यूरोप में मध्य युग की पेशेवर संगीत संस्कृति मुख्य रूप से चर्च, यानी पंथ संगीत के क्षेत्र से जुड़ी हुई है। धार्मिकता से भरी कला विहित और हठधर्मी है, लेकिन, फिर भी, यह जमी नहीं है, यह सांसारिक घमंड से भगवान की सेवा की अलग दुनिया में बदल गई है। फिर भी, इस तरह के "श्रेष्ठ" संगीत के साथ, लोकगीत, और यात्रा करने वाले संगीतकारों के काम के साथ-साथ नाइटहुड की महान संस्कृति भी थी।

प्रारंभिक मध्य युग की आध्यात्मिक संगीत संस्कृति

प्रारंभिक मध्य युग में, पेशेवर संगीत केवल गिरजाघरों और उनके साथ गायन स्कूलों में बजता था। पश्चिमी यूरोप के मध्य युग की संगीत संस्कृति का केंद्र इटली की राजधानी थी - रोम - वही शहर जहां "सर्वोच्च चर्च प्राधिकरण" स्थित थे।

590-604 में, पोप ग्रेगरी प्रथम ने पंथ गायन में सुधार किया। उन्होंने ग्रेगोरियन एंटिफ़ोनेरियस संग्रह में विभिन्न मंत्रों का आयोजन और संग्रह किया। ग्रेगरी I के लिए धन्यवाद, पश्चिमी यूरोपीय पवित्र संगीत में ग्रेगोरियन मंत्र नामक एक आंदोलन का गठन किया गया था।

कोरल- यह, एक नियम के रूप में, एक स्वर वाला मंत्र है, जो यूरोपीय और मध्य पूर्वी लोगों की सदियों पुरानी परंपराओं को दर्शाता है। कैथोलिक धर्म की नींव और एक इच्छा की स्वीकृति को समझने के लिए पैरिशियनों को मार्गदर्शन करने के लिए यह चिकनी मोनोफोनिक माधुर्य था। ज्यादातर कोरल गाना बजानेवालों द्वारा किया जाता था, और केवल कुछ हिस्सों को एकल कलाकारों द्वारा किया जाता था।

ग्रेगोरियन मंत्र का आधार डायटोनिक मोड की आवाज़ के साथ एक क्रमिक आंदोलन था, लेकिन कभी-कभी एक ही कोरल में धीमी, गंभीर स्तोत्र, और व्यक्तिगत अक्षरों के मधुर गायन भी होते थे।

इस तरह की धुनों के प्रदर्शन पर किसी पर भरोसा नहीं किया गया था, क्योंकि इसके लिए गायकों से पेशेवर गायन कौशल की आवश्यकता होती थी। संगीत की तरह, लैटिन में मंत्रों का पाठ, जो कई पैरिशियनों के लिए समझ से बाहर है, विनम्रता, वास्तविकता से अलगाव, चिंतन का आह्वान करता है। अक्सर, संगीत की लयबद्ध व्यवस्था भी पाठ के अनुसरण पर निर्भरता से निर्धारित होती थी। ग्रेगोरियन मंत्र को आदर्श संगीत के रूप में नहीं लिया जा सकता है, बल्कि यह एक प्रार्थना पाठ का मंत्र है।

द्रव्यमान- मध्य युग के संगीतकार संगीत की मुख्य शैली

कैथोलिक प्रार्थना - चर्च की मुख्य सेवा। उन्होंने इस प्रकार के ग्रेगोरियन गायन को जोड़ा:

• एंटीफ़ोनिक (जब दो गायक वैकल्पिक रूप से गाते हैं);
• उत्तरदायी (वैकल्पिक रूप से एकल कलाकार और गाना बजानेवालों को गाते हुए)।

समुदाय ने केवल सामान्य प्रार्थना गाने में भाग लिया।
बाद में, बारहवीं शताब्दी में। जन में भजन (भजन), क्रम, ट्रॉप दिखाई दिए। वे कविता के साथ अतिरिक्त ग्रंथ थे (मुख्य कोरल के विपरीत) और एक विशेष राग। इन धार्मिक तुकबंद ग्रंथों को पैरिशियनों द्वारा बेहतर याद किया गया था। भिक्षुओं के साथ गाते हुए, उन्होंने माधुर्य में विविधता ला दी, और लोक तत्व पवित्र संगीत में रिसने लगे और लेखक की रचनात्मकता के लिए एक अवसर के रूप में कार्य किया (नोटकर ज़ाइका और टोकेलोन भिक्षु - सेंट गोलेन मठ)। बाद में, इन धुनों ने आम तौर पर भजन के हिस्सों को बदल दिया और ग्रेगोरियन मंत्र की ध्वनि को काफी समृद्ध किया।

पॉलीफोनी के पहले उदाहरण मठों से उत्पन्न होते हैं, जैसे ऑर्गेनम - समानांतर क्वार्ट्स या पांचवें में आंदोलन, गिमेल, फोबॉर्डन - छठे कॉर्ड में आंदोलन, आचरण। ऐसे संगीत के प्रतिनिधि संगीतकार लियोनिन और पेरोटिन (नोट्रे डेम कैथेड्रल - XII-XIII सदियों) हैं।

मध्य युग की धर्मनिरपेक्ष संगीत संस्कृति

मध्य युग की संगीत संस्कृति के धर्मनिरपेक्ष पक्ष का प्रतिनिधित्व किसके द्वारा किया गया था: फ्रांस में - बाजीगर, मीम्स, मिनस्ट्रेल , जर्मनी में - स्पीलमैन्स, स्पेन में - होलार, रसिया में - मूर्खों... वे सभी यात्रा करने वाले कलाकार थे और अपने काम में वाद्य, गायन, नृत्य, जादू, कठपुतली थियेटर, सर्कस कला बजाते थे।

धर्मनिरपेक्ष संगीत का एक अन्य घटक शूरवीर था, तथाकथित दरबारी संस्कृति ... एक विशेष शूरवीर संहिता का गठन किया गया था, जिसमें कहा गया था कि प्रत्येक शूरवीरों में न केवल साहस और साहस होना चाहिए, बल्कि उत्तम शिष्टाचार, शिक्षा और सुंदर महिला के प्रति वफादार होना चाहिए। शूरवीरों के जीवन के ये सभी पहलू काम में परिलक्षित होते हैं troubadours(दक्षिणी फ्रांस - प्रोवेंस), ट्रौवर्स(उत्तरी फ्रांस), माइनसिंगर(जर्मनी)।

उनका काम मुख्य रूप से प्रेम गीतों में प्रस्तुत किया गया है, जिनमें से सबसे व्यापक शैली कैनज़ोना थी (मिनिंगर्स द्वारा एल्ब्स - "मॉर्निंग सॉन्ग्स")। परेशानियों के अनुभव को व्यापक रूप से लागू करते हुए, ट्रौवर्स ने अपनी खुद की शैलियों का निर्माण किया: "मई गाने", "गीत बुनाई"।

दरबारी संस्कृति के प्रतिनिधियों की संगीत शैलियों का सबसे महत्वपूर्ण क्षेत्र गीत और नृत्य विधाएँ थीं, जैसे रोंडो, विरेले, गाथागीत, वीर महाकाव्य। वाद्ययंत्रों की भूमिका बहुत महत्वहीन थी; इसे एक परिचय, एक अंतराल, एक पोस्टल्यूड के साथ मुखर धुनों को तैयार करने के लिए कम कर दिया गया था।

परिपक्व मध्य युग XI-XIII सदियों।

परिपक्व मध्य युग की एक विशिष्ट विशेषता विकास है बर्गर संस्कृति ... इसका ध्यान चर्च विरोधी, स्वतंत्र सोच, हंसी और कार्निवल लोककथाओं के साथ संबंध था। पॉलीफोनी की नई विधाएं दिखाई देती हैं: एक मोटेट, जो आवाजों की एक मधुर असमानता की विशेषता है, इसके अलावा, अलग-अलग ग्रंथों को एक साथ और यहां तक ​​​​कि विभिन्न भाषाओं में भी गाया जाता है; मद्रिगल मूल भाषा (इतालवी) में एक गीत है, कच्चा एक मुखर टुकड़ा है जिसमें शिकार का वर्णन करने वाला पाठ है।

12 वीं शताब्दी के बाद से, वैगंट्स और गोलियर्ड्स लोक कला में शामिल हो गए, जो दूसरों के विपरीत, साक्षर थे। विश्वविद्यालय मध्य युग की संगीत संस्कृति के वाहक बन गए। चूंकि मध्य युग की मोडल प्रणाली पवित्र संगीत के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित की गई थी, इसलिए उन्हें चर्च मोड (आयोनियन मोड, एओलियन मोड) कहा जाने लगा।

हेक्साचॉर्ड्स के सिद्धांत को भी सामने रखा गया था - केवल 6 डिग्री का उपयोग फ्रेट्स में किया गया था। भिक्षु गुइडो एरेटिन्स्की ने नोटों को रिकॉर्ड करने के लिए एक अधिक परिपूर्ण प्रणाली बनाई, जिसमें 4 पंक्तियों की उपस्थिति शामिल थी, जिसके बीच एक तीसरा अनुपात और एक प्रमुख चिन्ह या रेखाओं का रंग था। उन्होंने चरणों के शब्दांश नाम का भी परिचय दिया, अर्थात्, चरणों की ऊंचाई अक्षर चिह्नों द्वारा इंगित की जाने लगी।

अर्स नोवा XIII-XV शतक

मध्य युग और पुनर्जागरण के बीच का संक्रमण काल ​​XIV सदी था। फ्रांस और इटली में इस अवधि को Ars Nova कहा जाता था, यानी "नई कला"। कला में नए प्रयोगों का समय आ गया है। संगीतकारों ने काम लिखना शुरू किया, जिसकी लय पिछले वाले (फिलिप डी विट्री) की तुलना में बहुत अधिक जटिल हो गई।

इसके अलावा, पवित्र संगीत के विपरीत, यहां सेमिटोन पेश किए गए थे, जिसके परिणामस्वरूप स्वरों में यादृच्छिक वृद्धि और गिरावट होने लगी, लेकिन यह अभी तक मॉडुलन नहीं है। इस तरह के प्रयोगों के परिणामस्वरूप, ऐसे कार्य प्राप्त हुए जो दिलचस्प हैं, लेकिन हमेशा व्यंजना से दूर हैं। उस समय के सबसे उत्कृष्ट प्रयोगकर्ता-संगीतकार सोल्याज़ थे। मध्य युग की संगीत संस्कृति सीमित साधनों के बावजूद प्राचीन विश्व की संस्कृति की तुलना में अधिक विकसित है और इसमें पुनर्जागरण में संगीत के फूलने के लिए आवश्यक शर्तें शामिल हैं।

अपने अच्छे काम को नॉलेज बेस में भेजें सरल है। नीचे दिए गए फॉर्म का प्रयोग करें

छात्र, स्नातक छात्र, युवा वैज्ञानिक जो अपने अध्ययन और कार्य में ज्ञान के आधार का उपयोग करते हैं, वे आपके बहुत आभारी रहेंगे।

पर प्रविष्ट किया http://www.allbest.ru/

पेट्रोज़ावोडस्क स्टेट कंज़र्वेटरी (अकादमी) के नाम पर: ए.के. ग्लेज़ुनोव

सार

विषय पर: "मध्य युग का संगीत"

द्वारा पूरा किया गया: छात्र इलिना यूलिया

शिक्षक: ए.आई. टोकुनोव

परिचय

मध्य युग का संगीत संगीत संस्कृति के विकास की अवधि है, जो लगभग 5 वीं से 14 वीं शताब्दी ईस्वी तक की अवधि को कवर करती है।

मध्य युग मानव इतिहास में एक महान युग है, सामंती व्यवस्था के प्रभुत्व का समय।

संस्कृति की अवधि:

प्रारंभिक मध्य युग - वी - एक्स शताब्दी

परिपक्व मध्य युग - XI - XIV सदियों

395 में, रोमन साम्राज्य दो भागों में विभाजित हो गया: पश्चिमी और पूर्वी। पश्चिमी भाग में, 5वीं-9वीं शताब्दी में रोम के खंडहरों पर, बर्बर राज्य मौजूद थे: ओस्ट्रोगोथ्स, विसिगोथ्स, फ्रैंक्स, आदि। 9वीं शताब्दी में, शारलेमेन के साम्राज्य के पतन के परिणामस्वरूप, तीन राज्य थे यहां गठित: फ्रांस, जर्मनी, इटली। पूर्वी भाग की राजधानी कॉन्स्टेंटिनोपल थी, जिसकी स्थापना सम्राट कॉन्सटेंटाइन ने बीजान्टियम के ग्रीक उपनिवेश के स्थल पर की थी - इसलिए राज्य का नाम।

मध्य युग में, यूरोप में एक नई प्रकार की संगीत संस्कृति उभर रही है - सामंती, पेशेवर कला, शौकिया संगीत-निर्माण और लोककथाओं का संयोजन। चूंकि चर्च आध्यात्मिक जीवन के सभी क्षेत्रों पर हावी है, इसलिए पेशेवर संगीत कला का आधार मंदिरों और मठों में संगीतकारों की गतिविधि है। सबसे पहले, धर्मनिरपेक्ष पेशेवर कला का प्रतिनिधित्व केवल गायकों द्वारा किया जाता है, जो दरबार में, कुलीनों के घरों में, योद्धाओं, आदि (बार्ड्स, स्कैल्ड्स, आदि) में महाकाव्य किंवदंतियों का निर्माण और प्रदर्शन करते हैं। समय के साथ, शूरवीरता के संगीत-निर्माण के शौकिया और अर्ध-पेशेवर रूप विकसित होते हैं: फ्रांस में - ट्रौबाडोर्स और ट्रौवर्स की कला (एडम डे ला हाल, XIII सदी), जर्मनी में - मिनेसिंगर्स (वोल्फ्राम वॉन एसचेनबैक, वाल्टर वॉन डेर वोगेलवेइड, XII-XIII सदियों), और शहरी कारीगर भी। सामंती महलों और शहरों में, सभी प्रकार की प्रजातियों, शैलियों और गीतों के रूपों की खेती की जाती है (महाकाव्य, "सुबह", रोंडो, ले, विरल, गाथागीत, कैनज़ोन, लौडास, आदि)।

नए संगीत वाद्ययंत्रों ने रोजमर्रा की जिंदगी में प्रवेश किया, जिनमें पूर्व से आए (वायोला, ल्यूट, आदि), पहनावा (अस्थिर रचनाएं) शामिल हैं। किसान परिवेश में लोकगीत फलते-फूलते हैं। अभिनय करने वाले "लोक पेशेवर" भी हैं: कहानीकार, भटकते सिंथेटिक कलाकार (बाजीगर, मीम्स, मिनस्ट्रेल, शिपिलमैन, बफून)। संगीत फिर से मुख्य रूप से लागू और आध्यात्मिक-व्यावहारिक कार्य करता है। रचनात्मकता प्रदर्शन के साथ एकता में प्रकट होती है (आमतौर पर एक व्यक्ति में)।

धीरे-धीरे, यद्यपि धीरे-धीरे, संगीत की सामग्री, इसकी शैलियों, रूपों, अभिव्यक्ति के साधनों को समृद्ध किया जा रहा है। पश्चिमी यूरोप में छठी-सातवीं शताब्दी से। डायटोनिक मोड (ग्रेगोरियन गायन) पर आधारित मोनोफोनिक (मोनोडिक) चर्च संगीत की एक कड़ाई से विनियमित प्रणाली का गठन किया गया था, जिसमें सस्वर पाठ (भजन) और गायन (भजन) शामिल थे। पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर, पॉलीफोनी उत्पन्न होती है। नई वोकल (कोरल) और वोकल-इंस्ट्रूमेंटल (गाना बजानेवालों और अंग) शैलियों का निर्माण किया जा रहा है: ऑर्गनम, मोटेट, कंडक्शन, फिर मास। फ्रांस में, बारहवीं शताब्दी में, नोट्रे डेम कैथेड्रल (लियोनिन, पेरोटिन) में पहला संगीतकार (रचनात्मक) स्कूल बनाया गया था। पेशेवर संगीत में पुनर्जागरण (फ्रांस और इटली में आर्स नोवा शैली, XIV सदी) के मोड़ पर, एकरसता को पॉलीफोनी द्वारा दबा दिया जाता है, संगीत धीरे-धीरे विशुद्ध रूप से व्यावहारिक कार्यों (चर्च संस्कारों की सेवा) से खुद को मुक्त करना शुरू कर देता है, धर्मनिरपेक्ष शैलियों का महत्व , गीत शैलियों सहित, इसमें वृद्धि होती है (गिलौम डी मचौत)।

मध्य युग का भौतिक आधार सामंती संबंधों से बना था। मध्यकालीन संस्कृति ग्रामीण संपदा की स्थितियों में बनती है। भविष्य में नगरीय वातावरण - बर्गर - संस्कृति का सामाजिक आधार बन जाता है। राज्यों के गठन के साथ, मुख्य सम्पदाएं बनती हैं: पादरी, कुलीनता, लोग।

मध्य युग की कला चर्च के साथ निकटता से जुड़ी हुई है। ईसाई धर्म इस समय के दर्शन, नैतिकता, सौंदर्यशास्त्र और संपूर्ण आध्यात्मिक जीवन का आधार है। धार्मिक प्रतीकवाद से भरा, कला को सांसारिक, क्षणभंगुर - आध्यात्मिक, शाश्वत से निर्देशित किया जाता है।

आधिकारिक चर्च संस्कृति (उच्च) के साथ, एक धर्मनिरपेक्ष संस्कृति (जमीनी स्तर पर) थी - लोक (निचला सामाजिक स्तर) और शूरवीर (विनम्रता से)।

प्रारंभिक मध्य युग के पेशेवर संगीत के मुख्य केंद्र गिरजाघर थे, उनके साथ स्कूल, मठ - उस समय के शिक्षा के एकमात्र केंद्र थे। उन्होंने ग्रीक और लैटिन, अंकगणित और संगीत का अध्ययन किया।

मध्य युग के दौरान रोम पश्चिमी यूरोप में चर्च संगीत का मुख्य केंद्र था। छठी के अंत में - सातवीं शताब्दी की शुरुआत। पश्चिमी यूरोपीय चर्च संगीत की मुख्य विविधता बनती है - पोप ग्रेगरी I के नाम पर ग्रेगोरियन मंत्र, जिसने चर्च गायन में सुधार किया, एक साथ लाया और विभिन्न चर्च मंत्रों का आदेश दिया। ग्रेगोरियन मंत्र एक मोनोफोनिक कैथोलिक मंत्र है जिसमें विभिन्न मध्य पूर्वी और यूरोपीय लोगों (सीरियाई, यहूदी, ग्रीक, रोमन, आदि) की सदियों पुरानी गायन परंपराएं विलीन हो गई हैं। कैथोलिक धर्म के सिद्धांतों के अनुसार पैरिशियनों के ध्यान की दिशा में, यह एक एकल संगीत की चिकनी मोनोफोनिक खुलासा था जिसे एक ही इच्छा को व्यक्त करने के लिए बुलाया गया था। संगीत का चरित्र सख्त, अवैयक्तिक है। कोरल एक कोरस (इसलिए नाम), एक एकल कलाकार द्वारा कुछ वर्गों द्वारा किया गया था। डायटोनिक मोड के आधार पर प्रमुख आंदोलन। ग्रेगोरियन गायन ने कई क्रमों की अनुमति दी, जिसमें गंभीर रूप से धीमी कोरल स्तोत्र से लेकर वर्षगाँठ (एक शब्दांश का मेलिस्मेटिक जप) शामिल है, जिसमें उनके प्रदर्शन के लिए कलाप्रवीण व्यक्ति मुखर कौशल की आवश्यकता होती है।

ग्रेगोरियन जप श्रोता को वास्तविकता से दूर कर देता है, विनम्रता को जगाता है, चिंतन, रहस्यमय वैराग्य की ओर ले जाता है। इस प्रभाव को लैटिन में पाठ द्वारा भी सुगम बनाया गया है, जो कि अधिकांश पैरिशियन के लिए समझ से बाहर है। गायन की लय पाठ द्वारा निर्धारित की जाती थी। पाठ के उद्घोषणा के लहजे की प्रकृति के कारण यह अस्पष्ट, अनिश्चित है।

कैथोलिक चर्च, मास की मुख्य पूजा में विभिन्न प्रकार के ग्रेगोरियन जप को एक साथ लाया गया था, जिसमें पांच स्थिर भाग स्थापित किए गए थे:

काइरी एलिसन (भगवान की दया है)

ग्लोरिया (महिमा)

क्रेडो (मुझे विश्वास है)

सैंक्टस (पवित्र)

अग्नुस देई (भगवान का मेमना)।

समय के साथ, लोक संगीत के तत्व ग्रेगोरियन मंत्र में भजन, क्रम और ट्रॉप के माध्यम से रिसने लगते हैं। यदि भजन गायकों और पादरियों के एक पेशेवर गायक मंडली द्वारा प्रस्तुत किए जाते थे, तो भजन सबसे पहले पैरिशियन द्वारा किए जाते थे। वे आधिकारिक पूजा में सम्मिलित थे (उनमें लोक संगीत की विशेषताएं थीं)। लेकिन जल्द ही जन के भजन भागों ने भजन संहिताओं को प्रतिस्थापित करना शुरू कर दिया, जिससे पॉलीफोनिक द्रव्यमान की उपस्थिति हुई।

