आइए रंगमंच के बिना विश्व कला की कल्पना करने का प्रयास करें। इस तरह के विचार से, सिद्धांत रूप में कला क्या है, इसकी स्पष्ट समझ तुरंत गायब हो जाती है। यदि आप रचनात्मकता के कम से कम एक पहलू को हटा दें, तो कला पूरी तरह से गायब हो जाएगी, क्योंकि यह अभिन्न है। दूसरी ओर, थिएटर अपने आप में सभी रचनात्मक पहलुओं को संश्लेषित करता है: संगीत, पेंटिंग, वास्तुकला, साहित्य के अभिव्यंजक साधन और मनुष्य के अभिव्यंजक साधन, प्रकृति द्वारा उसे उदारतापूर्वक प्रस्तुत किए गए।

इसके अलावा, स्वाभाविक रूप से संस्कृति का एक अभिन्न अंग होने के नाते, रंगमंच एक अवकाश गतिविधि बन जाता है जिसे बिना नहीं किया जा सकता है। आधुनिक आदमी. लोगों को रोटी और सर्कस चाहिए। और यह, वास्तव में, थिएटर के कार्यात्मक कार्यों में से एक है, जो स्पष्ट हो जाता है यदि आप इस शब्द की उत्पत्ति को समझते हैं।
"थिएटर" की अवधारणा ग्रीक से आती है। "थिएट्रॉन" - जिसका शाब्दिक अर्थ है चश्मे के लिए एक जगह, खुद तमाशा। थिएटर का विचार प्राचीन ग्रीस में दिखाई दिया, और तभी यह मजबूत हुआ और कला के क्षेत्र में शक्तिशाली जड़ों के साथ विकसित हुआ, जिस अर्थ में हम आदी हैं। प्रारंभ में, थिएटर का जन्म कृषि के संरक्षक देवताओं को समर्पित अनुष्ठान खेलों से जुड़ा है: डेमेटर, उनकी बेटी कोरे, डायोनिसस। यूनानियों ने देवताओं के पूरे पंथों से अंतिम पर विशेष ध्यान दिया। डायोनिसस को प्रकृति, वाइनमेकिंग की रचनात्मक शक्तियों का देवता माना जाता था, और बाद में उन्हें पूरी तरह से कविता और रंगमंच का देवता कहा जाने लगा। उनके लिए समर्पित छुट्टियों में, पवित्र कार्निवल गीत गाए जाते थे, एक वेशभूषा वाले रेटिन्यू ने उत्सव के जुलूस की व्यवस्था की, शराब के साथ चेहरे को गाढ़ा किया, मास्क और बकरी की खाल लगाई (इस प्रकार भगवान के प्रति सम्मान दिखाते हुए, उन्हें एक बकरी के रूप में चित्रित किया गया था) ). यहीं से थिएटर की शुरुआत हुई। अनुष्ठान खेलों से शैलियों का विकास हुआ: त्रासदी और कॉमेडी, जो नाटकीयता का आधार हैं। एक दिलचस्प तथ्य यह है कि ग्रीक रंगमंच में सभी भूमिकाएँ केवल पुरुषों द्वारा निभाई जाती थीं। अभिनेताओं, जिनमें से दो मंच पर थे, ने विशाल मुखौटों और कोटुर्नस (एक उच्च मंच पर जूते) में प्रदर्शन किया। कोई सजावट नहीं थी। महिलाओं को प्रदर्शन करने की अनुमति थी अपवाद स्वरूप मामलेऔर बैठे, एक नियम के रूप में, पुरुषों से अलग।
यदि प्राचीन यूनान में रंगमंच को राजकीय मामला माना जाता था, नाटककार और अभिनेता सम्मानित नागरिक थे और उच्च सार्वजनिक पदों पर आसीन हो सकते थे, तो रोमन साम्राज्य के दौरान, नाट्य कला की सार्वजनिक स्थिति बहुत कम हो गई थी। मनोरंजन पर मुख्य जोर देने के साथ प्रदर्शनों की व्यवस्था की गई। और जल्द ही वे पूरी तरह से कोलोसियम और अन्य थिएटर भवनों में होने वाली ग्लैडीएटर लड़ाइयों द्वारा प्रतिस्थापित होने लगे। वहाँ और भी खूनी तमाशों की व्यवस्था की गई - सामूहिक शिकार, जानवर के साथ मार्शल आर्ट, सजायाफ्ता अपराधियों के जंगली जानवरों द्वारा सार्वजनिक रूप से फाड़ा गया। इस समय तक, नाट्य कला ने आखिरकार अनुष्ठान और उसके पवित्र चरित्र के साथ अपना संबंध खो दिया था, और अभिनेता: सम्मानित नागरिकों से समाज के सबसे निचले तबके में चले गए।

मध्यकालीन रंगमंच

मध्यकालीन या पश्चिमी यूरोपीय रंगमंच में नाट्य कला के विकास की एक विशाल अवधि शामिल है - दस शताब्दियाँ: 5वीं से 11वीं शताब्दी तक। (प्रारंभिक मध्य युग) और 12वीं से 15वीं शताब्दी तक। (विकसित सामंतवाद की अवधि)। इसका विकास सभ्यता के विकास की सामान्य ऐतिहासिक प्रक्रिया द्वारा निर्धारित होता है, और इसकी प्रवृत्तियों से अविभाज्य है।
मध्य युग इतिहास में सबसे कठिन और अंधेरे अवधियों में से एक था। 5वीं शताब्दी में रोमन साम्राज्य के पतन के बाद। प्राचीन प्राचीन सभ्यता व्यावहारिक रूप से पृथ्वी के मुख से मिटा दी गई थी। युवा ईसाई धर्म, अपने प्रारंभिक चरण में किसी भी विचारधारा की तरह, कट्टरपंथियों को जन्म दिया, जिन्होंने थिएटर सहित प्राचीन बुतपरस्त संस्कृति के खिलाफ लड़ाई लड़ी, इसे बुतपरस्ती का अवशेष माना। इस अवधि के दौरान, कला के लिए सामान्य रूप से और विशेष रूप से रंगमंच के लिए कठिन समय आया।
ईसाई धर्म के शुरुआती विचारक: जॉन क्राइसोस्टोम, साइप्रियन और टर्टुलियन ने अभिनेता को शैतान के बच्चे और दर्शकों को खोई हुई आत्मा कहा। पहले के सभी धर्मनिरपेक्ष थिएटर बंद कर दिए गए थे, सभी अभिनेताओं, संगीतकारों, बाजीगरों, सर्कस कलाकारों, नर्तकियों को अनात्मवाद दिया गया था। नाट्य कला को विधर्मी माना जाता था और यह जिज्ञासा के अंतर्गत आता था। ऐसा लगता है कि इस तरह के शासन के तहत थिएटर को पृथ्वी के चेहरे से गायब हो जाना चाहिए था, लेकिन यह बच गया। बड़े पैमाने पर छोटे गांवों में कामचलाऊ दृश्यों के साथ घूमने वाली भटकती मंडलियों के कारण। और इस तथ्य के कारण कि लोक अनुष्ठानों के खेल और कैलेंडर चक्र से जुड़े अनुष्ठानों में नाट्य परंपराओं को हठपूर्वक संरक्षित किया गया था। राज्य हर चीज पर नज़र नहीं रख सकता था, इसलिए थिएटर के तत्व स्पष्ट रूप से कई गाँवों की अनुष्ठान परंपराओं में कानून के माध्यम से रिसते थे। उदाहरण के लिए, पश्चिमी में और पूर्वी यूरोप कानाट्य मई खेलों का आयोजन किया गया, जो सर्दियों, शरद ऋतु की फसल के त्योहारों पर गर्मियों की जीत का प्रतीक है। समय के साथ, पारंपरिक अनुष्ठान प्रदर्शन धीरे-धीरे रूपांतरित हो गए, उनमें लोकगीत तत्व शामिल हो गए, संस्कार का कलात्मक पक्ष अधिक से अधिक हो गया अधिक मूल्यथिएटर की आधुनिक अवधारणा के करीब। जो लोग अधिक पेशेवर रूप से खेलों और गतिविधियों में शामिल होने लगे, वे लोगों के परिवेश से अलग दिखने लगे। इस स्रोत से मध्यकालीन रंगमंच की तीन मुख्य पंक्तियों में से एक का उदय हुआ - लोक-साहित्यिक। बाद में, इस पंक्ति को सड़क प्रदर्शनों और व्यंग्यात्मक प्रहसनों में विकसित किया गया।
मध्यकालीन रंगमंच की एक और पंक्ति सामंती-सनकी है। यह नाट्य कला के प्रति चर्च के दृष्टिकोण में बदलाव और निषेधात्मक नीति के एकीकरण के साथ प्रतिस्थापन से जुड़ा है। लगभग 9वीं शताब्दी तक, बुतपरस्ती के अवशेषों के खिलाफ युद्ध हारने और तमाशे की वैचारिक और प्रचार संबंधी संभावनाओं की सराहना करने के बाद, चर्च ने थिएटर के तत्वों को अपने शस्त्रागार में शामिल करना शुरू कर दिया। यह इस समय तक है कि यह प्रथागत नाटक के उद्भव की गणना करने के लिए प्रथागत है। नाटक के लिए ग्रंथों को सुसमाचार शास्त्रों से लिया गया था, लैटिन में सुनाया गया था, और अभिनय के संदर्भ में उनके प्रदर्शन को औपचारिकता, कठोरता और सूखापन से अलग किया गया था, जिसमें रेचन का दावा था। लेकिन प्रदर्शन की औपचारिकता के बावजूद, वैधीकरण के लिए लिटर्जिकल ड्रामा थिएटर की खामी बन गया। 12वीं-13वीं शताब्दी तक, लोकगीत और रोजमर्रा के तत्व, कॉमिक एपिसोड और लोक शब्दावली ने लिटर्जिकल ड्रामा में प्रवेश करना शुरू कर दिया। पहले से ही 1210 में, पोप इनोसेंट III ने चर्चों में प्रचलित नाटकों के प्रदर्शन पर रोक लगाने का फरमान जारी किया। हालाँकि, चर्च लोगों के प्यार को आकर्षित करने के ऐसे शक्तिशाली साधन को छोड़ना नहीं चाहता था। लिटर्जिकल ड्रामा को सेमी लिटर्जिकल में तब्दील कर दिया गया। यह धार्मिक से धर्मनिरपेक्ष रंगमंच का पहला संक्रमणकालीन रूप था। मध्यकालीन रंगमंच के विकास के लोक-सामूहिक और सामंती-चर्च लाइनों के बीच एक संक्रमणकालीन रूप को भी आवारा माना जा सकता है - निर्वासित गीतकार, निर्वासित पुजारियों और अर्ध-शिक्षित सेमिनारियों में से कॉमेडियन। उनकी उपस्थिति लिटर्जिकल ड्रामा के कारण होती है - योनि के प्रदर्शन, एक नियम के रूप में, व्यंग्यात्मक रूप से पैरोडी की गई मुकदमेबाजी, चर्च संस्कार और यहां तक ​​\u200b\u200bकि प्रार्थनाएं, विनम्रता और ईश्वर की आज्ञाकारिता के विचार को सांसारिक खुशियों की महिमा के साथ बदल देती हैं। चर्च द्वारा विशेष क्रूरता के साथ वैगंट्स को सताया गया था। 13वीं शताब्दी तक वे व्यावहारिक रूप से गायब हो गए हैं।
मध्ययुगीन रंगमंच के विकास की तीसरी पंक्ति बर्गर लाइन है। मध्य युग में, धर्मनिरपेक्ष नाटक बनाने के छिटपुट, डरपोक प्रयास दिखाई दिए। धर्मनिरपेक्ष रंगमंच के सबसे पहले रूपों में से एक "पुय" काव्य मंडल था, जिसमें पहले एक धार्मिक प्रचार दिशा थी, जो बाद में धर्मनिरपेक्ष हो गई। एक फ्रांसीसी ट्रूवर (संगीतकार, कवि और गायक) अर्रास "पुय" के एक सदस्य एडम डे ला अल ने पहला मध्यकालीन धर्मनिरपेक्ष नाटक लिखा - "द गेम इन द आर्बर" और "द गेम ऑफ़ रॉबिन एंड मैरियन"। वे वास्तव में प्रारंभिक मध्य युग के एकमात्र धर्मनिरपेक्ष नाटककार थे, इसलिए किसी प्रवृत्ति के बारे में बात करने की आवश्यकता नहीं है।

पुनर्जागरण रंगमंच

पुनर्जागरण के दौरान, कला के क्षेत्र में परिवर्तन सामान्य वैचारिक सिद्धांत के परिवर्तन से जुड़े हैं: मध्य युग के तप और कट्टरता से सद्भाव, स्वतंत्रता और सामंजस्यपूर्ण विकासपुनर्जागरण व्यक्तित्व। शब्द ही (फ्रेंच पुनर्जागरण - पुनर्जन्म) मूल सिद्धांत की घोषणा करता है: प्राचीन कला के शास्त्रीय उदाहरणों की वापसी। थिएटर, जिस पर वस्तुतः लगभग एक हजार वर्षों के लिए प्रतिबंध लगा दिया गया था, ने पुनर्जागरण के दौरान इसके विकास में विशेष रूप से उल्लेखनीय उछाल का अनुभव किया। नाट्य जीवन के सभी पहलुओं में परिवर्तन हुए: नई विधाएँ, रूप और नाट्य व्यवसाय सामने आए। यह न केवल सामाजिक जलवायु में परिवर्तन के कारण है, बल्कि इसके सबसे महत्वपूर्ण परिणामों में से एक है - विज्ञान और प्रौद्योगिकी का विकास।
उस समय के रंगमंच के विकास को प्रभावित करने वाला सबसे महत्वपूर्ण कारक रंगमंच की इमारतों का नवनिर्मित निर्माण था। एक मौलिक रूप से नए प्रकार का आविष्कार और कार्यान्वयन किया गया था रंगमंच की इमारत- पद या श्रेणी। इसने थिएटर कला को ध्वनिक सहित नए अवसर दिए। और इसके परिणामस्वरूप, इसने नए नाट्य रूपों - शास्त्रीय ओपेरा और बैले का गठन और तेजी से विकास किया। नाट्य निर्माण की नई अवधारणा ने मंच और सभागार को समग्र रूप से माना, इसलिए, नाट्य और सजावटी कला के नए सिद्धांतों को विकास के लिए प्रोत्साहन दिया गया - एक परिप्रेक्ष्य के साथ सुरम्य दृश्यों का निर्माण। एक नए तरीके से इनडोर थिएटर भवनों की उपस्थिति ने थिएटर के लिए मंच को रोशन करने के तकनीकी और कलात्मक कार्यों को प्रस्तुत किया - केवल दिन के उजाले में खेलना संभव नहीं था। नए तकनीकी रुझानों ने उनके व्यावहारिक कार्यान्वयन की मांग की। इसके लिए धन्यवाद, कई नए नाट्य व्यवसाय विकसित हुए हैं: स्टेज मशीनिस्ट, डेकोरेटर, ध्वनिकी, ग्राफिक डिजाइनर, रोशनी और प्रकाश डिजाइनर, आदि।
नाट्य प्रदर्शन के संगठन में भी कार्डिनल परिवर्तन हुए: पुनर्जागरण में, इतिहास में पहली बार, थिएटर को दर्शकों के लिए प्रतिस्पर्धा की समस्या का सामना करना पड़ा। जब एक ही समय में शहर में कई थिएटर भवन होते हैं, और एक ही समय में घुमंतू हास्य कलाकारों की एक मंडली चौक पर प्रदर्शन करती है, तो संभावित दर्शकों के पास एक वास्तविक विकल्प होता है। इस प्रकार, प्रतिस्पर्धी संघर्ष ने बड़े पैमाने पर पुनर्जागरण में विभिन्न शैलियों और नाट्य कला के प्रकारों के विकास को निर्धारित किया। उदाहरण के लिए, इटली में सबसे बड़ी सफलतायुवा ओपेरा कला और मुखौटों के क्षेत्रीय कामचलाऊ रंगमंच (कॉमेडिया डेल'आर्ट) का उपयोग किया गया था। इंग्लैंड में, एक के बाद एक, सार्वजनिक सार्वजनिक नाटक थिएटर खोले गए ("ग्लोब", "कर्टन", "रोज", "स्वान", "फॉर्च्यून", आदि)। स्पेन में, धार्मिक रंगमंच को बड़ी सफलता मिली - ऑटो सैक्रामेंटल। जर्मनी में, मेइस्टरिंगर्स की कलाएं सक्रिय रूप से विकसित हो रही थीं - फास्टनैचट्सपील (श्रोवटाइड प्रदर्शन) और किराए। यूरोप में, विभिन्न देशों की नाट्य कला के भौगोलिक एकीकरण और आपसी प्रभाव के संकेत स्पष्ट रूप से महसूस किए गए थे: दर्शकों के लिए बढ़ती प्रतिस्पर्धा ने मोबाइल अभिनय मंडलों (मुख्य रूप से इतालवी और अंग्रेजी) के व्यापक "टूर" अभ्यास को जन्म दिया।
में एक निश्चित अर्थ मेंपुनर्जागरण में रंगमंच अपने विकास के चरम पर पहुंच गया, लगभग सभी संभावित शैलियों, प्रकारों और दिशाओं में महारत हासिल कर ली। उसी समय, दो मुख्य प्रकार के थिएटरों का गठन किया गया: रिपर्टरी थिएटर (जब एक स्थिर अभिनय मंडली विभिन्न नाटककारों के कार्यों के आधार पर प्रदर्शन करती है) और एंटरप्रेन्योर थिएटर (जब विभिन्न विशेषज्ञ विशेष रूप से एक निश्चित नाट्य परियोजना के लिए इकट्ठा होते हैं)। इसके अलावा, 19 वीं सदी के अंत तक। थिएटर का विकास मुख्य रूप से सौंदर्य प्रवृत्तियों के परिवर्तन के तहत हुआ: क्लासिकवाद, ज्ञानोदय, रूमानियत, भावुकता, प्रतीकवाद, प्रकृतिवाद, यथार्थवाद, आदि।

