Hollande. 17ème siècle. Le pays connaît une floraison sans précédent. Le soi-disant "âge d'or". À la fin du XVIe siècle, plusieurs provinces du pays ont obtenu l'indépendance de l'Espagne.

Maintenant, les Pays-Bas Simplystan sont allés à leur chemin. Et la Flandre catholique (la Belgique actuelle) sous l'aile d'Espagne - sa propre.

En Hollande indépendante, la peinture religieuse presque personne n'avait besoin. L'Église protestante n'a pas approuvé le luxe de la décoration. Mais cette circonstance "jouée sur la main" de la peinture laïque.

L'amour pour ce genre d'art s'est réveillé littéralement tous les résidents du nouveau pays. Le néerlandais voulait voir sa propre vie sur les images. Et les artistes se sont volontairement marchés pour les rencontrer.

Jamais n'a jamais décrit la réalité environnante. People ordinaire, chambres ordinaires et le petit-déjeuner le plus ordinaire du citoyen.

Le réalisme a prospéré. Jusqu'au 20ème siècle, il sera un concurrent digne de l'académisme avec ses nymphes et ses déesses grecques.

Ces artistes appellent le "petit" néerlandais. Pourquoi? Les images étaient de petite taille, car elles ont été créées pour les petites maisons. Donc, presque toutes les images de Jan Vermeer dans une hauteur de pas plus d'un demi-mètre.

Mais j'aime plus une autre version. Aux Pays-Bas au XVIIe siècle, il a vécu et a travaillé le grand maître, le «grand» néerlandais. Et tous les autres que ceux par rapport à lui étaient "petits".

Bien sûr, nous parlons de Rembrandte. De lui et commence.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportrait âgé de 63 ans. 1669 National London Gallery

Rembrandt a pu faire l'expérience de la gamme plus large des émotions au cours de sa vie. Par conséquent, dans son début de travail tellement amusant et bravadas. Et tant de sentiments complexes - dans le plus tard.

Ici, il est jeune et déçu de la photo "Le fils aveugle de taverne". Sur les genoux - la femme bien-aimée Saskovia. Il est un artiste populaire. Commandes pour la rivière.

Rembrandt. Le fils prodigue dans la taverne. 1635 Galerie des vieux maîtres, Dresde

Mais tout cela disparaîtra après environ 10 ans. Sasquia mourra de consommer. La popularité va se dissoudre sous forme de fumée. La grande maison avec une collection unique sera prise pour des dettes.

Mais le même Rembrandt apparaîtra, qui restera sur le siècle. Grands sentiments de héros. Leurs pensées les plus intimes.

2. France Hals (1583-1666)

France Hals. Autoportrait. 1650 Musée métropolitain, New York

France Hals est l'un des plus grands portraits de tous les temps. Par conséquent, je le considérerais également au «gros» néerlandais.

En Hollande, à cette époque, il était coutumier de commander des portraits de groupe. Tant d'œuvres similaires sont apparues avec l'image des personnes travaillant ensemble: les flèches de la même guilde, les médecins d'une ville, gérant la maison de retraite.

Dans ce genre, Hals alloua surtout. Après tout, la plupart de ces portraits étaient comme un jeu de cartes. Les gens sont assis à la table avec la même expression du visage et regardent simplement. Hals avait différemment.

Regardez son portrait de groupe de la "Flèche Guilde de Saint-Ouest George.

France Hals. Flèches guild hild George. 1627 Musée de France Hals, Garel, Pays-Bas

Ici, vous ne trouverez pas une seule répétition dans la position ou l'expression du visage. Dans le même temps, il n'y a pas de chaos. Il y a beaucoup de personnages, mais personne ne semble être superflu. En raison de la placement surprenant des chiffres.

Oui, et dans un seul portrait, Hals a dépassé de nombreux artistes. Ses modèles sont naturels. Les personnes de la plus haute société de ses peintures sont dépourvues de magnifies de manière artificielle et le modèle du bas n'a pas l'air humilié.

Et ses héros sont très émouvants: ils sourient, rient, gestes. Comme, par exemple, c'est un "gitan" avec un look lâche.

France Hals. Gitan. 1625-1630

Hals, comme Rembrandt, la vie finie dans la pauvreté. Pour la même raison. Son réalisme est venu contre les goûts des clients. Qui voulaient que leur apparence embellisse. Hals n'est pas allé chez Frank Flattery et a donc signé une phrase - "Oblivion".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Autoportrait. 1668 Galerie Royale Mauritstashais, La Haye, Pays-Bas

Terboro était un sorcier d'un genre à domicile. Des plus riches et non des bourgeeurs discutent lentement, les dames lisent des lettres et le pionnier regarde le courage. Deux ou trois figures de près.

C'était ce maître qui a travaillé les canons du genre à domicile. Ce qui a ensuite emprunté par Yang Vermeer, Peter de Heh et de nombreux autres «petits» néerlandais.

Gerard Terboro. Verre de limonade. 1660s. State Hermitage, Saint-Pétersbourg

"Le verre de limonade" est l'une des œuvres de Terborch. Cela peut voir un autre avantage de l'artiste. Image incroyablement réaliste de tissu robe.

Il y a Terboro et un travail inhabituel. Ce qui parle de son désir d'aller au-delà des exigences des clients.

Son "moulin" montre la vie des habitants les plus pauvres de la Hollande. Nous sommes habitués à voir des cours confortables et des chambres propres sur les images de «petit» néerlandais. Mais Terboro a osé montrer de la Hollande disgracieuse.

Gerard Terboro. Broyeur. 1653-1655 Musées du gouvernement Berlin

Comme vous le comprenez, ces œuvres n'étaient pas en demande. Et ils sont un phénomène rare même à Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Atelier d'artiste. 1666-1667 Musée d'histoire de l'art, Vienne

Ce que Yang Vermeer a regardé, il n'est pas connu de manière fiable. Il est seulement évident qu'il s'est décrit dans la peinture "Atelier de l'artiste". Vrai du dos.

Il est donc surprenant que de nouveaux faits de la vie du maître soient récemment connus. Il est relié à son chef-d'œuvre "Delft Street".

Jan Vermeer. Streft Streft. 1657 Musée du gouvernement à Amsterdam

Il s'est avéré que l'enfance du Vermeer est passée dans cette rue. La maison représentée appartenait à sa tante. Elle leva ses cinq enfants dedans. Il est peut-être assis sur le seuil avec la couture et deux de ses enfants jouent sur le trottoir. Vermeer lui-même vivait dans la maison en face.

Mais plus souvent, il a décrit la situation interne de ces maisons et de leurs habitants. Il semblerait que les parcelles de peintures soient très simples. Voici une femme miliante, une ville sécurisée, vérifie l'œuvre de mes échelles.

Jan Vermeer. Femme avec des poids. 1662-1663 Galerie d'art nationale, Washington

Qu'est-ce que Vermeer se démarque parmi des milliers d'autres "petits" néerlandais?

Il était un maître léger inégalé. Dans la photo "Femme avec poids", la lumière enveloppe doucement la face de l'héroïne, du tissu et des murs. Donner une spiritualité insupportable représentée.

Et les compositions des peintures Vermeer sont soigneusement récupérées. Vous ne trouverez pas d'excès de détails. Il suffit de retirer l'un d'entre eux, la peinture "Crumble" et la magie s'en va.

Tout cela a été donné à Vermeleu pas facile. Une telle superbe qualité nécessitait des travaux laborieux. Total 2-3 images par an. En conséquence, l'incapacité de nourrir la famille. Vermeer a travaillé comme concessionnaire artistique, vendant le travail d'autres artistes.

5. Peter de Heh (1629-1884)

Peter de Heh. Autoportrait. 1648-1649 Reyexmuseum, Amsterdam

Hoha souvent comparé au vermete. Ils travaillaient à la fois, même il y avait une période dans une ville. Et dans un genre - domestique. Chez Hoha, nous voyons également une ou deux figures dans les cours ou chambres hollandaises confortables.