पहले अनुक्रम वर्षगांठ के माधुर्य का एक उप-पाठ थे ताकि माधुर्य की एक ध्वनि का एक अलग शब्दांश हो। अनुक्रमण एक व्यापक शैली बन रही है (सबसे लोकप्रिय "वेनी, पवित्र आत्मा", "डाई इरा", "स्टैबट मेटर") हैं। बर्लियोज़, लिस्ट्ट, त्चिकोवस्की, राचमानिनॉफ़ (अक्सर मृत्यु के प्रतीक के रूप में) द्वारा "डाईज़ इरा" का उपयोग किया गया था।

पॉलीफोनी के पहले उदाहरण मठों से आते हैं - ऑर्गनम (समानांतर पांचवें या क्वार्ट्स में आंदोलन), गिमेल, फोबर्डन (समानांतर छठे तार), आचरण। संगीतकार: लियोनिन और पेरोटिन (12-13 शताब्दी - नोट्रे डेम कैथेड्रल)।

मध्य युग में धर्मनिरपेक्ष लोक संगीत के वाहक फ्रांस में मिम्स, बाजीगर, मिनस्ट्रेल, जर्मन संस्कृति के देशों में स्पीलमैन, स्पेन में होहलर, रूस में बफून थे। ये यात्रा करने वाले कलाकार बहुमुखी उस्ताद थे: उन्होंने गायन, नृत्य, जादू, सर्कस कला और कठपुतली के साथ विभिन्न वाद्ययंत्रों को बजाया।

धर्मनिरपेक्ष संस्कृति का दूसरा पक्ष शूरवीर (सभ्य) संस्कृति (धर्मनिरपेक्ष सामंतों की संस्कृति) था। लगभग सभी कुलीन लोग शूरवीर थे - गरीब योद्धाओं से लेकर राजाओं तक। एक विशेष शूरवीर संहिता का गठन किया जा रहा है, जिसके अनुसार शूरवीर को साहस और वीरता के साथ-साथ उत्तम शिष्टाचार, शिक्षित, उदार, उदार, सुंदर महिला की ईमानदारी से सेवा करनी थी। नाइटली लाइफ के सभी पहलुओं को ट्रौबाडोर्स (प्रोवेंस - दक्षिणी फ्रांस), ट्रौवर्स (उत्तरी फ्रांस), मिनेसिंगर्स (जर्मनी) की संगीत और काव्य कला में परिलक्षित किया जाता है। मुसीबतों की कला मुख्य रूप से प्रेम गीतों से जुड़ी है। प्रेम गीतों की सबसे लोकप्रिय शैली कैनज़ोना थी (मिनिंगर्स के बीच - "मॉर्निंग सॉन्ग्स" - एल्ब्स)।

ट्रुवर्स, मुसीबतों के अनुभव का व्यापक उपयोग करते हुए, अपनी मूल शैलियों का निर्माण किया है: "गीत बुनाई", "मई गाने"। ट्रौबाडोर्स, ट्रौवर्स और मिनेसिंगर्स की संगीत शैलियों का एक महत्वपूर्ण क्षेत्र गीत और नृत्य शैलियों था: रोंडो, गाथागीत, विरेले (रूपों से बचना), साथ ही साथ वीर महाकाव्य (फ्रांसीसी महाकाव्य "रोलैंड का गीत", जर्मन - "गीत का गीत" निबेलुंग्स")। माइनसिंगर्स के बीच क्रूसेडर गाने आम थे।

ट्रौबाडोर्स, ट्रौवर्स और माइनसिंगर्स की कला की विशेषता विशेषताएं:

मोनोफोनी माधुर्य और काव्य पाठ के बीच के अटूट संबंध का परिणाम है, जो संगीत और काव्य कला के बहुत सार से आता है। एक उच्चारण की सामग्री के व्यक्तिगत मूल्यांकन के लिए, मोनोफोनिकिटी भी अपने स्वयं के अनुभवों की एक व्यक्तिगत अभिव्यक्ति के लिए सेटिंग से मेल खाती है (अक्सर व्यक्तिगत अनुभवों की अभिव्यक्ति प्रकृति के चित्रों को रेखांकित करके तैयार की जाती थी)।

मुख्य रूप से मुखर प्रदर्शन। वाद्ययंत्रों की भूमिका महत्वपूर्ण नहीं थी: यह मुखर माधुर्य को तैयार करते हुए परिचय, अंतराल और पोस्टल्यूड्स के प्रदर्शन तक सीमित थी।

शूरवीर कला को पेशेवर के रूप में बोलना अभी भी असंभव है, लेकिन पहली बार धर्मनिरपेक्ष संगीत-निर्माण की स्थितियों में, एक शक्तिशाली संगीत और काव्य निर्देशन अभिव्यंजक साधनों के एक विकसित परिसर और एक अपेक्षाकृत पूर्ण संगीत लेखन के साथ बनाया गया था।

X-XI सदियों से शुरू होने वाले परिपक्व मध्य युग की महत्वपूर्ण उपलब्धियों में से एक शहरों (बर्गर संस्कृति) का विकास था। शहरी संस्कृति की मुख्य विशेषताएं चर्च विरोधी, स्वतंत्रता-प्रेमी अभिविन्यास, लोककथाओं से संबंध, इसकी हँसी और कार्निवल चरित्र थे। गोथिक स्थापत्य शैली विकसित हो रही है। नई पॉलीफोनिक शैलियों का गठन किया जा रहा है: 13-14 वीं से 16 वीं शताब्दी तक। - मोटेट (फ्रेंच से - "शब्द"। एक मोटेट के लिए, एक ही समय में अलग-अलग पाठों को स्वर देने वाली आवाज़ों की आम तौर पर मधुर असमानता - अक्सर अलग-अलग भाषाओं में भी), मैड्रिगल (इतालवी से - "मूल भाषा में गीत", यानी इतालवी। ग्रंथ प्रेम-गीतात्मक, देहाती), कच्छ (इतालवी से - "शिकार" - शिकार को दर्शाने वाले पाठ पर आधारित एक मुखर टुकड़ा)।

यात्रा करने वाले लोक संगीतकार एक खानाबदोश जीवन शैली से एक गतिहीन जीवन शैली की ओर बढ़ते हैं, पूरे शहर के ब्लॉकों को आबाद करते हैं और एक प्रकार की "संगीतकार कार्यशाला" बनाते हैं। 12 वीं शताब्दी की शुरुआत में, वैगंट्स और गोलियर्ड्स लोक संगीतकारों में शामिल हो गए - विभिन्न वर्गों (स्कूली बच्चों, भगोड़े भिक्षुओं, भटकते मौलवियों) के अवर्गीकृत लोग। अनपढ़ बाजीगरों के विपरीत - मौखिक परंपरा की कला के विशिष्ट प्रतिनिधि - आवारा और गोलियार्ड साक्षर थे: वे लैटिन और शास्त्रीय छंद के नियमों को जानते थे, संगीत की रचना करते थे - गीत (छवियों का चक्र स्कूल विज्ञान और छात्र के साथ जुड़ा हुआ है) जीवन) और यहां तक ​​​​कि जटिल रचनाएं जैसे कि आचरण और प्रेरक ...

विश्वविद्यालय संगीत संस्कृति का एक महत्वपूर्ण केंद्र बन गए हैं। संगीत, या बल्कि संगीत ध्वनिकी, खगोल विज्ञान, गणित, भौतिकी के साथ, चतुर्भुज में प्रवेश किया, अर्थात्। विश्वविद्यालयों में अध्ययन किए गए चार विषयों का एक चक्र।

इस प्रकार, मध्ययुगीन शहर में विभिन्न प्रकृति और सामाजिक अभिविन्यास की संगीत संस्कृति के केंद्र थे: लोक संगीतकारों के संघ, दरबारी संगीत, मठों और गिरिजाघरों का संगीत, विश्वविद्यालय संगीत अभ्यास।

मध्य युग का संगीत सिद्धांत धर्मशास्त्र से निकटता से संबंधित था। कुछ संगीत-सैद्धांतिक ग्रंथों में जो हमारे पास आए हैं, संगीत को "चर्च के सेवक" के रूप में देखा गया था। प्रारंभिक मध्य युग के प्रमुख ग्रंथों में ऑगस्टाइन की 6 किताबें "ऑन म्यूजिक", बोथियस की 5 किताबें "ऑन द इस्टैब्लिशमेंट ऑफ म्यूजिक" और अन्य शामिल हैं। इन ग्रंथों में एक बड़ा स्थान अमूर्त शैक्षिक मुद्दों को दिया गया था, के सिद्धांत संगीत की लौकिक भूमिका, और इसी तरह।

मध्ययुगीन झल्लाहट प्रणाली चर्च पेशेवर संगीत कला के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित की गई थी - इसलिए, "चर्च फ्रेट्स" नाम मध्ययुगीन फ्रेट्स को सौंपा गया था। आयोनियन और एओलियन को मुख्य मोड के रूप में स्थापित किया गया था।

मध्य युग के संगीत सिद्धांत ने हेक्साकॉर्ड्स के सिद्धांत को सामने रखा। प्रत्येक झल्लाहट में, अभ्यास में 6 डिग्री का उपयोग किया गया था (उदाहरण के लिए: do, re, mi, fa, sol, la)। X को तब टाला गया था, क्योंकि एफए के साथ मिलकर, इसने एक बढ़े हुए चौथे का गठन किया, जिसे बहुत ही असंगत और लाक्षणिक रूप से "संगीत में शैतान" कहा जाता था।

अवैध रिकॉर्डिंग का व्यापक रूप से उपयोग किया गया था। गुइडो एरेटिन्स्की ने संगीत संकेतन प्रणाली में सुधार किया। उनके सुधार का सार इस प्रकार था: चार पंक्तियों की उपस्थिति, व्यक्तिगत रेखाओं के बीच तीसरा अनुपात, कुंजी चिह्न (मूल रूप से वर्णानुक्रमिक) या रेखाओं का रंग। उन्होंने पैमाने के पहले छह डिग्री के लिए सिलेबिक पदनाम भी पेश किए: ut, re, mi, fa, sol, la।

मेन्सुरल नोटेशन पेश किया गया है, जहां प्रत्येक नोट को एक निश्चित लयबद्ध माप सौंपा गया था (लैटिन मेन्सुरा - माप, माप)। अवधियों का नाम: मैक्सिम, लोंगा, ब्रेविस, आदि।

XIV सदी - मध्य युग और पुनर्जागरण के बीच एक संक्रमणकालीन अवधि। XIV सदी के फ्रांस और इटली की कला को "Ars nova" (लैटिन से - नई कला) नाम मिला, और इटली में इसमें प्रारंभिक पुनर्जागरण के सभी गुण थे। मुख्य विशेषताएं: चर्च संगीत की विशेष रूप से शैलियों का उपयोग करने से इनकार करना और धर्मनिरपेक्ष मुखर और वाद्य कक्ष शैलियों (गाथागीत, कच्चा, मद्रिगल) के लिए अपील, रोजमर्रा की गीत लेखन के साथ अभिसरण, विभिन्न संगीत वाद्ययंत्रों का उपयोग। Ars nova तथाकथित के विपरीत है। अर्स एंटिका (अव्य। अर्स एंटिका - पुरानी कला), जिसका अर्थ है XIV सदी की शुरुआत से पहले की संगीत कला। आर्स नोवा के सबसे बड़े प्रतिनिधि गुइल्यूम डी मचॉट (14 वीं शताब्दी, फ्रांस) और फ्रांसेस्को लैंडिनो (14 वीं शताब्दी, इटली) थे।

इस प्रकार, मध्य युग की संगीत संस्कृति, सापेक्ष सीमित साधनों के बावजूद, प्राचीन विश्व के संगीत की तुलना में एक उच्च स्तर का प्रतिनिधित्व करती है और इसमें पुनर्जागरण में संगीत कला के शानदार उत्कर्ष के लिए आवश्यक शर्तें शामिल हैं।

संगीत मध्य युग ग्रेगोरियन परेशान

1. मूल बातें

Troubadours(फ्रांसीसी परेशान, ऑक्स से। ट्रोबार - कविता की रचना करने के लिए) या, जैसा कि उन्हें अक्सर कहा जाता है, मिनस्ट्रेल मध्य युग के कवि और गायक होते हैं, जिनका काम ग्यारहवीं से तेरहवीं शताब्दी तक की अवधि में होता है, और इसके सुनहरे दिनों की शुरुआत होती है। बारहवीं, और तेरहवीं शताब्दी की शुरुआत में समाप्त होता है। परेशानी की कला फ्रांस के दक्षिणी भाग में उत्पन्न हुई, इसका मुख्य केंद्र प्रोवेंस क्षेत्र था। संकटमोचनों ने अपनी कविताओं को ओसीसी रोमांस भाषा में लिखा, जो फ्रांस में लॉयर के दक्षिण में और साथ ही फ्रांस से सटे इटली और स्पेन के क्षेत्रों में आम थी। संकटमोचक समाज के सामाजिक, धार्मिक और राजनीतिक जीवन में सक्रिय भागीदार थे। उन्हें चर्च की आलोचना करने के लिए सताया गया था। 1209-1229 में एल्बिजेन्सियन धर्मयुद्ध ने उनकी कला को समाप्त कर दिया। संकटमोचनों का कार्य संकटमोचनों की कला से संबंधित था। फ़्रांस के दक्षिणी क्षेत्रों में समान ऐतिहासिक परिस्थितियों में परेशान करने वालों के संगीत के रूप में प्रकट होने के कारण, परेशान के गीतात्मक कार्यों में इसके साथ बहुत कुछ समान था। इसके अलावा, ट्रौवर्स ट्रबलर्स की कविता के प्रत्यक्ष और बहुत मजबूत प्रभाव में थे, जो गहन साहित्यिक आदान-प्रदान के कारण था।

मिनेसिंगर्स- जर्मन गीत कवि-गायक जिन्होंने शिष्टता के प्रेम, महिला के लिए प्रेम, ईश्वर की सेवा और अधिपति, धर्मयुद्ध की प्रशंसा की। मिनेसिंगर्स के गीत आज तक जीवित हैं, उदाहरण के लिए, हीडलबर्ग पांडुलिपि में। "मिननेज़ैंग" शब्द का प्रयोग कई अर्थों में किया जाता है। एक व्यापक अर्थ में, मिनेसांग की अवधारणा कई शैलियों को एकजुट करती है: धर्मनिरपेक्ष शूरवीर कविता, प्रेम (लैटिन और जर्मन में) योनि और श्पीलमैन की कविता, साथ ही बाद में "न्यायालय (सौहार्दपूर्ण) गांव कविता" (जर्मन होफिश डोरफपोसी)। एक संकीर्ण अर्थ में, मिनेसांग को जर्मन शूरवीर कविता की एक बहुत ही विशिष्ट शैली के रूप में समझा जाता है - प्रोवेंस, फ्रांस और फ्लेमिश की परेशानियों के प्रभाव में उत्पन्न होने वाला विनम्र साहित्य।

लोक संगीत(या लोकगीत, अंग्रेजी लोकगीत) - लोगों की संगीत और काव्य रचनात्मकता। वह लोककथाओं का एक अभिन्न अंग है और साथ ही पंथ और धर्मनिरपेक्ष, पेशेवर और सामूहिक संगीत संस्कृति के गठन और विकास की ऐतिहासिक प्रक्रिया में शामिल है। अंतर्राष्ट्रीय लोक संगीत परिषद (1950 के दशक की शुरुआत में) के सम्मेलन में, लोक संगीत को संगीत परंपरा के एक उत्पाद के रूप में परिभाषित किया गया था, जो तीन कारकों द्वारा मौखिक प्रसारण की प्रक्रिया में बनता है - निरंतरता (निरंतरता), परिवर्तनशीलता (परिवर्तनशीलता) और चयनात्मकता (चयन) पर्यावरण के) और लिखित संगीत परंपराएं। लिखित संगीत परंपराओं के विकास के बाद से, संस्कृतियों का निरंतर पारस्परिक प्रभाव रहा है। इस प्रकार, लोक संगीत एक निश्चित क्षेत्र पर और एक विशिष्ट ऐतिहासिक समय पर मौजूद होता है, अर्थात यह स्थान और समय से सीमित होता है, जो हर लोक संगीत संस्कृति में संगीत-लोकगीत बोलियों की एक प्रणाली बनाता है।

ग्रेगरी राग(लैटिन कैंटस ग्रेगोरियनस; अंग्रेजी ग्रेगोरियन मंत्र, फ्रेंच मंत्र ग्रेगोरियन, जर्मन ग्रेगोरियनिशर गेसांग, इटालियन कैंटो ग्रेगोरियानो), ग्रेगोरियन मंत्र [कैंटस प्लेनस - रोमन कैथोलिक चर्च का पारंपरिक लिटर्जिकल मंत्र। "ग्रेगोरियन मंत्र" शब्द ग्रेगरी I नाम से आता है। द ग्रेट (पोप 590-604), जिनके लिए मध्ययुगीन परंपरा ने रोमन लिटुरजी के अधिकांश मंत्रों को जिम्मेदार ठहराया। वास्तव में, ग्रेगरी की भूमिका सीमित थी, जाहिरा तौर पर, केवल लिटर्जिकल उपयोग के संकलन के लिए, संभवतः एंटीफ़ोनरी। रूसी में कोरल शब्द का प्रयोग अस्पष्ट रूप से किया जाता है (अक्सर लूथरन द्वारा चर्च गीतों के चार-भाग के उपचार के अर्थ में, संगीत संबंधी कार्यों में भी - "कोरल वेयरहाउस" [अर्थ पॉलीफोनी] वाक्यांश में), इसलिए, लिटर्जिकल मोनोडी को नामित करने के लिए कैथोलिकों के लिए, प्रामाणिक मध्ययुगीन शब्द कैंटस प्लेनस (जिसे रूसी में "चिकनी मंत्र", "चिकनी मंत्र", आदि के रूप में अनुवादित किया जा सकता है) का उपयोग करने की सलाह दी जाती है।

जप (लिटर्जिकल) पाठ की डिग्री के अनुसार, मंत्रों को शब्दांश (पाठ के प्रति शब्द 1 स्वर), गैर-अक्षर (2-3 टन प्रति शब्दांश) और मेलिस्मैटिक (प्रति अक्षर असीमित संख्या में टन) में विभाजित किया जाता है। पहले प्रकार में सस्वर विस्मयादिबोधक, स्तोत्र और कार्यालय के अधिकांश एंटिफ़ोन शामिल हैं, दूसरा - मुख्य रूप से अंतर्मुखी, कम्युनियो (सहभागी एंटिफ़ोन) और मास के कुछ सामान्य मंत्र, तीसरे - कार्यालय और जनता के बड़े उत्तरदायित्व (यानी , डिग्री), ट्रैक्ट्स, हलेलुजाह, आदि।

बीजान्टिन पवित्र संगीत... प्रेरित पौलुस गवाही देता है कि प्रारंभिक मसीहियों ने भजन, स्तुति और आत्मिक गीतों में परमेश्वर की स्तुति गाई (इफि0 5:19)। इस प्रकार, चर्च में हमेशा संगीत का उपयोग किया गया है। चर्च के इतिहासकार यूसेबियस लिखते हैं कि भजन और भजन विश्वासियों द्वारा "शुरुआत से ही प्रभु की महिमा करने के लिए" बनाए गए थे। भजनों की रचना के लिए प्राचीन यूनानी भाषा के साथ-साथ ईसाई कवियों ने प्राचीन यूनानी संगीत का भी प्रयोग किया, जो उस समय प्रबुद्ध जगत में व्यापक था। पहली तीन शताब्दियों के महान पिता, जैसे कि सेंट इग्नाटियस द गॉड-बेयरर, सेंट जस्टिन द फिलोसोफर, सेंट आइरेनियस, नियोकैसेरिया के सेंट ग्रेगरी बिशप, चमत्कार कार्यकर्ता, ने सलमोपेनिया में विशेष रुचि दिखाई। गायन परंपरा में एक विशेष स्थान पर सेंट जॉन डैमस्केन (676-756) का कब्जा है, जिन्होंने सुंदर मंत्र लिखने के अलावा, चर्च संगीत को व्यवस्थित किया। उन्होंने संगीत को आठ स्वरों में विभाजित किया: पहला, दूसरा, तीसरा, चौथा, पहला प्लग, दूसरा प्लग, तीसरा प्लग (या वारिस), और चौथा प्लग, और विशेष वर्णों का उपयोग करके संगीत रिकॉर्ड करने का एक तरीका स्थापित किया। दमिश्क के संत जॉन ने संगीत की अनधिकृत, सांसारिक रचना को सीमित कर दिया और इसमें सादगी और पवित्रता का बचाव किया।

2. मध्ययुगीन यूरोप के संगीत वाद्ययंत्र

शाल्मी XIII सदी में दिखाई दिया, यह संरचना में क्रुमहॉर्न के करीब है। सुविधा के लिए, बैरल के ऊपरी भाग में "पाइरॉएट" नामक एक विशेष मोड़ बनाया जाता है (आधुनिक सैक्सोफोन में कुछ ऐसा ही पाया जाता है)। उंगलियों के आठ छेदों में से एक को वाल्व द्वारा बंद किया गया था, जिससे खेल प्रक्रिया में भी आसानी हुई। इसके बाद, सभी वुडविंड्स में वाल्वों का उपयोग किया गया। शाल्मी की आवाज तेज और सुरीली है, और यहां तक ​​​​कि कम-पंजीकरण वाली किस्में भी आधुनिक श्रोता को तेज और तीखी लगती हैं।