आधुनिक रंगमंच

19वीं शताब्दी में रंगमंच के परिवर्तन ने वैज्ञानिक और तकनीकी क्रांति और विशेष रूप से सिनेमा के उद्भव का नेतृत्व किया। सबसे पहले, सिनेमा और बाद में टेलीविजन को थिएटर के प्रतिस्पर्धी के रूप में पहचाना जाने लगा। हालाँकि, थिएटर ने हार नहीं मानी, यह 19 वीं का अंत था - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत। नाट्य अभिव्यक्ति के नए साधनों की खोज में एक विशेष समृद्धि की विशेषता है। इस समय, एक नया नाट्य पेशा सामने आया, जो आज थिएटर में मुख्य बन गया है - एक निर्देशक का पेशा। यदि पिछली सभी शताब्दियों के रंगमंच को ठीक ही कहा जा सकता है अभिनय रंगमंच, फिर 20 वीं सदी की शुरुआत के साथ। आया नया युग- निर्देशक का रंगमंच। नाट्य कला की एक मौलिक रूप से नई अवधारणा उत्पन्न होती है: केवल एक प्रदर्शन (अभिनय, मंच डिजाइन, ध्वनि और प्रकाश प्रभाव, आदि) का पेशेवर प्रदर्शन पर्याप्त नहीं है, उनका जैविक संयोजन, एक पूरे में विलय, आवश्यक है। नतीजतन, थिएटर के सिद्धांत और व्यवहार में नया शामिल है बुनियादी अवधारणाओं: प्रदर्शन की सामान्य अवधारणा, सबसे महत्वपूर्ण कार्य, क्रिया के माध्यम से, अभिनय समूह, निर्देशक का निर्णय, आदि।
थिएटर की नई अवधारणा सभी सौंदर्य प्रवृत्तियों के संबंध में बेहद उपयोगी साबित हुई। यह के.एस. की नाट्य प्रणालियों के उदाहरण पर विशेष रूप से स्पष्ट रूप से देखा जा सकता है। स्टैनिस्लावस्की, साथ ही एम. ए. चेखव, 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूस में सक्रिय रूप से विकसित हो रहे थे। शक्तिशाली परिभाषित निर्देशक सिद्धांत इन प्रणालियों को आधुनिक रंगमंच के लिए मौलिक बनाता है। इसके अलावा, निर्देशन ने अभिनय के नए सिद्धांतों को स्थापित करते हुए अभिनय को एक नए मुकाम पर पहुँचाया। यह ठीक ही कहा जा सकता है कि निर्देशक का रंगमंच नाट्य क्रिया की पवित्रता को लौटाने का सबसे अच्छा तरीका है।

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रूसी रंगमंच का इतिहास कई मुख्य चरणों में बांटा गया है। प्रारंभिक, चंचल चरण एक आदिवासी समाज में उत्पन्न होता है और 17 वीं शताब्दी तक समाप्त होता है, जब रूसी इतिहास में एक नई अवधि के साथ, थिएटर के विकास में एक नया, अधिक परिपक्व चरण शुरू होता है, जो एक स्थायी राज्य की स्थापना में समाप्त होता है। 1756 में पेशेवर रंगमंच।

"रंगमंच", "नाटक" शब्द केवल 18 वीं शताब्दी में रूसी शब्दकोश में प्रवेश किया। 17 वीं शताब्दी के अंत में, "कॉमेडी" शब्द का उपयोग किया गया था, और पूरी शताब्दी में - "मजेदार" (मनोरंजक कोठरी, मनोरंजन कक्ष)। लोकप्रिय जनता में, "रंगमंच" शब्द "अपमान", शब्द "नाटक" - "खेल", "खेल" से पहले था। रूसी मध्य युग में, उनके पर्यायवाची परिभाषाएँ आम थीं - "राक्षसी", या "शैतानी", भैंस का खेल। 16वीं-17वीं शताब्दी में विदेशियों द्वारा लाए गए तमाम तरह के कौतूहल और आतिशबाजी को भी फन कहा जाता था। युवा ज़ार पीटर I के सैन्य व्यवसाय को मज़ेदार भी कहा जाता था। इस अर्थ में, शादी और ड्रेसिंग अप दोनों को "प्ले", "गेम" कहा जाता था। संगीत वाद्ययंत्रों के संबंध में "प्ले" का एक पूरी तरह से अलग अर्थ है: 19 वीं -20 वीं शताब्दी तक लोगों के बीच मौखिक नाटक के संबंध में "खेल" और "खेल" शब्द संरक्षित थे।

लोक कला

रूसी रंगमंच की उत्पत्ति प्राचीन काल में हुई थी। इसकी उत्पत्ति जाती है लोक कला- कर्मकांड, श्रम गतिविधि से जुड़ी छुट्टियां। समय के साथ, संस्कारों ने अपना जादुई अर्थ खो दिया और प्रदर्शन खेलों में बदल गया। थिएटर के तत्व उनमें पैदा हुए थे - नाटकीय कार्रवाई, भेस, संवाद। भविष्य में, सबसे सरल खेल लोक नाटकों में बदल गए; वे सामूहिक रचनात्मकता की प्रक्रिया में बनाए गए थे और लोगों की स्मृति में पीढ़ी-दर-पीढ़ी गुजरते रहे।

उनके विकास की प्रक्रिया में, खेलों को विभेदित किया गया, संबंधित में विघटित किया गया और एक ही समय में अधिक से अधिक दूर की किस्में - नाटक, अनुष्ठान, खेल में। वे केवल इस तथ्य से एक साथ लाए गए थे कि वे सभी वास्तविकता को प्रतिबिंबित करते थे और अभिव्यक्ति के समान तरीकों का इस्तेमाल करते थे - संवाद, गीत, नृत्य, संगीत, भेस, भेस, अभिनय।

खेलों ने नाटकीय रचनात्मकता के लिए एक स्वाद पैदा किया।

खेल मूल रूप से जनजातीय सामुदायिक संगठन का प्रत्यक्ष प्रतिबिंब थे: उनके पास एक गोल नृत्य, कोरिक चरित्र था। राउंड डांस गेम्स में, कोरल और नाटकीय रचनात्मकता को व्यवस्थित रूप से मिला दिया गया था। खेलों में प्रचुर मात्रा में शामिल गीतों और संवादों ने चंचल छवियों को चित्रित करने में मदद की। बड़े पैमाने पर स्मरणोत्सव में एक चंचल चरित्र भी था, वे वसंत के साथ मेल खाने के लिए समयबद्ध थे और उन्हें "जलपरी" कहा जाता था। XV सदी में, "रूसलिया" की अवधारणा की सामग्री को इस प्रकार परिभाषित किया गया था: मानव रूप में राक्षस। और 1694 का मॉस्को "अज़बुकोवनिक" पहले से ही जलपरियों को "बफून गेम" के रूप में परिभाषित करता है।

हमारी मातृभूमि के लोगों की नाट्य कला अनुष्ठानों और खेलों, कर्मकांडों में उत्पन्न होती है। सामंतवाद के तहत, एक ओर, "लोकप्रिय जनता" द्वारा, और दूसरी ओर, सामंती बड़प्पन द्वारा, नाट्य कला की खेती की जाती थी, और भैंसों को उसी के अनुसार विभेदित किया जाता था।

957 में ग्रैंड डचेस ओल्गा कांस्टेंटिनोपल में थिएटर से परिचित हुई। हिप्पोड्रोम प्रदर्शन 11 वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे के कीव सोफिया कैथेड्रल के भित्तिचित्रों पर दर्शाए गए हैं। 1068 में, इतिहास में पहली बार भैंसों का उल्लेख किया गया था।

तीन प्रकार के थिएटर किवन रस के लिए जाने जाते थे: दरबार, चर्च, लोक।

तमाशा

सबसे पुराना "थिएटर" लोक अभिनेताओं - भैंसों का खेल था। शर्मीलापन एक जटिल घटना है। भैंसों को एक प्रकार का जादूगर माना जाता था, लेकिन यह गलत है, क्योंकि अनुष्ठानों में भाग लेने वाले भैंसों ने न केवल अपने धार्मिक और जादुई चरित्र को बढ़ाया, बल्कि इसके विपरीत, सांसारिक, धर्मनिरपेक्ष सामग्री का परिचय दिया।

कोई भी मसखरा बना सकता है, यानी गा सकता है, नाच सकता है, मज़ाक कर सकता है, नाटक कर सकता है, वाद्य यंत्र बजा सकता है और अभिनय कर सकता है, यानी किसी तरह के व्यक्ति या प्राणी को चित्रित कर सकता है, कोई भी कर सकता है। लेकिन केवल वही बन गया जिसकी कला अपनी कलात्मकता से जनता की कला के स्तर से ऊपर उठ गई और उसे मसखरा-शिल्पकार कहा जाने लगा।

लोक रंगमंच के समानांतर, पेशेवर नाट्य कला का विकास हुआ, जिसके वाहक प्राचीन रूस में भैंस थे। रस' में उपस्थिति भैंस के खेल से जुड़ी है कठपुतली थियेटर. बफून के बारे में पहली क्रॉनिकल जानकारी समय के साथ मेल खाती है, जो कीव सोफिया कैथेड्रल की दीवारों पर भैंस के प्रदर्शन को दर्शाती है। क्रॉसलर भिक्षु भैंसों को शैतानों का सेवक कहते हैं, और गिरजाघर की दीवारों को चित्रित करने वाले कलाकार ने आइकन के साथ-साथ चर्च की सजावट में उनकी छवि को शामिल करना संभव पाया। बफून जनता से जुड़े थे, और उनकी कला का एक प्रकार "गम", यानी व्यंग्य था। स्कोमोरोखोव को "मूर्ख" कहा जाता है, अर्थात उपहास करने वाले। मसखरापन, उपहास, व्यंग्य मसखरेपन के साथ मजबूती से जुड़े रहेंगे।

भैंसों की धर्मनिरपेक्ष कला चर्च और लिपिक विचारधारा के प्रति शत्रुतापूर्ण थी। भैंसों की कला के लिए चर्चियों के मन में जो घृणा थी, वह क्रांतिकारियों ("द टेल ऑफ़ बायगोन इयर्स") के रिकॉर्ड से स्पष्ट है। 11वीं-12वीं शताब्दी की चर्च की शिक्षाएं उस भेष को घोषित करती हैं, जिसके लिए भैंस सहारा लेते हैं, वह भी एक पाप है। भैंसों को वर्षों में विशेष रूप से मजबूत उत्पीड़न के अधीन किया गया था तातार जुएजब चर्च ने जीवन के तपस्वी तरीके का गहनता से प्रचार करना शुरू किया। किसी भी उत्पीड़न ने लोगों के बीच भैंस कला को खत्म नहीं किया है। इसके विपरीत, यह सफलतापूर्वक विकसित हुआ, और इसका व्यंग्यात्मक डंक अधिक से अधिक तीव्र हो गया।

कला से संबंधित शिल्प प्राचीन रूस में जाने जाते थे ': आइकन पेंटर, ज्वैलर्स, वुड एंड बोन कार्वर्स, और बुक स्क्रिब्स। बफून उनकी संख्या के थे, "चालाक", गायन, संगीत, नृत्य, कविता, नाटक के "स्वामी" थे। लेकिन उन्हें केवल मनोरंजक, मजाकिया लोग माना जाता था। उनकी कला वैचारिक रूप से जनता के साथ जुड़ी हुई थी, कारीगर लोगों के साथ, आमतौर पर शासक जनता के विरोध में। इसने उनके कौशल को न केवल बेकार बना दिया, बल्कि सामंती प्रभुओं और पादरियों की दृष्टि से, वैचारिक रूप से हानिकारक और खतरनाक था। ईसाई चर्च के प्रतिनिधियों ने बुद्धिमान पुरुषों और भविष्यवक्ताओं के बगल में भैंसों को रखा। कर्मकांडों और खेलों में अभी भी कलाकारों और दर्शकों में कोई विभाजन नहीं है; उनके पास विकसित भूखंडों की कमी है, एक छवि में पुनर्जन्म। वे तीखे सामाजिक रूपांकनों से ओत-प्रोत लोकनाट्य में दिखाई देते हैं। मौखिक परंपरा के वर्गाकार थिएटरों की उपस्थिति लोक नाटक से जुड़ी हुई है। इन लोक थिएटरों (भैंसों) के अभिनेताओं ने उन लोगों का उपहास उड़ाया जो सत्ता में थे, पादरी, अमीर, सहानुभूतिपूर्वक आम लोगों को दिखाते थे। लोक रंगमंच के प्रदर्शनों को कामचलाऊ व्यवस्था पर बनाया गया था, जिसमें पैंटोमाइम, संगीत, गायन, नृत्य, चर्च नंबर शामिल थे; कलाकारों ने मुखौटे, श्रृंगार, वेशभूषा, रंगमंच की सामग्री का उपयोग किया।

