यह कोई संयोग नहीं है कि महान भौगोलिक खोजों के युग में दुनिया भर में ख्याति प्राप्त करने वाले कई नाविक और वैज्ञानिक - पी। टोस्कानेली, एच। कोलंबस, जी। कैबोट, ए। वेस्पुची - इतालवी थे। इटली, राजनीतिक रूप से खंडित, उस समय यूरोप में सबसे विकसित अर्थव्यवस्था और संस्कृति वाला देश था। आधुनिक समय में, यह एक भव्य सांस्कृतिक उथल-पुथल के बीच में प्रवेश कर गया, जिसे पुनर्जागरण कहा जाता है, या फ्रेंच में - पुनर्जागरण, क्योंकि मूल रूप से इसका मतलब प्राचीन विरासत का पुनरुद्धार था। हालाँकि, पुनर्जागरण मध्य युग की निरंतरता नहीं था डिग्री कमपुरातनता की ओर लौटने के बजाय, इसका जन्म मध्य युग की अत्यधिक विकसित, परिष्कृत और जटिल संस्कृति के आधार पर हुआ था।

पुनर्जागरण की अवधारणा। मानवतावाद

"पुनर्जागरण" की अवधारणा के साथ, "मानवतावाद" की अवधारणा का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है, जो लैटिन मानविस - मानव से लिया गया है। यह "पुनर्जागरण" की अवधारणा से निकटता से संबंधित है, लेकिन इसके समकक्ष नहीं है। शब्द "पुनर्जागरण" किसी दिए गए ऐतिहासिक युग की विशेषता सांस्कृतिक घटनाओं के पूरे परिसर को संदर्भित करता है। "मानववाद" पुनर्जागरण युग में गठित विचारों की एक प्रणाली है, जिसके अनुसार मानव व्यक्ति की उच्च गरिमा, उसके स्वतंत्र विकास का अधिकार और उसकी रचनात्मक क्षमताओं की अभिव्यक्ति को मान्यता दी जाती है।

पुनर्जागरण के दौरान, "मानवतावाद" की अवधारणा ने मनुष्य के बारे में, प्रकृति और समाज में उसके स्थान के बारे में ज्ञान के एक जटिल को भी निरूपित किया। एक विशेष प्रश्न धर्म के प्रति मानवतावादियों का दृष्टिकोण है। मानवतावाद ईसाई धर्म के साथ काफी हद तक मिला, जिसका सबसे महत्वपूर्ण प्रमाण मानवतावादी आंदोलन में पादरियों की सक्रिय भागीदारी और विशेष रूप से, पोप का संरक्षण था। पुनर्जागरण के दौरान, अंध विश्वास के विषय से धर्म संदेह, प्रतिबिंब, वैज्ञानिक अध्ययन, यहां तक ​​कि आलोचना का विषय बन गया। लेकिन इसके बावजूद, इटली पूरी तरह से एक धार्मिक, मुख्य रूप से कैथोलिक देश बना रहा। इतालवी समाज में सभी प्रकार के अंधविश्वास कायम रहे, ज्योतिष और अन्य छद्म विज्ञान फले-फूले।

पुनरुद्धार कई चरणों से गुजरा। प्रारंभिक पुनर्जागरण (XIV और अधिकांश XV सदी)पुनर्जागरण साहित्य के उद्भव की विशेषता और संबंधित मानविकी, सामान्य रूप से मानवतावाद का उत्कर्ष। अवधि बी में उच्च पुनर्जागरण (15वीं सदी के अंत - 16वीं सदी के पहले तीसरे)ललित कलाओं का अभूतपूर्व विकास हुआ था, लेकिन मानवतावादी विश्वदृष्टि का एक स्पष्ट संकट पहले ही रेखांकित किया जा चुका था। इन दशकों के दौरान, पुनर्जागरण इटली की सीमाओं से परे चला गया। देर से पुनर्जागरण (16 वीं शताब्दी के अधिकांश)- एक अवधि जब इसका विकास यूरोप में धार्मिक सुधार के समानांतर जारी रहा।

इतालवी पुनर्जागरण की राजधानी बन गई मुख्य शहरटस्कनी - फ्लोरेंस, जहां परिस्थितियों का एक अनूठा संयोजन विकसित हुआ है जिसने संस्कृति के तेजी से उदय में योगदान दिया है। उच्च पुनर्जागरण की ऊंचाई पर, पुनर्जागरण कला का केंद्र रोम में स्थानांतरित हो गया। पोप जूलियस II (1503-1513) और लियो एक्स (1513-1521) ने तब पुनर्जीवित करने के लिए बहुत प्रयास किए पूर्व गौरवशाश्वत शहर, जिसकी बदौलत यह वास्तव में विश्व कला का केंद्र बन गया है। वेनिस इतालवी पुनर्जागरण का तीसरा सबसे बड़ा केंद्र बन गया, जहां स्थानीय विशेषताओं के कारण पुनर्जागरण कला ने एक अजीबोगरीब रंग प्राप्त कर लिया।

इतालवी पुनर्जागरण कला

पुनर्जागरण के दौरान इटली में हुआ सांस्कृतिक उत्थान। दृश्य कला और वास्तुकला में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ। वे विशेष बल और स्पष्टता के साथ उस युग के महान मोड़ को दर्शाते हैं जिसने मार्ग निर्धारित किया आगामी विकाशविश्व कला।

लियोनार्डो दा विंची (1452-1519) इतालवी पुनर्जागरण के सबसे प्रमुख आंकड़ों में से एक थे।, जिन्होंने कई प्रतिभाओं को जोड़ा - चित्रकार, मूर्तिकार, वास्तुकार, इंजीनियर, मूल विचारक। उन्होंने एक तूफानी और रचनात्मक जीवन जिया, फ्लोरेंटाइन गणराज्य की सेवा में अपनी उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण किया, ड्यूक ऑफ मिलान, रोम के पाना और फ्रांस के राजा के साथ। लियोनार्डो का फ्रेस्को "द लास्ट सपर" सभी यूरोपीय कला के विकास में चोटियों में से एक का प्रतिनिधित्व करता है, और "ला जिओकोंडा" इसके सबसे महान रहस्यों में से एक है।

लियोनार्डो के लिए पेंटिंग न केवल दुनिया को प्रतिबिंबित करने का एक सार्वभौमिक साधन था, बल्कि इसके ज्ञान का भी था। उनकी अपनी परिभाषा के अनुसार, यह "एक अद्भुत कौशल है, इसमें सभी बेहतरीन अनुमान शामिल हैं।" अपनी प्रयोगात्मक टिप्पणियों के साथ, इस शानदार कलाकार ने अपने समय के विज्ञान के लगभग सभी क्षेत्रों को समृद्ध किया। और उनके तकनीकी आविष्कारों में शामिल हैं, उदाहरण के लिए, एक पैराशूट परियोजना।

लियोनार्डो की प्रतिभा समान रूप से महान कलाकार माइकल एंजेलो बुओनारोती (1475-1564) द्वारा प्रतिद्वंद्वी थी।जिसका सितारा सदी के मोड़ पर उगने लगा। ऐसे अलग-अलग लोगों की कल्पना करना मुश्किल था: लियोनार्डो - मिलनसार, धर्मनिरपेक्ष शिष्टाचार के लिए विदेशी नहीं, हमेशा मांग में, अक्सर बदलते हितों की एक विस्तृत श्रृंखला के साथ; माइकल एंजेलो आरक्षित, कठोर, काम में सिर के बल, अपने प्रत्येक नए काम पर केंद्रित है। माइकल एंजेलो एक मूर्तिकार और वास्तुकार, चित्रकार और कवि के रूप में प्रसिद्ध हुए। उनकी पहली कृतियों में मूर्तिकला समूह क्राइस्ट का विलाप है। 1504 में, फ्लोरेंस के लोगों ने इस गुरु की उत्कृष्ट कृति, डेविड की विशाल आकृति को एक विजयी जुलूस में ले जाया। यह पूरी तरह से नगर परिषद भवन के सामने स्थापित किया गया था। वेटिकन में सिस्टिन चैपल के भित्तिचित्रों द्वारा उन्हें और भी अधिक प्रसिद्धि दिलाई गई, जहां चार वर्षों में माइकल एंजेलो ने 600 वर्ग फुट को चित्रित किया। एम दृश्य से पुराना वसीयतनामा... बाद में, उनका प्रसिद्ध फ्रेस्को "द लास्ट जजमेंट" उसी चैपल में दिखाई दिया।

माइकल एंजेलो ने वास्तुकला में समान रूप से प्रभावशाली सफलताएँ प्राप्त कीं। 1547 से अपने जीवन के अंत तक, उन्होंने सेंट पीटर कैथेड्रल के निर्माण का नेतृत्व किया, जिसका उद्देश्य दुनिया में मुख्य कैथोलिक चर्च बनना था। माइकल एंजेलो ने इस भव्य संरचना के मूल डिजाइन को मौलिक रूप से बदल दिया। उनकी सरल परियोजना के अनुसार, एक गुंबद बनाया गया था, जो आज तक किसी भी आकार या भव्यता में नायाब है। यह रोमन कैथेड्रल विश्व वास्तुकला की सबसे बड़ी कृतियों में से एक है।

एक शहर योजनाकार के रूप में, माइकल एंजेलो ने कैपिटल स्क्वायर पर एक वास्तुशिल्प पहनावा बनाने में अपनी प्रतिभा की पूरी ताकत व्यक्त की। उन्होंने वास्तव में रोम के नए रूप को आकार दिया, जो तब से उनके नाम के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। राफेल सैंटी (1483-1520) के काम में इतालवी पुनर्जागरण की पेंटिंग अपने चरम पर पहुंच गई। उन्होंने सेंट पीटर कैथेड्रल के निर्माण में भाग लिया, और 1516 में उन्हें सभी रोमन पुरावशेषों का मुख्य कार्यवाहक नियुक्त किया गया। हालांकि, राफेल ने खुद को मुख्य रूप से एक कलाकार के रूप में दिखाया, जिसके काम में उच्च पुनर्जागरण के सुरम्य सिद्धांत पूरे हुए। राफेल की कलात्मक उपलब्धियों में वेटिकन पैलेस के राजकीय कक्षों की पेंटिंग है। उनके ब्रश जूलियस II और लियो एक्स के चित्रों से संबंधित हैं, जिसकी बदौलत रोम पुनर्जागरण कला की राजधानी बन गया। कलाकार की पसंदीदा छवि हमेशा भगवान की माँ रही है, एक प्रतीक मातृ प्रेम... यह कोई संयोग नहीं है कि तेजस्वी सिस्टिन मैडोना को उनकी सबसे बड़ी कृति के रूप में पहचाना जाता है।

पुनर्जागरण कला के इतिहास में एक सम्मानजनक स्थान पर विनीशियन स्कूल ऑफ़ पेंटिंग का कब्जा है, जिसके संस्थापक जियोर्जियोन (1476 / 77-1510) थे। दुनिया भर में मान्यता"जूडिथ" और "स्लीपिंग वीनस" जैसी उत्कृष्ट कृतियाँ प्राप्त कीं ... वेनिस में सबसे प्रमुख कलाकार टिटियन (1470/80s - 1576) थे।वह सब कुछ जो उसने जियोर्जियोन और अन्य उस्तादों से सीखा, टिटियन पूर्णता के लिए लाया, और उनके द्वारा बनाई गई पेंटिंग के मुक्त तरीके का विश्व चित्रकला के बाद के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा।

टिटियन की शुरुआती कृतियों में मूल पेंटिंग "सांसारिक प्रेम और स्वर्गीय प्रेम" है। विनीशियन चित्रकार व्यापक रूप से एक नायाब चित्रकार के रूप में जाना जाने लगा। रोमन उच्च पुजारियों और ताज पहनाए गए प्रमुखों दोनों ने उनके लिए पोज देना सम्मान की बात मानी।

वास्तुकला और मूर्तिकला

नई स्थापत्य शैली के संस्थापक फ्लोरेंस के उत्कृष्ट स्वामी थे, मुख्य रूप से फिलिपो ब्रुनेलेस्ची, जिन्होंने सांता मारिया डेल फिओर के कैथेड्रल के स्मारकीय गुंबद का निर्माण किया। लेकिन इस अवधि में मुख्य प्रकार की स्थापत्य संरचना अब एक चर्च नहीं थी, बल्कि एक धर्मनिरपेक्ष इमारत थी - पलाज़ो (महल)। पुनर्जागरण शैली को स्मारकीयता की विशेषता है, जो भव्यता की छाप पैदा करती है, और पहलुओं की सादगी, विशाल अंदरूनी की सुविधा पर जोर देती है। गॉथिक इमारतों का जटिल निर्माण, जिसने मनुष्य को अपनी भव्यता से अभिभूत कर दिया, एक नई वास्तुकला के विपरीत था, जिसने एक मौलिक रूप से नया आवास बनाया, जो मानव आवश्यकताओं के अनुरूप था।

पुनर्जागरण के दौरान, वास्तुकला से मूर्तिकला का अलगाव हुआ, मुक्त खड़े स्मारक शहरी परिदृश्य के एक स्वतंत्र तत्व के रूप में दिखाई दिए, मूर्तिकला चित्र की कला तेजी से विकसित हुई। पेंटिंग, मूर्तिकला और ग्राफिक्स में व्यापक रूप से चित्रित चित्र शैली, पुनर्जागरण संस्कृति के मानवतावादी मूड से मेल खाती है।

साहित्य, रंगमंच, संगीत

पुनर्जागरण साहित्य, जो मूल रूप से लैटिन में लिखा गया था, धीरे-धीरे एक सख्ती से राष्ट्रीय, इतालवी को रास्ता दे रहा था। XVI सदी के मध्य तक। इतालवी, जो टस्कन बोली पर आधारित है, प्रमुख हो जाता है। यह यूरोप में पहली राष्ट्रीय साहित्यिक भाषा थी, जिसके संक्रमण ने पुनर्जागरण शिक्षा के व्यापक प्रसार में योगदान दिया।

XVI सदी के दौरान। इटली में, एक राष्ट्रीय रंगमंच शब्द के आधुनिक अर्थ में उभरा।इतालवी लोक हास्य यूरोप में पहली बार गद्य में लिखे गए थे और एक यथार्थवादी चरित्र था, अर्थात वे वास्तविकता के अनुरूप थे।

संगीत के लिए जुनून हमेशा यूरोप के किसी भी देश की तुलना में इटली में अधिक व्यापक रहा है।यह बड़े पैमाने पर था और का एक अभिन्न अंग था दिनचर्या या रोज़मर्रा की ज़िंदगीजनसंख्या का सबसे चौड़ा वर्ग। पुनर्जागरण युग ने इस क्षेत्र में बड़े बदलाव लाए। ऑर्केस्ट्रा विशेष रूप से लोकप्रिय हैं। नए-नए वाद्य यंत्रों का निर्माण हो रहा है, तार से वायलिन सामने आ रहा है।

इतिहास की नई समझ और राजनीति विज्ञान का जन्म

पुनर्जागरण के विचारकों ने इतिहास का एक मूल दृष्टिकोण विकसित किया और ऐतिहासिक प्रक्रिया का एक मौलिक रूप से नया कालक्रम बनाया, जो बाइबिल से उधार ली गई पौराणिक योजना से मौलिक रूप से अलग था। यह अहसास कि एक नया ऐतिहासिक युग आ गया था, इतालवी पुनर्जागरण की सबसे मूल विशेषता थी। मध्य युग का विरोध करते हुए, मानवतावादियों ने खुद को प्राचीन दुनिया के स्वामी के लिए अपने प्रत्यक्ष पूर्ववर्ती के रूप में संबोधित किया, और उनके "नए" समय और पुरातनता के बीच सहस्राब्दी को "मध्य युग" के रूप में नामित किया गया था। इस प्रकार, इतिहास की अवधि के लिए एक पूरी तरह से नया दृष्टिकोण पैदा हुआ, जिसे वर्तमान समय में अपनाया गया है।

इतालवी पुनर्जागरण के सबसे महान विचारक, जिन्होंने ऐतिहासिक और राजनीतिक दोनों विचारों के विकास में एक अमूल्य योगदान दिया, निकोलो मैकियावेली (1469-1527) थे। फ्लोरेंस के मूल निवासी, उन्होंने सरकार में महत्वपूर्ण पदों पर कार्य किया और उन वर्षों के दौरान महत्वपूर्ण राजनयिक कार्य किए, जब इटली भयंकर अंतरराष्ट्रीय प्रतिद्वंद्विता के क्षेत्र में बदल गया। यह अपने देश के लिए इस विनाशकारी युग के दौरान था कि फ्लोरेंटाइन विचारक ने हमारे समय की सबसे तीव्र समस्याओं का उत्तर देने का प्रयास किया। उनके लिए, इतिहास अतीत के राजनीतिक अनुभव का प्रतिनिधित्व करता था, और राजनीति आधुनिक इतिहास का प्रतिनिधित्व करती थी।

मैकियावेली की मुख्य चिंताएँ लोगों की "सामान्य भलाई" और "जनहित" थीं। यह उनकी सुरक्षा है, न कि निजी हित, जो उनकी राय में, शासक के व्यवहार को निर्धारित करना चाहिए। मैकियावेली ने अपने निष्कर्षों का समर्थन करने के लिए लिखा, "मेरी ईमानदारी और वफादारी का प्रमाण मेरी गरीबी है।" उनका राजनीतिक वसीयतनामा शब्द था: "यदि संभव हो तो अच्छे से विचलित न हों, लेकिन यदि आवश्यक हो तो बुराई के रास्ते पर चलने में सक्षम हों।" इस आह्वान को अक्सर अनैतिक राजनीति के बहाने के रूप में माना जाता है, अपने लक्ष्यों को प्राप्त करने के लिए किसी भी तरह से तिरस्कार नहीं करना, जिसके लिए "मैकियावेलियनवाद" की अवधारणा का भी आविष्कार किया गया था।

एन मैकियावेली की पुस्तक "द एम्परर" से

"मेरा इरादा किसी ऐसे व्यक्ति के लिए उपयोगी कुछ लिखना है जो इसे समझता है, मुझे वास्तविक की तलाश करने के लिए और अधिक सही क्यों लगा, न कि चीजों की काल्पनिक सच्चाई।" आखिरकार, "जीवन वास्तव में कैसे आगे बढ़ता है, इसे कैसे जीना चाहिए, इससे इतनी बड़ी दूरी है।"

"दोनों सुव्यवस्थित राज्यों और बुद्धिमान राजकुमारों ने विशेष रूप से लगन से रईसों को शर्मिंदा नहीं करने और साथ ही लोगों को संतुष्ट करने, उन्हें खुश करने की कोशिश की, क्योंकि यह राजकुमार की सबसे महत्वपूर्ण चीजों में से एक है।" और "जिसके हाथ में शक्ति दी गई है, उसे अपने बारे में कभी नहीं सोचना चाहिए।"

प्रभु को "दयालु, वफादार, मानवीय, ईमानदार, पवित्र दिखना चाहिए; ऐसा होना चाहिए और होना चाहिए, लेकिन किसी को अपनी आत्मा की पुष्टि इस तरह से करनी चाहिए कि, यदि आवश्यक हो, अलग हो जाए ... विपरीत में बदल जाए।" "आखिरकार, जो हमेशा अच्छाई में विश्वास करना चाहता है, वह अनिवार्य रूप से इतने सारे लोगों के बीच नष्ट हो जाएगा जो अच्छाई के लिए पराया हैं।"

सन्दर्भ:
वी.वी. नोस्कोव, टी.पी. 15 वीं के अंत से 18 वीं शताब्दी के अंत तक एंड्रीवस्काया / इतिहास

"पुनर्जागरण" (फ्रांसीसी "पुनर्जागरण" में, इतालवी "रिनाशिमेंटो" में) ऐतिहासिक युग को परिभाषित करने के लिए 16वीं शताब्दी के एक वास्तुकार, चित्रकार और कला इतिहासकार जॉर्ज वासरी द्वारा पहली बार पेश किया गया एक शब्द है, जो प्रारंभिक चरण के कारण था। पश्चिमी यूरोप में बुर्जुआ संबंधों का विकास। नए युग में पश्चिमी संस्कृति के विकास की संभावनाओं को खोलने के लिए, इस भव्य सांस्कृतिक आंदोलन को एक हजार साल के विस्मरण के बाद एक नए जीवन के लिए पुरातनता को पुनर्जीवित करने और लुप्त होती मध्य युग में सर्वश्रेष्ठ को पुनर्जीवित करने का आह्वान किया गया था।

पुनर्जागरण की संस्कृति, मुख्य रूप से सामंती समाज में बुर्जुआ वर्ग के उदय से जुड़ी, इटली में उत्पन्न हुई। इस युग की संस्कृति के संबंध में "पुनर्जागरण" शब्द आकस्मिक नहीं है। यह इटली में है, पुरातनता की मातृभूमि, एक सुंदर, सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति के प्राचीन आदर्श को पुनर्जीवित किया जा रहा है। मनुष्य फिर से कला का मुख्य विषय बन जाता है। पुरातनता से यह बोध होता है कि प्रकृति में सबसे उत्तम रूप मानव शरीर है। बेशक, इसका मतलब यह नहीं है कि पुनर्जागरण कला में प्राचीन काल को दोहराता है। जैसा कि कला इतिहासकारों ने सही ढंग से उल्लेख किया है, यह याद रखना चाहिए कि मानव जाति कभी भी पुरातनता से पूरी तरह से अलग नहीं हुई, सिवाय बर्बरता की सबसे दूरस्थ सदियों (VI-VIII सदियों) को छोड़कर, और फिर, जैसा कि हम जानते हैं, आठवीं शताब्दी के अंत में, इसलिए - "कैरोलिंगियन पुनरुद्धार" कहा जाता है, इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि यह शब्द कितना पारंपरिक था, फिर X-XI सदी के अंत में "ओटोनियन"। हाँ, और उच्च मध्य युग, गॉथिक प्राचीन दर्शन को जानता था, अरस्तू का सम्मान करता था, और इतिहास और कविता। पुनर्जागरण की संस्कृति के पीछे मध्य युग की एक सहस्राब्दी है, ईसाई धर्म, एक नया विश्वदृष्टि जिसने नए सौंदर्य आदर्शों को जन्म दिया, कला को नए भूखंडों और नई शैली दोनों के साथ समृद्ध किया। पुनर्जागरण की मानवतावादी संस्कृति एक नए व्यक्ति और उसके नए के सपने के साथ व्याप्त है आध्यात्मिक विकास... पुनर्जागरण को पुरातनता की धारणा की विशेषता है जो पहले से ही एक दूर के अतीत के रूप में है और इसलिए "एक आदर्श के लिए तरसना" के रूप में है, न कि "एक वास्तविकता जिसका उपयोग किया जा सकता है, लेकिन यह भी डरता है" (ई। पैनोफस्की)।

पुरातनता ने इस समय एक स्वतंत्र मूल्य का मूल्य अर्जित किया। उसके प्रति रवैया, जैसा कि ठीक ही कहा गया है, न केवल रोमांटिक के रूप में इतना संज्ञानात्मक नहीं है, यहां तक ​​​​कि प्राचीनता के ऐसे पारखी के बीच भी जैसे कि मंतेग्ना। पुरातनता से, पुनर्जागरण ने मनुष्य को एक सूक्ष्म जगत के रूप में देखना शुरू कर दिया, "एक बड़े ब्रह्मांड का एक छोटा सा अंश - स्थूल जगत", इसकी सभी विविधता में। इतालवी मानवतावादियों के लिए, मुख्य बात यह थी कि किसी व्यक्ति का खुद पर ध्यान केंद्रित करना। आदमी बन गया दुनिया के लिए खुला... उसका भाग्य काफी हद तक उसके अपने हाथों में है - यह प्राचीन दुनिया में मनुष्य की धारणा से एक मूलभूत अंतर है, जिसमें देवताओं की दुनिया में उनकी भागीदारी की डिग्री के लिए उन्हें महत्व दिया गया था। और पुनर्जागरण युग में कलाकार को मुख्य रूप से एक व्यक्ति के रूप में, एक व्यक्ति के रूप में, जैसे माना जाता है।

पुनर्जागरण पुरातनता की वापसी बिल्कुल नहीं था; इसने एक नई संस्कृति का निर्माण किया, जिससे नए युग को करीब लाया गया। पुनर्जागरण से नए समय की उलटी गिनती केवल कला और संस्कृति के इतिहासकारों के बीच जाती है (इतिहास के लिए यह अभी भी मध्य युग है, और नया समय 17 वीं शताब्दी की क्रांतियों से शुरू होता है), क्योंकि पुनर्जागरण ने "मन को बदल दिया, जीवन को नहीं , कल्पना, वास्तविकता नहीं, संस्कृति, लेकिन सभ्यता नहीं।"

इतालवी पुनर्जागरण का कालानुक्रमिक ढांचा XIII सदी के उत्तरार्ध से XVI सदी के पूर्वार्द्ध तक के समय को कवर करता है। इस अवधि के भीतर, पुनर्जागरण को कई चरणों में विभाजित किया गया है: XIII-XIV सदियों की दूसरी छमाही - प्रोटो-पुनर्जागरण (पूर्व-पुनर्जागरण) और ट्रेसेंटो; XV सदी - प्रारंभिक पुनर्जागरण (क्वाट्रोसेंटो); 15वीं सदी का अंत - 16वीं सदी का पहला तीसरा - उच्च पुनर्जागरण (विज्ञान में कम बार Cinquecento शब्द का प्रयोग किया जाता है)।

1527 में, रोम को जर्मन लैंडस्कनेच्स द्वारा लूट लिया गया था, 1530 से फ्लोरेंस एक स्वतंत्र शहर-राज्य से, एक शहर-कम्यून सामंती डची का एक साधारण केंद्रीय शहर बन गया। सामंती-कैथोलिक प्रतिक्रिया (काउंटर-रिफॉर्मेशन) शुरू होती है, और 1530 को पुनर्जागरण के विकास की अंतिम तिथि माना जा सकता है। ठीक विकास, क्योंकि पुनर्जागरण की कला का प्रभाव पूरी XVI सदी तक फैला हुआ है। इसके अलावा, इटली के कुछ क्षेत्र आम तौर पर इस विकास में पिछड़ रहे हैं, और संस्कृति, उदाहरण के लिए, वेनिस गणराज्य की, पूरे 16वीं शताब्दी के लिए, पुनर्जागरण की मुख्यधारा में निहित है।

इतालवी पुनर्जागरण संस्कृति के विकास की तस्वीर बहुत भिन्न है, जो इटली के विभिन्न शहरों के आर्थिक और राजनीतिक विकास के विभिन्न स्तरों, इन शहर-राज्यों, शहर-कम्युनियों के पूंजीपति वर्ग की शक्ति और ताकत के विभिन्न स्तरों के कारण है। सामंती परंपराओं के साथ उनके अलग-अलग संबंध।

इतालवी पुनर्जागरण की कला में अग्रणी कला विद्यालय XIV सदी में थे। जैसे कि सिएनीज़ और फ्लोरेंटाइन, 15वीं सदी में - फ्लोरेंटाइन, उम्ब्रियन, पडुआ, विनीशियन, 16वीं सदी में-रोमन और विनीशियन।

XIII के उत्तरार्ध से - XIV सदी की शुरुआत में। स्थानीय सामंतों के साथ संघर्ष में, फ्लोरेंटाइन बर्गर मजबूत होते हैं। फ्लोरेंस 1293 में अपनाए गए संविधान के साथ एक समृद्ध गणराज्य में बदलने वाले पहले लोगों में से एक था, जिसमें तेजी से विकासशील बुर्जुआ जीवन शैली और एक उभरती बुर्जुआ संस्कृति थी। फ्लोरेंटाइन गणराज्य लगभग एक सौ पचास वर्षों तक अस्तित्व में रहा, जिसने ऊन और रेशम व्यापार में धन प्राप्त किया और अपने निर्माण के लिए प्रसिद्ध हो गया।

इतालवी कला में परिवर्तन मुख्य रूप से मूर्तिकला में परिलक्षित होते थे। वे मास्टर निकोलो पिसानो (पीसा शहर में बपतिस्मा के पल्पिट की राहत) के मूर्तिकला कार्यों द्वारा तैयार किए गए थे, जिसमें पुरातनता के स्पष्ट प्रभाव का पता लगाया जा सकता है। फिर स्मारकीय पेंटिंग में - पिएत्रो कैवेलिनी (ट्रैस्टीवर में सांता मारिया के रोमन चर्च और ट्रैस्टवेर में सांता सेसिलिया) द्वारा मोज़ाइक और भित्तिचित्रों में। लेकिन एक नए युग की सही शुरुआत चित्रकार गियट्टो डि बॉन्डोन (1266? -1337) के नाम से ठीक से जुड़ी हुई है। गियट्टो के कार्यों में से, कैपेला डेल एरिना के भित्तिचित्र, या पडुआ शहर (1303-1306) में स्क्रोवेग्नी चैपल (ग्राहक के नाम पर) सबसे अच्छी तरह से संरक्षित हैं। फ्लोरेंस (पेरुज़ी के चैपल और बर्दी के चैपल) में चर्च ऑफ सांता क्रोस में गियट्टो के बाद के काम। चैपल डेल एरिना में, भित्तिचित्रों को एक खाली दीवार के साथ तीन पंक्तियों में व्यवस्थित किया जाता है। एक साधारण एक गुफा चैपल का इंटीरियर विपरीत दीवार पर पांच खिड़कियों से प्रकाशित होता है। नीचे, गुलाबी और धूसर वर्गों के एक सुरम्य नक़ल किए गए प्लिंथ पर, दोषों और गुणों के 14 अलंकारिक आंकड़े हैं। चैपल के प्रवेश द्वार के ऊपर "द लास्ट जजमेंट" पेंटिंग है, विपरीत दीवार पर - दृश्य "घोषणा"। गियट्टो ने मसीह और मारिया के जीवन के 38 दृश्यों को एक सुसंगत पूरे में जोड़ा, जिससे एक शानदार महाकाव्य चक्र का निर्माण हुआ। गियोटो द्वारा सुसमाचार की कहानियों को वास्तविक जीवन की घटनाओं के रूप में प्रस्तुत किया जाता है। हर समय लोगों को चिंतित करने वाली समस्याओं के बारे में जीवित भाषा में बात करना: दयालुता और आपसी समझ ("मैरी और एलिजाबेथ की बैठक", "गोल्डन गेट पर जोआचिम और अन्ना की बैठक"), छल और विश्वासघात ("जूडस का चुंबन" के बारे में) , "मसीह का ध्वजवाहक"), दुःख की गहराई, नम्रता, विनम्रता और शाश्वत सर्व-उपभोग करने वाले मातृ प्रेम ("शोक") के बारे में। दृश्य आंतरिक तनाव से भरे हुए हैं, जैसे, उदाहरण के लिए, "लाजर का पुनरुत्थान", कभी-कभी उनकी त्रासदी में तीखा होता है, जैसे "कैरिंग द क्रॉस" रचना।

मध्ययुगीन चित्रकला में निहित व्यक्तिगत आंकड़ों और अलग-अलग दृश्यों की असमानता के बजाय, गियोटो एक सुसंगत कहानी बनाने में कामयाब रहे, नायकों के जटिल आंतरिक जीवन के बारे में एक संपूर्ण कथा। विवरण के एक कठोर चयन के माध्यम से, उन्होंने आवश्यक पर ध्यान केंद्रित किया। बीजान्टिन मोज़ाइक की पारंपरिक सुनहरी पृष्ठभूमि के बजाय, Giotto एक परिदृश्य पृष्ठभूमि का परिचय देता है। आंकड़े, हालांकि वे अभी भी बड़े पैमाने पर और निष्क्रिय हैं, गति की मात्रा और स्वाभाविकता प्राप्त करते हैं। एक त्रि-आयामी स्थान प्रकट होता है, जो एक परिप्रेक्ष्य गहनता से प्राप्त नहीं होता है (परिप्रेक्ष्य का समाधान अभी भी भविष्य का मामला था), लेकिन दीवार के तल पर एक दूसरे से दूरी पर आंकड़ों की एक निश्चित व्यवस्था द्वारा (" सेंट ऐनी के लिए एक परी की उपस्थिति")। हालांकि, मानव आकृति की शारीरिक रचना को सही ढंग से व्यक्त करने की इच्छा पहले से ही थी ("द लास्ट सपर", "नेटिविटी ऑफ क्राइस्ट")। और अगर बीजान्टिन पेंटिंग में आंकड़े तैरते हुए, अंतरिक्ष में लटके हुए लग रहे थे, तो जोट के भित्तिचित्रों के नायकों को उनके पैरों के नीचे ठोस जमीन मिली ("द डिपार्चर ऑफ मैरी टू द हाउस ऑफ जोसेफ")। Giotto अपनी छवियों में रोजमर्रा की जिंदगी की विशेषताओं का परिचय देता है जो स्थिति की प्रामाणिकता का आभास कराते हैं और एक निश्चित मनोदशा को व्यक्त करते हैं। उनके पात्रों में मानवीय प्रकारों की उज्ज्वल विशेषता है। किस ऑफ जूडस चक्र के सबसे अभिव्यंजक भित्तिचित्रों में से एक में, गियट्टो उत्थान प्रतियों की पृष्ठभूमि के खिलाफ रचना के केंद्र में मसीह और जूडस के आंकड़े रखता है और हथियार फेंकता है और दो अलग-अलग प्रोफाइलों के विपरीत अपने विचार व्यक्त करता है: एक महान , रूपों की त्रुटिहीनता में स्पष्ट, एक लगभग प्राचीन सुंदर चेहरा मसीह और बदसूरत प्रतिकारक, एक बदसूरत उभरे हुए माथे और एक अपक्षयी रूप से कटी हुई ठुड्डी - जूडस के साथ। कलाकारों की एक से अधिक पीढ़ी Giotto नाटकीय समृद्धि, मनोवैज्ञानिक, भावनात्मक अभिव्यक्ति से सीखेंगे। वह पारंपरिक मध्ययुगीन रूपक को पार करते हुए, यहां तक ​​​​कि दोषों और गुणों को जीवित मानवीय चरित्रों में बदलने में कामयाब रहे। Giotto की छवियां आलीशान और स्मारकीय हैं, उनकी भाषा कठोर और संक्षिप्त है, लेकिन चैपल में प्रवेश करने वाले सभी के लिए समझ में आता है। यह कुछ भी नहीं था कि चैपल के भित्ति चित्रों को बाद में "अनपढ़ के लिए सुसमाचार" कहा गया। अंतरिक्ष के हस्तांतरण के लिए गियट्टो की खोज, आंकड़ों की प्लास्टिसिटी, आंदोलन की अभिव्यक्ति ने उनकी कला को पुनर्जागरण में एक संपूर्ण मंच बना दिया।

गियोटो डी बॉन्डोन। यहूदा का चुंबन। चैपल डेल एरिना का फ्रेस्को। पडुआ

गियट्टो न केवल एक चित्रकार था: उसकी परियोजना के अनुसार, फ्लोरेंस कैथेड्रल का अद्भुत घंटी टॉवर बनाया गया था, जो आज तक फ्लोरेंस को सिल्हूट के माध्यम से अपने प्रकाश से सजाता है, जो कैथेड्रल के शक्तिशाली गुंबद के विपरीत है।

ट्रेसेंटो काल के दौरान, सिएना शहर भी कलात्मक संस्कृति का केंद्र था। सिएना कला में वैसा ही बर्गर चरित्र नहीं है जैसा फ्लोरेंस में था। सिएना की संस्कृति कुलीन है, सामंती विश्वदृष्टि, चर्च की भावना के साथ व्याप्त है। सिएनीज़ स्कूल के काम स्मार्ट, सजावटी, उत्सवपूर्ण हैं, लेकिन गॉथिकवाद से भरे फ्लोरेंटाइन लोगों की तुलना में बहुत अधिक पुरातन हैं। इस प्रकार, ड्यूसियो डि बुओनिन्सेना (लगभग 1250-1319) की कला में, "इस बगीचे का पहला रंग," बेरेनसन के अनुसार, अभी भी कई बीजान्टिन विशेषताएं हैं; ये मुख्य रूप से वेदी रचनाएँ हैं, जो एक बोर्ड पर तड़के में पेंटिंग, गॉथिक तत्वों के साथ एक सोने की पृष्ठभूमि पर, विम्परग और नुकीले मेहराब के रूप में एक वास्तुशिल्प फ्रेम में हैं। उनके मैडोनास (प्रसिद्ध "मेस्टा" - "द मैग्नीफिकेशन ऑफ मैरी") में, ड्राइंग और रचना के सभी पुरातनता के साथ, बहुत ईमानदारी, गीतात्मक भावना और उच्च आध्यात्मिकता है। यह एक नरम चिकनी लय (रैखिक और प्लास्टिक दोनों) की मदद से बनाया गया है, जो ड्यूसियो के कार्यों को एक विशेष चित्रमय संगीत प्रदान करता है।

