पहली नज़र में, संगीत बनाना एक अविश्वसनीय रूप से कठिन काम लग सकता है। और जो लोग अपना राग खुद बनाना चाहते हैं, उनके लिए पहला सवाल यह है कि "कहां से शुरू करें?"। लेकिन संगीत रचना की सुंदरता यह है कि कोई स्पष्ट नियम नहीं हैं, कोई प्रतिबंध नहीं है जो आपको बताता है कि अपना काम कहां से शुरू और समाप्त करना है। लेकिन, निश्चित रूप से, ऐसे कई तरीके हैं जो आपको रचनात्मक प्रक्रिया शुरू करने में मदद करेंगे।

जबकि रचना के कई दृष्टिकोण हैं, आपको तीन बातों का ध्यान रखना चाहिए:

• समन्वय
• राग

ये तीन मौलिक संगीत हैं। आप उन्हें अपने लिए किसी भी क्रम में व्यवस्थित कर सकते हैं, उनमें से कुछ को मिला सकते हैं, या उनमें से कुछ को पूरी तरह से अनदेखा कर सकते हैं। कई संगीतकार सद्भाव और/या माधुर्य या समय पर विचार किए बिना प्रयोग करते हैं।

आप एक और तत्व जोड़ सकते हैं - स्विंग। और यद्यपि स्विंग को आमतौर पर जैज़ और तात्कालिक संगीत के रूप में वर्गीकृत किया जाता है, यदि आप एक अलग शैली का संगीत बनाते हैं तो आपको इसे त्यागना नहीं चाहिए।

यह भी याद रखने योग्य है कि संगीत बनाने के लिए आपके पास कुछ कौशल होने चाहिए:

1. संगीत पढ़ने की क्षमता।

यह पहला और सबसे महत्वपूर्ण बिंदु है। यहां तक ​​कि अगर आप किसी ऐसे सॉफ़्टवेयर का उपयोग करते हैं जो आपके लिए नोट्स लिखता है, तो आपको एक शीट से पढ़ने में सक्षम होना चाहिए। और निश्चित रूप से आपको पता होना चाहिए संगीत साक्षरता. यह सबसे बुनियादी चीज है जो एक संगीतकार को करने में सक्षम होना चाहिए। आपको यह जानने की जरूरत है कि विराम चिह्न कैसा दिखता है, कौन से चिह्न विभिन्न प्रभावों को दर्शाते हैं (स्टैकाटो, ट्रेमोलो, पियानो, फोर्ट, आदि)।

2. आपको विभिन्न संगीत शैलियों का ज्ञान होना चाहिए

आपको अपनी पसंद की संगीत की अन्य शैलियों को सीखना व्यर्थ लग सकता है, और यह एक बहुत बड़ी गलती है। ऐसा मत सोचो कि कठोर धातु के सिर के लिए क्लासिक्स सुनना उचित नहीं है - कई रॉक सितारों ने बार-बार कहा है कि वे प्यार करते हैं शास्त्रीय संगीतऔर उसकी बात सुनो; एक जैज प्रेमी को सरल को नजरअंदाज नहीं करना चाहिए संगीत शैली, और क्लासिक्स के एक परिष्कृत श्रोता को रैप और हिप-हॉप पर अपनी नाक नहीं बदलनी चाहिए। और इसलिए नहीं कि सभी संगीत उल्लेखनीय हैं, हालांकि यह है। सुनना विभिन्न शैलियों, आप अपने क्षितिज का विस्तार करते हैं और संगीत में नई तकनीक सीखते हैं। इसके अलावा, आनंद के लिए न केवल संगीत सुनने की कोशिश करें, बल्कि शाब्दिक रूप से अपने दिमाग में अलग-अलग उपकरणों में "इसे अलग करें"। आप जो सुनते हैं उसका विश्लेषण करें। यह पता लगाने की कोशिश करें कि इस या उस ध्वनि को कैसे बनाया जाए।

3. जानें कि यंत्र कैसे बजते हैं

यह जानने की कोशिश करें कि हर एक कैसा लगता है मौजूदा उपकरण(कम से कम सबसे आम)। आपको पता होना चाहिए कि ध्वनि पर कुछ प्रभाव, "गैजेट्स" आदि कैसे होते हैं। बेशक, आप कह सकते हैं कि आप संगीत के जटिल टुकड़े नहीं बनाने जा रहे हैं, लेकिन फिर भी, वाद्ययंत्रों की आवाज़ को जानने से आपको कम से कम अपने कान विकसित करने और अपने क्षितिज को व्यापक बनाने में मदद मिलेगी। ठीक है, हो सकता है कि भविष्य में आप अपने किसी एक उपकरण में दूसरों को जोड़ना चाहें।

प्रशिक्षण

अपने सभी पसंदीदा गाने सुनें और देखें कि क्या कोई पैटर्न है, कुछ समान है। क्या इसके विपरीत मार्ग हैं? कितने? वे कितने समय के हैं? क्या कोई दोहराव है? क्या लय दोहराता है? ये गीत क्या मूड बनाते हैं? वे यह कैसे करते हैं? क्या वे एक ही स्वर का पालन करते हैं?

