अपने अच्छे काम को नॉलेज बेस में भेजें सरल है। नीचे दिए गए फॉर्म का प्रयोग करें

छात्र, स्नातक छात्र, युवा वैज्ञानिक जो अपने अध्ययन और कार्य में ज्ञान के आधार का उपयोग करते हैं, वे आपके बहुत आभारी रहेंगे।

पर प्रविष्ट किया http://www.allbest.ru/

स्थापत्य कार्य का विश्लेषण पशकोव हाउस

"कलाकार का कार्य रूप की सहायता से सामग्री को नष्ट करना है", - एफ. शिलर, पुस्तक से बी.आर. कला के ऐतिहासिक अध्ययन के लिए विपर का परिचय। दरअसल, वास्तुकला का मुख्य कार्य सामग्री का पुनर्जन्म करना, उसे संशोधित करना और उसे अपने कलात्मक लक्ष्यों के अधीन करना है। और, परिणामस्वरूप, मात्रा और स्थान के अभिव्यंजक संयोजन के आधार पर एकल रचना बनाने के लिए। आर्किटेक्ट्स को इमारत की सामंजस्यपूर्ण संरचना में तीन पक्षों को जोड़ने के लिए भी कहा जाता है: एक तरफ, सुविधा और लाभ (कार्यात्मक कार्य); दूसरी ओर, ताकत और दक्षता (रचनात्मक और तकनीकी और आर्थिक कार्य); तीसरे पर, रूपों की सुंदरता (एक सौंदर्य कार्य)। और अंत में, रचना का लक्ष्य रूप और सामग्री की एकता प्राप्त करना है। और यह हासिल करना इतना आसान नहीं है। मास्को में सबसे प्रमुख घरों में से एक पर विचार करें। कौन से गुण, कौन सी वास्तु तकनीक ने इस इमारत के उच्च मूल्यांकन को निर्धारित किया?

पश्कोव वास्तुशिल्प घर

पश्कोव हाउस 1784-1786 में बनाया गया था। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। धनी जमींदार पशकोव द्वारा नियुक्त वसीली बाझेनोव। यह एक ऐसा समय था जब क्लासिकवाद की महान सादगी और संयम बरोक की सुस्वादु उदारता से टूट गया था। उस समय के मान्यता प्राप्त मास्टर, वासिली बाझेनोव, मास्को क्लासिकवाद की शैली बनाने में कामयाब रहे, यहां बारोक और क्लासिकवाद के सिद्धांतों को व्यवस्थित रूप से संयोजित किया। इन शैलियों के पसंदीदा तरीकों से इसकी पुष्टि होती है। उदाहरण के लिए, मोखोवाया स्ट्रीट को देखने वाला लंबा अग्रभाग एक क्लासिक शैली में बनाया गया है, जिसे एकरूपता, स्थिरता और सही क्रम पर जोर दिया गया है। केंद्रीय भवन की धुरी के बारे में इसकी संरचना स्पष्ट रूप से सममित है। इसके दाईं और बाईं ओर, दो एक-कहानी दीर्घाएँ प्रस्थान करती हैं, जो दो-मंजिला समान पंखों के साथ समाप्त होती हैं। पश्कोव के घर में दो मुख्य पहलू हैं - एक सड़क पर दिखता है और एक महल, गंभीर चरित्र है, दूसरा आंगन की ओर उन्मुख है और इसमें अधिक आरामदायक, मनोर जैसी उपस्थिति है। एक बेलनाकार बेल्वेडियर ऊपर की ओर उठता है (बाझेनोव द्वारा इसे एक रोटुंडा के रूप में बनाया गया था, जो एक गुंबद के साथ युग्मित स्तंभों से घिरा हुआ था, जिसे ग्रीक देवी मिनर्वा की एक मूर्ति के साथ ताज पहनाया गया था), दो निचले लोगों के संयोजन में, इसने एक स्पष्ट समद्विबाहु त्रिभुज का निर्माण किया। ये क्लासिकिज्म शैली की तकनीकें हैं, जिसका लैटिन में शाब्दिक अर्थ है "अनुकरणीय"। स्थापत्य सजावट के डिजाइन में बारोक रंग स्पष्ट रूप से दिखाई देते हैं, विशेष रूप से केंद्रीय भवन के मुखौटे की क्रम प्रणाली, एक तरफ शास्त्रीय शास्त्रीय, दूसरी ओर अपने स्वयं के विवरण में (बेलस्ट्रेड, मूर्तियां, प्लास्टर पर फूलदान) साज-सज्जा का विवरण) सामान्य शास्त्रीय कैनन की तुलना में अधिक स्वतंत्रता और मौलिकता के साथ।

घर आज तक अपने मूल रूप में नहीं बचा है, इसे कई बार बनाया गया था। विशेष रूप से, 1812 में घर आग से नष्ट हो गया था। आर्किटेक्ट्स ने 18 वीं शताब्दी की छवियों से घर को बहाल करने की कोशिश की, जिस तरह से इसे मूल रूप से बनाया गया था।

भवन की स्थापत्य शैली का प्रकार

पश्कोव का घर एक महल प्रकार की वास्तुकला है, एक प्रकार जो विशेष रूप से जीवन के एक निश्चित तरीके (प्रकार) पर जोर देता है। इस मामले में, बाझेनोव एक प्रकार की रूसी शहरी कुलीन संपत्ति विकसित करता है और पश्कोव हाउस को एक वास्तुशिल्प परिसर के रूप में बनाता है, जिसमें तीन मंजिला मुख्य इमारत होती है, जिसे रोटुंडा-बेल्वेडियर के साथ ताज पहनाया जाता है, और दो मंजिला पंख एक मंजिला दीर्घाओं से जुड़े होते हैं .

पहले तो भवन को देखने से यह आभास होता है कि घर छोटा है। लेकिन यह इससे कहीं अधिक लगता है, मुख्य भवन से सटे एक सीधी रेखा में सड़क के किनारे फैली सीधी दीर्घाओं और बाहरी इमारतों के लिए धन्यवाद। वे किनारों के साथ समग्र स्थापत्य रचना को पूरा करते प्रतीत होते हैं। इस तरह की तीन-भाग वाली रचना, जिसमें एक केंद्रीय भवन, गैलरी, पैदल मार्ग और पंख शामिल थे, एक वास्तुकार की सनक नहीं थी - यह उस समय के जीवन से उचित था। मुख्य घर में मालिक के रहने वाले कमरे और राज्य के कमरे थे। आउटबिल्डिंग में एक किचन था, एक नौकर रहता था और मेहमान रुकते थे। पैसेज-दीर्घाओं ने बिना बाहर जाए बिना पंखों से घर तक जाना संभव बना दिया, जो विशेष रूप से खराब मौसम या सर्दियों में महत्वपूर्ण था।

अंतरिक्ष में जगह

सदन की रचना का वास्तु स्थान व्यवस्थित है। इसका स्थान अच्छी तरह से सोचा गया है। और न केवल शहरी पहनावा में, बल्कि रचना के भीतर भी। इमारत की प्रभावशाली उपस्थिति उस स्थान के कारण है जहां इसे बनाया गया था। पश्कोव का घर उच्च वागनकोवस्की पहाड़ी पर खड़ा है, जैसे कि दो अवरोही सड़कों के खुले कोने पर, अपनी चढ़ाई की रेखा को जारी रखता है।

घर के शहरी स्थापत्य कलाकारों की टुकड़ी को मनोरम के रूप में वर्णित किया जा सकता है। साइट की ऊंची स्थिति और सभी तरफ से इसकी दृश्यता ने इमारत की संरचना की विशाल और उच्च वृद्धि प्रकृति की बेहतर पहचान में योगदान दिया, जो कि क्रेमलिन के घेरे के समूह में व्यवस्थित रूप से प्रवेश किया।

दृश्य धारणा में एक इमारत का द्रव्यमान सामान्य वास्तुशिल्प रूप की सामग्री की मात्रा के दृश्य मूल्यांकन पर निर्भर करता है। द्रव्यमान यहाँ एक ढीली व्यवस्था के साथ खंडित है। पश्कोव हाउस का पतला पिरामिडनुमा सिल्हूट, साइड विंग्स द्वारा जोर दिया गया, इसके मध्य भवन के शीर्ष की आकांक्षा, साथ ही इसकी राहत रोटुंडा-बेल्वेडियर के लिए धन्यवाद - यह सब, बल्कि, लोक की परंपराओं पर वापस जाता है प्राचीन रूस की वास्तुकला। यहाँ बाज़ेनोव की इमारत के द्रव्यमान का तथाकथित जैविक विकास अभिव्यक्ति की एक उच्च शक्ति तक पहुँचता है।

निर्माण प्रकार

डिजाइन पोस्ट-बीम है। इमारत एक स्पष्ट लेआउट और संगठित विवर्तनिक पैमाने द्वारा प्रतिष्ठित है।

स्थापत्य सजावट

सामान्य तौर पर, घर की स्थापत्य सजावट को प्लास्टिक कहा जा सकता है। लेकिन यह इतना समृद्ध है कि इस पर अधिक विस्तार से ध्यान देना आवश्यक है।

ए) वास्तुकार की सजावट के स्थान का सिद्धांत

पश्कोव घर के पास स्थापत्य सजावट का स्थान अगल-बगल के सिद्धांत के अनुसार है, यह सिद्धांत महल की वास्तुकला की विशेषता है। वास्तुशिल्प सजावट के तत्वों और तत्वों को वैकल्पिक रूप से व्यवस्थित करें और क्रमबद्ध पंक्तियों का पालन करें।

तहखाने के फर्श की गैलरी, जैसा कि यह थी, मुख्य भवन को पंखों के साथ संतुलित करती है और संरेखण के नियम का पालन करते हुए, मुखौटा की पूरी लंबाई के साथ फैली हुई है।

स्थापत्य सजावट का स्थान भवन की संरचना को निर्धारित करता है।

बी) संरचना

पश्कोव हाउस की पूरी तरह से हल्की और समृद्ध रचना बाज़ेनोव के रचनात्मक कौशल और शहरी पहनावा के हिस्से के रूप में एक अलग इमारत के लिए उनके व्यापक शहरी नियोजन दृष्टिकोण का एक अद्भुत उदाहरण है।

पूरे वास्तुशिल्प परिसर को रचना के गहरे-स्थानिक दृश्य के रूप में वर्णित किया जा सकता है, क्योंकि इसमें मुख्य घर, आउटबिल्डिंग, एक फ्रंट ड्राइववे, एक बगीचा और विभिन्न आउटबिल्डिंग शामिल हैं। इसके लिए भीतर की ओर बढ़ना, प्रवेश करना आवश्यक है। लेकिन अगर हम पश्कोव हाउस को अलग से मानते हैं, तो इसकी लंबाई और आयामों की ऊंचाई में आयामों की गहराई में आयामों की प्रबलता हमें बताती है कि घर की संरचना स्पष्ट रूप से सामने है। निर्माण मुख्य रूप से मुखौटा विमानों में तय किया गया था, यहां मुख्य अर्थ और सौंदर्य स्थापत्य भार है। इसके अलावा, समरूपता का प्रभुत्व स्पष्ट है। दो मंजिला पंख, जैसा कि थे, मुख्य मुखौटा के केंद्रीय अक्ष के सापेक्ष इमारत को संतुलित करते हैं। एक संस्करण यह भी है कि क्रेमलिन का मुखौटा बिल्कुल औपचारिक नहीं है, बल्कि एक पार्क का है, और विपरीत दिशा में एक विशाल प्रांगण है, जिसकी कल्पना बाज़ेनोव ने सिर्फ एक औपचारिक रूप में की थी।

सी) आदेश प्रणाली

सदन में आदेश प्रणाली बहुत समृद्ध है, यह इसके डिजाइन द्वारा पूर्वनिर्धारित है। क्षैतिज जंगली बेसमेंट के विपरीत, केंद्रीय अग्रभाग भवन के दो मुख्य मंजिल हैं। कोरिंथियन समग्र आदेश का उपयोग उभरे हुए पोर्टिको में किया जाता है, दोनों मंजिलों को एकजुट करता है और इमारत के पैमाने को नेत्रहीन रूप से बढ़ाता है। यही क्रम केंद्रीय भवन की दीवारों पर स्तम्भों को सुशोभित करता है।

चार-स्तंभों के पोर्टिको के किनारों पर स्तंभों के आधार पर मूर्तियाँ रखी गई हैं। पंखों के स्तंभ और पायलट चार-तरफा विकर्ण राजधानियों के साथ एक जटिल आयनिक क्रम का उपयोग करते हैं। वे कलात्मक स्वतंत्रता और मुखौटे की रचना में पंखों की भूमिका पर जोर देते हैं।

केंद्रीय भवन की छत को तैयार करने वाले बेलस्ट्रेड में स्तंभों पर रसीले फूलदान होते हैं, जो फ्रिज़ और कंगनी से केंद्रीय मात्रा को पूरा करने वाले रोटुंडा में संक्रमण को नरम करते हैं। यह एक आयनिक खेप नोट का उपयोग करता है (बाद में पुराने कोरिंथियन के प्रतिस्थापन के रूप में बहाल किया गया)। इस प्रकार, आर्किटेक्ट एक लाइटर पर भारी ऑर्डर देकर घर को भारी बनाते थे। लेकिन सामान्य रूप से रोटुंडा-बेल्वेडियर ऐसा स्थिर रूप नहीं है और भवन की समग्र छाप को सुविधाजनक बनाते हुए, संपूर्ण रचना की ऊर्ध्व आकांक्षा पर जोर देता है।

कला के अन्य रूपों की तरह, लय वास्तुकला में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है। यह उनकी सर्वोच्चता है जो हमें सावधानीपूर्वक लयबद्ध स्थान की कला के रूप में वास्तुकला की बात करने की अनुमति देती है। यही कारण है कि वास्तुकला को अक्सर "जमे हुए संगीत" कहा जाता है। दरअसल, संगीत की कला में लय भी सबसे महत्वपूर्ण रचना साधन है।

पश्कोव हाउस की लय के तत्वों को कहा जा सकता है: उपनिवेश, और आर्केड, और तहखाने की जंग, और फ्रिज़, और कई लयबद्ध रूप से दोहराए जाने वाले सजावटी तत्व।

हालांकि, कला के किसी भी काम की लय एक साधारण विकल्प नहीं है। यह एक प्रकार की एकता है जिसमें अनेक लयबद्ध श्रंखलाएं विलीन हो जाती हैं। तो यहाँ भी, कोलोनेड की लयबद्ध स्पंदन, आकार और पोर्टिको स्तंभों की संख्या में तीन बिल्कुल समान में समूहीकृत, स्तंभ के भागों की ठीक कैलिब्रेटेड लय (केवल अंतर क्रम में है), की सनकी लय फ्रिज़ डिज़ाइन, गतिशील जंग, पायलट - यह सब सावधानीपूर्वक सोचा गया है और वास्तुकार द्वारा एक सद्भाव में विलय कर दिया गया है।

स्थापत्य लय की मदद से, बाझेनोव अंतरिक्ष और समय दोनों में दर्शकों की धारणा बनाता है। लय बहुत महत्वपूर्ण है। दरअसल, संरचना के सापेक्ष, दर्शक गतिहीन रह सकता है, और फिर स्थानिक लय उसकी धारणा में मुख्य भूमिका निभाते हैं। लेकिन जैसे ही दर्शक इमारत के चारों ओर घूमना शुरू करता है, या उससे भी ज्यादा, उसमें प्रवेश करने के लिए, वह समय में लय में रहता है। इस प्रकार, स्थापत्य पहनावा की धारणा प्रकृति में एक संगीत या साहित्यिक कार्य की धारणा से मिलती-जुलती है, जहां रूप क्रमिक रूप से प्रकट होता है, टुकड़े-टुकड़े। इसके अलावा, आज वास्तुकला को मानव अस्तित्व के स्थान के निर्माण की कला के रूप में परिभाषित करने की प्रथा है। और वास्तुकार, अंतरिक्ष का निर्माण स्वयं, दर्शकों की धारणा में लयबद्ध रूप से स्पंदित करता है

भवन का मूल उद्देश्य

भवन का मूल उद्देश्य प्रशासनिक है। मूल रूप से राजशाही के सामंजस्य और तर्कसंगतता के भ्रम के रूप में कल्पना की गई, प्रबुद्ध निरपेक्षता की नीति, समय के साथ यह एक सार्वजनिक भवन में बदल जाती है।

आज पश्कोव हाउस वी। आई। लेनिन रूसी राज्य पुस्तकालय की इमारतों में से एक है। राज्य द्वारा संरक्षित और मास्को में सबसे खूबसूरत इमारतों में से एक है। दुर्भाग्य से, हाल ही में इसे आकस्मिक आगंतुकों की आंखों से व्यावहारिक रूप से बंद कर दिया गया है, हम केवल मोखोवाया स्ट्रीट के किनारे से इसकी भव्यता की प्रशंसा कर सकते हैं।

निष्कर्ष

रूप-निर्माण फंतासी के दृष्टिकोण से, कला के अन्य क्षेत्रों में वास्तुकला की श्रेष्ठता स्पष्ट है। यह घटना क्या है? और तथ्य यह है कि स्थापत्य रूपों में प्रकृति में प्रत्यक्ष समानता नहीं होती है, वह किसी और की भाषा का पुनरुत्पादन या नकल नहीं करती है, बल्कि अपनी भाषा बोलती है। इस प्रकार, हम एक बार फिर कह सकते हैं कि वास्तुकला अंतरिक्ष में सन्निहित कलाओं का एक प्रकार का संश्लेषण है। स्मारक, अलंकरण, अनुप्रयुक्त कला, इसलिए मूर्तिकला और चित्रकला दोनों की विशेषता, और नाम प्राप्त हुआ - वास्तुकला।

Allbest.ru . पर पोस्ट किया गया

इसी तरह के दस्तावेज

वास्तुकला की अवधारणा की परिभाषा। बीजी बरखिन के अनुसार वास्तुशिल्प डिजाइन विधियों पर विचार। संरचनात्मक समस्या अनुसंधान पद्धति, पैटर्न और मौलिक डिजाइन पद्धति की खोज। भवन की छवि का निर्माण और परियोजना का कार्यान्वयन।

सार, जोड़ा गया 10/19/2015


4-5 लोगों के परिवार के लिए डिज़ाइन किए गए दो मंजिला व्यक्तिगत आवासीय भवन के लिए एक वास्तुशिल्प और रचनात्मक समाधान का विकास। भवन का अंतरिक्ष-योजना समाधान। कम वृद्धि वाले आवासीय भवन की दीवारें। तल तत्व सामग्री।

टर्म पेपर, जोड़ा गया 11/20/2013


एक स्कूल की इमारत के लिए एक वास्तुशिल्प डिजाइन विकसित करने की समस्या। भवन के अंतरिक्ष-योजना समाधान पर शैक्षणिक शिक्षा प्रणाली, संगठन और मोबाइल शैक्षिक प्रक्रिया की कार्यप्रणाली का प्रभाव। पिछले निर्माण अनुभव का विश्लेषण।

वैज्ञानिक कार्य, जोड़ा गया 06/04/2012


परिवार की जरूरतों और इच्छाओं के अनुसार "स्मार्ट होम" के स्थापत्य डिजाइन के मुख्य कार्य। मौजूदा भवन में भवन का स्थान, उसका अभिविन्यास। आवासीय भवन की योजना, रचनात्मक और स्थापत्य-आलंकारिक समाधान।

अभ्यास रिपोर्ट, जोड़ा गया 05/19/2015


मॉस्को में रेड स्क्वायर के गठन का इतिहास। स्थापत्य पहनावा की सामान्य विशेषताएं। सांस्कृतिक संदर्भ और स्थापत्य कलाकारों की टुकड़ी की विशेषताएं। पहनावा के रचनात्मक और लाक्षणिक घटकों की अन्योन्याश्रयता की डिग्री का सारांश विश्लेषण।

सार, जोड़ा गया 06/02/2011


भवन के सहायक भवन संरचनाओं और इंजीनियरिंग उपकरणों की वास्तविक तकनीकी स्थिति का निर्धारण। आवास और सांप्रदायिक सेवाओं के क्षेत्र और संघीय कार्यकारी निकायों की गतिविधियों को विनियमित करने वाले नियामक कानूनी कृत्यों का अध्ययन। भवन मूल्यह्रास गणना।

टर्म पेपर, जोड़ा गया 12/06/2012


भवन के मुख्य तत्वों के लिए निर्माण और संरचनात्मक समाधानों का विकास। भवन के अंतरिक्ष-योजना समाधान की विशेषताएं। आसन्न क्षेत्र के सुधार और भवन के इंजीनियरिंग समर्थन की गणना। आवासीय भवन के निर्माण की लागत का निर्धारण।

थीसिस, जोड़ा गया 07/18/2014


संलग्न स्टोर के साथ नौ मंजिला आवासीय भवन की परियोजना। संचार के साधनों के संबंध में अनुमानित भवन के स्थान की विशेषताएं। एक आवासीय भवन में अपार्टमेंट का ज़ोनिंग। बाहरी और आंतरिक सजावट और स्थापत्य और संरचनागत समाधान।

टर्म पेपर, जोड़ा गया 12/17/2011


बलथासर न्यूमैन के शिल्प में पहला कदम। न्यूमैन की स्थापत्य गतिविधियाँ। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ। इमारत के आंतरिक स्थान के साथ सचित्र और मूर्तिकला सजावट का सामंजस्यपूर्ण संयोजन। विएर्ज़ेनहेलीगेन में तीर्थयात्रा चर्च।

सार, 08/22/2012 को जोड़ा गया


एक आवासीय भवन परियोजना के लिए वास्तु, संगठनात्मक, तकनीकी और आर्थिक समाधान का विकास। भवन का बाहरी और आंतरिक परिष्करण, इसके इंजीनियरिंग उपकरण। प्रौद्योगिकी और काम का संगठन। निर्माण स्थल पर कूड़ा निस्तारण।

कार्यों का विश्लेषण

दृश्य कला

एंज़ेरो - सुज़ेन्स्की

केमेरोवस्क क्षेत्र की शिक्षा और विज्ञान विभाग

GOU SPO ANGERO - SUDZENSKY PEDAGOGICAL COLLEGE

कार्यों का विश्लेषण

दृश्य कला

GOU SPO Anzhero की परिषद -

"____" ____________ 2009

आरआईएस अध्यक्ष

समीक्षक:

शिक्षण

GOU SPO Anzhero - Sudzhensky Pedagogical College।

ललित कला के कार्यों का विश्लेषण: दिशानिर्देश। - एंज़ेरो - सुडज़ेंस्क: जीओयू एसपीओ एंज़ेरो - सुडज़ेंस्क पेडागोगिकल कॉलेज, 2009 - पी।

यह पद्धतिगत विकास ललित कला के कार्यों के विश्लेषण से संबंधित मुद्दों को शामिल करता है।

इसके फायदों में एक ऐसे एप्लिकेशन की उपस्थिति शामिल है जिसमें ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के लिए योजनाएं और एल्गोरिदम शामिल हैं।

© GOU SPO Anzhero-Sudzhensky

शिक्षक प्रशिक्षण कॉलेज

	परिचय… .. ……………………………………………………… ..
	ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के लिए पद्धतिगत नींव …………………………… ...................................
	साहित्य ……………………………………………………… ..
	आवेदन …………………………………………………………

परिचय

हम दुनिया को कैसे देखते हैं

ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के बारे में बात करने से पहले, आइए इस बारे में सोचें कि उन्हें दृश्य भी क्यों कहा जाता है और वास्तव में उनका उद्देश्य क्या है। "देखो को सहलाने के लिए, आँखों के लिए!" - आप कहेंगे और आप सही होंगे, हालांकि अगर हम आर्किटेक्चर और डिजाइन के बारे में बात करते हैं, तो वे न केवल लुक, बल्कि शरीर को भी सहला सकते हैं। दृश्य कला दृश्य धारणा की ओर उन्मुख होती है। आइए हमारी देखने की क्षमता का पता लगाएं।

तो, एक सामान्य व्यक्ति दो आँखों से देखता है, प्रत्येक आँख में एक ऑप्टिकल केंद्र होता है - एक ऐसा बिंदु जहाँ से आसपास की वस्तुओं की छवि सबसे स्पष्ट रूप से दिखाई देती है। इसका मतलब है कि हमारी दृष्टि के उपकरण में दो फोकस हैं। आइए एक प्रयोग करें: कागज की एक शीट लें, उसमें एक छोटा सा छेद करें और दीवार पर दूर के बिंदु पर इस छेद को देखने के लिए हाथ की लंबाई पर प्रयास करें (उदाहरण के लिए, एक स्विच)। अपने हाथों को हिलाए बिना, हम एक-एक करके दाईं और फिर बाईं आंख को बंद कर देंगे - छेद में स्विच की छवि गायब हो जाएगी और फिर से दिखाई देगी। इसका क्या मतलब है?

