V hudbe XVII storočia. Západná Európa sa objavila smermi, bývalým, samozrejme, novým časom. Toto je barokový a klasicizmus. Štýly boli potom nové, pretože nenosili to, čo predtým nebolo predtým, a to oslava myšlienky antropocentrizmu nad myšlienkou geocentrizmu, ktorá dominuje stredoveku ERA. Barokový, t. J., podivný, štýlový, štýl - dominoval takmer 200 rokov.

Na rozdiel od renesančného veku, kde bola osoba jediným centrom, predmetom pozornosti barokového stavu boli vlastnosti vzťahu medzi osobnosťou a okolitým svetom. Paphos, pohyb, mierka, pomp a dekoratívnosť, syntenizácia - to sú hlavné charakteristiky tohto štýlu.

Giovanni Batista Pergolezi

Barokový v hudbe je predovšetkým operou, zjednotením umenia hudobného a dramatického, vo všetkých pompoch a kráse. Vlastná operná sa stala Talianskom (Florencii). Prvou konzervovanou prácou je opera "Evridika" (ya. Pier, O. Rinnucini, 1600), ktorý určil autori ako dráma na hudbu, ktorá sa stala vzorkou opera žánru, položil základ nového štýlu.

Bol to začiatok tvorby "vážnej opery", ktorá je neskôr distribuovaná na opernej lyrickom a komici. Lyrical dominuje vo Francúzsku a komiks v Taliansku (J. Pergolezi). Ale opera nebola jediným žánrom hudobného umenia tohto času.

Arkandgelo Corelli

Hudobné a dramatické žánre, ako napríklad Cantata, Oratoria, Requiems atď. Pevne založená v hudobnom umení. Boli založené na pozemkoch Biblie a boli potrebné na realizáciu v dňoch kostolných sviatkov.

Reč bol veľký spôsob vývoja: od polyfónia, kde bolo až 12 hlasov, homofónu, kde bol hlas sám, z vonkajšieho účinku do hlbokej drámy. Najväčší rozkvet na Oratorio dosiahol v práci handle a bach.

Antonio Vivaldi

Tam bolo hľadanie nových prostriedkov expresivity av oblasti inštrumentálnej hudby. Zahraničné školy boli vytvorené: orgán, husle, klávesnica. Veľké umelci a skladatelia, ktorí vytvorili komplexné hmly, fantázie, tokkati, passackles, Chakons, boli - J. Freskrobaldi (Taliansko), D. Buxtehude, G. F. Handel, I. S. Bach (Nemecko).

Potom príde husľový čas. Zdá sa, že dynasties majstrov výroby tento nádherný nástroj: Amati, Stradivari, Guarning. Vynechalo vystúpené na husle Autobusy Corelli, Vivaldi, Tartini.

Antonio Stradivari

Rozvoj hudby tohto času úzko súvisí s duchovnými potrebami éry. Rozhodujúca úloha zohrala osvietenstvo, s jeho koncepciou možnosť zlepšiť ľudskú dušu, vzdelávaním a vzdelávaním. Najväčší myslitelia éry - Goethe, Schiller, Lessing, Kant, Hegel, Voltaire, Montesquieu, všetci mali priamy vplyv na rozvoj hudobného umenia.

To všetko sa prejavilo v práci veľkých skladateľov Viedne klasická škola: K.V. Glitka, J. Gaidna, V. A. Mozart a L. Beethoven, v ktorých hudobný humor v kombinácii s hlbokou tragédiou ľudský život. Čakanie na revolučné zmeny, ako dominantná nevyhnutnosť, sa stala ideologickým základom. hudobný vývoj že éra.

Nikolo Paganini hranie husle pracuje Guarpari

Revolúcia ako jasná budúcnosť sa na dlhú dobu stala majákom pre umelcov v tom čase. Kto vedel, že všetko bude skončiť s gilotínom a tokom krvi? Kto vedel, že režim feudálnej aristokracie príde do spôsobu aristokracie plutokratického, v ktorom sa sila peňazí stane neobmedzeným.

A koniec prosperujúcej klasiky príde, s jeho kultom harmónie človeka, spoločnosti, prírody. Romantizmus, v ktorom sa duša nedokonalosti stane ideálom, zmení klasicizmus. A nádherný nový svet príde ...

Klasickí skladatelia sú na svete známe. Každý názov hudobný génius - Jedinečná osobnosť v histórii kultúry.

Čo je klasická hudba

Klasická hudba - očarujúce melódiá vytvorené talentovanými autormi, ktoré sú pomerne nazývaní klasických skladateľov. Ich diela sú jedinečné a vždy budú dopytom umelcov a poslucháčov. Klasická, na jednej strane je zvyčajná volať prísnu, hlbokú hudbu obsahujúcu, ktorá nie je spojená s oblastiami: Rock, Jazz, Folk, Pop, Chanson, atď Na druhej strane, v historickom vývoji hudby je obdobie neskorého XIII - začiatkom XX storočia, nazývaného klasicizmu.

Klasické témy sa vyznačujú vznešeným intonáciou, sofistikovanosťou, rôznymi odtieňmi a harmóniou. Majú pozitívny vplyv na emocionálny svetonázor dospelých a detí.

Fázy vývoja klasickej hudby. Ich stručný opis a hlavní zástupcovia

V histórii vývoja klasická hudba Môžete zvýrazniť kroky:

• Renesancia alebo renesancia - Začiatok 14 - posledný štvrťrok 16. storočia. V Španielsku a Anglicku trvalo obdobie oživenia až do začiatku 17. storočia.
• Barokový - prišiel k výmene renesancie a trvala až do začiatku 18. storočia. Centrum štýlu bolo Španielsko.
• Klasicizmus - obdobie vývoja európska kultúra Od začiatku 18. a pred začiatkom 19. storočia.
• Romantizmus - smer opačný k klasicizmu. Do polovice 19. storočia.
• Klasické 20 storočí - moderné éry.

Stručná charakteristika a hlavní zástupcovia kultúrnych období

1. Renaissance - dlhé obdobie Rozvoj všetkých smerov kultúry. - Tomáš Tallis, Giovanni da Palestíny, T. L. DE VICTORIA zložená a zanechaná nesmrteľná tvorba k potomkom.

2. Barokové - nové hudobné formy sa objavujú v tejto ére: Polyfónia, opery. Bolo to počas tohto obdobia, ktoré vytvorilo svoje vlastné slávne výtvory Bach, Handel, Vivaldi. Fuges Baha sú postavené v súlade s požiadavkami klasicizmu: povinné súlad kanónov.

3. Klasicizmus. Vytvorenie ich nesmrteľných výtvorov v ére klasicizmu: Haydn, Mozart, Beethoven. Zobrazí sa vzorkovacia forma, zloženie orchestra sa zvyšuje. A Haidna sa líši od ťažkých esejí bach s jednoduchou konštrukciou a milosťou melódie. Stále to bola klasická, túžba na dokonalosť. Beethovenic spisy sú tvárou kontaktu romantického a klasický štýl. V hudbe L. van Beethovena zmyselnosti a prašnosti viac ako racionálny kanonón. Takéto dôležité žánre ako symfónia, sonata, apartmán, opery sa rozlišovali. Beethoven viedol romantické obdobie.

4. Romantizmus. Hudobné diela sú charakteristické pre farbu, drámu. Rôzne žánre piesne, napríklad balady. Uznávanie spisov pre klavírny list a Chopin. Tradície romantizmu zdedili Tchaikovsky, WAGNER, SCHUBERT.

5. Klasika XX storočia sa vyznačuje túžbou autorov na inovovanie v taveniach, pojmy vznikli: Atooric, Atonalym. Druhy Stravinsky, Rachmaninov, sklo sa vzťahujú na klasický formát.