Les portes ouvertes et les fenêtres rendent l'espace de ses peintures multicouches et divertissantes. Et les chiffres sont inscrits dans cet espace très harmonieusement. Comme, par exemple, dans sa photo "le serviteur avec une fille dans la cour".

Peter de Heh. La femme de ménage avec la fille dans la cour. 1658 Galerie nationale de Londres

Jusqu'au 20ème siècle, Hech était très élevé. Mais les petites œuvres de son concurrent de Vermeer sont rares qui ont remarqué.

Mais au 20ème siècle, tout a changé. Slava Hoha célibataire. Cependant, ses réalisations de peinture sont difficiles à ne pas reconnaître. Peu de personnes, qui pourraient combiner compétente l'environnement et les gens.

Peter de Heh. Joueurs sur la carte dans la chambre du soleil. 1658 Royal Art Assembly, Londres

Veuillez noter que dans une maison modeste sur les "lecteurs des cartes" peut accrocher une image dans un cadre de note.

Cela parle une nouvelle fois sur la façon dont la peinture néerlandaise ordinaire était populaire. Les peintures ont été décorées avec chaque maison: la maison du riche hamburger et un citoyen modeste, et même un paysan.

6. Murs Yang (1626-1679)

Yang Walls. Autoportrait avec luth. 1670s. Musée de Tissen-Bornemis, Madrid

Yang Walls, peut-être, le «petit» le plus joyeux. Mais aimer la morale. Il représentait souvent des tavernes ou des maisons pauvres dans lesquelles il y avait un vice.

Ses personnages principaux - promenades et dames de comportement facile. Il voulait divertir le spectateur, mais l'avertit impuditement de la vie vicieuse.

Yang Walls. Kavardak. 1663 Musée d'histoire de l'art, Vienne

Il y a un mur et un travail plus calme. Comme, par exemple, la "toilette du matin". Mais ici, l'artiste surprend le spectateur des articles trop franches. Ici et des traces de la gomme en bas, et pas une nocturne vide. Oui, et en quelque sorte pas du tout par la façon dont le chien se trouve juste sur l'oreiller.

Yang Walls. Toilette du matin. 1661-1665 Reyexmuseum, Amsterdam

Mais malgré tout le frivolisme, les solutions de couleur du mur sont très professionnelles. Dans ce cas, il était supérieur à de nombreux "petits néerlandais". Regardez à quel point le stockage rouge est parfaitement combiné avec une veste bleue et un tapis beige brillant.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1882)

Portrait d'un raisdale. Lithographie du livre du 19ème siècle.

Conquit la victoire dans la lutte contre l'Espagne pour son indépendance, Bourgeois Holland est devenu l'État le plus développé sur le plan économique en Europe occidentale. La principale ville néerlandaise d'Amsterdam a décidé d'être l'un des plus grands centres commerciaux d'Europe.

En collaboration avec l'économie, la peinture néerlandaise se développe. Contrairement aux autres pays d'Europe occidentale de la Hollande, les peintures baroques des palais et des châteaux étaient populaires - la faiblesse de la noblesse a servi d'obstacle au développement de l'art décoratif. L'église calviniste de la Hollande n'a également pas cherché à décorer leurs temples en peignant.

Néanmoins, la peinture aux Pays-Bas a prospéré: les artistes ont reçu de nombreuses ordres d'individus. Dans son logement, une petite image pourrait même avoir les paysans néerlandais - de manière à moins chère ces créations d'artistes.

Au XVIIe siècle Dans la petite Hollande travaillait sur deux mille artistes. Ils ont mis la production de peintures sur le ruisseau, offrant une toile avec des fêtes entières et ont passé leurs vendeurs. Presque tous les sorciers effectués de deux à cinq chansons.

Souvent, la production de peintures était en avance sur la demande, afin de nourrir, des artistes devaient simultanément de participer à d'autres travaux. De tels maîtres célèbres comme Ya. Murs, M. Gobbehama, Ya. Van Goyen et bien d'autres, en même temps des employés, des jardiniers, des conteneurs de restaurants.

Généralement des peintres spécialisés sur un sujet particulier. Par exemple, H. Aberkp a écrit des espèces d'hiver, E. Van der Poul représentant des incendies de nuit, des scènes de Tereborh et de la métasie - Scènes ménagères, P. Clas et V. K. Hedd - Toujours le petit-déjeuner.

Très souvent, les artistes travaillaient collectivement sur la même image: l'un peint le ciel, l'autre est de l'herbe et des arbres, la troisième - des figures humaines. Les travaux les plus performants qui ont réussi parmi le public ont copié et servi de modèle pour créer d'innombrables options.

Bien que l'art des peintres talentueux et était subordonné à des fins commerciales, les maîtres ont généralement réussi à éviter de faux. La plupart de ces toiles se distinguent par le réalisme, l'intégrité et la clarté de la composition, la fraîcheur de la technique d'aromatisation et d'excellente performance.

Une large distribution en peinture néerlandaise a reçu un genre de portrait. Diverses organisations (Société de fusil, groupes de représentants de la société et des magasins de négociation) qui ont contribué à l'émergence d'un portrait public de groupe ont joué un rôle majeur dans la vie du pays.

La lutte à long terme avec les colonisateurs espagnols a aggravé le sens de la conscience de soi nationale, donc en peinture, en plus du réalisme, une image des traits nationaux caractéristiques a été particulièrement accueillie. Les artistes ont écrit la mer et les navires, le bétail, les fleurs. En plus du portrait, de tels genres développés comme paysage, nature morte. Il y avait une peinture religieuse, mais elle n'avait pas d'élément de mysticisme; Parcelles bibliques présentées
L'artiste ressemble plus à des scènes domestiques.

France Hals.

La France Hals est née d'environ 1581 à Anvers dans la famille du thé. Dans la jeunesse, il est arrivé à Harlem, où il a vécu presque à mort (en 1616, il a visité Anvers et au milieu de 1630 - Amsterdam). À propos de la vie des Chas connaît un peu. En 1610, il entra dans la guilde de Saint-Luki et en 1616 - à la Chambre des ritizers (acteurs amateurs).

Très rapidement, Hals est devenu l'un des portraitistes les plus célèbres de Harlem. Dans les XV-XVI siècles. Dans la peinture des Pays-Bas, il y avait une tradition d'écrire des portraits de seuls représentants des cercles dirigeants, des personnes célèbres et des artistes. L'art de Hals est profondément démocratique: sur ses portraits, nous pouvons voir l'aristocrate, un citoyen riche, artisan et même une personne du plus bas. L'artiste n'essaie pas d'idéaliser ceux représentés, la principale chose pour lui est leur naturel et leur caractère unique. Sa Venomazb se tient relativement, comme les représentants des couches inférieures de la société, qui, dans les peintures de Khals, sont représentées par des personnes joyeuses qui ne sont pas privées d'estime de soi.

Une grande place dans le travail du peintre est un portrait de groupe. Les meilleures œuvres de ce genre étaient des portraits des officiers de la société de carabines Saint-George (1627) et de la société de fusil Saint Adriana (1633). Chaque personnage dans les peintures a sa luminosité, et dans le même temps, ces travaux sont caractérisés par l'intégrité.

Hals a également écrit des portraits personnalisés, sur lesquels des bourgeois riches et de leurs familles sont affichés dans des poses décontractées ("Portrait d'Isaac Massa", 1626; "Portrait de Hatheysen", 1637). Les images Hals sont vivantes et dynamiques, il semble que les personnes sur des portraits parlent à un interlocuteur invisible ou se tournent vers le spectateur.

