इटली का संगीत पूरी दुनिया में जाना जाता है। ऐसा एक भी देश नहीं है और एक भी महाद्वीप ऐसा नहीं है जहां इसके बारे में कुछ न सुना गया हो। इटली को संगीत कला का पालना माना जाता है, वह देश जिसने दुनिया को सबसे बड़ी शैली दी - ओपेरा। इस लेख में, हम आपके साथ इस धूप राज्य की संगीत संस्कृति के इतिहास से कुछ दिलचस्प जानकारी साझा करेंगे।

क्या पूर्णता की कोई सीमा है?

मिलान का ला स्काला ओपेरा हाउस इटली के प्रमुख प्रतीकों में से एक माना जाता है। उन्हें पूरी दुनिया में इतनी पहचान और प्यार क्यों मिला? सब कुछ सरल से बहुत दूर है - थिएटर हर चीज में परिपूर्ण है। एक आश्चर्यजनक रूप से सुंदर इमारत, एक साधारण शैली में रखी गई, उत्कृष्ट ध्वनिकी, एक शानदार ढंग से सजाए गए सभागार में सीटों की सावधानीपूर्वक सोची-समझी व्यवस्था, हमेशा सबसे प्रतिभाशाली कलाकार और अभिनेता, शानदार कंडक्टर और उससे भी अधिक शानदार संगीत ... खैर, और सबसे महत्वपूर्ण रूप से, यह माना जाता है कि इस स्थान के लिए एक आदर्श स्थान पर थिएटर का निर्माण किया गया है। और सभी क्योंकि इसके निर्माण के लिए क्षेत्र की खुदाई के दौरान, बिल्डरों ने संगमरमर का एक विशाल टुकड़ा खोजा, जिस पर प्राचीन रोम के सबसे प्रसिद्ध अभिनेता माइम पाइलेड्स को उकेरा गया था। इस तरह की खोज को ऊपर से एक वास्तविक संकेत माना जाता था, जो जगह की पसंद की शुद्धता की पुष्टि करता है - लेकिन और कैसे, अगर पुरातनता के महानतम त्रासदियों में से एक ने व्यक्तिगत रूप से इसे इंगित किया है?

सुंदर गायन के शिकार

और इस धूप वाले देश को बेल कैंटो का जन्मस्थान भी माना जाता है - गायन की एक गुणी और सुरुचिपूर्ण शैली जिसने पूरी दुनिया को जीत लिया है, एक ऐसी शैली जिसके बिना इटली में बारोक संगीत अकल्पनीय है। और वास्तव में, कोई उदासीन कैसे रह सकता है यदि इस शैली के सभी गायक अपनी आवाज में लगभग पूर्ण हैं? एक असामान्य रूप से विस्तृत स्वर श्रृंखला, बहुत उच्च ध्वनियों को प्रभावित करती है, शानदार रंगरूप, सबसे जटिल मार्ग और सांस लेने की बस अकल्पनीय अवधि। सब कुछ ठीक हो जाएगा, लेकिन मुख्य रूप से पुरुषों ने इस कला में महारत हासिल की।

सुंदर गायन की कला सिखाने के लिए प्रतिभाशाली बालकों का चयन कर विशेष शिक्षण संस्थानों में भेजा जाता था। वहाँ, युवा गायकों को कई वर्षों तक प्रतिदिन गायन सिखाया जाता था। यदि किसी बच्चे ने उत्कृष्ट गायन क्षमता दिखाई, तो उसे बधियाकरण के अधीन किया गया, ताकि उसकी आवाज के तथाकथित "तोड़ने" के बाद, उसके गायन की गुणवत्ता में बदलाव न हो। ऐसे बच्चों से ही अद्भुत आवाज वाले गायक बड़े हुए। सबसे प्रसिद्ध कैस्ट्रेटो गायकों में से एक कार्लो ब्रोस्ची (फ़ारिनेली) है।

लेकिन बच्चों के साथ इन भयानक ऑपरेशनों को करने का ऐसा "फैशन" कहाँ से आया? वहां से, कहां से, जैसा कि वे कहते हैं, उन्होंने उम्मीद नहीं की थी। कास्त्रती गायकों को तीसरी शताब्दी से चर्च सेवाओं में गाने के लिए प्रशिक्षित किया गया है। महिलाओं को कैथोलिक गायन में भाग लेने की सख्त मनाही थी, और ऊँची आवाज़ें आवश्यक थीं। बेल कैंटो की कला 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फली-फूली।

जब उपनाम बाध्य करता है

XV-XVI सदी के उत्तरार्ध की कला के रचनाकारों में सबसे आम उपनामों में से एक एलेग्री है। शायद किसी ने इस पर ध्यान नहीं दिया होता अगर यह इस शब्द का संगीतमय शब्द से सीधा संबंध न होता। संगीत में एलेग्रो का उपयोग गति, संगीत के एक टुकड़े की प्रकृति और यहां तक ​​कि इसके भागों को इंगित करने के लिए किया जाता है। इसलिए, यह बिल्कुल भी आश्चर्य की बात नहीं है कि घोषित युग के रचनाकारों में से कई संगीतकारों ने ऐसा उपनाम रखा है। लेकिन हम केवल एक की ओर मुड़ेंगे, सबसे प्रसिद्ध।

ग्रेगोरियो एलेग्री ने अपना अधिकांश जीवन वेटिकन में सिस्टिन चैपल में काम करने के लिए समर्पित कर दिया, जहाँ उन्होंने खुद को पूरी तरह से चर्च संगीत के लिए समर्पित कर दिया। उनकी सबसे प्रसिद्ध कृति मिसरेरे कहलाती है। काम का नाम इसके पाठ के पहले शब्द से दिया गया है - लैटिन में "मिसरेरे" का अर्थ है "दया करो।" उन्हें अपने समय का मानक माना जाता है, जो इतालवी संगीत की सबसे बड़ी कृति है। और, शायद, इस रचना को समय के साथ संगीत के इतिहास में भुला दिया गया होता, यदि एक के लिए नहीं बल्कि। वेटिकन ने इसकी नकल करने और चर्च से बाहर ले जाने पर सख्ती से मना किया, और डिक्री के उल्लंघन के मामले में बहिष्कार की धमकी दी। तो यह एक दिन तक W. A. ​​Mozart ने यह काम सुना। जब वह घर आया, तो उसने उसे स्मृति से लिख लिया। तो एलेग्री के काम ने दुनिया को देखा, और 14 वर्षीय प्रतिभा को कभी दंडित नहीं किया गया।

बेशक, इतालवी प्रारंभिक संगीत में बहुत सी दिलचस्प बातें हैं, जिनके बारे में आप और बात कर सकते हैं। यह विश्व संस्कृति की सबसे बड़ी और सबसे मूल्यवान परत है, जिसने पूरी दुनिया की संगीत कला को प्रभावित किया। उन्होंने हमारे देश के लिए एक विशेष भूमिका निभाई। इटालियंस ने न केवल रूसियों को ओपेरा की शैली से परिचित कराया, बल्कि रूसी संगीतकारों को यह भी सिखाया कि इसे कैसे बनाया जाए। लेकिन यह पूरी तरह से अलग है, लेकिन कम दिलचस्प कहानी नहीं है।

वीडियो: इटली का संगीत सुनें

सांस्कृतिक रूप से चिथड़े इटली ने दुनिया को कला के क्षेत्र में नायाब मास्टर्स दिए हैं। लेकिन इतालवी प्रतिभाशाली रचनाकार स्वयं लोक संस्कृति, सहित प्रभावित थे। मधुर इतालवी गाने। उनमें से लगभग सभी के पास लेखक हैं, जो, हालांकि, उन्हें लोक कहलाने से नहीं रोकता है।

यह संभवतः संगीत-निर्माण के लिए इटालियंस के स्वाभाविक प्रेम के कारण है। यह कथन दक्षिणी नेपल्स से लेकर उत्तरी वेनिस तक इटली के सभी क्षेत्रों पर लागू होता है, जिसकी पुष्टि देश में आयोजित कई गीत समारोहों से होती है। इतालवी गीत पूरी दुनिया में जाना और पसंद किया जाता है: हमारे माता-पिता अभी भी "बेला चाओ" और "ऑन द रोड" को याद करते हैं - मुस्लिम मैगोमेव द्वारा गाए गए इतालवी लोक गीत, जिन्हें इस देश में गीतों के सर्वश्रेष्ठ कलाकार के रूप में पहचाना जाता है।

अनादि काल से इतालवी लोक गीत

यदि 10वीं शताब्दी तक इतालवी भाषा का विकास हुआ, तो शोधकर्ता इतालवी लोक गीतों की उपस्थिति का श्रेय 13वीं शताब्दी की शुरुआत को देते हैं। ये वे गीत थे जो छुट्टियों के दौरान शहर के चौराहों में घूमते बाजीगर और मिस्त्री गाते थे। उनके लिए विषय प्रेम या पारिवारिक और घरेलू कहानियाँ थीं। उनकी शैली कुछ खुरदरी थी, जो मध्य युग के लिए काफी स्वाभाविक है।

सबसे प्रसिद्ध गीत जो हमारे पास आया है उसे सिसिली चुल्लो डी'अल्कामो द्वारा "कॉन्ट्रास्टो" ("लव डिस्प्यूट") कहा जाता है। यह एक लड़की और उससे प्यार करने वाले एक युवक के बीच के संवाद के बारे में है। इसके अलावा, इसी तरह के संवाद गीतों को जाना जाता है: "आत्मा और शरीर के बीच विवाद", "श्यामला और गोरा के बीच विवाद", "तुच्छ और बुद्धिमान के बीच विवाद", "सर्दियों और गर्मियों के बीच विवाद" .