Ruskí skladatelia-klasika

Tchaikovsky pi - ruský skladateľ, hudobný kritik, Verejná postava, učiteľ, dirigent. Jeho spisy sú najviac spustiteľné. Sú úprimní, ľahko vnímané, odrážajú poetickú identitu ruskej duše, malebné maľby Ruská príroda. Skladateľ vytvoril 6 baletov, 10 operov, viac ako stovky románov, 6 symfónie. Slávny svetový balet " Labutie jazero", Opera" Evgeny Onegin "," Detský album ".

Rakhmaninov S.V. - diela vynikajúceho skladateľa emocionálne a veselé a niektoré sú dramatické v obsahu. Ich žánre sú rôznorodé: od malých hier na koncerty a opery. Všeobecne uznávané spisy Autor: Operas "Surround Knight", "ALEKO" v pushinovej básne "Rómov", "Francesca a Rimini" na pozemku požičal z "božskej komédie" Dante, báseň "Bell"; Suite "Symphony tance"; piano koncerty; \\ T VOCALIAS PRE HLAH POTREBUJE POTREBUJÚCEHO PIANOU.

Borodin A.p. Bol skladateľom, učiteľom, chemikom, lekárom. Najvýznamnejším stvorením je operná "Prince Igor" o historickej práci "Slova o pluku Igor", ktorý napísal autor už takmer 18 rokov. Pod životom, Borodin nemal čas dokončiť ho, po jeho smrti operná dokončila A.Lazunov a N. Rimsky-Korsakov. Veľký skladateľ Je zdrojom klasických kvartetov a symfónie v Rusku. Koruna sveta a ruskej národnej-hrdinskej simfonizmy je symfónia "Bogatyr". Vynikajúca uznaná inštrumentálna komora, prvý a druhý kvartet. Jeden z prvých romantikov hrdinskej postavy zo starej ruskej literatúry.

Veľkí hudobníci

Mussorgssky t.t., Ktorý možno povedať, je skvelý skladateľ-realista, odvážny inovátor, ovplyvňujúci svedok, nádherný klavirista a krásny spevák. Najvýznamnejšie hudobné diela sú opery "Boris Godunov" o dramatickej práci A.S. Pushkin a Khovanshchina - Ľudová hudobná dráma, hlavný herecký charakter týchto operácií - rastúcich ľudí z rôznych verejných neporiadkov; Kreatívne cyklus "Obrázky z výstavy", diela Gatmana.

GLINKA M.I. - slávny ruský skladateľ, zakladateľ klasického smeru v ruštine hudobná kultúra. Dokončil postup na vytvorenie školy ruských skladateľov, na základe hodnôt ľudovej a profesionálnej hudby. Diela pána sú preniknuté s láskou k vlasti, odrážajú ideologickú orientáciu ľudí historickej éry. Svetovo známa ľudová dráma "Ivana Susanin" a operátor Ruslan a Lyudmila sa stali novými trendmi v ruskej opery. Symfónia funguje "Kamarinskaya" a " Španielska predohra»GLINKA - Základy ruského simfonizmu.

RIMSKY-KORSAKOV N.A.- Talentovaný ruský skladateľ, morský dôstojník, učiteľ, publicista. Dve prúdy sa vysledujú vo svojej práci: historické (" Carist nevesta", Pskovtyanka) a báječné (" SADKO "," Snow Maiden ", Suite" Sheherzad "). Charakteristickým rysom diel skladateľa: originalita s podporou klasických hodnôt, homofóniu v harmonickej konštrukcii skoré diela. Jeho eseje majú autorovu rukopisu: zvláštne orchestrálne riešenia s nezvyčajne postavenými vokálnymi skóre, ktoré sú hlavné.

Ruskí klasickí skladatelia sa snažili zobraziť v ich dieloch infekčný národ kognitívny myslenie a folklór.

Európska kultúra

Slávne skladatelia-Classico Mozart, GAIDN, Beethoven žil v hlavnom meste hudobnej kultúry tej doby - Viedeň. Geniyev spája workshop, vynikajúce kompozitné riešenia, použitie rôznych hudobných štýlov: z ľudových melódov na polyfónny vývoj hudobná téma. Pre skvelé klasiky sú komplexné aktivity tvorivého myslenia, kompetencie, jasnosť v budovaní hudobných foriem sú zvláštne. Vo svojich prácach sú organizované spoločne, inteligencia a emócie, tragické a komické komponenty, jednoduchosť a výpočet.

Beethoven a Haydn pre inštrumentálne kompozície, Mozart Workshop spravoval opera a orchestrálne kompozície. Beethoven bol neprekonateľným tvorcom hrdinských diel, Gaidn ocenil a úspešne používaný v diele humor, ľudové žánrové typy, Mozart bol skladateľ-universal.

Mozart je tvorcom videnej formy. Beethoven ju zlepšil, priviedol na neprekonateľné výšky. Obdobie viedenskej klasiky bolo obdobie kvarteta rozkrytého. Haydn, po ňom, Beethoven a Mozart prispievajú k rozvoju tohto žánru významný príspevok.

Taliansky majstri

Giuseppe Verdi je vynikajúcim hudobníkom 19. storočia, vyvinul tradičnú taliansku operu. Priložil nepoškvrnenú zručnosť. Jeho vyvrcholenie kompozitná aktivita Oceľová opera funguje "TROUBAADUR", "Traviata", "Othello", "Aida".

Niccolo Paganini - narodený v Nice, jeden z najviac hudobných nadaných osobností 18-19. storočia. Virtuoso vlastnil husle. Zlúčeniny, Quartety pre husle, gitaru, violu a mydlo. Napísal koncerty na husle s orchestrom.

Joakkino Rossini - pracoval v 19. storočí. Autor duchovnej a komornej hudby, zložený 39 opier. Vynikajúce diela - "Sevilla Berber", "Othello", "Cinderella", "Soroka-Zlodej", "SEMORAMID".

Antonio Vivaldi je jedným z najväčších predstaviteľov trepidálneho umenia z 18. storočia. Sláva získaná vďaka svojej najznámejšej práci - 4 husle koncert "Seasons". Miloval prekvapivo plodné kreatívny život, zložené 90 opier.

Slávne talianski klasickí skladatelia zanechali večné hudobné dedičstvo. Ich Cantata, Sonatas, Serenada, Symphony, opery budú radi, že budú dobrou generáciou.

Vlastnosti vnímania hudby dieťaťom

Počúvanie dobrej hudby má pozitívny vplyv na psycho-emocionálny rozvoj dieťaťa, deti psychológovia. Dobrá hudba ZAHREJNITEĽKOSŤ AKTUÁLNEHO AKTUÁLNEHO CHAKU, takže učitelia považujú.

Mnoho slávnych výtvorov vytvorilo skladateľom-klasické deti, berúc do úvahy ich psychológiu, vnímanie a špecifickosť veku, to znamená, že na vypočutie, a iní zložené na Rôzni hráči Rôzne hry, ľahko vnímané povesťou a technicky dostupnými.

"Detský album" Tchaikovsky pi Pre malých klaviristov. Toto je album-odhodlanie synovcov, ktorý miloval hudbu a bolo to veľmi nadané dieťa. V zbierke viac ako 20 hier sú niektoré z nich vytvorené na základe ľudového materiálu: neapolské motívy, ruský tanec, tirolské a francúzske melódiá. Kolekcia "Detské piesne" Tchaikovsky pi Navrhnuté pre zvukové vnímanie detí publikum. Piesne optimistickej nálady o jar, vtáky, kvitnúce záhrady ("My Sadik"), o súcite pre Krista a Boha ("dieťa detskej záhrady").

Detská klasika

Pre deti pracovalo mnoho klasických skladateľov, ktorého zoznam diel je veľmi rôznorodý.

ProkoFiev S.S. "PETYA A WOLF" - symphony rozprávka pre deti. Vďaka tejto rozprávke sa deti zoznámia hudobné nástroje symfonický orchester. Text rozprávky napísal ProkoFiev sám.