Les représentants de l'environnement populaire sur les portraits d'HALS sont distingués. Chez les images des garçons de rue, des pêcheurs, des musiciens, des visiteurs du Kabakov ont ressenti la sympathie et le respect de l'auteur. Merveilleux de son "gitan". Étonnamment, vivant semble être une jeune femme souriante, la vue douloureuse qui est dirigée contre les téléspectateurs invisibles de l'interlocuteur. Hals ne idéalise pas son modèle, mais l'image d'un gitan joyeux et jadis étouffé avec son charme perky.

Très souvent, les portraits des chals incluent les éléments de la scène de genre. Ce sont les images des enfants chantant ou jouant sur des instruments de musique ("chant des garçons", 1624-1625). Dans le même esprit, le célèbre "maillet Babbe" a été rempli (début des années 1630), qui a soumis au Kharchevni célèbre à Harlem, que les visiteurs de leurs yeux étaient appelés la sorcière Hareuse. L'artiste presque grotesque représentait une femme avec une énorme tasse de bière et des hiboux sur son épaule.

Dans les années 1640. Il y a des signes de fracture dans le pays. Quelques dernières décennies passèrent après la victoire de la Révolution et la bourgeoisie a déjà cessé d'être une classe progressive basée sur des traditions démocratiques. La véracité de la peinture Hals n'attire plus les clients riches qui veulent mieux se voir sur des portraits que ce qu'ils sont réellement. Mais Hals n'a pas refusé le réalisme et sa popularité a fortement chuté. En peinture de cette période, des notes de chagrin et de déception apparaissent ("Portrait d'un homme dans un chapeau large"). Il est plus strict et devient calmement sa palette.

À l'âge de 84 ans, Hals crée deux chefs-d'œuvre: des portraits de groupe de rewagers (fiduciaires) et abri infirmier (1664). Ces travaux récents des maîtres néerlandais se distinguent par l'émotivité et l'individualité lumineuse des images. Des images des loyers - personnes âgées et la vieille femme - dissipe la tristesse et la mort. Ce sentiment met l'accent sur et la couleur, altérée dans des tons noir, gris et blanc.

Hals est mort en 1666 dans de la pauvreté profonde. Son art véridique et affirmant la vie a eu une grande influence sur de nombreux artistes néerlandais.

Rembrandt.

Dans les 1640-1660. Peindre la Hollande inquiète florissante. L'artiste le plus important de cette époque était Rembrandt.

Rembrandt Harmends Van Rhin est né en 1606 à Leiden. Son père était un meunier délicat. Les parents rêvaient d'une bonne éducation pour le fils et l'ont identifié dans l'école latine, après la fin de laquelle Rembrandt entra dans l'Université de Leiden. Mais le jeune homme a attiré l'art. Il a quitté l'université et a commencé à apprendre du peintre Yakov Svannenburg. Trois ans plus tard, un jeune artiste est allé à Amsterdam, où il a commencé à prendre des cours de Peter Lastman.

En 1624, Rembrandt est retourné à Leiden. Ici, il, avec le peintre, Jan Laven a pris un atelier. L'artiste travaille beaucoup de la nature, écrit non seulement dans l'atelier, mais aussi dans la rue et dans la ville bazaar.

À la fin des années 1620. Rembrandt a gagné la popularité parmi les résidents Leiden. Il avait de nombreuses ordres et le premier étudiant - Gérard Dow, qui est devenu plus tard un peintre plutôt célèbre.

Les premières peintures de Rembrandt se caractérisent par la minutie de la composition, la bonne foi de l'exécution. Dans le même temps, il est caractérisé par une certaine raideur ("le tourment de Saint-Sébastien", 1625).

En 1631, Rembrandt s'est installé à Amsterdam. Gloire sur lui très rapidement se répandre autour de la ville et les commandes sont tombées sur le peintre. La vie personnelle de Rembrandt a réussi: En 1634, il épouse Sasquia Wang Eilenburg, une fille de la célèbre famille bourgeoise. Le mariage a amené l'artiste un état important qui lui a fourni une indépendance créative et autorisé à occuper la collection d'œuvres d'art et d'antiquités.

Rembrandt a apprécié le bonheur dans la société de sa femme bien-aimée, qu'il décrivait plusieurs fois sur des portraits. Souvent, Saskovia a servi de modèle et de peintures avec les thèmes les plus divers ("Flora", 1634; "autoportrait avec Sasquia sur ses genoux", env. 1639).

La créativité de Rembrandt se distingue par la variété de cette période, il écrit des compositions historiques, mythologiques et religieuses, des portraits, des scènes ménagères, des paysages, des sauts mortes, des peintures avec des images animales. Mais l'objet principal de son attention est une personne. Non seulement dans les portraits, mais également dans d'autres œuvres, l'artiste cherche à transmettre la nature et le monde intérieur de ses héros.

Le magnifique maître du genre portrait, seulement dans les années 1630. Rembrandt a effectué plus de soixante portraits enregistrés. La principale chose pour le peintre n'est pas une similitude externe avec le modèle et la profondeur du monde intérieur, la force des mouvements spirituels et des expériences. Avec le délice, le portrait de groupe de l'anatomie du docteur TULP »(1632) a été rencontré par des contemporains. L'artiste a contribué à la composition traditionnelle du portrait de groupe classique du changement, plaçant le chiffre non de suite, comme il était coutumier, mais librement. Une telle construction a donné l'image de la vivacité et de la naturalité.

À la fin des années 1630. Rembrandt est devenu le maître le plus célèbre en Hollande. À cette période, son chef-d'œuvre appartient - le célèbre "Dana" (1636), la compétence d'exécution dépasse tout ce qui a été créé par les contemporains
artiste. Il frappe la perfection de sa composition et la richesse de la gamme de couleurs installée dans des nuances dorées. Il semble que dans ce travail, il n'y a rien de superflu, chaque article est soigneusement réfléchi par l'auteur. Avec l'aide d'un frottis libres et vivants, le maître transmet la légèreté de la couvre-lit, les plis de fortes rideaux et des draperies. Le plastique flexible d'une jeune femme allongée sur le lit, des nuances douce dorées du corps, illuminées par une lumière douce. Bien que cela ne chie pas de beauté parfaite, son image admire le spectateur avec un charme et une fraîcheur animés.

Dans les années 1630. L'artiste travaille beaucoup et dans la gravure. Il est attiré par des motifs domestiques ("le vendeur de poison rat", 1632). Les éléments de la génie sont inhérents et fonctionnent avec des thèmes bibliques ("le retour du fils prodigal", 1636). L'une des meilleures gravures de cette période est la «mort de Marie» (1639), émotionnelle et ressentant un sentiment de chagrin profond. La complexité de la composition et la valeur monumentale des images est différente et un produit merveilleux "Christ, des patients cicatrisants" (t. N. "Liste dans une centaine de goussants" - ce nom parle du coût du travail).

Dans les années 1640. Rembrandt devient le peintre le plus célèbre et le plus payé Amsterdam. Il est commandé des portraits, des compositions pour le palais du Statut néerlandais de La Haye. De nombreux artistes novices cherchent à étudier dans son atelier. La gloire sur l'art de Rembrandt va au-delà des limites de la Hollande. Plusieurs peintures du célèbre maître sont stockées dans le palais du roi anglais Charles I.

Le talent de Rembrandt s'est manifesté dans ses sauts immobiles réalistes et expressifs ("Bull Truck") et ses paysages ("paysage avec un moulin", OK. 1650). Le lyrisme mince est inhérent à des paysages néerlandais non autorisés, affectant le spectateur avec sa réalité presque tangible.

La mort de sa femme bien-aimée en 1642 a supprimé Rembrandt de ses plus nobles proches. L'artiste a cessé de communiquer et avec son familier de la société aristocratique. Les changements dans la vie des maîtres ont été reflétés sur sa peinture, ce qui devient plus profond et ciblé. Si les premières œuvres de Rembrandt sont distinguées par une installation calme et lisse, maintenant les notes d'anxiété et de doute ont supplié dans ses peintures. La palette est changée dans laquelle les nuances rouges et dorées dominent.