पुनर्जागरण के दौरान, इटली के निवासियों के बीच रोज़मर्रा के संगीत बनाने का फैशन फैल गया। साधारण नगरवासी संगीत प्रेमियों की मंडलियों में एकत्रित होते थे, जहाँ वे विभिन्न वाद्ययंत्र बजाते थे, शब्दों और धुनों की रचना करते थे। तब से, गाने आबादी के सभी क्षेत्रों में व्यापक हो गए हैं और इटली में हर जगह बज रहे हैं।

संगीत वाद्ययंत्र और इतालवी लोक गीत

लोककथाओं की बात करें तो, उन वाद्ययंत्रों का उल्लेख नहीं करना असंभव है जिनकी संगत में उनका प्रदर्शन किया गया था। उनमें से कुछ यहां हैं:

• एक वायलिन जिसे 15वीं शताब्दी में अपना आधुनिक रूप मिला। राष्ट्रीय मूल के इस उपकरण को इटालियंस बहुत पसंद करते हैं।
• विहुएला का ल्यूट और इसका पाइरेनियन संस्करण। 14 वीं शताब्दी में पूरे इटली में फैले हुए यंत्रों को तोड़ दिया गया।
• तंबूरा। एक प्रकार का तंबूरा जो प्रोवेंस से इटली आया था। टारेंटेला के प्रदर्शन के दौरान नर्तक उनके साथ खुद गए।
• बांसुरी। XI सदी में व्यापक हो जाता है। बहुत बार कलाकार द्वारा डफ के साथ प्रयोग किया जाता है।
• हर्डी-गर्डी एक यांत्रिक पवन उपकरण है जो 17 वीं शताब्दी में इटली में लोकप्रिय हो गया। यह विशेष रूप से यात्रा करने वाले संगीतकारों के बीच प्यार करता था, पापा कार्लो को याद करें।

इतालवी लोक गीत "सांता लूसिया" - नियति संगीत का जन्म

नेपल्स कैंपानिया क्षेत्र की राजधानी है, जो दक्षिणी इटली का सबसे प्रसिद्ध शहर है और आश्चर्यजनक रूप से गेय नियति लोक गीत, सुंदर "सांता लूसिया" का जन्मस्थान है।

असामान्य रूप से सुंदर प्रकृति, सौम्य जलवायु और इसी नाम की खाड़ी के तट पर सुविधाजनक स्थान ने इस शहर और आसपास के क्षेत्र को कई विजेताओं और सामान्य बसने वालों के लिए बेहद आकर्षक बना दिया है। 2500 से अधिक वर्षों के लिए, इस शहर ने कई संस्कृतियों को अपनाया और पुनर्विचार किया जो इस क्षेत्र की संगीत परंपराओं को प्रभावित नहीं कर सके।

नियपोलिटन लोक गीत का जन्म 13वीं शताब्दी की शुरुआत माना जाता है, जब "द सन राइज़" गीत बहुत लोकप्रिय था। यह इतालवी पुनर्जागरण की सुबह है। इतालवी शहरों के तेजी से विकास और अंधेरे युग से मानव चेतना के उद्भव की शुरुआत का समय। इस अवधि तक, लोगों ने नृत्य और गीतों को पापी समझना बंद कर दिया, खुद को जीवन का आनंद लेने की अनुमति देने लगे।

XIV-XV सदियों में। हास्य दोहे लोगों के बीच लोकप्रिय थे, जिनकी रचना उस दिन के विषय पर की जाती थी। 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, विलानेला (इतालवी गांव गीत) का जन्म नेपल्स में हुआ था - एक ल्यूट की संगत में कई स्वरों में दोहे किए गए।

हालाँकि, हमें ज्ञात नीपोलिटन लोक गीत का उदय 19 वीं शताब्दी में आता है। यह इस अवधि के दौरान था कि सबसे प्रसिद्ध इतालवी गीत "सांता लूसिया" तेओडोरो कॉटराउ द्वारा प्रकाशित किया गया था। यह बारकारोल (बारका शब्द से) की शैली में लिखा गया है, जिसका अर्थ है "नाविक का गीत" या "पानी पर गीत"। यह गीत नियति बोली में किया गया था और तटीय शहर सांता लूसिया की सुंदरियों को समर्पित था। यह एक बोली से इतालवी में अनुवादित पहली नियति कार्य है। यह एनरिको कारुसो, एल्विस प्रेस्ली, रॉबर्टिनो लोरेटी और कई अन्य विश्व प्रसिद्ध कलाकारों द्वारा किया गया था।

मूल नियति पाठ

कम से फ्र?cceca ला लूना चीना…
लो मारे राइड, लोरिया? सेरेना…
वुजे चे फेसाइट 'मिमीज़'आ ला वाया?
सांता लूसिया! सांता लूसिया!

II स्टु वियन्टो फ्रिस्को, एफए रिसिएटारे, ची वी? 'स्पासारसे जे? एननो पे' घोड़ी ...
ई' शीघ्र ई लेस्टा ला वर्का मिया ... सांता लूसिया!
सांता लूसिया! तृतीय ला तन्ना? डाक पे'फ? ना सेना…
ई क्वानो स्टेस ला पांजा चीना, नॉन सी'? ला एम?नेमा मेलानकोनिया!

सांता लूसिया! सांता लूसिया!
प?ज़ो एकोस्टारे ला वर्का मिया?
सांता लूसिया!
सांता लूसिया!…

शास्त्रीय इतालवी पाठ (एनरिको कोसोविच, 1849)

सुल मारे लुसिका ल'एस्ट्रो डी'अर्जेंटो।

सुल मारे लुसिका ल'एस्ट्रो डी'अर्जेंटो।
प्लेसिडा? लोंडा, समृद्ध? इल वेंटो।

सांता लूसिया! वेनेट ऑल'एजाइल बरचेट्टा मिया, सांता लूसिया! सांता लूसिया!

कॉन क्वेस्टो ज़ेफिरो, क्योंकि? सोव, ओह, कॉम'? बेलो स्टार सुल्ला नेव!
सु पासगेरी, वेनाइट वाया वाया!
सांता लूसिया!
सांता लूसिया!

सु पासगेरी, वेनाइट वाया वाया!
सांता लूसिया!
सांता लूसिया!

फ़्रे ले टेंडे में, बंदिर ला सेना उना सेरा कॉस में? सेरेना,

सांता लूसिया!
सांता लूसिया!
ची नॉन डिमांडा, ची नॉन देसिया।
सांता लूसिया!
सांता लूसिया!


मार्स? प्लासिडा, वेंटोस? कारो,
स्कोर्डर फा मैं ट्रिबोली अल मारिनारो,
ई वा ग्रिडेंडो कोन एलेग्रिया,
सांता लूसिया! सांता लूसिया!

ई वा ग्रिडेंडो कोन एलेग्रिया,
सांता लूसिया! सांता लूसिया!


हे डोल्से नेपोली, ओ सुओल बीटाटो,
ओवे सॉरिडेरे वोले इल क्रिएटो,
तू सेई ल'इम्पेरो डेल'आर्मोनिया,
सांता लूसिया! सांता लूसिया!

तू सेई ल'इम्पेरो डेल'आर्मोनिया,
सांता लूसिया! सांता लूसिया!


या चे टार्डेट? बेला? ला सेरा।
स्पाइरा उन'औरेटा फ्रेस्का और लेगिएरा।
वेनेट ऑल'एजाइल बरचेट्टा मिया, सांता लूसिया!
सांता लूसिया!

वेनेट ऑल'एजाइल बरचेट्टा मिया, सांता लूसिया!
सांता लूसिया!

रूसी पाठ

समुद्र थोड़ी सांस लेता है
नींद के आराम में
सर्फ की फुसफुसाहट दूर से सुनाई देती है।
आकाश में चमके बड़े सितारे, सांता लूसिया, सांता लूसिया!
आह, क्या शाम है - सितारे और समुद्र!
तलहटी से हल्की हवा चलती है।

सुनहरे सपने लाता है,
सांता लूसिया, सांता लूसिया!
हंस की तरह नाव
दूर तैरता है,
आसमान पर तारे
वे चमकते हैं।

अद्भुत गीत
मैं रात में सुनता हूँ
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
समुद्र के ऊपर शाम
आलस्य से भरपूर
चुपचाप हम गूंजते हैं
गीत परिचित है।

ओह माय नेपल्स
रिश्तेदारों द्वारा दिया गया
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
चांदनी
समुद्र चमक रहा है।

टेलविंड
पाल उगता है।
मेरी नाव हल्की है
पाँव बड़े हैं...
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!

पर्दे के पीछे
नावें एकांत
क्या नजर अंदाज किया जा सकता है
आंखें बेदाग।
कैसे बैठें
रात में ऐसे?

सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
मेरा अद्भुत नेपल्स
ओह, प्यारी भूमि
कहाँ मुस्कुराता है
हम स्वर्ग की तिजोरी हैं।

आत्मा में उत्साह
बेवजह डालो...
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
हम हल्के मार्शमॉलो हैं
चलो दूरी में भागो
और हम जल के ऊपर सीगल की नाईं उठेंगे।

अरे मत हारो
सोने की घडी...
सांता लूसिया,
सांता लूसिया!

समुद्र शांत है
हर कोई प्रशंसा करता है
और नाविकों को धिक्कार है
तुरंत भूल जाओ
वे केवल गाते हैं
गाने दमदार हैं।

सांता लूसिया,
सांता लूसिया
अब तुम्हें किस बात का इंतज़ार है?
समुद्र में शांत।
चाँद चमक रहा है
नीली जगह में
मेरी नाव हल्की है
पाँव बड़े हैं...

सांता लूसिया,
सांता लूसिया!
***

अनास्तासिया कोझुखोवा द्वारा प्रस्तुत इतालवी लोक गीत सांता लूसिया को सुनें:

इसके अलावा, एक और नियति गीत "डिकिटेनसेलो वूई" भी हमारे देश में प्रसिद्ध है, हम "अपनी प्रेमिका को लड़की को बताओ" के रूप में बेहतर जाने जाते हैं। यह गीत 1930 में संगीतकार रोडोल्फो फाल्वो द्वारा लिखा गया था, जिसमें एंज़ो फुस्को के बोल थे। सर्गेई लेमेशेव से लेकर वालेरी लेओनिएव तक के अधिकांश घरेलू कलाकारों द्वारा रूसी भाषा के संस्करण का प्रदर्शन किया गया था। रूसी के अलावा, इस गीत का कई अन्य भाषाओं में अनुवाद किया गया है।

नीपोलिटन गाने पूरी दुनिया में अभूतपूर्व रूप से जाने जाते हैं और पसंद किए जाते हैं। इसका प्रमाण 1920 में एंटवर्प में ओलंपिक खेलों में हुई एक घटना से है। इतालवी टीम के पुरस्कार समारोह के दौरान, यह पता चला कि बेल्जियम के ऑर्केस्ट्रा में इतालवी गान के लिए शीट संगीत नहीं था। और फिर ऑर्केस्ट्रा फूट पड़ा "ओह, माई सन" ("ओ सोल मियो")। माधुर्य के पहले ही स्वर में, स्टेडियम में मौजूद दर्शकों ने गीत के शब्दों के साथ गाना शुरू कर दिया।

नेपल्स और आसपास के क्षेत्र की गीत परंपराओं के बारे में बोलते हुए, कोई भी पीडिग्रोट्टा उत्सव का उल्लेख करने में विफल नहीं हो सकता है, जो सितंबर की शुरुआत में प्रतिवर्ष आयोजित किया जाता है। पाइडिग्रोटा नेपल्स के पास स्थित एक कुटी है, यह एक बार एक मूर्तिपूजक अभयारण्य के रूप में कार्य करता था। 1200 में, इस स्थान को पवित्र करने के लिए, सेंट मैरी का चर्च यहां बनाया गया था, जिसे पीडिग्रोटा के नाम से जाना जाने लगा, जिसका अर्थ है "कुटी के पैर में।"