मानव दृश्य तंत्र में, केवल एक फोकस काम करता है - या तो दाहिनी या बाईं आंख (जिस पर निर्भर करता है कि कौन सी आंख अग्रणी है: यदि छवि गायब हो जाती है जब दाहिनी आंख बंद हो जाती है, तो यह अग्रणी है, और यदि बाईं आंख है अग्रणी बाईं आंख)। एक आंख "असली के लिए" देखती है, जबकि दूसरी एक सहायक कार्य करती है - यह "झांकती है", मस्तिष्क को चित्र को संपूर्ण रूप से पूरा करने में मदद करती है।

सामान्य बातचीत के दौरान वार्ताकार को करीब से देखें। आपकी दृष्टि उसकी दाहिनी आंख से तय होती है (आपके लिए वह बाईं ओर होगी), और आप केवल उसे ही स्पष्ट रूप से देख सकते हैं। वार्ताकार की शेष छवि धीरे-धीरे केंद्र से (उसकी दाहिनी आंख से) परिधि तक फैल जाती है। इसका क्या मतलब है? हमारी आंख का लेंस - लेंस - एक गोले के रूप में व्यवस्थित होता है। और किनारों के आसपास की छवि हमेशा धुंधली रहेगी - विषय केवल एक ही केंद्र बिंदु पर स्पष्ट रूप से परिलक्षित होता है। फ़ोकस से जितना दूर होगा, छवि उतनी ही धुंधली होगी.

यह स्पष्ट है कि दृष्टि की ऐसी "दयनीय संभावनाओं" के साथ, अंतरिक्ष और वस्तुओं का आकार, और यहां तक ​​कि रंग भी प्राकृतिक विकृति के अधीन हैं। विरोधाभास यह है कि अधिकांश वस्तुओं को हम उतना नहीं देखते जितना हम सोचते हैं, हमारी दृष्टि के तंत्र से पूरी तरह से बेखबर। और चूंकि हमारी दृष्टि समाज के सांस्कृतिक स्थान में अगोचर रूप से प्रशिक्षित है (और पिछले छह सौ वर्षों में यह प्रशिक्षण मुख्य रूप से क्लासिक्स के प्रत्यक्ष रैखिक दृष्टिकोण पर हुआ है), तो ऐसी सरल चीजें जो शरीर विज्ञानियों के दिमाग में आती हैं या कलाकार की... और हम अभी भी सोचते हैं कि छवि के यथार्थवाद की सीमा वांडरर्स के कार्यों में है, न कि सेज़ेन की पेंटिंग में।

इसलिए हम ललित कला के कार्यों के विश्लेषण के विषय पर आते हैं। दृश्य कलाओं को देखने के दो तरीके हैं: एक दिल से, दूसरा दिमाग से। यह सभी कलाओं को समझने का पद्धतिगत आधार है।

ललित कलाओं के विश्लेषण का पद्धतिगत आधार

जो लोग पहली बार कला के किसी भी काम के विश्लेषण में आए थे, उनके पास लगभग तुरंत ही स्वाभाविक प्रश्न हैं: “क्या कला में विश्लेषण बिल्कुल भी आवश्यक है? क्या यह कला की जीवित, तत्काल, भावनात्मक धारणा को नहीं मारता है?" अगर इसे सही तरीके से किया जाए तो इसकी जरूरत है।

एक स्पष्ट विश्लेषण भावनात्मक कला में हस्तक्षेप नहीं करता है, लेकिन काम के नए पक्षों को प्रकट करने में मदद करता है, गहरा अर्थ दिखाता है। इसके लिए, विश्लेषण को कैनवास पर किसी वस्तु या चरित्र की उपस्थिति के एक साधारण बयान पर, कथानक को फिर से बताने पर नहीं रुकना चाहिए, बल्कि चित्र के अर्थ तक (या गहरा) जाना चाहिए।

लेकिन अर्थ बाहरी रूप के माध्यम से व्यक्त किया जाता है। काम में, हमें सीधे अर्थ नहीं दिया जाता है, बल्कि केवल एक निश्चित रूप दिया जाता है। और हमें इसे "पढ़ना" चाहिए, इसके पीछे के अर्थ को देखना चाहिए। इसके अलावा, कलाकार कार्यों के रूप का निर्माण करता है ताकि वह उस अर्थ को बेहतर ढंग से व्यक्त कर सके जिसकी उसे आवश्यकता है।

कला के प्रत्येक टुकड़े में कई स्तर होते हैं। ये भावनात्मक, विषय, कथानक, प्रतीकात्मक स्तर और कार्य की आंतरिक संरचना (microcircuit) का स्तर हैं।... कला की हमारी धारणा भावना से शुरू होती है।

भावनात्मक स्तर।

पहली चीज जिसे हम "पकड़" लेते हैं वह है काम की भावनात्मक संरचना। यह गंभीर या गीतात्मक है, हम इसे मजाकिया या दुखद पाते हैं। अगर काम ने हमें भावनात्मक रूप से प्रभावित नहीं किया, तो आगे का विश्लेषण नहीं होगा।! इसलिए, विश्लेषण की शुरुआत में उन भावनाओं को पकड़ने की कोशिश करना बहुत उपयोगी है जो काम के साथ संचार से पैदा होती हैं। यह और भी आवश्यक है जब काम लंबे समय से परिचित हो। आखिरकार, हमने अनजाने में उन "पुरानी" भावनाओं को याद किया जो कैनवास ने एक बार हमारे अंदर जगाई थी। लेकिन अब हम अलग हैं, जिसका मतलब है कि हमारी धारणा अलग है। और अब हमारे पास एक पुराने, प्रसिद्ध कार्य के लिए नई भावनाएँ होंगी। और विश्लेषण की शुरुआत में छात्रों के लिए पेंटिंग से पैदा हुई पहली छाप के बारे में सवाल पूछना बहुत उपयोगी है।

इसके अलावा, इस पहली छाप को पूरे विश्लेषण के दौरान हर संभव तरीके से संरक्षित और बनाए रखा जाना चाहिए। अक्सर यह पहला भावनात्मक प्रभाव होता है जो विश्लेषणात्मक निष्कर्षों की शुद्धता की पुष्टि करता है। धीरे-धीरे, विश्लेषण की प्रक्रिया में, विश्लेषणात्मक निष्कर्षों की शुद्धता की जाँच की जाती है। धीरे-धीरे, विश्लेषण की प्रक्रिया में, हम यह देखना शुरू करते हैं कि कलाकार इस या उस भावनात्मक प्रभाव को कैसे प्राप्त करता है।

विश्लेषण का निष्कर्ष भी भावनात्मक होना चाहिए। अंत में, यह न केवल सहायक है, बल्कि समग्र भावनात्मक अनुभव पर एक बार फिर लौटने के लिए आवश्यक है। केवल अब भावना को अर्थ के ज्ञान द्वारा समर्थित किया जाता है।

भावनात्मक स्तर पर किसी अंश का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न.

1. काम क्या प्रभाव डालता है?

3. एक आगंतुक (वास्तुकला) किन संवेदनाओं का अनुभव कर सकता है?

4. टुकड़े की प्रकृति क्या है?

5. काम का पैमाना, प्रारूप, भागों की ऊर्ध्वाधर, क्षैतिज या विकर्ण व्यवस्था, वास्तुशिल्प रूपों का उपयोग, पेंटिंग में रंगों का उपयोग और प्रकाश का वितरण भावनात्मक प्रभाव में कैसे मदद करता है?

विषय स्तर।

यह दर्शाता है कि सीधे क्या दर्शाया गया है। यह इस स्तर से है कि विश्लेषण सीधे शुरू होता है। कोई भी वस्तु, कोई चरित्र या घटना, असाधारण रूप से महत्वपूर्ण है। अच्छे कलाकारों के चित्रों में यादृच्छिक चीजें नहीं होती हैं। इसलिए, कैनवास पर जो कुछ भी है, उसकी एक साधारण गणना भी सोचने पर मजबूर कर देती है।

और यहां हमें अक्सर मुश्किलों का सामना करना पड़ता है।

एक व्यक्ति का ध्यान चयनात्मक होता है और लंबे समय तक हम कैनवास पर कोई महत्वपूर्ण विवरण नहीं देख सकते हैं। हां, और ऐतिहासिक चीजें कभी-कभी मान्यता से परे बदल जाती हैं। या एक पोशाक, जो किसी भी युग में किसी व्यक्ति के बारे में एक समकालीन द्वारा बहुत कुछ कहती है - यह न केवल बाहरी जीवन का एक संपूर्ण विश्वकोश है, बल्कि नैतिकता, चरित्र, जीवन लक्ष्य भी है।

इसलिए, आपको उस पर रखी गई सभी चीजों के अर्थ और उद्देश्य के बारे में अपने लिए पूरी तरह से स्पष्टीकरण के साथ एक तस्वीर को "पढ़ना" शुरू करने के लिए इसे एक नियम बनाने की आवश्यकता है। चित्र की वस्तुनिष्ठ दुनिया वे शब्द हैं जो "हमें दिए गए पाठ" को बनाते हैं।

पहले से ही इस स्तर पर, पेंटिंग की वस्तुगत दुनिया के साथ हमारे परिचित की शुरुआत में, हम बहुत जल्दी नोटिस करते हैं कि सभी वस्तुएं और चेहरे कैनवास पर बिखरे हुए नहीं हैं, बल्कि एक तरह की एकता का गठन करते हैं। और हम अनजाने में ही इस एकता को समझने लगते हैं रचना को चित्रित करने के लिए पहला कदम... हम अंत में इसे बहुत अंत में मास्टर करेंगे। लेकिन आपको तुरंत व्यक्तिगत विशेषताओं पर ध्यान देना शुरू करना होगा। एक नियम के रूप में, आप तुरंत देख सकते हैं कि सबसे महत्वपूर्ण तत्व सरल और स्पष्ट आकार (त्रिकोण, वृत्त, पिरामिड, वर्ग ...) बनाते हैं। इन रूपों को कलाकार द्वारा मनमाने ढंग से नहीं चुना जाता है, वे एक निश्चित भावनात्मक संरचना बनाते हैं। वृत्त और अंडाकार सुखदायक, पूर्ण हैं। एक वर्ग या एक झुकनेवाला आयत स्थिरता और हिंसा की भावना पैदा करता है। पिरामिड और त्रिकोण दर्शक को प्रयास करने का भाव देते हैं। विश्लेषण के इस स्तर पर, चित्र में मुख्य और द्वितीयक आसानी से अलग हो जाते हैं।

एक अलग वस्तु, एक अलग रंग, एक अलग ब्रशस्ट्रोक अर्थ को समझने के लिए कुछ भी नहीं देता है। केवल उनके अनुपात महत्वपूर्ण हैं। रंगों, ध्वनियों, विषयों, वस्तुओं, संस्करणों के संबंध के माध्यम से, आपको काम के अर्थ को "पढ़ने" में सक्षम होना चाहिए।

विपरीत विरोधाभास, कैनवास पर आंदोलन या आराम की प्रबलता, पृष्ठभूमि और आंकड़ों के बीच संबंध - यह सब विश्लेषण के इस चरण में पहले से ही नोट किया गया है। यहां हम देखते हैं कि गति का संचरण एक विकर्ण है, किसी वस्तु के सामने मुक्त स्थान, गति के चरम क्षण की एक छवि, असममित योजनाएं; और आराम का स्थानांतरण विकर्णों की अनुपस्थिति है, वस्तु के सामने खाली जगह, स्थिर मुद्राएं, सममित योजनाएं। लेकिन यह सब सिर्फ मनाया जा रहा है। विश्लेषण के अंत में ही रचना की विशेषताएं हमारे लिए सही अर्थ प्राप्त करेंगी।

विषय स्तर पर कला के काम का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न।

1. चित्र में क्या (या कौन) दर्शाया गया है?

2. सामने की ओर खड़े होने पर आगंतुक क्या देखता है? अंदरूनी हिस्सों में?

3. आप मूर्तिकला में किसे देखते हैं?

4. आपने जो देखा उसमें से मुख्य चीज़ को हाइलाइट करें?

5. यह समझाने की कोशिश करें कि यह आपको मुख्य बात क्यों लगती है।

6. एक कलाकार, एक वास्तुकार किस माध्यम से मुख्य बात को उजागर करता है?

7. कार्य (विषय संरचना) में वस्तुओं को कैसे व्यवस्थित किया जाता है?

8. काम रंगों (रंग संरचना) की तुलना कैसे करता है?

9. वास्तु संरचना में आयतन और रिक्त स्थान की तुलना कैसे की जाती है?

कहानी का स्तर।

मैं तुरंत उस खतरे के खिलाफ चेतावनी देना चाहता हूं, जो अक्सर शोधकर्ता को चेतावनी देता है। यह इतिहास, पौराणिक कथाओं, कलाकार के बारे में कहानियों से ज्ञात कथानक के साथ कलाकार द्वारा प्रस्तुत कथानक को बदलने की इच्छा है। आखिरकार, कलाकार न केवल कथानक का चित्रण करता है, बल्कि इसकी व्याख्या देता है, कभी-कभी इस कथानक के दायरे से बहुत दूर। अन्यथा कला आलोचना के क्लिच पैदा होते हैं।

लोग अक्सर पूछते हैं: क्या सभी कैनवस में एक प्लॉट होता है? एक शैली या ऐतिहासिक तस्वीर में, यह सबसे अधिक बार स्पष्ट होता है। और एक चित्र में, परिदृश्य, अभी भी जीवन? और अमूर्त पेंटिंग में? यहाँ सब कुछ इतना स्पष्ट नहीं है। फ्रांसीसी शब्द "प्लॉट" का अर्थ घटनाओं का इतना खुलासा नहीं है, बल्कि सामान्य तौर पर काम का "विषय" या "कारण, अवसर, मकसद" है। और इस शब्द का पहला अर्थ "पूर्वानुमानित, संवेदनशील" है। इस प्रकार, कथानक हमारे सामने कैनवास पर कलाकार द्वारा निर्मित कारण संबंधों के रूप में प्रकट होता है। एक ऐतिहासिक या शैली की तस्वीर में, ये कनेक्शन ऐतिहासिक या रोजमर्रा की घटनाओं से संबंधित होंगे। चित्र में - चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के व्यक्तित्व का संबंध, वह क्या है, वह किसके साथ प्रकट होना चाहता है। अभी भी जीवन में - एक व्यक्ति द्वारा छोड़ी गई चीजों और स्वयं व्यक्ति "पर्दे के पीछे" के बीच का संबंध। और अमूर्त पेंटिंग में, कलाकार रेखाओं, धब्बों, रंगों, आकृतियों का संबंध बनाता है। और यह अनुपात सुरिकोव के बॉयरीन्या मोरोज़ोवा के हावभाव से कम महत्वपूर्ण और कथानक-वार नहीं है।

ऊपर से दो निष्कर्ष निकलते हैं।

पहला: किसी विशेष चित्र की वास्तविकताओं के आधार पर भूखंड का निर्माण किया जाना चाहिए। " अर्थ उड़ाऊ पुत्र के अनुरोध में नहीं है, और स्वयं पश्चाताप में नहीं है, बल्कि आश्चर्य में है कि ऐसा पितृ प्रेम, ऐसी क्षमा उत्पन्न करता है».

और दूसरा निष्कर्ष: एक तरह से या कोई अन्य, लेकिन कथानक का स्तर हमेशा कैनवास पर मौजूद होता है। और विश्लेषण में इसे दरकिनार करना केवल तर्कहीन है। कारण संबंध ठीक वही हैं जो चित्र के विशेष स्थान और समय का निर्माण करते हैं।

कथानक का स्तर कैनवास की संरचना संबंधी विशेषताओं को भी स्पष्ट करता है। हम एक तस्वीर के बीच अंतर करते हैं - एक कहानी और एक तस्वीर-शो, हम कैनवास पर आलंकारिकता और अभिव्यक्ति के बारे में बात करते हैं। यहीं से काम की शैली निर्धारित होती है।

और यह तुरंत पता चलता है कि चित्र में सभी व्यक्ति, वस्तुएं, घटनाएं जीवन के समान अर्थ में नहीं दिखाई देती हैं। उनमें से कुछ संस्कृति में एक विशेष प्रतीकात्मक अर्थ के साथ संपन्न हैं जिसने कलाकार को उठाया। दूसरों को स्वयं लेखक द्वारा अस्पष्ट प्रतीकों का अर्थ दिया गया था। इस तरह हम अगले स्तर तक जाते हैं - प्रतीकात्मक।

प्लॉट स्तर पर कार्य का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न।

1. चित्र का कथानक बताने का प्रयास करें।

2. कल्पना करने की कोशिश करें कि वास्तुकला के किसी दिए गए टुकड़े में कौन सी घटनाएं अधिक बार हो सकती हैं।

3. यदि कोई मूर्ति जीवन में आती है तो वह क्या कर सकती है (या कह सकती है)?

प्रतीकात्मक स्तर।

प्रतीकात्मक स्तर पर, हम चित्र की विषय सामग्री पर लौटते प्रतीत होते हैं, लेकिन एक अलग गुणात्मक स्तर पर। स्थिर जीवन की वस्तुएं अचानक अर्थ दिखाने लगती हैं। घड़ीगुज़रता हुआ समय है, खाली गोले- खाली नश्वर जीवन, बचा हुआ भोजन- जीवन पथ अचानक छोटा हो गया।

इसके अलावा, प्रत्येक रूप पर पुनर्विचार किया जाता है।

वृत्ताकार रचनाअनंत काल का प्रतीक है। वर्ग (घन)- यह पृथ्वी का प्रतीक है, स्थिर सांसारिक अस्तित्व। हम देखते हैं कि एक कलाकार कैनवास बनाता है, उसे बाएं से दाएं टुकड़ों में तोड़ता है। और फिर सकारात्मक मान दाईं ओर और नकारात्मक मान बाईं ओर दिखाई देते हैं। बाएं से दाएं आंख की गति हमें बाएं आधे हिस्से में घटना की शुरुआत और उसके परिणाम को दाईं ओर देखने के लिए प्रेरित करती है।

एक अन्य कलाकार पेंटिंग क्षेत्र के ऊर्ध्वाधर विभाजन को उजागर करेगा। और फिर हमारे आसपास की दुनिया में ऊपर और नीचे के बारे में हमारे विचार लागू होते हैं। एक उच्च, निम्न या मध्यम क्षितिज, कैनवास के ऊपर या नीचे का "रंग का भारीपन", आंकड़ों के साथ किसी न किसी भाग की संतृप्ति, अंतरिक्ष का खुलापन - यह सब प्रतीकात्मक स्तर पर विश्लेषण का विषय बन जाता है।

हमें यह नहीं भूलना चाहिए कि चित्र की ऊर्ध्वाधर या क्षैतिज रचना भी एक महत्वपूर्ण प्रतीक है। प्रतीकात्मक निर्माण लंबवत रूप से प्रकट होते हैं, और नए युग के चित्र लगभग सभी क्षैतिज होते हैं।

और यद्यपि एक पेंटिंग एक विमान की व्यवस्था है, कलाकार हमेशा अंतरिक्ष की गहराई में महारत हासिल करने का प्रयास करते हैं। अंतरिक्ष की गहराई को विभिन्न तरीकों से प्रकट किया जा सकता है। और उनमें से प्रत्येक प्रतीकात्मक है। निकट की वस्तुएँ दूर की वस्तुओं को अस्पष्ट करती हैं। अंतरिक्ष की गहराई फर्श के तल के कारण "पता लगाया" जाता है, जमीन - नीचे चित्र में मुख्य, शांति-निर्माण अर्थ प्राप्त करता है। गहराई वास्तुशिल्प संरचनाओं का उपयोग करके बनाई गई है। और वास्तुकला पात्रों को सक्रिय रूप से प्रभावित करना शुरू कर देती है - उन्हें ऊपर उठाने या कुचलने, छिपाने या उन्हें दिखाने के लिए।

विश्लेषण के इस स्तर पर, चित्र में रंग और प्रकाश का बहुत महत्व है।.

यह ज्ञात है कि प्राचीन विश्व और मध्य युग में रंग स्पष्ट रूप से उपयुक्त से जुड़े हुए थे, ज्वलंत प्रतीक थे। और चूंकि पेंटिंग के काम में रंग चित्रमय दुनिया के निर्माण का मुख्य साधन है, आधुनिक युग में भी कलाकार इस प्रतीकात्मक प्रभाव से नहीं बचते हैं। प्रकाश और अंधकार हमेशा एक व्यक्ति के लिए रहे हैं, न कि केवल वास्तविक जीवन की स्थितियां। लेकिन बाहरी और आंतरिक के प्रतीकात्मक विरोधों द्वारा भी: एक उज्ज्वल चेहरा और आंतरिक ज्ञान; डार्क पेंटिंग और कठिन जीवन। इस प्रकार दिए गए कैनवास की दुनिया की भव्य प्रणाली धीरे-धीरे निर्मित होती है।

प्रतीकात्मक स्तर पर किसी कार्य का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न।

1. क्या वस्तुओं के काम में गाद है जो किसी चीज का प्रतीक है?