विश्लेषण करें और नोट्स बनाएं जो बाद में आपके लिए विचारों के स्रोत के रूप में काम करेंगे।

चरण 1: शैली

तय करें कि आप किस शैली में संगीत बनाना चाहते हैं। इस शैली में रचनाओं को सुनें और विश्लेषण करें कि किन तकनीकों का उपयोग किया जाता है, कितनी बार पूरी रचना एक ही मीटर (उदाहरण के लिए 4/4) का पालन करती है। इस बारे में सोचें कि क्या आप कुछ ऐसा ही करेंगे या आप प्रयोग करेंगे।

चरण 2: आकार

अपनी रचना के आकार पर निर्णय लें। अधिकांश संगीत रचनाओं में ऐसे खंड होते हैं जो समान (दोहराए जाने वाले खंड) या एक दूसरे से भिन्न होते हैं (विपरीत खंड)। रचना की लंबाई तय करें कि इसमें कितने खंड होंगे। याद रखें कि प्रत्येक शैली का अपना सेट होता है सामान्य रूप, जैसे जैज़ या ब्लूज़ अवधि में 32-बार AABA रूप, जिसमें तीन वाक्यांश होते हैं, प्रत्येक में 4 बार होते हैं। आप मौजूदा में से किसी एक का उपयोग कर सकते हैं या अपने साथ आ सकते हैं। बस कोशिश करें कि इसे बहुत जटिल न बनाएं।

चरण 3: अपना विचार बनाएं

अपने विचारों को लिखने के लिए किसी भी उपकरण का उपयोग करें। मन में आने वाली कुछ धुनें बजाएं। या उन्हें गाओ। इन धुनों का सही होना जरूरी नहीं है, कोई उन्हें नहीं बल्कि आप सुनता है।

चरण 4: पहला संगीत आकृति

अब सुनें कि आपने क्या रिकॉर्ड किया है। क्या कोई ऐसी चीज है जिसे आप पसंद करते हैं जिससे आप एक पूर्ण राग में विकसित हो सकें? यदि आप अपनी पसंद की कोई चीज़ नहीं चुन सकते हैं, तो आप हमेशा पहले से मौजूद लय और नोट्स की ओर रुख कर सकते हैं। याद रखें कि यह स्केच जिसे आप बना रहे हैं यह अवस्था, जटिल होना जरूरी नहीं है। आपका काम एक नींव बनाना है जिसे आप विकसित करेंगे।

चरण 5: अपनी आकृति को रूपांतरित करें

अब जब आपके पास एक मकसद है, तो आप निम्न कार्य कर सकते हैं: आप इसका विस्तार कर सकते हैं, इसे छोटा कर सकते हैं, इसे उलट सकते हैं, इसे दोहरा सकते हैं। आप इसे थोड़ा बदल सकते हैं, या आप इसे मान्यता से परे बदल सकते हैं। ऐसा करने से, आप एक संगीत वाक्यांश बनाते हैं - एक पूर्ण विचार या विचार।

चरण 6: कंट्रास्टिंग सेक्शन

संगीत की लगभग सभी शैलियों में एक विपरीत खंड होता है जो टुकड़े में स्वाद जोड़ता है। यह कार्य पुल द्वारा पॉप या रॉक गीत में किया जाता है, जैज़ में खंड बी, विकास में शास्त्रीय सोनाटास. एक विपरीत खंड लिखने के लिए, चरण 4 और 5 दोहराएं, अपनी मुख्य धुन न बजाने का प्रयास करें। आप इसे एक अलग लय में बना सकते हैं, इसे एक अलग मूड दे सकते हैं, इत्यादि।

चरण 7: यह सब एक साथ रखना

पर इस पलआपके पास कुछ विपरीत खंड हैं, अब उन्हें संयोजित करने की आवश्यकता है। उस रूप के बारे में सोचें जिसमें आप अपनी धुन बनाना चाहते थे, क्या आप इसे फिट करेंगे? चीजों को बदलने से डरो मत। देखें कि क्या आपका राग सुसंगत दिखता है, या यदि आपको कुछ और जोड़ने की आवश्यकता है। क्या आपको लगता है कि कुछ और जोड़ना जरूरी है?

