készülőben vizuális művészetek festészeti műfajok alakultak ki. Ha a barlanglakók festményein csak azt lehetett látni, ami körülveszi őket, akkor az idő múlásával a festészet egyre sokrétűbbé vált, és tág értelmet nyert. A művészek festményekben közvetítették a világról alkotott elképzelésüket. A történészek a következő festészeti műfajokat azonosítják, amelyek e művészet teljes története során alakultak ki.

. A név innen származott latin szóállat, ami állatot jelent. Ebbe a műfajba tartoznak a festmények, amelyek középpontjában az állatok állnak.

allegorikus műfaj. Az allegoria jelentése "allegória". Az ilyen képek tartalmazzák titkos jelentése. A művész szimbólumok, emberek, élő vagy mitikus lények képeinek segítségével igyekszik ezt vagy azt a gondolatot közvetíteni.

Battle műfaj. Csaták, csaták, katonai hadjáratok képe. Ezeket a festményeket a sokoldalúság, a sok szereplő jelenléte jellemzi.

Eposzi és mitológiai műfajok. Folklórművek cselekményei, ókori legendák, eposzok és ógörög mítoszok témái kerültek ábrázolásra.

Kép egyszerű jelenetek a mindennapi életből. Ezt a műfajt az egyszerűség és a realizmus jellemzi.

Vanitas. A műfaj a barokk korban keletkezett. Ez egyfajta csendélet, amelynek közepén mindig van egy koponya. A művészek megpróbáltak párhuzamot vonni minden dolog gyarlóságával.

Veduta. Ennek a műfajnak a szülőhelye Velence. Városi panorámát képvisel, betartva építészeti formákés az arányokat.

Kép a helyiségek belső dekorációjáról.

Ippi műfaj. A név magáért beszél. Ezek lovak képei.

történelmi műfaj. Történelmi eseményeket ábrázoló vásznak. A festészet sokrétű és fontos műfaja.

Capriccio. Fantasy építészeti táj.

A név francia eredetű, és azt jelenti, hogy a kép közepén egy élettelen tárgy található. A művészek elsősorban virágokat, háztartási cikkeket, háztartási eszközöket ábrázoltak.

meztelen. Meztelen kép emberi test. Kezdetben ez a műfaj szorosan kapcsolódott a mitológiai és történelmi műfajhoz.

Cinkféle. Olyan műfaj, amelyben a művészek különleges technikákkal illúziót keltettek.

Pásztori. Műfaj, amely az egyszerű falusi életet más formába emeli, megszépíti, isteníti.

Műfaj, amelyben a természet képeit ábrázolják a vásznon. Ez egy háromdimenziós irány, amely magában foglalja a városi tájat, a tengert és más hasonló témákat.

. A kép közepén egy férfi képe látható. A művész technikák segítségével közvetíti hőse nemcsak megjelenését, hanem belső világát is. A portré lehet csoportos, egyéni, elülső. Kiemelhet egy önarcképet is, amelyen a művész önmagát ábrázolja.

Vallásos műfaj. Ide tartoznak és más vallási témájú festmények is.

Karikatúra. Műfaj, amelynek célja a személyiség bizonyos hiányosságainak hangsúlyozása, komikus hatáson keresztül. Ehhez a túlzást, az arcvonások és arányok eltorzítását, a szimbolikát és a fantázia elemeit használják.

A festészeti műfajok összeolvadhatnak és szorosan kölcsönhatásba léphetnek egymással. Egyes műfajok idővel elvesztik relevanciájukat, míg mások éppen ellenkezőleg, az élettel együtt fejlődnek tovább.

A stílusok és trendek száma óriási, ha nem végtelen. Az alkotások stílus szerinti csoportosításának fő jellemzője a művészi gondolkodás egységes elvei. Egyes művészi gondolkodásmódok (kompozíciók váltakozása, térszerkezeti technikák, színvonások) általi megváltozása nem véletlen. A művészetről alkotott felfogásunk történelmileg is változékony.
A stílusrendszert hierarchikus sorrendben építve ragaszkodunk az eurocentrikus hagyományhoz. A művészet történetében a legnagyobb a korszak fogalma. Minden korszakot egy bizonyos „világkép” jellemez, amely filozófiai, vallási, politikai eszmékből, tudományos elképzelésekből, pszichológiai jellemzők világnézeti, etikai és erkölcsi normák, az élet esztétikai kritériumai, amelyek szerint megkülönböztetik az egyik korszakot a másiktól. Ezek a primitív korszak, a korszak ókori világ, Ókor, középkor, reneszánsz, új idő.
A művészeti stílusoknak nincsenek világos határai, simán átmennek egymásba, folyamatos fejlődésben, keveredésben, ellentétben vannak. Egy-egy történeti művészeti stílus keretein belül mindig új születik, és az átmegy a másikba. Sok stílus létezik egyidejűleg, és ezért egyáltalán nincsenek „tiszta stílusok”.
Ugyanabban a történelmi korszakban több stílus is létezhet egymás mellett. Például klasszicizmus, akadémizmus és barokk a 17. században, rokokó és neoklasszicizmus a 18. században, romantika és akadémizmus a 19. században. Az olyan stílusokat, mint például a klasszicizmus és a barokk, nagy stílusoknak nevezzük, mivel minden művészettípusra érvényesek: építészetre, festészetre, kézművességre, irodalomra, zenére.
Meg kell különböztetni: művészeti stílusok, irányzatok, irányzatok, iskolák és az egyes mesterek egyéni stílusainak jellemzői. Egy stíluson belül több is lehet művészeti irányok. A művészeti irányt egy adott korszakra jellemző jelek és sajátos művészi gondolkodásmódok egyaránt alkotják. A szecessziós stílus például számos századfordulós irányzatot tartalmaz: posztimpresszionizmus, szimbolizmus, fauvizmus stb. Másrészt a szimbolizmus mint művészi irányzat fogalma az irodalomban jól kidolgozott, míg a festészetben nagyon homályos, és olyan művészeket egyesít, akik stílusilag annyira különbözőek, hogy sokszor csak őket összekötő világnézetként értelmezik.

Az alábbiakban a korszakok, stílusok és irányzatok meghatározásai találhatók, amelyek valamilyen módon tükröződnek a modern képző- és díszítőművészetben.

