" Книги дают мне огромное чувство личного и творческого удовлетворения. Когда я работаю над книгой, я желаю, чтобы телефон никогда не звонил. Мое удовлетворение приходит от реальных следов на бумаге."

Американский иллюстратор детских книг Pinkney Jerry родился 22 декабря 1939 года в Germantown. В средней школе его любовь и талант к рисованию был замечен карикатуристом John Liney, который предложил ему продолжать карьеру художника. После окончания Dobbins Vocational School Pinkney получил полную стипендию для обучения в Philadelphia Museum College of Art. Позже он переехал в Бостон, где работал в области дизайна и иллюстрации, в конце концов он открыл собственную студию - Jerry Pinkney Studio, а позже переехал в Нью-Йорк. Pinkney Jerry по-прежнему живет и работает в Нью-Йорке, за годы своей творческой карьеры он проводил семинары в Университета, школах - искусств по всей стране.

"Я хотел показать, что может сделать афро - американский художник в этой стране на национальном уровне в изобразительном искусстве. Я хочу быть сильной ролевой моделью для моей семьи и для других афро-американцев."

Алена Вантяева

Американская пейзажная живопись девятнадцатого века была представлена двумя основными течениями: романтизмом и реализмом. С присоединением к Соединенным Штатам Америки новых территорий, в том числе с продвижением переселенцев на Запад, художникам открылись и неизвестные ранее горизонты для вдохновения. Изображение американской природы и ее национального своеобразия стало основной темой в пейзажном искусстве.

Одной из наиболее известных и влиятельных школ живописи США в девятнадцатом веке стала Школа реки Гудзон, образованная в 1850-е годы последователями творчества художника-пейзажиста Томаса Коула (расцвет его творчества пришелся на 20-40-е годы 19 века). В основном в Школу входили художники из Нью-Йоркской Национальной Академии художеств, а также других творческих объединений. На полотна художников Гудзонской школы и их эстетическое видение мира оказало влияние романтическое течение в искусстве. Основным мотивом творчества более 50-ти ее представителей было изображение дикой природы Америки, зачастую показанной в идеалистическом свете. Чаще всего объектами изображения становилась Гудзонская долина и близлежащие территории, а также горы. Гудзонская школа скорее объединяла людей, вдохновленных общей идеей, чем являлась образовательным институтом.

Картины художников Школы реки Гудзон изображали не только красоту американской природы, но и имели определенный тематический характер. На полотнах изображались сцены открытия, исследования, заселения Американского континента. Одной из особенностей изображения американского пейзажа было невероятно гармоничное, мирное сосуществование человека и природы. В работах художников природа изображалась как эталон чистоты и девственности, подчеркивалась божественность её происхождения.

Наиболее выдающимися художниками Школы реки Гуздон считаются Альберт Биерштадт (1830-1902) и Фредерик Эдвин Чёрч (1826-1902).

Среди наиболее удивительных и известных полотен, написанных Чёрчем и подчеркивающих природную красоту воды, гор и неба, можно отметить “Ниагарский водопад” и “Сердце Анд”.

“Falls of Niagara”, 1857, Corcoran Gallery of Art in Washington D.C.

“Heart of the Andes” 1859, Metropolitan Museum of Art New York

Американский художник с немецкими корнями Альберт Биерштадт поразил публику своими горными пейзажами на огромных холстах. Одним из самых впечатляющих художника является полотно “Скалистые горы”.

“The Rocky Mountains” by Albert Bierstadt, 1863, Metropolitan Museum, New York

В оппозиции к идеалистическому восприятию окружающего мира художников Гудзонской школы выступало реалистическое искусство Уинслоу Хомера (1836-1910). Он также обучался при Национальной Академии художеств, однако предметом изображения на его полотнах стали реалии середины девятнадцатого века. Во время Гражданской войны в США (1861-1865) Хомер был военным художником. Факт его участия в военных операциях повлиял на правдивость изображения военных сцен. Одной из наиболее известных является его картина “Пленные с фронта”. После окончания войны, У.Хомер писал полотна, черпая вдохновение из обыденной мирной жизни, однако и в ней он находил интересные сюжеты.

“Prisoners from the Front” by W.Homer, 1866, Metropolitan Museum in New York

Девятнадцатый век принес с собой нелегкие испытания для американского народа. Однако, несмотря на все сложности переустройства американского общества, многое было приобретено. С включением в состав США новых территорий, людям открылись новые просторы и красоты американской земли, а события Гражданской войны снабдили людей "пищей для размышления". Переживания американского народа не могли не найти своего отражения в искусстве. Вероятно, поэтому американская пейзажная живопись в девятнадцатом веке достигла своего расцвета.