चरण 8: व्यवस्थित करें

उदाहरण के लिए (यदि आप पियानो बजाते हैं) अलंकरण जोड़कर और इसे बाएं हाथ की धुन के साथ समर्थन करके एक राग को एक पूर्ण संगीत रचना में बदल दें। विचार करें कि क्या अन्य वाद्ययंत्रों या स्वरों को जोड़ने की आवश्यकता है। सामान्य तौर पर, अपनी रचना को वैसा ही बनाने की पूरी कोशिश करें जैसा उसे होना चाहिए। अपनी रचना में कुछ दिलचस्प जोड़ने के लिए आप परिचित संगीतकारों की मदद ले सकते हैं।

आज मैं जिस विषय पर बात करना चाहता हूं, वह अरेंजर्स, कंपोजर और परफॉर्मर्स के लिए महत्वपूर्ण है। एक ओर, इसे समझना काफी सरल है, लेकिन इसमें महारत हासिल करना बहुत कठिन है। समस्याएँ इस तथ्य से जटिल हैं कि पाठ्यपुस्तकों की प्रचुरता के बावजूद - इस समस्या को समग्र रूप से मानने वाली पुस्तकों की संख्या बहुत कम है। सबसे लोकप्रिय पुस्तक शायद नाज़ाइकिंस्की की "द लॉजिक ऑफ़ म्यूज़िकल कंपोज़िशन" है। और जैसा कि आप समझते हैं, मैं जिस बारे में बात करना चाहता हूं वह एक संगीत रचना है।

संगीत रचना क्या है?

यहाँ किसी भी कला - निर्माण में रचना की परिभाषाओं में से एक है कलाकृति, संगठन, कार्य के रूप की संरचना।

एक और सार है रचना तकनीकइस प्रकार कुछ जटिल एकता, एक जटिल संपूर्ण के निर्माण के लिए कम कर दिया जाता है, और उनका महत्व इस पूरे की पृष्ठभूमि के खिलाफ इसके भागों की अधीनता में उनकी भूमिका से निर्धारित होता है।

यही है, यह एक संरचना है, एक काम का एक रूप है, जिसमें एक संगीत रचना के सभी स्तरों और परतों पर एक निश्चित तर्क होता है।

यह खुद को कैसे प्रकट करता है?

इसका यथासंभव सरल वर्णन करने के लिए, विपरीत से जाना सबसे अच्छा है, अर्थात यह देखें कि रचना कब टूटती है। अनुभवी लेखकों के बीच भी यह काफी सामान्य गलती है। किसी भी शैली के संगीत में रचना के नियमों का उल्लंघन कैसे प्रकट होता है?

सबसे पहले, यह रचना के स्तरों के बीच संबंधों के उल्लंघन में प्रकट होता है।

मुझे स्पष्ट करें कि रचना स्तरों का क्या अर्थ है।

एक सूक्ष्म स्तर है - यह इंटोनेशन है। आम तौर पर अच्छी रचना, कई बुनियादी इंटोनेशन पर निर्भर करता है।

माधुर्य स्तर मुख्य विषय या किसी भी अवधि स्तर की इमारत है।

सूक्ष्म स्तर और माधुर्य स्तर कैसे जुड़े हैं?

किसी भी लंबे राग के दिल में मुख्य स्वर होगा, जिसका अनुमान सबसे छिपे हुए रूप में भी लगाया जाएगा - यह श्रोता की रुचि सुनिश्चित करता है, और दूसरी ओर, सहानुभूति और मान्यता।

सबसे लोकप्रिय गलती बड़ी संख्या में इंटोनेशन की उपस्थिति और स्तरों के बीच संचार की कमी है।

तीसरा स्तर स्थूल स्तर है - एक छोटे से कार्य या भाग का स्तर जटिल आकार(इस मामले में, हम सुपर-मैक्रो स्तर के बारे में भी बात कर सकते हैं - लेकिन अवधारणाएं सशर्त हैं, यहां हर कोई उस शब्दावली का उपयोग कर सकता है जो उसके लिए सुविधाजनक है)।

एक अच्छी तरह से निर्मित रचना कुछ तत्वों की पुनरावृत्ति के साथ नवीकरण की निरंतर प्रक्रिया को जोड़ती है - यह उनमें से एक है आवश्यक नियमरचनाएँ।

और हालांकि आधुनिक संगीतबहुत बार दोहराव के आधार पर, यह देखा जा सकता है कि सक्षम निर्माता और व्यवस्थाकर्ता निरंतर गैर-रैखिक परिवर्तन प्रदान करते हैं संगीत सामग्रीस्वचालन, छोटे संशोधनों, विविधताओं आदि के माध्यम से।

