयक वर्ण(एक दुखी कामदेव पुराने ऑपरेटिव स्वाद के लिए रियायत के रूप में प्रकट होता है)। गाना बजानेवालों और बैले कार्रवाई में कार्बनिक लिंक बनाते हैं, यादृच्छिक सम्मिलन नहीं। प्रसिद्ध "नहीं" - ऑर्फ़ियस की प्रार्थनाओं के लिए नरक की छाया का कठोर उत्तर - सबसे मजबूत नाटकीय प्रभावों में से एक, चैंप्स एलिसीज़ में नृत्य और गायन - सभी नाटकीय पश्चिमी यूरोपीय संगीत में सबसे अधिक छूने वाले क्षणों में से एक।

"ऑर्फ़ियस" इतालवी पाठ में लिखा गया था, और मुख्य भूमिका अभी भी वायोला के लिए थी। लेकिन इटालियंस, पूर्ण-रक्त वाले कामुक राग और संस्कृति के रंग की समृद्धि के आदी, ऑर्फ़ियस के नाटकीय अभिव्यंजक संगीत की सादगी को नहीं समझते थे। ग्लक ने अपना खुद का काम जारी रखा और विनीशियन जनता "एल्सेस्टे" की पेशकश की, और उसके बाद एक और ओपेरा "पेरिस और हेलेना" की पेशकश की।

XVIII सदी के पूर्वार्द्ध में, हैंडेल (1685-XVII 59) और बाख के काम के साथ, जर्मन संगीत ने दो विशाल, अप्राप्य चोटियों को सामने रखा। अपने करियर की शुरुआत में, हैंडेल ने नीपोलिटन प्रभावों का अनुभव किया। चूंकि यह प्रमुख था, इसलिए हैंडल की प्रतिभा जैसी शक्तिशाली प्रतिभा उस पर काबू पाने और उसकी तकनीक को समृद्ध किए बिना उसके पास से नहीं गुजर सकती थी। इतालवी शैली में उनकी शुरुआती रचनाएँ अभिव्यंजक सुंदरता के बिना नहीं हैं, लेकिन वे अभी तक पूरे हैंडेल को नहीं देते हैं। उनमें जो सबसे अच्छा और मौलिक था, वह उनके लिए पराए रूपों में पूरी तरह से प्रकट नहीं हो सका। ग्लक (और बाद में मोजार्ट) की तरह, उन्हें अपनी कला बनानी पड़ी। इंग्लैंड ने अपने सदियों पुराने, कसकर संगठित कोरल पंथ संगीत के साथ, उसे प्रभाव का सही साधन दिया। उनके लिए व्यक्तिगत रूप से, उनके ओपेरा की विफलता और ओपेरा व्यवसाय के लिए उनके सभी संघर्षों को सहना कठिन था, लेकिन संगीत के लिए, इस क्षेत्र में हैंडेल की विफलता को बिना शर्त अच्छा परिणाम माना जाना चाहिए: विफलताओं ने हैंडेल की आंखें खोलीं और उन्हें सही दिशा में निर्देशित किया। पथ, शायद उसकी इच्छा के विरुद्ध। हैंडेल ने वक्तृत्व कला - संक्षेप में - संगीत नाटक लिखे। इस तरह के हैंडेल के सभी सबसे महत्वपूर्ण कार्य यहां दिए गए हैं: मसीहा (XVII 42) Aciss और Galatea, एस्तेर - XVII 32, डेबोरा - XVII 33, सिकंदर का पर्व या संगीत की विजय - XVII 36, शाऊल - XVII 38, मिस्र में इज़राइल - XVII 39, सैमसन - XVII 43, बेलशस्सर - XVII 44, जुडास मैकाबी - XVII 46, जोसेफ - XVII 48, सुज़ाना, सोलोमन, थियोडोरा, जेफ्ता - XVII 48-XVII 51

जोहान सेबेस्टियन बाख (1685 - XVII 50) - विकास की एक लंबी श्रृंखला का अंतिम बिंदु। बाख की रचनाएँ इमारत के शक्तिशाली मेहराब और एक विशाल स्मारक का गुंबद हैं। बाख के प्रभाव को उनके जीवनकाल में नहीं, बल्कि 90वीं शताब्दी की शुरुआत से अधिक दृढ़ता से महसूस किया जाने लगा। और अगर कोई उनकी कला के आधुनिक प्रशंसकों की राय से सहमत नहीं हो सकता है कि बाख सभी यूरोपीय संगीत के निर्माता हैं, तो कोई उन्हें पूरी तरह से आधुनिक संगीत का पिता मान सकता है। बाख को इटली जाने का अवसर नहीं मिला। इसलिए, उनकी रचनाओं ने विशुद्ध रूप से जर्मन तीखापन बरकरार रखा। इसलिए, अपने समय के संगीत के अधिकांश पारखी, जो पहले से ही नीपोलिटन स्कूल के नरम लय, उच्चारण और कैटिलीन के आदी थे, उनके शानदार काम को नहीं समझते थे और उन्हें उचित ध्यान नहीं देते थे: उनकी रचनाएं धूमधाम से लगती थीं। छात्रों और कुछ जर्मन जीवों के एक छोटे से समूह के बाहर, बाख का अपने युग पर प्रभाव बेहद सीमित था। उनके कार्यों को बहुत कम ही उकेरा गया था। उनमें से अधिकांश पांडुलिपियों में बने रहे और स्वयं संगीतकार द्वारा कॉपी किए गए थे।

वोल्फगैंग एमेडियस मोजार्ट (XVII 56-XVII 91) अपने पिता लियोपोल्ड मोजार्ट के छात्र थे, जो एक उत्कृष्ट वायलिन वादक और शिक्षक थे, जिन्होंने अपने बेटे की प्रतिभा का अनुमान लगाया और इसके गठन के लिए अपना जीवन समर्पित कर दिया। म्यूनिख में, XVII 75 के कार्निवल के दौरान, उन्होंने ओपेरा "द कोर्ट गार्डनर" की रचना की, उसी वर्ष - "द शेफर्ड किंग"। XVII 81 में, उनका गंभीर शास्त्रीय इतालवी ओपेरा इडोमेनियो म्यूनिख में किया जाता है। XVII 82 में, "सेराग्लियो से अपहरण" किया जाता है! XVII 86 में वे वेनिन में "मैरिज ऑफ फिगारो" का मंचन करते हैं। XVII 87 में "डॉन जुआन" प्राग में खेल रहा है। XVII 88 ने g-mol, Es-dur और c-dur में तीन महान सिम्फनी की रचना की। 1790 के दशक में उन्होंने ओपेरा "दैट्स व्हाट एवरीवन डू" लिखा। XVII 91 में अंतिम ओपेरा "टाइटस", "मैजिक फ्लूट" और "रिक्विम" की रचना की गई थी।

युवा संगीतकारों के प्रदर्शनों की सूची में 17वीं - 18वीं शताब्दी के संगीतकारों का संगीत

आज हमारे संगीत कार्यक्रम में आप 17वीं और 18वीं शताब्दी के संगीतकारों के कार्यों से परिचित होंगे।

इस समय, न केवल चर्च में संगीत बजने लगा। 17वीं शताब्दी के अंत में, मुख्य यूरोपीय देशों में ज्ञानोदय आंदोलन का उदय हुआ, संगीत और संगीतकारों पर इसका बहुत प्रभाव पड़ा। संगीतकारों ने विभिन्न वाद्ययंत्रों के लिए संगीत लिखना शुरू किया, जो पहले केवल गाना बजानेवालों या व्यक्तिगत गायकों के साथ थे। अंग, हार्पसीकोर्ड, वायलिन, वीणा, ल्यूट, वियोला दा गाम्बा। ये वाद्ययंत्र घर पर, संगीत समारोहों में, छुट्टियों में, सिनेमाघरों में बजने लगे। पूरे आर्केस्ट्रा बनाए जाते हैं। कॉन्सर्ट हॉल दिखाई देते हैं।

पिछली शताब्दियों के महान संगीतकारों का संगीत हमारे छात्रों के प्रदर्शनों की सूची में बहुत महत्वपूर्ण स्थान रखता है। आधुनिक बच्चों को कला के बेहतरीन नमूने पर संगीत की कला सिखाई जाती है। संगीत शिक्षा की नींव के रूप में रूप, आवाज अग्रणी, सद्भाव, शैली के बुनियादी नियमों में महारत हासिल करते हुए, युवा प्रतिभाएं अपने तरीके से आगे बढ़ेंगी और नए कानूनों की खोज करेंगी। इसलिए, सीखने के शुरुआती वर्षों से ही सदियों पुराने कार्यों को करना और समझना बहुत महत्वपूर्ण है।

इस संगीत को करने की क्षमता का मूल्यांकन परीक्षाओं में किया जाता है। आप अक्सर घर पर सुनते हैं कि बच्चे उन्हें कैसे सीखते हैं। लेकिन संगीत समारोहों में, एक ऐसा कार्यक्रम जिसे समझना आसान होता है, अधिक बार किया जाता है। इसलिए आज हमारा सुझाव है कि आप उन कार्यों पर ध्यान दें जिनकी मदद से आपके बच्चे संगीत की कला में महारत हासिल करते हैं। और साथ ही हम आपको 17वीं-18वीं सदी के संगीतकारों के बारे में कुछ बताएंगे। और कार्यों के शीर्षक की व्याख्या करें।

उस दूर के समय में कौन से संगीतकार रहते थे और काम करते थे?

इटली में, हमारे लिए सबसे प्रसिद्ध थे: ए। कोरेली, डी। स्कारलाट्टी, डी। सिमरोसा, एल। बोचेरिनी, एफ। दुरांटे। इतालवी संगीत अपनी मधुरता और सुंदरता से प्रतिष्ठित है। संगीतकारों ने जिन मुख्य वाद्ययंत्रों की रचना की, वे वायलिन, हार्पसीकोर्ड और अंग थे।

रचनात्मकता में इतालवी स्वामी, विशेष रूप से डी. स्कारलाट्टी, सोनाटा रूप बहुत विकसित हुआ था। शब्द "सोनाटा" इतालवी है, जो क्रिया "सोनोर" - "टू साउंड" से लिया गया है। यह शब्द 16 वीं शताब्दी के अंत में दिखाई दिया। और मतलब - "वे क्या खेलते हैं", कैंटटा के विपरीत - "वे क्या गाते हैं।" इस प्रकार, लगभग सभी संगीत कार्यों को मूल रूप से सोनाटा कहा जाता था। सदियों से, संगीतकारों के काम में सोनाटा एक पसंदीदा शैली रही है। अलग-अलग समय पर और अलग-अलग तरीकों से, उन्होंने वास्तविकता, चित्रों को जीवंत और दिलचस्प ढंग से दर्शाने की कोशिश की लोक जीवन, छुट्टियों की शुभकामनाएं, नृत्य करना, विचारों को व्यक्त करना और लोगों की विभिन्न मनोदशाओं को व्यक्त करना। छोटे आकार के और तकनीकी रूप से बहुत जटिल नहीं होने वाले सोनाटास को सोनाटिनस कहा जाता है। हम आपको डेनिश संगीतकार और जर्मन मूल के पियानोवादक फ्रेडरिक कुहलाऊ द्वारा सोनाटीना के दूसरे भाग को सुनने के लिए आमंत्रित करते हैं।

1. एफ कुलाऊ सोनाटीना ऑप। 55 #1, भाग 1

18 वीं शताब्दी के दूसरे भाग में, मुख्य रूप से विनीज़ क्लासिक्स (जे। हेडन, डब्ल्यूए मोजार्ट, एल। बीथोवेन) के कार्यों में, सोनाटा रूप विकसित हुआ और आज भी संगीतकारों के काम में यह संगीत रूप विकसित हो रहा है। विभिन्न देश. आज हम सोनाटा से परिचित होंगे ऑस्ट्रियाई संगीतकारजोसेफ हेडन - विनीज़ के एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि संगीतकार स्कूल.