Schumann R. "Detské scény" sú malé hudobné príbehy s nepriepustným sprisahaním pre dospelých výkonných umelcov, spomienky na detstvo.

Cyklus pre klavírny debussy "detský kútik".

Ravel M. "Matka Goose" založená na rozprávkach S. Perro.

Bartok B. "Prvé kroky pre klavír."

Cykly pre deti Gavrilov S. "pre najmenší"; "Heroes of Fairy Tales"; "Chlapci o zvieratách".

Shostakovich D. "Album klavír kúsky pre deti."

Bach I.S. " Totech Anna Magdalen Bach. " Vyučovanie svojich detí na hudbu, vytvorené pre nich Špeciálny pesess a cvičenia na rozvoj technických zručností.

GAIDN J. - Progenitor klasickej symfónie. Vytvoril špeciálny symfónia nazývaný "Detské". Použité nástroje: Soloves Clay, Ratching, Cuckoo - Dajte jej neobvyklý zvuk, dieťa a perky.

Saint-Sans K. Vymyslel fantasy pre orchestru a 2 klavír pod názvom "zvieracieho karnevalu", v ktorom hudobné prostriedky Virtuoso dopravoval Kuchtany kurčatá, Lev River, milosť slona a jeho mastera pohybu, dotyk a elegantný labuť.

Kompozície pre bábätká a mladí ľudia, skvelí skladatelia-klasickí zakázané o zaujímavých pozemkoch práce, dostupnosť navrhovaného materiálu, pričom sa zohľadní vek umelca alebo poslucháča.

Hudba 17-18 storočia

Na prelome XVI-XVII storočia sa polyfónia, ktorý prevládal v hudbe renesančnej éry, sa začala vzdať miesta homofónu (z gréckej ". Homos" - "jeden", "ten istý" a "pozadie" - "Zvuk", "hlas"). Na rozdiel od polyfónia, kde sú všetky hlasy rovnaké, v homofónu Polyfónia je pridelený jeden vykonávajúci hlavná témaA zvyšok hrá úlohu sprievodu (údržba). Propariment je spravidla akordový systém (harmonie). Preto názov novej metódy písania hudby - homofong-marmonic.

Myšlienky o cirkevnej hudbe sa zmenili. Skladatelia teraz hľadali tak veľa, aby sa zabezpečilo, že osoba sa zráža z pozemských vášní, koľko odhaliť zložitosť svojich mentálnych skúseností. Tam boli diela napísané v náboženských textoch alebo pozemkoch, ale nie sú určené na povinné vykonávanie v Cirkvi. (Takéto spisy sa nazývajú duchovné, pretože slovo "duchovné" je viac širšie ako "cirkev".) Základné duchovné žánre XVII - XVIII storočia. - Cantata a Oratoria. Hodnota sekulárnej hudby sa zvýšila: Znie to na nádvorí, v salónoch aristokratov, vo verejných divadlách (prvých takýchto divadiel boli otvorené v XVII storočí). Tam bol nový typ hudobného umenia - opery.

Inštrumentálna hudba je tiež zaznamenaná výskytom nových žánrov a predovšetkým inštrumentálny koncert. Violin, Clausius, orgán sa postupne zmenil na sólové nástroje. Hudba napísaná pre nich umožnila ukázať talent nielen skladateľa, ale aj dodávateľom. V prvom rade je virtuozita ocenená (schopnosť vyrovnať sa s technickými ťažkosťami), ktorý sa postupne stal pre mnohých hudobníkov sám o sebe a umeleckú hodnotu.

Skladatelia XVII-XVIII stáročia zvyčajne nielen skladujú hudbu, ale aj hranie nástrojov, ktoré sa zaoberajú pedagogické aktivity. Dobré životné podmienky umelca vo veľkej miere záviselo od konkrétneho zákazníka. Každý vážny hudobník sa spravidla snažil získať miesto buď na nádvorí panovníka alebo bohatý aristokrat (mnohí zástupcovia mali svoje vlastné orchestre alebo operné divadlá), alebo v chráme. Okrem toho väčšina skladateľov ľahko kombinovanú cirkevné šťavy s službou sekulárneho patróna.

Oratoria a Cantata

Ako nezávislý hudobný žáner Oratoria (IT. Oratorio, z Callnenelates. Oratorium - "Mellery") sa začal rozvíjať v Taliansku v XVI storočí. Počiatky vymazania hudobníkov vidieť v liturgickej dráme (pozri článok "divadlo stredoveká Európa") - divadelné myšlienky rozprávajú o biblických udalostiach.

Podobné akty sa hrali v chrámoch - teda názov žánru. Spočiatku Oratori napísal na textoch porazeného Písma a boli určené na realizáciu v Cirkvi. V XVII storočíme, skladatelia začali skladať o Oratorio moderné poetické texty duchovný obsah. V štruktúre Oratorio je blízko opery. na to veľká práca Pre spevákov, zbor a orchester, ktorý má dramatický graf. Avšak, na rozdiel od opery v rečníkovi neexistuje žiadna etapa akcia: rozpráva o udalostiach, ale neukazuje im.

V Taliansku v storočí XVII. Ďalší žáner sa vyvinula (IT. CANTATA, Z LAT. CANTO- "I SING"). Rovnako ako ústne, Cantutu zvyčajne vykonáva sólisti, zbor a orchester, ale v porovnaní s pozorovateľom je kratší. Cantata bola napísaná na duchovných a sekulárnych textoch.

Hudba Taliansko

Na konci XVI storočia v Taliansku umelecký štýl Barokový (od um. Barocco - "Podivné", "Fancy"). Tento štýl je neodmysliteľnou expresivitou, drámi, zábavou, túžbou po syntéze (zlúčenina) rôznych druhov umenia. Tieto funkcie sa plne prejavujú v operi, ktorá vznikla na prelome storočia XVI-XVII. Jedna práca kombinovanú hudbu, poéziu, dramaturgiu a divadelnú maľbu. Opera opera mala iný názov: "Dráma pre hudbu" (IT. Dramma na MusicA); Slovo "Opera" (IT. Opera - "Písanie") sa objavil len v strede XVII storočia. Myšlienka "dráma pre hudbu" sa narodila vo Florencii, v umeleckom kruhu Florentine Hotel. Stretnutia Kruh sa konal v komore (z nej. Kamera - "Izba"), domáca atmosféra. Od roku 1579 do roku 1592 v dome Grafu Giovanni Bardi zhromaždil osvietené milovníkov hudby, básnikov, vedcov. Bol navštevovaný a profesionálny hudobníci - speváci a skladatelia Jacopo Peri (1561 - 1633) a Julio Kachchini (asi 1550-1618), teoretik a skladateľ Vincenzo Galilee (asi 1520-1591), otec slávneho vedec Galileo Galilea.

Účastníci Florentských kamier, ktoré sa obávajú o rozvoj hudobného umenia. Jeho budúcnosť videli v kombinácii hudby a drámy: texty takýchto prác (na rozdiel od textov komplexných zložitých zborových polyfonických čakách XVI storočia.) Budú chápané poslucháčom.

Ideál kombinácie slov a hudby Členovia kruhu sa nachádzali v antickom divadle: básne boli vyslovené, každé slovo, každá slabika znepnelala. Takže Florentine kamera prišla na myšlienku sólového spevu, sprevádzaného nástrojom - Monodi (z Grécka "Monos" - "jedna" a "Óda" - "pieseň"). Nový štýl Spievanie sa začalo nazvať jasné (z neho. Recitare - "Reclamácia"): Hudba nasledovala text a spev bol monotónny deklamovanie. Hudobné intonácie boli malé - zaostrenie sa uskutočnilo na jasnej výslovnosti slov, a nie na prevode hrdinovských pocitov.