यह गैर-रेखीय परिवर्तन है जो यहां महत्वपूर्ण है।

एक नियम के रूप में, अनुभवहीन संगीतकार फॉर्म के जंक्शन पर कोई नया विचार जोड़ते हैं, उदाहरण के लिए, 4-8 के बाद, आदि बार। एक सुसंगत रचना बनाने के लिए, बार और बिल्ड के बीच में परिवर्तन करना अधिक मूल्यवान है। और यद्यपि वहाँ है एक बड़ी संख्या कीवर्ग-प्रकार का संगीत, यहां तक ​​कि क्लासिक्स में भी, लगभग हमेशा एक गैर-रेखीय घटक को किसी न किसी रूप में देखा जा सकता है।

मैं संगीत रचना के नियमों और विशेषताओं के बारे में सोचता हूं, मैं एक अलग लेख लिखूंगा, लेकिन अभी के लिए हम जारी रखेंगे।

इसलिए, तर्क सभी स्तरों और परतों पर प्रकट होता है, जैसा कि मैंने ऊपर लिखा है - इसका मतलब है कि यह न केवल माधुर्य में होगा, बल्कि सद्भाव, बास लाइनों आदि में भी होगा।

एक बार फिर, मैं स्पष्ट करूंगा कि यहां तर्क से मेरा मतलब है, सबसे पहले, अन्तर्राष्ट्रीय संबंध। चूंकि इंटोनेशन लयबद्ध भी हो सकता है, बहुत बार लयबद्ध पैटर्न निर्माण को व्यवस्थित करेगा।

एक प्रक्रिया के रूप में संरचना कार्य के सभी स्तरों को शामिल करती है। काम की शुरुआत से लेकर उसके पूरा होने तक, प्रत्येक संगीतकार किसी न किसी तरह रचना के एक निश्चित तर्क का पालन करता है। कोई उन योजनाओं का उपयोग करता है जो पहले से ही खुद को सही ठहरा चुके हैं, कोई बस उन लोगों की नकल करता है जो उसे जानते हैं - लेकिन शायद केवल एक ही दृष्टिकोण है जिसके लिए एक संगीतकार को प्रयास करना चाहिए - यह मौजूदा टेम्पलेट्स के आधार पर एक अद्वितीय रचना संरचना का निर्माण है। साथ ही, यहां टेम्पलेट संगीत रूप की कुछ प्रसिद्ध योजना का तात्पर्य है, जिसका उपयोग संगीतकार द्वारा काम के लिए शुरुआती बिंदु के रूप में किया जाता है। उसी समय, संरचना को संगीतकार द्वारा तुरंत महसूस किया जा सकता है या रचना कार्य में एक प्रगति के रूप में प्रकट किया जा सकता है।

संगीत का एक टुकड़ा संगीतकार के रचनात्मक कार्य का परिणाम है।

एक पूर्ण कलात्मक संपूर्ण के रूप में रचना की अवधारणा तुरंत विकसित नहीं हुई। इसका गठन संगीत की कला और सुधार में सुधारवादी सिद्धांत की भूमिका में कमी के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है संगीत संकेतन, जिसने विकास के एक निश्चित चरण में संगीत कार्यों की आवश्यक विशेषताओं को लिखने में सटीक रूप से रिकॉर्ड करना संभव बना दिया। जिसके चलते आधुनिक अर्थरचना केवल 13 वीं शताब्दी में प्राप्त हुई, जब न केवल ऊंचाई तय करने के साधन, बल्कि ध्वनियों की अवधि भी संगीत संकेतन में विकसित हुई। किसी भी रचना में, सामान्य और व्यक्तिगत दोनों विशेषताएं परिलक्षित होती हैं। संगीत कलाइस युग की।

संगीत का इतिहास कई मायनों में प्रमुख संगीतकारों की उत्कृष्ट कृतियों में संगीत रचना का इतिहास है। रचना कभी भी पूरी तरह से पूर्ण नहीं होती - न तो कला के एक काम की सीमाओं के भीतर, न ही पैमाने पर। कलात्मक दिशा, रुझान, शैली। रचना एक अवस्था नहीं है, बल्कि एक प्रक्रिया है। एस। डैनियल की परिभाषा के अनुसार, रचना को "एक प्रक्रिया के रूप में सोचा, महसूस किया और माना जाता है जो एक विचार की तैनाती को लागू करता है, एक रचनात्मक शुरुआत, एक पेड़ के तने की तरह, जो व्यवस्थित रूप से एक पेड़, शाखाओं, अंकुर की जड़ों और मुकुट को जोड़ता है। एक चित्रमय रूप।"