	- művészeti stílus, amely Nyugat- és Közép-Európa országaiban alakult ki a XII-XV. században. A középkori művészet évszázados fejlődésének eredménye, legmagasabb állomása és egyben a történelem első páneurópai, nemzetközi művészeti stílusa. Mindenféle művészetre kiterjedt – építészet, szobrászat, festészet, ólomüveg, könyvtervezés, művészet és kézművesség. A gótikus stílus alapja az építészet, amelyet a felfelé ívelő lándzsaívek, a sokszínű ólomüveg ablakok, a forma vizuális dematerializációja jellemez. A gótikus művészet elemei gyakran megtalálhatók a modern belsőépítészetben, különösen a falfestészetben, ritkábban a festőállványfestészetben. A múlt század vége óta létezik egy gótikus szubkultúra, amely egyértelműen a zenében, a költészetben és a divattervezésben nyilvánult meg.
	(Reneszánsz) - (francia reneszánsz, olasz Rinascimento) Nyugat- és Közép-Európa számos országa, valamint néhány ország kulturális és ideológiai fejlődésének korszaka Kelet-Európa. A reneszánsz kultúra fő megkülönböztető jegyei: világi karakter, humanista világnézet, az ősi kulturális örökséghez való vonzódás, annak egyfajta „újjáélesztése” (innen a név). A reneszánsz kultúrájában megvannak a középkortól az új időkig tartó átmeneti korszak sajátosságai, amelyben a régi és az új egymásba fonódva, sajátos, minőségileg új ötvözetet alkot. Nehéz kérdés a reneszánsz időrendi határai (Olaszországban - 14-16 század, más országokban - 15-16 század), területi megoszlása ​​és nemzeti sajátosságai. Ennek a stílusnak az elemeit a modern művészetben gyakran használják falfestményekben, ritkábban a festőállványfestészetben.
	- (az olasz manierából - technika, modor) befolyik európai művészet XVI század. A manierizmus képviselői eltávolodtak a reneszánsz harmonikus világfelfogástól, az emberről mint a természet tökéletes alkotásáról alkotott humanista felfogástól. Az éles életfelfogás a programszerű vággyal párosult, hogy ne a természetet kövessük, hanem egy szubjektív „belső gondolatot” fejezzenek ki. művészi kép művész lelkében született. A legvilágosabban Olaszországban nyilvánult meg. Az olasz manierizmushoz 1520-as évek. (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) a képek drámai élessége, a világkép tragédiája, a testhelyzetek és mozgásmotívumok összetettsége, túlzó kifejezése, a figurák arányainak megnyúlása, kolorisztikus és fény- és árnyalati disszonanciák jellemzik. . Az utóbbi időben a művészettörténészek a kortárs művészetben a történelmi stílusok átalakulásával összefüggő jelenségekre utalnak.
	- történelmi művészeti stílus, amelyet eredetileg Olaszországban terjesztettek a közepén. XVI-XVII. században, majd Franciaországban, Spanyolországban, Flandriában és Németországban a XVII-XVIII. Tágabb értelemben ezt a kifejezést a nyugtalan, romantikus világnézet, az expresszív, dinamikus formákban gondolkodó, folyamatosan megújuló tendenciáinak meghatározására használják. Végül minden időben, szinte minden történeti művészeti stílusban megtalálható a maga "barokk korszaka", mint a legmagasabb alkotói felfutás, az érzelmek feszültségének, a formák robbanékonyságának állomása.
	- művészi stílus a nyugat-európai művészetben XVII - korai. 19. századi és Orosz XVIII- korán Az ókori örökségre mint követendő eszményre utaló XIX. Megnyilvánult az építészetben, a szobrászatban, a festészetben, a művészetben és a kézművességben. A klasszicista művészek az antikvitást tartották a legmagasabb teljesítménynek, s ezt tették mércéjükké a művészetben, amit igyekeztek utánozni. Idővel újjászületett az akadémizmusba.
	- az 1820-1830-as évek európai és orosz művészetének irányzata, amely felváltotta a klasszicizmust. A romantikusok az egyéniséget helyezték előtérbe, szembeállítva a klasszicizálók eszményi szépségét a "tökéletlen" valósággal. A művészeket a fényes, ritka, rendkívüli jelenségek, valamint a fantasztikus természetű képek vonzották. A romantika művészetében fontos szerepet játszik az éles egyéni észlelés és élmény. A romantika felszabadította a művészetet az elvont klasszicista dogmák alól, és a nemzeti történelem és a folklórképek felé fordította.
	- (lat. érzelem - érzés) - a 18. század második felének nyugati művészetének iránya, amely csalódottságot fejez ki az „ész” (a felvilágosodás ideológiája) eszményein alapuló „civilizációban”. S. az érzést, a magányos elmélkedést, a „kisember” vidéki életének egyszerűségét hirdeti. J. J. Rousseau-t S. ideológusának tartják.
	- olyan művészeti irány, amely a jelenségek és dolgok külső formáját és lényegét egyaránt a legnagyobb igazsággal és megbízhatósággal kívánja megjeleníteni. Hogyan ötvözi egy kreatív módszer az egyéni és a tipikus vonásokat a képalkotás során. A leghosszabb idejű létezési irány, amely a primitív korszaktól napjainkig fejlődik.
	- irány az európai művészeti kultúrában a XIX. század végén-XX. század elején. A polgári "józanság" normáinak humanitárius szférában (filozófiában, esztétikában - pozitivizmusban, művészetben - naturalizmusban) való uralmára adott reakcióként a szimbolizmus elsősorban az 1860-as és 70-es évek francia irodalmában öltött testet, ill. később Belgiumban, Németországban, Ausztriában, Norvégiában és Oroszországban terjedt el. A szimbolizmus esztétikai elvei sok tekintetben a romantika eszméihez, valamint A. Schopenhauer, E. Hartmann, részben F. Nietzsche idealista filozófiájának egyes tanaihoz, R német zeneszerző munkásságáig és elméletalkotásáig nyúltak vissza. Wagner. A szimbolizmus szembeállította az élő valóságot a látomások és álmok világával. A költői belátás által generált, a jelenségek túlvilági jelentését kifejező, a hétköznapi tudat elől elrejtett szimbólumot a lét és az egyéni tudat titkainak megértéséhez univerzális eszköznek tekintették. A művész-alkotó közvetítőnek számított a valóságos és az érzékfeletti között, mindenütt megtalálta a világharmónia "jeleit", prófétailag sejtette a jövő jeleit, mint pl. kortárs jelenségek valamint a múltbeli eseményeket.
	- (francia impresszióból - impresszió) a 19. század utolsó harmadának - 20. század eleji művészeti irányzata, amely Franciaországban alakult ki. A név megadva műkritikus L. Leroy, aki gúnyosan kommentálta a művészek 1874-es kiállítását, ahol többek között C. Monet „Napkelte. Benyomás". Az impresszionizmus szépséget vallott való Világ, az első benyomás frissességét, a környezet változékonyságát hangsúlyozva. A tisztán festői problémák megoldására való domináns figyelem csökkentette azt a hagyományos elképzelést, hogy a rajz mint a műalkotás fő alkotóeleme. Az impresszionizmus erőteljes hatással volt az európai országok és az Egyesült Államok művészetére, felkeltette az érdeklődést a valós élet jelenetei iránt. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley stb.)
	- a neoimpresszionizmus keretein belül kialakult festészeti irányzat (a divonizmus szinonimája). A neoimpresszionizmus Franciaországból indult 1885-ben, és átterjedt Belgiumba és Olaszországba is. A neoimpresszionisták megpróbálták alkalmazni a művészetben legújabb eredményei az optika területén, amely szerint a festészet, amelyet az alapszínek külön pontjai alkotnak, a vizuális észlelésben a színek és a festészet teljes skálájának fúzióját adja. (J. Seurat, P. Signac, K. Pissarro).
	posztimpresszionizmus- a francia festészet fő irányainak feltételes gyűjtőneve XIX - 1. negyed. 20. század A posztimpresszionizmus művészete az impresszionizmusra adott reakcióként jött létre, amely a pillanat átvitelére, a festőiség érzésére és a tárgyak iránti érdeklődés elvesztésére összpontosította a figyelmet. A posztimpresszionisták közé tartozik P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh és mások.
	- stílus az európai és amerikai művészetben a XIX-XX. század fordulóján. A szecesszió újragondolta, stilizálta a különböző korszakok művészetének jellemzőit, és az aszimmetria, az ornamentalitás és a dekorativitás elvei alapján kialakította saját művészi technikáit. A természeti formák a modernitás stilizációjának tárgyává is válnak. Ez magyarázza nemcsak a szecessziós alkotások vegetatív díszei iránti érdeklődést, hanem magát a kompozíciós és plasztikus struktúrát is - rengeteg görbe vonalú körvonal, lebegő shchix, egyenetlen kontúrok, amelyek növényi formákra emlékeztetnek. A modernitáshoz szorosan kapcsolódik a szimbolizmus, amely a modernitás esztétikai és filozófiai alapjául szolgált, a modernitásra, mint elképzeléseinek plasztikus megvalósítására támaszkodik. A szecessziónak országonként más-más elnevezése volt, amelyek lényegében szinonimák: Art Nouveau - Franciaországban, Szecesszió - Ausztriában, Jugendstil - Németországban, Liberty - Olaszországban.
	- (francia modern - modern szóból) a 20. század első felének számos művészeti irányzatának általános neve, amelyeket a múlt hagyományos formák és esztétikája tagadása jellemez. A modernizmus közel áll az avantgardizmushoz, és szemben áll az akadémizmussal.
	- az 1905-1930-as években elterjedt művészeti irányzatok körét egyesítő név. (Fauvizmus, kubizmus, futurizmus, expresszionizmus, dadaizmus, szürrealizmus). Mindezeket a területeket egyesíti a művészet nyelvének megújításának, feladatainak újragondolásának, a művészi kifejezés szabadságának elnyerésének vágya.
	- irány a művészetben XIX - jelen. 20. századi, alapján kreatív órákat Paul Cezanne francia művész, aki a kép minden formáját a legegyszerűbb geometriai alakzatokra, a színeket pedig a meleg és hideg tónusok kontrasztos konstrukcióira redukálta. A cézannizmus a kubizmus egyik kiindulópontja volt. A cezannizmus nagymértékben hatott a hazai realista festészeti iskolára is.
	- (fauve-ból - vad) avantgárd irányzat a francia művészetben n. 20. század A "vad" nevet adták kortárs kritikusok művészek csoportja, akik 1905-ben a Párizsi Független Szalonban beszéltek, és ironizáltak. A csoport tagja volt A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen és mások. , impulzusok keresése a primitív kreativitásban, a művészetben a középkor és a kelet.
	- szándékos egyszerűsítés vizuális eszközökkel, a művészet fejlődésének kezdetleges szakaszainak utánzása. Ez a kifejezés az ún. olyan művészek naiv művészete, akik nem részesültek speciális oktatásban, de részt vettek az általános művészeti folyamatban a 19. század végén - 19. század elején. XX század. Ezeknek a művészeknek - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov és mások - munkáit a természet értelmezésében egyfajta gyermekiesség, az általánosított forma és a részletekben a kicsinyes szó szerintiség kombinációja jellemzi. A forma primitivitása semmiképpen sem határozza meg előre a tartalom primitív voltát. Gyakran szolgál forrásul azoknak a szakembereknek, akik formákat, képeket, módszereket a népi, lényegében primitív művészetből kölcsönöztek. N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse a primitivizmusból merített ihletet.
	- az ókor és a reneszánsz kánonjainak követése alapján kialakult művészeti irány. Számos európai művészeti iskolában létezett a 16. és a 19. század között. Az akadémizmus a klasszikus hagyományokat "örök" szabályok és előírások rendszerévé változtatta, amelyek megbéklyózták a kreatív kereséseket, és megpróbálták szembeszállni a tökéletlen élő természettel a szépség "magasan" továbbfejlesztett, nemzeten kívüli és időtlen formáival, amelyeket tökéletesítettek. Az akadémizmusra jellemző, hogy a művész számára az ókori mitológiából, a bibliai vagy történelmi témákból származó cselekményeket részesíti előnyben a kortárs élet cselekményei felé.
	- (francia cubisme, kockából - kocka) irány a XX. század első negyedének művészetében. A kubizmus plasztikus nyelve a tárgyak deformálódásán, geometriai síkokra bontásán, a forma plasztikus eltolódásán alapult. A kubizmus születése 1907-1908-ra, az első világháború előestéjére esik. Ennek az irányzatnak vitathatatlan vezetője G. Apollinaire költő és publicista volt. Ez az irányzat az elsők között testesítette meg a vezető irányzatokat további fejlődés század művészete. Az egyik ilyen irányzat a koncepció dominanciája volt magának a festménynek a művészi értékével szemben. J. Braque és P. Picasso a kubizmus atyja. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris és mások csatlakoztak a feltörekvő áramlathoz.
	- az irodalom, a festészet és a mozi irányzata, amely 1924-ben jelent meg Franciaországban. Nagymértékben hozzájárult a tudat kialakulásához modern ember. A mozgalom fő alakjai Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Bunuel, Juan Miro és sok más művész a világ minden tájáról. A szürrealizmus különösen a valóságon túli létezés gondolatát fejezte ki fontos szerep itt sajátítják el az abszurditást, a tudattalant, az álmokat, az álmodozásokat. A szürrealista művész egyik jellemző módszere a tudatos kreativitástól való eltávolodás, amely olyan eszközzé teszi, amely különféle módokon kinyeri a tudatalatti furcsa, hallucinációhoz hasonló képeit. A szürrealizmus több válságot is túlélt, túlélte a második világháborút, és fokozatosan a tömegkultúrával összeolvadva, átmetszve a transzavantgárddal, a posztmodern szerves részévé vált.
	- (lat. futurum - jövő) irodalmi és művészeti mozgalom az 1910-es évek művészetében. A jövő művészetének prototípusának szerepét kijelölő futurizmus fő programként a kulturális sztereotípiák feloldásának gondolatát vetette fel, helyette a technológia és az urbánizmus apológiáját kínálta a jelen és a jövő fő jeleiként. A futurizmus fontos művészi ötlete a mozgás gyorsaságának plasztikus kifejezésének keresése volt, mint a modern élet ütemének fő jele. A futurizmus orosz változata a kibofuturizmus nevet viselte, és a francia kubizmus plasztikus elveinek és az európai általános esztétikai beállítások futurizmusának kombinációján alapult.

Nem titok, hogy a festészetnek megvan a maga tipizálása, és műfajokra oszlik. Ez a jelenség a 15. században keletkezett Európában, ekkor alakult ki az elsőrendű festészet fogalma, melybe a mitológiai és történeti orientációjú festményeket, tájképeket, portrékat, csendéleteket tulajdonították a másodrendűeknek. Ez a rendezés azonban az 1900-as évek táján elvesztette jelentőségét, amikor túl sok volt a műfaj és a stílus, és túlságosan ódivatú lenne csak e két csoportra egyértelműen felosztani. Ezért szeretnék ma a festészet tényleges típusairól beszélni.

Csendélet (nature morte- "halott természet") - élettelen dolgok képei. Ez a műfaj a 15. században keletkezett, a 17. században nyert függetlenséget a holland művészeknek köszönhetően. A műfaj a hollandiai aranykor beköszöntével vált függetlenné, a művészeket elkényezteti a rengeteg étel és egyéb, korábban luxusnak és gazdagságnak számító dolgok, ezen a talajon maradt el egy olyan szűk műfaj, mint a holland. megjelent az élet. Manapság a csendélet a festészet elterjedt típusa, és nagy kereslet van rá a festmények vásárlói körében.

portré- a képen látható személy vagy emberek csoportja. Ennek a stílusnak a keretei nagyon homályosak, a portré nagyon gyakran metszi egymást más stílusokkal, például tájjal vagy csendélettel. A portrék is történelmiek, posztumusz, vallásosak. Van önarckép is, ilyenkor rajzolja meg magát a művész.

