Беларусь - удивительная по своей природной красоте страна. Живописные пейзажи, чистые озера и реки, целебные источники, бесконечные хвойные леса и березовые рощи, лишь иногда прерываемые одинокими полями или целой вереницей синих озёр, безусловно пленят и вдохновляют каждого, кому посчастливилось побывать там хоть раз. В том, что этот край воистину сказочно чудесен, лишний раз убеждаешься, глядя на пейзажную живопись белорусского художника Виктора Юшкевича , с любовью запечатлевающего эти уголки природы на своих полотнах.

Работы Виктора Юшкевича находятся в галереях и частных коллекциях России, Великобритании, Германии, Китая, Канады, Израиля и Польши. Художником написано более 3000 работ.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/00-Viktor-YUshkevich-0023.jpg" alt="«Краски осени».

Беларусь моя, Белая Русь...
Белых утренних рос чистота.
Где бы ни был, к тебе я стремлюсь,
Ты моя, а я твой навсегда.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/00-Viktor-YUshkevich-0004.jpg" alt="«Перед дождем».

Называют тебя синеокая,
Дорогая Отчизна и мать.
Для кого-то, ты очень далёкая,
Мне тебя же легко так обнять.
(Вадим Антош-Козлов)

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/00-Viktor-YUshkevich-0024.jpg" alt="«Мостик у пруда».

Детское пристрастие к рисованию со временем переросло в нечто большее и, когда отец вручил 15-летнему Виктору холст и профессиональные кисти, у начинающего юного художника начался новый этап творческой жизни. Необычные по красоте пейзажи родного края стали основной тематикой его работ. Виктор шаг за шагом учился запечатлевать загадочный окружающий мир, улавливать настроение природы, создавать единство пространства, воздуха и света. И это у него получалось превосходно.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/00-Viktor-YUshkevich-0013.jpg" alt="«Лесная дорога».

Последних два года 30-летний Виктор Юшкевич выставляется на художественных выставках в родной Беларуси, России, Украине, Германии, Дании, Испании, где его полотна пользуются немалым спросом и украшают интерьеры квартир и апартаментов многих почитателей его таланта.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/00-Viktor-YUshkevich-0027.jpg" alt="«Утренний лес».

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/00-Viktor-YUshkevich-0030.jpg" alt="«Пробуждение»." title="«Пробуждение»." border="0" vspace="5">

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219414315.jpg" alt="«Зимнее утро».

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/00-Viktor-YUshkevich-0020.jpg" alt="«Весенняя оттепель».

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/00-Viktor-YUshkevich-0002.jpg" alt=" «Туман на озере».

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/00-Viktor-YUshkevich-0005.jpg" alt="«Рассветный луч».

Современная белорусская живопись – это явление неординарное, интересное и, конечно, имеющее своих поклонников. Последним непременно захочется посетить выставку «12+», которая открылась в здании Национальной библиотеки.

В Минск экспозиция прибыла с горячих просторов Абу-Даби, где жители ОАЭ смогли проникнуться современными реалиями белорусской культуры. Свое название выставка получила по количеству художников, чьи работы могут увидеть зрители. Всего представлено тридцать пять произведений, выполненных в различных техниках и отличающихся жанровой направленностью. Есть среди них и прекрасные пейзажи, и картины по мотивам народных сказок, экспрессию и буйство цвета сменяют декоративность и выразительность.

Впрочем, для ценителей искусства выставка может стать знаковой: прохаживаясь между вывешенными картинами, можно наглядно увидеть все те новшества, которые появились в белорусской живописи за последние годы, оценить, как традиции плавно переплетаются с новомодными веяниями и попытаться проследить пути развития этого вида искусства.

1. Современные беларуские художники

Народный художник Республики Беларусь Александр Михайлович Кищенко родился в 1933 году в России, учился на Украине, творческий путь его неразрывно cвязан с Белоруссией, жил в Минске.

Жилин Евгений Ильич

Родился 20 марта 1939 г. Года в Гомеле (Белорусская ССР). Отец - Илья Жилин. Мать - Алевтина Жилина.

В 1961-1966 г. учился в Минском художественном училище.

В 1966-1971 г. учился в Белорусском государственном театрально-художественном институте. Учителями Жилина были народный художник Михаил Савицкий, Анатолий Барановский, народный художник Виталий Цвирко.