कला का प्रत्येक कार्य एक ऐतिहासिक क्षण का प्रतिबिंब नहीं है, बल्कि सार्वभौमिक और वर्तमान, पारंपरिक और अभिनव, ज्ञात और अज्ञात, आसानी से पहचाने जाने वाले आनंद और असामान्य के आश्चर्य का एक संलयन है। नवीन व।

संगीत

वास्तविक कौशल, अभिव्यंजक साधनों में महारत हासिल करने की क्षमता कला प्रदर्शनअन्य कारकों के अलावा, स्तर पर निर्भर करता है संगीत संस्कृति. आखिरकार, संगीत लगभग किसी भी शैली के नाट्य प्रदर्शन के सबसे महत्वपूर्ण तत्वों में से एक है। संगीत कला का अभिव्यंजक साधन है।

कोई भी किताब खुद संगीत की जगह नहीं ले सकती। यह केवल ध्यान को निर्देशित कर सकता है, संगीत रूप की ख़ासियत को समझने में मदद कर सकता है, और संगीतकार के इरादे से परिचित हो सकता है। लेकिन संगीत सुने बिना पुस्तक से प्राप्त सारा ज्ञान मृत, विद्वतापूर्ण रहेगा। जितना अधिक नियमित और ध्यान से नाव संगीत सुनती है, उतना ही वह उसमें सुनना शुरू कर देता है। सुनना और सुनना एक ही बात नहीं है। ऐसा होता है कि संगीत का एक टुकड़ा पहली बार में मुश्किल, धारणा के लिए दुर्गम लगता है। आपको निष्कर्ष पर जल्दी नहीं जाना चाहिए। बार-बार सुनने से इसका खुलासा जरूर होगा। आलंकारिक सामग्रीऔर सौंदर्य सुख का स्रोत बन जाते हैं।

लेकिन भावनात्मक रूप से संगीत का अनुभव करने के लिए, किसी को ध्वनि के ताने-बाने को ही समझना चाहिए। यदि कोई व्यक्ति संगीत के प्रति भावनात्मक रूप से प्रतिक्रिया करता है, लेकिन एक ही समय में बहुत कम अंतर कर सकता है, अंतर कर सकता है, "सुन" सकता है, तो उसकी अभिव्यंजक सामग्री का केवल एक महत्वहीन हिस्सा ही उस तक पहुंचेगा।

जिस तरह से संगीत का उपयोग क्रिया में किया जाता है, उसे दो मुख्य श्रेणियों में विभाजित किया जाता है: कथानक और सशर्त।

प्रदर्शन में कथा संगीत में कई प्रकार के कार्य होते हैं। कुछ मामलों में, यह किसी विशेष दृश्य का केवल भावनात्मक या अर्थपूर्ण लक्षण वर्णन देता है, बिना सीधे नाटकीयता में घुसपैठ किए। अन्य मामलों में, कहानी संगीत सबसे महत्वपूर्ण नाटकीय कारक बन सकता है।

कहानी संगीत कर सकते हैं:

विशेषताएँ अभिनेताओं;

कार्रवाई का स्थान और समय इंगित करें;

एक माहौल बनाएँ, मंच क्रिया का मूड;

दर्शक के लिए अदृश्य एक क्रिया के बारे में बताएं।

सूचीबद्ध कार्य, निश्चित रूप से, नाटकीय प्रदर्शन में कहानी संगीत का उपयोग करने के लिए सभी प्रकार के तरीकों को समाप्त नहीं करते हैं।

कहानी संगीत की तुलना में सशर्त संगीत को एक प्रदर्शन में पेश करना कहीं अधिक कठिन है। इसकी परम्परागतता मंच पर दिखाए गए जीवन की वास्तविकता के साथ संघर्ष में आ सकती है। इसलिए, पारंपरिक संगीत को हमेशा एक ठोस आंतरिक औचित्य की आवश्यकता होती है। हालांकि, अभिव्यंजक संभावनाएंइस तरह के संगीत बहुत व्यापक हैं, इसके लिए विभिन्न प्रकार के आर्केस्ट्रा, साथ ही मुखर और कोरल साधन शामिल हो सकते हैं।

सशर्त संगीत कर सकते हैं:

भावनात्मक रूप से संवाद और एकालाप बढ़ाएं,

अभिनेताओं का वर्णन करें

प्रदर्शन के रचनात्मक और रचनात्मक निर्माण पर जोर दें,

संघर्ष को बढ़ाओ।

एक प्रदर्शन में संगीत के सामान्य कार्यों में से एक चित्रण है। चित्रण को संगीत और मंच क्रिया के बीच एक सीधा संबंध के रूप में समझा जाता है: चरित्र को अच्छी खबर मिली - वह एक हंसमुख गीत गाता है या रेडियो की आवाज़ पर नृत्य करता है; दृश्य के पीछे का संगीत एक तूफान, एक तूफान की तस्वीर दर्शाता है; नाटकीय रूप से बजने वाला संगीतव्यक्त नाटकीय स्थितिमंच पर, आदि। संगीत के इस उपयोग के उदाहरण लगभग हर प्रदर्शन में मिल सकते हैं। अपनी स्पष्ट भावनात्मकता के कारण, संगीत प्रदर्शन के भावनात्मक वातावरण को सक्रिय रूप से प्रभावित करता है जब वह कोई नाटकीय कार्य करता है।

संगीत तेजी से एक सक्रिय भावनात्मक स्रोत बन रहा है, यह व्यावहारिक रूप से कार्रवाई, प्रदर्शन के माहौल से जुड़ा हुआ है और नाटक के सार को प्रकट करने और पूरक करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। इस प्रकार, अभिनेता और निर्देशक की भावनात्मक और लयबद्ध महसूस करने की क्षमता संगीत का अंश, संगीत और संगीत में अभिनय करने और आगे बढ़ने के लिए एक मिस-एन-सीन बनाने की क्षमता और क्षमता बहुत महत्वपूर्ण हो जाती है।

मेलोडी संगीत कला का सबसे महत्वपूर्ण तत्व है। जब कोई गायक बिना संगत के गाता है, तो हम एक राग सुनते हैं - "एक सर्वसम्मति से व्यक्त संगीतमय विचार।" यह राग कला का एक स्वतंत्र कार्य हो सकता है। प्रदर्शन के लिए संगीत को मुख्य रूप से सशर्त चुना जाता है, क्योंकि नाटककार द्वारा नाटक के लिए अपनी टिप्पणी में कथानक पूर्व निर्धारित होता है।

संगीत सामग्री का चयन एक जटिल प्रक्रिया है। टुकड़ों का उपयोग करना संगीत रचनात्मकताएक या विभिन्न लेखकों में से, निर्देशक, जैसा कि यह था, गुणात्मक रूप से नया "पुन: बनाता है", पूरा काम, चरित्र और मंच प्रदर्शन की पूरी संरचना के अनुरूप। यदि ये धुन एक ही शैली, शैलीगत कुंजी में हैं, तो प्रस्तुति अधिक समग्र, पूर्ण होगी। इसलिए, रचनात्मक व्यक्तित्व में करीब एक या कई संगीतकारों के कार्यों से संगीत का चयन करना वांछनीय है।

ध्यान रखें कि संगीत उनमें से एक है अभिव्यंजक साधनप्रदर्शन, यह याद रखना चाहिए कि कला प्राकृतिक आश्चर्यों के तर्क में जीवन को पहचानती है, इसलिए निर्देशक को प्रकाश, ध्वनियों के संगठन में एक प्रतिवादवादी होना चाहिए, "प्रदर्शन की लय, उसके सभी घटक, तभी नाटक की तरह ध्वनि होगी एक सिम्फनी, "रंगों के मोती की माँ" के साथ झिलमिलाएगी।

लोक रचनात्मकता की तरल परिवर्तनशीलता के विपरीत, एक "ओपस" विकसित और पूर्ण एक संगीत कार्य के रूप में - एक प्रक्रिया, आशुरचना से (प्राचीन, प्राच्य, लोक, जैज़ संगीत, कुछ प्रकार के संगीत में) 20 वीं सदी)।

रचना का तात्पर्य है: एक व्यक्ति (संगीतकार) के रूप में लेखक की उपस्थिति; उनकी उद्देश्यपूर्ण रचनात्मक गतिविधि; निर्माता से अलग और मौजूदा काम से स्वतंत्र रूप से; एक सटीक रूप से स्थापित वस्तुनिष्ठ ध्वनि संरचना में सामग्री का अवतार; जटिल उपकरण तकनीकी साधन, संगीत सिद्धांत द्वारा व्यवस्थित और ज्ञान के एक विशेष क्षेत्र (रचना के दौरान) में प्रस्तुत किया गया। किसी रचना के लिखित निर्धारण के लिए उत्तम संगीत संकेतन की आवश्यकता होती है। रचना की श्रेणी और संगीतकार की स्थिति का समेकन युग में विकास के साथ जुड़ा हुआ है मुक्त की अवधारणा का पुनर्जागरण मानव व्यक्तित्व- निर्माता, निर्माता (संगीतकार के नाम का संकेत 14 वीं शताब्दी से आदर्श बन गया है; रचना में व्यक्तिगत और आधिकारिक शुरुआत की परिणति - 19 वीं शताब्दी में)।