2. जे. हेडन सोनाटाजी प्रमुख, भाग 4

3. जी मेजर में जे हेडन सोनाटा नंबर 12, भाग 1

महान जर्मन संगीतकार, विनीज़ शास्त्रीय विद्यालय के प्रतिनिधि, लुडविग वैन बीथोवेन के अमर संगीत के सबसे आकर्षक उदाहरण लंबे समय से दीवारों के बाहर सुने गए हैं। संगीत - कार्यक्रम का सभागृह. हम आपको उनके सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक पर लौटने के लिए आमंत्रित करते हैं। बीथोवेन ने खुद अपनी रचना को फैंटेसी सोनाटा कहा। हालांकि, एक समकालीन और बीथोवेन की प्रतिभा के एक महान प्रशंसक, जर्मन कवि एल। रेलशताब ने उन्हें "चंद्र" नाम दिया और यह नाम अभी भी दृढ़ता से संरक्षित है। आइए हम अपने आंतरिक प्रतिबिंबों, अनुभवों, शाश्वत प्रश्नों की ओर मुड़ें।

4. सोनाटा ओप से एल बीथोवेन एंडांटे। सी शार्प माइनर में 27 नंबर 2

संगीतकार एफ। कूपरिन, जे। लुली, जे। रामेउ, जे.-एफ। डैंड्रियो। देश की संगीत विशेषताओं और परंपराओं ने इन संगीतकारों के काम पर अपनी छाप छोड़ी। फ्रेंच संगीत उतना मधुर नहीं है जितना कि इतालवी संगीत। वाद्ययंत्रों में, हार्पसीकोर्ड प्रबल होता है। हार्पसीकोर्ड पियानो का अग्रदूत है, यह नाम लैटिन "क्लैविस" से आया है - कुंजी, इसलिए इसका नाम "कुंजी" है। यह एक कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट है। हथौड़े के अंत में, जो चाबी को समाप्त करता था, एक छोटा पंख था, जो कि जिस क्षण कुंजी दबाया गया था, स्ट्रिंग पर पकड़ा गया था। हार्पसीकोर्ड की आवाज शानदार है, लेकिन मधुर नहीं है। मुख्य स्वर फ़ोरटे और पियानो (ज़ोर और नरम) थे। साधन की क्षमताओं को समृद्ध करने के लिए, संगीतकारों ने विभिन्न सजावटों का आविष्कार करना शुरू किया - मोर्डेंट, ट्रिल, ग्रेस नोट्स। यदि इटली में संगीत गायन, स्वर से प्रभावित था, तो फ्रांस चित्रकला में, फ्रांसीसी प्रकृति, संगीत पर जीवन का बहुत प्रभाव था। संगीतमय कार्य छोटे चित्र हैं। लोगों ने "कोयल", "पाइप्स", "शेफर्डेस", आदि जैसे संगीत कार्यों में दैनिक छापों का एक काव्यात्मक अवतार पाया है। संगीतकार जीन फिलिप रमेउ का नाटक "टैम्बोरिन" व्यापक रूप से जाना जाता है। तंबूरा एक ताल वाद्य है, एक प्रकार का छोटा ढोल। इस वाद्ययंत्र को बजाना लंबे समय से प्राचीन लोक नृत्यों में से एक है, जिसे "टैम्बोरिन" भी कहा जाता है।

5. जे.एफ. रामो टैम्बोरिन

नृत्य शैली में हार्पसीकोर्ड के लिए बहुत सारे टुकड़े लिखे गए: मिनुएट्स, देशी नृत्य, गावोट्स, आदि। इन सभी नृत्यों का एक अलग मूल और इतिहास है। सो कंट्रीडांस - अंग्रेजी लोक नृत्य(नाम से आता है अंग्रेजी के शब्ददेशी नृत्य - ग्रामीण नृत्य)। यह प्राचीन नृत्य 18वीं - 19वीं शताब्दी की शुरुआत में। बहुत लोकप्रिय था और कई देशों में, विशेष रूप से फ्रांस में, बॉलरूम के रूप में फैला हुआ था। में विभिन्न नृत्य आंकड़ों के एक विकल्प से मिलकर बनता है चपल गति, ज्यादातर एक प्रमुख चरित्र का; आकार 2/4, 6/8। संगीत साहित्य में, देश नृत्य वी.ए. मोजार्ट, एल. बीथोवेन और कई अन्य संगीतकार।

6. पुराना नृत्य देशी नृत्य

देशी नृत्य - Ecossaise। यह कंट्री डांस का एक तेज़, आमतौर पर प्रमुख संस्करण है। Ecossaise, फ्रेंच से अनुवादित, एक स्कॉटिश लोक नृत्य है, जिसका आकार 2/4 है। 18 वीं - 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में। Ecossaise की तरह फैल गया बॉलरूम डांस, अब भुला दिया गया है। एल. बीथोवेन, एफ. शुबर्ट, एफ. चोपिन ने इकोसिस को शैलीबद्ध किया है, मुख्य रूप से पियानोफोर्ट के लिए। पी। त्चिकोवस्की द्वारा ओपेरा "यूजीन वनगिन" में इकोसेज़ मौजूद है।

7. पुराना डांस कॉन्ट्रैडेंस - Ecossaise

प्राचीन नृत्यों में मिनुएट बहुत लोकप्रिय था - फ्रांसीसी मूल का नृत्य मध्यम गतिऔर त्रिपक्षीय आकार। मिनुएट का पूर्ववर्ती अमीन है, जो बदले में पोइटौ प्रांत के किसानों के गोल नृत्य से उत्पन्न हुआ था। लुई 14 के समय से मिनुएट - सुरुचिपूर्ण उच्च समाज जोड़ी नृत्य. 18वीं सदी के अंत तक। यूरोपीय अभिजात वर्ग के बीच मिनुएट सबसे लोकप्रिय नृत्य रहा। ऑस्ट्रियाई संगीतकार, पिता और जीनियस वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट के पहले शिक्षक द्वारा लियोपोल्ड मोजार्ट की मीनार, हम आपके ध्यान में प्रस्तुत करते हैं।

8. एल मोजार्ट मिनुएट

आज हम इटालियन संगीत के बारे में बात कर चुके हैं, कि यह मधुर और मधुर है, लेकिन हमने अभी तक इसे नहीं सुना है। आइए डोमिनिको स्कारलाटी के छात्र - इतालवी संगीतकार और ऑर्गेनिस्ट डोमेनिको जिपोली के मिनुएट से परिचित हों। अंग और हार्पसीकोर्ड के लिए उनके मधुर गीत बहुत लोकप्रिय थे। दक्षिण अमेरिका के गिरजाघरों में जिपोली के सामूहिक, मोटेट्स और आध्यात्मिक रचनाओं का व्यापक रूप से प्रदर्शन किया गया।

9. डी. जिपोली मिनुएट

जर्मनी में, 17वीं-18वीं सदी का संगीत। अधिक गंभीर, सख्त और पहनता है दार्शनिक चरित्र. क्लैवियर कार्यों के बीच, सुइट (फ्रेंच से अनुवादित - अनुक्रम) व्यापक हो गया है। प्राचीन सुइट में 4 नृत्य शामिल थे: अलेमांडा, कौरांटे, सरबांडे और गिग। अक्सर, संगीतकार के अनुरोध पर, प्राचीन सुइट में मिनुएट, पासपियर, गावोटे, बोर्रे, आदि शामिल थे। बोर्रे - फ्रेंच से अनुवादित - "सामान के लिए", "बीट करने के लिए"। फ्रेंच (औवेर्गने) किसान नृत्य, जो 16 वीं शताब्दी के मध्य में उत्पन्न हुआ। 17-18 शताब्दियों में। - अनिवार्य लीड-इन के साथ 2/2 बार में फास्ट कोर्ट डांस; अक्सर एक संगीत वाक्यांश के तीसरे या सातवें बीट पर सिंकोपेशन होता है। सुइट्स में, Bourret आमतौर पर Sarabande का अनुसरण करता है। हम जर्मन संगीतकार जोहान कुह्नौ द्वारा बोर्रे को सुनेंगे।

10. आई. कुनाउ बुरे

उस समय के जर्मन संगीतकारों में से जोहान सेबेस्टियन बाख हमारे लिए सबसे प्रसिद्ध हैं। इस संगीतकार का काम - एक सार्वभौमिक, शैलियों की समावेशिता (ओपेरा को छोड़कर) द्वारा प्रतिष्ठित, बारोक और क्लासिकवाद के कगार पर कई शताब्दियों की संगीत कला की उपलब्धियों को संक्षेप में प्रस्तुत करता है। एक उज्ज्वल राष्ट्रीय कलाकार होने के नाते, उन्होंने ऑस्ट्रियाई, इतालवी और फ्रांसीसी संगीत विद्यालयों की परंपराओं के साथ प्रोटेस्टेंट मंत्र की परंपराओं को जोड़ा। बाख ने पॉलीफ़ोनिक (पॉलीफ़ोनिक) रचनाएँ लिखीं जिनमें हर आवाज़ को गाया जा सकता है, और वे सभी समान रूप से महत्वपूर्ण हैं।

महान आई.एस. बाख ने संबंधित कलात्मक शाखाओं - शब्द, रंगमंच, नृत्य से स्वतंत्र, एक स्वतंत्र स्वायत्त कला के रूप में संगीत के गठन को समाप्त कर दिया। इस युग में, संगीत की कलात्मक भाषा की सभी प्रणालियाँ स्थापित और स्थापित की गईं।

हम आई.एस. के कई कार्यों को जानते हैं। क्लैवियर के लिए बाख। "लिटिल प्रील्यूड्स एंड फ्यूग्स" एक संगीत विद्यालय के प्रत्येक छात्र से परिचित हैं जो पियानो बजाना सीख रहा है।