भैंसों के प्रदर्शन की प्रकृति के लिए शुरू में उन्हें बड़े समूहों में संयोजित करने की आवश्यकता नहीं थी। परियों की कहानियों, महाकाव्यों, गीतों, वाद्य यंत्रों के प्रदर्शन के लिए केवल एक कलाकार ही काफी था। बफून अपने घरों को छोड़कर काम की तलाश में रूसी भूमि पर घूमते हैं, गांवों से शहरों की ओर बढ़ते हैं, जहां वे न केवल ग्रामीण, बल्कि शहरवासियों और कभी-कभी रियासतों की सेवा करते हैं।

बफून भी लोक अदालत के प्रदर्शनों से आकर्षित हुए, जो कि बीजान्टियम और उसके अदालती जीवन के साथ परिचित होने के प्रभाव में गुणा हो गए। जब एम्यूज़िंग क्लोसेट (1571) और एम्यूज़मेंट चैंबर (1613) को मॉस्को कोर्ट में व्यवस्थित किया गया था, तो भैंसों ने खुद को वहाँ कोर्ट जस्टर की स्थिति में पाया।

भैंसों के प्रदर्शन ने विभिन्न प्रकार की कलाओं को एकजुट किया: नाटकीय कला और चर्च और "विविधता" दोनों।

क्रिश्चियन चर्च ने धार्मिक और रहस्यमय तत्वों से संतृप्त लोक खेलों और अनुष्ठान कला के साथ भैंसों की कला का विरोध किया।

भैंसों का प्रदर्शन एक पेशेवर रंगमंच के रूप में विकसित नहीं हुआ। थिएटर मंडलों के जन्म के लिए कोई शर्तें नहीं थीं - आखिरकार, अधिकारियों ने भैंसों को सताया। चर्च ने भैंसों को भी सताया, सहायता के लिए धर्मनिरपेक्ष अधिकारियों की ओर रुख किया। भैंसों के खिलाफ XV सदी के ट्रिनिटी-सर्जियस मठ का एक चार्टर, XVI सदी की शुरुआत का वैधानिक चार्टर भेजा गया था। चर्च लगातार मूर्तिपूजक विश्वदृष्टि (जादूगर, जादूगर) के वाहक के साथ भैंसों को सममूल्य पर रखता है। और फिर भी, भैंस का प्रदर्शन जारी रहा, लोक रंगमंच विकसित हुआ।

उसी समय, चर्च ने अपने प्रभाव को बढ़ाने के लिए सभी उपाय किए। यह पूजन-पद्धति नाटक के विकास में अभिव्यक्त हुआ। 15 वीं शताब्दी में ईसाई धर्म के साथ-साथ कुछ साहित्यिक नाटक हमारे पास आए, साथ ही "महान चर्च" ("जमीन पर जुलूस", "पैरों की धुलाई") के नए अपनाए गए गंभीर चार्टर के साथ।

नाटकीय और शानदार रूपों के उपयोग के बावजूद, रूसी चर्च ने अपना थिएटर नहीं बनाया।

17 वीं शताब्दी में, पोल्त्स्क के शिमोन (1629-1680) ने लिटर्जिकल ड्रामा के आधार पर एक कलात्मक नाटक बनाने की कोशिश की। साहित्यिक नाटकयह प्रयास अलग-थलग और निष्फल साबित हुआ।

17 वीं शताब्दी के थिएटर

17वीं शताब्दी में, पहला मौखिक नाटक विकसित हुआ, जो कथानक में सरल था, लोकप्रिय मनोदशाओं को दर्शाता था। पेत्रुस्का के बारे में कठपुतली कॉमेडी (उनका पहला नाम वंका-रैटटौली था) ने एक चतुर मीरा साथी के कारनामों के बारे में बताया जो दुनिया में किसी भी चीज से नहीं डरता था। थिएटर वास्तव में 17 वीं शताब्दी में दिखाई दिया - कोर्ट और स्कूल थिएटर।

कोर्ट थियेटर

कोर्ट थिएटर का उद्भव पश्चिमी संस्कृति में कोर्ट के बड़प्पन की रुचि के कारण हुआ। यह थिएटर मास्को में ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के तहत दिखाई दिया। नाटक "द एक्शन ऑफ आर्टैक्सरेक्स" (बाइबिल एस्तेर की कहानी) का पहला प्रदर्शन 17 अक्टूबर, 1672 को हुआ था। प्रारंभ में, कोर्ट थियेटर का अपना परिसर नहीं था, दृश्यों और वेशभूषा को एक स्थान से दूसरे स्थान पर स्थानांतरित कर दिया गया था। पहले प्रदर्शनों का मंचन जर्मन बस्ती के पादरी ग्रेगरी ने किया था, अभिनेता भी विदेशी थे। बाद में, उन्होंने रूसी "युवाओं" को जबरन भर्ती और प्रशिक्षित करना शुरू कर दिया। उनका वेतन अनियमित रूप से दिया जाता था, लेकिन वे दृश्यों और वेशभूषा पर कंजूसी नहीं करते थे। कभी-कभी वाद्य यंत्र बजाने और नृत्य के साथ, प्रदर्शन महान भव्यता से प्रतिष्ठित होते थे। ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच की मृत्यु के बाद, कोर्ट थियेटर को बंद कर दिया गया था, और प्रदर्शन केवल पीटर I के तहत फिर से शुरू हुआ।

स्कूल थियेटर

कोर्ट थिएटर के अलावा, 17 वीं शताब्दी में रूस में स्लाविक-ग्रीक-लैटिन अकादमी में एक स्कूल थिएटर भी था, जिसमें लावोव, टिफ्लिस और कीव में धर्मशास्त्रीय मदरसा और स्कूल थे। नाटक शिक्षकों द्वारा लिखे गए थे, और छात्रों ने ऐतिहासिक त्रासदियों का मंचन किया, यूरोपीय चमत्कारों के करीब अलंकारिक नाटक, इंटरल्यूड्स - व्यंग्यपूर्ण रोजमर्रा के दृश्य जिसमें सामाजिक व्यवस्था के खिलाफ विरोध किया गया। स्कूल थिएटर के इंटरल्यूड्स ने राष्ट्रीय नाट्यशास्त्र में हास्य शैली की नींव रखी। स्कूल थियेटर के मूल में एक प्रसिद्ध था राजनीतिक आंकड़ा, नाटककार शिमोन पोलोट्स्की।

कोर्ट स्कूल थियेटर की उपस्थिति ने रूसी समाज के आध्यात्मिक जीवन के दायरे का विस्तार किया।

थिएटर जल्दी XVIIIशतक

पीटर I के कहने पर, 1702 में, सार्वजनिक रंगमंच बनाया गया, जिसे बड़े पैमाने पर जनता के लिए डिज़ाइन किया गया था। विशेष रूप से उसके लिए, मास्को में रेड स्क्वायर पर नहीं, एक इमारत बनाई गई थी - "कॉमेडी टेम्पल"। आई. के. कुन्स्ट की जर्मन मंडली ने वहां प्रदर्शन दिया। प्रदर्शनों की सूची में विदेशी नाटक शामिल थे जो जनता के साथ सफल नहीं थे, और 1706 में थिएटर का अस्तित्व समाप्त हो गया, क्योंकि पीटर I की सब्सिडी समाप्त हो गई।

निष्कर्ष

हमारी मातृभूमि के लोगों की प्रदर्शन कला के इतिहास में एक नया पृष्ठ सर्फ़ और शौकिया थिएटरों द्वारा खोला गया था। से मौजूद सर्फ़ मंडलों में देर से XVIIIसदी, वूडविल, कॉमिक ओपेरा, बैले का मंचन किया गया। सर्फ़ थिएटरों के आधार पर, कई शहरों में निजी उद्यमों का उदय हुआ। हमारी मातृभूमि के लोगों के पेशेवर रंगमंच के निर्माण पर रूसी नाट्य कला का लाभकारी प्रभाव पड़ा। पहले पेशेवर थिएटरों की मंडली में प्रतिभाशाली शौकीनों - लोकतांत्रिक बुद्धिजीवियों के प्रतिनिधि शामिल थे।

18 वीं शताब्दी में रूस में रंगमंच ने अपार लोकप्रियता हासिल की, व्यापक जनता की संपत्ति बन गई, लोगों की आध्यात्मिक गतिविधि का एक और सार्वजनिक क्षेत्र।



थिएटर

थिएटर

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1. थिएटरएक कला रूप है, मंच प्रदर्शन नाटकीय कार्यदर्शकों के सामने अभिनेताओं द्वारा प्रदर्शन किया गया।

शौकिया, पेशेवर रंगमंच। | यूरोपीय, प्राच्य रंगमंच। | मास्क, लघुचित्र, मूकाभिनय का रंगमंच। | थिएटर से जुड़ें। | वह थिएटर और खासकर बैले को अच्छी तरह से जानता है।

2. थिएटरएक संगठन कहा जाता है जो प्रदर्शनों का आयोजन करता है, प्रदर्शनों का मंचन करता है।

नाटक, ओपेरा हाउस। | बोल्शोई, माली थियेटर। | बैले थियेटर। | राजधानी, प्रांतीय रंगमंच। | कठपुतली शो। | यंग स्पेक्टेटर के लिए रंगमंच। | राज्य, निजी थिएटर। | नाटक और हास्य रंगमंच। | थिएटर का नाम ए.एस. पुश्किन के नाम पर रखा गया। | रंगमंच मंडली।

3. थिएटरउस इमारत का नाम है जिसमें प्रदर्शन होते हैं।

शानदार, आरामदायक थिएटर। | एक हजार सीटों के लिए थियेटर। | थिएटर का निर्माण, पुनर्निर्माण। | फ़ोयर, थिएटर ऑडिटोरियम। | पुनर्निर्माण, थिएटर की मरम्मत।

4. ग्रीष्मकालीन रंगमंचवे पार्क में मंडप कहते हैं, जिसमें गर्म मौसम के दौरान शौकिया प्रदर्शन किए जाते हैं।

5. एक अभिनेता रंगमंचएक नाटकीय प्रदर्शन कहा जाता है, जिसे एक व्यक्ति द्वारा निभाया जाता है।

6. होम थियेटरशौकिया प्रदर्शन कहा जाता है जो एक ही परिवार के सदस्यों द्वारा रिश्तेदारों, मेहमानों आदि के लिए खेला जाता है।

7. छाया रंगमंचमैनुअल पैंटोमाइम कहा जाता है, जिसमें दीवार या स्क्रीन पर छाया जानवरों, लोगों और चाल को दर्शाती है।

पर्दे के पीछे एक रात का प्रकाश जल रहा था, और स्क्रीन पर परिचित छाया रंगमंच चल रहा था।

8. शारीरिक रंगमंचएक अस्पताल का कमरा है जिसका उपयोग छात्रों को पढ़ाने के लिए किया जाता है मेडिकल स्कूलशव परीक्षण और लाशों के विच्छेदन के तरीके।

9. युद्ध का रंगमंच- यह युद्ध के दौरान बड़े पैमाने पर सैन्य अभियानों के लिए एक क्षेत्र है।

युद्ध के रंगमंच को छोड़ दो।

रूसी भाषा दिमित्रिक का व्याख्यात्मक शब्दकोश. डी. वी. दिमित्रिक। 2003।

समानार्थी शब्द:

देखें कि "थिएटर" अन्य शब्दकोशों में क्या है:

थिएटर- रंगमंच ... नानाई-रूसी शब्दकोश

- (ग्रीक थायट्रॉन से चश्मे के लिए एक जगह, एक तमाशा), एक प्रकार का वास्तुशिल्प भवन जिसे नाट्य प्रदर्शन के लिए डिज़ाइन किया गया है। 6 वीं शताब्दी में संभवतः पहली थिएटर इमारतें दिखाई दीं। ईसा पूर्व इ। प्राचीन ग्रीस में। वे खुले थे और... कला विश्वकोश

अगर दो लोग बात कर रहे हैं और तीसरा उनकी बातचीत सुन रहा है, तो यह थिएटर है। गुस्ताव होलूबेक थिएटर एक ऐसा विभाग है जिससे दुनिया को बहुत कुछ अच्छा कहा जा सकता है। निकोलाई गोगोल आइए चर्च के साथ थिएटर को भ्रमित न करें, क्योंकि यह एक चर्च बनाने की तुलना में अधिक कठिन है ... सूक्तियों का समेकित विश्वकोश

रंगमंच, रंगमंच, पति। (ग्रीक थियेट्रॉन)। 1. केवल इकाइयाँ कला, जिसमें छवि शामिल है, व्यक्तियों में कुछ का प्रतिनिधित्व, एक सार्वजनिक तमाशा के रूप में किया जाता है। संगीत और रंगमंच उनके सबसे मजबूत शौक हैं। सोवियत कालबड़ा समय... उशाकोव का व्याख्यात्मक शब्दकोश

थिएटर- रंगमंच। प्रदर्शन प्राचीन यूनानी त्रासदी. थियेटर (ग्रीक थियेट्रॉन से चश्मे के लिए एक जगह, एक तमाशा), एक प्रकार की कला, जिसकी अभिव्यक्ति का विशिष्ट साधन एक मंचीय क्रिया है जो एक अभिनेता के दर्शकों के सामने खेलने की प्रक्रिया में होती है। ... .. इलस्ट्रेटेड एनसाइक्लोपीडिक डिक्शनरी

थियेटर 19 ... विकिपीडिया

थिएटर, ए, पति। 1. मंच पर नाटकीय कार्यों को प्रस्तुत करने की कला; बस इतना ही प्रदर्शन। संगीत आदि थिएटर में शामिल हों। 2. शानदार उद्यम, एक कमरा जहां इस तरह के काम मंच पर प्रस्तुत किए जाते हैं। नाटकीय, ऑपरेटिव टी… ओज़ेगोव का व्याख्यात्मक शब्दकोश

थिएटर स्टूडियो एल्बमइरीना अल्लेग्रोवा रिलीज़ की तारीख 25 नवंबर, 1999 ... विकिपीडिया

मचान, मंच, मंच, तमाशा। जगह देखें... रूसी पर्यायवाची और अर्थ में समान भाव का शब्दकोश। अंतर्गत। ईडी। एन। अब्रामोवा, एम।: रूसी शब्दकोश, 1999। अखाड़ा थिएटर, मेलपोमीन मंदिर, (नाट्य) मंच, थिएटर कला, नाटक, ... पर्यायवाची शब्द

- (ग्रीक थियेट्रॉन से तमाशा, एक तमाशा के लिए एक जगह), एक प्रकार की कला, जिसकी अभिव्यक्ति का विशिष्ट साधन एक मंचीय क्रिया है जो एक दर्शक के सामने एक अभिनेता की भूमिका निभाने की प्रक्रिया में होती है। प्राचीन शिकार और कृषि में रंगमंच की उत्पत्ति ... ... बड़ा विश्वकोश शब्दकोश

थिएटर 3, ए, एम।: एनाटोमिकल थिएटर (पुराना) एच विदारक लाशों के लिए कमरा। ओज़ेगोव का व्याख्यात्मक शब्दकोश। एस.आई. ओज़ेगोव, एन.यू. श्वेदोवा। 1949 1992 ... ओज़ेगोव का व्याख्यात्मक शब्दकोश