Čoskoro Florentine Opera zložená na pozemkoch starožitná mytológia. Prvé zapustené diela nového žánru - dve operácie pod rovnakým názvom "evridic" skladatelia PERI (1600) a Kachchini (1602). Sú vytvorené na pozemku mýtu na Orfee. Sprevádzanie spievania inštrumentálny súborktorý sa skladal z Chambalo (klavír), Lira, Lute, gitary atď.

Hrdinovia prvej operácie rockových pravidiel a jeho vyhlásili Heralds. Činnosť bola otvorená prologom, v ktorej boli cnosti a silu umenia spievania. ĎALŠIEHO PRÍKLADU ZARIADENIE VOZIDLÁ (Opera Izby, kde sa viacerí účastníci spievajú v rovnakom čase), Chorus, tanečné epizódy. Hudobná kompozícia bola postavená na ich striedaní.

Opera sa začala rýchlo rozvíjať a predovšetkým, obaja súdna hudba. Poznať metronizované umenie a takáto starostlivosť bola vysvetlená nielen milovať k krásnej: prosperita umenia bola považovaná za povinný atribút moci a bohatstva. V hlavných mestách Talianska - Rím, Florencia, Benátky, Neapol - vyvinuli svoje operačné školy.

Najlepšie vlastnosti rôzne školy - Pozornosť K. poetické slovo (Florencia), vážny duchovný podtext činnosti (ROM), monumentárnosť (Benátky) - spojené vo svojej práci Claudio Monteverdi (1567-1643). Skladateľ sa narodil v talianskom meste Cremony v rodine lekára. Ako hudobník Monteverdi vyvinula vo svojej mladosti. Napísal a vykonal madrigals; Hral na orgán, violy a iných nástrojoch. Zloženie hudby monteverdi študoval skladateľov v tej dobe. V roku 1590 bol pozvaný na Mantua ako spevák a hudobník na Duke Vincenzo Gonzhagi; Neskôr dvorná kaplnka. V roku 1612, Monteverdi opustil službu v Mantua a od roku 1613 sa usadil v Benátkach. V mnohých smeroch, vďaka Monteverdi v roku 1637, na svete prvá verejná opera verejná opera otvorená v Benátkach. Tam skladateľ viedol kaplnku Katedrály Sanmarku. Pred smrťou Claudio Monteverdiho prijala duchovnú SAN.

Po štúdiu práce na a kachchini, Monteverdi vytvoril svoje vlastné diela tohto žánru. Už v prvej opery - "Orpheus" (1607) a Ariadne (1608) - skladateľ sa podarilo vyjadriť hlboké a vášnivé pocity s hudobnými prostriedkami, vytvorili dôrazný účinok stresu. Monteverdi je autorom mnohých operier, ale len tri sú zachované - "Orpheus", "návrat Ulysses do vlasti" (1640; na pozemku starovekej gréckej epickej básne "Odyssey") a "Koronácia maku" ( 1642).

V dielach Monteverdi sa hudba a text harmonicky kombinujú. V srdci prevádzkovateľa - monológ, ktorý jasne znie každé slovo a hudba flexibilne a jemne prenáša odtiene nálady. Monológovia, dialógy a zborové epizódy prúdia hladko do seba, akcia sa pomaly vyvíja (v prevádzkových operáciách zákona), ale dynamicky. Dôležitou úlohou skladateľa vzala orchester. V "Orphey" napríklad v tom čase používal takmer všetky nástroje. Hudba orchestra nie je len sprevádzaná spevom, ale sama sa rozpráva o udalostiach, ktoré sa konajú na pódiu a skúsenosti znakov. Prvýkrát sa objavil predohra (FR. OUVERTURE, ALEBO LAT. APERTURA - "OTVORENIE", "START") - inštrumentálny vstup do veľkých hudobná práca. Operas Claudio Monteverdi mali významný vplyv na benátskych skladateľov, položili základy benátskej opery.

Monteverdi napísal nielen opery, ale aj duchovnú hudbu, náboženské a sekulárne madrigals. Stal sa prvým skladateľom, ktorý nepatrne proti polyfonickým a homofónovým metódam - epizódy zborov svojich operov zahŕňajú recepcie polyfónia. V práci Monteverdi sa nový vzťah prepojil so starými tradíciami renesancie.

Začiatkom XVIII storočia. Opera škola sa vyvinula v Neapole. Vlastnosti tejto školy - vysoká pozornosť na spev, dominantnú úlohu hudby. Bolo to v Neapole, že bol vytvorený vokálny štýl Belkanto (IT. BEL CANTO - "Vynikajúce spev"). Belkanto je známy pre mimoriadnu krásu zvuku, melodivosti a technickej dokonalosti. Vo vysokom registri (hlasový rozsah) spev odlišnú svetlosť a transparentnosť tónu, v nízko-zamatovej mäkkosti a hustote. Performer mal byť schopný reprodukovať mnoho odtieňov hlasového tónu, ako aj virtuoso prenášať početné, prekryté na hlavnej melody rýchlych sekvencií zvukov - Colorautura (IT. Coloratura - "dekorácie"). Špeciálna požiadavka bola hladký zvuk hlasu - v pomalých melódiách by nemalo byť žiadne dýchanie.

Vo XVIII storočí sa opera stala hlavným typom hudobného umenia v Taliansku, čo bola vysoká profesionálna úroveň spevákov, ktorí študovali v konzervatóriách (IT. Conservatorio, Err Lat. Konzervovať - \u200b\u200b"Ochrana") - Vzdelávacie inštitúcie, ktoré pripravovali hudobníkov. V tom čase boli vytvorené v centrách talianskej opery - Benátky a Neapol - štyri konzervatórium. Popularita žánru podávaná a otvorená opernými divadlami dostupnými pre všetky sektory spoločnosti. Talianske operácie uvedené v divadlách najväčších európskych hlavných miest a skladateľov Rakúska, Nemecka a ďalších krajín napísali operu do talianskych textov.

Významné pre úspechy hudby Talianska XVII-XVIII storočia. av oblasti inštrumentálnych žánrov. Pre rozvoj tvorivosti orgánov urobil skladateľ a organista DZHIROLAMO FRESCOBALDI (1583-1643). "V cirkevnej hudbe položil začiatok nového štýlu. Jeho spisy pre orgán - nasadené skladby fantasy (zdarma) skladu. Freshobaldi bol známy pre virtuoso hru a umenie improvizácie na orgán a kľúč. To má dosiahli tradície husle. Tradície výroby husle boli vyvinuté v Taliansku. Puzdrocamaní majstri rodín Amati, Guarningu, Stradivari z mesta Cremona vyvinuli dizajn husle, spôsoby jeho výroby, Ktoré boli uložené v hlbokých tajomstvách a boli prenášané z generácie na generáciu. Nástroje vyrobené týmito majstrov majú úžasne krásny, teplý zvuk, ako ľudský hlas. Husle sa šíri ako súborový a sólový nástroj.

Zakladateľom Rímskej huslenej školy - Arkandallo Corelli (1653-1713), jeden z tvorcov žánru Concerto Grosso (UM. Concerto Grosso - "Veľký koncert"). Koncert sa zvyčajne zúčastňuje nástroj na riešenie (alebo skupina nástrojov) a orchestru. "Veľký koncert" bol postavený na striedavých sólo epizód a zvuk celého orchestra, ktorý v XVII storočia bola komora a väčšinou reťazec. Corelli bol splnomocnený pre väčšinu husle a celého. Jeho koncerty pozostávali z rôznych častí; Ich počet bol ľubovoľne.

Jeden z vynikajúcich majstrov hudobná hudba - Antonio Vivaldi (1678-1741). Stal sa slávny ako brilantný violinecleus.

Súčasní priťahovali svoje dramatické, kompletné neočakávané kontrasty spôsobu výkonu. Pokračovanie tradícií Korelli, skladateľ pracoval v žánri " veľký koncert"Počet diel, ktoré napísali, je obrovské - štyristo šesťdesiatpäť koncertov, štyridsať operas, Cantata a Oratoria.

Vytváranie koncertov, Vivaldi hľadal jasné a nezvyčajné zvuky. Zmiešal ambuľami rôznych nástrojov, často zahŕňali disonance do hudby (ostré spoluhlásky); V tom čase si vybral ako výživné zriedkavé nástroje - Baspoon, Mandolin (považovaný za pouličný nástroj). Koncerty Vivaldi sa skladajú z troch častí a prvá a posledná je vykonaná v rýchla tempusA priemer je pomalý. Mnohé koncerty Vivaldi majú program - názov alebo dokonca literárne oddanosť. Cyklus "ročné obdobia" (1725) - jedna z prvých vzoriek softvéru hudba orchestra. Štyri koncerty tohto cyklu - "jar", "leto", "jeseň", "zimné" - farebne kresliť obrázky prírody. Vivaldi sa podarilo preniesť vtáky spev v hudbe ("jar", prvá časť), búrky ("leto", tretia časť), dážď ("zima", druhá časť). Virtuozita, technická komplexnosť neopakovala poslucháča, ale prispel k vytvoreniu nezabudnuteľného obrazu. Koncertná tvorivosť Vivaldi sa stala jasným uskutočnením v inštrumentálnej hudbe barokového štýlu.

Opera a operátor

V XVIII storočia Tvorené takými operami žánrov ako opery (IT. Opera Seria - "Silná operná") a prevádzkovateľ (IT. Opera Buffa - "Comic Opera"). Opera bola založená v práci Alessandro Scarlayti (1660-1725) - Zakladateľom a najväčším predstaviteľom školy Neapolitanskej opery. Pre jeho život tvoril viac ako sto takýchto diel. Pre operu sa zvyčajne vybral mytologický alebo historický pozemok. Otvorila predohra a pozostávala z dokončených čísel - Aria, Rechitatív a Chorans. Hlavná rola hral veľké arias; Zvyčajne sa skladali z troch častí a tretí bol opakovanie prvého. V Aria, hrdinovia vyjadrili svoj postoj k udalostiam.

Existuje niekoľko typov Arya: Heroic, patetický (vášnivý), sťažnosti atď. Pre každý použitý určitý kruh expresívne prostriedky: V Heroic Arias - rozhodujúci, vyvolaný intonaias, veselý rytmus; V sťažnostiach - krátke, prerušované hudobné frázy, ktoré ukazujú vzrušenie z hrdinu a ďalších. Relativity, malé fragmenty vo veľkosti slúžili ako dramatické rozprávanie, ako keby boli pohybujúce sa dopredu. Hrdinovia diskutovali o plánoch na ďalšie opatrenia, navzájom sa povedali o udalostiach, ktoré sa stali. Recituácie boli rozdelené do dvoch typov: SECKO (z neho. SECCO - "suché") - rýchly vyladiť pod biednymi akordmi Clausius a sprevádza (IT. Assotraniato - "sprevádzaný") - expresívnym delamáciou pre zvuk orchestra . SEKO používa na rozvoj akcie, sprevádzanie - na prevod odrazu a pocitov hrdinu. Zbory a hlasové súbory komentovali, čo sa deje, ale nezúčastnili sa na udalostiach.

Počet prevádzkových LII závisel od typu pozemku a bol prísne definovaný; To isté platí pre vzťahy hrdinov. Typy sólo vokálne čísla boli stanovené a ich miesto v malebnom akcii. Každý znak zodpovedal hlasu hlasu: lyrické hrdinovia - Soprano a tenor, Noble Otec alebo darebák - Baritone alebo Bass, Fatal Heroine - Contralto.

Do stredu XVIII storočia. Nedostatky opery sú zrejmé. Výkon bol často načasovaný na združujúce oslavy, takže práca by mala skončiť dobre, čo niekedy vyzeralo nepravdivé a neprirodzene. Texty boli často napísané umelým, sofistikovaným jazykom. Skladatelia niekedy zanedbávali obsah a napísali hudbu, ktorá nezodpovedala povahe Siena alebo situácii; Existuje mnoho pečiatok, zbytočné vonkajšie účinky. Speváci preukázali svoju vlastnú virtuozitu, bez toho, aby premýšľali o úlohe Aria v práci ako celku. Opelarský začal volať "koncert v kostýmoch". Publikum nepreukázali vážny záujem o samotnú opernú, ale išli do predstavení kvôli "Corona" Aria slávny spevák; \\ T Počas akcie bola publikum zadaná a opustila halu.

Prevádzkovateľ bol tiež vytvorený v neapolských majstrov. Prvá klasická vzorka takejto opery je "Služobný žľab" (1733) skladateľ Giovanni Battists Pergolesi (1710-1736). Ak sa v prvom pláne v prvom pláne - Aria, potom v Opere - konverzačné dialógy striedajúce sa s vokálne súbory. V Sperebute, úplne rôznych hlavných hercov. To je zvyčajne jednoduchý ľudia - sluhovia, roľníci. Pozemok bol založený na zábavnom intrígiách s obliekaním, bláznovstvo sluhovia hlúpeho bohatého majiteľa, a tak ďalej. Z hudby bola potrebná elegantná ľahkosť, od akcie - rýchlo.

Taliansky dramatik, tvorca národnej komédie Carlo Goldoni, bol veľmi ovplyvnený na Opunoff. Najviac vtipné, živé a svetlé diela tohto žánru vytvorili non-recolitanových skladateľov: Niccolo Picchinni (1728-1800) - "Checkin, alebo láskavú dcéru" (1760); Giovanni Piazielo (1740-1816) - "Sevilla Ciry" (1782), "Melnichikha" (1788); Spevák, huslista, cluviers a skladateľ Domenico Chimarozoz (1749-1801) - "Tajné manželstvo" (1792).

String Bow Tools

Predchodcovia moderných struní potokov - husle, violy, violončelo a dvojité basy - sú viole. Zdá sa, že na konci XV - začiatkom XVI storočia. A čoskoro, vďaka mäkkému a jemnému zvuku, začali hrať vedúcu úlohu v orchestre.

Postupne sa viola vyhnali s novými, dokonalými reťazcami. V stároch XVI-XVII pracovali na ich stvorení. Najslávnejší z nich - Dynasties vIEPY MASTIOkolo severu Talianska - v mestách Cremony a Breshu.

Škola Crabementovej školy je Andrea Amati (asi 1520 - asi 1580). Zvlášť sa stal slávnym svojím umením Nikoo Amati (1596-1684), jeho vnuk. Urobil husľové zariadenie takmer dokonalé, posilnilo zvukový nástroj; Súčasne sa zachová mäkkosť a teplo tónu. Rodina Gwarnerty pracovala v Cremona v storočiach XVII-XVIII. Zakladateľ dynastie - Andrea Gvarnaning (1626-1698), študent Nikoolo Amati. Vynikajúci majster Ažuzeppe Gwarnry (1698-1744) vyvinul nový model husle iné ako nástroj AMI.

Tradície školy AMATI pokračovali v Antonio Stradivari (1644-1737). Študoval Nikolo Amati a v roku 1667 otvoril svoj vlastný podnik. Stradivarius viac ako iní majstri, husľový zvuk bol priniesol do časopisu ľudského hlasu.

V BRESCHE Rodina Maji pracovala; Najlepšie husle vytvorili Giovanni Majini (1580-1630 alebo 1632).

Najvyšší reťazec lôžko - husle. Po poradí znižovania rozsahu zvuku nasleduje Alt, Cello, dvojité basy. Tvar tela (alebo rezonančný yashik) husle sa podobá obrysu Ľudské telo. Prípad má hornú a dolnú palubu (to. Decke - "kryt") a prvý je vyrobený z jedli a druhý je z klamu. Decks slúžia na odrážanie a zosilnenie zvuku. Hore je rezonátorové otvory (vo forme latinské písmená f; Nie je náhodou, že sa nazývajú "efy"). Puzdro je pripojené k krku; Zvyčajne je vyrobený z čierneho dreva. Toto je dlhá úzka doska, nad ktorou sú natiahnuté štyri reťazce. Pre napätie a nastavenia, struny slúžia plátky; Sú tiež na jiff.