शब्द प्रस्तावना, विभिन्न भाषाओं से अनुवादित - इतालवी, अंग्रेजी, फ्रेंच, जर्मन, लैटिन, का अर्थ है - "पहले से खेलें", "खेल के लिए तैयार करें।" इस वाद्य यंत्र, अनुमान लगाना प्रमुख कार्यया नाटकों का एक समूह; यह स्वतंत्र भी हो सकता है वाद्य लघु. प्रस्तावना शैली की उत्पत्ति चर्च के आयोजकों के कामचलाऊ व्यवस्था में है, जो सेवा के दौरान किए जाने वाले संगीत के मोड (मोड) को स्थापित करते हैं; इसी तरह के सुधारात्मक परिचय के साथ, कलाकारों ने अपने उपकरणों की ट्यूनिंग और टोन का परीक्षण किया।

Fugue - लैटिन और इतालवी से अनुवादित - "रनिंग"। एक प्रमुख मधुर विचार (या कई विचारों) के अनुकरणीय जोखिम और विकास पर आधारित एक पॉलीफोनिक रूप। फ्यूग्यू शब्द को 14वीं या 15वीं शताब्दी से जाना जाता है; प्रारंभिक बारोक युग से पहले, यह एक सख्त नकल या सिद्धांत को दर्शाता था। फ्यूग्यू फॉर्म ऐतिहासिक रूप से 16 वीं शताब्दी के मुखर पॉलीफोनी से प्राप्त वाद्य रूपों से पहले था: रिसरकार, फंतासी, कैनजोना।

11. आई.एस. बाख प्रस्तावना और फ्यूग्यू नंबर 8 लिटिल प्रील्यूड्स और फ्यूग्स से एक नाबालिग में

17वीं-18वीं शताब्दी के संगीतकारों की कृतियाँ। अपने समय के लिए नए थे। उन्होंने बाद के समय के संगीत के विकास के लिए सबसे समृद्ध जमीन तैयार की।

साहित्य
1. बुलुचेवस्की यू.एस., फोमिन वी.एस. छात्रों के लिए एक लघु संगीत शब्दकोश। - 8वां संस्करण। - एल।: संगीत, 1986।
2. ग्रोव का संगीत शब्दकोश। प्रति. अंग्रेज़ी से। - एम।, प्रैक्टिस, 2001।
3. खोलोपोवा वी.आई. एक कला के रूप में संगीत। - एम।, एसटीसी "कंज़र्वेटरी", 1994।

पोलाकोवा ई.

19. शास्त्रीय संगीत का निर्माण। 17वीं और 18वीं शताब्दी के महान संगीतकार

मोंटेवेर्डी। D.फ्रेस्कोबाल्डी'। ए कोरेली। ए. विवाल्डी। A.Scarlatti.D.B.Pergolesi। राजवंशों वायलिन निर्माता.

इटली का संगीत

जे बी लुली। जे.एफ. रमेउ। एफ कूपरिन।

फ्रांस का संगीत

जी. पर्ससेल।

इंग्लैंड का संगीत

जी शुट्ज़। डी बक्सटेहुड। जी.एफ. हैंडेल। जे एस बाख।

जर्मनी का संगीत

एमएस बेरेज़ोव्स्की। डी.एस. बोर्न्यान्स्की। ई.आई. फोमिन।

रूस का संगीत

16वीं-17वीं शताब्दी के मोड़ पर, पॉलीफोनी, जो पुनर्जागरण के संगीत पर हावी थी, ने होमोफोनी (ग्रीक "होमोस" - "एक", "समान" और "पृष्ठभूमि" - "ध्वनि" से) को रास्ता देना शुरू कर दिया। "आवाज़")। पॉलीफोनी के विपरीत, जहां सभी आवाजें समान होती हैं, में होमोफोनिक पॉलीफोनीएक बाहर खड़ा है, प्रदर्शन कर रहा है मुख्य विषय, और शेष संगत (संगत) की भूमिका निभाते हैं। संगत आमतौर पर जीवाओं (सामंजस्य) की एक प्रणाली है। इसलिए संगीत रचना के नए तरीके का नाम - होमोफोनिक-हार्मोनिक।

धार्मिक ग्रंथों या भूखंडों पर लिखे गए काम थे, लेकिन चर्च में अनिवार्य प्रदर्शन के लिए इरादा नहीं था। (ऐसी रचनाओं को आध्यात्मिक कहा जाता है, क्योंकि "आध्यात्मिक" शब्द का "उपशास्त्रीय" से व्यापक अर्थ है।) 17 वीं -18 वीं शताब्दी की मुख्य आध्यात्मिक शैली। - कैंटटा और ओटोरियो। धर्मनिरपेक्ष संगीत का महत्व बढ़ गया: यह दरबार में, अभिजात वर्ग के सैलून में, सार्वजनिक थिएटरों में खेला जाता था (इस तरह के पहले थिएटर 17 वीं शताब्दी में खोले गए थे)। बनाया नया प्रकारसंगीत कला - ओपेरा।

वाद्य संगीत भी नई शैलियों के उद्भव से चिह्नित है, विशेष रूप से वाद्य संगीत कार्यक्रम। वायलिन, हार्पसीकोर्ड, अंग धीरे-धीरे एकल वाद्ययंत्रों में बदल गए। उनके लिए लिखे गए संगीत ने न केवल संगीतकार के लिए, बल्कि कलाकार के लिए भी प्रतिभा दिखाना संभव बनाया। सबसे पहले, सद्गुण (तकनीकी कठिनाइयों से निपटने की क्षमता) को महत्व दिया गया था, जो धीरे-धीरे अपने आप में एक अंत बन गया और कई संगीतकारों के लिए कलात्मक मूल्य।

17वीं-18वीं शताब्दी के संगीतकारों ने आमतौर पर न केवल संगीत की रचना की, बल्कि उत्कृष्ट रूप से वाद्ययंत्र भी बजाए, अध्ययन किया शैक्षणिक गतिविधि. कलाकार की भलाई काफी हद तक विशिष्ट ग्राहक पर निर्भर करती है। एक नियम के रूप में, प्रत्येक गंभीर संगीतकार ने या तो एक सम्राट या एक धनी अभिजात के दरबार में जगह पाने की मांग की (बड़प्पन के कई प्रतिनिधियों के पास अपने स्वयं के आर्केस्ट्रा या ओपेरा हाउस थे), या एक मंदिर में। इसके अलावा, अधिकांश संगीतकारों ने आसानी से चर्च संगीत-निर्माण को एक धर्मनिरपेक्ष संरक्षक की सेवा के साथ जोड़ दिया।

21. 18वीं शताब्दी के कलात्मक आंदोलन और उनकी विशिष्ट विशेषताएं

कलात्मक दिशा लंबे समय से कलात्मक घटनाओं की एक मौलिक समानता है।

बैरोक - दिशा में यूरोपीय वास्तुकलाऔर 16वीं-18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की कला, जिसकी विशेषता है:

भव्यता, वैभव और गतिशीलता;

दयनीय उत्साह;

भावनाओं की तीव्रता;

शानदार चश्मे के लिए जुनून;

भ्रामक और वास्तविक का संयोजन;

तराजू और लय, सामग्री और बनावट, प्रकाश और छाया के मजबूत विपरीत।

शास्त्रीयतावाद एक कला निर्देशन है यूरोपीय कला 17वीं-19वीं शताब्दी। क्लासिकिस्ट कलाकार:

मान्यता प्राप्त उच्चतम मानकप्राचीन कला;

वे उच्च पुनर्जागरण की परंपराओं पर भरोसा करते थे;

शाश्वत "तर्क के नियमों" के आधार पर समाज की सामंजस्यपूर्ण संरचना के विचार को व्यक्त करने का प्रयास किया।

22. रूस में "ज्ञानोदय" निरपेक्षता। पीटर 1 और कैथरीन 2 के सांस्कृतिक सुधार

घरेलू इतिहास - किसी भी देश के मुख्य राष्ट्रीय मंदिरों में से एक - रूस में भयंकर विवादों और संघर्षों का विषय बन गया है, जो अक्सर पिछली घटनाओं के विपरीत आकलन से जुड़ा होता है, दोनों लंबे समय से और पिछले बीस वर्षों में। जब, विरोधियों की आपसी जलन के तनावपूर्ण माहौल में (गहरी आपसी अलगाव, अवमानना ​​​​और घृणा तक नहीं), आप बीमारी, निदान, सिंड्रोम, एटियलजि की शर्तों का सहारा लेते हैं, तो आपको ईशनिंदा के आरोप लगने का जोखिम होता है, और सभी से पक्ष। सामाजिक स्तरीकरण के लिए लेखांकन। कैथरीन II के तहत, सम्पदा और किसानों के संबंध में रईसों के अधिकारों का विस्तार हुआ, लेकिन इससे किसानों की दासता और कठिनाइयों में वृद्धि हुई। "स्वतंत्रता" का एक भी पैरामीटर इस "सूक्ष्मता" को पकड़ने में सक्षम नहीं है। विभिन्न सामाजिक स्तरों के लिए संकेतकों के मूल्यों का अंकगणितीय जोड़ केवल तस्वीर को अस्पष्ट कर सकता है (कुख्यात "अस्पताल में रोगियों के औसत तापमान" के समान)।

23. एक कलात्मक आंदोलन के रूप में स्वच्छंदतावाद

स्वच्छंदतावाद (रोमांटिकवाद), एक वैचारिक और कलात्मक दिशा जो यूरोपीय और में उत्पन्न हुई अमेरिकन संस्कृति 18वीं सदी का अंत - 19वीं सदी का पहला भाग, क्लासिकवाद के सौंदर्यशास्त्र की प्रतिक्रिया के रूप में। प्रारंभ में जर्मनी में दर्शन और कविता में गठित (1790) और बाद में (1820 के दशक) इंग्लैंड, फ्रांस और अन्य देशों में फैल गया। उन्होंने कला के नवीनतम विकास को पूर्वनिर्धारित किया, यहां तक ​​कि उनकी उन दिशाओं में भी जिन्होंने उनका विरोध किया।

आत्म-अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता, व्यक्ति पर अधिक ध्यान, किसी व्यक्ति की अनूठी विशेषताएं, स्वाभाविकता, ईमानदारी और ढीलापन, जिसने 18 वीं शताब्दी के शास्त्रीय उदाहरणों की नकल को बदल दिया, कला में नए मानदंड बन गए। रोमैंटिक्स ने ज्ञानोदय के तर्कवाद और व्यावहारिकता को यंत्रवत, अवैयक्तिक और कृत्रिम के रूप में खारिज कर दिया। इसके बजाय, उन्होंने अभिव्यक्ति की भावनात्मकता, प्रेरणा को प्राथमिकता दी। कुलीन शासन की गिरती हुई व्यवस्था से मुक्त महसूस करते हुए, उन्होंने अपने नए विचारों को व्यक्त करने की कोशिश की, जो सत्य उन्होंने खोजे थे। समाज में उनका स्थान बदल गया है। उन्होंने अपने पाठक को बढ़ते मध्यम वर्ग के बीच पाया, जो भावनात्मक रूप से समर्थन करने के लिए तैयार थे और यहां तक ​​​​कि कलाकार के सामने झुक गए - एक प्रतिभाशाली और एक भविष्यवक्ता। संयम और विनम्रता को खारिज कर दिया गया था। उन्हें बदल दिया गया है शक्तिशाली भावनाएंअक्सर चरम पर जाना। कुछ रोमांटिक लोग रहस्यमय, रहस्यमय, यहां तक ​​​​कि भयानक, लोक मान्यताओं, परियों की कहानियों में बदल गए। स्वच्छंदतावाद आंशिक रूप से लोकतांत्रिक, राष्ट्रीय और क्रांतिकारी आंदोलनों से जुड़ा था, हालांकि फ्रांसीसी क्रांति की "शास्त्रीय" संस्कृति ने वास्तव में फ्रांस में स्वच्छंदतावाद के आगमन को धीमा कर दिया था।

... "सोलह। ये सिद्धांत इस विचार पर आधारित हैं कि एक राष्ट्र द्वारा बनाई गई कलात्मक दुनिया दूसरे के लिए समझ से बाहर है, कि यह मनोवैज्ञानिक और ऐतिहासिक बाधाओं के कारण दुर्गम है। खाकसिया की संगीत संस्कृति के विकास का इतिहास इन विचारों की असंगति को पूरी तरह से साबित करता है। खाकस ओपेरा, खाकस बैले या सिम्फनी की विशुद्ध रूप से राष्ट्रीय शैलियों का आविष्कार नहीं, बल्कि प्रसिद्ध अनुभव से समृद्ध होना ...

रूसी का लगभग 10% वैज्ञानिक कार्यवैज्ञानिक उत्पादों के विश्व बाजार में प्रतिस्पर्धी हैं। 4. 1980 और 1990 के दशक में देश का कलात्मक और आध्यात्मिक जीवन पेरेस्त्रोइका के वर्षों के दौरान, अधिकारियों और समाज के साथ कलात्मक संस्कृति के संबंधों में मौलिक परिवर्तन हुए। एक ओर साहित्य और कला ने वैचारिक मर्यादाओं से मुक्ति पाई, तो दूसरी ओर कलात्मक...

संघीय केंद्र और संघ के विषयों के बीच सत्ता का पुनर्वितरण, पिछले दशक के सामाजिक-आर्थिक परिवर्तन। इन प्रक्रियाओं के परिणामस्वरूप, सांस्कृतिक और कला संस्थानों की गतिविधियों के जीवन समर्थन में क्षेत्रीय (संघ के विषय) और नगरपालिका बजट की भूमिका बढ़ गई है। पिछले एक दशक में, क्षेत्रीय बजट से वित्तीय राजस्व का हिस्सा ...

पुरातनता और पुरातनता में न केवल संस्कृति और कला के विकास की पुष्टि करेगा, बल्कि विकास को विशेष रूप से इंगित करेगा शारीरिक शिक्षा 15,000 वर्ष ईसा पूर्व की अवधि में। छठी शताब्दी ई. तक 1.15,000 वर्ष ईसा पूर्व की अवधि में पूर्वजों की कला में भौतिक संस्कृति के विकास का प्रतिबिंब। छठी शताब्दी ई. तक 1.1 पुरातात्विक खोज 5वीं सहस्राब्दी ईसा पूर्व से पहले भौतिक संस्कृति के विकास की पुष्टि...

1. लघु कथाअंग्रेजी संगीत
2. संगीत सुनें
3. अंग्रेजी संगीत के उत्कृष्ट प्रतिनिधि
4. इस लेख के लेखक के बारे में

अंग्रेजी संगीत का एक संक्षिप्त इतिहास

मूल
  अंग्रेजी संगीत की उत्पत्ति सेल्ट्स (जो लोग आधुनिक इंग्लैंड और फ्रांस के क्षेत्र में पहली सहस्राब्दी में रहते थे) की संगीत संस्कृति में हैं, जिसके वाहक, विशेष रूप से, बार्ड्स (प्राचीन सेल्टिक के गायक-कथाकार) थे जनजातियाँ)। वाद्य शैलियों में नृत्य हैं: गीगा, देशी नृत्य, हॉर्नपाइप।

छठी - सातवीं शताब्दी
  छठी शताब्दी के अंत में। - शुरुआती 7 वीं सी। चर्च कोरल संगीतजिसके साथ पेशेवर कला का निर्माण जुड़ा हुआ है।

11वीं - 14वीं शताब्दी
  11-14c में। फैलाना संगीतमय और काव्यात्मकमिनस्ट्रेल्सी मिनस्ट्रेल - मध्य युग में, एक पेशेवर संगीतकार और कवि, कभी-कभी एक कहानीकार जो एक सामंती स्वामी के साथ सेवा करता था। 14 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। धर्मनिरपेक्ष संगीत कला विकसित होती है, मुखर और वाद्य कोर्ट चैपल बनाए जाते हैं। 15वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में जॉन डंस्टेबल की अध्यक्षता में पॉलीफोनिस्टों के अंग्रेजी स्कूल को बढ़ावा दिया जाता है

16 वीं शताब्दी
  16वीं सदी के संगीतकार
के. ताईस
डी. टैवर्नर
टी. टालिसो
D. डाउलैंड
डी. बुल्
शाही दरबार धर्मनिरपेक्ष संगीत का केंद्र बन गया।

सत्रवहीं शताब्दी
 17वीं सदी की शुरुआत अंग्रेजी संगीत थिएटर का गठन किया जा रहा है, इसकी उत्पत्ति रहस्यों (मध्य युग की संगीत और नाटकीय शैली) से हुई है।

18-19 शतक
  18-19वीं सदी - अंग्रेजी राष्ट्रीय संगीत में एक संकट।
 राष्ट्रीय संगीत संस्कृति में प्रवेश करें विदेशी प्रभाव, इतालवी ओपेरा ने अंग्रेजी दर्शकों को जीत लिया।
प्रमुख विदेशी संगीतकारों ने इंग्लैंड में काम किया: जी.एफ. हैंडेल, आई.के. बाख, जे. हेडन (2 बार दौरा किया)।
  19वीं शताब्दी में, लंदन यूरोपीय के केंद्रों में से एक बन गया संगीतमय जीवन. यहां दौरा किया गया: एफ। चोपिन, एफ। लिस्ट्ट, एन। पगनिनी, जी। बर्लियोज़, जी। वैगनर, जे। वर्डी, ए। ड्वोरक, पी। आई। त्चिकोवस्की, ए। के। ग्लेज़ुनोव और अन्य। गार्डन" (1732), रॉयल एकेडमी ऑफ म्यूजिक ( 1822), अकादमी प्रारंभिक संगीत(1770, लंदन में पहला कंसर्ट सोसायटी)

19वीं - 20वीं सदी की बारी।
  एक तथाकथित अंग्रेजी संगीत पुनरुद्धार है, जो राष्ट्रीय संगीत परंपराओं के पुनरुद्धार के लिए एक आंदोलन है, जो अंग्रेजी की अपील में प्रकट हुआ है। संगीतमय लोकगीतऔर 17 वीं शताब्दी के उस्तादों की उपलब्धियां। ये प्रवृत्तियाँ रचना के नए अंग्रेजी स्कूल के काम की विशेषता हैं; इसके प्रमुख प्रतिनिधि संगीतकार ई. एल्गर, एच. पैरी, एफ. डिलियस, जी. होल्स्ट, आर. वॉन-विलियम्स, जे. आयरलैंड, एफ. ब्रिज हैं।

आप संगीत सुन सकते हो

1. पर्ससेल (गिग)
2. पर्ससेल (प्रस्तावना)
3. पर्ससेल (डिडोना का एरिया)
4. रोलिंग स्टोन्स "रोलिंग स्टोन्स" (केरोल)
5. बीटल्स "द बीटल्स" कल

अंग्रेजी संगीत के उत्कृष्ट प्रतिनिधि

जी. पर्ससेल (1659-1695)

  जी. परसेल - सत्रहवीं सदी के सबसे बड़े संगीतकार।
  11 साल की उम्र में, परसेल ने चार्ल्स द्वितीय को समर्पित पहला ओड लिखा। 1675 से, पर्ससेल के मुखर कार्यों को विभिन्न अंग्रेजी संगीत संग्रहों में नियमित रूप से प्रकाशित किया गया था।
  1670 के दशक के अंत से। परसेल स्टुअर्ट्स के दरबारी संगीतकार हैं। 1680s - परसेल के काम का दिन। उन्होंने सभी शैलियों में समान रूप से अच्छा काम किया: फंतासी के लिए तार उपकरण, थिएटर के लिए संगीत, ओड्स - स्वागत गीत, परसेल की गीतपुस्तिका "ब्रिटिश ऑर्फ़ियस"। लोक धुनों के करीब उनके गीतों की कई धुनों ने लोकप्रियता हासिल की और पुरसेल के जीवनकाल के दौरान गाए गए।
  1683 और 1687 में तिकड़ी संग्रह प्रकाशित किए गए - वायलिन और बास के लिए सोनाटा। वायलिन रचनाओं का उपयोग एक नवीनता थी जिसने अंग्रेजी वाद्य संगीत को समृद्ध किया।
  परसेल के काम का शिखर ओपेरा डिडो और एनीस (1689) है, जो पहला राष्ट्रीय अंग्रेजी ओपेरा (वर्जिल के एनीड पर आधारित) है। यह अंग्रेजी संगीत के इतिहास की सबसे बड़ी घटना है। इसके कथानक को अंग्रेजी की भावना से फिर से तैयार किया गया है लोक कविताओपेरा संगीत और पाठ की घनिष्ठ एकता द्वारा प्रतिष्ठित है। परसेल की छवियों और भावनाओं की समृद्ध दुनिया में कई तरह के भाव मिलते हैं - मनोवैज्ञानिक रूप से गहरा से लेकर अशिष्ट रूप से दिलेर तक, दुखद से विनोदी तक। हालाँकि, उनके संगीत का प्रमुख मूड गीतवाद को भेद रहा है।
 उनके अधिकांश लेखन को जल्द ही भुला दिया गया, और पर्ससेल के लेखन को केवल 19वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे भाग में ही प्रसिद्धि मिली। 1876 ​​में परसेल सोसायटी का आयोजन किया गया। बी ब्रिटन की गतिविधियों की बदौलत यूके में उनके काम में दिलचस्पी बढ़ी।

बीई ब्रितन (1913 - 1976)

  इनमें से एक प्रमुख स्वामी 20वीं सदी का अंग्रेजी संगीत - बेंजामिन ब्रिटन - संगीतकार, पियानोवादक और कंडक्टर। 8 साल की उम्र में संगीत रचना शुरू कर दी थी। 1929 से वह रॉयल में पढ़ रहे हैं संगीत का कॉलेजलंदन में। पहले से ही उनके युवा कार्यों में, उनका मूल मधुर उपहार, कल्पना और हास्य दिखाई दिया। प्रारंभिक वर्षों में, ब्रितन के काम में एक महत्वपूर्ण स्थान पर एकल गायन और कोरल रचनाओं का कब्जा है। ब्रिटन की व्यक्तिगत शैली राष्ट्रीय अंग्रेजी परंपरा (परसेल और अन्य की रचनात्मक विरासत का अध्ययन) से जुड़ी है अंग्रेजी संगीतकार 16वीं - 17वीं शताब्दी)। संख्या के लिए सबसे अच्छा निबंधब्रिटन, जिसे इंग्लैंड और अन्य देशों में मान्यता मिली, ओपेरा "पीटर ग्रिम्स", "ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम" और अन्य से संबंधित है। उनमें, ब्रितन एक सूक्ष्म संगीत नाटककार के रूप में प्रकट होता है - एक प्रर्वतक। "वॉर रिक्वेम" (1962) - एक दुखद और साहसी कार्य जो तीव्र . को समर्पित है समकालीन मुद्दोंसैन्यवाद की निंदा और शांति का आह्वान। 1963, 1964, 1971 में ब्रिटन ने यूएसएसआर का दौरा किया।