विभिन्न रजिस्टरों की अनुदैर्ध्य बांसुरी बहुत लोकप्रिय थी। उन्हें अनुदैर्ध्य कहा जाता है क्योंकि, आधुनिक अनुप्रस्थ बांसुरी के विपरीत, कलाकार उन्हें लंबवत रखता है न कि क्षैतिज रूप से। बांसुरी में नरकट का उपयोग नहीं किया जाता है, इसलिए वे अन्य वायु वाद्ययंत्रों की तुलना में शांत ध्वनि करते हैं, लेकिन उनका समय आश्चर्यजनक रूप से कोमल और बारीकियों में समृद्ध है। मध्य युग के झुके हुए तार वाले वाद्ययंत्र - रेबेक और फिदेल। उनके पास दो से पांच तार होते हैं, लेकिन फिदेल में एक अधिक गोल शरीर होता है, जो एक नाशपाती की याद ताजा करता है, जबकि रेबेक (टिम्ब्रे के समान) में अधिक आयताकार आकार होता है। XI सदी के बाद से। अपने डिजाइन में मूल ट्रुमशाइट उपकरण जाना जाता है। नाम दो जर्मन शब्दों से आया है: ट्रुम - "पाइप" और स्कीट - "लॉग"। ट्रुमशाइट में एक लंबा, पच्चर के आकार का शरीर और एक तार होता है। XVII सदी में। शरीर के अंदर, अतिरिक्त गूंजने वाले तार खींचे गए। वे उनके आगे झुके नहीं थे, लेकिन मुख्य तार पर बजाते समय, वे कंपन करते थे, और इससे ध्वनि के समय में अतिरिक्त रंग आ जाते थे। स्ट्रिंग के लिए, एक विशेष स्टैंड था, जिसमें एक पैर दूसरे से छोटा था, और इसलिए स्टैंड शरीर के खिलाफ पूरी तरह से फिट नहीं था। खेलने के दौरान, स्ट्रिंग के कंपन के प्रभाव में, यह शरीर से टकराया, और इस प्रकार "टक्कर संगत" का मूल प्रभाव पैदा हुआ।

झुके हुए के अलावा, स्ट्रिंग समूह में प्लक वाले भी शामिल थे - वीणा और ज़ीर। मध्ययुगीन वीणा आकार में आधुनिक के समान है, लेकिन आकार में बहुत छोटी है। ज़ीरे गुसली जैसा थोड़ा सा दिखता है, लेकिन अधिक जटिल है। लकड़ी के मामले के एक तरफ (एक आयताकार बॉक्स के रूप में) एक छोटा गोल कगार बनाया गया था। गर्दन (इससे। ग्रिफ - "हैंडल") - स्ट्रिंग्स को स्ट्रिंग करने के लिए एक लकड़ी की प्लेट - विशेष धातु अनुमानों - फ्रेट्स द्वारा विभाजित की जाती है। उनके लिए धन्यवाद, कलाकार अपनी उंगली से वांछित नोट को सटीक रूप से हिट करता है। ज़ीरे में तीस से चालीस तार होते हैं, जिनमें से चार से पाँच धातु के होते हैं, शेष शिराओं से युक्त होते हैं। धातु के तार पर खेलने के लिए, एक थिम्बल का उपयोग किया जाता है (उंगली पर रखा जाता है), और नसों को उंगलियों से पिन किया जाता है। (ज़िदर 12वीं-13वीं सदी के मोड़ पर दिखाई दिए, लेकिन 15वीं-16वीं सदी में विशेष रूप से लोकप्रिय हो गए।

3. प्राचीन रूस में संगीत

मध्य युग की कला इसकी सभी विविधता के लिए, इसकी कुछ सामान्य विशेषताएं थीं जो जीवन में इसके स्थान, सामाजिक चेतना के रूपों की प्रणाली, विशिष्ट व्यावहारिक उद्देश्य और इसके वैचारिक कार्यों की प्रकृति से निर्धारित होती थीं। कला, जैसे मध्ययुगीन विज्ञान, नैतिकता, दर्शन, को धर्म की सेवा में रखा गया था और लोगों की चेतना पर अपने अधिकार और शक्ति को मजबूत करने, ईसाई सिद्धांत के सिद्धांतों को स्पष्ट और बढ़ावा देने में मदद करने के लिए माना जाता था। उनकी भूमिका इस प्रकार लागू और अधीनस्थ निकली। इसे केवल उस विस्तृत, शानदार अनुष्ठान क्रिया के घटक भागों में से एक माना जाता था, जो कि ईसाई चर्च की पूजा है। धार्मिक अनुष्ठान के बाहर, कला को पापी और मानव आत्माओं के लिए हानिकारक के रूप में मान्यता दी गई थी।

चर्च मंत्रअन्य सभी कलाओं की तुलना में पंथ के साथ अधिक निकटता से जुड़ा था। दैवीय सेवाएं बिना चिह्न के, भव्य मंदिर परिसर के बाहर, एक साधारण और तपस्या में की जा सकती हैं। पुजारियों को रसीले, अलंकृत वस्त्र नहीं पहनने पड़ते थे। लेकिन गायन सबसे प्राचीन ईसाई समुदायों में पहले से ही प्रार्थना अनुष्ठान का एक अभिन्न अंग था, जिसने सभी विलासिता और अलंकरण को अस्वीकार कर दिया था।

गायन में प्रमुख भूमिका पाठ की थी, माधुर्य केवल "दिव्य शब्दों" की धारणा को सुविधाजनक बनाने के लिए माना जाता था। इस आवश्यकता ने चर्च गायन की प्रकृति को भी निर्धारित किया। यह एक स्वर में, एक स्वर में और उपकरणों की संगत के बिना किया जाना चाहिए था। पूजा के लिए संगीत वाद्ययंत्रों का प्रवेश, साथ ही उस अवधि के कैथोलिक चर्च संगीत में कोरल पॉलीफोनी का विकास देर से मध्य युग , ईसाई कला के सख्त तपस्वी मानदंडों का उल्लंघन था, जिसे कुछ रियायतों और समझौतों की कीमत पर उस समय की नई मांगों के अनुकूल होना पड़ा। यह ज्ञात है कि कैथोलिक अधिकारियों ने बाद में बार-बार ग्रेगोरियन कैंटस प्लेनस की पवित्र सादगी पर लौटने का सवाल उठाया। पूर्वी ईसाई चर्च ने 17 वीं शताब्दी के मध्य तक एक साथ एक कैपेला गायन की परंपरा को बरकरार रखा, और कुछ देशों में अब भी, संगीत वाद्ययंत्रों का उपयोग आज तक प्रतिबंधित है। यह अत्यधिक अभिव्यक्ति के बिना, चर्च मंत्रों को सरल और संयम से करने वाला था, क्योंकि केवल ऐसा गायन ही प्रार्थना करने वाले को भगवान के करीब लाता है।

चर्च, जिसका मध्य युग में ज्ञान और शिक्षा के क्षेत्र में एकाधिकार था, संगीत लेखन और संगीत सिखाने के साधनों का एकमात्र मालिक था। मध्ययुगीन गैर-परक्राम्य लेखन, जिनमें से एक किस्म रूसी बैनर थे, केवल चर्च मंत्रों को रिकॉर्ड करने के लिए थी। चर्च गायन, जो मोनोफोनिक परंपरा के ढांचे के भीतर विकसित हुआ, 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध तक रूस में बना रहा, विकसित सैद्धांतिक परिसर और एक निश्चित मात्रा में रचनात्मक और तकनीकी नियमों के आधार पर लिखित संगीत कला का एकमात्र प्रकार था।

मध्य युग की कला परंपराओं के एक महान धीरज की विशेषता। इसका एक परिणाम व्यक्तिगत, व्यक्तिगत सिद्धांत की कमजोर अभिव्यक्ति है। बाहर से, यह इस तथ्य में प्रकट होता है कि कला के अधिकांश कार्य गुमनाम रहे। इन कार्यों के रचनाकारों ने, एक नियम के रूप में, उनके नीचे हस्ताक्षर नहीं किए या एक छिपे हुए, एन्क्रिप्टेड तरीके से उनके लेखकत्व का संकेत नहीं दिया। समाप्त, समाप्त पाठ उल्लंघन योग्य नहीं रहा। पत्राचार के दौरान, वह परिवर्तन, कटौती, या, इसके विपरीत, किसी अन्य स्रोत से उधार लिए गए सम्मिलन द्वारा विस्तार के अधीन हो सकता है। मुंशी एक यांत्रिक प्रतिलिपिकार नहीं था, लेकिन, एक निश्चित सीमा तक, एक सह-लेखक, जिसने जो लिखा गया था उसकी अपनी व्याख्या दी, जिसने अपनी टिप्पणी की, स्वतंत्र रूप से पाठ के विभिन्न टुकड़ों में शामिल हो गया। नतीजतन, काम अनिवार्य रूप से सामूहिक रचनात्मकता का एक उत्पाद बन गया, और कई बाद की परतों के तहत अपने मूल आधार को प्रकट करने के लिए, अक्सर बहुत महान प्रयासों की आवश्यकता होती है।

मध्ययुगीन संगीतकार ने मधुर सूत्रों के एक स्थापित सेट के साथ निपटा, जिसे उन्होंने कुछ संरचना नियमों और विनियमों का पालन करते हुए संयुक्त और संयुक्त किया। संपूर्ण, संपूर्ण माधुर्य भी एक सूत्र बन सकता है। तथाकथित "गायन की तरह", जो रूसी गायन कला की पहली शताब्दियों में विशेष रूप से व्यापक था, इस तथ्य में शामिल था कि चर्च के उपयोग में स्वीकार की जाने वाली कुछ धुनें विभिन्न लिटर्जिकल ग्रंथों के जप के लिए मॉडल बन गईं। मेलोडिक फॉर्मूला, जो ज़नामेनी मंत्र की मुख्य संरचनात्मक इकाई के रूप में कार्य करता है, को मेलोडी का नाम मिला, और व्यक्तिगत धुनों के संयोजन और संशोधित पुनरावृत्ति के आधार पर एक संगीत बनाने की विधि को आमतौर पर एक भिन्न गीत के रूप में परिभाषित किया जाता है।

मध्यकालीन कलाकार को सख्त नियमों का पालन करने के बावजूद, और विहित मॉडल के सख्त पालन की आवश्यकता के बावजूद, व्यक्तिगत रचनात्मकता की संभावना को पूरी तरह से खारिज नहीं किया गया था। लेकिन यह प्रमुख परंपराओं की अस्वीकृति और नए सौंदर्य सिद्धांतों के अनुमोदन में नहीं, बल्कि सामान्य विशिष्ट योजनाओं के उपयोग में सूक्ष्म, विस्तृत बारीकियों, स्वतंत्रता और लचीलेपन के कौशल में व्यक्त किया गया था। संगीत में, निरंतर मधुर सूत्रों के इस तरह के पुनर्विचार को स्वर की बारीकियों के माध्यम से प्राप्त किया गया था। कुछ अंतरालों को दूसरों के साथ बदलकर, मधुर रेखा के मोड़ में छोटे परिवर्तन, लयबद्ध लहजे के पुनर्व्यवस्था और विस्थापन ने इसकी मूल संरचना का उल्लंघन किए बिना माधुर्य की अभिव्यंजक संरचना को बदल दिया। इनमें से कुछ परिवर्तनों ने व्यवहार में जड़ें जमा लीं और एक पारंपरिक चरित्र प्राप्त कर लिया। धीरे-धीरे जमा होते हुए, उन्होंने स्थानीय किस्मों, स्कूलों और व्यक्तिगत तौर-तरीकों का निर्माण किया, जिनकी अपनी विशिष्ट विशेषताएं थीं।

4. लोक और पेशेवर औरकला

ईसाई चर्च, पश्चिम और पूर्व दोनों में, मानव मानस को प्रभावित करने के सभी साधनों पर एकाधिकार करने का प्रयास करते हुए और उन्हें पूरी तरह से अपने लक्ष्यों की सेवा में लगाने का प्रयास करते हुए, पारंपरिक लोक खेलों, गीतों और नृत्यों के प्रति तीव्र शत्रुतापूर्ण था, उन्हें पापी घोषित किया, उन्हें सच्चे विश्वास और धर्मपरायणता से दूर करना ... मध्यकालीन धार्मिक उपदेश और शिक्षाएँ उन लोगों की कठोर निंदाओं से भरे हुए हैं जो आत्मा के लिए इन विनाशकारी मनोरंजनों में लिप्त हैं, और उन्हें अगली दुनिया में धिक्कार और अनन्त पीड़ा की धमकी देते हैं। लोक कला के प्रति इस तरह के असहिष्णु रवैये का एक कारण इसका बुतपरस्त विश्वासों और रीति-रिवाजों से संबंध था जो ईसाई धर्म अपनाने के बाद लंबे समय तक आबादी के बीच रहते थे। रूसी धार्मिक और शिक्षण साहित्य में, गाने, नृत्य और वाद्ययंत्र बजाने की तुलना आमतौर पर "मूर्तिपूजा", "मूर्ति बलिदान" और "शापित भगवान" द्वारा की जाने वाली प्रार्थनाओं से की जाती है। बुतपरस्ती .

लेकिन ये सभी निंदा और निषेध लोगों की अपनी मूल कला के प्रति प्रेम को मिटा नहीं सके। पारंपरिक प्रकार की लोक कलाएँ समाज के विभिन्न स्तरों में व्यापक रूप से विद्यमान, जीवित और विकसित होती रहीं। लोककथाओं ने अपने विविध रूपों और अभिव्यक्तियों में जीवन के व्यापक क्षेत्र पर कब्जा कर लिया, और कलात्मकता में इसके हिस्से पर कब्जा कर लिया मध्य युग की संस्कृति आधुनिक कला प्रणाली की तुलना में अधिक महत्वपूर्ण था। लोकगीतों ने धर्मनिरपेक्ष संगीत रचनात्मकता के लिखित रूपों की कमी से पैदा हुए शून्य को भर दिया। लोक गीत, लोक "गेमर्स" की कला - संगीत वाद्ययंत्र पर कलाकार - न केवल निचले तबके के कामकाजी लोगों के बीच, बल्कि समाज के ऊपरी तबके में राजकुमार के दरबार तक व्यापक थे।

लोक गीत के प्रभाव में, रूसी चर्च गायन की विशिष्ट स्वर संरचना का गठन किया गया था, जो समय के साथ बीजान्टिन नमूनों से दूर चला गया, अपने स्वयं के राष्ट्रीय रूप से अद्वितीय मधुर रूपों को विकसित कर रहा था। दूसरी ओर, धार्मिक ईसाई विचारों और चर्च कला की शैली के प्रभाव के निशान रूसी लोक गीत की आलंकारिक-काव्यात्मक और संगीत संरचना में पाए जा सकते हैं, जिसे शोधकर्ताओं-लोकगीतों द्वारा बार-बार बताया गया है।

सामूहिकता लोककथाओं की मुख्य विशेषताओं में से एक है। एक नियम के रूप में, लोक कला की कृतियाँ किसी एक लेखक के व्यक्तित्व से जुड़ी नहीं होती हैं और उन्हें संपत्ति माना जाता है, यदि संपूर्ण लोगों की नहीं, तो एक निश्चित सामाजिक समूह, निगम (उदाहरण के लिए, एक सैन्य दस्ते की ईपीओएस) या एक प्रादेशिक समुदाय। यह उनके निर्माण और निष्पादन में व्यक्तिगत रचनात्मकता की भागीदारी को बाहर नहीं करता है।

संगीत में प्राचीन रूस ऐसे कोई आंकड़े नहीं थे जिनकी तुलना फिलिस्तीन, ऑरलैंडो लासो या शुट्ज़ से की जा सके। वे प्रचलित जीवन शैली और विश्वदृष्टि के साथ उस समय की परिस्थितियों में आगे नहीं बढ़ सके। प्राचीन रूसी संगीत विरासत का महत्व व्यक्तिगत उत्कृष्ट व्यक्तित्वों के साहसिक साहस से नहीं, बल्कि सामान्य, समग्र चरित्र से निर्धारित होता है जिसमें इसे बनाने वाले लोगों की साहसी, कठोर और संयमित उपस्थिति अंकित होती है। रूसी मध्य युग के स्वामी, कैनन द्वारा निर्धारित कठोर मानदंडों और प्रतिबंधों का उल्लंघन किए बिना, अपने काम में उल्लेखनीय सौंदर्य पूर्णता, समृद्धि और रंगों की चमक को गहराई और अभिव्यक्ति की शक्ति के साथ मिलाते हैं। इस कला के कई उदाहरण, इसकी उच्च और विशिष्ट सुंदरता के साथ, राष्ट्रीय कलात्मक प्रतिभा की सबसे बड़ी अभिव्यक्तियों से संबंधित हैं।

के स्रोत

https://ru.wikipedia.org/wiki/Medieval_Music

http://medmus.ru/

http://www.webkursovik.ru/kartgotrab.asp?id=-49105

http://arsl.ru/?page=27

http://www.letopis.info/themes/music/rannjaja_muziyaka ..

http://ivanikov.narod.ru/page/page7.html

http://www.medieval-age.ru/peacelife/art/myzykanarusi.html

Allbest.ru . पर पोस्ट किया गया

...

इसी तरह के दस्तावेज

वोकल, इंस्ट्रुमेंटल और वोकल-इंस्ट्रूमेंटल म्यूजिक। मुखर और वाद्य संगीत की मुख्य शैलियाँ और संगीत निर्देश। पुनर्जागरण के दौरान वाद्य प्रकार के संगीत की लोकप्रियता। पहले गुणी कलाकारों का उदय।

प्रस्तुति 04/29/2014 को जोड़ी गई


मध्य युग का लोक संगीत। 11-13वीं शताब्दी के मध्यकालीन एकरसता के विकास के चरण। एक नई शैली का उदय - पॉलीफोनी। मध्य युग की लोक संगीत संस्कृति के प्रतिनिधि। सोलफेगियो कक्षाओं का मूल्य। संगीत में लय, बार और मीटर की अवधारणा।

सार, जोड़ा गया 01/14/2010


ग्रीस में प्राचीन संगीत, सार्वजनिक और निजी जीवन में इसकी भूमिका। प्राचीन यूनानियों के तार वाले तोड़ और पवन यंत्र। पाइथागोरस का संगीत सिद्धांत। प्राचीन मिस्र की संगीत कला। संगीत अंतराल की अवधारणा, उनकी किस्में और अपील।

सार, जोड़ा गया 01/14/2010


18 वीं शताब्दी के रूसी संगीत की विशेषताएं। बैरोक एक ऐसा युग है जब संगीत को किस रूप में लिया जाना चाहिए, इसके बारे में विचार, इन संगीत रूपों ने आज अपनी प्रासंगिकता नहीं खोई है। बैरोक युग के महान प्रतिनिधि और संगीतमय कार्य।

सार, जोड़ा गया 01/14/2010


संगीत ने प्राचीन भारत की कला प्रणाली में सबसे महत्वपूर्ण स्थानों में से एक पर कब्जा कर लिया। इसकी उत्पत्ति लोक और पंथ संस्कारों में वापस जाती है। प्राचीन भारत के ब्रह्माण्ड संबंधी निरूपण ने मुखर और वाद्य संगीत के क्षेत्रों को छुआ। भारतीय संगीत वाद्ययंत्र।

परीक्षण, जोड़ा गया 02/15/2010


रॉक संगीत की उत्पत्ति, इसकी उत्पत्ति के केंद्र, संगीत और वैचारिक घटक। 60 के दशक का रॉक संगीत, कठिन संगीत का उदय और गैरेज रॉक का उदय। वैकल्पिक संगीत संस्कृति। 2000 के दशक का रॉक संगीत और सभी समय के बाहरी लोग।

सार, जोड़ा गया 01/09/2010


जातीय संगीत की परिभाषा, इसकी श्रेणियां और विशिष्ट ध्वनियां। एफ्रो-क्यूबा संगीत स्लीप के प्रसिद्ध कलाकार और बोलेरो इब्राहिम फेरर एक जातीय कलाकार के उदाहरण के रूप में। रूस में जातीय संगीत को लोकप्रिय बनाना। जातीय संगीत वाद्ययंत्र के उदाहरण।

प्रस्तुति 12/25/2011 को जोड़ी गई


रैप संगीत हिप-हॉप के तत्वों में से एक है, संगीत वाद्ययंत्रों के लिए तालबद्ध रूप से सुनाई जाने वाली तुकबंदी वाले गीतों का एक रूप है। रैप संगीत का इतिहास। ओल्ड स्कूल रैप, पहली रिकॉर्डिंग। हिप-हॉप की जड़ें। रूस में हिप-हॉप का प्रवेश। रूसी रैप कलाकार।

लेख 04/27/2010 को जोड़ा गया


संगीत एक कला रूप है, मानव जीवन में इसकी भूमिका। संगीत और अन्य कलाएँ। संगीत मीडिया की अस्थायी और ध्वनि प्रकृति। संगीत में निहित छवियां। आध्यात्मिक संस्कृति में संगीत। समाज में संगीत के अस्तित्व की परिवर्तित परिस्थितियों का प्रभाव।

सार, जोड़ा गया 01/26/2010


कला जो ध्वनि कलात्मक छवियों में वास्तविकता को दर्शाती है। संगीत और उम्र के बीच संबंध। चरित्र और संगीत के बीच संबंध का निर्धारण। संगीत की मुख्य विधाएँ। संगीत की बहुमुखी प्रतिभा और आधुनिक मानव जीवन में इसका महत्व।