2. क्या कार्य की संरचना और उसके मुख्य तत्व प्रतीकात्मक हैं: क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर, विकर्ण, वृत्त, रंग, घन, गुंबद, मेहराब, तिजोरी, शिखर, मीनार, हावभाव, मुद्रा, वस्त्र, ताल, अवधि, आदि?

3. काम का शीर्षक क्या है? इसकी साजिश और प्रतीकात्मकता के साथ इसकी तुलना कैसे की जाती है?

इसके अलावा, हम तस्वीर की समझ के एक नए स्तर तक बढ़ते हैं। यहां, विश्लेषण के व्यक्तिगत पहलुओं को हमारे लिए इस विशेष कार्य की एक ही दुनिया में जोड़ा जाना चाहिए।... इस पर विश्लेषण का अंतिम चरणतस्वीर में एक भी विवरण ऐसा नहीं होना चाहिए जो किसी तरह पूरे से बाहर हो जाए। यहां फिर से हमें ईमानदारी के बारे में बात करनी चाहिए। और इस अखंडता को अक्सर तार्किक रूप से नहीं, बल्कि भावनात्मक रूप से समझा जाता है। "कितना महान और बुद्धिमान है!" - सावधानीपूर्वक विश्लेषण के परिणामस्वरूप प्रशंसा हमारे पास आनी चाहिए। इस प्रारूप में आंकड़ों को मानसिक रूप से स्थानांतरित करने का प्रयास करें, कुछ को बुझाएं और दूसरों को हाइलाइट करें, और आप देखेंगे कि यह न केवल अभिव्यक्ति को प्रभावित करता है, बल्कि चित्र का अर्थ भी प्रभावित करता है। इस स्तर पर, चित्र "मेरा अपना" हो जाता है।

लेकिन यह एक आदर्श विश्लेषण प्रणाली है। वास्तव में, कुछ काम नहीं करता है, कहीं हम इसके बारे में नहीं सोचते हैं, कभी-कभी हमारे पास इसे ठीक से महसूस करने का समय नहीं होता है। लेकिन कम से कम एक बार छात्रों को विश्लेषण की पूरी प्रक्रिया दिखाने के लिए, समझ के माध्यम से उन्हें पूरा करने के लिए, हम बस बाध्य हैं।

प्रत्येक विशिष्ट कार्य में, हम एक स्तर को अलग कर सकते हैं और उस पर छात्रों के साथ काम कर सकते हैं। इसके अलावा, कला का कोई भी काम इन स्तरों में से प्रत्येक पर पूरी तरह से स्वतंत्र अस्तित्व की अनुमति देता है। इसके अलावा, एक काम में कथानक का स्तर स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित है, दूसरे में - प्रतीकात्मक।

विश्लेषणात्मक कौशल विकसित करने के लिए निजी तकनीकों का उपयोग करना उपयोगी है।:

चित्र का एक सरल विवरण, अर्थात उस पर वास्तव में क्या दर्शाया गया है। इस तरह के विवरण किसी दिए गए कैनवास पर ध्यान केंद्रित करने, चित्र की दुनिया में प्रवेश करने में बहुत मदद करते हैं;

Ú पतन सामग्री। यहां शिक्षक केवल छवि को फिर से बताने के लिए कहता है, लेकिन हर बार अपनी कहानी को छोटा करता है। अंत में, कहानी कुछ मतलबी वाक्यांशों तक सिमट कर रह जाती है, जिसमें केवल सबसे महत्वपूर्ण रह जाता है;

Ú पदानुक्रम का निर्माण। यहां शिक्षक, छात्रों के साथ, कलाकार द्वारा प्रस्तावित मूल्यों को सहसंबंधित करने की कोशिश कर रहा है, इस प्रश्न का उत्तर देने के लिए: "क्या अधिक महत्वपूर्ण है?" - यह तकनीक सभी स्तरों पर उपयोगी है;

Ú एक विश्लेषण "फ़ील्ड" का निर्माण। अक्सर, कलाकार की जीवनी के कुछ महत्वहीन तथ्य या किसी दी गई संस्कृति का एक तथ्य अर्थ को "खोज" करने में मदद करता है। वह हमारा ध्यान दूसरे विमान पर लगाता है। हमारे विचारों को एक अलग रास्ते पर ले जाता है। इसलिए, तथ्यों को जमा करना आवश्यक है। और, जैसा कि अभ्यास से पता चलता है, एक व्यक्तित्व विशेषता या घटना हमें जितनी अधिक असामान्य लगती है, उतनी ही यह हमारे लिए रचनात्मक होती है;

चिंतनशील और मोटर भावना (सहानुभूति)। यह पहले से ही एक अभिनय तकनीक है - चित्र की दुनिया में खुद को पेश करने का प्रयास, पात्रों की मुद्रा ग्रहण करने का प्रयास करने के लिए, उनके चेहरे की अभिव्यक्ति करने के लिए, परिदृश्य के रास्तों पर चलने के लिए। रास्ते में कई खोजों का इंतजार है। इस तकनीक का उपयोग अक्सर तब किया जाता है जब किसी कारण से विश्लेषण एक गतिरोध पर पहुंच गया हो।

यह स्पष्ट है कि विश्लेषण के रूप भिन्न हो सकते हैं। ये एक साधारण पाठ में अलग-अलग प्रश्न हैं जो बच्चों को किसी की तरह महसूस करना, कुछ कल्पना करना सिखाते हैं; अपने आप को एक विशेष वातावरण में विसर्जित करें। ये तुलना और तुलना के प्रश्न भी हैं। ये ध्यान के लिए व्यायाम हैं (आप क्या देखते हैं?) ये किसी विशेष कार्य के बारे में सरल तार्किक निर्माण हैं।

परिशिष्ट 1

पेंटिंग विश्लेषण योजना

1. शीर्षक।

2. एक सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युग, शैली से संबंधित।

4. काम के निर्माण का इतिहास।

5. नाम का अर्थ। भूखंड की विशेषताएं। विधा से संबंधित।

6. रचना (क्या दर्शाया गया है, चित्र के तत्व कैसे स्थित हैं, गतिकी, लय)।

7. कलात्मक अभिव्यक्ति का मुख्य साधन (रंग, रेखा, काइरोस्कोरो, बनावट, लिखने का तरीका)।

8. आपके व्यक्तिगत इंप्रेशन।

नमूना

सावरसोव की पेंटिंग "द रूक्स हैव अराइव्ड"। सावरसोव एक अद्भुत कलाकार थे जिनकी पेंटिंग्स को देखकर आप कभी नहीं थकते। वे अपने हल्केपन और रंगों की विविधता से प्रतिष्ठित हैं। वह वह कलाकार था जिसने रूसी परिदृश्य में क्रांति ला दी थी। अन्य कलाकारों के विपरीत, उन्होंने साधारण रूसी परिदृश्य चित्रित किए। उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक पेंटिंग द रूक्स हैव अराइव्ड है।

पेंटिंग को 1860 और 70 के दशक के मोड़ पर चित्रित किया गया था। उस पर, लेखक शुरुआती वसंत को दर्शाता है, वह क्षण जब पहले पक्षी (बदमाश) आते हैं और पेड़ों में घोंसला बनाना शुरू करते हैं।

हम तस्वीर के रंग पैलेट पर ध्यान आकर्षित करना चाहते हैं। सावरसोव एक बादल वसंत परिदृश्य की छाप का उपयोग करता है, लेकिन साथ ही, सूरज की किरणें परिदृश्य को और अधिक धूपदार बनाती हैं। बेशक तस्वीर का एक महत्वपूर्ण तत्व चर्च है। उसका सिल्हूट एक ग्रे दिन की छवि के लिए कविता का एक नोट लाता है।

ऐसा महसूस करना कि एक कलाकार हमारे साथ अपने परिदृश्य की प्रशंसा करता है.

परिशिष्ट 2

स्थापत्य स्मारक की विश्लेषण योजना

1. नाम।

2. स्थान।

3. वास्तुकार (को0)।

4. कार्य सौपना:

एक कल्ट;

बी) धर्मनिरपेक्ष:

आवास,

· सार्वजनिक ईमारत।

5. क्या बनाया गया है... यदि संभव हो तो इस विशेष सामग्री को चुनने का कारण बताएं।

6. प्रारुप सुविधाये, जिसके द्वारा आप शैली (या प्रयुक्त वास्तु विवरण, योजना, आयाम, आदि) निर्धारित कर सकते हैं।

7. असाइनमेंट के प्रकार, स्थापत्य शैली या किसी सभ्यता से संबंधित के बारे में निष्कर्ष।

8. स्मारक के प्रति आपका रवैया... अपने मत की पुष्टि करें।

नमूना

1. जोसर का पिरामिड।

2. मिस्र, सक्कारा।

3. वास्तुकार इम्होटेप।

4. पंथ भवन एक मकबरा है।

5. पत्थर का निर्माण।

6. एक मकबरे के साथ एक सीढ़ीदार पिरामिड का आकार। ऊंचाई 60 मीटर, साइड की लंबाई 120 मीटर।

7. कोई स्थापत्य शैली नहीं है, इमारत प्राचीन मिस्र की सभ्यता से संबंधित है।

8. …

परिशिष्ट 3

मूर्तिकला विश्लेषण योजना

1. नाम।

2. मूर्तिकार।

3. मूर्तिकला प्रकार:

ए) निष्पादन द्वारा:

1. गोल;

2. राहत:

गहराई से,

उच्च राहत।

बी) नियुक्ति के द्वारा:

1.पंथ,

2. धर्मनिरपेक्ष,

ग) उपयोग के लिए:

1. स्वतंत्र,

2. एक वास्तुशिल्प पहनावा का हिस्सा,

3. भवन की स्थापत्य सजावट का हिस्सा;

डी) शैली द्वारा:

1. चित्र:

पूर्ण विकास में;

2. शैली का दृश्य।

4.वह सामग्री जिससे काम बनाया जाता है।

5.विस्तार और परिष्करण की पूर्णता की डिग्री।

6.क्या अधिक ध्यान दिया गया है (विशेषताएं):

ए) समानता,

बी) सजावट,

ग) किसी व्यक्ति की आंतरिक स्थिति को प्रदर्शित करना,

डी) कोई विचार।

7.क्या यह कैनन का अनुपालन करता है, अगर यह था।

8.एक जगह:

ए) विनिर्माण,

बी) यह अभी कहां है।

9. मूर्तिकला की शैली, दिशा या विकास की अवधि और किसी दिए गए कार्य में इसकी अभिव्यक्ति।

10.स्मारक के प्रति आपका रवैया. अपने मत की पुष्टि करें.

परिशिष्ट 4

नमूना

1. समोथ्रेस के नाइके।

2. मूर्तियां अज्ञात हैं।

3. मूर्तिकला प्रकार:

ए) निष्पादन द्वारा - गोल,

बी) पदनाम से - पंथ,

वी) प्रारंभिक उपयोग के लिए - एक वास्तुशिल्प पहनावा का हिस्सा,

जी) शैली से - देवी का एक पूर्ण-लंबाई वाला चित्र।

4. संगमरमर से बना है।

5. अध्ययन बहुत गहन है।

6. विजय की अजेय उड़ान के विचार पर ध्यान दिया जाता है।

7. कोई कैनन नहीं था।

8. चौथी शताब्दी में ग्रीस में निर्मित। ईसा पूर्व ई।, अब लौवर (पेरिस, फ्रांस) में है।

9. प्राचीन हेलेनिस्टिक मूर्ति।

10.मुझे स्मारक पसंद है (मुझे यह पसंद नहीं है) क्योंकि…

परिशिष्ट 5

कला कार्यों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिदम

पेंटिंग के काम का विश्लेषण करने के लिए एल्गोरिदम।

इस एल्गोरिथम के साथ काम करने की मुख्य शर्त यह है कि तस्वीर का नाम उन लोगों को नहीं पता होना चाहिए जो काम कर रहे हैं।

1. आप इस तस्वीर का नाम क्या रखेंगे?

2. क्या आपको पेंटिंग पसंद है या नहीं? (उत्तर अस्पष्ट होना चाहिए।)

3. इस तस्वीर के बारे में बताएं ताकि जिसे नहीं पता उसे इसका अंदाजा हो सके।

4. यह तस्वीर आपके मन में क्या भावनाएँ जगाती है?

7. क्या आप पहले प्रश्न के उत्तर में कुछ जोड़ना या बदलना चाहेंगे?

8. दूसरे प्रश्न के उत्तर पर वापस जाएं। क्या आपका आकलन वही है या यह बदल गया है? अब आप इस तस्वीर का आकलन क्यों कर रहे हैं?

चित्रों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथ्म।

2. कलात्मक युग से संबंधित।

3. चित्र के नाम का अर्थ।

4. शैली संबद्धता।

5. चित्र के कथानक की विशेषताएं। पेंटिंग के कारण। प्रश्न के उत्तर की तलाश में: क्या लेखक ने अपने विचार दर्शकों तक पहुँचाए?

6. चित्र की संरचना की विशेषताएं।

7. कलात्मक छवि का मुख्य साधन: रंग, ड्राइंग, बनावट, काइरोस्कोरो, लिखने का तरीका।

8. कला के इस काम का आपकी भावनाओं और मनोदशा पर क्या प्रभाव पड़ा?

10. कला का यह कार्य कहाँ स्थित है?

परिशिष्ट 6

वास्तुकला के काम का विश्लेषण करने के लिए एल्गोरिदम।

1. एक स्थापत्य संरचना और उसके लेखक के निर्माण के इतिहास के बारे में क्या जाना जाता है?

2. इस कार्य का सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युग, कलात्मक शैली, दिशा से संबंध का संकेत दें।

3. इस कार्य में विट्रुवियस के सूत्र का अवतार क्या है: शक्ति, लाभ, सौंदर्य?

4. एक वास्तुशिल्प छवि (समरूपता, लय, अनुपात, काले और सफेद और रंग मॉडलिंग, स्केल), टेक्टोनिक सिस्टम (पोस्ट-बीम, लैंसेट-धनुषाकार, धनुषाकार-गुंबद) बनाने के कलात्मक साधनों और विधियों को इंगित करें।

5. वास्तुकला के प्रकार से संबंधित संकेत दें: वॉल्यूमेट्रिक संरचनाएं (सार्वजनिक: आवासीय, औद्योगिक); परिदृश्य (परिदृश्य बागवानी या छोटे रूप); शहरी नियोजन।

6. एक वास्तुशिल्प संरचना के बाहरी और आंतरिक स्वरूप, भवन और राहत के बीच संबंध, परिदृश्य की प्रकृति के बीच संबंध को इंगित करें।

7. इसके स्थापत्य स्वरूप के डिजाइन में अन्य प्रकार की कलाओं का उपयोग कैसे किया जाता है?

8. काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?

9. कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?

10. स्थापत्य संरचना कहाँ स्थित है?

मूर्तियों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिदम।

1. काम के निर्माण का इतिहास।

3. कलात्मक युग से संबंधित।

4. कार्य के शीर्षक का अर्थ।

5. मूर्तिकला के प्रकारों से संबंधित (स्मारकीय, स्मारक, चित्रफलक)।

6. प्रयुक्त सामग्री और इसके प्रसंस्करण की तकनीक।

7. मूर्तिकला का आकार (यदि जानना जरूरी है)।

8. आसन का आकार और आकार।

9. यह मूर्ति कहाँ स्थित है ?

10. इस काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?

11. कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?

साहित्य

1. आयुव, वी.एन... लाक्षणिकता [पाठ] /. - एम।: वेस मीर, 2002।

2. इवलेव, एस. ए... विश्व कला संस्कृति के शिक्षण में छात्रों के ज्ञान का नियंत्रण [पाठ] /। - एम।, 2001।

3. अभिनवविदेशी शैक्षणिक खोजों में सीखने के मॉडल [पाठ]। - एम: एरिना, 1994।

4. क्रिस्को, वो... नृवंशविज्ञान का परिचय [पाठ] / वी। क्रिस्को। - एम।, 2000।

5. व्यवस्थितशैक्षिक क्षेत्र "कला" [पाठ] के संदर्भ में "संगीत", "एमएचसी", "थिएटर" विषयों पर सामग्री: शिक्षक की सहायता के लिए लेखों का संग्रह। - एम।: फ़िरमा एमएचके, 2001।

6. ओइस्ट्राख, ओ. जी.विश्व कला संस्कृति [पाठ]: एमएचसी शिक्षक के लिए सामग्री /,। - एम।, 2001।

7. पोचेप्ट्सोव, जी.जी.रूसी लाक्षणिकता [पाठ] /। - एम।: रेफ्ल-बुक, के।: "वाकलर", 2001।

8. सोलोबड, यू.पी। कला के एक काम में एक प्रतीक का पाठ-निर्माण कार्य [पाठ] // दार्शनिक विज्ञान। - 2002. - नंबर 2। - एस.46-55।

ललित कला पाठों में एक पेंटिंग का विश्लेषण। कार्य अनुभव से

गैपोनेंको नताल्या व्लादिमीरोवना, ललित कला के शिक्षकों के आरएमओ के प्रमुख और एमएचके नोवोलिंस्की जिले, ललित कला के शिक्षक एमबीएनयू "जिमनैजियम नंबर 59", जी। नोवोकुज़नेट्सक

"कला प्रकाशित करती है और साथ ही मानव जीवन को पवित्र करती है। लेकिन कला के कार्यों को समझना आसान नहीं है। यह सीखना आवश्यक है - लंबे समय तक अध्ययन करने के लिए, आपका सारा जीवन ... हमेशा, कला के कार्यों को समझने के लिए, आपको रचनात्मकता की स्थितियों, रचनात्मकता के लक्ष्यों, कलाकार के व्यक्तित्व और युग। दर्शक, श्रोता, पाठक को ज्ञान, सूचना से लैस होना चाहिए ... और मैं विशेष रूप से विवरण के महत्व पर जोर देना चाहता हूं। कभी-कभी छोटी चीज हमें मुख्य चीज में घुसने देती है। यह जानना कितना महत्वपूर्ण है कि इस या उस चीज़ को क्यों रंगा या रंगा गया था!"

डी.एस. लिकचेव

कला किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व के निर्माण में महत्वपूर्ण कारकों में से एक है, जो आसपास की दुनिया की घटनाओं के लिए किसी व्यक्ति के दृष्टिकोण के गठन का आधार है, इसलिए कला की धारणा के लिए कौशल का विकास आवश्यक कार्यों में से एक बन जाता है। कलात्मक शिक्षा।

"ललित कला" विषय का अध्ययन करने के लक्ष्यों में से एक कलात्मक छवि का विकास है, अर्थात्, कला के काम में मुख्य बात को समझने की क्षमता, अभिव्यक्ति के साधनों को अलग करने के लिए जो कलाकार इस छवि को चित्रित करने के लिए उपयोग करता है। . यहां, ललित कला के कार्यों की धारणा के माध्यम से किसी व्यक्ति के नैतिक और सौंदर्य गुणों को विकसित करने का एक महत्वपूर्ण कार्य किया जाता है।
आइए चित्रों की धारणा और विश्लेषण सिखाने की विधि पर विचार करने का प्रयास करें

चित्रों की धारणा और विश्लेषण सिखाने की पद्धति

स्कूली बच्चों को पेंटिंग से परिचित कराने के तरीकों को मौखिक, दृश्य और व्यावहारिक में विभाजित किया गया है।

मौखिक तरीके।

1. प्रश्न:

क) चित्र की सामग्री को समझना;

बी) मूड की पहचान करने के लिए;

ग) अभिव्यक्ति के साधनों की पहचान करने के लिए।

सामान्य तौर पर, प्रश्न बच्चे को चित्र को देखने, उसके विवरण देखने के लिए प्रोत्साहित करते हैं, लेकिन कला के काम की अभिन्न समझ को नहीं खोते हैं।

2. बातचीत:

क) पाठ के परिचय के रूप में;

बी) पेंटिंग के बारे में बातचीत;

ग) अंतिम बातचीत।

सामान्य तौर पर, वार्तालाप पद्धति का उद्देश्य छात्रों की अपने विचार व्यक्त करने की क्षमता विकसित करना है, ताकि बातचीत (शिक्षक की कहानी) में बच्चे को इसके लिए भाषण पैटर्न मिल सके।

3. शिक्षक की कहानी।

दृश्य:

भ्रमण (आभासी भ्रमण);

प्रतिकृतियों की परीक्षा, प्रसिद्ध कलाकारों द्वारा चित्रों के साथ एल्बम;

तुलना (मूड द्वारा चित्र, अभिव्यक्ति के साधन)।

व्यावहारिक:

पेंटिंग पर लेखन कार्य;

रिपोर्ट, सार तैयार करना;

ललित कला पाठों में, कला के कार्यों के साथ काम करने के विभिन्न तरीकों को संयोजित करने की सलाह दी जाती है, छात्रों की तैयारियों को ध्यान में रखते हुए, एक विधि या किसी अन्य पर ध्यान केंद्रित करना।

पेंटिंग के साथ काम करना

A. A. Lyublinskaya का मानना ​​​​है कि एक बच्चे की तस्वीर की धारणा को सिखाया जाना चाहिए, धीरे-धीरे उसे इस बात की समझ के लिए प्रेरित करना चाहिए कि उस पर क्या दर्शाया गया है। इसके लिए व्यक्तिगत वस्तुओं (लोगों, जानवरों) की पहचान की आवश्यकता होती है; चित्र की सामान्य योजना में प्रत्येक आकृति की स्थिति के पोज़ और स्थानों को उजागर करना; मुख्य पात्रों के बीच संबंध स्थापित करना; हाइलाइटिंग विवरण: प्रकाश व्यवस्था, पृष्ठभूमि, चेहरे के भाव।

S. L. Rubinshtein, G. T. Hovsepyan, जिन्होंने चित्र की धारणा के मुद्दों का अध्ययन किया, का मानना ​​​​है कि इसकी सामग्री के लिए बच्चों के उत्तरों की प्रकृति कई कारकों पर निर्भर करती है। सबसे पहले, चित्र की सामग्री से, इसके कथानक की निकटता और पहुंच से, बच्चों के अनुभव से, चित्र पर विचार करने की उनकी क्षमता से।

पेंटिंग के साथ काम करने में कई दिशाएँ शामिल हैं:

1) दृश्य साक्षरता की मूल बातें सीखना।

कक्षा में, छात्र कला के प्रकारों को व्यक्त करने के साधनों के साथ ललित कलाओं के प्रकारों, शैलियों से परिचित होते हैं। छात्रों को कला की शब्दावली का उपयोग करने का कौशल सिखाया जाता है: छाया, आंशिक छाया, इसके विपरीत, प्रतिवर्त, आदि। शब्दावली कार्य के माध्यम से, कला इतिहास की शर्तें पेश की जाती हैं, रचना के नियमों का अध्ययन किया जाता है।

2) कलाकार के जीवन और कार्य के बारे में सीखना।

तस्वीर की सक्रिय धारणा के लिए छात्रों की तैयारी अक्सर बातचीत की प्रक्रिया में की जाती है। बातचीत की सामग्री आमतौर पर कलाकार, पेंटिंग के इतिहास के बारे में जानकारी होती है। कलाकार के जीवन का पता लगाते हुए, ऐसे प्रकरणों पर ध्यान देना उचित है, जिसने उनके विश्वासों के गठन को प्रभावित किया, उनके काम को दिशा दी।

कलाकार के जीवन और कार्य के बारे में सूचना देने के रूप विविध हैं। : शिक्षक की कहानी, विज्ञान फिल्म, कभी-कभी छात्र प्रस्तुतियों को सौंपा जाता है।

3) अतिरिक्त जानकारी का उपयोग।

चित्र की धारणा को अपील द्वारा सुगम बनाया गया है साहित्यिक कार्य, जिसका विषय चित्र की सामग्री के करीब है। साहित्यिक कृतियों का उपयोग बच्चों द्वारा मिथक के कथानक से परिचित होने की पेंटिंग की गहरी धारणा और समझ के लिए जमीन तैयार करता है।

चित्र के कथानक को समझने के लिए बहुत महत्व के द्वारा खेला जाता है ऐतिहासिक स्थिति अध्ययन के तहत देश में, एक विशिष्ट समय अवधि में, कला की शैलीगत विशेषताएं।

4) तस्वीर की जांच।

एक तस्वीर को देखने की क्षमता धारणा, अवलोकन के विकास के लिए आवश्यक शर्तों में से एक है। तस्वीर को देखने की प्रक्रिया में, एक व्यक्ति सबसे पहले देखता है कि उसके साथ, उसके विचारों और भावनाओं के अनुरूप... छात्र, चित्र की जांच करते हुए, इस बात पर ध्यान देता है कि उसे क्या चिंता है, क्या है, क्या है उसके लिए नया, अप्रत्याशित है. इस समय, छात्रों का चित्र के प्रति दृष्टिकोण निर्धारित होता है, और कलात्मक छवि के बारे में उनकी व्यक्तिगत समझ बनती है।

5) पेंटिंग का विश्लेषण।

पेंटिंग विश्लेषण का उद्देश्य प्रारंभिक धारणा को गहरा करना है, जिससे छात्रों को कला की आलंकारिक भाषा को समझने में मदद मिलती है।

पहले चरणों में, शिक्षक द्वारा बातचीत या कहानी की प्रक्रिया में काम का विश्लेषण किया जाता है, धीरे-धीरे छात्र अपने आप ही विश्लेषण करते हैं। बातचीत बच्चों को कला के काम को अधिक सूक्ष्मता और गहराई से देखने, महसूस करने और समझने में मदद करती है।

एक पेंटिंग का विश्लेषण करने के तरीके

ए। मेलिक-पशायेव की कार्यप्रणाली। (स्रोत: पत्रिका "कला में स्कूल" नंबर 6 1993 ए। मेलिक-पोशेव "एक उत्सव का दिन" या "एक भयानक छुट्टी" (लेखक के इरादे को समझने की समस्या पर)

चित्र के बारे में प्रश्न:

1. आप इस तस्वीर का नाम क्या रखेंगे?