संगीत बैंड 20 वीं सदी
"बिन पेंदी का लोटा"

  1962 के वसंत में, गिटारवादक ब्रायन जोन्स ने रोलिंग स्टोन्स नामक एक बैंड का गठन किया। रोलिंग स्टोन्स में मिक जैगर (गायन) शामिल थे, ब्रायन जोन्स और कीथ रिचर्ड्स (गिटार), बिल वायमन (बास) और चार्ली वाट्स (ड्रम)।
  इस बैंड ने ब्रिटिश दृश्य में कठोर और ऊर्जावान संगीत, प्रदर्शन की आक्रामक शैली और बेहिचक व्यवहार लाया। उन्होंने मंच की वेशभूषा की उपेक्षा की, लंबे बाल पहने।
  बीटल्स (जिन्होंने सहानुभूति पैदा की) के विपरीत, रोलिंग स्टोन्स समाज के दुश्मनों का अवतार बन गए, जिससे युवा लोगों के बीच स्थायी लोकप्रियता हासिल करना संभव हो गया।

द बीटल्स

  1956 में लिवरपूल में एक वोकल-इंस्ट्रूमेंटल चौकड़ी बनाई गई थी। बैंड में जॉन लेनन, पॉल मेकार्टनी, जॉर्ज हैरिसन (गिटार) शामिल थे। रिंगो स्टार(ड्रम)।
  टीम ने "बिग-बीट" की शैली में गानों का प्रदर्शन करके बेतहाशा लोकप्रियता हासिल की, और 60 के दशक के मध्य से, बीटल्स के गाने और अधिक जटिल हो गए हैं।
  रानी के सामने महल में प्रदर्शन करने के लिए उन्हें सम्मानित किया गया।

इस लेख के लेखक के बारे में

अपने काम में, मैंने निम्नलिखित साहित्य का इस्तेमाल किया:
- संगीत विश्वकोश शब्दकोश। चौ. ईडी। आर.वी. केल्डिश। 1990
- पत्रिका "स्टूडेंट मेरिडियन", 1991 विशेष अंक
- संगीत विश्वकोश, चौ। ईडी। यू.वी.केल्डिश। 1978
- आधुनिक विश्वकोश "अवंता प्लस" और "हमारे दिनों का संगीत", 2002 च। ईडी। वी. वोलोडिन।

शब्द ओपेराइतालवी से अनुवादित का अर्थ है "काम", "रचना"। प्रारंभ में, संगीत प्रदर्शन को "नाटक प्रति संगीत" - "संगीत पर नाटक" या "संगीत नाटक" कहा जाता था, जिसमें उन्होंने जोड़ा - ओपेरा, अर्थात् कामऐसा संगीतकार।

पहला ओपेरा में दिखाई दिया इटली, में फ़्लोरेंस XVI-XVII सदियों के मोड़ पर। उनके लेखक कला प्रेमियों के एक छोटे समूह के सदस्य थे जो धनी संरक्षकों के साथ एकत्रित हुए थे। जियोवानी बर्दी और जैकोपो कोर्सी. इस मंडली ने नाम के तहत संगीत के इतिहास में प्रवेश किया फ्लोरेंटाइन कैमराटा(इतालवी कैमराटा - सर्कल)।

कैमराटा के सदस्य प्राचीन कला के बहुत बड़े प्रशंसक थे और पुनर्जीवित होने का सपना देखते थे प्राचीन यूनानी त्रासदी. जीवित विवरणों से, वे जानते थे कि ऐशिलस, सोफोकल्स, यूरिपिड्स की त्रासदियों के प्रदर्शन के दौरान, अभिनेताओं ने उच्चारण नहीं किया था, लेकिन गायापाठ, और यह कि एक गायन और नृत्य गाना बजानेवालों को शामिल किया गया था। हालाँकि, संगीत क्या था, उन्हें पता नहीं था, क्योंकि नहीं दस्तावेजी सामग्रीउन्होंने ऐसा नहीं किया (कुछ जीवित रिकॉर्ड अभी तक समझ में नहीं आए हैं)। फिर भी, प्राचीन दार्शनिकों और कवियों के बयानों से, उन्होंने निष्कर्ष निकाला कि प्राचीन अभिनेताओं के प्रदर्शन का तरीका गायन और साधारण भाषण के बीच कुछ था, और उन्होंने उसी प्रकार का एक राग बनाने की कोशिश की। उनके प्रयोगों का परिणाम थी रचना भाषण- भाषण राग। यह एक अर्ध-मधुर, अर्ध-विवादास्पद प्रकृति का एक मुखर राग था, जिसका उद्देश्य वाद्य संगत के साथ एकल प्रदर्शन के लिए था। मंडली के सदस्यों ने स्वयं उनके द्वारा बनाए गए माधुर्य के प्रकार की विशेषता इस प्रकार है:

"उस तरह का गायन जहां कोई बात कर सकता है"(जी. कैसिनी)

"सामान्य बोलने और शुद्ध राग के बीच आधा गाना"(जे पेरी)।

फ्लोरेंस में बनाया गया पहला ओपेरा नहीं बचा है। दो अन्य लगभग एक साथ दिखाई दिए और ऑर्फियस के प्रसिद्ध मिथक के एक ही कथानक पर लिखे गए। दोनों ओपेरा को एक ही कहा जाता था - "यूरीडाइस". उनमें से एक का संगीत जैकोपो पेरी द्वारा लिखा गया था, और दूसरा गिउलिओ कैकिनी द्वारा लिखा गया था। पाठ के लेखक कवि ओटावियो रिनुकिनी हैं।

पहले फ्लोरेंटाइन ओपेरा की विशेषता थी:

• पाठ का प्रभुत्व
• एरिया और पहनावा की कमी,
• स्थिर क्रिया।

नई शैली बहुत तेजी से और तेजी से विकसित हुई। फ्लोरेंटाइन के अनुभव को अन्य इतालवी शहरों में अपनाया गया था, और बहुत जल्द ओपेरा के इतिहास में पहली शास्त्रीय रचनाएँ सामने आईं। उनके लेखक थे क्लाउडियो मोंटेवेर्डी.

मोंटेवेर्डी (1567-1643) - इतालवी संगीतकार, जिनका नाम नामों के आगे है महानतम कलाकारऔर पुनर्जागरण कवि। यदि उन्हें ओपेरा और होमोफोनिक-हार्मोनिक शैली का "आविष्कारक" नहीं कहा जा सकता है, तो यह वह था जिसने एक नई शैली और एक नई शैली दोनों के शानदार उदाहरण बनाए।

मोंटेवेर्डी के लिए धन्यवाद, ओपेरा मुख्य रूप से संगीत के काम में बदल गया: अब संगीत ने अधीनस्थ स्थान पर कब्जा नहीं करना शुरू कर दिया, जैसा कि पहले हुआ करता था, लेकिन मुख्य स्थान। पेरी और कैकिनी के नीरस पाठ के विपरीत, मोंटेवेर्डी ने एक तीव्र तनावपूर्ण, नाटकीय सस्वर पाठ बनाया - गति और लय में अचानक परिवर्तन, अभिव्यंजक विराम के साथ। उसी समय, मोंटेवेर्डी ने खुद को सस्वर पाठ तक सीमित नहीं किया: अपने ओपेरा के चरमोत्कर्ष में, उन्होंने एरियस को शामिल किया, जहां माधुर्य अब घोषणात्मक नहीं था, लेकिन मधुर था। बहुत महत्वएक गाना बजानेवालों और ऑर्केस्ट्रा का अधिग्रहण किया, जिसने नाटक में एक विशेष क्षण के महत्व पर जोर दिया। इस सब ने मोंटेवेर्डी को अपने पात्रों की आंतरिक दुनिया को स्पष्ट रूप से प्रकट करने की अनुमति दी।

मोंटेवेर्डी का पहला ओपेरा - "ऑर्फ़ियस" तथा "एरियाडने" (जिसमें से केवल एक ही टुकड़ा संरक्षित किया गया है - " एराडने का विलाप,दुनिया भर में प्रसिद्धि मिली) - मंटुआ में दिखाई दी। भविष्य में, मोंटेवेर्डी वेनिस चले गए, जहाँ उनके काम की अंतिम अवधि (30 वर्ष) आगे बढ़ी। यहां उन्होंने एक नए ओपेरा स्कूल का नेतृत्व किया, इस तरह के कार्यों का निर्माण किया "यूलिसिस की वापसी" और "द कोरोनेशन ऑफ पोपिया". "ऑर्फ़ियस" की तरह, वे "नाटक प्रति संगीत" की शैली से संबंधित हैं, जो ऐतिहासिक रूप से पहले प्रकार का ओपेरा बन गया।

"पॉपपीया का राज्याभिषेक" मोंटेवेर्डी की मृत्यु के एक साल पहले बनाया गया , उनके सभी कार्यों का शिखर है। ओपेरा का कथानक टैसिटस के "एनल्स" (यानी क्रॉनिकल्स) से उधार लिया गया है - सबसे बड़ा इतिहासकार प्राचीन रोम. अस्तित्व की आधी सदी में पहली बार ओपेरा शैलीपौराणिक कथाओं की जगह ऐतिहासिक कालक्रम, और देवताओं और पौराणिक नायकविस्थापित ऐतिहासिक आंकड़े। 17वीं शताब्दी की ऑपरेटिव संस्कृति में, अभी भी ऐसा कोई काम नहीं था, जो शेक्सपियर के क्रॉनिकल्स की तरह वास्तविक ऐतिहासिक घटनाओं को पुन: पेश करे; यही कारण है कि पोपिया को "ऐतिहासिक कथानक वाला पहला ओपेरा" कहा जाता है।

क्रूर और असाधारण सम्राट नीरो ने अपनी मालकिन, सुंदर पोपिया को सिंहासन पर बैठाने के लिए अपनी पत्नी ओटाविया को पदच्युत करने का फैसला किया। नीरो के शिक्षक, दार्शनिक सेनेका, सम्राट को विवाह भंग करने से रोकने की कोशिश कर रहे हैं, क्योंकि रोम के लोग साम्राज्ञी के प्रति सहानुभूति रखते हैं। इस प्रतिरोध से क्रोधित होकर नीरो ने दार्शनिक को मौत की सजा सुनाई।