L'expressivité vivante se distingue par la toile "David et Jonafan" (1642, Hermitage, Saint-Pétersbourg), réalisée dans des tons roses d'or rose et d'or.

Toutes ces nouvelles fonctionnalités de PRAMBRANDT Peinture n'ont pas satisfait à la compréhension des contemporains. Le mécontentement a provoqué une grande composition monumentale "montre de nuit" (1642). Ce titre de la photo reçue au XIXe siècle. En fait, l'action ne se produit pas la nuit et la journée, avec la lumière du soleil, qui confirme la nature de l'ombre.

Au fil du temps, les peintures assombries et seules la restauration effectuée en 1946-1947 ont montré que la gamme de couleurs de ce travail était une fois plus légère.

La photo montre les flèches de la société Captain interdisant Coca. Le client s'attend à voir le portrait de défilé traditionnel (scène de la fête ou de la représentation du commandant de la visionneuse de ses subordonnés). Rembrandt a également créé
Poico-Historical Toile décrivant la performance des tireurs sur les ordres du capitaine. Les caractères sont excités et dynamiques; Le commandant donne des commandes, un bannamers soulève la bannière, le batteur bat dans le tambour, les armes de charge des flèches. Il n'est pas clair que la petite fille avec un coq à la ceinture se précipite.

Au cours de ces années, Hendercine Stalffels apparaît dans la vie de Rembrandt, d'abord la femme de chambre, puis la femme, qui est devenue la copine fidèle et l'assistante. L'artiste travaille toujours beaucoup. Il crée sa célèbre «famille Sainte» (1645), dans laquelle le sujet religieux est interprété comme genre. Outre les compositions bibliques, le peintre effectue des paysages réalistes avec les images du village ("View hivernale", 1646). Ses portraits de cette période se distinguent par le désir de montrer les caractéristiques individuelles des modèles.

Dans les années 1650. Le nombre de commandes est considérablement réduit. Rembrandt connaît une grande difficulté matérielle. Il fait face à la ruine complète, car la dette n'est toujours pas payée, associée à l'achat de la maison alors que la première épouse de Saskovia. En 1656, l'artiste a été déclaré insolvable et sa collection d'œuvres d'art et de tous les biens ont été vendus avec des enchères. La famille Rembrandt a dû se déplacer dans le pauvre quartier juif d'Amsterdam.

Malgré toutes les adversités, le talent du grand peintre ne sèche pas. Mais maintenant, le critère de sa compétence est complètement différent. Dans des œuvres ultérieures de Rembrandt, des coups colorés apparaissent nettement sur la surface de la toile. Maintenant, les couleurs de ses peintures ne sont pas seulement pour le transfert de l'apparence des héros et de l'image de l'intérieur - c'est une couleur prend la charge de travail sémantique du travail. Donc, la sensation de drame tendu dans la photo "assurer, AMAN et ESPHYR" (1660) est créée au moyen d'un gamma tonal complexe et d'effets de lumière spéciaux.

La diminution des commandes vivant dans une pauvreté profonde, Rembrandt ne cesse jamais d'écrire. Il crée des portraits expressifs et spirituels, des modèles pour lesquels des parents et des amis servent ("Portrait de l'épouse du frère de l'artiste", 1654; "Portrait d'un vieil homme en rouge", 1652-1654; "Portrait du fils Titus pour la lecture ", 1657;" Portrait de Hendrikier Stalfels Windows ", env. 1659).

Le fils de Titus, qui a finalement reçu l'état de sa mère décédée, tente de protéger son père des privations matérielles et de lui créer les conditions de travail tranquille. Mais les malheurs continuent à poursuivre l'artiste: en 1663, il meurt avec Hendrik et, après quelques années, il suiva Titus.

C'est dans cette période tragique qu'un vieil artiste solitaire crée ses chefs-d'œuvre, caractérisés par monumental et spiritualité (David et Uriah, 1665-1666; "Le retour du fils prodigue", env. 1668-1669).

Rembrandt est mort en 1669, tout oublié. Seulement dans le XVIIIe siècle. Son art a finalement été compris et apprécié.

En 1640-1660. Le menant dans la peinture néerlandaise était un genre à domicile. Images décrivant les moments les plus courants de la réalité, incroyablement poétique et lyrique. L'objet principal de l'attention des peintres est un homme et le monde autour de lui. La plupart des compositions de genre se distinguent par la narration calme et le manque de drame. Ils racontent les soins à domicile de l'hôtesse de la Chambre (dispositions d'achat, soins des enfants, classes d'artisanat), sur le divertissement du burger néerlandais (jeu de cartes, réception des invités, concerts). Les artistes décrivent tout ce qui se passe dans la maison du citoyen riche, contournant le côté public de la vie humaine.

Les genribiologistes ont utilisé très popularité: Dow, dont les peintures ont été vendues à un prix très élevé, A. Wang Odeete, écrivant les scènes de la vie paysanne ("Concert rural"), ya. Murs, des sujets favoris étaient des scènes d'amusement et de vacances ("Merry Society"), G. Terbor, dont la peinture gracieuse représentait la vie d'une famille de bourgeois riche ("verre de limonada"), Metsu avec sa narration de fréquence ("enfant malade"), P. de Hunhh, créé contemplatif- toiles lyriques ("maîtresse et femme de chambre").

Pour développer le cadre du genre ménager cherché à K. Fabrichius, qui a vécu une courte vie (il est mort à Delft dans l'explosion de l'entrepôt de poudre). L'une de ses meilleures œuvres est la "résurrection de Lazarus" (env. 1643), distinguée par le drame et la portée presque monumentale. Ses portraits et ses autoportraits, mettant l'artiste d'une rangée avec F. Khals et Rembrandt.

Le destin de E. de Fabritidius, un maître talentueux de la scène domestique et travaille avec l'image des intérieurs d'église ("Marché à Porto", "Intérieur avec une femme à Clavsin"). L'artiste n'a pas cherché à se livrer aux goûts du public bourgeois, de sorte que ses œuvres qui n'ont pas eu de succès dans les contemporains ont été vendus pour des sous-morts. Souvent, Fabrichius a été contraint de leur donner des dettes aux propriétaires. En hiver la nuit, 1692, un artiste de soixante-neuvième ans élu par le propriétaire de la maison se penda sur la balustrade du pont. Un tel destin était caractéristique de nombreux peintres néerlandais qui ne veulent pas abandonner les traditions réalistes en faveur du public.

Jan Vermer Delftsky

Le Vermer Yang Vermer, un représentant lumineux du genre, a appelé au lieu de naissance et à l'activité de Delftsky. Peintre est né en 1623 dans la famille des peintures et de la soie des marchands. Un peu connu sur la vie du verseur. Son professeur était peut-être K. Fabrichius. En 1653, l'artiste est devenu membre de la Guilde de Saint-Luki et a épousé la fille d'un citoyen riche Katerina Kozalus. À Delft, il aimait le respect et la gloire, vivaient dans une grande maison située sur une place du marché.

Vermer a travaillé sur ses peintures très lentement et soigneusement, écrivant soigneusement tous les détails. La peinture ne pouvait pas fournir à la famille de l'artiste à une existence sans âme, bien que sa toile et bénéficie d'un grand succès. Probablement, donc le vermer et a commencé à échanger avec les peintures, continuant le cas de son père.

Déjà dans les premières œuvres du Verseur, une combinaison de réalisme et une partie de l'idéalisation des images ("Diana avec des nymphes", "Christ et Mary" - à la fois avant 1656) apparaît. Le travail suivant est un tissu de gros brûlants "Sumani" (1656), écrit sur la parcelle utilisée par de nombreux peintres, se distingue par l'originalité de l'exécution. La scène de ménage habituelle de l'artiste acquiert une signification presque monumentale. L'image se distingue par d'autres œuvres avec des sujets similaires avec sa saveur audacieuse, altéré de couleurs pure jaune, rouge, noir et blanc et des images expressives brillantes.

