Vo výrobe výtvarné umenie formovali sa aj žánre maľby. Ak na obrázkoch jaskynných ľudí bolo možné vidieť iba to, čo ich obklopovalo, potom sa obraz časom stal viac a viac mnohostranným a získal široký význam. Umelci sprostredkovali svoju víziu sveta v obrazoch. Historici identifikujú nasledujúce žánre maľby, ktoré sa formovali počas celej histórie tohto umenia.

. Názov pochádza z latinské slovo zviera, čo znamená zviera. Tento žáner zahŕňa maľby zamerané na zvieratá.

Alegorický žáner... Alegoria znamená alegória. Takéto obrázky obsahujú tajný význam... Pomocou obrazu symbolov, ľudí, živých či mýtických bytostí sa umelec snaží sprostredkovať tú či onú myšlienku.

Bojový žáner. Obraz bitiek, bitiek, vojenských kampaní. Tieto obrazy sa vyznačujú rozmanitosťou, prítomnosťou mnohých postáv.

Epické a mytologické žánre... Boli zobrazené zápletky folklórnych diel, námety starých legiend, eposov a starovekých gréckych mýtov.

Zobrazenie jednoduchých scén z každodenného života. Tento žáner sa vyznačuje jednoduchosťou a realizmom.

Vanitas... Žáner vznikol v období baroka. Toto je druh zátišia, v strede ktorého je nevyhnutne lebka. Umelci sa pokúsili nakresliť paralelu s krehkosťou všetkého, čo existuje.

Veduta... Rodiskom tohto žánru sú Benátky. Predstavuje mestskú panorámu, pozorovanie architektonické formy a proporcie.

Obrázok vnútornej výzdoby priestorov.

Hipický žáner. Názov hovorí sám za seba. Ide o obrazy venované koňom.

Historický žáner... Plátna zobrazujúce historické udalosti. Mnohostranný a dôležitý žáner maľby.

Capriccio. Fantasy architektonická krajina.

Názov je francúzskeho pôvodu a znamená, že v strede obrazu je neživý predmet. Umelci zobrazovali najmä kvety, domáce potreby, domáce potreby.

Nahá... Nahý obrázok Ľudské telo... Spočiatku bol tento žáner úzko spojený s mytologickým a historickým žánrom.

Zmes.Žáner, v ktorom umelci používali špeciálne techniky na vytvorenie ilúzie.

Pastoračný... Žáner, ktorý jednoduchý vidiecky život povyšuje na inú hypostázu, prikrášľuje a zbožšťuje ho.

Žáner, v ktorom sú na plátne zobrazené obrazy prírody. Toto je trojrozmerný smer, ktorý zahŕňa panorámu mesta, prímorskú krajinu a ďalšie podobné témy.

. V strede obrazu je obraz osoby. Umelec používa techniky, ktoré sprostredkúvajú nielen vonkajší vzhľad, ale aj vnútorný svet jeho hrdinu. Portrét môže byť skupinový, individuálny, slávnostný. Zvýrazniť môžete aj autoportrét, na ktorom sa umelec zobrazuje.

Náboženský žáner... To zahŕňa ďalšie obrazy s náboženskou tematikou.

Karikatúra.Žáner, ktorého účelom je prostredníctvom komického efektu zdôrazniť určité osobnostné defekty. Používa sa na to preháňanie, skreslenie čŕt a proporcií tváre, symbolika a prvky fantázie.

Maliarske žánre sa môžu zlúčiť a navzájom úzko pôsobiť. Niektoré žánre časom strácajú na aktuálnosti, no mnohé sa naopak vyvíjajú spolu so životom.

Množstvo štýlov a trendov je obrovské, ak nie nekonečné. Kľúčovým znakom, podľa ktorého možno diela zoskupovať podľa štýlu, sú jednotné princípy umeleckého myslenia. Nahradenie niektorých metód výtvarného myslenia inými (striedanie typov kompozícií, metódy priestorových stavieb, osobitosti farby) nie je náhodné. Aj naše vnímanie umenia je historicky premenlivé.
Pri budovaní slohového systému v hierarchickom poradí sa budeme držať eurocentrickej tradície. Najväčší pojem v dejinách umenia je pojem éry. Každá doba je charakterizovaná určitým „obrazom sveta“, ktorý pozostáva z filozofických, náboženských, politických myšlienok, vedeckých myšlienok, psychologické vlastnosti vnímanie sveta, etické a morálne normy, estetické kritériá života, podľa ktorých rozlišujú jednu dobu od druhej. Toto je primitívna éra, éra Z antického sveta, Antika, Stredovek, Renesancia, Nový čas.
Štýly v umení nemajú jasné hranice, plynulo do seba prechádzajú a sú v neustálom vývoji, miešaní a opozícii. V rámci jedného historického umeleckého štýlu sa vždy rodí nový a ten zase prechádza do ďalšieho. Mnoho štýlov koexistuje súčasne, a preto neexistujú žiadne „čisté štýly“.
V tej istej historickej dobe môže koexistovať niekoľko štýlov. Napríklad klasicizmus, akademizmus a barok v 17. storočí, rokoko a neoklasicizmus v 18. storočí, romantizmus a akademizmus v 19. storočí. Štýly, ako napríklad klasicizmus a barok, sa nazývajú veľké štýly, pretože sa vzťahujú na všetky druhy umenia: architektúru, maľbu, umenie a remeslá, literatúru, hudbu.
Treba rozlišovať medzi umeleckými štýlmi, smermi, smermi, školami a osobitosťami jednotlivých štýlov jednotlivých majstrov. V rámci jedného štýlu môže existovať niekoľko štýlov. umeleckých smerov... Umelecký smer sa formuje jednak z charakteristík typických pre danú dobu, jednak zo svojráznych spôsobov umeleckého myslenia. Secesný štýl napríklad zahŕňa množstvo trendov na prelome storočí: postimpresionizmus, symbolizmus, fauvizmus atď. Na druhej strane pojem symbolizmus ako umelecký smer je v literatúre dobre rozvinutý, kým v maliarstve je veľmi vágny a spája umelcov, natoľko odlišných štylisticky, že sa často interpretuje len ako jednotiaci svetonázor.

Nižšie budú uvedené definície období, štýlov a trendov, ktoré sa nejakým spôsobom odrážajú v modernom výtvarnom a dekoratívnom umení.