Американские художники очень разношерстные. Кто-то был явным космополитом, как Сарджент. По происхождению американец, но почти всю сознательную жизнь проживший в Лондоне и Париже.

Есть среди них и аутентичные американцы, которые изображали жизнь только своих соотечественников, как Роквелл.

А есть и вовсе художники не от мира сего, как Поллок. Или те, чьё искусство стало продуктом общества потребления. Это, конечно, об Уорхоле.

Тем не менее, все они американцы. Свободолюбивые, дерзкие, яркие. О семи из них читайте ниже.

1. Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)

Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.

Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.

Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).

Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.

Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».

Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г.

Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.

Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.

Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.

Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.

На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.

Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.

Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.

Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.

Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон
Мэри Кассат. Спящий ребенок. Пастель, бумага. 1910 г. Музей искусств в Далласе, США

Но она осталась верна своему стилю до конца. Импрессионизм. Мягкая пастель. Матери с детьми.

Ради живописи Кассат отказалась от материнства. Но ее женское начало все чаще проявлялось именно в таких нежных работах, как «Спящий ребёнок». Жаль, что консервативное общество поставило ее когда-то перед таким выбором.

3. Джон Сарджент (1856-1925 гг.)

Джон Сарджент. Автопортрет. 1892 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Джон Сарджент был уверен, что всю жизнь будет портретистом. Карьера складывалась удачно. Аристократы выстраивались в очередь, чтобы сделать ему заказ.

Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».

Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.

Джон Сарджент. Мадам Х. 1878 г. Метрополитен музей, Нью-Йорк

Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.

Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.

К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.

Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».

Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.

Джон Сарджент. Гвоздика, лилия, лилия, роза. 1885-1886 гг. Галерея Тейт, Лондон

В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.

Джон Сарджент. Белые корабли. 1908 г. Бруклинский музей, США

Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.

Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.

4. Норман Роквелл (1894-1978 гг.)

Норман Роквелл. Автопортрет. Иллюстрация к выпуску журнала «The Saturday Evening Post” от 13 февраля 1960 г.

Сложно представить более популярного художника при жизни, чем Норман Роквелл. Несколько поколений американцев выросло на его иллюстрациях. Любя их всей душой.

Ведь Роквелл изображал обычных американцев. Но при этом показывая их жизни с самой позитивной стороны. Роквелл не хотел показывать ни злых отцов, ни равнодушных матерей. Да и несчастных детей вы у него не встретите.

Норман Роквелл. Всей семьей на отдых и с отдыха. Иллюстрация в журнале Evening Saturday Post от 30 августа 1947 года. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США

Его работы полны юмора, сочных цветов и очень умело схваченных из жизни выражений лиц.

Но это иллюзия, что работы давались Роквеллу легко. Чтобы создать одну картину, он мог сначала сделать до сотни фотографий со своими моделями, чтобы уловить верные жесты.

Работы Роквелла оказывали колоссальное влияние на умы миллионов американцев. Ведь он часто высказывался с помощью своих картин.

Во время Второй Мировой войны он решил показать, за что борются солдаты его страны. Создав в том числе картину «Свобода от нужды». В виде дня благодарения, на которой все члены семьи, сытые и довольные, радуются семейному празднику.

Норман Роквелл. Свобода от нужды. 1943 г. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США

Через 50 лет работы в Saturday Evening Post Роквелл ушёл в более демократичный журнал «Look», где смог выражать свои позиции о социальных проблемах.

Самая яркая работа тех лет – «Проблема, с которой мы живём».

Норман Роквелл. Проблема, с которой мы живем. 1964 г. Музей Нормана Роквелла, Стокбридж, США

Это реальная история чернокожей девочки, которая пошла в школу для белых. Так как был принят закон о том, что люди (а значит и учебные заведения) больше не должны разделяться по расовому признаку.

Но гневу обывателей не была предела. По дороге в школу девочку охраняла полиция. Вот такой «рутинный» момент и показал Роквелл.

Если хотите узнать жизнь американцев немного в приукрашенном свете (какой они сами хотели ее видеть), обязательно смотрите картины Роквелла.

Пожалуй, из всех представленных в этой статье живописцев, Роквелл – самый что ни на есть американский художник.

5. Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)

Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк

В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.

Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.

Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.

На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.

Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.

Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.

Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.

Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.

Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция

Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.

Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.

Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.

Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.