2. क्या आपको पेंटिंग पसंद है या नहीं?

3. इस तस्वीर के बारे में बताएं ताकि जिसे नहीं पता उसे इसका अंदाजा हो सके।

4. यह तस्वीर आप में क्या भावनाएँ, मनोदशा पैदा करती है?

7. क्या आप पहले प्रश्न के उत्तर में कुछ जोड़ना या बदलना चाहेंगे?

8. दूसरे प्रश्न के उत्तर पर वापस जाएं। क्या आपकी रेटिंग वही है या वह बदल गई है? आप इस तरह की तस्वीर का मूल्यांकन क्यों करते हैं?

2 ... कला के काम का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न

भावनात्मक स्तर:

काम क्या प्रभाव डालता है?

लेखक किस मनोदशा को व्यक्त करने का प्रयास कर रहा है?

दर्शक किन संवेदनाओं का अनुभव कर सकता है?

टुकड़े की प्रकृति क्या है?

पैमाने, प्रारूप, क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर या विकर्ण भागों की व्यवस्था, और चित्र में कुछ रंगों का उपयोग किसी कार्य की भावनात्मक छाप में कैसे मदद करता है?

विषय स्तर:

चित्र में क्या (या कौन) दिखाया गया है?

आपने जो देखा, उसमें से मुख्य चीज़ को हाइलाइट करें।

यह समझाने की कोशिश करें कि वास्तव में यह आपको मुख्य बात क्यों लगती है?

कलाकार किस माध्यम से मुख्य बात को उजागर करता है?

कार्य (विषय रचना) में वस्तुओं को कैसे व्यवस्थित किया जाता है?

कार्य (रैखिक रचना) में मुख्य रेखाएँ कैसे खींची जाती हैं?

कहानी का स्तर:

तस्वीर के कथानक को फिर से बताने की कोशिश करें ..

एक नायक, एक पेंटिंग की नायिका, जीवन में आने पर क्या कर सकती है (या कह सकती है)?

प्रतीकात्मक स्तर:

क्या काम में ऐसी वस्तुएं हैं जो किसी चीज का प्रतीक हैं?

क्या कार्य की संरचना और उसके मुख्य तत्व प्रतीकात्मक हैं: क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर, विकर्ण, वृत्त, अंडाकार, रंग, घन, गुंबद, मेहराब, तिजोरी, दीवार, मीनार, शिखर, हावभाव, मुद्रा, वस्त्र, ताल, समय, आदि। .?

टुकड़े का शीर्षक क्या है? इसकी साजिश और प्रतीकात्मकता के साथ इसकी तुलना कैसे की जाती है?

आपको क्या लगता है कि काम के लेखक लोगों को क्या बताना चाहते थे?

एक पेंटिंग के विश्लेषण के लिए योजना। लिखना एक एहसास है।

1. लेखक, चित्र का शीर्षक
2. कलात्मक शैली / दिशा (यथार्थवाद, प्रभाववाद, आदि)
3. चित्रफलक पेंटिंग (चित्र) या स्मारकीय (भित्तिचित्र, मोज़ेक), सामग्री (चित्रफलक पेंटिंग के लिए): तेल पेंट, गौचे, आदि।
4. कला के काम की शैली (चित्र, स्थिर जीवन, ऐतिहासिक, रोजमर्रा, मरीना, पौराणिक, परिदृश्य, आदि)
5.पेंटिंग प्लॉट (जैसा दर्शाया गया है)। इतिहास।
6. अभिव्यक्ति के साधन (रंग, कंट्रास्ट, रचना, दृश्य केंद्र)

7. व्यक्तिगत प्रभाव (भावनाओं, भावनाओं) - चित्र के कथानक में "विसर्जन" की तकनीक।

8. चित्र के कथानक का मुख्य विचार। लेखक "क्या कहना चाहता था", उसने चित्र क्यों चित्रित किया।
9. चित्र का नाम।

चित्रों की धारणा और विश्लेषण पर बच्चों के कार्यों के उदाहरण.

रचना - आईई रेपिन द्वारा पेंटिंग पर आधारित एक भावना "होम। पिछले युद्ध के नायक "

इल्या रेपिन ने पेंटिंग "होम" चित्रित की। विगत युद्ध के नायक ”, युद्ध के बाद की अवधि में सबसे अधिक संभावना है, प्रथम विश्व युद्ध के बाद अधिक सटीक।
जिस कलात्मक दिशा में चित्र चित्रित किया गया था, वह यथार्थवाद है। चित्रफलक पेंटिंग, कलाकार ने अपने काम के लिए तेल के पेंट का इस्तेमाल किया। शैली चित्र।
रेपिन की पेंटिंग में एक ऐसे युवक को दिखाया गया है जिसने बहुत कुछ देखा है। वह अपने प्रियजनों और रिश्तेदारों के घर लौटता है, उसके चेहरे पर एक गंभीर, थोड़ा उदास भाव देखा जा सकता है। आँखें उदासी भरी उदासी से भरी हैं। वह एक ऐसे क्षेत्र में घूमता है जो अंतहीन लगता है, जो हथियारों के शॉट्स और उस पर गिरने वाले प्रत्येक व्यक्ति को याद करता है। वह इस जागरूकता में चलता है कि बहुत से लोग जिन्हें वह बहुत प्यार करता था, अब नहीं हैं। और केवल कौवे, भूतों की तरह, खोए हुए दोस्तों की याद दिलाते हैं।

अभिव्यक्ति के साधन के रूप में रेपिन ने म्यूट टोन के ठंडे रंगों को चुना; चित्र में कई छायाएँ वस्तुओं और स्थान की मात्रा को व्यक्त करती हैं। रचना स्थिर है, व्यक्ति स्वयं रचना का दृश्य केंद्र है, हमारी ओर निर्देशित उसकी निगाह दर्शकों की आंखों को आकर्षित करती है।

जब मैं तस्वीर को देखता हूं, तो दुख होता है और यह अहसास होता है कि वर्तमान जीवन पहले की तुलना में अलग है। मुझे अपने शरीर पर पाले का अहसास होता है, शांत, सर्द मौसम का अहसास होता है।

मेरा मानना ​​है कि लेखक यह दिखाना चाहता था कि युद्ध से गुजरने वाले लोग कैसे बनते हैं। नहीं, निश्चित रूप से, वे बाहरी रूप से मान्यता से परे नहीं बदले हैं: शरीर, अनुपात समान रहे हैं, जो भाग्यशाली हैं उन्हें बाहरी चोटें नहीं हैं। लेकिन चेहरों में अब पुराने भाव नहीं होंगे, निर्मल मुस्कान होगी। युद्ध की भयावहता जिससे यह युवक जी रहा था, उसकी आत्मा पर हमेशा के लिए अंकित हो गया।

मैं पेंटिंग को "द लोन सोल्जर" या "द रोड होम" कहूंगा ... लेकिन वह कहां जा रहा है? उसका इंतजार कौन कर रहा है?,।

आउटपुट:इस प्रकार, कला के काम की धारणा एक जटिल मानसिक प्रक्रिया है जो क्षमता का अनुमान लगाती है सीखो, समझो तस्वीर, पेशेवर कलात्मक शब्दों का उपयोग करके अपने विचार को सक्षम रूप से व्यक्त करें। लेकिन यह केवल एक संज्ञानात्मक कार्य है। कलात्मक धारणा के लिए एक शर्त है भावनात्मक रंगमाना जाता है, उसके प्रति दृष्टिकोण की अभिव्यक्ति। रचना - भावना आपको बच्चों के निर्णयों को देखने की अनुमति देती है, जो न केवल सुंदर महसूस करने की क्षमता की गवाही देती है, बल्कि सराहना भी करती है।

पेंटिंग के काम का विश्लेषण करते समय पूछे जाने वाले प्रश्न
विषय-रोजमर्रा की धारणा से अमूर्त करने के लिए, याद रखें कि एक तस्वीर दुनिया में एक खिड़की नहीं है, बल्कि एक ऐसा विमान है जिस पर चित्रमय माध्यमों से अंतरिक्ष का भ्रम पैदा किया जा सकता है। इसलिए, पहले उत्पाद के बुनियादी मापदंडों का विश्लेषण करें:

1) पेंटिंग का आकार क्या है (स्मारकीय, चित्रफलक, लघु?

2) पेंटिंग का प्रारूप क्या है: क्षैतिज या लंबवत लम्बी आयत (संभवतः एक गोल सिरे के साथ), वर्ग, वृत्त (टोंडो), अंडाकार?

3) चित्र किस तकनीक (तापमान, तेल, जल रंग, आदि) में और किस आधार पर (लकड़ी, कैनवास, आदि) बनाया गया था?

4) इसे किस दूरी से सबसे अच्छा माना जाता है?

I. छवि विश्लेषण।

4. क्या तस्वीर में कोई साजिश है? क्या दर्शाया गया है? चित्रित पात्र और वस्तुएँ किस वातावरण में स्थित हैं?

5. छवि के विश्लेषण के आधार पर, आप शैली के बारे में निष्कर्ष निकाल सकते हैं। क्या शैली: चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन, नग्न, दैनिक, पौराणिक, धार्मिक, ऐतिहासिक, पशुवत, क्या पेंटिंग संबंधित है?

6. आपकी राय में, कलाकार किस समस्या का समाधान करता है - ग्राफिक वाला? अभिव्यंजक? छवि की पारंपरिकता या प्रकृतिवाद की डिग्री क्या है? क्या सम्मेलन आदर्शीकरण या अभिव्यंजक विकृति की ओर प्रवृत्त होता है? एक नियम के रूप में, चित्र की रचना शैली के साथ जुड़ी हुई है।

7) रचना के घटक क्या हैं? चित्र के विषय और चित्र के कैनवास पर पृष्ठभूमि/स्थान का अनुपात क्या है?

8) प्रतिबिम्ब वस्तुएँ आकाश के तल के कितने निकट हैं?

9) चित्रित वस्तुओं के साथ कलाकार ने किस कोण को चुना - ऊपर, नीचे, स्तर?

10) दर्शक की स्थिति कैसे निर्धारित की जाती है - क्या वह चित्र में दर्शाए गए चित्र के साथ बातचीत में शामिल है, या उसे एक अलग विचारक की भूमिका सौंपी गई है?
11) क्या रचना को संतुलित, स्थिर या गतिशील कहा जा सकता है? यदि कोई आंदोलन है, तो उसे कैसे निर्देशित किया जाता है?

12) पिक्चर स्पेस कैसे बनाया जाता है (फ्लैट, अनिश्चितकालीन, स्थानिक परत से घिरा हुआ, एक गहरा स्थान बनाया गया)? स्थानिक गहराई का भ्रम कैसे प्राप्त किया जाता है (चित्रित आंकड़ों के आकार में अंतर, वस्तुओं या वास्तुकला की मात्रा दिखाते हुए, रंग उन्नयन का उपयोग करके)? रचना ड्राइंग के माध्यम से विकसित की गई है।

13) चित्र में रैखिक सिद्धांत कितना व्यक्त किया गया है?

14) क्या अलग-अलग वस्तुओं का परिसीमन करने वाली आकृतियाँ रेखांकित या छिपी हुई हैं? यह प्रभाव किस माध्यम से प्राप्त होता है?

15) वस्तुओं का आयतन किस हद तक व्यक्त किया जाता है? मात्रा का भ्रम पैदा करने के लिए किन तकनीकों का उपयोग किया जाता है?

16) पेंटिंग में प्रकाश की क्या भूमिका है? यह क्या है (सम, तटस्थ; विषम, मूर्तिकला मात्रा; रहस्यमय)। क्या प्रकाश स्रोत/दिशा पठनीय है?

17) क्या चित्रित आकृतियों/वस्तुओं के सिल्हूट पठनीय हैं? वे अपने आप में कितने अर्थपूर्ण और मूल्यवान हैं?

18) छवि कितनी विस्तृत (या इसके विपरीत, सामान्यीकृत) है?

19) क्या चित्रित सतहों (चमड़े, कपड़े, धातु, आदि) की बनावट की विविधता से अवगत कराया गया है? रंग।

20) चित्र में रंग क्या भूमिका निभाता है (यह चित्र और आयतन के अधीन है, या इसके विपरीत, चित्र को अपने अधीन कर लेता है और रचना का निर्माण करता है)।

21) क्या रंग सिर्फ मात्रा का रंग है या कुछ और? क्या यह वैकल्पिक रूप से विश्वसनीय या अभिव्यंजक है?

22) क्या पेंटिंग में स्थानीय रंगों या तानवाला रंग का प्रभुत्व है?

23) क्या रंगीन धब्बों की सीमाएँ अलग-अलग हैं? क्या वे आयतन और वस्तुओं की सीमाओं से मेल खाते हैं?

24) क्या कलाकार बड़े पैमाने पर रंग या छोटे धब्बे-स्ट्रोक के साथ काम करता है?

25) गर्म और ठंडे रंग कैसे लिखे जाते हैं, क्या कलाकार पूरक रंगों के संयोजन का उपयोग करता है? वह इसे क्यों कर रहा है? सबसे अधिक रोशनी वाले और छायांकित स्थानों का प्रतिपादन कैसे किया जाता है?

26) क्या कोई चकाचौंध, सजगता है? परछाइयों की वर्तनी कैसे लिखी जाती है (सुस्त या पारदर्शी, क्या वे रंगीन हैं)?

27) क्या किसी रंग या रंगों के संयोजन के उपयोग में लयबद्ध दोहराव को अलग करना संभव है, क्या किसी भी रंग के विकास का पता लगाना संभव है? क्या कोई प्रभावशाली रंग/रंग संयोजन है?

28) चित्रित सतह की बनावट क्या है - चिकनी या चिपचिपी? क्या व्यक्तिगत स्ट्रोक अलग-अलग हैं? यदि हां, तो वे क्या हैं - छोटे या लंबे, तरल, मोटे या लगभग सूखे पेंट?

06.08.2013

दृश्य: 20 779

ललित कला कार्यों के विश्लेषण के सिद्धांत

ललित कला के कार्यों के विश्लेषण और विवरण के मूल सिद्धांत

आपको जो जानने की जरूरत है उसकी अनुमानित राशि है

• –अनुशासन के अध्ययन का परिचय "कला के काम का विवरण और विश्लेषण।"

अनुशासन की प्रमुख अवधारणाएं: कला, कलात्मक छवि; कला की आकृति विज्ञान; प्रकार, जीनस, कला की शैली; प्लास्टिक अस्थायी, सिंथेटिक कला; विवर्तनिक और सचित्र; शैली, कला की "भाषा"; लाक्षणिकता, व्याख्याशास्त्र, साहित्यिक पाठ; औपचारिक विधि, शैलीगत विश्लेषण, प्रतिरूप, प्रतिरूप; श्रेय, बड़प्पन; कला इतिहास में सौंदर्य मूल्यांकन, सहकर्मी समीक्षा, मात्रात्मक तरीके।

• - कला का सौंदर्यवादी सिद्धांत: कलात्मक छवि कला और कलात्मक सोच का एक सार्वभौमिक रूप है; कला के काम की संरचना; कला में स्थान और समय, कला रूपों की ऐतिहासिक गतिशीलता; ऐतिहासिक और सांस्कृतिक प्रक्रिया में कलाओं का संश्लेषण।
• - कला आकारिकी: कला रूपों का वर्गीकरण; कलात्मक आकृति विज्ञान की एक श्रेणी के रूप में शैली।
• - प्रकार के रूप में प्लास्टिक कला की विशिष्ट विशेषताएं: वास्तुकला, मूर्तिकला, ग्राफिक्स, पेंटिंग।
• - कला के एक काम के विवरण और विश्लेषण के संदर्भ में कला के लाक्षणिक और व्याख्याशास्त्र: कला की भाषाएं, कला के अध्ययन के लिए एक संकेत दृष्टिकोण, एक पाठ के रूप में कला का एक काम, पाठ की व्याख्यात्मक समझ।
• - साहित्यिक पाठ के विश्लेषण की पद्धतिगत नींव: औपचारिक-शैलीगत, प्रतीकात्मक, प्रतीकात्मकता।

किसी भी विज्ञान की तरह, कला इतिहास के सिद्धांत की भी अपनी विधियाँ हैं। आइए मुख्य नाम दें: आइकोनोग्राफिक विधि, वोल्फलिन विधि, या औपचारिक-शैलीगत विश्लेषण की विधि, प्रतीकात्मक विधि, हेर्मेनेयुटिक्स विधि।

आइकोनोग्राफिक पद्धति के संस्थापक रूसी वैज्ञानिक एन.पी. कोंडाकोव और फ्रांसीसी ई. मल। दोनों विद्वानों ने मध्य युग की कला का अध्ययन किया (कोंडाकोव एक बीजान्टिस्ट थे, मल ने पश्चिमी मध्य युग का अध्ययन किया)। यह विधि "छवि के इतिहास", कथानक के अध्ययन पर आधारित है। कार्यों के अर्थ और सामग्री को जो दर्शाया गया है उसकी जांच करके समझा जा सकता है। प्राचीन रूसी आइकन को केवल छवियों की उपस्थिति और विकास के इतिहास पर गहन शोध करके ही समझा जा सकता है।

समस्या यह नहीं है कि क्या दर्शाया गया है, बल्कि प्रसिद्ध जर्मन वैज्ञानिक जी. वोल्फलिन कैसे लगे हुए थे। वोल्फलिन ने कला के इतिहास में एक "औपचारिकवादी" के रूप में प्रवेश किया, जिसके लिए कला की समझ को इसकी औपचारिक संरचना के अध्ययन तक सीमित कर दिया गया है। उन्होंने एक "उद्देश्य तथ्य" के रूप में कला के काम के अध्ययन के निकट एक औपचारिक-शैलीगत विश्लेषण करने का प्रस्ताव रखा, जिसे मुख्य रूप से स्वयं से समझा जाना चाहिए।

कला के काम का विश्लेषण करने की प्रतीकात्मक पद्धति अमेरिकी इतिहासकार और कला सिद्धांतकार ई। पैनोफस्की (1892-1968) द्वारा विकसित की गई थी। यह विधि कार्य के अर्थ के प्रकटीकरण के लिए "सांस्कृतिक" दृष्टिकोण पर आधारित है। छवि को समझने के लिए, वैज्ञानिक के अनुसार, न केवल प्रतीकात्मक और औपचारिक-शैलीगत तरीकों का उपयोग करना, उनसे एक संश्लेषण बनाना, बल्कि किसी व्यक्ति के आध्यात्मिक जीवन की आवश्यक प्रवृत्तियों से परिचित होना भी आवश्यक है, अर्थात। युग और व्यक्तित्व, दर्शन, धर्म, सामाजिक स्थिति की विश्वदृष्टि - वे सभी जिन्हें "समय का प्रतीक" कहा जाता है। यहाँ, एक कला समीक्षक से संस्कृति के क्षेत्र में एक महान ज्ञान की आवश्यकता होती है। यह विश्लेषण करने की क्षमता इतनी नहीं है जितनी कि एक संश्लेषण अंतर्ज्ञान की आवश्यकता है, क्योंकि कला के एक काम में, जैसा कि यह था, एक संपूर्ण युग को संश्लेषित किया जाता है। इसलिए, पैनोफ़्स्की ने ड्यूरर की कुछ नक्काशी, टिटियन द्वारा किए गए कार्यों आदि के अर्थ को शानदार ढंग से प्रकट किया। इन सभी तीन विधियों, सभी पेशेवरों और विपक्षों के साथ, शास्त्रीय कला को समझने के लिए उपयोग किया जा सकता है।

20वीं सदी की कला को समझना मुश्किल है। और विशेष रूप से 20वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, उत्तर-आधुनिकतावाद की कला, जिसे हमारी समझ के लिए एक प्राथमिकता नहीं बनाया गया है: इसमें अर्थ की अनुपस्थिति कार्य का अर्थ है। उत्तर-आधुनिकतावाद की कला एक पूर्ण चंचल शुरुआत पर आधारित है, जहां दर्शक एक काम बनाने की प्रक्रिया के सह-लेखक के रूप में कार्य करता है। व्याख्या के माध्यम से हर्मेनेयुटिक्स समझ रहा है। लेकिन आई. कांत ने भी कहा कि कोई भी व्याख्या स्पष्ट नहीं है, और यह एक हिंसक कृत्य पर आधारित है। हाँ यही है। समकालीन कला को समझने के लिए, हमें इस "बिना नियमों के खेल" में शामिल होने के लिए मजबूर किया जाता है, और समकालीन कला सिद्धांतकार जो देखते हैं उसकी व्याख्या करते हुए समानांतर चित्र बनाते हैं।