सिएना ट्रेसेंटो के प्रसिद्ध उस्तादों में से एक सिमोन मार्टिनी (1284-1344) है। शायद एविग्नन में लंबे समय तक रहने ने उनकी कला को उत्तरी गोथिक की कुछ विशेषताएं दीं: मार्टिनी के आंकड़े बढ़े हुए हैं और, एक नियम के रूप में, एक सोने की पृष्ठभूमि के खिलाफ प्रस्तुत किए जाते हैं। लेकिन साथ ही, सिमोन मार्टिनी काइरोस्कोरो के साथ रूप को अनुकरण करने की कोशिश करती है, आंकड़ों को प्राकृतिक गति प्रदान करती है, एक निश्चित संदेश देने की कोशिश करती है मनोवैज्ञानिक स्थितिजैसा कि उन्होंने "घोषणा" दृश्य से मैडोना की छवि में किया था।

1328 में, सिमोन मार्टिनी को सिएना - पलाज़ो पब्लिक के शहर प्रशासन के भवन में भित्तिचित्रों को चित्रित करने के लिए कमीशन किया गया था: मार्टिनी ने सिएनीज़ कोंडोटिएरे गुइडोरिसियो दा फोगलिया नं, भाड़े की सेना के प्रमुख, घोड़े की पीठ पर, की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित किया। सिएनीज़ टावर्स। घोड़े की दृढ़ चाल और एक योद्धा की खड़ी आकृति में कुछ अदम्य है, जो मानव क्षमताओं में, मनुष्य की इच्छा में, मजबूत के अधिकार में अपने विश्वास के साथ पुनर्जागरण की भावना को व्यक्त करता है। फ्रेस्को की संक्षिप्त और कठोर परिदृश्य पृष्ठभूमि सिएना परिदृश्य के सामान्य स्वरूप को इसकी लाल पहाड़ियों और चमकीले नीले आकाश के साथ पूरी तरह से व्यक्त करती है, और आज तक यह अपनी सामान्यीकृत छवि की निष्ठा के साथ आश्चर्यचकित करती है।

उसी पलाज़ो पब्लिका में, एक अन्य सिएना मास्टर, एम्ब्रोगियो लोरेन्ज़ेटी (लगभग 1280-1348) ने भित्तिचित्रों का प्रदर्शन किया। दो दीवारों पर "अच्छे और बुरे सरकार के परिणाम" को दर्शाने वाले दृश्य हैं। "अच्छी सरकार" का अलंकारिक आंकड़ा सद्गुणों के आरोपों से घिरा हुआ है, जिसके बीच प्राचीन कपड़ों में "शांति" का आंकड़ा उनके सिर पर लॉरेल पुष्पांजलि के साथ अच्छी तरह से संरक्षित है (भित्तिचित्र सामान्य रूप से खराब स्थिति में हैं)। लेकिन चित्रों के इस चक्र में सबसे दिलचस्प अभी भी रूपक नहीं हैं, बल्कि शहरी और ग्रामीण दोनों तरह के रोजमर्रा के जीवन के पूरी तरह से वास्तविक दृश्य हैं: एक बाजार, व्यापारियों की दुकानें, सामानों की गांठों से लदे गधे, अमीर शहरवासियों का एक काफिला, दाख की बारियां, किसानों की जुताई, फसल की एक छवि। शायद सबसे मनोरम दृश्य शहर के चौक में नाचते हुए चालाकी से कपड़े पहने युवक और युवतियों का गोल नृत्य है। फ्रेस्को के इस हिस्से के संतोषजनक संरक्षण के लिए धन्यवाद, कलाकार के कौशल को श्रद्धांजलि दी जा सकती है, जिसने बड़े प्यार से दृश्य के मूड को और रोजमर्रा की जिंदगी की विशेषताओं, सेटिंग और पोशाक - सब कुछ व्यक्त किया। जो उस जमाने की अनमोल खुशबू की रचना करता है; उसकी बेहतरीन रंगीन प्रतिभा को महसूस करने के लिए (क्योंकि, सबसे पहले, फ्रेस्को अपने परिष्कृत, मौन, सूक्ष्म रूप से सामंजस्यपूर्ण रंग से चकित होता है)।

1348 में लोरेंजेटी की मृत्यु हो गई जब प्लेग की एक महामारी ने इटली के निवासियों को कुचल दिया। 1348 की दुखद घटनाओं ने कैम्पो सैंटो के पीसा कब्रिस्तान की दीवार पर एक भित्तिचित्र को प्रेरित किया, जिसके लेखक की अभी तक पहचान नहीं हो पाई है (ऑर्कग्ना? ट्रेनी? विटाले दा बोलोग्ना?)। मृत्यु के विषय पर लिखा गया (मेमेंटो मोरी), जो मध्य युग में आम है, "द ट्राइंफ ऑफ डेथ" इसके संपादन के साथ, एक स्किथ के साथ मौत का पारंपरिक चित्रण, मानव आत्माओं के लिए स्वर्गदूतों और शैतानों का संघर्ष, के तहत गुरु का ब्रश जीवन की विजय में बदल जाता है: महिलाओं और सज्जनों के शानदार घुड़सवारों को खुले ताबूतों के दृश्य की देखरेख नहीं होती है; "द गार्डन ऑफ लव" के दृश्य में युवा पुरुष और महिलाएं संगीत सुनने के लिए उत्साहित हैं, बावजूद इसके कि एक बल्ले के रूप में मौत के दृष्टिकोण के रूप में एक स्किथ के साथ। ऑरेंज ग्रोव का परिदृश्य, समृद्ध धर्मनिरपेक्ष वेशभूषा, विशिष्ट विवरणों का प्रेमपूर्ण चित्रण दुखद कथानक को कला के एक धर्मनिरपेक्ष कार्य में बदल देता है, जो जीवन के आनंद और आनंद से भरा होता है। यह प्रमुख राग ट्रेसेंटो की कला के विकास को पूरा करता है।

एक नई, बुर्जुआ संस्कृति और एक नए, बुर्जुआ विश्वदृष्टि के उद्भव के संकेत विशेष रूप से 15 वीं शताब्दी में क्वात्रोसेन्टो अवधि के दौरान स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे। लेकिन ठीक इसलिए क्योंकि इस अवधि के दौरान एक नई संस्कृति और एक नए विश्वदृष्टि के गठन की प्रक्रिया पूरी नहीं हुई थी (यह बाद में हुआ, सामंती संबंधों के अंतिम विघटन और विघटन के युग में), 15 वीं शताब्दी रचनात्मक स्वतंत्रता से भरी है, साहसी साहसी, मानव व्यक्तित्व के लिए प्रशंसा। यह वास्तव में मानवतावाद की सदी है। इसके अलावा, यह तर्क की असीम शक्ति, बौद्धिकता के युग में विश्वास से भरा युग है। वास्तविकता की धारणा को मन द्वारा नियंत्रित अनुभव, प्रयोग द्वारा परखा जाता है। इसलिए व्यवस्था और माप की भावना पुनर्जागरण की कला की इतनी विशेषता है। ज्यामिति, गणित, शरीर रचना विज्ञान, मानव शरीर के अनुपात का सिद्धांत कलाकारों के लिए बहुत महत्व रखता है; यह तब है जब वे किसी व्यक्ति की संरचना का सावधानीपूर्वक अध्ययन करना शुरू करते हैं; XV सदी में। इतालवी कलाकारों ने सीधे-सीधे परिप्रेक्ष्य की समस्या को भी हल किया है, जो पहले से ही ट्रेसेंटो की कला में परिपक्व हो चुकी है।

क्वाट्रोसेंटो की धर्मनिरपेक्ष संस्कृति के निर्माण में पुरातनता ने बहुत बड़ी भूमिका निभाई। 15वीं शताब्दी पुनर्जागरण की संस्कृति के साथ सीधा संबंध दर्शाती है। प्लेटोनिक अकादमी की स्थापना फ्लोरेंस में हुई थी, लॉरेंटियन पुस्तकालय में प्राचीन पांडुलिपियों का सबसे समृद्ध संग्रह है। पहले कला संग्रहालय दिखाई दिए, जो मूर्तियों, प्राचीन वास्तुकला के टुकड़े, पत्थर, सिक्के, मिट्टी के पात्र से भरे हुए थे। प्राचीन रोम को बहाल किया जा रहा है। चकित यूरोप जल्द ही पीड़ित लाओकून, सुंदर अपोलो (बेल्वेडियर) और वीनस (मेडिसि) की सुंदरता को देखेगा।

हालांकि, यह नहीं भूलना चाहिए कि पुरातनता का प्रभाव मध्य युग की सदियों पुरानी और स्थायी परंपराओं पर ईसाई कला पर आरोपित है। बुतपरस्त और ईसाई भूखंड पुनर्जागरण की संस्कृति के लिए एक विशेष रूप से जटिल चरित्र प्रदान करते हुए, परस्पर जुड़ते हैं, बदलते हैं। क्वाट्रोसेंटो अपने भूखंडों और छवियों को and . से खींचता है पवित्र बाइबल, और प्राचीन पौराणिक कथाओं से, शूरवीर किंवदंतियों से, स्वयं कलाकार की क्षणिक जीवन की टिप्पणियों से। जैसा कि पी। मुराटोव ने एक बार काव्यात्मक रूप से लिखा था, "उनके लिए एस्तेर का इतिहास, और ग्रिसेल्डा का इतिहास, और यूरीडाइस का इतिहास एक ही देश में हुआ। सुंदर पक्षी, ड्रेगन, प्राच्य ऋषि, अप्सराएँ, प्राचीन नायक और जादुई जानवर वहाँ रहते हैं, और यह देश सिर्फ परियों की कहानियों का देश है। ”

लेकिन क्वाट्रोसेंटो में ही पुनर्जागरण कला के सौंदर्यशास्त्र, एक प्रकार की पुनर्जागरण संस्कृति ने आकार लिया।

15 वीं शताब्दी का फ्लोरेंटाइन स्कूल। क्वाट्रोसेंटो में पहली भूमिका फ्लोरेंस की भूमिका निभाने के लिए गिर गई। भूमि आधारित शहर प्राचीन संस्कृतिविलनोव्स, फिर इट्रस्केन्स, IV सदी में। ईसाई धर्म अपनाया (488, उनकी प्रसिद्ध बपतिस्मा दिनांकित है), बारहवीं शताब्दी से। एक पहले से ही समृद्ध कम्यून शहर जिसने गिसानो परिवार की मूर्तियों के साथ ट्रेसेंटो की कला पर अपनी छाप छोड़ी और डांटे और गियोटो की प्रतिभा, फ्लोरेंस क्वाट्रोसेंटो युग के दौरान पुनर्जागरण संस्कृति का मुख्य केंद्र बन गया। 1434 के बाद से, फ्लोरेंस में सत्ता कोसिमो मेडिसी के पास जाती है, जो ड्यूक-संरक्षकों के बैंकिंग राजवंश के संस्थापक हैं, जो चिकित्सकों की उत्पत्ति के हैं (यह बिना कारण नहीं है कि तीन गोलियों की छवि को उनके हथियारों के कोट में संरक्षित किया गया है)। उनके साथ "चिकित्सा संस्कृति की सदी" शुरू हुई।

इटली की वास्तुकला में केवल 15वीं शताब्दी में। नई शैली की विशेषताएं प्रकट होने लगती हैं। फिलिप ब्रुनेलेस्ची (1377-1446) ने 1434 में फ्लोरेंस कैथेड्रल को एक विशाल गुंबद के साथ पूरा किया, सामान्य तौर पर एक गॉथिक इमारत, जिसकी स्थापना 1295 में अर्नोल्फो डि कंबियो द्वारा की गई थी (1334 में, गियोटो पहले से ही उल्लेख किए गए कैंपैनाइल के बगल में खड़ा है - एक 32 मीटर ऊंचा घंटी टॉवर। ) ऑक्टाहेड्रल गुंबद की लालटेन (जिसका व्यास 43 मीटर है - रोमन पैन्थियन से कम नहीं), जो आज तक शहर के पैनोरमा पर हावी है, इसमें अर्धवृत्ताकार मेहराब वाले प्राचीन पायलट हैं, जिस पर लालटेन की छत टिकी हुई है। 1430 और 1443 के बीच ब्रुनेलेस्ची द्वारा निर्मित सांता क्रॉस के चर्च का पाज़ी चैपल, योजना में आयताकार है, जिसके अग्रभाग पर छह कोरिंथियन स्तंभ हैं, युग्मित पायलटों पर एक कंगनी, एक गोलाकार गुंबद के साथ ताज पहनाया गया पोर्टिको, - की विशेषताएं हैं रचनात्मक स्पष्टता, प्राचीन सादगी, सद्भाव और आनुपातिकता, जो सभी पुनर्जागरण कला की विशेषता बन जाती है। ये विशेषताएं धर्मनिरपेक्ष वास्तुकला में और भी अधिक स्पष्ट थीं, उदाहरण के लिए, फ्लोरेंस में अनाथालय की इमारत में, जिसे ब्रुनेलेस्ची द्वारा भी बनाया गया था, जिसमें पहली मंजिल पर गैलरी, जो दूसरी मंजिल पर कंगनी और खिड़कियों के साथ एक चिकनी दीवार में बदल जाती है। , सभी पुनर्जागरण वास्तुकला के लिए एक मॉडल के रूप में कार्य किया। क्वाट्रोसेंटो ने एक धर्मनिरपेक्ष शहर महल (पलाज़ो) की अपनी छवि भी बनाई: एक नियम के रूप में, यह तीन मंजिला है, जो प्रकृति में एक किले की तरह दिखता है, जो मोटे तौर पर कटे हुए पत्थरों की चिनाई के लिए धन्यवाद है जो पहली मंजिल पर जोर देते हैं, लेकिन साथ ही समय यह अपने डिजाइन में स्पष्ट और सटीक है। ये हैं पलाज्जो पिट्टी, जिसका निर्माण 1469 में लियोन बतिस्ता अल्बर्टी के डिजाइन के अनुसार शुरू किया गया था; पलाज़ो मेडिसी (रिकार्डी) पहले भी मिशेलोज़ो दा बार्टोलोमो द्वारा निर्मित; अल्बर्टी, पलाज्जो रुसेलाई द्वारा डिजाइन किया गया। मंजिला विभाजन की स्पष्टता, देहातीपन, पायलटों की बड़ी भूमिका, डबल (जोड़ी) खिड़कियां, उच्चारण कंगनी इन महलों की विशिष्ट विशेषताएं हैं। इसके अलावा, इस प्रकार, संशोधित होने पर, रोमन और विनीशियन मिट्टी पर विकास पाया गया। प्राचीन विरासत के उपयोग की ओर मुड़ते हुए, आदेश प्रणाली के लिए, पुनर्जागरण वास्तुकला ने वास्तुकला में एक नया चरण चिह्नित किया। पलाज़ो की धर्मनिरपेक्ष वास्तुकला को प्रारंभिक इतालवी विला के आराम के आंतरिक वातावरण के साथ बाहरी किले की दुर्गमता और शक्ति के संयोजन की विशेषता है। चर्च वास्तुकला में एक और विशेषता पर ध्यान दिया जाना चाहिए: बहु-रंगीन संगमरमर के साथ चर्चों और कैंपनील्स के मुखौटे का सामना करना पड़ता है, जो मुखौटा को "धारीदार" बनाता है - इतालवी क्वाट्रोसेंटो की एक विशेषता विशेषता, और यह मुख्य रूप से फ्लोरेंस में विकसित हुई।

अर्नोल्फ़ो डि कंबियो, एफ. ब्रुनेलेस्ची। फ्लोरेंस में सांता मारिया डेल फिओर का कैथेड्रल (गियोटो के घंटी टावर के साथ)

क्वाट्रोसेंटो की नई मूर्तिकला के जन्म का वर्ष 1401 माना जा सकता है, जब व्यापारियों के दुकान संगठन ने फ्लोरेंस कैथेड्रल के बपतिस्मा (बपतिस्मा) के दरवाजों की मूर्तिकला सजावट के लिए एक प्रतियोगिता की घोषणा की। बपतिस्मा के तीन दरवाजों में से एक को पहले से ही 14 वीं शताब्दी के 30 के दशक में सजाया गया था। एंड्रिया पिसानो द्वारा मूर्तिकला राहतें। दो और जारी किए जाने थे। प्रतियोगिता में आर्किटेक्ट ब्रुनेलेस्ची, जैकोपो डेला क्वेरसिया, लोरेंजो घिबर्टी और अन्य जैसे उस्तादों ने भाग लिया। प्रतियोगिता ने विजेता का खुलासा नहीं किया है। यह केवल माना गया था कि ब्रुनेलेस्ची और घिबर्टी के नमूने बाकी प्रतिस्पर्धियों के नमूने से काफी बेहतर हैं, और उन्हें भविष्य में "समान शर्तों पर" दरवाजे पर काम करने की पेशकश की गई थी। ब्रुनेलेस्ची ने इस तरह के प्रस्ताव को अस्वीकार कर दिया और आदेश पूरी तरह से घिबर्टी में चला गया। लोरेंजो घिबर्टी (1381-1455), कला में प्रसिद्ध और एक सिद्धांतकार के रूप में, तीन पुस्तकों "टिप्पणियों" के लेखक - पुनर्जागरण कला के इतिहास में पहली, बाइबिल के विषयों पर जटिल बहु-आंकड़ा रचनाएं बनाईं जो एक परिदृश्य और स्थापत्य के खिलाफ सामने आती हैं पृष्ठभूमि। प्रदर्शन के तरीके में कई गॉथिक प्रभाव हैं। घिबर्टी की कला बाहरी प्रभावों से भरी भावना में अभिजात और परिष्कृत है, जो क्वेर्च की लोकतांत्रिक, साहसी कला की तुलना में ग्राहक के स्वाद के लिए अधिक थी। जिस मूर्तिकार को यूरोपीय प्लास्टिक की कई समस्याओं को हल करना था - गोल मूर्तिकला, स्मारक, कला में अश्वारोही स्मारक - आने वाले सदियों के लिए - डोनाटो डी निकोलो डी बेट्टो बर्दा, कला इतिहास में डोनाटेलो (1386? -1466) के रूप में जाना जाता है। डोनाटेलो का करियर बहुत कठिन था। उनकी कला में गॉथिक यादें भी देखी जाती हैं, उदाहरण के लिए, संगमरमर डेविड (मूर्तिकार का प्रारंभिक काम) की आकृति में। ओर्सन मिशेल (15वीं शताब्दी के 10 के दशक) के फ्लोरेंटाइन चर्च के लिए प्रेरित मार्क की आकृति में, डोनाटेलो ने प्लास्टिसिटी के नियमों के अनुसार विकास में एक मानव आकृति के मंचन की समस्या को हल किया, जिसे पॉलीक्लेटस द्वारा प्राचीन काल में विकसित किया गया था, लेकिन भूल गया मध्य युग। प्रेरित अपने दाहिने पैर पर झुक कर खड़ा होता है, और बाएं को पीछे धकेल दिया जाता है और घुटने पर झुक जाता है, केवल आकृति के संतुलन को थोड़ा बनाए रखता है। इस आंदोलन पर दाहिने पैर के साथ गिरने वाले लबादे की सिलवटों पर जोर दिया जाता है, और इन सिलवटों की लचीली रेखाओं का जटिल पैटर्न बाईं ओर ढह जाता है।

डोनाटेलो। सेट जॉर्ज। फ्लोरेंस। राष्ट्रीय संग्रहालय

बंदूकधारियों की कार्यशाला द्वारा कमीशन की गई उसी इमारत के एक अन्य स्थान के लिए, डोनाटेलो ने सेंट जॉर्ज की प्रतिमा को निष्पादित किया, जो प्रारंभिक पुनर्जागरण के पहले से ही स्पष्ट रूप से व्यक्त आदर्श, आत्म-जागरूकता और आत्मविश्वास की इस उज्ज्वल व्यक्तिगत छवि में आत्म-जागरूकता की भावना का प्रतीक है। एक स्तंभ जैसी आकृति की मुक्त, शांत मुद्रा, जो सेंट को लाती है। जॉर्ज "साथ बेहतरीन उदाहरणउच्च शास्त्रीय काल की ग्रीक मूर्तिकला। एक शोधकर्ता (एन. पुनिन) के अनुसार, यह "प्राचीन काल का मानवकृत देवता नहीं है, बल्कि एक नए युग का देवता है।"

डोनाटेलो की कला की यथार्थवादी शुरुआत पूरी तरह से गियट्टो (1416-1430) के घंटी टॉवर के भविष्यवक्ताओं की छवियों में व्यक्त की गई थी, जिसे उन्होंने विशिष्ट व्यक्तियों से किया था, जो इन छवियों को वास्तव में समकालीनों के चित्र बनाते थे। डोनाटेलो ने एक विशेष चित्र भी बनाया। पुनर्जागरण की विशिष्ट प्रतिमाओं में से एक को टेराकोटा में डोनाटेलो द्वारा चित्रित, उन वर्षों के फ्लोरेंस में एक राजनेता, निकोलो उज़ानो का चित्र माना जाता है।

1432 में ब्रुनेलेस्ची से रोम तक डोनाटेलो की यात्रा, वहां के प्राचीन स्मारकों के अध्ययन ने, डोनाटेलो को कई कार्यों के लिए प्रेरित किया, आत्मा में मूर्तिपूजक, प्राचीन मूर्तिकला के रूप में, जैसे कि फ्लोरेंस कैथेड्रल के गायन मंच पर संगमरमर के स्वर्गदूत। प्राचीन प्रभावों का एक जटिल संयोजन (रूपों की व्याख्या में, कपड़ों की सिलवटों में) और एक अत्यधिक गंभीर, गहरा धार्मिक मूड फ्लोरेंस में सांता क्रॉस के चर्च से राहत "घोषणा" है।

कांस्य "डेविड" (30 के दशक) में डोनाटेलो फिर से प्राचीन परंपराओं में लौटता है, लेकिन पहले से ही देर से ग्रीक वर्ग के। एक साधारण चरवाहा, विशाल गोलियत का विजेता, जिसने यहूदिया के निवासियों को पलिश्तियों के जुए से बचाया और जो बाद में राजा बन गया, डेविड पुनर्जागरण की कला की पसंदीदा छवियों में से एक बन गया। डोनाटेलो ने उन्हें बहुत युवा, आदर्श रूप से सुंदर, प्रैक्सिटेलियन हेमीज़ की तरह चित्रित किया। लेकिन डोनाटेलो चरवाहे की टोपी के रूप में इस तरह के रोजमर्रा के विवरण को पेश करने से डरता नहीं था - इसकी सरल उत्पत्ति का संकेत।

एस बॉटलिकेली। शुक्र का जन्म। फ्लोरेंस, उफीजिक

डोनाटेलो को पुनर्जागरण के दौरान पहला घुड़सवारी स्मारक बनाने का भी सम्मान प्राप्त है। 1443-1453 के वर्षों में। पडुआ में, उन्होंने कोंडोटिएरे एरास्मो डी नारनी की घुड़सवारी की मूर्ति डाली, जिसका नाम गट्टामेलता ("मोटली कैट") रखा गया। फॉर्म का एक विस्तृत, मुक्त मॉडलिंग एक सैन्य नेता की एक स्मारकीय छवि बनाता है, भाड़े के सैनिकों के प्रमुख, एक मार्शल के डंडों के साथ एक कोंडोटियर, कवच में पहने हुए, लेकिन एक नग्न (निष्पादित, वैसे, एक मुखौटा से) और इसलिए एक अभिव्यंजक चित्र) सिर, एक भारी, राजसी घोड़े पर। घोड़े का बायां अगला पैर कोर पर टिका हुआ है। घोड़े की पीठ पर सवार की तरह, आसन सरल, स्पष्ट और सख्त है। गट्टामेलता की छवि निस्संदेह प्राचीन स्थानिक समाधानों के प्रभाव में बनाई गई है, मुख्य रूप से मार्कस ऑरेलियस की छवि।

गट्टामेलता स्मारक सेंट पीटर्सबर्ग के पडुआ कैथेड्रल के सामने चौक पर खड़ा है। एंथोनी, जिनकी वेदी राहतें भी डोनाटेलो (1445-1450) द्वारा की गई थीं। मध्ययुगीन कला की सर्वोत्तम परंपराओं का उपयोग करते हुए, प्राचीन प्लास्टिक का अध्ययन करते हुए, डोनाटेलो अपने स्वयं के समाधान के लिए आए, गहरी मानवता और वास्तविक यथार्थवाद की छवियों के लिए, जो बाद की सभी यूरोपीय मूर्तिकला पर उनके विशाल प्रभाव की व्याख्या करता है। कोई आश्चर्य नहीं कि उन्हें ब्रुनेलेस्ची और मासासिओ के साथ पुनर्जागरण के तीन पिताओं में से एक नामित किया गया था।

डोनाटेलो का सबसे प्रसिद्ध छात्र एंड्रिया वेरोकियो (1436-1488) है, जो एक चित्रकार भी था (एक चित्रकार के रूप में वह लियोनार्डो के शिक्षक होने के लिए बेहतर जाना जाता है)। Verrocchio डोनाटेलो के समान विषयों से प्रेरित था। लेकिन फ्लोरेंटाइन क्वाट्रोसेंटो के अंत में पहले से ही प्रदर्शन किए गए वेरोकियो द्वारा कांस्य "डेविड", अधिक परिष्कृत, सुशोभित है, इसके रूप का मॉडलिंग अत्यंत विस्तृत है। यह सब मूर्तिकला को डोनाटेलो की छवि की तुलना में कम स्मारकीय बनाता है।

सैन जियोवानी के चर्च के पास विनीशियन स्क्वायर के लिए, ई पाओलो वेरोक्चिओ ने कोंडोटिएरे कोलोनी के घुड़सवारी स्मारक का प्रदर्शन किया। सवार की मुद्रा में, घोड़े के उछलते कदम में कुछ नाटकीयता है। एक ऊंचे आसन की रूपरेखा को मोड़ा जाता है, गणना की जाती है ताकि सवार के सिल्हूट को आकाश के खिलाफ, ऊंची इमारतों से घिरे एक छोटे वर्ग के बीच में स्पष्ट रूप से पढ़ा जा सके। Verrocchio के परिष्कार की विशेषताएं स्वाद के अभिजात वर्ग के साथ पूरी तरह से संगत हैं जो 15 वीं शताब्दी के अंत में फ्लोरेंस की विशेषता है, हालांकि निस्संदेह वेरोक्चिओ की प्रतिभा के लिए धन्यवाद, उनके स्मारक में स्मारकीय छवि की महिमा और अखंडता दोनों हैं। Condottiere Verrocchio किसी विशिष्ट व्यक्ति की इतनी छवि नहीं है जितना कि उस युग की सामान्यीकृत प्रकार की विशेषता है।

फ्लोरेंटाइन क्वाट्रोसेंटो की पेंटिंग में प्रमुख भूमिका कलाकार टॉमासो डि जियोवानी डि सिमोन कसाई गुइडी को मिली, जिन्हें मासासिओ (1401-1428) के नाम से जाना जाता है। हम कह सकते हैं कि Masaccio ने उन गंभीर समस्याओं का समाधान किया चित्रमय कला, जिसका मंचन एक सदी पहले Giotto द्वारा किया गया था। पहले से ही सांता मारिया डेल कारमाइन के फ्लोरेंटाइन चर्च के ब्रांकासी चैपल में पेंटिंग के दो मुख्य दृश्यों में - "सबमिट" ("इल ट्रिब्यूट") और "द एक्सप्लिसन ऑफ एडम एंड ईव फ्रॉम पैराडाइज" - मासासिओ ने खुद को दिखाया। कलाकार जिनके लिए यह स्पष्ट था कि अंतरिक्ष में आकृतियों को कैसे रखा जाए और उन्हें एक दूसरे से कैसे जोड़ा जाए और परिदृश्य के साथ, मानव शरीर की शारीरिक रचना के नियम क्या हैं। मासासिओ के दृश्य नाटक, जीवन की सच्चाई से भरे हुए हैं: स्वर्ग से निष्कासन में, एडम ने शर्म से अपने हाथों से अपना चेहरा ढक लिया। हव्वा रोती है, उसका सिर निराशा से पीछे हट जाता है। "द टैक्स" दृश्य में तीन भूखंड संयुक्त हैं: शहर के द्वार पर अपने शिष्यों के साथ मसीह, एक कर संग्रहकर्ता द्वारा रोका गया, केंद्रीय रचना है; पीटर, क्राइस्ट के कहने पर, इससे बाहर निकलने के लिए एक मछली पकड़ना, भुगतान के लिए आवश्यक सिक्का (डिड्राचमा, या स्टेटिर, इसलिए फ्रेस्को का दूसरा नाम - "मिरेकल विद ए स्टैटिर") - बाईं ओर रचना; कलेक्टर को करों के भुगतान का दृश्य - दाईं ओर। एक विमान पर तीन दृश्यों को जोड़ने का सिद्धांत अभी भी पुरातन है, लेकिन जिस तरह से इन दृश्यों को लिखा गया है - एक रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य को ध्यान में रखते हुए - मासासिओ के समकालीनों और बाद के सभी स्वामी दोनों के लिए एक सच्चा रहस्योद्घाटन था। क्वाट्रोसेंटो - रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य की मुख्य समस्याओं को हल करने वाले मासासिओ पहले थे। पहाड़ियां और पेड़ दूर-दूर तक निकल जाते हैं, जिससे एक प्राकृतिक वातावरण बनता है जिसमें नायक रहते हैं और जिसके साथ आंकड़े व्यवस्थित रूप से जुड़े होते हैं। प्राकृतिक रूप से परिदृश्य में स्थित है केंद्रीय समूह- यीशु और उनके शिष्य। आंकड़ों के बीच एक तरह का वायु वातावरण बनता है। मासासिओ केंद्र में मसीह के शिष्यों के समूह के लिए चित्र सुविधाओं को संप्रेषित करने से डरते नहीं थे: चरम दाहिनी आकृति में, समकालीनों ने खुद मासासिओ को देखा, मसीह के बाईं ओर के चेहरे में उन्होंने डोनाटेलो के समान देखा। प्रकाश भी प्राकृतिक था: यह चैपल के दाहिनी ओर से गिरने वाली वास्तविक रोशनी के अनुरूप था।

अपनी स्थापना के बाद से, मासासिओ के भित्तिचित्रों ने इस तथ्य में योगदान दिया है कि सांता मारिया डेल कारमाइन का चर्च एक तरह की अकादमी बन गया है, जहां कलाकारों की पीढ़ियों ने अध्ययन किया, ठीक माइकल एंजेलो तक, जो निस्संदेह मासासिओ से प्रभावित थे। आंकड़ों और परिदृश्य को एक ही क्रिया में जोड़ने की मासासिओ की क्षमता, नाटकीय रूप से और साथ ही प्रकृति और लोगों के जीवन को स्वाभाविक रूप से व्यक्त करती है - यह चित्रकार की महान योग्यता है, जिसने कला में अपना स्थान निर्धारित किया। और यह और भी आश्चर्य की बात है कि मासासिओ दुनिया में एक सदी के एक चौथाई से थोड़ा अधिक समय तक रहा।

मासासिओ का अनुसरण करने वाले कई कलाकारों ने मानव शरीर के परिप्रेक्ष्य, गति और शरीर रचना विज्ञान की समस्याओं को विकसित किया, यही कारण है कि उन्हें विज्ञान में परिप्रेक्ष्यवादी और विश्लेषक कहा जाता था। ये ऐसे चित्रकार हैं जैसे पाओलो उसेलो, एंड्रिया कास्टाग्नो, उम्ब्रियन चित्रकार डोमेनिको वेनेज़ियानो।

फ्लोरेंटाइन कलाकारों के बीच रूढ़िवादी स्वाद को व्यक्त करने के लिए एक अधिक पुरातन प्रवृत्ति भी थी। इनमें से कुछ कलाकार भिक्षु थे, इसलिए कला के इतिहास में उन्हें मठवासी कहा जाता था। उनमें से सबसे प्रसिद्ध में से एक फ्रा (यानी भाई - एक भिक्षु को एक भिक्षु का पता) जियोवानी बीटो एंजेलिको दा फिसोल (1387-1455) था। और यद्यपि वह उदास डोमिनिकन आदेश का एक भिक्षु था, उसकी कला में कठोर, तपस्वी कुछ भी नहीं है। मध्ययुगीन परंपराओं के अनुसार चित्रित उनके मैडोनास की छवियां, अक्सर एक सोने की पृष्ठभूमि के खिलाफ, गीतवाद, शांति और चिंतन से भरी होती हैं, और परिदृश्य पृष्ठभूमि पुनर्जागरण की प्रफुल्लितता की प्रबुद्ध भावना के साथ अनुमत होती है। बीटो के छात्र एंजेलिको बेनोज़ो गोज़ोली (1420-1498) के काम में इस भावना को और बढ़ाया गया है, उदाहरण के लिए उनके में प्रसिद्ध भित्ति चित्रपलाज़ो मेडिसी (रिकार्डी) "मैगी का जुलूस", जिसकी रचना में उन्होंने फ्लोरेंस के शासक कोसिमो मेडिसी के परिवार की छवि पेश की।

फ्लोरेंस में सत्ता इस बैंकर के पास गई, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, 1434 में। कई वर्षों तक मेडिसी राजवंश फ्लोरेंस के सिर पर खड़ा था, जो एक लोकतांत्रिक से एक कुलीन सरकार के रूप में चला गया, जिसने उस समय की कला के विकास को प्रभावित किया।

चिकित्सा संस्कृति गहरी धर्मनिरपेक्ष है। केवल 15वीं सदी के इटली में। कोई भी कल्पना कर सकता है कि उसकी प्रेमिका, ल्यूक्रेटिया बुटी, जिसे एक बार मठ से अपहरण कर लिया गया था, और उसके बच्चे जॉन के साथ मैडोना और क्राइस्ट की छवि में थे, जैसा कि कोसिमो मेडिसी के पसंदीदा कलाकार फिलिप लिप्पी (1406-1469) ने अपने एक में किया था। काम करता है। लिप्पी के जीवन के बारे में किंवदंतियाँ थीं। वह खुद एक भिक्षु था, लेकिन मठ छोड़ दिया, एक भटकने वाला कलाकार बन गया, मठ से एक नन का अपहरण कर लिया और मर गया, वसारी के अनुसार, एक युवा महिला के रिश्तेदारों द्वारा जहर दिया गया, जिसे वह पहले से ही एक बड़ी उम्र में प्यार कर चुका था। फ्लोरेंटाइन क्वाट्रोसेंटो के कलाकारों द्वारा सन्निहित धार्मिक विषय, समकालीन लोगों के चित्रों के साथ, जीवंत मानवीय भावनाओं और अनुभवों से भरे हुए, रोज़मर्रा के विवरणों के साथ धर्मनिरपेक्ष कार्यों में बदल गए।

15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। कला में संरक्षक की भूमिका को मजबूत करने के साथ, लालित्य और विलासिता और भी महत्वपूर्ण हो जाती है। डोमिनिको घिरलैंडियो (1449-1494) द्वारा सांता मारिया नोवेल्ला के चर्च की दीवारों पर चित्रित सुसमाचार कहानियां, वास्तव में फ्लोरेंटाइन समाज के ऊपरी तबके के जीवन के दृश्यों की व्याख्या का प्रतिनिधित्व करती हैं।