6. Джексон Поллок (1912-1956 гг.)

Джексон Поллок. 1950 г. Фото Ханса Намута

Джексона Поллока невозможно обойти стороной. Он перешёл определённую черту в искусстве, после чего живопись не могла быть прежней. Он показал, что в искусстве вообще можно обойтись без границ. Когда положил холст на пол и забрызгал его краской.

А начал этот американский художник с абстракционизма, в котором все же прослеживалось фигуративное. В его работе 40-х годов «Стенографическая фигура» мы видим очертания и лица, и рук. И даже понятные нам символы в виде крестиков и ноликов.

Джексон Поллок. Стенографическая фигура. 1942 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

Его работы хвалили, но покупать не спешили. Он был беден, как церковная мышь. И безбожно пил. Несмотря на счастливый брак. Его жена преклонялась перед его талантом и делала все для успеха мужа.

Но Поллок изначально был личностью надломленной. С самой юности по его поступкам было понятно, что ранняя смерть – его удел.

Эта надломленность в результате и приведёт его к смерти в 44 года. Но он успеет совершить революцию в искусстве и прославиться.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США

А получилось у него это в период двухлетней трезвости. Он смог плодотворно работать в 1950-1952 годах. Он долго экспериментовал, пока не пришёл к капельной технике.

Раскладывая огромный холст на полу своего сарая, он ходил вокруг него, находясь как бы в самой картине. И разбрызгивал или просто лил краску.

Эти необычные картины у него начали охотно покупать за невероятную оригинальность и новизну.

Джексон Поллок. Синие столбы. 1952 г. Национальная галерея Австралии, Канберра

Поллок был оглушен славой и провалился в депрессию, не понимая, куда ему двигаться дальше. Смертельная смесь алкоголя и депрессии не оставила ему шансов на выживание. Однажды он сел за руль сильно пьяным. В последний раз.

7. Энди Уорхол (1928-1987 гг.)

Энди Уорхол. 1979 г. Фото Артура Тресса

Только в стране с таким культом потребления, как в Америке, мог родиться поп-арт. И главным его зачинателем был, конечно, Энди Уорхол.

Прославился он тем, что брал самые обыденные вещи и превращал их в произведение искусства. Так случилось с банкой супа Кэмпбелл.

Выбор был не случаен. Мать Уорхола кормила сына каждый день таким супом более 20 лет. Даже когда он переехал в Нью-Йорк и взял свою мать с собой.

Энди Уорхол. Банки супа «Кэмпбелл». Полимер, ручная печать. 32 картины 50х40 каждая. 1962 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

После этого эксперимента Уорхол увлёкся трафаретной печатью. С тех пор он брал изображения поп-звёзд и раскрашивал их в разные цвета.

Так появилась его знаменитая разукрашенная Мэрилин Монро.

Таких Мэрилин кислотных цветов было выпущено несметное количество. Искусство Уорхол поставил на поток. Как и полагается в обществе потребления.

Энди Уорхол. Мэрилин Монро. Шелкография, бумага. 1967 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

Раскрашенные лица придуманы Уорхолом не на пустом месте. И вновь не обошлось без влияния матери. В детстве во время затяжной болезни сына она таскала ему пачками раскраски.

Это детское увлечение переросло в то, что стало его визитной карточкой и сделало его баснословно богатым.

Он раскрашивал не только поп-звёзд, но и шедевры предшественников. Досталось и .

«Венер», как и Мэрилин было сделано немало. Эксклюзивность произведения искусства «стёрта» Уорхолом в порошок. Для чего художник это делал?

Чтобы популяризировать старых шедевров? Или, наоборот, попытаться их обесценить? Обессмертить поп-звёзд? Или приправить смерть иронией?

Энди Уорхол. Венера Боттичелли. Шелкография, акрил, холст. 122х183 см. 1982 г. Музей Э. Уорхола в Питтсбурге, США

Его раскрашенные работы Мадонны, Элвиса Пресли или Ленина порой более узнаваемы, чем изначальные фото.

А вот шедевры вряд ли удалось затмить. Все равно первозданная «Венера» остаётся бесценной.

Уорхол был заядлым тусовщиком, привлекая к себе массу маргиналов. Наркоманы, неудавшиеся актеры или просто неуравновешенные личности. Одна из которых однажды выстрелила в него.

Уорхол выжил. Но через 20 лет из-за последствий когда-то перенесённого ранения, умер в одиночестве в своей квартире.