Látvány- nagyon fontos műfaj a festészetben. A művész vagy az ős- vagy az ember által átalakított természetet, vagy a területet rajzolja meg benne. Régóta túlmutat a szokásos tengeri vagy hegyi nézeteken, és ma már az egyik legnépszerűbb festészeti forma. A tájak városi, vidéki, tengeri, hegyi stb. Korábban csak a szabadban festettek tájképet, amikor a művész a természetből festette, amit látott. Manapság ez a gyakorlat egyre ritkább, a kortárs művészek pedig előszeretettel dolgoznak a fotózásból.

jachtkikötő- ugyanaz a tengeri csendélet, csak a megfelelő névvel. A kikötők a tengeren zajló eseményeket, csatákat, nagy hullámokat, teherhajókat stb. E műfaj kiemelkedő képviselője Ivan Aivazovsky volt.

történelem festészet- szükségből keletkezett, a reneszánszban a művészek fontos kulturális és történelmi eseményeket festettek meg. A történelmi festmények nem mindig a történelemre épülnek, ide tartoznak a festészet különféle típusai is, mint például: mitológia, evangélium és bibliai események.

Harci festés- a háború és a katonai élet témáját feltáró téma. A művész egy csata vagy csata fontos, epikus, kulcsfontosságú mozzanatát próbálja ábrázolni. Ugyanakkor a megbízhatóság fokozatosan háttérbe szorulhat.

A festészet az ősi művészetek egyike, amely évszázadok során a paleolit ​​sziklafestményektől a 20., sőt a 21. század legújabb irányzataiig fejlődött. Ez a művészet szinte az emberiség megjelenésével született. Az ókori emberek, még csak nem is valósították meg magukat személyként, szükségét érezték annak, hogy az őket körülvevő világot a felszínen ábrázolják. Mindent lerajzoltak, amit láttak: állatokat, természetet, vadászjeleneteket. A festéshez a természetes anyagokból készült festékekhez hasonlót használtak. Ezek földszínek, szén, fekete korom voltak. Az ecseteket állati szőrből készítették, vagy egyszerűen ujjakkal festették.

A változások eredményeként új festészeti típusok, műfajok jelentek meg. Az ókort az ókor időszaka követte. A festők és művészek arra törekedtek, hogy reprodukálják a valós környező életet, ahogyan azt az ember látja. Az átvitel pontosságának vágya okozta a perspektíva alapjainak, a különböző képek fény- és árnyékkonstrukcióinak alapjainak megjelenését és ennek művészi tanulmányozását. És mindenekelőtt azt tanulmányozták, hogyan ábrázolják a háromdimenziós teret a fal síkján, a freskófestészetben. Egyes műalkotásokat, mint például a háromdimenziós tér, a chiaroscuro, szobák, vallási központok és temetkezések díszítésére kezdték használni.

A következő fontos korszak a festészet múltjában a középkor. Ebben az időben a festészet vallásosabb volt, és a világkép kezdett tükröződni a művészetben. A művészek kreativitása az ikonográfiára és a vallás más dallamaira irányult. A legfontosabb szempontok, amelyeket a művésznek hangsúlyoznia kellett, nem annyira a valóság pontos tükrözése, mint inkább a spiritualitás átadása a legkülönfélébb festményeken is. Az akkori mesterek vásznai kontúrok kifejezőképességében, színezésében és színességükben szembetűnőek voltak. A középkori festészet laposnak tűnik számunkra. Az akkori művészek összes szereplője ugyanazon a vonalon van. És oly sok mű kissé stilizáltnak tűnik számunkra.

A szürke középkor időszakát felváltotta a reneszánsz fényesebb időszaka. A reneszánsz ismét fordulópontot hozott e művészet történeti fejlődésében. Új hangulatok a társadalomban, új világnézet kezdett diktálni a művész számára: a festészet mely aspektusait kell teljesebben és világosabban feltárni. Az olyan festészeti műfajok, mint a portré és a tájkép, önálló stílusokká válnának. A művészek az ember érzelmeit és belső világát a festés új módjaival fejezik ki. A 17. és 18. század a festészetben még komolyabb növekedésnek volt tanúja. Ebben az időszakban a katolikus egyház elveszti jelentőségét, és a művészek alkotásaikban egyre inkább tükrözik az emberről, a természetről, a háztartásról és a mindennapi életről alkotott valódi nézeteket. Ebben az időszakban olyan műfajok is kialakulnak, mint a barokk, rokokó, klasszicizmus, manierizmus. Felmerül a romantika, amelyet később egy látványosabb stílus - az impresszionizmus - vált fel.

A huszadik század elején a festészet drámaian megváltozik, és megjelenik a kortárs művészet egy újabb iránya - az absztrakt festészet. Ennek az iránynak az ötlete, hogy harmóniát közvetítsen ember és művészet között, harmóniát teremtsen a vonalak és a színkiemelések kombinációjában. Ennek a művészetnek nincs objektivitása. Nem a valós kép pontos átadására törekszik, hanem éppen ellenkezőleg, azt közvetíti, ami a művész lelkében van, érzelmeit. Az ilyen típusú művészetben fontos szerepet töltenek be a formák és a színek. Lényege, hogy a korábban ismert tárgyakat új módon közvetítse. Itt a művészek teljes szabadságot kapnak fantáziáik számára. Ez lendületet adott a modern irányzatok, például az avantgárd, az underground, az absztrakt művészet megjelenésének és fejlődésének. A festészet a XX. század végétől napjainkig folyamatosan változott. De az összes új vívmány és a modern technológia ellenére a művészek továbbra is hűek maradnak a klasszikus művészethez - az olajhoz és az olajhoz akvarell festés, festékek és vásznak segítségével alkotják meg remekműveiket.

Natalia Martynenko

Képzőművészettörténet

A festészet története egy végtelen láncolat, amely a legelső festményekkel kezdődött. Minden stílus az előtte lévő stílusokból nő ki. Minden nagy művész hozzátesz valamit a korábbi művészek eredményeihez, és hatással van a későbbi művészekre.

Gyönyörködhetünk a festészet szépsége miatt. Vonalai, formái, színei és kompozíciója (a részek elrendezése) érzékszerveink tetszését, emlékeinkben elidőzhetik. De a művészet élvezete növekszik, ha megtudjuk, mikor, miért és hogyan jött létre.

A festészet történetét számos tényező befolyásolta. Földrajz, vallás, nemzeti sajátosságok, történelmi események, új anyagok kialakulása – mindez segíti a művész látásmódjának kialakítását. A történelem során a festészet tükrözte a változó világot és annak megértését. Cserébe a művészek bemutatták a civilizáció fejlődésének legjobb feljegyzéseit, amelyek olykor többet árultak el, mint az írott szó.

őskori festészet

A barlanglakók voltak a legkorábbi művészek. Dél-Franciaországban és Spanyolországban a barlangfalakon színes rajzokat találtak állatokról az ie 30 000 és 10 000 közötti időszakból. Sok ilyen rajz meglepően jól megőrzött, mert a barlangokat évszázadok óta lezárták. A korai emberek képeket rajzoltak a körülöttük látott vadon élő állatokról. Nagyon durva emberi alakok készültek élethelyzetek, Afrikában és Kelet-Spanyolországban találták meg.

A barlangművészek gazdag, élénk színű rajzokkal töltötték meg a barlang falait. A legszebb festmények egy része a spanyolországi Altamira-barlangban található. Az egyik részleten egy sebesült bivaly látható, aki már nem tud állni – valószínűleg egy vadász áldozata. Vörösesbarnára van festve, és feketével egyszerűen, de ügyesen körvonalazódik. Használt pigmentek barlangművészek- okker (világossárgától sötétnarancssárgáig változó színű vas-oxidok) és mangán (sötét fém). Finom porrá őrölték, kenőanyaggal (esetleg zsíros olajjal) összekeverték, és valamilyen ecsettel felvitték a felületre. Néha a pigmentek pálcikákat öltöttek, hasonlóan a zsírkrétához. A por alakú pigmentekkel kevert zsírból festék-lakk folyékony lett, a pigmentszemcsék pedig összetapadtak. A barlang lakói állati szőrből vagy növényekből ecsetet, kovakőből éles eszközöket készítettek (rajzoláshoz, karcoláshoz).

Már 30 000 évvel ezelőtt az emberek feltalálták a festéshez szükséges alapvető eszközöket és anyagokat. A következő évszázadokban a módszereket és az anyagokat finomították és továbbfejlesztették. De a barlanglakó felfedezései továbbra is a főbbek a festészet számára.

Egyiptomi és mezopotámiai festészet (Kr. e. 3400–332)

Az egyik első civilizáció Egyiptomban jelent meg. Az egyiptomiak által hátrahagyott írásos feljegyzésekből és művészetekből sok mindent tudni lehet életükről. Úgy gondolták, hogy a testet meg kell őrizni, hogy a lélek a halál után élhessen. A Nagy Piramisok a gazdag és hatalmas egyiptomi uralkodók kidolgozott sírjai voltak. Az egyiptomi művészetek nagy részét a piramisok és a királyok és más fontos személyek sírjai számára hoztak létre. Annak érdekében, hogy a lélek továbbra is fennmaradjon, a művészek egy halott ember képét készítettek kőbe. A sírkamrák falfestményein egy személy életének jeleneteit is reprodukálták.

Az egyiptomi képzőművészeti technikák évszázadok óta változatlanok maradtak. Egyféleképpen akvarell festék agyag vagy mészkő felületekre alkalmazva. Egy másik eljárás során kőfalakba vésték a körvonalakat, és akvarellekkel festették meg. Valószínűleg egy gumiarábik nevű anyagot használtak a festék felületre ragasztására. Szerencsére a száraz éghajlat és a lezárt sírok megakadályozták, hogy ezek az akvarellfestmények a nedvességtől elkopjanak. Sok vadászjelenet a thébai sírok falairól, amelyek Kr.e. 1450 körüli időkből származnak, jól megőrződött. Bemutatják, hogyan kergetik a vadászok a madarakat vagy a halakat és a halakat. Ezek a témák még ma is azonosíthatók, mert gondosan és gondosan megfestették őket.

A mezopotámiai civilizáció, amely ie 3200-tól 332-ig tartott, a Közel-Keleten, a Tigris és az Eufrátesz folyók közötti völgyben helyezkedett el. A házak Mezopotámiában főleg agyagból épültek. Ahogy az agyagot meglágyítja az eső, épületeik porrá omlanak, tönkretéve a falfestményeket, amelyek nagyon érdekesek lehettek. Maradtak a díszített (festett és égetett) kerámiák és a színes mozaikok. A mozaikok ugyan nem tekinthetők festménynek, de gyakran hatással vannak rá.

Égei civilizáció (Kr. e. 3000-1100)

A harmadik nagy korai kultúra az égei civilizáció volt. Az égeiek Görögország partjainál és Kis-Ázsia félszigetén éltek nagyjából egy időben, mint az ókori egyiptomiak és mezopotámiaiak.

1900-ban a régészek megkezdték Minos király palotájának feltárását Knósszoszban, Kréta szigetén. Az ásatások időszámításunk előtt 1500 körül íródott műalkotásokat tártak fel. a kor szokatlanul szabad és kecses stílusában. Nyilvánvalóan a krétaiak gondtalan, természetszerető nép voltak. Kedvenc témáik a művészetben a tengeri élet, az állatok, a virágok, sportjátékok, tömeges körmenetek. Knósszoszban és más égei-tengeri palotákban a nedves vakolatfalakra ásványfestékekkel, homokkal és földes okkerrel festettek festményeket. A festék beszívódott a nedves vakolatba, és a fal állandó része lett. Ezeket a festményeket később freskóknak nevezték (az olasz "friss" vagy "új" szóból). A krétaiak kedvelték az élénk sárgákat, vöröseket, kékeket és zöldeket.