एक संगीत और कलात्मक पूरे के रूप में रचना स्थिर है। यह समय की निरंतर तरलता पर काबू पाता है, संगीत के मुख्य घटकों - पिच, लय, सामग्री की व्यवस्था आदि की हमेशा समान रूप से प्रतिलिपि प्रस्तुत करने योग्य असंदिग्धता स्थापित करता है। रचना की स्थिरता के कारण, संगीत की ध्वनि को किसी भी माध्यम से पुन: उत्पन्न करना संभव है। इसके निर्माण के बाद मनमाने ढंग से बड़े अंतराल। साथ ही, रचना हमेशा कुछ प्रदर्शन स्थितियों के लिए डिज़ाइन की जाती है। लागू लोककथाओं के रूपों (गीत, नृत्य) और क्रियाओं (अनुष्ठान, धार्मिक, रोजमर्रा) की तुलना में सीधे जीवन प्रक्रिया में शामिल है, रचना अधिक कला का काम है।

प्राचीन काल से, एक समग्र रूप से एकीकृत संगीत के विचार को एक पाठ्य (या नृत्य-मीट्रिक) आधार से जोड़ा गया है। रचना की लैटिन अवधारणा ऐतिहासिक रूप से मेलोपी की प्राचीन अवधारणा से पहले थी। क्रिया कॉम्पोनरेऔर इसके डेरिवेटिव (सहित कंपोज़ीटर) कई मध्ययुगीन ग्रंथों में पाए जाते हैं, जो हुकबल्ड, सेंट अमन और उनके स्कूल (IX-X सदियों) से शुरू होते हैं। 11 वीं शताब्दी में, गिडोस एरेटिन्स्की ने अपने माइक्रोलॉग (सी।) में रचना (कंपोनेंडा) के तहत मुख्य रूप से कोरल की कुशल रचना को समझा। जॉन डी ग्रोकियो ("ऑन म्यूजिक", ओके।) ने इस अवधारणा को पॉलीफोनिक संगीत ("म्यूजिका कंपोजिटा", यानी जटिल, मिश्रित संगीत) के लिए जिम्मेदार ठहराया और "कंपोजिटर" शब्द का इस्तेमाल किया। पुनर्जागरण में, जॉन-टिनक्टोरिस (" का निर्धारक संगीत शब्द”, ) अंतिम अवधि में एक रचनात्मक क्षण को गाया (संगीतकार - "जिसने कुछ नया कैंटस लिखा"); काउंटरपॉइंट की कला पर पुस्तक में () उन्होंने स्पष्ट रूप से नोट किए गए काउंटरपॉइंट को प्रतिष्ठित किया - "रेस फैक्टा" ("निर्धारक" में "कैंटस कंपोजिटस" के बराबर) और तात्कालिक ("सुपर लिब्रम कैंटारे", पत्र।एक किताब पर गाओ)।

की पढ़ाई रचना के नए तरीकेबीसवीं की दूसरी छमाही के संगीत में - जल्दी XXIसदियों से, पिछले 15 वर्षों में, यह एक स्वतंत्र वैज्ञानिक के रूप में उभर कर सामने आया है शैक्षिक अनुशासन - सिद्धांत आधुनिक रचना, जिसमें रचना के ऐसे नए तरीकों का अध्ययन शामिल है और संगीतमय घटनाजैसा

संगीत रचना(अव्य। कंपोजिटियो - संकलन, रचना) - संगीतशास्त्र की एक श्रेणी और संगीत सौंदर्यशास्त्र, जो विचरण के विपरीत, एक पूर्ण संगीत कार्य के रूप में संगीत के विषय अवतार की विशेषता है लोक कलाऔर कुछ प्रकार के संगीत में सुधार।

शब्द "रचना" अब व्यापक रूप से विभिन्न क्षेत्रों में उपयोग किया जाता है। मानव गतिविधि: में ललित कला(मूर्तिकला और ग्राफिक्स) और साहित्य (कार्य के घटकों की प्रेरित व्यवस्था), निर्माण (समग्र सामग्री), आदि। कला में, इस शब्द को अक्सर कथानक और छवियों की प्रणाली और कला के काम की संरचना के साथ पहचाना जाता है। इस प्रयोजन के लिए, व्याख्यात्मक शब्दों का उपयोग किया जाता है - वास्तुशास्त्र, निर्माण, निर्माण। अंत में, यह शब्द उन कार्यों को संदर्भित करता है जिनमें शामिल हैं विभिन्न प्रकारकला (साहित्यिक और संगीत रचना) या विभिन्न शैलियों की रचनाओं के अंशों से बना।