В начале 1972 года художник впервые принял участие в Республиканской выставке в Минске, однако настоящий успех и известность пришли только после его третьей выставки, также состоявшейся в Минске в 1977 г. На этой выставке впервые были показаны его акварельные работы «Рассвет», «Утро в деревне», «Портрет неизвестной», в то же время художник начал свой цикл пейзажей «Белорусское Полесье».

В это же время продолжалась его активная работа по иллюстрации книг. Особый интерес представляют его иллюстрации к детским книгам.

С 1974 г. член белорусского Союза художников.

С 1978 г. работы Жилина представлены в Белорусском Государственном Художественном Музее.

В 1996-1999 г. довольно продолжительное время работал и проводил выставки в Германии на персональных выставках, посвящённых в том числе чернобыльской трагедии.

В Минске персональные выставки проходились в крупнейших белорусских музеях и выставочных залах в 1983, 1989, 1994, 1999 и 2004 годах.

В 1993 году участвовал в создании творческого объединения «Верасень» и долгое время был его председателем.

Принимал участие в организации благотворительных выставок в пользу детей - жертв Чернобыльской катастрофы в ряде европейских стран.

Ранние работы Жилина в общем можно отнести к реализму. К их числу можно отнести такие работы выполненные в технике акварели, как цикл пейзажей «Белорусское Полесье», серия литографий «Пейзажи Минска», другие пейзажи и натюрморты.

С 1989 года постепенно происходит поворот творчества художника к стилю, который близок к экспрессионизму, а содеожательную сторону можно обозначить как «романтические фантазии». Сюда относятся такие вещи как «Сон королевы» (холст, масло 1994 г.), «Когда мужчины дарили цветы» (холст, масло 1994 г.), «Предсказатель судьбы» (холст, масло 1994 г.).

Тем не менее его творчество нельзя отнести к какому-либо определённому стилю. Если реалистическое видение характерно для натюрмортов, пейзажей, выполненных в акварели, то в живописи маслом художник использует более широкий способ передачи своих чувств и ощущений. В технике маслом характерны творческие эксперименты, проводимые художником.

Щемелев Леонид Дмитриевич

Родился 5 февраля 1923 г. в Витебске. В 1941-1947 гг. во время Великой Отечественной войны служил в рядах Советской армии. После окончания войны поступил в Минское художественное училище, затем в Белорусский государственный театрально-художественный институт, по окончании которого получил диплом по специальности «художник-живописец». В 1959-1966 гг. преподавал рисунок, живопись и композицию в Минском художественном училище, затем до мая 1974 года работал педагогом-художником Республиканской школы-интерната по музыке и изобразительному искусству. С июля 1977 г. по август 1979 г. был заместителем председателя правления Союза художников БССР, затем до ноября 1984 года являлся секретарем правления Союза художников БССР. В 1997 году получил почетное звание «Заслуженный деятель искусств БССР», в 1983 году – «Народный художник БССР». В 1976 году награжден орденом Отечественной войны II степени, в 1985 году – орденом Отечественной войны I степени. В 1993 и 2001 году награжден медалью и орденом Франциска Скорины.

За 50 лет творческой деятельности художника интересовали и вдохновляли самые разные темы, сюжеты и образы: прошлое и настоящее, история и современность, родная земля и человек на этой земле, героика и неутихающая боль Великой Отечественной войны, драма братоубийственной гражданской войны, светлые лица великих россиян и белорусов, запечатленных в образах А.Пушкина и С.Рахманинова, В.Мулявина и В.Короткевича, И.Репина и М.Богдановича, Я.Купалы и Я.Коласа, Г.Свиридова и Е.Аладовой, В.Цвирко и М.Гусовского.

Полотна Л.Д.Щемелева, начиная с его знаменитой картины «Мое рождение», получившей высокую оценку на Всесоюзной выставке 1967 года в Москве, узнаются в любой экспозиции, так как в работах художника не просто отражение каких-то фактов, явлений, а рассуждение об увиденном, пережитом, призванное выявить внутреннюю суть предметов и явлений. Произведения Л.Д.Шмелева находятся в крупнейших музеях Беларуси, России и других стран.

В 2003 году открыта именная Городская художественная галерея работ Л.Д.Щемелева, в дар которой художник передал 60 живописных полотен.

Владимир Гусаковский

Живописью занимается с 1983 года.

Учился на реставрационном отделении Минского художественного училища, но особенный акцент в процессе учебы - это частные уроки у известных педагогов, последователей школы В.Фаворского.

1992 г. - персональная выставка в Париже - Франция

1994 г. - персональная выставка в Германии, г. Бонн, Берлин

1995 - 1998 гг. - персональная выставка в Беларуси, г. Минск

1999 г. - персональная выставка в Российской Федерации, г. Москва, выставочный зал "На Каширке".

Работы находятся в частных коллекциях многих стран мира.

Косцова Ирина Константиновна

1996-2002г.г. студентка отделения монументально-декоративной живописи Белорусской Художественной Академии. Ученица В. Зинкевича, В. Ольшевского, А. Барановского.

2002 получила диплом.

Дипломная работа – «История любви». Левкас, темпера. Размер 200 х 300 см.

С 2004 член молодёжного Союза художников.

2003-2005 г. г. работа в Творческих Мастерских М. А. Савицкого.

В период учёбы принимала участие в студенческих коллективных выставках.

Роспись в кафе «Габрово»

Роспись в средней школе № 11.

Цикл икон для Экзархата Беларуси.

Работы находятся в «Музее Современного Искусства» Минска. «Дома культуры и Техники» в Варшаве, в посольствах Индии, Израиля, Китая, Литвы, а так же в частных коллекциях Беларуси, России, Германии, Польши, Литвы, Норвегии, США, Чехии, Израиля, Индии, Китая, Канады.

Петр Лукьяненко

Один из современных художников Беларуси, работающий в области станковой живописи. Творчество художника отличается многоплановостью тем и жанров, а также разнообразием техники и манеры исполнения.

В публицистических картинах художник отражает важные социально-экономические и политические аспекты того или иного исторического периода. Публицистические работы 80-х годов иллюстрируют глубокую противоположность между официальной идеологией и реальной жизнью. Они рассказывают о драматических моментах советской истории и побуждают навсегда запомнить эти уроки.

В более поздних публицистических работах художник осмысливает резкие перемены, происходящие в постсоветстких странах с начала 90-х. Привычный образ жизни миллионов людей, существовавший десятилетиями и казавшийся незыблемым, рухнул в одно мгновение. Идеалы и ценности переосмысливались. Что-то изменилось, а что-то осталось прежним под новыми вывесками.

Концептуальные картины затрагивают более универсальные вопросы, актуальные на протяжении различных исторических эпох. В лаконичных символах философских работ художник выражает свое видение фундаментальных понятий нашего мира.

В других концептуальных работах он создает собственные воображаемые миры. Они побуждают зрителей к размышлению об отношениях между мужчиной и женщиной, красоте, искусстве и многих других составляющих человеческой жизни.

Петр Лукьяненко также работает в жанрах портрета, пейзажа и натюрморта. Художник чутко улавливает красоту окружающего мира и показывает ее зрителю. При этом не обязательно создавать на холсте копию увиденного. Главное - передать чувства, возникшие при восприятии.

Сам художник считает любую классификацию изобразительного искусства условностью. В своем творчестве он не стремится соответствовать требованиям какого-либо стиля или направления живописи, а выражает свои мысли наиболее подходящими изобразительными средствами.

В былые времена, когда художник ставил где-то в углу свой мольберт, чтобы нарисовать картину рыночной площади, на него смотрели, как на чужака с любопытством, страхом и, быть может, удивлением. Ведь посторонний мог только созерцать объект, но не манипулировать с ним. За исключением тех ситуаций, когда художник буквально, т. е. физически, стоял у кого-то на пути, он никак не смешивался с окружающей его жизнью. У людей не возникало ощущения, что за ними подсматривают или следят, если, конечно, они в тот момент случайно не оказывались на скамейке перед художником; ведь всем было очевидно, что художника интересуют не актуальные события, а нечто совсем другое. Только сиюминутное является личным, а художник непосредственно наблюдал за тем, что в данный момент не было, потому что это было там всегда. Живопись никогда никого не разоблачала." (Статью можно почитать на "старом" "Фотоскопе")

Эту мысль надо помнить всегда, особенно надо осознать это всем "фото-бэйзд-артистам". Фотография, подвергнутая тем или иным манипуляциям больше уже не работает как фотография, как зеркало реального...

Удивительно, мы можем размышлять над творчеством Ван Гога, обсуждать импрессионизм Клода Моне и Эдгара Дега, спорить о популярности «Джоконды» да Винчи и «Сикстинской мадонны» Рафаэля и в то же время почти ничего не знать о белорусских художниках. Между прочим многие выходцы из Беларуси находятся в списке самых именитых мастеров кисти мира. Их работы не хуже остальных удивляют, вдохновляют, а иногда и шокируют.

«Портрет жены с цветами и фруктами», 1838 г.

Хруцкого считают основоположником русского натюрморта. Семнадцати летним парнем он, сын униатского священника, ученик религиозного лицея, отправился в одиночку в Петербург, чтобы заняться рисованием. И, видно, не зря. Хруцкому так удалось развить свой талант, что в двадцатом веке его натюрморты были почти что в каждом доме. Не оригиналы, конечно, копии — большинство людей не могли позволить себе настоящие картины. Творчество Хруцкого ежедневно наблюдаем и мы с вами — русская тысячная купюра украшена фрагментом картины Хруцкого «Портрет жены с цветами и фруктами». На самой знаменитой картине художника изображена молодая женщина у стола, который заставлен корзинами с фруктами, графином с водой и букетом в керамической вазе.

Художественный проект «Фрагменты Вавилонской башни»

Лауреат Государственной премии Беларуси и руководитель Центра современных искусств Виктор Ольшевский сегодня за рубежом выставляется чаще, чем в Беларуси. Работы Виктора, которые отличают глубокий символизм и фигурность, находятся в галереях и частных коллекциях в Беларуси, Италии, Германии, Израиле, Польше, Швеции, Швейцарии, США, Франции, Турции и других странах. А его знаменитый проект «Фрагменты Вавилонской башни» вообще успел объездить полсвета: Нью-Йорк, Берлин, Будапешт, Гданьск... Проект состоит из 13 полотен — 13 фрагментов Вавилонской башни, в которых отображаются элементы культур народов мира: Древний Египет и Китай, Иран и Камбоджа, пирамиды майя и кремлевские куранты, польская Варшава и белорусский Мир.

Марк Шагал (1887-1985) «Над городом», 1914

Шагала часто называют французом, потому что просто не могут поверить, что такой художник — авангардный, новаторский, эмоциональный и фантастически талантливый — мог родиться в небольшой и далеко не всем известной Беларуси. Уроженец Витебска буквально покорил мир своими необычными пейзажами, портретами и жанровыми композициями. Интересно, что почти каждый штрих на холсте или бумаге Шагала о любви. О любви к своей нежной и дорогой жены и музы Беллы. Главная фишка художника — фигурки его и Беллы, а иногда и других лиц, которые летают на картинах, игнорируя все законы гравитации и физики. Из наиболее известных работ художника — «Над городом». Маленькие домики, наклонены платы, бытовые сцены... И влюбленные, полета которых ни препятствует никакая прозаичность жизни.

Андрей Смоляк (родился в 1954 году). Проект «Ожившие картины», 2010

Художник известный мастер не только кисти, но и эпатажа. Идея его популярного проекта «Ожившие картины», который начался три года назад, заключается в желании объединить известных, талантливых и заслуженных людей Беларуси через искусство живописи. Суть проекта — политики и артисты, поэты и бизнесмены, режиссеры и спортсмены «примеряют» на себя образы героев произведений художника. На картины Смоляка уже попали певица Лариса Грибалева и актриса Вера Полякова, теннисист Максим Мирный и биатлонистка Дарья Домрачева, народный артист Анатолий Ярмоленко и многие другие. Работы художника находятся сегодня в государственных и частных коллекциях в Беларуси, а также во Франции, Италии, США, Бельгии, России и Голландии.