Görög és római klasszikus festészet (Kr. e. 1100 - i.sz. 400)

Az ókori görögök a templomok és paloták falait freskókkal díszítették. Az ókori irodalmi forrásokból és a görög művészet római másolataiból elmondható, hogy a görögök kis képeket festettek, mozaikokat készítettek. A görög mesterek neve, életük és munkáik keveset ismertek, bár nagyon kevés görög festészet élte túl az évszázadokat és a háborúk utóhatásait. A görögök nem sokat írtak sírokba, ezért munkájukat nem védték.

A görög festészetből ma már csak festett vázák maradtak. A fazekasság nagy iparág volt Görögországban, különösen Athénban. A konténerekre nagy volt a kereslet, exportra kerültek, valamint olajra és mézre, valamint belföldi használatra. A legkorábbi vázafestés geometrikus formákkal és díszítéssel készült (Kr. e. 1100-700). A vázákat világosagyagon barna mázzal díszített emberfigurák is díszítették. A 6. században a vázafestők gyakran festettek fekete emberalakokat természetes vörös agyagra. A részleteket éles műszerrel faragták az agyagba. Ez lehetővé tette a vörös megjelenését a dombormű mélyén.

A vörös alakos stílus végül a feketét váltotta fel. Vagyis éppen ellenkezőleg: a figurák pirosak, a háttér pedig fekete lett. Ennek a stílusnak az volt az előnye, hogy a művész ecsettel tudott körvonalakat készíteni. Az ecset szabadabb vonalat ad, mint a fekete figurás vázákban használt fémszerszám.

Római falfestményeket főleg pompeii és herculaneumi villákban (vidéki házakban) találtak. 79-ben ezt a két várost teljesen eltemette a Vezúv kitörése. A területet feltáró régészek sokat tanulhattak az ókori római életről ezekből a városokból. Szinte minden pompeji ház és villa falán festmények voltak. A római festők gondosan előkészítették a fal felületét márványpor és vakolat keverékével. Márványfényűre csiszolták a felületeket. Sok festmény a Kr.e. 4. századból származó görög festmények másolata. A pompeii Rejtélyek Villája falaira festett figurák kecses pózai inspirálták a 18. század művészeit, amikor a várost feltárták.

A görögök és a rómaiak is festettek portrékat. Ezek közül néhány, többnyire egyiptomi művészek görög stílusban készített múmiaportréja, fennmaradt Alexandria környékén, Észak-Egyiptomban. Az ie 4. században a görög Nagy Sándor által alapított Alexandria a görög és római kultúra vezető központjává vált. A portrékat enkausztikus technikával fára festették, és az ábrázolt személy halála után múmia formájában helyezték el. Az olvasztott méhviasszal kevert festékkel készült enkausztikus festmények nagyon hosszú eltarthatósággal rendelkeznek. Valójában ezek a portrék még mindig frissnek tűnnek, bár már a Krisztus előtti második században készültek.

Ókeresztény és bizánci festészet (300-1300)

A Római Birodalom az i.sz. IV. században hanyatlásnak indult. Ezzel párhuzamosan a kereszténység is erősödött. 313-ban Konstantin római császár hivatalosan elismerte a vallást, és maga is áttért a keresztény hitre.

A kereszténység megjelenése nagy hatással volt a művészetre. A művészeket megbízták, hogy a templomok falait freskókkal és mozaikokkal díszítsék. Templomkápolnákban tablót készítettek, egyházi könyveket illusztráltak, díszítettek. Az egyház hatására a művészeknek a lehető legvilágosabban kellett közölniük a kereszténység tanításait.

A korai keresztények és a bizánci művészek folytatták a görögöktől tanult mozaiktechnikát. A kis lapos színes üveg- vagy kődarabokat nedves cementre vagy vakolatra helyezték. Néha más kemény anyagokat is használtak, például sült agyagdarabokat vagy kagylókat. Az olasz mozaikokon a színek különösen mélyek és teltek. Olasz művészek aranyozott üvegdarabokkal készítették el a hátteret. Emberalakokat ábrázoltak gazdag színekben, csillogó arany háttér előtt. Az összhatás lapos, dekoratív és irreális volt.

A bizánci művészek mozaikjai gyakran még kevésbé valósághűek és még dekoratívabbak voltak, mint a korai keresztényeké. A "bizánci" egy olyan művészeti stílus elnevezése, amely Bizánc ősi városa (ma Isztambul, Törökország) körül alakult ki. A mozaiktechnika tökéletesen passzolt a bizánci ízléshez a pompásan díszített templomokhoz. Theodora és Justinianus híres mozaikjai, amelyek i.sz. 547 körül készültek, a gazdagság ízlését mutatják. A figurákon az ékszerek csillognak, a színes udvari ruhák csillognak a csillogó arany színén. A bizánci művészek aranyat is használtak freskókon és táblákon. Az aranyat és más értékes anyagokat a középkorban arra használták, hogy elválasszák a szellemi tárgyakat a mindennapi világtól.

Középkori festészet (500-1400)

A középkor első részét, körülbelül a 6. századtól a 11. századig, általában sötét középkornak nevezik. A zavargások idején a művészetet főleg kolostorokban tárolták. A Kr.u. 5. században Észak- és Közép-Európából származó varran törzsek barangoltak a kontinensen. Több száz éven át uralták Nyugat-Európát. Ezek az emberek olyan művészetet hoztak létre, amelyben a fő elem a minta. Különösen kedvelték az egymásba fonódó sárkányok és madarak szerkezeteit.

A kelta és szász művészet legjavát a 7. és 8. századi kéziratokban találhatjuk meg. A késő római időktől kezdve alkalmazott könyvillusztrációk, világítás és miniatűr festészet a középkorban terjedt el. A világítás a szöveg, a nagybetűk és a margók díszítése. Arany, ezüst és élénk színeket használtak. A miniatűr egy kis kép, gyakran portré. A kifejezést eredetileg egy kézirat kezdőbetűi körüli dekoratív blokk leírására használták.

A 9. század elején Szent Római császárrá koronázott Károly a késő római és a korai keresztény időszak klasszikus művészetét próbálta feleleveníteni. Uralkodása idején a miniatűr festők a klasszikus művészetet utánozták, de tárgyaikon keresztül személyes érzéseket is közvetítettek.

A középkorból nagyon kevés falfestmény maradt fenn. A román korban (11-13. század) épült templomokban voltak remek freskók, de ezek többsége eltűnt. A gótikus kor (XII-XVI. század) templomaiban nem volt elég hely a falfestményekhez. A gótikus festő fő munkája a könyvillusztráció volt.

A legjobban illusztrált kéziratok közé tartoztak az órakönyvek – naptár-, ima- és zsoltárgyűjtemények. Egy olasz kézirat oldala kidolgozott kezdőbetűket és finoman részletezett marginális jelenetet mutat be, amint Szent György megöl egy sárkányt. A színek ragyogóak és drágakő-szerűek, mint az ólomüvegeknél, az arany pedig csillog az oldal felett. Kitűnően finom leveles és virágmintás szegélyszöveg. A művészek valószínűleg nagyítót használtak az ilyen bonyolult munkák elkészítéséhez.

Olaszország: Cimabue és Giotto

Az olasz művészek a 13. század végén még bizánci stílusban dolgoztak. Az emberalakokat laposra és dekoratívra tették. Az arcok ritkán mutattak kifejezést. A testek súlytalanok voltak, és inkább lebegtek, semmint szilárdan álltak a földön. Firenzében Cimabue (1240-1302) festő megpróbálta modernizálni a régi bizánci technikákat. A Madonna trónoló angyalai a szokásosnál aktívabbak a korabeli festményeken. Gesztusaik, arcuk egy kicsit emberibb érzést mutat. Cimabue a monumentalitás vagy a nagyszerűség új érzését adta festményeihez. Továbbra is követte azonban számos bizánci hagyományt, például az arany hátteret és a tárgyak és figurák mintás elrendezését.

A nagy firenzei művész, Giotto (1267-1337) volt az, aki valójában szakított a bizánci hagyományokkal. A padovai Aréna kápolnájában készült freskósorozata messze maga mögött hagyja a bizánci művészetet. Valódi érzelem, feszültség és naturalizmus rejlik ezekben a jelenetekben Mária és Krisztus életéből. Az emberi melegség és együttérzés minden tulajdonsága megvan. Az emberek nem tűnnek teljesen valószerűtlennek vagy mennyeinek. Giotto beárnyékolta a figurák körvonalait, és mély árnyékokat helyezett el a köntösök redőiben, hogy a kerekség és a szilárdság érzetét keltsék.

Kis paneljeihez Giotto tiszta tojástemperát használt, egy olyan táptalajt, amelyet a firenzeiek tökéletesítettek a 14. században. Színeinek tisztasága és ragyogása bizonyára erős hatással volt a bizánci panelek sötét színeihez szokott emberekre. A temperafestmények azt a benyomást keltik, mintha lágy nappali fény hullana a színpadra. Szinte lapos megjelenésűek, ellentétben egy olajfestmény fényével. A tojástempera maradt a fő szín egészen addig, amíg a 16. században szinte teljesen fel nem váltotta az olaj.

Késő középkori festészet az Alpoktól északra

A 15. század elején a művészek in Észak-Európa az olasz festészettől teljesen eltérő stílusban dolgozott. Az északi művészek a realizmust úgy érték el, hogy számtalan részletet adtak festményeikhez. Minden hajat finoman határoztak meg, és a drapériák vagy a padló minden részletét pontosan beállították. Az olajfestmény feltalálása megkönnyítette a részletek részletezését.

Jan van Eyck (1370-1414) flamand festő jelentős mértékben hozzájárult az olajfestészet fejlődéséhez. Tempera használatakor a színeket külön kell felvinni. Nem tudják jól árnyékolni egymást, mert a festék gyorsan szárad. A lassan száradó olajjal a művész összetettebb hatásokat érhet el. 1466-1530 közötti portréi flamand olajtechnikával készültek. Minden részlet és még a tükörtükrözés is tiszta és pontos. A szín tartós, kemény, zománcszerű felülettel rendelkezik. Az alapozott fapanelt ugyanúgy készítették elő, ahogy Giotto a paneleit temperára készítette. Van Eyck a festményt finom, máznak nevezett színű rétegekben készítette. A temperát valószínűleg az eredeti aljnövényzetben és a kiemelésekhez használták.

Olasz reneszánsz

Amíg van Eyck északon dolgozott, az olaszok a művészet és az irodalom aranykorába léptek. Ezt az időszakot nevezik reneszánsznak, ami újjászületést jelent. Az olasz művészeket az ókori görögök és rómaiak szobrai ihlették. Az olaszok a klasszikus művészet szellemét akarták feléleszteni, amely az emberi függetlenséget és a nemességet dicsőíti. A reneszánsz művészek továbbra is vallásos jeleneteket festettek. De hangsúlyozták a földi életet és az emberi teljesítményt is.

Firenze

Giotto 14. század elején elért eredményei a reneszánsz kezdetét jelentették. A 17. század olasz művészei folytatták. Masaccio (1401-1428) a reneszánsz művészek első generációjának egyik vezetője volt. Firenzében élt, egy gazdag kereskedővárosban, ahol a reneszánsz művészet kezdődött. A húszas évek végén bekövetkezett halálakor forradalmasította a festészetet. Híres "The Tribute Money" című falfestményén tömör szobrászati ​​figurákat helyez el egy olyan tájon, amely úgy tűnik, messzire nyúlik. Masaccio tanulmányozhatta a perspektívát Brunelleschi firenzei építész és szobrász (1377-1414) mellett.