कोसिमो के पोते लोरेंजो मेडिसी के शासनकाल के दौरान, फ्लोरेंटाइन कला ने सदी के अंत में विशेष परिष्कार प्राप्त किया, जिसका नाम मैग्निफिकेंट (1449-1492) रखा गया। एक शांत और क्रूर राजनेता, एक वास्तविक अत्याचारी, लोरेंजो एक ही समय में अपने समय के सबसे शिक्षित लोगों में से एक था। कवि, दार्शनिक, मानवतावादी, परोपकारी, मूर्तिपूजक दृष्टिकोण, हालांकि, धार्मिक उत्थान के लिए इच्छुक, उन्होंने अपने दरबार को उस समय की कलात्मक संस्कृति के केंद्र में बदल दिया, जहां पोलिज़ियानो जैसे लेखकों, वैज्ञानिकों और दार्शनिकों जैसे पिको डेला मिरांडोला को आश्रय मिला। बॉटलिकेली और माइकल एंजेलो जैसे महान कलाकार। शिकार, कार्निवल, टूर्नामेंट एक दूसरे की जगह लेते हैं, प्रतिभागी पेंटिंग, संगीत, मूर्तिकला, वाक्पटुता और कविता की कला में खुद को दिखाते हैं। लेकिन लोरेंजो द मैग्निफिकेंट के दरबार की संस्कृति में, बहुत सारे विरोधाभास हैं, यह बहुत नाजुक है, पतन के मूड के साथ व्याप्त है, एक संकीर्ण सामाजिक वातावरण में बंद है।

फ्लोरेंटाइन क्वाट्रोसेंटो के अंत के सबसे विशिष्ट कलाकार, लोरेंजो मेडिसी के दरबार के सौंदर्य आदर्शों के प्रतिपादक, फिलिप लिप्पी के छात्र सैंड्रो बोथिसेली (एलेसेंड्रो डि मारियानो फिलिपी, 1445-1510) थे। उफीजी गैलरी उनके दो को रखती है प्रसिद्ध चित्र: "द बर्थ ऑफ वीनस" (सी। 1483-1484) और "स्प्रिंग" ("प्रिमावेरा"; सी। 1477-1478)। पहले में, बॉटलिकली दर्शाती है कि कैसे एक सुंदर देवी, समुद्र के झाग से पैदा हुई, एक खोल में हवाओं की हवा के नीचे, समुद्र की सतह के साथ किनारे तक चमकती है। पहले से ही यहाँ बॉटलिकली के लेखन की सभी मुख्य विशेषताएं महसूस की गई थीं: उनकी शोभा, लालित्य, छवियों का गेय और रोमांटिक चरित्र, एक शानदार परिदृश्य बनाने की उनकी अद्भुत क्षमता, अतीत में, लगभग राहत में ओवरलेइंग पेंट्स उनकी विशेषता "गॉथिकवाद" (लंबी भारहीन आंकड़े) , मानो जमीन को नहीं छू रहा हो) ... बॉटलिकेली एक बहुत ही विशिष्ट प्रकार के चेहरे बनाता है, विशेष रूप से महिलाएं: एक लम्बा अंडाकार, पूर्ण होंठ, प्रतीत होता है कि आंसू से सना हुआ आंखें। हम वसंत ऋतु में उसी प्रकार से मिलते हैं, जिसका विषय पोलिज़ियानो की कविताओं में से एक से प्रेरित है। बॉटलिकली को एक विशिष्ट, स्पष्ट कथानक पसंद नहीं है। पेंटिंग "प्रिमावेरा" में, स्प्रिंग, मैडोना, मर्करी, तीन ग्रेस, एक अप्सरा, एक मार्शमैलो, आदि के आंकड़े एक ही रचना में संयुक्त हैं, जो एक शानदार प्रकृति के बीच प्रस्तुत किया गया है, जिसकी छवि बॉटलिकेली को पता था कि कैसे व्यक्त करना है अपने तरीके से, एक निश्चित मुग्ध उद्यान की तरह। लेकिन वसंत का चेहरा, हेम से फूल बिखेरते हुए, अलग हो गया है, यह लगभग दुखद है, जो उसके द्वारा लाए गए आनंद से बिल्कुल भी जुड़ा नहीं है। ये वही विशेषताएं मैडोनास की उनकी छवियों से संपन्न हैं; इससे भी अधिक दुखद और घबराहट उनके "सैलोम", "द बनिश्ड", आदि की विशेषता है।

80 के दशक में, घिरलैंडियो और पेरुगिनो के साथ, बॉटलिकली ने सिस्टिन चैपल की दीवारों को चित्रित किया, और इस तरह उनके भित्तिचित्रों को सदियों तक माइकल एंजेलो के चित्रों के साथ प्रतिस्पर्धा करने के लिए आधी सदी बाद निष्पादित किया गया था। बॉटलिकली की अंतिम रचनाएँ, मुख्य रूप से विलाप, सवोनारोला की छवि और दुखद भाग्य से प्रेरित हैं, जिसके प्रभाव में कलाकार ने खुद को 80 और 90 के दशक में पाया। डोमिनिकन भिक्षु के भावुक उपदेश, न केवल मेडिसी तानाशाह, पोप के भ्रष्टाचार और धर्म के पतन के खिलाफ, बल्कि पुनर्जागरण की पूरी संस्कृति के खिलाफ भी, सवोनारोला के कट्टर अलाव का नेतृत्व करते हैं, जहां अमर रचनाएं हैं पुनर्जागरण संस्कृति को जला दिया गया, और बॉटलिकेली के कार्यों को जला दिया गया। पिछले दस वर्षों से उन्होंने कुछ भी नहीं लिखा है, सवोनारोला की फांसी के बाद, दुखद उदासी में।

15वीं सदी के अंत तक। फ्लोरेंस, इटली के सभी उन्नत शहरों की तरह, आर्थिक और सामाजिक-राजनीतिक संकट के दौर में प्रवेश कर गया। 16वीं शताब्दी के 30 के दशक तक, फ्लोरेंस एक कम्यून शहर के रूप में अपनी स्वतंत्रता खो देता है, टस्कनी के डची का सिर्फ मुख्य शहर रहता है, और कलात्मक जीवन का केंद्र नहीं रह जाता है। लेकिन क्वाट्रोसेंटो के फ्लोरेंटाइन स्कूल ने पुनर्जागरण की सभी कलाओं पर अपनी छाप छोड़ी। वह रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य, मानव शरीर की शारीरिक रचना, सटीक ड्राइंग, प्राकृतिक गति की समस्याओं को हल करने वाली पहली थीं; रंग, हालांकि, फ्लोरेंटाइन मास्टर्स का सबसे मजबूत बिंदु नहीं था।

15 वीं शताब्दी का उम्ब्रियन स्कूल। उम्ब्रिया की भूमि टस्कनी के उत्तर-पूर्व में स्थित है। यहाँ XV सदी में। कोई नहीं थे बड़े शहर, बड़े स्थानों पर जमींदारों का कब्जा था, इसलिए सामंती, मध्ययुगीन परंपराएं कला में अधिक समय तक जीवित रहीं और अधिक स्पष्ट रूप से व्यक्त की गईं। 14वीं सदी की उम्ब्रियन कला का दरबारी, शिष्ट चरित्र। सिएना के बहुत करीब। वेनिस के माध्यम से, उम्ब्रियन शहरों ने उत्तरी यूरोप और बीजान्टियम के साथ संबंध बनाए रखा। उम्ब्रियन कला सजावटी, उत्सवपूर्ण, गीतात्मक, स्वप्निल और गहन धार्मिक है; इसमें टस्कनी के विपरीत मुख्य भूमिकास्वाद खेलता है।

राफेल पेरुगिनो, पिंटुरिचियो, मेलोज़ो दा फोर्ली के भविष्य के शिक्षक जेंटाइल डे फैब्रियानो जैसे उम्ब्रियन मास्टर्स के काम में ये सभी विशेषताएं पहले से ही प्रकट हुई थीं। लेकिन 15वीं सदी में उम्ब्रिया के सबसे बड़े गुरु। पिएरो डेला फ्रांसेस्का (1420? -1492) था। उन्होंने डोमिनिको वेनेज़ियानो के साथ अध्ययन किया, फ्लोरेंस में काम किया, ब्रुनेलेस्ची और घिबर्टी से परिचित थे, फ्लोरेंटाइन्स की तरह वह परिप्रेक्ष्य की समस्याओं में रुचि रखते थे और यहां तक ​​​​कि इस विषय पर एक ग्रंथ भी छोड़ गए थे। टिटियन तक, पिएरो डेला फ्रांसेस्का सबसे महान रंगकर्मियों में से एक था। उन्होंने सबसे सूक्ष्म तरीके से रंग अनुपात विकसित किया, वैलर्स की तकनीक का इस्तेमाल किया, यानी, वह जानता था कि रंगों की विभिन्न प्रकाश-एकत्रित दरों को कैसे व्यक्त किया जाए और रंगों को हल्के-हवा वाले वातावरण के साथ जोड़ा जाए, ताकि कला इतिहासकारों ने बाद में उन्हें इनमें से एक कहा। सभी पश्चिमी यूरोपीय कलाओं में पहली प्लीन एयर (यानी खुली हवा में काम करना)। फ्रांसेस्का सबसे महान स्मारकवादी थे, एक मास्टर ज्यादातर चित्रफलक का नहीं (हालांकि उन्होंने चित्रों को पीछे छोड़ दिया, उदाहरण के लिए, उरबिनो फेडेरिगो डी मोंटेफेल्ट्रो के ड्यूक और उनकी पत्नी बतिस्ता सेफोर्ज़ा का चित्र, उफीज़ी गैलरी में रखा गया - 1465), लेकिन स्मारकीय और सजावटी पेंटिंग। 50-60 के दशक ("द ड्रीम ऑफ कॉन्सटेंटाइन", "द अराइवल ऑफ द क्वीन ऑफ शीबा टू किंग सोलोमन", आदि) में चित्रित, अरेज़ो में सैन फ्रांसेस्को के चर्च में भित्तिचित्रों पर एक स्मारकवादी के रूप में उनका उपहार पूरी तरह से दिखाई देता है। , रैखिक और प्लास्टिक की लय की उनकी अद्भुत भावना के साथ, महाकाव्य की भव्यता को बढ़ाने के लिए रूप के अत्यंत सरलीकरण के साथ, छवियों की महिमा, आकस्मिक, सामान्य से ऊपर उठाई गई। क्वात्रोसेन्टो के एक सच्चे कलाकार के रूप में फ्रांसेस्का, मनुष्य के उच्च मिशन में, अपनी सुधार करने की क्षमता में विश्वास करते थे।

15वीं शताब्दी का पडुआ स्कूल। पडुआ आचार्यों की रचनात्मकता प्राचीन कला की प्रशंसा के संकेत के तहत विकसित होती है। पडुआ स्कूल के सबसे महान चित्रकार एंड्रिया मेंटेग्ना (1431-1506), एक छात्र थे और प्राचीन कला के एक कलेक्टर और पारखी, फ्रांसेस्को स्क्वरचोन के दत्तक पुत्र थे, जिन्होंने उन्हें "पूर्वजों की भव्य भव्यता" के लिए अपनी प्रशंसा व्यक्त की। पडुआ इटली के उत्तर में स्थित है, जर्मनी और फ्रांस के साथ इसके संबंध 15 वीं शताब्दी में काफी करीब थे, और क्वाट्रोसेंटो की कला में गॉथिक विशेषताएं काफी स्वाभाविक हैं। पडुआ ने भी फ्लोरेंटाइन स्कूल के एक बड़े प्रभाव का अनुभव किया। Giotto, Uchello, Donatello, F. Lippi ने यहां काम किया। लेकिन पडुआ स्कूल में सबसे अधिक पुरातनता का पहले से ही उल्लेख किया गया प्रभाव था, मुख्यतः रोमन। मंतेगना ने अपनी रचनाओं में प्राचीन स्मारकों की छवि पेश की। फ्रांसेस्का की तरह, मेंटेग्ना मुख्य रूप से एक मुरलीवादी थे। पडुआ के एरेमिटानी चर्च (40 के दशक के अंत - 50 के दशक) के ओवेटरी चैपल में, मंटेन्या ने सेंट पीटर्सबर्ग के इतिहास को प्रस्तुत किया। जैकब मानो रोमन साम्राज्य के किसी शहर में कार्रवाई हो रही हो। स्थानिक निर्णयों के साहस से सभी रचनाएँ विस्मित करती हैं। फ्रांसेस्का के विपरीत, मैन्टेग्ना में आंकड़े ऐसा प्रतीत होता है जैसे दीवार से फैला हुआ है, विमान को नष्ट कर रहा है, उन्हें हमेशा जटिल कोणों में प्रस्तुत किया जाता है, जैसे, उदाहरण के लिए, दर्शकों के लिए अपनी पीठ के साथ खड़ा एक योद्धा, आश्चर्यजनक रूप से चमत्कार पर विचार कर रहा है कि सेंट। याकूब.

मंटुआन शासकों के महल में, कास्टेलो डि कॉर्टो, कला के संरक्षक और पुरावशेषों के प्रेमी, लोदोविको गोंजागा, मेंटेगना ने "विवाह कक्ष" (कैमरा डिगली स्पोसी) को चित्रित किया, जिसमें गोंजागा के पारिवारिक चित्र और दृश्यों को दर्शाया गया था। मंटुआ का दरबारी जीवन। तिजोरी के बहुत केंद्र में एक गोलाकार गैलरी का चित्रण करने वाला प्लाफॉन्ड फ्रेस्को, जो रेलिंग के माध्यम से देख रहे लोगों के साथ है, वास्तव में, पश्चिमी यूरोपीय कला में पहली भ्रमपूर्ण सजावट है। कुशलता से चित्रित बादल आकाश में एक सफलता की छाप को और बढ़ाते हैं।

प्राचीनता के लिए मेंटेगना का जुनून, जो विशेष रूप से "सीज़र की विजय" के विषयों पर 9 प्रारंभिक ग्रिसेल कार्टूनों में स्पष्ट था और उनके बाद के काम "पर्नासस" में, मेंटेग्ना द्वारा प्रौद्योगिकी और शैली की बारीकियों की सूक्ष्म समझ के साथ और एक रचनात्मक के साथ जोड़ा गया था। उत्तरी गोथिक की परंपराओं पर पुनर्विचार। यह उनके सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक में स्पष्ट रूप से देखा जाता है - वेरोना में सैन ज़ेनो के चर्च की वेदी की वेदी से "द क्रूसीफिक्सियन"। मरियम के नेतृत्व में समूह से बाईं ओर, समूह से बाईं ओर, पूरे चट्टानी बेजान परिदृश्य से, उसकी पीड़ा में जमे हुए, डरे हुए, शहीदों के साथ क्रॉस से गंभीरता और त्रासदी उड़ती है, जिसमें गहरे हरे रंग की पृष्ठभूमि के खिलाफ खून से लाल पहाड़ की चोटी जलती है आकाश एक अशुभ चरित्र देता है। जो हो रहा है उसकी नाटकीय प्रकृति पर रोमन सैनिकों के एक समूह द्वारा मसीह के कपड़े खेलने पर जोर दिया गया है। मेंटेग्ना में स्पष्ट चित्र, एक कठोर रूपरेखा, शारीरिक रूप से सत्यापित अनुपात, एक बोल्ड परिप्रेक्ष्य, एक ठंडा रंग, उसकी छवियों की गंभीरता और संयमित पीड़ा पर जोर देता है। एक महान परिप्रेक्ष्यवादी, एक साहसी नवप्रवर्तनक, मंतेगना एक वीर व्यक्तित्व के गायक थे। मेंटेगना ने बहुत अधिक उत्कीर्णन (तांबे पर) किया और ड्यूरर पर इसका बहुत प्रभाव था।

मेंटेग्ना के समकालीनों में से, पडुआ स्कूल के सबसे करीब फेरारा और बोलोग्ना (कोसिमो तुरा, फ्रांसेस्को कोसा, लोरेंजो कोस्टा, आदि) के कलाकार हैं। उत्तरपूर्वी इटली का एक शहर फेरारा, कुछ हद तक वेनिस का भी प्रतिद्वंद्वी था। लेकिन सामंती-कुलीन जीवन शैली ने कला में गोथिक परंपराओं के लंबे संरक्षण में योगदान दिया (हालांकि ड्यूक डी'एस्ट के दरबार में उन्होंने पुरातनता की बहुत सराहना की और ध्यान से अध्ययन किया और यहां तक ​​​​कि परिचय भी दिया लैटिन भाषा) उनकी वेदियों की अभिव्यंजक रचनाओं पर, कोसिमो टूर के काम पर इतालवी (मंटेग्ना, पिएरो डेला फ्रांसेस्का) और डच (रोजियर वैन डेर वेयडेन) दोनों के प्रभाव का पता लगाया जा सकता है। फ्रांसेस्को कोसा, ड्यूक डी'एस्ट "स्काइफ़ानोइया" ("उबाऊ नहीं") के देश के महल के भित्तिचित्रों के लिए प्रसिद्ध हो गया, जिसमें शिकार, प्रतियोगिताओं, विजय के दृश्यों के साथ, अदालती जीवन के सभी वैभव को व्यक्त किया गया। ...

15वीं सदी का विनीशियन स्कूल पुनर्जागरण के दौरान, वेनिस इटली के अन्य शहरों की तुलना में थोड़ा अलग विकसित हुआ। उत्तर-पश्चिमी एड्रियाटिक के द्वीपों पर इसकी अनुकूल भौगोलिक स्थिति, इसके शक्तिशाली बेड़े और पूर्व के साथ खुले व्यापार मार्ग, मुख्य रूप से बीजान्टियम के साथ (10 वीं शताब्दी तक, वेनिस आमतौर पर बीजान्टिन साम्राज्य का हिस्सा था), जल्दी से इसे समृद्ध बना दिया। क्रूसेड्स ने वेनिस गणराज्य में नया राजस्व लाया। लेकिन XIII सदी के अंत से। इसकी राजनीतिक व्यवस्था के अभिजात वर्ग की प्रक्रिया शुरू हुई। पैट्रिशियनवाद ने एक नई, बर्गर संस्कृति के विकास में देरी की, और इस प्रकार वेनिस में पुनर्जागरण लगभग आधी सदी देर से हुआ।

वेनिस में क्वाट्रोसेंटो पिसानेलो और जेंटाइल डे फैब्रियानो जैसे कलाकारों के नामों से शुरू होता है, जिन्होंने एक साथ डोगे के महल को चित्रित किया; विटोरियो कार्पेस्को जैसे मास्टर के काम में इसकी पूरी अभिव्यक्ति मिलती है। विनीशियन स्कूलों के लिए कैनवास पर तेल में एक धार्मिक विषय पर चित्रों की उनकी श्रृंखला - सामान्य समाज (स्कुओलो) एक विनीशियन जीवन, अपने समय की एक विनीशियन भीड़, एक विनीशियन परिदृश्य को दर्शाती है। लेकिन बेलिनी परिवार के काम में प्रारंभिक पुनर्जागरण के विकास के मार्ग सबसे स्पष्ट रूप से दिखाई देते हैं: जैकोपो बेलिनी और उनके दो बेटे, जेंटाइल और जियोवानी। कला में सबसे प्रसिद्ध बाद वाला है, जिसे अक्सर अपनी मातृभूमि में जियानबेलिनो (1430-1516) के रूप में जाना जाता है। उन्होंने पडुआनियों की भावना में एक कठोर शैली के साथ शुरुआत की, लेकिन बाद में एक नरम सुरम्यता, एक समृद्ध सुनहरे रंग में चले गए, जिसके रहस्य, सूक्ष्म भावना की तरह, उन्होंने अपने छात्र टिटियन को दिए।

मैडोनास जियानबेलिनो, "बहुत ही सरल, गंभीर, उदास नहीं और मुस्कुराते नहीं, लेकिन हमेशा सम और महत्वपूर्ण विचारशीलता में डूबे रहते हैं" (पी। मुराटोव), परिदृश्य में घुलते हुए प्रतीत होते हैं, हमेशा उनके साथ जैविक होते हैं ("मैडोना विद ट्रीज़" ) उनके अलंकारिक चित्र एक दार्शनिक और चिंतनशील मनोदशा से भरे हुए हैं, कभी-कभी वे खुद को किसी भी साजिश को समझने के लिए उधार नहीं देते हैं, लेकिन वे पूरी तरह से आलंकारिक सिद्धांत ("द सोल ऑफ पर्गेटरी") का सार व्यक्त करते हैं। एंटेलो दा मेसिना जैसे बेलिनी भाइयों को भी कला के इतिहास में तेल तकनीक में सुधार के लिए जाना जाता है, जो हाल ही में इतालवी स्वामी से मिले थे।

विनीशियन स्कूल क्वाट्रोसेंटो की कला के विकास को पूरा करता है। 15वीं शताब्दी ने इतालवी राज्य में प्राचीन परंपराओं का एक सच्चा पुनरुत्थान लाया, लेकिन एक नए आधार पर, एक नए युग के व्यक्ति द्वारा समझा और समझा गया। प्रत्येक कला रूप ने नई समस्याओं के कुछ महत्वपूर्ण समाधान पीछे छोड़े; वास्तुकला - एक प्रकार का धर्मनिरपेक्ष पलाज़ो; मूर्तिकला एक व्यक्ति की छवि है, देवता नहीं, जैसा कि पुरातनता में है; पेंटिंग ने एक ईसाई या प्राचीन विषय की एक धार्मिक तस्वीर विकसित की, लेकिन इसे एक धर्मनिरपेक्ष स्पर्श दिया। यह सब पुनर्जागरण की कला में क्वाट्रोसेंटो का एक महत्वपूर्ण योगदान था।

15वीं शताब्दी के अंत से, इटली ने पुर्तगाल, स्पेन और नीदरलैंड के साथ प्रतिकूल आर्थिक प्रतिद्वंद्विता के सभी परिणामों का अनुभव करना शुरू कर दिया। उत्तरी यूरोपीय शहर इटली में बिखरी हुई और अपनी शक्ति खोने के खिलाफ सैन्य अभियानों की एक श्रृंखला आयोजित करते हैं। यह कठिन दौर देश को एक करने के विचार को जन्म देता है, एक ऐसा विचार जो इटली के सर्वश्रेष्ठ दिमागों को उत्साहित नहीं कर सका।

यह सर्वविदित है कि कला के उत्कर्ष की कुछ अवधियाँ समाज के सामान्य विकास, उसकी भौतिक, आर्थिक स्थिति के साथ मेल नहीं खा सकती हैं। इटली के लिए मुश्किल समय में, इतालवी पुनर्जागरण का एक छोटा "स्वर्ण युग" शुरू होता है - तथाकथित उच्च पुनर्जागरण, इतालवी कला के उत्कर्ष का उच्चतम बिंदु। इस प्रकार, उच्च पुनर्जागरण स्वतंत्रता के लिए इतालवी शहरों के भयंकर संघर्ष की अवधि के साथ मेल खाता है। इस समय की कला मानवतावाद, मनुष्य की रचनात्मक शक्तियों में विश्वास, उसकी संभावनाओं की असीमितता में, दुनिया की तर्कसंगत संरचना में, प्रगति की विजय में व्याप्त थी। कला में, नागरिक कर्तव्य, उच्च नैतिक गुण, वीर कर्म, एक सुंदर, सामंजस्यपूर्ण रूप से विकसित, आत्मा और शरीर में मजबूत की छवि, एक मानव नायक, जो रोजमर्रा की जिंदगी के स्तर से ऊपर उठने में कामयाब रहा, की समस्याएं सामने आई हैं आगे का। इस तरह के एक आदर्श की खोज ने संश्लेषण, सामान्यीकरण, घटना के सामान्य नियमों के प्रकटीकरण, उनके तार्किक संबंधों की पहचान के लिए कला का नेतृत्व किया। उच्च पुनर्जागरण की कला जीवन के सुंदर पक्षों के एक सामंजस्यपूर्ण संश्लेषण के लिए प्रयास करने के नाम पर, एक सामान्यीकृत छवि के नाम पर विवरण, महत्वहीन विवरण को छोड़ देती है। यह उच्च पुनर्जागरण और प्रारंभिक के बीच मुख्य अंतरों में से एक है।

लियोनार्डो दा विंची (1452-1519) इस अंतर को व्यक्त करने वाले पहले कलाकार थे। उनका जन्म विंची गांव के पास अंचिआनो में हुआ था; उनके पिता एक नोटरी थे जो 1469 में फ्लोरेंस चले गए थे। लियोनार्डो के पहले शिक्षक एंड्रिया वेरोकियो थे। शिक्षक की पेंटिंग "बपतिस्मा" में एक देवदूत की आकृति पहले से ही पिछले युग और नए युग के कलाकार द्वारा दुनिया की धारणा में अंतर को स्पष्ट रूप से प्रदर्शित करती है: वेरोकियो की कोई ललाट समतलता नहीं, मात्रा का बेहतरीन कायरोस्कोरो मॉडलिंग और एक असाधारण छवि की आध्यात्मिकता। Verrocchio की कार्यशाला छोड़ने के समय, शोधकर्ताओं ने "मैडोना विद ए फ्लावर" ("मैडोना बेनोइट", जैसा कि उसे पहले मालिकों के नाम से बुलाया गया था) का श्रेय दिया जाता है। इस अवधि के दौरान, लियोनार्डो, निस्संदेह, कुछ समय के लिए बॉटलिकेली के प्रभाव में थे। विस्तार से उनकी "घोषणा" अभी भी क्वात्रोसेन्टो के साथ घनिष्ठ संबंधों को प्रकट करती है, लेकिन मैरी और महादूत के आंकड़ों की शांत, परिपूर्ण सुंदरता, चित्र की रंग योजना, रचनात्मक व्यवस्था नए युग के कलाकार के विश्वदृष्टि की बात करती है, की विशेषता उच्च पुनर्जागरण।

XV सदी के 80 के दशक से। लियोनार्डो की दो अधूरी रचनाएँ बच गई हैं: द एडोरेशन ऑफ़ द मैगी एंड सेंट। जेरोम "। संभवतः, 80 के दशक के मध्य में, मैडोना लिट्टा को तड़के की पुरानी तकनीक में बनाया गया था, जिसकी छवि में लियोनार्डो प्रकार महिला सौंदर्य: भारी आधी बंद पलकें और एक मुश्किल से बोधगम्य मुस्कान मैडोना के चेहरे को एक विशेष आध्यात्मिकता प्रदान करती है।

लियोनार्डो दा विंसी। आत्म चित्र। ट्यूरिन, पुस्तकालय

फ्लोरेंस, हालांकि, इन वर्षों के दौरान कलाकार के लिए बहुत अनुकूल नहीं लग रहा था, और 1482 में, यह जानने के बाद कि मिलान के ड्यूक, लोदोविको स्फोर्ज़ा, जिसे लोदोविको मोरो के नाम से जाना जाता है, अपने पिता के स्मारक को निष्पादित करने के लिए एक मूर्तिकार की तलाश में था। फ्रांसेस्को Sforza, लियोनार्डो ने अपनी सेवाएं ड्यूक की पेशकश की और मिलान के लिए रवाना हो गए। ध्यान दें कि मोरो को लिखे एक पत्र में, लियोनार्डो ने सबसे पहले एक सैन्य इंजीनियर (ब्रिज बिल्डर, फोर्टिफायर, "गनर", शिप बिल्डर), लैंड रिक्लेमेटर, आर्किटेक्ट, और उसके बाद ही एक मूर्तिकार और चित्रकार के रूप में अपनी सेवाओं को सूचीबद्ध किया।

वैज्ञानिक और रचनात्मक सिद्धांतों को मिलाकर, तार्किक और कलात्मक दोनों तरह की सोच रखने वाले, लियोनार्डो अपने पूरे जीवन में ललित कला के साथ-साथ वैज्ञानिक अनुसंधान में लगे रहे; विचलित, वह धीमा लग रहा था और कला के कुछ कार्यों को पीछे छोड़ दिया। मिलानी दरबार में, लियोनार्डो ने एक कलाकार, वैज्ञानिक, तकनीशियन, आविष्कारक, गणितज्ञ और शरीर रचनाविद् के रूप में काम किया। उसी समय, मोरो की सेवा में आने के बाद, ऐसा लगता है कि वह एक धर्मनिरपेक्ष जीवन के लिए बनाया गया था, जैसा कि एक मिलानी रईस के नेतृत्व में था।

मिलानी किले (कास्टेलो स्फोर्ज़ेस्सो) को मजबूत करना और सजाना, निरंतर उत्सवों और कई शादियों को सजाना, वैज्ञानिक अध्ययनों ने लियोनार्डो को कला से दूर कर दिया। इस सब के साथ, मिलानी काल, जो 1482 से 1499 तक चला, गुरु के काम में सबसे अधिक फलदायी था, जिसने उनकी कलात्मक परिपक्वता की शुरुआत की। यह इस समय से था कि लियोनार्डो इटली में अग्रणी कलाकार बन गए: वास्तुकला में वे एक आदर्श शहर को डिजाइन करने में व्यस्त थे, मूर्तिकला में - एक घुड़सवारी स्मारक बनाने में, पेंटिंग में - एक बड़ी वेदी लिखने में। और उनके द्वारा बनाई गई प्रत्येक रचना कला में एक खोज थी।

सबसे पहला महान कामजो उन्होंने मिलान में किया वह था रॉक्स का मैडोना (या ग्रोटो का मैडोना)। यह उच्च पुनर्जागरण की पहली स्मारकीय वेदी है, जो दिलचस्प भी है क्योंकि इसने लियोनार्डो की पेंटिंग की शैली की ख़ासियत को पूरी तरह से व्यक्त किया है। बच्चों के मसीह और जॉन और परी के साथ मैडोना के चित्रण में एक सामान्यीकृत, सामूहिक, आदर्श रूप से सुंदर छवि बनाने के बाद, जीवन की अनुनय की सभी विशेषताओं को संरक्षित करते हुए, लियोनार्डो, जैसा कि यह था, ने क्वाट्रोसेंटो युग के सभी quests को सारांशित किया। और अपनी निगाहें भविष्य की ओर मोड़ लीं।

लियोनार्डो दा विंसी। कुटी में मैडोना। पेरिस, लौवर

चित्र की रचना रचनात्मक, तार्किक, कड़ाई से सत्यापित है। चार लोगों का एक समूह एक प्रकार का पिरामिड बनाता है, लेकिन मैरी के हाथ का इशारा और एक देवदूत की नुकीली उंगली तस्वीर के अंदर एक गोलाकार गति पैदा करती है, और टकटकी स्वाभाविक रूप से एक से दूसरे तक जाती है। मैडोना और परी के आंकड़ों से शांति निकलती है, लेकिन साथ ही वे रहस्य की एक निश्चित भावना को प्रेरित करते हैं, परेशान रहस्य, ग्रोटो के शानदार दृश्य और परिदृश्य पृष्ठभूमि पर जोर देते हैं। वास्तव में, यह अब केवल एक परिदृश्य पृष्ठभूमि नहीं है, बल्कि एक निश्चित वातावरण है जिसमें चित्रित चेहरे परस्पर क्रिया करते हैं। इस वातावरण के निर्माण को लियोनार्डो की पेंटिंग की उस विशेष गुणवत्ता से भी मदद मिलती है, जिसे "सफुमाटो" कहा जाता था: एक हवादार धुंध जो सभी वस्तुओं को कवर करती है, आकृति को नरम करती है, और एक निश्चित प्रकाश-हवादार वातावरण बनाती है।

मिलान में लियोनार्डो का सबसे बड़ा काम, उनकी कला की सर्वोच्च उपलब्धि, "द लास्ट सपर" (1495-1498) के विषय पर सांता मारिया डेला ग्राज़ी के मठ के रिफ़ेक्टरी की दीवार की पेंटिंग थी। रात के खाने के समय मसीह आखिरी बार अपने शिष्यों से मिलते हैं और उनमें से एक के साथ विश्वासघात की घोषणा करते हैं। "मैं तुम से सच सच कहता हूं, तुम में से एक मुझे धोखा देगा।" लियोनार्डो ने शिक्षक के शब्दों पर सभी बारहों की प्रतिक्रिया के क्षण को चित्रित किया। यह प्रतिक्रिया अलग है, लेकिन तस्वीर में कोई बाहरी प्रभाव नहीं है, सब कुछ संयमित आंतरिक गति से भरा है। कलाकार ने कई बार रचना को बदला, लेकिन मुख्य सिद्धांत को नहीं बदला: रचना एक सटीक गणितीय गणना पर आधारित है। कैनवास की रेखा के समानांतर एक लंबी मेज पर तेरह लोग बैठे हैं: दो टेबल के किनारों पर दर्शक के लिए प्रोफ़ाइल में हैं, और ग्यारह का सामना करना पड़ रहा है। रचना का महल द्वार की पृष्ठभूमि के खिलाफ केंद्र में रखा गया मसीह का चित्र है, जिसके पीछे परिदृश्य खुलता है; मसीह की आँखें नीची हैं, एक उच्च इच्छा, उदासी, भाग्य की अनिवार्यता की चेतना के सामने उसकी प्रतीक्षा कर रहे हैं। शेष बारह लोगों को तीन-तीन लोगों के चार समूहों में बांटा गया है। यहूदा के चेहरे को छोड़कर, सभी चेहरे रोशन हैं, दर्शक के सामने प्रोफ़ाइल में और प्रकाश के स्रोत के लिए उसकी पीठ के साथ, जो लियोनार्डो की योजना के अनुरूप था: उसे बाकी छात्रों से अलग करने के लिए, उसे काला बनाने के लिए , विश्वासघाती सार लगभग शारीरिक रूप से महसूस किया।

लियोनार्डो दा विंसी। पिछले खाना। मिलान में सांता मारिया डेला ग्राज़ी के मठ के रेफरी की पेंटिंग

लियोनार्डो के लिए कला और विज्ञान अविभाज्य थे। कला में संलग्न होने के कारण, उन्होंने वैज्ञानिक अनुसंधान, प्रयोग, अवलोकन किए, वे प्रकाशिकी और भौतिकी के क्षेत्र में परिप्रेक्ष्य के माध्यम से, अनुपात की समस्याओं के माध्यम से - शरीर रचना और गणित आदि में गए। "द लास्ट सपर" एक पूरे चरण को पूरा करता है कलाकार का वैज्ञानिक अनुसंधान। यह कला में भी एक नया चरण है। क्वाट्रोसेंटो के कई कलाकारों ने लिखा " पिछले खाना". लियोनार्डो के लिए, मुख्य बात विभिन्न लोगों, पात्रों, स्वभाव, व्यक्तियों की प्रतिक्रिया के माध्यम से मानव जाति के शाश्वत प्रश्नों को प्रकट करना है: प्रेम और घृणा, भक्ति और विश्वासघात, बड़प्पन और मतलबी, लालच के बारे में, जो लियोनार्डो के काम को इतना आधुनिक बनाता है, इसलिए आज तक रोमांचक। भावनात्मक उथल-पुथल के क्षण में लोग खुद को अलग-अलग तरीकों से प्रकट करते हैं: सभी झुके हुए, नम्रता से अपनी आँखें गिराते हुए, क्राइस्ट जॉन के प्रिय शिष्य, चाकू को पकड़ लिया पीटर, घबराहट में जैकब के हाथ फैलाए, और एंड्रयू ने अपने हाथों को ऐंठने से ऊपर फेंक दिया। केवल क्राइस्ट पूर्ण विश्राम की स्थिति में हैं, अपने आप में विसर्जित हैं, जिनकी आकृति चित्र का शब्दार्थ, स्थानिक, रंगीन केंद्र है, जो संपूर्ण रचना की एकता का संचार करता है। यह कोई संयोग नहीं है कि पेंटिंग में प्रचलित नीले और लाल स्वर मसीह के कपड़ों में सबसे अधिक तीव्रता से बजते हैं: एक नीला लबादा, एक लाल चिटोन।

क्वाट्रोसेंटो के कई कार्यों के विपरीत, लियोनार्डो की पेंटिंग में कोई भी भ्रमकारी तकनीक नहीं है जो वास्तविक स्थान को चित्रित एक में जाने की अनुमति देती है। लेकिन रिफ्लेक्टरी की दीवार के साथ लगी पेंटिंग ने पूरे इंटीरियर को अपने कब्जे में ले लिया। और लियोनार्डो की अंतरिक्ष को काफी हद तक अपने अधीन करने की क्षमता ने राफेल और माइकल एंजेलो के लिए मार्ग प्रशस्त किया।