समय के साथ, वर्जिन मैरी की धार्मिक पूजा और उनके सम्मान में उत्सव एक गीत प्रतियोगिता-उत्सव में बदल गए। इस संगीत समारोह के दौरान, नेपल्स के सर्वश्रेष्ठ लोक कवि और गायक प्रतिस्पर्धा करते हैं। कभी-कभी ऐसा होता है कि दो गानों को समान अंक मिलते हैं। और फिर दर्शकों को दो शिविरों में विभाजित किया जाता है, जिनमें से प्रत्येक अपनी पसंद के राग की रक्षा के लिए अपनी मुट्ठी से तैयार होता है। अगर दोनों गाने वाकई अच्छे हैं, तो दोस्ती जीत जाती है और पूरा शहर इन पसंदीदा धुनों को गुनगुनाता है।

इतालवी लोक गीत "हैप्पी"

काम प्रेम गीत का है, लेकिन पाठ के शब्द युवाओं के विश्वासघात और हवा को नोटिस करते हैं। कहानी एक लड़की के दृष्टिकोण से बताई गई है, जो जैसे थी, अपने दोस्त की ओर मुड़कर पूछती है: क्या वह जानता है कि गेंदों पर महिलाओं की सहवासपूर्ण नज़र के पीछे क्या छिपा है? लड़की खुद अभी तक किसी से प्यार नहीं करती है और इसलिए खुद को सबसे खुश और "सभी रानियों से अधिक आकर्षक" मानती है। एक युवा इतालवी महिला डेज़ी और वायलेट्स के बीच चलती है, पक्षियों की चहकती सुनती है और उन्हें गाती है कि वह कितनी खुश है और वह केवल उन्हें हमेशा के लिए प्यार करना चाहती है।

वास्तव में, यह सटीक रूप से नोट किया गया है कि जब तक किसी अन्य व्यक्ति के लिए आपका प्यार एक दर्दनाक लगाव नहीं बन जाता, तब तक जीवन, प्रकृति और अपने आस-पास के सभी लोगों का आनंद लेने का समय है। जब आप ईर्ष्या और चिंता से जल रहे हों तो यह सब कहाँ ध्यान देने योग्य है।

अनास्तासिया टेपलाकोवा द्वारा प्रस्तुत रूसी में इतालवी लोक गीत "हैप्पी" सुनें:

इतालवी लोक गीतों में हास्य: "पास्ता" के बारे में गाएं

हल्के और हंसमुख इतालवी चरित्र ने हास्य गीतों के व्यापक उपयोग में योगदान दिया। इस तरह के कार्यों के बीच, यह वास्तव में इतालवी व्यंजन को समर्पित "पास्ता" गीत को ध्यान देने योग्य है। इस गीत को गाकर अनाथों और गरीब परिवारों के बच्चों ने राहगीरों से भीख मांगकर अपना जीवन यापन किया। कलाकार के लिंग के आधार पर, पाठ के पुरुष और महिला संस्करण होते हैं। गीत एक टारेंटेला की लय में बनाया गया था।

टारेंटेला एक लोक नृत्य है जो 15वीं शताब्दी से किया जाता रहा है। एक नियम के रूप में, टारेंटेला एक लयबद्ध रूप से दोहराए जाने वाले मूल भाव पर आधारित है। दिलचस्प बात यह है कि इस धुन पर नृत्य करना टारेंटयुला द्वारा काटे गए लोगों के लिए एक उपचार उपकरण माना जाता था। लंबे समय से, संगीतकार इटली की सड़कों पर घूमते रहे हैं, विशेष रूप से "टैरेंटिज्म" वाले रोगियों के लिए इस राग का प्रदर्शन करते हैं।

मैकरोनी (पुरुष संस्करण) एम. उलित्स्की द्वारा अनुवादित

1. मैं खंडहरों के बीच रहता हूँ।
उदास से ज्यादा खुशमिजाज।
मैं खंडहरों के बीच रहता हूँ।
उदास से ज्यादा खुशमिजाज।

मैं खुशी-खुशी एक बेड टेबल और पास्ता के लिए बालकनी वाला एक घर दूंगा।

2. यह स्वादिष्ट डिश आम लोगों की अच्छी दोस्त है.
यह स्वादिष्ट डिश आम लोगों की अच्छी दोस्त है।

लेकिन महत्वपूर्ण लोग पास्ता को सॉस के साथ भी खाते हैं।

3. क्या आप जानना चाहते हैं कि मरने वाला लाल जोकर कैसे बच गया?
क्या आप जानना चाहते हैं कि मरता हुआ लाल जोकर कैसे बच गया?

शुतोव्सकाया ने अपना मुकुट उतार दिया और उसे पास्ता से बदल दिया।

4. हमारा टारेंटेला गाया जाता है, मुझे किसके साथ डिनर पर जाना चाहिए?
हमारा टारेंटेला गाया जाता है, मुझे किसके साथ डिनर पर जाना चाहिए?

बस चिल्लाओ: "पास्ता!" - साथी तुरंत दिखाई देंगे।

पास्ता (महिला संस्करण)

मैं जैतून से भी काला हूँ
मैं बेघर घूम रहा हूँ
और तंबूरा की आवाज के लिए
मैं पूरे दिन नाचने के लिए तैयार हूं
मैं आपके लिए एक टारेंटेला गाऊंगा
बस दयालु बनो
बेच दो और खरीदो
मैकरोनी, पास्ता।

मेरे दोस्त पुल्सीनेलो
दिल में जख्मी तीर था
केवल मैं नहीं चाहता था कि पुल्सीनेलो पत्नी बने।
उसने लगभग खुद को गोली मार ली
लगभग बालकनी से कूद गया
लेकिन वह जुनून से ठीक हो गया था,
बस पास्ता निगल रहा है।

मैं अपने भाई को सैर पर ले गया,
उसके बाद, प्रिय चला गया,
सैनिकों को कैसे बनाया जाए
क्या हर कोई अहानिकर है?
ताकि बंदूकें न चले,
आपको सभी कारतूस निकालने की जरूरत है,
गोलियों के बजाय बाहर उड़ने के लिए
मैकरोनी, पास्ता।

अगर आप थोड़ा उदास महसूस करते हैं
यदि आप रोग से पीड़ित हैं,
या कभी पेट खाली होता है,
पास्ता आपके लिए अच्छा है!
अलविदा, हस्ताक्षरकर्ता,
अलविदा, सज्जनों डोनास,
आपको बहुत भरा होना चाहिए
और मैं पास्ता की प्रतीक्षा कर रहा हूँ!

मैकचेरोनी

1. Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto।
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.

वेंडरेरी आई मिई कैनज़ोनी प्रति अन सोल पियाटो दा मैकचेरोनी।

2. पुलसिनेला मेज़ो स्पेंटो वोले अ फेयर इल टेस्टीमेंटो।
Pulcinella mezzo स्पेंटो वोले अ फेयर इल टेस्टीमेंटो।

परचे अवेसे दाइ पैड्रोनी उन ग्रोसो पियाटो डि मैकचेरोनी।

3. हो वेदुतो उन बून टेनेंटे चे कैम्बियावा कर्नल सर्जेंट।
हो वेदुतो उन बून टेनेंटे चे कैम्बियावा कर्नल सर्जेंटे।

ले स्पैलिन पे'गैलोनी प्रति अन सोल पियाटो डि मैकचेरोनी।

4. टारेंटेला सी ई कैंटटा,
कारण कार्लिनी सी ई पगाटा।
टारेंटेला सी ई कैंटटा,
कारण कार्लिनी सी ई पगाटा।
सोनो एलेग्रो, या कॉम्पैग्नोनी,
ने कॉम्पेरेमो डे मैकचेरोनी।
सोनो एलेग्रो, या कॉम्पैग्नोनी,
ने कॉम्पेरेमो डे मैकचेरोनी।
***

अन्ना ज़िखालेंको द्वारा प्रस्तुत रूसी में इतालवी लोक गीत "पास्ता" सुनें:

पानी पर विनीशियन गाने

दक्षिणी नेपल्स के अलावा, वेनिस, इटली का उत्तरी मोती, शानदार और अद्भुत गीत परंपराओं द्वारा प्रतिष्ठित है। हम बात कर रहे हैं, सबसे पहले गोंडोलियर्स के गानों की। ये प्रेम रूपांकन बारकारोल शैली के हैं। वे बहुत मधुर और अविचल हैं।

गोंडोलियर की मजबूत और सुंदर आवाज पानी पर ओरों की धीमी गति से गूँजती प्रतीत होती है। अजीब तरह से, 18 वीं शताब्दी तक, पेशेवर संगीतकारों से बारकारोल को उचित ध्यान नहीं मिला। हालांकि, अगली सदी में इस चूक की भरपाई नहीं की जा सकी। त्चिकोवस्की, मेंडेलसोहन, चोपिन, ग्लिंका केवल संगीत प्रतिभाओं की एक छोटी संख्या है जो वेनिस के लोक गीत से मोहित हो गए थे और अपने अमर कार्यों में इसके रूपांकनों को शामिल किया था।

दुर्भाग्य से, आधुनिकता का बारकारोल सहित विनीशियन परंपराओं पर नकारात्मक प्रभाव पड़ता है। इसलिए, उदाहरण के लिए, पर्यटकों के अनुरोध पर, गोंडोलियर्स अक्सर नियति गीत "ओ सोल मियो" गाते हैं, हालांकि गोंडोलियर्स का संघ इसके प्रदर्शन के खिलाफ है, क्योंकि यह वेनिस नहीं है।

इतालवी पक्षपातियों का गीत "बेला चाओ"

इसके अलावा, प्रसिद्ध पक्षपातपूर्ण गीत "बेला चाओ" ("अलविदा सौंदर्य") को अभूतपूर्व लोकप्रियता प्राप्त है। इसे द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान प्रतिरोध के सदस्यों द्वारा गाया गया था। सच है, यह पूरे इटली में नहीं, बल्कि देश के उत्तर में, एपिनेन्स में वितरित किया गया था।

ऐसा माना जाता है कि गाने के बोल किसी पैरामेडिक या डॉक्टर ने लिखे थे। और राग स्पष्ट रूप से पुराने बच्चों के गीत "स्लीपिंग पोशन" से लिया गया है। हालांकि, कैटेनिया विश्वविद्यालय में आधुनिक इतिहास के प्रोफेसर लुसियानो ग्रानोज़ी के अनुसार, 1945 तक "बेला सियाओ" बोलोग्ना के आसपास के क्षेत्र में केवल पक्षपात करने वालों के कुछ समूहों द्वारा किया गया था।

ई पिचिया पिचिया
ला पोर्टिसेला
ई पिचिया पिचिया

ई पिचिया पिचिया
ला पोर्टिसेला डिसेंडो: "ओय बेला, मि वियेनी ए अप्रैल।"
कोन उना मनो अप्रैल?
ला पोर्टा ई कोन ला बोक्का
ला ग्लाइड? अनबेसिन
ला घ'हा दातो उन bacio cos? टैंटो फोर्ट चे
ला सुओई मम्मा ला ल'हा भेजा?.
मा कोसहाई फत्तो, फिग्लियोला मिया,
चे टूटो इल मोंडो परला मल दी ते?
मा लस्सिया प्योर चे
इल मोंडो 'एल डिगा: आईओ वोग्लियो अमारे ची मी अमा मी।
आईओ वोग्लियो अमारे क्वेल जियोवानोटो च्'ल'हा
फेट सेट्टैन्नी डि प्रिजन प्रति मी।
ल'हा फत्त सेट्ट'अन्नी ए सेट्टे
mesi e sette giorni di prigion per me.
ए ला प्रिजियोन
मैं'? टैंटो स्कुरा,
मी फा पौरा,
ला मि फ़ा मोरीरो

बेला चाओ (विकल्पों में से एक)

मैं आज सुबह जागा था

मैं आज सुबह जागा था
और मैंने दुश्मन को खिड़की से देखा!
ओह, पक्षपात करने वालों, मुझे ले लो
ओह बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
ओह पक्षपातियों, मुझे ले लो
मुझे लगता है कि मेरी मृत्यु निकट है!
अगर मेरी किस्मत में युद्ध में मरना तय है
ओह बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
अगर मेरी किस्मत में युद्ध में मरना तय है - मुझे दफना दो।
ऊंचे पहाड़ों में दफनाओ?
ओह बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
ऊंचे पहाड़ों में दफनाओ?
लाल फूल की छाया में !