Казимир Малевич (1879-1935) «Черный квадрат», 1915

Большой художник, авангардист, который изменил мир и предсказал будущее архитектурных зданий, отец супрематизма, создатель театра футуризма, «художник-философ» — примерно так можно прочитать про Малевича в любой бумажной или электронной энциклопедии. И еще один обязательный дополнение к всех регалий художника — автор знаменитого «Черного квадрата». По признанию самого художника, он писал картину несколько месяцев. Кто-то шутит, что художник просто не успевал закончить картину в срок и замазал ее черной краской. Однако эксперты в искусстве видят в картине глубинный философский смысл. Впоследствии Малевич выполнил несколько копий «Черного квадрата» (по некоторым данным, семь). Малевичем были также написаны картины «Красный квадрат» в двух экземплярах и один «Белый квадрат».

Хаим Сутин (1893-1943) «Мясная туша», около 1923 г.

Десятый ребенок в бедной еврейской семье из небольшой белорусской деревни Смиловичи, Хаим с детства непреодолимо желал рисовать, хотя это и было запрещено иудеям. Несмотря на препятствия, постепенно добился своего: сначала занимался в частной школе Якова Кругера, затем три года учился в Вильнюсе. И наконец Париж! Годы страданий, брожения, голода, болезней... Это стоило того, чтобы о Сутина заговорил весь мир, чтобы его экспрессивные, безумные, похожие на ураган картины измерялись на аукционах миллионами долларов. К примеру, на недавнем майском аукционе christie"s его картина «Маленький кондитер» ушла с молотка за 18 миллионов долларов! А среди счастливых обладателей его работ были Изабелла Росселини, семьи Чаплина, издателя Галимара, потомки Шагала, Фрэнсиса Форда Копполы... Ли не самой знаменитой картиной художника можно считать экспрессивную «Мясную тушу», изображенную в двадцатых годах прошлого века.

В Белорусском союзе художников — более тысячи человек. На чье творчество стоит обратить особое внимание? Мы попросили искусствоведа Надежду Усову и куратора выставок Анну Карпенко выбрать пять современных отечественных художников, которых стоит знать каждому белорусу.

«У каждого искусствоведа любимых художников не 5, а 25», — говорит Надежда Усова. При выборе пятерки она исключила своих друзей-художников («я к ним пристрастна»), а также молодое поколение, экспериментирующее с формой.

— Оценивать не берусь, потому что, как мне кажется, для этого требуется время. Поколение 30-летних способно создавать шедевры (написал же Теодор Жерико «Плот «Медузы» в 28 лет!), их, возможно, и должны знать современники. Но цыплят по осени считают… В эту пятерку, на мой взгляд, должны войти зрелые художники, которым есть что сказать, чьи работы, как мне кажется, должны попасть в музеи Беларуси. Поэтому подход исключительно субъективный: художественный феномен.

Кто? Александр Соловьев, живописец, театральный художник

«Патриарх белорусского авангарда», в разгар советского застоя обратился к абстракционизму и создал своеобразные цветовые медитации.

Почему? Уникальная личность, патриарх белорусского авангарда, настоящий феномен, еще до конца не оценен, хотя получил и почетные звания, и медаль Франциска Скорины. Ему 91 год. Бывший партизан, фронтовик, окончил Мухинское училище, театрально-художественный институт в Минске.

Александр Соловьев, «Белая гармония». Источник: news.vitebsk.cc Александр Соловьев, «Натюрморт». Источник: news.vitebsk.cc

В 1965 году Соловьев приехал в Витебск, где долгие годы работал художником-постановщиком, позднее главным художником театра имени Якуба Коласа. Однажды этот коллектив отправился на гастроли в Москву и его декорациям, как когда-то работам Льва Бакста, устроили овации сразу после поднятия занавеса. В 1970-е годы в разгар советского застоя обратился к абстракционизму и стал делать поразительные по философской образности и цветовой насыщенности вещи — своеобразные цветовые медитации — и выставлять их. В конце 1970-х, конечно, кроме оскорблений и ругани в свой адрес ничего не слышал. Выставки закрывали, а он удивлялся: какой подрыв идеологии находят в его холстах-пространствах?

Несмотря ни на что, его зритель нашелся. Причем не через 50 лет после смерти, как полагал сам художник, а еще при жизни. В 2016 году он подарил Национальному художественному музею в Минске десятки своих работ, которые были показаны там на персональной выставке. Думаю, что скоро его работы будут украшением и мечтой любого музея.