ओटाविया बिना किसी लड़ाई के अपना पद छोड़ने वाले नहीं हैं। वह पोपिया के पति ओटो को अपने प्रतिद्वंद्वी को मारने का आदेश देती है। पोपिया-प्रेमी ओटो इस कदम से बचने की कोशिश करता है, लेकिन ओटाविया उसे प्रस्तुत करने के लिए ब्लैकमेल करता है। ड्रुसिला की पोशाक पहने हुए, उसके साथ प्यार में एक युवा लड़की, ओटोन पोपिया के कक्षों में एक खंजर से वार करने के लिए प्रवेश करती है। हालांकि, आखिरी समय में, साजिश का पता चलता है, और इसके सभी प्रतिभागी निर्वासन में चले जाते हैं। रोमन कौंसल और ट्रिब्यून के सामने नीरो ने पोपिया का ताज पहनाया।

पहले ओपेरा के दर्शक एक बहुत ही संकीर्ण दायरे तक सीमित थे: यह दरबारी बड़प्पन, प्रबुद्ध प्रेमी और कला के पारखी थे। लेकिन धीरे-धीरे ओपेरा शैली बन गई प्रजातंत्रीय बनानायानी श्रोताओं की एक विस्तृत श्रृंखला को संबोधित करने के लिए।

ओपेरा के लोकतंत्रीकरण की प्रक्रिया 17 वीं शताब्दी के 20 के दशक में शुरू हुई थी। रोम, कहाँ पे कार्डिनल बारबेरिनीपहला उद्देश्य-निर्मित ओपेरा हाउस बनाया। कैथोलिक चर्च ने आम तौर पर धार्मिक प्रचार लक्ष्यों का पीछा करते हुए नई शैली का संरक्षण किया। रोमन ओपेरा के पसंदीदा भूखंड संतों के जीवन हैं और पश्चाताप करने वाले पापियों के बारे में नैतिक कहानियां हैं। हालांकि, कुछ जगहों पर इस प्लॉट में अप्रत्याशित रूप से डाला गया घरेलू हास्य दृश्यआम दर्शकों को आकर्षित करने के लिए। यह वह था जो रोमन ओपेरा में सबसे मूल्यवान बन गया, क्योंकि इस तरह लोक जीवन, रोजमर्रा की स्थितियों, साधारण नायकों और के यथार्थवादी चित्र लोक संगीत. रोमन संगीतकारों में विशिष्ट हैं स्टेफ़ानो लैंडिकतथा लोरेटो विटोरिकजो इस स्कूल के सर्वश्रेष्ठ ओपेरा में से एक का मालिक है "गैलेटिया" .

ओपेरा पूरी तरह से अलग परिस्थितियों में विकसित हुआ वेनिस. यहां इसका नेतृत्व उद्यमी व्यवसायियों के हाथों में पड़ गया। कुछ ही समय में, शहर में कई सार्वजनिक शहर के थिएटर दिखाई दिए (पहला - सैन कासियानो) एक दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा।

विनीशियन थिएटर न केवल संस्कृति के केंद्र थे, बल्कि व्यावसायिक उद्यम भी थे। मुख्य उद्देश्यजो - फीस करने के लिए। इस संबंध में, ओपेरा आम जनता के स्वाद पर निर्भर होना शुरू हुआ, जो फ्लोरेंस के प्रबुद्ध पारखी या महल के थिएटरों में अभिजात वर्ग के आगंतुकों से "स्वर्ग और पृथ्वी" के रूप में भिन्न था। यहां किसी ने पुनरुत्थान के बारे में नहीं सोचा प्राचीन त्रासदी. ओपेरा को सामान्य वेनेटियन के लिए महत्वपूर्ण और समझने योग्य होने के लिए, अत्यधिक गंभीरता से नहीं थकना चाहिए था। इस उद्देश्य के लिए, उन्होंने पहली बार विशेष छोटी पुस्तकों में छापना शुरू किया। सारांशओपेरा (ऐसी पुस्तकों को कहा जाता था लीब्रेट्टो- अनुवाद "पुस्तक") में। ओपेरा के भूखंड रोमांचक कारनामों (आश्चर्यजनक हमले, भूकंप, युगल, पीछा) से भरे हुए थे। वे अभी भी प्राचीन मिथकों या ऐतिहासिक घटनाओं पर निर्भर थे, हालांकि, दोनों की व्याख्या बहुत स्वतंत्र रूप से की गई और अक्सर आधुनिकीकरण किया गया। उदाहरण के लिए, ओपेरा मोंटेवेर्डी में "यूलिसिस की वापसी" महान ओडीसियस, पाल की स्थापना, सभी वेनिस व्यापारियों की तरह, सीमा शुल्क निरीक्षण के अधीन था। आम लोगों (नौकरों, कारीगरों, व्यापारियों) के जीवन से कॉमेडी एपिसोड को रोमन ओपेरा की तुलना में अधिक व्यापक रूप से विनीशियन ओपेरा में पेश किया गया था, और उनके साथ इतालवी के स्वर लोकगीत. इस तरह, विनीशियन ओपेरा में लोक कला के साथ संबंध प्रगाढ़ हुए.

विनीशियन ओपेरा स्कूल के संगीतकारों में, मोंटेवेर्डी के अनुयायियों को अलग किया जाना चाहिए। फ्रांसेस्को कोवल्लीतथा मार्क एंटोनियो ऑनर(इस संगीतकार के ओपेरा में, सबसे शोर सफलता गोल्डन ऐप्पल को मिली, जिसने ट्रोजन युद्ध के इतिहास से पेरिस और हेलेन के बारे में एक एपिसोड का इस्तेमाल किया)।

बाद में दूसरों की तुलना में - 17 वीं शताब्दी के अंत तक - नेपल्स में एक ओपेरा स्कूल का गठन किया गया था, जो इतालवी ओपेरा के सौ साल के विकास के इतिहास को संक्षेप में प्रस्तुत करता है। दिलचस्प बात यह है कि नीपोलिटन ओपेरा उस आदर्श से विशेष रूप से दूर निकला जिसकी फ़्लोरेंटाइन कैमराटा ने आकांक्षा की थी। उसने तुरंत खुद को एक ऐसे काम के रूप में घोषित कर दिया जिसमें प्रमुख शक्ति कविता नहीं, बल्कि संगीत, गायन है। यह नेपल्स में था कि ऑपरेटिव गायन का प्रकार, जिसे बेल कैंटो कहा जाता था, स्थापित किया गया था ( सुंदर गायन) इसे सुचारू रूप से, खूबसूरती से व्यापक श्वास (कैंटीलिना) की मधुर धुन करने और हर समय इस चिकनाई को बनाए रखने की क्षमता के रूप में समझा जाता है। बेल कैंटो शैली में गायक से उच्चतम कौशल की आवश्यकता होती है: सांस लेने की कला में महारत, सभी रजिस्टरों में आवाज की सहज आवाज, शानदार तकनीक। इस गायन ने श्रोताओं के बीच अच्छी तरह से प्रसन्नता का कारण बना।

बेल कैंटो शैली ने फलने-फूलने में योगदान दिया एरियस , जिसे सस्वर पाठ पर स्पष्ट लाभ प्राप्त हुआ। नियपोलिटन्स ने व्यवहार में लाया ठेठअरियास जो लंबे समय तक ओपेरा मंच पर हावी रही। सबसे आम स्टेज स्थितियों से जुड़े कई विपरीत प्रकार के एरिया थे: लैमेंटो (इतालवी में - रोना, शिकायत) - शोकाकुल अरिया, दयनीय (भावुक), हर रोज, गेय, ब्रावुरा (शोर, क्रियात्मक), बफून, रिवेंज एरियस।

प्रत्येक प्रकार अपनी अभिव्यंजक तकनीकों पर निर्भर करता था। इसलिए, उदाहरण के लिए, लैमेंटो को अवरोही सेकंड के स्वर पर निर्भरता की विशेषता है, जो एक कराह, सिसकना बताता है। इस प्रकार के एरिया का पहला उत्कृष्ट उदाहरण एराडने मोंटेवेर्डी का विलाप है। यह शोक, उदासी की छवियां थीं, जो लैमेंटो एरियस में सन्निहित थीं, जो कि नियपोलिटन्स में सबसे गहरी और सबसे मजबूत थीं।

विशिष्ट अरियास की व्यापक लोकप्रियता का कारण यह था कि 17 वीं शताब्दी के ओपेरा नायकों का अभी तक कोई व्यक्तिगत रूप और चरित्र नहीं था। उन्होंने अपनी भावनाओं को एक सामान्यीकृत भाषा में व्यक्त किया, जो चरित्र से नहीं, बल्कि एक विशिष्ट स्थिति से जुड़ी हुई थी जिसमें उन्होंने खुद को पाया। कोई भी शर्मिंदा नहीं था कि एक क्रूर निरंकुश, एक खलनायक, प्यार में पड़ गया, अपनी भावनाओं को दिव्य सौंदर्य के एक उदात्त, आध्यात्मिक माधुर्य में डाल दिया, और इसके विपरीत, एक शर्मीली, डरपोक लड़की, ईर्ष्या महसूस करते हुए, हिंसक रौलाड खेलने लगी। दूसरे शब्दों में, अभिव्यक्ति समानभावनाओं (प्यार, दु: ख, घृणा, आदि) एक जैसाबिल्कुल विभिन्न नायक. रूप में, 17वीं शताब्दी के अरिया दा कैपो प्रकार के थे, जिसमें तीन भाग शामिल थे। तीसरा भाग, रीप्राइज़, एक नियम के रूप में, गायकों द्वारा सभी प्रकार के रौलेड्स से सजाया गया था।

द नेपोलिटन्स ने सिद्ध किया और भाषण , इसे दो प्रकारों में विभाजित करना - साथ (साथ) और सूखा (सेको)। सभी सूचना सामग्री जिसे श्रोता तक पहुँचाने की आवश्यकता थी, वह सेकको पाठ में गिर गई। यदि अरिया ने हमेशा कार्रवाई को रोक दिया, तो शुष्क पाठ, इसके विपरीत, इसमें बिल्कुल भी देरी नहीं हुई, यह जल्दी से पाठ का पालन करता है। मधुर रूप से, यह अधिक पसंद था बोलचाल की भाषागायन की तुलना में: यह एक बहुत ही स्वतंत्र तरीके से एक टंग ट्विस्टर के साथ किया गया था (व्यक्तिगत शब्दों पर जोर देने के साथ, गति में परिवर्तन, अभिव्यंजक विराम) - गायक ने एक नाटकीय अभिनेता की तरह व्यवहार किया। यही कारण है कि गायन-सेको एक ऑर्केस्ट्रा के साथ नहीं हो सकता था केवल हार्पसीकोर्ड के अलग-अलग रागों ने गायक को धुन में रहने में मदद की।

साथ में गायन अधिक मधुर था और एक ऑर्केस्ट्रा के साथ एक एरिया की तरह लग रहा था। इसे अक्सर एक एरिया के परिचय के रूप में इस्तेमाल किया जाता था। प्राय: ऐसी चिन्तनशील, जटिल मानसिक अवस्थाओं में विभिन्न भावनाओं के संघर्ष को व्यक्त किया जाता था।