À l'avenir, le Vermer a appelé les compositions traditionnelles de chambre de peinture néerlandaise. Comme d'autres maîtres néerlandais, il dépeint des événements qui se déroulent dans des maisons de Burgome riches. L'image préférée de l'artiste est une fille qui lise une lettre de lecture ou de collier de raccordement. Sa toile représente une infertilité scènes domestiques: la femme de ménage donne à sa maîtresse, le cavalier apporte une dame un verre de vin. Mais ces images, simples sur la composition, sont frappées par l'ensemble, l'harmonie et le lyrisme, leurs images attirent la naturalité et la poésie détendue.

Dans la seconde moitié des années 1650. L'artiste a créé les œuvres les plus merveilleuses. Une sensation chaleureuse était marquée "fille endormie" profondément lyrique, "verre de vin", "fille avec une lettre". De nombreux peintres néerlandais de cette époque dans leurs peintures ont été décrites par le travail des serviteurs, mais seul le vermer, l'image d'une femme du peuple a les caractéristiques de la beauté et de la grandeur véritable ("maulus avec une cruche de lait").

Vermer est un vrai virtuose dans le transfert de l'essence du monde des choses avec l'aide de fonds fins. Les chantiers mortes sont remplies d'une grande habileté dans ses peintures. Étonnamment belle et naturelle ressemble naturellement à un plat avec des pommes et des prunes, debout sur une table de nappe à motifs dans la toile "Fille avec une lettre".

Dans la peinture "Maulus avec une cruche de lait" admire son pain fraîcheur et son lait, un jet épais d'une pichet.

La lumière joue un rôle important dans les œuvres du verm. Il remplit l'espace de la toile, créant l'impression d'extraordinaire de régie; Les modèles forment et pénètrent dans la peinture, les forçant à briller de l'intérieur. Il est dû à un tel nombre de lumière et d'air une surprise émotionnelle spéciale de la plupart des versets fonctionne est créée.

Une merveilleuse maîtrise du peintre s'est manifestée dans la peinture de paysage. Un petit coin de la ville enveloppé dans une atmosphère humide d'une journée nuageuse est reproduit clair et simple sur la composition "Oilnake" (env. 1658). Nettoyer et frais apparaît la ville dans la photo "Vue de Delft" (entre 1658 et 1660). À travers des nuages \u200b\u200bdoux-argentés, se frayez leur chemin les rayons du soleil, créant beaucoup de points saillants lumineux à la surface de l'eau. Une saveur sonore avec ses transitions de couleurs subtiles donne l'expressivité et l'harmonie de la photo.

Dans les années 1660 La peinture du verseur devient plus raffinée et élégante. La palette change également dans laquelle des nuances colorées froides sont maintenant dominées ("fille avec perle"). Les principaux héros des bandes deviennent entourés par les riches dames et cavaleuses ("lettre d'amour", env. 1670).

Jan Vermer Delftsky. La femme de ménage avec une cruche de lait. Entre 1657 et 1660.
Jan Vermer Delftsky. Atelier de peintre. D'ACCORD. 1665

Au cours de la dernière période de la vie du Verseur, cela devient superficiel et quelque peu artificiel («allégorie de la foi»), et la palette perd saturation et sonsieur. Mais au cours de ces années, les œuvres individuelles de l'artiste frappent l'ancienne force expressive. Tel est son "atelier de peintre" (1665), dans lequel le Vermer s'est décrit au travail et les peintures d'astronome et de géographe, qui ont capturé des scientifiques.

Le destin du verseur, comme beaucoup d'autres maîtres néerlandais, est tragique. En fin de vie, l'artiste douloureux qui a perdu la plupart des anciens clients a été forcé de transporter sa grande famille de la vieille maison dans une maison moins chère. Au cours des cinq dernières années, il n'a pas écrit une seule image. Un peintre est mort en 1675. Son art a été oublié depuis longtemps, et seulement au milieu du XIXe siècle. Le vermer a été apprécié et mis en une rangée avec de tels maîtres néerlandais tels que Rembrandt et F. Hals.

Les artistes néerlandais ont apporté une contribution importante au travail des maîtres, commençant leurs activités du XVIIe siècle et ne s'arrêtent pas jusqu'à ce moment-là. Cependant, ils ont eu une influence non seulement sur leurs collègues, mais également sur des professionnels de la littérature (Viensenin Proust, Donna Tartt) et des photos (Ellen Kooy, Bill Gecas et autres).

Début du développement

En 1648, la Hollande a toutefois reçu l'indépendance, cependant, pour la formation d'un nouvel État, les Pays-Bas devaient subir un acte de vengeance d'Espagne, qui détruit environ 10 mille personnes en flamand à cette époque la ville d'Anvers. En conséquence, les habitants de la Flandre ont émigré des territoires contrôlés par les autorités espagnoles.

Sur la base de cela, il sera logique de reconnaître que l'élan d'artistes néerlandais indépendants est passé de la créativité flamande.

Depuis le XVIIe siècle, les branches gouvernementales et artistiques se produisent, ce qui entraîne la formation de deux, distinguée par la nationalité des écoles d'art. Ils avaient une origine commune, mais dans des signes très fortement différaient. Alors que la Flandre est restée sous les ailes du catholicisme, la Hollande a connu une floraison absolument nouvelle, en commençant par le XVIIe siècle.

Culture néerlandaise

Au XVIIe siècle, le nouvel État n'a augmenté que sur la voie de son développement, brisant complètement la connexion avec l'art de l'ère passée.

La lutte avec l'Espagne s'est progressivée progressivement. L'humeur nationale a commencé à être tracée dans les cercles populaires lorsque les autorités de la religion catholique imposée auparavant imposée.

La domination protestante était une examine contradictoire sur la décoration, ce qui a entraîné une réduction du travail sur les thèmes religieux et, à l'avenir, n'a joué qu'à la main de l'art laïque.

Même avant cette période, si souvent dans les images ne décrivaient pas une réelle réalité environnante. Dans leurs œuvres, les artistes néerlandais voulaient montrer une vie domestique ordinaire sans embellissement, des goûts et une noblesse exquis.

L'explosion artistique laïque a engendré de nombreuses directions comme un paysage, un portrait, un genre de ménage et une vie morte (sur l'existence dont même les centres les plus développés de l'Italie et de la France ne savaient pas).

Vision propre des artistes néerlandais du réalisme, exprimés en portrait, paysage, œuvres d'intérieur et peintures de nature morte, a donné lieu à l'intérêt de toutes les couches de la société à cette compétence.

Ainsi, l'art néerlandais du XVIIe siècle a appelé "l'âge d'or de la peinture néerlandaise", consolidant le statut de l'époque la plus remarquable de la peinture des Pays-Bas.

Il est important de savoir: il y a une opinion erronée que l'école néerlandaise n'aimé que la médiocrité de l'être humain, mais les maîtres de ces temps ont écrasé le cadre avec l'aide de leurs œuvres fantastiques (par exemple, «paysage avec John Bluamarta John Bestor).

Artistes néerlandais du 17ème siècle. Rembrandt.

L'une des plus grandes figures artistiques de la Hollande est considérée par Rembrandt Hargens Wang Raina. Outre les activités de l'artiste, il s'est également engagé dans la gravure et était considéré comme le maître des Noirs.

Son héritage est riche en variété individuelle: portraits, scènes de genre, vie mortes, paysages, ainsi que des peintures sur des histoires, religion et mythologie.

Sa capacité à posséder une lumière a permis l'expressivité émotionnelle et la spiritualité d'une personne.

Travailler sur les portraits, il a travaillé sur le caractère facial.