लियोनार्डो के भित्ति चित्र का भाग्य दुखद है: उन्होंने स्वयं इसके तेजी से बहाए जाने में योगदान दिया, तड़के और तेल के मिश्रण में प्रयोग किए, पेंट और मिट्टी के साथ प्रयोग किया। बाद में, दीवार में एक दरवाजा मुक्का मारा गया और नमी और वाष्प आग रोक में घुसने लगे, जिसने पेंटिंग के संरक्षण में योगदान नहीं दिया। 18वीं सदी के अंत में फूटना। इटली में, बोनापार्टिस्टों ने एक गोदाम, एक अनाज गोदाम, और फिर एक जेल में एक स्थिर स्थापित किया। द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान, एक बम रेफेक्ट्री से टकराया, और दीवार केवल चमत्कारिक रूप से बची, जबकि विपरीत और बगल की दीवारें ढह गईं। 50 के दशक में, पेंटिंग को परतों से साफ कर दिया गया था और मूल रूप से बहाल कर दिया गया था।

लियोनार्डो ने "हॉर्स" पर काम करने के लिए शरीर रचना विज्ञान, ज्यामिति, किलेबंदी, भूमि सुधार, भाषा विज्ञान, छंद, संगीत में अध्ययन से नाता तोड़ लिया - फ्रांसेस्को स्कोर्ज़ा के लिए घुड़सवारी स्मारक, जिसके लिए वह सबसे पहले मिलान आए और जो में 90 के दशक की शुरुआत में मिट्टी में पूर्ण आकार में प्रदर्शन किया गया। स्मारक को कांस्य में सन्निहित नहीं किया गया था: 1499 में फ्रांसीसी ने मिलान पर आक्रमण किया और गैसकॉन क्रॉसबोमेन ने घुड़सवारी स्मारक को गोली मार दी। हम लियोनार्डो की मूर्तिकला को उनके काम के विभिन्न चरणों में बनाए गए चित्रों से आंक सकते हैं। लगभग 7 मीटर की ऊँचाई वाला स्मारक डोनाटेलो और वेरोकियो की घुड़सवारी की मूर्तियों की तुलना में 1.5 गुना अधिक माना जाता था, यह बिना कारण नहीं है कि समकालीनों ने इसे "महान कोलोसस" कहा। दुश्मन पर रौंदने वाले एक घोड़े पर सवार के साथ एक गतिशील रचना से, लियोनार्डो एक शक्तिशाली घोड़े पर गंभीर रूप से बैठे, Sforza की आकृति के लिए एक शांत समाधान के लिए चला गया।

1499 से, लियोनार्डो के भटकने के वर्ष शुरू होते हैं: मंटुआ, वेनिस और अंत में, कलाकार का गृहनगर - फ्लोरेंस, जहां वह कार्डबोर्ड "सेंट" पेंट करता है। अन्ना अपने घुटनों पर मैरी के साथ ”, जिसके अनुसार वह मिलान में एक तेल चित्रकला बनाता है (जहां वह 1506 में लौटा था)। थोड़े समय के लिए लियोनार्डो सीज़र बोर्गिया की सेवा में रहे, और 1503 के वसंत में वे फ्लोरेंस लौट आए, जहाँ उन्हें पिएत्रो सोदेरिनी से मिला, जो अब एक आजीवन गोनफालोनियर है, पलाज्जो सिग्नोरिया के नए हॉल की दीवार को पेंट करने का आदेश। (विपरीत दीवार को माइकल एंजेलो द्वारा चित्रित किया जाना था)। लियोनार्डो ने अंघियारी में मिलानी और फ्लोरेंटाइन के बीच लड़ाई के विषय पर कार्डबोर्ड का प्रदर्शन किया - बैनर के लिए एक भयंकर लड़ाई का क्षण, माइकल एंजेलो - काचिन की लड़ाई - वह क्षण जब सैनिक अलार्म पर तालाब छोड़ते हैं। समकालीनों ने इस बात का सबूत छोड़ दिया कि दूसरा कार्डबोर्ड बहुत सफल था क्योंकि इसमें भयंकर नहीं, लगभग पाशविक द्वेष, क्रोध और उन लोगों के उत्साह को दर्शाया गया है, जो लियोनार्डो की तरह, और सुंदर युवा स्वस्थ युवाओं को, कपड़े पहनने और युद्ध में प्रवेश करने की जल्दी में, मौत के घाट उतार दिए गए थे। वीरता और वीरता की छवि को ऊंचा किया। लेकिन दोनों कार्डबोर्ड नहीं बचे हैं, पेंटिंग में सन्निहित नहीं थे, और हम लियोनार्ड की योजना के बारे में केवल कुछ चित्रों से ही जानते हैं।

फ्लोरेंस में, लियोनार्डो ने एक और पेंटिंग शुरू की: व्यापारी डेल जिओकोंडो मोना लिसा की पत्नी का एक चित्र, जो दुनिया में सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक बन गया है। चित्र के बारे में सैकड़ों पृष्ठ लिखे गए हैं: लियोनार्डो ने संगीतकारों को आमंत्रित करते हुए सत्रों को कैसे प्रस्तुत किया ताकि मॉडल के चेहरे पर मुस्कान फीकी न पड़े, उन्होंने कितनी देर तक (जो लियोनार्डो के लिए विशिष्ट है) काम के साथ खींचा, कैसे उन्होंने पूरी तरह से कोशिश की इस जीवित चेहरे की हर पंक्ति को व्यक्त करें। मोना लिसा जियोकोंडा का चित्र पुनर्जागरण कला के विकास की दिशा में एक निर्णायक कदम है। पहली बार, चित्र शैली धार्मिक और के लिए रचनाओं के बराबर हो गई है पौराणिक विषय... सभी निर्विवाद शारीरिक समानता के साथ, क्वाट्रोसेंटो के चित्र भिन्न थे, यदि बाहरी नहीं, तो आंतरिक बाधा। मोना लिसा की महिमा पहले से ही उनकी जोरदार त्रि-आयामी आकृति की तुलना द्वारा संप्रेषित की जाती है, जो दृढ़ता से कैनवास के किनारे पर धकेल दी जाती है, चट्टानों और धाराओं के साथ दूर से दिखाई देने वाले परिदृश्य के साथ, पिघलने, इशारा, मायावी और इसलिए शानदार मकसद की सभी वास्तविकता के लिए। ला जिओकोंडा की उपस्थिति में वही मायावीता है, उसके चेहरे में, जिसमें एक मजबूत इरादों वाली शुरुआत है, एक गहन बौद्धिक जीवन है, उसकी टकटकी में, बुद्धिमान और बोधगम्य है, जैसे कि दर्शक का बारीकी से पालन करना, उसके बमुश्किल ध्यान देने योग्य , मोहक मुस्कान।

मोना लिसा के चित्र में, सामान्यीकरण की डिग्री हासिल की जाती है, जो चित्रित व्यक्तित्व की सभी विशिष्टता को बनाए रखते हुए, हमें छवि को उच्च पुनर्जागरण युग के विशिष्ट के रूप में मानने की अनुमति देता है। और यह, सबसे पहले, लियोनार्डो के चित्र और प्रारंभिक पुनर्जागरण के चित्रों के बीच का अंतर है। यह एक सामान्यीकरण है, मुख्य विचारजो आत्म-महत्व की भावना है, एक स्वतंत्र आध्यात्मिक जीवन का एक उच्च अधिकार है, जिसे कई औपचारिक बिंदुओं द्वारा प्राप्त किया गया है: आकृति की चिकनी रूपरेखा, और चेहरे और हाथों की नरम मॉडलिंग, दोनों लियोनार्ड के "sfumato" में लिपटे हुए हैं ". उसी समय, कहीं भी क्षुद्र विवरण में गिरते हुए, एक भी प्राकृतिक नोट की अनुमति नहीं देते हुए, लियोनार्डो एक जीवित शरीर की ऐसी भावना पैदा करता है, जिसने वासरी को यह कहने की अनुमति दी कि कोई मोना लिसा की गर्दन की गहराई में एक नाड़ी को धड़कता हुआ देख सकता है।

1506 में लियोनार्डो मिलान के लिए रवाना हुए, जो पहले से ही फ्रांसीसी के स्वामित्व में था। घर पर अंतिम वर्ष फ्लोरेंस, रोम, मिलान के बीच घूमने के वर्ष हैं, हालांकि, वैज्ञानिक अनुसंधान और रचनात्मक खोज, मुख्य रूप से पेंटिंग के साथ भरे हुए हैं। 1515 में फ्रांसीसी राजा फ्रांसिस प्रथम के सुझाव पर, अपने स्वयं के विकार, अपरिचितता की भावना, अपने मूल फ्लोरेंस में अकेलेपन की भावना, बाहरी और आंतरिक दुश्मनों, लियोनार्डो द्वारा, पूरे इटली की तरह, अलग हो गया। हमेशा के लिए फ्रांस के लिए रवाना हो गए।

लियोनार्डो अपने समय के सबसे महान कलाकार थे, एक ऐसे जीनियस जिन्होंने कला के लिए नए क्षितिज खोले। उन्होंने कुछ कार्यों को पीछे छोड़ दिया, लेकिन उनमें से प्रत्येक संस्कृति के इतिहास में एक मंच था। लियोनार्डो को एक बहुमुखी वैज्ञानिक के रूप में भी जाना जाता है। उनकी वैज्ञानिक खोजें, उदाहरण के लिए, उड़ने वाले वाहनों के क्षेत्र में उनके शोध, हमारे अंतरिक्ष यात्रियों के युग में रुचि रखते हैं। लियोनार्डो की पांडुलिपियों के हजारों पृष्ठ, वस्तुतः ज्ञान के सभी क्षेत्रों को कवर करते हुए, उनकी प्रतिभा की सार्वभौमिकता की गवाही देते हैं।

पुनर्जागरण की स्मारकीय कला के विचार, जिसमें पुरातनता की परंपराएं और ईसाई धर्म की भावना का विलय हुआ, ने राफेल (1483-1520) के काम में अपनी सबसे ज्वलंत अभिव्यक्ति पाई। उनकी कला में, दो मुख्य कार्यों ने एक परिपक्व समाधान पाया: मानव शरीर की प्लास्टिक पूर्णता, एक व्यापक रूप से विकसित व्यक्तित्व के आंतरिक सामंजस्य को व्यक्त करते हुए, जिसमें राफेल ने पुरातनता का पालन किया, और एक जटिल बहु-आंकड़ा रचना जो सभी विविधता को व्यक्त करती है। दुनिया। लियोनार्डो ने द लास्ट सपर में अपने विशिष्ट तर्क के साथ इन समस्याओं को पहले ही हल कर लिया था। राफेल ने इन संभावनाओं को समृद्ध किया, अंतरिक्ष के चित्रण और उसमें मानव आकृति की गति, पर्यावरण और मनुष्य के बीच त्रुटिहीन सामंजस्य में अद्भुत स्वतंत्रता प्राप्त की। राफेल के ब्रश के नीचे विभिन्न जीवन घटनाएं बस और स्वाभाविक रूप से एक वास्तुशिल्प रूप से स्पष्ट रचना में तब्दील हो गईं, लेकिन इन सबके पीछे हर विवरण का एक सख्त सत्यापन था, निर्माण का मायावी तर्क, बुद्धिमान आत्म-संयम, जो उनके कार्यों को क्लासिक बनाता है। पुनर्जागरण के किसी भी स्वामी ने राफेल के रूप में पुरातनता के मूर्तिपूजक सार को इतनी गहराई से और स्वाभाविक रूप से नहीं लिया; यह अकारण नहीं है कि उन्हें एक ऐसे कलाकार के रूप में माना जाता है जो प्राचीन परंपराओं को नए युग की पश्चिमी यूरोपीय कला से पूरी तरह से जोड़ता है।

राफेल सैंटी का जन्म 1483 में उरबिनो शहर में हुआ था, जो इटली में कलात्मक संस्कृति के केंद्रों में से एक है, ड्यूक ऑफ अर्बिनो के दरबार में, एक दरबारी चित्रकार और कवि के परिवार में, जो भविष्य के गुरु के पहले शिक्षक थे। . राफेल के काम की प्रारंभिक अवधि पूरी तरह से विशेषता है छोटी तस्वीरटोंडो "मैडोना कॉन्स्टेबिल" के रूप में, इसकी सादगी और कड़ाई से चयनित विवरण (रचना की सभी समयबद्धता के लिए) और विशेष, राफेल के सभी कार्यों में निहित, सूक्ष्म गीतवाद और शांति की भावना के साथ। 1500 में, राफेल ने प्रसिद्ध उम्ब्रियन कलाकार पेरुगिनो के स्टूडियो में अध्ययन करने के लिए उरबिनो को पेरुगिया के लिए छोड़ दिया, जिसके प्रभाव में मैरी की बेट्रोथल (1504) लिखी गई थी। लय की भावना, प्लास्टिक द्रव्यमान की आनुपातिकता, स्थानिक अंतराल, आंकड़ों और पृष्ठभूमि का अनुपात, मूल स्वरों का समन्वय ("द बेट्रोथल" में ये सुनहरे, लाल और हरे रंग के हल्के नीले रंग की पृष्ठभूमि के साथ संयोजन में हैं। आकाश) और सद्भाव पैदा करें जो पहले से ही राफेल के शुरुआती कार्यों में प्रकट होता है और उसे पिछले युग के कलाकारों से अलग करता है। 1504 में, राफेल फ्लोरेंस चले गए, जिसका कलात्मक वातावरण पहले से ही उच्च पुनर्जागरण के प्रभावों से संतृप्त था और एक पूर्ण सामंजस्यपूर्ण छवि की उनकी खोज में योगदान दिया।

अपने पूरे जीवन में, राफेल मैडोना में इस छवि की तलाश में रहा है, मैडोना की छवि की व्याख्या करने वाले उनके कई कार्यों ने उन्हें दुनिया भर में प्रसिद्धि दिलाई है। कलाकार की योग्यता, सबसे पहले, वह मातृत्व के विचार में भावनाओं के सभी सूक्ष्म रंगों को मूर्त रूप देने में सक्षम था, गीतवाद और गहरी भावुकता को स्मारकीय भव्यता के साथ संयोजित करने के लिए। यह उनके सभी मैडोनास में देखा जा सकता है, जो डरपोक युवा "मैडोना कॉन्स्टेबिल" से शुरू होता है: "मैडोना इन द ग्रीन", "मैडोना विद ए गोल्डफिंच", "मैडोना इन द चेयर" और विशेष रूप से राफेल की भावना और कौशल के शिखर में - "सिस्टिन मैडोना" में। निस्संदेह, यह छवि के लिए शांत और उज्ज्वल मातृ प्रेम की सरल व्याख्या को दूर करने का तरीका था, उच्च आध्यात्मिकता और त्रासदी से संतृप्त, एक पूर्ण सामंजस्यपूर्ण लय पर बनाया गया: प्लास्टिक, रंगीन, रैखिक। लेकिन यह सतत आदर्शीकरण का मार्ग भी था। हालाँकि, "द सिस्टिन मैडोना" में इस आदर्श सिद्धांत को पृष्ठभूमि में धकेल दिया गया है और इस आदर्श रूप से सुंदर युवती से उत्पन्न होने वाली दुखद भावना को जन्म देता है, जिसके हाथों में शिशु भगवान है, जिसे वह मानवीय पापों का प्रायश्चित करने के लिए छोड़ देती है। मैडोना की टकटकी, निर्देशित अतीत, या यों कहें कि दर्शक के माध्यम से, शोकाकुल दूरदर्शिता से भरा है दुखद भाग्यबेटा (जिसकी निगाह भी बचकानी सीरियस नहीं है)। सिस्टिन मैडोना भाषा के संदर्भ में राफेल के सबसे उत्तम कार्यों में से एक है: बच्चे के साथ मैरी की आकृति, आकाश की पृष्ठभूमि के खिलाफ सख्ती से उभरती हुई, सेंट पीटर्सबर्ग के आंकड़ों के साथ आंदोलन की एक सामान्य लय से एकजुट होती है। बर्बर और पोप सिक्सटस II, जिनके इशारों को मैडोना को संबोधित किया जाता है, साथ ही साथ दो स्वर्गदूतों (पुट्टी की तरह, जो पुनर्जागरण की इतनी विशेषता है) के गेज रचना के निचले हिस्से में हैं। आंकड़े भी एक सामान्य सुनहरे रंग से एकजुट होते हैं, जैसे कि दैवीय चमक को व्यक्त करते हैं। लेकिन मुख्य बात मैडोना के चेहरे का प्रकार है, जो ईसाई आदर्श की आध्यात्मिकता के साथ सौंदर्य के प्राचीन आदर्श के संश्लेषण का प्रतीक है, जो उच्च पुनर्जागरण के विश्वदृष्टि की विशेषता है।

सिस्टिन मैडोना राफेल द्वारा बाद की कृति है। इससे पहले, 1509 में, पोप जूलियस द्वितीय ने युवा कलाकार को वेटिकन पैलेस में व्यक्तिगत पापल कमरे (श्लोक) को चित्रित करने के लिए रोम में आमंत्रित किया था। XVI सदी की शुरुआत में। रोम हावी हो जाता है सांस्कृतिक केंद्रइटली। उच्च पुनर्जागरण की कला इस शहर में अपने उच्चतम फूल तक पहुंचती है, जहां संरक्षक पोप जूलियस द्वितीय और लियो एक्स की इच्छा से, ब्रैमांटे, माइकलएंजेलो और राफेल जैसे कलाकार एक ही समय में काम करते हैं। कला राष्ट्रीय एकता (अपने शासन के तहत देश को एकजुट करने का सपना देखने वाले पोप के लिए) के संकेत के तहत विकसित होती है, प्राचीन परंपराओं को खिलाती है, मानवतावाद की विचारधारा को व्यक्त करती है। पोप के कमरों को चित्रित करने का सामान्य वैचारिक कार्यक्रम कैथोलिक चर्च और उसके प्रमुख, पोप के अधिकार का महिमामंडन करना है।

राफेल पहले दो छंदों को चित्रित करता है। श्लोक डेला सेन्यातुरा (हस्ताक्षर, मुहरों का कमरा) में, उन्होंने मानव आध्यात्मिक गतिविधि के मुख्य क्षेत्रों के चार फ्रेस्को रूपक चित्रित किए: दर्शन, कविता, धर्मशास्त्र और न्यायशास्त्र। मध्ययुगीन और प्रारंभिक पुनर्जागरण कला के लिए कला और विज्ञान को अलग-अलग अलंकारिक आंकड़ों के रूप में चित्रित करना आम बात थी। राफेल ने इन विषयों को बहु-आकृति रचनाओं के रूप में हल किया, कभी-कभी वास्तविक समूह चित्रों का प्रतिनिधित्व करते हुए, उनके व्यक्तिगतकरण और उनकी विशिष्टता दोनों के लिए दिलचस्प। यह इन चित्रों में था कि राफेल ने परिपूर्ण के मानवतावादी आदर्श को मूर्त रूप दिया बौद्धिक व्यक्ति, पुनर्जागरण के दृष्टिकोण पर। स्टैंज़ा डेला सेन्यातुरा के आधिकारिक पेंटिंग कार्यक्रम में प्राचीन संस्कृति के साथ ईसाई धर्म को समेटने के विचार को दर्शाया गया है। राफेल द्वारा इस कार्यक्रम की कलात्मक प्राप्ति - अपने समय के पुत्र - के परिणामस्वरूप चर्च एक पर धर्मनिरपेक्ष सिद्धांत की जीत हुई। फ्रेस्को "स्कूल ऑफ एथेंस" में, दर्शन को मूर्त रूप देते हुए, राफेल ने प्लेटो और अरस्तू को प्रस्तुत किया, जो इतिहास के विभिन्न अवधियों के दार्शनिकों और वैज्ञानिकों से घिरा हुआ था। उनके हावभाव (एक आकाश की ओर इशारा करता है, दूसरा पृथ्वी की ओर) उनकी शिक्षाओं में अंतर के सार को दर्शाता है। दाईं ओर, यूक्लिड की छवि में, राफेल ने अपने महान समकालीन, वास्तुकार ब्रैमांटे को चित्रित किया; निम्नलिखित प्रसिद्ध खगोलविद और गणितज्ञ हैं; दाहिने हाथ के समूह के बिल्कुल किनारे पर, कलाकार ने खुद को चित्रित किया। सीढ़ियों की सीढ़ियों पर, उन्होंने सिनिक स्कूल के संस्थापक डायोजनीज को बाएं समूह में चित्रित किया - सुकरात, पाइथागोरस, अग्रभूमि में, गहरे विचार की स्थिति में, - इफिसुस के हेराक्लिटस। कुछ शोधकर्ताओं के अनुसार, प्लेटो की राजसी और सुंदर छवि लियोनार्डो की असाधारण उपस्थिति से प्रेरित थी, और हेराक्लिटस में, राफेल ने माइकल एंजेलो को पकड़ लिया। लेकिन राफेल द्वारा चित्रित व्यक्ति कितने भी अभिव्यंजक क्यों न हों, पेंटिंग में मुख्य बात उच्च आध्यात्मिकता का सामान्य वातावरण, मानव आत्मा और मन की शक्ति और शक्ति की भावना है।

राफेल। मैडोना कुर्सी पर. फ्लोरेंस, पिट्टी गैलरी

प्लेटो और अरस्तू, अन्य प्राचीन संतों की तरह, बुतपरस्त पुरातनता के पोप की सहानुभूति का प्रतीक थे। अंतरिक्ष में स्वतंत्र रूप से रखा गया, विभिन्न ताल और गति में, अलग समूहअरस्तू और प्लेटो के आंकड़ों से एकजुट। रचना का तर्क, पूर्ण स्थिरता, स्पष्टता और सरलता दर्शकों में असाधारण अखंडता और अद्भुत सामंजस्य की छाप पैदा करती है। फ्रेस्को "पर्नासस", कविता को व्यक्त करते हुए, अपोलो को कस्तूरी और कवियों से घिरा हुआ दर्शाता है - होमर और साप्पो से दांते तक। रचना की जटिलता इस तथ्य में शामिल थी कि फ्रेस्को "पर्नासस" को एक खिड़की के उद्घाटन से फटी दीवार पर रखा गया था। एक आवरण पर आराम करने वाली एक महिला आकृति का चित्रण करके, राफेल ने कुशलता से समग्र रचना को खिड़की के आकार से जोड़ा। डांटे की छवि को राफेल के भित्तिचित्रों में दो बार दोहराया गया है: एक बार फिर उन्होंने धर्मशास्त्र के रूपक में महान कवि को चित्रित किया, जिसे अक्सर गलत तरीके से "विवाद" के रूप में संदर्भित किया जाता है, क्वाट्रोसेंटो (फ्रै एंजेलिको, सवोनारोला, आदि) के कलाकारों और दार्शनिकों के बीच। स्टैंज़ा डेला सेनातुरा का चौथा फ्रेस्को, माप, बुद्धि और शक्ति, न्यायशास्त्र को समर्पित है।

दूसरे कमरे में, जिसे "एलियोडोरस का स्टांजा" कहा जाता है, राफेल ने ऐतिहासिक और पौराणिक दृश्यों पर चबूतरे की महिमा करते हुए भित्तिचित्रों को चित्रित किया: नेता एलियोडोरस, जिन्होंने विधवाओं और अनाथों के लिए यरूशलेम मंदिर से सोना चोरी करने की कोशिश की थी। राफेल, जिसे जूलियस II द्वारा नियुक्त किया गया था, गलती से इस विषय को संबोधित नहीं करता है: फ्रांसीसी इटली जाने की तैयारी कर रहे हैं और पोप उन सभी के लिए भगवान की सजा की याद दिलाता है जो रोम पर अतिक्रमण करते हैं। कोई आश्चर्य नहीं कि राफेल ने रचना में खुद पोप की छवि पेश की, जिसे एक कुर्सी पर ले जाया जाता है

माइकल एंजेलो। पिएटा। रोम, सेंट पेट्रा

अपराधी को हराया। अन्य भित्तिचित्रों को पोप के महिमामंडन के लिए समर्पित किया गया है, उनकी चमत्कारी शक्ति: "मास इन बोल्सन", "अत्तिला के साथ पोप लियो I की बैठक" - और पहले पोप को जूलियस II की विशेषताएं दी गई थीं, और यह उनकी सबसे अधिक में से एक है अभिव्यंजक चित्र, और अंतिम में - लियो एक्स। दूसरे श्लोक के भित्तिचित्रों में, राफेल ने रैखिक वास्तुकला पर नहीं, बल्कि रंग और प्रकाश की भूमिका पर अधिक ध्यान दिया। यह विशेष रूप से फ्रेस्को "द एक्सोडस ऑफ द एपोस्टल पीटर फ्रॉम द डंगऑन" में स्पष्ट है। तीन दृश्यों में एक देवदूत की तीन बार उपस्थिति, दीवार के एक ही तल पर चित्रित, एक ही रचना में (जो अपने आप में एक पुरातन उपकरण थी), विभिन्न प्रकाश स्रोतों की जटिल रोशनी में प्रस्तुत की जाती है: चंद्रमा, मशालें , परी से निकलने वाली चमक, महान भावनात्मक तनाव पैदा करती है। यह रंगीन भित्तिचित्रों में सबसे नाटकीय और सूक्ष्म में से एक है। वेटिकन के श्लोकों के बाकी भित्तिचित्रों को राफेल के छात्रों ने उनके रेखाचित्रों से चित्रित किया था।

छात्रों ने राफेल को पोप के कमरों से सटे वेटिकन लॉगगिआस को चित्रित करने में भी मदद की, जो उनके रेखाचित्रों के अनुसार चित्रित किया गया था और उनकी देखरेख में प्राचीन आभूषणों के रूपांकनों के साथ मुख्य रूप से नए खोले गए एंटीक ग्रोटो (इसलिए नाम "ग्रोटेस्क") से तैयार किए गए थे।

राफेल ने विभिन्न शैलियों के कार्यों का प्रदर्शन किया है। एक डेकोरेटर, साथ ही एक निर्देशक, एक कहानीकार के रूप में उनका उपहार सिस्टिन चैपल के लिए टेपेस्ट्री के लिए प्रेरित पीटर और पॉल ("द मिरेकुलस कैच ऑफ फिश" के दृश्यों पर आठ कार्डबोर्ड की एक श्रृंखला में पूरी तरह से प्रकट हुआ था। उदाहरण)। XVI-XVIII सदियों के दौरान ये पेंटिंग। क्लासिकिस्टों के लिए एक प्रकार के मानक के रूप में कार्य किया। राफेल की पुरातनता के सार की गहरी समझ विशेष रूप से फ़ार्नेसिन के रोमन विला की पेंटिंग में स्पष्ट है, जिसे उनकी परियोजना (फ्रेस्को "ट्रायम्फ ऑफ गैलाटिया", अपुलियस की कहानी कामदेव और मानस के दृश्य) के अनुसार बनाया गया है।

माइकल एंजेलो। पिएटा। टुकड़ा। रोम, सेंट पेट्रा

राफेल अपने युग का सबसे बड़ा चित्रकार भी था, जिसने उस प्रकार की छवि बनाई जिसमें व्यक्ति विशिष्ट के साथ घनिष्ठ एकता में है, जहां कुछ विशिष्ट विशेषताओं के अलावा, युग के व्यक्ति की छवि दिखाई देती है, जो बनाता है राफेल के चित्रों में ऐतिहासिक चित्र-प्रकार देखना संभव है (पोप जूलियस II, "लियो एक्स", कलाकार का एक मित्र, लेखक कैस्टिग्लिओन, सुंदर "डोना वेलाटा", आदि)। और उनके चित्रों में, एक नियम के रूप में, आंतरिक संतुलन और सद्भाव प्रबल होता है।

अपने जीवन के अंत में, राफेल कई तरह के कार्यों और आदेशों से भरा हुआ था। यह कल्पना करना भी मुश्किल है कि यह सब एक व्यक्ति द्वारा किया जा सकता है। वह रोम के कलात्मक जीवन में एक केंद्रीय व्यक्ति थे, ब्रैमांटे (1514) की मृत्यु के बाद वे सेंट पीटर्सबर्ग के कैथेड्रल के मुख्य वास्तुकार बन गए। पीटर, रोम और उसके परिवेश में पुरातात्विक उत्खनन और प्राचीन स्मारकों के संरक्षण के प्रभारी थे। यह अनिवार्य रूप से बड़े आदेशों के निष्पादन में छात्रों और सहायकों के एक बड़े कर्मचारियों के आकर्षण का कारण बना। 1520 में राफेल की मृत्यु हो गई; उनकी अकाल मृत्यु उनके समकालीनों के लिए अप्रत्याशित थी। उनकी राख को पैंथियन में दफनाया गया है।

तीसरा महानतम गुरुउच्च पुनर्जागरण - माइकल एंजेलो - लियोनार्डो और राफेल से बहुत आगे निकल गए। उनके करियर का पहला भाग उच्च पुनर्जागरण की कला के उत्तराधिकार में आया, और दूसरा - काउंटर-रिफॉर्मेशन के समय और बारोक कला के गठन की शुरुआत में। उच्च पुनर्जागरण कलाकारों की शानदार आकाशगंगा में, माइकल एंजेलो ने छवियों की समृद्धि, नागरिक पथ, बदलते सार्वजनिक मूड के प्रति संवेदनशीलता में सभी को पीछे छोड़ दिया। इसलिए पुनर्जागरण विचारों के पतन का रचनात्मक अवतार।

माइकल एंजेलो बुओनारोती (1475-1564) का जन्म कैप्रिस में एक पोडेस्टा (गवर्नर, जज) के परिवार में हुआ था। 1488 में फ्लोरेंस में, जहां परिवार चला गया, उन्होंने एक साल बाद घिरालैंडियो की कार्यशाला में प्रवेश किया - डोनाटेलो के छात्रों में से एक के लिए सैन मार्को के मठ में मूर्तिकला कार्यशाला में। इन वर्षों के दौरान, वह लोरेंजो मेडिसी के करीब हो गए, जिनकी मृत्यु ने उन पर गहरी छाप छोड़ी। यह मेडिसी उद्यान और मेडिसी हाउस में था कि माइकल एंजेलो ने प्राचीन प्लास्टिक कला का ध्यानपूर्वक अध्ययन करना शुरू किया। आंतरिक सद्भाव के संदर्भ में उनकी राहत "द बैटल ऑफ द सेंटॉर्स" पहले से ही उच्च पुनर्जागरण का काम है। 1496 में, युवा कलाकार रोम के लिए रवाना होता है, जहाँ वह अपनी पहली रचनाएँ बनाता है जिससे उन्हें प्रसिद्धि मिली: "बाकस" और "पिएटा"। पुरातनता की छवियों द्वारा सचमुच कब्जा कर लिया गया, माइकल एंजेलो ने शराब के प्राचीन देवता को एक नग्न युवा के रूप में चित्रित किया, जैसे कि थोड़ा सा घूम रहा हो, शराब के गिलास में अपनी निगाहें घुमा रहा हो। एक नग्न सुंदर शरीर अब और हमेशा के लिए माइकल एंजेलो कला का मुख्य विषय बन जाता है। दूसरी मूर्तिकला - "पिएटा" - इस विषय पर मास्टर द्वारा कई कार्यों को खोलता है और उसे इटली में पहले मूर्तिकारों की संख्या में बढ़ावा देता है।

माइकल एंजेलो। फ्लोरेंस में सैन लोरेंजो के चर्च में गिउलिआनो के मकबरे के साथ मेडिसी चैपल

माइकल एंजेलो। स्वर्ग से पतन और निष्कासन। सिस्टिन चैपल के मैदान का फ्रेस्को

माइकल एंजेलो ने मैरी की गोद में मसीह को साष्टांग प्रणाम किया। मैडोना का युवा, पूरी तरह से सुंदर चेहरा शोकाकुल है, लेकिन बहुत संयमित है। मैडोना के घुटनों पर एक बड़ा पुरुष शरीर रखने के लिए, मूर्तिकार मैरी के घुटनों से गिरने वाले लबादे की सिलवटों की संख्या को गुणा करता है। आंकड़े समूह को स्थिरता और पूर्णता प्रदान करते हुए संरचना में एक पिरामिड बनाते हैं। साथ ही, माइकलएंजेलो के इस शुरुआती काम में भी ऐसी विशेषताएं हैं जो पुनर्जागरण की कला की विशेषता नहीं हैं, या कहें, उनके लिए असामान्य: असामान्य मजबूत परिप्रेक्ष्य में, मसीह के सिर को वापस फेंक दिया जाता है, उसका अधिकार कंधा मुड़ा हुआ है, रचना का बायाँ भाग, दाएँ से अधिक भारित है, दायीं ओर ऊंचे कुरसी की एक जटिल असममित रेखाचित्र की आवश्यकता है। सभी ने मिलकर समूह को एक आंतरिक तनाव दिया, जो पुनर्जागरण की कला के लिए असामान्य था। हालांकि, इस रचना में प्रमुख विशेषताएं उच्च पुनर्जागरण की विशेषताएं हैं: वीर छवि की अखंडता, स्मारकीय कलात्मक भाषा की शास्त्रीय स्पष्टता।

1501 में फ्लोरेंस लौटकर, सिग्नोरिया की ओर से माइकल एंजेलो ने एक बदकिस्मत मूर्तिकार द्वारा उसके सामने खराब किए गए संगमरमर के ब्लॉक से डेविड की आकृति को तराशने का बीड़ा उठाया। 1504 में माइकल एंजेलो ने फ्लोरेंटाइन्स द्वारा "द जाइंट" नामक प्रसिद्ध प्रतिमा को समाप्त किया, और उनके द्वारा टाउन हॉल, पलाज़ो वेक्चिया के सामने खड़ा किया। स्मारक का उद्घाटन एक लोकप्रिय उत्सव में बदल गया। डेविड की छवि ने कई क्वाट्रोसेंटो कलाकारों को प्रेरित किया है। लेकिन माइकल एंजेलो ने उसे एक लड़के के रूप में चित्रित नहीं किया, जैसे कि डोनाटेलो और वेरोक्चियो में, लेकिन पूरी तरह से खिले हुए युवा पुरुषों के रूप में, और लड़ाई के बाद नहीं, उसके पैरों पर एक विशाल के सिर के साथ, लेकिन लड़ाई से पहले, उच्चतम क्षण में बलों का तनाव। वी सुंदर छविडेविड ने अपने कठोर चेहरे में, मूर्तिकार ने जुनून की टाइटैनिक शक्ति, अडिग इच्छाशक्ति, नागरिक साहस, एक स्वतंत्र व्यक्ति की असीम शक्ति को व्यक्त किया। फ्लोरेंटाइन्स ने डेविड को अपने करीब एक नायक, गणतंत्र का नागरिक और उसके रक्षक के रूप में देखा। मूर्तिकला का सामाजिक महत्व तुरंत समझ में आ गया।

1504 में माइकल एंजेलो (जैसा कि लियोनार्डो के संबंध में पहले ही उल्लेख किया गया है) ने पलाज्जो सिग्नोरिया में "पांच सौ के कमरे" की पेंटिंग पर काम करना शुरू किया, लेकिन उनके "कचिन की लड़ाई" के लिए चित्र और कार्डबोर्ड संरक्षित नहीं किए गए थे, साथ ही साथ लियोनार्डो का काम।

1505 में, पोप जूलियस द्वितीय ने माइकल एंजेलो को अपना मकबरा बनाने के लिए रोम में आमंत्रित किया। मूर्तिकार की योजना भव्य थी: वह एक विशाल स्मारक-मकबरा बनाना चाहता था, जिसे जीवन के आकार से अधिक के चालीस आकृतियों से सजाया गया था। उन्होंने संगमरमर के निष्कर्षण की देखरेख करते हुए कैरारा पहाड़ों में आठ महीने बिताए, लेकिन जब वे रोम लौटे, तो उन्हें पता चला कि पोप ने उनकी योजना को छोड़ दिया था। गुस्से में, माइकल एंजेलो फ्लोरेंस के लिए रवाना हो गए, लेकिन, पोप द्वारा मांग की गई, फ्लोरेंटाइन अधिकारियों के दबाव में, जो रोम के साथ जटिलताओं से डरते थे, उन्हें फिर से रोम लौटने के लिए मजबूर किया गया था, इस बार कोई कम भव्य नहीं, लेकिन सौभाग्य से सन्निहित योजना - वेटिकन पैलेस में सिस्टिन चैपल की छत को पेंट करना।

माइकल एंजेलो ने 1508 से 1512 तक सिस्टिन चैपल की छत की पेंटिंग पर अकेले काम किया, लगभग 600 वर्ग मीटर के क्षेत्र को चित्रित किया। मी (48x13 मीटर) 18 मीटर की ऊंचाई पर।