इस प्रकार, नीपोलिटन ओपेरा स्कूल के संगीतकार मुख्य ऑपरेटिव रूपों के उद्देश्य को स्पष्ट रूप से परिभाषित और चित्रित किया गया - अरिया और पाठ:एरिया ने एक निश्चित भावना को व्यक्त करने पर ध्यान केंद्रित किया, जो हो रहा था, उसके लिए पात्रों के दृष्टिकोण को व्यक्त करते हुए, जबकि सस्वर ने एक घटना के बारे में एक संवाद या कथन में कार्रवाई विकसित की।

नीपोलिटन स्कूल के ढांचे के भीतर, मुख्य रूप से रचनात्मकता में एलेसेंड्रो स्कार्लट्टी, एक नई ओपेरा शैली सामने आई है - ओपेरा-सीरिया(इतालवी सेरिया - गंभीर)। इस ओपेरा शैली की विशिष्ट विशेषताएं थीं:

• एक जटिल, अक्सर असंभव साज़िश और एक अनिवार्य सुखद अंत के साथ एक पौराणिक या ऐतिहासिक-पौराणिक साजिश;
• नायकों की महान उत्पत्ति (ये राजा, सेनापति, प्राचीन देवता हैं);
• एरिया, केंद्रीय ऑपरेटिव रूप के रूप में, बाकी सब कुछ "अधिक"। पाठ धीरे-धीरे अधिक से अधिक अपना अर्थ खो देता है;
• गायन का प्रभुत्व और नाटक का पीछे हटना (मंच पर क्या होता है) पृष्ठभूमि में, यानी सामग्री के प्रति उदासीन रवैया।

समय के साथ, सीरियल ओपेरा में एक कलाप्रवीण व्यक्ति का एक वास्तविक पंथ स्थापित हो गया, जो संगीतकार को अपनी शर्तों को निर्धारित कर सकता था (एक गायक ने मांग की कि किसी भी एरिया में गुणी मार्ग होना चाहिए, जिसमें वह विशेष रूप से अच्छा था, दूसरा निश्चित रूप से प्रदर्शन करना चाहता था। शोकाकुल लैमेंटो एरिया, आदि) परिणामस्वरूप, ओपेरा-सीरिया को एक आक्रामक उपनाम मिला - पोशाक संगीत कार्यक्रम,चूँकि मजबूत भावनाओं को मूर्त रूप देने वाली अरिया की श्रृंखला अक्सर एक-दूसरे के साथ तार्किक संबंध से वंचित रहती थी (सब कुछ जो नाटक से संबंधित था, वह जल्दी से "बोली गई", बिना सार्वजनिक हित के)।

ओपेरा शैली के विकास में ओपेरा-सीरिया की भूमिका बेहद महान है: यह इसकी उपस्थिति से था कि ओपेरा शैली का असली फूल मुख्य रूप से संगीत के काम के रूप में शुरू हुआ। साथ ही, यह एक विरोधाभासी घटना थी, जिसमें संकट के लक्षण अधिक से अधिक तीव्र होते जा रहे थे।

अगले, XVIII सदी के 30 के दशक में ओपेरा सेरिया के विपरीत, में नेपल्सपैदा हुई ओपेरा-बफा- हास्य, और वह पैदा हुई थी अंदरतथाकथित . से गंभीर ओपेरा साइडशो -जनता के मनोरंजन के लिए ओपेरा सीरियल में डाले गए वो मजेदार कॉमेडी सीन। इस शैली की शुरुआत की "मेड लेडी" पेर्गोलेसी। इसमें केवल तीन भूमिकाएँ हैं, और एक है मिमिक (वेस्पॉन, उबेरतो का नौकर, गाता नहीं है)। साजिश बहुत सरल है: चालाक युवा नौकरानी सर्पीना चालाकी से अपने मालिक, पुराने स्नातक उबेरतो से शादी करती है। इस हंसमुख अंतराल की सफलता इतनी सनसनीखेज थी कि इसने उस गंभीर ओपेरा को पूरी तरह से ढंक दिया जिसमें इसे प्रदर्शित किया गया था, नतीजतन, इसे एक स्वतंत्र काम के रूप में अलग से दिया जाने लगा।

		ओपेराश्रृंखला	ओपेराभैंसा
	भूखंड	ऐतिहासिक-पौराणिक या पौराणिक, एक जटिल, अक्सर अकल्पनीय साज़िश और एक अनिवार्य सुखद अंत के साथ।	रोज़ाना, सीधी-सादी, हास्यपूर्ण, ज़्यादातर शहरी जीवन से। साज़िश सरल लेकिन मनोरंजक है।
	नायकों	राजा, सेनापति, प्राचीन देवता और प्राचीन मिथकों के अन्य पात्र।	समकालीन, "साधारण" लोग - सैनिक, किसान, नौकर, भिक्षु, व्यापारी, उनकी पत्नियाँ और बेटियाँ।
	नाटकीय कार्रवाई	पृष्ठभूमि में	एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है
	अरिया	प्रदर्शन की रीढ़ है, केंद्रीय ऑपरेटिव रूप, स्पष्ट रूप से बाकी सब कुछ "अधिक"। मुखर गुण प्रदर्शित करने के लिए कार्य करता है। पसंदीदा रूप - 3-भाग दा कैपो।	बाकी ऑपरेटिव रूपों के साथ संतुलन में है, गुणी अलंकरणों से रहित, इसकी सादगी लोक गीत के करीब है।
	भाषण	महत्वहीन	अरिया की तुलना में अक्सर अधिक अभिव्यंजक। एक विस्तृत आवेदन है।
	टुकड़ियों	धीरे-धीरे लगभग गायब हो जाते हैं।	नेतृत्व करोजगह।
	स्टेज डिज़ाइन	बहुत रसीला और प्रभावी।	मामूली।

बफा मास्टर्स थे गलुप्पी,पिचिनी,पैसीलो,सिमरोसा.

ओपेरा जल्दी से इटली से अन्य यूरोपीय देशों में फैल गया, 17 वीं शताब्दी के मध्य तक सबसे लोकप्रिय शैलियों में से एक बन गया। विभिन्न इतालवी ओपेरा मंडलों ने सफलतापूर्वक ऑस्ट्रिया, जर्मनी, इंग्लैंड, फ्रांस का दौरा किया, ओपेरा की कला में रुचि पैदा की और घरेलू संगीतकारों की पहल को जागृत किया जो एक नई शैली में अपना हाथ आजमा रहे हैं। हालांकि, इतालवी ओपेरा के लिए जुनून कभी-कभी बदल गया नकारात्मक पक्ष: जहां राजा और दरबारी मंडल केवल . को झुकाते थे इतालवी कला, इसने अपने राष्ट्रीय ओपेरा स्कूलों के विकास में बाधा डाली।

अविश्वसनीय कठिनाई के साथ, उसने अपना रास्ता बनाया जर्मन ओपेरा. इसने सत्तारूढ़ हलकों की ओर से पूर्ण उदासीनता का कारण बना, जिन्होंने केवल विदेशियों की कला को मान्यता दी, मुख्यतः इटालियंस। जर्मनी सचमुच आने वाले कलाकारों - गायकों, कंडक्टरों, संगीतकारों से भर गया था।

पहला जर्मन ओपेरा "डाफ्ने" 1627 में दिखाई दिया। इसके लेखक थे हेनरिक शुट्ज़ो, सबसे प्रमुख जर्मन संगीतकारों में से एक। डाफ्ने के अलावा, राष्ट्रीय जर्मन ओपेरा बनाने के लिए अन्य प्रयास किए गए, लेकिन इस प्रक्रिया को तीस साल के युद्ध से बाधित कर दिया गया। केवल 17 वीं शताब्दी के 60 के दशक से जर्मनी में ऑपरेटिव कला के गठन में एक नया चरण शुरू हुआ। बड़े जर्मन शहरों में - ड्रेसडेन, हैम्बर्ग, लीपज़िग - ओपेरा हाउस खुल रहे हैं, हालांकि, इतालवी ओपेरा मंडल मजबूती से स्थापित हैं, इतालवी ओपेरा का मंचन करते हैं। एकमात्र अपवाद है हैम्बर्ग, जहां ओपेरा हाउस कुछ समय के लिए इतालवी वर्चस्व का विरोध करने का प्रबंधन करता है। केवल उनके मूल जर्मन में ओपेरा प्रदर्शन का मंचन किया जाता है।

हैम्बर्ग ओपेरा का उदय एक अत्यधिक प्रतिभाशाली जर्मन संगीतकार के नाम से जुड़ा है रेइनहार्ड कैसर, जिनके कार्यों को अभूतपूर्व सफलता मिली। अपने ओपेरा में, कैसर ने विभिन्न विषयों की ओर रुख किया: पौराणिक, ऐतिहासिक, हास्य। उनके सर्वश्रेष्ठ ओपेरा में - "ऑक्टेविया" ,"नीरो", "लीपज़िग फेयर" . बाख और हैंडल तक कई जर्मन संगीतकारों ने कैसर के प्रभाव का अनुभव किया।

हालांकि, धीरे-धीरे, हैम्बर्ग ओपेरा में एक संकट पैदा हो रहा है और तेज हो रहा है। वह चर्च द्वारा उग्र रूप से जहर दिया गया है, जनता इसके प्रति ठंडी है, थिएटर फीस नहीं बनाता है, मंच इटालियंस से भर जाता है, और अंत में (40 के दशक की शुरुआत तक) हैम्बर्ग में ओपेरा हाउस का अस्तित्व समाप्त हो गया। इस दुखद परिणाम का मुख्य कारण यह था कि पिछड़े जर्मनी में राष्ट्रीय ओपेरा हाउस के लिए कोई सामाजिक और सांस्कृतिक स्थिति नहीं थी। जर्मन संगीतकारएक विदेशी भूमि में मान्यता प्राप्त करने के अलावा कोई विकल्प नहीं था, जैसे हैंडेल, वहां इतालवी शैली में ओपेरा लिखना, या ऑपरेटिव संगीत के बाहर अपनी प्रतिभा को लागू करना।

ओपेरा में एक विशेष भाग्य आया इंगलैंड. अंग्रेज आमतौर पर यूरोपीय नवाचारों को अपनाने की जल्दी में नहीं थे। पूरी तरह से गायन पर आधारित संगीत प्रदर्शन ने लंबे समय तक उनकी सहानुभूति नहीं जगाई। वे मिश्रित रूपों को पसंद करते थे - नाटकीय प्रदर्शन, जहां बहुत अधिक संगीत था, लेकिन मुख्य जोर अभिनय शब्द पर था। संगीत और बोले गए संवादों के संयोजन के आधार पर सेमी-ओपेरा (अर्ध-ओपेरा) भी लोकप्रिय था।