Dans le cadre des événements tragiques déchirants, son travail tardif était rempli de dim, implantant les expériences profondes des personnes avec la lumière, à la suite de laquelle un travail brillant n'est devenu personne intéressant.

À cette époque, il y avait une beauté externe à la mode sans tentative de plonger dans la profondeur, ainsi que naturaliste, se séparant du réalisme franc.

La peinture "retour du fils prodigal" verra chaque fan russe des beaux-arts, car ce travail est situé dans l'ermitage de la ville de Saint-Pétersbourg.

France Hals.

France Hals est un excellent artiste néerlandais et le plus grand portraitiste, a contribué à introduire un genre de lettre libre dans l'art domestique.

Le travail qui lui apporta la renommée était la photo appelée «banquet d'officiers de la société de carabine St. George», écrit en 1616.

Son portrait travaille pour cette époque était trop naturel, qui s'est séparé d'un jour réel. En raison du fait que l'artiste est resté incompréhensible, il ressemble à la Grande Rembrandt, a obtenu son diplôme de sa vie dans la pauvreté. "Gypsy" (1625-1630) est l'une de ses œuvres les plus célèbres.

Mur de yang

Les murs de yang sont l'un des plus spirituels et les plus amusants à la première vue des artistes néerlandais. Avoir des vices sociaux ridiculisés, il aimait recourir à la compétence de la satire du Satiur. Il amusant le spectateur avec des images inoffensifs et amusantes d'une promenade et de dames de comportement facile, a réellement averti contre un tel mode de vie.

L'artiste avait également des peintures plus détendues, par exemple, le travail des "toilettes du matin", à première vue, qui semblait absolument une action innocente. Mais si vous regardez les détails, il est possible de surprendre suffisamment de leurs révélations suffisantes: ce sont des traces de bas, d'autrefois les jambes serrées et remplies de quelque chose d'indécent près de la casserole, ainsi qu'un chien qui se permet d'être juste sur l'oreiller d'hôtesse.

Dans les meilleurs travaux, l'artiste était en avance sur ses collègues de l'élégante combinaison habile de la palette de couleurs et de la compétence de la propriété des ombres.

Autres artistes néerlandais

Cet article ne répertorie que trois personnes lumineuses de dizaines de dizaines dignes d'une pair avec eux pour se tenir dans la même liste:

Donc, dans cet article, vous avez connu des artistes néerlandais du XVIIe siècle et de leurs œuvres.

Burger baroque en peinture néerlandaiseXvii dans. - Image de la vie quotidienne (P. de Heh, Vermeer). Luxury Still Stales Calphy. Portrait de groupe et ses caractéristiques d'Hals et de Rembrandt. Interprétation des parcelles mythologiques et bibliques Rembrandt.

Art néerlandais du XVIIe siècle

Au XVIIe siècle La Hollande est devenue un pays capitaliste exemplaire. Elle a dirigé un vaste commerce colonial, elle avait une flotte puissante, la construction navale était l'une des principales industries. Le protestantisme (calvinisme comme une forme la plus sévère), qui avait une influence totalement de l'Église catholique, a entraîné le fait que le clergé de Hollande n'avait pas une telle influence sur l'art comme dans la Flandre et en particulier en Espagne ou en Italie. En Hollande, l'Église n'a pas joué le rôle du client d'œuvres d'art: les temples n'ont pas été décorés d'images autel, car le calvinisme a rejeté chaque soupçon de luxe; Les églises protestantes étaient simples en architecture et non décorées à l'intérieur.

La principale réalisation de l'art néerlandais du XVIIIe siècle. - En peinture de chevalet. L'homme et la nature étaient des objets d'observation et des images d'artistes néerlandais. La peinture ménagère devient l'un des principaux genres, dont les créateurs de l'histoire ont reçu le nom de "petit néerlandais". La peinture à l'évangile et aux parcelles bibliques sont également présentées, mais pas dans un tel volume, à la fois dans d'autres pays. En Hollande, jamais connu avec l'Italie et l'art classique n'a pas joué un tel rôle comme dans la Flandre.

Maîtriser les tendances réalistes, l'ajout d'un certain cercle de sujets, la différenciation des genres en tant que processus unique est complétée par le 20e du XVIIe siècle. L'histoire de la peinture néerlandaise XVIIe siècle. Démontre parfaitement l'évolution de la créativité de l'un des plus grands portraits de Holland France Hals (environ 1580-1666). Dans les 10-30, Hals travaille beaucoup dans le genre de portrait de groupe. Avec les toiles de ces années, vous avez l'air joyeux, énergique, personnes entreprenantes, confiant dans leur pouvoir et demain ("Guilde de fusil de Saint-Adriana", 1627 et 1633;

«La guilde de fusil de St. George, 1627).

Les portraits individuels des chercheurs de CHAL sont parfois appelés genre en raison de la spécificité particulière de l'image. Esquisse d'Hals, sa lettre audacieuse, lorsque le frottis sculpte et la forme, et le volume et transmet la couleur.

Dans les portraits des Khals de la période tardive (50-60s), des suppressions sans soucis, de l'énergie, une pression dans les caractères des personnes décédées disparaissent. Mais c'était à la fin de la créativité Hals atteint le sommet des compétences et crée les œuvres les plus profondes. Colorer ses peintures devient presque monochrome. Deux ans avant la mort, en 1664, Hals revient à nouveau au portrait de groupe. Il écrit deux portraits - des régents et un refuge récent pour les personnes âgées, dans l'une d'entre elles qui trouvaient lui-même un abri au bout de la vie. Dans le portrait du régent, il n'y a pas d'esprit de partenariat des compositions précédentes, les modèles sont séparés, impuissant, ils ont des vues turbides, la dévastation est écrite sur leurs visages.

L'art de Hals était d'une grande importance pour son temps, il avait eu un impact sur le développement de la portrait non seulement, mais aussi un genre de ménage, un paysage, une nature morte.

Le genre de paysage de la Hollande XVIIe siècle est particulièrement intéressant. Photos Holland Jan Wang Goyen (1596-1656) et Salomon Van Ryatdal (1600/1603-1670).

La floraison de la peinture paysageuse dans l'école néerlandaise fait référence au milieu du XVIIe siècle. Jacob Van Reydal (1628 / 29-1682), ses œuvres sont généralement remplies de drame profond, qu'il décrit des bosquets forestiers («marais de la forêt»),

paysages avec des cascades ("cascade") ou un paysage romantique avec un cimetière (cimetière juif ").

La nature au vol apparaît dans la dynamique, dans la mise à jour éternelle.

En étroite connexion avec le paysage néerlandais, il y a un genre animal. Le célèbre motif de Albert Cape - vaches pour les outils d'eau ("Coucher de soleil sur la rivière", "vaches sur la rive de la crique").

Le développement brillant atteint la vie morte. La vie morte néerlandaise est différente de la taille et des motifs flamands de caractère intime. Peter Clas (environ 1597-1661), Bill Hed (1594-1680 / 82) décrit le plus souvent le soi-disant petit-déjeuner: la vaisselle avec un jambon ou une tarte sur une table relativement modestement servie. Les "petits déjeuners" sont remplacés par des "desserts" luxueux de Kalfa. Tables de marbre, nappes à moquette, tasses d'argent, navires en coquillages de perles, les verres de cristal viennent remplacer les ustensiles simples. Kalf atteint la virtuosité frappante dans la transmission de la texture des pêches, des raisins, des surfaces en cristal.

Dans les 20-30 du XVIIe siècle. Le néerlandais a créé un type particulier de petite image de petite taille. 40-60 - L'épanouissement de la peinture glorifiant les hamburgers calmes de la Hollande, l'existence quotidienne mesurée.

Adrian Van Odeete (1610-1685) représente d'abord le côté ombre de la vie de la paysannerie («combat»).

Depuis les années 40, dans son travail, des notes satiriques sont de plus en plus remplacées par de manière humoreuse ("dans une zucchka rustique", 1660).