Людмила Кальмаева, живописец и график

Почему? За оригинальность мышления и потрясающе мастерство, творческое разнообразие. В ней есть неиссякаемая сила жизненности, оригинальность, удивительное чутье к современности, естественная европейскость. И не потому, что она многие годы живет в Голландии (покойный муж — голландец). Людмила Кальмаева, на мой взгляд, — тоже феномен белорусского художника, свободно отливающийся в ту или иную форму. Все чаще она появляется и проводит выставки в Минске.

Фантазийная живопись Людмилы Кальмаевой. Источник: kalmaeva.weebly.com

Графика Людмилы Кальмаевой. Источник: kalmaeva.weebly.com
Из серии «Plenty to go on». Источник: kalmaeva.weebly.com Из серии «Plenty to go on». Источник: kalmaeva.weebly.com

Ее театральные плакаты 1980-х стали классикой, которая повлияла на белорусский плакат второй половины ХХ века. Многие из них вошли в квартиры интеллигенции и студенчества, были модным смысловым интерьерным украшением. Она тогда ухватила какие-то коды белорусскости, сумела их образно обозначить. Кальмаева — генератор сумасшедших идей. Она всегда интересна, непредсказуема и как наблюдательный блогер, и как аналитик, и как преподаватель, и реалистическая портретистка, и как график. От скандальной «туалетной серии» — художественного стеба, который так и не решились выставить в Беларуси (но охотно купили китайцы), до изумительных «ню» — серий обнаженных. Обычно мы привыкаем к тому, что художник долгие годы работает в одном направлении, его можно узнать по почерку. Она нарушает привычные представления и всегда удивляет. У Людмилы Кальмаевой есть четкая позиция, особый взгляд. Это и влюбляет, и удивляет, и восхищает, и вызывает уважение.

Кто? Андрей Воробьев, скульптор

Почему? Андрей Воробьев привлек внимание давно. Можно подумать, что это реинкарнация его собственного учителя — Владимира Жбанова — в могилевской городской среде (скульптор живет в Могилеве. — Прим. TUT.BY). Но это абсолютно не так.

Мне нравится, что он выдумщик, фантазер, патриот своего города, радеет за родной Могилев. И он разный. С одной стороны, может креативно подойти к официальному заказу — он автор знаменитого памятника — «Шкловского огурца» — и монументальных «Могилевских львов» на мосту через Днепр. С другой, у него есть камерные философские скульптуры с оригинальной текучей пластикой, которые заставляют размышлять о жизненных смыслах.

«Шкловский огурец». Фото: Анжелика Василевская, TUT.BY

Это скульптор ироничный, гротескный, интригующий. Старается уйти от пафоса, хотя есть и такие работы. За ним всегда интересно наблюдать. Андрей Воробьев — автор невероятных фантасмагорических идей и проектов. Например, хотел построить тоннель возле художественного музея имени Масленикова. С одной стороны в тоннель может войти взрослый, но пройти его насквозь не сможет, потому что с другой стороны вход в тоннель — в виде тела ребенка. Концептуальные объекты Воробьева претендуют стать изюминкой города, примером художественного формирования городской среды, в том числе и туристической.

Кто? Вячеслав Павловец, акварелист

Работает в технике акварели, которую «по лаконизму и эмоциональной спонтанности можно сравнить с японскими». Создает своеобразные белорусские акварельные хокку.

Почему? Камертон абсолютного вкуса и мастерства в современной белорусской акварели. Ему удалось сформулировать белорусский пейзаж, превратив его в чистый эстетический феномен. Вячеслав Павловец — очень скромный человек, работает в журнале «Мастацтва» художественным редактором. При нем журнал приобрел стильный европейский вид.

При этой загрузке он умудряется создавать удивительно белорусские по настроению и характеру пейзажи в технике акварели, которые можно по лаконизму и эмоциональной спонтанности сравнить с японскими. Это своеобразные белорусские хокку. В этих акварелях мы можем услышать мелодику своей страны со стороны, с которой ее еще не рассматривали. Они абсолютно гармоничные и абсолютно белорусские. Павловец, можно сказать, воспел и возвысил до поэтической метафоры белорусский бессолнечный «серый денек». Его произведения цепляют за душу. Это, не побоюсь сказать, чистейшая поэзия в акварели.