Плавильный котёл США

Несмотря на короткую историю американского искусства, диапазон получился широченный. Среди американских художников есть и импрессионисты (Сарджент), и магические реалисты (Уайет), и абстрактные экспрессионисты (Поллок), и зачинатели поп-арта (Уорхол).

Что ж, американцы любят свободу выбора во всем. Сотни конфессий. Сотни наций. Сотни направлений искусства. На то он и плавильный котёл Соединенных Штатов Америки.

Вконтакте

В каждой стране есть свои герои актуального искусства, чьи имена на слуху, чьи выставки собирают толпы поклонников и любопытствующих, а работы – расходятся по частным коллекциям.

В этой статье мы познакомим вас с самыми популярными современными художниками США.

Ива Моррис (Iva Morris)

Американская художница Ива Моррис родилась в далекой от искусства большой семье и художественное образование получила уже после школы. Бакалавром в искусстве она стала в университете Нью-Мексико в 1981 году. На сегодняшний день Ива занимается искусством уже более 20 лет, ее работы известны как на родине, так и за ее пределами, и неоднократно приносили ей призы и награды. С ними можно ознакомиться в галереях Альбукерке, Санте-Фе, Нью-Мексико, Мадрида.

Уоррен Ченг (Warren Chang)

Художник Уррен Ченг родился в 1957 году в Калифорнии, получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи в колледже дизайна в Пасадене и следующие 20 лет работал иллюстратором для различных компаний, начав карьеру профессионального художника только в 2009 году. Манера живописи Ченга уходит корнями в творчество художника 16-го века Яна Вермеера – Уоррен Ченг работает в реалистичной манере, создавая две основные категории: биографические интерьерные и картины, изображающие работающих людей. В настоящее время преподает в Академии Искусств в Сан-Франциско.

Кристофер Ульрих (Christopher Traedy Ulrich)

Художник из Лос-Анджелеса Кристофер Ульрих – сюрреалист с иконографическим уклоном. На его творчество оказала огромное влияние античная мифология. Первая персональная выставка Ульриха (совместная с художником Билли Шире) состоялась в июне 2009 года.

Майкл Девор (Michael DeVore)

Молодой художник, уроженец Оклахома-Сити Майкл Девор работает в классической реалистической традиции. В искусство он пришел с помощью и при поддержке своей семьи, и прежде чем начать изучение изобразительного искусства в университете Пеппердайн в Малибу завоевал множество наград в родном штате. Далее художник продолжил обучение в Италии. В настоящее время его работы выставляются по всему миру и находятся в частных коллекциях. Майкл Девор является членом общества Oil Painters of America, Международной Гильдии реализма, Национального общества художников маслом и акрилом и общества художников портретистов Америки.

Мэри Кэрол Кенни (Mary Carol Kenney)

Мэри Кэрол Кенни родилась в штате Индиана в 1953 году. По образованию весьма отдаленно связана с изобразительным искусством, но с 2002 года, движимая желанием стать художницей, начала брать уроки скульптуры и керамики в городском колледже Санта-Барбары, а после стала учиться у Рики Штриха. На сегодняшний день является членом общества The Santa Barbara Art Ass, гильдии скульпторов Санта-Барбары и обладательницей множества наград в скульптуре и живописи.

Патрисия Уотвуд (Patricia Watwood)

Художница-реалист Патрисия Уотвуд родилась в 1971 году в штате Миссури. Окончила с отличием Академию Художеств, училась в мастерской Джейкоба Коллинза и у Теда Сет Джейкобса. Стиль художницы – это современный классицизм: в картинах сплетаются мифология, аллегории и современная жизнь. Последние несколько лет Патрисия читала лекции о классицизме по всей стране, сейчас живет с семьей в Бруклине.

Паула Рубино (Paula Rubino)

Паула Рубино – современная американская художница и писатель – родилась в 1968 году в штате Нью-Джерси, выросла во Флориде. Имеет докторскую степень в области права. В 90-ых переехала в Мексику и сосредоточилась на живописи. Обучалась искусству рисования в Италии, там же закончила свой первый роман. Также опубликована серия ее рассказов. В настоящее время живет во Флориде.

Пэтсси Вальдес (Patssi Valdez)

Пэтсси Вальдес родилась в Лос-Анджелесе в 1951 году, изучала изобразительное искусство в художественном институте Отис, где получила звание выдающегося выпускника 1980 года. В 2005 году Вальдес получила премию и звание «Latina of Excellence in the Cultural Arts» от Конгресса США латиноамериканского форума. Стала известной уже на раннем этапе своей карьеры во время работы с авангардной арт-группой ASCO. Является лауреатом многих престижных наград, в том числе присуждённых Целевым фондом визуальных искусств Дж. Пола Гетти, Национальным фондом искусств. Получила стипендию Броды в области визуальных искусств. Картины Вальдес входят в состав нескольких крупных коллекций.