इसकी शुरुआत प्राचीन काल में हुई थी। मान लीजिए कि उन दिनों गुलामी का राज था और शिक्षा नहीं थी। लेकिन लोग जानते थे कि थिएटर क्या होता है। एक लंबे मानव इतिहास की गहराई से बढ़ते हुए, यह सबसे प्राचीन लोक सामूहिक अनुष्ठानों, खेलों और उत्सवों के रहस्यों में निहित है। एक हास्य और दुखद प्रकृति के पारंपरिक प्राथमिक कार्य (जैसे कि सैटर्नलिया, रहस्य) जो इस आधार पर उत्पन्न हुए, में एक नाटकीय (पौराणिक डिजाइन में) कथानक के तत्व शामिल थे, जिसमें नृत्य, संवाद, कोरल गीत, भेस, मुखौटे शामिल थे। धीरे-धीरे, कार्रवाई और अनुष्ठान और पंथ की नींव अलग हो गई, भीड़ से नायकों के एक गाना बजानेवालों का चयन, एक बड़े पैमाने पर महत्वपूर्ण उत्सव का एक संगठित तमाशा में परिवर्तन। इस सबने एक साहित्यिक नाटक के उद्भव के लिए आवश्यक शर्तें बनाईं, जो सभी को प्रिय हो। दर्शकों और अभिनेताओं में जबरन विभाजन ने इसके महत्वपूर्ण सामाजिक कार्यों का खुलासा किया

यह प्रक्रिया प्राचीन ग्रीस के रंगमंच में स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी, जिसका सक्रिय विकास पर भारी प्रभाव पड़ा यूरोपीय कला. नगर-राज्यों में वे सार्वजनिक जीवन के महत्वपूर्ण प्रमुख बन गए। प्राचीन ग्रीस में रंगमंच क्या है? प्रतिनिधित्व तब एक महान राष्ट्रव्यापी उत्सव था। विशाल, विशाल ओपन-एयर एम्फीथिएटर में, दसियों हज़ारों विह्वल दर्शक एकत्रित हुए। उपलब्ध पेशेवर अभिनेताओं के अलावा, प्रदर्शन स्वयं नागरिकों द्वारा भी किया जा सकता है - सीधे गाना बजानेवालों द्वारा। नृत्य और संगीत आवश्यक बने रहे, कार्रवाई के मुख्य तत्व।

रंगमंच क्या है प्राचीन रोम? यहां अधिकांश प्रदर्शनों का मंचन अधिक सक्रिय रूप से विकसित हुआ, यहां तक ​​​​कि मंच का प्रकार भी बदल गया, पेशेवर नाट्य उपकरण बढ़ गए, विभिन्न प्रकार के प्रदर्शन उत्पन्न हुए (संगीत और नृत्य प्रदर्शन) पौराणिक विषय- पैंटोमाइम्स, जो साम्राज्य के युग में अपने उत्कर्ष तक पहुँचे, 5 वीं शताब्दी तक बने रहे। सबसे लोकप्रिय नाट्य शैली)।

मध्य युग के यूरोपीय रंगमंच का व्यावहारिक रूप से अस्तित्व समाप्त हो गया। 15वीं शताब्दी में विलियम शेक्सपियर और कई अन्य नाटककार। इसे पुनर्जीवित किया। फिर, बिना किसी अपवाद के, लड़कों और पुरुषों ने प्रदर्शन में भूमिकाएँ निभाईं। अभिनेत्रियाँ पहली बार इतालवी की लोकप्रिय मंडली में दिखाई दीं यात्रा करने वाले अभिनेताजिन्होंने "टार आर्टे" (छोटा हास्य नाटकनकाबपोश पात्रों की अनिवार्य भागीदारी के साथ)।

पुनर्जागरण काल ​​​​की मानवतावादी संस्कृति ने प्राचीन नाट्य कला की परंपराओं को पुनर्जीवित किया, उन्हें लोगों की राष्ट्रीय विरासत की समृद्ध परंपराओं के साथ जोड़ दिया। इस युग के प्रसिद्ध नाटककारों के नाटकों में, इतिहास सबसे तीव्र राजनीतिक और सामाजिक संघर्षों में प्रकट हुआ था।

थिएटर का उदय क्लासिकवाद के सक्रिय प्रसार से जुड़ा है, जिसका सामाजिक आधार कुछ यूरोपीय देशों में कुछ निरंकुश शासनों को मजबूत करना है। अभिनेताओं का कार्य एक नायक की एक जटिल छवि बनाना था, जो आंतरिक संघर्ष और गंभीर परीक्षणों के दौरान, समाज की आवश्यकताओं और निजी हित के बीच अपने स्वयं के विभाजन को खत्म कर देता है। इस अवधि में आधुनिक समस्याओं ने सार और आम तौर पर महत्वपूर्ण चरित्र दोनों का अधिग्रहण किया। क्लासिकवाद का रंगमंच यही है।

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, वह तूफानी बुर्जुआ ज्ञानोदय के विचारों के मुख्य प्रवक्ता बन गए। उस समय के अभिनेताओं की कला में, उच्च नागरिक चेतना को ऐतिहासिक सत्य में रुचि दिखाते हुए नए अभिन्न चरित्र बनाने की सक्रिय इच्छा के साथ पूरी तरह से जोड़ा गया था।

स्वच्छंदतावाद लोकतांत्रिक जनता और मानवतावादी आदर्शों की आकांक्षाओं की अभिव्यक्ति बन गया। इस युग के बैनर तले, इस तरह के महाकाव्य क्लासिकवाद के खिलाफ नाटक में एक गंभीर संघर्ष सामने आया - राष्ट्रीयता, ऐतिहासिकता के लिए, राष्ट्रीय पहचान.

यथार्थवाद, जिसे रंगमंच द्वारा और फिर रूमानियत द्वारा तैयार किया गया था, ने 30 और 40 के दशक में योग्य स्वतंत्र रूप प्राप्त किए। 19 वीं सदी और सदी के मध्य तक अपने उच्चतम प्रभुत्व स्थान पर पहुंच गया।

आधुनिक रंगमंच में अनेक प्रकार की कलाओं, सामाजिक समस्याओं और भावनाओं का संश्लेषण उत्पन्न होता है - मनोवैज्ञानिक विश्लेषण, उच्च नैतिक मुद्दे, तात्कालिकता भावनात्मक स्थिति, प्रामाणिकता और भड़काऊ, अनुभव और वैराग्य, गीत और व्यंग्य। यह सब सबसे साहसी और अप्रत्याशित संयोजनों में आता है। समकालीन रंगमंच क्या है? यह महत्वपूर्ण कलात्मक साधनों को बचाने के साथ-साथ उनकी सामग्री के लिए, छवियों की बढ़ती गतिविधि के लिए प्रयास करने की एक स्पष्ट प्रवृत्ति है। आज इस तरह की कला निर्देशक के बिना अकल्पनीय है। इसके अलावा महत्वपूर्ण अब दर्शनीय स्थल है।

रंगमंच का इतिहास मानव जाति की दुनिया है

प्राचीन ग्रीस का रंगमंच

प्राचीन ग्रीक नाटक और रंगमंच की उत्पत्ति।

ग्रीस में नाटक की उपस्थिति इससे पहले हुई थी एक लंबी अवधि, जिसके दौरान प्रमुख स्थान पर पहले महाकाव्य और फिर गीतों का कब्जा था। हम सभी इलियड और ओडिसी की समृद्ध वीर महाकाव्य कविताओं, हेसियोड (7 वीं शताब्दी ईसा पूर्व) की उपदेशात्मक (शिक्षाप्रद) महाकाव्य कविताओं को जानते हैं; ये छठी शताब्दी के गीतकार कवियों की रचनाएँ हैं। ईसा पूर्व।

ग्रीक नाटक और रंगमंच का जन्म अनुष्ठानिक खेलों से जुड़ा है जो कृषि के संरक्षक देवताओं को समर्पित थे: डेमेटर, उनकी बेटी कोरे और डायोनिसस। डायोनिसस के सम्मान में अनुष्ठान खेलों और गीतों से प्राचीन ग्रीक नाटक की तीन शैलियाँ विकसित हुईं: त्रासदी, कॉमेडी और व्यंग्य कॉमेडी (गाना बजानेवालों के नाम पर, जिसमें व्यंग्य शामिल थे)।

• त्रासदी ने डायोनिसियन पंथ के गंभीर पक्ष को प्रतिबिंबित किया।
• कॉमेडी - कार्निवल-व्यंग्य।
• व्यंग्य नाटक को औसत विधा के रूप में प्रस्तुत किया गया। हंसमुख खेल चरित्र और सुखद अंतडायोनिसस के सम्मान में छुट्टियों में अपना स्थान निर्धारित किया: त्रासदियों की प्रस्तुति के निष्कर्ष के रूप में व्यंग्य नाटक का मंचन किया गया।

सामाजिक-राजनीतिक और नैतिक शिक्षा में दुखद विचारों की भूमिका बहुत बड़ी थी। पहले से ही छठी शताब्दी ईसा पूर्व की दूसरी छमाही में। त्रासदी एक महत्वपूर्ण विकास पर पहुंच गई है। प्राचीन इतिहास बताता है कि पहला एथेनियन दुखद कवि थेस्पिस (छठी शताब्दी ईसा पूर्व) था। उनकी त्रासदी का पहला उत्पादन (इसका नाम अज्ञात है) 534 ईसा पूर्व के वसंत में हुआ था। महान डायोनिसियस के पर्व पर। इस वर्ष को विश्व रंगमंच का जन्म वर्ष माना जाता है।

त्रासदी की तुलना में कॉमेडी में बहुत अधिक पौराणिक मकसदरोजमर्रा की जिंदगी में मिलाया गया था, जो धीरे-धीरे प्रमुख या केवल एक ही बन गया, हालांकि सामान्य तौर पर कॉमेडी को अभी भी डायोनिसस को समर्पित माना जाता था। कामचलाऊ दृश्य लोक प्रहसन रंगमंच का एक प्रारंभिक रूप थे और उन्हें मिम्स कहा जाता था (अनुवाद में इसका अर्थ है "नकल", "प्रजनन"; इन दृश्यों के कलाकारों को मीम्स भी कहा जाता था)। मीम्स के नायक लोक रंगमंच के पारंपरिक मुखौटे थे: एक योद्धा, एक बाजार चोर, एक चार्लटन वैज्ञानिक, एक साधारण व्यक्ति जो सभी को मूर्ख बनाता है, आदि।

एथेंस का रंगमंच।

5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व के तीन महान त्रासदियों के काम में प्राचीन ग्रीक नाट्य कला अपने चरम पर पहुंच गई - एशेकिलस, सोफोकल्स, यूरिपिड्स और कॉमेडियन अरस्तूफेन्स, जिनकी गतिविधियाँ ईसा पूर्व चौथी शताब्दी की शुरुआत पर कब्जा करती हैं। ईसा पूर्व। अन्य नाटककारों ने एक ही समय में लिखा था, लेकिन उनके कामों के केवल छोटे अंश ही हमारे पास आए हैं, और कभी-कभी केवल नाम और अल्प जानकारी।

हेलेनिस्टिक थियेटर।

हेलेनिज़्म (VI-I सदियों ईसा पूर्व) के युग में, शास्त्रीय काल के ग्रीक थिएटर में नाटकीयता और अभिनय, और थिएटर भवन की वास्तुकला दोनों के संबंध में महत्वपूर्ण परिवर्तन हुए। ये परिवर्तन नई ऐतिहासिक परिस्थितियों से जुड़े हैं। हेलेनिस्टिक युग के रंगमंच में अभी भी हास्य और त्रासदी का मंचन किया जाता है। लेकिन IV सदी की त्रासदियों से। ईसा पूर्व। केवल छोटे टुकड़े ही बचे हैं, और, जाहिर है, हेलेनिस्टिक त्रासदी की कलात्मक योग्यता महान नहीं थी। कॉमेडी को आंकने के लिए बहुत अधिक डेटा उपलब्ध है, क्योंकि केवल एक नाटक और उस समय के महानतम कॉमेडियन मेनेंडर के अन्य नाटकों के कई अंश हमारे सामने आए हैं।

हेलेनिस्टिक युग की कॉमेडी को न्यू एटिक (या नियो-अटिक) कॉमेडी कहा जाता है। नई कॉमेडी में प्यार का मकसद एक बड़ी भूमिका निभाता है। नई अटारी कॉमेडी के लेखकों ने अरस्तू के छात्र थियोफ्रेस्टस के मनोवैज्ञानिक सिद्धांत का व्यापक रूप से उपयोग किया, जिसके अनुसार सभी चरित्र लक्षण किसी व्यक्ति की उपस्थिति और उसके कार्यों में प्रकट होते हैं। थियोफ्रेस्टस के फिजियोग्नोमिक विवरण ने निस्संदेह मास्क के डिजाइन को प्रभावित किया, जिससे दर्शकों को इस या उस चरित्र को पहचानने में मदद मिली। नई कॉमेडी में यूरिपिड्स का प्रभाव ध्यान देने योग्य है। उनके कई नायकों की जीवन से निकटता, उनके भावनात्मक अनुभवों का खुलासा - यही नई कॉमेडी यूरिपिड्स से ली गई है।

प्राचीन यूनानी रंगमंच की वास्तुकला।

प्रारंभ में, प्रदर्शन के लिए जगह को बहुत सरलता से व्यवस्थित किया गया था: गाना बजानेवालों ने अपने मंत्रों और नृत्यों के साथ एक गोल मंच-ऑर्केस्ट्रा (क्रिया orheomai - "मैं नृत्य") पर प्रदर्शन किया, जिसके चारों ओर दर्शक एकत्र हुए। लेकिन जैसे-जैसे ग्रीस के सामाजिक और सांस्कृतिक जीवन में नाट्य कला का महत्व बढ़ता गया, और जैसे-जैसे नाटक अधिक जटिल होता गया, सुधार होते गए। ग्रीस के पहाड़ी परिदृश्य ने मंच और दर्शकों की सीटों की सबसे तर्कसंगत व्यवस्था को प्रेरित किया: ऑर्केस्ट्रा पहाड़ी के तल पर स्थित होना शुरू हुआ, और दर्शक ढलान पर स्थित थे।

सभी प्राचीन ग्रीक थिएटर खुले थे और बड़ी संख्या में दर्शकों को समायोजित किया गया था। डायोनिसस के एथेंस थिएटर, उदाहरण के लिए, 17,000 लोगों को समायोजित कर सकता है, एपिडॉरस में थिएटर - 10,000 तक। 5 वीं शताब्दी में ईसा पूर्व। ग्रीस में, एक स्थिर प्रकार की नाट्य संरचना विकसित हुई, जो पुरातनता के पूरे युग की विशेषता थी। थिएटर के तीन मुख्य भाग थे: एक ऑर्केस्ट्रा, एक थिएटर (दर्शकों के लिए स्थान, क्रिया तियोमाई से - "मैं देखता हूं") और स्केन (स्कीन - "टेंट", बाद में एक लकड़ी या पत्थर की संरचना)।

थिएटर का आकार ऑर्केस्ट्रा के व्यास (11 से 30 मीटर तक) द्वारा निर्धारित किया गया था। स्केन ऑर्केस्ट्रा की परिधि के स्पर्शरेखा पर स्थित था। स्केन-प्रोस्केनिया की सामने की दीवार, जिसमें आमतौर पर एक उपनिवेश की उपस्थिति होती थी, एक मंदिर या महल के मुखौटे को चित्रित करती थी। स्केन को दो पार्श्व संरचनाओं से जोड़ा गया था, जिन्हें पैरास्केनिया कहा जाता था। Paraskenii ने दृश्यों और अन्य नाटकीय संपत्ति को संग्रहीत करने के लिए एक स्थान के रूप में कार्य किया। स्कीन और दर्शकों के लिए सीटों के बीच, जो सर्कल के आधे से थोड़ा अधिक पर कब्जा कर लिया था, गलियारे-पैरोडी थे, जिसके माध्यम से दर्शकों ने प्रदर्शन शुरू होने से पहले थिएटर में प्रवेश किया, और फिर गाना बजानेवालों और अभिनेताओं ने ऑर्केस्ट्रा में प्रवेश किया। शास्त्रीय युग के रंगमंच में, दर्शकों का ध्यान क्रिया के विकास पर, पात्रों के भाग्य पर केंद्रित था, न कि बाहरी प्रभावों पर। ग्रीक थियेटर के लेआउट ने अच्छी श्रव्यता प्रदान की। इसके अलावा, कुछ थिएटरों में, ध्वनि को बढ़ाने के लिए दर्शकों की सीटों के बीच गूंजने वाले जहाजों को रखा गया था। प्राचीन ग्रीक थियेटर में कोई पर्दा नहीं था, हालांकि यह संभव है कि कुछ नाटकों में रंगभूमि के कुछ हिस्सों को दर्शकों से अस्थायी रूप से बंद कर दिया गया हो।