Alto, Cello a dvojité basy na zariadení sú ako husle, ale viac z toho. Alt nie je veľmi veľký, drží sa na ramene. Cello je väčšia ako Alta, a pri prehrávaní hudobníka sedí na stoličke a nástroj kladie na podlahu medzi nohami. Dvojitá basa vo veľkosti je lepšia ako violončelo, takže dodávateľ musí stáť alebo sedieť na vysokej stolici, a nástroj je umiestnený pred nimi. Počas hry Hudobník vedie na strunách luku, čo je drevená trstina s natiahnutými vlasmi vlasmi; String vibruje a publikuje singelový zvuk. Z rýchlosti pohybu luku a síl, s ktorými stlačí na reťazci, závisí od kvality zvuku. Prsty ľavej ruky, performer skracuje reťazec, stlačte ho na rôznych miestach na sup - takže dosahuje rôzne zvukové výšky. Na nástroje tohto typu môže byť zvuk tiež odstránený zástrčkou alebo úderom drevenej časti reťazca. Zvuk struny luku je veľmi expresívny, výkonný umelec môže dať hudbu tie najlepšie nuansy.

Koncepcia "skladateľa" sa prvýkrát objavila v 16. storočí v Taliansku, a od tej doby sa používa na označenie osoby, ktorá píše hudbu.

Skladatelia z 19. storočia

V 19. storočí Viedeň hudobná škola Predstavoval takýto vynikajúci skladateľ ako Franz Peter Schubert. Pokračoval v tradícii romantizmu a ovplyvnil celú generáciu skladateľov. Schubert vytvoril viac ako 600 nemeckých romances, postavili tento žáner na novú úroveň.

Franz Peter Schubert

Ďalší rakúsky, Johann Strauss, sa stal slávnym vďaka jeho operetom a jednoduchým hudobné formy Tanečný charakter. Bol to on, kto urobil valčík najobľúbenejší tanec vo Viedni, kde sú usporiadané gule. Okrem toho, v jeho dedičstve - Polka, Kadrili, balety a operety.

Johann Strauss

Jasný zástupca modernizmu v hudbe koncom 19. storočia bol nemecký Richard Wagner. Jeho operácie nestrácali význam a popularitu dodnes.

Giuseppe Verdi

Môžete sa proti sieti na nádhernú postavu talianskeho skladateľa Giuseppe Verdiho, ktorý zostal verný v oblasti operných tradícií a dal taliansku operu nové dýchanie.

Peter Ilyich Tchaikovsky

Medzi ruskými skladateľmi 19. storočia vyniká Peter Ilyich Tchaikovsky. Vyznačuje sa jedinečným štýlom, ktorý kombinuje európske symfonické tradície s ruským dedičstvom GLINKA.

Skladatelia 20. storočia

Sergej Vasilyevich Rahmaninov

Jeden z najjasnejších skladateľov konca 19. - začiatkom 20. storočia sa považuje za Sergey Vasilyevich Rakhmaninov. Jeho hudobný štýl bol založený na tradíciách romantizmu a existoval paralelne s avantgardnými prúdmi. Je to pre individualitu a nedostatok analógov, že jeho práca bola veľmi ocenila kritikou po celom svete.

Igor Fedorovich Stravinsky

Druhý najznámejší skladateľ 20. storočia - Igor Fedorovich Stravinsky. Ruština podľa pôvodu, emigroval do Francúzska a potom Spojené štáty, kde ukázal svoj talent v plnej sile. Stravinsky je inovatívny, nebojte sa experimentovať s rytmami a štýlmi. Vo svojej práci, vplyv ruských tradícií, prvkov rôznych avantgardných tokov a jedinečný individuálny rukopis, pre ktorý sa nazýva "Picasso v hudbe".

Hudobná kultúra konca XVII- skoré xviiistoročia sa výrazne líši od predchádzajúcich. Zvyšuje sa na vrcholy a nielen v Rusku, ale aj v iných krajinách. Zmeny na verejnosti a kultúrne sféry Európa prispieva k zapojeniu nových neeurópskych hudobné javyA spotreba hudobných výrobkov na audioméry sa zmení na hudbu. Začína sa pochopiť ako globálny fenomén, je zvýšená jej funkcia spotrebnej zábavy. Rast masová kultúra A populárne hudobné žánre sú oddelené od kultúry elitnej, západoeurópskej hudobnej klasiky a profesionálnych akademických zhody.

Stiahnuť ▼:

Náhľad:

Úvod

Storočia XVII storočia je začiatkom novej éry v hudbe, ktorá sa uvoľnila od dominancie cirkvi, ktorá získa rastúcu rôznorodosť žánrov, foriem, farieb, expresívnych prostriedkov. Najdôležitejším krokom Na tejto ceste bol vznik opery, sekulárne umenie, zdedil myšlienku renesancie, ktorá predložila krásu a expresivitosť melódie, sólo spevu, bohatstvo do popredia Ľudské pocity. Z kniežaných palácov Florencie a Rímskej opery v roku 1637 prišiel do prvého operného domu v Benátkach. Vrchol talianska opera Z tohto obdobia - tvorivosť Claudio Monteverdi - Stvoriteľ hudobnej drámy, kde sa hudba vyvinula v úzkom spojení s dramatickým efektom, maľovaným komplexným a skutočnými postavami pôsobiacich osôb.

Zakladateľ opernej školy Francúzska, Jean Batister Lully sa spoliehal na skúsenosti dramatického divadla.

Neporovnateľné podľa jemnosti a hĺbky lyrickej expresnej vzorky operných umení vľavo anglický skladateľ Henry Perselt.

Vedľa hlasového žánru vyvíja inštrumentálne. V nadväznosti na telo - Kráľ umeleckého baroka, Clausius pokročilí. Pre tieto nástroje, taliansky D. Freskrobaldi, Nemci D. BuxTheHUD, Handel a najväčší zo všetkých - I.S. BAKH. V Taliansku, husle znelo v plnom hlasu. Sonatas pre husle Arkandell Corelli, Vivaldi Viesypické koncerty, ich orchestrálne koncerty slúžil ako vzorky pre mnoho skladateľov. Vyššie letectva inštrumentálna hudba dosiahnuté v 2. polovice XVIII storočia.

Hudobná kultúra sa vyvinula v Rusku. V strede XVII storočia sú nové trendy jasne vyrobené v ruskej hudobnej kultúre, je zmenené na hudbu, jej miesto v živote, nové žánre, formy a štýlové zásady vznikajú.

Faktom je skutočnosť nevybavenej ruskej hudby zo západnej Európy v epoche stredoveku. Hudba, podobne ako iné druhy umeleckej tvorivosti, vyvinutá v Staroveké Rusko Nielen pomalšie ako v západoeurópskych krajinách, ale inými spôsobmi. Vytvorila svoje jedinečné hodnoty, ktoré sa vyznačujú jasnou originalitou a identitou.

Hudba vo Francúzsku XVII - skoré XVIII storočia

Francúzska hudba prežila svoju mocnú a brilantnú, skutočne klasickú a najbohatšiu postulnú dobu o niečo menej ako jedno storočie. Vo Francúzsku išla do minulosti celá kultúrna a historická éra.

V histórii francúzskej hudby bola XVII storočia označená impozantným vyvrcholením. Tento brilantný pás mal významný vplyv na následný vývoj umenia nielen vo Francúzsku, ale aj ďaleko.