Синтия Грилли (Cynthia Grilli)

Художница Синтия Грилли получила степень бакалавра изобразительных искусств в школе дизайна Род-Айленда в 1992 году, а к 1994 году – и степень магистра в живописи в Нью-Йоркской академии искусств. Ее работы были опубликованы в многочисленных печатных изданиях США, выставлялись по всей стране и входят в частные и корпоративные коллекции Америки и Европы. Синтия является двукратным лауреатом фонда Элизабет Гриншилдс.

Эрик Фишл (Eric Fischl)

Эрик Фишл родился в Нью-Йорке в 1948 году. В 1972 году окончил Калифорнийский институт искусств и получил степень бакалавра. После выпуска некоторое время работал охранником в чикагском музее современного искусства. Переехав в Шотландию Фишл стал преподавать в колледже искусств и дизайна Новой Шотландии и занялся непосредственно живописью. В Шотландии же состоялась его первая персональная выставка. Жанры его работ весьма разнообразны, но, в основном, это фигуративная живопись, эпизоды из современной американской жизни.

АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ
Первые из дошедших до нас произведений американской живописи относятся к 16 в.; это зарисовки, сделанные участниками исследовательских экспедиций. Однако профессиональные художники появились в Америке только в начале 18 в.; единственным стабильным источником дохода для них был портрет; этот жанр продолжал занимать ведущее положение в американской живописи вплоть до начала 19 в.
Колониальный период. Первая группа портретов, исполненных в технике масляной живописи, датируется второй половиной 17 в.; в это время жизнь переселенцев протекала относительно спокойно, быт стабилизировался и появились возможности для занятий искусством. Из этих работ наиболее известен портрет Миссис Фрик с дочерью Мэри (1671-1674, Массачусетс, Музей искусств в Уорстере), написанный неизвестным английским художником. К 1730-м годам в городах восточного побережья уже было несколько художников, работавших в более современной и реалистической манере: Генриетта Джонстон в Чарльстоне (1705), Юстус Энгльхардт Кюн в Аннаполисе (1708), Густав Хесселиус в Филадельфии (1712), Джон Уотсон в Перт-Эмбой в Нью Джерси (1714), Питер Пелэм (1726) и Джон Смайберт (1728) в Бостоне. Живопись двух последних оказала существенное влияние на творчество Джона Синглтона Копли (1738-1815), который считается первым крупным американским художником. По гравюрам из коллекции Пелэма молодой Копли получил представление об английском парадном портрете и живописи Годфри Неллера, ведущего английского мастера, работавшего в этом жанре в начале 18 в. В картине Мальчик с белкой (1765, Бостон, Музей изящных искусств) Копли создал замечательный реалистический портрет, нежный и удивительно точный в передаче фактуры предметов. Когда в 1765 Копли отправил эту работу в Лондон, Джошуа Рейнолдс посоветовал ему продолжить учебу в Англии. Однако Копли оставался в Америке до 1774 и продолжал писать портреты, тщательно прорабатывая в них все детали и нюансы. Затем он предпринял путешествие в Европу и в 1775 поселился в Лондоне; в его стиле появились манерность и черты идеализации, свойственные английской живописи этого времени. Среди лучших произведений, созданных Копли в Англии, - большие парадные портреты, напоминающие работы Бенджамина Уэста, в том числе картина Брук Уотсон и акула (1778, Бостон, Музей изящных искусств). Бенджамин Уэст (1738-1820) родился в Пенсильвании; написав несколько портретов жителей Филадельфии, он переехал в Лондон в 1763. Здесь он приобрел известность как исторический живописец. Образцом его работы в этом жанре может служить картина Смерть генерала Вулфа (1770, Оттава, Национальная галерея Канады). В 1792 Уэст сменил Рейнолдса на посту президента Британской Королевской академии художеств.