रोमन रंगमंच

रोमन रंगमंच की उत्पत्ति।

रोमन थिएटर और नाटक की उत्पत्ति, ग्रीस की तरह, कार्निवाल तत्वों से भरपूर रस्मी खेलों के लिए वापस जाती है। उदाहरण के लिए, यह इतालवी देवता सैटर्न के सम्मान में सतुरलिया का पर्व है। इस अवकाश की ख़ासियत सामान्य सामाजिक संबंधों का "उलटना" था: स्वामी कुछ समय के लिए "दास" बन गए, और दास "स्वामी" बन गए।

रोमन रंगमंच और नाटक की उत्पत्ति ग्रामीण फसल उत्सवों में से एक थी। दूरस्थ समय में भी, जब रोम लैटियम का एक छोटा सा समुदाय था, फसल के अंत के संबंध में गांवों में छुट्टियां मनाई जाती थीं। इन छुट्टियों में, हंसमुख असभ्य गाने-फसेन्निन गाए जाते थे। जैसा कि ग्रीस में, आमतौर पर दो आधे गायकों ने प्रदर्शन किया, चुटकुलों का आदान-प्रदान किया, कभी-कभी एक कास्टिक सामग्री की।

कबीलाई व्यवस्था के दौरान उत्पन्न होने के बाद, बाद की शताब्दियों में फ़ेसेनिन भी अस्तित्व में थे, और, होरेस के अनुसार, प्लेबायियन और पाटीदारों के बीच सामाजिक संघर्ष उनमें परिलक्षित होता था। इस प्रकार संतृप्त उत्पन्न हुआ (अनुवाद में इसका अर्थ है "मिश्रण")। saturas एक घरेलू और हास्य प्रकृति के नाटकीय दृश्य थे, जिसमें संवाद, गायन, संगीत और नृत्य शामिल थे।

कॉमिक प्रकृति का एक अन्य प्रकार का नाटकीय प्रदर्शन एटेलानी था, जो एपिनेन प्रायद्वीप में रहने वाले अन्य जनजातियों से उधार लिया गया था, जिनके साथ रोम ने लगातार युद्ध छेड़े थे। युवा इन खेलों में रुचि लेने लगे और छुट्टियों पर उनकी व्यवस्था करने लगे। एटेलन के चार स्थायी थे हास्य चरित्र: मैक, बुकोन, पैप और डोसेन। एटेलानी के पास ठोस पाठ नहीं था, इसलिए जब उनका प्रदर्शन किया गया, तो कामचलाऊ व्यवस्था के लिए एक व्यापक गुंजाइश खुल गई। माइम भी लोक नाटक में वापस चला जाता है। जैसा कि ग्रीस में, माइम ने दृश्यों को पुन: प्रस्तुत किया लोक जीवन, और कभी-कभी मिथकों की पैरोडी की, देवताओं और नायकों को विदूषक रूप में प्रस्तुत किया। इस प्रकार, रोम में प्राचीन ग्रीस के समान ही अनुष्ठान के खेल थे। लेकिन लोक रंगमंच का विकास नाटक की कमजोर शुरुआत से आगे नहीं बढ़ा। यह रोमन जीवन के रूढ़िवादी तरीके और पुजारियों के मजबूत प्रतिरोध के कारण है। इसलिए, रोम में एक स्वतंत्र पौराणिक कथा विकसित नहीं हुई, जो ग्रीस में नाटक सहित कला की "भूमि और शस्त्रागार" के रूप में कार्य करती थी।

रिपब्लिकन युग के रोमन रंगमंच।

रोमनों ने साहित्यिक नाटक को यूनानियों से तैयार रूप में लिया और इसे लैटिन में अनुवादित किया, इसे अपनी अवधारणाओं और स्वादों के अनुकूल बनाया। प्रथम पुनिक युद्ध के विजयी अंत के बाद, 240 ईसा पूर्व के उत्सव खेलों में, एक नाटकीय प्रदर्शन की व्यवस्था करने का निर्णय लिया गया। उत्पादन ग्रीक लिवियस एंड्रोनिकस को सौंपा गया था, जो रोमन सीनेटर की गुलामी में था, जिसने उसे लैटिन नाम लिवियस दिया था। अपनी रिहाई के बाद, वह रोम में रहा और ग्रीक और पढ़ाना शुरू किया लैटिनरोमन कुलीनता के पुत्र। इस शिक्षक ने त्रासदी का भी मंचन किया और शायद कॉमेडी भी, जिसे उन्होंने ग्रीक मॉडल से फिर से तैयार किया, या शायद ग्रीक से लैटिन में अनुवाद किया। इस प्रोडक्शन ने रोमन थिएटर के विकास को पहली प्रेरणा दी।

235 ईसा पूर्व से नाटककार ग्नियस नेवी ने अपने नाटकों का मंचन शुरू किया। नेविस का एक छोटा समकालीन, टाइटस मैकियस प्लाव्ट। उनका काम उस अवधि को संदर्भित करता है जब एक कृषि समुदाय से रोम सबसे मजबूत राज्य में बदल जाता है - पहले एपिनेन प्रायद्वीप और फिर पूरे भूमध्यसागरीय बेसिन का। पब्लिअस टेरेंस अफ, जिन्होंने पल्लियाता की शैली में प्लॉटस की तरह काम किया, नाटककारों की अगली पीढ़ी के थे। टेरेंस को नए यूरोपीय नाटक का अग्रदूत कहा जा सकता है। यूरोपीय रंगमंच ने बार-बार उनके काम की ओर रुख किया है। मोलिरे के काम में उनके हास्य "फॉर्मियन" और "ब्रदर्स" का प्रभाव महसूस किया जाता है।

शाही युग का रोमन रंगमंच।

पहली शताब्दी ईसा पूर्व में, रोम में गणतंत्र गिर गया। 31 ईसा पूर्व में सीज़र की हत्या और एंटनी पर जीत के बाद। ऑक्टेवियन रोम में सम्राट बने, जिन्होंने बाद में ऑगस्टस ("पवित्र") का मानद उपनाम प्राप्त किया। अगस्त अच्छी तरह से वाकिफ था सार्वजनिक महत्वथिएटर और इसके विकास में हर संभव तरीके से योगदान दिया। सबसे पहले, ऑगस्टस ग्रीक प्रकार की त्रासदी को रोमन मंच पर पुनर्जीवित करना चाहता था, इसे अपने नागरिकों के नैतिकता को सुधारने और शिक्षित करने के साधन के रूप में देखता था। ऑगस्टस की इन आकांक्षाओं को उत्कृष्ट रोमन कवियों में से एक, होरेस द्वारा समर्थित किया गया था, और उनकी कविता के विज्ञान में परिलक्षित हुआ था। हालाँकि, रोमन मंच पर एक गंभीर शैली को पुनर्जीवित करने के ऑगस्टस के सभी प्रयास असफल रहे।

शाही युग की त्रासदी से, दार्शनिक सेनेका की त्रासदियों को छोड़कर, हमारे पास कुछ भी नहीं आया है। लुसियस एनेई सेनेका सम्राट नीरो के ट्यूटर थे, एक समय में वे उनके अधीन राज्य में सर्वोच्च पदों पर आसीन थे, लेकिन फिर उन पर सम्राट के खिलाफ साजिश रचने का आरोप लगाया गया और नीरो के आदेश पर उन्होंने अपनी नसें खोलकर आत्महत्या कर ली। त्रासदी सेनेका ने लिखना शुरू किया पिछले साल काजीवन, जब उसके प्रति नीरो का रवैया बदल गया और उसे मौजूदा आदेश पर अधिक सावधानी से अपने विचार व्यक्त करने के लिए मजबूर होना पड़ा।

नाट्य प्रदर्शन का संगठन।

विभिन्न सार्वजनिक अवकाशों के दौरान रोम में प्रदर्शन आयोजित किए गए। बृहस्पति, जूनो और मिनर्वा के सम्मान में सितंबर में आयोजित पेट्रीशियन, रोमन खेलों की दावत में नाटक खेले गए; जुलाई में अपोलो खेलों में। पहली शताब्दी के मध्य तक रोम में कोई स्थायी थिएटर भवन नहीं था। ई.पू.; इसके निर्माण का रूढ़िवादी सीनेट ने विरोध किया था। प्रदर्शन के लिए, एक लकड़ी का मंच, एक आदमी की आधी ऊंचाई, आमतौर पर मंच पर खड़ा किया जाता था। 4-5 सीढ़ियों की एक संकरी सीढ़ी मंच के मंच तक ले जाती थी, जिसके साथ अभिनेता मंच पर चढ़ जाते थे।

त्रासदी में, कार्रवाई महल के सामने हुई। कॉमेडीज़ में, दृश्यों में लगभग हमेशा एक शहर की सड़क को दो या तीन घरों के मुखौटे के साथ चित्रित किया गया था, और कार्रवाई घर के सामने हुई थी। दर्शक मंच के सामने बेंचों पर बैठ गए। लेकिन कभी-कभी सीनेट ने इन अस्थायी थिएटरों में सीटों की स्थापना पर रोक लगा दी: सीनेट के अनुसार प्रदर्शनों में बैठना, पवित्रता का प्रतीक था। नाट्य खेलों के लिए बनाए गए सभी ढांचे उनके पूरा होने के तुरंत बाद टूट गए।

रोम के लिए एक घटना पत्थर से बने पहले स्थायी रंगमंच की उपस्थिति थी। यह थियेटर 55 ईसा पूर्व में बनाया गया था। Gneem Pompey the Great और इसमें 40 हजार लोग शामिल थे। पहली शताब्दी के अंत में ईसा पूर्व। रोम में, दो और पत्थर के थिएटर बनाए गए: बलबा का रंगमंच और मार्सेलस का रंगमंच। उत्तरार्द्ध से, तीन मंजिलों में विभाजित बाहरी दीवार के अवशेष आज तक बच गए हैं, जो तीन आंतरिक स्तरों से मेल खाता है।

मध्य युग का रंगमंच

लिटर्जिकल और सेमी-लिटर्जिकल ड्रामा।

चर्च नाटक प्रारंभिक मध्य युग की नाट्य कला के रूपों में से एक बन गया। प्राचीन रंगमंच के अवशेषों के खिलाफ, ग्रामीण खेलों के खिलाफ लड़ते हुए, चर्च ने अपने स्वयं के उद्देश्यों के लिए नाटकीय प्रचार की प्रभावशीलता का उपयोग करने की मांग की।

पहले से ही 9वीं शताब्दी में, द्रव्यमान को नाटकीय रूप दिया गया था, मसीह के जीवन के बारे में किंवदंतियों से एपिसोड पढ़ने का एक अनुष्ठान, उनके दफन और पुनरुत्थान के बारे में विकसित किया गया था। इन संवादों से प्रारंभिक साहित्यिक नाटक का जन्म होता है। ऐसे नाटक के दो चक्र थे - क्रिसमस एक, जो ईसा मसीह के जन्म के बारे में बताता है, और ईस्टर एक, जो उनके पुनरुत्थान की कहानी कहता है। क्रिसमस लिटर्जिकल ड्रामा में, एक क्रॉस को मंदिर के बीच में रखा गया था, फिर इसे काले कपड़े में लपेटा गया, जिसका अर्थ था भगवान के शरीर को दफनाना।

समय के साथ, साहित्यिक नाटक अधिक जटिल हो जाता है, "अभिनेताओं" की वेशभूषा में विविधता आती है, और "निर्देशक के निर्देश" परीक्षण और आंदोलनों के सटीक संकेत के साथ बनाए जाते हैं। यह सब स्वयं पुरोहितों द्वारा किया जाता था। मरने के बाद के प्रदर्शन के आयोजकों ने मंच के अनुभव को संचित किया और कुशलता से लोगों को मसीह और अन्य सुसमाचार के चमत्कारों का उदगम दिखाना शुरू किया। जीवन को स्वीकार करने और मंचित प्रभावों का उपयोग करते हुए, लिटर्जिकल ड्रामा अब आकर्षित नहीं हुआ, लेकिन सेवा से पारिश्रमिकियों को विचलित कर दिया। शैली का विकास इसके आत्म-विनाश से भरा हुआ था। थिएटर की सेवाओं को अस्वीकार नहीं करना चाहते हैं और इसके साथ सामना करने में सक्षम नहीं होने के कारण, चर्च के अधिकारी चर्च के वाल्टों के नीचे से बरामदे में लिटर्जिकल ड्रामा निकालते हैं। एक अर्ध-विद्रोही नाटक का जन्म होता है। और फिर चर्च थियेटर, औपचारिक रूप से पादरी की शक्ति में होने के कारण, शहर की भीड़ के प्रभाव में आ गया। अब वह पहले से ही उसे अपने स्वाद तय करती है, उसे मेलों के दिनों में प्रदर्शन देती है, और नहीं चर्च की छुट्टियां, पूरी तरह से अपनी मूल भाषा में बदल जाते हैं, जो भीड़ को समझ में आती है। सफलता के बारे में चिंतित, पादरी ने रोज़मर्रा के विषयों को चुनना शुरू कर दिया, और अर्ध-विद्रोही नाटक के लिए सामग्री है बाइबिल की कहानियाँरोजमर्रा की व्याख्या के अधीन। बाइबिल की किंवदंतियों को समय के साथ काव्यात्मक प्रसंस्करण के अधीन किया जाता है। तकनीकी नवाचार भी पेश किए जाते हैं: एक साथ दृश्यों का सिद्धांत अंततः स्थापित होता है, जब एक साथ कई दृश्यों को दिखाया जाता है; ट्रिक्स की संख्या बढ़ जाती है। हालाँकि, इस सब के बावजूद, चर्च नाटक ने चर्च के साथ घनिष्ठ संबंध बनाए रखा। नाटक का मंचन पोर्च पर किया गया था, चर्च के कोष में, इसके प्रदर्शनों की सूची पादरी द्वारा संकलित की गई थी (हालाँकि प्रदर्शन में भाग लेने वाले, पुजारियों और हवलदारों के साथ)। इसलिए, सनकी रूप से परस्पर अनन्य तत्वों को मिलाकर, चर्च ड्रामा लंबे समय तक अस्तित्व में रहा।

धर्मनिरपेक्ष नाटकीयता।

यथार्थवादी दिशा की शुरुआत

एक नई यथार्थवादी प्रवृत्ति के पहले स्प्राउट्स फ्रांस के शहर अर्रास से ट्रौवेउर (ट्राउबडॉर) एडम डे ला हाले (लगभग 1238-1287) के नाम से जुड़े हैं। डे ला एले को कविता, संगीत और रंगमंच का शौक था। वह पेरिस और इटली में (अंजौ के चार्ल्स के दरबार में) रहते थे और व्यापक रूप से एक कवि, संगीतकार और नाटककार के रूप में जाने जाते थे।

13वीं शताब्दी में, चमत्कारी रंगमंच, जिसमें जीवन की घटनाओं को भी विषयवस्तु के रूप में शामिल किया गया था, ने हास्य धारा को पहले ही डुबो दिया था, लेकिन धर्म की ओर मुड़ गया।