माइकल एंजेलो ने दुनिया के निर्माण से शुरू होकर, पवित्र इतिहास के दृश्यों के लिए छत के मध्य भाग को समर्पित किया। इन रचनाओं को एक कंगनी द्वारा तैयार किया गया है, लिखा गया है, लेकिन वास्तुकला का भ्रम पैदा कर रहा है, और सुरम्य, छड़ द्वारा भी अलग किया गया है। सुरम्य आयतें प्लाफॉन्ड की वास्तविक वास्तुकला पर जोर देती हैं और समृद्ध करती हैं। सुरम्य कंगनी के नीचे, माइकल एंजेलो ने भविष्यवक्ताओं और भाई-बहनों को चित्रित किया (प्रत्येक आकृति लगभग तीन मीटर है), लनेट्स (खिड़कियों के ऊपर मेहराब) में उन्होंने बाइबिल के एपिसोड और मसीह के पूर्वजों को रोजमर्रा के मामलों में व्यस्त सामान्य लोगों के रूप में चित्रित किया।

नौ केंद्रीय रचनाओं में, सृष्टि के पहले दिनों की घटनाएँ सामने आती हैं, आदम और हव्वा की कहानी, बाढ़, और ये सभी दृश्य, वास्तव में, मनुष्य के लिए एक भजन हैं, उसमें निहित शक्तियाँ, उसकी शक्ति और उसकी सुंदरता। भगवान, सबसे पहले, एक निर्माता है जो सृजन के मार्ग में कोई बाधा नहीं जानता है, एक छवि निर्माता के बारे में मानवतावादी युग के विचार के करीब है (दृश्य "सूर्य और चंद्रमा का निर्माण")। एडम आदर्श रूप से "द क्रिएशन ऑफ एडम" दृश्य में सुंदर है, वह अभी भी इच्छा से रहित है, लेकिन निर्माता के हाथ का स्पर्श, एक बिजली की चिंगारी की तरह, उसे छेदता है और इस सुंदर शरीर में जीवन को प्रज्वलित करता है। यहां तक ​​कि एक दुखद बाढ़ की स्थिति भी मानव शक्ति में विश्वास नहीं हिला सकती। महानता, शक्ति और बड़प्पन भी भविष्यद्वक्ताओं और भाई-बहनों की छवियों में व्यक्त किए जाते हैं: रचनात्मक प्रेरणा - यहेजकेल के व्यक्ति में, जिसने भगवान की आवाज सुनी; चिंतन - इरिट्रिया के सिबिल के रूप में; ज्ञान, दार्शनिक विचारशीलता और सांसारिक घमंड से अलगाव - जकर्याह की आकृति में; दु: खद ध्यान - यिर्मयाह। बड़ी संख्या में आंकड़ों के साथ, सिस्टिन प्लैफोंड की पेंटिंग तार्किक रूप से स्पष्ट और आसानी से दिखाई देने वाली है। यह तिजोरी के तल को नष्ट नहीं करता, बल्कि विवर्तनिक संरचना को प्रकट करता है। माइकल एंजेलो के मुख्य अभिव्यंजक साधन हैं जोर की प्लास्टिसिटी, एम्बॉसिंग और लाइन और वॉल्यूम की स्पष्टता। माइकल एंजेलो की पेंटिंग में प्लास्टिक का सिद्धांत हमेशा पेंटिंग पर हावी रहता है, जिससे कलाकार के इस विचार की पुष्टि होती है कि "वह पेंटिंग जो राहत के सबसे करीब होगी, वह सबसे अच्छी होगी।"

सिस्टिन में काम खत्म होने के तुरंत बाद, जूलियस द्वितीय की मृत्यु हो गई और उसके उत्तराधिकारी एक मकबरे के विचार पर लौट आए। 1513-1516 ई. माइकल एंजेलो इस मकबरे के लिए मूसा और दासों (बंदी) की आकृति का प्रदर्शन करता है। उनकी परियोजना के अनुसार, मूर्तिकार के छात्रों ने बाद में एक दीवार मकबरे का निर्माण किया, जिसके निचले स्तर में मूसा की मूर्ति रखी गई थी। मूसा की छवि एक परिपक्व गुरु के काम में सबसे मजबूत में से एक है। उन्होंने उसे एक बुद्धिमान, साहसी नेता का सपना दिया, जो टाइटैनिक शक्तियों, अभिव्यक्ति, इच्छा-गुणों से भरा हुआ था, जो उस समय अपनी मातृभूमि के एकीकरण के लिए बहुत आवश्यक थे। गुलामों के आंकड़े शामिल नहीं थे अंतिम संस्करणकब्रें शायद उनका किसी तरह का अलंकारिक अर्थ था (पोप की मृत्यु के बाद कैद में कला? - उनकी ऐसी व्याख्या भी है)। "बंधे हुए दास", "मरने वाले दास" एक व्यक्ति के विभिन्न राज्यों, संघर्ष के विभिन्न चरणों को व्यक्त करते हैं: खुद को बेड़ियों से मुक्त करने की इच्छा में एक शक्तिशाली आवेग, शक्तिहीनता ("बाध्य दास"), अंतिम सांस, जीवन एक सुंदर में मर रहा है , लेकिन पहले से ही सुन्न शरीर ("मरने वाला दास")।

1520 से 1534 तक माइकल एंजेलो ने सबसे महत्वपूर्ण और सबसे दुखद मूर्तिकला कार्यों में से एक पर काम किया - मेडिसी टॉम्ब (सैन लोरेंजो के फ्लोरेंटाइन चर्च) पर, जो उन सभी अनुभवों को व्यक्त करता है जो स्वयं गुरु, उनके गृहनगर और उनके लिए गिरे थे। पूरे देश के रूप में। 1920 के दशक के उत्तरार्ध से, इटली को बाहरी और आंतरिक दोनों दुश्मनों द्वारा सचमुच अलग कर दिया गया है। 1527 में, किराए के सैनिकों ने रोम को हराया, प्रोटेस्टेंट ने शाश्वत शहर के कैथोलिक मंदिरों को लूट लिया। फ्लोरेंटाइन पूंजीपति वर्ग ने मेडिसी को उखाड़ फेंका, जिसने 1510 से पिएत्रो सोदेरिनी की मृत्यु के बाद फिर से शासन किया, लेकिन पोप ने फ्लोरेंस पर चढ़ाई की। फ्लोरेंस रक्षा के लिए तैयारी कर रहा है, माइकल एंजेलो सैन्य किलेबंदी के निर्माण के सिर पर है, वह भ्रम, निराशा के मूड में है, वह छोड़ देता है, सचमुच फ्लोरेंस से भाग जाता है, उसके कंडॉटियर के आसन्न विश्वासघात के बारे में जानने के बाद, वह अपने पास लौटता है गृहनगर अपनी हार का गवाह शुरू हुए भयानक आतंक में, माइकल एंजेलो के कई दोस्त मारे गए, और वह खुद कुछ समय के लिए निर्वासन के रूप में रहने के लिए मजबूर हो गया।

गंभीर निराशावाद के मूड में, गहरी धार्मिकता में वृद्धि की स्थिति में, माइकल एंजेलो मेडिसी के मकबरे पर काम कर रहा है। वह स्वयं सैन लोरेंजो के फ्लोरेंटाइन चर्च के लिए एक विस्तार का निर्माण करता है, जो एक गुंबद से ढका एक छोटा लेकिन बहुत ऊंचा कमरा है, और मूर्तिकला (इसके आंतरिक भाग) की दो दीवारों को मूर्तिकला मकबरे से सजाता है। एक दीवार लोरेंजो की आकृति से सजी है, विपरीत एक गिउलिआनो है, और उनके पैरों के नीचे सरकोफेगी को अलंकारिक मूर्तिकला छवियों से सजाया गया है - तेजी से बहने वाले समय के प्रतीक: "सुबह" और "शाम" - लोरेंजो के मकबरे में, "रात, और" दिन "- गिउलिआनो की समाधि में ... दोनों छवियों - लोरेंजो और गिउलिआनो - में कोई चित्र समानता नहीं है, जो 15 वीं शताब्दी के पारंपरिक समाधानों से अलग है। माइकल एंजेलो ने लोरेंजो में गिउलिआनो के चेहरे पर थकान और उदासी की अभिव्यक्ति और निराशा की सीमा पर भारी ध्यान पर जोर दिया, यह मानते हुए कि मॉडलों के चेहरों में विशेषताओं को सटीक रूप से व्यक्त करना आवश्यक नहीं है। उनके लिए अधिक महत्वपूर्ण जीवन और मृत्यु का विरोध करने का दार्शनिक विचार है, जो काव्य रूप धारण करता है। चिंता, चिंता की भावना लोरेंजो और गिउलिआनो की छवियों से आती है। यह रचना द्वारा ही प्राप्त किया जाता है: आंकड़े निचे की तंग जगह में लगाए जाते हैं, जैसे कि पायलटों द्वारा निचोड़ा गया हो। इस बेचैन लय को दिन के समय के अलंकारिक आंकड़ों के पोज़ द्वारा और बढ़ाया जाता है: तनावपूर्ण घुमावदार शरीर सरकोफेगी के ढलान वाले ढक्कन से लुढ़कते हुए प्रतीत होते हैं, समर्थन नहीं मिलने पर, उनके सिर कॉर्निस को पार करते हैं, दीवारों के टेक्टोनिक्स को तोड़ते हैं। ये सभी असंगत नोट, टूटने की स्थिति पर जोर देते हुए, पुनर्जागरण के स्थापत्य सद्भाव का उल्लंघन करते हैं और कला में एक नए युग के अग्रदूत हैं। मेडिसी चैपल में, वास्तुशिल्प रूप और प्लास्टिक की छवियां एक ही विचार को व्यक्त करते हुए अटूट रूप से जुड़ी हुई हैं।

यहां तक ​​​​कि पोप क्लेमेंट VII ने, उनकी मृत्यु से कुछ समय पहले, माइकल एंजेलो की रोम की यात्राओं में से एक का लाभ उठाते हुए, उन्हें सिस्टिन चैपल की वेदी की दीवार को अंतिम निर्णय की छवि के साथ चित्रित करने के लिए आमंत्रित किया। उस समय फ्लोरेंस में मेडिसी चैपल के लिए मूर्तियों के साथ कब्जा कर लिया, मूर्तिकार ने इनकार कर दिया। पॉल III ने अपने चुनाव के तुरंत बाद मांग करना शुरू कर दिया कि माइकल एंजेलो इस योजना को पूरा करें, और 1534 में, मकबरे पर काम को बाधित करते हुए, जिसे उन्होंने केवल 1545 में पूरा किया, माइकल एंजेलो रोम के लिए रवाना हो गए, जहां उन्होंने सिस्टिन चैपल में अपना दूसरा काम शुरू किया - पेंटिंग के लिए "द लास्ट जजमेंट" (1535-1541) - एक भव्य रचना जिसने मानव जाति की त्रासदी को व्यक्त किया। माइकल एंजेलो के इस काम में नई कलात्मक प्रणाली की विशेषताएं और भी अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट हुईं। सृजन निर्णय, दंड देने वाले मसीह को रचना के केंद्र में रखा गया है, और उसके चारों ओर एक गोलाकार गति में पापियों को नरक में गिरने, धर्मी पुरुषों को स्वर्ग में चढ़ने, मृत लोगों को अपनी कब्र से भगवान के फैसले के लिए उठने के लिए चित्रित किया गया है। सब कुछ आतंक, निराशा, क्रोध, भ्रम से भरा है। यहाँ तक कि मरियम, जो लोगों के लिए खड़ी है, अपने दुर्जेय पुत्र से डरती है और उसके हाथ से दूर हो जाती है, जो पापियों को धर्मी से अलग करता है। एक गेंद में मुड़े हुए शरीर के जटिल पूर्वाभास, अत्यधिक गतिशीलता, बढ़ी हुई अभिव्यक्ति, चिंता, चिंता, भ्रम की अभिव्यक्ति पैदा करना - ये सभी ऐसी विशेषताएं हैं जो उच्च पुनर्जागरण के लिए गहराई से विदेशी हैं, जैसे कि "द लास्ट" के विषय की व्याख्या। न्याय" इसके लिए पराया है (बुराई पर न्याय की विजय के बजाय - एक तबाही, दुनिया का पतन)।

चित्रकार, मूर्तिकार, कवि, माइकल एंजेलो भी एक शानदार वास्तुकार थे। उन्होंने लॉरेनज़ियाना के फ्लोरेंटाइन पुस्तकालय की सीढ़ी को अंजाम दिया, रोम में कैपिटल स्क्वायर को सजाया, पायस गेट (पोर्टा पिया) बनाया, 1546 से वह सेंट पीटर्सबर्ग के कैथेड्रल में काम कर रहे हैं। पीटर, ब्रैमांटे द्वारा शुरू किया गया। माइकल एंजेलो गुंबद की ड्राइंग और ड्राइंग का मालिक है, जो मास्टर की मृत्यु के बाद पूरा हुआ और अभी भी शहर के पैनोरमा में मुख्य प्रभुत्व में से एक है।

माइकल एंजेलो के जीवन के अंतिम दो दशक उस अवधि के साथ मेल खाते हैं जब इटली में पुनर्जागरण के महान मानवतावादी युग की स्वतंत्र सोच की विशेषताओं का उन्मूलन किया जा रहा है। इनक्विजिशन के आग्रह पर, जिसने लास्ट जजमेंट फ्रेस्को में इतने सारे नग्न शरीरों को अश्लील माना, माइकल एंजेलो के छात्र डेनियल डी वोल्टेरा ने कुछ आंकड़े लिखे। माइकल एंजेलो के जीवन के अंतिम वर्ष आशाओं की हानि, प्रियजनों और दोस्तों की हानि, उनके पूर्ण आध्यात्मिक अकेलेपन का समय है। लेकिन यह त्रासदी के दृष्टिकोण और कार्यों की संक्षिप्त अभिव्यक्ति के मामले में सबसे शक्तिशाली के निर्माण का समय भी है, जो उनकी अमर प्रतिभा की गवाही देता है। ये मुख्य रूप से मूर्तिकला रचनाएं और चित्र हैं (ग्राफिक्स में माइकल एंजेलो लियोनार्डो और राफेल के समान महान गुरु थे) "विलाप" और "क्रूसीफिक्सियन" के विषय पर।

माइकल एंजेलो का 89 वर्ष की आयु में रोम में निधन हो गया। उनके पार्थिव शरीर को रात में फ्लोरेंस ले जाया गया और उनके गृहनगर सांता क्रोस के सबसे पुराने चर्च में दफनाया गया। माइकल एंजेलो की कला का ऐतिहासिक महत्व, समकालीनों और बाद के युगों पर इसके प्रभाव को शायद ही कम करके आंका जा सकता है। कुछ विदेशी शोधकर्ता उन्हें बारोक के पहले कलाकार और वास्तुकार के रूप में व्याख्या करते हैं। लेकिन सबसे बढ़कर वह पुनर्जागरण की महान यथार्थवादी परंपराओं के वाहक के रूप में दिलचस्प है।

यदि माइकल एंजेलो की दूसरी छमाही में पहले से ही एक नए युग की विशेषताएं हैं, तो वेनिस के लिए पूरी 16 वीं शताब्दी अभी भी Cinquecento के संकेत के अधीन है। वेनिस, जो अपनी स्वतंत्रता को बनाए रखने में कामयाब रहा, पुनर्जागरण की परंपराओं के प्रति अपनी वफादारी को लंबे समय तक बनाए रखता है।

जियानबेलिनो की कार्यशाला से उच्च विनीशियन पुनर्जागरण के दो महान चित्रकार उभरे: जियोर्जियोन और टिटियन।

जॉर्ज बारबरेली दा कास्टेलफ्रेंको, उपनाम जियोर्जियोन (1477-1510), अपने शिक्षक का प्रत्यक्ष अनुयायी और उच्च पुनर्जागरण का एक विशिष्ट कलाकार है। वे वेनिस की धरती पर साहित्यिक विषयों, पौराणिक विषयों की ओर मुड़ने वाले पहले व्यक्ति थे। परिदृश्य, प्रकृति और सुंदर नग्न मानव शरीर उनके लिए कला की वस्तु और पूजा की वस्तु बन गए। सद्भाव की भावना के साथ, अनुपात की पूर्णता, उत्कृष्ट रैखिक लय, नरम प्रकाश पेंटिंग, आध्यात्मिकता और उनकी छवियों की मनोवैज्ञानिक अभिव्यक्ति, और साथ ही तर्क, तर्कवाद, जियोर्जियोन लियोनार्डो के करीब है, जिसका निस्संदेह उस पर सीधा प्रभाव पड़ा जब वह 1500 में मिलान से वेनिस में गुजर रहा था। लेकिन जियोर्जियोन महान मिलान मास्टर की तुलना में अधिक भावुक है, और वेनिस के एक विशिष्ट कलाकार के रूप में, वह रेखीय परिप्रेक्ष्य में उतनी दिलचस्पी नहीं रखता जितना कि हवादार और मुख्य रूप से रंग की समस्याओं में।

पहले से ही ज्ञात काम "मैडोना ऑफ कास्टेलफ्रेंको" (लगभग 1505) में जियोर्जियोन पूरी तरह से विकसित कलाकार के रूप में दिखाई देता है; मैडोना की छवि कविता, गहन स्वप्नदोष से भरी हुई है, जो उदासी की उस मनोदशा के साथ व्याप्त है, जो कि जियोर्जियोन की सभी महिला छवियों की विशेषता है। अपने जीवन के अंतिम पांच वर्षों में (जियोर्जियोन की प्लेग से मृत्यु हो गई, जो विशेष रूप से वेनिस के लिए एक विशेष रूप से लगातार आगंतुक था), कलाकार ने अपना बनाया सर्वोत्तम कार्य, तेल तकनीक में निष्पादित, विनीशियन स्कूल में मुख्य एक ऐसे समय में जब मोज़ेक पूरे मध्ययुगीन के साथ अतीत में फीका पड़ गया कला प्रणालीऔर फ़्रेस्को नम विनीशियन जलवायु में अस्थिर साबित हुआ। जियोर्जियोन द्वारा 1506 की पेंटिंग "द थंडरस्टॉर्म" में मनुष्य को प्रकृति के एक हिस्से के रूप में दर्शाया गया है। एक बच्चे की देखभाल करने वाली एक महिला, एक कर्मचारी के साथ एक जवान आदमी (जिसे हलबर्ड के साथ एक योद्धा के लिए गलत किया जा सकता है) किसी भी कार्रवाई से एकजुट नहीं होते हैं, लेकिन इस राजसी परिदृश्य में एक आम मनोदशा, आम मन की स्थिति से एकजुट होते हैं। जियोर्जियोन बेहतरीन और असामान्य रूप से समृद्ध पैलेट का मालिक है। युवक के नारंगी-लाल कपड़ों के मौन स्वर, उसकी हरी-सफेद शर्ट, महिला की सफेद टोपी की प्रतिध्वनि, मानो, उस आधी-गोधूलि हवा में छाई हुई है, जो पूर्व-तूफान प्रकाश की विशेषता है। हरे रंग में बहुत सारे रंग होते हैं: पेड़ों में जैतून, पानी की गहराई में लगभग काला, बादलों में सीसा। और यह सब एक उज्ज्वल स्वर से एकजुट होता है जो अस्थिरता, चिंता, चिंता, लेकिन साथ ही खुशी की छाप देता है, जैसे कि आने वाले तूफान की प्रत्याशा में एक व्यक्ति की स्थिति।

किसी व्यक्ति की जटिल मानसिक दुनिया के सामने आश्चर्य की वही भावना जूडिथ की छवि से भी पैदा होती है, जिसमें असंगत विशेषताएं संयुक्त होती हैं: साहसी महिमा और सूक्ष्म कविता। चित्र को पीले और लाल गेरू से, एक ही सुनहरे रंग में चित्रित किया गया है। चेहरे और हाथों की नरम श्वेत-श्याम मॉडलिंग कुछ हद तक लियोनार्ड के "sfumato" की याद दिलाती है। जूडिथ की मुद्रा, बेलस्ट्रेड पर खड़ी है, बिल्कुल शांत है, उसका चेहरा शांत और विचारशील है: सुंदर प्रकृति की पृष्ठभूमि के खिलाफ एक सुंदर महिला। लेकिन एक दोधारी तलवार उसके हाथ में ठंडी चमक रही है, और उसकी कोमल टांग होलोफर्नेस के मृत सिर पर टिकी हुई है। यह कंट्रास्ट भ्रम की भावना पैदा करता है और जानबूझकर सुखद जीवन की तस्वीर की अखंडता का उल्लंघन करता है।

जियोर्जियोन। ग्रामीण संगीत कार्यक्रम। पेरिस, लौवर

टिटियन। उर्बिंस्काया का शुक्र। फ्लोरेंस, उफ्फ्डी गैलरी

"स्लीपिंग वीनस" (लगभग 1508-1510) की छवि आध्यात्मिकता और कविता के साथ व्याप्त है। उसका शरीर हल्के ढंग से, स्वतंत्र रूप से, सुंदर ढंग से लिखा गया है, यह व्यर्थ नहीं है कि शोधकर्ता जियोर्जियोन की लय की "संगीतमयता" के बारे में बात करते हैं; यह कामुक आकर्षण से रहित नहीं है। लेकिन बंद आँखों वाला चेहरा पवित्र और सख्त है, इसकी तुलना में टिटियन के शुक्र सच्चे मूर्तिपूजक देवी प्रतीत होते हैं। जियोर्जियोन के पास "स्लीपिंग वीनस" पर काम पूरा करने का समय नहीं था; समकालीनों की गवाही के अनुसार, चित्र में परिदृश्य पृष्ठभूमि को टिटियन द्वारा चित्रित किया गया था, जैसा कि मास्टर के एक और बाद के काम में - "ग्रामीण संगीत कार्यक्रम" (1508-1510)। यह पेंटिंग, शानदार वस्त्रों में दो सज्जनों और दो नग्न महिलाओं को दर्शाती है, जिनमें से एक कुएं से पानी लेती है, और दूसरा पाइप बजाता है, जियोर्जियोन का सबसे हंसमुख और पूर्ण-रक्त वाला काम है। लेकिन यह जीवित, होने के आनंद की स्वाभाविक भावना किसी विशेष क्रिया से जुड़ी नहीं है, जो मोहक चिंतन और स्वप्निल मनोदशा से भरी है। इन विशेषताओं का संयोजन जियोर्जियोन की इतनी विशेषता है कि ग्रामीण कॉन्सर्टो को उनका सबसे विशिष्ट कार्य माना जा सकता है। जियोर्जियोन में कामुक आनंद हमेशा काव्यात्मक, आध्यात्मिक होता है।

टिटियन। इपोलिटो रिमिनाल्डी का पोर्ट्रेट। फ्लोरेंस, पिट्टी गैलरी

टिटियन वेसेलियो (1477? -1576) विनीशियन पुनर्जागरण के महानतम चित्रकार हैं। उन्होंने पौराणिक और ईसाई दोनों विषयों पर काम किया, चित्र शैली में काम किया, उनकी रंगीन प्रतिभा असाधारण है, उनकी रचनात्मक सरलता अटूट है, और उनकी खुशहाल लंबी उम्र ने उन्हें अपने पीछे एक समृद्ध रचनात्मक विरासत छोड़ने की अनुमति दी, जिसका वंशजों पर बहुत प्रभाव पड़ा। टिटियन का जन्म आल्प्स के पैर में एक छोटे से शहर कैडोर में हुआ था, एक सैन्य परिवार में, जियानबेलिनो के साथ जियोर्जियोन की तरह अध्ययन किया, और उनका पहला काम (1508) वेनिस में जर्मन आंगन के खलिहान को जियोर्जियोन के साथ चित्रित कर रहा था। जियोर्जियोन की मृत्यु के बाद, 1511 में, टिटियन ने पडुआ में स्कूलो, परोपकारी बिरादरी के कई परिसरों को चित्रित किया, जिसमें गियट्टो का प्रभाव, जो कभी पडुआ और मासासिओ में काम करता था, निस्संदेह महसूस किया जाता है। पडुआ में जीवन ने कलाकार को, निश्चित रूप से, मेंटेग्ना और डोनाटेलो के कार्यों से परिचित कराया। टिटियन की महिमा जल्दी आती है। पहले से ही 1516 में वे 1920 के दशक से गणतंत्र के पहले चित्रकार बन गए - वेनिस के सबसे प्रसिद्ध कलाकार, और उनकी सफलता ने उन्हें अपने दिनों के अंत तक नहीं छोड़ा। 1520 के आसपास, ड्यूक ऑफ फेरारा ने उन्हें चित्रों की एक श्रृंखला की शुरुआत की, जिसमें टिटियन पुरातनता के गायक के रूप में दिखाई देते हैं, जो बुतपरस्ती की भावना को महसूस करने में सक्षम थे और सबसे महत्वपूर्ण बात, (बच्चनलिया, शुक्र का पर्व, बैचस और एरियाडेन) .

इन वर्षों का वेनिस उन्नत संस्कृति और विज्ञान के केंद्रों में से एक है। आर्किटेक्ट जैकोपो सैन्सोविनो और लेखक पिएत्रो अरेटिनो के साथ मिलकर टिटियन वेनिस के कलात्मक जीवन में सबसे प्रतिभाशाली व्यक्ति बन जाता है, वह एक प्रकार की तिकड़ी का गठन करता है जो गणतंत्र के संपूर्ण बौद्धिक जीवन का नेतृत्व करता है। धनवान विनीशियन देशभक्तों ने वेदी की छवियों के लिए टिटियन को नियुक्त किया, और वह विशाल प्रतीक बनाता है: "द एसेंशन ऑफ मैरी", "मैडोना ऑफ पेसारो" (अग्रभूमि में चित्रित ग्राहकों के नाम पर) और बहुत कुछ - एक धार्मिक पर एक निश्चित प्रकार की स्मारकीय रचना विषय, एक ही समय में न केवल वेदी की भूमिका, बल्कि एक सजावटी पैनल की भूमिका निभा रहा है। मैडोना पेसारो में, टिटियन ने रचना के विकेंद्रीकरण का सिद्धांत विकसित किया, जिसे फ्लोरेंटाइन और रोमन स्कूल नहीं जानते थे। मैडोना की आकृति को दाईं ओर विस्थापित करने के बाद, उन्होंने इस प्रकार दो केंद्रों के विपरीत किया: अर्थपूर्ण, मैडोना की आकृति द्वारा व्यक्त किया गया, और स्थानिक, लुप्त बिंदु द्वारा निर्धारित किया गया, जो कि फ़्रेमिंग के बाहर भी बाईं ओर ले जाया गया था , जिसने काम का भावनात्मक तनाव पैदा किया। एक सोनोरस चित्रात्मक पैमाना: मैरी का सफेद घूंघट, हरा कालीन, नीला, कारमाइन, आने वाले सुनहरे कपड़े - विरोधाभास नहीं करता है, लेकिन मॉडलों के उज्ज्वल पात्रों के साथ सामंजस्यपूर्ण एकता में प्रकट होता है। कार्पेस्को की "स्मार्ट" पेंटिंग पर लाया गया, जियानबेलिनो के उत्कृष्ट रंग पर, टिटियन इस अवधि के दौरान उन विषयों से प्यार करता है जहां आप एक विनीशियन सड़क, इसकी वास्तुकला की महिमा, और एक उत्सव उत्सुक भीड़ दिखा सकते हैं। इस प्रकार उनकी सबसे बड़ी रचनाओं में से एक "द इंट्रोडक्शन ऑफ मैरी इन द टेंपल" (लगभग 1538) बनाई गई थी - "मैडोना ऑफ पेसारो" के बाद अगला कदम एक समूह दृश्य को चित्रित करने की कला में कदम है, जिसमें टिटियन कुशलता से महत्वपूर्ण को जोड़ती है भव्य उत्साह के साथ स्वाभाविकता। टिटियन पौराणिक विषयों पर बहुत कुछ लिखते हैं, विशेष रूप से 1545 में रोम की यात्रा के बाद, जहां उन्होंने पुरातनता की भावना को समझा था, ऐसा लगता है, सबसे बड़ी पूर्णता के साथ। यह तब था जब "दाने" के उनके संस्करण दिखाई दिए (एक प्रारंभिक संस्करण - 1545; अन्य सभी - लगभग 1554), जिसमें उन्होंने मिथक के कथानक का सख्ती से पालन करते हुए, एक राजकुमारी को दर्शाया, जो ज़ीउस के आने की प्रतीक्षा कर रही थी, और एक नौकर लालच से सुनहरी बारिश पकड़ रहा है। डैनी सुंदरता के प्राचीन आदर्श के अनुसार सुंदर है, जिसका विनीशियन मास्टर अनुसरण करते हैं। इन सभी रूपों में, टिटियन की छवि की व्याख्या में एक कामुक, सांसारिक सिद्धांत, होने के सरल आनंद की अभिव्यक्ति है। उनका "वीनस" (लगभग 1538), जिसमें कई शोधकर्ता उरबिंस्काया के डचेस एलेनोर का चित्र देखते हैं, जॉर्ज की रचना के समान है। लेकिन एक परिदृश्य पृष्ठभूमि के बजाय इंटीरियर में एक घरेलू दृश्य की शुरूआत, मॉडल की चौड़ी खुली आंखों की एक चौकस निगाह, उसके पैरों पर एक कुत्ता - विवरण जो भावना को व्यक्त करता है वास्तविक जीवनपृथ्वी पर, ओलंपस पर नहीं।

टिटियन। पिएटा। वेनिस, कला अकादमी का संग्रहालय

अपने पूरे जीवन में, टिटियन चित्रांकन में लगे रहे। उनके मॉडलों में (विशेषकर रचनात्मकता के शुरुआती और मध्य काल के चित्रों में), उपस्थिति की बड़प्पन, मुद्रा की महिमा, मुद्रा और हावभाव का संयम, सरगम ​​​​के संदर्भ में समान रूप से महान रंग द्वारा बनाया गया, और डरावना, सख्ती से चयनित विवरण (दस्ताने के साथ एक युवक का चित्र, इप्पोलिटो रिमिनाल्डी के चित्र, पिएत्रो अरेटिनो, लाविनिया की बेटी)।

यदि टिटियन के चित्रों को हमेशा पात्रों की जटिलता और आंतरिक स्थिति के तनाव से अलग किया जाता है, तो रचनात्मक परिपक्वता के वर्षों में वह विशेष रूप से नाटकीय छवियां, विरोधाभासी चरित्र बनाता है, जो विरोध और टकराव में प्रस्तुत किया जाता है, वास्तव में शेक्सपियर की ताकत (समूह चित्र) के साथ चित्रित किया गया है। पोप पॉल III अपने भतीजे ओटावियो और अलेक्जेंडर फार्निस के साथ, 1545-1546)। इस तरह का एक जटिल समूह चित्र केवल 17 वीं शताब्दी के बारोक युग में विकसित हुआ, जैसे कि टिटियन के "चार्ल्स वी एट द बैटल ऑफ मुह्लबर्ग" जैसे घुड़सवारी औपचारिक चित्र ने वैन डाइक के चित्रों की पारंपरिक प्रतिनिधि रचना के आधार के रूप में कार्य किया।

टिटियन के जीवन के अंत में, उनके काम में महत्वपूर्ण बदलाव आते हैं। वह और भी बहुत कुछ लिखता है प्राचीन विषय("वीनस एंड एडोनिस", "द शेफर्ड एंड द अप्सरा", "डायना एंड एक्टन", "बृहस्पति और एंटोप"), लेकिन तेजी से ईसाई विषयों की ओर मुड़ते हैं, शहादत के दृश्यों में, जिसमें बुतपरस्त प्रफुल्लता, प्राचीन सद्भाव को प्रतिस्थापित किया जाता है एक दुखद रवैया ("द फ्लैगेलेशन ऑफ क्राइस्ट", "द पेनिटेंट मैरी मैग्डलीन", "सेंट सेबेस्टियन", "विलाप"),

लेखन की तकनीक भी बदल रही है: सुनहरा हल्का रंग और हल्का शीशा शक्तिशाली, तूफानी, पेस्टी पेंटिंग का रास्ता देता है। वस्तुगत दुनिया की बनावट का स्थानांतरण, इसकी भौतिकता एक सीमित पैलेट के व्यापक स्ट्रोक द्वारा प्राप्त की जाती है। "अनुसूचित जनजाति। सेबस्टियन ”लिखा गया है, वास्तव में, केवल गेरू और कालिख के साथ। न केवल सामग्री की बनावट को स्मीयर द्वारा व्यक्त किया जाता है, आकार स्वयं अपने आंदोलन से ढाला जाता है, चित्रित प्लास्टिक बनाया जाता है।

कलाकार की मृत्यु के बाद उसके छात्र द्वारा पूर्ण किए गए टिटियन, विलाप के अंतिम कार्य में मनुष्य के दुख की अपार गहराई और राजसी सौंदर्य को व्यक्त किया गया है। मैडोना, जो अपने बेटे को अपने घुटनों पर रखती है, शोक में जमी हुई है, मागदालीन निराशा में अपना हाथ ऊपर उठाती है, बड़ी गहरी उदास गहनता में है। टिमटिमाती नीली-ग्रे रोशनी नायकों के कपड़ों के विपरीत रंग के धब्बे, मैरी मैग्डलीन के सुनहरे बाल, निचे में लगभग मूर्तिकला रूप से तैयार की गई मूर्तियों को एकजुट करती है और साथ ही एक लुप्त होती, बीतते दिन, शुरुआत की छाप बनाती है सांझ, दुखद मनोदशा को तेज कर रहा है।

लगभग एक सदी तक जीवित रहने के बाद, टिटियन की एक उन्नत उम्र में मृत्यु हो गई, और उसे वेनिस के चर्च देई फ्रारी में दफनाया गया, जिसे उनकी वेदी के टुकड़ों से सजाया गया था। उनके पास कई छात्र थे, लेकिन उनमें से कोई भी शिक्षक के बराबर नहीं था। टिटियन के विशाल प्रभाव ने अगली शताब्दी की पेंटिंग को प्रभावित किया, यह रूबेन्स और वेलाज़क्वेज़ द्वारा बहुत अधिक अनुभव किया गया था।

16वीं शताब्दी के दौरान वेनिस देश की स्वतंत्रता और स्वतंत्रता का अंतिम गढ़ बना रहा, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, यह सबसे लंबे समय तक पुनर्जागरण की परंपराओं के लिए सही रहा। लेकिन सदी के अंत में, और यहाँ, कला में एक आसन्न नए युग की विशेषताएं, एक नई कलात्मक दिशा, पहले से ही स्पष्ट हैं। इसे इस सदी के उत्तरार्ध के दो महानतम कलाकारों - पाओलो वेरोनीज़ और जैकोपो टिंटोरेटो के काम के उदाहरण में देखा जा सकता है।