Война за независимость и начало 19 в. В отличие от Копли и Уэста, которые навсегда остались в Лондоне, портретист Джилберт Стюарт (1755-1828) в 1792 вернулся в Америку, сделав карьеру в Лондоне и Дублине. Вскоре он стал ведущим мастером этого жанра в молодой республике; Стюарт написал портреты почти всех выдающихся политических и общественных деятелей Америки. Его работы исполнены в живой, свободной, эскизной манере, сильно отличающейся от стиля американских работ Копли. Бенджамин Уэст охотно принимал в свою лондонскую мастерскую молодых американских художников; среди его учеников были Чарльз Уилсон Пил (1741-1827) и Сэмюэл Ф.Б.Морзе (1791-1872). Пил стал основателем династии живописцев и семейного художественного предприятия в Филадельфии. Он писал портреты, занимался научными исследованиями и открыл Музей естественной истории и живописи в Филадельфии (1786). Из его семнадцати детей многие стали художниками и естествоиспытателями. Морзе, более известный как изобретатель телеграфа, написал несколько прекрасных портретов и одну из наиболее грандиозных картин во всей американской живописи - Галерея Лувра. На этой работе с потрясающей точностью воспроизведены в миниатюре около 37 холстов. Это произведение, как и вся деятельность Морзе, имело целью познакомить молодую нацию с великой европейской культурой. Вашингтон Олстон (1779-1843) был одним из первых американских художников, отдавших дань романтизму; во время своих длительных путешествий по Европе он писал морские штормы, поэтические итальянские сценки и сентиментальные портреты. В начале 19 в. открылись первые американские академии художеств, дававшие студентам профессиональную подготовку и принимавшие самое непосредственное участие в организации выставок: Пенсильванская академия художеств в Филадельфии (1805) и Национальная академия рисунка в Нью-Йорке (1825), первым президентом которой был С.Р.Морзе. В 1820-1830-е годы Джон Трамбалл (1756-1843) и Джон Вандерлин (1775-1852) написали огромные композиции на сюжеты из американской истории, украсившие стены ротонды Капитолия в Вашингтоне. В 1830-e годы пейзаж стал господствующим жанром американской живописи. Томас Коул (1801-1848) писал девственную природу севера (шт. Нью-Йорк). Он утверждал, что обветренные горы и яркий осенний лес - более подходящие сюжеты для американских художников, чем живописные европейские руины. Коул написал также несколько пейзажей, проникнутых этико-религиозным смыслом; среди них четыре больших картины Жизненный путь (1842, Вашингтон, Национальная галерея) - аллегорические композиции, на которых изображена спускающаяся по реке лодка, в которой сидит мальчик, затем юноша, затем мужчина и наконец старик. Многие пейзажисты последовали примеру Коула и изображали в своих работах виды американской природы; их часто объединяют в одну группу под названием "школа реки Гудзон" (что не соответствует действительности, так как они работали по всей стране и писали в разной стилистике). Из американских жанристов наиболее известны Уильям Сидни Маунт (1807-1868), писавший сцены из жизни фермеров Лонг-Айленда, и Джордж Калеб Бинхэм (1811-1879), картины которого посвящены жизни рыбаков с берегов Миссури и выборам в маленьких провинциальных городках. Перед Гражданской войной самым популярным художником был Фредерик Эдвин Черч (1826-1900), ученик Коула. Он писал работы в основном крупного формата и использовал подчас слишком натуралистические мотивы, чтобы привлечь и ошеломить публику. Черч путешествовал по самым экзотическим и опасным местам, собирая материал для изображения южноамериканских вулканов и айсбергов северных морей; одно из его самых известных произведений - картина Ниагарский водопад (1857, Вашингтон, галерея Коркоран). В 1860-е годы огромные полотна Альберта Бирштадта (1830-1902) вызывали всеобщее восхищение красотой изображенных на них Скалистых гор, с их чистыми озерами, лесами и башнеподобными пиками.