ओह बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
एक राहगीर गुजरेगा, उसे एक फूल दिखाई देगा
"सुंदर - वह कहेगा - एक फूल!"
वह पक्षपात की स्मृति होगी
ओह बेला सियाओ, बेला सियाओ, बेला सियाओ, सियाओ, सियाओ!
वह पक्षपात की स्मृति होगी
कितनी आज़ादी बहादुरी से गिरी!
***

प्यटनित्सकी गाना बजानेवालों द्वारा प्रस्तुत इतालवी पक्षपातपूर्ण गीत "बेला, सियाओ" को सुनें:

सभी का पसंदीदा पक्षपातपूर्ण गीत "फिशिया इल वेंटो" ("हवा चल रही है") था, इसमें एक स्पष्ट कम्युनिस्ट चरित्र था। इसलिए, युद्ध की समाप्ति के बाद, वैचारिक उद्देश्यों के लिए, इतालवी सरकार ने "बेला चाओ" गीत को बढ़ावा देना शुरू किया। जिसके लिए उन्हें केवल धन्यवाद दिया जा सकता है। किसी भी मामले में, 1947 की गर्मियों में प्राग में आयोजित प्रथम अंतर्राष्ट्रीय युवा और छात्रों के उत्सव के बाद, गीत ने चालीसवें दशक के उत्तरार्ध में विश्व प्रसिद्धि प्राप्त की। उसके बाद, इसे दुनिया भर के प्रसिद्ध और इतने प्रसिद्ध गायकों द्वारा कई बार कवर किया गया।

इतालवी लोक संगीत का विषय इतना विशाल है कि इसे एक लेख के ढांचे के भीतर व्यक्त करना असंभव है। यह इस तथ्य के कारण है कि इटली के पूरे इतिहास ने लोक गीतों में अपना प्रतिबिंब पाया है। एक अविश्वसनीय रूप से मधुर भाषा, शानदार प्रकृति और देश के विकास के अशांत इतिहास ने दुनिया को इतालवी लोक गीत जैसी सांस्कृतिक घटना दी।

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इतालवी संगीत की उत्पत्ति प्राचीन रोम की संगीत संस्कृति में वापस जाती है (प्राचीन रोमन संगीत देखें)। संगीत ने जीवों की भूमिका निभाई। समाज में भूमिका।, राज्य। रोमन साम्राज्य का जीवन, दैनिक जीवन में dec। जनसंख्या के खंड; संगीत समृद्ध और विविध था। औजार। प्राचीन रोमन संगीत के नमूने हम तक नहीं पहुंचे हैं, लेकिन ओ.टी.डी. इसके तत्वों को मध्य युग में संरक्षित किया गया था। मसीह। भजन और लोक संगीत परंपराओं। चौथी शताब्दी में, जब ईसाई धर्म को राज्य घोषित किया गया था। धर्म, रोम, बीजान्टियम के साथ, लिटर्जिकल के विकास के केंद्रों में से एक बन गया। गायन, प्रति-वोनाच। जिसका आधार स्तोत्र था, जिसकी उत्पत्ति सीरिया और फिलिस्तीन से हुई थी। मिलान के आर्कबिशप, एम्ब्रोस ने भजनों के एंटीफ़ोनल गायन (एंटीफ़ोन देखें) के अभ्यास को समेकित किया, जिससे उनकी धुन नर के करीब आ गई। मूल। उनके नाम के साथ पश्चिमी ईसा की एक विशेष परंपरा जुड़ी हुई है। गिरजाघर गायन, जिसे एम्ब्रोसियन कहा जाता है (देखें एम्ब्रोसियन गायन)। चुनाव में। छठी शताब्दी में, पोप ग्रेगरी I के तहत, मसीह के ठोस रूपों पर काम किया गया था। लिटुरजी और उसके संगीत का आदेश दिया। पक्ष। उसी समय रोम में बनाया गया, गायक। स्कूल ("स्कूल कैंटोरम") चर्च-गायकों की एक तरह की अकादमी बन गया। मुकदमा और सर्वोच्च विधायक। इस क्षेत्र में प्राधिकरण। ग्रेगरी I को मुख्य के एकीकरण और निर्धारण का श्रेय दिया गया। धार्मिक भजन। हालांकि, बाद के अध्ययनों से पता चला है कि melodic. तथाकथित की शैली और रूप। ग्रेगोरियन मंत्र ने अंततः केवल 8वीं-9वीं शताब्दी में आकार लिया। रोमन कैथोलिक चर्च, पूजा की एकरूपता के लिए प्रयास करते हुए, एक-सिर की इस शैली को लगाया। गाना बजानेवालों सभी राष्ट्रों के बीच गायन मसीह में परिवर्तित हो गया। आस्था। यह प्रक्रिया अंत तक पूरी हुई। 11 वीं शताब्दी, जब ग्रेगोरियन लिटुरजी इसी मंत्र के साथ। मध्य, पश्चिमी देशों में अपनाए गए विनियमन। और युज़। यूरोप। साथ ही, ग्रेगोरियन मंत्र का आगे विकास, जो गैर-वाद में जम गया था, भी रुक गया। रूप।

कोन से। पहली सहस्राब्दी ई इटली के लगातार दुश्मन के आक्रमणों के साथ-साथ पोपसी के तीव्र उत्पीड़न के परिणामस्वरूप, जिसने रचनात्मकता की मुक्त अभिव्यक्ति को रोका। पहल, आई एम में लंबी आती है। ठहराव, यह सामान्य संगीत में एक प्रमुख भूमिका निभाना बंद कर देता है। यूरोपीय का विकास देश। सबसे महत्वपूर्ण परिवर्तन जो यूरोप में हुए। पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर संगीत, जैप के वैज्ञानिक-संगीतकारों के दौरान आई.एम. में एक कमजोर और अक्सर विलंबित प्रतिबिंब पाते हैं। और उत्तर-पश्चिम। यूरोप पहले से ही 9वीं शताब्दी में है। सबसे प्रमुख इतालवी पॉलीफोनी के शुरुआती रूपों के लिए एक तर्क दिया। संगीत मध्ययुगीन सिद्धांतकार गुइडो डी'अरेज़ो (11 वीं शताब्दी) ने एक-सिर वाले ग्रेगोरियन मंत्र पर मुख्य ध्यान दिया, केवल उस युग के पॉलीफोनिक शैलियों के विकास में इटली के स्वतंत्र योगदान के बारे में संक्षेप में ऑर्गेनम को छूते हुए। I का नया उदय 13वीं-14वीं शताब्दी के अंत में प्रारंभिक पुनर्जागरण के साथ जुड़ा हुआ था, जो मानवतावादी प्रवृत्तियों के विकास को दर्शाता है, मानव व्यक्तित्व की धार्मिक हठधर्मिता के उत्पीड़न से मुक्ति, दुनिया की अधिक स्वतंत्र और प्रत्यक्ष धारणा। सामंती प्रभुओं की शक्ति के कमजोर होने और प्रारंभिक पूंजीवादी संबंधों के गठन की अवधि। प्रारंभिक पुनर्जागरण की अवधारणा संगीत के इतिहास में अपनाई गई परिभाषा से मेल खाती है अर्स नोवा। इस आंदोलन के मुख्य केंद्र मध्य के शहर थे और उत्तरी इटली - फ्लोरेंस, वेनिस, पडुआ - दक्षिणी क्षेत्रों की तुलना में अपनी सामाजिक संरचना और संस्कृति में अधिक उन्नत, जिसमें सामंती संबंध अभी भी दृढ़ता से संरक्षित थे। इन शहरों ने सबसे प्रतिभाशाली संगीतकारों और संगीत को आकर्षित किया कलाकार। यहां नई शैलियों और शैलीगत प्रवृत्तियों का उदय हुआ।

अभिव्यक्ति में वृद्धि की इच्छा गीतों में ही प्रकट हुई। एक स्वतंत्र रूप से व्याख्या किए गए धर्म के लिए भजन। विषय - लौदख, जो रोज़मर्रा की ज़िंदगी में और धर्मों के दौरान गाए जाते थे। जुलूस पहले से ही कॉन में। 12वीं सी. "ब्रदरहुड ऑफ़ लाउडिस्ट्स" का उदय हुआ, जिसकी संख्या 13वीं और विशेष रूप से 14वीं शताब्दी में बढ़ी। अधिकारियों के विरोध में, फ्रांसिस्कन आदेश के भिक्षुओं के बीच लौदास की खेती की जाती थी। रोमन चर्च, कभी-कभी वे सामाजिक विरोध के उद्देश्यों को दर्शाते थे। स्वर का राग नर से जुड़ा है। मूल, विभिन्न लयबद्ध। स्पष्टता, संरचना की स्पष्टता, प्रमुख प्रमुख रंग। उनमें से कुछ नृत्य के चरित्र के करीब हैं। गाने।

फ्लोरेंस में, धर्मनिरपेक्ष बहुभुजों की नई शैलियों का उदय हुआ। कडाई। घरेलू शौकिया प्रदर्शन के लिए संगीत: मद्रिगल, कच्छा, बल्लाटा। यह 2 या 3 गोल था। स्ट्रोफिक मधुर प्रधानता के साथ गाने। ऊपरी आवाज, जो लयबद्ध द्वारा प्रतिष्ठित थी। गतिशीलता, रंगीन मार्ग की एक बहुतायत। मेड्रिगल - कुलीन। कविताओं और संगीत के परिष्कार द्वारा विशेषता एक शैली। इमारत। इसमें सूक्ष्म रूप से कामुक प्रबल था। विषयों, व्यंग्य भी सन्निहित। मकसद, कभी-कभी राजनीतिक रूप से रंगीन। कैसिया की सामग्री मूल रूप से शिकार के चित्रों से बनी थी (इसलिए नाम ही: कैसिया - शिकार), लेकिन फिर इसकी विषय वस्तु का विस्तार होता है और विभिन्न प्रकार के शैली के दृश्यों को शामिल किया जाता है। धर्मनिरपेक्ष Ars नोवा शैलियों में सबसे लोकप्रिय बैलेटा (नृत्य गीत, मद्रिगल की सामग्री के करीब) है।