वेरोनीज़। गलील के काना में विवाह। टुकड़ा। पेरिस, लौवर

पाओलो कैग्लियारी, उपनाम वेरोनीज़ (वे वेरोना से हैं, 1528-1588), 16वीं शताब्दी के उत्सव, हर्षित वेनिस के अंतिम गायक बनने के लिए नियत थे। उन्होंने वेरोना पलाज़ो के लिए पेंटिंग और वेरोना चर्चों के लिए चित्रों को चित्रित करके शुरू किया, लेकिन प्रसिद्धि उन्हें तब मिली जब 1553 में उन्होंने वेनिसियन पैलेस ऑफ़ द डॉग्स के चित्रों पर काम करना शुरू किया। अब से, वेरोनीज़ का जीवन हमेशा के लिए वेनिस से जुड़ा हुआ है। वह भित्ति चित्र बनाता है, लेकिन अधिक बार वह वेनिस के पेट्रीशियनों के लिए कैनवास पर बड़े तेल चित्रों को चित्रित करता है, वेनिस के चर्चों के लिए वेदी की छवियों को अपने स्वयं के आदेश या गणतंत्र के आधिकारिक आदेश द्वारा चित्रित करता है। वह सेंट की सजावट के लिए प्रतियोगिता जीतता है। ब्रांड। महिमा जीवन भर उसका साथ देती है। लेकिन जो कुछ भी वेरोनीज़ ने लिखा: "गैली के काना में विवाह" सैन जॉर्ज मैगीगोर के मठ के रेफरी के लिए (1562-1563; आकार 6.6x9.9 मीटर, 138 आंकड़े दर्शाते हुए); क्या पेंटिंग अलंकारिक, पौराणिक, धर्मनिरपेक्ष विषयों पर हैं; चित्र, शैली चित्र, परिदृश्य; साइमन द फरीसी (1570) या द फेस्ट इन हाउस ऑफ लेवी (1573), जिसे बाद में इंक्विजिशन के आग्रह पर फिर से लिखा गया, सभी उत्सव के वेनिस के विशाल सजावटी चित्र हैं, जहां एक विनीशियन भीड़ को सुरुचिपूर्ण वेशभूषा में चित्रित किया गया है। विनीशियन स्थापत्य परिदृश्य के व्यापक रूप से लिखित परिप्रेक्ष्य की पृष्ठभूमि, जैसे कि कलाकार के लिए दुनिया एक निरंतर शानदार असाधारण, एक अंतहीन नाटकीय कार्रवाई थी। इन सबके पीछे प्रकृति का ऐसा अद्भुत ज्ञान है, सब कुछ इतने शानदार एकल (नीले रंग के साथ चांदी-मोती) रंग में किया जाता है, जिसमें समृद्ध कपड़ों की चमक और विविधता होती है, कलाकार की प्रतिभा और स्वभाव से प्रेरित होकर नाटकीय क्रिया होती है महत्वपूर्ण अनुनय प्राप्त करता है। Veronese में जीवन में एक स्वस्थ आनंद की अनुभूति होती है. इसकी शक्तिशाली स्थापत्य पृष्ठभूमि राफेल के सामंजस्य में नीच नहीं है, लेकिन जटिल आंदोलन, आंकड़ों के अप्रत्याशित कोण, संरचना में गतिशीलता और भीड़ में वृद्धि - रचनात्मकता के अंत में दिखाई देने वाली विशेषताएं, छवि के भ्रम के साथ आकर्षण बोलते हैं अन्य संभावनाओं और अन्य अभिव्यंजनाओं की कला की शुरुआत।

एक अन्य कलाकार के काम में एक दुखद रवैया प्रकट हुआ - जैकोपो रोबस्टी, जिसे कला में टिंटोरेटो (1518-1594) ("टिनटोरेटो" - डायर: कलाकार के पिता एक रेशम डायर थे) के रूप में जाना जाता है। टिंटोरेटो बहुत कम समय के लिए टिटियन की कार्यशाला में रहे, हालांकि, उनके समकालीनों के अनुसार, उनकी कार्यशाला के दरवाजे पर आदर्श वाक्य लटका हुआ था: "माइकल एंजेलो द्वारा ड्राइंग, टिटियन का रंग।" लेकिन टिंटोरेटो अपने शिक्षक की तुलना में लगभग एक बेहतर रंगकर्मी था, हालांकि, टिटियन और वेरोनीज़ के विपरीत, उसकी मान्यता कभी भी पूर्ण नहीं थी। मुख्य रूप से रहस्यमय चमत्कारों के विषयों पर लिखी गई टिंटोरेटो की कई रचनाएँ चिंता, चिंता, भ्रम से भरी हैं। पहले से ही पहली पेंटिंग में जिसने उन्हें प्रसिद्धि दिलाई, द मिरेकल ऑफ सेंट मार्क (1548), वह संत की आकृति को इतने जटिल परिप्रेक्ष्य में प्रस्तुत करता है, और सभी लोगों को इस तरह की स्थिति और इस तरह के तूफानी आंदोलन की स्थिति में प्रस्तुत करता है। अपने शास्त्रीय काल में उच्च पुनर्जागरण की कला में असंभव रहा है। वेरोनीज़ की तरह, टिंटोरेटो डोगे के महल, विनीशियन चर्चों के लिए व्यापक रूप से लिखता है, लेकिन सबसे अधिक परोपकारी बिरादरी के लिए। उनके दो सबसे बड़े चक्र स्कूओलो डी सैन रोक्को और स्कूलो डी सैन मार्को के लिए किए गए थे।

टिंटोरेटो। सेंट का चमत्कार ब्रांड। वेनिस, कला अकादमी का संग्रहालय

टिंटोरेटो की चित्रात्मकता का सिद्धांत, जैसा कि यह था, विरोधाभासों पर बनाया गया है, जो शायद उनके समकालीनों को डराता है: उनकी छवियां स्पष्ट रूप से लोकतांत्रिक प्रकृति की हैं, कार्रवाई सबसे सरल सेटिंग में सामने आती है, लेकिन भूखंड रहस्यमय हैं, उच्च भावनाओं से भरे हुए हैं, व्यवहारिक परिष्कार के साथ निष्पादित, मास्टर की उन्मादपूर्ण कल्पना को व्यक्त करें। उनके पास सूक्ष्म रूप से रोमांटिक छवियां भी हैं, जो गेय भावना ("द साल्वेशन ऑफ आर्सिनो", 1555) से सुसज्जित हैं, लेकिन यहां भी चिंता की मनोदशा को डगमगाती रोशनी, ठंडे हरे-भूरे रंग की चमक से व्यक्त किया जाता है। उनकी रचना "मंदिर का परिचय" (1555) असामान्य है, जो निर्माण के सभी स्वीकृत शास्त्रीय मानदंडों का उल्लंघन है। नन्ही मैरी की नाजुक आकृति को एक खड़ी सीढ़ी की सीढ़ियों पर रखा गया है, जिसके शीर्ष पर महायाजक उसकी प्रतीक्षा कर रहे हैं। अंतरिक्ष की विशालता की भावना, गति की तेज, एक भावना की ताकत चित्रित को विशेष महत्व देती है। भयानक तत्व, बिजली की चमक आमतौर पर टिंटोरेटो के चित्रों में कार्रवाई के साथ होती है, जिससे घटना का नाटक बढ़ जाता है ("सेंट मार्क के शरीर का अपहरण")।

60 के दशक से, टिंटोरेटो की रचनाएँ सरल हो गई हैं। वह अब रंग के धब्बों के विरोधाभासों का उपयोग नहीं करता है, लेकिन स्ट्रोक के असामान्य रूप से विविध संक्रमणों पर एक रंग योजना बनाता है, कभी-कभी चमकती है, फिर लुप्त होती है, जो नाटक और जो हो रहा है उसकी मनोवैज्ञानिक गहराई को बढ़ाता है। इसलिए उन्होंने सेंट के भाईचारे के लिए "द लास्ट सपर" लिखा। मार्क (1562-1566)।

1565 से 1587 तक टिंटोरेटो ने स्कूओलो डी सैन रोक्को की सजावट पर काम किया। इन चित्रों का विशाल चक्र (कई दर्जन कैनवस और कई रंग), कमरे की दो मंजिलों पर कब्जा कर लेते हैं, भेदी भावुकता, गहरी मानवीय भावना, कभी-कभी अकेलेपन की कास्टिक भावना, असीम अंतरिक्ष में मानव अवशोषण, मानव तुच्छता की भावना से ओत-प्रोत है। प्रकृति की महानता के सामने। ये सभी भावनाएँ उच्च पुनर्जागरण की मानवतावादी कला से बहुत अलग थीं। द लास्ट सपर के नवीनतम संस्करणों में से एक में, टिंटोरेटो पहले से ही बारोक के अभिव्यंजक साधनों की लगभग स्थापित प्रणाली प्रस्तुत करता है। तिरछे तिरछे पर सेट एक टेबल, व्यंजन में टिमटिमाती रोशनी का अपवर्तन और अंधेरे से आंकड़े छीनना, तेज चिरोस्कोरो, जटिल कोणों में प्रस्तुत आंकड़ों की बहुलता - यह सब किसी प्रकार के कंपन वातावरण, अत्यधिक तनाव की भावना पैदा करता है। कुछ भूतिया, असली उसके बाद के परिदृश्यों में उसी स्कुओलो डि सैन रोक्को ("फ्लाइट इन मिस्र", "सेंट मैरी ऑफ मिस्र") के लिए महसूस किया जाता है। रचनात्मकता की अंतिम अवधि में टिंटोरेटो डोगे पैलेस (रचना "स्वर्ग", 1588 के बाद) के लिए काम करता है।

टिंटोरेटो ने बहुत सारे चित्रांकन किए। उन्होंने विनीशियन देशभक्तों को चित्रित किया, उनकी भव्यता में बंद, वेनिस के गर्वित कुत्ते। उनका चित्रात्मक ढंग नेक, संयमित और राजसी है, जैसा कि मॉडलों की व्याख्या है। गुरु स्वयं को भारी विचारों, पीड़ादायक चिंता, मानसिक भ्रम से भरे स्व-चित्र में चित्रित करता है। लेकिन यह एक ऐसा चरित्र है जिसे नैतिक पीड़ा ने ताकत और महानता दी है।

विनीशियन पुनर्जागरण की समीक्षा को समाप्त करते हुए, कोई भी उस महानतम वास्तुकार का उल्लेख करने में विफल नहीं हो सकता जो वेनिस के पास विसेंज़ा में पैदा हुआ और काम किया और वहां अपने ज्ञान और प्राचीन वास्तुकला के पुनर्विचार के उत्कृष्ट उदाहरण छोड़े - एंड्रिया पल्लाडियो (1508-1580, पिओम्बिनो में विला कॉर्नारो) , विसेंज़ा में विला रोटोंडा, उनकी मृत्यु के बाद उनके विद्यार्थियों द्वारा उनके डिजाइन के अनुसार पूरा किया गया, विसेंज़ा में कई इमारतें)। पुरातनता के उनके अध्ययन का परिणाम "रोमन एंटीक्विटीज" (1554), "आर्किटेक्चर पर चार पुस्तकें" (1570-1581) पुस्तक थी, लेकिन शोधकर्ता के उचित अवलोकन के अनुसार पुरातनता उनके लिए "जीवित जीव" थी। "वास्तुकला के नियम उसकी आत्मा में सहज रूप से रहते हैं जैसे कि कविता का सहज नियम पुश्किन की आत्मा में रहता है। पुश्किन की तरह, वह अपना आदर्श है ”(पी। मुराटोव)।

इसके बाद की शताब्दियों में, पल्लाडियन का प्रभाव बहुत अधिक था, यहां तक ​​कि "पल्लडियनवाद" नाम को भी जन्म दिया। इंग्लैंड में "पल्लाडियन पुनर्जागरण" इनिगो जोन्स के साथ शुरू हुआ, 17 वीं शताब्दी में जारी रहा और केवल ब्र। एडम्स उससे दूर जाने लगे; फ्रांस में इसकी विशेषताओं को ब्लोंडेल सेंट के काम से वहन किया जाता है। और एमएल।; रूस में "पल्लाडियन" थे (पहले से ही 18 वीं शताब्दी में) एन। लवोव, ब्र। नेयोलोवी, सी. कैमरून और सबसे बढ़कर - जे. क्वारेनघी। उन्नीसवीं शताब्दी की रूसी संपदा वास्तुकला में और यहां तक ​​कि आधुनिक युग में भी, पल्लाडियन शैली की तर्कसंगतता और पूर्णता नवशास्त्रवाद की स्थापत्य छवियों में प्रकट हुई।

यूरोप के उत्तरी शहरों (इटली के संबंध में उत्तर में) को इतालवी जैसी स्वतंत्रता नहीं थी, वे सामंतवाद की संपूर्ण शास्त्रीय रूप से विकसित प्रणाली पर एक प्रमुख स्वामी, राजा या सम्राट की शक्ति पर अधिक निर्भर थे। यह निस्संदेह पुनर्जागरण के दौरान उत्तरी यूरोप की संस्कृति की प्रकृति में परिलक्षित होता है। उत्तरी पुनर्जागरण की कला मध्ययुगीन विश्वदृष्टि से अधिक प्रभावित थी। इसमें अधिक धार्मिक भावना, प्रतीकवाद है, यह रूप में अधिक पारंपरिक है, अधिक पुरातन है, गॉथिक से अधिक जुड़ा हुआ है और, स्वाभाविक रूप से, पुरातनता से कम परिचित है, जिसके साथ यह 15 वीं शताब्दी के अंत में केवल इटली के माध्यम से करीब आया। उत्तरी पुनर्जागरण इतालवी से पूरी शताब्दी से पीछे है और तब शुरू होता है जब इतालवी अपने विकास के उच्चतम चरण में प्रवेश करता है।

हालांकि, उत्तरी शहरों ने एक जटिल सामाजिक-राजनीतिक संघर्ष में भाग लिया, जो 15वीं-16वीं शताब्दी में उत्तरी यूरोप के पूरे इतिहास की विशेषता है। जब इतालवी शहर अपनी स्वतंत्रता खो देते हैं, तो उत्तरी शहर, सामंती प्रभुओं के खिलाफ निरंतर संघर्ष में कठोर, 16 वीं और 17 वीं शताब्दी के अंत में अपना महत्व बनाए रखते हैं। और राष्ट्रीय निरंकुश राज्यों के गठन के दौरान प्रगतिशील आंदोलनों के केंद्र बन गए।

आइए हम यह भी याद दिलाएं कि मध्य युग से आधुनिक युग में संक्रमण न केवल पुनर्जागरण के माध्यम से हुआ, जिसने प्राचीन संस्कृति को पुनर्जीवित करने की मांग की, बल्कि सुधार के माध्यम से, कैथोलिक चर्च को "प्रेरित समय" पर लौटने का आह्वान किया। .

पुनर्जागरण और सुधार दोनों में एक बात समान थी - वे एक संकट की प्रतिक्रिया थी देर से मध्य युग... लेकिन उन्होंने संकट से बाहर निकलने का रास्ता अलग-अलग तरीकों से समझा और इसलिए, जैसा कि ठीक ही कहा गया था, वे बहुआयामी आंदोलन थे। हम यहां प्रोटेस्टेंट (लूथरन, और इससे भी अधिक केल्विनवादियों को प्रोटेस्टेंटवाद की चरम कट्टरपंथी शाखा के रूप में) और कैथोलिकों के विचारों में अंतर के बारे में बात नहीं कर रहे हैं। लेकिन हमें यह नहीं भूलना चाहिए कि सुधार भी पुनर्जागरण की प्रतिक्रिया थी, इसके विचार के साथ कि मनुष्य सत्य का सबसे मूल्यवान है ("मनुष्य स्वयं सभी सत्यों से ऊपर है")। पुनर्जागरण और सुधार के बीच यह असंगति पहले से ही स्पष्ट थी और 16 वीं शताब्दी के महानतम मानवतावादी के बीच प्रसिद्ध विवाद (1524-1525) में स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी। रॉटरडैम के इरास्मस और पहले सुधारक मार्टिन लूथर। "उनके व्यक्ति में, पुनर्जागरण और सुधार एक दूसरे का विरोध करेंगे और अलग-अलग दिशाओं में फैलेंगे" (पी। सैप्रोनोव)।

उत्तरी पुनर्जागरण की कला को सुधार आंदोलन पर विचार किए बिना नहीं समझा जा सकता है, जिसका उस पर प्रभाव प्रत्यक्ष और स्पष्ट था। परमेश्वर के सामने मनुष्य की तुच्छता के अर्थ में, परमेश्वर के साथ उसकी असंगति, सुधार ने कुछ हद तक कला को भी खारिज कर दिया; वी प्रोटेस्टेंट चर्चकोई नक्काशी नहीं है, कोई मूर्तिकला नहीं है, कोई सना हुआ ग्लास खिड़कियां नहीं हैं, लेकिन केवल नंगी दीवारें, बेंच और एक क्रॉस है। और चरवाहा, जो एक ही बात नहीं है, कि पुजारी आम आदमी और भगवान के बीच मध्यस्थ है, लेकिन केवल उस समुदाय का प्रतिनिधि है, जिसे ईश्वरीय सेवा के प्रशासन के लिए चुना गया है। सुधार पुनर्जागरण के करीब पहुंच रहा था, लेकिन यह प्रक्रिया, निश्चित रूप से, क्षणिक नहीं थी, और उत्तरार्द्ध यूरोप के उत्तर में महान मूल शक्ति के साथ खुद को प्रकट करने में कामयाब रहा। अपने यथार्थवाद और व्यावहारिकता के साथ सुधार के प्रभाव ने उत्तरी पुनर्जागरण की कला को वास्तविकता के करीब ध्यान और प्यार में, विवरणों की सटीकता के लिए, जानबूझकर किसी न किसी को चित्रित करने में रुचि में, कभी-कभी प्रतिकूल, बदसूरत, बदसूरत (जो बिल्कुल था) को प्रभावित किया इतालवी पुनर्जागरण के लिए अस्वीकार्य) - यह रहस्यमय, असली की भावना के साथ अद्भुत है, रूपों की गतिशीलता और गतिरोध के साथ, जो उत्तरी पुनर्जागरण को एक तरफ, गॉथिक के साथ, और दूसरी ओर, भविष्य के साथ एकजुट करता है। बैरोक की कला, शायद इटली से भी अधिक मजबूती से। कुछ शोधकर्ताओं ने आम तौर पर उत्तरी यूरोप में पुनर्जागरण को खारिज कर दिया, जहां गॉथिक शैली केवल "सुचारु रूप से" बैरोक में पारित हुई, उत्तरी पुनर्जागरण को केवल "मध्य युग का पतन" (जे। हेजिंगा) मानते हुए।

यह ध्यान रखना दिलचस्प है कि नीदरलैंड में पुनर्जागरण की नई कला की पहली शूटिंग पुस्तक लघु में देखी गई है, जो मध्यकालीन परंपराओं से सबसे अधिक जुड़ी हुई प्रतीत होती है।

पेंटिंग में डच पुनर्जागरण भाइयों ह्यूबर्ट (1426 में मृत्यु हो गई) और जनवरी (लगभग 1390-1441) वैन आइक द्वारा "गेन्ट अल्टार" के साथ शुरू होता है, जिसे 1432 में जन वैन आइक द्वारा पूरा किया गया था। गेन्ट अल्टारपीस (गेन्ट, सेंट बावो चर्च) ) एक दो-स्तरीय तह है, जिसके 12 बोर्ड (खुले) 12 दृश्य प्रस्तुत किए गए हैं। ऊपर, मसीह को आगामी मैरी और जॉन के साथ सिंहासन पर चित्रित किया गया है, स्वर्गदूत गा रहे हैं और संगीत बजा रहे हैं और आदम और हव्वा; नीचे पाँच बोर्डों पर - दृश्य "मेम्ने की आराधना"।

परिप्रेक्ष्य के प्रसारण में, ड्राइंग में, शरीर रचना विज्ञान के ज्ञान में, वैन आइक पेंटिंग की तुलना, निश्चित रूप से उसी समय की जा सकती है जो मासासिओ लगभग उसी समय कर रहे थे। लेकिन इसमें अन्य विशेषताएं हैं जो कला के लिए कम महत्वपूर्ण नहीं हैं: ऐसा लगता है कि डच स्वामी पहली बार दुनिया को देख रहे हैं, जिसे वे असाधारण देखभाल और विस्तार से व्यक्त करते हैं; घास का हर ब्लेड, कपड़े का हर टुकड़ा उनके लिए कला का एक उच्च नमूना है। यह डच लघु के सिद्धांतों में परिलक्षित होता है। गायन देवदूतों की मनोदशा में सच्ची धार्मिक भावना, आध्यात्मिकता और भावनात्मक तनाव बहुत होता है। वैन आईके ने तेल तकनीक में सुधार किया: तेल ने अधिक बहुमुखी को संभव बनाया, उद्देश्य दुनिया की चमक, गहराई, समृद्धि को व्यक्त किया, डच कलाकारों का ध्यान आकर्षित किया, इसकी रंगीन सोनोरिटी।

जान वैन आइक के कई मैडोनास में, सबसे प्रसिद्ध मैडोना ऑफ चांसलर रोलिन (लगभग 1435) है, इसलिए इसका नाम इसलिए रखा गया क्योंकि मैडोना से पहले एक दाता को उसकी पूजा करते हुए दिखाया गया है - चांसलर रोलिन। एक बड़ी तीन धनुषाकार खिड़की के पीछे खुल रहा है पृष्ठभूमिवैन आइक ने एक नदी, पुल और दूर तक फैली पहाड़ियों के साथ एक नाजुक शहरी परिदृश्य को चित्रित किया। कपड़ों का पैटर्न, फर्श का जटिल पैटर्न और सना हुआ ग्लास खिड़कियों को असाधारण देखभाल और प्यार से व्यक्त किया जाता है। इस पृष्ठभूमि के खिलाफ, मैडोना एंड चाइल्ड और घुटने टेकने वाले चांसलर के शांत आंकड़े स्पष्ट रूप से दिखाई देते हैं। "मैडोना ऑफ़ कैनन वैन डेर पालिस" (1436) में, सब कुछ अधिक विशाल हो जाता है। रूप बढ़े हुए हैं, भारी हैं, स्थिर हैं। कैनन की टकटकी, जिसे सेंट। जॉर्ज कठोर है, उदास भी। यह महत्वपूर्ण है कि डच कलाकार दाता के हाथ में हटाए गए चश्मे के रूप में इस तरह के दैनिक विवरण का परिचय देता है, प्रार्थना पुस्तक उसकी उंगली से रखी जाती है। लेकिन ये सांसारिक लक्षण उसकी आत्म-अवशोषण, आंतरिक दृढ़ता, आध्यात्मिक दृढ़ता की स्थिति पर और जोर देते हैं। वस्त्रों में लाल, नीले, सफेद रंग के सोनोरस धब्बे भी वास्तविक रंग अनुपात को इतना व्यक्त नहीं करते हैं जितना कि दृश्य के आध्यात्मिक वातावरण को व्यक्त करते हैं।

जान वैन आइक ने चित्रांकन में बहुत और सफलतापूर्वक काम किया, हमेशा मज़बूती से सटीक रहते हुए, एक गहरी व्यक्तिगत छवि बनाते हुए, लेकिन ब्रह्मांड के हिस्से के रूप में किसी व्यक्ति की सामान्य विशेषताओं के विवरण को खोए बिना ("द मैन विद ए कार्नेशन"; "द मैन" मैन इन ए टर्बन”, 1433; कलाकार की पत्नी मार्गरीटा वैन आइक का चित्र, 1439)। सक्रिय कार्रवाई के बजाय, इतालवी पुनर्जागरण के चित्रों की विशेषता, वैन आइक ने चिंतन को एक ऐसे गुण के रूप में सामने रखा है जो दुनिया में किसी व्यक्ति के स्थान को निर्धारित करता है, जिससे उसकी अंतहीन विविधता की सुंदरता को समझने में मदद मिलती है। पति-पत्नी अर्नोल्फिनी (1434) के दोहरे चित्र में - लुक्का के एक व्यापारी जियोवानी अर्नोल्फिनी, ब्रुग्स में मेडिसी हाउस के हितों के प्रतिनिधि और उनकी पत्नी - कमरे की वस्तुएं, जिनके खिलाफ मॉडल चित्रित किए गए हैं, हैं मध्ययुगीन परंपरा के अनुसार एक प्रतीकात्मक अर्थ के साथ संपन्न (एक छाती पर खिड़की से सेब, झूमर में एक मोमबत्ती जलती है, पैरों पर एक कुत्ता वैवाहिक निष्ठा का प्रतीक है)। लेकिन युवा पत्नियों को उनके घर की सेटिंग में रखने से कलाकार को वस्तुगत दुनिया की सुंदरता को व्यक्त करने का अवसर मिलता है। वह एक लकड़ी के फ्रेम में एक उत्तल दर्पण, एक कांस्य झूमर, एक घर की तरह बिस्तर का एक लाल पर्दा, झबरा कुत्ते के बाल, भूरे और हरे, एक नाजुक चित्रमय सद्भाव में संयुक्त, उस समय के फैशन में भारी रूप से चित्रित करता है, दर्शकों के सामने खड़ी मॉडल्स के कपड़े.

ह्यूबर्ट और जान वैन आईके। गेन्ट वेदी का टुकड़ा। सामान्य फ़ॉर्म। गेंट, सेंट। बवोना

वैन आइक भाइयों की कला, जिन्होंने समकालीन कलात्मक संस्कृति में एक असाधारण स्थान पर कब्जा कर लिया, डच पुनर्जागरण के आगे के विकास के लिए बहुत महत्वपूर्ण था। XV सदी के 40 के दशक में। डच कला में, वैन आइक में निहित सर्वेश्वरवादी बहुरंगा और हार्मोनिक स्पष्टता धीरे-धीरे गायब हो रही है। लेकिन मानव आत्मा अपने सभी रहस्यों में गहराई से प्रकट होती है। डच कला इस तरह की समस्याओं के समाधान के लिए रोजियर वैन डेर वेयडेन (1400? -1464) के लिए बहुत अधिक बकाया है। 1940 के दशक के अंत में, रोजियर वैन डेर वेयडेन ने इटली की यात्रा की। वैज्ञानिक और दार्शनिक निकोलाई कुज़ांस्की ने उन्हें सबसे महान कलाकार कहा, उनके काम को ड्यूरर ने बहुत सराहा। क्रॉस से उतरना एक विशिष्ट वेयडेन का काम है। रचना तिरछे रूप से बनाई गई है। ड्राइंग कठिन है, आंकड़े तेज कोणों में प्रस्तुत किए जाते हैं। कपड़े या तो ढीले लटकते हैं या बवंडर में मुड़ जाते हैं। चेहरों पर उदासी छा गई है। सब कुछ ठंडे विश्लेषणात्मक अवलोकन की मुहर है, लगभग एक क्रूर बयान। वही निर्ममता, जो कभी-कभी अजीबोगरीब तीक्ष्णता तक पहुँचती है, रोजियर वैन डेर वेयडेन के चित्रों की विशेषता है। वे वैन आइक के चित्रों से कालातीत, पर्यावरण से बहिष्कार द्वारा प्रतिष्ठित हैं। वेयडेन की अभिव्यक्ति, अध्यात्मवाद, कभी-कभी उनकी वेदी छवियों में सुनहरी पृष्ठभूमि का संरक्षण कुछ शोधकर्ताओं को उन्हें मध्य युग के अंत के मास्टर के रूप में बोलने की अनुमति देता है। लेकिन यह सच नहीं है, क्योंकि मनुष्य के आध्यात्मिक सार की उनकी समझ वैन आइक की कला के बाद अगला कदम था।

आर वैन डेर वेयडेन। क्रॉस से उतरना। मैड्रिड, प्राडोस

15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। असाधारण प्रतिभा के मास्टर ह्यूगो वैन डेर गोज़ (लगभग 1435-1482) के काम के लिए खाते हैं, जिनका जीवन मुख्य रूप से गेन्ट में गुजरा। पोर्टिनारी वेदी (ग्राहकों के नाम पर) की छवियों में आकार और स्मारक में उनकी भव्यता का केंद्रीय दृश्य शिशु की पूजा का दृश्य है। कलाकार चरवाहों और स्वर्गदूतों के भावनात्मक आघात को व्यक्त करता है, जिनके चेहरे के भाव बताते हैं कि वे घटना के सही अर्थ का अनुमान लगाते हैं। मैरी की शोकाकुल और कोमल उपस्थिति, लगभग शारीरिक रूप से बच्चे की आकृति के आस-पास के खालीपन और उसकी ओर झुकी हुई माँ द्वारा महसूस की गई, जो हो रहा है उसकी असामान्यता के मूड पर और भी अधिक जोर दिया। साइड पैनल पर, उनके संरक्षक संतों के साथ ग्राहकों का प्रतिनिधित्व किया जाता है: बाईं ओर - पुरुष आधा, अधिक सघन रूप से लिखा गया, सांख्यिकीय रूप से, अधिक स्पष्ट रूप से चित्रित; दाईं ओर - एक महिला, नग्न, पारदर्शी पेड़ों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, वातावरण में, जैसे कि हवा से संतृप्त थी। ह्यूगो वैन डेर गोज़ की पेंटिंग का फ्लोरेंटाइन क्वाट्रोसेंटो पर एक निश्चित प्रभाव था। हस के बाद के कामों ने खुद कलाकार की दर्दनाक स्थिति ("मैरी की मृत्यु") को दर्शाते हुए, दुनिया के साथ असंगति, भ्रम, मानसिक टूटना, त्रासदी, असंगति की विशेषताओं को प्राप्त किया।

मैं बॉश। प्रसन्नता का बगीचा। त्रिपिटक का टुकड़ा। मैड्रिड, प्राडोस

हैंस मेमलिंग (1433-1494) का काम, जिन्होंने मैडोनास की गीतात्मक छवियों के साथ खुद को गौरवान्वित किया, ब्रुग्स शहर के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। मेमलिंग रोजियर वैन डेर वेयडेन के छात्र थे, लेकिन उनके काम में शिक्षक के लेखन की कठोरता और उनकी विशेषताओं की निर्ममता पूरी तरह से अनुपस्थित है। मेमलिंग की रचनाएँ स्पष्ट और मापी हुई हैं, चित्र काव्यात्मक और कोमल हैं। उदात्त हर रोज के साथ हो जाता है। मेमलिंग की सबसे विशिष्ट कृतियों में से एक सेंट जॉर्ज का अवशेष है। उर्सुला (लगभग 1489), जिसकी सुरम्य छवियों में वैन आइक का चिंतन जीवन-प्राकृतिक में रुचि के साथ सह-अस्तित्व में है, जो कि बर्गर की प्रवृत्ति को मजबूत करने की गवाही देता है डच कला.

15वीं-16वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में नीदरलैंड का सामाजिक जीवन। तीव्र सामाजिक अंतर्विरोधों और संघर्षों से भरा हुआ था। इन स्थितियों में, हिरेमोनस बॉश (1450-1516) की जटिल कला का जन्म हुआ, जो अंधेरे रहस्यमय दृष्टि के निर्माता थे, जिसमें वह मध्ययुगीन रूपक और जीवित ठोस वास्तविकता दोनों की ओर मुड़ते हैं। डेमोनोलॉजी बॉश के स्वस्थ लोक हास्य, प्रकृति की एक सूक्ष्म भावना के साथ सह-अस्तित्व में है - लोगों के चित्रण ("मूर्खों का जहाज") में मानव दोषों और निर्दयी विचित्र के ठंडे विश्लेषण के साथ। वेदी में, वह डच कहावत की व्याख्या कर सकता है, जो दुनिया की तुलना एक घास के ढेर से करती है, जहां से हर कोई उतना ही छीन लेता है, जितना वह हड़प सकता है। सबसे महत्वाकांक्षी कार्यों में से एक - "द गार्डन ऑफ प्लेजर" - बॉश लोगों के पापी जीवन की एक सचित्र छवि बनाता है। बॉश की फंतासी जीवों को विभिन्न जानवरों के रूपों या जीवित रूपों और अकार्बनिक दुनिया की वस्तुओं के संयोजन से बनाती है, और इस सब के साथ इसे संरक्षित किया जाता है उत्सुक भावनावास्तविकता, कलाकार के दुखद विश्वदृष्टि के साथ, किसी प्रकार की सार्वभौमिक तबाही की प्रस्तुति। स्वर्गीय बॉश (सेंट एंथोनी) के कार्यों में, अकेलेपन का विषय तेज हो गया है। बॉश का काम नीदरलैंड की महान कला के पहले चरण को समाप्त करता है - 15 वीं शताब्दी, "खोजों, अंतर्दृष्टि, निराशाओं और शानदार खोजों का समय।" नीदरलैंड की कला में 15वीं और 16वीं शताब्दी के बीच की सीमा रेखा इटली में क्वाट्रोसेंटो और उच्च पुनर्जागरण के बीच की तुलना में कहीं अधिक ध्यान देने योग्य है, जो पिछली अवधि की कला का एक जैविक, तार्किक परिणाम था। XVI सदी के नीदरलैंड की कला। अधिक से अधिक मध्ययुगीन परंपराओं का उपयोग करने से इनकार करते हैं, जिन पर पिछली शताब्दी के कलाकार काफी हद तक निर्भर थे।

डच पुनर्जागरण का शिखर निस्संदेह पीटर ब्रूगल द एल्डर का काम था, जिसका नाम किसान (1525 / 30-1569) रखा गया था। उन्होंने एंटवर्प में अध्ययन किया, जो XVI सदी में था। ब्रुग्स को ग्रहण करते हुए न केवल एक वाणिज्यिक और आर्थिक, बल्कि नीदरलैंड का एक सांस्कृतिक केंद्र भी बन गया। ब्रूगल ने इटली की यात्रा की, वह डच बुद्धिजीवियों के सबसे उन्नत हलकों के करीब था। ब्रूगल के शुरुआती काम में, बॉश का प्रभाव ध्यान देने योग्य है ("द किचन ऑफ द लीन", "द किचन ऑफ द फैट" - उनकी कास्टिक विडंबना, उत्सुक अवलोकन और स्पष्ट निर्णय में)। एक स्वतंत्र शैली के रूप में डच चित्रकला में परिदृश्य की अंतिम रचना ब्रूगल के नाम से जुड़ी है। एक लैंडस्केप पेंटर के रूप में उनका विकास (पेंटिंग और ग्राफिक्स दोनों में) एक लैंडस्केप-पैनोरमा से पता लगाया जा सकता है, जो दुनिया की अनंतता और भव्यता को अधिक सामान्यीकृत, संक्षिप्त, दार्शनिक परिदृश्य में दिखाने के प्रयास में छोटे विवरणों को पकड़ता है। "सीज़न्स" चक्र से "विंटर लैंडस्केप" (दूसरा नाम "हंटर्स इन द स्नो", 1565) ने वंशजों के बीच विशेष प्रसिद्धि अर्जित की है: प्रकृति में एक सूक्ष्म पैठ, गीतवाद और सताती उदासी पेड़ों के इन गहरे भूरे रंग के सिल्हूट से निकलती है, सफेद बर्फ और दूर से घटती पहाड़ियों की पृष्ठभूमि के खिलाफ शिकारियों और कुत्तों के आंकड़े, बर्फ पर लोगों के छोटे आंकड़े और एक उड़ते हुए पक्षी से, इस काल में अशुभ प्रतीत होता है, लगभग प्रत्यक्ष रूप से बजता हुआ सन्नाटा।

पी। ब्रूगल मुज़ित्स्की। सर्दी (हिम में शिकारी)। वियना, कुन्थिस्टोरिसचेस संग्रहालय

शैली की पेंटिंग में, ब्रूगल उसी तरह के विकास से गुजरता है जैसे कि लैंडस्केप पेंटिंग में। "द बैटल ऑफ़ कार्निवाल एंड लेंट" (1559) में, वह लोगों की बहुलता के माध्यम से दुनिया की विशालता को व्यक्त करता है: वर्ग ममर्स, रेवेलर्स, भिखारियों, व्यापारियों से भरा हुआ है। उनकी बाद की रचनाएँ - गाँव के त्योहार, मेले, नृत्य - मुख्य चीज़ के सख्त चयन पर बने हैं, वे एक रंगीन जगह में अभिन्न हैं। ये सजावटी, हंसमुख, लोक-रक्त, संक्रामक रूप से हंसमुख रचनाएं रोजमर्रा की किसान शैली ("किसान नृत्य", 1565) के जन्म की गवाही देती हैं।