Послевоенный период и рубеж веков. После Гражданской войны стало модным учиться живописи в Европе. В Дюссельдорфе, Мюнхене и особенно в Париже можно было получить гораздо более фундаментальное образование, чем в Америке. Джеймс Макнейл Уистлер (1834-1903), Мэри Кассат (1845-1926) и Джон Сингер Сарджент (1856-1925) учились в Париже, жили и работали во Франции и Англии. Уистлер был близок французским импрессионистам; в своих картинах он уделял особое внимание сочетаниям цветов и выразительной, лаконичной композиции. Мэри Кассат по приглашению Эдгара Дега принимала участие в выставках импрессионистов с 1879 по 1886. Сарджент писал портреты наиболее выдающихся людей Старого и Нового Света в смелой, порывистой, очерковой манере. Противоположную импрессионизму сторону стилистического спектра в искусстве конца 19 в. занимали художники-реалисты, писавшие иллюзионистические натюрморты: Уильям Майкл Харнетт (1848-1892), Джон Фридерик Пето (1854-1907) и Джон Хэберл (1856-1933). Два крупных художника конца 19 - начала 20 в., Уинслоу Хомер (1836-1910) и Томас Икинс (1844-1916), не принадлежали ни к одному из модных в то время художественных направлений. Хомер начал свою творческую деятельность в 1860-е годы с иллюстрирования нью-йоркских журналов; уже в 1890-е годы он имел репутацию знаменитого художника. Его ранние картины - насыщенные ярким солнечным светом сцены деревенской жизни. Позднее Хомер стал обращаться к более сложным и драматическим образам и темам: на картине Гольфстрим (1899, Метрополитен) изображено отчаяние чернокожего моряка, лежащего на палубе шлюпки в бурном, кишащем акулами море. Томас Икинс при жизни подвергался жестокой критике за излишний объективизм и прямоту. Сейчас его произведения высоко ценятся за строгий и четкий рисунок; его кисти принадлежат изображения спортсменов и искренние, проникнутые сочувствием портретные образы.

Двадцатый век. В начале века выше всего ценились подражания французскому импрессионизму. Общественному вкусу бросила вызов группа из восьми художников: Роберт Хенри (1865-1929), В.Дж.Глэкенс (1870-1938), Джон Слоун (1871-1951), Дж.Б.Лакс (1867-1933), Эверетт Шинн (1876-1953), А.Б.Дэвис (1862-1928), Морис Прендергаст (1859-1924) и Эрнест Лоусон (1873-1939). Критики окрестили их школой "мусорного ведра" за пристрастие к изображению трущоб и других прозаических предметов. В 1913 на т.н. "Армори-шоу" были выставлены произведения мастеров, принадлежавших к различным направлениям постимпрессионизма. Американские художники разделились: некоторые из них обратились к исследованию возможностей цветовой и формальной абстракции, другие остались в лоне реалистической традиции. Во вторую группу входили Чарлз Берчфилд (1893-1967), Реджинальд Марш (1898-1954), Эдвард Хоппер (1882-1967), Фэрфилд Портер (1907-1975), Эндрю Уайет (р. 1917) и другие. Картины Айвэна Олбрайта (1897-1983), Джорджа Тукера (р. 1920) и Питера Блума (1906-1992) написаны в стиле "магического реализма" (сходство с натурой в их работах преувеличено, а реальность скорее напоминает сон или галлюцинацию). Другие художники, такие, как Чарлз Шилер (1883-1965), Чарлз Демут (1883-1935), Лайонел Фейнингер (1871-1956) и Джорджия О"Кифф (1887-1986), совмещали в своих произведениях элементы реализма, кубизма, экспрессионизма и других течений европейского искусства. Морские виды Джона Мэрина (1870-1953) и Марсдена Хартли (1877-1943) близки к экспрессионизму. Изображения птиц и животных на картинах Мориса Грэйвса (р. 1910) еще сохраняют связь с видимым миром, хотя формы в его работах сильно искажены и доведены до почти крайних символических обозначений. После Второй мировой войны ведущим направлением в американском искусстве стала беспредметная живопись. Главное внимание уделялось теперь живописной поверхности самой по себе; она рассматривалась как арена взаимодействия линий, масс и цветовых пятен. Наиболее значительное место занял в эти годы абстрактный экспрессионизм. Он стал первым течением в живописи, возникшим в США и имевшим международное значение. Лидерами этого движения были Аршайл Горки (1904-1948), Виллем де Коонинг (Кунинг) (1904-1997), Джексон Поллок (1912-1956), Марк Ротко (1903-1970) и Франц Клайн (1910-1962). Одним из интереснейших открытий абстрактного экспрессионизма явился художественный метод Джексона Поллока, который капал красками на холст или бросал их для получения сложного лабиринта динамичных линеарных форм. Другие художники этого направления - Ханс Хофманн (1880-1966), Клайфорд Стилл (1904-1980), Роберт Мазеруэлл (1915-1991) и Хелен Фрэнкентэлер (р. 1928) - практиковали технику окрашивания холстов. Еще один вариант беспредметного искусства представляет живопись Джозефа Альберса (1888-1976) и Эда Рейнхарта (1913-1967); их картины состоят из холодных, точно просчитанных геометрических форм. Среди других художников, работавших в этом стиле: Элсворт Келли (р. 1923), Барнетт Ньюман (1905-1970), Кеннет Нолэнд (р. 1924), Фрэнк Стелла (р. 1936) и Эл Хелд (р. 1928); позднее они возглавили направление опт-арт. В конце 1950-х годов против беспредметного искусства выступили Роберт Раушенберг (р. 1925), Джаспер Джонс (р. 1930) и Ларри Риверс (р. 1923), работавшие в смешанных техниках, в том числе в технике ассамблажа. Они включали в свои "картины" фрагменты фотографий, газет, афиш и другие предметы. В начале 1960-х годов ассамблаж породил новое движение, т.н. поп-арт, представители которого очень тщательно и точно воспроизводили в своих работах разнообразные предметы и образы американской поп-культуры: банки кока-колы и консервов, пачки сигарет, комиксы. Ведущие художники этого направления - Энди Уорхол (1928-1987), Джеймс Розенкуист (р. 1933), Джим Дайн (р. 1935) и Рой Лихтенстайн (р. 1923). Вслед за поп-артом появился опт-арт, основанный на принципах оптики и оптической иллюзии. В 1970-е годы в Америке продолжали существовать разные школы экспрессионизма, геометрический хард-эдж, поп-арт, все более входивший в моду фотореализм и другие стили изобразительного искусства.