	- umelecký štýl, ktorý sa rozvíjal v krajinách západnej a strednej Európy v XII-XV storočí. Bol výsledkom stáročného vývoja stredovekého umenia, jeho najvyššej etapy a zároveň vôbec prvého európskeho, medzinárodného umeleckého štýlu v histórii. Zahŕňal všetky druhy umenia – architektúru, sochárstvo, maliarstvo, vitráže, knižnú výzdobu, umelecké remeslá. Základom gotiky bola architektúra, ktorá sa vyznačuje špicatými oblúkmi smerujúcimi nahor, viacfarebnými vitrážami a vizuálnou dematerializáciou formy. Prvky gotického umenia možno často nájsť v modernom interiérovom dizajne, najmä v nástenných maľbách, menej často v maliarskych stojanoch. Od konca minulého storočia existuje gotická subkultúra, ktorá sa jasne prejavila v hudbe, poézii a odevnom dizajne.
	(renesancia) - (francúzska renesancia, taliansky Rinascimento) Obdobie kultúrneho a ideologického vývoja mnohých krajín západnej a strednej Európy, ako aj niektorých krajín východnej Európy... Hlavné charakteristické znaky renesančnej kultúry: sekulárny charakter, humanistický svetonázor, odvolanie sa na staroveké kultúrne dedičstvo, akési jeho „oživenie“ (odtiaľ názov). Kultúra renesancie má špecifické črty prechodnej éry od stredoveku po novú dobu, v ktorej staré a nové, vzájomne sa prelínajúce, tvoria svojráznu, kvalitatívne novú zliatinu. Otázka chronologických hraníc renesancie (v Taliansku - 14-16 storočí, v iných krajinách - 15-16 storočí), jej územného rozloženia a národných charakteristík je zložitá. Prvky tohto štýlu v súčasnom umení sa často používajú v nástenných maľbách, menej často v maľbe na stojane.
	- (z tal. maniera - recepcia, spôsob) aktuálny v európske umenie XVI storočia. Predstavitelia manierizmu sa vzdialili od renesančného harmonického vnímania sveta, humanistického poňatia človeka ako dokonalého výtvoru prírody. Bystré vnímanie života sa spájalo s programovou túžbou nenasledovať prírodu, ale vyjadriť subjektívnu „vnútornú ideu“ umelecký obraz zrodený v duši umelca. Najzreteľnejšie sa to prejavilo v Taliansku. Pre taliansky manierizmus 20. rokov 16. storočia. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) sa vyznačujú dramatickou ostrosťou obrazov, tragikou vnímania sveta, zložitosťou a prehnaným vyjadrením póz a motívov pohybu, predlžovaním proporcií postáv, koloristickými a strihovo-svetlými disonanciami. V poslednom čase ho používajú kritici umenia na označenie fenoménov súčasného umenia spojených s premenou historických štýlov.
	- historický umelecký štýl, ktorý bol rozšírený spočiatku v Taliansku v pol. XVI-XVII storočia a potom vo Francúzsku, Španielsku, Flámsku a Nemecku v XVII-XVIII storočia. V širšom zmysle sa tento termín používa na definovanie neustále sa obnovujúcich tendencií nepokojného, ​​romantického pohľadu, myslenia v expresívnych, dynamických formách. Napokon, v každej dobe, takmer v každom historickom umeleckom štýle možno nájsť to svoje „obdobie baroka“ ako štádium najvyššieho tvorivého rozmachu, napätia emócií, výbušnosti foriem.
	- umelecký štýl v západoeurópskom umení 17. - začiatku 20. storočia XIX storočia a v Ruský XVIII- skorý. XIX, odkazujúc na antické dedičstvo ako ideál, ktorý treba nasledovať. Prejavilo sa to v architektúre, sochárstve, maliarstve, umení a remeslách. Umelci-klasici považovali antiku za najvyšší úspech a urobili z nej svoj štandard v umení, ktorý sa snažili napodobňovať. Postupom času sa to zvrhlo na akademizmus.
	- smer v európskom a ruskom umení rokov 1820-1830, ktorý nahradil klasicizmus. Romantici vyzdvihovali individualitu, stavali „nedokonalú“ realitu proti ideálnej kráse klasicistov. Umelcov priťahovali svetlé, vzácne, mimoriadne javy, ako aj obrazy fantastickej prírody. V umení romantizmu zohráva dôležitú úlohu akútne individuálne vnímanie a skúsenosť. Romantizmus oslobodil umenie od abstraktných klasicistických dogiem a obrátil ho k národným dejinám a obrazom folklóru.
	- (z lat. sentiment - cit) - smer západného umenia druhej polovice XVIII., vyjadrujúci sklamanie z „civilizácie“ založenej na ideáloch „rozumu“ (ideológia osvietenstva). S. hlása cit, osamelú reflexiu, jednoduchosť vidieckeho života „malého človeka“. J. J. Rousseau je považovaný za ideológa S.
	- smer v umení, ktorý sa snaží zobraziť vonkajšiu formu aj podstatu javov a vecí s najväčšou pravdivosťou a spoľahlivosťou. Ako kreatívna metóda spája pri vytváraní obrazu individuálne a typické črty. Najdlhší smer existencie, vyvíjajúci sa od primitívnej éry až po súčasnosť.
	- smer v európskej umeleckej kultúre konca 19. a začiatku 20. storočia. Symbolizmus, ktorý vznikol ako reakcia na dominanciu noriem buržoázneho „zdravého rozumu“ (vo filozofii, estetike – pozitivizmus, v umení – naturalizmus) v humanitnej sfére, sa formoval predovšetkým vo francúzskej literatúre konca 60. – 70. rokov 19. storočia, neskôr sa rozšíril v Belgicku, Nemecku, Rakúsku, Nórsku, Rusku. Estetické princípy symbolizmu sa v mnohom vracali k myšlienkam romantizmu, ako aj k niektorým doktrínam idealistickej filozofie A. Schopenhauera, E. Hartmanna, čiastočne F. Nietzscheho, k dielu a teoretizovaniu nemeckého skladateľ R. Wagner. Symbolizmus staval živú realitu proti svetu vízií a snov. Symbol generovaný poetickým vhľadom a vyjadrujúci nadpozemský význam javov skrytých bežnému vedomiu bol považovaný za univerzálny nástroj na pochopenie tajomstiev bytia a individuálneho vedomia. Umelec-tvorca bol považovaný za sprostredkovateľa medzi skutočným a nadzmyslovým, všade nachádzal „znamenia“ svetovej harmónie, prorocky hádal znamenia budúcnosti ako v r. súčasné fenomény a v udalostiach minulosti.
	- (z francúzskeho impresia - impresia) smer v umení poslednej tretiny 19. - začiatku 20. storočia, ktorý vznikol vo Francúzsku. Meno bolo zadané umelecký kritik L. Leroy, ktorý pohŕdavo hovoril o výstave umelcov v roku 1874, kde je okrem iných aj obraz C. Moneta „Východ slnka. Dojem“. Impresionizmus si nárokoval krásu skutočný svet, akcentujúci sviežosť prvého dojmu, variabilitu prostredia. Prevažujúca pozornosť na riešenie čisto obrazových problémov oslabila tradičnú predstavu kresby ako hlavnej zložky umeleckého diela. Impresionizmus mal silný vplyv na umenie európskych krajín a Spojených štátov, vzbudil záujem o námety zo skutočného života. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley atď.)
	- prúd v maliarstve (synonymum - divizionizmus), ktorý sa rozvíjal v rámci neoimpresionizmu. Neoimpresionizmus vznikol vo Francúzsku v roku 1885 a rozšíril sa aj v Belgicku a Taliansku. Neoimpresionisti sa snažili uplatniť v umení najnovšie úspechy v oblasti optiky, podľa ktorej maľba vykonávaná samostatnými bodmi základných farieb vo vizuálnom vnímaní dáva fúziu farieb a celej škály maľby. (J. Seurat, P. Signac, C. Pissarro).
	Postimpresionizmus- podmieňovací súhrnný názov hlavných smerov francúzskeho maliarstva smerom k XIX - 1. štvrťrok. XX storočia Umenie postimpresionizmu vzniklo ako reakcia na impresionizmus, ktorý upriamil pozornosť na prenos okamihu, na pocit malebnosti a strateného záujmu o formu predmetov. Medzi postimpresionistov patria P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh a ďalší.
	- štýl v európskom a americkom umení na konci XIX-XX storočia. Modern reinterpretoval a štylizoval línie umenia rôznych epoxidov a rozvíjal svoje vlastné umelecké postupy, založené na princípoch praxe. Predmetom modernizácie je tiež stanovyatsya a prírodné formy. Tento obyacnyaetcya ne tolko intepec to pacitelnym opnamentam in ppoizvedeniyax modepna, Nr and cama ICH kompozitsionnaya a placticheckaya ctpyktypa - obilie kpivolineynyx ocheptany, oplyvayuschix, nepovnyx kontypy.ychixe ppomi Úzko súvisí s modernitou – symbolikou, ktorá slúžila ako esteticko-filofilozofický základ módy a spoliehala sa na modernosť ako na praktickú realizáciu svojich myšlienok. Moderna mala v rôznych krajinách rôzne názvy, ktoré sú v podstate synonymami: Art Nouveau – vo Francúzsku, Secesia – v Rakúsku, Jugendstil – v Nemecku, Liberty – v Taliansku.
	- (z franc. modern - moderný) súhrnný názov radu výtvarných smerov prvej polovice 20. storočia, ktoré sa vyznačujú popieraním tradičných foriem a estetiky minulosti. Modernizmus má blízko k avantgarde a je opakom akademizmu.
	- názov, ktorý spája škálu umeleckých smerov bežných v rokoch 1905-1930. (fauvizmus, kubizmus, futurizmus, expresionizmus, dadaizmus, surrealizmus). Všetky tieto smery spája túžba obnoviť reč umenia, prehodnotiť jeho úlohy, získať slobodu umeleckého prejavu.
	- smer v umení koniec XIX. - n. XX storočia na základe kreatívne lekcie od francúzskeho umelca Paula Cézanna, ktorý zredukoval všetky formy v obraze na najjednoduchšie geometrické tvary a farbu na kontrastné konštrukcie teplých a studených tónov. Cezanneizmus slúžil ako jeden z východísk kubizmu. Cezanneizmus do značnej miery ovplyvnil aj ruskú realistickú maliarsku školu.
	- (z fauve - divoký) avantgardný smer vo francúzskom umení č. XX storočia Dostal názov „divoký“. súčasní kritici skupina umelcov, ktorí vystúpili v roku 1905 v parížskom Salóne nezávislých a mali ironickú povahu. V skupine boli A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen a ďalší, hľadanie impulzov v primitívnej kreativite, umenie Stredovek a Východ.
	- zámerné zjednodušenie vizuálne médiá, napodobňovanie primitívnych štádií vývoja umenia. Tento termín označuje tzv. naivné umenie umelcov, ktorí nezískali špeciálne vzdelanie, ale sú zapojení do všeobecného umeleckého procesu konca 19. - začiatku 20. storočia. XX storočia. Diela týchto umelcov - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov a ďalších sa vyznačujú svojráznou detinskosťou v interpretácii prírody, kombináciou zovšeobecnenej formy a malej doslovnosti v detailoch. Primitivizmus formy v žiadnom prípade nepredurčuje primitívnosť obsahu. Často slúži ako zdroj pre profesionálov, ktorí si požičali formy, obrazy, postupy z ľudového, vlastne primitívneho umenia. N. Gončarov, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse čerpali inšpiráciu z primitivizmu.
	- smer v umení, sformovaný na základe dodržiavania kánonov staroveku a renesancie. Používal sa v mnohých európskych umeleckých školách od 16. do 19. storočia. Akademiizmus premenil klasické tradície na systém „večných“ pravidiel a nariadení, ktoré obmedzovali tvorivé hľadanie, pokúšal sa postaviť proti „vysoko“ vylepšeným, nenárodným a nadčasovým formám krásy nedokonalú živú prírodu. Pre akademizmus je charakteristické uprednostňovanie námetov z antickej mytológie, biblických či historických námetov zo života súčasného umelca.
	- (francúzsky kubizmus, z kocka - kocka) smer v umení prvej štvrtiny XX storočia. Plaktický jazyk kubizmu bol založený na deformácii a usporiadaní parametrov na geometrických rovinách, na plastickom posunutí formy. Zrod kubizmu pripadá na roky 1907-1908 - v predvečer prvej svetovej vojny. Nesporným lídrom tohto smeru bol básnik a publicista G. Apollinaire. Toto hnutie bolo jedným z prvých, ktoré stelesňovali popredné trendy. ďalší vývoj umenie dvadsiateho storočia. Jednou z týchto tendencií bola dominancia konceptu nad umeleckou vnútornou hodnotou obrazu. J. Braque a P. Picasso sú považovaní za otcov kubizmu. K nastupujúcemu prúdu sa pridali Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris a ďalší.
	- prúd v literatúre, maliarstve a kinematografii, ktorý vznikol v roku 1924 vo Francúzsku. Veľmi prispelo k formovaniu vedomia moderný človek... Hlavnými postavami hnutia sú André Breton, Louis Aragon, Salvador Dalí, Luis Buñuel, Juan Miro a mnoho ďalších umelcov z celého sveta. Najmä surrealizmus vyjadroval myšlienku existencie mimo reality dôležitá úloha tu nadobúda absurdné, nevedomé, sny, sny. Jednou z charakteristických metód surrealistického umelca je odpútanie sa od vedomej kreativity, čo z neho robí nástroj, ktorý rôznymi spôsobmi extrahuje bizarné obrazy podvedomia, podobné halucináciám. Surrealizmus prežil niekoľko kríz, prežil druhú svetovú vojnu a postupne, splývajúc s masovou kultúrou, prelínajúc sa s transavantgardou, vstupoval ako integrálna súčasť do postmoderny.
	- (z lat.futurum - budúci) literárny a výtvarný prúd v umení 10. rokov 20. storočia. gvodya cebe pol ppoobpaza ickycctva bydyschego, fytypizm v kachectve ocnovnoy ppogpammy vydvigal ideyu pazpysheniya kyltypnyx ctepeotipov a ppedlagal vzamen apologiyu texascheznakniki a ypbanizmaznakniki a ypbanizmaznaknyx andgoppyayx HOW Dôležitou umeleckou myšlienkou fyturizmu sa stalo hľadanie fyzického vyjadrenia rýchlosti pohybu ako základného života tempa moderného života. Ruská verzia futurizmu niesla názov kybofytyrizmus a bola založená na spojení plastických princípov fantastického kybizmu a eupopeicity všeobecného

Nie je žiadnym tajomstvom, že maľba má svoju typizáciu a je rozdelená do žánrov. Tento fenomén vznikol v Európe v 15. storočí, vtedy sa sformoval pojem prvotriedna maľba, zahŕňala obrazy mytologického a historického zamerania, krajinky, portréty, zátišia sa označovali ako druhotriedne. Toto triedenie však stratilo svoj význam okolo roku 1900, keď bolo príliš veľa žánrov a štýlov a bolo by príliš staromódne používať jasné rozdelenie len na tieto dve skupiny. Preto vám chcem povedať o súčasných typoch maľby dnes.

Zátišie (príroda morte- "mŕtva príroda") - obrázky neživých vecí. Tento žáner vznikol v 15. storočí, nezávislosť získal v 17. vďaka holandským umelcom. Žáner sa osamostatnil v súvislosti s nástupom zlatého veku v Holandsku, umelci boli rozmaznaní nadbytkom jedla a iných vecí, ktoré boli predtým považované za luxus a bohatstvo, práve na tomto základe vznikol taký úzky žáner ako Holanďania. objavil sa život. Dnes je zátišie rozšíreným typom maľby a medzi kupujúcimi obrazov je veľmi žiadané.

Portrét- osoba alebo skupina ľudí, ktorí sú vyobrazení na obrázku. Rozsah tohto štýlu je veľmi nejasný, portrét sa veľmi často prelína s inými štýlmi, napríklad s krajinou alebo zátiším. Portréty sú tiež historické, posmrtné a náboženské. Existuje aj autoportrét, keď umelec maľuje sám seba.

Krajina- veľmi dôležitý žáner v maliarstve. Umelec v ňom kreslí buď panenskú prírodu, alebo prírodu pretvorenú človekom, či lokalitu. Dávno prekonala bežné výhľady na more či hory a dnes patrí medzi najobľúbenejšie druhy maľby. Krajiny sú mestské, vidiecke, morské, horské atď. Predtým sa krajiny maľovali iba pod holým nebom, keď umelec maľoval z prírody to, čo videl. Táto prax je v súčasnosti čoraz menej bežná a súčasní umelci uprednostňujú prácu z fotografie.

Marína- rovnaké morské zátišie, len so správnym názvom. Prístavy zobrazujú udalosti, ktoré sa odohrávajú na mori, bitky, veľké vlny, nákladné lode atď. Výrazným predstaviteľom tohto žánru bol Ivan Ajvazovský.

Historická maľba- vznikol z núdze, v období renesancie umelci maľovali významné kultúrne a historické udalosti. Historické maľby nie vždy vychádzajú z histórie, patria sem aj rôzne druhy malieb ako: mytológia, evanjelické a biblické udalosti.

Bojové maľovanie- téma, ktorá odhaľuje tému vojny a vojenského života. Umelec sa snaží zobraziť dôležitý, epický, kľúčový moment bitky či bitky. Zároveň môže dôveryhodnosť ustúpiť do pozadia.

Maliarstvo je jedným zo starých umení, ktoré v priebehu mnohých storočí prešlo vývojom od skalných malieb z paleolitu až po najnovšie trendy XX. a dokonca XXI. storočia. Toto umenie sa zrodilo prakticky s príchodom ľudstva. Starovekí ľudia, ktorí sa ani plne neuvedomovali ako človek, cítili potrebu zobraziť svet okolo seba na povrchu. Maľovali všetko, čo videli: zvieratá, prírodu, poľovnícke výjavy. Na maľovanie používali niečo podobné ako farby z prírodných materiálov. Boli to zemité farby, drevené uhlie, čierne sadze. Štetce boli vyrobené zo zvieracích chlpov alebo jednoducho maľované prstami.

V dôsledku zmien vznikli nové druhy a žánre maľby. Po staroveku nasledovalo obdobie antiky. Vznikla túžba maliarov a umelcov reprodukovať skutočný život okolo, taký, ako ho vidí človek. Snaha o presnosť stvárnenia dala vzniknúť základom perspektívy, základom čiernobielych konštrukcií rôznych obrazov a ich štúdiu výtvarníkmi. A predovšetkým študovali, ako zobraziť objemový priestor v rovine steny vo freskovej maľbe. Niektoré umelecké diela, ako objemový priestor, šerosvit, sa začali používať na zdobenie miestností, náboženských centier a pohrebísk.

Ďalším významným obdobím v minulosti maliarstva je stredovek. V tejto dobe mala maľba viac náboženský charakter a svetonázor sa začal premietať aj do umenia. Kreativita umelcov bola zameraná na maľbu ikon a iné náboženské melódie. Hlavnými dôležitými bodmi, ktoré musel umelec zdôrazniť, nebolo ani tak presné zobrazenie reality, ale skôr prenesenie duchovna aj do najrozmanitejších maliarskych diel. Plátna vtedajších majstrov boli nápadné svojimi výraznými obrysmi, farbou a leskom. Stredoveká maľba sa nám zdá plochá. Všetky postavy umelcov tej doby sú na rovnakej línii. A preto nám mnohé diela pripadajú akési štylizované.

Po období sivého stredoveku nasledovalo svetlejšie obdobie renesancie. Obdobie renesancie opäť priniesla zlom v historickom vývoji tohto umenia. Nové nálady v spoločnosti, nový svetonázor začali umelcovi diktovať: aké aspekty maľby odhaliť úplnejšie a jasnejšie. Žánre maľby ako portrét a krajina sa stanú nezávislými štýlmi. Umelci vyjadrujú emócie človeka a jeho vnútorný svet novými spôsobmi maľby. Ešte vážnejší rozmach maliarstva zaznamenalo 17. a 18. storočie. Katolícka cirkev v tomto období stráca na význame a umelci vo svojich dielach čoraz častejšie odrážajú pravdivé pohľady na ľudí, prírodu, každodenný a každodenný život. V tomto období sa formovali aj také žánre ako - baroko, rokoko, klasicizmus, manierizmus. Vzniká romantizmus, ktorý neskôr vystrieda veľkolepejší štýl – impresionizmus.

Začiatkom dvadsiateho storočia sa maľba dramaticky zmenila a objavil sa novší smer súčasného umenia - abstraktná maľba. Myšlienkou tohto trendu je sprostredkovať harmóniu medzi človekom a umením, vytvárať harmóniu v kombináciách línií a farebných odleskov. Toto umenie nemá žiadnu objektivitu. Nesnaží sa o presný prenos skutočného obrazu, ale naopak - sprostredkúva to, čo je v umelcovej duši, jeho emócie. Tvary a farby zohrávajú v tejto umeleckej forme dôležitú úlohu. Jeho podstatou je sprostredkovať predtým známe predmety novým spôsobom. Tu majú umelci úplnú slobodu svojej fantázie. To dalo impulz vzniku a rozvoju moderných trendov, akými sú avantgarda, underground, abstraktné umenie. Od konca dvadsiateho storočia až po súčasnosť sa maľba neustále mení. Napriek všetkým novým výdobytkom a moderným technológiám však umelci stále zostávajú verní klasickému umeniu - oleju a maľba akvarelom, vytvárajú svoje majstrovské diela pomocou farieb a plátien.

Natália Martynenko

Dejiny výtvarného umenia

História maľby je nekonečná reťaz, ktorá sa začala úplne prvými obrazmi. Každý štýl vyrastá zo štýlov, ktoré mu predchádzali. Každý veľký umelec pridáva niečo k úspechom skorších umelcov a ovplyvňuje neskorších umelcov.

Maľovanie si môžeme vychutnať pre jeho krásu. Jej línie, tvary, farby a kompozícia (usporiadanie dielov) dokáže potešiť naše zmysly a utkvie v spomienkach. Ale radosť z umenia sa zvyšuje, keď sa dozvieme, kedy, prečo a ako bolo vytvorené.

Dejiny maľby ovplyvnili mnohé faktory. Geografia, náboženstvo, národné charakteristiky, historické udalosti, vývoj nových materiálov – to všetko pomáha formovať umelcovu víziu. V priebehu histórie maľba odrážala meniaci sa svet a naše predstavy o ňom. Umelci zase poskytli niektoré z najlepších záznamov o vývoji civilizácie, ktoré niekedy odhaľujú viac ako písané slovo.

Prehistorická maľba

Najstaršími maliarmi boli obyvatelia jaskýň. Na stenách jaskýň v južnom Francúzsku a Španielsku sa našli farebné kresby zvierat z obdobia 30 000 až 10 000 pred Kristom. Mnohé z týchto kresieb sú pozoruhodne dobre zachované, pretože jaskyne boli po stáročia zapečatené. Prví ľudia maľovali divé zvieratá, ktoré videli okolo seba. Veľmi hrubé ľudské postavy vyrobené v životné pozície boli nájdené v Afrike a východnom Španielsku.

Jaskynní umelci zaplnili steny jaskyne kresbami v bohatých, žiarivých farbách. Niektoré z najkrajších malieb sú v jaskyni Altamira v Španielsku. Jeden detail ukazuje zraneného bizóna, ktorý už nemôže stáť – pravdepodobne obeť poľovníka. Je sfarbený do červenohneda a jednoducho, ale zručne načrtnutý čiernou farbou. Použité pigmenty jaskynných umelcov- okrová (oxidy železa rôznej farby od svetložltej po tmavooranžovú) a mangán (tmavý kov). Boli rozdrvené na jemný prášok, zmiešané s lubrikantom (prípadne s mastným olejom) a nanesené na povrch pomocou nejakého druhu štetca. Niekedy mali pigmenty podobu paličiek podobných pastelke. Tuk zmiešaný s práškovými pigmentmi spôsobil, že farba bola tekutá a častice pigmentu sa zlepili. Obyvatelia jaskyne vyrábali štetce zo zvieracích chlpov alebo rastlín, ostré nástroje z kremíka (na kreslenie a škrabanie).

Už pred 30 000 rokmi ľudia vynašli základné nástroje a materiály na maľovanie. Metódy a materiály sa v priebehu nasledujúcich storočí zdokonaľovali a zdokonaľovali. Ale objavy obyvateľov jaskyne zostávajú hlavnými pre maľovanie.

Egyptské a mezopotámske maliarstvo (3400-332 pred Kr.)

Jedna z prvých civilizácií sa objavila v Egypte. O ich živote je veľa známe z písomných záznamov a umenia, ktoré po sebe Egypťania zanechali. Verili, že telo treba zachovať, aby duša mohla po smrti žiť. Veľké pyramídy boli zložitými hrobkami bohatých a mocných egyptských vládcov. Veľa egyptského umenia bolo vytvorené pre pyramídy a hrobky kráľov a iných významných ľudí. Aby si boli úplne istí, že duša bude aj naďalej existovať, vytvorili umelci obrazy mŕtveho človeka z kameňa. Výjavy z ľudského života reprodukovali aj na nástenných maľbách v pohrebných komorách.

Techniky egyptského výtvarného umenia zostali po stáročia nezmenené. Jedným spôsobom akvarelová farba aplikované na hlinené alebo vápencové povrchy. V inom procese boli obrysy vytesané do kamenných stien a maľované vodovými farbami. Na priľnutie farby k povrchu sa pravdepodobne používal materiál nazývaný arabská guma. Našťastie, suché podnebie a zapečatené hrobky sťažili, že niektoré z týchto akvarelových malieb sa pokazili vlhkosťou. Veľa poľovníckych výjavov zo stien hrobiek v Thébach, ktoré pochádzajú z obdobia okolo roku 1450 pred Kristom, je dobre zachovaných. Ukazujú, ako poľovníci prenasledujú vtáky či ryby. Tieto pozemky je možné identifikovať aj dnes, pretože boli starostlivo a starostlivo namaľované.

Mezopotámska civilizácia, ktorá trvala od roku 3200 do roku 332 pred Kristom, sa nachádzala v údolí medzi riekami Tigris a Eufrat na Blízkom východe. Domy v Mezopotámii boli postavené prevažne z hliny. Keď hlina dažďom zmäkla, ich budovy sa zrútili na prach a zničili všetky nástenné maľby, ktoré mohli byť veľmi zaujímavé. Čo sa zachovalo, je zdobená keramika (farbená a pálená) a farebné mozaiky. Hoci mozaiky nemožno považovať za maľbu, často na ňu majú vplyv.

Egejská civilizácia (3000-1100 pred Kr.)

Treťou veľkou ranou kultúrou bola egejská civilizácia. Egejci žili na ostrovoch pri pobreží Grécka a na polostrove Malá Ázia približne v rovnakom čase ako starí Egypťania a Mezopotámčania.

V roku 1900 začali archeológovia s vykopávkami paláca kráľa Minosa v Knóssose na Kréte. Vykopávky odkryli umelecké diela namaľované okolo roku 1500 pred Kristom. v neobyčajne slobodnom a ladnom štýle tej doby. Je zrejmé, že Kréťania boli ľahkovážni ľudia milujúci prírodu. Medzi ich obľúbené predmety v umení patril morský život, zvieratá, kvety, športové hry, masívne sprievody. V Knóssose a iných egejských palácoch sa na stenách mokrej omietky maľovali obrazy minerálnymi, pieskovými a zemitými okrovými farbami. Farba sa vsiakla do vlhkej omietky a stala sa trvalou súčasťou steny. Tieto maľby sa neskôr nazývali fresky (z talianskeho slova pre „čerstvé“ alebo „nové“). Kréťania mali radi žiarivú žltú, červenú, modrú a zelenú.

Grécke a rímske klasické maliarstvo (1100 pred Kristom – 400 po Kr.)

Starí Gréci zdobili steny chrámov a palácov freskami. Z antických literárnych prameňov a z rímskych kópií gréckeho umenia možno povedať, že Gréci maľovali malé obrázky a vyrábali mozaiky. Mená gréckych majstrov a málo ich životov a diel sú známe, hoci len veľmi málo gréckej maľby prežilo stáročia a následky vojen. Gréci do hrobiek veľa nepísali, takže ich dielo nebolo chránené.

Z gréckeho maliarstva dnes zostali len maľované vázy. Hrnčiarstvo bolo v Grécku, najmä v Aténach, veľkým priemyslom. Nádoby boli veľmi žiadané, vyvážali sa, rovnako ako maslo a med, aj na domáce účely. Najstaršia maľba váz bola vykonaná v geometrických tvaroch a ornamentoch (1100-700 pred Kristom). Vázy boli zdobené aj ľudskými postavami v hnedej glazúre na svetlej hline. V 6. storočí umelci váz často maľovali čierne ľudské postavy na prírodnú červenú hlinu. Detaily boli vyryté do hliny ostrým nástrojom. To umožnilo, aby sa červená objavila v hĺbke reliéfu.

Červeno-figurovaný štýl nakoniec nahradil čierny. To je naopak: postavy sú červené a pozadie je čierne. Výhodou tohto štýlu bolo, že umelec mohol pomocou štetca vytvárať cestičky. Štetec dáva voľnejšiu líniu ako kovový nástroj používaný v čiernych kučeravých vázach.

Rímske nástenné maľby sa našli najmä na vilách (vidieckych domoch) v Pompejách a Herculaneu. V roku 79 nášho letopočtu tieto dve mestá úplne pochovala erupcia Vezuvu. Archeológovia, ktorí túto oblasť vykopali, sa mohli z týchto miest dozvedieť veľa o živote starovekých Rimanov. Takmer každý dom a vila v Pompejách mal na stenách obrazy. Rímski maliari starostlivo pripravili povrch steny a naniesli zmes mramorového prachu a omietky. Povrchy vyleštili do mramoru. Mnohé z obrazov sú kópiami gréckych malieb zo 4. storočia pred Kristom. Pôvabné pózy postáv namaľovaných na stenách vily záhad v Pompejách inšpirovali umelcov z 18. storočia, keď bolo mesto vykopané.

Portréty maľovali aj Gréci a Rimania. Malý počet týchto, väčšinou gréckych portrétov múmií od egyptských umelcov, sa zachoval v okolí Alexandrie v severnom Egypte. Alexandria, založená v 4. storočí pred naším letopočtom Alexandrom Veľkým z Grécka, sa stala popredným centrom gréckej a rímskej kultúry. Portréty boli maľované technikou enkaustiky na drevo a inštalované v podobe múmie po smrti zobrazovanej osoby. Enkaustické maľby vyrobené farbou zmiešanou s roztaveným včelím voskom majú veľmi dlhú trvanlivosť. Tieto portréty skutočne vyzerajú stále sviežo, hoci boli nasnímané už v druhom storočí pred naším letopočtom.

Ranokresťanské a byzantské maliarstvo (300-1300)

Rímska ríša začala upadať v 4. storočí nášho letopočtu. Kresťanstvo zároveň naberalo na sile. V roku 313 rímsky cisár Konštantín toto náboženstvo oficiálne uznal a sám konvertoval na kresťanstvo.

Vzostup kresťanstva výrazne ovplyvnil umenie. Umelci boli poverení vyzdobiť steny kostolov freskami a mozaikami. Vyrábali panely v kostolných kaplnkách, ilustrovali a zdobili cirkevné knihy. Pod vplyvom cirkvi museli umelci čo najjasnejšie komunikovať učenie kresťanstva.

Raní kresťania a byzantskí maliari pokračovali v technike mozaiky, o ktorej sa naučili od Grékov. Malé ploché kúsky farebného skla alebo kameňa sa ukladali na vlhký cement alebo omietku. Niekedy sa používali aj iné tvrdé materiály, ako napríklad kúsky vypálenej hliny alebo mušle. V talianskej mozaike sú farby obzvlášť sýte a plné. Talianski umelci vytvorili pozadie s kúskami pozláteného skla. Zobrazovali ľudské postavy v bohatých farbách na trblietavom zlatom pozadí. Celkový efekt bol plochý, dekoratívny a nerealistický.

Mozaiky byzantských umelcov boli často ešte menej realistické a ešte dekoratívnejšie ako tie od raných kresťanov. Byzantský je názov pre umelecký štýl, ktorý sa vyvinul okolo starovekého mesta Byzancia (dnes Istanbul, Turecko). Technika mozaiky dokonale zodpovedala byzantskému vkusu pre nádherne zdobené kostoly. Slávne mozaiky Theodora a Justinian, vyrobené okolo roku 547 nášho letopočtu, ukazujú chuť na bohatstvo. Šperky na postavách sa lesknú a farebné dvorné šaty sa lesknú na trblietavom zlatom pozadí. Byzantskí umelci používali zlato aj na freskách a paneloch. Zlato a iné vzácne materiály sa v stredoveku používali na oddelenie duchovných predmetov od každodenného sveta.

Stredoveké maliarstvo (500 – 1400)

Prvá časť stredoveku, približne od 6. do 11. storočia nášho letopočtu, sa bežne označuje ako temnota. V tomto období nepokojov sa umenie uchovávalo najmä v kláštoroch. V 5. storočí nášho letopočtu. Po kontinente sa potulovali kmene Warranov zo severnej a strednej Európy. Stovky rokov ovládli západnú Európu. Títo ľudia produkovali umenie, v ktorom je hlavným prvkom vzor. Obľúbili si najmä štruktúry prepletajúcich sa drakov a vtákov.

To najlepšie z keltského a saského umenia nájdeme v rukopisoch zo 7. a 8. storočia. Knižné ilustrácie, osvetlenie a miniatúrne maľby, ktoré sa praktizovali už od neskorých rímskych čias, sa rozšírili po celý stredovek. Osvetlenie je ozdobou textu, veľkých písmen a okrajov. Použité farby boli zlatá, strieborná a žiarivá. Miniatúra je malý obrázok, často portrét. Tento výraz sa pôvodne používal na opis ozdobného bloku okolo začiatočných písmen v rukopise.

Karol Veľký, ktorý bol začiatkom 9. storočia korunovaný za cisára Svätej ríše rímskej, sa pokúsil oživiť klasické umenie neskorého rímskeho a raného kresťanského obdobia. Za jeho vlády maliari miniatúr napodobňovali klasické umenie, no prostredníctvom svojich predmetov sprostredkúvali aj osobné pocity.

Zo stredoveku sa zachovalo veľmi málo nástenných malieb. Kostoly postavené v románskom období (11. – 13. storočie) mali niekoľko skvelých fresiek, no väčšina z nich zmizla. V kostoloch gotického obdobia (XII-XVI storočia) nebolo dosť miesta na nástenné maľby. Hlavným dielom gotického maliara bola knižná ilustrácia.

Medzi najlepšie ilustrované rukopisy patrili knihy hodín – zbierky kalendárov, modlitieb, žalmov. Strana z talianskeho rukopisu zobrazuje prepracované iniciály a jemne detailnú okrajovú scénu svätého Juraja zabíjajúceho draka. Farby sú lesklé a pripomínajú drahokam, ako na vitráži a nad stránkou sa trblietajú zlaté trblietky. Jemne tenké listové a kvetinové vzory hraničia s textom. Umelci pravdepodobne používali zväčšovacie okuliare na vykonanie takejto zložitej, detailnej práce.

Taliansko: Cimabue a Giotto

Talianski maliari na konci 13. storočia ešte pracovali v byzantskom štýle. Ľudské postavy boli vyrobené ploché a dekoratívne. Tváre mali len zriedkavý výraz. Telá boli bez tiaže a zdalo sa, že sa skôr vznášajú, než by stáli pevne na zemi. Vo Florencii sa maliar Cimabue (1240-1302) pokúsil zmodernizovať niektoré staré byzantské metódy. Anjeli v Madonne na tróne sú aktívnejší, než je na vtedajších obrazoch obvyklé. Ich gestá a tváre ukazujú trochu ľudskejšie city. Cimabue dodal svojim obrazom nový zmysel pre monumentálnosť či vznešenosť. Naďalej však dodržiaval mnohé byzantské tradície, ako napríklad zlaté pozadie a vzorované usporiadanie predmetov a postáv.

Bol to veľký florentský maliar Giotto (1267-1337), ktorý v skutočnosti porušil byzantskú tradíciu. Jeho séria fresiek v kaplnke Arena v Padove necháva byzantské umenie ďaleko za sebou. Tieto výjavy zo života Márie a Krista majú skutočné emócie, napätie a naturalizmus. Sú prítomné všetky kvality ľudského tepla a sympatie. Ľudia sa nezdajú úplne neskutoční alebo nebeskí. Giotto vytieňoval obrysy postáv a do záhybov šiat umiestnil hlboké tiene, aby navodil pocit guľatosti a sily.

Pre svoje malé panely použil Giotto čistú vajcovú temperu, médium, ktoré zdokonalili Florenťania v 14. storočí. Jasnosť a živosť jeho farieb mala výrazne ovplyvniť ľudí zvyknutých na tmavé farby byzantských panelov. Temperové maľby vytvárajú dojem mäkkého denného svetla dopadajúceho na javisko. Majú takmer plochý vzhľad, na rozdiel od lesku olejomaľby. Vaječná tempera zostala hlavnou farbou, kým ju v 16. storočí takmer úplne nenahradil olej.

Neskorostredoveká maľba severne od Álp

Začiatkom 15. storočia umelci v Severná Európa pracoval štýlom úplne odlišným od talianskej maľby. Severskí umelci dosiahli realizmus pridávaním nespočetných detailov do svojich obrazov. Všetky vlasy boli elegantne tvarované a každý detail závesu alebo podlahy bol presne nastavený. Vynález olejomaľby zjednodušil detailovanie.

O rozvoj olejomaľby sa veľkou mierou zaslúžil flámsky maliar Jan van Eyck (1370-1414). Pri použití tempery je potrebné farby nanášať oddelene. Nemôžu sa navzájom dobre tieniť, pretože farba rýchlo schne. S olejom, ktorý schne pomaly, môže umelec dosiahnuť komplexnejšie efekty. Jeho portréty z rokov 1466-1530 boli vyhotovené flámskou olejovou technikou. Všetky detaily a dokonca aj zrkadlenie sú ostré a presné. Farba je odolná a má tvrdý, smaltovaný povrch. Drevený panel so základným náterom bol pripravený rovnakým spôsobom, akým Giotto pripravoval svoje panely na tempery. Van Eyck vytvoril obraz vo vrstvách jemnej farby nazývanej glazúra. Tempera sa pravdepodobne používala v pôvodnom podraste a na melír.

talianska renesancia

Kým van Eyck pracoval na severe, Taliani vstupovali do zlatého veku umenia a literatúry. Toto obdobie sa nazýva renesancia, čo znamená znovuzrodenie. Talianski maliari sa inšpirovali sochárstvom starých Grékov a Rimanov. Taliani chceli oživiť ducha klasického umenia, ktoré oslavuje ľudskú nezávislosť a šľachtu. Renesanční umelci pokračovali v maľovaní náboženských scén. No zdôrazňovali aj pozemský život a výdobytky ľudí.

Florencia

Giottove úspechy na začiatku 14. storočia znamenali začiatok renesancie. Pokračovali v nej talianski umelci 17. storočia. Masaccio (1401-1428) bol jedným z vodcov prvej generácie renesančných maliarov. Žil vo Florencii, bohatom obchodnom meste, kde sa začalo renesančné umenie. V čase svojej smrti koncom dvadsiatych rokov spôsobil revolúciu v maľbe. Vo svojej slávnej freske The Tribute Money zasadzuje pevné sochárske postavy do krajiny, ktorá sa akoby tiahne ďaleko do diaľky. Masaccio možno študoval perspektívu u florentského architekta a sochára Brunelleschiho (1377-1414).

Technika fresky bola veľmi populárna v období renesancie. Bol vhodný najmä pre veľké obrazy, pretože farby na freske sú suché a dokonale ploché. Obraz je možné sledovať z akéhokoľvek uhla bez odleskov a odrazov. Tiež fresky sú cenovo dostupné. Zvyčajne mali umelci niekoľko asistentov. Práce sa robili po častiach, pretože sa museli dokončiť ešte za vlhka omietky.

Masacciov úplný „trojrozmerný“ štýl bol typický pre nové progresívne hnutie 15. storočia. Štýl Fra Angelico (1400-1455) je tradičnejší prístup používaný mnohými umelcami ranej renesancie... Menej sa zaoberal perspektívou a viac sa zaujímal o dekoratívny dizajn. Jeho „Korunovácia Panny Márie“ je ukážkou tempery v najkrajšom prevedení. Veselé, intenzívne farby oproti zlatu a zvýraznené zlatom. Obrázok vyzerá ako zväčšená miniatúra. Dlhé úzke tvary majú s Masacciom pramálo spoločného. Kompozícia je organizovaná v širokých pohybových líniách okolo ústredných postáv Krista a Márie.

Ďalším Florenťanom, ktorý pracoval v tradičnom štýle, bol Sandro Botticelli (1444-1515). Plynulé rytmické línie spájajú časti „Spring“ od Botticelliho. Sprava sa zmieta postava Jara, ktorú nesie západný vietor. Tri grácie tancujú v kruhu, vlajúce záhyby šiat a ladné pohyby rúk vyjadrujú rytmy tanca.

Leonardo da Vinci (1452-1519) študoval maliarstvo vo Florencii. Je známy svojim vedecký výskum a vynálezy, ako aj jeho obrazy. Len veľmi málo jeho obrazov sa zachovalo, čiastočne preto, že často experimentoval s rôznymi spôsobmi vytvárania a nanášania farby, namiesto toho, aby používal osvedčené a pravdivé metódy. Posledná večera (maľovaná v rokoch 1495 až 1498) bola urobená olejom, ale nanešťastie ju Leonardo namaľoval na vlhkú stenu, ktorá popraskala farbu. Ale aj v zlom stave (pred reštaurovaním) mal obraz schopnosť vzbudiť emócie v každom, kto ho vidí.

Jedným z charakteristických znakov Leonardovho štýlu bola jeho metóda zobrazovania svetiel a tmy. Taliani to nazývali polotmavé osvetlenie „sfumato“, čo znamená zadymené alebo zahmlené. Postavy v Madonne of the Rocks sú zahalené v atmosfére sfumato. Ich tvary a vlastnosti sú jemne tieňované. Leonardo tieto efekty dosiahol pomocou veľmi jemných gradácií svetlých a tmavých tónov.

Rím

Vrchol renesančného maliarstva nastal v 16. storočí. Centrum umenia a kultúry sa zároveň presunulo z Florencie do Ríma. Za pápeža Sixta IV. a jeho nástupcu Júliusa II. bolo mesto Rím slávne a bohato vyzdobené renesančnými umelcami. Niektoré z najambicióznejších projektov tohto obdobia sa začali počas pápežstva Júliusa II. Július poveril veľkého sochára a maliara Michelangela (1475-1564), aby namaľoval strop Sixtínskej kaplnky a vyrezal sochu pre hrob pápeža. Július pozval na výzdobu Vatikánu aj maliara Rafaela (1483-1520). Raphael s asistentmi vymaľoval štyri izby pápežových apartmánov vo Vatikánskom paláci.

Michelangelo, rodený Florenťan, vyvinul monumentálny maliarsky štýl. Postavy na jeho obraze sú také pevné a objemné, že vyzerajú ako sochy. Sixtínsky strop, ktorý Michelangelovi trval 4 roky, pozostáva zo stoviek ľudských postáv z Starý testament... Aby Michelangelo dokončil túto grandióznu fresku, musel si ľahnúť na chrbát na lešenie. Zamyslená tvár Jeremiáša medzi prorokmi, ktorí obklopujú strop, niektorí odborníci považujú za autoportrét Michelangela.

Raphael prišiel do Florencie z Urbina ako veľmi mladý muž. Vo Florencii absorboval myšlienky Leonarda a Michelangela. V čase, keď Raphael odišiel do Ríma pracovať vo Vatikáne, jeho štýl sa stal jedným z najkrajších v oblasti popravy. Miloval najmä svoje krásne portréty Madony s dieťaťom. Boli reprodukované v tisíckach a možno ich vidieť všade. Jeho Madonna del Granduca je úspešná vďaka svojej jednoduchosti. Nadčasový vo svojej pokojnosti a čistote je pre nás rovnako príťažlivý ako pre Talianov z éry Raphaela.

Benátky

Benátky boli hlavným severotalianskym mestom renesancie. Navštevovali ho umelci z Flámska a iných regiónov, ktorí vedeli o flámskych experimentoch s olejovými farbami. To stimulovalo skoré používanie ropná technológia v talianske mesto... Benátčania sa naučili maľovať na pevne napnuté plátno, a nie na drevené obklady bežne používané vo Florencii.

Giovanni Bellini (1430-1515) bol najväčším benátskym maliarom 15. storočia. Bol tiež jedným z prvých talianskych maliarov, ktorí použili olej na plátne. Giorgione (1478-1151) a Tizian (1488-1515), ktorý je najznámejším zo všetkých benátskych maliarov, boli učni v Belliniho dielni.

Olejový majster Titian maľoval obrovské plátna v teplých sýtych farbách. Vo svojich zrelých obrazoch obetoval detail pre ohromujúce efekty ako Madonna Pesaro. Na veľké ťahy používal veľké štetce. Jeho farby sú obzvlášť sýte, pretože trpezlivo vytváral glazúry kontrastných farieb. Typicky sa glazúry nanášali na hnedý temperovaný povrch, aby obraz dostal jednotný tón.

Ďalším veľkým benátskym maliarom 16. storočia bol Tintoretto (1518-1594). Na rozdiel od Tiziana zvyčajne pracoval priamo na plátne bez predbežných náčrtov a obrysov. Svoje formy často skresľoval (prekrúcal) v záujme kompozície a dejovej drámy. Jeho technika, ktorá zahŕňa široké ťahy a dramatické kontrasty svetla a tmy, pôsobí veľmi moderne.

Maliar Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) bol známy ako El Greco (grécky). El Greco, ktorý sa narodil na ostrove Kréta, ktorý obsadila benátska armáda, trénovali talianski umelci. Ako mladý odišiel študovať do Benátok. Kombinovaný vplyv byzantského umenia, ktorý videl okolo seba na Kréte, a talianske umenie renesancie, urobil El Grecovo dielo výnimočným.

Vo svojich obrazoch skresľoval prírodné formy a používal ešte zvláštnejšie, éterickejšie farby ako Tintoretto, ktorého obdivoval. Neskôr sa El Greco presťahoval do Španielska, kde jeho tvorbu ovplyvnila pochmúrnosť španielskeho umenia. V jeho dramatickej vízii Toleda zúri búrka nad smrteľným tichom mesta. Studená modrá, zelená a modro-biela nesie mráz po krajine.

Renesancia vo Flámsku a Nemecku

Zlatým vekom maliarstva vo Flámsku (dnes súčasť Belgicka a severného Francúzska) bolo 15. storočie, čas van Eycka. V 16. storočí mnohí flámski umelci napodobňovali talianskych umelcov renesancie. Niektorí Flámovia však pokračovali vo flámskej tradícii realizmu. Potom sa rozšírila žánrová maľba – výjavy z každodenného života, ktoré boli niekedy očarujúce a niekedy fantastické. Hieronymus Bosch (1450-1515), ktorý predchádzal žánrovým maliarom, mal neobyčajne živú fantáziu. Pre film Pokušenie sv. Anthony“. Pieter Bruegel starší (1525-1569) tiež pracoval vo flámskej tradícii, no do svojich žánrových scén pridal perspektívu a ďalšie renesančné charakteristiky.

Albrecht Durer (1471-1528), Hans Holbein mladší (1497-1543) a Lucas Cranach starší (1472-1553) boli traja najvýznamnejší nemeckí maliari 16. storočia. Urobili veľa pre zmiernenie pochmúrneho realizmu ranej nemeckej maľby. Dürer aspoň raz navštívil Taliansko, kde naňho zapôsobili obrazy Giovanniho Belliniho a iných severných Talianov. Prostredníctvom tejto skúsenosti vštepil nemeckej maľbe znalosť perspektívy, zmysel pre farbu a svetlo a nové chápanie kompozície. Holbein absorboval ešte viac talianskych úspechov. Jeho citlivá kresba a schopnosť vybrať len tie najdôležitejšie detaily z neho urobili majstra portrétistu.

Baroková maľba

17. storočie je v umení známe ako obdobie baroka. V Taliansku maliari Caravaggio (1571-1610) a Annibale Carracci (1560-1609) prezentovali dva protichodné pohľady. Caravaggio (vlastným menom Michelangelo Merisi) vždy čerpal inšpiráciu priamo zo životnej reality. Jedným z jeho hlavných problémov bolo čo najpresnejšie kopírovať prírodu bez toho, aby ju akokoľvek oslavoval. Carracci na druhej strane nasledoval ideál renesančnej krásy. Študoval antické sochárstvo a diela Michelangela, Raphaela a Tiziana. Caravaggiov štýl obdivoval mnoho umelcov, najmä Španiela Riberu a mladého Velazqueza. Carracci inšpiroval Nicolasa Poussina (1594-1665), slávneho francúzskeho maliara 17. storočia.

Španielsko

Diego Velazquez (1599-1660), dvorný maliar španielskeho kráľa Filipa IV., bol jedným z najväčších španielskych maliarov. Milovník Tizianovej tvorby bol majstrom v používaní sýtych, harmonických farieb. Žiadny umelec nedokázal lepšie vytvoriť ilúziu bohatého tkaniva alebo ľudskej kože. Portrét malého princa Philippa Prospera ukazuje túto zručnosť.

Flámsko

Obrazy flámskeho umelca Petra Paula Rubensa (1577-1640) sú stelesnením plnofarebného barokového štýlu. Prekypujú energiou, farbami a svetlom. Rubens prerušil flámsku tradíciu maľovania malých obrázkov. Jeho plátna sú obrovské, plné ľudských postáv. Na veľké obrazy dostal viac objednávok, ako mohol zvládnuť. Preto často nakreslil len malý farebný náčrt. Potom jeho asistenti preniesli skicu na veľké plátno a dokončili obraz pod vedením Rubensa.

Holandsko

Úspechy Holandský maliar Rembrandta (1606-1669) patria k najvýznamnejším v histórii. Mal úžasný dar – presne zachytiť a sprostredkovať ľudské emócie. Podobne ako Tizian dlho pracoval na tvorbe viacvrstvových obrazov. Obľúbené boli zemité farby – okrovo žltá, hnedá a hnedočervená. Jeho obrazy sú väčšinou robené v tmavých farbách. Dôležitosť tmavých vrstvených častí robí jeho techniku ​​nezvyčajnou. Dôraz je prenášaný jasným osvetlením vo vzťahu k svetlým oblastiam.

Jan Vermeer (1632-1675) bol súčasťou skupiny holandských umelcov, ktorí maľovali skromné ​​výjavy každodenného života. Bol majstrom v kreslení akejkoľvek textúry – satén, perzské koberce, chlebové kôrky, kov. Celkový dojem z Vermeerovho interiéru je slnečná, veselá miestnosť plná ikonických domácich potrieb.

Maľba 18. storočia

V 18. storočí Benátky vyprodukovali niekoľko vynikajúcich umelcov. Najznámejším bol Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Interiéry palácov a iných budov vyzdobil veľkolepými farebnými freskami predstavujúcimi výjavy bohatstva. Francesco Guardi (1712-1793) bol veľmi zručný so štetcom, s niekoľkými farebnými škvrnami dokázal vykúzliť predstavu drobnej postavičky v člne. Nádherný výhľad na Antonia Canaletta (1697-1768) oslavoval minulú slávu Benátok.

Francúzsko: rokokový štýl

Vo Francúzsku viedla chuť na pastelové farby a zložité povrchové úpravy na začiatku 18. storočia k rozvoju rokokového štýlu. Jean Antoine Watteau (1684-1721), dvorný maliar kráľa Ľudovíta XV., neskôr François Boucher (1703-1770) a Jean Honore Fragonard (1732-1806) boli spájaní s rokokovými trendmi. Watteau napísal snové vízie, život, v ktorom je všetko zábavné. Štýl je založený na piknikoch v parkoch, lesných párty, kde sa v prírode zabávajú veselí páni a elegantné dámy.

Výjavy zobrazovali ďalší maliari z 18. storočia bežný život stredná trieda. Rovnako ako Holanďan Vermeer, aj Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) ocenil jednoduché domáce scény a zátišia. Jeho farby sú striedme a pokojné v porovnaní s Watteau.

Anglicko

V 18. storočí Briti prvýkrát vyvinuli samostatnú maliarsku školu. Jadro tvorili najmä portrétisti, ktorí boli ovplyvnení benátskymi renesančnými maliarmi. Najznámejšími sú Sir Joshua Reynolds (1723-1792) a Thomas Gainsborough (1727-1788). Reynolds, ktorý odcestoval do Talianska, nasledoval ideály renesančného maliarstva. Jeho portréty, očarujúce a dojímavé, nie sú zvlášť zaujímavé farbou ani textúrou. Na druhej strane Gainsborough mal talent na brilantnosť. Plochy jeho obrazov žiaria žiarivou farbou.

Maľba 19. storočia

19. storočie je niekedy vnímané ako obdobie, počas ktorého sa začalo formovať súčasné umenie. Jedným z dôležitých dôvodov takzvanej revolúcie v umení v tomto období bol vynález fotoaparátu, ktorý prinútil umelcov prehodnotiť účel maľby.

Viac dôležitá udalosť sa stalo rozšírené používanie prefabrikovaných farieb. Až do 19. storočia si väčšina umelcov alebo ich pomocníkov vyrábala vlastné farby brúsením pigmentu. Skoré komerčné farby boli horšie ako ručné farby. Umelci na konci 19. storočia zistili, že tmavomodré a hnedé sú viac rané maľby v priebehu niekoľkých rokov sčernela alebo zošedla. Znovu začali používať plné farby, aby zachovali svoju prácu a niekedy preto, že sa snažili presnejšie odrážať slnečné svetlo v pouličných scénach.

Španielsko: Goya

Francisco Goya (1746-1828) bol prvým veľkým španielskym maliarom zo 17. storočia. Ako obľúbený maliar španielskeho dvora vytvoril množstvo portrétov kráľovskej rodiny. Kráľovské postavy sú vybavené elegantným oblečením a krásnymi šperkami, no na niektorých ich tvárach sa odráža len márnomyseľnosť a chamtivosť. Okrem portrétov maľoval Goya aj dramatické scény, ako napríklad Tretí máj 1808. Tento obraz zobrazuje popravu skupiny španielskych rebelov francúzskymi vojakmi. Odvážne kontrasty svetlých a tmavých a ponurých farieb, zdobené červenými škvrnami, evokujú ponurú hrôzu predstavenia.

Hoci Francúzsko bolo v 19. storočí veľkým centrom umenia, anglickí krajinári John Constable (1776 – 1837) a Joseph Mallord William Turner (1775 – 1851) cenným spôsobom prispeli k maľbe 19. storočia. Obaja sa zaujímali o maľovanie svetla a vzduchu, dvoch aspektov prírody, ktoré umelci 19. storočia skúmali ako celok. Strážnik použil techniku ​​známu ako delenie alebo rozbitá farba. Použil kontrastné farby cez hlavnú farbu pozadia. Na pevné nanášanie farby často používal paletový nôž. Obraz „Hay Wain“ ho preslávil po tom, čo bol predstavený v Paríži v roku 1824. Toto je jednoduchá scéna na dedinské seno. Mraky sa vznášajú nad lúkami pokrytými škvrnami slnečného svetla. Turnerove obrazy sú dramatickejšie ako obrazy Constabla, ktorý maľoval majestátne pamiatky prírody - búrky, morské scenérie, žiariace západy slnka, vysoké hory. Zlatý opar často čiastočne zakrýva predmety na jeho obrazoch, takže vyzerajú, akoby sa vznášali v nekonečnom priestore.

Francúzsko

Obdobie Napoleonovej vlády a Francúzska revolúcia znamenala vznik dvoch protikladných smerov vo francúzskom umení – klasicizmu a romantizmu. Jacques Louis David (1748-1825) a Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) sa inšpirovali starovekým gréckym a rímskym umením a renesanciou. Zvýraznili detaily a použili farbu na vytvorenie pevných tvarov. Ako obľúbený umelec revolučnej vlády David často písal historické udalosti toho obdobia. Vo svojich portrétoch, ako napríklad Madame Recamier, sa snažil dosiahnuť klasickú jednoduchosť.

Theodore Guericault (1791-1824) a romantik Eugene Delacroix (1798-1863) sa vzbúrili proti Dávidovmu štýlu. Pre Delacroixa bola farba najdôležitejším prvkom maľby a nemal trpezlivosť napodobňovať klasické sochy. Namiesto toho obdivoval Rubena a Benátčanov. Pre svoje obrazy si vybral farebné, exotické námety, ktoré žiaria svetlom a sú plné pohybu.

Barbizonskí maliari boli tiež súčasťou všeobecného romantického hnutia, ktoré trvalo približne od roku 1820 do roku 1850. Pracovali pri dedine Barbizon na okraji lesa Fontainebleau. Inšpirovali sa prírodou a maľby dokončovali vo svojich ateliéroch.

Iní umelci experimentovali s každodennými bežnými predmetmi. Krajiny Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) odrážajú jeho lásku k prírode a jeho štúdie ľudského tela ukazujú akýsi vyrovnaný pokoj. Gustave Courbet (1819-1877) sa nazýval realistom, pretože zobrazoval svet tak, ako ho videl – aj jeho drsnú, nepríjemnú stránku. Svoju paletu obmedzil len na niekoľko ponurých farieb. Edouard Manet (1832-1883) tiež vzal základ pre svoje príbehy zo sveta okolo seba. Ľudia boli šokovaní jeho farebnými kontrastmi a nezvyčajnými technikami. Povrchy jeho obrazov majú často plochú, vzorovanú textúru ťahov štetca. Manetove techniky nanášania svetelných efektov na tvar ovplyvnili mladých umelcov, najmä impresionistov.

Skupina umelcov známych ako impresionisti, ktorí pracovali v 70. a 80. rokoch 19. storočia, chcela zobraziť prírodu presne takú, aká bola. V skúmaní účinkov svetla vo farbe zašli oveľa ďalej ako Constable, Turner a Manet. Niektorí z nich vyvinuli vedecké teórie farieb. Claude Monet (1840-1926) často maľoval rovnaký druh v rôznych časoch dňa, aby ukázal, ako sa mení za rôznych svetelných podmienok. Bez ohľadu na tému, jeho obrazy sú zložené zo stoviek drobných ťahov umiestnených vedľa seba, často v kontrastných farbách. V diaľke sa ťahy prelínajú a vytvárajú dojem celistvých tvarov. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) použil impresionistické techniky na zachytenie oslavy parížskeho života. V jeho Tanci v Moulin de la Galette sa ľudia v pestrofarebnom oblečení tlačili a veselo tancovali. Renoir maľoval celý obraz malými ťahmi. Bodky a ťahy farby vytvárajú textúru na povrchu maľby, ktorá jej dodáva zvláštny vzhľad. Zdá sa, že davy sa rozplývajú v slnečné svetlo a trblietavej farby.

maľba 20. storočia

Viacerí umelci boli čoskoro nespokojní s impresionizmom. Umelci ako Paul Cezanne (1839-1906) mali pocit, že impresionizmus nepopisuje silu foriem v prírode. Cezanne rád maľoval zátišia, pretože mu umožňovali zamerať sa na tvar ovocia alebo iných predmetov a ich umiestnenie. Predmety v jeho zátišiach vyzerajú pevne, pretože ich zredukoval na jednoduché geometrické tvary. Jeho technika umiestňovania škvŕn od farby a krátkych ťahov sýtej farby vedľa seba ukazuje, že sa veľa naučil od impresionistov.

Vincent Van Gogh (1853-90) a Paul Gauguin (1848-1903) reagovali na realizmus impresionistov. Na rozdiel od impresionistov, ktorí tvrdili, že sa na prírodu pozerajú objektívne, Van Gogh dbal len na presnosť. Často skresľoval predmety, aby tvorivejšie vyjadroval svoje myšlienky. Použil impresionistické princípy na umiestnenie kontrastných farieb vedľa seba. Niekedy vytláčal farbu z rúrok priamo na plátno, ako napríklad v Pole žltej kukurice.

Gauguin sa nestaral o škvrnitú farbu impresionistov. Farbu nanášal plynule na veľké rovné plochy, ktoré od seba oddeľoval líniami alebo tmavými okrajmi. Farebné tropické národy poskytli veľa z jeho pozemkov.

Cezannovu metódu vytvárania priestoru pomocou jednoduchých geometrických tvarov vyvinuli Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) a ďalší. Ich štýl sa stal známym ako kubizmus. Kubisti maľovali predmety tak, akoby ich bolo možné vidieť z viacerých uhlov naraz, alebo akoby boli rozobraté a poskladané na ploché plátno. Často sa ukázalo, že objekty sa nepodobajú všetkému, čo existuje v prírode. Občas si kubisti vystrihli figúrky z látky, kartónu, tapiet alebo iných materiálov a nalepili ich na plátno, čím vytvorili koláž. Textúry sa tiež menili pridávaním piesku alebo iných látok do farby.

Najnovším trendom je klásť na túto tému menší dôraz. Väčší dôraz sa začal klásť na kompozíciu a obrazovú techniku.

Študenti, postgraduálni študenti, mladí vedci, ktorí pri štúdiu a práci využívajú vedomostnú základňu, vám budú veľmi vďační.

ÚVOD

1. TYPY MAĽBY

2. MAĽBA A JEJ ŽÁNRE

ZÁVER

BIBLIOGRAFIA

ÚVOD

Slovo „maľovanie“ je odvodené od slov „živý“ a „písať“. „Maľovať,“ vysvetľuje Dahl, „zobrazovať správne a živo štetcom alebo slovami, perom.“ Pre maliara správne stvárniť znamená presný prenos. vonkajší vzhľad jeho najdôležitejšie vlastnosti. Bolo ich možné správne sprostredkovať grafickými prostriedkami - líniou a tónom. Ale živo vyjadrujte s týmito s obmedzenými finančnými prostriedkami viacfarebnosť okolitého sveta, pulzovanie života v každom centimetri farebnej plochy predmetu, čaro tohto života a neustály pohyb a zmeny sú nemožné. Maľba, jeden z druhov výtvarného umenia, pomáha pravdivo odrážať farbu skutočného sveta.

Farba - hlavný obrazový a výrazový prostriedok v maľbe - má tón, sýtosť a ľahkosť; akosi spája do celku všetko, čo je pre predmet charakteristické: aj to, čo sa dá zobraziť čiarou, aj to, čo je pre ňu nedostupné.

Maľba, podobne ako grafika, využíva svetlé a tmavé čiary, ťahy a škvrny, no na rozdiel od nej sú tieto čiary, ťahy a škvrny farebné. Prenášajú farbu svetelného zdroja cez oslňujúce a jasne osvetlené povrchy, formujú objemovú formu s farbou objektu a farbou odrážanou prostredím, vytvárajú priestorové vzťahy a hĺbku, zobrazujú textúru a materialitu predmetov.

Úlohou maľby je nielen niečo ukázať, ale aj odhaliť vnútornú podstatu zobrazovaného, ​​reprodukovať „typické postavy za typických okolností“. Preto je skutočné umelecké zovšeobecnenie javov života základom základov realistickej maľby.

1. TYPY MAĽBY

Monumentálna maľba je zvláštny druh maľby vo veľkom meradle, zdobenie stien a stropov architektonických štruktúr. Odhaľuje obsah hlavných spoločenských javov, ktoré priaznivo ovplyvnili vývoj spoločnosti, velebí ich a zvečňuje, pomáha vychovávať ľudí v duchu vlastenectva, pokroku a ľudskosti. Vznešenosť obsahu monumentálnej maľby, významná veľkosť jej diel, prepojenie s architektúrou si vyžadujú veľké farebné hmoty, prísnu jednoduchosť a lakonickú kompozíciu, jasnosť kontúr a zovšeobecnenie plastickej formy.

Dekoratívna maľba Používa sa na dekoráciu budov, interiérov vo forme farebných panelov, ktoré realistickým obrazom vytvárajú ilúziu prielomu steny, vizuálneho zväčšenia veľkosti miestnosti, alebo naopak zámerne sploštenými formami potvrdzujú rovinnosť steny a uzavretie priestoru. Vzory, vence, girlandy a iné typy dekorácií, zdobenie diel monumentálnej maľby a sochárstva, spájajú všetky prvky interiéru, zdôrazňujúc ich krásu, súlad s architektúrou.

Divadelná a dekoratívna maľba(kulisy, kostýmy, mejkap, rekvizity, vyrobené podľa výtvarných náčrtov) pomáha hlbšie odhaliť obsah predstavenia. Špeciálne divadelné podmienky pre vnímanie scenérie si vyžadujú zohľadnenie mnohých uhlov pohľadu divákov, ich veľkej odľahlosti, pôsobenia umelého osvetlenia a farebných svetiel. Scenéria dáva predstavu o mieste a čase akcie, aktivuje divákovo vnímanie toho, čo sa deje na javisku. Divadelník sa v náčrtoch kostýmov a mejkapu snaží ostro vyjadriť individuálny charakter postáv, ich sociálne postavenie, dobový štýl a mnohé ďalšie.

Miniatúrna maľba zaznamenala veľký rozvoj v stredoveku, pred vynálezom tlače. Ručne písané knihy boli zdobené najkvalitnejšími čelenkami, koncovkami, detailnými miniatúrnymi ilustráciami. Technika maľovania miniatúr ruských umelcov bola prvá polovice XIX storočia zručne využívaný pri tvorbe malých (hlavne akvarelových) portrétov. Čisté sýte farby akvarelov, ich nádherné kombinácie, šperková jemnosť písma odlišujú tieto portréty plné grácie a noblesy.

Maľovanie stojanov, vykonávaná na strojovom stojane, využíva ako materiálový základ drevo, kartón, papier, najčastejšie však plátno natiahnuté na nosidlách. Maľovanie stojanov ako samostatné dielo dokáže zobraziť úplne všetko: umelcom faktické i fiktívne, neživé predmety a ľudí, modernu a históriu – jedným slovom život vo všetkých jeho prejavoch. Na rozdiel od grafiky má stojanová maľba bohatosť farieb, ktorá pomáha emocionálne, psychologicky mnohostranne a jemne sprostredkovať krásu okolitého sveta.

Technikou a prostriedkami prevedenia sa maľba delí na olej, temperu, fresku, vosk, mozaiku, vitráž, akvarel, gvaš, pastel. Tieto názvy vychádzali zo spojiva alebo zo spôsobu použitia materiálno-technických prostriedkov.

Olejomaľba vykonáva sa farbou zotretou rastlinnými olejmi. Hustá farba skvapalní, keď sa do nej pridá olej alebo špeciálne riedidlá a laky. Olejová farba môžete pracovať na plátne, dreve, kartóne, papieri, kove.

Temperanaya maľovanie sa robí farbou uvarenou na žĺtku alebo kazeíne. Temperová farba je vodou riediteľná a nanáša sa pastovitá alebo tekutá na stenu, plátno, papier, drevo. Tempera v Rusku vytvorila nástenné maľby, ikony a vzory na domácich predmetoch. V súčasnosti sa tempera používa v maľbe a grafike, v umeleckých remeslách, v dizajne a dekorácii.

Fresková maľba zdobí interiéry v podobe monumentálnych a dekoratívnych kompozícií nanášaných na mokrú omietku vodovými farbami. Freska má príjemný matný povrch a je odolná vo vnútorných podmienkach.

Maľovanie voskom(enkaustika) používali umelci Staroveký Egypt, čoho dôkazom sú slávne „Fajumské portréty“ (1. storočie n. l.). Spojivom v enkaustike je bielený vosk. Voskové farby sa nanášajú v roztavenom stave na vyhrievanú základňu, po ktorej sa kauterizujú.

Mozaikové maľovanie, alebo mozaika, sa skladá z jednotlivých kusov smaltových alebo farebných kamienkov a upevňuje sa na špeciálny cementový podklad. Transparentný smalt zapustený do zeme pod rôzne uhly odráža alebo láme svetlo, čo spôsobuje blikanie a blikanie farieb. Mozaikové panely nájdete v metre, v interiéroch divadiel a múzeí atď. Vitráž - prac dekoratívne umenie, určený na zdobenie okenných otvorov v akejkoľvek architektonickej štruktúre. Vitráž sa skladá z kúskov farebného skla, ktoré drží pohromade pevný kovový rám. Svetelný tok, prenikajúci do farebného povrchu vitráže, kreslí na podlahu a steny interiéru dekoratívne efektné, viacfarebné vzory.

2. MAĽBA A JEJ ŽÁNRE

Maliarske žánre (fr. Žáner - rod, druh) je historicky ustálené delenie maliarskych diel v súlade s témami a objektmi obrazu. V modernej maľbe existujú tieto žánre: portrét, historický, mytologický, bitka, každodenný život, krajina, zátišie, živočíšny žáner.

Hoci sa pojem „žáner“ objavil v maľbe pomerne nedávno, určité žánrové rozdiely existujú už od staroveku: obrazy zvierat v jaskyniach z paleolitickej éry, portréty starovekého Egypta a Mezopotámie z roku 3000 pred Kristom, krajiny a zátišia v helenistickom a rímskom období. mozaiky a fresky. Formovanie žánru ako systému v maliarskom stojane sa začalo v Európe v 15.-15. a skončilo sa hlavne v 17. storočí, keď sa popri členení výtvarného umenia na žánre objavil pojem „vysoké“ a „nízke“ žánre v závislosti od námetu obrazu, témy, zápletky.

K „vysokému“ žánru sa pripisovali historické a mytologické žánre, portrét, krajina a zátišie – k „nízkemu“. Táto gradácia žánrov pretrvala až do 19. storočia. Takže v 17. storočí v Holandsku sa v maliarstve stali poprednými „nízke“ žánre (krajina, žáner, zátišie) a slávnostný portrét, ktorý formálne patril do „nízkeho“ žánru portrétu. k takým nepatrí.

Stal sa formou zobrazenia života, maľoval žánre so všetkou stabilitou spoločné znaky nie sú nemenné, vyvíjajú sa životom, menia sa s vývojom umenia. Niektoré žánre zanikajú alebo nadobúdajú nový význam (napríklad mytologický žáner), objavujú sa nové, zvyčajne v rámci už existujúcich (napríklad v rámci krajinného žánru sa objavila architektonická krajina a prímorská krajina). Existujú diela, ktoré kombinujú rôzne žánre (napríklad kombinácia žánru žánru s krajinou, skupinový portrét s historickým žánrom).

Žáner výtvarného umenia, odzrkadľujúci vonkajší a vnútorný vzhľad človeka alebo skupiny ľudí, je tzv portrét... Tento žáner je rozšírený nielen v maľbe, ale aj v sochárstve, grafike atď. Hlavnými požiadavkami na portrét sú prenos vonkajších podobností a odhalenie vnútorného sveta, podstaty charakteru človeka. Podľa povahy obrazu sa rozlišujú dve hlavné skupiny: slávnostné a komorné portréty. Slávnostný portrét zobrazuje osobu v plnom raste (na koni, v stoji alebo v sede) na architektonickom alebo krajinnom pozadí. V komornom portréte sa na neutrálnom pozadí používa polovičný alebo bustový obraz. V osobitnej skupine vyniká autoportrét – obraz seba samého umelca.

Portrét je jedným z najstarších žánrov výtvarného umenia, spočiatku mal kultový účel, stotožňoval sa s dušou zosnulého. V antickom svete sa portrétovanie rozvinulo viac v sochárstve, ako aj v obrazových portrétoch – Fayumské portréty 1. – 3. storočia. V stredoveku bol koncept portrétu nahradený zovšeobecnenými obrázkami, hoci na freskách, mozaikách, ikonách, miniatúrach sú v zobrazení historických postáv niektoré individuálne znaky. Neskorá gotika a renesancia je búrlivým obdobím vo vývoji portrétnej tvorby, kedy dochádza k formovaniu žánru portrétu, dosahujúceho vrcholy humanistickej viery v človeka a chápania jeho duchovného života.

Žáner výtvarného umenia venovaný historickým udalostiam a postavám sa nazýva tzv historický žáner... Historický žáner, ktorý sa vyznačuje monumentálnosťou, sa dlhodobo rozvíjal v r maľovanie steny... Od renesancie do 19. storočia. umelci používali zápletky antickej mytológie, kresťanské legendy. Skutočné historické udalosti zobrazené na obrázku boli často nasýtené mytologickými alebo biblickými alegorickými postavami.

Historický žáner sa prelína s ostatnými - žáner každodennosti (historické výjavy), portrét (zobrazenie historických postáv minulosti, portrétno-historické kompozície), krajina ("historická krajina"), splýva s bojovým žánrom.

Historický žáner je stelesnený v stojanových a monumentálnych formách, v miniatúrach, ilustráciách. Historický žáner pochádzajúci zo staroveku spájal skutočné historické udalosti s mýtmi. V krajinách starovekého východu existovali dokonca typy symbolických kompozícií (apoteóza vojenských víťazstiev panovníka, odovzdanie moci naňho božstvom) a naratívne cykly malieb a reliéfov. V starovekom Grécku boli sochárske obrazy v Starovekom Ríme vznikali historickí hrdinovia, reliéfy s výjavmi vojenských ťažení a triumfov.

V stredoveku v Európe sa historické udalosti odrážali v miniatúrach kroník, v ikonách. Historický žáner v maliarskom stojane sa v Európe začal formovať v období renesancie, v 17. - 18. storočí. bol vnímaný ako „vysoký“ žáner, vystupujúci do popredia (náboženské, mytologické, alegorické, vlastne historické témy).

Obrazy historického žánru boli plné dramatického obsahu, vznešených estetických ideálov a hĺbky medziľudských vzťahov.

Žáner výtvarného umenia venovaný hrdinom a udalostiam, o ktorých rozprávajú mýty starých národov, sa nazýva mytologický žáner(z gréckeho mythos – legenda). Mytologický žáner prichádza do kontaktu s historickým a formuje sa v renesancii, kedy antické legendy poskytovali najbohatšie možnosti na stelesnenie príbehov a postáv so zložitým etickým, často alegorickým presahom. V XVII storočí. - skorý. XIX storočia v dielach mytologického žánru rozširuje rozsah morálnych, estetických problémov, ktoré sú stelesnené vo vysokých umeleckých ideálov a buď sa priblížiť k životu, alebo vytvoriť slávnostnú podívanú. Od XIX-XX storočia. zľudoveli námety germánskych, keltských, indických, slovanských mýtov.

Bojový žáner(z francúzskeho bataille - bitka) je maliarsky žáner, ktorý je súčasťou historického, mytologického žánru a špecializuje sa na zobrazovanie bitiek, vojenských vykorisťovaní, vojenských akcií, oslavovania vojenskej udatnosti, zúrivosti boja, víťazstva. Bojový žáner môže obsahovať prvky iných žánrov - každodenný život, portrét, krajina, zvieracie, zátišie.

Žáner výtvarného umenia, zobrazujúci výjavy každodenného, ​​osobného života človeka, každodenný život z roľníckeho a mestského života, sa nazýva každodenný žáner... Apel na život a morálku ľudí sa nachádza už v maľbách a reliéfoch starovekého východu, v antickom vázovom maliarstve a sochárstve, v stredovekých ikonách a knihách hodín. Ale každodenný žáner vynikol a nadobudol svoje charakteristické podoby až ako fenomén svetského stojanového umenia. Jeho hlavné črty sa začali formovať v XIV-XV storočí. v oltárnych obrazoch, reliéfoch, tapisériách, miniatúrach v Holandsku, Nemecku, Francúzsku. V 16. storočí sa v Holandsku začal rýchlo rozvíjať žáner každodenného života a dostal sa do izolácie. Jedným z jej zakladateľov bol Hieronymus Bosch.

Vývoj žánru žánru v Európe bol výrazne ovplyvnený tvorbou Pietera Bruegela: prechádza k čistému žánru, ukazuje, že každodenný život môže byť predmetom štúdia a zdrojom krásy. 17. storočie možno nazvať storočím žánru žánru vo všetkých maliarskych školách v Európe.

V XVIII storočí. vo Francúzsku sa žánrová maľba spája so zobrazovaním galantných výjavov, „pastorálok“, stáva sa rafinovaným a gracióznym, ironickým. Diela každodenného žánru sú rôznorodé: ukázali teplo domova i exotiku vzdialených krajín, sentimentálne zážitky a romantické vášne. Žáner každodenného života, zameraný na zobrazenie roľníckeho života a života mestského obyvateľa, sa živo rozvinul v ruskom maliarstve 19. storočia: napríklad v dielach A. G. Venetsianova, P. A. Fedotova, V. G. Perova, I. E. Repina.

Žáner výtvarného umenia, kde hlavnou vecou je obraz prírody, životné prostredie, typy vidieka, mestá, historické pamiatky, tzv krajina(fr.platba). Rozlišujte vidiecku, mestskú, architektonickú, priemyselnú, morskú (marína) a riečnu krajinu.

V staroveku a v stredoveku sa krajina objavuje na maľbách chrámov, palácov, ikon a miniatúr. V európskom umení sa k zobrazovaniu prírody ako prví obrátili benátski maliari renesancie. Od XVI storočia. krajina sa stáva samostatným žánrom, formujú sa jej odrody a smery: lyrická, hrdinská, dokumentárna krajina. V XIX storočí. tvorivé objavy krajinných majstrov, jej presýtenie sociálnymi problémami, rozvoj plenéru (obrazu prírodného prostredia) zavŕšili výdobytky impresionizmu, ktorý dal nové možnosti v obrazovom prenose priestorovej hĺbky, premenlivosti svetla- vzdušné prostredie, zložitosť farebnej škály.

Žáner výtvarného umenia, ktorý zobrazuje predmety pre domácnosť, prácu, kreativitu, kvety, ovocie, drvenú zver, ulovené ryby, umiestnené v reálnom prostredí domácnosti, je tzv. zátišie(fr. nature morte - mŕtva príroda). Zátišie môže byť obdarené komplexom symbolický význam, plniť úlohu dekoratívneho panelu, byť tzv. „trik“, ktorý poskytuje iluzórnu reprodukciu skutočných predmetov alebo postáv, čo spôsobuje efekt prítomnosti skutočnej prírody.

Zobrazovanie predmetov je známe aj v umení staroveku a stredoveku. Ale za prvé zátišie v maľbe na stojane sa považuje obraz benátskeho umelca Jacopo de Barbari "Partridge so šípom a rukavicami". Už v 16. storočí sa zátišie delí na mnoho typov: kuchynský interiér s ľuďmi alebo bez nich, prestretý stôl vo vidieckom prostredí, „vanitas“ so symbolickými predmetmi (váza s kvetmi, zhasnutá sviečka, hudobné nástroje). Obzvlášť bohaté bolo holandské zátišie, skromné ​​vo farbách a vo vyobrazených veciach, no rafinované vo výraznej textúre predmetov, v hre farieb a svetla.

Umelecký žáner so zvieratami sa nazýva tzv živočíšny žáner(z lat.zviera – zviera). Maliar zvierat venuje pozornosť výtvarným a figurálnym charakteristikám zvieraťa, jeho zvykom, dekoratívnej expresivite postavy, siluete. Často sú zvieratá obdarené vlastné ľuďom vlastnosti, činy a skúsenosti. Obrazy zvierat sa často nachádzajú v starožitných sochách a vázových maľbách.

ZÁVER

Na záver zhrňme vyššie uvedené:

Maliarstvo sa delí na monumentálnu, dekoratívnu, divadelnú a dekoratívnu, miniatúrnu a stojanovú maľbu.

Technikou a prostriedkami prevedenia sa maľba delí na olej, temperu, fresku, vosk, mozaiku, vitráž, akvarel, gvaš, pastel.

V modernej maľbe existujú tieto žánre: portrét, historický, mytologický, bitka, každodenný život, krajina, zátišie, živočíšny žáner.

Historická maľba je obrazom určitých historických momentov, ako aj postáv verejného života minulosti.

Battle painting má za cieľ zachytiť bitky, bitky a vojny. Mytologická maľba zobrazuje udalosti opísané v mýtoch, eposoch a legendách.

Domáce (žánrové) maľovanie je obrazom scén skutočný život, jej skutočnosti a atribúty.

Krajinná (krajinná) maľba je obrazom prírodnej prírody alebo akejkoľvek oblasti.

Portrétna maľba je umeleckým zobrazením človeka. Špecifickým typom portrétu je autoportrét.

Zátišie je obraz rôznych neživých predmetov, napríklad ovocia, kvetov, domácich potrieb, riadu, umiestnených v reálnom každodennom prostredí a kompozične usporiadaných do jednej skupiny.

BIBLIOGRAFIA

1. Batrakova SP Umelec XX storočia. a maliarsky jazyk. M., 1996.

2. Stierač B.R. Úvod do historického štúdia umenia. M., Výtvarné umenie, 1985

3. Západné umenie XX storočia. Klasické dedičstvo a modernosť. M, 1992.

4. Dejiny zahraničného umenia. M., Výtvarné umenie, 1984

5. Dejiny svetového umenia. 3. vydanie, Vydavateľstvo "Akadémia", M., 1998.

6. Od konštruktivizmu k surrealizmu. M., 1996.

7. Polyakov V.V. Dejiny svetového umenia. Výtvarné umenie a architektúra XX storočia. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Kulturológia: teória a dejiny kultúry: Učebnica. - M.: Eksmo, 2007.

9. Súčasné západné umenie... XX storočia: problémy a trendy. M., 1982.

10. Suzdalev P. K žánrom maľby. // Kreativita, 2004, č. 2, 3. S. 45-49.

Podobné dokumenty

Všeobecná charakteristika, klasifikácia a typy krajiny ako jedného zo súčasných žánrov umenia. Odhalenie čŕt, prepojení krajinného žánru v maľbe, fotografii, filme a televízii. História vzniku fotografie na na prelome XIX-XX storočia.

abstrakt, pridaný 26.01.2014


Koncept maliarskeho stojana ako samostatnej umeleckej formy. Kórejská maľba z obdobia kráľovstva Goguryeo. Výtvarné umenie a architektúra Silla. Vynikajúci umelci a ich výtvory. Vlastnosti obsahu kórejskej ľudovej maľby.

abstrakt, pridaný 06.04.2012


Pôvod umenia v jaskynnej dobe. Vývoj umenia v starovekom Grécku a Ríme. Rysy vývoja maliarstva v stredoveku, renesancii a baroku. Umelecké smery v súčasnom umení. Podstata krásy z morálneho hľadiska.

článok pridaný dňa 16.02.2011


Systém triedenia umenia do skupín priestorových (plastických), časových (dynamických), syntetických (spektakulárnych) typov. Historický vývoj, vlastnosti a spôsoby využitia výtvarných materiálov v grafike, sochárstve a maľbe.

test, pridané 29.01.2010


Štúdia zástupcov talianska škola maľovanie. Charakteristika znakov hlavných druhov výtvarného umenia: stojan a úžitková grafika, sochárstvo, architektúra a fotografia. Výskum techník a metód práce s olejovými farbami.

semestrálna práca pridaná 15.02.2012


Portrét ako žáner v maľbe. História portrétnej maľby. Portrét v ruskej maľbe. Budovanie kompozície portrétu. Technika olejomaľby. Základ pre maľovanie. Olejové umelecké farby a štetce. Farebná paleta a miešanie farieb.

práca, pridané 25.05.2015


Vznik a vývoj holandského umenia v 17. storočí. Štúdium kreativity najväčších majstrov holandského a holandského žánru a krajinomaľby. Štúdium špecifík žánrov, akými sú žáner, portrét, krajina a zátišie.

test, pridaný 12.4.2014


Zátišie ako jeden zo žánrov výtvarného umenia, oboznámenie sa so zručnosťami a schopnosťami maľby. Vlastnosti použitia kvapaliny akrylové farby... Oboznámenie sa s úlohami maľovania. Analýza intenzívne asketického umenia Byzancie.

semestrálna práca pridaná 09.09.2013


Charakteristika interiérovej maľby, ktorá existuje ako samostatný žáner umenia, ale aj ako pozadie v dielach zobrazujúcich historické, každodenné udalosti. Analýza interiérových prvkov na obrazoch maliarskych majstrov K. Bryullova, I. Repina.

test, pridané 26.08.2011


Charakteristické znaky staroveké rímske umenie. Historické korene rímskej kultúry. Rímsky maliarsky štýl. Hlavné smery a rozmanitosť starovekej rímskej maľby: Fayumské portréty, monumentálna maľba, etruská maľba.