14वीं शताब्दी में इटली में व्यापक विकास हुआ। इंस्ट्र प्राप्त करता है संगीत। मुख्य उस समय के वाद्ययंत्र थे ल्यूट, वीणा, बेला, बांसुरी, ओबाउ, तुरही, अंगों का विघटन। प्रकार (सकारात्मक, पोर्टेबल)। उनका उपयोग गायन की संगत और एकल या सामूहिक वादन दोनों के लिए किया जाता था।

इटालियन का उदय Ars नोवा Ser पर पड़ता है। 14वीं सी. 40 के दशक में। रचनात्मकता सामने आती है। इसके सबसे प्रमुख स्वामी की गतिविधियाँ - फ्लोरेंस से जियोवानी और बोलोग्ना से जैकोपो। नेत्रहीन कलाप्रवीण व्यक्ति और संगीतकार विशेष रूप से प्रसिद्ध हुए। एफ। लैंडिनो एक बहु-प्रतिभाशाली व्यक्ति, कवि, संगीतकार और वैज्ञानिक हैं, जिनका इतालवी हलकों में सम्मान था। मानवतावादी अपने काम में, नर के साथ संबंध। मूल, माधुर्य ने अभिव्यक्ति की अधिक स्वतंत्रता प्राप्त कर ली है, कभी-कभी उत्तम परिशोधन, फूलदार और लयबद्ध। विविधता।

उच्च पुनर्जागरण (16 वीं शताब्दी) के युग में, I. m ने यूरोपीय लोगों के बीच एक अग्रणी स्थान प्राप्त किया। संगीत संस्कृतियां। कला के सामान्य उभार के माहौल में। संस्कृति ने डीकंप में संगीत-निर्माण को गहन रूप से विकसित किया। समाज का स्तर। उनके केंद्र चर्च के साथ थे। शिल्प चैपल। गिल्ड एसोसिएशन, साहित्य और कला के प्रबुद्ध प्रेमियों के मंडल, कभी-कभी खुद को प्राचीन कहते हैं। मॉडल अकादमियों। कई में शहरों ने ऐसे स्कूल बनाए जिन्होंने स्वतंत्रता की शुरुआत की। आई.एम. के विकास में योगदान उनमें से सबसे बड़ा और सबसे प्रभावशाली रोमन और विनीशियन स्कूल हैं। कैथोलिक धर्म के केंद्र में - रोम, पुनर्जागरण आंदोलन द्वारा जीवन में लाए गए नए कला रूप, अक्सर चर्च से प्रतिरोध में भाग गए। अधिकारियों। लेकिन, निषेधों और निंदाओं के बावजूद, पूरे 15वीं सदी में। रोमन कैथोलिक में दिव्य सेवाओं ने मोगोगोल को मजबूती से स्थापित किया। गायन। यह जी। ड्यूफे, जोस्किन डेस्प्रेस और अन्य संगीतकारों के फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल के प्रतिनिधियों की गतिविधियों से सुगम हुआ, जिन्होंने कई बार पोप चैपल में सेवा की। सिस्टिन चैपल (नींव 1473) और गाना बजानेवालों में। सेंट के कैथेड्रल का चैपल। पीटर ने सबसे अच्छे चर्च मास्टर्स को केंद्रित किया। न केवल इटली से, बल्कि अन्य देशों से भी गाते हैं। चर्च के मुद्दे। गायन विशेष दिया गया। ट्रेंट की परिषद (1545-63) पर ध्यान दिया, जिसके निर्णयों में "लाक्षणिक" पॉलीफोनिक के लिए अत्यधिक उत्साह की निंदा की गई थी। संगीत, जिससे "पवित्र शब्दों" को समझना मुश्किल हो जाता है, और सादगी और स्पष्टता की मांग को आगे रखा गया; लिटर्जिकल में धर्मनिरपेक्ष धुनों की शुरूआत निषिद्ध थी। संगीत। लेकिन, चर्च की इच्छा के विपरीत। अधिकारियों ने पंथ गायन से सभी नवाचारों को निष्कासित करने के लिए और, यदि संभव हो तो, इसे ग्रेगोरियन मंत्र की परंपराओं में वापस कर दिया, रोमन स्कूल के संगीतकारों ने एक अत्यधिक विकसित पॉलीफोनी बनाई। कला, जिसमें फ्रेंको-फ्लेमिश पॉलीफोनी की सर्वोत्तम उपलब्धियों को लागू किया गया और पुनर्जागरण सौंदर्यशास्त्र की भावना में पुनर्विचार किया गया। उत्पादन में इस स्कूल जटिल नकल के संगीतकार। तकनीक को कॉर्ड-हार्मोनिक के साथ जोड़ा गया था। गोदाम, बहुभुज बनावट ने सामंजस्यपूर्ण सद्भाव के चरित्र का अधिग्रहण किया, मधुर शुरुआत अधिक स्वतंत्र हो गई, ऊपरी आवाज अक्सर सामने आती थी। रोमन स्कूल का सबसे बड़ा प्रतिनिधि फिलिस्तीन है। उनकी पूरी तरह से संतुलित, मूड में प्रबुद्ध, सामंजस्यपूर्ण कला की तुलना कभी-कभी राफेल के काम से की जाती है। कोरस के शिखर होने के नाते। एक सख्त शैली की पॉलीफोनी, फिलिस्तीन के संगीत में एक ही समय में होमोफोनिक सोच के विकसित तत्व शामिल हैं। क्षैतिज और ऊर्ध्वाधर सिद्धांतों के बीच संतुलन की इच्छा भी उसी स्कूल के अन्य संगीतकारों की विशेषता थी: के। फेस्टा, जी। अनिमुची (जो सेंट के चैपल के प्रमुख थे। 1555-71 में पीटर), क्लेमेंस-नॉट-पापा, फिलिस्तीन के छात्र और अनुयायी - जे। नानिनो, एफ। एनेरियो और अन्य। स्पैनियार्ड्स भी रोमन स्कूल से जुड़े। पोप चैपल में काम करने वाले संगीतकार: के। मोरालेस, बी। एस्कोबेडो, टी। एल। डी विक्टोरिया (जिन्हें "स्पेनिश फिलिस्तीन" उपनाम मिला)।

विनीशियन स्कूल के संस्थापक ए। विलार्ट (मूल रूप से एक डचमैन) थे, जिन्होंने 1527 में सेंट पीटर के कैथेड्रल के चैपल का नेतृत्व किया था। मार्क और 35 वर्षों तक इसके नेता रहे। उनके उत्तराधिकारी सी. डी पोप और स्पेन के सी. मेरुलो थे। यह स्कूल ए. गेब्रियली और उनके भतीजे जे. गैब्रिएली के काम में अपने चरम पर पहुंच गया। फिलिस्तीन और रोमन स्कूल के अन्य संगीतकारों द्वारा सख्त और संयमित तरीके से लिखने के विपरीत, वेनेटियन की कला को एक धूमधाम से ध्वनि पैलेट, चमकीले रंगों की एक बहुतायत की विशेषता थी। प्रभाव। बहु-कोरिज्म के सिद्धांत को उनसे विशेष महत्व प्राप्त हुआ। दो गायकों का विरोध, व्यवस्था। चर्च के विभिन्न हिस्सों में, गतिशील के आधार के रूप में कार्य किया। और रंगीन विरोधाभास। जी. गैब्रिएली की लगातार बदलती आवाजों की संख्या 20 तक पहुंच गई। कंट्रास्ट कोरस। सोनोरिटीज को इंस्ट्रक्शन में बदलाव के द्वारा पूरक किया गया था। समय, और वाद्ययंत्रों ने न केवल गाना बजानेवालों की आवाज़ों को दोहराया, बल्कि अंतराल के दौरान स्वतंत्र रूप से भी प्रदर्शन किया। और कनेक्टिंग एपिसोड। लयबद्ध भाषा उस समय के लिए कई, अक्सर बोल्ड, वर्णवाद के साथ संतृप्त थी, जिसने इसे बढ़ी हुई अभिव्यक्ति की विशेषताएं दीं।

विनीशियन स्कूल के मास्टर्स की रचनात्मकता ने इंस्ट्रक्शन के नए रूपों के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई। संगीत। 16वीं शताब्दी में उपकरणों की संरचना को काफी समृद्ध किया गया है, उनके भावों का विस्तार हुआ है। अवसर। अपनी मधुर मधुर ध्वनि से झुके हुए वाद्यों का महत्व बढ़ गया है। यह इस अवधि के दौरान था कि क्लासिक का गठन किया गया था। वायोला प्रकार; वायलिन, पूर्व में व्यापक रूप से प्रचलित। लोक जीवन में प्रो. संगीत औजार। एकल वाद्ययंत्र के रूप में, ल्यूट और अंग अग्रणी स्थान पर बने रहे। 1507-09 में संगीत प्रकाशक ओ. पेट्रुकी प्रकाशन। ल्यूट के लिए टुकड़ों के 3 संग्रह, अभी भी संरक्षित हैं। वोक व्यसन लक्षण। मोटे प्रकार की पॉलीफोनी। भविष्य में, यह निर्भरता कमजोर हो जाती है, विशिष्ट उपकरण विकसित होते हैं। प्रस्तुति के तरीके। 16वीं शताब्दी की विशेषता। एकल instr की शैलियों। संगीत - रिसरकार, फैंटेसी, कैनज़ोन, कैप्रिसियो। 1549 में, org. विलार्ट के राइसकार्स। उसके बाद, इस शैली को जे। गेब्रियल द्वारा विकसित किया गया था, कुछ राइसकार्स टू-रोगो प्रस्तुति में फ्यूग्यू से संपर्क करते हैं। संगठन में विनीशियन मास्टर्स के टोकाटा एक कलाप्रवीण व्यक्ति की शुरुआत और मुक्त कल्पना के लिए एक प्रवृत्ति को दर्शाते हैं। 1551 में, वेनिस में लेखों का एक संग्रह प्रकाशित किया गया था। क्लैवियर नृत्य के टुकड़े। चरित्र।

ए और जे के नामों के साथ गैब्रिएली पहले स्वतंत्र के उद्भव के साथ जुड़ा हुआ है। चैम्बर पहनावा और ऑर्केस्ट्रा के नमूने। संगीत। विभिन्न इंस्ट्रक्टर के लिए उनकी रचनाएँ। रचनाएँ (3 से 22 दलों से) शनि में एकजुट हुईं। "कैनज़ोन और सोनाटास" ("कैंज़ोनी ई सोनाटे ...", संगीतकारों की मृत्यु के बाद 1615 में प्रकाशित)। ये नाटक कंट्रास्टिंग डीकॉम्प के सिद्धांत पर आधारित हैं। इंस्ट्र। समूह (दोनों सजातीय - धनुष, लकड़ी, पीतल, और मिश्रित), टू-री प्राप्त तो पालन करें। कॉन्सर्ट शैली में प्रदर्शन।