A freskótechnika nagyon népszerű volt a reneszánsz idején. Különösen alkalmas volt nagyméretű festményekhez, mert a freskó színei szárazak és tökéletesen laposak. A kép bármilyen szögből megtekinthető tükröződés és tükröződés nélkül. Freskók is rendelkezésre állnak. A művészeknek általában több asszisztense is volt. A munka darabonként történt, mert addig kellett befejezni, amíg a vakolat még nedves volt.

Masaccio teljes „háromdimenziós” stílusa a 15. századi új progresszív mozgalomra volt jellemző. A Fra Angelico stílus (1400-1455) sok művész által használt hagyományosabb megközelítés. korai reneszánsz. Kevésbé foglalkozott a perspektívával, és jobban érdekelte a dekoratív tervezés. A „Szűz megkoronázása” a tempera példája a legszebb előadásban. Vidám, gazdag színek arannyal és arannyal kihangsúlyozva. A kép úgy néz ki, mint egy nagyított miniatűr. A hosszú, keskeny figuráknak nem sok közük van Masacciohoz. A kompozíció nagy mozgásvonalakba szerveződik, amelyek Krisztus és Mária központi alakja körül kavarognak.

Egy másik firenzei, aki hagyományos stílusban dolgozott, Sandro Botticelli (1444-1515). Áramló ritmikus vonalak kötik össze Botticelli „Tavasz” című művének szakaszait. Jobbról elsuhan a tavasz figurája, amelyet a nyugati szél visz. A három grácia körben táncol, ruháik rebbenő redői, kezük kecses mozdulatai kifejezik a tánc ritmusát.

Leonardo da Vinci (1452-1519) Firenzében tanult festészetet. Az övéiről ismert tudományos kutatásés találmányai, valamint festményei. Nagyon kevés festménye maradt fenn, részben azért, mert gyakran kísérletezett a festék létrehozásának és felhordásának különböző módjaival, ahelyett, hogy bevált módszereket használt volna. Az Utolsó vacsora (1495 és 1498 között festve) olajjal készült, de sajnos Leonardo egy nedves falra festette, amitől a festék megrepedt. De még rossz állapotban is (restaurálás előtt) a kép képes volt érzelmeket gerjeszteni mindenkiben, aki látja.

Leonardo stílusának egyik megkülönböztető vonása a fények és a sötétség ábrázolásának módszere volt. Az olaszok félsötét világítását "sfumato"-nak nevezték, ami azt jelenti, füstös vagy ködös. A Sziklák Madonnája alakjait sfumato atmoszféra borítja. Alakjuk és vonásaik lágy árnyalatúak. Leonardo ezeket a hatásokat a világos és sötét tónusok nagyon finom gradációjával érte el.

Róma

A reneszánsz festészet csúcspontja a 16. században következett be. Ezzel egy időben a művészet és a kultúra központja Firenzéből Rómába költözött. IV. Sixtus pápa és utódja, II. Julius alatt Róma városát reneszánsz művészek dicsőségesen és gazdagon díszítették. Ennek az időszaknak a legambiciózusabb projektjei még II. Julius pápasága idején indultak. Julius a nagy szobrászt és festőt, Michelangelót (1475-1564) bízta meg a Sixtus-kápolna mennyezetének megfestésével és a pápa sírjának szobrának faragásával. Julius Raphael (1483-1520) festőt is meghívta a Vatikán díszítésére. Raphael asszisztenseivel kifestette a pápa négy szobáját a Vatikáni Palotában.

Michelangelo, születése szerint firenzei származású, monumentális festészeti stílust alakított ki. Festményének figurái olyan tömörek és terjedelmesek, hogy úgy néznek ki, mint egy szobor. A Sixtus-i mennyezet, amely Michelangelónak 4 évig tartott, több száz emberalakból áll Ótestamentum. A grandiózus freskó befejezéséhez Michelangelónak hanyatt kellett feküdnie az állványzaton. A mennyezetet körülvevő próféták közül Jeremiás töprengő arcát egyes szakértők Michelangelo önarcképének tartják.

Raphael nagyon fiatalon érkezett Firenzébe Urbinóból. Firenzében magába szívta Leonardo és Michelangelo gondolatait. Mire Raphael Rómába ment, hogy a Vatikánban dolgozzon, stílusa a legszebbek egyikévé vált. Különösen szerette a Madonnáról és a Gyermekről készült gyönyörű portréit. Ezrével szaporították őket, és mindenhol láthatóak. "Madonna del Granduca" egyszerűségének köszönhetően sikeres. Békességében és tisztaságában időtlen, számunkra éppoly vonzó, mint a Raphael-kor olaszainak.

Velence

Velence a reneszánsz legjelentősebb észak-olasz városa volt. Flandriából és máshonnan érkezett művészek látogatták meg, akik tisztában voltak a flamand olajfesték-kísérletekkel. Ez ösztönözte a korai használatot olajtechnológia V olasz város. A velenceiek megtanultak festeni szorosan megfeszített vászonra, nem pedig a Firenzében általánosan használt fapanelekre.

Giovanni Bellini (1430-1515) a 15. század legnagyobb velencei festője volt. Egyike volt az első olasz festőknek, aki olajat használt vászonra. Giorgione (1478-1151) és Tizian (1488-1515), aki a leghíresebb velencei festő, Bellini műtermében voltak tanoncok.

Tizian olajmester hatalmas vásznakat festett meleg, gazdag színekkel. Érett festményein a részleteket feláldozta, hogy lenyűgöző hatásokat hozzon létre, például a Pesaro Madonnában. Nagy ecseteket használt nagy vonásokhoz. Színei különösen gazdagok, mert türelmesen alkotott kontrasztos színű mázakat. Jellemzően barna temperált felületre kerültek mázak, amelyek egységes tónust adtak a festménynek.

A 16. század másik nagy velencei festője Tintoretto (1518-1594) volt. Tiziannal ellentétben ő általában közvetlenül a vászonra dolgozott előzetes vázlatok és körvonalak nélkül. Formáit gyakran eltorzította (csavarta) a cselekmény kompozíciója és drámaisága érdekében. Technikája, amely széles vonásokat, valamint a világos és a sötét drámai kontrasztját tartalmazza, nagyon modernnek tűnik.

A művészt, Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) El Greco ("A görög") néven ismerték. A velencei hadsereg által megszállt Kréta szigetén született El Grecot olasz művészek képezték ki. Fiatalon Velencébe ment tanulni. A bizánci művészet együttes hatása, amelyet Krétán látott maga körül, ill olasz művészet reneszánsz, kiemelkedővé tette El Greco munkásságát.

Festményein eltorzította természetes formákés még furcsább, földöntúlibb színeket használt, mint az általa csodált Tintoretto. Később El Greco Spanyolországba költözött, ahol a spanyol művészet sivársága befolyásolta munkásságát. Toledói drámai víziójában vihar tombol a város halálos csendjén. Hideg kékek, zöldek és kék-fehérek viszik a hideget a tájra.

Reneszánsz Flandriában és Németországban

A festészet aranykora Flandriában (ma Belgium és Észak-Franciaország része) a 15. század volt, van Eyck kora. A 16. században sok flamand művész utánozta olasz művészek a reneszánsz. Néhány flamand azonban folytatta a realizmus flamand hagyományát. Aztán elterjedt a műfaji festészet – olyan jelenetek a hétköznapokból, amelyek hol elbűvölőek, hol fantasztikusak voltak. Hieronymus Bosch (1450-1515), aki megelőzte a műfajfestőket, szokatlanul élénk fantáziával rendelkezett. Mindenféle furcsa, groteszk lényekkel rukkolt elő a Szentek megkísértéséhez. Anthony". Idősebb Pieter Brueghel (1525-1569) szintén a flamand hagyomány szerint dolgozott, de perspektívát és más reneszánsz jellegzetességeket adott műfaji jeleneteihez.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein ifjabb (1497-1543) és Lucas Cranach idősebb (1472-1553) a 16. század három legjelentősebb német festője volt. Sokat tettek a korai német festészet komor realizmusának tompításáért. Dürer legalább egyszer ellátogatott Olaszországba, ahol lenyűgözték Giovanni Bellini és más észak-olasz festményei. Ezzel a tapasztalattal a német festészetbe a perspektíva ismeretét, a szín- és fényérzéket, valamint a kompozíció új megértését oltotta el. Holbein még több olasz vívmányt tanult meg. Érzékeny rajza és csak a legfontosabb részletek kiválasztásának képessége portréfestő mesterré tette.

barokk festészet

A 17. századot a művészet barokk korszakként ismeri. Olaszországban Caravaggio (1571-1610) és Annibale Carracci (1560-1609) festők két ellentétes nézőpontot képviseltek. Caravaggio (valódi nevén Michelangelo Merisi) mindig közvetlenül az élet valóságából merített ihletet. Egyik fő problémája az volt, hogy a természetet minél közelebbről lemásolja anélkül, hogy bármilyen módon dicsőítette volna. Carracci viszont a reneszánsz szépségeszményt követte. Tanulmányozta az ókori szobrászatot, valamint Michelangelo, Raphael és Tizianus munkáit. Caravaggio stílusát sok művész csodálta, különösen a spanyol Ribera és a fiatal Velázquez. Carracci ihlette Nicolas Poussint (1594-1665), a 17. század híres francia festőjét.

Spanyolország

Diego Velázquez (1599-1660), IV. Fülöp spanyol király udvari festője, az egyik legnagyobb spanyol festő volt. Tizian munkájának csodálója volt, mestere volt a gazdag, harmonikus színhasználatnak. Egyetlen művész sem végezhetett volna jobban a gazdag szövetek vagy az emberi bőr illúziójának megteremtésében. A kis herceg Philip Prosper portréja ezt a képességet mutatja.

Flandria

Pieter Paul Rubens (1577-1640) flamand festő festményei a barokk stílus megtestesítői színesben. Tele vannak energiával, színekkel és fénnyel. Rubens szakított a flamand kisképfestési hagyományokkal. Vászonai hatalmasak, tele emberi alakokkal. Több megrendelést kapott nagyobb festményekre, mint amennyit elbírt. Ezért gyakran csak egy kis színes vázlatot rajzolt. Ezután asszisztensei áthelyezték a vázlatot egy nagy vászonra, és Rubens irányításával befejezték a festményt.

Hollandia

Eredmények holland festő Rembrandt (1606-1669) a történelem legkiemelkedőbbjei közé tartozik. Csodálatos ajándéka volt - az emberi érzelmek pontos rögzítése és közvetítése. Tizianhoz hasonlóan ő is hosszú ideig dolgozott többrétegű festmények létrehozásán. A földszínek - sárga okker, barna és barna-vörös - voltak a kedvencei. Festményei többnyire sötét színekkel készültek. A sötét réteges részek jelentősége szokatlanná teszi technikáját. A hangsúlyt a világos területekhez viszonyított erős megvilágítás közvetíti.

Jan Vermeer (1632-1675) a holland festők azon csoportjai közé tartozott, akik a hétköznapi élet szerény jeleneteit festették. Mestere volt mindenféle textúra festésében - szatén, perzsaszőnyegek, zsemlemorzsa, fém. Vermeer belső terének összbenyomása egy napfényes, vidám szoba, tele ikonikus háztartási cikkekkel.

18. századi festészet

A 18. században Velence kiváló művészeket hozott létre. A leghíresebb Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) volt. A paloták és egyéb épületek belsejét grandiózus, színes freskókkal díszítette, amelyek a gazdagság színtereit ábrázolják. Francesco Guardi (1712-1793) nagyon ügyesen bánt az ecsettel, néhány színfolttal meg tudta varázsolni egy csónakban ülő apró figurát. Antonio Canaletto (1697-1768) látványos kilátásai Velence múltjának dicsőségét énekelték.

Franciaország: rokokó stílusban

Franciaországban a 18. század elején a pasztell színek és a bonyolult díszítés ízlése vezetett a rokokó stílus kialakulásához. Jean Antoine Watteau (1684-1721), XV. Lajos király udvari festője, majd François Boucher (1703-1770) és Jean Honoré Fragonard (1732-1806) rokokó irányzatokhoz kapcsolódott. Watteau álmodozó látomásokat írt, egy életet, amelyben minden szórakoztató. A stílus alapja a parkokban való piknik, erdei bulik, ahol vidám urak és elegáns hölgyek szórakoznak a természetben.

Más 18. századi művészek jeleneteket ábrázoltak hétköznapi élet középosztály. A holland Vermeerhez hasonlóan Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) is nagyra értékelte az egyszerű hazai jeleneteket és csendéleteket. Színei józanok és nyugodtak Watteau-hoz képest.

Anglia

A 18. században a britek először külön festőiskolát alakítottak ki. A magot főleg portréfestők alkották, akikre a velencei reneszánsz festők hatásai voltak. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) és Thomas Gainsborough (1727-1788) a legismertebbek. Reynolds, aki Olaszországban utazott, a reneszánsz festészet eszméit követte. Bájos és megható portréi sem színben, sem textúrában nem különösebben érdekesek. Gainsborough-nak viszont volt tehetsége a ragyogáshoz. Festményeinek felületei sugárzó színnel ragyognak.

19. századi festészet

A 19. századot olykor úgy tekintik, mint az időszakot, amikor a modern művészet kezdett formát ölteni. Az úgynevezett művészeti forradalom egyik fontos oka ebben az időben a fényképezőgép feltalálása volt, ami miatt a művészek újragondolták a festészet célját.

Több fontos esemény Széles körben elterjedtek az előregyártott festékek. A 19. századig a legtöbb művész vagy asszisztense saját kezűleg készítette el festékeit pigment csiszolásával. A korai kereskedelmi festékek rosszabbak voltak, mint a kézi festékek. A 19. század végén a művészek felfedezték, hogy a sötétkék és a barna több korai festmények néhány éven belül feketévé vagy szürkévé vált. Újra tiszta színeket kezdtek használni, hogy megmentsék munkájukat, és néha azért, mert megpróbálták pontosabban visszaverni a napfényt az utcai jelenetekben.

Spanyolország: Goya

Francisco Goya (1746-1828) volt az első nagy spanyol festő, aki a 17. századból emelkedett ki. A spanyol udvar kedvenc festőjeként számos portrét készített a királyi családról. A királyi karakterek elegáns ruhákkal és finom ékszerekkel vannak felszerelve, de egyes arcukon csak a hiúság és a kapzsiság tükröződik. A portrék mellett Goya olyan drámai jeleneteket is festett, mint az 1808. május harmadika. Ez a festmény spanyol lázadók egy csoportját ábrázolja, akiket francia katonák végeznek ki. A világos és sötét és komor színek merész kontrasztjai, vörös fröccsökkel átütve, a látvány zord rémét idézik.

Bár Franciaország az 1800-as években a művészet nagy központja volt, John Constable (1776-1837) és Joseph Mallord William Turner (1775-1851) angol tájfestők értékes hozzájárulást nyújtottak a 19. századi festészethez. Mindkettőt érdekelte a fény és a levegő festése, a természet két aspektusa, amelyet a 19. századi művészek teljes mértékben feltártak. A rendőrtiszt az osztásnak vagy a törött színnek nevezett módszert használta. Kontrasztos színeket használt a fő háttérszín helyett. Gyakran használt palettakést a szín szoros felviteléhez. A "Hay Wain" című festmény tette híressé, miután 1824-ben Párizsban bemutatták. Ez egy egyszerű falusi szénafőzési jelenet. Felhők sodródnak a napfény foltokkal borított réteken. Turner festményei drámaibbak, mint Constableé, aki a természet fenséges látványait festette meg - viharokat, tengeri tájakat, lángoló naplementéket, magas hegyeket. Az aranyszínű homály gyakran részben eltakarja a festményein szereplő tárgyakat, és úgy tűnik, mintha egy végtelen térben lebegnének.

Franciaország

Napóleon uralkodása és Francia forradalom a francia művészetben két ellentétes irányzat – a klasszicizmus és a romantika – megjelenését jelentette. Jacques Louis David (1748-1825) és Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) az ókori görög és római művészet, valamint a reneszánsz ihlette. Hangsúlyozták a részleteket, és színeket használtak a tömör formák létrehozásához. A forradalmi kormány kedvenc művészeként David gyakran festette meg annak az időszaknak a történelmi eseményeit. Portréin, mint például Madame Recamier, a klasszikus egyszerűségre törekedett.

Théodore Guéricault (1791-1824) és a romantikus Eugène Delacroix (1798-1863) fellázadt David stílusa ellen. Delacroix számára a szín volt a legfontosabb elem a festészetben, és nem volt türelme klasszikus szobrokat utánozni. Ehelyett Rubent és a velenceieket csodálta. Fénytől szikrázó, mozgással teli festményeihez színes, egzotikus témákat választott.

A barbizoni festők is részei voltak az általános romantikus mozgalomnak, amely körülbelül 1820-tól 1850-ig tartott. Barbizon falu közelében dolgoztak, a fontainebleau-i erdő szélén. Ihletet merítettek a természetből, és műtermükben készítették el a festményeket.

Más művészek is kísérleteztek mindennapi, közös témákkal. Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) tájképei a természet szeretetét tükrözik, az emberi testet vizsgáló tanulmányai pedig egyfajta kiegyensúlyozott nyugalmat mutatnak. Gustave Courbet (1819-1877) realistának nevezte magát, mert a világot olyannak ábrázolta, amilyennek látta – még a durva, kellemetlen oldalát is. A palettáját csak néhány komor színre korlátozta. Edouard Manet (1832-1883) is a külvilágból vette az alapot alanyaihoz. Az embereket megdöbbentették színes kontrasztjai és szokatlan technikái. Festményeinek felülete gyakran lapos, mintás ecsetmintázatú. Manet módszerei a fényeffektusok formázásában nagy hatást gyakoroltak a fiatal művészekre, különösen az impresszionistákra.

Az 1870-es és 1880-as években egy impresszionistákként ismert művészcsoport pontosan olyannak akarta ábrázolni a természetet, amilyen volt. Sokkal tovább mentek, mint Constable, Turner és Manet a fény színhatásainak tanulmányozásában. Néhányuk tudományos színelméleteket dolgozott ki. Claude Monet (1840-1926) gyakran festette ugyanazt a képet a nap különböző szakaszaiban, hogy megmutassa, hogyan változik az eltérő fényviszonyok között. Bármi legyen is a téma, festményei több száz apró vonásból állnak egymás mellett, gyakran kontrasztos színekben. Távolról a vonások összekeverednek, és szilárd formák benyomását keltik. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) az impresszionizmus módszereivel örökítette meg a párizsi élet ünnepét. A „Tánc a Moulin de la Galette-ben” című művében élénk színű ruhás emberek tolongtak és vidáman táncoltak. Renoir apró vonásokkal festette meg az összképet. A pontok és a festékvonások olyan textúrát hoznak létre a festmény felületén, amely különleges megjelenést kölcsönöz neki. Az emberek tömegei feloldódni látszanak napfényés csillogó színek.

20. századi festészet

Számos művész hamarosan elégedetlen lett az impresszionizmussal. Az olyan művészek, mint Paul Cézanne (1839-1906), úgy érezték, hogy az impresszionizmus nem írja le a formák szilárdságát a természetben. Cezanne szeretett csendéleteket festeni, mert lehetővé tették számára, hogy a gyümölcsök vagy más tárgyak formájára és elrendezésére összpontosítson. Csendéleteinek témái szilárdnak tűnnek, mert egyszerű geometriai formákká redukálta őket. A festékfoltok és a gazdag színek rövid vonásai egymás mellé helyezésének technikája azt mutatja, hogy sokat tanult az impresszionistáktól.

Vincent van Gogh (1853-90) és Paul Gauguin (1848-1903) az impresszionisták realizmusára reagált. Ellentétben az impresszionistákkal, akik azt mondták, hogy tárgyilagosan szemlélik a természetet, Van Gogh nem törődött a pontossággal. Gyakran eltorzította a tárgyakat, hogy kreatívabban fejezze ki gondolatait. Impresszionista elveket alkalmazva a kontrasztos színeket egymás mellé helyezte. Néha a tubusokból közvetlenül a vászonra préselte a festéket, mint a "Sárga kukoricatáblában".

Gauguin nem törődött az impresszionisták foltos színével. Simán felvitte a színt a nagy lapos területekre, amelyeket vonalakkal vagy sötét szélekkel választott el egymástól. Témája nagy részét a színes trópusi népek adták.

Cezanne módszerét az egyszerű geometriai formákkal való térteremtésre Pablo Picasso (1881-1973), Georges Braque (1882-1963) és mások dolgozták ki. Stílusuk kubizmus néven vált ismertté. A kubisták úgy festették a tárgyakat, mintha egyszerre több szögből is láthatóak lettek volna, vagy mintha szétszedték volna és visszarakták volna őket egy lapos vászonra. Gyakran kiderült, hogy a tárgyak nem hasonlítanak semmihez, ami a természetben létezik. Néha a kubisták figurákat vágtak ki szövetből, kartonból, tapétából vagy más anyagokból, és vászonra ragasztották őket kollázs készítéséhez. A textúrákat homok vagy egyéb anyagok hozzáadásával is változtatták.

Az újabb trendek szerint kevesebb hangsúlyt fektetnek a témára. A kompozíció és a képtechnika kezdett nagyobb hangsúlyt kapni.

Diákok, végzős hallgatók, fiatal tudósok, akik a tudásbázist tanulmányaikban és munkájukban használják, nagyon hálásak lesznek Önnek.

BEVEZETÉS

1. FESTÉS TÍPUSAI

2. FESTMÉNY ÉS MŰFAJAI

KÖVETKEZTETÉS

BIBLIOGRÁFIA

BEVEZETÉS

A "festmény" szó az "élő" és az "írni" szavakból keletkezik. „Festés – magyarázza Dahl –, hogy helyesen és élénken ábrázoljunk ecsettel vagy szavakkal, tollal.” Egy festő számára a helyes ábrázolás pontos közvetítést jelent. kinézet látható, legfontosabb jellemzői. Grafikus eszközökkel - vonallal és hangszínnel - helyesen lehetett közvetíteni őket. De közvetítsd ezeket szemléletesen korlátozott eszközökkel a környező világ sokszínűsége, az élet lüktetése egy tárgy színes felületének minden centiméterében, ennek az életnek a varázsa és az állandó mozgás, változás lehetetlen. A festészet, a képzőművészet egyik fajtája, segít valóban tükrözni a való világ színeit.