चमत्कार।

चमत्कार नाम ही से आता है लैटिन शब्द"चमत्कार"। और वास्तव में, सभी संघर्ष, कभी-कभी बहुत तेजी से जीवन के अंतर्विरोधों को दर्शाते हैं, इस शैली में हस्तक्षेप के लिए धन्यवाद दिव्य शक्तियाँ- सेंट निकोलस, वर्जिन मैरी, आदि। समय ही - XIV सदी, युद्धों से भरा हुआ, लोकप्रिय अशांति और अमानवीय प्रतिशोध, चमत्कार जैसी विवादास्पद शैली के विकास की व्याख्या करता है। यह कोई संयोग नहीं है कि चमत्कार, जो आम तौर पर वास्तविकता के निंदात्मक चित्रण के साथ शुरू हुआ, हमेशा एक समझौते, पश्चाताप और क्षमा के कार्य के साथ समाप्त हुआ, जिसका व्यावहारिक रूप से मतलब सिर्फ दिखाए गए अत्याचारों के साथ सामंजस्य था, क्योंकि यह प्रत्येक खलनायक में एक संभावित धर्मी मानता था आदमी। यह बर्गर चेतना और चर्च दोनों के अनुकूल था।

रहस्य।

रहस्य रंगमंच का उत्कर्ष 15वीं-16वीं शताब्दी है, जो शहरों के तेजी से फलने-फूलने और सामाजिक अंतर्विरोधों के तेज होने का समय है। शहर काफी हद तक सामंती निर्भरता पर काबू पा चुका है, लेकिन अभी तक एक निरंकुश सम्राट के शासन में नहीं आया है। रहस्य पुष्पित होने की अभिव्यक्ति थी मध्ययुगीन शहर, उसकी संस्कृति। यह तथाकथित "नकल रहस्य" से बाहर हो गया - धार्मिक छुट्टियों के सम्मान में शहरी जुलूस, राजाओं के सम्मान में। मध्ययुगीन रंगमंच के शुरुआती अनुभव का उपयोग करते हुए, इन उत्सवों से, धीरे-धीरे एक रहस्य नाटक का गठन किया गया। रहस्यों का प्रदर्शन चर्च द्वारा नहीं, बल्कि शहर की कार्यशालाओं और नगर पालिकाओं द्वारा आयोजित किया गया था। लेखक एक नए प्रकार के व्यक्ति थे - वैज्ञानिक, धर्मशास्त्री, वकील, डॉक्टर। इस तथ्य के बावजूद कि प्रस्तुतियों को शहर के ऊपरी पूंजीपतियों द्वारा निर्देशित किया गया था, रहस्य बड़े पैमाने पर बाहरी शौकिया कला थे। प्रदर्शनों में सैकड़ों लोगों ने हिस्सा लिया।

रहस्यों ने दुनिया के निर्माण, भगवान के खिलाफ लूसिफ़ेर के विद्रोह, बाइबिल के चमत्कारों को दिखाया। रहस्य ने मध्यकालीन रंगमंच की विषयगत सीमा का विस्तार किया, एक विशाल मंच अनुभव संचित किया, जिसका उपयोग मध्य युग की बाद की शैलियों द्वारा किया गया था। रहस्य का निष्पादक शहरी लोग थे। विभिन्न शहर कार्यशालाओं के प्रतिनिधियों द्वारा एक विशाल नाट्य प्रदर्शन के अलग-अलग एपिसोड का प्रदर्शन किया गया। साथ ही, रहस्य ने प्रत्येक पेशे के लिए जितना संभव हो सके खुद को व्यक्त करना संभव बना दिया। द मिस्ट्रीज़ ने नाट्य तकनीक विकसित की, लोगों के बीच रंगमंच के लिए एक स्वाद की पुष्टि की, और पुनर्जागरण नाटक की कुछ विशेषताओं को तैयार किया। लेकिन 1548 तक मिस्ट्री सोसाइटीज, विशेष रूप से फ्रांस में व्यापक रूप से, रहस्यों को दिखाने से प्रतिबंधित कर दिया गया था: मिस्ट्री थिएटर की महत्वपूर्ण कॉमेडी लाइन बहुत मूर्त हो गई थी। मृत्यु का कारण यह भी है कि उसे समाज की नई, प्रगतिशील ताकतों का समर्थन नहीं मिला।

सुधार आंदोलन

सामंत विरोधी चरित्र

16वीं सदी में यूरोप में रिफॉर्मेशन शुरू हुआ। इसका चरित्र सामंतवाद विरोधी था और इसने सामंतवाद के वैचारिक स्तंभ कैथोलिक चर्च के खिलाफ संघर्ष का रूप ले लिया।

सुधार आंदोलन "ईश्वर के साथ व्यक्तिगत संवाद", व्यक्तिगत सद्गुण के सिद्धांत की पुष्टि करता है। अमीर बर्गर के हाथों में, नैतिकता सामंती प्रभुओं और गरीब शहरी जनता दोनों के खिलाफ संघर्ष का हथियार बन जाती है। बुर्जुआ विश्वदृष्टि को पवित्रता देने की इच्छा नैतिकता के रंगमंच को जन्म देती है।

नैतिकता।

नैतिकता ने नैतिकता को धार्मिक भूखंडों और रोजमर्रा की विकर्षणों दोनों से मुक्त कर दिया और खुद को अलग-थलग कर लिया, शैलीगत एकता और एक बड़ा उपदेशात्मक अभिविन्यास हासिल कर लिया।

स्वांग।

15वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से वर्ग स्वांग एक स्वतंत्र नाट्य शैली बन गया है। हालाँकि, वह इससे पहले छिपे हुए विकास में एक लंबा सफर तय कर चुका था। यह नाम लैटिन के फार्टा ("फिलिंग") से आया है। वास्तव में, रहस्यों के आयोजकों ने अक्सर लिखा: "यहाँ प्रहसन डालें।" हंसमुख कार्निवाल प्रदर्शन और लोक प्रदर्शन "बेवकूफ निगमों" को जन्म देते हैं - क्षुद्र न्यायिक अधिकारियों, विभिन्न शहर बोहेमियन, स्कूली बच्चों, सेमिनारियों का एक संघ। 15वीं शताब्दी में, विदूषक समाज पूरे यूरोप में फैल गया। पेरिस में चार बड़े संगठन थे, और उनके हास्यास्पद प्रदर्शन की परेड नियमित रूप से आयोजित की जाती थी। इन परेडों में, बिशपों के भाषण, न्यायाधीशों के शब्द विवाद और शहर में राजाओं के प्रवेश का उपहास किया जाता था। इसके जवाब में, धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक अधिकारियों ने किसानों को सताया, उन्हें शहर से निकाल दिया, उन्हें जेलों में डाल दिया। तमाशा अपनी सारी सामग्री और कलात्मक संरचना के साथ वास्तविकता की ओर मोड़ दिया जाता है। वह लुटेरे सैनिकों, क्षमा करने वाले भिक्षुओं, घमंडी रईसों, कंजूस व्यापारियों का उपहास करता है। स्पष्ट रूप से देखा गया और रेखांकित चरित्र लक्षण व्यंग्यात्मक रूप से इंगित जीवन सामग्री को ले जाते हैं। फ़ार्स के लिए अभिनय कला के मुख्य सिद्धांत चरित्र चित्रण थे, एक पैरोडी कैरिकेचर और गतिशीलता के लिए लाया गया, जो स्वयं कलाकारों की गतिविधि और उत्साह को व्यक्त करता है। राजशाही और सनकी अधिकारियों ने तेजी से शहरी मुक्त सोच और इसके रूपों में से एक पर हमला किया - फ़ारसील थिएटर।

पश्चिमी यूरोप में थिएटर के आगे के विकास पर इस प्रहसन का बहुत प्रभाव पड़ा। इटली में, कॉमेडिया डेल'आर्ट का जन्म प्रहसन से हुआ था; स्पेन में - "स्पैनिश थिएटर के जनक" लोप डी रुएडा का काम; और इंग्लैंड में, प्रहसन के प्रकार के अनुसार, जॉन हेवुड ने जर्मनी में, हंस सैक्स ने अपने अंतर्संबंध लिखे; फ़्रांस में फ़ारसी परंपराओं ने जीनियस मोलिअर और महान शेक्सपियर की कला को पोषित किया।

यह वह तमाशा था जो पुराने और नए रंगमंच के बीच की कड़ी बन गया।

नया रंगमंच

रंगमंच (ग्रीक थियेट्रॉन से - तमाशा, तमाशा के लिए स्थान)। थिएटर की सामान्य अवधारणा को नाट्य कला के प्रकारों में विभाजित किया गया है: नाटक थियेटर, ओपेरा, बैले, पैंटोमाइम थिएटर, आदि। शब्द की उत्पत्ति प्राचीन यूनानी प्राचीन रंगमंच से जुड़ी हुई है, जहां सभागार में स्थानों को इस तरह कहा जाता था। हालाँकि, आज इस शब्द का अर्थ अत्यंत विविध है।

प्रबुद्धता ने आधुनिक संस्कृति में संक्रमण के अंत को चिह्नित किया। जीवन और सोच का एक नया तरीका आकार ले रहा था, जिसका अर्थ है कि एक नए प्रकार की संस्कृति की कलात्मक आत्म-जागरूकता भी बदल रही थी। नाम "ज्ञानोदय" सांस्कृतिक और आध्यात्मिक जीवन के क्षेत्र में इस वर्तमान की सामान्य भावना को अच्छी तरह से चित्रित करता है, जिसका उद्देश्य धार्मिक या राजनीतिक अधिकारियों के आधार पर विचारों को बदलना है जो मानव मन की आवश्यकताओं का पालन करते हैं।

18 वीं सदी विश्व संस्कृति को ऐसा दिया अद्भुत कलाकारऔर थिएटर कला सिद्धांतकार जैसे इंग्लैंड में शेरिडन, फ्रांस में वोल्टेयर, डिडरॉट, ब्यूमरैचिस, जर्मनी में लेसिंग, गोएथे, शिलर, इटली में गोल्डोनी। कारण के प्रभुत्व ने इस तथ्य को जन्म दिया कि प्रबुद्धता की कला तर्कसंगतता से ग्रस्त थी, जीवन के एक तर्कसंगत विश्लेषण के लिए आदेशित रूपों की आवश्यकता थी।

हालाँकि, प्रबुद्धजन, जिन्होंने मनुष्य के आदर्श को देखा सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व, जब कला की बात आती है तो महसूस करने की माँगों की उपेक्षा नहीं कर सकते। प्रबुद्धता के रंगमंच ने उल्लेखनीय रूप से सामग्री और विधि दोनों को व्यक्त किया एक नया रूपएक ऐसी दुनिया के लिए जो युग के लिए पर्याप्त थी।

इंग्लैंड में प्रबुद्धता के युग में रंगमंच।

18वीं शताब्दी के थियेटरों के दर्शक कहीं अधिक लोकतांत्रिक हो गए। पैरेट्रे में, शहरवासियों के लिए साधारण बेंच लगाई गई थी। राेक नौकरों, छात्रों और छोटे कारीगरों से भरा हुआ था। प्रदर्शनों के दौरान, दर्शक बहुत सक्रिय थे, मंच पर जो दिखाया गया था, उस पर एनिमेटेड प्रतिक्रिया कर रहे थे।

इस प्रकार, इंग्लैंड में, प्रबोधन के रंगमंच ने उभरती हुई बुर्जुआ व्यवस्था के दोषों की आलोचना की। थिएटर का एक नया वैचारिक सिद्धांत है: दर्शकों की सार्वजनिक और नैतिक शिक्षा। यह सिद्धांत इंग्लैंड की प्यूरिटन परंपराओं में पूरी तरह से फिट बैठता है - भविष्य में, प्यूरिटन ने नाटकीय कला के संबंध में अपनी स्थिति को नरम कर दिया, और अब थिएटर के खिलाफ नहीं लड़े, लेकिन इसके सुधार के लिए: अनैतिकता का उन्मूलन और परिवर्तन एक सामाजिक रूप से उपयोगी संस्थान में रंगमंच।

कुलीन रंगमंच के खिलाफ प्यूरिटन धर्मशास्त्री जेरेमी कोलियर का ग्रंथ, ए ब्रीफ रिव्यू ऑफ द इम्मोरलिटी एंड इम्मोरलिटी ऑफ द इंग्लिश स्टेज (1698), थिएटर के सुधार का प्रोग्रामेटिक दस्तावेज बन गया। इस ग्रंथ में परिभाषित नैतिकता और उपदेशवाद पर जोर दिया गया है अंग्रेजी रंगमंच 18वीं शताब्दी के अधिकांश समय में। इस नस में, जोसेफ एडिसन (कैटो, द ड्रमर), रिचर्ड स्टील (द लायर लवर, या वुमन फ्रेंडशिप; केयरफ्री हसबैंड), सैमुअल जॉनसन (आइरीन), कोली सिब्बर (केयरफ्री हसबैंड; लास्ट रेट ऑफ़ द लास्ट रेट) जैसे नाटककारों का काम पत्नी; नाराज़ पति) इस नस में विकसित हुई।)

1731 में, अपने नाटक द मर्चेंट ऑफ़ लंदन, या द स्टोरी ऑफ़ जॉर्ज बार्नवेल की प्रस्तावना में, नाटककार जॉर्ज लिलो ने एक नए के लिए एक घोषणापत्र प्रकाशित किया सौंदर्य कार्यक्रम- क्षुद्र-बुर्जुआ नाटक का यथार्थवादी सिद्धांत। वह त्रासदी के वर्ग प्रतिबंधों का विरोध करता है, जिसने केवल उच्च-श्रेणी के व्यक्तित्वों को अपने नायकों में लाया। अभिजात वर्ग के प्रति अपनी नापसंदगी को छिपाए बिना, वह मांग करता है कि त्रासदी पूंजीपति वर्ग के नैतिक विचारों की संवाहक बने। दस साल पहले, 1721 में, इंग्लैंड में एक गुमनाम नाटक, घातक पागलपन दिखाई दिया, जो निम्न-बुर्जुआ नाटक के पसंदीदा विषयों में से एक पर लिखा गया था - जुए के विनाशकारी परिणाम। तब नाटक व्यावहारिक रूप से किसी का ध्यान नहीं गया - एक नई शैली का समय अभी तक नहीं आया था। लेकिन अब दर्शकों के बीच बुर्जुआ समस्याओं की काफी मांग हो गई है।

हेनरी फील्डिंग ("डॉन क्विक्सोट इन इंग्लैंड"; "ग्रबस्ट्रीट्स ओपेरा, या एट द वाइफ्स शू"; "1736 के लिए ऐतिहासिक कैलेंडर") द्वारा नाटकीयता में व्यंग्यात्मक प्रवृत्तियों को सफलतापूर्वक विकसित किया गया था। 1737 में नाटकीय सेंसरशिप पर एक सरकारी कानून के प्रकाशन के लिए व्यंग्यात्मक निंदा की तीक्ष्णता का नेतृत्व किया गया, जिसने राजनीतिक व्यंग्य को समाप्त कर दिया। नाटककारों-शिक्षकों का ध्यान शिष्टाचार की कॉमेडी पर केंद्रित था, जिसने इसे कम से कम सामाजिक व्यंग्य के लिए संभव बना दिया। इस अवधि के शिष्टाचार की कॉमेडी की सबसे दिलचस्प रचनाएँ ओलिवर गोल्डस्मिथ (गुड इक्वल; नाइट ऑफ़ एरर्स) और रिचर्ड शेरिडन (प्रतिद्वंद्वी; स्कूल ऑफ़ स्कैंडल) की कलम से संबंधित हैं।