संगीत में पुनर्जागरण के विचारों की सबसे पूर्ण और विशद अभिव्यक्ति मैड्रिगल थी, जो 16वीं शताब्दी में फिर से फली-फूली। पुनर्जागरण में धर्मनिरपेक्ष संगीत-निर्माण की इस सबसे महत्वपूर्ण शैली पर कई लोगों ने ध्यान दिया। संगीतकार मैड्रिगल्स को वेनेटियन ए। विलार्ट, के। डी पोप, ए। गैब्रिएली, रोमन स्कूल के। फेस्टस और फिलिस्तीन के स्वामी द्वारा लिखा गया था। मिलान, फ्लोरेंस, फेरारा, बोलोग्ना, नेपल्स में मैड्रिगैलिस्ट्स के स्कूल मौजूद थे। मेड्रिगल 16वीं सदी अपनी अधिक समृद्धि और काव्य के परिष्कार द्वारा अर्स नोवा काल के मद्रिगल से भिन्न था। सामग्री, लेकिन उनका क्षेत्र प्रेम गीत बना रहा, अक्सर देहाती, प्रकृति की सुंदरियों के उत्साही मंत्रोच्चार के साथ। एफ। पेट्रार्क की कविता का मैड्रिगल के विकास पर बहुत प्रभाव था (उनकी कई कविताओं को विभिन्न लेखकों द्वारा संगीत के लिए निर्धारित किया गया था)। मेड्रिगैलिस्ट संगीतकारों ने एल। एरियोस्टो, टी। टैसो और पुनर्जागरण के अन्य प्रमुख कवियों के कार्यों की ओर रुख किया। 16 वीं शताब्दी के मैड्रिगल्स में। 4 या 5 गोल प्रबल हुए। एक गोदाम जो पॉलीफोनी और होमोफोनी के तत्वों को जोड़ता है। लीड मेलोडिक। आवाज सूक्ष्म थी। शेड्स, काव्य विवरण का लचीला स्थानांतरण। मूलपाठ। समग्र रचना मुक्त थी और स्ट्रोफिक का पालन नहीं करती थी। सिद्धांत। 16 वीं शताब्दी के मेड्रिगल के उस्तादों में। रोम और फ्लोरेंस में काम करने वाले डचमैन जे. अर्काडेल्ट सबसे अलग थे। 1538-44 (6 पुस्तकें) में प्रकाशित उनके मैड्रिगल्स को विभिन्न संस्करणों में बार-बार पुनर्प्रकाशित और पुन: प्रस्तुत किया गया। मुद्रित और हस्तलिखित। बैठकें इस शैली का उच्चतम फूल रचनात्मकता से जुड़ा है। एल। मारेंजियो, सी। मोंटेवेर्डी और सी। गेसुल्डो डि वेनोसा की गतिविधियों में। 16 - भीख माँगना। सत्रवहीं शताब्दी यदि मारेंजियो को शोधन के क्षेत्र की विशेषता है। गेय छवियों, फिर गेसुल्डो डि वेनोसा और मोंटेवेर्डी में मैड्रिगल को नाटकीय रूप से चित्रित किया गया है, जो एक गहन मनोवैज्ञानिक के साथ संपन्न है। अभिव्यक्ति, उन्होंने सामंजस्य के नए, असामान्य साधनों का इस्तेमाल किया। भाषा, तेज स्वर। अभिव्यक्ति को जगाना। मेलोडिक्स I. m. की एक समृद्ध परत चारपाई होती है। धुनों, जीवंतता, आग लगाने वाली लय की मधुरता से प्रतिष्ठित गीत और नृत्य। इटाल के लिए। नृत्यों को 6/8, 12/8 के आकार और एक तेज, अक्सर तेज, गति की विशेषता है: साल्टारेलो (13-14 वीं शताब्दी के रिकॉर्ड संरक्षित किए गए हैं), संबंधित लोम्बार्ड (लोम्बार्ड नृत्य) और फोरलाना (विनीशियन, फ्रीयुलियन नृत्य) ), टारेंटेला (दक्षिणी इतालवी नृत्य, जो राष्ट्रीय बन गया)। टारेंटेला के साथ, सिसिलियाना लोकप्रिय है (आकार समान है, लेकिन गति मध्यम है, माधुर्य का चरित्र अलग है - देहाती)। सिसिली लोग बारकारोल (विनीशियन गोंडोलियर्स का गीत) और टस्कन रिसपेटो (प्रशंसा का गीत, प्रेम स्वीकारोक्ति का गीत) के करीब हैं। शिकायत गीत व्यापक रूप से जाने जाते हैं - लैमेंटो (एक प्रकार का विलाप)। माधुर्य की प्लास्टिसिटी और मधुरता, विशद गीतकारिता, और अक्सर संवेदनशीलता पर बल दिया जाता है, जो इटली में सामान्य रूप से नियति गीतों की विशेषता है।

नर. संगीत ने भी प्रभावित किया प्रो. संगीत सृजन के। सबसे बड़ी सादगी और चारपाई से निकटता। फ्रोटोला और विलानेला की शैलियाँ अपने मूल में भिन्न थीं।

पुनर्जागरण ने संगीत-सैद्धांतिक के विकास को गति दी। इटली में विचार। आधुनिक की नींव सद्भाव का सिद्धांत जे। ज़ार्लिनो द्वारा रखा गया था। बुध-शताब्दी। उन्होंने 2 बुनियादी बातों के साथ एक नई तानवाला प्रणाली के साथ फ्रेट्स के सिद्धांत का विरोध किया। मोडल झुकाव - प्रमुख और मामूली। अपने निर्णयों में, ज़ारलिनो मुख्य रूप से प्रत्यक्ष श्रवण धारणा पर भरोसा करते थे, न कि अमूर्त शैक्षिक गणना और संख्यात्मक संचालन पर।

16-17 शताब्दियों के मोड़ पर आई.एम. में सबसे बड़ी घटना। ओपेरा का जन्म हुआ। पुनर्जागरण के अंत में पहले से ही प्रकट होने के बाद, ओपेरा पूरी तरह से अपने विचारों और संस्कृति से जुड़ा हुआ है। स्वतंत्र के रूप में ओपेरा। यह शैली एक ओर थिएटर से विकसित हुई है। दूसरी ओर, संगीत के साथ 16 वीं शताब्दी के प्रदर्शन, एक मद्रिगल से। टी-आरए के लिए संगीत कई लोगों द्वारा बनाया गया था। 16वीं शताब्दी के प्रसिद्ध संगीतकार। तो, ए। गेब्रियल ने सोफोकल्स "ओडिपस" (1585, विसेंज़ा) की त्रासदी के लिए कोरस लिखे। ओपेरा के पूर्ववर्तियों में से एक ए। पोलिज़ियानो का नाटक द टेल ऑफ़ ऑर्फ़ियस (1480, मंटुआ) था। मेड्रिगल में, लचीले, अभिव्यंजक के साधन विकसित किए गए थे। काव्य अवतार। संगीत में पाठ। इंस्ट्रक्टर के साथ एक गायक द्वारा मैड्रिगल प्रदर्शन करने की एक आम प्रथा। प्रतिरोध करना। उन्हें कड़ाही के प्रकार के करीब लाया। मोनोडी, जो पहले इतालवी का आधार बना। ओपेरा चुनाव में। 16 वीं शताब्दी मैड्रिगल कॉमेडी की एक शैली सामने आई, जिसमें मिमिक्री की गई। अभिनय के साथ एक कड़ाही थी। मैड्रिगल एपिसोड। इस शैली का एक विशिष्ट उदाहरण ओ वेक्ची (1594) द्वारा एम्फीपर्नासस है।

1581 में एक पोलमिक दिखाई दिया। वी. गैलीली का ग्रंथ "प्राचीन और नए संगीत के बारे में बातचीत" ("डायलोगो डेला म्यूज़िक ए एंटीका एट डेलिया मॉडर्न"), जिसमें एक जप किया हुआ वोक है। सस्वर पाठ (प्राचीन के मॉडल पर) मध्य युग के "बर्बरता" के विरोध में था। पॉलीफोनी दांते की डिवाइन कॉमेडी से संगीत के लिए उन्होंने जो मार्ग निर्धारित किया था, वह इस कड़ाही के चित्रण के रूप में काम करना था। शैली। गलील के विचारों को कवियों, संगीतकारों और मानवतावादी वैज्ञानिकों के एक समूह के बीच समर्थन मिला, जो 1580 में प्रबुद्ध फ्लोरेंटाइन काउंट जे। बर्दी (तथाकथित फ्लोरेंटाइन कैमराटा) की पहल पर एकजुट हुए। इस सर्कल के नेताओं ने पहला ओपेरा बनाया - "डैफने" (1597-98) और "यूरीडिस" (1600) जे। पेरी द्वारा ओ। रिनुकिनी के पाठ के लिए। सोलो वोक्स। Op के साथ इन ओपेरा के कुछ हिस्सों। बासो निरंतर सस्वर पाठ में निरंतर हैं। ढंग से, मद्रिगल गोदाम गाना बजानेवालों में संरक्षित है।

अनेक वर्षों बाद, "यूरीडाइस" के लिए संगीत स्वतंत्र रूप से गायक और COMP द्वारा लिखा गया था। जे. काक्किनी, जो सत के लेखक भी थे। सेशन के साथ सोलो चैम्बर गाने। "नया संगीत" ("ले नूवे संगीत", 1601), ओएसएन। एक ही शैली पर सिद्धांतों। लेखन की इस शैली को "नई शैली" (स्टाइल न्यूवो), या "फाइन स्टाइल" (स्टाइल रारप्रेजेंटेटिवो) कहा जाता था।

उत्पाद. फ्लोरेंटाइन कुछ हद तक तर्कसंगत हैं, मुख्य रूप से उनका मूल्य। प्रयोगात्मक। वास्तविक जीवन ने ओपेरा जीनियस मसल्स में सांस ली। नाटककार, शक्तिशाली दुखद प्रतिभा के कलाकार सी। मोंटेवेर्डी। उन्होंने वयस्कता में ओपेरा शैली की ओर रुख किया, जो पहले से ही कई के लेखक थे। आध्यात्मिक सेशन। और धर्मनिरपेक्ष मैड्रिगल। उनके पहले ओपेरा ऑर्फियस (1607) और एराडने (1608) पोस्ट थे। मंटुआ में। एक लंबे ब्रेक के बाद, मोंटेवेर्डी ने फिर से वेनिस में एक ओपेरा संगीतकार के रूप में काम किया। उनके ऑपरेटिव काम का शिखर "द कोरोनेशन ऑफ पोपिया" (1642), ठेस है। वास्तव में शेक्सपियर की शक्ति, नाटक की गहराई से प्रतिष्ठित। भाव, पात्रों की उत्कृष्ट मॉडलिंग, संघर्ष की स्थितियों की तीक्ष्णता और तीव्रता।