इस प्रकार, कला को समझने के इन चार तरीकों पर विचार करने के बाद, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि कला के इतिहास में किसी विशेष अवधि में शामिल प्रत्येक वैज्ञानिक हमेशा काम के अर्थ और सामग्री को प्रकट करने के लिए अपना दृष्टिकोण खोजने का प्रयास करता है। और यह कला के सिद्धांत की मुख्य विशेषता है।

• - कला का तथ्यात्मक अध्ययन। कला के काम का गुणन: एट्रिब्यूशन और बड़प्पन, एट्रिब्यूशन का सिद्धांत और इसके गठन का इतिहास, सिद्धांत और एट्रिब्यूशन कार्य के तरीके।

बड़प्पन का इतिहास विशद रूप से और विस्तार से घरेलू कला विद्वानों द्वारा वर्णित है वी.एन. लाज़रेव (1897-1976) ("बड़प्पन का इतिहास"), NS। वाइपर (1888-1967) ("एट्रिब्यूशन की समस्या पर")। XIX सदी के मध्य में। कला का एक नया प्रकार "पारखी" प्रकट होता है, जिसका उद्देश्य एट्रिब्यूशन है, अर्थात। कार्य, समय, निर्माण की जगह और कॉपीराइट की प्रामाणिकता स्थापित करना। पारखी के पास एक अभूतपूर्व स्मृति और ज्ञान, त्रुटिहीन स्वाद है। उन्होंने कई संग्रहालय संग्रह देखे हैं और, एक नियम के रूप में, काम के आरोपण का अपना तरीका है। एक विधि के रूप में बड़प्पन के विकास में अग्रणी भूमिका इटालियन की थी जियोवानी मोरेलि (1816-1891), जिन्होंने पेंटिंग के काम के निर्माण के कुछ पैटर्न को निकालने की कोशिश की, "कलात्मक भाषा का व्याकरण" बनाने के लिए, जो कि एट्रिब्यूशन विधि का आधार बनना (और बनना) था। मोरेली ने इतालवी कला के इतिहास में कुछ सबसे मूल्यवान खोजें कीं। मोरेली का अनुयायी था बर्नार्ड बर्नसन (1865-1959), जिन्होंने तर्क दिया कि कार्य ही निर्णय का एकमात्र सच्चा स्रोत है। बर्नसन ने एक लंबा और जीवंत जीवन जिया। वी.एन. लाज़रेव ने बड़प्पन के इतिहास के बारे में एक प्रकाशन में, वैज्ञानिक के संपूर्ण रचनात्मक पथ का उत्साहपूर्वक वर्णन किया। बड़प्पन के इतिहास में कोई कम दिलचस्प नहीं है एक जर्मन वैज्ञानिक मैक्स फ्रीडलैंडर (1867-1958)। एट्रिब्यूशन पद्धति का आधार, फ्रीडलैंडर ने कला के देखे गए कार्य से प्राप्त पहली छाप को माना। तभी कोई वैज्ञानिक विश्लेषण के लिए आगे बढ़ सकता है, जिसमें सबसे छोटा विवरण मायने रखता है। उन्होंने स्वीकार किया कि कोई भी शोध पहली छाप की पुष्टि और पूरक कर सकता है, या, इसके विपरीत, इसे अस्वीकार कर सकता है। लेकिन यह उसकी जगह कभी नहीं लेगा। फ्राइडलैंडर के अनुसार, एक पारखी के पास एक कलात्मक स्वभाव और अंतर्ज्ञान होना चाहिए, जो "कम्पास के तीर की तरह, उतार-चढ़ाव के बावजूद, हमें रास्ता दिखाता है।" घरेलू कला के इतिहास में, कई वैज्ञानिक और संग्रहालय कार्यकर्ता एट्रिब्यूशन कार्य में लगे हुए थे, जिन्हें विशेषज्ञ के रूप में जाना जाता था। NS। विपर ने एट्रिब्यूशन के तीन मुख्य मामलों को प्रतिष्ठित किया: सहज, आकस्मिक, और तीसरा - एट्रिब्यूशन में मुख्य पथ - जब शोधकर्ता, विभिन्न तरीकों का उपयोग करते हुए, काम के लेखक की स्थापना के करीब पहुंचता है। वाइपर पद्धति का परिभाषित मानदंड चित्र की बनावट और भावनात्मक लय है। बनावट का अर्थ है पेंट, स्ट्रोक की प्रकृति, आदि। भावनात्मक लय एक पेंटिंग या दृश्य कला के किसी अन्य रूप में कामुक और आध्यात्मिक अभिव्यक्ति की गतिशीलता है। लय और बनावट को समझने की क्षमता कलात्मक गुणवत्ता की सही समझ और आकलन का सार है। इस प्रकार, पारखी, संग्रहालय के कर्मचारियों द्वारा किए गए कई गुणों और खोजों ने कला के इतिहास में एक निर्विवाद योगदान दिया है: उनकी खोजों के बिना, हम मूल के लिए जालसाजी को गलत करते हुए, कार्यों के सच्चे लेखकों को पहचान नहीं पाते। हमेशा कुछ वास्तविक पारखी रहे हैं, वे कला की दुनिया में जाने जाते थे और उनकी गतिविधियों को अत्यधिक महत्व दिया जाता था। एक विशेषज्ञ-विशेषज्ञ की भूमिका विशेष रूप से XX सदी में बढ़ गई, जब कला बाजार, ललित कला के कार्यों की भारी मांग के कारण, नकली से भर गया था। कोई भी संग्रहालय या कलेक्टर बिना गहन जांच के किसी काम को नहीं खरीदेगा। यदि पहले पारखी ज्ञान और व्यक्तिपरक धारणा के आधार पर अपना निष्कर्ष निकालते हैं, तो एक आधुनिक विशेषज्ञ तकनीकी और तकनीकी विश्लेषण के उद्देश्य डेटा पर निर्भर करता है, अर्थात्: एक तस्वीर की एक्स-रे स्कैनिंग, पेंट की रासायनिक संरचना का निर्धारण, का निर्धारण कैनवास, लकड़ी, मिट्टी की उम्र। यह गलतियों से बचा जाता है। इस प्रकार, एक स्वतंत्र मानवीय विज्ञान के रूप में कला के इतिहास के निर्माण के लिए संग्रहालयों के उद्घाटन और विशेषज्ञों की गतिविधियों का बहुत महत्व था।

• - कला के काम का भावनात्मक और सौंदर्य मूल्यांकन। शैली के रूप, कला इतिहास अनुसंधान के तरीके।

आदिम विश्लेषण एल्गोरिथ्म:

चित्रों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिथ्म

1. चित्र के नाम का अर्थ।
2. शैली संबद्धता।
3. चित्र के कथानक की विशेषताएं। पेंटिंग के कारण। प्रश्न के उत्तर की तलाश में: क्या लेखक ने अपने विचार दर्शकों तक पहुँचाए?
4. चित्र की संरचना की विशेषताएं।
5. कलात्मक छवि का मुख्य साधन: रंग, ड्राइंग, बनावट, काइरोस्कोरो, लिखने का तरीका।
6. कला के इस काम का आपकी भावनाओं और मनोदशा पर क्या प्रभाव पड़ा?
7. यह कला का काम कहाँ स्थित है?

वास्तुकला के कार्यों का विश्लेषण करने के लिए एल्गोरिदम

1. एक स्थापत्य संरचना और उसके लेखक के निर्माण के इतिहास के बारे में क्या जाना जाता है?
2. इस कार्य का संबंध सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युग, कलात्मक शैली, दिशा से इंगित करें।
3. इस कार्य में विट्रुवियस के सूत्र का अवतार क्या है: शक्ति, लाभ, सौंदर्य?
4. एक वास्तुशिल्प छवि (समरूपता, लय, अनुपात, काले और सफेद और रंग मॉडलिंग, पैमाने), टेक्टोनिक सिस्टम (पोस्ट-बीम, लैंसेट-धनुषाकार, धनुषाकार-गुंबद) बनाने के लिए कलात्मक साधनों और तकनीकों को इंगित करें।
5. वास्तुकला के प्रकार से संबंधित संकेत दें: वॉल्यूमेट्रिक संरचनाएं (सार्वजनिक: आवासीय, औद्योगिक); परिदृश्य (परिदृश्य बागवानी या छोटे रूप); शहरी नियोजन।
6. एक वास्तुशिल्प संरचना के बाहरी और आंतरिक स्वरूप, भवन और राहत के बीच संबंध, परिदृश्य की प्रकृति के बीच संबंध को इंगित करें।
7. इसकी स्थापत्य उपस्थिति के डिजाइन में अन्य प्रकार की कलाओं का उपयोग कैसे किया जाता है?
8. काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?
9. कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?
10. स्थापत्य संरचना कहाँ स्थित है?

मूर्तियों के विश्लेषण के लिए एल्गोरिदम

1. काम के निर्माण का इतिहास।
2. लेखक के बारे में। यह कार्य उसके कार्य में क्या स्थान लेता है?
3. कलात्मक युग से संबंधित।
4. काम के शीर्षक का अर्थ।
5. मूर्तिकला के प्रकारों से संबंधित (स्मारकीय, स्मारक, चित्रफलक)।
6. सामग्री का उपयोग और इसके प्रसंस्करण की तकनीक।
7. मूर्तिकला का आकार (यदि जानना महत्वपूर्ण है)।
8. आसन का आकार और आकार।
9. यह मूर्ति कहाँ स्थित है?
10. इस काम का आप पर क्या प्रभाव पड़ा?
11. कलात्मक छवि किन संघों को उद्घाटित करती है और क्यों?

अधिक जानकारी:

कला के काम का विश्लेषण करने के लिए नमूना प्रश्न

भावनात्मक स्तर:

• काम क्या प्रभाव डालता है?
• लेखक किस मनोदशा को व्यक्त करने का प्रयास कर रहा है?
• दर्शक किन संवेदनाओं का अनुभव कर सकता है?
• टुकड़े की प्रकृति क्या है?
• पैमाने, प्रारूप, क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर या विकर्ण भागों की व्यवस्था, कुछ वास्तुशिल्प रूपों का उपयोग, पेंटिंग में कुछ रंगों का उपयोग और स्थापत्य स्मारक में प्रकाश का वितरण काम की भावनात्मक छाप में कैसे मदद करता है?

विषय स्तर:

• चित्र में क्या (या कौन) दिखाया गया है?
• अग्रभाग के सामने खड़े होने पर दर्शक क्या देखता है? अंदरूनी हिस्सों में?
• आप मूर्तिकला में किसे देखते हैं?
• आपने जो देखा, उसमें से मुख्य चीज़ को हाइलाइट करें।
• यह समझाने की कोशिश करें कि वास्तव में यह आपको मुख्य बात क्यों लगती है?
• कलाकार (वास्तुकार, संगीतकार) किस माध्यम से मुख्य बात को उजागर करता है?
• कार्य (विषय रचना) में वस्तुओं को कैसे व्यवस्थित किया जाता है?
• कार्य (रैखिक रचना) में मुख्य रेखाएँ कैसे खींची जाती हैं?
• एक वास्तुशिल्प संरचना (वास्तुशिल्प संरचना) में वॉल्यूम और रिक्त स्थान की तुलना कैसे की जाती है?
• कहानी का स्तर:
• चित्र के कथानक को फिर से बताने का प्रयास करें।
• कल्पना करने की कोशिश करें कि इस स्थापत्य संरचना में कौन सी घटनाएं अधिक बार हो सकती हैं।
• यदि जीवन में आता है तो दी गई मूर्ति क्या कर सकती है (या कह सकती है)?

प्रतीकात्मक स्तर:

• क्या काम में ऐसी वस्तुएं हैं जो किसी चीज का प्रतीक हैं?
• क्या कार्य की संरचना और उसके मुख्य तत्व प्रतीकात्मक हैं: क्षैतिज, ऊर्ध्वाधर, विकर्ण, वृत्त, अंडाकार, रंग, घन, गुंबद, मेहराब, तिजोरी, दीवार, मीनार, शिखर, हावभाव, मुद्रा, वस्त्र, ताल, समय, आदि। .?
• टुकड़े का शीर्षक क्या है? इसकी साजिश और प्रतीकात्मकता के साथ इसकी तुलना कैसे की जाती है?
• आपको क्या लगता है कि काम के लेखक लोगों को क्या बताना चाहते थे?

पेंटिंग विश्लेषण योजना

1. 1. लेखक, कार्य का शीर्षक, निर्माण का समय और स्थान, विचार का इतिहास और उसका कार्यान्वयन। मॉडल चयन।
2. 2. शैली, दिशा।
3. 3. पेंटिंग का प्रकार: चित्रफलक, स्मारकीय (फ्रेस्को, टेम्परा, मोज़ेक)।
4. 4. सामग्री की पसंद (चित्रफलक पेंटिंग के लिए): तेल पेंट, पानी के रंग, गौचे, पेस्टल। कलाकार के लिए इस सामग्री के उपयोग की विशिष्टता।
5. 5. पेंटिंग की शैली (पोर्ट्रेट, लैंडस्केप, स्टिल लाइफ, ऐतिहासिक पेंटिंग, पैनोरमा, डायरैमा, आइकन पेंटिंग, सीस्केप, पौराणिक शैली, शैली शैली)। कलाकार के कार्यों के लिए शैली की विशिष्टता।
6. 6. सुरम्य भूखंड। प्रतीकात्मक सामग्री (यदि कोई हो)।
7. 7. कार्य की सचित्र विशेषताएं:

• रंग;
• रोशनी;
• आयतन;
• समतलता;
• रंग;
• कलात्मक स्थान (कलाकार द्वारा रूपांतरित स्थान);
• रेखा।

9. काम देखते समय प्राप्त व्यक्तिगत प्रभाव।

विशिष्टता:

• संरचना योजना और उसके कार्य
  • आकार
  • प्रारूप (लंबवत और क्षैतिज रूप से फैला हुआ, वर्गाकार, अंडाकार, गोल, पक्षानुपात)
  • ज्यामितीय योजनाएं
  • मुख्य रचना पंक्तियाँ
  • संतुलन, छवि के कुछ हिस्सों का एक दूसरे के साथ और पूरे के साथ अनुपात,
  • विचार का क्रम
• स्थान और इसके कार्य।
  • परिप्रेक्ष्य, लुप्त बिंदु
  • समतलता और गहराई
  • स्थानिक योजना
  • दर्शक और कार्य के बीच की दूरी, चित्र के स्थान में या उसके बाहर दर्शक का स्थान
  • दृष्टिकोण और पूर्वाभास, क्षितिज रेखा
• Chiaroscuro, मात्रा और उनकी भूमिका।
  • मात्रा और विमान
  • रेखा, सिल्हूट
  • प्रकाश स्रोत, दिन का समय, प्रकाश प्रभाव
  • प्रकाश और छाया का भावनात्मक प्रभाव
• रंग, रंगाई और उसके कार्य
  • तानवाला या स्थानीय रंग की प्रबलता
  • गर्म या ठंडा रंग
  • रैखिकता या सुरम्यता
  • मूल रंग धब्बे, उनके संबंध और रचना में उनकी भूमिका
  • स्वर, वलेरा
  • सजगता
  • रंग का भावनात्मक प्रभाव
• सतह बनावट (स्मीयर)।
  • स्ट्रोक की प्रकृति (खुली बनावट, चिकनी बनावट)
  • स्ट्रोक की दिशात्मकता
  • धब्बा आकार
  • शीशे का आवरण

स्थापत्य स्मारकों का विवरण और विश्लेषण

विषय 1. वास्तुकला की कलात्मक भाषा।

एक कला के रूप में वास्तुकला। "कलात्मक वास्तुकला" की अवधारणा। वास्तुकला में एक कलात्मक छवि। वास्तुकला की कलात्मक भाषा: कलात्मक अभिव्यक्ति के ऐसे साधनों की अवधारणा जैसे रेखा, विमान, स्थान, द्रव्यमान, लय (अतालता), समरूपता (विषमता)। वास्तुकला में विहित और प्रतीकात्मक तत्व। एक भवन योजना की अवधारणा, बाहरी, आंतरिक। वास्तुकला में शैली।

विषय 2. स्थापत्य संरचनाओं के मुख्य प्रकार

शहरी नियोजन कला के स्मारक: ऐतिहासिक शहर, उनके हिस्से, प्राचीन योजना के क्षेत्र; स्थापत्य परिसरों, पहनावा। आवासीय वास्तुकला के स्मारक (व्यापारियों, रईसों, किसानों, किराये के घरों, आदि के खेत)। नागरिक सार्वजनिक वास्तुकला के स्मारक: थिएटर, पुस्तकालय, अस्पताल, शैक्षिक भवन, प्रशासनिक भवन, ट्रेन स्टेशन, आदि। धार्मिक स्मारक: मंदिर, चैपल, मठ रक्षा वास्तुकला: किले, किले के टॉवर, आदि। औद्योगिक वास्तुकला के स्मारक: कारखाने के परिसर, भवन, फोर्ज, आदि।

उद्यान और पार्क स्मारक, उद्यान और परिदृश्य कला: उद्यान और पार्क।

विषय 3. एक स्थापत्य स्मारक का विवरण और विश्लेषण

भवन योजना, निर्माण सामग्री, बाहरी आयतन संरचना। सड़क और आंगन के अग्रभाग, दरवाजे और खिड़की के उद्घाटन, बालकनियों, बाहरी और आंतरिक सजावट का विवरण। एक स्थापत्य स्मारक की शैली और कलात्मक गुणों के बारे में निष्कर्ष, एक शहर, गांव, क्षेत्र की ऐतिहासिक और स्थापत्य विरासत में इसका स्थान।

वास्तुकला के स्मारक के मोनोग्राफिक विश्लेषण के तरीके

1. संरचनात्मक और विवर्तनिक प्रणालियों का विश्लेषण मानता है:

ए) स्मारक के परिप्रेक्ष्य या ऑर्थोगोनल अनुमानों पर इसके संरचनात्मक आधार की ग्राफिक पहचान (उदाहरण के लिए, एक बिंदीदार रेखा के साथ वाल्ट और गुंबदों की रूपरेखा तैयार करना, मुखौटा पर आंतरिक संरचना का "अभिव्यक्ति", एक प्रकार का "संरेखण" एक खंड के साथ मुखौटा, आंतरिक आदि की संरचना को स्पष्ट करने के लिए वर्गों पर सतहों को छायांकित करना)

बी) संरचनात्मक तत्वों और संबंधित टेक्टोनिक वास्तुशिल्प रूपों की निकटता और अंतर्संबंध की डिग्री को स्पष्ट करना (उदाहरण के लिए, वर्गों पर मेहराब, वाल्टों को उजागर करना और ज़कोमर, कोकेशनिक, तीन-ब्लेड मेहराब, आदि के रूपों पर उनके प्रभाव का निर्धारण करना)

सी) स्मारक की कुछ टेक्टोनिक योजनाओं को तैयार करना (उदाहरण के लिए, गॉथिक कैथेड्रल के एक गुंबददार घास को कवर करने की एक योजना या एक योजना - एक स्तंभहीन चर्च के आंतरिक स्थान का "कास्ट" - एक्सोनोमेट्री, आदि में);

2. अनुपात और अनुपात का विश्लेषण, एक नियम के रूप में, ऑर्थोगोनल अनुमानों में किया जाता है और इसमें दो बिंदु होते हैं:

ए) स्मारक के मुख्य आयामी मानकों के बीच कई अनुपात (उदाहरण के लिए, 2: 3, 4: 5, आदि) की खोज करता है, इस तथ्य को ध्यान में रखते हुए कि इन अनुपातों को एक समय में निर्माण के दौरान इस्तेमाल किया जा सकता है प्रकृति में आवश्यक मूल्य। उसी समय, साइट में बार-बार पाए जाने वाले आयामी मात्रा (मॉड्यूल) की तुलना लंबाई (पैर, थाह, आदि) के ऐतिहासिक उपायों से की जानी चाहिए;

बी) सबसे सरल ज्यामितीय आकृतियों (वर्ग, दोहरा वर्ग, समबाहु त्रिभुज, आदि) के तत्वों के नियमित संबंधों के आधार पर स्मारक के मुख्य रूपों और विभाजनों के आकार के बीच अधिक या कम निरंतर ज्यामितीय संबंध की खोज। ) और उनके डेरिवेटिव। प्रकट आनुपातिक संबंधों को स्मारक के विवर्तनिक रूपों के निर्माण के तर्क और इसके अलग-अलग हिस्सों के निर्माण के स्पष्ट अनुक्रम का खंडन नहीं करना चाहिए। मूल ज्यामितीय आकृति (उदाहरण के लिए, एक वर्ग) के आयामों को मॉड्यूल के साथ जोड़कर और लंबाई के ऐतिहासिक उपायों के साथ जोड़कर विश्लेषण पूरा किया जा सकता है।

प्रशिक्षण अभ्यास में, किसी को बहुत अधिक अनुपातों की पहचान करने का प्रयास नहीं करना चाहिए, चयनित अनुपातों और अनुपातों की गुणवत्ता पर ध्यान देना अधिक महत्वपूर्ण है, अर्थात उनके संरचनागत महत्व पर, उनके आयामी अनुपातों के साथ उनके संबंध पर। खंडों के मुख्य विवर्तनिक विभाजन और स्मारक के निर्माण की प्रक्रिया में उनके उपयोग की संभावना।

3. मेट्रो-लयबद्ध पैटर्न का विश्लेषण ऑर्थोगोनल ड्रॉइंग और स्मारक की परिप्रेक्ष्य छवियों (ड्राइंग, फोटोग्राफ, स्लाइड इत्यादि) दोनों पर किया जा सकता है। विधि का सार लंबवत और क्षैतिज दोनों रूपों के मीट्रिक और लयबद्ध श्रृंखला के स्मारक की किसी भी छवि पर ग्राफिक अंडरलाइनिंग (एक रेखा, स्वर, छायांकन या रंग के साथ) में कम हो जाता है। इस तरह से हाइलाइट की गई मीट्रिक पंक्तियाँ (उदाहरण के लिए, कोलोनेड्स, विंडो ओपनिंग, ईव्स रिमूवल, आदि) और लयबद्ध पंक्तियाँ (उदाहरण के लिए, ऊँचाई में घटती हुई टियर, आर्क स्पैन बदलना, आदि) "स्थिर" या " को प्रकट करना संभव बनाती हैं। गतिशीलता" इस स्मारक की स्थापत्य रचना। इसी समय, लयबद्ध श्रृंखला के रूपों के सदस्यों में परिवर्तनों की नियमितता की व्याख्या अनुपात के विश्लेषण से निकटता से संबंधित है। अनुसंधान के परिणामस्वरूप, इस स्थापत्य स्मारक के रूपों की मेट्रो-लयबद्ध श्रृंखला के निर्माण की विशेषताओं को दर्शाते हुए, सशर्त योजनाएं तैयार की जाती हैं।