«Дерево». Из архива Национального художественного музея

Сейчас акварель у нас, в отличие от Европы, непопулярна: мало кто понимает и оценивает по достоинству изысканность этой техники. Многие прирожденные графики изменяют себе, уходят в живопись, которая лучше востребована на художественном рынке. Вячеслав Павловец — один из хранителей традиции, нескольких мастеров, которые удерживают высокий уровень белорусской акварельной школы.

Павел Татарников, иллюстратор

«Уникальный талант в области европейской книжной иллюстрации», которого ищут и находят издатели со всего мира.

Почему? Один внешний вид книг с его романтическими иллюстрациями вызывает желание изучать белорусскую историю. Очень бы хотелось видеть его иллюстрации в учебниках по истории Беларуси для младших классов. Он романтик, технический виртуоз, ну и, конечно, дотошный исследователь.

Эти качества принесли ему известность и престижные награды на конкурсах книги и в Беларуси, и широко в мире: японские издатели хотели полностью выкупить права на иллюстрации к книге «Царевна в подземном царстве», тайваньский издатель пригласил его (белоруса!) оформить книгу китайского эпоса «Небесный император и десять солнц», по его иллюстрациям ставился кукольный спектакль «Снежная королева» в Копенгагене, священники маленькой итальянской деревни в Альпах поручили ему необычный заказ — создание книги, посвященной 1700-летию деревни. И художник несколько дней жил в той деревне, слушал воспоминания, искал в архивах, как выглядели местные ландшафт, архитектура несколько веков назад.

«Параноя». Источник: tatarnikov.com
«Чыстыя вуліцы». Источник: tatarnikov.com
«Гародня. 1601». Источник: tatarnikov.com

Иллюстраторов в мире, на самом деле, не так много, и Татарников один из лучших. Его находят и ищут издатели по всему миру. Сейчас он сам может выбирать, что ему интересно. Здорово, что он преподает в Минске, доцент Академии искусств. Есть у кого учиться мастерству и главное — отношению к делу.

Куратор выставок Анна Карпенко предупреждает: ее мнение, скорее всего, не будет совпадать с мейнстримом, «но в контексте современности очень важно знать имена этих художников».

Кто? Жанна Гладко

Сумела показать, как личная травма показывает распределение власти как внутри семьи, так и на уровне общества.

Почему? Жанна делает большие, серьезные проекты. Работает с острыми социальными, гендерными темами. К сожалению, у нее до сих пор не было персональной выставки в Беларуси.

Люблю ее совершенно потрясающий проект, очень личный, связанный с собственной историей взаимоотношений с отцом. В нем прослеживается интересная стратегия. С одной стороны, художница обнажает болезненные, интимные темы, связанные, например, с эпизодом, когда отец разобрал ее любимое пианино, очень важное для Жанны. Понятное дело, это стало для нее травмой.

Жанна Гладко, серия «Не Ален Делон», в серию включены автопортреты художницы в виде Алена Делона, групповая выставка QAI/by, галерея современного искусства «Ў», Минск, 2016
Жанна Гладко, серия автопортретов, групповая выставка XXY, галерея современного искусства «Ў», Минск, 2014

С другой стороны, через личные истории, историю своей семьи художница показывает важные гендерные связи на социальном уровне: как в обществе распределяются классические патриархальные отношения, когда отец — такая фрейдистская фигура — не только управляет материальными процессами, контролирует поток денег в семье, но и имеет важный символический статус. Не вмешиваясь в жизнь Жанны, своими действиями он косвенно влияет на ее мировосприятие. Это история о том, как личная травма показывает распределение власти и внутри семьи, и на уровне общества.

Кто? Маша Святогор

Почему? Маша работает в интересной технике фотоколлажа. Работает и с личной историей, и с семейными архивами.

Не так давно у Маши была персональная выставка в ЦЭХе, которая называлась «Курасоўшчына — любовь моя». Это прекрасный пример того, как один из районов Минска, причем не самый престижный, может стать объектом эстетического притяжения. Также у нее есть серия потрясающих коллажей, из которых она делает ироничный проект, касающийся истории искусства. Она снимает модель и подставляет ей лица с известных классических полотен.