वेनिस में, ओपेरा संकीर्ण अभिजात वर्ग से आगे निकल गया। पारखी लोगों का समूह और एक सार्वजनिक तमाशा बन गया। 1637 में, पहला सार्वजनिक ओपेरा हाउस "सैन कैसियानो" यहां खोला गया था (1637-1800 के दौरान कम से कम 16 ऐसे थिएटर बनाए गए थे)। अधिक लोकतांत्रिक। दर्शकों की रचना ने भी कार्यों के चरित्र को प्रभावित किया। पौराणिक विषय ने ऐतिहासिक प्रमुख स्थान का मार्ग प्रशस्त किया। वास्तविक कार्रवाई के साथ कहानियां। चेहरे, नाटक और वीर शुरुआत कॉमेडिक से जुड़ी हुई थी और यहां तक ​​कि कभी-कभी बेहद हास्यास्पद भी। कडाई। माधुर्य ने अधिक मधुरता प्राप्त कर ली; एरियोज़ प्रकार के एपिसोड। इन विशेषताओं, जो पहले से ही मोंटेवेर्डी के दिवंगत ओपेरा की विशेषता थी, को 42 ओपेरा के लेखक एफ। कैवल्ली के काम में और विकसित किया गया था, जिनमें से ओपेरा जेसन (1649) ने सबसे बड़ी लोकप्रियता हासिल की।

रोम में ओपेरा ने कैथोलिकों के प्रभाव में एक अजीबोगरीब रंग हासिल कर लिया, जो यहां पर हावी थे। रुझान। एंटीक के साथ-साथ पौराणिक प्लॉट्स ("द डेथ ऑफ़ ऑर्फ़ियस" - "ला मोर्टे डी" ऑर्फ़ियो "एस। लैंडी, 1619; "चेन ऑफ़ एडोनिस" - "ला कैटाना डी" एडोन "डी। माज़ोकची, 1626) ने ओपेरा धर्म में प्रवेश किया। विषय मसीह में व्यवहार किया। नैतिक योजना। अधिकांश साधन। उत्पाद रोमन स्कूल - लैंडी (1632) द्वारा ओपेरा "सेंट एलेक्सी", जो मधुर द्वारा प्रतिष्ठित था। संगीत की समृद्धि और नाटक, बनावट में विकसित गायक मंडलियों की बहुतायत। एपिसोड। रोम में, कॉमेडी के पहले नमूने दिखाई दिए। ओपेरा शैली: "वह जो पीड़ित है, उसे आशा है" ("चे सोफ्रे, स्पीरी", 1639) वी। माज़ोकची और एम। मराज़ोली द्वारा और "अच्छे के बिना कोई बुराई नहीं है" ("दाल पुरुष इल बेने", 1653) द्वारा ए.एम. अब्बातिनी और मराज़ोली।

के सेर। सत्रवहीं शताब्दी ओपेरा लगभग पूरी तरह से पुनर्जागरण सौंदर्यशास्त्र के सिद्धांतों से विदा हो गया, फ्लोरेंटाइन कैमराटा द्वारा बचाव किया गया। यह विनीशियन ओपेरा स्कूल से जुड़े एम। ए। ऑनर के काम से स्पष्ट होता है। उनके लेखन में उत्तेजित नाटक। मृदु मधुर माधुर्य पाठ के विरोध में था, गोल वोक की भूमिका बढ़ गई। संख्याएँ (अक्सर कार्रवाई के नाटकीय औचित्य की हानि के लिए)। सम्राट लियोपोल्ड I के विवाह के अवसर पर वियना में भव्यता के साथ मंचित ऑनर "द गोल्डन ऐप्पल" ("इल पोर्नो डी" ओरो ", 1667) का ओपेरा औपचारिक अदालत प्रदर्शन का प्रोटोटाइप बन गया, जो उस समय से है यूरोप में व्यापक हो गया। "यह अब विशुद्ध रूप से इतालवी ओपेरा नहीं है, - आर। रोलैंड लिखते हैं, - यह एक प्रकार का अंतर्राष्ट्रीय कोर्ट ओपेरा है।

कोन से। सत्रवहीं शताब्दी के विकास में अग्रणी भूमिका ओपेरा नेपल्स चला गया। नियति ओपेरा स्कूल का पहला प्रमुख प्रतिनिधि एफ। प्रोवेनकेल था, लेकिन इसका असली प्रमुख ए। स्कारलाटी था। कई ऑपरेटिव कार्यों (100 से अधिक) के लेखक, उन्होंने इतालवी की विशिष्ट संरचना को मंजूरी दी। ओपेरा सेरिया, जीवों के बिना संरक्षित। कोन में परिवर्तन 18 वीं सदी प्रभुत्व इस प्रकार के ओपेरा में स्थान अरिया से संबंधित है, आमतौर पर 3-भाग दा कैपो में; सस्वर को एक सेवा भूमिका सौंपी जाती है, गायक मंडलियों और पहनावाओं का महत्व कम से कम हो जाता है। लेकिन एक उज्ज्वल धुन। स्कारलाटी का उपहार, पॉलीफोनिक शिल्प कौशल। पत्र, निस्संदेह नाटककार। फ्लेयर ने सभी सीमाओं के बावजूद संगीतकार को एक मजबूत, प्रभावशाली प्रभाव प्राप्त करने की अनुमति दी। स्कारलाट्टी ने मुखर और वाद्य दोनों को विकसित और समृद्ध किया। ओपेरा रूपों। उन्होंने इतालवी की एक विशिष्ट संरचना विकसित की। ओपेरा ओवरचर (या सिम्फनी, तत्कालीन स्वीकृत शब्दावली के अनुसार) तेज चरम वर्गों और धीमी मध्य कड़ी के साथ, जो स्वतंत्र के रूप में सिम्फनी का प्रोटोटाइप बन गया। संक्षिप्त काम करता है।

ओपेरा के साथ निकट संबंध में, अतिरिक्त-विद्रोही संगीत की एक नई शैली विकसित हुई। धार्मिक मुकदमा - वक्तृत्व. धर्म से उत्पन्न रीडिंग, कई लक्ष्यों को गाने के साथ। जोर से, उसने आत्मनिर्भरता हासिल कर ली। खत्म जी कैरिसीमी के काम में फार्म। बाइबिल के विषयों पर अधिकांश भाग के लिए लिखे गए भाषणों में, उन्होंने उन ओपेरा रूपों को समृद्ध किया जो मध्य द्वारा विकसित किए गए थे। 17 वीं शताब्दी, गाना बजानेवालों की उपलब्धियां। संक्षिप्त शैली। कैरिसीमी के बाद इस शैली को विकसित करने वाले संगीतकारों में, ए। स्ट्रैडेला बाहर खड़े थे (उनका व्यक्तित्व उनकी साहसिक जीवनी के कारण प्रसिद्ध हो गया)। उन्होंने नाटक के तत्वों को वक्तृत्व में पेश किया। पाथोस और विशेषताएं। नियपोलिटन स्कूल के लगभग सभी संगीतकारों ने वक्तृत्व शैली पर ध्यान दिया, हालांकि ओपेरा की तुलना में, ओटोरियो ने अपने काम में एक माध्यमिक स्थान पर कब्जा कर लिया।

ओटोरियो से संबंधित एक शैली एक के लिए एक कक्ष कैंटटा है, कभी-कभी सम्मान के साथ 2 या 3 आवाजें। बासो निरंतर। भाषण के विपरीत, इसमें धर्मनिरपेक्ष ग्रंथों का प्रभुत्व था। इस शैली के सबसे प्रमुख स्वामी कैरिसीमी और एल। रॉसी (रोमन ओपेरा स्कूल के प्रतिनिधियों में से एक) हैं। ओटोरियो की तरह, कैंटटा ने माध्य खेला। वोक विकास में भूमिका। नियपोलिटन ओपेरा के विशिष्ट रूप बन गए हैं।

17वीं शताब्दी में पंथ संगीत के क्षेत्र में। बाहरी, आडंबरपूर्ण महानता की इच्छा, जिसे च द्वारा प्राप्त किया गया था। गिरफ्तार मात्राओं के कारण। प्रभाव। विनीशियन स्कूल के आकाओं द्वारा विकसित बहु-गाना बजानेवालों का सिद्धांत, अतिशयोक्तिपूर्ण हो गया। पैमाना। कुछ प्रस्तुतियों में। बारह 4-गोल तक उपयोग किया जाता है। गाना बजानेवालों विशालकाय गाना बजानेवालों। रचनाओं को कई . द्वारा पूरक किया गया था और उपकरणों के विभिन्न समूह। यह भव्य बारोक शैली विशेष रूप से रोम में विकसित की गई थी, जो फिलिस्तीन और उसके अनुयायियों के कठोर, संयमित तरीके से बदल रही थी। स्वर्गीय रोमन स्कूल के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि जी। एलेग्री (प्रसिद्ध "मिसरेरे के लेखक", डब्ल्यू। ए। मोजार्ट द्वारा कान द्वारा दर्ज), पी। एगोस्टिनी, ए। एम। अब्बातिनी, ओ। बेनेवोली हैं। उसी समय, तथाकथित। "कॉन्सर्ट शैली", प्रारंभिक इटालियन के एरियोस-रिकेटेटिव गायन के करीब। ओपेरा, जिनमें से उदाहरण ए। बंकिरी (1595) और एल। वियादाना (1602) के पवित्र संगीत कार्यक्रम हैं। (जैसा कि बाद में पता चला, बिना पर्याप्त कारण के, डिजिटल बास के आविष्कार का श्रेय विदाना को दिया गया।) सी। मोंटेवेर्डी, मार्को दा गैलियानो, एफ। कैवल्ली, जी। लेग्रेन्ज़ी और चर्च में स्थानांतरित होने वाले अन्य संगीतकारों ने उसी में लिखा था। तरीका। ओपेरा या चैम्बर कैंटटा के संगीत तत्व।