पहली अंग्रेजी राष्ट्रीय ओपेरा - "डिडो और एनीस" - संबंधित हेनरी पुरसेल. इस महान संगीतकार की गतिविधि मुख्य रूप से नाट्य संगीत के क्षेत्र में आगे बढ़ी: उन्होंने शेक्सपियर और समकालीन अंग्रेजी नाटककारों के भूखंडों के आधार पर प्रदर्शन तैयार किए। डिडो और एनीस शब्द के पारंपरिक अर्थों में परसेल का एकमात्र ओपेरा है। यह पेशेवर मंच के लिए नहीं, बल्कि . के लिए लिखा गया था स्कूल की छुट्टियांकुलीन युवतियों के बोर्डिंग स्कूल में। छात्रों द्वारा जबरदस्ती और एक कक्ष में, लगभग घरेलू वातावरण में प्रदर्शन किया गया। इसलिए ओपेरा का बहुत मामूली पैमाना - यह एक घंटे से थोड़ा अधिक समय तक चलता है।

"डिडो" की साजिश से उधार लिया गया है वर्जिलो द्वारा एनीड:

एनीस, बर्बाद ट्रॉय से भागकर, कार्थेज में समाप्त होता है, जहां विधवा रानी डिडो शासन करती है। आपसी जोशीला प्यार जगमगाता है, लेकिन बुरी ताकतें(चुड़ैलों के रूप में, अंग्रेजी लोककथाओं के विशिष्ट) नायकों की खुशी में हस्तक्षेप करते हैं। एनीस को कार्थेज छोड़ने के लिए मजबूर किया जाता है और डिडो दु: ख से मर जाता है।

पूरे ओपेरा का चरमोत्कर्ष - नायिका की मृत्यु एकालाप, शैली में निरंतर लामेंटो उनका संगीत एक दुर्लभ मधुर सौंदर्य और साथ ही, शानदार सादगी से प्रतिष्ठित है। पूरे एरिया में, ओस्टिनैटो बास दोहराया जाता है, घातक अनिवार्यता की भावना को मजबूत करता है। जैसे-जैसे दुःख बढ़ता है, राग अपनी गीतात्मक गुणवत्ता खो देता है और एक पाठ में बदल जाता है।

17 वीं शताब्दी के अन्य ओपेरा की तरह, "डीडो" व्यक्तिगत संख्याओं के विकल्प पर आधारित है - एकल, पहनावा, कोरल (ऐसी संरचना को कहा जाता है गिने)।साथ ही, संख्याओं को दृश्यों में संयोजित करने की स्पष्ट इच्छा है। उदाहरण के लिए, अंतिम, तीसरे अधिनियम के समापन में भाषणडिडो, बिना अंत के, में गुजरता है अरिया, जो बिना किसी रुकावट के बहती है आर्केस्ट्रा पोस्टल्यूड, और पोस्टल्यूड - in अंतिम कोरस।ऐसा क्रॉस-कटिंग विकास बाद के ओपेरा की विशेषता होगी।

"डिडो" की उपस्थिति ने राष्ट्रीय अंग्रेजी ओपेरा के जन्म को चिह्नित किया। हालांकि, पर्सेल के जीवनकाल के दौरान, यह पेशेवर मंच पर कभी नहीं किया गया था, और संगीतकार की मृत्यु के बाद, यह स्थायी अवधि में गिर गया और ऐसा लग रहा था, शाश्वत विस्मरण। में केवल देर से XIXसदी में, ओपेरा फिर से बज उठा, जिससे अंग्रेजी संगीत संस्कृति में पूरी क्रांति हो गई। 17वीं शताब्दी में, परसेल को एक भी अनुयायी नहीं मिला, और, रोमेन रोलैंड के शब्दों में, वह निकला "असफल अंग्रेजी ऑपरेटिव स्कूल के संस्थापक।"परसेल की मृत्यु के साथ, अंग्रेजी ओपेरा का जीवन 2.5 शताब्दियों के लिए छोटा हो गया।

एकमात्र देश जो 17वीं शताब्दी में इतालवी ओपेरा हाउस के प्रभाव से खुद को बचाने में कामयाब रहा, वह था फ्रांस. इसने अपनी खुद की, बहुत विशिष्ट राष्ट्रीय ऑपरेटिव परंपरा विकसित की, और कोई भी विदेशी संगीतकार जो पेरिस को जीतना चाहता था, न केवल विशेष रूप से फ्रांसीसी पाठ में लिखने के लिए, बल्कि फ्रांस में स्थापित कई रीति-रिवाजों का पालन करने के लिए भी बाध्य था।

फ्रांसीसी ओपेरा बनाने का पहला प्रयास कवि द्वारा किया गया था पियरे पेरिनऔर संगीतकार रॉबर्ट कम्बेरो. उनके सुझाव पर, पेरिस में एक सार्वजनिक ओपेरा हाउस, ग्रैंड ओपेरा खोला गया। हालाँकि, फ्रेंच ओपेरा का सच्चा निर्माता माना जाता है जीन बैप्टिस्ट लुलीजिन्होंने फ्रेंच संगीत शैली के मानक बनाए।

जीन बैप्टिस्ट लुली

जन्म से एक इतालवी (एक बच्चे के रूप में उसका नाम जियोवानी बतिस्ता लुल्ली था), एक बच्चे के रूप में लुली, एक सुखद दुर्घटना के लिए धन्यवाद, फ्रांस में समाप्त हो गया, जहां वह फ्रांसीसी राजा की बहन की सेवा में था। अपनी दुर्लभ संगीत क्षमताओं के लिए धन्यवाद, उन्होंने जल्दी से बनाया शानदार करियर, एक दरबारी संगीतकार बनकर, लुई XIV के असीमित विश्वास का आनंद लेते हुए।

लुली की प्रतिभा दुर्लभ बहुमुखी प्रतिभा से प्रतिष्ठित थी: वह एक उत्कृष्ट वायलिन वादक थे जिन्होंने अपने स्वयं के ऑर्केस्ट्रा ("राजा के 16 वायलिन"), कंडक्टर, संगीतकार, नर्तक, कोरियोग्राफर, निर्देशक, कोर्ट म्यूजिकल थिएटर के प्रमुख का आयोजन किया, जिसके लिए उन्होंने 20 लिखा संगीत और नाटकीय काम करता है। महान फ्रांसीसी नाटककारों के समकालीन होने के नाते - कॉर्नेल, रैसीन, मोलिएरे - लुली ने उनके साथ सक्रिय रूप से सहयोग किया, विशेष रूप से मोलिएरे के साथ, ऐसे नाटकों के लिए संगीत लिखना जैसे कि विवाह अनैच्छिक रूप से, द सिसिलियन, द ट्रेड्समैन इन द नोबिलिटी, आदि।

संगीतकार ने अपनी ऑपरेटिव रचनाओं को बुलाया "गीतात्मक त्रासदियों"(शाब्दिक रूप से: वीणा के नीचे त्रासदी, वह है गायन, संगीत) उनके पहले श्रोता और प्रशंसक स्वयं लुई XIV थे, जिनके लिए वे एक पसंदीदा दृश्य बन गए।

लुली के ओपेरा में, सबसे प्रसिद्ध "एरियाडने" , "अतीस" ,"आर्मिडा" ,"एसिस और गैलाटिया" ,"थीसस" . वे सभी एक अद्भुत कवि के पाठ पर लिखे गए हैं फ़िलिपा किनो, जो संगीतकार के स्थायी लिबरेटिस्ट थे।

लुली का ओपेरा एक अनिवार्य प्रस्तावना के साथ 5 कृत्यों का एक पतला, स्मारकीय प्रदर्शन है (इतालवी गंभीर ओपेरा तीन-अधिनियम था)। इतालवी ओपेरा-सीरिया के साथ साझा किए गए भूखंडों (ज्यादातर पौराणिक) के बावजूद, फ्रेंच ओपेरा कई मायनों में इससे अलग है:

• इसका आधार है घोषणात्मक पाठ, उदात्त के समान, दयनीय रूप से उन्नत भाषण और की तुलना में बहुत कम लचीला और मधुर इतालवी ओपेरा. लुली ने सर्वश्रेष्ठ फ्रांसीसी नाटकीय अभिनेताओं के मापा दयनीय पाठ की नकल करते हुए अपने गायन की रचना की।
• एरिया, जिसने इतालवी ओपेरा में एक प्रमुख भूमिका निभाई, ने लुली के साथ एक अधिक विनम्र स्थान लिया, एक छोटे से निष्कर्ष के रूप में एक सस्वर एकालाप के रूप में सेवा की। अपने एरियस के संगीत में, संगीतकार अक्सर रोज़मर्रा के फ्रांसीसी गीतों के स्वरों का इस्तेमाल करते थे।
• इटली में इतने लोकप्रिय हास्य दृश्यों को फ्रांसीसी गीतात्मक त्रासदी में अनुमति नहीं थी। मनोरंजक पक्ष बैले नंबरों की प्रचुरता थी (बैले के लिए प्यार एक राष्ट्रीय फ्रांसीसी विशेषता है)। पाँचवाँ अधिनियम आम तौर पर नृत्यों की एक श्रृंखला थी, जिसमें परंपरा के अनुसार, स्वयं राजा और शाही कुलीन लोग भाग लेते थे।
• फ्रेंच ओपेरा में विभिन्न चरित्रों के कोरल एपिसोड का बहुत महत्व था।
• प्रस्तुतियों गीतात्मक त्रासदी, शाही दरबार थिएटर के लिए अभिप्रेत था, अक्सर अत्यधिक विलासिता और वैभव की विशेषता थी।
• इटली में इतने लोकप्रिय कैस्ट्रेटो गायक व्यावहारिक रूप से फ्रांसीसी मंच पर दिखाई नहीं दिए। इसके अलावा, गायकों का हुक्म कभी नहीं रहा।

लुली के ओपेरा ने इस प्रकार की स्थापना की फ्रेंच ओवरचर।आमतौर पर इसमें 2 भाग होते हैं: एक धीमी गति से चलने वाला मार्च और एक तेज़, ऊर्जावान फुगाटो ( इतालवीअठारहवीं शताब्दी का ओवरचर सबसे अधिक बार फास्ट-स्लो-फास्ट के सिद्धांत के अनुसार 3 भागों के विपरीत बनाया गया था)।

शैली के संदर्भ में, लुली के ओपेरा मुख्य रूप से फ्रेंच संस्कृति की राष्ट्रीय परंपराओं के साथ निकटता से जुड़े हुए हैं नाटक थियेटर. साथ ही, उनमें से बहुत कुछ क्लासिकिस्ट त्रासदी के नियमों का खंडन करता है। इसलिए, उदाहरण के लिए, सिनेमा के लिब्रेट्टो में पात्रों के बीच लगभग हमेशा देवता और शानदार जीव होते हैं, ऐसी स्थितियां होती हैं जो कॉर्नेल और रैसीन के नाटकों में पूरी तरह से असंभव होती हैं; समय, स्थान और क्रिया की एकता के शास्त्रीय सिद्धांत का लगभग कभी भी सम्मान नहीं किया जाता है। यह सब 17 वीं शताब्दी के फ्रेंच ओपेरा को बारोक थिएटर से संबंधित बनाता है।