Parfois, ces petites peintures sont peintes avec une grosse sensation lyrique. Par la loi, son "peintre dans l'atelier" (1663) est considéré comme un chef-d'œuvre de la peinture, dans lequel l'artiste glorifie le travail créatif.

Mais le thème principal du "petit néerlandais" n'est toujours pas un paysan, mais la vie burgershi. C'est généralement des images sans fabul passionnant. Le conteur le plus divertissant dans les peintures de ce type était Jan Stan (1626-1679) ("baise", "jouant trick-tric"). Encore plus d'artisanat a atteint ce Gérard Terbor (1617-1681).

La poésie spéciale de "petit néerlandais" acquiert l'intérieur. Pyter de Stoch (1629-1689) est devenu un vrai chanteur (1629-1689). Ses chambres avec une fenêtre semi-ouverte, avec des chaussures laquées abandonnées ou un balai cassé sont souvent représentés sans une figure humaine.

La nouvelle étape de la peinture de genre commence dans les années 50 et est associée à la soi-disant école Delft, avec le nom d'artistes tels que Karel Fabrichius, Emmanuel de Witte et Yang Vermer, connu dans l'histoire de l'art en tant que Vermer Delft (1632 -1675). Les motifs du verseur semblaient ne pas être original. Ce sont les mêmes images de la vie enfileuse congelée: lire une lettre, conséquence cavalier et dame, serviteurs engagés dans une ferme non accomplante, des espèces d'Amsterdam ou de Delft. Ce sont des images simples: "fille lisant une lettre",

"Cavalier et Dame à la Speake",

"Officier et rire fille", etc. - sont pleins d'inadéquation mentale, de silence et de paix.

Les principaux avantages de l'artiste Vermera sont dans la transmission de la lumière et de l'air. Dissolution des articles dans un environnement lumineux, la possibilité de créer cette illusion Tout d'abord déterminer la reconnaissance et la renommée du Verseur est au SIXIX.

Le Vermer a fait quelque chose que personne n'a fait au XVIIe siècle: il a écrit des paysages de la nature ("Stretch", "Type de Delft").

Ils peuvent être appelés les premiers échantillons de peinture plénière.

Le sommet du réalisme néerlandais, le résultat des réalisations pittoresques de la culture néerlandaise du XVIIe siècle est le travail de Rembrandt. Harmens Wang Rhin Rembrandt (1606-1669) est né à Leiden. En 1632, Rembrandt part pour Amsterdam, le centre de la culture artistique de la Hollande, qui a naturellement attiré un jeune artiste. Les années 30 - l'heure de la plus haute gloire, la voie qui a été découverte pour la peinture d'une grande image enregistrée de 1632 - un portrait de groupe appelé "Anatomie du Dr. Tulpa", ou la "Leçon d'anatomie".

En 1634, Rembrandt épouse une fille d'une famille riche - Saskovia van Eileborh. La période la plus heureuse de sa vie commence. Il devient un artiste célèbre et à la mode.

Tout cette période est romantique. Plus lumineux que le monde de Rembrandt de ces années transfère le fameux "autoportrait avec Sasquia sur ses genoux" (environ 1636). Franchement la joie de la vie, mentez est imprégnée de toute la toile.

La langue baroque est la plus proche de l'exprimer de grands esprits. Et Rembrandt pendant cette période est largement influencé par le baroque italien.

Dans des personnes difficiles, les caractéristiques de l'image de 1635 "Sacrifice d'Abraham" apparaissent devant nous. La composition est très dynamique, construite par toutes les règles baroques.

Dans les mêmes 19 ans, Rembrandt commence d'abord au sérieux de s'engager dans des graphismes, tout d'abord. Les gravures de Rembrandt sont principalement des parcelles bibliques et évangéliques, mais sur la figure, comme un artiste véritablement néerlandais, il fait souvent référence au genre. Au tournant de la première période de la créativité de l'artiste et de sa maturité créative, l'une des plus célèbres ses œuvres pittoresques, connues sous le nom de «Way Watch» (1642), est un portrait de groupe d'une entreprise de carabine Capitaine Interdiction Coca.

Il a élargi le cadre du genre, représentant plutôt l'image historique plutôt: le long de l'alarme, la carrée interdisant la coca saillie. Certains sont calmes, confiants, d'autres sont excités par l'anticipation de la prochaine, mais toute l'expression de l'énergie totale, la montée patriotique, la célébration de l'esprit civil.

Portrait de groupe sous la brosse Rembrandt abrasion dans l'image héroïque de l'époque et de la société.

La photo est déjà assombri de sorte qu'il était considéré comme une image de la scène de nuit, d'où son mauvais nom. L'ombre, s'inclinant de la figure du capitaine sur les vêtements lumineux du lieutenant, prouve que ce n'est pas une nuit et la journée.

Avec la mort de Saskiy, la même année, 1642, il y a une lacune naturelle de Rembrandt avec son étranger pour lui par les cercles patriciens.

Les 40-50 sont le moment de la maturité créative. Il fait souvent référence aux mêmes œuvres de les refaire de manière nouvelle. C'était donc, par exemple, avec "Danay", qu'il a écrit en 1636 en faisant référence à la photo dans les années 40, l'artiste a renforcé l'état émotionnel.

Il a réécrit la partie centrale avec l'héroïne et la femme de chambre. Compte tenu du nouveau geste de la main levée, il a informé sa plus grande émotion, son expression de joie, son espoir, appelle.

Dans les années 40-50, la compétence de Rembrandt augmente régulièrement. Il choisit l'interprétation des parties poétiques les plus lyriques et poétiques de l'être humain, puis l'humain, qui est extrêmement, avec succès: l'amour maternel, la compassion. Le plus grand matériau lui donne une écriture sacrée et de celle-ci - la scène de la vie de la Sainte Famille, Rembrandt décrit une vie simple, des gens ordinaires, comme dans la toile "Sainte Famille".

Les 16 dernières années sont les années les plus tragiques de la vie de Rembrandt; Il est ruiné, n'a aucune commande. Mais ces années sont pleines d'incroyables sur la force de l'activité créative, à la suite de quelles images pittoresques sont créées, des caractères exceptionnels et de la spiritualité sur la monumentalité des personnages et de la spiritualité, les œuvres sont profondément philosophiques. Même les petites œuvres de Rembrandt Ces années créent l'impression d'une grandeur extraordinaire et de la vraie monumentalité. La couleur acquiert la solidité et l'intensité. Ses peintures semblent émettre de la lumière. Les portraits de la fin de Rembrandt sont très différents des portraits de 30 et même des années 40. Ces images extrêmement simples (taille ou génériques) de personnes proches de l'artiste dans leur bâtiment intérieur. Rembrandt présente les plus grandes subtilités des autoportes qui ont eu une centaine de cent. Confirmé dans l'histoire du groupe de groupe a été l'image des aînés de Rembrandt de la boutique Sobrichki - le soi-disant "Cindics" (1662), où l'achat signifie Rembrandt créé de la vie et en même temps différents types humains, mais surtout, mais surtout, mais surtout a réussi à transmettre le sentiment de l'union spirituelle, de compréhension mutuelle et de relations des personnes.

Pendant les années de maturité (principalement dans les années 50), Rembrandt a créé ses meilleures gravures. En tant que gravure, il ne sait pas égal à l'art global. Dans tous, les images ont une signification philosophique profonde; Ils racontent les secrets d'être, à propos de la tragédie de la vie humaine.

Il est engagé dans beaucoup de dessin. Rembrandt laissé derrière 2000 dessins. Ce sont des études de nature, des croquis pour les peintures et la préparation des gravures.

Au cours du dernier quart du XVIIe siècle. Le déclin de l'école pittoresque néerlandaise commence, la perte de son identité nationale et du début du XVIIIe siècle, la fin de la grande époque du réalisme néerlandais vient.