Ťažká cesta historického vývoja bola THORNY pre ľudí. Krvavé vojny stáť ho obrovské zbavenie, nespočetné ľudské obete. Masy boli spôsobené podľa jarmo kráľovská sila, Pod bremenom neznesiteľných daní a holubov, zatiaľ čo feudál vedieť, oficiálna byrokracia a vrchol klergie sa utopili v nešpecifikovanom luxuse. Prostredníctvom týchto rozporov svetla a temnoty a, naopak s nimi, Francúzsko XVII storočia vytvorilo veľké umenie klasicizmu, pod sedem z jeho dospelých a oddával francúzskej hudby.

V ére národného zdvíhania a dokonca veľkého národného národa, ľudu Francúzska, slobodnej a veselej, v práci v oblasti a vinohrade, v lese, v mestských dielňach a výrobe, v divokom bitkách, konečne, v rodinnom kruhu , domáce zameranie naďalej videl a spievali svoje piesne, ako predtým, ako v časoch renesancie, temperamentných, vtipných, posmech, tragických. V nich, ako predtým, život krajiny v novom páse svojej histórie, obrazy jej ľudí s ich pracovnou silou, pokojnými a vyblednutými, s ich potrebami, vášňami a obavami, radosťami a zármotmi.

Piesne, ktorých pravosť by bola presne nainštalovaná, zachovala sa trochu. V zbierkach času uverejneného v Paríži, Lyon, Ruang a ďalších mestách, ktoré prišli k nám, vydavatelia a milovníci folklorinistov, Christopham, Lúša, melódia populárneho pôvodu sú zmiešané s diela skladateľov a profesionálov - pitie, tanec, hravé , Láska. Tieto piesne, šikovne obnovené intonačný systém originálneho folklóru, často získali veľmi širokú popularitu a distribúciu v ľuďoch. V dôsledku toho bol vytvorený druh "piesne Amalgam", aby zistil, v ktorom zrná podolin folklóru sa zdali ťažké. Niekedy prichádzajú na záchranu literárne zdroje. Takže populárne lyrické "Mon Pere M" Donne Un Mari "(" Otec I bol vo veku ") je uvedený v" Comic Románe "Scarron Field a domácnosť" Si Le ROI M "AVAIT DONNE" (" Keď mi kráľ dal ") pomenovaný na Moliere. Vo väčšej identite sú vidiecke tanečné piesne zachované, vzostupne ako žánru skorého stredoveku. Pokiaľ ide o mestský folklór, naraz prezentovaný v repertoári zo spevákov Pon Naga, bol repertoár tiež extrémne neustály: pozostával z Courtie Arias, ktorý bol vykreslený plebeniam, operačným pasážam (najmä s časom Lully) a len čiastočne z pravého "piesní remeselníkov". Títo toto patria populárne melódia Ronda: "EN REVENATANT DES NOCES" ("CO SVADOBNÝ VÝMENOK") ALEBO "JL NOUT FAUT DES TONDEURS" ("Potrebujete znížiť ovce") a niektoré ďalšie, vrátane roľníka (široko slávny "Sadderova pieseň" - "Chanson de 1" Aveine ", ktorá sa zvyčajne vykonáva vo forme malej fázy).

Traja z najväčších francúzskych skladateľov - Lully, Francois Cupper Jr. a Ramo napísal Airs de Cour a dokonca uvažovali o česť pre seba, aby prezentovali svoje inštrumentálne hry pre takúto úpravu, najmä preto, že verbálne texty začali objednať najlepšie básnici. Niektoré Rondo Cuppene boli naklonené, vrátane jeho rozsiahleho claustujúcej hry "Marshmallow" na väčšine miest vládne "- hry, ktorá je mimoriadne tenká a elementárne okrasné z melodických hlasov.
Od začiatku XVIII storočia vstupuje žánru Air de Cour vstúpi do pásu neuveriteľne rýchleho stierania a úplne synchrónne s skorým klasicizmom príde.

Francúzska verejná myšlienka o tomto storočí bola bohatá a rôznorodá. Jasne odrážala boj o triedach a Herself s touto bojom s ostrými ideologickými zbraňami.

Brilantný filozof, matematik a prírodný zdroj Rene Descartes, ktorý priznal Dualistical Worlistview, bol napriek tomu odvážny bojovník mysliteľom proti teologickému scholastiku. Tvrdil primát a kognitívnu silu ľudskej mysle, kritériá jasnosti a hlásenia poznatkov.

Myšlienky descartes o hudbe, vyjadrené v jeho korešpondencii s Guiggene, žoldnier a predtým systematicky načrtnuté v slávnej správe "Compendium Musicae" (1650), boli bystrovaní a plodní. V nich, rovnako ako v kvapke vody, dualizmus veľkého mysliteľa sa odráža, jeho vojnový prach z nekompromisného racionalistického, vytrvalý, hoci nie nezameniteľný hľadanie pravdy.

V oblasti teórie, francúzski hudobníci v prvej polovici storočia XVII vzali veľmi odvážne a dôležité kroky. V roku 1636-1637, vynikajúci výskumný pracovník Monk-ranged Meresenn urobil "Universal Harmony" ošetrovanie, v ktorom táto latinská myseľ, súčasná leibnik a Johann Kepler, prvýkrát po Boeth a EiRigens, sa snažil načrtnúť miesto hudby vo vesmíre av ľudskom živote.

Rousseau - historik, politický mysliteľ, ktorý napísal celé vedecké zdôvodnenie revolúcie 1789 - ošetrovateľa "verejná dohoda", a zároveň zakladateľom francúzskej komickej opery. Táto zemepisná šírka a plodnosť literárnych a filozofických spojení sú jedným z charakteristické funkcie Francúzska hudba storočia XVII-XVIII.

Hudba znel a vyvinula, vyvinula nové žánre, obrazové sféry, kreatívne mravy - Len v živej komunikácii s inými oblasťami a druhmi umenia. V tom čase Francúzi drama divadlo, Poézia, maľovanie, architektúra zaznamenali brilantné výťahové obdobie, ktoré v jeho hodnotovej a umeleckej výhody môžu byť porovnateľné nielen so stredovekom gothickou, ale aj s renesanciou, nástupca, ktorého je v istom zmysle a bol.

Zdá sa, že nový žáner - klasicizmus - umenie mocného a hlbokého, obľúbených francúzskych ľudí a vyjadril svoj génius.Brainchild klasicizmu bola francúzska operná XVII storočia. Jej pôrod bol dôležitou udalosťou v histórii. národná kultúra Krajiny, ktoré do druhej polovice XVII storočia takmer nepoznali iné Opera umenia, okrem dovážaných talianskych. Pôda je však francúzština umelecká kultúra Sa neobjavili pre jej cudzinca a neplodný.

Tam bol aj francúzsky balet v dvoch druhoch: dramatický a komiks. Ten bol obzvlášť populárny.

Vývoja hudobné divadlo. Neprišiel cez základnú schému: najprv - balet, potom - operná. Vyskytla sa fúzia žánrov.

V týchto žánrových debutoch v jeho skorom období a Lully skladateľom. Vo svojich "lyrických tragédiách" (tzv. Jeho operzoroch) zaviedli prvky dekaminácie, \\ t veľká pozornosť DODALIŤ CHOIR DANCE.

V 18. storočí sa s nárastom vplyvu buržoázie vyvíjajú nové formy hudobného a verejného života. Postupne, koncerty presahujú palácové sály a aristokratické salóny. VA. Fildor (Danikan) Organizovaný B. Paríž. Pravidelné verejné "duchovné koncerty", v F. J. Gossek založil spoločnosť "Amateur Congerts". Večery akademickej spoločnosti "Priatelia Apollo" (založené) Ročné cykly koncertov spĺňali "Kráľovskú akadémiu hudby".

V 20-30s, 18. storočí Najvyšší rozkvet dosiahne chutný suite. Medzi francúzskymi Clavesinsismi patrí vedúca úlohaF. KUPERENU, Autor Bezplatné cykly založené na princípoch podobnosti a kontrastu hier. Spolu s Kuperínom, veľký prínos k rozvoju softvérových clauses Suite tiež urobil J. F. Dandre a najmäJ. F. RAMO.