अंग्रेजी कलात्मक कला का सबसे अच्छा प्रतिनिधि मंच पर एक मानवतावादी और शिक्षक प्रसिद्ध डेविड गैरिक (1717-1779) थे। उन्होंने हेमलेट, लियर और अन्य की भूमिका निभाते हुए शेक्सपियर की नाटकीयता को सफलतापूर्वक बढ़ावा दिया।

18वीं शताब्दी का अंत एक नई शैली के उद्भव से इंग्लैंड में चिह्नित - "दुःस्वप्न और भयावहता" की त्रासदी, जो एक नई सौंदर्य प्रवृत्ति - रूमानियत का अग्रदूत थी। इस शैली के निर्माता होरेस वालपोल थे। हालाँकि उनके पास केवल एक ही नाटक है - "द मिस्टीरियस मदर" (1768), जिसमें अनाचार जुनून की कहानी को दर्शाया गया है, लेखक का पूर्व-रोमांटिक और रोमांटिक नाटक पर बहुत प्रभाव था।

XVIII सदी के फ्रेंच थिएटर।

प्रबुद्धता के युग में समाज के लोकतंत्रीकरण की प्रक्रिया ने एक नई नाटकीय शैली को जन्म दिया - क्षुद्र-बुर्जुआ नाटक, जिसके निर्माता फ्रांस में डी। डाइडरॉट, एमजे सेडेन, एल.एस. मर्सिएर थे।

क्षुद्र-बुर्जुआ नाटक और "अश्रुपूर्ण कॉमेडी" की कमियों को पीओ ब्यूमरैचिस "द बार्बर ऑफ सेविले" (1775) और "द मैरिज ऑफ फिगारो" (1784) की कॉमेडी में दूर किया गया, जिसमें मोलिरे की परंपराएं जीवंत हो गईं नए जोश और ज्ञानोदय सौंदर्यशास्त्र की सर्वोत्तम विशेषताओं को मूर्त रूप दिया गया।

फ्रेंच की अवधि के दौरान शैक्षिक नाटकीयता की वीर और नागरिक आकांक्षाओं को सबसे बड़ी ताकत के साथ प्रकट किया गया था बुर्जुआ क्रांति 18वीं शताब्दी का अंत। एमजे चेनियर की त्रासदियों, सामंत विरोधी पाथोस ("चार्ल्स IX", 1789, "हेनरी VIII", 1791, "जीन कैलस", 1791, "काई ग्रेचस", 1792) के साथ, क्रांतिकारी क्लासिकवाद की नाटकीयता के उदाहरण थे .

फ्रांस में, दार्शनिक-शिक्षक वोल्टेयर ने सामाजिक मुद्दों को जलाने और निरंकुशता की निंदा करने के लिए अपनी नाटकीयता को संबोधित करते हुए त्रासदी की शैली को विकसित करना जारी रखा।

उसी समय, फ्रांसीसी मंच पर हास्य-व्यंग्य परंपरा को बनाए रखा गया था। इसलिए, कॉमेडी "टरकेयर" में लेसेज (1668-1747) ने न केवल पतनशील बड़प्पन की आलोचना की, बल्कि सूदखोर पूंजीपति वर्ग की भी आलोचना की। वह सामूहिक लोक रंगमंच के लिए हास्य रचना करने के इच्छुक थे।

एक अन्य शिक्षक और नाटककार, डेनिस डिडरॉट (1713-1784) ने मंच पर सच्चाई और स्वाभाविकता का बचाव किया। कई नाटकों ("बैड सन", "फादर ऑफ द फैमिली", आदि) के अलावा, डाइडरॉट ने एक ग्रंथ "द पैराडॉक्स ऑफ द एक्टर" लिखा, जहां उन्होंने अभिनय के सिद्धांत को विकसित किया।

वोल्टेयर की ज्ञानवर्धक त्रासदियों के मंचन में, एक नए प्रकार के अभिनेता सामने आए, जो वीर और आरोपित विषयों के नागरिक मार्ग को व्यक्त करने में सक्षम थे।

फ्रांस में प्रबुद्धता के रंगमंच के विकास में एक बड़े स्थान पर मेले के मैदान और बुलेवार्ड थिएटरों का कब्जा था। फेयर थिएटर की शैली पैंटोमाइम, फ़ार्स, नैतिकता, फास्टैचशिपिल्स थी, जिसके प्रदर्शन कामचलाऊ कला पर आधारित थे। ये अक्सर व्यंग्यपूर्ण प्रदर्शन होते थे, जिसमें असभ्य हास्य से भरे भद्दे और भद्दे तत्व होते थे। रस्सी नर्तकियों, बाजीगरों और प्रशिक्षित जानवरों, सर्कस अभिनेताओं के प्रोटोटाइप ने भी मेलों में प्रदर्शन किया। उन्होंने पैरोडी और व्यंग्य का व्यापक उपयोग किया। इस कला की लोकतांत्रिक प्रकृति ने विशेषाधिकार प्राप्त थिएटरों द्वारा इस पर हमले किए।

गठन जर्मन रंगमंच.

सबसे प्रमुख जर्मन लेखक-शिक्षक गॉथोल्ड-एप्रैम लेसिंग (1729-1781) जर्मन राष्ट्रीय रंगमंच के सच्चे निर्माता थे। उन्होंने पहली जर्मन राष्ट्रीय कॉमेडी "मिन्ना वॉन बार्नहोम", सामंती विरोधी त्रासदी "एमिलिया गैलोटी" और कई अन्य नाटकीय कार्यों का निर्माण किया। शैक्षिक त्रासदी नाथन द वाइज में, लेखक ने धार्मिक कट्टरता के खिलाफ बात की।

में प्रसिद्ध पुस्तक"हैम्बर्ग ड्रामाटर्जी" लेसिंग ने नाटक के सौंदर्यशास्त्र और सिद्धांत पर अपने विचारों को रेखांकित किया। जीई लेसिंग सामाजिक नाटक, राष्ट्रीय हास्य और शैक्षिक त्रासदी, थिएटर सिद्धांतकार, 18 वीं शताब्दी के जर्मन थिएटर में यथार्थवादी प्रवृत्ति के संस्थापक हैं।

प्रबोधन के विचारों का जर्मन अभिनय पर बहुत प्रभाव पड़ा, जिससे यह यथार्थवाद के करीब आ गया। इन वर्षों के दौरान जर्मनी में सबसे प्रमुख अभिनेता फ्रेडरिक लुडविग श्रोएडर (1744-1816) थे, जो "तूफान और तनाव" के विचारों से जुड़े थे। 70 के दशक में। 18 वीं सदी जर्मन कला में, "तूफान और हमले" नाम से एक नई प्रवृत्ति उत्पन्न हुई।

इसने बुर्जुआ वर्ग के सबसे उन्नत, क्रांतिकारी-दिमाग वाले हलकों के आंदोलन को प्रतिबिंबित किया, जिन्होंने सामंतवाद और निरंकुशता के खिलाफ लड़ाई लड़ी। महानतम जर्मन कवियों और नाटककारों गोएथे और शिलर ने इस धारा में भाग लिया। मैनहेम 1777 में खोला गया था। राष्ट्रीय रंगमंच, जो 80-90 के दशक के सबसे बड़े जर्मन थिएटरों में से एक बन गया। 18 वीं शताब्दी में, अभिनेता, निर्देशक और नाटककार ए. वी. इफलैंड की गतिविधियाँ इसमें सामने आईं। उन्होंने मैनहेम मंच पर बुर्जुआ-पलिश्ती नाटक (अपने स्वयं के नाटकों के साथ-साथ ए। कोत्जेब्यू के नाटकों) का रोपण किया, जो निर्धारित करता था रचनात्मक चेहरारंगमंच।

XVIII सदी के अंत में। जर्मन थिएटर का विकास वीमर थिएटर में महान जर्मन नाटककारों जे डब्ल्यू गोएथे और एफ शिलर की गतिविधियों से जुड़ा है। यहां जर्मनी में पहली बार मंचन किया गया प्रमुख कृतियाँविश्व शास्त्रीय नाट्यशास्त्र (गोएथे, शिलर, लेसिंग, वोल्टेयर और अन्य), निर्देशन कला की नींव रखी गई थी, एक एकल के अधीनस्थ अभिनेताओं के एक समूह का सिद्धांत कलात्मक इरादा.

गोएथे ने अपने सैद्धांतिक कार्यक्रम और कलात्मक अभ्यास में, प्राचीन कला के सख्त मानदंडों को पूरा करने वाले एक विशाल थिएटर बनाने के सिद्धांतों की पुष्टि की। अभिनय का "वीमर स्कूल" मैनहेम स्कूल के विपरीत था और क्लासिकिस्ट से संपर्क किया।

इतालवी रंगमंच।

आर्थिक और राजनीतिक पिछड़ेपन के बावजूद, इटली नाटकीय जीवन की समृद्धि और विविधता से प्रतिष्ठित था। 18वीं शताब्दी तक इटली में दुनिया का सबसे अच्छा संगीत थिएटर था, जिसमें दो प्रकार प्रतिष्ठित थे - गंभीर ओपेरा और कॉमिक ओपेरा (ओपेरा बफ)। एक कठपुतली थियेटर था, कॉमेडिया डेल'आर्ट के प्रदर्शन हर जगह दिए गए थे।

हालाँकि, नाटक थियेटर का सुधार लंबे समय से चल रहा है। प्रबोधन के युग में, तात्कालिक कॉमेडी अब समय की आवश्यकताओं को पूरा नहीं करती थी। एक नए, गंभीर, साहित्यिक रंगमंच की आवश्यकता थी। मुखौटों की कॉमेडी अपने पूर्व रूप में मौजूद नहीं हो सकती थी, लेकिन इसकी उपलब्धियों को संरक्षित और सावधानीपूर्वक हस्तांतरित किया जाना था नया रंगमंच.

इतालवी रंगमंच में ज्ञानोदय के विचारों की पैठ नाटकीय मंच पर औपचारिकता और विचारों की कमी के खिलाफ एक लंबे संघर्ष के साथ थी। उल्लेखनीय नाटककार कार्लो गोल्डोनी (1707-1793) इटली में एक प्रर्वतक थे। उन्होंने पात्रों की एक नई कॉमेडी बनाई। कामचलाऊ व्यवस्था के बजाय, प्रदर्शन एक साहित्यिक पाठ पर आधारित था।

18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में इटली के इतिहास में नाट्य युद्धों के समय के रूप में प्रवेश किया। वह एक औसत दर्जे के नाटककार, मठाधीश चियारी द्वारा विरोध किया गया था और इसलिए खतरनाक नहीं था, लेकिन उसका मुख्य प्रतिद्वंद्वी, उसकी प्रतिभा के बराबर था, वह था कार्लो गूज़ी. गूज़ी थिएटर ऑफ़ मास्क के बचाव में आया, जिसने इंप्रोमेप्टू कॉमेडी की परंपरा को पुनर्जीवित करने का कार्य निर्धारित किया। और किसी स्तर पर ऐसा लगा कि वह सफल हो गया। और यद्यपि गोल्डोनी ने अपने हास्य में सुधार के लिए जगह छोड़ दी, और गूज़ी ने अंततः अपने लगभग सभी को रिकॉर्ड किया नाटकीय लेखन, उनका तर्क उग्र और समझौता न करने वाला था। क्योंकि मुख्य तंत्रिकादो महान विनीशियन के बीच टकराव - उनके सामाजिक पदों की असंगति में, दुनिया और मनुष्य पर अलग-अलग विचारों में।

कार्लो गूज़ी (1720-1806) एक प्रतिभाशाली नाटककार थे। अपने प्रदर्शनों की सूची के साथ गोल्डोनी के हास्य का विरोध करने के प्रयास में, गूज़ी ने नाट्य परी कथा की शैली विकसित की। ये उनके नाटक "द लव फॉर थ्री ऑरेंज", "द डियर किंग", प्रसिद्ध "प्रिंसेस टरंडोट", "द स्नेक वुमन" और अन्य हैं। समृद्ध विडंबना और रसदार हास्य के लिए धन्यवाद, मंच के लिए गूज़ी की प्रतिभाशाली कहानियाँ आज भी सफल हैं।

त्रासदियों का सबसे बड़ा लेखक विटोरियो अल्फेरी था। इतालवी रिपर्टरी त्रासदी का जन्म उनके नाम से जुड़ा हुआ है। उन्होंने लगभग अकेले ही नागरिक सामग्री की एक त्रासदी रची। एक भावुक देशभक्त जिसने अपनी मातृभूमि की मुक्ति का सपना देखा, अल्फेरी ने अत्याचार का विरोध किया। उनकी सभी त्रासदियों को स्वतंत्रता के संघर्ष के वीरतापूर्ण पथों से ओत-प्रोत किया गया है।

अल्फेरी ने तर्क दिया कि लोगों को अभिजात वर्ग के हाथों से आजादी मिलनी चाहिए, आजादी पर जोर दिया मानव व्यक्तित्वजिसकी इच्छा केवल तर्क और कर्तव्य की भावना के अधीन है। "ऑन द सॉवरेन एंड लिटरेचर" (1778-86) के ग्रंथ में, अल्फेरी ने नाटकीय कविता के कार्य को सद्गुण की भावनाओं और स्वतंत्रता के लिए प्रेम की जागृति के रूप में परिभाषित किया। अल्फेरी की त्रासदियों "शाऊल", "फिलिप", "वर्जीनिया", "ब्रूटस आई" और "ब्रूटस II" ने इतालवी रंगमंच के विकास में योगदान दिया।

प्रबुद्धता का डेनिश रंगमंच।

डेनमार्क में पेशेवर रंगमंच 18वीं शताब्दी में उभरा, इसका निर्माण आर्थिक और के कारण हुआ था सांस्कृतिक विकासदेशों। 23 सितंबर, 1722 को, कोपेनहेगन में "द मेसर" नाटक के साथ थिएटर "डेनिश स्टेज" खोला गया, जल्द ही एल। होल्बर्ग की पहली कॉमेडी "द टिन मैन-पॉलिटिशियन" का प्रीमियर हुआ।

1728 में, कोर्ट सर्कल के प्रतिनिधियों ने डेनिश स्टेज को बंद कर दिया। थिएटर ने केवल 1748 में (रॉयल स्क्वायर के एक कमरे में) काम शुरू किया। 1770 में, उन्होंने रॉयल की उपाधि प्राप्त की और न्यायालय के मंत्रालय के अधिकार क्षेत्र में आ गए। XVIII सदी की दूसरी छमाही में। थिएटर ने सिंघस्पिल का मंचन किया, जे। इवाल्ड द्वारा हास्य, वोल्टेयर और उनके डेनिश एपिगोन्स द्वारा त्रासदी, लेकिन होलबर्ग की नाटकीयता थिएटर के प्रदर्शनों की सूची का आधार बनी रही।

डेनमार्क में प्रबुद्धता के विचारों को बढ़ावा देने में एक प्रमुख भूमिका पैरोडी त्रासदी लव विदाउट स्टॉकिंग्स (1772) के लेखक जे एक्स वेसल के काम ने निभाई, जिन्होंने होलबर्ग की परंपराओं को जारी रखा।

प्रबुद्धता का रंगमंच संपूर्ण विश्व संस्कृति के इतिहास में सबसे हड़ताली और महत्वपूर्ण घटनाओं में से एक है; यह यूरोपीय नाट्य कला का एक शक्तिशाली स्रोत है - हमेशा के लिए। नया रंगमंच युवा ऊर्जा को कार्रवाई में डालने की आवश्यकता से पैदा हुआ था। और यदि आप अपने आप से सवाल पूछते हैं कि कला के किस क्षेत्र में यह कार्रवाई होनी चाहिए, तो यह मस्ती का समुद्र है, तो जवाब स्पष्ट है: बेशक, रंगमंच के क्षेत्र में।