ЛИТЕРАТУРА
Чегодаев А.Д. Искусство Соединенных Штатов Америки от войны за независимость до наших дней. М., 1960 Чегодаев А.Д. Искусство Соединенных Штатов Америки. 1675-1975. Живопись, архитектура, скульптура, графика. М., 1975

Энциклопедия Кольера. - Открытое общество . 2000 .

Смотреть что такое "АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ" в других словарях:

Бытовые сцены и пейзажи американских художников 1920 х и 1930 х, выполненные в натуралистической, описательной манере. Американская жанровая живопись не была организованным движением, это была получившая широкое распространение среди американских … Википедия

- «Крестьянская свадьба», 1568, Питер Брейгель, Музей истории искусств, Вена … Википедия

Координаты: 29°43′32″ с. ш. 95°23′26″ з. д. / 29.725556° с. ш. 95.390556° з. д. … Википедия

Метрополитен-музей в Нью-Йорке - Один из самых больших музеев в мире и крупнейший художественный музей США - Метрополитен музей (Metropolitan Museum of Art), расположен в Нью Йорке на восточной стороне Центрального парка в Манхэттене. Место это известно как Музейная миля… … Энциклопедия ньюсмейкеров

В Википедии есть статьи о других людях с такой фамилией, см. Бессонова. Марина Александровна Бессонова (22 февраля 1945(19450222), Москва 27 июня 2001, Москва) российский историк искусства, критик, музейный деятель. Содержание 1… … Википедия

Один из крупнейших художественных музеев США. Основан в Бостоне в 1870. Хранит выдающиеся образцы скульптуры Древнего Египта (бюст Анххафа, 3 е тыс. до н. э.), Греции и Рима, коптских тканей, средневекового искусства Китая и Японии… … Большая советская энциклопедия

- (De Kooning, Willem) ДЕ КУНИНГ в своей мастерской. (1904 1997), современный американский художник, глава школы абстрактного экспрессионизма. Де Кунинг родился 24 апреля 1904 в Роттердаме. В возрасте 15 лет он поступил на вечерние курсы живописи… … Энциклопедия Кольера

- (Chattanooga) город на юго востоке США (см. Соединенные Штаты Америки) (штат Теннесси); порт на реке Теннесси в Большой Аппалачской долине; расположен между горами Аппалачи и плато Камберленд, на границе с штатом Джорджия. Население 153,6 тысяч… … Географическая энциклопедия

- (Chattanooga), город на юго востоке США, штат Теннесси. Порт на р. Теннесси. 152 тыс. жителей (1994; с пригородами около 430 тыс. жителей). Химическая, текстильная, целлюлозно бумажная промышленность. Чёрная металлургия, машиностроение.… … Энциклопедический словарь

Барбара Роуз (англ. Barbara Rose, р. 1938) американский историк искусства и художественный критик. Училась в Smith College, Barnard College и Колумбийском университете. В 1961 1969 годах была замужем за художником Фрэнком Стеллой. В… … Википедия

Книги

• Английская и американская живопись в Вашингтонской национальной галерее (мягкий переплет) , Милюгина Е. Г. , Вашингтонская национальная галерея обладает крупнейшими в мире коллекциями английской и американской живописи высокого художественного уровня. Коллекции отражают как историю мировой живописи,… Категория: