अगर आपको लगता है कि सभी महान कलाकार अतीत में हैं, तो आप नहीं जानते कि आप कितने गलत हैं। इस लेख में आप सबसे प्रसिद्ध और के बारे में जानेंगे प्रतिभाशाली कलाकारआधुनिकता। और, मेरा विश्वास करो, उनकी रचनाएँ आपकी स्मृति में पिछले युगों के उस्ताद के कार्यों से कम गहराई तक नहीं बैठेंगी।

वोज्शिएक बाब्स्की

वोज्शिएक बाब्स्की - आधुनिक पोलिश कलाकार. उन्होंने सिलेसियन पॉलिटेक्निक संस्थान से स्नातक किया, लेकिन खुद को इससे जोड़ा। में हाल तकज्यादातर महिलाओं को खींचता है। भावनाओं की अभिव्यक्ति पर ध्यान केंद्रित करता है, सरल तरीकों से सबसे बड़ा संभव प्रभाव प्राप्त करना चाहता है।

रंग पसंद करता है लेकिन अक्सर प्राप्त करने के लिए काले और भूरे रंग के रंगों का उपयोग करता है सबसे अच्छा अनुभव. नई तकनीकों के साथ प्रयोग करने से नहीं डरते। हाल ही में, वह विदेशों में अधिक से अधिक लोकप्रियता प्राप्त कर रहा है, मुख्य रूप से यूके में, जहां वह अपने कार्यों को सफलतापूर्वक बेचता है, जो पहले से ही कई निजी संग्रहों में पाया जा सकता है। कला के अलावा, उन्हें ब्रह्माण्ड विज्ञान और दर्शनशास्त्र में भी रुचि है। जैज़ सुनता है। वर्तमान में कटोविस में रहता है और काम करता है।

वॉरेन चांग

वारेन चांग एक समकालीन अमेरिकी कलाकार हैं। 1957 में जन्मे और मॉन्टेरी, कैलिफ़ोर्निया में पले-बढ़े, उन्होंने 1981 में पासाडेना में कला केंद्र कॉलेज ऑफ़ डिज़ाइन से ललित कला में स्नातक की उपाधि प्राप्त की। अगले दो दशकों तक, उन्होंने 2009 में एक पेशेवर कलाकार के रूप में अपना करियर शुरू करने से पहले कैलिफोर्निया और न्यूयॉर्क में विभिन्न कंपनियों के लिए एक इलस्ट्रेटर के रूप में काम किया।

उनके यथार्थवादी चित्रों को दो मुख्य श्रेणियों में विभाजित किया जा सकता है: जीवनी संबंधी आंतरिक चित्र और कामकाजी लोगों को चित्रित करने वाले चित्र। पेंटिंग की इस शैली में उनकी रुचि 16वीं सदी के पेंटर जैन वर्मियर के काम में निहित है, और वस्तुओं, आत्म-चित्रों, परिवार के सदस्यों, दोस्तों, छात्रों, स्टूडियो, कक्षा और घर के अंदरूनी हिस्सों तक फैली हुई है। उनका लक्ष्य प्रकाश के हेरफेर और मौन रंगों के उपयोग के माध्यम से अपने यथार्थवादी चित्रों में मनोदशा और भावना पैदा करना है।

पारंपरिक दृश्य कलाओं में परिवर्तन के बाद चांग प्रसिद्ध हो गया। पिछले 12 वर्षों में, उन्होंने कई पुरस्कार और सम्मान अर्जित किए हैं, सबसे प्रतिष्ठित ऑयल पेंटर्स एसोसिएशन ऑफ अमेरिका से मास्टर सिग्नेचर है, जो संयुक्त राज्य में सबसे बड़ा तेल चित्रकला समुदाय है। 50 में से केवल एक व्यक्ति को यह पुरस्कार प्राप्त करने का अवसर प्राप्त होता है। वर्तमान में, वारेन मोंटेरे में रहते हैं और अपने स्टूडियो में काम करते हैं, वे सैन फ्रांसिस्को एकेडमी ऑफ द आर्ट्स में भी पढ़ाते हैं (एक प्रतिभाशाली शिक्षक के रूप में जाने जाते हैं)।

ऑरेलियो ब्रूनी

ऑरेलियो ब्रूनी - इतालवी कलाकार. ब्लेयर में जन्म, 15 अक्टूबर, 1955। स्पोलेटो में कला संस्थान से सीनोग्राफी में डिग्री के साथ स्नातक। एक कलाकार के रूप में, वह स्व-सिखाया जाता है, क्योंकि उसने स्वतंत्र रूप से स्कूल में रखी नींव पर "ज्ञान का घर बनाया"। उन्होंने 19 साल की उम्र में तेल में पेंटिंग शुरू की थी। वर्तमान में उम्ब्रिया में रहता है और काम करता है।

ब्रूनी की शुरुआती पेंटिंग अतियथार्थवाद में निहित है, लेकिन समय के साथ वह गेय रोमांटिकतावाद और प्रतीकवाद की निकटता पर ध्यान केंद्रित करना शुरू कर देता है, इस संयोजन को अपने पात्रों के अति सुंदर परिष्कार और पवित्रता के साथ मजबूत करता है। चेतन और निर्जीव वस्तुएं समान गरिमा प्राप्त करती हैं और लगभग अति-यथार्थवादी दिखती हैं, लेकिन साथ ही, वे एक पर्दे के पीछे नहीं छिपती हैं, बल्कि आपको अपनी आत्मा का सार देखने देती हैं। बहुमुखी प्रतिभा और परिष्कार, कामुकता और अकेलापन, विचारशीलता और फलदायी ऑरेलियो ब्रूनी की भावना है, जो कला के वैभव और संगीत के सामंजस्य से पोषित है।

अलेक्जेंडर बालोस

Alkasandr Balos तेल चित्रकला में विशेषज्ञता रखने वाला एक समकालीन पोलिश कलाकार है। 1970 में ग्लिविस, पोलैंड में जन्मे, लेकिन 1989 से वह संयुक्त राज्य अमेरिका में कैलिफोर्निया के शास्ता शहर में रह रहे हैं और काम कर रहे हैं।

एक बच्चे के रूप में, उन्होंने अपने पिता जान, एक स्व-सिखाया कलाकार और मूर्तिकार के मार्गदर्शन में कला का अध्ययन किया, इसलिए से प्रारंभिक अवस्था, कलात्मक गतिविधिमाता-पिता दोनों का पूरा सहयोग मिला। 1989 में, अठारह वर्ष की आयु में, बालोस ने पोलैंड को संयुक्त राज्य अमेरिका के लिए छोड़ दिया, जहाँ उन्होंने स्कूल शिक्षकऔर अंशकालिक कलाकार कैथी गागलियार्डी ने अलकसैंडर को कला विद्यालय में दाखिला लेने के लिए प्रोत्साहित किया। बालोस को तब मिल्वौकी विस्कॉन्सिन विश्वविद्यालय में पूरी छात्रवृत्ति मिली, जहाँ उन्होंने दर्शनशास्त्र के प्रोफेसर हैरी रोज़िन के साथ पेंटिंग का अध्ययन किया।

1995 में स्नातक की डिग्री के साथ अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद, बालोस स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में अध्ययन करने के लिए शिकागो चले गए, जिनकी विधियाँ जैक्स-लुई डेविड के काम पर आधारित हैं। आलंकारिक यथार्थवाद और पोर्ट्रेट पेंटिंग 90 के दशक और 2000 के दशक की शुरुआत में बालोस के काम का बड़ा हिस्सा बना। आज, बालोस बिना किसी समाधान की पेशकश के मानव अस्तित्व की विशेषताओं और कमियों को उजागर करने के लिए मानव आकृति का उपयोग करता है।

उनके चित्रों की कथानक रचनाओं का उद्देश्य दर्शक द्वारा स्वतंत्र रूप से व्याख्या करना है, तभी कैनवस अपने वास्तविक लौकिक और व्यक्तिपरक अर्थ को प्राप्त करेंगे। 2005 में, कलाकार उत्तरी कैलिफोर्निया चले गए, तब से उनके काम का दायरा काफी बढ़ गया है और अब इसमें पेंटिंग के मुक्त तरीके शामिल हैं, जिसमें अमूर्त और विभिन्न मल्टीमीडिया शैली शामिल हैं जो पेंटिंग के माध्यम से विचारों और आदर्शों को व्यक्त करने में मदद करते हैं।

एलिसा भिक्षु

एलिसा मोंक्स - आधुनिक अमेरिकी कलाकार. उनका जन्म 1977 में न्यू जर्सी के रिजवुड में हुआ था। जब वह अभी भी एक बच्ची थी, तब उसे पेंटिंग में दिलचस्पी हो गई। न्यू यॉर्क में न्यू स्कूल में अध्ययन किया और स्टेट यूनिवर्सिटीमोंटक्लेयर, और 1999 में बोस्टन कॉलेज से स्नातक की उपाधि प्राप्त की। उसी समय, उसने अकादमी में चित्रकला का अध्ययन किया लोरेंजो मेडिसीफ्लोरेंस में।

फिर उन्होंने न्यू यॉर्क एकेडमी ऑफ आर्ट में मास्टर डिग्री के कार्यक्रम के तहत फिगरेटिव आर्ट विभाग में 2001 में स्नातक की पढ़ाई जारी रखी। उन्होंने 2006 में फुलर्टन कॉलेज से स्नातक किया। कुछ समय के लिए उन्होंने विश्वविद्यालयों में व्याख्यान दिया और शिक्षण संस्थानोंपूरे देश में, न्यूयॉर्क एकेडमी ऑफ आर्ट, साथ ही मोंटक्लेयर स्टेट यूनिवर्सिटी और लाइम एकेडमी कॉलेज ऑफ आर्ट में पेंटिंग पढ़ाते हैं।

"ग्लास, विनाइल, पानी और भाप जैसे फ़िल्टर का उपयोग करके, मैं विकृत करता हूं मानव शरीर. ये फ़िल्टर आपको बनाने की अनुमति देते हैं बड़े क्षेत्रसार डिजाइन, उनके माध्यम से झाँकने वाले रंगों के द्वीपों के साथ - मानव शरीर के अंग।

मेरी पेंटिंग पहले से ही स्थापित, पारंपरिक पोज़ और नहाने वाली महिलाओं के इशारों के आधुनिक रूप को बदल देती हैं। वे एक चौकस दर्शक को तैराकी, नृत्य, और इसी तरह के लाभों के बारे में ऐसी प्रतीत होने वाली स्वयं स्पष्ट चीजों के बारे में बहुत कुछ बता सकते हैं। मेरे पात्रों को शॉवर केबिन की खिड़की के कांच के खिलाफ दबाया जाता है, अपने स्वयं के शरीर को विकृत करते हुए, यह महसूस करते हुए कि वे एक नग्न महिला को कुख्यात पुरुष के रूप में प्रभावित करते हैं। दूर से कांच, भाप, पानी और मांस की नकल करने के लिए पेंट की मोटी परतों को एक साथ मिलाया जाता है। हालांकि, करीब, रमणीय भौतिक गुण ऑइल पेन्ट. पेंट और रंग की परतों के साथ प्रयोग करके, मुझे वह क्षण मिल गया जब अमूर्त स्ट्रोक कुछ और बन गए।

जब मैंने पहली बार मानव शरीर को चित्रित करना शुरू किया, तो मैं तुरंत मोहित हो गया और यहां तक ​​​​कि इसके प्रति आसक्त भी हो गया और मुझे लगा कि मुझे अपनी पेंटिंग को यथासंभव यथार्थवादी बनाना है। मैंने यथार्थवाद को तब तक "दावा" किया जब तक कि यह खुद को खोलना और विखंडित नहीं करना शुरू कर दिया। अब मैं पेंटिंग की एक शैली की संभावनाओं और संभावनाओं की खोज कर रहा हूं जहां प्रतिनिधित्वात्मक पेंटिंग और अमूर्तता मिलती है - यदि दोनों शैलियों समय पर एक ही समय में सह-अस्तित्व में हो सकती हैं, तो मैं इसे करूँगा।

एंटोनियो फिनेली

इटालियन कलाकार - समय देखने वाला”- एंटोनियो फिनेली का जन्म 23 फरवरी 1985 को हुआ था। वर्तमान में रोम और कैंपोबैसो के बीच इटली में रहता है और काम करता है। उनके कार्यों को इटली और विदेशों में कई दीर्घाओं में प्रदर्शित किया गया है: रोम, फ्लोरेंस, नोवारा, जेनोआ, पलेर्मो, इस्तांबुल, अंकारा, न्यूयॉर्क, और वे निजी और सार्वजनिक संग्रहों में भी पाए जा सकते हैं।

पेंसिल चित्र " समय का पहरेदार“एंटोनियो फिनेली हमें एक अनंत यात्रा पर भेजते हैं भीतर की दुनियामानवीय लौकिकता और उससे जुड़ी इस दुनिया का कठोर विश्लेषण, जिसका मुख्य तत्व समय के माध्यम से मार्ग है और यह त्वचा पर निशान लगाता है।

फिनेली किसी भी उम्र, लिंग और राष्ट्रीयता के लोगों के चित्र बनाता है, जिनके चेहरे के भाव समय के माध्यम से पारित होने का संकेत देते हैं, और कलाकार भी अपने पात्रों के शरीर पर समय की क्रूरता का सबूत खोजने की उम्मीद करता है। एंटोनियो अपने कार्यों को एक, सामान्य शीर्षक के साथ परिभाषित करता है: "सेल्फ-पोर्ट्रेट", क्योंकि अपने पेंसिल चित्र में वह न केवल एक व्यक्ति को चित्रित करता है, बल्कि दर्शक को चिंतन करने की अनुमति देता है। वास्तविक परिणामकिसी व्यक्ति के भीतर समय बीतना।

फ्लेमिनिया कार्लोनी

फ्लमिनिया कार्लोनी एक 37 वर्षीय इतालवी कलाकार हैं, जो एक राजनयिक की बेटी हैं। उसके तीन बच्चे हैं। बारह साल वह रोम में रहीं, तीन साल इंग्लैंड और फ्रांस में। बीडी स्कूल ऑफ आर्ट से कला इतिहास में डिग्री प्राप्त की। फिर उसने कला के कार्यों के विशेष पुनर्स्थापना में डिप्लोमा प्राप्त किया। उसे बुलाने और खुद को पूरी तरह से पेंटिंग के लिए समर्पित करने से पहले, उसने एक पत्रकार, रंगकर्मी, डिजाइनर और अभिनेत्री के रूप में काम किया।

पेंटिंग के लिए फ्लमिनिया का जुनून एक बच्चे के रूप में पैदा हुआ। उसका मुख्य माध्यम तेल है क्योंकि वह "कोइफ़र ला पाटे" से प्यार करती है और सामग्री के साथ खेलती भी है। उसने कलाकार पास्कल टोरुआ के कामों में एक समान तकनीक सीखी। फ्लेमिनिया पेंटिंग के महान उस्तादों जैसे कि बल्थस, हॉपर और फ्रांस्वा लेग्रैंड के साथ-साथ विभिन्न कला आंदोलनों से प्रेरित है: सड़क कला, चीनी यथार्थवाद, अतियथार्थवाद और पुनर्जागरण यथार्थवाद। उसका पसंदीदा चित्रकार कारवागियो. उसका सपना कला की चिकित्सीय शक्ति की खोज करना है।

डेनिस चेर्नोव

Denis Chernov प्रतिभाशाली हैं यूक्रेनी कलाकार, 1978 में साम्बिर, लविवि क्षेत्र, यूक्रेन में पैदा हुआ था। खार्कोव से स्नातक करने के बाद कला स्कूल 1998 में वह खार्कोव में रहे, जहाँ वे वर्तमान में रहते और काम करते हैं। उन्होंने खार्कोव में भी अध्ययन किया राज्य अकादमीडिजाइन और कला, ग्राफिक्स विभाग, 2004 में स्नातक।

वह नियमित रूप से कला प्रदर्शनियों में भाग लेते हैं, इस पलउनमें से साठ से अधिक यूक्रेन और विदेशों में थे। डेनिस चेरनोव के अधिकांश कार्य यूक्रेन, रूस, इटली, इंग्लैंड, स्पेन, ग्रीस, फ्रांस, अमेरिका, कनाडा और जापान में निजी संग्रह में रखे गए हैं। कुछ कृतियाँ क्रिस्टी में बेची गईं।

डेनिस ग्राफिक और पेंटिंग तकनीकों की एक विस्तृत श्रृंखला में काम करता है। पेंसिल चित्र उनकी पसंदीदा पेंटिंग विधियों में से एक हैं, उनके विषयों की एक सूची है पेंसिल चित्रबहुत विविध भी, वह परिदृश्य, चित्र, जुराब, शैली की रचनाएँ चित्रित करता है, पुस्तक चित्रण, साहित्यिक और ऐतिहासिक पुनर्निर्माण और कल्पनाएँ।

प्रत्येक देश में समकालीन कला के अपने नायक होते हैं, जिनके नाम प्रसिद्ध हैं, जिनकी प्रदर्शनियों में प्रशंसकों और जिज्ञासु लोगों की भीड़ इकट्ठा होती है, और जिनकी रचनाएँ निजी संग्रहों में वितरित की जाती हैं।

इस लेख में हम आपको सबसे लोकप्रिय से परिचित कराएंगे समकालीन कलाकारजापान।

कीको तानबे

क्योटो में जन्में कीको ने बचपन में कई खिताब जीते थे। कला प्रतियोगिताएं, लेकिन उच्च शिक्षाकला के क्षेत्र में बिल्कुल नहीं मिला। उसने टोक्यो में जापानी स्व-सरकारी व्यापार संगठन के अंतर्राष्ट्रीय संबंध विभाग में बड़े पैमाने पर काम किया कानून फर्मसैन फ्रांसिस्को में और सैन डिएगो में एक निजी परामर्श फर्म में, बड़े पैमाने पर यात्रा की। 2003 में शुरू करते हुए, उसने अपनी नौकरी छोड़ दी और सैन डिएगो में वॉटरकलर पेंटिंग की मूल बातें सीखने के बाद, खुद को विशेष रूप से कला के लिए समर्पित कर दिया।

इकेनागा यसुनारी (इकेनागा यसुनारी)

जापानी कलाकार इकेनागा यासुनारी ने चित्र बनाए हैं आधुनिक महिलाएंपेंटिंग की प्राचीन जापानी परंपरा में मेन्सो ब्रश, मिनरल पिगमेंट, कार्बन ब्लैक, स्याही और लिनन को आधार के रूप में इस्तेमाल किया जाता है। उनके पात्र हमारे समय की महिलाएं हैं, लेकिन निहोंगा की शैली के लिए धन्यवाद, ऐसा लगता है कि वे प्राचीन काल से हमारे पास आए थे।

अबे तोशीयुकी

अबे तोशीयुकी एक यथार्थवादी कलाकार हैं जिन्हें महारत हासिल है जल रंग तकनीक. आबे को एक कलाकार-दार्शनिक कहा जा सकता है: वह मौलिक रूप से प्रसिद्ध स्थलों को आकर्षित नहीं करता है, व्यक्तिपरक रचनाओं को प्राथमिकता देता है जो उस व्यक्ति की आंतरिक स्थिति को दर्शाता है जो उन्हें देखता है।

हिरोको सकाई

कलाकार हिरोको सकाई का करियर 90 के दशक की शुरुआत में फुकुओका शहर में शुरू हुआ था। सीनन गाकुइन यूनिवर्सिटी और निहॉन फ्रेंच स्कूल ऑफ इंटीरियर डिजाइन से डिजाइन और विज़ुअलाइज़ेशन में स्नातक होने के बाद, उन्होंने "एटेलियर यूम-त्सुमुगी लिमिटेड" की स्थापना की। और 5 साल तक इस स्टूडियो का सफलतापूर्वक प्रबंधन किया। उनके कई काम जापान में अस्पतालों, बड़े निगमों के कार्यालयों और कुछ नगरपालिका भवनों के लॉबी को सुशोभित करते हैं। संयुक्त राज्य अमेरिका जाने के बाद, हिरोको ने तेलों में पेंट करना शुरू किया।