Au XVIIe siècle, l'école de peinture néerlandaise est devenue l'un des principaux en Europe. C'était ici, pour la première fois de l'histoire de l'art mondial, les objets de la réalité environnante ont été la source de l'inspiration créative et le plan artistique. Dans l'art néerlandais de cette époque, la formation d'un système complet de genres, qui a débuté à l'ère de la renaissance, a été achevée. Dans les portraits, les peintures ménagères, les paysages et les chantiers mortes, les artistes avec des compétences rares et la chaleur ont passé leurs impressions de la nature environnante et de la vie malheureuse. Ils ont trouvé le reflet de l'aspect collectif de la Hollande - une jeune république, une indépendance établie dans la guerre avec l'Espagne.

"Jeunes dames du matin." 1660 France Miris Senior. Arbre, huile. Ermitage de l'état

Photos d'artistes sur des thèmes ménagers (ou peintures de genre) représentent des personnes dans la situation habituelle, quotidienne, reflétait des formes de vie établies, en attente et communiquant des personnes appartenant à divers co-paroles de la société néerlandaise. Conçu pour les intérieurs ukrainiens des marchands, des artisans ou des paysans riches, des peintures d'artistes néerlandais étaient de petite taille. Les artistes ont gagné la vente de peintures, qui ont été écrites avec la possibilité d'une visualisation détaillée d'une distance proche. À son tour, cela a donné lieu à une lettre de la lettre particulièrement approfondie et subtile.

"Société sur la terrasse." 1620 Esais Wang de Veld. Arbre, huile. Ermitage de l'état

Tout au long du XVIIe siècle, la peinture de Genre de Hollande a subi une évolution significative. Au début du siècle, au début du siècle, des parcelles des loisirs, des divertissements de jeunes néerlandais riches ou de scènes de la vie des officiers ont été distribués. De telles images ont reçu les noms des "banquets", "sociétés", "concerts". Leur peinture a été distinguée par une variété de couleurs, un ton très joyeux. La photo "société sur la terrasse" d'Esayas Wang de Velda appartient à la description de ce type.

Au début des années 1930, la peinture de genre néerlandais a été achevée. Plusieurs "sociétés" ont cédé la place à des compositions à faible profil. Une image d'un environnement entourant l'environnement est devenu un grand rôle. Il y avait une séparation du genre peinture sur la caractéristique sociale: des parcelles sur des sujets de la vie de la bourgeoisie et des scènes de la vie des paysans et des citadins pauvres. Et ceux-ci et d'autres peintures étaient destinés à décorer l'intérieur.

"Combat". 1637 Adrian Wang Odeete. Arbre, huile. Ermitage de l'état

L'un des artistes les plus célèbres qui ont travaillé comme le "genre paysan" était Adrian Wang Odeete. Au début de la création, l'image des paysans de ses peintures se distinguait par une communauté soulignée, atteignant parfois la caricature. Ainsi, dans la peinture "FRAK", éclairée par une lumière trancane, les combats ne semblent pas vivants et des marionnettes dont les visages sont comme des masques déformés par des grimaces de colère. L'opposition de couleurs froides et chaudes, des contrastes tranchants de la lumière et de l'ombre encore plus encore améliorent l'impression de la scène grotesque.

"Musiciens rustiques." 1635 Adrian Van de Odest 1635. Arbre, huile. Ermitage de l'état

Dans les années 1650, dans la peinture d'Adrian, l'odest a été changé. L'artiste a appelé aux parcelles plus spo-monnaie, décrivant une personne lors d'une classe autrefois, le plus souvent dans des moments de repos. Tel est l'exemple, l'image intérieure "musiciens rustiques". L'Ostay transmet habilement la concentration des "musiciens" enthousiasmés par son occupation, avec une humeur à peine perceptible représentant les enfants les regarder. La variété et la douceur d'un jeu noir et blanc, un gamma co-loric brun verdâtre allie les gens et leur environnement en un seul entier.

"Look d'hiver." 1640. Isaac Van Odeete. Arbre, huile. Ermitage de l'état

Dans le "genre paysan" a travaillé tôt le frère décédé d'Adriana - ICAAP Wan Odeete. Il a décrit la vie de la Hollande rurale, dans la nature que l'homme se sentait comme à la maison. Dans la peinture "Vue hivernale", un paysage néerlandais typique avec gris est présenté, fortement suspendu au-dessus du sol avec un ciel, une rivière gelée, sur la rive dont le village est situé.

"Patient et médecin." 1660 janvier murs. Arbre, huile. Ermitage de l'état

Le thème de genre de l'art des frères Osteshe a continué par les murs de Yang, un maître talentueux, avec un sens de l'humour, des détails caractéristiques de la vie et des relations des personnes agissantes dans leurs peintures. Dans la peinture "promenades" sur le spectateur, l'artiste s'asseoir à côté de sa femme, endormi après un festin amusant, regarde le spectateur. Dans la peinture "patient et médecin" à travers le visage et les gestes des personnages, les murs de Yang révèlent habilement l'intrigue de la maladie imaginaire.

"Chambre dans une maison néerlandaise." Peter Yanence. Toile, huile. Ermitage de l'état

Dans les années cinquante - les années soixante du XVIIe siècle, les sujets des peintures de genre se rétrécissent progressivement. Change de motifs d'image. Ils deviennent plus calmes, Chaler, ils apparaissent plus de contemplation lyrique, de réflexion silencieuse. Cette étape est représentée par le travail de tels artistes comme suit: Peter de Heh, Hérard Terborh, Gabriel Metsu, Peter Yanence. L'image poétique et quelque peu idéalisée de la vie quotidienne de la bourgeoisie néerlandaise, qui se battait une fois pour leurs droits et leur indépendance, a été incarnée dans leur travail et a maintenant atteint le bien-être durable. Donc, dans la photo intérieure "Salle de la maison néerlandaise" Peter Jansence est décrite par la chambre confortable du soleil avec jouant sur le sol et sur les murs des lapins ensoleillés, dans la peinture "vieille femme près de la cheminée" Jacob Vroel - plongée dans une Soft Twilight Chambre avec une cheminée. Le choix de la composition dans les œuvres des deux artistes met l'accent sur l'unité de l'homme et de l'environnement environnant.

"Verre de limonade." 1664 Gerard Terbor. Hôte (traduction de bois), huile. Ermitage de l'état

Au cours de ces années, les Genranistes néerlandais ont d'abord tenté de refléter la profondeur de la vie intérieure d'une personne. Dans les situations de vie survenant des situations quotidiennes, ils ont trouvé la possibilité de refléter un monde diversifié des meilleures expériences. Mais il est possible de le voir uniquement avec attentif et en revue de l'image. Donc, dans l'image de Herard Terborch "Glon de Lemonada" comme un langage accrocheur de gestes, dessinés à la main, des réunions, révèle toute une gamme de sens et de relations de caractères.

"Petit-déjeuner". 1660 Gabriel Metsu. Arbre, huile. Ermitage de l'état

Le monde du sujet commence à jouer un rôle important dans les peintures de genres de cette période. Il ne caractérise plus uniquement l'environnement de la vie humaine matérielle et émotionnelle, mais exprime également la diversité des relations humaines avec le monde environnant. Un ensemble d'objets, leur emplacement, un système complexe de symboles, ainsi que des gestes de personnages - tout joue un rôle dans la création d'une image figurative de l'image.

"Marche". 1660 janvier murs. Arbre, huile. Ermitage de l'état

Le peinture de genre néerlandais ne diffère pas dans une grande variété de scènes. Les artistes sont limités à l'image d'une certaine gamme de caractères et de classes. Mais, avec leur aide, la peinture de genre néerlandais a pu transmettre une image fiable de la morale, des coutumes et des idées sur la vie d'une personne du XVIIe siècle.

Lors de la préparation de la publication, des matériaux de sources ouvertes ont été utilisés.