18वीं शताब्दी के दौरान, यूरोपीय रंगमंच एक बड़ा और मुश्किल जिंदगी. सौंदर्य संबंधी मानदंड, जिन्हें निरपेक्ष माना जाता था, इस समय के दौरान अपना पूर्व महत्व खो चुके हैं। राय और स्वाद एक सदी से लगातार टकराव में रहे हैं, सभागार एक से अधिक बार सामाजिक संघर्षों के अखाड़े में बदल गए हैं। लेखकों ने राजनीतिक विरोधियों के रूप में काम किया, जिन्होंने पहली बार सीखा कि उनकी कला में एक भयंकर संघर्ष भी मौजूद हो सकता है।

एक कला के रूप में रंगमंच चित्रकला और मूर्तिकला जैसे भौतिक स्मारकों में साहित्य और संगीत के कार्यों के रूप में संरक्षित नहीं है। लेकिन थिएटर का इतिहास अतीत के महान अभिनेताओं के बारे में बताता है कि उन्होंने कैसे खेला, अपने समकालीनों की किन आकांक्षाओं को उन्होंने अपने प्रदर्शन में शामिल किया, समय की किन मांगों पर उन्होंने प्रतिक्रिया दी।

XIX सदी में रूस का नाटकीय जीवन।

19 वीं शताब्दी की शुरुआत में, रूसी इंपीरियल थिएटरों का एक नेटवर्क विकसित हुआ, जिसके द्वारा प्रबंधित किया गया
"उनके शाही महामहिम के दरबार का मंत्रालय"। अदालत के सेंट पीटर्सबर्ग में तीन थिएटर थे - एलेक्ज़ेंड्रिन्स्की, मरिंस्की और मिखाइलोवस्की - और मास्को में दो - बोल्शोई और माली थिएटर।

नाटकों के आगमन के साथ ए.एन. ओस्ट्रोव्स्की, आई.एस. तुर्गनेव, एफ.एम. द्वारा गद्य। दोस्तोवस्की की नेक्रासोव यथार्थवाद की कविता रूसी संस्कृति में आई।

मंच पर सच्चाई क्या है, इस बारे में पुराने विचारों को तोड़ते हुए, नाटकीयता के साथ-साथ अभिनय भी बदल गया है। 16 नवंबर, 1859 ओस्ट्रोवस्की द्वारा नाटक "थंडरस्टॉर्म" के माली थिएटर में प्रीमियर का दिन था। प्रदर्शन के दौरान चारों तरफ हंगामा मच गया। कतेरीना की पहली भूमिका निभाने वाली खूबसूरत अभिनेत्री एल.पी. निकुलिना - कोसिट्स्काया। ओस्ट्रोव्स्की के नाटकों के साथ, रूसी जीवन का तत्व मंच पर फट गया, एक नई, रसदार और आधुनिक भाषा। ओस्ट्रोव्स्की के नाटकों में, माली के अभिनेता बाद के सभी दशकों में चमके। जी.एन. फेडोटोवा, एम.एन. एर्मोलोवा माली थिएटर की अद्भुत अभिनेत्री हैं।

पहले के रूसी कलाकार XIX का आधाशताब्दी एम.एस. शेपकिन, पी.एस. मोखलोव, वी. ए. किंवदंती के आंकड़ों के रूप में करत्यागिन भावी पीढ़ी की स्मृति में बने रहे। शेकपिन ने शेक्सपियर, मोलिरे, गोगोल, ओस्ट्रोव्स्की और तुर्गनेव के नाटकों में लगभग 600 भूमिकाएँ निभाईं। वह रूसी रंगमंच में यथार्थवाद स्थापित करने वाले पहले लोगों में से एक थे, उन्होंने रूसी मंच पर सच्चाई का निर्माण किया।

मोचलोव शचेपकिन के बिल्कुल विपरीत है। उन्होंने रूसी और पश्चिमी नाटकों के नाटकों में मुख्य भूमिकाएँ निभाईं - शेक्सपियर के हेमलेट, शिलर के नाटक द रॉबर्स में कार्ल मूर, विट से वेव में चैट्स्की।

नाटकों की प्रस्तुतियों में, रूसी अभिनेताओं ने ऐसी छवियां बनाईं जो नाट्य कला के इतिहास में नीचे चली गईं। दर्शकों ने एकातेरिना शिमोनोवा, एलेक्सी याकोवलेव की प्रशंसा की। इन अभिनेताओं ने प्रतिनिधित्व किए गए व्यक्ति में पूरी तरह से पुनर्जन्म लिया। धीरे-धीरे, माली थियेटर नाटकीय प्रस्तुतियों और ओपेरा और बैले में बोल्शोई के विशेषज्ञ होने लगे।

बोल्शोई पेट्रोव्स्की थियेटर 1825-1853

6 जनवरी, 1825 को बोल्शोई पेट्रोव्स्की थियेटर का उद्घाटन बहुत ही औपचारिक रूप से आयोजित किया गया था। उस शाम नए थिएटर का दौरा करने वाले दर्शक वास्तुशिल्प डिजाइन और उसके अवतार, इमारत के अभूतपूर्व पैमाने और इसके सभागार की सजावट की सुंदरता के बड़प्पन से हैरान थे।

लेखक सर्गेई अक्साकोव ने याद किया: "बोल्शोई पेट्रोव्स्की थियेटर, जो पुराने, जले हुए खंडहरों से उत्पन्न हुआ था ... चकित और प्रसन्न हुआ ... एक शानदार विशाल इमारत, जो विशेष रूप से मेरी पसंदीदा कला को समर्पित है, पहले से ही अपनी उपस्थिति के साथ मुझे खुशी के उत्साह में ले गई। ... "

प्रदर्शन शुरू होने से पहले, दर्शकों ने थिएटर निर्माता ओसिप बोवे को मंच पर बुलाया और उन्हें तालियों से पुरस्कृत किया।

11 मार्च, 1853 को एक बादल भरी ठंढी सुबह, किसी अज्ञात कारण से, थिएटर में आग लग गई। आग ने तुरंत पूरी इमारत को अपनी चपेट में ले लिया, लेकिन सबसे बड़ी ताकत के साथ मंच और सभागार में आग भड़क उठी। एक चश्मदीद ने आग का वर्णन किया, "इस विशाल को आग पर देखना भयानक था।" "जब यह जल गया, तो हमें ऐसा लगा कि हमारी आंखों के सामने एक प्रिय व्यक्ति मर रहा था, हमें सबसे सुंदर विचारों और भावनाओं से संपन्न कर रहा था। .."

Muscovites ने दो दिनों तक आग की लपटों का मुकाबला किया, और तीसरे दिन थिएटर की इमारत रोमन कोलोसियम के खंडहरों से मिलती जुलती थी। लगभग एक सप्ताह तक इमारत के अवशेष सुलगते रहे। 18 वीं शताब्दी के अंत से एकत्रित नाट्य वेशभूषा, उत्कृष्ट मंच सेट, मंडली का संग्रह, संगीत पुस्तकालय का हिस्सा और दुर्लभ संगीत वाद्ययंत्र आग में अपरिवर्तनीय रूप से नष्ट हो गए।

प्रोफेसर ए। मिखाइलोव द्वारा तैयार की गई एक नई थिएटर बिल्डिंग की परियोजना को 1821 में सम्राट अलेक्जेंडर I द्वारा अनुमोदित किया गया था, और इसका निर्माण वास्तुकार ओसिप बोवे को सौंपा गया था।

यूरोप के सबसे बड़े थिएटरों में से एक, एक जली हुई थिएटर बिल्डिंग की साइट पर बनाया गया था, लेकिन इसका मुखौटा थिएटर स्क्वायर के सामने था ...

ग्रैंड थियेटर(1856-1917)

20 अगस्त, 1856 को बहाल बोल्शोई थियेटर की उपस्थिति में खोला गया था शाही परिवारऔर वी. बेलिनी के ओपेरा "द प्यूरिटानी" के साथ सभी राज्यों के प्रतिनिधियों ने इतालवी मंडली द्वारा प्रदर्शन किया। इस अवधि के मास्को बैले ने अपनी सफलता का श्रेय सेंट पीटर्सबर्ग में बसे फ्रांसीसी मारियस पेटिपा की प्रतिभा को दिया। मंच प्रदर्शन के लिए कोरियोग्राफर बार-बार मास्को आते थे। उनके मॉस्को कार्यों में सबसे महत्वपूर्ण एल मिंकस द्वारा "डॉन क्विक्सोट" था, जिसे पहली बार 1869 में दिखाया गया था। इसके बाद, पेटिपा ने इस बैले के मास्को संस्करण को सेंट पीटर्सबर्ग चरण में स्थानांतरित कर दिया।

विकास के लिए महान मूल्य प्रदर्शन संस्कृतिपी. शाइकोवस्की का काम था। ओपेरा संगीत में संगीतकार की शुरुआत - "वोवोडा" (1869) और बैले - " स्वान झील"(1877) बोल्शोई थिएटर के मंच पर हुआ। यहाँ ओपेरा यूजीन वनगिन (1881) को अपना वास्तविक जन्म मिला, जिसके लिए पहली परीक्षा थी बड़ा मंच 1879 के कंज़र्वेटरी उत्पादन के बाद; ओपेरा माज़ेपा (1884), संगीतकार के ओपेरा के शिखर में से एक, पहली बार दिन का प्रकाश देखा; ओपेरा द ब्लैकस्मिथ वकुला का अंतिम संस्करण, जिसे 1887 के प्रदर्शन में नया नाम चेरेविचकी मिला।

थिएटर के इतिहास में एक यादगार प्रदर्शन 16 दिसंबर, 1888 को आई। मुसोर्स्की के लोक नाटक "बोरिस गोडुनोव" का पहला प्रदर्शन था। एन रिम्स्की-कोर्साकोव के ओपेरा में पहला द स्नो मेडेन (1893) था, उसके बाद द नाइट बिफोर क्रिसमस (1898) था। उसी 1898 में, थिएटर ने पहली बार दर्शकों को ए। बोरोडिन के ओपेरा "प्रिंस इगोर" और दो साल बाद प्रशंसकों को दिखाया कोरियोग्राफिक कलाए। ग्लेज़ुनोव के बैले "रेमोंडा" से परिचित हुए।

19 वीं सदी के अंत में थिएटर की ओपेरा मंडली - 20 वीं सदी की शुरुआत में कई उत्कृष्ट गायक शामिल हैं। पिछले वर्षों के गौरवशाली नामों में एवलालिया कदीना, एंटोन बार्टसाल, पावेल खोखलोव, नादेज़्दा सलीना, इवान ग्रीज़ुनोव, मार्गरीटा गुनोवा, वसीली पेत्रोव और अन्य हैं। गायक इन वर्षों में थिएटर के मंच पर दिखाई दिए, जिनके नाम जल्द ही न केवल व्यापक रूप से ज्ञात हो गए रूस, लेकिन और विदेश में - लियोनिद सोबिनोव, फेडोर चालियापिन, एंटोनिना नेझदानोवा।

सर्गेई राचमानिनोव के थिएटर में गतिविधि फलदायी थी, उन्होंने कंडक्टर के स्टैंड के पीछे खुद को एक शानदार संगीतकार घोषित किया। Rachmaninoff ने थिएटर में रूसी ओपेरा क्लासिक्स की ध्वनि की गुणवत्ता में सुधार किया। वैसे, राचमानिनोव का नाम कंडक्टर के कंसोल को उस स्थान पर स्थानांतरित करने के साथ जुड़ा हुआ है जहां यह अब है, इससे पहले कि कंडक्टर ऑर्केस्ट्रा के पीछे खड़ा था, मंच का सामना कर रहा था।

1899 में, द स्लीपिंग ब्यूटी का प्रीमियर बोल्शोई थिएटर में हुआ। इस बैले का मंचन, जिसने रूसी में संगीत और नृत्य की सामान्यता स्थापित की बैले थियेटर, कोरियोग्राफर, लिबरेटिस्ट और शिक्षक अलेक्जेंडर गोर्स्की द्वारा मास्को में एक लंबे और खुशहाल काम की शुरुआत थी। प्रतिभाशाली कलाकारों के एक बड़े समूह ने उनके साथ काम किया - एकातेरिना गेल्टसर, वेरा करल्ली, सोफिया फेडोरोवा, एलेक्जेंड्रा बालाशोवा, वासिली तिखोमीरोव, मिखाइल मोर्डकिन, कंडक्टर और संगीतकार आंद्रेई अरेंडे, और अन्य। बैले डॉन क्विक्सोट के एक नए उत्पादन के डिजाइन के लिए ( 1900), गोर्स्की ने सबसे पहले युवा कलाकारों कोंस्टेंटिन कोरोविन और अलेक्जेंडर गोलोविन को आमंत्रित किया, जो भविष्य में नाटकीय चित्रकला के महान स्वामी थे।

1911 थिएटर भवन की बहाली परियोजना की प्रतियोगिता में, अल्बर्ट कावोस द्वारा प्रस्तुत योजना जीत गई।

कावोस ने ब्यूवैस बिल्डिंग के लेआउट और वॉल्यूम को बरकरार रखते हुए ऊंचाई बढ़ाई, अनुपात में बदलाव किया और वास्तुशिल्प सजावट को फिर से डिजाइन किया। विशेष रूप से, इमारत के किनारों पर लैंप के साथ कच्चा लोहा दीर्घाओं का निर्माण किया गया था। समकालीनों ने इस उपनिवेश की उपस्थिति पर ध्यान दिया, विशेष रूप से शाम को सुंदर, जब आप इसे दूर से देखते हैं, और जलते हुए दीयों की एक पंक्ति थिएटर के साथ चलने वाले हीरे के धागे की तरह लगती है।

अपोलो का एलाबस्टर समूह, जो ब्यूवैस थियेटर को सुशोभित करता था, आग में नष्ट हो गया। एक नया कैवोस बनाने के लिए, उन्होंने प्रसिद्ध रूसी मूर्तिकार प्योत्र क्लोड्ट (1805-1867) को आमंत्रित किया, जो सेंट पीटर्सबर्ग में फोंटंका नदी के पार एनीकोव ब्रिज पर प्रसिद्ध चार घुड़सवारी समूहों के लेखक थे।

क्लोड्ट ने अपोलो के साथ मिलकर अब विश्व प्रसिद्ध मूर्तिकला समूह बनाया। यह एक धातु मिश्र धातु से ड्यूक ऑफ लिचेंबर्ग के कारखानों में डाली गई थी, जिसे लाल तांबे के साथ विद्युत चढ़ाया गया था।

सभागार के पुनर्निर्माण के दौरान, कावोस ने हॉल के आकार को बदल दिया, इसे मंच तक सीमित कर दिया, ऑर्केस्ट्रा गड्ढे को गहरा कर दिया। पैरेट्रे की सीटों के पीछे, जहां एक गैलरी हुआ करती थी, उन्होंने एक एम्फीथिएटर की व्यवस्था की। सभागार के आयाम बन गए: लगभग समान गहराई और चौड़ाई - लगभग 30 मीटर, ऊँचाई - लगभग 20 मीटर। सभागार में 2000 से अधिक दर्शक बैठने लगे।

इस रूप में, छोटे आंतरिक और बाहरी पुनर्निर्माण के अपवाद के साथ, बोल्शोई थिएटर आज तक जीवित है।

रंगमंच मानव जगत का चमत्कार है।