60 के दशक की शुरुआत में, ब्रूगल ने अभिव्यक्ति के मामले में बॉश के सभी फैंटमगोरिया को पार करते हुए कई दुखद काम किए। अलंकारिक भाषा में, ब्रूगल ने पूरे देश में आधुनिक जीवन की त्रासदी को व्यक्त किया, जिसमें स्पेनिश उत्पीड़कों के अत्याचार अपने उच्चतम बिंदु पर पहुंच गए। उन्होंने धार्मिक विषयों की ओर रुख किया, उनमें सामयिक घटनाओं का खुलासा किया। इस प्रकार, "बेथलहम में शिशुओं का नरसंहार" (1566) एक डच गांव में स्पेनियों द्वारा किए गए नरसंहार की एक तस्वीर है। सैनिकों को स्पेनिश कपड़ों में भी चित्रित किया गया है। धार्मिक कथानक दोहरा अर्थ लेता है और और भी दुखद हो जाता है। ब्रूगल की आखिरी कृतियों में से एक पेंटिंग "द ब्लाइंड" (1568) थी। भाग्य से बर्बाद पांच भयानक अपंग, समझ में नहीं आ रहा है कि उनके साथ क्या हो रहा है, ठोकर खाने वाले नेता के बाद खड्ड में उड़ जाते हैं। उनमें से केवल एक ही दर्शक का सामना कर रहा है: खाली आंखें, उसके मुंह की एक भयानक मुस्कान हमें देख रही है। एक चर्च, सुनसान पहाड़ियों और हरे पेड़ों के साथ शांत, शांत परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ ये मानव मुखौटे और भी डरावने लगते हैं। "अंधे" निस्संदेह है प्रतीकात्मक अर्थ... प्रकृति शाश्वत है, क्योंकि संसार शाश्वत है, और अंधों का मार्ग सभी लोगों का जीवन पथ है। स्टील ग्रे टोन पेंटिंग . के साथ बकाइन रंगनिराशा की स्थिति को बढ़ाता है। यह उन कार्यों में से एक है जिसमें कलाकार ने अपने दुखद दृष्टिकोण और अपने समय की भावना दोनों को व्यक्त किया। ब्रूगल की मृत्यु जल्दी हो गई। लेकिन वह अपनी कला में पिछली अवधि की डच पेंटिंग की उपलब्धियों पर ध्यान केंद्रित करने में कामयाब रहे। XVI सदी के अंतिम दशकों में। इसमें अब एक भी कलाकार नहीं था जो किसी भी तरह से इस गुरु के बराबर था। अपनी स्वतंत्रता के लिए डचों का वीर संघर्ष, जो ब्रूगल के जीवनकाल के दौरान शुरू हुआ, केवल अगली शताब्दी में समाप्त हुआ, जब नीदरलैंड को दो भागों में विभाजित किया गया था, और डच कला - क्रमशः, दो स्कूलों में: फ्लेमिश और डच।

पी। ब्रूगल मुज़ित्स्की। अंधा। नेपल्स, कैपोडिमोन्टे संग्रहालय

डच पुनर्जागरण में, एक इतालवीकरण आंदोलन भी था, तथाकथित रोमनवाद। इस दिशा के कलाकारों ने (जब भी संभव हो) रोमन स्कूल की परंपराओं का पालन किया और सबसे बढ़कर, राफेल। जे। गोसार्ट, पी। कुक वैन आल्स्ट, जे। कोरेल, एफ। फ्लोरिस और अन्य जैसे उस्तादों के कार्यों में, इतालवी प्लास्टिसिटी के रूपों के लिए आदर्शीकरण के प्रयास को आश्चर्यजनक रूप से विवरण के लिए विशुद्ध रूप से डच प्रेम के साथ जोड़ा गया था, कथा और प्रकृतिवाद। जैसा कि ठीक ही कहा गया है (वी। व्लासोव), केवल रूबेन्स की प्रतिभा ही डच उपन्यासकारों की नकल को दूर कर सकती थी - पहले से ही 17 वीं शताब्दी में।

XIV-XV सदियों के मोड़ पर। जर्मनी पिछली अवधियों की तुलना में और भी अधिक खंडित था, जिसने उसकी सामंती नींव की जीवन शक्ति में योगदान दिया।

जर्मन शहरों का विकास नीदरलैंड के संबंध में भी पिछड़ गया, और जर्मन पुनर्जागरण ने पूरी शताब्दी के बाद इतालवी की तुलना में आकार लिया। 15वीं सदी के कई कलाकारों के काम के उदाहरण पर। आप पता लगा सकते हैं कि जर्मनी में पुनर्जागरण ने कैसे आकार लिया: यह कोनराड विट्ज़, माइकल पाचर, फिर मार्टिन शोंगौएर हैं। उनकी वेदी छवियों में, कथात्मक तत्व दिखाई देते हैं, एक धार्मिक भूखंड पर मानवीय भावनाओं को प्रकट करने की इच्छा (उसी नाम के शहर में सेंट वोल्फगैंग के चर्च में सेंट वोल्फगैंग एम। पचेर की वेदी, 1481)। लेकिन अंतरिक्ष की समझ, सुनहरी पृष्ठभूमि का परिचय, चित्र का विखंडन, टूटने वाली रेखाओं की बेचैन लय ("आध्यात्मिक हवा", एक शोधकर्ता की मजाकिया टिप्पणी के अनुसार), साथ ही साथ मुख्य और मध्यकालीन परंपरा के साथ संबंध। "डीप रिलिजियोसिटी" (जी. वोल्फलिन का शब्द), जिसने जर्मनों को सुधार के लिए प्रेरित किया, कला पर बहुत प्रभाव पड़ा। दैवीय सद्भाव और अनुग्रह का विचार पूरी दुनिया में फैल गया है, जैसे कि कलाकार के ब्रश से निकलने वाली हर वस्तु, घास की एक-एक ब्लेड पर। और यहां तक ​​​​कि ड्यूरर में, जैसा कि हम नीचे देखेंगे, सबसे "इतालवी" जर्मन चित्रकार, एक आदर्श, सुंदर छवि बनाने की उनकी इच्छा प्राकृतिक विवरणों और रूपों की गॉथिक अभिव्यक्ति के लिए गुरुत्वाकर्षण के साथ सह-अस्तित्व में है।

जर्मनी के लिए 16वीं शताब्दी की शुरुआत रियासत और रोमन कैथोलिक धर्म के खिलाफ किसानों, शिष्टता और बर्गर के एक शक्तिशाली आंदोलन से होती है। 1517 में भोगों की बिक्री के खिलाफ जर्मन सुधार के भविष्य के प्रमुख मार्टिन लूथर के सिद्धांतों का "एक आग लगाने वाला प्रभाव था, जैसे बारूद की एक बैरल में बिजली की हड़ताल।" जर्मनी में आंदोलन को पहले ही 1525 तक हार का सामना करना पड़ा था, लेकिन किसान युद्ध का समय जर्मन मानवतावाद, धर्मनिरपेक्ष विज्ञान और जर्मन संस्कृति के उच्च आध्यात्मिक उत्थान और उत्कर्ष का काल था। जर्मन पुनर्जागरण के महानतम कलाकार अल्ब्रेक्ट ड्यूरर (1471-1528) का काम इस समय के साथ मेल खाता है।

ड्यूरर के काम में, कई जर्मन आकाओं की खोजों, जैसा कि यह था, विलय हो गया: प्रकृति, मनुष्य, अंतरिक्ष में वस्तुओं के संबंध की समस्या, एक परिदृश्य में एक मानव आकृति का अस्तित्व, एक स्थानिक वातावरण में। बहुमुखी प्रतिभा से, अपनी प्रतिभा के पैमाने से, वास्तविकता की धारणा की चौड़ाई से, ड्यूरर उच्च पुनर्जागरण का एक विशिष्ट कलाकार है (हालांकि उत्तरी पुनर्जागरण की कला के लिए इस तरह की अवधि का शायद ही कभी उपयोग किया जाता है)। वह एक चित्रकार, एक उत्कीर्णक, एक गणितज्ञ, एक एनाटोमिस्ट, एक परिप्रेक्ष्यवादी और एक इंजीनियर था। उन्होंने दो बार इटली की यात्रा की, एक बार नीदरलैंड की, और अपने मूल देश की यात्रा की। उनकी विरासत लगभग 80 चित्रफलक कार्यों, दो सौ से अधिक नक्काशी, 1000 से अधिक चित्र, मूर्तियां और पांडुलिपियों से बनी है। ड्यूरर पुनर्जागरण के सबसे महान मानवतावादी थे, लेकिन एक व्यक्ति का उनका आदर्श इटली से अलग है। ड्यूरर की गहरी राष्ट्रीय छवियां ताकत से भरी हैं, लेकिन यह भी संदेह है, कभी-कभी कठिन विचार, उनमें राफेल या लियोनार्डो के स्पष्ट सामंजस्य का अभाव है। कलात्मक भाषा जटिल, रूपक है।

ड्यूरर का जन्म नूर्नबर्ग में सुनारों के परिवार में हुआ था, जो उनके पहले शिक्षक थे। फिर, कलाकार वोल्गेमुट के साथ, वह लगातार शिल्प और कला शिक्षा के सभी चरणों से गुज़रे, जो मध्य युग के अंत की विशेषता थी। ड्यूरर के पास एक रचनात्मक वातावरण नहीं था जैसा कि मासासिओ, डोनाटेलो, पिएरो डेला फ्रांसेस्का या घिरलैंडियो के पास था। वह एक कलात्मक माहौल में पले-बढ़े जहां मध्ययुगीन परंपराएं जीवित थीं, और कला को भोले प्रकृतिवाद, रूप के विस्तृत प्रसंस्करण और चमकीले रंगों की विशेषता थी। पहले से ही 1490 में ड्यूरर ने वोल्गेमट को छोड़ दिया और एक स्वतंत्र रचनात्मक जीवन शुरू किया। वह जर्मनी, स्विट्ज़रलैंड में बहुत यात्रा करता है, लकड़ी और तांबे दोनों पर उत्कीर्णन में संलग्न होता है, और जल्द ही यूरोप में सबसे बड़े उत्कीर्णकों में से एक बन जाता है। उनके ग्राफिक कार्यों में मृत्यु एक लगातार विषय है। ड्यूरर एक दार्शनिक हैं, लेकिन उनका दर्शन इतालवी पुनर्जागरण के सहज उत्साह और हर्षित आशावाद से रहित है। 90 के दशक के मध्य में, ड्यूरर पहली बार प्राचीन स्मारकों का अध्ययन करने के लिए इटली, वेनिस गए। समकालीन कलाकारों में से, मंतेग्ना ने अपने स्पष्ट चित्र, सटीक अनुपात और उनके दुखद रवैये के साथ उन पर सबसे अधिक प्रभाव डाला है। 90 के दशक के उत्तरार्ध में, ड्यूरर ने एपोकैलिप्स के विषयों पर लकड़ियों की एक श्रृंखला का प्रदर्शन किया, जिसमें मध्ययुगीन छवियों को आधुनिकता से प्रेरित घटनाओं के साथ जोड़ा जाता है; थोड़ी देर बाद वह छोटे और बड़े (बोर्डों के आकार के अनुसार) "द पैशन ऑफ क्राइस्ट" और कई सुरम्य स्व-चित्र बनाता है। ड्यूरर जर्मनी में परिप्रेक्ष्य, शरीर रचना और अनुपात की समस्याओं को फलदायी रूप से विकसित करने वाले पहले व्यक्ति थे।

ए ड्यूरर। आत्म चित्र। म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेके

ड्यूरर के स्व-चित्र दिखाते हैं कि कैसे, संकीर्ण रूप से विशिष्ट (1493 का चित्र) को ठीक करने से, वह एक अधिक अभिन्न, पूर्ण-रक्त की छवि बनाने के लिए जाता है, जिसे इतालवी छापों (1498) के प्रभाव में स्पष्ट रूप से निष्पादित किया जाता है, और एक छवि पर आता है दार्शनिक ध्यान, उच्च बुद्धि, आंतरिक चिंता से भरा, इतिहास के उस दुखद काल (1500) के जर्मनी के सोच वाले लोगों की विशेषता।

1505 में, ड्यूरर फिर से वेनिस गए, जहां उन्होंने वेनेटियन के स्वाद की प्रशंसा की: जियानबेलिनो, टिटियन, जियोर्जियोन। "और जो मुझे 11 साल पहले पसंद था, वह मुझे बिल्कुल भी पसंद नहीं है," वह अपनी डायरी में लिखते हैं।

ए ड्यूरर। अपने सेल में सेंट जेरोम। तांबे की नक्काशी

एम ग्रुनेवाल्ड। कलवारी। इसेनहेम वेदी के मध्य भाग का टुकड़ा। कोलमार संग्रहालय

पेंटिंग "द फ़ेस्ट ऑफ़ द रोज़री" (दूसरा नाम - "मैडोना ऑफ़ द रोज़री", 1506) में, बहु-आंकड़ा रचना के कुछ अधिभार के साथ, रंग पूरी तरह से वेनेटियन के प्रभाव से प्रभावित था।

अपने घर लौटने पर, ड्यूरर ने निस्संदेह इतालवी कला के प्रभाव में "एडम" और "ईव" (1507) लिखा, जिसमें उन्होंने मानव शरीर की सुंदरता और सद्भाव की अपनी राष्ट्रीय समझ व्यक्त की। लेकिन शास्त्रीय सिद्धांत का सीधा पालन ड्यूरर का मार्ग नहीं है। उन्हें अधिक तीव्रता से व्यक्तिगत, नाटकीय छवियों की विशेषता है।

ड्यूरर के तीन सबसे प्रसिद्ध उत्कीर्णन 10 के दशक के मध्य के हैं: द हॉर्समैन, डेथ एंड द डेविल, 1513; "अनुसूचित जनजाति। जेरोम "और" मेलानचोली ", 1514 (छेनी, तांबे की नक्काशी)। उनमें से पहला एक घुड़सवार को लगातार आगे बढ़ते हुए दर्शाता है, इस तथ्य के बावजूद कि मौत और शैतान उसे लुभाते और डराते हैं; दूसरे में, सेंट। जेरोम। अग्रभूमि में एक शेर है, ठीक उसी तरह जैसे एक अच्छा बूढ़ा कुत्ता लेटा हुआ है। इन उत्कीर्णन के बारे में शोध के खंड लिखे गए हैं। उन्हें अलग-अलग व्याख्याएं दी गईं: उन्हें शिष्टता, पादरी, बर्गर और सेंट की छवि में स्थिति को प्रतिबिंबित करने के प्रयास के रूप में देखा गया। जेरोम को एक मानवतावादी लेखक, नए पुनर्जागरण युग के वैज्ञानिक के रूप में देखा जाता था। तीसरा उत्कीर्णन "उदासीनता" है। मध्ययुगीन विज्ञान और कीमिया की विशेषताओं से घिरी एक पंख वाली महिला: एक घंटे का चश्मा, शिल्प उपकरण, तराजू, एक घंटी, एक "जादू वर्ग", एक बल्ला, आदि - अंधेरे चिंता, त्रासदी, अवसाद, विजय में अविश्वास से भरा है कारण और ज्ञान की शक्ति, रहस्यमय मनोदशाओं से प्रेरित, निस्संदेह, सामान्य मनोदशा, पूरे वातावरण की विशेषता जिसमें कलाकार की मातृभूमि सुधार और किसान युद्धों की पूर्व संध्या पर रहती थी।

1920 के दशक में, ड्यूरर ने नीदरलैंड की यात्रा की, वह जेन वैन आइक, रोजियर वैन डेर वेयडेन द्वारा पेंटिंग के जादू के तहत था, लेकिन अपने तरीके से चला गया, केवल अपनी अंतर्निहित शैली विकसित कर रहा था। इस अवधि के दौरान, उन्होंने जर्मन बुद्धिजीवियों के आत्मा प्रतिनिधियों में अपने निकटतम के अपने सबसे अच्छे चित्रों को चित्रित किया: कलाकार वैन ओर्ले, रॉटरडैम के इरास्मस का ग्राफिक चित्र - चित्र मनोवैज्ञानिक रूप से अभिव्यंजक और पीछा-लैकोनिक रूप में हैं। ड्यूरर की आलंकारिक भाषा में, सभी विखंडन, रंगीन विविधता और रैखिक कठोरता गायब हो जाती है। चित्र रचना में अभिन्न हैं, प्लास्टिक रूप में। उच्च आध्यात्मिकता, मन की सच्ची शक्ति प्रत्येक व्यक्ति को अलग करती है। इस प्रकार कलाकार आदर्श शुरुआत को ठोस व्यक्ति से जोड़ता है।

1526 में उन्होंने अपनी आखिरी पेंटिंग - "द फोर एपोस्टल्स", रूप और उद्देश्य में चित्रफलक बनाया, लेकिन छवियों की महिमा में वास्तव में स्मारकीय है। कुछ शोधकर्ताओं ने उनमें चार पात्रों, चार स्वभावों की छवि देखी। ड्यूरर ने प्रेरितों के विहित प्रकारों को एक गहरी व्यक्तिगत विशेषता दी, उन्हें सिंथेटिक्स, सामान्यीकरण के एक ही समय में वंचित किए बिना, जो हमेशा उच्च पुनर्जागरण के कार्यों में से एक रहा है। काम दो बोर्डों पर लिखा गया है, बाईं ओर अग्रभूमि में, ड्यूरर ने पीटर को आगे रखा, विशेष रूप से कैथोलिक चर्च द्वारा सम्मानित नहीं, और जॉन - प्रेरित-दार्शनिक, स्वयं ड्यूरर के विश्वदृष्टि के सबसे करीब। प्रेरितों में, उनके विभिन्न पात्रों में, उन्होंने पूरी मानवता का मूल्यांकन किया, मानव ज्ञान की घोषणा की, आत्मा और नैतिकता की ऊंचाई। इस काम में, ड्यूरर ने आशा व्यक्त की कि भविष्य मानवता, मानवतावादियों के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधियों का है, जो लोगों का नेतृत्व करने में सक्षम हैं।

पुनर्जागरण युग के एक सच्चे प्रतिनिधि के रूप में, कई इतालवी कलाकारों की तरह, ड्यूरर ने महत्वपूर्ण सैद्धांतिक कार्यों को पीछे छोड़ दिया: अनुपात और परिप्रेक्ष्य पर एक ग्रंथ "माप के लिए एक गाइड", "मानव शरीर के अनुपात का सिद्धांत", "मजबूती पर" और शहरों की सुरक्षा।"

ड्यूरर निस्संदेह जर्मन पुनर्जागरण के सबसे गहरे और सबसे महत्वपूर्ण गुरु थे। कार्यों और निर्देशन में उनके सबसे करीब हैंस बाल्डुंग ग्रीन, सबसे दूर, सीधे विपरीत मैथियास ग्रुनेवाल्ड (1457? -1530?) कोलमार शहर के चर्चों में से एक के लिए, एक ऐसा काम जिसमें रहस्यवाद और उत्कर्ष आश्चर्यजनक रूप से उल्लेखनीय यथार्थवादी विवरणों के साथ संयुक्त हैं। ग्रुएनवाल्ड के काम की घबराहट और अभिव्यक्ति मुख्य रूप से इसके अद्भुत रंग, असामान्य रूप से बोल्ड के कारण होती है, जिसकी तुलना में ड्यूरर के रंग समाधान कठोर, ठंडे और तर्कसंगत लगते हैं। "कलवारी" में - वेदी का मध्य भाग - कलाकार लगभग स्वाभाविक रूप से उद्धारकर्ता के हाथों और पैरों को तंग, खून बहने वाले घावों और उसके चेहरे पर मौत के झोंके को दर्शाता है। मरियम, यूहन्ना, मगदलीनी के कष्टों को उन्माद की ओर धकेल दिया गया। अपनी चमक के साथ गॉथिक सना हुआ ग्लास खिड़कियों जैसा रंग के साथ, कपड़े के दाग ढाले जाते हैं, मसीह के शरीर के माध्यम से बहने वाला रक्त, एक अवास्तविक, रहस्यमय प्रकाश बनाया जाता है, सभी आंकड़ों को अभौतिक रूप से, रहस्यमय मनोदशा को बढ़ाता है।

हैंस होल्बीन द यंगर (1497-1543), जो अन्य जर्मन चित्रकारों की तुलना में मध्ययुगीन परंपरा से कम जुड़े थे, ने धार्मिक चित्रकला का लगभग बिल्कुल भी अध्ययन नहीं किया। होल्बीन के काम का सबसे मजबूत हिस्सा चित्र हैं, जो हमेशा जीवन से चित्रित होते हैं, तेज-तर्रार, कभी-कभी उनके चरित्र चित्रण में निर्दयी, ठंडे-शांत, लेकिन रंग के संदर्भ में परिष्कृत होते हैं। प्रारंभिक काल में, चित्र अधिक "सजावटी" थे, औपचारिक (बर्गोमास्टर मेयर का चित्र, बरगोमास्टर मेयर की पत्नी का चित्र, 1516), बाद की अवधि में - रचना में सरल। छवि के लगभग पूरे तल को भरने वाला चेहरा विश्लेषणात्मक शीतलता की विशेषता है। होल्बिन ने अपने जीवन के अंतिम वर्ष इंग्लैंड में हेनरी VIII के दरबार में बिताए, जहाँ वे एक दरबारी चित्रकार थे और जहाँ उन्होंने अपने सर्वश्रेष्ठ चित्रों को चित्रित किया (थॉमस मोर का चित्र, 1527; सर मोरेटा डी सोलियर का चित्र, 1534-1535; चित्र हेनरी VIII, 1536; जेन सीमोर का चित्र, 1536, आदि)। होल्बिन के जलरंग, चारकोल और पेंसिल के चित्र कौशल में शानदार हैं। उस समय के सबसे बड़े ग्राफिक कलाकार, उन्होंने उत्कीर्णन में बड़े पैमाने पर काम किया। विशेष रूप से प्रसिद्ध उनकी वुडकट्स की श्रृंखला "द ट्रायम्फ ऑफ डेथ" ("डांस ऑफ डेथ") है। होल्बिन का काम न केवल जर्मनी के लिए महत्वपूर्ण है, इसने पेंटिंग के अंग्रेजी चित्र विद्यालय के निर्माण में बहुत महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।

परिदृश्य के क्षेत्र में सर्वश्रेष्ठ ड्यूरर परंपराओं के उत्तराधिकारी तथाकथित डेन्यूब स्कूल अल्ब्रेक्ट अल्डॉर्फर (1480-1538) के कलाकार थे, जो एक असामान्य रूप से सूक्ष्म और गीतात्मक मास्टर थे, जिनके काम में परिदृश्य एक स्वतंत्र शैली के रूप में विकसित हुआ। जर्मन पुनर्जागरण के अंतिम कलाकार, लुकास क्रानाच (1472-1553), प्रकृति की भावना के साथ अल्दोर्फ़र के करीब हैं, जो उनके धार्मिक चित्रों में हमेशा मौजूद रहता है। क्रैनाच ने व्यापक लोकप्रियता प्राप्त की, सक्सोनी के निर्वाचक के दरबार में आमंत्रित किया गया, एक व्यापक कार्यशाला और कई छात्र थे, यही वजह है कि महल-महलों (गोथा, ईसेनच, आदि) में सैक्सोनी और थुरिंगिया के छोटे संग्रहालयों में। आज तक क्रैनाच सर्कल के कई काम हैं जिनमें से कलाकार के कार्यों को खुद को अलग करना हमेशा संभव नहीं होता है। लुकास क्रैनाच ने मुख्य रूप से धार्मिक विषयों पर लिखा है, उनके तरीके में सज्जनता और गीतकारिता की विशेषता है, उनके मैडोनास एक आदर्श सुंदर व्यक्ति के पुनर्जागरण सपने को साकार करने की इच्छा को दर्शाते हैं। लेकिन लम्बी आकृतियों के फ्रैक्चर में, उनकी विशेष नाजुकता में, लेखन के एक विशेष सुंदर तरीके से, जर्मन पुनर्जागरण के अंत की गवाही देते हुए, मैनरिज़्म की विशेषताओं को पहले से ही रेखांकित किया गया है।

सौ साल के युद्ध के दौरान भी, फ्रांसीसी राष्ट्र के गठन की प्रक्रिया, फ्रांसीसी राष्ट्रीय राज्य के उद्भव की प्रक्रिया शुरू हुई। देश का राजनीतिक एकीकरण मुख्य रूप से लुई इलेवन के अधीन पूरा हुआ। 15वीं शताब्दी के मध्य तक। फ्रांसीसी पुनर्जागरण की शुरुआत, प्रारंभिक अवस्था में अभी भी गोथिक कला के साथ निकटता से जुड़ी हुई है। इटली में फ्रांसीसी राजाओं के अभियान शुरू किए गए फ्रेंच कलाकारइतालवी कला के साथ, और 15वीं शताब्दी के अंत से। गॉथिक परंपरा के साथ एक निर्णायक विराम शुरू होता है, इतालवी कला को अपने स्वयं के राष्ट्रीय लक्ष्यों के संबंध में पुनर्विचार किया जाता है। फ्रांसीसी पुनर्जागरण ने एक दरबारी संस्कृति के चरित्र को जन्म दिया। (लोकप्रिय चरित्र सबसे अधिक फ्रांसीसी पुनर्जागरण साहित्य में प्रकट हुआ था, मुख्य रूप से फ्रांकोइस रबेलैस के काम में, उनकी पूर्ण-रक्त वाली कल्पना, विशिष्ट गैलिक बुद्धि और प्रफुल्लता के साथ।)

जैसा कि डच कला में, यथार्थवादी प्रवृत्तियों को मुख्य रूप से धार्मिक और धर्मनिरपेक्ष दोनों पुस्तकों के लघु चित्रों में देखा जाता है। फ्रांसीसी पुनर्जागरण का पहला प्रमुख चित्रकार जीन फौक्वेट (लगभग 1420-1481), चार्ल्स VII और लुई इलेवन के दरबारी चित्रकार थे। दोनों चित्रों में (चार्ल्स VII का चित्र, लगभग 1445), और धार्मिक रचनाओं (मेलेन से डिप्टीच) में, चित्र की व्याख्या में पेंटिंग की संपूर्णता को स्मारकीयता के साथ जोड़ा जाता है। यह स्मारक रूपों के उत्कीर्णन, सिल्हूट के अलगाव और अखंडता, स्थिर मुद्रा और रंग की संक्षिप्तता द्वारा बनाया गया है। वास्तव में, मेलेन डिप्टीच की मैडोना को केवल दो रंगों में चित्रित किया गया था - चमकदार लाल और नीला - (उसके लिए मॉडल चार्ल्स VII का प्रिय था - मध्ययुगीन कला में असंभव तथ्य)। एक ही रचनात्मक स्पष्टता और ड्राइंग की सटीकता, रंग की सोनोरिटी फाउक्वेट द्वारा कई लघुचित्रों की विशेषता है (Boccaccio। "जे। फाउक्वेट का जीवन। चार्ल्स VII का पोर्ट्रेट। टुकड़ा, प्रसिद्ध पुरुषऔर महिलाएं ”, पेरिस, लौवर 1458 के आसपास)। पांडुलिपियों के क्षेत्र आधुनिक फाउक्वेट भीड़ की छवि से भरे हुए हैं, उनके मूल टौरेन के परिदृश्य।

जे फाउक्वेट। चार्ल्स VII का पोर्ट्रेट। टुकड़ा। पेरिस, लौवर

पुनर्जागरण प्लास्टिक कला के पहले चरण, टूर्स के शहर, फाउक्वेट की मातृभूमि से भी जुड़े हुए हैं। मिशेल कोलंबस (1430 / 31-1512) द्वारा राहत में प्राचीन और पुनर्जागरण रूपांकनों दिखाई देते हैं। उनकी कब्रों को मृत्यु की एक बुद्धिमान स्वीकृति से अलग किया जाता है, पुरातन और शास्त्रीय प्राचीन स्टेल (ब्रेटन के ड्यूक फ्रांसिस द्वितीय और उनकी पत्नी मार्गुराइट डी फॉक्स, 1502-1507, नैनटेस, कैथेड्रल) की मनोदशा के अनुरूप।

16वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद से, फ्रांस पश्चिमी यूरोप में सबसे बड़ा निरंकुश राज्य रहा है। कोर्ट संस्कृति का केंद्र बन गया, विशेष रूप से फ्रांसिस I, एक कला पारखी, लियोनार्डो के संरक्षक के तहत। नवरे के राजा की बहन मार्गरेट द्वारा आमंत्रित इतालवी तरीकेवादी रोसो और प्राइमेटिकियो, फॉनटेनब्लियू स्कूल के संस्थापक थे ("फॉन्टेनब्लियू नया रोम है," वसारी लिखते हैं)। फॉनटेनब्लियू में महल, लॉयर और चेर नदियों (ब्लोइस, चंबर्ड, चेनोनसेउ) के साथ कई महल, पुराने लौवर महल (वास्तुकार पियरे लेसकॉट और मूर्तिकार जीन गौजोन) का पुनर्निर्माण गोथिक परंपरा से मुक्ति का पहला सबूत है। वास्तुकला में पुनर्जागरण रूपों का उपयोग (लौवर में इसे पहली बार प्राचीन आदेश प्रणाली का उपयोग किया गया था)। और यद्यपि लॉयर पर महल अभी भी उनके विवरण (खाई, डोनजोन, ड्रॉब्रिज) में मध्ययुगीन लोगों के समान हैं, उनकी आंतरिक सजावट पुनर्जागरण है, यहां तक ​​​​कि मैन्युरिस्टिक भी। फोंटेब्लो महल, अपने चित्रों, सजावटी मोल्डिंग और गोल मूर्तिकला के साथ, इतालवी संस्कृति की जीत का प्रमाण है, साजिश में प्राचीन और आत्मा में विशुद्ध रूप से गैलिक।

जे क्लोएट। फ्रांसिस आई. पेरिस, लौवर का पोर्ट्रेट

16वीं शताब्दी फ्रांसीसी चित्र के शानदार सुनहरे दिनों का समय है, दोनों सचित्र और पेंसिल (इतालवी पेंसिल, संगीन, जल रंग)। इस शैली में, चित्रकार जीन क्लोएट (लगभग 1485/88-1541), फ्रांसिस प्रथम के दरबारी चित्रकार, जिनके दल के साथ-साथ स्वयं राजा, जिसे उन्होंने अमर कर दिया, उनकी पोर्ट्रेट गैलरी में विशेष रूप से प्रसिद्ध थे। आकार में छोटा, ध्यान से चित्रित, क्लोएट के चित्र, फिर भी, चरित्र-चित्रण में बहुआयामी, औपचारिक रूप में आभास देते हैं। उनके बेटे फ्रांकोइस क्लौएट (लगभग 1516-1572), 16वीं शताब्दी में फ्रांस के सबसे बड़े कलाकार, मॉडल में सबसे महत्वपूर्ण चीज को नोटिस करने की क्षमता में और भी आगे बढ़ गए, बिना इसे खराब किए और इसकी जटिलता को बनाए रखा। क्लॉएट के रंग उनकी तीव्रता और शुद्धता में कीमती तामचीनी की याद दिलाते हैं (ऑस्ट्रिया के एलिजाबेथ का चित्र, लगभग 1571)। पेंसिल, सेंगुइन और वॉटरकलर पोर्ट्रेट की अपनी असाधारण महारत में, क्लौएट ने 16 वीं शताब्दी के मध्य के पूरे फ्रांसीसी दरबार पर कब्जा कर लिया। (हेनरी II, मैरी स्टुअर्ट, आदि का चित्र)।

फ्रांसीसी प्लास्टिक कला में पुनर्जागरण दृष्टिकोण की जीत जीन गौजोन (लगभग 1510-1566 / 68) के नाम से जुड़ी हुई है, जिसका सबसे प्रसिद्ध काम पेरिस में मासूमों के फव्वारे की राहत है (वास्तुशिल्प भाग - पियरे लेसकॉट; 1547) -1549)। हल्की, पतली आकृतियाँ, जिनके कपड़ों की तहें जग के पानी के झरनों से गूँजती हैं, अद्भुत संगीतमयता के साथ व्याख्या की जाती हैं, कविता के साथ अनुमत, उत्कीर्ण और सिद्ध और संक्षिप्त रूप से संयमित हैं। अनुपात, अनुग्रह, सामंजस्य, स्वाद की सूक्ष्मता की भावना अब से हमेशा के लिए फ्रांसीसी कला से जुड़ी होगी।

गौजोन के युवा समकालीन, जर्मेन पिलोन (1535-1590) के काम में, आदर्श रूप से सुंदर, सामंजस्यपूर्ण रूप से स्पष्ट छवियों के बजाय, ठोस-महत्वपूर्ण, नाटकीय, उदास-उत्कृष्ट छवियां दिखाई देती हैं (उनके मकबरे देखें)। उनकी प्लास्टिक भाषा की समृद्धि एक ठंडे विश्लेषण का कार्य करती है, जो विशेषताओं में निर्ममता के बिंदु तक पहुंचती है, जिसमें कोई इसका एक एनालॉग पा सकता है, जब तक कि केवल होल्बिन में न हो। पिलोन की नाटकीय कला की अभिव्यक्ति देर से पुनर्जागरण की विशिष्ट है और फ्रांस में पुनर्जागरण युग के आसन्न अंत की गवाही देती है।

जे गौजॉन। अप्सराएँ। पेरिस में मासूमों के फव्वारे की राहत। पत्थर

संकट की विशेषताएं कलात्मक आदर्शपुनर्जागरण विशेष रूप से मैनरिज्म में स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था, जो पुनर्जागरण के अंत में विकसित हो रहा था (मैनिएरा से - तकनीक, या बल्कि, मैनिएरिसमो - दिखावा, आचरण), - स्पष्ट नकल, जैसा कि यह था, तकनीक के सभी गुणों के साथ एक माध्यमिक शैली और रूपों का परिष्कार, छवि का सौंदर्यीकरण, व्यक्तिगत विवरणों का अतिशयोक्ति, कभी-कभी काम के शीर्षक में भी व्यक्त किया जाता है, उदाहरण के लिए, पार्मिगियानो द्वारा "मैडोना विद ए लॉन्ग नेक" में, भावनाओं का अतिशयोक्ति, सद्भाव का उल्लंघन अनुपात, रूपों का संतुलन - असंगति, विकृति, जो अपने आप में इतालवी पुनर्जागरण की कला की प्रकृति के लिए विदेशी है।

व्यवहारवाद को आमतौर पर प्रारंभिक और परिपक्व में विभाजित किया जाता है। प्रारंभिक व्यवहारवाद - फ्लोरेंस में केंद्रित। यह जे। पोंटोर्मो, डी। रोसो, ए। डी वोल्टेरा, जी। रोमानो जैसे उस्तादों का काम है। मंटुआ में पलाज़ो डेल ते में उत्तरार्द्ध के भित्ति चित्र अप्रत्याशित, लगभग भयावह प्रभावों से भरे हुए हैं, रचना अतिभारित है, संतुलन गड़बड़ा गया है, आंदोलनों को अतिरंजित और ऐंठन है - लेकिन सब कुछ नाटकीय रूप से सतही, ठंडा दयनीय है और स्पर्श नहीं करता है दिल (उदाहरण के लिए "दिग्गजों की मौत" फ्रेस्को देखें)।

परिपक्व व्यवहार अधिक सुंदर, परिष्कृत और कुलीन है। इसके केंद्र हैं पर्मा और बोलोग्ना (प्राइमेटिक्सियो, 1531 से फ्रांस में फोंटेब्लो स्कूल के प्रमुख थे), रोम और फ्लोरेंस (ब्रोंज़िनो, पोंटोर्मो के छात्र; डी। वसारी; मूर्तिकार और जौहरी बी। सेलिनी), साथ ही पर्मा ( पहले से ही उल्लेख किए गए परमिगियनिनो, उनके मैडोनास को हमेशा लंबे शरीर और छोटे सिर के साथ चित्रित किया जाता है, नाजुक, पतली उंगलियों के साथ, मज़ेदार, दिखावा करने वाले आंदोलनों के साथ, हमेशा रंग में ठंडा और छवि में ठंडा)।

व्यवहारवाद, हालांकि, खुद को इटली तक सीमित कर दिया, यह स्पेन, जर्मनी, नीदरलैंड, फ्रांस में फैल गया, उनकी पेंटिंग और विशेष रूप से लागू कला को प्रभावित किया, जिसमें मैननेरिस्टों की अनर्गल कल्पना ने उपजाऊ जमीन और गतिविधि का एक विस्तृत क्षेत्र पाया।

"पुनर्जन्म" - पुनरोद्धार, जीवन में वापसी। पहली नज़र में, सांस्कृतिक उत्कर्ष के युग के लिए यह एक अजीब परिभाषा है। हालाँकि, यह कोई अतिशयोक्ति नहीं है। यूरोपीय लोगों की कला और सोच में इस तरह के नाटकीय बदलाव का एक सामान्य और भयानक कारण था -।

XIV सदी के मध्य में केवल तीन साल युगों के एक तेज विभाजक बन गए। इस अवधि के दौरान, प्लेग से इतालवी फ्लोरेंस की आबादी तेजी से मर रही थी। ब्लैक डेथ रैंक और योग्यता को नहीं समझता था, एक भी व्यक्ति नहीं बचा था जो प्रियजनों के नुकसान का खामियाजा नहीं उठा सकता था। सदियों पुरानी बुनियाद ढह रही थी, भविष्य में विश्वास मिट गया, ईश्वर की कोई उम्मीद नहीं थी... जब महामारी थम गई और दुःस्वप्न बंद हो गया, तो शहर के निवासियों को एहसास हुआ कि वे अब पुराने में नहीं रह पाएंगे रास्ता।

बहुत कुछ बदल गया भौतिक संसार: जीवित बचे लोगों में से सबसे गरीब को भी "अतिरिक्त" संपत्ति विरासत में मिली थी, घरों के खोए हुए मालिकों के कारण, आवास का मुद्दा अपने आप हल हो गया, बाकी जमीन आश्चर्यजनक रूप से उदार हो गई, बिना किसी प्रयास के उपजाऊ मिट्टी ने उत्कृष्ट फसल दी , जिसकी मांग अब है, हालांकि, काफी कम थी। फ़ैक्टरी प्रबंधकों और धनी जमींदारों ने श्रमिकों की कमी का अनुभव करना शुरू कर दिया, जो अब बस पर्याप्त नहीं थे, और आम लोगों ने अब और अधिक अनुकूल परिस्थितियों के लिए चुनने और सौदेबाजी करने का अवसर होने के कारण, उनके द्वारा देखे गए पहले प्रस्ताव को लेने की मांग नहीं की। इसने कई फ्लोरेंटाइन को प्रतिबिंब, संचार और रचनात्मकता के लिए खाली समय दिया।

लोगों के मन में और भी बड़ी उथल-पुथल मच गई, विश्वदृष्टि नाटकीय रूप से बदल गई: चर्च से एक महान स्वतंत्रता थी, जिसने खुद को एक तबाही के सामने असहाय दिखाया, विचार भौतिक अस्तित्व में बदल गए, खुद को एक प्राणी के रूप में नहीं जानते हुए भगवान, लेकिन प्रकृति माँ के एक हिस्से के रूप में।

फ्लोरेंस ने अपनी लगभग आधी आबादी खो दी। हालाँकि, यह अकेले इस शहर में पुनर्जागरण की उत्पत्ति की व्याख्या नहीं कर सकता है। यहाँ कारणों का एक संयोजन महत्व में भिन्न था, साथ ही संयोग का कारक भी था। कुछ इतिहासकार मेडिसी परिवार, उस समय के सबसे प्रभावशाली फ्लोरेंटाइन परिवार के सांस्कृतिक उत्कर्ष के लिए योग्यता का श्रेय देते हैं, कलाकारों को संरक्षण देते हैं और शाब्दिक रूप से अपने मौद्रिक दान के साथ नई प्रतिभाओं को "बढ़ते" हैं। यह फ्लोरेंस के शासकों की नीति है जो अभी भी विशेषज्ञों के बीच विवाद का कारण बनती है: या तो शहर प्रतिभाशाली लोगों के जन्म में मध्य युग में बहुत भाग्यशाली था, या विशेष परिस्थितियों ने प्रतिभाओं के विकास में योगदान दिया, जिनकी प्रतिभा सामान्य समाज में शायद ही कभी थी खुद को दिखाया।

साहित्य

इतालवी साहित्य में पुनर्जागरण की शुरुआत का पता लगाना बहुत आसान है - लेखक पारंपरिक तरीकों से दूर चले गए और अपनी मूल भाषा में लिखना शुरू कर दिया, जो उस समय साहित्यिक सिद्धांतों से बहुत दूर था। युग की शुरुआत तक, पुस्तकालय ग्रीक और लैटिन ग्रंथों पर आधारित थे, साथ ही फ्रेंच और प्रोवेनकल में अधिक आधुनिक कार्यों पर आधारित थे। पुनर्जागरण के दौरान, इतालवी का उदय साहित्यिक भाषाशास्त्रीय कार्यों के अनुवाद के कारण काफी हद तक था। यहां तक ​​​​कि "संयुक्त" कार्य भी दिखाई दिए, जिनके लेखकों ने प्राचीन ग्रंथों को अपने स्वयं के प्रतिबिंबों और नकल के साथ पूरक किया।

महान फ्लोरेंटाइन फ्रांसेस्को पेट्रार्का और दांते अलीघिएरी इटली में प्रारंभिक पुनर्जागरण की "आवाज" बन गए। दांते की डिवाइन कॉमेडी में मध्ययुगीन विश्वदृष्टि का एक अलग प्रभाव है, एक मजबूत ईसाई मकसद। लेकिन पेट्रार्क ने पहले से ही पुनर्जागरण मानवतावाद के आंदोलन का प्रतिनिधित्व किया, अपने काम को शास्त्रीय पुरातनता और आधुनिकता में बदल दिया। इसके अलावा, पेट्रार्क इतालवी सॉनेट के पिता बन गए, जिसके रूप और शैली को बाद में अंग्रेज शेक्सपियर सहित कई अन्य कवियों ने अपनाया।

पेट्रार्क के छात्र, गियोवन्नी बोकासियो ने प्रसिद्ध "डेकैमरोन" लिखा - सौ लघु कथाओं का एक रूपक संग्रह, जिसमें दुखद, दार्शनिक और कामुक हैं। Boccaccio, साथ ही अन्य लोगों का यह काम कई अंग्रेजी लेखकों के लिए प्रेरणा का एक समृद्ध स्रोत बन गया है।

निकोलो मैकियावेली एक दार्शनिक, राजनीतिक विचारक थे। उस समय के साहित्य में उनके योगदान में पश्चिमी समाज में व्यापक रूप से ज्ञात विचार के कार्य शामिल हैं। ग्रंथ "द सॉवरेन" एक राजनीतिक सिद्धांतकार का सबसे चर्चित काम है, जो "मैकियावेलियनवाद" के सिद्धांत का आधार बना।

दर्शन

पुनर्जागरण के भोर में काम करने वाले पेट्रार्क उस युग के दार्शनिक सिद्धांत के मुख्य संस्थापक बने - मानवतावाद। इस प्रवृत्ति ने मनुष्य के मन और इच्छा को प्रथम स्थान पर रखा। सिद्धांत ईसाई धर्म की नींव का खंडन नहीं करता था, हालांकि यह मूल पाप की अवधारणा को नहीं पहचानता था, लोगों को मूल रूप से गुणी प्राणी मानता था।

सबसे बढ़कर, नई प्रवृत्ति प्राचीन दर्शन के साथ प्रतिध्वनित हुई, जिससे प्राचीन ग्रंथों में रुचि की लहर पैदा हुई। यह इस समय था कि खोई हुई पांडुलिपियों की खोज का फैशन दिखाई दिया। शिकार को धनी शहरवासियों द्वारा प्रायोजित किया गया था, और हर खोज को तुरंत आधुनिक भाषाओं में अनुवादित किया गया और पुस्तक के रूप में प्रकाशित किया गया। इस दृष्टिकोण ने न केवल पुस्तकालयों को भर दिया, बल्कि साहित्य की उपलब्धता और पढ़ने वाली आबादी की संख्या में भी काफी वृद्धि की। शिक्षा के सामान्य स्तर में उल्लेखनीय वृद्धि हुई है।

यद्यपि पुनर्जागरण के दौरान दर्शन का बहुत महत्व था, इन वर्षों को अक्सर ठहराव की अवधि के रूप में जाना जाता है। विचारकों ने ईसाई धर्म के आध्यात्मिक सिद्धांत का खंडन किया, लेकिन प्राचीन पूर्वजों के शोध को जारी रखने के लिए पर्याप्त आधार नहीं था। आमतौर पर उस समय से बचे हुए कार्यों की सामग्री शास्त्रीय सिद्धांतों और मॉडलों की प्रशंसा के लिए उबलती है।

मृत्यु पर पुनर्विचार भी है। अब जीवन एक "स्वर्गीय" अस्तित्व की तैयारी नहीं है, बल्कि एक पूर्ण पथ है जो शरीर की मृत्यु के साथ समाप्त होता है। पुनर्जागरण के दार्शनिक इस विचार को व्यक्त करने की कोशिश कर रहे हैं कि "अनन्त जीवन" उन्हें प्राप्त होगा जो अपने बाद एक छाप छोड़ सकते हैं, चाहे वह अनकहा धन हो या कला का काम।

विज्ञान

पुनर्जागरण विज्ञान का पहला कदम ब्रह्मांड की संरचना के बारे में टॉलेमी के शास्त्रीय सिद्धांत की ओर लौटना था। भौतिक नियमों द्वारा अज्ञात की व्याख्या करने की एक सामान्य इच्छा है; अधिकांश सिद्धांत कठोर तार्किक अनुक्रमों के निर्माण पर आधारित हैं।

बेशक, पुनर्जागरण के सबसे प्रमुख वैज्ञानिक लियोनार्डो दा विंची हैं। उन्हें विभिन्न विषयों में उत्कृष्ट शोध के लिए जाना जाता है। फ्लोरेंटाइन जीनियस के सबसे दिलचस्प कार्यों में से एक व्यक्ति की आदर्शता की परिभाषा से संबंधित है। लियोनार्डो ने नवजात शिशु की धार्मिकता के मानवतावादी दृष्टिकोण को साझा किया, लेकिन सद्गुण और शारीरिक पूर्णता के सभी लक्षणों को कैसे संरक्षित किया जाए, यह सवाल एक रहस्य बना रहा। और मनुष्य की दिव्यता के अंतिम खंडन के लिए, जीवन और कारण के वास्तविक स्रोत को खोजना आवश्यक था। दा विंची ने विभिन्न वैज्ञानिक क्षेत्रों में कई खोजें कीं, उनका काम अभी भी वंशजों के अध्ययन का विषय बना हुआ है। और कौन जानता है कि अगर उसकी उम्र और भी लंबी होती तो वह हमें कितनी विरासत में छोड़ देता।

देर से पुनर्जागरण के इतालवी विज्ञान का प्रतिनिधित्व गैलीलियो गैलीली ने किया था। पीसा में पैदा हुए युवा वैज्ञानिक ने तुरंत अपने काम की सही दिशा निर्धारित नहीं की। उन्होंने मेडिकल स्कूल में दाखिला लिया लेकिन जल्दी से गणित में चले गए। डिग्री प्राप्त करने के बाद, उन्होंने अध्यापन शुरू किया अनुप्रयुक्त विषयों(ज्यामिति, यांत्रिकी, प्रकाशिकी, आदि), खगोल विज्ञान की समस्याओं, ग्रहों और प्रकाशकों के प्रभाव में अधिक से अधिक डूबते हुए, और साथ ही ज्योतिष में रुचि रखते हैं।

यह गैलीलियो गैलीली थे जो प्रकृति और गणित के नियमों के बीच स्पष्ट रूप से समानताएं बनाने वाले पहले व्यक्ति थे। अपने काम में, उन्होंने विशेष प्रावधानों से अधिक सामान्य लोगों में संक्रमण बनाने के लिए तार्किक श्रृंखला का उपयोग करते हुए अक्सर आगमनात्मक अनुमान की विधि का उपयोग किया। गैलीलियो द्वारा सामने रखे गए कुछ विचार बहुत गलत निकले, लेकिन उनमें से अधिकांश की कल्पना सूर्य के चारों ओर पृथ्वी की गति के उनके मुख्य सिद्धांत की पुष्टि के रूप में की गई थी। तत्कालीन शिक्षाविदों ने इसका खंडन किया, और प्रतिभाशाली टस्कन शक्तिशाली जिज्ञासु की मदद से "परेशान" हो गए। मुख्य ऐतिहासिक संस्करण के अनुसार, अपने जीवन के अंत तक, वैज्ञानिक ने सार्वजनिक रूप से अपने सिद्धांत को त्याग दिया।

पुनर्जागरण विज्ञान ने "आधुनिकता" के लिए प्रयास किया, जिसे ज्यादातर तकनीकी प्रगति में व्यक्त किया गया था। बुद्धि को अमीरों की संपत्ति माना जाने लगा। दरबार में एक वैज्ञानिक का होना फैशन था, और यदि वह अपने पड़ोसियों के ज्ञान में उत्कृष्ट था, तो यह प्रतिष्ठित था। हां, और कल के व्यापारी खुद विज्ञान में डुबकी लगाने से गुरेज नहीं करते थे, कभी-कभी कीमिया, चिकित्सा और मौसम विज्ञान जैसे "शानदार" क्षेत्रों को चुनते थे। विज्ञान अक्सर जादू और पूर्वाग्रह के साथ शिथिल रूप से मिश्रित होता था।

यह पुनर्जागरण के दौरान था कि कीमिया दिखाई दी - रसायन विज्ञान का एक प्रारंभिक रूप जिसमें वास्तव में वैज्ञानिक लोगों की तुलना में कम अलौकिक प्रस्ताव शामिल नहीं थे। अधिकांश कीमियागर सीसा को सोने में बदलने के विचार से ग्रस्त थे, और इस पौराणिक प्रक्रिया को अभी भी कीमिया की अवधारणा के साथ पहचाना जाता है। तत्वों की आवर्त सारणी के निर्माण से बहुत पहले, कीमियागर ने अपनी दृष्टि का प्रस्ताव रखा: सभी पदार्थ, उनकी राय में, सल्फर और पारा के मिश्रण से बने थे। सभी प्रयोग इसी धारणा पर आधारित थे। बाद में, दो मुख्य तत्वों - नमक में एक तिहाई जोड़ा गया।

यह XIV-XVII सदियों की भौगोलिक उपलब्धियों पर ध्यान देने योग्य है। यह महान भौगोलिक खोजों का समय है। पुर्तगाली और प्रसिद्ध फ्लोरेंटाइन अमेरिगो वेस्पुची, जिसका नाम उस समय की सबसे महत्वपूर्ण खोज में अमर है - अमेरिकी महाद्वीप, ने इस क्षेत्र में विशेष रूप से ध्यान देने योग्य निशान छोड़ा।

पेंटिंग, मूर्तिकला, वास्तुकला

इतालवी पुनर्जागरण की ललित कला फ्लोरेंस से फैली, इसने बड़े पैमाने पर शहर के उच्च सांस्कृतिक स्तर को निर्धारित किया, जिसने इसे कई वर्षों तक गौरवान्वित किया। यहाँ, अन्य क्षेत्रों की तरह, शास्त्रीय कला के प्राचीन सिद्धांतों की ओर वापसी हुई है। अत्यधिक दिखावा गायब हो जाता है, कार्य अधिक "स्वाभाविक" हो जाते हैं। कलाकार धार्मिक चित्रकला के सख्त सिद्धांतों से विचलित होते हैं और एक नए, स्वतंत्र और अधिक यथार्थवादी तरीके से सबसे बड़ी प्रतीकात्मक कृतियों का निर्माण करते हैं। पहले से अधिक गहराई के अलावा, प्रकाश और छाया के साथ काम करना, मानव शरीर रचना विज्ञान का सक्रिय अध्ययन है।

सद्भाव, आनुपातिकता और समरूपता वास्तुकला में लौट रहे हैं। मध्ययुगीन धार्मिक भय व्यक्त करते हुए गॉथिक जनता, शास्त्रीय मेहराबों, गुंबदों और स्तंभों को रास्ता देते हुए, अतीत में सिमट रही है। प्रारंभिक पुनर्जागरण आर्किटेक्ट्स ने फ्लोरेंस में काम किया, लेकिन बाद के वर्षों में उन्हें सक्रिय रूप से रोम में आमंत्रित किया गया, जहां कई उत्कृष्ट संरचनाएं बनाई गईं, जो बाद में स्थापत्य स्मारक बन गईं। पुनर्जागरण के अंत में, मनेरवाद का जन्म हुआ, जिसका एक प्रमुख प्रतिनिधि माइकल एंजेलो था। इस शैली की एक विशिष्ट विशेषता व्यक्तिगत तत्वों की स्मारकीयता पर जोर देना है, जिसे लंबे समय तक शास्त्रीय कला के प्रतिनिधियों द्वारा तेजी से नकारात्मक रूप से माना जाता था।

मूर्तिकला में, पुरातनता की वापसी सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुई थी। सुंदरता का मॉडल क्लासिक नग्न प्रकृति था, जिसे फिर से काउंटरपोस्ट में चित्रित किया गया था (एक पैर पर आराम करने वाले शरीर की विशिष्ट स्थिति, जो व्यक्ति को आंदोलन की प्रकृति को स्पष्ट रूप से व्यक्त करने की अनुमति देती है)। उज्ज्वल आंकड़ेपुनर्जागरण की मूर्तियां डोनाटेलो और माइकल एंजेलो थीं, जिनके द्वारा बनाई गई डेविड की मूर्ति पुनर्जागरण कला का शिखर बन गई।

संगीत

पुनर्जागरण मानवतावाद ने सामाजिक रचनात्मकता के सभी पहलुओं को प्रभावित किया। पुनर्जागरण का संगीत बहुत अधिक अकादमिक नहीं रहा, लोक उद्देश्यों के एक बड़े प्रभाव से गुजरा। चर्च अभ्यास में, पॉलीफोनिक कोरल गायन व्यापक हो गया है।

संगीत शैलियों की विविधता ने नए संगीत वाद्ययंत्रों का उदय किया: वायोला, ल्यूट, हार्पसीकोर्ड। वे उपयोग करने में काफी आसान थे और कंपनियों या छोटे संगीत समारोहों में इस्तेमाल किए जा सकते थे। चर्च संगीत, और अधिक गंभीर, एक उपयुक्त साधन की मांग की, जो उन वर्षों में अंग था।

पुनर्जागरण मानवतावाद ने व्यक्तित्व के निर्माण में सीखने के रूप में इस तरह के एक महत्वपूर्ण चरण के लिए नए दृष्टिकोणों का अनुमान लगाया। पुनर्जागरण के सुनहरे दिनों के दौरान, व्यक्तिगत गुणों को विकसित करने की प्रवृत्ति थी युवा वर्ष... समूह शिक्षा को व्यक्तिगत शिक्षा से बदल दिया गया था, जब छात्र को ठीक-ठीक पता था कि वह क्या चाहता है और अपने गुरु-शिक्षक पर हर चीज पर भरोसा करते हुए, इच्छित लक्ष्य की ओर चल पड़ा।

इतालवी पुनर्जागरण की शताब्दियां न केवल अविश्वसनीय सांस्कृतिक प्रगति का स्रोत बन गईं, बल्कि मजबूत अंतर्विरोधों का समय भी बन गईं: प्राचीन दर्शन और आधुनिक विचारकों के निष्कर्ष टकरा गए, जिससे जीवन और इसकी धारणा दोनों में आमूल-चूल परिवर्तन हुआ।

पुनर्जागरण दर्शन

पुनर्जागरण, पुनर्जागरण कहा जाता है संक्रमण अवधिमध्य युग से लेकर नए युग तक, कई शताब्दियों तक (इटली, 14-16 शताब्दियां, अन्य .) यूरोपीय देश 15-16 शताब्दी), जब मध्य युग अपने आर्थिक, सामाजिक, राजनीतिक, आध्यात्मिक रूपों में पहले ही समाप्त हो चुका था, और नई बुर्जुआ व्यवस्था ने अभी तक जड़ नहीं ली थी।

यह एक साधारण कमोडिटी-मनी इकोनॉमी के गठन का युग है, शहरों की सामाजिक और राजनीतिक भूमिका का विकास, जिसमें कारीगरों का स्वतंत्र और स्वतंत्र श्रम प्रबल हुआ, व्यापार और बैंकिंग फली-फूली और मैन्युफैक्चरर्स दिखाई दिए। समाज में आध्यात्मिक स्थिति भी बदल रही है। एक शहरी धर्मनिरपेक्ष संस्कृति उत्पन्न होती है, जिसके आंकड़े - कलाकार, लेखक, दार्शनिक - पारंपरिक धार्मिक, नैतिक, के एक महत्वपूर्ण संशोधन के अधीन हैं। सौंदर्य दृश्यहालाँकि, मध्य युग उनके साथ पूरी तरह से नहीं टूटा। आदर्श की तलाश में, इस युग की धर्मनिरपेक्ष संस्कृति के अधिकांश प्रतिनिधि व्यापक रूप से प्राचीन संस्कृति के मूल्यों की ओर मुड़ते हैं, जैसे आध्यात्मिक स्रोतदुनिया की एक नई धारणा, मध्ययुगीन विद्वता से मुक्त।

मध्यकालीन संस्कृति के विपरीत, ईश्वर की ओर आकांक्षी, नई संस्कृति मनुष्य की ओर आकांक्षी है। यह सिद्धांतों पर आधारित है मानवकेंद्रवाद, एक स्वतंत्र, मजबूत व्यक्ति का विचार जो अपने व्यक्तित्व और स्वतंत्रता पर जोर देता है। साथ ही, इसने अक्सर व्यक्तिवाद और नैतिक शून्यवाद के निरपेक्षीकरण को जन्म दिया। मानव व्यक्ति की नई बहुमुखी मांगों में उनकी अभिव्यक्ति पाई गई मानवतावाद(अव्य। मानव - मानव, मानवीय, शिक्षित), न केवल एक विश्वदृष्टि के रूप में, बल्कि एक सामाजिक-राजनीतिक आंदोलन के रूप में, राजनीति, नैतिकता और सार्वजनिक जीवन के अन्य क्षेत्रों में सामाजिक अभ्यास के रूप में मौजूद है।

इस संक्रमणकालीन युग के सभी विरोधाभास, समाज के आध्यात्मिक जीवन में परिवर्तन पूरी तरह से पुनर्जागरण के दर्शन में और सबसे बढ़कर इतालवी दर्शन में व्यक्त किए गए थे।

प्रारंभिक इतालवी पुनर्जागरण के मुख्य विचार।

प्रारंभिक इतालवी पुनर्जागरण का दार्शनिक विचार मध्ययुगीन विद्वतावाद के समानांतर विकसित हुआ। अपने प्रतिनिधियों के साथ विवाद करते हुए, इतालवी मानवतावादियों ने ईसाई सिद्धांत के मूल प्रावधानों को संरक्षित करते हुए, प्राचीन संस्कृति के विचारों और भावना को पुनर्जीवित करने का प्रयास किया।

मानवतावादी आंदोलन के प्रेरक महान कवि की कृतियों में दांटे अलीघीरी(1265-1321) पहली बार मध्यकालीन विश्वदृष्टि से भिन्न तत्व दिखाई देते हैं। विद्वतापूर्ण हठधर्मिता को नकारे बिना, दांते ईश्वर और मनुष्य के बीच संबंधों की प्रकृति पर पुनर्विचार करने की कोशिश कर रहा है। उनका मानना ​​है कि परमात्मा और मानव एकता में मौजूद हैं। मनुष्य की सृजनात्मक संभावनाओं के विरुद्ध ईश्वर का विरोध नहीं किया जा सकता। मानव अस्तित्व एक ओर, ईश्वर द्वारा, और दूसरी ओर, प्रकृति द्वारा वातानुकूलित है। दांते लगातार इस बात पर जोर देते हैं कि एक व्यक्ति अपने स्वयं के मन की संभावनाओं की प्राप्ति का एक उत्पाद है, जिसे उसकी व्यावहारिक गतिविधि में महसूस किया जाता है।

मानवतावादी आंदोलन के संस्थापक, कवि और विचारक फ्रांसेस्को पेट्रार्का(1304-1374) ने "जीवन की कला" के विकास को अपना मुख्य कार्य माना। पेट्रार्क के दृष्टिकोण से, एक व्यक्ति को पृथ्वी पर वास्तविक जीवन में खुशी का अधिकार है, न कि केवल दूसरी दुनिया, जैसा कि धार्मिक हठधर्मिता कहते हैं। रूढ़िवाद की नैतिक अवधारणाओं के आधार पर, पेट्रार्क मानव व्यक्ति की गरिमा, उसकी आशाओं, अनुभवों और चिंताओं के साथ किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की विशिष्टता पर जोर देता है। साथ ही, पुनर्जागरण के दर्शन की विशेषता वाली व्यक्तिवादी प्रवृत्तियों को पेट्रार्क के काम में जगह मिलती है। उनका मानना ​​है कि व्यक्तित्व का सुधार तभी संभव है जब वह "अज्ञानी दंगल" से अलग हो जाए। केवल इस मामले में, अपने स्वयं के जुनून और अपने आसपास की दुनिया के साथ निरंतर टकराव वाले व्यक्ति के संघर्ष में, एक रचनात्मक व्यक्ति पूर्ण स्वतंत्रता, आत्म-नियंत्रण और मन की शांति प्राप्त कर सकता है।

इतालवी पुनर्जागरण

पुनर्जागरण संस्कृति की उत्पत्ति इटली में हुई। कालानुक्रमिक रूप से, इतालवी पुनर्जागरण को आमतौर पर 4 चरणों में विभाजित किया जाता है: प्रोटो-पुनर्जागरण (पूर्व-पुनर्जागरण) - XIII-XIV सदियों की दूसरी छमाही; प्रारंभिक पुनर्जागरण - XV सदी; उच्च पुनर्जागरण - 15वीं शताब्दी के अंत में - 16वीं सदी का पहला तीसरा; देर से पुनर्जागरण - 16 वीं शताब्दी का अंत।

प्रोटो-पुनर्जागरण पुनर्जागरण की तैयारी थी, यह मध्य युग के साथ रोमनस्क्यू, गोथिक, बीजान्टिन परंपराओं के साथ निकटता से जुड़ा हुआ था। और नवोन्मेषी कलाकारों के काम में भी पुराने को नए से अलग करने वाली स्पष्ट रेखा खींचना आसान नहीं है। एक नए युग की शुरुआत Giotto di Bondone (1266 - 1337) के नाम से जुड़ी है। पुनर्जागरण के कलाकारों ने उन्हें चित्रकला का सुधारक माना। Giotto ने उस पथ को रेखांकित किया जिसके साथ इसका विकास हुआ: यथार्थवादी क्षणों की वृद्धि, धर्मनिरपेक्ष सामग्री के साथ धार्मिक रूपों को भरना, सपाट छवियों से त्रि-आयामी और राहत में क्रमिक संक्रमण।

प्रारंभिक पुनर्जागरण के प्रमुख स्वामी - एफ। ब्रुनेलेस्ची (1377-1446), डोनाटेलो (1386-1466), वेरोकियो (1436-1488), मासासिओ (1401-1428), मेंटेग्ना (1431-1506), एस। बोटीसेली (1444- 1510)... इस अवधि की पेंटिंग एक मूर्तिकला छाप बनाती है, कलाकारों के चित्रों में आंकड़े मूर्तियों के समान होते हैं। और यह कोई संयोग नहीं है। प्रारंभिक पुनर्जागरण के उस्तादों ने दुनिया की निष्पक्षता को बहाल करने का प्रयास किया, जो मध्ययुगीन चित्रकला में लगभग गायब हो गया, मात्रा, प्लास्टिसिटी और रूप की स्पष्टता पर जोर दिया। रंग की समस्याएं पृष्ठभूमि में वापस आ गईं। 15वीं शताब्दी के कलाकारों ने परिप्रेक्ष्य के नियमों की खोज की और जटिल बहु-आंकड़ा रचनाओं का निर्माण किया। हालांकि, वे अधिकतर रैखिक परिप्रेक्ष्य तक सीमित हैं और शायद ही वायु पर्यावरण को नोटिस करते हैं। और उनके चित्रों में स्थापत्य पृष्ठभूमि कुछ हद तक चित्र के समान है।

उच्च पुनर्जागरण में, प्रारंभिक पुनर्जागरण में निहित ज्यामिति समाप्त नहीं होती है, बल्कि गहरी भी होती है। लेकिन इसमें कुछ नया जोड़ा जाता है: आध्यात्मिकता, मनोविज्ञान, किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया को व्यक्त करने की इच्छा, उसकी भावनाओं, मनोदशाओं, अवस्थाओं, चरित्र, स्वभाव। एक हवाई परिप्रेक्ष्य विकसित किया जा रहा है, रूपों की भौतिकता न केवल मात्रा और प्लास्टिसिटी से प्राप्त की जाती है, बल्कि काइरोस्कोरो द्वारा भी प्राप्त की जाती है। उच्च पुनर्जागरण की कला तीन कलाकारों द्वारा सबसे अच्छी तरह से व्यक्त की गई है: लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो। वे इतालवी पुनर्जागरण के मूल मूल्यों का प्रतिनिधित्व करते हैं: खुफिया, सद्भाव और शक्ति।

देर से पुनर्जागरण की अवधारणा आमतौर पर विनीशियन पुनर्जागरण पर लागू होती है। इस अवधि के दौरान केवल वेनिस (16 वीं शताब्दी का दूसरा भाग) स्वतंत्र रहा, बाकी इतालवी रियासतों ने अपनी राजनीतिक स्वतंत्रता खो दी। वेनिस के प्रति पुनरुत्थान की अपनी विशेषताएं थीं। प्राचीन पुरावशेषों के विद्वतापूर्ण शोध और उत्खनन में उनकी बहुत कम रुचि थी। इसके पुनर्जागरण के अन्य मूल थे। वेनिस ने लंबे समय से बीजान्टियम के साथ घनिष्ठ व्यापार संबंध बनाए रखा है, अरब पूर्व, भारत के साथ व्यापार किया। गॉथिक और पूर्वी दोनों परंपराओं को फिर से काम करने के बाद, वेनिस ने अपनी विशेष शैली विकसित की, जो रंगीन, रोमांटिक पेंटिंग की विशेषता है। वेनेटियन के लिए, रंग की समस्याएं सामने आती हैं, छवि की भौतिकता रंग उन्नयन द्वारा प्राप्त की जाती है। उच्च और स्वर्गीय पुनर्जागरण के सबसे बड़े विनीशियन गुरु जियोर्जियोन (1477-1510), टिटियन (1477-1576), वेरोनीज़ (1528-1588), टिंटोरेटो (1518-1594) हैं।

उत्तरी पुनर्जागरण

एक अजीबोगरीब चरित्र था उत्तरी पुनर्जागरण(जर्मनी, नीदरलैंड, फ्रांस)। उत्तरी पुनर्जागरण इतालवी से पूरी शताब्दी से पीछे है और तब शुरू होता है जब इटली अपने विकास के उच्चतम चरण में प्रवेश करता है। उत्तरी पुनर्जागरण की कला में मध्ययुगीन विश्वदृष्टि, धार्मिक भावना, प्रतीकवाद अधिक है, यह रूप में अधिक पारंपरिक है, अधिक पुरातन है, पुरातनता से कम परिचित है।

उत्तरी पुनर्जागरण का दार्शनिक आधार सर्वेश्वरवाद था। पंथवाद, ईश्वर के अस्तित्व को सीधे नकारे बिना, उसे प्रकृति में विलीन कर देता है, प्रकृति को दैवीय गुणों, जैसे कि अनंत काल, अनंत, अनंत के साथ संपन्न करता है। चूंकि पंथवादियों का मानना ​​​​था कि दुनिया के हर कण में ईश्वर का एक कण है, उन्होंने निष्कर्ष निकाला: प्रकृति का हर टुकड़ा एक छवि के योग्य है। इस तरह के प्रतिनिधित्व से एक स्वतंत्र शैली के रूप में परिदृश्य का उदय होता है। जर्मन चित्रकार - परिदृश्य के स्वामी ए। ड्यूरर, ए। अल्डोर्फर, एल। क्रानाच ने प्रकृति की महिमा, शक्ति, सुंदरता को चित्रित किया, इसकी आध्यात्मिकता से अवगत कराया।

उत्तरी पुनर्जागरण की कला में विकसित की गई दूसरी शैली है चित्र।एक स्वतंत्र चित्र, जो किसी धार्मिक पंथ से जुड़ा नहीं है, जर्मनी में 15वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे भाग में उभरा। ड्यूरर का युग (1490-1530) उनके उल्लेखनीय सुनहरे दिनों का समय था। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि जर्मन चित्र इतालवी पुनर्जागरण से अलग था। इतालवी चित्रकारमनुष्य के प्रति अपनी प्रशंसा में उन्होंने सौंदर्य के आदर्श की रचना की। जर्मन कलाकार सुंदरता के प्रति उदासीन थे, उनके लिए मुख्य बात चरित्र को व्यक्त करना है, छवि की भावनात्मक अभिव्यक्ति प्राप्त करना है, कभी-कभी आदर्श की हानि के लिए, सौंदर्य की हानि के लिए। शायद यह मध्य युग के विशिष्ट "बदसूरत सौंदर्यशास्त्र" की गूँज को दर्शाता है, जहाँ आध्यात्मिक सुंदरता को एक बदसूरत रूप में छिपाया जा सकता है। इतालवी पुनर्जागरण में, सौंदर्य पक्ष सामने आया, उत्तर में - नैतिक। जर्मनी में पोर्ट्रेट पेंटिंग के सबसे बड़े स्वामी ए। ड्यूरर, जी। होल्बिन जूनियर, नीदरलैंड में - जान वैन आइक, फ्रांस में रोजियर वैन डेर वेयडेन - जे। फॉक्वेट, जे। क्लॉएट, एफ। क्लॉएट हैं।

तीसरी शैली जो मुख्य रूप से नीदरलैंड में उभरी और विकसित हुई, वह है रोज़मर्रा की पेंटिंग। सबसे बड़ा गुरुशैली चित्रकला - पीटर ब्रूगल सीनियर। उन्होंने किसान जीवन से विश्वसनीय दृश्य लिखे, और यहां तक ​​कि उस समय नीदरलैंड के ग्रामीण इलाकों में बाइबिल के दृश्यों को भी रखा। डच कलाकारों को लेखन के असाधारण गुण से प्रतिष्ठित किया गया था, जहां हर छोटे विवरण को अत्यधिक सावधानी के साथ चित्रित किया गया था। ऐसी तस्वीर देखने वाले के लिए बहुत आकर्षक है: जितना अधिक आप इसे देखते हैं, उतना ही आपको वहां दिलचस्प चीजें मिलती हैं।

दे रही है तुलनात्मक विशेषताएंइतालवी और उत्तरी पुनर्जागरण, उनके बीच एक और महत्वपूर्ण अंतर पर प्रकाश डाला जाना चाहिए। इतालवी पुनर्जागरण की विशेषता प्राचीन संस्कृति की बहाली के लिए प्रयास, मुक्ति के लिए प्रयास, चर्च के हठधर्मिता से मुक्ति, धर्मनिरपेक्ष शिक्षा के लिए है। उत्तरी पुनर्जागरण में, मुख्य स्थान पर धार्मिक पूर्णता, कैथोलिक चर्च के नवीनीकरण और इसकी शिक्षाओं के प्रश्नों का कब्जा था। उत्तरी मानवतावाद ने सुधार और प्रोटेस्टेंटवाद का नेतृत्व किया।

विज्ञान

XIV-XVI सदियों में ज्ञान के विकास ने दुनिया के बारे में लोगों के विचारों और उसमें एक व्यक्ति के स्थान को काफी प्रभावित किया। महान भौगोलिक खोजों, निकोलस कोपरनिकस की दुनिया की हेलियोसेंट्रिक प्रणाली ने पृथ्वी के आकार और ब्रह्मांड में इसके स्थान और पैरासेल्सस और वेसालियस के कार्यों के विचार को बदल दिया, जिसमें पुरातनता के बाद पहली बार, मनुष्य की संरचना और उसमें होने वाली प्रक्रियाओं का अध्ययन करने के प्रयास किए गए, वैज्ञानिक चिकित्सा और शरीर रचना विज्ञान की नींव रखी।

सामाजिक विज्ञान में भी बड़े परिवर्तन हुए हैं। जीन बोडेन और निकोलो मैकियावेली के कार्यों में, ऐतिहासिक और राजनीतिक प्रक्रियाओं को पहली बार लोगों के विभिन्न समूहों और उनके हितों की बातचीत के परिणाम के रूप में देखा गया था। उसी समय, एक "आदर्श" सामाजिक संरचना विकसित करने का प्रयास किया गया: थॉमस मोर द्वारा "यूटोपिया", टॉमासो कैम्पानेला द्वारा "सूर्य का शहर"। पुरातनता में रुचि के लिए धन्यवाद, कई प्राचीन ग्रंथों को बहाल किया गया है [ स्रोत निर्दिष्ट नहीं 522 दिन], कई मानवतावादियों ने शास्त्रीय लैटिन और प्राचीन यूनानी का अध्ययन किया।

सामान्य तौर पर, इस युग में प्रचलित पुनर्जागरण के सर्वेश्वरवादी रहस्यवाद ने वैज्ञानिक ज्ञान के विकास के लिए एक प्रतिकूल वैचारिक पृष्ठभूमि तैयार की। वैज्ञानिक पद्धति का अंतिम गठन और 17वीं शताब्दी की बाद की वैज्ञानिक क्रांति। सुधार के पुनर्जागरण आंदोलन के विरोध से जुड़े।