A szín - a festészet fő képi és kifejező eszköze - tónussal, telítettséggel és könnyedséggel rendelkezik; egésszé olvasztja össze mindazt, ami a témában jellemző: a vonallal ábrázolhatót és azt is, ami számára hozzáférhetetlen.

A festészet a grafikához hasonlóan világos és sötét vonalakat, vonásokat és foltokat használ, de vele ellentétben ezek a vonalak, vonások és foltok színesek. Csillogáson és erősen megvilágított felületeken keresztül közvetítik a fényforrás színét, tárgyi (lokális) színnel és a környezet által visszavert színnel háromdimenziós formát faragnak, térbeli kapcsolatokat és mélységet hoznak létre, ábrázolják a tárgyak textúráját és anyagiságát.

A festészet feladata nemcsak megmutatni valamit, hanem feltárni az ábrázolt belső lényegét, reprodukálni a "tipikus szereplőket tipikus körülmények között". Ezért az életjelenségek valódi művészi általánosítása az alapja a realista festészet alapjainak.

1. FESTÉS TÍPUSAI

monumentális festészet egy különleges fajta festményeképítészeti építmények falainak és mennyezeteinek nagyszabású díszítése. Feltárja a társadalom fejlődésére pozitív hatást gyakorló jelentősebb társadalmi jelenségek tartalmát, dicsőíti és állandósítja azokat, segítve a hazaszeretet, a haladás és az emberség jegyében való nevelést. A monumentális festészet tartalmi magasztossága, alkotásainak jelentős mérete, az építészettel való kapcsolata nagy színtömegeket, a kompozíció szigorú egyszerűségét és lakonizmusát, a kontúrok letisztultságát és a plasztikus forma általánosítását kívánja meg.

dekoratív festésÉpületek és belső terek díszítésére használják színes panelek formájában, amelyek valósághű képpel a faláttörés illúzióját keltik, a helyiség méretének vizuális növekedését, vagy éppen ellenkezőleg, a szándékosan lapított formák megerősítik. a fal síksága és a tér elszigeteltsége. A monumentális festészet és szobrászat alkotásait díszítő minták, koszorúk, füzérek és egyéb dekorok összekapcsolják a belső tér minden elemét, kiemelve azok szépségét, összhangját az építészettel.

Színházi és dekoratív festészet(díszlet, jelmezek, sminkek, kellékek, a művész vázlatai alapján készült) segíti az előadás tartalmának mélyebb feltárását. A díszlet érzékelésének speciális színházi feltételei megkövetelik a közönség sokféle nézőpontjának, nagy távolságának, a mesterséges megvilágítás és a színes kiemelések hatásának figyelembevételét. A díszlet képet ad a cselekmény helyéről és időpontjáról, aktiválja a néző érzékelését a színpadon zajló eseményekről. A színházművész a jelmez- és sminkvázlatokban igyekszik élesen kifejezni a szereplők egyéni karakterét, társadalmi helyzetét, a kor stílusát és még sok minden mást.

miniatűr festmény nagymértékben fejlődött a középkorban, a nyomtatás feltalálása előtt. A kézzel írott könyveket a legfinomabb fejdíszekkel, végződésekkel és részletes miniatűr illusztrációkkal díszítették. A miniatűrök festési technikájával az első orosz művészek fele XIX századig ügyesen használta kis (főleg akvarell) portrék készítésére. Az akvarell tiszta mély színei, kifinomult kombinációi, a festmény finomsága megkülönbözteti ezeket a kecses és nemes portrékat.

festőállvány festés, szerszámgépen - festőállványon végzett, anyagi alapként fát, kartont, papírt, de leggyakrabban hordágyra feszített vásznat használ. festőállvány festés lévén önálló alkotás, abszolút mindent meg tud ábrázolni: tényszerűt és művész által kitalált, élettelen tárgyakat és embereket, modernitást és történelmet - egyszóval az életet minden megnyilvánulásában. A grafikával ellentétben a festőállvány festészet színgazdagsággal rendelkezik, amely segít érzelmileg, lélektanilag sokrétűen és finoman átadni a környező világ szépségét.

A technika és a kivitelezés módja szerint a festészetet olajra, temperára, freskóra, viaszra, mozaikra, ólomüvegre, akvarellre, gouachera, pasztellre osztják. Ezek az elnevezések a kötőanyagból vagy az anyagi és technikai eszközök felhasználási módjából származtak.

Olajfestmény növényi olajokról letörölt festékkel készült. A vastag festék, ha olajat vagy speciális hígítót, lakkot adnak hozzá, elfolyósodik. olajfesték dolgozhatsz vászonra, fára, kartonra, papírra, fémre.

Tempera a festés tojássárgájára vagy kazeinre készített festékkel történik. A temperafesték vízzel feloldódik, és pépes vagy folyékony felületre hordják fel a falra, vászonra, papírra, fára. A Tempera in Rus falfestményeket, ikonokat és mintákat készített háztartási cikkekre. Korunkban a temperát a festészetben és a grafikában, a művészetben és a kézművességben, valamint a művészetben és a tervezésben használják.

freskófestés vizes bázisú festékekkel nedves vakolatra felvitt monumentális és dekoratív kompozíciók formájában díszíti a belső tereket. A freskó kellemes matt felületű, beltéri körülmények között is tartós.

viaszfestés(enkausztikát) művészek használták Az ókori Egyiptom, amit a híres "Fayum portrék" (i.sz. I. század) bizonyítanak. Az enkausztikában a kötőanyag fehérített viasz. A viaszfestékeket olvadt állapotban fűtött alapra hordják fel, majd cauterizálják.

mozaikfestés, vagy mozaik, különálló smalt vagy színes kövek darabokból áll össze és egy speciális cement alapra rögzítik. Átlátszó smalt a földbe helyezve különböző szögekből, visszaveri vagy megtöri a fényt, aminek következtében a színek villognak és villognak. A mozaikpanelek megtalálhatók a metróban, színházi és múzeumi enteriőrben stb. Ólomüveg festészet - munkák díszítőművészet ablaknyílások díszítésére tervezték bármilyen építészeti szerkezetben. Az ólomüveg ablak erős fémkerettel rögzített színes üvegdarabokból áll. Az ólomüveg színes felületén áttörő fényáram dekoratívan látványos, többszínű mintákat rajzol a belső tér padlójára és falaira.

2. FESTMÉNY ÉS MŰFAJAI

A festészet műfajai (francia műfaj - nemzetség, típus) - a festmények történelmi felosztása a kép témáinak és tárgyainak megfelelően. A modern festészetben a következő műfajok léteznek: portré, történelmi, mitológiai, csata, mindennapi élet, tájkép, csendélet, állati műfaj.

Bár a "műfaj" fogalma viszonylag nemrég jelent meg a festészetben, bizonyos műfaji különbségek már az ókorban is léteztek: állatképek a paleolit ​​korszak barlangjaiban, az ókori Egyiptom és Mezopotámia portréi Kr.e. 3000-ből, tájképek és csendéletek a hellenisztikus és római korban. mozaikok és freskók. A műfaj, mint rendszer kialakulása a festőállványfestészetben Európában a 15-15. században kezdődött. és főként a 17. században ért véget, amikor a képzőművészet műfaji felosztása mellett a kép, téma, cselekmény tárgyától függően megjelent a "magas" és az "alacsony" műfaj fogalma.

A "magas" műfajba a történelmi és mitológiai műfajok, míg az "alacsony" műfajokba portré, tájkép és csendélet tartozott. Ez a műfaji fokozatosság egészen a XIX. Tehát a 17. században Hollandiában éppen az "alacsony" műfajok váltak vezetővé a festészetben (táj, hétköznapi műfaj, csendélet), és a szertartásos portré, amely formálisan az "alacsony" portréműfajhoz tartozott. nem tartozik hozzá.

Az élet, a festészeti műfajok tükröződésének egy formája, teljes stabilitással közös vonásai nem változatlanok, az élettel együtt fejlődnek, a művészet fejlődésével változnak. Egyes műfajok kihalnak vagy új jelentést kapnak (például a mitológiai műfaj), újak keletkeznek, általában a már létezőkön belül (például a táj műfaján belül megjelent egy építészeti táj és egy kikötő). Vannak olyan alkotások, amelyek különböző műfajokat ötvöznek (például hétköznapi műfaj kombinációja tájjal, csoportportré történelmi műfajjal).

A képzőművészetnek azt a műfaját, amely egy személy vagy embercsoport külső és belső megjelenését tükrözi, ún portré. Ez a műfaj nemcsak a festészetben elterjedt, hanem a szobrászatban, grafikában stb. A portréval szemben támasztott fő követelmények a külső hasonlóság átadása és a belső világ, az ember jellemének lényege feltárása. A kép jellege szerint két fő csoportot különböztetnek meg: ünnepi és kamaraportrék. Az ünnepi portré egy személyt ábrázol teljes növekedésben (lovon, állva vagy ülve), építészeti vagy tájképi háttér előtt. Kamaraportréban semleges alapon félalakos vagy mellkasi képet használnak. Az önarckép egy speciális csoportban – a művész önmagáról alkotott képében – kiemelkedik.

A portré a képzőművészet egyik legrégebbi műfaja, eredetileg kultikus célja volt, az elhunyt lelkével azonosították. Az ókori világban a portré jobban fejlődött a szobrászatban, valamint a képi portrékban - az 1. - 3. századi Faiyum portrékban. A középkorban a portré fogalmát felváltották az általánosított képek, bár a történelmi személyek freskókon, mozaikokon, ikonokon és miniatúrákon való ábrázolásában van néhány egyedi vonás. A késő gótika és a reneszánsz a portré fejlődésének viharos korszaka, amikor a portré műfaja kibontakozik, eléri az emberbe vetett humanista hit és lelki életének megértésének csúcsait.

A történelmi eseményeknek és szereplőknek szentelt képzőművészeti műfaj az ún történelmi műfaj. A történelmi műfaj, amelyet a monumentalitás jellemez, már régóta kialakult falfestés. A reneszánsztól a XIX a művészek az ókori mitológia cselekményeit, a keresztény legendákat használták fel. A képen ábrázolt valós történelmi események gyakran mitológiai vagy bibliai allegorikus karakterekkel telítettek.

A történelmi műfaj összefonódik másokkal - a mindennapi műfaj (történelmi és hétköznapi jelenetek), a portré (a múlt történelmi alakjainak képe, portré-történeti kompozíciók), a táj ("történelmi táj"), összeolvad a harci műfajjal.

A történelmi műfaj festőállvány és monumentális formákban, miniatúrákban és illusztrációkban testesül meg. Az ókorból eredő történelmi műfaj a valós történelmi eseményeket mítoszokkal ötvözte. Az ókori kelet országaiban léteztek még szimbolikus kompozíciók (az uralkodó katonai győzelmeinek apoteózisa, egy istenség által a hatalom átruházása) és a falfestmények és domborművek narratív ciklusai is. Az ókori Görögországban voltak szoborképek történelmi hősök, domborművek katonai hadjáratok és diadalok jeleneteivel készültek az ókori Rómában.