रिउसुके फुकहोरी

रयुसुकी फुकहोरी के त्रि-आयामी कार्य होलोग्राम की तरह हैं। हो गया एक्रिलिक पेंटकई परतों में लागू, और एक पारदर्शी राल तरल - यह सब, पारंपरिक तरीकों के साथ-साथ छाया खींचना, किनारों को नरम करना, पारदर्शिता को नियंत्रित करना, रयुसुकी को मूर्तिकला पेंटिंग बनाने की अनुमति देता है और काम को गहराई और यथार्थवाद देता है।

नात्सुकी ओटानी

नात्सुकी ओटानी इंग्लैंड में रहने और काम करने वाला एक प्रतिभाशाली जापानी चित्रकार है।

मकोतो मुरामात्सु

मकोतो मुरामात्सु ने अपने काम के आधार के रूप में एक जीत-जीत विषय चुना - वह बिल्लियों को आकर्षित करता है। उनकी तस्वीरें दुनिया भर में लोकप्रिय हैं, खासकर पहेली के रूप में।

तेत्सुया मिशिमा

आधुनिक की अधिकांश पेंटिंग जापानी कलाकारमिशिमा तेल में बनाया जाता है। वह 90 के दशक से पेशेवर रूप से पेंटिंग कर रही हैं, उनके पास कई हैं व्यक्तिगत प्रदर्शनियोंऔर एक बड़ी संख्या कीसामूहिक प्रदर्शनियाँ, जापानी और विदेशी दोनों।

क्या आपको जापानी पेंटिंग पसंद है? आप सेलिब्रिटीज के बारे में कितना जानते हैं? जापानी कलाकार? आइए सबसे अधिक देखें प्रसिद्ध कलाकारजापान जिन्होंने उकियो-ए (浮世絵) की शैली में अपनी कृतियों का निर्माण किया। पेंटिंग की यह शैली ईदो काल से विकसित हुई है। इस शैली को लिखने वाले चित्रलिपि 浮世絵 का शाब्दिक अर्थ है "बदलती दुनिया के चित्र (चित्र)", आप पेंटिंग की इस दिशा के बारे में अधिक पढ़ सकते हैं

हिसिकावा मोरोनोबु(菱川師宣, 1618-1694)। यूकेयो-ए शैली के संस्थापक माना जाता है, हालांकि, वास्तव में, वह केवल पहले मास्टर हैं जिनके जीवन को संरक्षित किया गया है। जीवन संबन्धित जानकारी. मोरोनोबु का जन्म कपड़े की रंगाई और सोने और चांदी के धागों से कढ़ाई करने वाले एक मास्टर के परिवार में हुआ था और वह लंबे समय से पारिवारिक शिल्प में हैं, इसलिए उनके काम की पहचान सुंदरियों के खूबसूरती से सजाए गए कपड़े हैं, जो एक अद्भुत कलात्मक प्रभाव देते हैं .

ईदो में जाने के बाद, उन्होंने पहले अपने दम पर पेंटिंग तकनीकों का अध्ययन किया और फिर कलाकार कंबुन ने अपनी पढ़ाई जारी रखी।

ज्यादातर मोरोनोबु के एल्बम हमारे पास आ गए हैं, जिसमें उन्होंने ऐतिहासिक और साहित्यिक विषयों और किताबों को किमोनोस के पैटर्न के साथ दर्शाया है। मास्टर ने शुंग शैली में भी काम किया, और व्यक्तिगत कार्यों के बीच, सुंदर महिलाओं को चित्रित करने वाले कई को संरक्षित किया गया है।

(鳥居清長, 1752-1815)। 18 वीं शताब्दी के अंत में मान्यता प्राप्त, सेकी (सेकिगुची) मास्टर शिंसुके (इशिबेई) ने छद्म नाम तोरी कियोनागा को जन्म दिया, जिसे उन्होंने बाद की मृत्यु के बाद तोरी कियोमित्सु से उकीयो-ए तोरी के स्कूल को विरासत में लेने के बाद लिया।

कियोनागा का जन्म बुकसेलर शिराकोया इशिबेई के परिवार में हुआ था। बिजिंगा की शैली ने उन्हें सबसे बड़ी प्रसिद्धि दिलाई, हालांकि उन्होंने याकुशा-ए से शुरुआत की। बिजिंगा शैली में उत्कीर्णन के भूखंडों से लिए गए थे रोजमर्रा की जिंदगी: टहलना, उत्सव जुलूस, अध्ययन यात्रा। कलाकार के कई कामों में, श्रृंखला "मजेदार पड़ोस से फैशनेबल सुंदरियों की प्रतियोगिता" मिनामी को दर्शाती है, जो ईदो के दक्षिण में "मजेदार पड़ोस" में से एक है, "दक्षिणी सुंदरियों के 12 चित्र", "10 प्रकार की चाय की दुकानें" अलग दिखना। मास्टर की एक विशिष्ट विशेषता पृष्ठभूमि के दृश्य का विस्तृत अध्ययन और प्रकाश और अंतरिक्ष को चित्रित करने के लिए पश्चिम से आई तकनीकों का उपयोग था।

कियोनागा ने 1782 में प्रकाशक निशिमुराई योहाची के लिए 1770 के दशक में कोरियुसाई द्वारा शुरू की गई श्रृंखला "फैशन के मॉडल: मॉडल न्यू एज़ स्प्रिंग फोलीज" की बहाली के साथ अपनी प्रारंभिक प्रसिद्धि प्राप्त की।

(喜多川歌麿, 1753-1806)। यह प्रसिद्ध यूकेयो-ए मास्टर तोरी कियोनागा और प्रकाशक त्सुताई जुजाबुरो से काफी प्रभावित था। उत्तरार्द्ध के साथ एक लंबे सहयोग के परिणामस्वरूप, कई एल्बम, चित्र वाली किताबें और उत्कीर्णन की एक श्रृंखला प्रकाशित हुई।

इस तथ्य के बावजूद कि उटामारो ने साधारण कारीगरों के जीवन से कहानियाँ लीं और प्रकृति ("द बुक ऑफ़ कीट्स") को चित्रित करने का प्रयास किया, प्रसिद्धि उन्हें योशिवारा क्वार्टर ("योशिवारा ग्रीन हाउस इयरबुक") से गीशा को समर्पित कार्यों के कलाकार के रूप में मिली। ).

कागज पर मन की अवस्थाओं को व्यक्त करने में उतामारो उच्च स्तर पर पहुंच गया है। जापानी वुडकट्स में पहली बार छाती की रचनाओं का इस्तेमाल किया जाने लगा।

यह उटामारो का काम था जिसने फ्रांसीसी प्रभाववादियों को प्रभावित किया और जापानी प्रिंटों में यूरोपीय लोगों के हित में योगदान दिया।

(葛飾北斎, 1760-1849)। होकुसाई का असली नाम तोकितारो है। संभवतः दुनिया भर में सबसे व्यापक रूप से जाना जाने वाला उक्यो-ए मास्टर। अपने पूरे काम के दौरान, उन्होंने तीस से अधिक छद्म नामों का प्रयोग किया। अक्सर, इतिहासकार अपने काम की अवधि के लिए छद्म नामों का प्रयोग करते हैं।

सबसे पहले, होकुसाई ने एक कार्वर के रूप में काम किया, जिसका काम कलाकार के इरादे से सीमित था। यह तथ्य होकुसाई पर भारी पड़ा, और वह खुद को एक स्वतंत्र कलाकार के रूप में देखने लगा।

1778 में, वह कत्सुकावा शुंशो के स्टूडियो में एक प्रशिक्षु बन गया, जो याकुशा-ए प्रिंट में विशिष्ट था। होकुसाई एक प्रतिभाशाली और बहुत मेहनती छात्र दोनों थे, जो हमेशा शिक्षक के प्रति सम्मान दिखाते थे, और इसलिए शुंशो के विशेष अनुग्रह का आनंद लेते थे। इस प्रकार, पहला स्वतंत्र कामहोकुसाई याकुशा-ए शैली में डिप्टीच और ट्राइप्टिक के रूप में थे, और छात्र की लोकप्रियता शिक्षक के बराबर थी। इस समय, युवा मास्टर ने पहले ही अपनी प्रतिभा को इतना विकसित कर लिया था कि एक स्कूल के भीतर भीड़ हो गई, और शिक्षक की मृत्यु के बाद, होकुसाई ने स्टूडियो छोड़ दिया और अन्य स्कूलों के निर्देशों का अध्ययन किया: कानो, सोतात्सु (अन्यथा कोएत्सु), रिनपा, टोसा।

इस अवधि के दौरान, कलाकार महत्वपूर्ण वित्तीय कठिनाइयों का सामना कर रहा है। लेकिन साथ ही, एक मास्टर के रूप में उनका गठन हो रहा है, जो समाज की मांग की सामान्य छवि को अस्वीकार कर देता है और अपनी शैली की तलाश में है।

1795 में, काव्य संकलन केका ईदो मुरासाकी के लिए चित्र प्रकाशित किए गए थे। फिर होकुसाई ने सुरीमोनो पेंटिंग बनाई, जो तुरंत लोकप्रिय होने लगी और कई कलाकारों ने उनकी नकल करना शुरू कर दिया।

इस अवधि से, टोकिटारो ने होकुसाई नाम के साथ अपने कार्यों पर हस्ताक्षर करना शुरू किया, हालांकि उनके कुछ कार्यों को छद्म नाम तत्सुमसा, टोकितारो, काको, सोरोबेकु के तहत प्रकाशित किया गया था।

1800 में, मास्टर ने खुद को गाकेजिन होकुसाई कहना शुरू किया, जिसका अर्थ है "पेंटिंग मैड होकुसाई।"

को प्रसिद्ध श्रृंखलादृष्टांतों में "माउंट फ़ूजी के 36 दृश्य" शामिल हैं, जिनमें से सबसे प्रमुख "द विक्टोरियस विंड" है। क्लियर डे" या "रेड फ़ूजी" और "द ग्रेट वेव ऑफ़ कनागावा", "माउंट फ़ूजी के 100 दृश्य", तीन एल्बमों में रिलीज़ हुई, "होकुसाई मंगा" (北斎漫画), जिसे "जापानी लोगों का विश्वकोश" कहा जाता है। . कलाकार ने रचनात्मकता, दर्शन पर अपने सभी विचारों को "मंगा" में निवेश किया है। उस समय जापान के जीवन का अध्ययन करने के लिए "मंगा" सबसे महत्वपूर्ण स्रोत है, क्योंकि इसमें कई शामिल हैं सांस्कृतिक पहलू. कुल मिलाकर, बारह अंक कलाकार के जीवन के दौरान प्रकाशित हुए, और उनकी मृत्यु के बाद - तीन और:

* 1815 - द्वितीय, तृतीय

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (कलाकार की मृत्यु के बाद)

होकुसाई की कला ने आर्ट नोव्यू और फ्रांसीसी प्रभाववाद जैसे यूरोपीय आंदोलनों को प्रभावित किया।

(河鍋暁斎, 1831-1889)। उन्होंने कानो स्कूल में पढ़े छद्म नामों सेसेई क्योसाई, शूरानसाई, बैगा डोजिन का इस्तेमाल किया।

होकुसाई के विपरीत, क्योसाई बल्कि निर्लज्ज था, जिसके कारण उसे कलाकार सुबोयामा तोज़ान के साथ बाहर होना पड़ा। स्कूल के बाद, वह एक स्वतंत्र मास्टर बन गया, हालाँकि वह कभी-कभी अगले पाँच वर्षों के लिए उससे मिलने जाता था। उस समय, वह तथाकथित "क्रेज़ी पिक्चर्स" क्योगा पेंटिंग कर रहे थे।

उत्कृष्ट नक्काशियों में, "क्योसाई की एक सौ पेंटिंग्स" प्रतिष्ठित हैं। एक चित्रकार के रूप में, Kyosai लघु कथाओं और उपन्यासों के लिए चित्र बनाने के लिए अन्य कलाकारों के साथ सहयोग करता है।

19वीं शताब्दी के अंत में, यूरोपीय अक्सर जापान का दौरा करते थे। कलाकार उनमें से कुछ से परिचित था, और उसके कई कार्य अब ब्रिटिश संग्रहालय में हैं।

(歌川広重, 1797-1858)। उन्होंने छद्म नाम एंडो हिरोशिगे (安藤広重) के तहत काम किया और प्राकृतिक रूपों के सूक्ष्म प्रतिपादन के लिए जाना जाता है और प्राकृतिक घटनाएं. पहली पेंटिंग "माउंट फ़ूजी इन द स्नो", जिसे अब टोक्यो के सनटोरी संग्रहालय में रखा गया है, उन्होंने दस साल की उम्र में लिखा था। भूखंडों शुरुआती कामपर आधारित सच्ची घटनाएँसड़कों पर हो रहा है। उनकी प्रसिद्ध साइकिलें ईदो के 100 दृश्य, माउंट फ़ूजी के 36 दृश्य, 53 टोकैडो स्टेशन, 69 किमोकाइडो स्टेशन, 100 हैं ज्ञात प्रजातियांईदो। मोनेट और रूसी कलाकार बिलिबिन टोकैडो रोड के 53 स्टेशनों से बहुत प्रभावित थे, जो ईस्ट सीसाइड रोड के साथ यात्रा करने के बाद चित्रित किए गए थे, साथ ही एदो के 100 दृश्य भी थे। 25 नक्काशियों की कचो-गा श्रृंखला से, सबसे प्रसिद्ध शीट "स्पैरो ओवर ए स्नो-कवर्ड कैमेलिया" है।

(歌川 国貞, जिसे उटगावा टोयोकुनी III (जाप। 三代歌川豊国) के नाम से भी जाना जाता है)। सबसे ज्यादा उत्कृष्ट कलाकारउक्यो-ए।

चुकाया गया विशेष ध्यानकाबुकी अभिनेता और थिएटर ही - यह सभी कार्यों का लगभग 60% है। बिजिंगा शैली और सूमो पहलवानों के चित्रों के बारे में भी जाना जाता है। यह ज्ञात है कि उन्होंने 20 से 25 हजार कहानियों का निर्माण किया, जिसमें 35-40 हजार पत्रक शामिल थे। उन्होंने शायद ही कभी परिदृश्य और योद्धाओं को संबोधित किया। उटगावा कुनियोशी (歌川 国芳, 1798 - 1861) एक रेशम रंगरेज के परिवार में पैदा हुआ। कुनियोशी ने कलाकार कुनिनाओ के अपने परिवार में रहते हुए दस साल की उम्र में चित्र बनाना सीखना शुरू किया। फिर उन्होंने कात्सुकावा शुनेई के साथ अध्ययन करना जारी रखा और 13 साल की उम्र में उन्होंने तोकुयोनी की कार्यशाला में प्रवेश किया। युवा कलाकार के पहले साल, चीजें ठीक नहीं चल रही हैं। लेकिन प्रकाशक कागाया कितिबेई से 108 सुकोडेन हीरोज श्रृंखला के लिए पांच प्रिंट के लिए एक आदेश प्राप्त करने के बाद, चीजें आगे बढ़ीं। वह इस श्रृंखला के बाकी पात्रों को बनाता है, और फिर अन्य विभिन्न नौकरियों के लिए आगे बढ़ता है, और पंद्रह वर्षों के बाद वह उटगावा हिरोशिगे और उटगावा कुनिसादा के बराबर होता है।

1842 के बाद छवियों पर प्रतिबंध रंगमंच के दृश्य, अभिनेता, गीशा और शिष्टाचार, कुनियोशी अपनी "बिल्ली" श्रृंखला लिखते हैं, गृहिणियों और बच्चों के लिए एक शैक्षिक श्रृंखला से उत्कीर्णन करते हैं, "परंपराओं, नैतिकता और शालीनता" श्रृंखला में राष्ट्रीय नायकों को दर्शाते हैं, और 1840 के दशक के अंत तक - शुरुआत 1850 के दशक में निषेधों को कमजोर करने के बाद, कलाकार काबुकी के विषय पर लौटता है।

(渓斎英泉, 1790-1848)। बिडिंग शैली में अपने कार्यों के लिए जाने जाते हैं। उसके में सबसे अच्छा कामओकुबी-ए प्रकार के चित्र शामिल हैं (" बड़े सिर”), जिन्हें बंसी युग (1818-1830) की शिल्प कौशल का उदाहरण माना जाता है, जब यूकेयो-ए शैली गिरावट में थी। कलाकार ने कई गेय और कामुक सुरीमोनो लिखे, साथ ही परिदृश्य के चक्र "किसोकैडो के साठ-नौ स्टेशन", जिसे वह पूरा नहीं कर सका, और हिरोशिगे ने इसे समाप्त कर दिया।

बिजिंगा के चित्रण में नवीनता एक कामुकता थी जो अन्य कलाकारों के पास पहले नहीं थी। उनके कामों से हम उस समय के फैशन को समझ सकते हैं। उन्होंने सैंतालीस रोनिन की आत्मकथाएँ भी प्रकाशित कीं और द हिस्ट्री ऑफ़ उकियो-ए प्रिंट्स (उकियो-ए रुइको) सहित कई अन्य पुस्तकें लिखीं, जिनमें कलाकारों की आत्मकथाएँ शामिल हैं। और एक नामहीन बुजुर्ग के नोट्स में, उन्होंने खुद को एक भ्रष्ट शराबी और नेजू वेश्यालय के पूर्व मालिक के रूप में वर्णित किया जो 1830 के दशक में जमीन पर जल गया था।

सुज़ुकी हारुनोबू (鈴木春信, 1724-1770) कलाकार का असली नाम होज़ुमी जिरोबी है। वह यूकेयो-ए पॉलीक्रोम प्रिंटिंग के अग्रणी हैं। उन्होंने कानो स्कूल में अध्ययन किया और चित्रकला का अध्ययन किया। फिर, शिगेनागा निशिमुरा और तोरिया कियोमित्सु के प्रभाव में, लकड़ी काटना उनका जुनून बन गया। 18 वीं शताब्दी की शुरुआत से दो या तीन रंगों में छपाई की गई है, और हारुनोबु ने दस रंगों में चित्रों को चित्रित करना शुरू किया, जिसमें तीन बोर्डों का उपयोग किया गया और तीन रंगों - पीला, नीला और लाल का संयोजन किया गया।

छवि में बाहर खड़े हो जाओ सड़क के दृश्यऔर शुंग पेंटिंग्स। और 1760 के दशक के बाद से, वह काबुकी थिएटर के अभिनेताओं को चित्रित करने वाले पहले लोगों में से एक थे। उनके काम ने ई. मानेट और ई. देगास को प्रभावित किया।

(小原古邨, 1877 - 1945)। उनका असली नाम माताओ ओहरा है। रुसो-जापानी और चीन-जापानी युद्धों के दृश्यों को चित्रित किया। हालाँकि, फोटोग्राफी के आने के बाद, उनका काम खराब होने लगा और उन्होंने स्कूल में पढ़ाकर जीविका अर्जित करना शुरू कर दिया। ललित कलाटोक्यो में। 1926 में, बोस्टन संग्रहालय में जापानी कला के क्यूरेटर अर्नेस्ट फेलोज़ा ने ओहरा को पेंटिंग में लौटने के लिए राजी किया, और कलाकार ने पक्षियों और फूलों को चित्रित करना शुरू किया, और उनका काम विदेशों में अच्छी तरह से बिका।

(伊藤若冲, 1716 - 1800)। वह अपनी विलक्षणता और जीवन शैली के साथ अन्य कलाकारों के बीच में खड़ा था, जिसमें उस समय के कई सांस्कृतिक और धार्मिक हस्तियों के साथ दोस्ती शामिल थी। जानवरों, फूलों और पक्षियों को बहुत ही आकर्षक तरीके से चित्रित किया गया है। वह बहुत प्रसिद्ध था और स्क्रीन और मंदिर चित्रों को चित्रित करने का आदेश लेता था।

(鳥居清信, 1664-1729)। सबसे महत्वपूर्ण प्रतिनिधियों में से एक शुरुआती समयउक्यो-ए। अपने शिक्षक हिसिकावा मोनोरोबु के महान प्रभाव के बावजूद, वे पोस्टर और पोस्टर के चित्रण में यकुशा-ए शैली के संस्थापक बने और अपनी शैली का आविष्कार किया। अभिनेताओं को भूमिका में विशेष पोज़ में चित्रित किया गया था बहादुर नायकोंऔर चित्रित किए गए थे
महान नारंगी रंग, और खलनायक अंदर खींचे गए नीला रंग. जुनून को चित्रित करने के लिए, कलाकार ने एक विशेष प्रकार के मिमिज़ुगाकी पैटर्न का आविष्कार किया - ये बारी-बारी से पतले और मोटे स्ट्रोक के साथ घुमावदार रेखाएँ हैं और अंगों की मांसपेशियों की एक विचित्र छवि के साथ संयुक्त हैं।

तोरी कियोनोबू कलाकारों के तोरी राजवंश के संस्थापक हैं। उनके छात्र तोरी कियोमासु, तोरी कियोशिगे I, तोरी कियोमित्सु थे।

आपका पसंदीदा यूकेयो-ए कलाकार कौन है?

जापानी भाषा अपनी संरचना में किसी भी यूरोपीय भाषा से भिन्न है, जो सीखने में कुछ कठिनाइयों का कारण बन सकती है। हालाँकि, चिंता न करें! विशेष रूप से आपके लिए, आपने एक कोर्स विकसित किया है, जिसके लिए आप अभी साइन अप कर सकते हैं!

नमस्ते, प्रिय पाठकोंज्ञान और सत्य के साधक!

जापानी कलाकारों को उनकी अनूठी शैली से अलग किया जाता है, जो उस्तादों की पीढ़ियों द्वारा सम्मानित किया जाता है। आज हम प्राचीन काल से लेकर आधुनिक काल तक जापानी चित्रकला और उनके चित्रों के प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों के बारे में बात करेंगे।

खैर, उगते सूरज की भूमि की कला में उतरते हैं।

कला का जन्म

जापान में चित्रकला की प्राचीन कला मुख्य रूप से लेखन की ख़ासियत से जुड़ी है और इसलिए यह सुलेख की मूल बातों पर आधारित है। पहले उदाहरणों में खुदाई के दौरान मिली कांस्य घंटियों, व्यंजन और घरेलू सामान के टुकड़े शामिल हैं। उनमें से कई को प्राकृतिक पेंट से चित्रित किया गया था, और शोध से पता चलता है कि उत्पाद 300 ईसा पूर्व से पहले बनाए गए थे।

जापान में आगमन के साथ कला के विकास में एक नया चरण शुरू हुआ। इमाकिमोनो पर - विशेष पेपर स्क्रॉल - बौद्ध देवताओं के देवताओं की छवियां, शिक्षक और उनके अनुयायियों के जीवन के दृश्य।

प्रबलता धार्मिक विषयचित्रकला में मध्ययुगीन जापान में देखा जा सकता है, अर्थात् 10वीं से 15वीं शताब्दी तक। उस युग के कलाकारों के नाम आज तक, अफसोस, संरक्षित नहीं किए गए हैं।

15वीं-18वीं शताब्दी की अवधि में, एक नया समय शुरू होता है, जिसमें विकसित कलाकारों की उपस्थिति की विशेषता होती है व्यक्तिगत शैली. उन्होंने वेक्टर को लेबल किया इससे आगे का विकासदृश्य कला।

अतीत के उज्ज्वल प्रतिनिधि

काल शुबुन (प्रारंभिक 15वीं शताब्दी)

एक उत्कृष्ट गुरु बनने के लिए, ज़ुबोंग ने चीनी सुंग कलाकारों की लेखन तकनीकों और उनके काम का अध्ययन किया। इसके बाद, वह जापान में चित्रकला के संस्थापकों में से एक और सुमी-ए के निर्माता बन गए।

सुमी-ए - कला शैली, जो स्याही रेखांकन पर आधारित है, जिसका अर्थ है एक रंग।

शुबुन ने बहुत कुछ किया एक नई शैलीकलात्मक हलकों में जड़ें जमा लीं। उन्होंने भविष्य सहित अन्य प्रतिभाओं को कला सिखाई प्रसिद्ध चित्रकारसेशु की तरह।

सबसे लोकप्रिय पेंटिंगशुबुन को "बांस ग्रोव में पढ़ना" कहा जाता है।

टेंस शुबुन द्वारा "रीडिंग इन द बैम्बू ग्रोव"

हसेगावा तोहाकू (1539-1610)

वह अपने नाम पर स्कूल के निर्माता बने - हसेगावा। सबसे पहले, उन्होंने कानो स्कूल के कैनन का पालन करने की कोशिश की, लेकिन धीरे-धीरे उनके कार्यों में उनकी व्यक्तिगत "लिखावट" का पता लगाया जाने लगा। तोहाकु को सेशु के ग्राफिक्स द्वारा निर्देशित किया गया था।

कार्य का आधार सरल, संक्षिप्त, लेकिन था यथार्थवादी परिदृश्यसरल नामों के साथ:

• "पाइंस";
• "मेपल";
• पाइंस और फूल वाले पौधे।

पाइंस, हसेगावा तोहाकू

ब्रदर्स ओगाटा कोरिन (1658-1716) और ओगाटा केनज़न (1663-1743)

भाई 18वीं सदी के बेहतरीन कारीगर थे। सबसे बड़े, ओगाटा कोरिन ने खुद को पूरी तरह से पेंटिंग के लिए समर्पित कर दिया और रिम्पा शैली की स्थापना की। उन्होंने प्रभाववादी शैली को प्राथमिकता देते हुए रूढ़िवादी छवियों से परहेज किया।

ओगाटा कोरिन ने सामान्य रूप से प्रकृति को चित्रित किया और विशेष रूप से उज्ज्वल सार के रूप में फूल। उनके ब्रश पेंटिंग से संबंधित हैं:

• "प्लम ब्लॉसम रेड एंड व्हाइट";
• "मत्सुशिमा की लहरें";
• "गुलदाउदी"।

कोरिन ओगाटा द्वारा मत्सुशिमा की लहरें

छोटे भाई - ओगाटा केनज़न - के कई उपनाम थे। कम से कम वह पेंटिंग में लगे हुए थे, लेकिन वे एक अद्भुत सेरामिस्ट के रूप में अधिक प्रसिद्ध थे।

ओगाटा केनज़न ने मिट्टी के बर्तन बनाने की कई तकनीकों में महारत हासिल की। वह प्रतिष्ठित था गैर मानक दृष्टिकोण, उदाहरण के लिए, उन्होंने एक वर्ग के रूप में प्लेटें बनाईं।

खुद की पेंटिंग वैभव से अलग नहीं थी - यह भी इसकी ख़ासियत थी। उन्हें स्क्रॉल या कविता के अंश जैसे उत्पादों पर सुलेख लगाना पसंद था। कभी-कभी वे अपने भाई के साथ मिलकर काम करते थे।

कत्सुशिका होकुसाई (1760-1849)

उन्होंने यूकेयो-ए की शैली में काम किया - एक प्रकार का वुडकट, दूसरे शब्दों में, उत्कीर्णन पेंटिंग। रचनात्मकता के पूरे समय के लिए, उन्होंने लगभग 30 नाम बदले। प्रसिद्ध कार्य- "द ग्रेट वेव ऑफ कनागावा", जिसकी बदौलत वह अपनी मातृभूमि के बाहर प्रसिद्ध हुआ।

होकुसाई कत्सुशिका द्वारा "द ग्रेट वेव ऑफ कनागावा"

विशेष रूप से कठिन होकुसाई ने 60 वर्षों के बाद काम करना शुरू किया, जिसके अच्छे परिणाम आए। वान गाग, मोनेट, रेनॉयर उनके काम से परिचित थे, और कुछ हद तक इसने यूरोपीय मास्टर्स के काम को प्रभावित किया।

एंडो हिरोशिगे (1791-1858)

में से एक सबसे महान कलाकार 19 वीं सदी। ईदो में जन्मे, रहते थे, काम करते थे, होकुसाई का काम जारी रखते थे, उनके काम से प्रेरित थे। जिस तरह से उन्होंने प्रकृति को चित्रित किया वह लगभग उतना ही आकर्षक है जितना कि स्वयं कार्यों की संख्या।

एदो टोक्यो का पुराना नाम है।

यहां उनके काम के बारे में कुछ आंकड़े दिए गए हैं, जिन्हें चित्रों के चक्र द्वारा दर्शाया गया है:

• 5.5 हजार - सभी उत्कीर्णन की संख्या;
• “ईदो के 100 दृश्य;
• "फ़ूजी के 36 दृश्य";
• "69 किसोकैडो स्टेशन";
• "53 टोकेडो स्टेशन"।

एंडो हिरोशिगे द्वारा चित्रकारी

दिलचस्प बात यह है कि उत्कृष्ट वान गाग ने अपनी नक्काशी की कुछ प्रतियाँ लिखीं।

आधुनिकता

ताकाशी मुराकामी

पेंटर, मूर्तिकार, फैशन डिजाइनर, उन्होंने 20 वीं शताब्दी के अंत में पहले ही नाम कमाया था। अपने काम में, वह क्लासिक्स के तत्वों के साथ फैशन के रुझान का पालन करता है, और एनीमे और मंगा कार्टून से प्रेरणा लेता है।

ताकाशी मुराकामी द्वारा चित्रकारी

ताकाशी मुराकामी के कार्यों को एक उपसंस्कृति के रूप में वर्गीकृत किया गया है, लेकिन साथ ही वे अविश्वसनीय रूप से लोकप्रिय हैं। उदाहरण के लिए, 2008 में, उनके कार्यों में से एक नीलामी में $15 मिलियन से अधिक में खरीदा गया था। एक समय में, आधुनिक रचनाकार ने फैशन हाउस "मार्क जैकब्स" और "लुई वुइटन" के साथ मिलकर काम किया।

टायको असीमा

पिछले कलाकार की एक सहयोगी, वह समकालीन अतियथार्थवादी पेंटिंग बनाती है। वे शहरों, मेगासिटी की सड़कों और प्राणियों के विचारों को चित्रित करते हैं जैसे कि किसी अन्य ब्रह्मांड से - भूत, बुरी आत्माओं, विदेशी लड़कियां। चित्रों की पृष्ठभूमि में आप अक्सर प्राचीन, कभी-कभी भयावह प्रकृति भी देख सकते हैं।

उनकी पेंटिंग पहुंचती हैं बड़े आकारऔर शायद ही कभी कागज तक सीमित होते हैं। उन्हें चमड़े, प्लास्टिक सामग्री में स्थानांतरित कर दिया जाता है।

2006 में, ब्रिटिश राजधानी में एक प्रदर्शनी के हिस्से के रूप में, एक महिला ने लगभग 20 धनुषाकार संरचनाएं बनाईं, जो दिन और रात, गांव और शहर की प्रकृति की सुंदरता को दर्शाती हैं। उनमें से एक ने मेट्रो स्टेशन को सजाया।

अरे अरकावा

युवक को शब्द के शास्त्रीय अर्थों में सिर्फ एक कलाकार नहीं कहा जा सकता है - वह 21 वीं सदी की कला में बहुत लोकप्रिय हैं। उनकी प्रदर्शनियों के विषय वास्तव में जापानी हैं और मैत्रीपूर्ण संबंधों के साथ-साथ पूरी टीम के काम को छूते हैं।

ई अरकावा अक्सर विभिन्न द्विवार्षिक में भाग लेते हैं, उदाहरण के लिए, वेनिस में, संग्रहालय में प्रदर्शित समकालीन कलाघर पर, योग्य रूप से विभिन्न प्रकार के पुरस्कार प्राप्त करता है।

इकेनागा यसुनारी

आधुनिक चित्रकार इकेनागा यासुनारी ने दो प्रतीत होने वाली असंगत चीजों को संयोजित करने में कामयाबी हासिल की: एक चित्र के रूप में आज की लड़कियों का जीवन और जापान की पारंपरिक तकनीकें पुरातनता से आती हैं। अपने काम में, चित्रकार विशेष ब्रश, प्राकृतिक रंजित पेंट, स्याही और चारकोल का उपयोग करता है। सामान्य लिनन के बजाय - लिनन के कपड़े।

इकेनागा यसुनारी पेंटिंग

चित्रित युग और नायिकाओं की उपस्थिति के विपरीत की यह तकनीक यह आभास देती है कि वे अतीत से हमारे पास लौट आए हैं।

एक मगरमच्छ के जीवन की जटिलताओं के बारे में चित्रों की एक श्रृंखला, जो हाल ही में इंटरनेट समुदाय में लोकप्रिय हुई है, जापानी कार्टूनिस्ट कीगो द्वारा भी बनाई गई थी।

निष्कर्ष

तो, जापानी चित्रकला की उत्पत्ति तीसरी शताब्दी ईसा पूर्व के आसपास हुई थी, और तब से बहुत कुछ बदल गया है। पहली छवियों को मिट्टी के पात्र पर लागू किया गया था, फिर कला में बौद्ध रूपांकन प्रबल होने लगे, लेकिन लेखकों के नाम आज तक नहीं बचे हैं।

नए युग के युग में, ब्रश के स्वामी ने अधिक से अधिक व्यक्तित्व प्राप्त किया, बनाया अलग-अलग दिशाएँ, स्कूल। आज का दि कलासीमित नहीं पारंपरिक पेंटिंग- प्रतिष्ठानों, कैरिकेचर, कला मूर्तियां, विशेष संरचनाओं का उपयोग किया जाता है।

आपका ध्यान देने के लिए बहुत-बहुत धन्यवाद, प्रिय पाठकों! हमें उम्मीद है कि आपको हमारा लेख उपयोगी लगा होगा, और जीवन और काम के बारे में कहानियाँ सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधिकलाओं ने उन्हें बेहतर तरीके से जानना संभव बनाया।

बेशक, पुरातनता से लेकर वर्तमान तक सभी कलाकारों के बारे में एक लेख में बताना मुश्किल है। इसलिए, इसे जापानी चित्रकला के ज्ञान की ओर पहला कदम होने दें।

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