मध्य युग की संगीत कला। आलंकारिक और शब्दार्थ सामग्री। व्यक्तित्व।

मध्य युग- मानव विकास की एक लंबी अवधि, जिसमें एक हजार से अधिक वर्ष शामिल हैं।

यदि हम "अंधेरे मध्य युग" की अवधि के आलंकारिक और भावनात्मक वातावरण की ओर मुड़ते हैं, जैसा कि अक्सर कहा जाता है, तो हम देखेंगे कि यह एक गहन आध्यात्मिक जीवन, रचनात्मक परमानंद और सत्य की खोज से भरा था। ईसाई चर्च का दिमाग और दिल पर एक शक्तिशाली प्रभाव पड़ा है। पवित्रशास्त्र के विषयों, भूखंडों और छवियों को एक कहानी के रूप में समझा जाता था जो दुनिया के निर्माण से लेकर मसीह के आने तक अंतिम न्याय के दिन तक प्रकट होती है। सांसारिक जीवन को अंधेरे और प्रकाश बलों के बीच निरंतर संघर्ष के रूप में माना जाता था, और इस संघर्ष का क्षेत्र मानव आत्मा था। दुनिया के अंत की उम्मीद मध्ययुगीन लोगों की विश्वदृष्टि में व्याप्त थी, यह इस अवधि की कला को नाटकीय स्वरों में चित्रित करती है। इन परिस्थितियों में, संगीत संस्कृति दो शक्तिशाली परतों में विकसित हुई। एक ओर, पेशेवर चर्च संगीत है, जो पूरे मध्ययुगीन काल में विकास के एक विशाल पथ से गुजरा; दूसरी ओर, लोक संगीत, जिसे "आधिकारिक" चर्च के प्रतिनिधियों द्वारा सताया गया था, और धर्मनिरपेक्ष संगीत, जो लगभग पूरे मध्ययुगीन काल में एक शौकिया के रूप में मौजूद था। इन दोनों दिशाओं के विरोध के बावजूद, उन्होंने पारस्परिक प्रभाव डाला, और इस अवधि के अंत तक धर्मनिरपेक्ष और चर्च संगीत के अंतर्विरोध के परिणाम विशेष रूप से ध्यान देने योग्य हो गए। भावनात्मक और शब्दार्थ सामग्री के दृष्टिकोण से, मध्ययुगीन संगीत की सबसे विशेषता धर्मनिरपेक्ष और चर्च दोनों शैलियों में आदर्श, आध्यात्मिक और उपदेशात्मक शुरुआत की प्रबलता है।

ईसाई चर्च के संगीत की भावनात्मक और शब्दार्थ सामग्री का उद्देश्य देवत्व की प्रशंसा करना, मृत्यु के बाद इनाम के लिए सांसारिक वस्तुओं को नकारना, तपस्या का उपदेश देना था। संगीत अपने आप में केंद्रित था जो "शुद्ध" की अभिव्यक्ति से जुड़ा था, किसी भी "शारीरिक" से रहित, आदर्श के लिए प्रयास करने का भौतिक रूप। संगीत के प्रभाव को चर्चों के ध्वनिकी द्वारा उनके उच्च वाल्टों, ध्वनि को प्रतिबिंबित करने और दैवीय उपस्थिति के प्रभाव को बनाने के साथ बढ़ाया गया था। गोथिक शैली के उद्भव के साथ वास्तुकला के साथ संगीत का संलयन विशेष रूप से स्पष्ट था। इस समय तक विकसित किए गए पॉलीफोनिक संगीत ने एक गोथिक मंदिर की स्थापत्य रेखाओं को दोहराते हुए, अंतरिक्ष की अनंतता की भावना पैदा करते हुए, ऊपर की ओर, आवाजों की मुक्त उड़ान भरी। संगीत गोथिक के सबसे हड़ताली उदाहरण कैथेड्रल ऑफ नोट्रे डेम के संगीतकारों द्वारा बनाए गए थे - मास्टर लियोनिन और मास्टर पेरोटिन, उपनाम द ग्रेट।

मध्य युग की संगीत कला। शैलियों। संगीतमय भाषा की विशेषताएं।

इस काल में धर्म निरपेक्ष विधाओं का निर्माण भ्रमणशील संगीतकारों की कृतियों से तैयार किया गया था - बाजीगर, मिनस्ट्रेल और स्पीलमैनजो गायक, अभिनेता, सर्कस कलाकार और वादक थे, सभी एक में लुढ़क गए। बाजीगर, स्पीलमैन और मिनस्ट्रेल भी इसमें शामिल हुए आवारा और गोलियार्ड- बदकिस्मत छात्र और भगोड़े भिक्षु जिन्होंने "कलात्मक" वातावरण में साक्षरता और एक निश्चित ज्ञान लाया। लोक गीत न केवल उभरती हुई राष्ट्रीय भाषाओं (फ्रेंच, जर्मन, अंग्रेजी और अन्य) में गाए जाते थे, बल्कि लैटिन में भी गाए जाते थे। यात्रा करने वाले छात्रों और स्कूली बच्चों (आवारा) के पास अक्सर लैटिन छंद में महान कौशल होता है, जो धर्मनिरपेक्ष सामंती प्रभुओं और कैथोलिक चर्च के खिलाफ निर्देशित उनके आरोपों के गीतों को एक विशेष तीक्ष्णता देता है। धीरे-धीरे, भटकते हुए कलाकारों ने कार्यशालाएँ बनाना और शहरों में बसना शुरू कर दिया।

इसी अवधि में, एक प्रकार का "बुद्धिमान" स्तर उभरा - शिष्टता, जिसके बीच (युद्धविराम की अवधि के दौरान) कला में रुचि भी भड़क उठी। महल शूरवीर संस्कृति के केंद्र में बदल रहे हैं। शूरवीर व्यवहार के लिए नियमों का एक सेट संकलित किया जिसके लिए "विनम्र" (परिष्कृत, विनम्र) व्यवहार की आवश्यकता होती है। 12 वीं शताब्दी में, प्रोवेंस में सामंती प्रभुओं के दरबार में कला का जन्म हुआ troubadours, जो सांसारिक प्रेम, प्रकृति का आनंद, सांसारिक खुशियों के पंथ की घोषणा करने वाली नई धर्मनिरपेक्ष शूरवीर संस्कृति की एक विशिष्ट अभिव्यक्ति थी। छवियों के एक चक्र में, परेशान करने वालों की संगीत और काव्य कला मुख्य रूप से प्रेम गीत या सैन्य, सेवा गीतों से जुड़ी कई किस्मों को जानती थी, जो अपने अधिपति के लिए एक जागीरदार के रवैये को दर्शाती है। अक्सर, परेशान करने वालों के प्रेम गीतों को सामंती सेवा के रूप में पहना जाता था: गायक ने खुद को एक महिला के जागीरदार के रूप में पहचाना, जो आमतौर पर उसके स्वामी की पत्नी थी। उन्होंने उसकी गरिमा, सुंदरता और बड़प्पन की प्रशंसा की, उसके प्रभुत्व का महिमामंडन किया और एक अप्राप्य लक्ष्य के लिए "तड़प" किया। बेशक, इसमें बहुत सारी शर्तें थीं, जो उस समय के अदालती शिष्टाचार से तय होती थीं। हालांकि, अक्सर शूरवीर सेवा के पारंपरिक रूपों के पीछे एक वास्तविक भावना छिपी होती थी, जो काव्य और संगीतमय चित्रों में स्पष्ट और प्रभावशाली रूप से व्यक्त की जाती थी। संकटमोचनों की कला अपने समय के लिए कई मायनों में उन्नत थी। कलाकार के व्यक्तिगत अनुभवों पर ध्यान देना, एक प्रेमपूर्ण और पीड़ित व्यक्तित्व की आंतरिक दुनिया पर जोर देने से पता चलता है कि संकटमोचनों ने मध्यकालीन विचारधारा की तपस्वी प्रवृत्तियों का खुलकर विरोध किया। संकटमोचक वास्तविक सांसारिक प्रेम का महिमामंडन करता है। इसमें वह "सभी वस्तुओं का स्रोत और उत्पत्ति" देखता है।

संकटमोचकों की कविता के प्रभाव में विकसित हुई रचनात्मकता ट्रौवर्स, जो अधिक लोकतांत्रिक था (अधिकांश ट्रौवर्स शहरवासियों से हैं)। समान विषयों को यहां विकसित किया गया था, और गीतों की कलात्मक शैली समान थी। जर्मनी में एक सदी बाद (13वीं सदी) में एक स्कूल का गठन किया गया था माइनसिंगर, जिसमें अधिक बार मुसीबतों और परेशानियों के बीच, एक नैतिक और संपादन सामग्री के गीत विकसित किए गए थे, प्रेम के उद्देश्यों ने अक्सर वर्जिन मैरी के पंथ से जुड़े एक धार्मिक अर्थ प्राप्त किया। गीतों की भावनात्मक संरचना अधिक गंभीरता और गहराई से प्रतिष्ठित थी। मिनेसिंगर्स ने ज्यादातर अदालतों में काम किया, जहां उन्होंने अपनी प्रतियोगिताओं का आयोजन किया। प्रसिद्ध किंवदंती के नायक, वोल्फ्राम वॉन एसचेनबैक, वाल्टर वॉन डेर वोगेलवेइड, तन्हौसर के नाम ज्ञात हैं। इस किंवदंती पर आधारित वैगनर के ओपेरा में, केंद्रीय दृश्य गायकों के बीच एक प्रतियोगिता है, जहां नायक हर किसी के आक्रोश के लिए सांसारिक भावनाओं और सुखों का महिमामंडन करता है। वैगनर द्वारा लिखित "तन्हौसर" का लिब्रेट्टो एक ऐसे युग के विश्वदृष्टि में एक उल्लेखनीय पैठ का एक उदाहरण है जो नैतिक आदर्शों, भ्रामक प्रेम का महिमामंडन करता है और पापी जुनून के साथ निरंतर नाटकीय संघर्ष में है।

चर्च शैलियों

ग्रेगरी राग।प्रारंभिक ईसाई चर्च में, चर्च की धुनों और लैटिन ग्रंथों के कई रूप थे। एक एकल पंथ अनुष्ठान और संबंधित लिटर्जिकल संगीत बनाने की आवश्यकता उत्पन्न हुई। यह प्रक्रिया छठी और सातवीं शताब्दी के अंत तक पूरी हो गई थी। पोप ग्रेगरी आई। चर्च मंत्र, चयनित, विहित, चर्च वर्ष के भीतर वितरित, आधिकारिक कोड - एंटीफ़ोनरी बना। इसमें शामिल कोरल धुनें कैथोलिक चर्च के पूजनीय गायन का आधार बनीं और उन्हें ग्रेगोरियन मंत्र कहा गया। यह एक स्वर में गाना बजानेवालों या पुरुष स्वरों के समूह द्वारा किया जाता था। माधुर्य का विकास धीरे-धीरे होता है और प्रारंभिक माधुर्य को बदलने पर आधारित होता है। माधुर्य की मुक्त लय शब्दों की लय के अधीन है। ग्रंथ लैटिन में प्रोसिक हैं, जिसकी ध्वनि ने दुनिया की हर चीज से एक अलगाव पैदा कर दिया है। मधुर गति चिकनी है, यदि छोटी छलांग दिखाई देती है, तो उन्हें विपरीत दिशा में आंदोलन द्वारा तुरंत मुआवजा दिया जाता है। ग्रेगोरियन मंत्रों की धुन स्वयं तीन समूहों में आती है: पाठ, जहां पाठ का प्रत्येक शब्दांश माधुर्य, स्तोत्र की एक ध्वनि से मेल खाता है, जहां कुछ शब्दांश और वर्षगाँठ के जप की अनुमति है, जब शब्दांश जटिल मधुर पैटर्न में गाए जाते हैं, अधिकांश अक्सर "हलेलुजाह" ("भगवान की स्तुति हो")। कला के अन्य रूपों की तरह, स्थानिक प्रतीकवाद (इस मामले में, "ऊपर" और "नीचे") का बहुत महत्व है। इस मोनोफोनिक गायन की पूरी शैली, इसमें "दूसरी योजना", "ध्वनि परिप्रेक्ष्य" की अनुपस्थिति मध्यकालीन चित्रकला में विमान प्रतिनिधित्व के सिद्धांत की याद दिलाती है।
भजन ... भजन संहिता का उत्कर्ष छठी शताब्दी का है। अधिक भावनात्मक सहजता की विशेषता वाले भजनों ने सांसारिक कला की भावना को आगे बढ़ाया। वे लोक के करीब गीत गोदाम की धुन पर आधारित थे। 5 वीं शताब्दी के अंत में उन्हें चर्च से निष्कासित कर दिया गया था, लेकिन सदियों से उन्हें अतिरिक्त-विद्या संगीत के रूप में इस्तेमाल किया गया था। चर्च के उपयोग (9वीं शताब्दी) में उनकी वापसी विश्वासियों की धर्मनिरपेक्ष भावनाओं के लिए एक प्रकार की रियायत थी। कोरल के विपरीत, भजन काव्य ग्रंथों पर निर्भर थे, इसके अलावा, विशेष रूप से रचित (और पवित्र पुस्तकों से उधार नहीं लिया गया)। इसने धुनों की एक स्पष्ट संरचना के साथ-साथ माधुर्य की अधिक स्वतंत्रता को निर्धारित किया, पाठ के प्रत्येक शब्द के अधीन नहीं।
द्रव्यमान. मास के अनुष्ठान ने कई शताब्दियों में आकार लिया। मुख्य रूपरेखा में इसके भागों का क्रम 9वीं शताब्दी द्वारा निर्धारित किया गया था, जबकि मास का अंतिम रूप केवल 11वीं शताब्दी तक ही प्राप्त हुआ था। उनके संगीत को आकार देने की प्रक्रिया भी लंबी थी। सबसे प्राचीन प्रकार का पूजनीय गायन स्तोत्र है; सीधे तौर पर लिटर्जिकल एक्ट से संबंधित, यह पूरी सेवा में लग रहा था और पुजारियों और चर्च गायकों द्वारा गाया गया था। भजनों की शुरूआत ने मास की संगीत शैली को समृद्ध किया। विश्वासियों की सामूहिक भावनाओं को व्यक्त करते हुए, अनुष्ठान के कुछ निश्चित क्षणों में भजन की धुन बजती है। पहले तो उन्हें पैरिशियन खुद गाते थे, बाद में एक पेशेवर चर्च गाना बजानेवालों द्वारा। भजनों का भावनात्मक प्रभाव इतना प्रबल था कि उन्होंने धीरे-धीरे भजन संहिता को प्रतिस्थापित करना शुरू कर दिया, जो मास के संगीत में एक प्रमुख स्थान पर कब्जा कर लिया। यह भजन के रूप में था कि मास के पांच मुख्य भागों ने आकार लिया (तथाकथित साधारण)।
I. "क्यारी एलिसन"("भगवान, दया करो") - क्षमा और दया के लिए प्रार्थना;
द्वितीय. "ग्लोरिया"("महिमा") - निर्माता को धन्यवाद देने वाला भजन;
III. "क्रेडो"("मुझे विश्वास है") - लिटुरजी का मध्य भाग, जो ईसाई सिद्धांत के मुख्य हठधर्मिता को निर्धारित करता है;
चतुर्थ। "सैंक्टस"("पवित्र") - तीन बार गंभीर रूप से उज्ज्वल विस्मयादिबोधक, उसके बाद "ओस्ना" का अभिवादन रोना, जो केंद्रीय एपिसोड "बेनेडिक्टस" ("धन्य है वह जो आने वाला है");
वी. "अग्नुस देई"("भगवान का मेमना") - दया के लिए एक और प्रार्थना, मसीह को संबोधित, जिसने खुद को बलिदान कर दिया; अंतिम भाग शब्दों के साथ समाप्त होता है: "डोना नोबिस पेसम" ("हमें शांति प्रदान करें")।
धर्मनिरपेक्ष शैली

स्वर संगीत
मध्यकालीन संगीत और काव्य कला ज्यादातर शौकिया प्रकृति की थी। इसमें पर्याप्त सार्वभौमिकता निहित थी: एक और एक ही व्यक्ति संगीतकार, कवि, गायक और वादक दोनों थे, क्योंकि गीत अक्सर ल्यूट या वायोला की संगत के साथ किया जाता था। गीतों के काव्य ग्रंथ, विशेष रूप से शूरवीर कला के उदाहरण बहुत रुचि रखते हैं। संगीत के लिए, यह ग्रेगोरियन मंत्रों, यात्रा करने वाले संगीतकारों के संगीत के साथ-साथ पूर्वी लोगों के संगीत से प्रभावित था। अक्सर कलाकार, और कभी-कभी परेशान करने वालों के गीतों के संगीत के लेखक बाजीगर होते थे, जो शूरवीरों के साथ यात्रा करते थे, उनके गायन के साथ और एक नौकर और सहायक के कार्यों का प्रदर्शन करते थे। इस सहयोग के लिए धन्यवाद, लोक और शूरवीर संगीत रचनात्मकता के बीच की सीमाएं धुंधली हो गईं।
नृत्य संगीत एक ऐसा क्षेत्र जिसमें वाद्य संगीत का विशेष महत्व था, वह था नृत्य संगीत। 11वीं शताब्दी के अंत के बाद से, कई संगीत और नृत्य शैलियों का उदय हुआ है, जो विशेष रूप से वाद्ययंत्रों पर प्रदर्शन के लिए अभिप्रेत हैं। कोई फसल उत्सव, कोई शादी या अन्य पारिवारिक उत्सव बिना नाच के पूरा नहीं होता। नृत्य अक्सर नर्तकियों के गायन या सींग के लिए, कुछ देशों में - एक तुरही, ड्रम, घंटी, झांझ से मिलकर ऑर्केस्ट्रा के लिए किया जाता था।
ब्रानले फ्रेंच लोक नृत्य। मध्य युग के दौरान, यह कस्बों और गांवों में सबसे लोकप्रिय था। अपनी उपस्थिति के तुरंत बाद, इसने अभिजात वर्ग का ध्यान आकर्षित किया और एक बॉलरूम नृत्य बन गया। सरल आंदोलनों के लिए धन्यवाद, शाप हर किसी के द्वारा नृत्य किया जा सकता है। इसके प्रतिभागी हाथ पकड़ते हैं, एक बंद घेरा बनाते हैं, जो लाइनों में टूट सकता है, ज़िगज़ैग चाल में बदल सकता है। शपथ ग्रहण की कई किस्में थीं: सरल, दोहरा, मजाकिया, घोड़ा, लॉन्ड्रेस का शपथ ग्रहण, मशालों के साथ शपथ ग्रहण, आदि। गावोटे, पेस्पियर और ब्यूरे शपथ ग्रहण के आंदोलनों के आधार पर बनाए गए थे।
स्टेला वर्जिन मैरी की मूर्ति की पूजा करने के लिए मठ में आए तीर्थयात्रियों द्वारा नृत्य किया गया था। वह पहाड़ की चोटी पर खड़ी थी, जो सूरज से प्रकाशित थी, और ऐसा लग रहा था कि उसमें से एक अलौकिक प्रकाश बह रहा था। यहीं से नृत्य के नाम की उत्पत्ति हुई (स्टेला - लैटिन स्टार से)। भगवान की माँ की महिमा और पवित्रता से अभिभूत होकर, लोगों ने एक भीड़ में नृत्य किया।
करोलि यह 12वीं शताब्दी में लोकप्रिय था। करोल एक खुला वृत्त है। करोल के प्रदर्शन के दौरान, नर्तकियों ने हाथ पकड़कर गाया। नर्तकियों से आगे प्रमुख गायक थे। सभी सदस्यों ने कोरस गाया। नृत्य की लय कभी चिकनी और धीमी होती थी, फिर वह तेज हो जाती थी और दौड़ में बदल जाती थी।
मौत के नृत्य देर से मध्य युग के दौरान, यूरोपीय संस्कृति में मृत्यु का विषय काफी लोकप्रिय हो गया। बड़ी संख्या में लोगों की जान लेने वाली प्लेग ने मृत्यु के प्रति दृष्टिकोण को प्रभावित किया। यदि पहले यह सांसारिक कष्टों से मुक्ति थी, तो XIII सदी में। उसे डरावनी समझ थी। गीतों में चर्चा की गई भयावह छवियों के रूप में चित्र और नक्काशी में मृत्यु को चित्रित किया गया था। नृत्य एक मंडली में किया जाता है। नर्तक चलने लगते हैं, मानो वे किसी अज्ञात शक्ति से आकर्षित हों। धीरे-धीरे वे मृत्यु के दूत द्वारा बजाए गए संगीत से प्रभावित होते हैं, वे नाचने लगते हैं और अंत में वे मर जाते हैं।
बास नृत्य सैरगाह नृत्य जुलूस। वे गंभीर और तकनीकी रूप से सरल थे। जो लोग अपने सबसे अच्छे परिधानों में दावत के लिए इकट्ठे हुए थे, वे मालिक के सामने से गुजरे, जैसे कि खुद को और अपनी पोशाक का प्रदर्शन कर रहे हों - यही नृत्य का अर्थ था। दरबारी जीवन में नृत्य-जुलूस मजबूती से स्थापित हो गए हैं, उनके बिना एक भी त्योहार नहीं चल सकता था।
एस्टाम्पी (प्रिंट) वाद्य संगीत के साथ जोड़ी नृत्य। कभी-कभी "प्रिंट" तीन द्वारा किया जाता था: एक पुरुष ने दो महिलाओं का नेतृत्व किया। संगीत ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। इसमें कई भाग शामिल थे और आंदोलनों की प्रकृति और प्रति भाग उपायों की संख्या निर्धारित करते थे।