4. ग्राफिक पुनर्निर्माण आपको स्मारक के खोए हुए स्वरूप को उसके ऐतिहासिक अस्तित्व के किसी भी चरण में फिर से बनाने की अनुमति देता है। पुनर्निर्माण या तो एक ऑर्थोगोनल ड्राइंग (योजना, मुखौटा) के रूप में किया जाता है, जब एक संबंधित उप-आधार होता है, या प्रकृति से चित्र या एक तस्वीर (स्लाइड) से बनाई गई परिप्रेक्ष्य छवि के रूप में होता है। पुनर्निर्माण के स्रोत के रूप में, किसी को स्मारक की प्रकाशित पुरानी छवियों, विभिन्न प्रकार के ऐतिहासिक विवरणों के साथ-साथ उसी युग के समान स्मारकों पर सामग्री का उपयोग करना चाहिए।

शैक्षिक उद्देश्यों के लिए, छात्र को केवल एक स्केच पुनर्निर्माण करने के लिए आमंत्रित किया जाता है, केवल सामान्य शब्दों में स्मारक के मूल या परिवर्तित स्वरूप की प्रकृति को व्यक्त करते हुए।

कुछ मामलों में, छात्र अलग-अलग शोधकर्ताओं द्वारा बनाए गए एक ही स्मारक के लिए पुनर्निर्माण विकल्पों की तुलना करने के लिए खुद को सीमित कर सकता है। लेकिन फिर इन विकल्पों को एक उचित मूल्यांकन देना और उनमें से सबसे अधिक संभावना को उजागर करना आवश्यक है। छात्र को समान स्मारकों या उनके टुकड़ों की छवि के साथ अपनी पसंद को ग्राफिक रूप से सही ठहराना चाहिए।

एक विशेष प्रकार का पुनर्निर्माण - स्मारक के मूल और बाद में खोए हुए रंग का पुनर्निर्माण - एक ऐतिहासिक शहरी वातावरण के संभावित समावेश के साथ ऑर्थोगोनल पहलुओं या परिप्रेक्ष्य छवियों के आधार पर किया जाता है।

ग्राफिक पुनर्निर्माण पर कार्य करते समय, पेंटिंग और फोटोमोंटेज की विधि का व्यापक रूप से उपयोग किया जा सकता है।

5. वास्तुशिल्प चित्रों का निर्माण - एक विकसित वॉल्यूमेट्रिक रचना के साथ स्मारकों का विश्लेषण करने की एक तकनीक, जिसे समय में क्रमिक धारणा के लिए डिज़ाइन किया गया है, जैसे एथेंस में एरेचथियन या मॉस्को में इंटरसेशन कैथेड्रल। ऐसे स्मारक के चारों ओर घूमते समय, दर्शक, कुछ खंडों को दूसरों द्वारा बंद करने के कारण, एक दूसरे में बहने वाली कई परिप्रेक्ष्य छवियों को देखता है, जिन्हें वास्तुशिल्प पेंटिंग कहा जाता है।

छात्र का कार्य स्थापत्य चित्रों के गुणात्मक रूप से विभिन्न समूहों को अलग करना है, योजना पर चित्रों के इन समूहों की धारणा के क्षेत्रों को नामित करना और प्रत्येक समूह को एक परिप्रेक्ष्य ड्राइंग या फोटोग्राफ (स्लाइड) के रूप में एक विशेषता के साथ चित्रित करना है।

गुणात्मक रूप से भिन्न चित्रों की संख्या आमतौर पर पाँच या छह से अधिक नहीं होती है।

6. पैमाने और पैमाने के विश्लेषण में वास्तुशिल्प मात्रा की अभिव्यक्ति की बड़े पैमाने की भूमिका की पहचान करना और विशिष्ट विवरण के स्मारक के ऑर्थोगोनल या परिप्रेक्ष्य छवियों पर ग्राफिक हाइलाइटिंग शामिल है - "स्केल संकेतक", जैसे कि कदम, बेलस्ट्रेड, आदि। एक सार्वभौमिक उपकरण वास्तुशिल्प पैमाने के रूप में आदेश की भूमिका पर विशेष ध्यान दिया जाना चाहिए।

स्थापत्य स्मारकों के तुलनात्मक विश्लेषण के तरीके

1. दो स्मारकों की वॉल्यूमेट्रिक संरचना की तुलना सामान्य पैमाने पर कम की गई योजनाओं, पहलुओं या वर्गों की तुलना करके की जाती है। योजनाओं, पहलुओं और वर्गों को ओवरलेइंग या संयोजन करने की तकनीक बहुत प्रभावी है; कभी-कभी, दो स्मारकों के अनुमानों को मिलाते समय, उन्हें कुछ सामान्य आकार में लाना उपयोगी होता है, उदाहरण के लिए, समान ऊँचाई या चौड़ाई तक (इस मामले में, स्मारकों के अनुपात की भी तुलना की जाती है)।

जीवन या तस्वीरों से चित्र के रूप में स्मारकों की परिप्रेक्ष्य छवियों की तुलना करने के लिए तुलना करना भी संभव है। इस मामले में, चित्र या तस्वीरें समान कोणों से और ऐसे बिंदुओं से बनाई जानी चाहिए, जिनसे स्मारकों की वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक संरचना की विशिष्ट विशेषताओं का पता चलता है। यह सुनिश्चित किया जाना चाहिए कि, उनके सापेक्ष आकार के संदर्भ में, स्मारकों की छवियां प्रकृति में उनके आकार के अनुपात के लगभग अनुरूप हों।

तुलनात्मक तुलना के सभी मामलों में, स्मारकों के बीच का अंतर आमतौर पर उनकी समानता के क्षणों की तुलना में अधिक स्पष्ट होता है। इसलिए, तुलनात्मक वस्तुओं को एक साथ लाने के लिए ग्राफिक रूप से जोर देना जरूरी है, उदाहरण के लिए, रचनात्मक तकनीकों की पहचान, संस्करणों के संयोजन में एक समानता, अभिव्यक्ति की एक समान प्रकृति, उद्घाटन का स्थान इत्यादि।

मूर्तिकला स्मारकों का विवरण और विश्लेषण

मूर्तिकला की कलात्मक भाषा

मूर्तिकला के कार्यों का विश्लेषण करते समय, कला के रूप में मूर्तिकला के अपने मापदंडों को ध्यान में रखना आवश्यक है। मूर्तिकला एक कला रूप है जिसमें एक वास्तविक त्रि-आयामी मात्रा उसके आसपास के त्रि-आयामी स्थान के साथ परस्पर क्रिया करती है। मूर्तिकला के विश्लेषण में मुख्य बात मात्रा, स्थान और वे कैसे बातचीत करते हैं। मूर्तिकला सामग्री। मूर्तिकला के प्रकार। मूर्तिकला शैलियों।

मूर्तिकला का विवरण और विश्लेषण।

अनुमानित योजना:

1. इस मूर्ति का आकार क्या है? मूर्तिकला स्मारकीय, चित्रफलक, लघु हो सकती है। आकार प्रभावित करता है कि यह अंतरिक्ष के साथ कैसे इंटरैक्ट करता है।

2. विश्लेषित कार्य किस स्थान पर स्थित था (मंदिर में, चौक में, घर में, आदि)? इसकी गणना किस दृष्टिकोण से की गई (दूर से, नीचे से, निकट से)? क्या यह एक वास्तुशिल्प या मूर्तिकला पहनावा का हिस्सा है, या यह एक स्वतंत्र काम है?

3. किस हद तक विचाराधीन कार्य में त्रि-आयामी स्थान (वास्तुकला से संबंधित गोल मूर्तिकला और मूर्तिकला; स्थापत्य और मूर्तिकला रूप, उच्च राहत; राहत; आधार-राहत; चित्रात्मक राहत; प्रति-राहत) शामिल हैं।

4. यह किस सामग्री से बना है? इस सामग्री की विशेषताएं क्या हैं? यहां तक ​​​​कि अगर आप कास्ट का विश्लेषण कर रहे हैं, तो यह याद रखना महत्वपूर्ण है कि मूल किस सामग्री से बनाया गया था। मूल के हॉल में जाएं, देखें कि आपकी रुचि की सामग्री में बनाई गई मूर्तिकला कैसी दिखती है। मूर्तिकला की कौन सी विशेषताएं इसकी सामग्री से निर्धारित होती हैं (इस सामग्री को इस काम के लिए क्यों चुना गया था)?

5. क्या मूर्तिकला निश्चित दृष्टिकोणों के लिए डिज़ाइन की गई है, या यह पूरी तरह से गोलाकार चलने में प्रकट होती है? इस मूर्तिकला में कितने पूर्ण अभिव्यंजक सिल्हूट हैं? ये सिल्हूट क्या हैं (बंद, कॉम्पैक्ट, ज्यामितीय रूप से सही या सुरम्य, खुला)? सिल्हूट एक दूसरे से कैसे संबंधित हैं?

6. इस मूर्तिकला या मूर्तिकला समूह में अनुपात (भागों और संपूर्ण का अनुपात) क्या है? मानव आकृति के अनुपात क्या हैं?

7. मूर्तिकला की ड्राइंग क्या है (बड़े संरचनात्मक ब्लॉकों के बीच संबंधों का विकास और जटिलता, आंतरिक अभिव्यक्ति की लय और सतह के विकास की प्रकृति)? जब राहत की बात आती है, तो देखने का कोण बदलने पर पूरा कैसे बदल जाता है? राहत की गहराई कैसे बदलती है और स्थानिक योजनाएँ कैसे बनती हैं, कितने हैं?

8. गढ़ी गई सतह की बनावट क्या है? क्या यह एक ही है या अलग-अलग हिस्सों में अलग है? स्पर्श करने वाले उपकरणों के चिकने या "स्केची" निशान दिखाई दे रहे हैं, प्राकृतिक जैसे, सशर्त। यह बनावट भौतिक गुणों से कैसे संबंधित है? बनावट मूर्तिकला के आकार और मात्रा की धारणा को कैसे प्रभावित करती है?

9. मूर्तिकला में रंग की क्या भूमिका है? आयतन और रंग कैसे परस्पर क्रिया करते हैं, वे एक दूसरे को कैसे प्रभावित करते हैं?

10. यह मूर्तिकला किस शैली से संबंधित है? यह किस लिए था?

11. मकसद की व्याख्या क्या है (प्रकृतिवादी, सशर्त, कैनन द्वारा तय की गई, मूर्तिकला द्वारा अपने स्थापत्य वातावरण, या किसी अन्य प्रकार के कब्जे वाले स्थान द्वारा निर्धारित)।

12. क्या आप काम में किसी अन्य प्रकार की कला का प्रभाव महसूस करते हैं: वास्तुकला, पेंटिंग?

चित्रों का विवरण और विश्लेषण

पेंटिंग की कलात्मक भाषा

पेंटिंग अवधारणा। कलात्मक अभिव्यक्ति के साधन: कलात्मक स्थान, रचना, रंग, लय, एक रंगीन ब्रशस्ट्रोक की प्रकृति। पेंटिंग सामग्री और तकनीक: तेल, तड़का, गौचे, जल रंग, मिश्रित तकनीक, आदि चित्रफलक और स्मारकीय पेंटिंग। स्मारकीय पेंटिंग की किस्में: फ्रेस्को, मोज़ेक, सना हुआ ग्लास, आदि। पेंटिंग की शैलियाँ: चित्र, परिदृश्य, शैली, स्थिर जीवन, पशु पेंटिंग, इतिहास, आदि।

पेंटिंग का विवरण

काम के बुनियादी मापदंडों का निर्धारण: लेखक, निर्माण की तारीख, चित्र का आकार, चित्र का प्रारूप: आयत क्षैतिज या लंबवत (संभवतः एक गोल अंत के साथ), वर्ग, वृत्त (टोंडो), अंडाकार। तकनीक (तापमान, तेल, जल रंग, आदि) और किस आधार पर (लकड़ी, कैनवास, आदि) पेंटिंग बनाई गई थी, आदि।

चित्रों का विश्लेषण

नमूना विश्लेषण योजना:

1. क्या तस्वीर में कोई साजिश है? क्या दर्शाया गया है? चित्रित पात्र और वस्तुएँ किस वातावरण में स्थित हैं?
2. छवि के विश्लेषण के आधार पर, आप शैली के बारे में निष्कर्ष निकाल सकते हैं। क्या शैली: चित्र, परिदृश्य, स्थिर जीवन, नग्न, दैनिक, पौराणिक, धार्मिक, ऐतिहासिक, पशुवत, क्या पेंटिंग संबंधित है?
3. आपको क्या लगता है कि कलाकार किस समस्या का समाधान करता है - ग्राफिक वाला? अभिव्यंजक? छवि की पारंपरिकता या प्रकृतिवाद की डिग्री क्या है? क्या सम्मेलन आदर्शीकरण या अभिव्यंजक विकृति की ओर प्रवृत्त होता है? एक नियम के रूप में, चित्र की रचना शैली के साथ जुड़ी हुई है।
4. रचना के घटक क्या हैं? चित्र के विषय और चित्र के कैनवास पर पृष्ठभूमि/स्थान का अनुपात क्या है?
5. प्रतिबिम्ब वस्तुएँ आकाश के तल के कितने निकट हैं?
6. चित्रित वस्तुओं के साथ कलाकार ने किस कोण को चुना - ऊपर, नीचे, स्तर?
7. दर्शक की स्थिति कैसे निर्धारित की जाती है - क्या वह चित्र में दर्शाए गए चित्र के साथ बातचीत में शामिल है, या उसे एक अलग विचारक की भूमिका सौंपी गई है?
8. क्या रचना संतुलित, स्थिर या गतिशील है? यदि कोई आंदोलन है, तो उसे कैसे निर्देशित किया जाता है?
9. पिक्चर स्पेस कैसे बनाया जाता है (फ्लैट, अनिश्चित, स्थानिक परत से घिरा हुआ, एक गहरा स्थान बनाया गया)? स्थानिक गहराई का भ्रम कैसे प्राप्त किया जाता है (चित्रित आंकड़ों के आकार में अंतर, वस्तुओं या वास्तुकला की मात्रा दिखाते हुए, रंग उन्नयन का उपयोग करके)? रचना ड्राइंग के माध्यम से विकसित की गई है।
10. चित्र में रैखिक सिद्धांत कितना स्पष्ट है?
11. क्या अलग-अलग वस्तुओं को चित्रित करने वाली आकृतियाँ रेखांकित या छिपी हुई हैं? यह प्रभाव किस माध्यम से प्राप्त होता है?
12. वस्तुओं का आयतन किस हद तक व्यक्त किया जाता है? मात्रा का भ्रम पैदा करने के लिए किन तकनीकों का उपयोग किया जाता है?
13. पेंटिंग में प्रकाश की क्या भूमिका है? यह क्या है (सम, तटस्थ; विषम, मूर्तिकला मात्रा; रहस्यमय)। क्या प्रकाश स्रोत/दिशा पठनीय है?
14. क्या दर्शाई गई आकृतियों/वस्तुओं के सिल्हूट दृश्यमान हैं? वे अपने आप में कितने अर्थपूर्ण और मूल्यवान हैं?
15. छवि कितनी विस्तृत (या, इसके विपरीत, सामान्यीकृत) है?
16. क्या चित्रित सतहों (चमड़े, कपड़े, धातु, आदि) की बनावट की विविधता से अवगत कराया गया है? रंग।
17. चित्र में रंग क्या भूमिका निभाता है (यह चित्र और आयतन के अधीन है, या इसके विपरीत, यह चित्र को अपने अधीन कर लेता है और रचना का निर्माण स्वयं करता है)।
18. क्या रंग सिर्फ मात्रा का रंग है या कुछ और? क्या यह वैकल्पिक रूप से विश्वसनीय या अभिव्यंजक है?
19. क्या पेंटिंग में स्थानीय रंगों या टोनल कलरिंग का बोलबाला है?
20. क्या रंग के धब्बों की सीमाएँ अलग-अलग हैं? क्या वे आयतन और वस्तुओं की सीमाओं से मेल खाते हैं?
21. क्या कलाकार बड़े पैमाने पर रंग या छोटे धब्बे-स्ट्रोक के साथ काम करता है?
22. गर्म और ठंडे रंग कैसे लिखे जाते हैं, क्या कलाकार पूरक रंगों के संयोजन का उपयोग करता है? वह इसे क्यों कर रहा है? सबसे अधिक रोशनी वाले और छायांकित स्थानों का प्रतिपादन कैसे किया जाता है?
23. क्या कोई चकाचौंध, सजगता है? परछाइयों की वर्तनी कैसे लिखी जाती है (सुस्त या पारदर्शी, क्या वे रंगीन हैं)?
24. क्या किसी रंग या रंगों के संयोजन के उपयोग में लयबद्ध दोहराव को अलग करना संभव है, क्या किसी भी रंग के विकास का पता लगाना संभव है? क्या कोई प्रभावशाली रंग/रंग संयोजन है?
25. चित्रित सतह की बनावट क्या है - चिकनी या चिपचिपी? क्या व्यक्तिगत स्ट्रोक अलग-अलग हैं? यदि हां, तो वे क्या हैं - छोटे या लंबे, तरल, मोटे या लगभग सूखे पेंट?

ग्राफिक कार्यों का विवरण और विश्लेषण

कलात्मक ग्राफिक्स भाषा

एक प्रकार की ललित कला के रूप में ग्राफिक्स। ग्राफिक्स की कलात्मक अभिव्यक्ति का मुख्य साधन: रेखा, स्ट्रोक, स्पॉट, आदि। रैखिक और कट-ऑफ ड्राइंग। उत्कीर्णन, उत्कीर्णन के प्रकार: वुडकट, लिथोग्राफी, लिनोकट, नक़्क़ाशी, मोनोटाइप, एक्वाटिंट, आदि। चित्रफलक ग्राफिक्स। पुस्तक ग्राफिक्स। पोस्टर, बैनर के लिए कला। एप्लाइड ग्राफिक्स।

ग्राफिक्स के कार्यों का विवरण

काम के बुनियादी मापदंडों का निर्धारण: लेखक, निर्माण की तारीख, शीट का आकार, प्रारूप, तकनीक।

ग्राफिक्स के कार्यों का विश्लेषण

नमूना विश्लेषण योजना:

1. स्थानिक स्थिति की सामान्य परिभाषा, चित्रित स्थान की विशेषताएं। अंतरिक्ष - गहरा या नहीं, बंद या खुला, जिस तल पर उच्चारण केंद्रित हैं। प्रचलित (इस कार्य के लिए सबसे आवश्यक) गहराई के निर्माण और उनके उपयोग का साधन है। उदाहरण के लिए: एक रैखिक या हवाई परिप्रेक्ष्य की प्रकृति (यदि उपयोग किया जाता है)। चित्रित स्थान की विशेषताएं। अंतरिक्ष की अखंडता/विघटन। योजनाओं में विभाजन, ध्यान का वितरण (कुछ योजनाओं या धारणा की एकरूपता पर जोर)। दृष्टिकोण। दर्शक और चित्रित स्थान के बीच बातचीत (गहरे स्थान का चित्रण न होने पर भी यह बिंदु आवश्यक है)।
2. स्थान, अनुपात, तल पर और अंतरिक्ष में तत्वों का संबंध।

रचना के प्रकार का निर्धारण - यदि संभव हो तो। भविष्य में, स्पष्टीकरण: इस ग्राफिक कार्य में इस प्रकार की रचना वास्तव में कैसे सन्निहित है, इसके उपयोग की बारीकियां क्या हैं। स्वरूप विशेषताएँ (पहलू अनुपात)। प्रारूप और संरचना का अनुपात: छवि और उसकी सीमाएँ। एक पत्ती के भीतर द्रव्यमान का वितरण। रचना संबंधी उच्चारण और उसका स्थान; अन्य तत्वों के साथ इसका संबंध; प्रमुख दिशाएँ: गतिकी और स्टैटिक्स। स्थानिक संरचना, उच्चारण की नियुक्ति के साथ रचना के मुख्य तत्वों की सहभागिता।

1. ग्राफिक तकनीकों का विश्लेषण।
2. विश्लेषण का परिणाम रूप, उसके अभिव्यंजक गुणों और प्रभाव के निर्माण के सिद्धांतों की पहचान है। कार्य के औपचारिक और अभिव्यंजक गुणों के आधार पर, कोई इसके अर्थ (सामग्री, विचार) का प्रश्न उठा सकता है, अर्थात। इसकी व्याख्या के लिए आगे बढ़ें। इस मामले में, साजिश को ध्यान में रखना आवश्यक है (इस काम में साजिश की व्याख्या कैसे की जाती है?), पात्रों की छवि की विशिष्टता (साजिश चित्र और चित्र में - मुद्राएं, इशारे, चेहरे के भाव, नज़र ), प्रतीकवाद (यदि कोई हो), आदि, लेकिन साथ ही छवि का साधन है और इसलिए, चित्र का प्रभाव है। एक व्यापक कलात्मक संदर्भ (एक पूरे के रूप में लेखक का काम: युग की कला, स्कूल, आदि) के साथ, जिस प्रकार और शैली से संबंधित है, उसकी आवश्यकताओं के साथ काम की पहचान की गई व्यक्तिगत विशेषताओं को सहसंबंधित करना भी संभव है। . इससे काम के मूल्य और महत्व, कला के इतिहास में इसके स्थान के बारे में निष्कर्ष निकाला जा सकता है।

कला और शिल्प और लोक कला के कार्यों का विवरण और विश्लेषण

कला और शिल्प और लोक कला के प्रकार

लकड़ी, धातु आदि पर चित्रकारी। कढ़ाई। कालीन बुनाई। आभूषण कला। लकड़ी की नक्काशी, हड्डियाँ। चीनी मिट्टी की चीज़ें। कलात्मक वार्निश, आदि।

कला और शिल्प और लोक कला के स्मारकों का विवरण

एक प्रकार की कला और शिल्प। सामग्री। इसके प्रसंस्करण की विशेषताएं। आयाम। मुलाकात। रंग, बनावट के लक्षण। वस्तु के उपयोगितावादी और कलात्मक - सौंदर्य कार्यों के बीच सहसंबंध की डिग्री।

कला और शिल्प और लोक कला के स्मारकों का विश्लेषण

नमूना विश्लेषण योजना

1. ऐसी वस्तु किस लिए है?
2. वो कितना बड़ा है?
3. वस्तु की सजावट की व्यवस्था कैसे की जाती है? आलंकारिक और सजावटी सजावट क्षेत्र कहाँ स्थित हैं? छवियों का स्थान वस्तु के आकार से कैसे संबंधित है?
4. किस प्रकार के आभूषणों का प्रयोग किया जाता है? वे विषय के किन भागों में स्थित हैं?
5. आलंकारिक चित्र कहाँ स्थित हैं? क्या वे सजावटी लोगों की तुलना में अधिक जगह लेते हैं, या वे सिर्फ सजावटी रजिस्टरों में से एक हैं?
6. आलंकारिक छवियों के साथ रजिस्टर कैसे बनाया जाता है? क्या यह कहना संभव है कि यहां मुक्त रचना की तकनीकों का उपयोग किया जाता है, या संरेखण के सिद्धांत का उपयोग किया जाता है (एक ही मुद्रा में आंकड़े, न्यूनतम गति, एक दूसरे को दोहराएं)?
7. आंकड़े कैसे चित्रित किए जाते हैं? क्या वे मोबाइल, फ्रोजन, स्टाइलिज्ड हैं?
8. आंकड़ों का विवरण कैसे स्थानांतरित किया जाता है? क्या वे अधिक प्राकृतिक या सजावटी दिखते हैं? आंकड़े स्थानांतरित करने के लिए किन तकनीकों का उपयोग किया जाता है?
9. हो सके तो वस्तु के अंदर देखें। क्या वहां कोई प्रतिमा और आभूषण है? उपरोक्त आरेख के अनुसार उनका वर्णन करें।
10. आभूषणों और आकृतियों के निर्माण में उपयोग किए जाने वाले प्राथमिक और द्वितीयक रंग कौन से हैं? मिट्टी का स्वर ही क्या है? यह छवि के चरित्र को कैसे प्रभावित करता है - क्या यह इसे अधिक सजावटी या इसके विपरीत, अधिक प्राकृतिक बनाता है?