संगीत रचना में शामिल हैं:

• लेखक-संगीतकार और उनकी उद्देश्यपूर्ण रचनात्मक गतिविधि;
• एक काम जो निर्माता से अलग है और उससे स्वतंत्र रूप से मौजूद है;
• एक वस्तुनिष्ठ ध्वनि संरचना में सामग्री का अवतार;
• संगीत सिद्धांत द्वारा व्यवस्थित तकनीकी साधनों का एक जटिल उपकरण।

प्रत्येक प्रकार की कला को तकनीकों के एक निश्चित सेट की विशेषता होती है, जिसे आत्मसात करना आवश्यक है रचनात्मक कार्य. संगीत सबसे अधिक समय लेने वाली कला रूपों में से एक है। इसलिए संगीत के रचयिता-संगीतकार-विशेषकर आवश्यकता है तकनीकी उपकरण. "कला में महारत के बिना," डी। कबालेव्स्की कहते हैं, "एक भी कदम नहीं उठाया जा सकता है।" इसके अलावा, उनका मानना ​​​​है कि रचनात्मकता स्वयं संगीतकार के काम के दस प्रतिशत से अधिक नहीं लेती है, और बाकी तकनीक है - ज्ञान और तकनीकी तकनीकों को लागू करने की क्षमता।

शब्द "रचनात्मक विधि" का प्रयोग किसी विशेष संगीतकार की संगीत विशेषता की रचना के तरीके को चिह्नित करने के लिए किया जाता है। सभी उत्कृष्ट संगीतकारकिसने लिखा आर्केस्ट्रा संगीत, ने आंतरिक समयबद्ध सुनवाई विकसित की थी, अर्थात। वास्तविक ध्वनि का आंतरिक प्रतिनिधित्व। "संगीतमय विचार मुझे इसके अनुरूप बाहरी रूप के अलावा अन्यथा प्रकट नहीं होता है; ... मैंने वाद्ययंत्र के रूप में एक ही समय में सबसे अधिक संगीतमय विचार का आविष्कार किया," पी.आई. ने लिखा। त्चिकोवस्की। वास्तविक ध्वनि के बारे में आंतरिक विचारों ने डब्ल्यू ए मोजार्ट को एक आर्केस्ट्रा रचना के स्कोर को इस हद तक चमकाने की अनुमति दी कि यह केवल संगीत पाठ को लिखने के लिए ही रह गया।

रचना, इसलिए, संगीत की अभिव्यक्ति के सभी साधनों की बातचीत का सिद्धांत है संगीतमय रूप(रचनात्मक संरचना)। बनावट की तरह, जो कलात्मक स्थान के आयोजन सिद्धांत के रूप में कार्य करता है, फॉर्म-स्कीम काम के अस्थायी खुलासा के नियमों से जुड़े संगीत पूरे का एक पक्ष बन जाता है।

बेशक, संगीतकार की रचनात्मक पद्धति उसकी अपनी मेहनत की प्रक्रिया में बनती है। संगीतकार वास्तविक ध्वनि, उपयोग के बारे में आंतरिक विचारों की मदद से अपनी रचना बना और सुधार सकता है कार्यपुस्तिका(स्केच), साथ ही एक पियानो या कंप्यूटर।
निबंध पर काम की शुरुआत को गठन माना जाना चाहिए सामान्य योजना, जिसे तीन चरणों में विभाजित किया जा सकता है:

• परिभाषा संगीत शैलीऔर इमेजरी (साजिश) का स्पष्टीकरण;
• शास्त्रीय रूप-योजना की पुष्टि;
• पसंद रचनात्मक तरीका: एक आलंकारिक राग की रचना (प्रारंभिक तैयारी या क्रमिक "बिल्डिंग अप" के अनुसार) जो सद्भाव, बनावट की इस छवि से मेल खाती है, पॉलीफोनिक रूप से विकसित अतिरिक्त आवाजें।

संगीत के एक टुकड़े के लिए, धारणा के लिए पहुंच के रूप में ऐसा पहलू अत्यंत महत्वपूर्ण है। बी। असफीव संगीतकार की श्रवण धारणा के पैटर्न को ध्यान में रखने की क्षमता को "श्रोता को रूप की दिशा" कहते हैं। यह श्रोता का ध्यान आकर्षित करने के लिए है महत्वपूर्ण क्षणकाम करता है, बहुत तनाव के बाद कान को समय पर आराम देता है, कुछ उम्मीदों को जगाता है, उन्हें सही ठहराता है या श्रवण धारणा की जड़ता को तोड़ता है, आवश्यक पथ के साथ प्रत्यक्ष धारणा, आदि।