परेशानी:

गिरौत रिक्वेरे 1254-1292

Guiraut Riquier एक प्रोवेनकल कवि है जिसे अक्सर "अंतिम परेशानी" के रूप में जाना जाता है। एक विपुल और कुशल गुरु (उनकी धुनों में से 48 बच गए हैं), लेकिन आध्यात्मिक विषयों से अलग नहीं हैं और गीत लेखन से दूर जाकर अपने मुखर लेखन को काफी जटिल करते हैं। कई सालों तक वह बार्सिलोना के कोर्ट में रहे। धर्मयुद्ध में भाग लिया। कला के क्षेत्र में भी उनका स्थान रुचि का है। कला के प्रसिद्ध संरक्षक, अल्फोंस द वाइज, कैस्टिले के राजा और लियोन के साथ उनके पत्राचार के लिए जाना जाता है। इसमें, उन्होंने अफसोस जताया कि बेईमान लोग, "एक बाजीगर की उपाधि को नीचा दिखाते हैं," अक्सर जानकार परेशान करने वालों के साथ भ्रमित होते हैं। यह "कविता और संगीत की उच्च कला" के प्रतिनिधियों के लिए "शर्मनाक और हानिकारक" है, जो कविता की रचना करना और शिक्षाप्रद और स्थायी काम करना जानते हैं। राजा के उत्तर की आड़ में, रिक्वेरे ने अपने व्यवस्थितकरण का प्रस्ताव रखा: 1) "कविता के डॉक्टर" - सबसे अच्छे संकटमोचक, "समाज के मार्ग को रोशन करते हुए," अनुकरणीय कविताओं और सिद्धांतों के लेखक, सुंदर लघु कथाएँ और उपदेशात्मक कार्य "बोली जाने वाली भाषा में; 2) परेशान करने वाले, जो उनके लिए गाने और संगीत की रचना करते हैं, नृत्य की धुन, गाथागीत, अल्बास और सरवेंट बनाते हैं; 3) बाजीगर कुलीनों के स्वाद के लिए खानपान करते हैं: वे विभिन्न वाद्ययंत्र बजाते हैं, कहानियां और परियों की कहानियां सुनाते हैं, अन्य लोगों की कविताओं और सिद्धांतों को गाते हैं; 4) बफन (जस्टर) "सड़कों और चौकों पर अपनी कम कला दिखाते हैं और जीवन के एक अयोग्य तरीके का नेतृत्व करते हैं।" वे प्रशिक्षित बंदरों, कुत्तों और बकरियों को पालते हैं, कठपुतलियों का प्रदर्शन करते हैं, पक्षियों के गायन की नकल करते हैं। छोटी-छोटी बातों के लिए, बफन आम लोगों के सामने खेलता या कराहता है ... अदालत से अदालत की यात्रा करते हुए, बिना शर्म के, वह धैर्यपूर्वक सभी प्रकार के अपमान को सहन करता है और सुखद और महान व्यवसायों को तुच्छ जानता है।

कई संकटमोचनों की तरह, रिक्विएरे, शूरवीर गुणों के बारे में चिंतित थे। सर्वोच्च गरिमा, उन्होंने उदारता को माना। "मैं किसी भी तरह से वीरता और बुद्धि की बात नहीं करता, लेकिन उदारता सब कुछ से बढ़कर है।"

13वीं शताब्दी के अंत में कटुता और हताशा की भावनाएँ तीव्र हो गईं, जब धर्मयुद्धों का पतन एक अपरिहार्य वास्तविकता में बदल गया, जिसे नज़रअंदाज़ नहीं किया जा सकता था और जिसके बारे में सोचना भी असंभव था। "मेरे लिए गाने खत्म करने का समय आ गया है!" - इन छंदों में (वे 1292 के समय के हैं), गिरौत रिकिएरे ने धर्मयुद्ध के उद्यमों के विनाशकारी परिणाम पर अपनी निराशा व्यक्त की:
"हमारे लिए समय आ गया है - पुरुषों की सेना के लिए - पवित्र भूमि छोड़ने के लिए!" कविता "यह मेरे लिए गीतों के साथ समाप्त होने का समय है" (1292) को अंतिम परेशान करने वाला गीत माना जाता है।

संगीतकार, संगीतकार

गिलौम डी मचॉट लगभग। 1300 - 1377

मचौत एक फ्रांसीसी कवि, संगीतकार और संगीतकार हैं। उन्होंने चेक राजा के दरबार में सेवा की, 1337 से वे रिम्स कैथेड्रल के कैनन थे। देर से मध्य युग के सबसे प्रमुख संगीतकारों में से एक, फ्रेंच Ars नोवा में सबसे बड़ा व्यक्ति। उन्हें एक बहु-शैली संगीतकार के रूप में जाना जाता है: उनके मोटेट्स, गाथागीत, विरल, ले, रोंडो, कैनन और अन्य गीत (गीत और नृत्य) रूप हमारे सामने आ गए हैं। उनका संगीत परिष्कृत अभिव्यंजना, परिष्कृत कामुकता द्वारा प्रतिष्ठित है। इसके अलावा, मचॉट ने इतिहास में पहला लेखक का मास बनाया (1364 में रीम्स में राजा चार्ल्स वी के राज्याभिषेक के लिए .. यह संगीत के इतिहास में पहला लेखक का मास है - एक प्रसिद्ध संगीतकार का एक अभिन्न और पूर्ण कार्य। एक पर हाथ, परेशान करने वालों और ट्रौवर्स की संगीत और काव्य संस्कृति से इसके लंबे समय तक चलने वाले गीत के आधार पर, दूसरी ओर, 12-13 वीं शताब्दी के पॉलीफोनी के फ्रांसीसी स्कूलों से।

लियोनिन (12वीं शताब्दी के मध्य)

लियोनिन एक उत्कृष्ट संगीतकार हैं, साथ ही पेरोटिन स्कूल ऑफ नोट्रे डेम से संबंधित हैं। इतिहास ने हमारे लिए चर्च गायन के वार्षिक चक्र के लिए डिज़ाइन किए गए "बिग बुक ऑफ़ ऑर्गेनम्स" के एक बार प्रसिद्ध निर्माता का नाम संरक्षित किया है। लियोनिन के अंगों ने एकल कलाकारों के दो-भाग गायन के साथ कोरल गायन को एक स्वर में बदल दिया। उनके दो-भाग वाले अंगों को इस तरह के एक सावधानीपूर्वक विस्तार, ध्वनि के सामंजस्यपूर्ण "सुसंगतता" द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, जो प्रारंभिक सोच और रिकॉर्डिंग के बिना असंभव था: लियोनिन की कला में, यह गायक-सुधारकर्ता नहीं है जो सामने आता है, लेकिन संगीतकार। लियोनिन का मुख्य नवाचार लयबद्ध रिकॉर्डिंग था, जिससे मुख्य रूप से मोबाइल ऊपरी आवाज की स्पष्ट लय स्थापित करना संभव हो गया। ऊपरी आवाज का चरित्र मधुर उदारता से प्रतिष्ठित था।

पेरोटेन

पेरोटिन, पेरोटिनस - 12वीं सदी के उत्तरार्ध के फ्रांसीसी संगीतकार - 13वीं सदी के पहले तीसरे। समकालीन ग्रंथों में, उन्हें "महान गुरु पेरोटिन" कहा जाता था (यह बिल्कुल ज्ञात नहीं है कि उनका क्या मतलब था, क्योंकि ऐसे कई संगीतकार थे जिनके लिए इस नाम का श्रेय दिया जा सकता है)। पेरोटिन ने एक प्रकार का पॉलीफोनिक गायन विकसित किया जो उनके पूर्ववर्ती लियोनिन के काम में विकसित हुआ था, जो तथाकथित पेरिसियन, या नोट्रे डेम, स्कूल से भी संबंधित थे। पेरोटिन ने मेलिस्मेटिक ऑर्गेनम के उच्च नमूने बनाए। उन्होंने न केवल 2-आवाज़ वाली रचनाएँ (लियोनिन की तरह) लिखीं, बल्कि 3 और 4-स्वर वाली रचनाएँ भी लिखीं, और, जाहिर है, उन्होंने पॉलीफोनी को लयबद्ध और बनावट में जटिल और समृद्ध किया। उनके 4-आवाज वाले जीवों ने अभी तक पॉलीफोनी (नकल, कैनन, आदि) के मौजूदा कानूनों का पालन नहीं किया है। पेरोटिन के काम में, कैथोलिक चर्च के पॉलीफोनिक मंत्रों की एक परंपरा विकसित हुई है।

जोस्किन डेस प्री सी। 1440-1524

फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार। छोटी उम्र से, चर्च गाना बजानेवालों। उन्होंने इटली के विभिन्न शहरों (1486-99 में रोम में पोप चैपल के कोरिस्टर के रूप में) और फ्रांस (कैम्ब्राई, पेरिस) में सेवा की। वह लुई XII के दरबारी संगीतकार थे; न केवल पंथ संगीत, बल्कि धर्मनिरपेक्ष गीतों के भी एक मास्टर के रूप में मान्यता प्राप्त हुई, जो फ्रांसीसी गीत की आशा करते थे। अपने जीवन के अंतिम वर्ष, कोंडे-सुर-एस्को में गिरजाघर के रेक्टर। जोस्किन डेस्प्रेस पुनर्जागरण के महानतम संगीतकारों में से एक हैं, जिनका पश्चिमी यूरोपीय कला के बाद के विकास पर बहुआयामी प्रभाव था। डच स्कूल की उपलब्धियों को रचनात्मक रूप से सारांशित करते हुए, उन्होंने आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष शैलियों (जनता, मोट्स, स्तोत्र, फ्रोटोल्स) के अभिनव कार्यों का निर्माण किया, जो मानवतावादी दृष्टिकोण से प्रभावित थे, नए कलात्मक कार्यों के लिए उच्च पॉलीफोनिक तकनीक को अधीन करते हुए। शैली की उत्पत्ति से जुड़े उनके कार्यों का माधुर्य पहले के डच आचार्यों की तुलना में अधिक समृद्ध और अधिक बहुमुखी है। जोस्किन डेस्प्रेस की "स्पष्ट" पॉलीफोनिक शैली, जो कि गर्भनिरोधक जटिलताओं से मुक्त थी, कोरल लेखन के इतिहास में एक महत्वपूर्ण मोड़ था।

स्वर शैली

समग्र रूप से पूरे युग में मुखर शैलियों और विशेष रूप से स्वर की स्पष्ट प्रबलता की विशेषता है polyphony... सख्त शैली की पॉलीफोनी की असामान्य रूप से जटिल महारत, वास्तविक विद्वता, कलाप्रवीण व्यक्ति तकनीक रोजमर्रा के प्रसार की उज्ज्वल और ताजा कला के साथ सह-अस्तित्व में है। वाद्य संगीत कुछ स्वतंत्रता प्राप्त करता है, लेकिन मुखर रूपों और रोजमर्रा के स्रोतों (नृत्य, गीत) पर इसकी प्रत्यक्ष निर्भरता थोड़ी देर बाद ही दूर हो जाएगी। प्रमुख संगीत विधाएं मौखिक पाठ से जुड़ी रहती हैं। पुनर्जागरण मानवतावाद का सार फ्रोटोल और विलानेल शैलियों में कोरल गीतों की रचना में परिलक्षित होता था।
नृत्य शैलियों

पुनर्जागरण में, रोज़मर्रा के नृत्य ने बहुत महत्व प्राप्त कर लिया। इटली, फ्रांस, इंग्लैंड, स्पेन में कई नए नृत्य रूप उभर रहे हैं। समाज के विभिन्न वर्गों के अपने नृत्य होते हैं, उनके प्रदर्शन के तरीके, गेंदों, शाम, उत्सव के दौरान व्यवहार के नियम विकसित होते हैं। पुनर्जागरण नृत्य देर से मध्य युग के साधारण अभिशापों की तुलना में अधिक जटिल हैं। एक गोल नृत्य और एक रेखीय-रैंक रचना के साथ नृत्यों को युग्मित (युगल) नृत्यों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है, जो जटिल आंदोलनों और आंकड़ों पर निर्मित होते हैं।
वोल्टास - इतालवी मूल का एक जोड़ी नृत्य। इसका नाम इतालवी शब्द वोल्टेयर से आया है, जिसका अर्थ है "मुड़ना"। आकार तीन-हरा है, गति मध्यम तेज है। नृत्य का मुख्य पैटर्न यह है कि सज्जन फुर्ती से और अचानक अपने साथ नृत्य करने वाली महिला को हवा में घुमाते हैं। यह चढ़ाई आमतौर पर बहुत ऊँची की जाती है। इसके लिए सज्जन व्यक्ति से बड़ी ताकत और निपुणता की आवश्यकता होती है, क्योंकि तेज और कुछ गति के बावजूद, लिफ्ट को स्पष्ट रूप से और खूबसूरती से किया जाना चाहिए।
गैलियार्ड - इतालवी मूल का एक पुराना नृत्य, इटली, इंग्लैंड, फ्रांस, स्पेन, जर्मनी में व्यापक है। शुरुआती गैलियर्ड्स की गति मध्यम तेज होती है, आकार तीन-बीट होता है। गैलियार्डा अक्सर पावन के बाद किया जाता था, जिसके साथ इसे कभी-कभी विषयगत रूप से जोड़ा जाता था। गैलियर्ड्स 16वीं सदी ऊपरी आवाज में एक माधुर्य के साथ एक मधुर-हार्मोनिक बनावट में निरंतर। गैलियार्ड धुनें फ्रांसीसी समाज के व्यापक वर्गों के बीच लोकप्रिय थीं। सेरेनेड्स के दौरान, ऑरलियन्स के छात्रों ने ल्यूट और गिटार पर गैलियर्ड धुनें बजाईं। झंकार की तरह, गैलियार्ड में एक तरह के नृत्य संवाद का चरित्र था। घुड़सवार अपनी महिला के साथ हॉल में घूमा। जब पुरुष ने एकल प्रदर्शन किया, तो महिला यथावत रही। पुरुष एकल में कई तरह के जटिल आंदोलन शामिल थे। उसके बाद, वह फिर से महिला के पास गया और नृत्य जारी रखा।
पवन - 16-17 सदियों का एक पार्श्व नृत्य। गति मध्यम धीमी है, 4/4 या 2/4 बीट। विभिन्न स्रोत इसकी उत्पत्ति (इटली, स्पेन, फ्रांस) के बारे में असहमत हैं। सबसे लोकप्रिय संस्करण एक स्पेनिश नृत्य है जो एक सुंदर बहने वाली पूंछ के साथ चलने वाले मोर की गतिविधियों का अनुकरण करता है। बास डांस के करीब था। पावन के संगीत के लिए, विभिन्न औपचारिक जुलूस हुए: चर्च में कुलीन दुल्हन को विदा करते हुए, शहर में अधिकारियों का प्रवेश। फ्रांस और इटली में, पावना को दरबारी नृत्य के रूप में स्थापित किया जाता है। पावण के गंभीर चरित्र ने दरबारी समाज को अपने व्यवहार और चाल-चलन में अनुग्रह और अनुग्रह के साथ चमकने दिया। लोगों और पूंजीपतियों ने यह नृत्य नहीं किया। पावने, मीनू की तरह, रैंक द्वारा सख्ती से प्रदर्शन किया गया था। राजा और रानी ने नृत्य शुरू किया, फिर दौफिन और एक कुलीन महिला ने नृत्य में प्रवेश किया, फिर राजकुमारों आदि ने नृत्य किया। घुड़सवारों ने तलवार और पर्दे के साथ पावन प्रदर्शन किया। महिलाएं औपचारिक पोशाक में भारी लंबी खाइयों के साथ थीं, जिन्हें फर्श से उठाए बिना, आंदोलनों के दौरान कुशलता से चलाना पड़ता था। ट्रेन की गति ने चालों को सुंदर बना दिया, जिससे पावन को एक भव्यता और भव्यता प्रदान की गई। रानी के लिए, महिला परिचारकों ने एक ट्रेन चलाई। नृत्य शुरू होने से पहले, इसे हॉल के चारों ओर जाना था। नृत्य के अंत में, जोड़े फिर से धनुष और शाप के साथ हॉल के चारों ओर चले गए। लेकिन टोपी लगाने से पहले, सज्जन को अपना दाहिना हाथ महिला के कंधे के पीछे, अपना बायाँ हाथ (टोपी पकड़े हुए) उसकी कमर पर रखना था और उसे गाल पर चूमना था। नृत्य के दौरान महिला की आंखें नीची हो गईं; केवल समय-समय पर वह अपने प्रेमी को देखती थी। पावना को इंग्लैंड में सबसे लंबे समय तक संरक्षित किया गया था, जहां यह बहुत लोकप्रिय था।
एलेमैंड - 4-बीट में जर्मन मूल का धीमा नृत्य। वह बड़े पैमाने पर "निम्न", कूद-मुक्त नृत्यों से संबंधित है। कलाकार एक के बाद एक जोड़े बनते गए। जोड़े की संख्या सीमित नहीं थी। सज्जन ने महिला का हाथ पकड़ लिया। स्तंभ हॉल के चारों ओर घूम गया, और जब यह अंत तक पहुँच गया, तो प्रतिभागियों ने अपनी जगह (अपने हाथों को अलग किए बिना) मोड़ लिया और विपरीत दिशा में नृत्य जारी रखा।
कुरंट - इतालवी मूल का एक दरबारी नृत्य। झंकार सरल और जटिल थी। पहले में सरल, नियोजन चरण शामिल थे, जो मुख्य रूप से आगे की ओर किए गए थे। जटिल झंकार एक पैंटोमिमिक प्रकृति की थी: तीन सज्जनों ने तीन महिलाओं को नृत्य में भाग लेने के लिए आमंत्रित किया। महिलाओं को हॉल के विपरीत कोने में ले जाया गया और नृत्य करने के लिए कहा गया। महिलाओं ने मना कर दिया। सज्जनों, एक इनकार प्राप्त करने के बाद, चले गए, लेकिन फिर वापस लौट आए और महिलाओं के सामने घुटने टेक दिए। पैंटोमाइम सीन के बाद ही डांस शुरू हुआ। इतालवी और फ्रेंच प्रकार की झंकार के बीच अंतर हैं। इटालियन झंकार एक जीवंत 3/4 या 3/8 मीटर नृत्य है जिसमें मधुर-हार्मोनिक बनावट में एक साधारण ताल है। फ्रेंच - एक गंभीर नृत्य ("तरीके का नृत्य"), एक सहज, गौरवपूर्ण जुलूस। 3/2 आकार, मध्यम गति, अच्छी तरह से विकसित पॉलीफोनिक बनावट।
साराबांदे - 16वीं - 17वीं शताब्दी का एक लोकप्रिय नृत्य। कैस्टनेट के साथ स्पेनिश महिला नृत्य से व्युत्पन्न। प्रारंभ में, यह गायन के साथ था। प्रसिद्ध कोरियोग्राफर और शिक्षक कार्लो ब्लेज़िस ने अपने एक काम में सरबंद का संक्षिप्त विवरण दिया है: "इस नृत्य में, हर कोई एक ऐसी महिला को चुनता है जिसके प्रति वह उदासीन नहीं है। संगीत एक संकेत देता है, और दो प्रेमी एक नृत्य करते हैं, महान, मापा जाता है, हालांकि, इस नृत्य का महत्व कम से कम आनंद में हस्तक्षेप नहीं करता है, और विनय इसे और भी अधिक अनुग्रह देता है; सभी की आंखें नर्तकियों का अनुसरण करने के लिए खुश हैं जो विभिन्न आकृतियों का प्रदर्शन करते हैं, उनके आंदोलन के साथ प्यार के सभी चरणों को व्यक्त करते हैं। प्रारंभ में, सरबंडा की गति मध्यम तेज थी, बाद में (17 वीं शताब्दी से) एक धीमी फ्रांसीसी सरबांडा एक विशिष्ट लयबद्ध पैटर्न के साथ दिखाई दी: …… अपनी मातृभूमि में, सरबंडा 1630 में अश्लील नृत्यों की श्रेणी में आ गया। कैस्टिलियन काउंसिल द्वारा प्रतिबंधित कर दिया गया था।
गिगु - अंग्रेजी मूल का नृत्य, सबसे तेज, ट्रिपल, ट्रिपल में बदलना। प्रारंभ में, गिग एक जोड़ी नृत्य था, लेकिन यह नाविकों के बीच एक हास्य चरित्र के एकल, बहुत तेज नृत्य के रूप में फैल गया। बाद में यह वाद्य संगीत में एक पुराने नृत्य सूट के अंतिम भाग के रूप में दिखाई दिया।

स्वर शैली

बैरोक की विशेषताएं उन शैलियों में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुईं जहां संगीत अन्य कलाओं के साथ जुड़ा हुआ था। ये, सबसे पहले, ओपेरा, ऑरेटोरियो और पवित्र संगीत की ऐसी विधाएं जैसे जुनून और कैंटटास थे। शब्द के साथ संगीत, और ओपेरा में - वेशभूषा और सजावट के साथ, यानी पेंटिंग, लागू कला और वास्तुकला के तत्वों के साथ, एक व्यक्ति की जटिल मानसिक दुनिया को व्यक्त करने के लिए बुलाया गया था, जटिल और विविध घटनाओं का अनुभव किया। नायकों, देवताओं, वास्तविक और अवास्तविक कार्यों के पड़ोस, सभी प्रकार के जादू बारोक स्वाद के लिए स्वाभाविक थे, परिवर्तनशीलता, गतिशीलता, परिवर्तन की उच्चतम अभिव्यक्ति थे, चमत्कार बाहरी नहीं थे, विशुद्ध रूप से सजावटी तत्व थे, लेकिन इसका एक अनिवार्य हिस्सा थे। कलात्मक प्रणाली।