बोल:

किसी कार्य का विश्लेषण बुद्धि का एक जटिल कार्य है जिसके लिए बहुत अधिक ज्ञान और कौशल की आवश्यकता होती है।

कई दृष्टिकोण, तकनीक, विश्लेषण के तरीके हैं, लेकिन वे सभी कई जटिल क्रियाओं में फिट होते हैं:

1. 1) काम के ताने-बाने में निहित जानकारी का डिकोडिंग,
2. 2) कला के काम के निर्माण की प्रक्रिया और परिस्थितियों का एक विश्लेषणात्मक अध्ययन, इसकी समझ को गहरा और समृद्ध करने में मदद करता है,
3. 3) व्यक्तिगत और सामूहिक धारणा में काम की कलात्मक छवि की ऐतिहासिक गतिशीलता का अध्ययन।

पहले मामले में, काम को आंतरिक मूल्य के रूप में किया जाता है - "पाठ"; दूसरे में, हम संदर्भ में पाठ पर विचार करते हैं, कलात्मक छवि में बाहरी आवेगों के प्रभाव के निशान की पहचान करते हैं; तीसरे में, हम कलात्मक छवि में परिवर्तन का अध्ययन करते हैं, इस पर निर्भर करता है कि विभिन्न युगों में इसकी धारणा कैसे बदलती है।

कला का प्रत्येक कार्य, अपनी मौलिकता के आधार पर, अपना मार्ग, अपना तर्क, विश्लेषण के अपने तरीके निर्धारित करता है।

फिर भी, मैं कला के काम के साथ व्यावहारिक विश्लेषणात्मक कार्य के कुछ सामान्य सिद्धांतों पर आपका ध्यान आकर्षित करना चाहता हूं और कुछ सलाह देना चाहता हूं।

"यूरेका!" (विश्लेषण की साज़िश)। सबसे पहले और सबसे महत्वपूर्ण, कला का एक काम ही बताता है कि आप किस तरह से एक कलात्मक छवि के अर्थ की गहराई में प्रवेश कर सकते हैं। एक तरह का "सुराग" होता है जो अचानक उठे सवाल से मन को जकड़ लेता है। उसके उत्तर की खोज - चाहे वह आंतरिक एकालाप में हो, चाहे वह सहकर्मियों या छात्रों के साथ संचार में हो - अक्सर अंतर्दृष्टि (यूरेका!) की ओर ले जाती है। इसलिए, इस तरह की बातचीत - आपको सीखना चाहिए कि उन्हें एक समूह के साथ कैसे संचालित किया जाए - को अनुमानी कहा जाता है। एक संग्रहालय या स्थापत्य वातावरण में विश्लेषणात्मक कार्य आमतौर पर ऐसे प्रश्नों से शुरू होता है - एक कलात्मक "पाठ" में निहित जानकारी का "डिकोडिंग"।

एक प्रश्न पूछना अक्सर इसका उत्तर खोजने से कहीं अधिक कठिन होता है।

- अलेक्जेंडर इवानोव के "नेकेड बॉय" का इतना दुखद चेहरा क्यों है?

- उसी इवानोव की पेंटिंग "द अपीयरेंस ऑफ द मसीहा" में एक युवक की तस्वीर आराम से क्यों उठा रही है, जो मसीह के कपड़े पहने हुए है?

- चित्र में आइकन केस खाली क्यों है के.एस. 1915 में पेट्रोवा-वोदकिना "मदर"?

- क्यों पी.डी. फेडोटोव ने "द मेजर्स मैचमेकिंग" पेंटिंग के दूसरे संस्करण में झूमर को हटा दिया - एक विवरण जिसे वह इतने लंबे समय से ढूंढ रहा था?

- श्री की मूर्तिकला में क्यों। शुबीन द्वारा मैकेलसन संगमरमर से एक चिकना चमक के लिए पॉलिश किया गया है, जबकि ज्यादातर मामलों में उनके चित्रों में चेहरों की "त्वचा" सुस्त लगती है?

ऐसे कई प्रश्न हैं, जो सभी प्रत्येक व्यक्ति में निहित एक अद्वितीय, व्यक्तिगत दृष्टि के प्रमाण हैं। मैं यहां जानबूझ कर जवाब नहीं दे रहा हूं - खुद उन्हें खोजने की कोशिश करें।

कला के एक काम के साथ विश्लेषणात्मक काम में, आपको न केवल इसे एक नई आंख से देखने, इसे सीधे देखने की क्षमता से मदद मिलेगी, बल्कि अमूर्त करने की क्षमता, धारणा के कुछ क्षणों को अलग करने और रूप और सामग्री के एक तत्व से भी मदद मिलेगी।

अगर हम प्लास्टिक कला के बारे में बात कर रहे हैं, तो ये रचना, आरेख, विश्लेषणात्मक रेखाचित्र, रंगीन "लेआउट", स्थानिक निर्माण का विश्लेषण, सहायक उपकरण का "खेल" आदि हैं। इन सभी और अन्य साधनों का उपयोग काम में किया जा सकता है। लेकिन एक बात याद रखनी चाहिए: कोई भी विश्लेषणात्मक तकनीक, सबसे पहले, रूप के तत्वों की व्याख्या करने का एक तरीका है, उनकी समझ। मापें, लेआउट करें, आरेख बनाएं, लेकिन इन आरेखों के लिए स्वयं नहीं, बल्कि उनके अर्थ को समझने के नाम पर, क्योंकि वास्तव में कलात्मक छवि में कोई "शून्य" नहीं होते हैं - दोनों सामग्री स्वयं, और आकार, और बनावट के ठीक नीचे प्रारूप, यानी वस्तु कला की सतह अर्थ से भरी हुई है। दूसरे शब्दों में, हम कला की भाषा के बारे में बात कर रहे हैं।

उनकी मौलिकता, विशिष्टता के बावजूद, कला के काम खुद को टाइपोग्राफी के लिए उधार देते हैं, उन्हें स्वाभाविक रूप से, मुख्य रूप से कला के प्रकारों द्वारा वर्गीकृत किया जा सकता है।

कला सिद्धांत और सौंदर्यशास्त्र पाठ्यक्रमों में टाइपोलॉजी की समस्या आपके लिए अध्ययन का विषय बन जाएगी, और प्रशिक्षण की शुरुआत में, हम इसके उन पहलुओं पर ध्यान आकर्षित करना चाहेंगे जो विश्लेषण में महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं, विशेष रूप से व्याख्या की व्याख्या कला। इसके अलावा, हमें मौलिक अवधारणाओं के अर्थ को निर्धारित करने का अवसर मिलता है (इस काम का महत्व ऊपर बताया गया था)।

इसलिए, कला का एक काम एक प्रकार का हो सकता है, जो विभाजित हैं: एक-टुकड़ा (मोनो-स्ट्रक्चरल), सिंथेटिक और तकनीकी।

• वन-पीस - पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला, वास्तुकला, साहित्य, संगीत, कला और शिल्प।
• सिंथेटिक - नाट्य और मनोरंजन कला।
• तकनीकी - सिनेमा, टेलीविजन, कंप्यूटर ग्राफिक्स।

एक-टुकड़ा कला को विभाजित किया जाता है, बदले में:

• स्थानिक (वास्तुकला, पेंटिंग, ग्राफिक्स, कला और शिल्प)
• अस्थायी (साहित्य, संगीत),

साथ ही दृश्य (पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला) और गैर-दृश्य (वास्तुकला, कला और शिल्प, साहित्य, संगीत)।

चूँकि कलाओं के वर्गीकरण में अलग-अलग दृष्टिकोण हैं और चूंकि ये सभी परिभाषाएँ निरपेक्ष नहीं हैं, बल्कि सापेक्ष हैं, हम उन्हें निर्धारित करेंगे, और सबसे पहले हम कला में स्थान और समय की समस्या पर - बहुत संक्षेप में, ध्यान देंगे, क्योंकि यह उतना आसान नहीं है जितना पहली नज़र में लग सकता है, और काम के विश्लेषण में बहुत महत्वपूर्ण है।

सबसे पहले, हम ध्यान दें कि कला का स्थानिक और लौकिक में विभाजन बहुत सशर्त है और यह एक काम के अस्तित्व की ख़ासियत पर आधारित है: स्थानिक कला के भौतिक वाहक वास्तव में उद्देश्यपूर्ण हैं, अंतरिक्ष में एक स्थान पर कब्जा करते हैं, और समय में वे केवल उम्र और पतन। लेकिन आखिरकार, संगीत और साहित्यिक कार्यों के भौतिक वाहक भी अंतरिक्ष में होते हैं (नोट्स, रिकॉर्ड, कैसेट, अंत में, कलाकार और उनके यंत्र; पांडुलिपियां, किताबें, पत्रिकाएं)। अगर हम कलात्मक छवियों के बारे में बात करते हैं, तो वे एक निश्चित आध्यात्मिक स्थान पर "कब्जा" करते हैं और सभी कलाओं में समय के साथ विकसित होते हैं।

इसलिए, हम इन श्रेणियों के अस्तित्व को वर्गीकरण के रूप में देखते हुए, विश्लेषणात्मक दृष्टिकोण से उनके बारे में बात करने की कोशिश करेंगे, हमारे लिए - इस मामले में - अधिक महत्वपूर्ण।

ऊपर, हमने देखा कि भौतिक-आदर्श घटना के रूप में कला का कोई भी काम अंतरिक्ष और समय में मौजूद है, और इसका भौतिक आधार मुख्य रूप से अंतरिक्ष से जुड़ा हुआ है, और आदर्श - समय के साथ।

हालाँकि, कला का एक कार्य अन्य पहलुओं में भी अंतरिक्ष से संबंधित है। किसी व्यक्ति द्वारा प्राकृतिक स्थान और उसके अनुभव का कलात्मक छवि पर बहुत बड़ा प्रभाव पड़ता है, उदाहरण के लिए, पेंटिंग और ग्राफिक्स में, स्थानिक निर्माण की विभिन्न प्रणालियाँ, वास्तुकला में स्थानिक समस्याओं को हल करने की ख़ासियत का निर्धारण, साहित्य में अंतरिक्ष की छवि। सभी कलाओं में, कोई "किसी चीज़ का स्थान", "मनुष्य का स्थान", "समाज का स्थान", प्राकृतिक - सांसारिक और ब्रह्मांडीय - अंतरिक्ष, और अंत में, उच्चतम आध्यात्मिक वास्तविकता का स्थान - निरपेक्ष अंतर कर सकता है। , भगवान।

दुनिया की दृष्टि बदल रही है, इसके पीछे कलात्मक सोच की व्यवस्था है; पुरानी प्रणाली से नई प्रणाली की ओर यह आंदोलन स्थानिक अवधारणा में परिवर्तन द्वारा चिह्नित है। इस प्रकार, उच्चतम आध्यात्मिक वास्तविकता से ध्यान के केंद्र का स्थानांतरण - 17 वीं शताब्दी में भगवान, स्वर्ग की दुनिया 17 वीं शताब्दी की रूसी कला में मनुष्य के लिए कलाकार के क्षितिज को संकीर्ण करने के लिए लग रहा था, और रिवर्स परिप्रेक्ष्य की अनंतता को बदल दिया गया था सीधी रेखा की सीमा से।

समय भी गतिशील और बहुआयामी है।

यह भौतिक वाहक का वास्तविक समय है, जब नोट पीले हो जाते हैं, फिल्में विचुंबकित हो जाती हैं, मुद्रित बोर्ड काले हो जाते हैं, और कलात्मक छवि का समय, अंतहीन रूप से विकसित हो रहा है, व्यावहारिक रूप से अमर है। यह भी एक भ्रामक समय है जो कलात्मक छवि के भीतर मौजूद है, वह समय जिसमें चित्रित वस्तु और व्यक्ति, समाज, मानवता समग्र रूप से रहती है। यह काम के निर्माण का समय है, ऐतिहासिक युग और जीवन की अवधि, अंत में, लेखक की उम्र, यह समय कार्रवाई की लंबाई और "विराम" का समय है - चित्रित एपिसोड के बीच का विराम . अंत में, यह कथित कलात्मक छवि के कार्य, अनुभव और समझ के संपर्क में धारणा, धारणा की तैयारी का समय है।

प्रत्येक कला में, स्थान और समय को अलग-अलग तरीकों से प्रदर्शित किया जाता है, और इसके बारे में बाद के अध्यायों में, जिनमें से प्रत्येक कलात्मक छवि की अंतर्निहित संरचना के साथ एक विशेष प्रकार की कला के लिए समर्पित है।

यह संयोग से नहीं है कि मैंने "प्रदर्शित" लिखा और "चित्रित" नहीं किया, क्योंकि हमें इन अवधारणाओं को भी अलग करने की आवश्यकता है।

प्रदर्शित करने का अर्थ है वास्तविकता की घटना के लिए एक आलंकारिक समकक्ष खोजना, इसे एक कलात्मक छवि के कपड़े में बुनना, चित्रित करना - एक दृश्य - दृश्य, मौखिक - मौखिक या ध्वनि - किसी चीज़ का श्रवण एनालॉग बनाना। कला को विभाजित किया गया है, जैसा कि ऊपर उल्लेख किया गया है, चित्रमय और गैर-चित्रकारी में, इसलिए नहीं कि संगीत में चित्रित करना असंभव है, उदाहरण के लिए, एक ट्रेन का शोर या एक मुर्गा (या यहां तक ​​कि एक पूरे पोल्ट्री यार्ड) का रोना, लेकिन साहित्य में - लगभग किसी भी दृश्य या श्रव्य वस्तु का वर्णन करने के लिए। संगीत और साहित्य दोनों में, यह संभव है: पहले मामले में, हम ओनोमेटोपोइया के साथ काम कर रहे हैं, दूसरे में, विवरण के साथ। इसके अलावा, एक प्रतिभाशाली लेखक जिसने पेंटिंग, मूर्तिकला, संगीत के काम के साथ गहरा अनुभव किया है, उसे ऐसे शब्द मिल सकते हैं कि उसका विवरण ललित या संगीत कला के काम का एक पूर्ण और अत्यधिक कलात्मक मौखिक (मौखिक) एनालॉग बन जाएगा।

स्थापत्य कार्य (उनके भागों का उल्लेख नहीं करने के लिए: मिस्र के मंदिरों, छाल, अटलांटिस, राहत और अन्य सजावटी मूर्तिकला तत्वों के कमल के आकार के स्तंभ) भी चित्र हो सकते हैं: उदाहरण के लिए, 1930 के दशक में सोवियत संघ में घरों का निर्माण करना फैशनेबल था। कारों या अन्य वस्तुओं का रूप। लेनिनग्राद में, एक स्कूल को हथौड़े और दरांती के आकार में भी बनाया गया था, हालाँकि इसे केवल एक पक्षी की नज़र से देखा जा सकता है। और पक्षियों, मछलियों, मानव आकृतियों आदि के रूप में विभिन्न जहाजों को गैर-सचित्र-सजावटी और अनुप्रयुक्त कला में!

इसके विपरीत, ललित कला के काम अक्सर अमूर्त पेंटिंग और मूर्तिकला की तरह "कुछ भी नहीं दर्शाते हैं"।

तो यह वर्गीकरण विशेषता भी सापेक्ष है। और फिर भी यह अस्तित्व में है: नेत्रहीन, अर्थात्, नेत्रहीन "दृश्य कला" है, जो दुनिया की घटनाओं की छवि पर आधारित है, और गैर-चित्रकारी, मौखिक और संगीतमय है।

कला हमेशा सशर्त होती है और जीवन जीने की इस या उस घटना की पूर्ण समानता नहीं बना सकती (इस तथ्य का उल्लेख नहीं करना चाहिए कि इसे नहीं करना चाहिए)। कलाकार मौजूदा वास्तविकता को दोगुना नहीं करता है, वह दुनिया या उसके तत्वों के कला-आलंकारिक मॉडल बनाता है, उन्हें सरल और रूपांतरित करता है। यहां तक ​​​​कि पेंटिंग, कला का सबसे "भ्रम", जो दुनिया के कई रंगों की समृद्धि को कैनवास पर पकड़ने और व्यक्त करने में सक्षम प्रतीत होता है, में नस्ल की नकल करने की बेहद सीमित संभावनाएं हैं।

मैं केएस से बहुत प्यार करता हूं। पेट्रोवा-वोदकिना। एक प्रदर्शनी में उनकी "अवर लेडी - टेंडरनेस ऑफ एविल हार्ट्स" - शुद्ध लाल, नीले और सोने की चमक - को खिड़की के बगल की दीवार पर रूसी संग्रहालय के हॉल में रखा गया था।

कई सालों तक यह तस्वीर गोदामों में छिपी रही, और अब, जब यह हॉल में थी, तो कोई भी बैठ सकता था और इसे देख सकता था, ऐसा लगता था, अंतहीन। पृष्ठभूमि एक ब्रह्मांडीय रूप से गहरी, स्वर्ग की गहराइयों के भेदी शुद्ध प्रकाश के साथ चमकती है, लाल रंग के माफ़ोरियम के साथ मिलकर भगवान की माँ के सुंदर नम्र चेहरे को छायांकित करती है ...

मैं बहुत देर तक बैठा रहा, बाहर अंधेरा हो गया, एक सर्दियों की शाम खिड़की में चमक रही थी - और मेरे लिए क्या झटका था खिड़की में मामूली सर्दी सेंट पीटर्सबर्ग की शांत चमक - वे नीले रंग के बगल में दिख रहे थे पेट्रोव-वोडकिन पेंटिंग, माचिस की डिब्बियों पर चिपकाए गए नीले कागज के टुकड़े के बगल में एक चमकदार नीलम की तरह। यही वह समय था जब यह पता लगाना संभव नहीं था, लेकिन यह देखना और महसूस करना कि जीवन की नकल करने में कला की संभावनाएं कितनी सीमित हैं, अगर हम इसे भोले दर्शक के पसंदीदा मानदंड के आधार पर आंकें: छवि समान है या नहीं मूल को। और इसकी शक्ति बिल्कुल भी नहीं है कि जीवन की घटनाओं को यथासंभव समान रूप से पुन: पेश किया जाए, अत्यंत अनुकरणीय।

कलात्मक छवि जीवन की एक साधारण पुनरावृत्ति नहीं है, और इसकी विश्वसनीयता - मौखिक या दृश्य - मुख्य गुण नहीं है। कला दुनिया में महारत हासिल करने के तरीकों में से एक है: इसकी अनुभूति, मूल्यांकन, किसी व्यक्ति द्वारा परिवर्तन। और हर बार एक कलात्मक छवि में - विभिन्न प्रकार की कलाओं में और विभिन्न कलात्मक प्रणालियों में - एक घटना (जो किसी व्यक्ति की भावनाओं से समझी जाती है) और सार (घटना का सार) इसके आवश्यक गुणों की समग्रता) सहसंबद्ध हैं, जो कला को प्रतिबिंबित करने के लिए मान्यता प्राप्त है। ...