Európában a középkorban a történelmi események a krónikák miniatúráiban, ikonokban tükröződtek. A történelmi műfaj a festőállványfestészetben Európában a reneszánsz idején, a 17-18. században kezdett kialakulni. „magas” műfajnak számított, előtérbe helyezve (vallási, mitológiai, allegorikus, tulajdonképpen történelmi cselekményeket).

A történelmi műfaj képei tele voltak drámai tartalommal, magas esztétikai eszmékkel és az emberi kapcsolatok mélységével.

A képzőművészet azon hőseinek és eseményeknek szentelt műfaját, amelyekről az ókori népek mítoszai mesélnek, hívják mitológiai műfaj(a görög. mythos - hagyomány). A mitológiai műfaj érintkezésbe kerül a történelmivel, és a reneszánszban ölt testet, amikor az ókori legendák adták a leggazdagabb lehetőségeket az összetett etikai, gyakran allegorikus felhangokkal rendelkező történetek és szereplők megtestesítésére. A 17. században -- korán századi mitológiai műfaj alkotásaiban egyre bővül az erkölcsi, esztétikai problémák köre, amelyek a magasban testesülnek meg. művészi eszményekés vagy közel kerül az élethez, vagy ünnepi látványt varázsol. A XIX-XX századtól. népszerűvé váltak a germán, kelta, indiai, szláv mítoszok témái.

harci műfaj(francia bataille - csata) egy festészeti műfaj, amely a történelmi, mitológiai műfaj részét képezi, és a csaták, katonai tettek, hadműveletek ábrázolására, a katonai vitézség, a csata dühének, a győzelem diadalának dicsőítésére specializálódott. A harci műfaj más műfajok elemeit is tartalmazhatja - házi, portré, tájkép, állatias, csendélet.

Az a képzőművészeti műfaj, amely az ember mindennapi, személyes életének jeleneteit, a paraszti és városi élet mindennapjait mutatja be, az ún. hétköznapi műfaj. Az ókori kelet falfestményein és domborművein, az ókori vázafestészetben és szobrászatban, a középkori ikonokban és órakönyvekben már az emberek életének és szokásainak megszólítása található. De a hétköznapi műfaj csak a világi festőállványművészet jelenségeként emelkedett ki és kapott jellegzetes formákat. Fő jellemzői a XIV-XV. században kezdtek formálódni. oltárfestményeken, domborműveken, faliszőnyegeken, miniatúrákon Hollandiában, Németországban, Franciaországban. A 16. században Hollandiában a mindennapi műfaj rohamos fejlődésnek indult és elszigetelődött. Egyik alapítója Hieronymus Bosch volt.

A hétköznapi műfaj alakulását Európában nagyban befolyásolta Pieter Brueghel munkássága: áttér a tiszta hétköznapi műfajra, megmutatja, hogy a mindennapi élet lehet tanulmányozás tárgya és szépségforrás. A 17. század a hétköznapi műfaj századának nevezhető Európa valamennyi festészeti iskolájában.

A XVIII. században. Franciaországban a zsánerfestészet a gáláns jelenetek, a "pásztorok" ábrázolásához kötődik, kifinomulttá és kecsessé, ironikussá válik. A hétköznapi műfaj alkotásai sokrétűek: megmutatták a hazai élet melegét és a távoli országok egzotikumát, szentimentális élményeket és romantikus szenvedélyeket. A paraszti élet és a városlakó életének bemutatására összpontosító hétköznapi műfaj élénken fejlődött a 19. századi orosz festészetben: például A. G. Venecianov, P. A. Fedotov, V. G. Perov, I. E. Repin műveiben.

A képzőművészet műfaja, ahol a fő dolog a természet képe, környezet, kilátás nyílik a vidékre, városokra, történelmi emlékekre, ún tájkép(francia fizetés). Van vidéki, városi táj, építészeti, ipari, tengeri (marina) és folyami táj.

Az ókorban és a középkorban a táj megjelenik a templomok, paloták, ikonok és miniatúrák festményein. Az európai művészetben a reneszánsz velencei festői fordultak először a természet képéhez. A 16. századból a táj önálló műfajtá válik, formálódnak fajtái, irányai: lírai, heroikus, dokumentarista táj. A 19. században a táj mestereinek kreatív felfedezései, társadalmi kérdésekkel való telítettsége, a plein air (a természeti környezet képének) fejlesztése az impresszionizmus vívmányaiban csúcsosodott ki, amely új lehetőségeket adott a térbeli mélység festői közvetítésében, a a fény- és levegőkörnyezet változékonysága, a színek összetettsége.

Az a képzőművészeti műfaj, amely háztartási cikkeket, munkát, kreativitást, virágot, gyümölcsöt, döglött vadat, fogott halat, valódi háztartási környezetbe helyezve mutatja be az ún. csendélet(fr. nature morte - holt természet). A csendélet komplexekkel ruházható fel szimbolikus jelentése, díszpanel szerepét tölti be, legyen ún. „megtévesztés”, amely valós tárgyak vagy alakok illuzórikus reprodukálását adja, a valódi természet jelenlétének hatását okozva.

A tárgykép az ókor és a középkor művészetében ismert. De az első csendélet a festőállványfestészetben a velencei művész Jacopo de Barbari festménye: "Fénynyíl és kesztyűs fogoly". A csendéletet már a 16. században is sok típusra osztják: konyhabelső emberekkel vagy anélkül, terített asztal vidéki környezetben, "vanitas" szimbolikus tárgyakkal (virágváza, kialudt gyertya, hangszerek). ). A holland csendélet különösen gazdag volt, szerény színben és ábrázolt dolgokban, de remek a tárgyak kifejező textúrájában, a szín- és fényjátékban.

Az állatokat ábrázoló képzőművészet egy műfaját ún állati műfaj(lat. állat - állat). Az állatművész figyelmet fordít az állat művészi és figurális tulajdonságaira, szokásaira, az alak dekoratív kifejezőképességére, sziluettjére. Az állatok gyakran felruházott emberi jellemvonások, cselekedetek és tapasztalatok. Állatképek gyakran megtalálhatók az ókori szobrászatban, vázafestészetben.

KÖVETKEZTETÉS

Végezetül foglaljuk össze a fentieket:

A festészet monumentális, dekoratív, színházi és dekoratív, miniatűr és festőállványra oszlik.

A technika és a kivitelezés módja szerint a festészetet olajra, temperára, freskóra, viaszra, mozaikra, ólomüvegre, akvarellre, gouachera, pasztellre osztják.

A modern festészetben a következő műfajok léteznek: portré, történelmi, mitológiai, csata, mindennapi élet, tájkép, csendélet, állati műfaj.

A történelmi festészet bizonyos történelmi pillanatok képe, valamint a múlt közéletének alakjai.

A csatafestés célja a csaták, csaták és háborúk megörökítése. A mitológiai festészet mítoszokban, eposzokban és legendákban leírt eseményeket ábrázol.

A háztartási (műfaji) festészet a jelenetek képe való élet, annak valósága és attribútumai.

A tájkép (táj)festészet a természetes természet vagy bármely terület képe.

A portréfestészet egy személy művészi ábrázolása. A portré sajátos típusa az önarckép.

A csendélet különféle élettelen tárgyak, például gyümölcsök, virágok, háztartási cikkek, edények képe, valódi háztartási környezetbe helyezve és kompozíciósan egyetlen csoportba rendezve.

BIBLIOGRÁFIA

1. Batrakova SP A XX. század művésze. és a festészet nyelve. M., 1996.

2. Vipper B.R. Bevezetés a művészettörténeti tanulmányozásba. M., Vizuális művészet, 1985

3. A XX. század nyugati művészete. Klasszikus örökség és modernitás. M, 1992.

4. A külföldi művészet története. M., Vizuális művészet, 1984

5. A világművészet története. 3. kiadás, Academy Publishing House, M., 1998.

6. A konstruktivizmustól a szürrealizmusig. M., 1996.

7. Poljakov V.V. A világművészet története. A XX. századi képzőművészet és építészet. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Kulturológia: Kultúraelmélet és -történet: Tankönyv. -- M.: Eksmo, 2007.

9. Modern nyugati művészet. XX. század: problémák és trendek. M., 1982.

10. Suzdalev P. A festészet műfajairól. // Kreativitás, 2004, 2. sz., 3. P. 45-49.

Hasonló dokumentumok

A táj általános jellemzői, besorolása és típusai, mint a művészeti ágak egyik aktuális műfaja. A táj műfaj sajátosságainak, kapcsolatainak azonosítása a festészetben, fotóban, filmben és televízióban. A fényképezés kialakulásának története a forduló XIX-XX századokban.

absztrakt, hozzáadva: 2014.01.26


A festőállványfestészet, mint önálló művészeti forma fogalma. Koreai festészet a Goguryeo korszakból. Silla képzőművészete és építészete. Kiváló művészek és alkotásaik. A koreai népi festészet tartalmának jellemzői.

absztrakt, hozzáadva: 2012.04.06


A művészet eredete a barlangkorszakban. A művészet fejlődése az ókori Görögországban és Rómában. A festészet fejlődésének jellemzői a középkorban, reneszánszban és barokkban. Művészeti irányzatok a kortárs művészetben. A szépség lényege erkölcsi szempontból.

cikk, hozzáadva: 2011.02.16


A művészet térbeli (plasztikus), időbeli (dinamikus), szintetikus (látványos) csoportokba sorolásának rendszere. Történelmi fejlődés, a művészi anyagok felhasználásának jellemzői és technikái a grafikában, a szobrászatban és a festészetben.

teszt, hozzáadva: 2010.01.29


Tanulmány a képviselőkről olasz iskola festmény. A képzőművészet főbb típusai: festőállvány és alkalmazott grafika, szobrászat, építészet és fotóművészet jellemzőinek jellemzése. Az olajfestékekkel végzett munka technikáinak és módszereinek tanulmányozása.

szakdolgozat, hozzáadva 2012.02.15


A portré mint műfaj a festészetben. A portrékészítés története. Portré az orosz festészetben. A portré kompozíciójának felépítése. Olajfestés technika. A festés alapja. Olajfestékek és ecsetek. Festékpaletta és festékek keverése.

szakdolgozat, hozzáadva: 2015.05.25


A holland művészet eredete és fejlődése a XVII. A holland és holland műfaj és tájfestészet legnagyobb mestereinek munkásságának tanulmányozása. Olyan műfajok sajátosságainak tanulmányozása, mint a hétköznapi műfaj, portré, tájkép és csendélet.

teszt, hozzáadva 2014.12.04


A csendélet, mint a képzőművészet egyik műfaja, a képi előadás készségeinek, képességeinek megismertetése. A folyadék használatának jellemzői akril festékek. Ismerkedés a festés feladataival. Bizánc intenzív aszketikus művészetének elemzése.

szakdolgozat, hozzáadva 2013.09.09


Az önálló művészeti műfajként és a történelmi, hétköznapi eseményeket ábrázoló alkotások háttereként egyaránt létező enteriőrfestészet jellemzői. K. Bryullov, I. Repin festőmesterek festményeinek belső jellemzőinek elemzése.

teszt, hozzáadva: 2011.08.26


Jellemző tulajdonságokókori római művészet. Történelmi gyökerek római kultúra. római festészeti stílus. Az ókori római festészet főbb irányai és változatossága: Fayum portrék, monumentális festészet, etruszk festészet.