ओपेरा।

ओपेरा शैली इटली में सबसे लोकप्रिय थी। बड़ी संख्या में ओपेरा हाउस खुल रहे हैं, जो एक अद्भुत, अनूठी घटना है। अनगिनत बक्से, भारी मखमल से लिपटे, एक बाधा पार्टर (जहां वे उस समय खड़े थे, बैठे नहीं थे) के साथ घिरे हुए, 3 ओपेरा सीज़न के दौरान शहर की लगभग पूरी आबादी एकत्र हुई। लॉज पूरे सीजन के लिए पेट्रीशियन नामों से खरीदे गए थे, स्टालों में आम लोगों की भीड़ थी, कभी-कभी नि: शुल्क प्रवेश किया जाता था - लेकिन सभी ने निरंतर उत्सव के माहौल में आराम महसूस किया। बक्से में "फिरौन" के खेल के लिए बुफे, सोफे, कार्ड टेबल थे; उनमें से प्रत्येक विशेष कमरों से जुड़ा था जहाँ भोजन तैयार किया जाता था। दर्शक पड़ोसी बक्सों में ऐसे गए जैसे वे मेहमान हों; यहां, परिचित हुए, प्रेम संबंध शुरू हुए, नवीनतम समाचारों का आदान-प्रदान किया गया, बड़े पैसे के लिए एक ताश का खेल था, आदि। और एक शानदार, रमणीय तमाशा मंच पर सामने आया, जिसे दर्शकों के मन और भावनाओं को प्रभावित करने के लिए डिज़ाइन किया गया था। मंत्रमुग्ध दृष्टि और श्रवण। पुरातनता के नायकों का साहस और वीरता, पौराणिक पात्रों के शानदार रोमांच ओपेरा हाउस के लगभग 100 साल के अस्तित्व के दौरान प्राप्त संगीत और सजावटी डिजाइन के सभी वैभव में प्रशंसनीय श्रोताओं के सामने आए।

16वीं शताब्दी के अंत में फ्लोरेंस में, मानवतावादी विद्वानों, कवियों और संगीतकारों के एक मंडली ("कैमराटा") में उभरने के बाद, ओपेरा जल्द ही इटली में अग्रणी संगीत शैली बन गया। मंटुआ और वेनिस में काम करने वाले के. मोंटेवेर्डी ने ओपेरा के विकास में विशेष रूप से महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। उनके दो सबसे प्रसिद्ध मंचीय काम, ऑर्फियस और द कोरोनेशन ऑफ पोपिया, संगीत नाटक में अपनी अद्भुत उत्कृष्टता के लिए जाने जाते हैं। मोंटेवेर्डी के जीवनकाल के दौरान, वेनिस में एक नया ओपेरा स्कूल उभरा, जिसका नेतृत्व एफ. कैवल्ली और एम. चेस्टी ने किया। 1637 में वेनिस में सैन कैसियानो के पहले सार्वजनिक थिएटर के उद्घाटन के साथ, टिकट खरीदने वाला कोई भी व्यक्ति ओपेरा देखने में सक्षम था। धीरे-धीरे, मंच क्रिया में, शानदार, बाहरी रूप से शानदार क्षणों का महत्व सादगी और स्वाभाविकता के प्राचीन आदर्शों की हानि के लिए बढ़ जाता है, जिसने ओपेरा शैली के खोजकर्ताओं को प्रेरित किया। मंचन तकनीक जबरदस्त विकास के दौर से गुजर रही है, जो मंच पर नायकों के सबसे शानदार कारनामों को मूर्त रूप देना संभव बनाती है - जहाज के मलबे, हवाई उड़ानों आदि तक। भव्य, रंगीन सजावट जो परिप्रेक्ष्य का भ्रम पैदा करती हैं (मंच में मंच इतालवी थिएटर अंडाकार थे) ने दर्शकों को परियों के महलों और समुद्र में रहस्यमय काल कोठरी और जादुई उद्यानों में पहुँचाया।

उसी समय, ओपेरा के संगीत में, एकल स्वर की शुरुआत पर अधिक से अधिक जोर दिया गया था, जो अभिव्यक्ति के बाकी तत्वों को स्वयं के अधीन कर रहा था; बाद में यह अनिवार्य रूप से आत्मनिर्भर मुखर गुण के साथ एक आकर्षण और नाटकीय कार्रवाई के तनाव में कमी का कारण बना, जो अक्सर एकल गायकों की असाधारण मुखर क्षमताओं को प्रदर्शित करने का एक बहाना बन गया। प्रथा के अनुसार, कास्टराटी गायकों ने एकल कलाकारों के रूप में नर और मादा दोनों भागों का प्रदर्शन किया। उनके प्रदर्शन ने पुरुष आवाजों की ताकत और चमक को महिला आवाजों की हल्कापन और गतिशीलता के साथ जोड़ा। एक साहसी और वीर श्रृंगार की पार्टियों में उच्च आवाजों का ऐसा उपयोग उस समय पारंपरिक था और इसे अप्राकृतिक नहीं माना जाता था; यह न केवल पोप रोम में व्यापक है, जहां महिलाओं को आधिकारिक तौर पर ओपेरा में प्रदर्शन करने के लिए मना किया गया था, बल्कि इटली के अन्य शहरों में भी।

17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से। इतालवी संगीत थिएटर के इतिहास में अग्रणी भूमिका नियपोलिटन ओपेरा की है। नियपोलिटन संगीतकारों द्वारा विकसित ओपेरा नाटक के सिद्धांत सार्वभौमिक हो जाते हैं, और नियपोलिटन ओपेरा को राष्ट्रव्यापी प्रकार के इतालवी ओपेरा सेरिया के साथ पहचाना जाता है। नियपोलिटन ओपेरा स्कूल के विकास में एक बड़ी भूमिका संरक्षकों द्वारा निभाई गई थी, जो अनाथालयों से विशेष संगीत शिक्षण संस्थानों में विकसित हुई थी। उन्होंने गायकों के साथ कक्षाओं पर विशेष ध्यान दिया, जिसमें हवा में, पानी पर, शोर-शराबे वाली भीड़-भाड़ वाली जगहों पर प्रशिक्षण शामिल था और जहाँ प्रतिध्वनि गायक को नियंत्रित करती प्रतीत होती थी। शानदार गुणी गायकों की एक लंबी कतार - संरक्षकों के छात्र - दुनिया भर में इतालवी संगीत और "सुंदर गायन" (बेल कैंटो) की महिमा फैल गई। नीपोलिटन ओपेरा के लिए, पेशेवर कर्मियों के स्थायी रिजर्व बनाए गए संरक्षक, इसके रचनात्मक नवीनीकरण की कुंजी थे। बैरोक युग के कई इतालवी ओपेरा संगीतकारों में, सबसे उत्कृष्ट क्लाउडियो मोंटेवेर्डी का काम था। उनके बाद के कार्यों ने ओपेरा नाटक के बुनियादी सिद्धांतों और ओपेरा एकल गायन के विभिन्न रूपों को विकसित किया, जिसका पालन 17 वीं शताब्दी के अधिकांश इतालवी संगीतकारों ने किया।

राष्ट्रीय अंग्रेजी ओपेरा के मूल और एकमात्र निर्माता हेनरी पुरसेल थे। उन्होंने बड़ी संख्या में नाट्य रचनाएँ लिखी हैं, जिनमें से एकमात्र ओपेरा डिडो और एनीस है। "डिडो एंड एनीस" लगभग एकमात्र अंग्रेजी ओपेरा है जिसमें बोली जाने वाली प्रविष्टियां और संवाद नहीं हैं, जिसमें नाटकीय कार्रवाई शुरू से अंत तक संगीत पर सेट है। परसेल के अन्य सभी संगीत और नाट्य कार्यों में संवादी संवाद होते हैं (हमारे समय में, ऐसे कार्यों को "संगीत" कहा जाता है)।

"ओपेरा इसका रमणीय निवास है, यह परिवर्तनों की भूमि है; पलक झपकते ही लोग देवता बन जाते हैं, और देवता लोग बन जाते हैं। वहां यात्री को देशों के चारों ओर जाने की आवश्यकता नहीं होती है, क्योंकि देश स्वयं उसके सामने यात्रा करते हैं। क्या आप भयानक रेगिस्तान में ऊब गए हैं? तुरंत एक सीटी की आवाज आपको बगीचों में ले जाती है Idylls; दूसरा आपको नरक से देवताओं के निवास तक ले जाता है: एक और - और आप खुद को परियों के शिविर में पाते हैं। ओपेरा परियां बस मोहित करती हैं हमारी परियों की कहानियों की तरह, लेकिन उनकी कला अधिक स्वाभाविक है ... "(डुफ्रेनी)।

"ओपेरा एक प्रदर्शन जितना अजीब है, उतना ही शानदार है, जहां आंखें और कान दिमाग से अधिक संतुष्ट हैं; जहां संगीत को प्रस्तुत करने से हास्यास्पद बेतुकापन होता है, जहां शहर नष्ट होने पर अरिया गाए जाते हैं, और वे कब्र के चारों ओर नृत्य करते हैं; जहां प्लूटो और सूर्य के महलों को देखा जा सकता है, और देवताओं, राक्षसों, जादूगरों, राक्षसों, जादू टोना, महलों को पलक झपकते ही खड़ा और नष्ट कर दिया जाता है। ऐसी विषमताओं को सहन किया जाता है और उनकी प्रशंसा भी की जाती है, क्योंकि ओपेरा परियों की भूमि है ”( वोल्टेयर, 1712)।

ओरटोरिओ

आध्यात्मिक सहित ओरेटोरियो, अक्सर समकालीनों द्वारा वेशभूषा और सजावट के बिना एक ओपेरा के रूप में माना जाता था। हालांकि, चर्चों में पंथ भाषण और जुनून की आवाज सुनाई दी, जहां मंदिर और पुजारियों के वस्त्र दोनों ही सजावट और पोशाक के रूप में काम करते थे।

ओरटोरियो, सबसे पहले, एक आध्यात्मिक शैली थी। शब्द ऑरेटोरियो ही (यह। ओरेटोरियो) देर से लैटिन ऑरेटोरियम - "प्रार्थना कक्ष", और लैटिन ऑरेटोरियम से आया है - "मैं कहता हूं, मैं प्रार्थना करता हूं।" ओटोरियो का जन्म ओपेरा और कैंटटा के साथ-साथ हुआ था, लेकिन मंदिर में। इसका पूर्ववर्ती लिटर्जिकल ड्रामा था। इस चर्च कार्रवाई का विकास दो दिशाओं में चला गया। एक ओर, अधिक से अधिक सामान्य चरित्र प्राप्त करते हुए, यह धीरे-धीरे एक हास्य प्रदर्शन में बदल गया। दूसरी ओर, ईश्वर के साथ प्रार्थना संचार की गंभीरता को हर समय बनाए रखने की इच्छा ने सबसे विकसित और नाटकीय कथानक के साथ भी एक स्थिर प्रदर्शन की ओर धकेल दिया। यह अंततः एक स्वतंत्र, पहले विशुद्ध रूप से मंदिर, और फिर संगीत कार्यक्रम के रूप में ओटोरियो के उद्भव का कारण बना।

मध्य युग की संगीत कला 1000 से अधिक वर्षों से विकसित हो रही है। यह संगीतमय सोच के विकास में एक तनावपूर्ण और विरोधाभासी चरण है - मोनोडी (मोनोफोनी) से लेकर सबसे जटिल पॉलीफोनी तक। मध्य युग में, कई यूरोपीय संगीत वाद्ययंत्रों में सुधार हुआ, चर्च और धर्मनिरपेक्ष संगीत दोनों की शैलियों का गठन किया गया, यूरोप के प्रसिद्ध संगीत विद्यालयों का गठन किया गया: डच, फ्रेंच, जर्मन, इतालवी, स्पेनिश, आदि।

मध्य युग में, संगीत के विकास में दो मुख्य दिशाएँ थीं: पवित्र संगीत और धर्मनिरपेक्ष, मनोरंजक। उसी समय, धर्मनिरपेक्ष संगीत की धर्म द्वारा निंदा की गई और इसे "शैतानी जुनून" माना गया।

संगीत धर्म के उपकरणों में से एक था, एक "आसान" का अर्थ है कि चर्च के उद्देश्यों के साथ-साथ सटीक विज्ञानों में से एक। गणित, लफ्फाजी, तर्क, ज्यामिति, खगोल विज्ञान और व्याकरण के साथ संगीत का प्रदर्शन किया गया। चर्च ने संख्यात्मक संगीत सौंदर्यशास्त्र पर जोर देने के साथ गायन और रचना स्कूलों का विकास किया (उस युग के विद्वानों के लिए, संगीत ध्वनि पदार्थ पर संख्या का प्रक्षेपण था)। यह स्वर्गीय हेलेनिज्म, पाइथागोरस और प्लेटो के विचारों का भी प्रभाव था। इस दृष्टिकोण के साथ, संगीत का कोई स्वतंत्र अर्थ नहीं था, यह उच्चतम, दिव्य संगीत का एक रूपक था।

तो, संगीत को 3 प्रकारों में विभाजित किया गया था:

• विश्व संगीत गोले, ग्रहों का संगीत है। मध्य युग के संगीत-संख्यात्मक सौंदर्यशास्त्र के अनुसार, सौर मंडल का प्रत्येक ग्रह अपनी ध्वनि, स्वर से संपन्न था, और ग्रहों की गति ने आकाशीय संगीत का निर्माण किया। ग्रहों के अतिरिक्त ऋतुएँ भी अपने स्वर से संपन्न थीं।
• मानव संगीत - प्रत्येक अंग, शरीर का अंग, मानव आत्मा अपनी ही ध्वनि से संपन्न थी, जिसने एक सामंजस्यपूर्ण व्यंजना का निर्माण किया।
• वाद्य संगीत वाद्ययंत्र बजाने की कला है, मनोरंजन के लिए संगीत, निम्नतम प्रकार का पदानुक्रम है।

पवित्र संगीत मुखर, कोरल था और धर्मनिरपेक्ष संगीत वाद्य-मुखर था। वाद्य संगीत को हल्का, तुच्छ माना जाता था और उस युग के संगीत सिद्धांतकारों ने इसे गंभीरता से नहीं लिया। यद्यपि मिनस्ट्रेल शिल्प ने संगीतकारों से महान प्रदर्शन कौशल की मांग की।

यूरोप में मध्य युग से आधुनिक युग में संक्रमण की अवधि, जो लगभग ढाई शताब्दियों तक चली। इस अवधि के दौरान, जीवन के कई क्षेत्रों में महत्वपूर्ण परिवर्तन हुए; विज्ञान और कला का विकास हुआ। पुनर्जागरण काल ​​को विकास के कई घटकों और चरणों में विभाजित किया गया है। यह विभिन्न अंधविश्वासों से भी जुड़ा हुआ है, जिसकी जड़ें इतनी गहरी हैं कि आज भी उनका खंडन करने में काफी मेहनत लगती है।

• पहला और, शायद, मुख्य भ्रम (पुनर्जागरण के कई विचारकों की तरह) पर विचार करना है, पुनरुद्धार ठीक पुनरुत्थान, संस्कृति और सभ्यता का पुनरुत्थान, जो बर्बर "मध्य युग" की लंबी अवधि के बाद आया, एक काला समय, ए संस्कृति के विकास में टूटने की अवधि। यह पूर्वाग्रह मध्य युग की पूर्ण अज्ञानता और इसके और पुनर्जागरण के बीच घनिष्ठ संबंध पर आधारित है; एक उदाहरण के रूप में, दो पूरी तरह से अलग-अलग क्षेत्रों का नाम देना पर्याप्त होगा - कविता और आर्थिक जीवन। दांते 13वीं शताब्दी में रहते थे, अर्थात्। मध्य युग के चरमोत्कर्ष पर, पेट्रार्क - XIV में। जहां तक ​​आर्थिक जीवन की बात है, इसका वास्तविक पुनर्जागरण भी 13वीं शताब्दी में आता है, जो व्यापार और बैंकिंग के तेजी से विकास का समय है। वे कहते हैं कि हम पुनर्जागरण के लिए प्राचीन लेखकों की पुनर्खोज का श्रेय देते हैं, लेकिन यह भी एक अंधविश्वास है। यह ज्ञात है कि इस अवधि के दौरान केवल दो प्राचीन ग्रीक पांडुलिपियों की खोज की गई थी, बाकी पहले से ही पश्चिम (मुख्य रूप से फ्रांस में) में थीं, क्योंकि पश्चिमी यूरोप ने 12 वीं और 13 वीं शताब्दी में मनुष्य और प्रकृति में रुचि से जुड़ी पुरातनता की वापसी का अनुभव किया था। .
• दूसरा अंधविश्वास पुनर्जागरण के दो घटकों के एक दूसरे के विपरीत, तथाकथित मानवतावाद और नए प्राकृतिक विज्ञान के मिश्रण से जुड़ा है। मानवतावाद किसी भी तर्क, किसी भी कारण, किसी भी प्राकृतिक विज्ञान के प्रति शत्रुतापूर्ण है, जिसे वह "यांत्रिक" श्रम को एक सुसंस्कृत व्यक्ति के अयोग्य मानता है जिसे लेखक, बयानबाजी, राजनीतिज्ञ कहा जाता है। पुनर्जागरण व्यक्ति की आकृति, जो एक ही समय में रॉटरडैम और गैलीलियो के इरास्मस दोनों को जोड़ती है, पौराणिक है, और पुनर्जागरण में निहित दुनिया की एक ही छवि में विश्वास अंधविश्वास से ज्यादा कुछ नहीं है।
• तीसरा पूर्वाग्रह पुनर्जागरण के दर्शन को "महान" के रूप में विद्वतावाद से पहले की तुलना में प्रशंसा करना है।

वास्तव में, कुसान्स्की के निकोलस (पुनर्जागरण की भावना से दूर) और गैलीलियो (जो पुनर्जागरण के अंत में रहते थे) के अपवाद के साथ, पुनर्जागरण के दार्शनिक, क्रिस्टेलर के अनुसार, न तो अच्छे थे और न ही बुरे - वे थे दार्शनिक बिल्कुल नहीं। उनमें से कई उत्कृष्ट लेखक, वैज्ञानिक, प्राचीन ग्रंथों के पारखी थे, अपने मजाकिया और तेज दिमाग, साहित्यिक कौशल के लिए प्रसिद्ध थे। लेकिन उनका दर्शन से कोई लेना-देना नहीं था। इस प्रकार, मध्य युग के विचारकों का विरोध करना शुद्ध अंधविश्वास है।

• • एक और गलत धारणा यह है कि पुनर्जागरण को एक तूफानी क्रांति माना जाए, जो अतीत के साथ पूर्ण विराम हो। वास्तव में, इस अवधि के दौरान, गहन परिवर्तन होते हैं, लेकिन वे सभी व्यवस्थित रूप से अतीत से जुड़े होते हैं, और किसी भी मामले में, उनकी उत्पत्ति मध्य युग में पाई जा सकती है। ये परिवर्तन अतीत में इतनी गहराई से निहित हैं कि पुनर्जागरण के सबसे महान विशेषज्ञों में से एक, हुइज़िंगा के पास इस युग को "मध्य युग का पतन" कहने का हर कारण था।

अंत में, एक अंधविश्वास यह राय है कि जो लोग पुनर्जागरण में रहते थे, उनमें से कम से कम उनमें से अधिकांश, आत्मा में प्रोटेस्टेंट, अद्वैतवादी, नास्तिक या तर्कवादी हैं। वास्तव में, प्रसिद्ध पुनर्जागरण प्रतिनिधियों का विशाल बहुमत, और दर्शन के क्षेत्र में, लियोनार्डो और फिसिनो से लेकर गैलीलियो और कैम्पानेला तक लगभग सभी कैथोलिक थे, जो अक्सर कैथोलिक धर्म के उत्साही समर्थक और रक्षक थे। इस प्रकार, 40 वर्ष की आयु में मार्सिलियो फिसिनो ने ईसाई धर्म को अपनाया और नए युग के लिए कैथोलिक क्षमाप्रार्थी बनाया।

मध्य युग के संगीत सिद्धांतकार गुइडो एरेटिन्स्की (10 वीं शताब्दी के अंत में) संगीत को इस प्रकार परिभाषित करते हैं:

"संगीत मुखर ध्वनियों की गति है।"

इस परिभाषा में मध्यकालीन संगीत सिद्धांतकार ने उस युग की संपूर्ण यूरोपीय संगीत संस्कृति के संगीत के प्रति दृष्टिकोण व्यक्त किया।

चर्च और धर्मनिरपेक्ष संगीत की संगीत शैली।

मध्य युग के पवित्र संगीत का स्रोत मठ का वातावरण था। गायन विद्यालयों में कानों से मंत्रों को सीखा गया और चर्च के वातावरण में प्रसारित किया गया। मंत्रों की एक विशाल विविधता के उद्भव को देखते हुए, कैथोलिक चर्च ने ईसाई सिद्धांत की एकता को दर्शाते हुए मंत्रों को विहित और विनियमित करने का निर्णय लिया।

इस प्रकार, कोरल दिखाई दिया, जो चर्च संगीत परंपरा की पहचान बन गया। इसके आधार पर, अन्य शैलियों का विकास हुआ है, विशेष रूप से कुछ छुट्टियों और दिव्य सेवाओं के लिए बनाया गया है।

मध्य युग के पवित्र संगीत को निम्नलिखित शैलियों द्वारा दर्शाया गया है: कोरल, ग्रेगोरियन मंत्र - लैटिन में मोनोफोनिक धार्मिक मंत्र, स्पष्ट रूप से विनियमित, गाना बजानेवालों द्वारा किया जाता है, कुछ खंड - एकल कलाकार द्वारा

• • • मास कैथोलिक चर्च की मुख्य दिव्य सेवा है, जिसमें 5 स्थिर भाग (ऑर्डिनारियम) शामिल हैं - I. Kyrie eleison (भगवान, दया करो), II। ग्लोरिया (महिमा), III। क्रेडो (मुझे विश्वास है), IV। सैंक्टस (पवित्र), वी. अग्नुस देई (भगवान का मेमना)।
    • लिटुरजी, लिटर्जिकल ड्रामा - ईस्टर या क्रिसमस सेवा, जहां ग्रेगोरियन मंत्रों को गैर-विहित ट्रॉप धुनों के साथ वैकल्पिक किया जाता है, कोरस द्वारा लिटर्जियों का प्रदर्शन किया जाता है, पात्रों के कुछ हिस्सों (मैरी, इंजीलवादी) को एकल कलाकारों द्वारा प्रदर्शित किया जाता है, कभी-कभी वेशभूषा की कुछ झलक दिखाई देती है
    • रहस्य एक विस्तृत मंच कार्रवाई, वेशभूषा के साथ एक धार्मिक नाटक है
    • रोंडेल (रोंडो, आरयू) परिपक्व और देर से मध्य युग की एक पॉलीफोनिक शैली है, जो लेखक के राग पर आधारित है (जैसा कि कैनोनाइज्ड कोरल के विपरीत है), जिसे एकल कलाकारों द्वारा एक सुधारात्मक तरीके से किया गया था, जो बदले में प्रवेश करते थे (एक प्रारंभिक रूप) कैनन)
    • प्रोप्रियम जन शैली का एक हिस्सा है, जो चर्च कैलेंडर के आधार पर बदलता है (जैसा कि द्रव्यमान के अपरिवर्तनीय हिस्से के विपरीत - अध्यादेश)
    • एंटिफ़ोन - दो कोरल समूहों द्वारा भागों के प्रत्यावर्तन पर आधारित चर्च कोरल संगीत की सबसे प्राचीन शैली

चर्च संगीत के नमूने:

1)कीरी एलिसन मंत्र

2) अनुक्रम शिकार Pashali

मध्य युग का धर्मनिरपेक्ष संगीत मुख्य रूप से यात्रा करने वाले संगीतकारों का संगीत था और स्वतंत्रता, वैयक्तिकरण और भावनात्मकता से प्रतिष्ठित था। साथ ही, धर्मनिरपेक्ष संगीत सामंतों की दरबारी, शूरवीर संस्कृति का हिस्सा था। चूंकि शूरवीरों के उत्तम शिष्टाचार, उदारता, उदारता, सुंदर महिला की सेवा करने के लिए कर्तव्यों के लिए निर्धारित कोड, ये पार्टियां परेशान करने वालों और मिनेसिंगर्स के गीतों में अपना प्रतिबिंब खोजने में विफल नहीं हो सकीं।

धर्मनिरपेक्ष संगीत मीम्स, बाजीगर, ट्रौबाडोर्स या ट्राउवर, मिनस्ट्रेल (फ्रांस में), मिनेसिंगर्स, स्पीलमैन (जर्मनिक देशों में), होहलर्स (स्पेन में), बफून (रूस में) द्वारा किया गया था। इन कलाकारों को न केवल गाने, खेलने और नृत्य करने में सक्षम होना था, बल्कि सर्कस के प्रदर्शन, जादू के करतब, नाट्य दृश्यों को दिखाने में सक्षम होना था, और दर्शकों का हर संभव तरीके से मनोरंजन करना था।
इस तथ्य के कारण कि संगीत एक विज्ञान था और विश्वविद्यालयों में पढ़ाया जाता था, सामंती प्रभु और महान लोग जिन्होंने शिक्षा प्राप्त की, वे अपने ज्ञान को कला में लागू कर सकते थे।
इस प्रकार, संगीत का विकास दरबार के वातावरण में भी हुआ। ईसाई तपस्या के विपरीत, शिष्ट संगीत ने कामुक प्रेम और सुंदर महिला के आदर्श की प्रशंसा की। संगीतकारों के रूप में बड़प्पन के बीच जाना जाता था - गुइल्यूम - VII, काउंट ऑफ पोइटियर्स, ड्यूक ऑफ एक्विटाइन, जीन ब्रिएन - जेरूसलम के राजा, पियरे मोक्लेयर - ब्रिटनी के ड्यूक, थिबॉट शैम्पेन - नवरे के राजा।

मध्य युग के धर्मनिरपेक्ष संगीत की मुख्य विशेषताएं और विशेषताएं:

• • • लोककथाओं पर आधारित, लैटिन में नहीं, बल्कि मूल भाषाओं की बोलियों में,
    • भटकते कलाकारों के बीच संकेतन का उपयोग नहीं किया जाता है, संगीत एक मौखिक परंपरा है (बाद में, अदालत के माहौल में संगीत लेखन विकसित हुआ)
    • मुख्य विषय अपने सांसारिक जीवन की सभी विविधता में एक व्यक्ति की छवि है, आदर्श कामुक प्रेम
    • एकरसता - एक काव्य और गीत के रूप में व्यक्तिगत भावनाओं को व्यक्त करने के तरीके के रूप में
    • मुखर और वाद्य प्रदर्शन, वाद्ययंत्रों की भूमिका अभी बहुत अधिक नहीं है, वाद्य मुख्य रूप से परिचय, अंतराल और कोड थे
    • माधुर्य विविध था, लेकिन लय को विहित किया गया था, - यह चर्च संगीत का प्रभाव था, केवल 6 प्रकार की लय (लयबद्ध मोड) थे, और उनमें से प्रत्येक में एक कड़ाई से आलंकारिक सामग्री थी

दरबारी शूरवीर संगीत बजाने वाले ट्रौवर्स, ट्रौबाडोर्स और माइनसिंगर्स ने अपनी मूल शैलियों का निर्माण किया:

• • • "बुनाई" और "मई" गाने
    • रोंडो - दोहराए जाने वाले परहेज पर आधारित एक रूप
    • गाथागीत - पाठ-संगीत गीत रूप
    • विरेले - तीन-पंक्ति छंद के साथ पुरानी फ्रांसीसी काव्यात्मक रूप (तीसरी पंक्ति को छोटा किया गया है), वही कविता और कोरस
    • वीर महाकाव्य ("रोलैंड का गीत", "निबेलुंग का गीत")
    • क्रूसेडर्स के गीत (फिलिस्तीन के गीत)
    • कैनज़ोना (मिनिंगर्स के बीच इसे - अल्बा कहा जाता था) - प्रेम, गीत गीत

X - XI सदियों में शहरी संस्कृति के विकास के लिए धन्यवाद। धर्मनिरपेक्ष कला अधिक सक्रिय रूप से विकसित होने लगी। यात्रा करने वाले संगीतकार तेजी से एक गतिहीन जीवन शैली का चयन कर रहे हैं, जो पूरे शहर के ब्लॉकों को आबाद कर रहा है।

यह दिलचस्प है कि बारहवीं - बारहवीं शताब्दी तक भटकने वाले संगीतकार। आध्यात्मिक विषयों को लौटें। लैटिन से स्थानीय भाषाओं में संक्रमण और इन कलाकारों की अपार लोकप्रियता ने उन्हें स्ट्रासबर्ग, रूएन, रिम्स के गिरजाघरों में आध्यात्मिक प्रदर्शन में भाग लेने की अनुमति दी। कंबराई। समय के साथ, कुछ यात्रा करने वाले संगीतकारों ने बड़प्पन के महल और फ्रांस, इंग्लैंड, सिसिली और अन्य देशों की अदालतों में प्रदर्शन आयोजित करने का अधिकार हासिल कर लिया।

12वीं-13वीं शताब्दी तक, भगोड़े भिक्षु, यात्रा करने वाले विद्वान, और पादरियों के निचले क्रम के वंशज - वागंट्स और गोलियर्ड्स - यात्रा करने वाले संगीतकारों के बीच दिखाई दिए।

गतिहीन संगीतकार मध्ययुगीन शहरों में संपूर्ण संगीत कार्यशालाएँ बनाते हैं - "द ब्रदरहुड ऑफ़ सेंट जूलियन" (पेरिस, 1321), "द ब्रदरहुड ऑफ़ सेंट निकोलस" (वियना, 1288)। इन संघों का लक्ष्य संगीतकारों के अधिकारों की रक्षा करना, पेशेवर परंपराओं को संरक्षित और प्रसारित करना था।

XIII - XVI सदियों में। नई शैलियों का निर्माण होता है, जो पहले से ही Ars Nova के युग में विकसित होती हैं:

• • • मोटेट (फ्रेंच से - "शब्द") एक पॉलीफोनिक शैली है, जो एक ही समय में अलग-अलग ग्रंथों को अलग-अलग स्वरों में अलग-अलग स्वरों से अलग करती है, कभी-कभी अलग-अलग भाषाओं में भी, धर्मनिरपेक्ष सामग्री और आध्यात्मिक दोनों हो सकती है।
    • मैड्रिगल (इतालवी से - "मूल भाषा में गीत", यानी इतालवी) - प्रेम-गीत, देहाती गीत,
    • कैसिया (इतालवी से - "शिकार") शिकार के विषय पर एक मुखर टुकड़ा है।

संकटमोचनों और पेशेवर संगीतकारों द्वारा धर्मनिरपेक्ष संगीत।

अतिरिक्त जानकारी:

हमारे सूचना युग में, उच्च प्रौद्योगिकियों के युग में, हम अक्सर स्थायी आध्यात्मिक मूल्यों के बारे में भूल जाते हैं। इन्हीं मूल्यों में से एक है शास्त्रीय संगीत - हमारे पूर्वजों की आध्यात्मिक विरासत। शास्त्रीय संगीत क्या है, आधुनिक व्यक्ति को इसकी आवश्यकता क्यों है? बहुत से लोग क्यों सोचते हैं कि यह बहुत उबाऊ है? आइए इन कठिन मुद्दों को समझने की कोशिश करें। आप अक्सर यह राय सुन सकते हैं कि शास्त्रीय संगीत वह माना जाता है जो बहुत पहले लिखा गया था। ऐसा नहीं है, क्योंकि इस अवधारणा का अर्थ है मानव सभ्यता के अस्तित्व के पूरे समय के लिए संगीत की दुनिया में बनाई गई सभी बेहतरीन चीजें। बीथोवेन का सोनाटा, 18वीं शताब्दी में बनाया गया, और स्विरिडोव का रोमांस, जो 40 साल पहले लिखा गया था, सभी क्लासिक्स हैं! मुख्य बात यह है कि यह संगीत समय की कसौटी पर खरा उतरा है। और बीथोवेन के दिनों में, और अब ऐसे कला डीलर हैं जो कम गुणवत्ता वाले संगीत उत्पाद का उत्पादन करते हैं। यह उत्पाद बहुत जल्दी खराब हो जाता है, और वास्तविक कला हर दिन अधिक से अधिक सुंदर होती जा रही है।

नोटों की उपस्थिति

लेखन, मानव जाति के महान आविष्कार ने विचारों, विचारों और छापों को भविष्य की पीढ़ियों तक जमा करना और प्रसारित करना संभव बना दिया। एक और आविष्कार, कोई कम महान नहीं, संगीत संकेतन, ने ध्वनियों और संगीत को वंशजों तक पहुंचाना संभव बना दिया। नोट्स से पहले, यूरोपीय संगीत में विशेष संकेतों का उपयोग किया जाता था - नूमा।

आधुनिक संगीत संकेतन प्रणाली के आविष्कारक बेनेडिक्टिन भिक्षु गुइडो एरेटिन्स्की (गुइडो डी'अरेज़ो) (990-1050) हैं। अरेज़ो टस्कनी का एक छोटा सा शहर है, जो फ्लोरेंस से ज्यादा दूर नहीं है। स्थानीय मठ में, ब्रदर गुइडो ने कोरिस्टर को चर्च के भजन गाना सिखाया। यह व्यवसाय आसान और लंबा नहीं था। सभी ज्ञान और कौशल सीधे संचार में मौखिक रूप से प्रसारित किए गए थे। गायकों ने, शिक्षक के मार्गदर्शन में और उनकी आवाज़ से, कैथोलिक मास के प्रत्येक भजन और प्रत्येक मंत्र को लगातार सीखा। इसलिए, पूर्ण "अध्ययन के पाठ्यक्रम" में लगभग 10 वर्ष लगे।

गुइडो एरेटिन्स्की ने नोटों के साथ ध्वनियों को चिह्नित करना शुरू किया (लैटिन शब्द नोटा - साइन से)। नोटों, छायांकित वर्गों, को चार समानांतर रेखाओं से युक्त, डंडे पर रखा गया था। अब इनमें से पाँच पंक्तियाँ हैं, और नोटों को हलकों में दर्शाया गया है, लेकिन गुइडो द्वारा पेश किया गया सिद्धांत अपरिवर्तित रहा है। उच्च नोट उच्च शासक पर प्रदर्शित होते हैं। सात स्वर हैं, वे एक सप्तक बनाते हैं।

गुइडो ने सप्तक के सात नोटों में से प्रत्येक को एक नाम दिया: ut, re, mi, fa, sol, la, si। ये सेंट के भजन के पहले शब्दांश हैं। जॉन. इस भजन की प्रत्येक पंक्ति पिछले एक से अधिक उच्च स्वर में गाई जाती है।

अगले सप्तक के स्वरों को वही नाम दिया गया है, लेकिन उन्हें उच्च या निम्न स्वर में गाया जाता है। जब आप एक सप्तक से दूसरे सप्तक में जाते हैं, तो उसी स्वर से संकेतित ध्वनि की आवृत्ति आधी हो जाती है या घट जाती है। उदाहरण के लिए, संगीत वाद्ययंत्रों को पहले सप्तक के नोट ए से जोड़ा जाता है। यह नोट 440 हर्ट्ज की आवृत्ति के अनुरूप है। अगले, दूसरे, सप्तक के लिए नोट 880 हर्ट्ज की आवृत्ति के अनुरूप होगा।

सभी स्वरों के नाम, पहले को छोड़कर, एक स्वर ध्वनि में समाप्त होते हैं, वे गाने के लिए सुविधाजनक होते हैं। अक्षर UT बंद है और इसे दूसरों की तरह गाना असंभव है। इसलिए, सोलहवीं शताब्दी में ऑक्टेव, यूटी के पहले नोट का नाम बदल दिया गया था (सबसे अधिक संभावना लैटिन शब्द डोमिनस - लॉर्ड से)। सप्तक का अंतिम नोट, सी, गान की अंतिम पंक्ति के दो शब्दों का संकुचन है, सैंक्ते इयोनेस। अंग्रेजी बोलने वाले देशों में, "सी" नोट का नाम "टी" से बदल दिया गया था ताकि अक्षर सी के साथ भ्रमित न हो, संगीत संकेतन में भी इस्तेमाल किया जाता है।

नोट्स का आविष्कार करने के बाद, गुइडो ने गायकों को यह अजीब वर्णमाला सिखाई, और उन्हें नोट्स से गाना भी सिखाया। यही है, जिसे आधुनिक संगीत विद्यालयों में सोलफेगियो कहा जाता है। अब यह पूरे द्रव्यमान को नोटों में लिखने के लिए पर्याप्त था, और गायक पहले से ही आवश्यक राग गा सकते थे। प्रत्येक गीत को व्यक्तिगत रूप से सिखाने की अब आवश्यकता नहीं है। गुइडो को केवल प्रक्रिया को नियंत्रित करना था। गायकों के प्रशिक्षण का समय पांच गुना कम किया गया है। दस साल के बजाय - दो साल।!

जिस घर में गुइडो का जन्म हुआ था, उस घर पर वाया रिकासोली पर अरेज़ो में स्मारक पट्टिका। इसमें चौकोर नोटों को दर्शाया गया है।

यह कहा जाना चाहिए कि अरेज़ो के भिक्षु गुइडो संकेतों का उपयोग करके संगीत रिकॉर्ड करने के विचार के साथ आने वाले पहले व्यक्ति नहीं थे। उससे पहले पश्चिमी यूरोप में, न्युमास की एक प्रणाली थी (ग्रीक शब्द "न्यूमो" से - श्वास), गीत के स्वर के उत्थान या पतन को इंगित करने के लिए स्तोत्र के पाठ पर चिपकाए गए संकेत। रूस में, इसी उद्देश्य के लिए, उन्होंने "हुक" या "बैनर" की अपनी प्रणाली का उपयोग किया।

गुइडो एरेटिन्स्की के चौकोर नोट, कर्मचारियों की चार पंक्तियों पर रखे गए, संगीत रिकॉर्ड करने के लिए सबसे सरल और सबसे सुविधाजनक प्रणाली बन गए। उसके लिए धन्यवाद, संगीत संकेतन पूरी दुनिया में फैल गया है। संगीत ने चर्च छोड़ दिया और पहले शासकों और रईसों के महलों में चला गया, और फिर थिएटर, कॉन्सर्ट हॉल और शहर के चौकों में, आम संपत्ति बन गया।

झल्लाहट क्या है।

संगीत सिद्धांत में फ्रेट्स केंद्रीय शब्दों में से एक हैं। यह समझना कि उन्हें कैसे बनाया जाता है और कुशलता से उनका उपयोग करने से संगीतकार के लिए असीमित संभावनाएं खुलती हैं। और यह समझाना अक्सर असंभव होता है कि किसी विशेष रचना में एक दिलचस्प संक्रमण कैसे बनाया जाता है - अगर कोई व्यक्ति यह नहीं समझता है कि सद्भाव क्या है। लेकिन एक पकड़ है: संगीतकार स्वयं "सद्भाव" शब्द का उपयोग करते हैं, जिसका अर्थ अक्सर एक ही चीज़ नहीं होता है। ऐसा क्यों है? और यह क्या है, वैसे भी? भ्रम इस तथ्य से उत्पन्न हुआ कि अलग-अलग युगों में इस शब्द में बहुत अलग अर्थ रखे गए थे।

हमें पता ही नहीं चलता कि हमारी धारणा शास्त्रीय संगीत से कितनी ऊपर उठी और बंधी हुई है। (जबकि "आधुनिक संगीत" की अवधारणा शास्त्रीय सिद्धांतों से एक प्रस्थान है)। क्लासिकिज्म का युग दुनिया की मानवीय धारणा में एक महान ऐतिहासिक विघटन है। मध्य युग के बाद, लोगों ने प्राचीन कला की खोज की और उस पर मोहित हो गए। क्लासिकवाद का कोई भी काम सख्त सिद्धांतों पर बनाया गया है, जिससे ब्रह्मांड के सामंजस्य और स्थिरता का पता चलता है। क्लासिकिज्म ने एक संरचनात्मक क्रम बनाया - उच्चतम और निम्नतम, मुख्य और माध्यमिक, केंद्रीय और अधीनस्थ का एक स्पष्ट पदानुक्रम। इसलिए, उदाहरण के लिए, विनीज़ क्लासिक्स और रोमांटिक संगीत से शुरू करते हुए, हम सिस्टम में सोचते हैं - "मेजर-माइनर"। यह क्या है और यह हमारी धारणा को कैसे प्रभावित करता है?

मेजर और माइनर टोनल स्केल हैं। टोनल मोड टोन के बीच संबंधों की एक निश्चित प्रणाली है। इसका क्या मतलब है? स्वर क्या है? आइए इसे जानने की कोशिश करते हैं। मान लीजिए कि आपके सामने एक पियानो है: कीबोर्ड को देखें: सामान्य do-re-mi-fa-sol-la-si, 7 सफेद कुंजियाँ और उनके बीच 5 और काली कुंजियाँ, कुल 12। प्रत्येक के बीच की दूरी उनमें से दो एक अर्ध-स्वर है। आसन्न काले और सफेद के बीच हमेशा एक अर्ध-स्वर होता है। आसन्न गोरों के बीच - स्वर (अपवाद mi-fa हैं, और si-do सेमीटोन हैं)।

टोन और सेमिटोन का कोई भी सेट एक पैमाना है। क्लासिकवाद के युग में, उन्होंने इसे सभी स्वरों के सख्त अधीनता के साथ टॉनिक - मुख्य स्वर के साथ बनाना शुरू किया। यह मेजर या माइनर स्केल है। सभी तानवाला संगीत (सभी क्लासिक्स) मुख्य और अधीनस्थ व्यंजन के बीच संबंधों पर सटीक रूप से निर्मित होते हैं। कान से, हम सहज रूप से बड़े और छोटे के बीच अंतर करते हैं, जिस तरह से वे रंगीन होते हैं - "खुश" या "उदास"। परिवर्तनीय मोड तब होता है जब एक टुकड़े में एक ही समय में प्रमुख और छोटी दोनों विशेषताएं होती हैं। लेकिन उनका एक सामान्य सिद्धांत है - तानवाला।

हालांकि, यह सिद्धांत केवल एक ही संभव नहीं है। शास्त्रीयता के युग से पहले, जब सब कुछ अंत में स्वरों की एक सामंजस्यपूर्ण प्रणाली में आदेश दिया गया था, संगीत की सोच अलग थी। आयोनियन, डोरियन, फ्रिजियन, लिडियन, मिक्सोलिडियन, एओलियन, लोकेरियन ... ये यूनानियों के सप्तक के तरीके हैं। और फिर ग्रेगोरियन संगीत के चर्च मोड थे। ये सभी मोडल मोड हैं। उन्होंने पुरातनता में संगीत की रचना की, मध्य युग, पूर्वी संगीत परंपरा मोडल (भारतीय राग या अरब मकम, उदाहरण के लिए) है। पुनर्जागरण यूरोप के संगीत में भी तौर-तरीकों का प्रचलन था।

हमारे द्वारा उपयोग किए जाने वाले टोनल लुक से मुख्य अंतर क्या है? तानवाला मोड में मुख्य एकॉर्ड और कॉर्ड के कार्यों का सख्त चित्रण होता है, जबकि मोडल संगीत में वे बहुत अधिक धुंधले होते हैं। मोडल स्केल के लिए, स्केल ही समग्र रूप से महत्वपूर्ण है - और अर्थ और रंग जो इसे संगीत में ला सकते हैं। यही कारण है कि हम भारतीय संगीत को मध्यकालीन कोरल से कान से आसानी से अलग कर सकते हैं - कुछ व्यंजन और संगीत चाल के अनुसार।

बीसवीं शताब्दी तक, संगीतकारों ने तानवाला संगीत के भीतर सभी प्रकार की ध्वनि की कोशिश की है। "मैं ऊब गया हूँ, शैतान!" उन्होंने कहा, और नए रंगों की तलाश में वे पुराने - मोडल मोड़ और चाल में बदल गए। इस तरह एक नई विधा का उदय हुआ। आधुनिक संगीत में नए तरीके सामने आए हैं - उदाहरण के लिए, ब्लूज़। इसके अलावा, एक विशेष शैली सामने आई है - मोडल जैज़। उदाहरण के लिए, माइल्स डेविस ने मोडल संगीत को "सात-नोट के सामान्य पैमाने से विचलन" कहा, जहां प्रत्येक नोट ध्यान से बाहर प्रतीत होता है। और उन्होंने कहा कि "इस दिशा में चलते हुए, तुम अनंत तक जाते हो।" लब्बोलुआब यह है कि तानवाला और मोडल सिद्धांत परस्पर अनन्य नहीं हैं। एक नाटक में उनके संकेतों को मिलाया जा सकता है। मॉडेलिटी है, जैसा कि यह था, एक और परत जो "मेजर / माइनर" पर आरोपित है, जिसका हम उपयोग करते हैं। और विभिन्न मोडल मोड के उपयोग से संगीत का रंग बदल जाता है: उदाहरण के लिए, फ़्रीज़ियन मोड टर्न उदास होते हैं, क्योंकि इसका पैमाना मुख्य रूप से निम्न ग्रेड से बना होता है। यदि आप संगीत लिख रहे हैं तो इन मोडल विशेषताओं को जानने से आपको दिलचस्प ध्वनि प्राप्त करने में मदद मिल सकती है।

रंग, मनोदशा, चरित्र - ये सद्भाव के संकेत हैं जो हम सुनते हैं, लेकिन अक्सर इसका एहसास नहीं होता है। अक्सर गानों में हम मोडल टर्न से आकर्षित होते हैं - क्योंकि वे असामान्य होते हैं। शास्त्रीय संगीत पर लाया गया श्रवण इस प्रस्थान को रोजमर्रा की जिंदगी से दूर करता है। यह सब और बहुत कुछ तब पता चलता है जब आप संगीत की भाषा को समझते हैं।

मध्य युग मानव इतिहास में एक महान युग है, सामंती व्यवस्था के प्रभुत्व का समय।

संस्कृति की अवधि:

प्रारंभिक मध्य युग -वी - एक्स शतक

परिपक्व मध्य युग - XI - XIV सदियों।

395 में, रोमन साम्राज्य दो भागों में विभाजित हो गया: पश्चिमी और पूर्वी। पश्चिमी भाग में, 5वीं-9वीं शताब्दी में रोम के खंडहरों पर, बर्बर राज्य मौजूद थे: ओस्ट्रोगोथ्स, विसिगोथ्स, फ्रैंक्स, आदि। 9वीं शताब्दी में, शारलेमेन के साम्राज्य के पतन के परिणामस्वरूप, तीन राज्य थे यहां गठित: फ्रांस, जर्मनी, इटली। पूर्वी भाग की राजधानी कॉन्स्टेंटिनोपल थी, जिसकी स्थापना सम्राट कॉन्सटेंटाइन ने बीजान्टियम के ग्रीक उपनिवेश के स्थल पर की थी - इसलिए राज्य का नाम।

§ 1. पश्चिमी यूरोपीय मध्य युग

मध्य युग का भौतिक आधार सामंती संबंधों से बना था। मध्यकालीन संस्कृति का निर्माण परिस्थितियों में होता है ग्रामीण संपदा... भविष्य में संस्कृति का सामाजिक आधार बन जाता है शहरी पर्यावरण - बर्गर।राज्यों के गठन के साथ, मुख्य सम्पदाएं बनती हैं: पादरी, कुलीनता, लोग।

मध्य युग की कला का निकट से संबंध है चर्च . ईसाई पंथ- दर्शन, नैतिकता, सौंदर्यशास्त्र, इस समय के संपूर्ण आध्यात्मिक जीवन का आधार। धार्मिक प्रतीकवाद से भरा, कला को सांसारिक, क्षणभंगुर - आध्यात्मिक, शाश्वत से निर्देशित किया जाता है।

साथ ही साथ आधिकारिक चर्चसंस्कृति (उच्च) मौजूद थी धर्मनिरपेक्षसंस्कृति (जमीनी स्तर पर) - लोक-साहित्य(निचले सामाजिक स्तर) और उदार(विनम्रता से)।

मुख्य केंद्र पेशेवरप्रारंभिक मध्य युग का संगीत - गिरजाघर, उनके साथ गायन स्कूल, मठ - उस समय की शिक्षा के एकमात्र केंद्र। उन्होंने ग्रीक और लैटिन, अंकगणित और संगीत का अध्ययन किया।

मध्य युग के दौरान रोम पश्चिमी यूरोप में चर्च संगीत का मुख्य केंद्र था। छठी के अंत में - सातवीं शताब्दी की शुरुआत। पश्चिमी यूरोपीय चर्च संगीत की मुख्य विविधता बन रही है - ग्रेगरी राग , पोप ग्रेगरी I के नाम पर, जिन्होंने चर्च गायन में सुधार किया, एक साथ लाया और विभिन्न चर्च मंत्रों का आदेश दिया। ग्रेगरी राग - मोनोफोनिककैथोलिक मंत्र, जिसमें विभिन्न मध्य पूर्वी और यूरोपीय लोगों (सीरियाई, यहूदी, यूनानी, रोमन, आदि) की सदियों पुरानी गायन परंपराएं विलीन हो गई हैं। कैथोलिक धर्म के सिद्धांतों के अनुसार पैरिशियनों के ध्यान की दिशा में, यह एक एकल संगीत की चिकनी मोनोफोनिक खुलासा था जिसे एक ही इच्छा को व्यक्त करने के लिए बुलाया गया था। संगीत का चरित्र सख्त, अवैयक्तिक है। कोरल एक कोरस (इसलिए नाम), एक एकल कलाकार द्वारा कुछ वर्गों द्वारा किया गया था। डायटोनिक मोड के आधार पर प्रमुख आंदोलन। ग्रेगोरियन गायन ने बहुत धीमी गति से लेकर कई क्रमों को अनुमति दी कोरल स्तोत्रऔर अंत वर्षगांठ(एक शब्दांश का मधुर जप), उनके प्रदर्शन के लिए कलाप्रवीण व्यक्ति मुखर कौशल की आवश्यकता होती है।

ग्रेगोरियन जप श्रोता को वास्तविकता से दूर कर देता है, विनम्रता को जगाता है, चिंतन, रहस्यमय वैराग्य की ओर ले जाता है। इस आशय को पाठ द्वारा भी सुगम बनाया गया है लैटिनपैरिशियन के अतुलनीय थोक। गायन की लय पाठ द्वारा निर्धारित की जाती थी। पाठ के उद्घोषणा के लहजे की प्रकृति के कारण यह अस्पष्ट, अनिश्चित है।

कैथोलिक चर्च की मुख्य पूजा में ग्रेगोरियन जप की कई किस्मों को एक साथ लाया गया है - द्रव्यमान, जिसमें पांच स्थिर भाग स्थापित किए गए हैं:

काइरी एलिसन(भगवान दया करो)

ग्लोरिया(वैभव)

मूलमंत्र(मेरा मानना ​​है)

सैन्क्ट्स(पवित्र)

ऐगनस देई(परमेश्वर का मेमना)।

समय के साथ, लोक संगीत के तत्व ग्रेगोरियन मंत्र में रिसने लगते हैं भजन, क्रम और पथ।यदि भजन गायकों और पादरियों के एक पेशेवर गायक मंडली द्वारा प्रस्तुत किए जाते थे, तो भजन सबसे पहले पैरिशियन द्वारा किए जाते थे। वे आधिकारिक पूजा में सम्मिलित थे (उनमें लोक संगीत की विशेषताएं थीं)। लेकिन जल्द ही मास के भजन भागों ने स्तोत्रियों को प्रतिस्थापित करना शुरू कर दिया, जिसके कारण यह प्रकट हुआ पॉलीफोनिक द्रव्यमान।

पहले अनुक्रम वर्षगांठ के माधुर्य का एक उप-पाठ थे ताकि माधुर्य की एक ध्वनि का एक अलग शब्दांश हो। अनुक्रमण एक व्यापक शैली बन जाती है (सबसे लोकप्रिय « वेणी, पवित्र स्पिरिटस» , « मर जाता है आईआरईई», « स्टबाट मेटर» ) बर्लियोज़, लिस्ट्ट, त्चिकोवस्की, राचमानिनॉफ़ (अक्सर मृत्यु के प्रतीक के रूप में) द्वारा "डाईज़ इरा" का उपयोग किया गया था।

मठों से पॉलीफोनी का पहला उदाहरण मिलता है - अंग(समानांतर पांचवें या क्वार्ट्स में आंदोलन), गिमेल, फोबर्डन(समानांतर छठे तार), पाइपलाइन... संगीतकार: लियोनिन और पेरोटिन (12-13 शताब्दी - नोट्रे डेम कैथेड्रल)।

वाहकों द्वारा धर्मनिरपेक्ष लोक मध्य युग में संगीत थे मीम्स, बाजीगर, मिनस्ट्रेल्सफ्रांस में, स्पीलमैन्स- जर्मन संस्कृति के देशों में, होलर -स्पेन में, भैंसे -रसिया में। ये यात्रा करने वाले कलाकार बहुमुखी उस्ताद थे: उन्होंने गायन, नृत्य, जादू, सर्कस कला और कठपुतली के साथ विभिन्न वाद्ययंत्रों को बजाया।

दूसरी ओर धर्मनिरपेक्ष संस्कृतिथा शूरवीर (विनम्रतापूर्वक) संस्कृति (धर्मनिरपेक्ष सामंती प्रभुओं की संस्कृति)। लगभग सभी कुलीन लोग शूरवीर थे - गरीब योद्धाओं से लेकर राजाओं तक। एक विशेष शूरवीर संहिता का गठन किया जा रहा है, जिसके अनुसार शूरवीर को साहस और वीरता के साथ-साथ उत्तम शिष्टाचार, शिक्षित, उदार, उदार, सुंदर महिला की ईमानदारी से सेवा करनी थी। शूरवीर जीवन के सभी पहलू संगीत और कविता की कला में परिलक्षित होते हैं troubadours(प्रोवेंस - दक्षिणी फ्रांस) , ट्रौवर्स(उत्तरी फ्रांस), माइनसिंगर(जर्मनी)। मुसीबतों की कला मुख्य रूप से प्रेम गीतों से जुड़ी है। प्रेम गीतों की सबसे लोकप्रिय शैली थी कैनज़ोन(मिनिंगर्स के बीच - "सुबह के गाने" - एल्ब्स)।

ट्रुवर्स ने मुसीबतों के अनुभव का व्यापक उपयोग करते हुए, अपनी मूल शैलियों का निर्माण किया: " बुनाई गाने», « मई गाने". ट्रौबाडोर्स, ट्राउवर और मिनेसिंगर्स की संगीत शैलियों का एक महत्वपूर्ण क्षेत्र था गीत और नृत्य शैलियों: रोंडो, गाथागीत, विरेले(रूपों से बचना) भी वीर महाकाव्य(फ्रांसीसी महाकाव्य "रोलैंड का गीत", जर्मन - "निबेलुंग का गीत")। मिनेसिंगर्स के पास आम था क्रुसेडर्स के गाने।

ट्रौबाडोर्स, ट्रौवर्स और माइनसिंगर्स की कला की विशेषता विशेषताएं:

मोनोफोनी- काव्य पाठ के साथ माधुर्य के अटूट संबंध का परिणाम है, जो संगीत और काव्य कला के बहुत सार से आता है। एक उच्चारण की सामग्री के व्यक्तिगत मूल्यांकन के लिए, मोनोफोनिकिटी भी अपने स्वयं के अनुभवों की एक व्यक्तिगत अभिव्यक्ति के लिए सेटिंग से मेल खाती है (अक्सर व्यक्तिगत अनुभवों की अभिव्यक्ति प्रकृति के चित्रों को रेखांकित करके तैयार की जाती थी)।

अधिकतर मुखर प्रदर्शन।वाद्ययंत्रों की भूमिका महत्वपूर्ण नहीं थी: यह मुखर माधुर्य को तैयार करते हुए परिचय, अंतराल और पोस्टल्यूड्स के प्रदर्शन तक सीमित थी।

नाइटली आर्ट को अभी तक पेशेवर नहीं कहा जा सकता है, लेकिन परिस्थितियों में पहली बार धर्मनिरपेक्षसंगीत बजाना, एक शक्तिशाली संगीत और काव्य निर्देशन अभिव्यंजक साधनों के एक विकसित परिसर और अपेक्षाकृत उत्तम संगीत लेखन के साथ बनाया गया था।

महत्वपूर्ण उपलब्धियों में से एक परिपक्व मध्य युग, X-XI सदियों से, वहाँ था शहरी विकास(बर्गर संस्कृति) . शहरी संस्कृति की मुख्य विशेषताएं चर्च विरोधी, स्वतंत्रता-प्रेमी अभिविन्यास, लोककथाओं से संबंध, इसकी हँसी और कार्निवल चरित्र थे। गोथिक स्थापत्य शैली विकसित हो रही है। नई पॉलीफोनिक शैलियों का गठन किया जा रहा है: 13-14 वीं से 16 वीं शताब्दी तक। - मोटे(फ्रेंच से - "शब्द।" एक मोटेट के लिए, एक ही समय में अलग-अलग ग्रंथों में स्वरों की एक विशिष्ट मधुर असमानता - अक्सर अलग-अलग भाषाओं में भी), Madrigal(इतालवी से - "मूल भाषा में गीत", यानी इतालवी। गीत प्रेम-गीतात्मक, देहाती हैं), माय(इतालवी से - "शिकार" - शिकार को दर्शाने वाले पाठ पर एक मुखर टुकड़ा)।

यात्रा करने वाले लोक संगीतकार एक खानाबदोश जीवन शैली से एक गतिहीन जीवन शैली की ओर बढ़ते हैं, पूरे शहर के ब्लॉकों को आबाद करते हैं और एक प्रकार की "संगीतकार कार्यशाला" बनाते हैं। बारहवीं शताब्दी के बाद से, लोक संगीतकार शामिल हुए हैं आवारा और गोलियार्ड- विभिन्न वर्गों (स्कूली बच्चों, भगोड़े भिक्षुओं, भटकते मौलवियों) के अवर्गीकृत लोग। अनपढ़ बाजीगरों के विपरीत - मौखिक परंपरा की कला के विशिष्ट प्रतिनिधि - आवारा और गोलियार्ड साक्षर थे: वे लैटिन और शास्त्रीय छंद के नियमों को जानते थे, संगीत की रचना करते थे - गीत (छवियों का चक्र स्कूल विज्ञान और छात्र के साथ जुड़ा हुआ है) जीवन) और यहां तक ​​​​कि जटिल रचनाएं जैसे कि आचरण और प्रेरक ...

संगीत संस्कृति का एक महत्वपूर्ण केंद्र बन गया विश्वविद्यालय।संगीत, या बल्कि संगीत ध्वनिकी, खगोल विज्ञान, गणित, भौतिकी के साथ, चतुर्भुज में प्रवेश किया, अर्थात्। विश्वविद्यालयों में अध्ययन किए गए चार विषयों का एक चक्र।

इस प्रकार, मध्ययुगीन शहर में विभिन्न प्रकृति और सामाजिक अभिविन्यास की संगीत संस्कृति के केंद्र थे: लोक संगीतकारों के संघ, दरबारी संगीत, मठों और गिरिजाघरों का संगीत, विश्वविद्यालय संगीत अभ्यास।

मध्य युग का संगीत सिद्धांत धर्मशास्त्र से गहरा संबंध था। कुछ संगीत-सैद्धांतिक ग्रंथों में जो हमारे पास आए हैं, संगीत को "चर्च के सेवक" के रूप में देखा गया था। प्रारंभिक मध्य युग के प्रमुख ग्रंथों में ऑगस्टाइन की 6 किताबें "ऑन म्यूजिक", बोथियस की 5 किताबें "ऑन द इस्टैब्लिशमेंट ऑफ म्यूजिक" और अन्य शामिल हैं। इन ग्रंथों में एक बड़ा स्थान अमूर्त शैक्षिक मुद्दों को दिया गया था, के सिद्धांत संगीत की लौकिक भूमिका, और इसी तरह।

मध्ययुगीन झल्लाहट प्रणाली चर्च पेशेवर संगीत कला के प्रतिनिधियों द्वारा विकसित की गई थी - इसलिए, "चर्च फ्रेट्स" नाम मध्ययुगीन फ्रेट्स को सौंपा गया था। आयोनियन और एओलियन को मुख्य मोड के रूप में स्थापित किया गया था।

मध्य युग के संगीत सिद्धांत ने हेक्साकॉर्ड्स के सिद्धांत को सामने रखा। प्रत्येक झल्लाहट में, अभ्यास में 6 डिग्री का उपयोग किया गया था (उदाहरण के लिए: do, re, mi, fa, sol, la)। X को तब टाला गया था, क्योंकि एफए के साथ मिलकर, इसने एक बढ़े हुए चौथे का गठन किया, जिसे बहुत ही असंगत और लाक्षणिक रूप से "संगीत में शैतान" कहा जाता था।

अवैध रिकॉर्डिंग का व्यापक रूप से उपयोग किया गया था। गुइडो एरेटिन्स्कीसंगीत संकेतन प्रणाली में सुधार। उनके सुधार का सार इस प्रकार था: चार पंक्तियों की उपस्थिति, व्यक्तिगत रेखाओं के बीच तीसरा अनुपात, कुंजी चिह्न (मूल रूप से वर्णानुक्रमिक) या रेखाओं का रंग। उन्होंने पैमाने के पहले छह डिग्री के लिए सिलेबिक नोटेशन भी पेश किया: यूटी, रे, एमआई, एफए, सॉल्ट, ला।

शुरू की मासिक धर्म संकेतन, जहां प्रत्येक नोट को एक निश्चित लयबद्ध माप सौंपा गया था (लैटिन मेन्सुरा - माप, माप)। अवधियों का नाम: मैक्सिम, लोंगा, ब्रेविस, आदि।

XIVसदी - मध्य युग और पुनर्जागरण के बीच एक संक्रमणकालीन अवधि। XIV सदी की फ्रांस और इटली की कला का नाम था “ आर्स नया तारा"(अक्षांश से - नई कला), और इटली में इसमें प्रारंभिक पुनर्जागरण के सभी गुण थे। मुख्य विशेषताएं: चर्च संगीत की विशेष रूप से शैलियों का उपयोग करने से इनकार करना और धर्मनिरपेक्ष मुखर और वाद्य कक्ष शैलियों (गाथागीत, कच्चा, मद्रिगल) के लिए अपील, रोजमर्रा की गीत लेखन के साथ अभिसरण, विभिन्न संगीत वाद्ययंत्रों का उपयोग। Ars nova तथाकथित के विपरीत है। अर्स एंटिका (अव्य। अर्स एंटिका - पुरानी कला), जिसका अर्थ है XIV सदी की शुरुआत से पहले की संगीत कला। आर्स नोवा के सबसे बड़े प्रतिनिधि थे गिलौम डी मचॉट (14 वीं शताब्दी, फ्रांस) और फ्रांसेस्को लैंडिनो (14 वीं शताब्दी, इटली)।

इस प्रकार, मध्य युग की संगीत संस्कृति, सापेक्ष सीमित साधनों के बावजूद, प्राचीन विश्व के संगीत की तुलना में एक उच्च स्तर का प्रतिनिधित्व करती है और इसमें पुनर्जागरण में संगीत कला के शानदार उत्कर्ष के लिए आवश्यक शर्तें शामिल हैं।