कलात्मक सोच की प्रत्येक प्रणाली सार को पहचानने की अपनी विधि बनाती है - रचनात्मक विधि। स्कूल में, आप पहले से ही बारोक, क्लासिकवाद, भावुकता, रोमांटिकवाद, यथार्थवाद, प्रतीकवाद, आधुनिकतावाद, समाजवादी यथार्थवाद, अतियथार्थवाद, आदि जैसे विशिष्ट यूरोपीय रचनात्मक तरीकों से परिचित हो चुके हैं। आपको निश्चित रूप से याद है कि प्रत्येक विधि के नाम पर बनाई गई थी समझ, मूल्यांकन, मनुष्य और दुनिया का समग्र रूप से परिवर्तन और उनके व्यक्तिगत गुण। याद रखें कि कैसे एक व्यक्ति के बारे में ज्ञान लगातार "एकत्रित" होता है: बारोक हिंसक, बेलगाम मानवीय भावनाओं की दुनिया का अध्ययन और प्रदर्शन करता है; क्लासिकवाद इसका सर्व-मापने वाला संतुलित दिमाग है; भावुकतावाद निजता और उदात्त, लेकिन विशुद्ध रूप से व्यक्तिगत भावनाओं के मानव अधिकार पर जोर देता है; रूमानियत - व्यक्तित्व के मुक्त विकास की सुंदरता "एक अच्छी या बुरी दिशा में", दुनिया के "भाग्यपूर्ण क्षणों" में इसकी अभिव्यक्ति; यथार्थवाद किसी व्यक्ति के गठन और जीवन की सामाजिक नींव को दर्शाता है; प्रतीकवाद फिर से मानव आत्मा की रहस्यमय गहराई में भाग जाता है, और अतियथार्थवाद अवचेतन, आदि की गहराई में घुसने की कोशिश करता है। इसलिए इन रचनात्मक प्रणालियों में से प्रत्येक की छवि का अपना विषय है, एक ही वस्तु में अलग - एक व्यक्ति। और उनके कार्य: आदर्श की पुष्टि, अध्ययन, प्रदर्शन, आदि।

इसके अनुसार, किसी वस्तु को बदलने की एक विधि विकसित की जा रही है, जिससे उसकी वास्तविक सामग्री को प्रकट करना संभव हो जाता है: यह वस्तु का आदर्शीकरण है - परिवर्तन, "अपूर्ण वास्तविकता से उसकी अपूर्णता" की कलात्मक मुक्ति, उसके आदर्श को आत्मसात करना (ब्रीफ फिलॉसॉफिकल इनसाइक्लोपीडिया। एम।, 1994) बारोक, क्लासिकिज्म, रोमांटिकवाद जैसी विधियों में, जो एक दूसरे से इस मायने में भिन्न हैं कि आदर्श को अलग-अलग तरीकों से समझा जाता है; यह टाइपिफिकेशन, यथार्थवाद की विशेषता, और प्रतीकात्मकता, जिसका उपयोग मानवता द्वारा दुनिया के कलात्मक विकास के विभिन्न चरणों में किया गया था।

सामान्यीकरण के उच्च स्तर पर कला के विकास के इतिहास को देखते हुए, हम कह सकते हैं कि यह दुनिया के कलात्मक-आलंकारिक मॉडलिंग के दो ध्रुवों के बीच विकसित होता है: इसे बनाने की इच्छा से लेकर सीमा तक, के भ्रम तक। अंतिम सामान्यीकरण के लिए प्रशंसनीय प्रजनन। इन दो विधियों को मस्तिष्क के दो गोलार्धों के काम के साथ सहसंबद्ध किया जा सकता है: बायां विश्लेषणात्मक एक, जो घटना को उसके संज्ञान के नाम पर भागों में विभाजित करता है, और सही एक - सामान्यीकरण, काल्पनिक, अभिन्न चित्र बनाना (जरूरी नहीं कि कलात्मक) एक ही उद्देश्य के साथ।

पृथ्वी पर ऐसे क्षेत्र हैं जिन पर लोगों का प्रभुत्व है, जो गोलार्द्धों में से एक के विकास में ध्यान देने योग्य लाभ रखते हैं। यह भी संभव है, निश्चित रूप से, अस्थायी रूप से, यह कहना संभव है कि "पूर्व", "पूर्व का आदमी" की अवधारणाएं दाएं-मस्तिष्क - काल्पनिक (लाक्षणिक) सोच से जुड़ी हैं, जबकि "पश्चिम", "पश्चिम का आदमी" "बाएं मस्तिष्क के साथ, विश्लेषणात्मक, वैज्ञानिक।

और यहाँ हम एक दृश्य विरोधाभास का सामना कर रहे हैं।

आइए याद रखें: बायां गोलार्ध अमूर्त-तार्किक, मौखिक, विश्लेषणात्मक सोच की देखरेख करता है; सही - ठोस, आलंकारिक, गैर-मौखिक, सामान्यीकरण।

पहली नज़र में, यह निर्धारित करना आसान है कि क्या अधिक विशिष्ट है: एक चित्र जो किसी निश्चित व्यक्ति की उपस्थिति और चरित्र को बताता है या कहें, ट्रैफिक लाइट पर एक आदमी - एक व्यक्ति का एक अत्यंत सामान्यीकृत पदनाम, एक अंगूर का गुच्छा चित्रित एक डच अभी भी जीवन, या प्राच्य आभूषण में एक अंतहीन बेल, जिसमें कई पारंपरिक शामिल हैं, पत्तियों और गुच्छों के आभूषण तत्वों के स्तर पर लाए गए हैं।

उत्तर स्पष्ट है: नकल चित्र - चित्र, स्थिर जीवन - ठोस हैं, सजावटी सामान्यीकरण अधिक सारगर्भित हैं। पहले मामले में, "यह व्यक्ति", "यह गुच्छा" की अवधारणाएं आवश्यक हैं, दूसरे में, "आदमी", "गुच्छा" अवधारणाएं पर्याप्त हैं।

यह समझना कुछ अधिक कठिन है कि चित्र और स्थिर जीवन, कलात्मक चित्र होने के कारण, एक ही समय में अधिक विश्लेषणात्मक हैं - आभूषण के तत्वों की तुलना में "बाएं गोलार्ध"। वास्तव में, कल्पना करें कि चित्र का वर्णन करने के लिए कितने शब्दों की आवश्यकता होगी - इस छवि का मौखिक "अनुवाद" काफी लंबा और कम या ज्यादा उबाऊ होगा, जबकि आभूषण में बेल एक, कम से कम तीन शब्दों से परिभाषित होती है: घुमावदार बेल का आभूषण। लेकिन, प्रकृति से एक लता का चित्रण करते हुए, आभूषण के लेखक ने इस छवि को एक से अधिक बार दोहराया, अंतिम सामान्यीकरण को प्राप्त करते हुए, एक को एक प्रतीक के स्तर तक पहुंचने की अनुमति दी, जिसमें एक नहीं, बल्कि कई अर्थ शामिल हैं।

यदि आप एक दृश्य छवि बनाने के पश्चिमी - विश्लेषणात्मक (नकल, अनुकरणीय) और पूर्वी सामान्यीकृत (सजावटी) तरीकों के बारे में अधिक जानना चाहते हैं, तो एल.ए. द्वारा उत्कृष्ट पुस्तक पढ़ें। लेलेकोवा "प्राचीन रूस और पूर्व की कला" (मास्को, 1978)। कलात्मक-आलंकारिक सोच की दो प्रणालियों के बारे में तर्क देते हुए, लेखक दो श्रृंखलाओं के बयानों का विरोध करता है।

पहला सुकरात का है: "पेंटिंग हम जो देखते हैं उसकी एक छवि है।"

दूसरा - बुद्ध को: "कलाकार ने एक चित्र बनाने के लिए पेंट तैयार किया जिसे रंग में नहीं देखा जा सकता है।"

दो कुशल चित्रकारों - ज़्यूक्सिस और पैरासियस के बीच प्रतियोगिता के बारे में प्राचीन कथा - बताती है कि कैसे उनमें से एक ने एक अंगूर की शाखा को चित्रित किया और कैसे पक्षियों ने इस चित्र पर चित्रित जामुन को चोंच मारने के लिए झुंड लिया - इतना महान जीवन का भ्रम था जिसने इसे भर दिया . दूसरे ने अपने भाई की आंख को धोखा दिया, कैनवास पर एक पर्दे का चित्रण किया, जो कथित तौर पर चित्र को कवर करता था, ऐसी कला के साथ कि उसने इसे जल्दी से वापस खींचने के लिए कहा। भ्रम का निर्माण - दृश्य की नकल - प्रत्येक प्रतिद्वंद्वी के लिए सर्वोच्च लक्ष्य था।

बुद्ध एक पूरी तरह से अलग लक्ष्य की बात करते हैं: पेंट से चित्रित एक दृश्यमान छवि केवल उस छवि का वाहक है जो किसी व्यक्ति की आत्मा में पैदा होती है। ईसाई दार्शनिक जॉन डैमस्किन ने बुद्ध को प्रतिध्वनित किया: "हर छवि एक रहस्योद्घाटन और छिपे हुए का संकेत है।"

दरअसल, आइकोस्टेसिस के स्तंभों को सुशोभित करने वाली बेल जीवन और उर्वरता का प्रतीक है, ईडन गार्डन (क्राइस्ट का हेलीपैड), अनंत काल का प्रतीक है।

इस प्रकार एलए लिखता है। लेलेकोव एक और आभूषण के बारे में: बारी-बारी से फल और फूल की इंटरविविंग, जो पूर्व के आभूषणों में बहुत आम हैं, "कार्य-कारण की एकता और अस्तित्व की अनंत काल की अवधारणा, सृजन का विषय और जीवन के निरंतर नवीनीकरण" को दर्शाता है। अतीत और भविष्य के बीच संबंध, विरोधों का टकराव" (उक्त।, पी। 39)।

लेकिन जैसा कि स्पष्ट "बाएं गोलार्ध" के अपेक्षाकृत कुछ समूहों के बीच - वैज्ञानिक और "दाएं गोलार्ध" - कलाकार संक्रमणकालीन प्रकारों की एक प्रमुख संख्या है, और प्रकृतिवादी के बीच - स्वयं के बराबर, आत्म-मूल्यवान और छिपे हुए अर्थ नहीं होने के कारण, ए उपस्थिति की भ्रामक छवि (घटना) और शुद्ध आभूषण जिसमें कई अर्थ होते हैं, एक मिश्रित प्रकार की छवियों द्वारा कब्जा कर लिया गया एक विशाल स्थान है - हमने उनके बारे में ऊपर बात की थी।

शायद उनमें से सबसे सामंजस्यपूर्ण यथार्थवादी छवि है, जब कलाकार दृश्य के प्रतीक के लिए घटना के सार को मूर्त रूप देने का प्रयास करता है। तो, अल। इवानोव ने प्लेन एयर के नियमों की खोज की और किसी व्यक्ति के आंतरिक गुणों और गुणों को उसके बाहरी स्वरूप में शामिल करने के लिए एक विधि विकसित की, अपनी रचनाओं को एक गहरे प्रतीकात्मक अर्थ से भर दिया।

20वीं शताब्दी के सार कलाकारों ने, अपने चित्रों को वितरित करते हुए, एक "दूसरा" के निर्माण को त्यागते हुए, कैनवास पर भ्रामक वास्तविकता, मानव अतिचेतनता के क्षेत्र में बदल दिया, छवि को अपनी मौलिक प्रकृति में पकड़ने की कोशिश की, मानव आत्मा की गहराई, या, इसके विपरीत, इसका निर्माण किया।

इसलिए, आपके विश्लेषण में, पहले प्रश्न की साज़िश के बाद, आपको यह सोचना होगा कि काम की कलात्मक छवि, छवि का विषय, विधि और साधन का "स्पेस-टाइम सातत्य" क्या है। वस्तु को रूपांतरित करना। और आपके सामने एक और महत्वपूर्ण प्रश्न उठता है: मौलिक रचना और संबंध क्या हैं - कलात्मक छवि की संरचना।

एक काम की कलात्मक छवि अखंडता है, और किसी भी अखंडता की तरह, इसे तत्वों से युक्त एक प्रणाली के रूप में वर्णित किया जा सकता है (जिनमें से प्रत्येक, बदले में, अभिन्न भी है और एक प्रणाली के रूप में प्रतिनिधित्व किया जा सकता है) और प्रत्येक के बीच उनके कनेक्शन अन्य। संरचनात्मकता और पर्याप्त संख्या में तत्व समग्र रूप से कलात्मक छवि के कामकाज को सुनिश्चित करते हैं, जैसे कि आवश्यक भागों की उपस्थिति और उनकी सही विधानसभा - कनेक्शन, संरचना, अलार्म घड़ी के पाठ्यक्रम और समय पर बजना सुनिश्चित करते हैं।

कलात्मक छवि के तत्वों के रूप में क्या निर्दिष्ट किया जा सकता है? कविता, सद्भाव, रंग, मात्रा, आदि? ये रूप तत्व हैं। छवि का विषय, वस्तु, सार, घटना? ये सामग्री तत्व हैं। तार्किक रूप से तर्क करते हुए, यह स्पष्ट रूप से पहचाना जाना चाहिए कि किसी काम की कलात्मक छवि के तत्व भी छवियां हैं: पेट्रोग्लिफ्स में सबसे सरल प्रतीकात्मक छवि से लेकर मनोवैज्ञानिक चित्र तक पूरी श्रृंखला में एक व्यक्ति; मानव निर्मित वस्तुओं की असंख्य विविधता में भौतिक-वस्तु की दुनिया, जिसकी समग्रता को अक्सर सभ्यता या "दूसरी प्रकृति" कहा जाता है; सामाजिक संबंध, परिवार से सार्वभौमिक तक; अपनी सभी अभिव्यक्तियों और रूपों में चमत्कारी प्रकृति: जानवरों की चेतन दुनिया, निर्जीव दुनिया - निकट, ग्रह और ब्रह्मांडीय; अंत में, वह उच्च आध्यात्मिक व्यवस्था, जो सभी कलात्मक प्रणालियों में मौजूद है और जिसे विभिन्न युगों के संतों द्वारा अलग-अलग कहा जाता है: सर्वोच्च मन, निरपेक्ष, ईश्वर।

नामित छवियों में से प्रत्येक को अलग-अलग कलाओं में अलग-अलग तरीकों से महसूस किया जाता है और इसमें एक अतिविशिष्ट, सामान्य चरित्र होता है।

कला के एक काम की सीमा के भीतर संक्षिप्तता हासिल करने के बाद, इस तरह की छवि को एक अधिक जटिल संपूर्ण प्रणाली के एक घटक के रूप में शामिल किया जा सकता है (उदाहरण के लिए, प्रकृति की छवियां तुर्गनेव के उपन्यासों में और ओपेरा में एक महत्वपूर्ण स्थान रखती हैं। रिमस्की-कोर्साकोव और रेपिन के चित्रों में)। छवियों में से एक केंद्रीय स्थान ले सकता है, बाकी को अधीन कर सकता है (जैसे ललित कला की मोनोस्ट्रक्चरल शैलियों - चित्र, परिदृश्य, आदि), या यह कलात्मक कार्यों की एक विशाल परत बना सकता है - श्रृंखला से एक मास्टर के काम में (उदाहरण के लिए, "पेट्रिडा" वी सेरोव) मैं सोवियत कला में "लेनिनियाना" जैसी विशाल संरचनाओं के लिए।

तो किसी कार्य का विश्लेषण करने की प्रक्रिया में, आप आलंकारिक तत्वों का चयन कर सकते हैं और उनके बीच संबंध स्थापित कर सकते हैं। अक्सर, इस तरह के काम से लेखक के इरादे को और अधिक गहराई से समझने में मदद मिलती है, और काम के साथ संचार में अनुभव की गई भावनाओं से अवगत होने के लिए, कलात्मक छवि को बेहतर ढंग से समझने और व्याख्या करने में मदद मिलती है।

इस छोटे से खंड को संक्षेप में प्रस्तुत करना "पाठ" की आत्मनिर्भर अखंडता के रूप में कला के काम का विश्लेषण, हम सबसे महत्वपूर्ण नोट करते हैं:

1. 1) विश्लेषण कला के काम के साथ काम करने की प्रणाली में शामिल कार्यों में से केवल एक है। विश्लेषणात्मक कार्य की प्रक्रिया में आपको जिन सबसे महत्वपूर्ण प्रश्नों का उत्तर देना चाहिए, उनमें से एक यह है: कैसे, किस तरह और किस माध्यम से कलाकार ठीक उसी प्रभाव को प्राप्त करने में सक्षम था जिसे आपने पूर्व-विश्लेषणात्मक संचार में अनुभव और महसूस किया था। कलात्मक छवि?
2. 2) पूरे को भागों में विभाजित करने के एक ऑपरेशन के रूप में विश्लेषण (हालांकि यह संश्लेषण के तत्वों को मानता है) अपने आप में एक अंत नहीं है, बल्कि एक कलात्मक छवि के शब्दार्थ मूल में गहरी पैठ का एक तरीका है;
3. 3) कला का प्रत्येक कार्य अद्वितीय, अप्राप्य है, इसलिए यह पद्धतिगत रूप से सही है - और एक शिक्षक के लिए यह बहुत महत्वपूर्ण है - "विश्लेषण की साज़िश" को खोजने के लिए - एक महत्वपूर्ण प्रश्न जो विशेष रूप से सामूहिक कार्य, एक श्रृंखला में शामिल होगा, या बल्कि प्रश्नों की एक प्रणाली, जिसके उत्तर विश्लेषण की पूरी तस्वीर बनाएंगे;
4. 4) कला का कोई भी काम दुनिया का एक कलात्मक-आलंकारिक मॉडल है, जो वास्तविक पहलुओं, भागों, पहलुओं को दर्शाता है
   दुनिया और उसके मुख्य तत्व: मनुष्य, समाज, सभ्यता, प्रकृति, ईश्वर। ये पहलू, भाग, होने के पहलू सामग्री के आधार का निर्माण करते हैं - छवि का विषय, जो एक ओर, पहले से ही वस्तुनिष्ठ वास्तविकता है, क्योंकि यह इसका केवल एक हिस्सा है, और दूसरी ओर, यह शुरू में समृद्ध है, क्योंकि यह लेखक के दृष्टिकोण को धारण करता है, रचनात्मक प्रक्रिया में समृद्ध होता है, कला के एक काम में दुनिया के बारे में ज्ञान की वृद्धि को एक वस्तुगत रूप में देता है, और अंत में, रचनात्मकता की प्रक्रिया में वास्तविक होता है। विश्लेषणात्मक कार्य में, आपको प्रश्नों का उत्तर देना होगा: इस कार्य में छवि का उद्देश्य क्या है? तस्वीर का विषय क्या है? काम की कलात्मक छवि को आत्मसात करके हम दुनिया के बारे में क्या नया सीखते हैं?
5. 5) कला का प्रत्येक कार्य कला के प्रकारों में से एक से संबंधित है, जिसके अनुसार एक छवि के विषय को बदलने की एक विधि, एक कलात्मक छवि बनाने, कला की एक विशिष्ट भाषा बनती है।
6. 6) संपूर्ण रूप से कला और भौतिक दुनिया की एक घटना के रूप में एक व्यक्तिगत कार्य अंतरिक्ष और समय में मौजूद है। प्रत्येक युग, प्रत्येक सौंदर्य प्रणाली इन वास्तविकताओं और अपने लक्ष्यों की अपनी समझ के अनुसार समय और स्थान की अपनी कलात्मक अवधारणा विकसित करती है। इसलिए, कार्य में स्थान और समय के अवतार की ख़ासियत का विश्लेषण एक आवश्यक विश्लेषणात्मक ऑपरेशन है;
7. 7) दुनिया का एक कलात्मक-आलंकारिक मॉडल चित्रात्मक (दृश्य) या गैर-चित्रकारी (श्रवण, मौखिक या दृश्य-रचनात्मक) हो सकता है। जीवन की नकल (भ्रम पैदा करने की इच्छा तक - "चाल") या, इसके विपरीत, छवि का पूर्ण "डी-ऑब्जेक्टिफिकेशन", सभी मध्यवर्ती रूपों की तरह, अपने आप में एक अंत नहीं है, यह हमेशा होता है अर्थपूर्ण, विश्लेषण में प्रकट लक्ष्य-निर्धारण के अवतार के रूप में कार्य करता है। उसी समय, घटना और सार के बीच एक संबंध स्थापित होता है, जिसकी समझ और महारत अंततः कला के मुख्य कार्यों में से एक है। इसलिए विश्लेषण की प्रक्रिया में यह समझना आवश्यक है कि कौन सी घटना कलात्मक छवि (छवि की वस्तु) को रेखांकित करती है, कलाकार के लिए कौन से गुण, गुण, वस्तु के पहलू रुचिकर थे (छवि की वस्तु), कैसे, वस्तु को किस प्रकार रूपांतरित किया गया और संरचना क्या है - मौलिक रचना और संरचना - परिणामी कलात्मक छवि। इन सवालों के जवाब से, कोई भी कला के काम के अर्थ को अच्छी तरह से समझ सकता है, वह क्या है जो एक कलात्मक छवि के ताने-बाने से चमकता है।

इससे पहले कि मैं विश्लेषण और कला के काम के साथ काम करने में इसके स्थान के बारे में बात करूँ, मैं आपको दो सलाह देता हूँ।

पहला विश्लेषण के अर्थ की चिंता करता है। भले ही कला का यह या वह काम आपके करीब हो या आंतरिक रूप से विदेशी हो, विश्लेषण - व्याख्या आपको लेखक को समझने में मदद करेगी, और काम के बारे में बातचीत में आपके मूल्यांकन को सही ठहराएगी। कला के संबंध में, "इसे पसंद करें या न करें" अन्य योगों के साथ प्रतिस्थापित करना बेहतर है:

"मैं समझता हूं और स्वीकार करता हूं" या "मैं समझता हूं, लेकिन स्वीकार नहीं करता!" और साथ ही, अपनी राय को प्रमाणित करने के लिए हमेशा तैयार रहें।

दूसरी युक्ति विशेष रूप से उपयोगी है यदि आपको समकालीन कला प्रदर्शनी में काम करना है या किसी कलाकार के स्टूडियो में जाना है।

किसी भी सामान्य व्यक्ति के लिए, लेखक की उपस्थिति एक विवश कारक है, इसलिए, एक समकालीन कला प्रदर्शनी में, हमेशा ऐसे काम करें जैसे कि लेखक पास में खड़ा हो - यह एक बहुत ही वास्तविक संभावना है।

लेकिन मुख्य बात: एक बार और सभी के लिए इस विचार को त्याग दें कि "सही" और "गलत" कला, "अच्छा" और "बुरा" है। कला का एक काम मूल्यांकन के अधीन है: आखिरकार, इसका निर्माता एक मास्टर हो सकता है, या एक तड़क-भड़क वाला डिलेटेंट, एक सुपर-अनुकूली अवसरवादी, एक सट्टेबाज हो सकता है।

लेकिन प्रदर्शनी हॉल में, आपको अभियोजक के रूप में कार्य करने के लिए जल्दी नहीं करना चाहिए, पहले यह समझने की कोशिश करना बेहतर है कि काम ने आपको अपेक्षित आनंद के बजाय इतनी जलन क्यों दी: क्या यह है कि आपने सहज रूप से छवि की बेरुखी को महसूस किया, इसकी सामान्य विनाशकारी शक्ति, उससे जाने वाली नकारात्मक ऊर्जा की लहरें, या इस तथ्य में कि, आपके व्यक्तित्व की ख़ासियत के कारण, आप उन लोगों के साथ "अनुनाद" में नहीं आए, लाक्षणिक रूप से, कंपन जो कलात्मक छवि का कारण बने।

हम सभी कला को कितना अलग समझते हैं - इसके तत्वों में और सामान्य तौर पर - मैंने टीवी स्क्रीन के पास काफी अप्रत्याशित रूप से महसूस किया। ... मैं कोलोमेन्स्कॉय से बहुत प्यार करता हूं - कज़ान मदर ऑफ गॉड के अपने शांत सफेद चर्च के साथ, चर्च ऑफ द एसेंशन ऑफ क्राइस्ट का पतला तम्बू तेजी से मॉस्को नदी पर चढ़ रहा है, कैथेड्रल ऑफ जॉन द बैपटिस्ट के सोने का पानी चढ़ा हुआ गुंबद। खड्ड के पीछे पहाड़ पर डायकोव, पेड़ों के झुरमुट, प्राचीन खंभों और घनी हरी घास में पोषित पत्थरों के साथ। कला इतिहास के दौरान कई वर्षों से मैं विद्यार्थियों को 16वीं-17वीं शताब्दी की इन अद्भुत रचनाओं के बारे में बता रहा हूं। लेकिन टीवी पर "ट्रैवलर्स क्लब" में एक छोटी सी कहानी मेरे लिए एक रहस्योद्घाटन थी। प्रस्तुतकर्ता पादरी ने दिखाया और साबित किया कि प्राकृतिक और स्थापत्य में सन्निहित मीट्रिक रूप से गठित पहनावा सोफिया - भगवान की बुद्धि के प्रतीक की छवि बनाता है। एक सुस्थापित तर्कसंगत चेतना वाला व्यक्ति कभी भी इस चमत्कार को इस तरह से नहीं देख पाता। लेकिन अब, निश्चित रूप से, मूल स्रोत के लिंक के साथ, मैं छात्रों को, दूसरों के बीच, यह व्याख्या पेश करूंगा।

साहित्य:

वोल्फ्लिन

यानसन एच.डब्ल्यू., यानसन ई.एफ. कला इतिहास की नींव - खोजें। मिला। बाहर रखना। और गोम्ब्रिच भी।

के साथ संपर्क में