V 1733 Úspešná premiéra opery RAMO "IPPOLIT A ARIKA" za predpokladu, že tento skladateľ vedúca pozícia na súdnej operácii - " Kráľovská akadémia Hudba. " V práci RAMO, žánr lyrickej tragédie dosiahol vrchol. Jeho štýl hlasivky-defarminácia sa obohacuje melodickým harmonickým výrazom. Jeho dvojstranné dohľady sa vyznačujú veľkou rozmanitosťou, ale sú prezentované vo svojej práci a trojdielnych režijných nákladov, v blízkosti talianskej opery "Synfonia". V niektorých operáre Ramo očakávalo mnoho neskôr dobytí v oblasti hudobnej drámy, ktorá pripravila pôdu pre opernú reformuK.v. glituk. RAMO patrí do vedeckého systému, mnohým ustanoveniam, ktoré slúžili ako základ moderných učeníharmónia ("Ošetria sa o harmónii", 1722; "pôvod harmónie", 1750 a iných).

Do polovice 18. storočia sa hrdinské-mytologické operácie Lully, RAMO a ďalších autorov zastavili zodpovedajúce estetickým požiadavkám buržoáznych publika. Podopakovali sa s ich popularitou na svedectvo víl známych od konca 17. storočia. Tieto myšlienky sú zamerané na jazdu na "najvyššej" morálke spoločnosti, ako aj Parody Súdneho úradu. Prvými autormi takýchto komiksových opier boli dramaturgisti A. R. LESUZH A SH. S. Favara. V hlbinách veľkého divadla, nová francúzska opera žánru bola zrezaná - operná komik. Posilnenie svojich pozícií prispeli k príchodu do Paríža1752 rok Talianska opera Troupe, ktorá položila čísloopera, počítajúc do toho " Madman slúžka"Pergolesi a kontroverzia na Opera Arts, rozbité medzi priaznivcami (buržoázia-demokratické kruhy) a oponenti (zástupcovia aristokracie) talianskej opery, - tak ďalej. "Vojna buffon".

V napätej atmosfére Paríža, táto kontroverzia získala osobitnú ostrosť, dostala obrovskú verejnú rezonanciu. Aktívne akceptované francúzske čísla v ňomOsvieteniektorý podporil demokratický umenie "vyrovnávacích pamätí" a pastoračného Rousseau "Rustikálny čarodejník" () Pred prvou francúzskou komiksou operou. Vyhlásené tým, že slogan "Imatability prírody" mal veľký vplyv na vytvorenie francúzskeho opera štýlu 18. storočia. Diela encyklopédiov tiež obsahujú cenné estetické a hudobné a teoretické zovšeobecnenia.

XVII a začiatok XVIII storočia sú jedným z významných a brilantných období v histórii francúzskej hudby. Celý pás vývoja hudobného umenia.

Hudobná kultúra Rusko XVII - XVIII storočia

Žiadne predchádzajúce storočie v ruskej kultúre nebolo rozlíšené takýmitom odrody, hojnosť rozporov, zložitosť vzťahu rôznych trendov v smere, ako XVII storočia. Byť na prelome dvoch veľké epochyDokončí obdobie starovekého Ruska a zároveň pripraví nástup nového obdobia v ruskej histórii.

Nové trendy postupne uvoľnili základy stredovekého náboženského svetového zoznamu, prenikli rôznym oblastiam kultúry a vedomostí. V rovnakej dobe, staré udržiavané ešte silné pozície. V literatúre a umenie tradície starovekého Ruska sa naďalej rozvíjalo a poskytlo cenné ovocie.

Boj starého a nového sa odráža v odbore XVII storočia. V umeleckej práci sa zvyšuje úloha realistického štartu. V literatúre sú čisto tiché žánre. Jedným z najdôležitejších zdrojov osviežujúcej literatúry a umenia podávaného ľudového umenia. Neodišiel z boja smeru a cirkevného umenia. Počnúc 50s v ruskej cirkevnej spevácke, štýl strán Polyfónia je schválený, postupne poslal starú jednoznačnú tradíciu spevu. Prechod z bannánového jednostranného riešenia na spev s viacerými hlasmi nemožno načasovať na prísne definovaný dátum. Tento proces bol dlhý a postupný. V priebehu druhej polovice XVII storočia, obe štýly pokračovali v "koexist" medzi sebou, zatiaľ čo zostávajú rovnaké. Len do konca storočia sa stane dominantným štýlom speváča.

Hlboké zmeny vo všetkých ruskej umeleckej kultúry XVII storočia boli spojené s novým postojom k umeniu, novému pochopeniu jeho významu a miesta v živote človeka.

Jedným z najpozoruhodnejších pamiatok pokročilého muzikálu a estetickej myšlienky Storočia XVII storočia je ošetrenie dekaconu Moskvy Sretensky katedrála v Kremli Joaniki Korenev "na spev božské".

Sekulárne hudobné umenie v storočí XVII nemohli úplne dôverovať Cirkvi a získavať dominantný význam v kultúrnom živote ruskej spoločnosti. Jeho úloha sa však výrazne zvyšuje, vznikajú nové žánre a hudobné umenie.

Norodi hudobná kreativita Stojí aj na prvom mieste. Svadobný obrad bol rozšírený. Ale najrozšírenejší odraz sa ľudová kreativita Sociálne procesy a podujatia s bohatou ruskou realitou XVII storočia ostrými kolíziami.

Ako aj tradičný druh Pieseň folklóru vznikla nových žánrov. Tieto sú primárne rôznorodé na témy a povahou sociálnej protestnej piesne - komiks a satirických, eposu, "vzdialených" piesní o populárnych povstaniach, o obľúbených hrdinoch obľubenia zápasu. Rozsiahly kruh piesní bol komplikovaný na Stepan Razin. Nahrávky týchto piesní boli vykonané skoršie ako druhá polovica XVIII.

V XVII storočí sa zvyšuje prenikanie nových európskych foriem musitalizácie v živote ruskej spoločnosti. Objavujú sa množstvo milencov "nemeckej" hudby, obsahujúce ich domáce kaplnky; Hudobníci z Poľska, Nemecka, Holland sú pozvaní, aby slúžili súdne slávnostné a zábavné účely.

Jedným z povinných doplnkov Európskeho súdneho etiketu vo XVII storočí bol divadlo. Túžba držať krok so západnou feudálnou monarchiou v tomto ohľade bola spôsobená vytvorením prvého divadla v Rusku. Na pódiu tohto divadla bol dať baletu "Orpheus", Hra "Judith", hra "Comedy model." a oveľa viac.

Kvitnúci štýl prekvitajúci v ruskej hudbe neskorého XVII storočia je spojená s aktivitami Nikolai Diretského ako skladateľa, teoretika a učiteľa. Vysoko kvalifikovaný a vzdelaný hudobník širokej škály predajcov sa otvoril nové perspektívy pred ruskou hudbou. Toto obdobie v ruskej hudbe prinieslo veľký impulz pre rozvoj hudobnej kultúry.

Záver

Hudobná kultúra neskorých XVII - skoré XVIII storočia je výrazne odlišná od predchádzajúcich. Zvyšuje sa na vrcholy a nielen v Rusku, ale aj v iných krajinách. Zmeny vo verejných a kultúrnych oblastiach Európy prispievajú k zapojeniu nových neeurópskych hudobných javov a spotrebu hudobných produktov na Audio Sunsid zmení zmeny hudby. Začína sa pochopiť ako globálny fenomén, je zvýšená jej funkcia spotrebnej zábavy. Úloha masovej kultúry a ľudových hudobných žánrov sa zvyšuje, sú oddelené od kultúry elitnej, západoeurópskej hudobnej klasiky a odbornej a akademickej kompozitnej činnosti.