संगीत के नए रूपों और साधनों की गहन खोज। अभिव्यंजना, एक समृद्ध और बहुमुखी मानवतावादी को मूर्त रूप देने की इच्छा से तय होती है। सामग्री, instr के क्षेत्र में आयोजित की गई। संगीत। org के महानतम उस्तादों में से एक। और पूर्व-बाख काल का क्लैवियर संगीत जे। फ्रेस्कोबाल्डी - एक उज्ज्वल रचनात्मक संगीतकार था। व्यक्तित्व, अंग और हार्पसीकोर्ड पर एक शानदार गुण, जो अपनी मातृभूमि और अन्य यूरोपीय देशों में प्रसिद्ध हो गया। देश। वह परंपरा में लाया। रिसरकार रूप, कल्पनाएँ, टोकाटा, तीव्र अभिव्यंजना की विशेषताएं और महसूस करने की स्वतंत्रता, समृद्ध मधुर। और हार्मोनिक। भाषा, विकसित पॉलीफोनी। इनवॉइस। अपने उत्पादन में क्रिस्टलीकृत शास्त्रीय। स्पष्ट रूप से परिभाषित तानवाला संबंधों और सामान्य योजना की पूर्णता के साथ एक प्रकार का फ्यूग्यू। रचनात्मकता Frescobaldi - इतालवी का शिखर। संगठन मुकदमा। उनकी अभिनव विजयों को इटली में ही उत्कृष्ट अनुयायी नहीं मिले; वे अन्य देशों के संगीतकारों द्वारा जारी और विकसित किए गए थे। इटली भाषा में। इंस्ट्र। दूसरी मंजिल से संगीत। सत्रवहीं शताब्दी प्रमुख भूमिका झुके हुए वाद्ययंत्रों को दी गई और सबसे बढ़कर, वायलिन को। यह वायलिन प्रदर्शन कलाओं के फलने-फूलने और वाद्ययंत्र के सुधार के कारण था। 17-18 शताब्दियों में। इटली में, प्रसिद्ध वायलिन निर्माताओं (अमती, स्ट्राडिवरी, ग्वारनेरी परिवार) के राजवंश सामने आए, जिनके वाद्ययंत्र अभी भी नायाब हैं। उत्कृष्ट गुणी वायलिन वादक भी ज्यादातर संगीतकार थे, उनके काम में वायलिन पर एकल प्रदर्शन की नई तकनीकें तय की गईं, नए संगीत विकसित किए गए। रूप।

16-17 शताब्दियों के मोड़ पर। वेनिस में, तीनों सोनाटा की शैली विकसित हुई - एक बहु-भाग उत्पादन। 2 एकल वाद्ययंत्रों के लिए (अधिक बार - वायलिन, लेकिन उन्हें संबंधित टेसिटुरा के अन्य उपकरणों द्वारा प्रतिस्थापित किया जा सकता है) और बास। इस शैली की 2 किस्में थीं (दोनों धर्मनिरपेक्ष कक्ष संगीत के क्षेत्र से संबंधित थीं): "चर्च सोनाटा" ("सोनाटा दा चीसा") - एक 4-भाग चक्र, जिसमें धीमी और तेज़ भागों को बारी-बारी से और "चैम्बर सोनाटा" ("सोनाटा दा कैमरा"), जिसमें कई शामिल थे। नृत्य के टुकड़े। चरित्र, सुइट के करीब। इन शैलियों का आगे विकास विशेष रूप से महत्वपूर्ण है। भूमिका बोलोग्ना स्कूल द्वारा निभाई गई थी, जिसने वायलिन कला के उस्तादों के एक शानदार नक्षत्र को सामने रखा। इसके वरिष्ठ प्रतिनिधियों में एम. कज़ाती, जे. विटाली, जे. बस्सानी हैं। वायलिन और चैम्बर पहनावा संगीत के इतिहास में एक युग ए। कोरेली (बसानी का एक छात्र) का काम था। उनकी गतिविधि की परिपक्व अवधि रोम से जुड़ी हुई थी, जहां उन्होंने अपना खुद का स्कूल बनाया, जिसे पी। लोकाटेली, एफ। जेमिनियानी, जे। सोमिस जैसे नामों से दर्शाया गया। कोरेली के काम में तीनों सोनाटा का निर्माण पूरा हुआ। उन्होंने कलाकारों का विस्तार और समृद्ध किया। झुके हुए उपकरणों की संभावना। उनके पास ओप के साथ वायलिन सोलो के लिए सोनाटास का एक चक्र भी है। हार्पसीकोर्ड यह नई शैली, जो चुनाव में उत्पन्न हुई। 17 वीं शताब्दी, अंत को चिह्नित किया। दावा मोनोडिक। इंस्ट्रक्टर में सिद्धांत संगीत। कोरेली ने अपने समकालीन जी. टोरेली के साथ मिलकर कंसर्टो ग्रोसो का निर्माण किया, जो 18वीं शताब्दी के मध्य तक चैम्बर और आर्केस्ट्रा संगीत-निर्माण का सबसे महत्वपूर्ण रूप था।

ठगने के लिए। 17 - जल्दी 18 वीं सदी अंतरराष्ट्रीय वृद्धि हुई महिमा और अधिकार I. m. Mn। विदेश संगीतकारों को अपनी शिक्षा पूरी करने और अनुमोदन प्राप्त करने के लिए इटली के लिए आकर्षित किया गया, जिससे उनकी मातृभूमि में मान्यता सुनिश्चित हुई। एक शिक्षक के रूप में, महान विद्वता के संगीतकार विशेष रूप से प्रसिद्ध थे, COMP। और सिद्धांतकार जी बी मार्टिनी (पाद्रे मार्टिनी के नाम से जाना जाता है)। उनकी सलाह का इस्तेमाल के.वी. ग्लक, डब्ल्यू.ए. मोजार्ट, ए.ग्रेट्री ने किया था। उसके लिए धन्यवाद, बोलोग्ना फिलहारमोनिक। अकादमी यूरोप में संगीत के सबसे बड़े केंद्रों में से एक बन गई है। शिक्षा।

इतालवी 18वीं सदी के संगीतकार मुख्य ओपेरा पर केंद्रित है। उनमें से केवल कुछ ही ओपेरा हाउस से अलग रहे, जिसने जीवन के सभी क्षेत्रों से व्यापक दर्शकों को आकर्षित किया। इस सदी के ओपेरा उत्पादन की विशाल मात्रा विभिन्न के संगीतकारों द्वारा बनाई गई थी प्रतिभा का पैमाना, जिसके बीच कई प्रतिभाशाली कलाकार थे। ओपेरा की लोकप्रियता को उच्च स्तर के वोक द्वारा बढ़ावा दिया गया था। संस्कृति। गायक तैयार हो रहे थे। गिरफ्तार रूढ़िवादी में - अनाथालय जो 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में पैदा हुए थे। नेपल्स और वेनिस में - इतालवी के मुख्य केंद्र। 18 वीं शताब्दी में ऑपरेटिव जीवन। 4 कंज़र्वेटरी थे, जिनमें कस्तूरी थी। शिक्षा का नेतृत्व प्रमुख संगीतकारों ने किया था। गायक और कॉम्प। एफ। पिस्टोची ने बोलोग्ना (सी। 1700) में एक विशेष स्थापना की। गायक विद्यालय। बकाया वोक। शिक्षक एन। पोरपोरा थे, जो नियति स्कूल के सबसे विपुल ओपेरा संगीतकारों में से एक थे। 18वीं शताब्दी में बेल कैंटो कला के प्रसिद्ध उस्तादों में से। - मुख्य पुरुषों के कलाकार। ओपेरा सेरिया कैस्ट्रेटो गायकों में भाग ए। बर्नाची, कैफरेली, एफ। बर्नार्डी (उपनाम सेनेसिनो), फारिनेली, जी। क्रेसेंटिनी, जिनके पास एक कलाप्रवीण व्यक्ति था। आवाज के नरम और हल्के समय के साथ संयुक्त तकनीक; गायक एफ। बोर्डोनी, एफ। कुज़ोनी, सी। गैब्रिएली, वी। टेसी।

इतालवी ओपेरा को विशेषाधिकार प्राप्त थे। अधिकांश यूरोप में स्थिति। राजधानियाँ। वह आकर्षित है। ताकत इस तथ्य में भी प्रकट हुई थी कि कई अन्य देशों के संगीतकारों ने इतालवी में ओपेरा बनाया। पाठ, नियति स्कूल की भावना और परंपराओं में। स्पैनियार्ड्स डी। पेरेज़ और डी। टेराडेलस, जर्मन आई। ए। हस्से, चेक जे। मैस्लिवचेक ने इसे शामिल किया। उसी स्कूल के अनुरूप साधन प्रवाहित हुए। G. F. Handel और K. V. Gluck की गतिविधियों का हिस्सा। इटाल के लिए। ओपेरा के दृश्य रूसी द्वारा लिखे गए थे। संगीतकार - एम। एस। बेरेज़ोव्स्की, पी। ए। स्कोकोव, डी। एस। बोर्टन्स्की।

हालाँकि, पहले से ही नियति ओपेरा स्कूल के प्रमुख ए। स्कारलाट्टी के जीवनकाल के दौरान, ओपेरा सेरिया के निर्माता, इसमें निहित कलाओं का पता चलता है। विरोधाभास, टू-राई ने तीखी आलोचना के बहाने काम किया। उसके खिलाफ भाषण। प्रारंभ में। 20s 18 वीं सदी व्यंग्यकार दिखाई दिया। संगीत का पैम्फलेट सिद्धांतकार बी. मार्सेलो, जिसमें ओपेरा लिब्रे के हास्यास्पद सम्मेलनों का उपहास किया गया था, नाटक संगीतकारों की उपेक्षा। क्रिया का अर्थ, प्रथम डोनास और जातिरति गायकों की अभिमानी अज्ञानता। गहरी नैतिकता की कमी के लिए। सामग्री और बाहरी प्रभावों के दुरुपयोग ने आधुनिक आलोचना की। उन्हें एक ओपेरा इटाल। "ओपेरा पर निबंध" ("संगीत में सैगियो सोप्रा एल" ओपेरा ...", 1754) में शिक्षक एफ। अल्गारोटी और वैज्ञानिक-विश्वकोषविद् ई। आर्टेगा ने "द रेवोल्यूशन ऑफ़ द इटालियन म्यूज़िकल थिएटर" ("ले रिवोलुज़ियोनी डेल" में काम किया। टीट्रो म्यूजिकल इटालियानो डल्ला सुआ ओरिजिन फिनो अल प्रेजेंटे", वी. 1-3, 1783-86)।

लिब्रेटिस्ट कवियों ए। ज़ेनो और पी। मेटास्टेसियो ने ऐतिहासिक और पौराणिक की एक स्थिर संरचना विकसित की। ओपेरा श्रृंखला, जिसमें नाटकों की प्रकृति को कड़ाई से विनियमित किया गया था। साज़िश, अभिनेताओं की संख्या और रिश्ते, एकल वोक के प्रकार। मंच में कमरे और उनका स्थान। गतिविधि। क्लासिकिस्ट नाटक के नियमों का पालन करते हुए, उन्होंने ओपेरा को एकता और रचना का सामंजस्य दिया, इसे दुखद के मिश्रण से मुक्त किया। कॉमेडी और फ़ार्सिकल के साथ तत्व। साथ ही, इन नाटककारों के ओपेरा ग्रंथों को अभिजात विशेषताओं द्वारा चिह्नित किया जाता है। वीरता, एक कृत्रिम, ढंग से परिष्कृत भाषा में लिखी गई। ओपेरा श्रृंखला, आईएसपी। जो अक्सर आगमन के साथ मेल खाने के लिए समय था। समारोह, एक अनिवार्य सफल उपसंहार के साथ समाप्त होने वाले थे, इसके नायकों की भावनाएँ सशर्त और अकल्पनीय थीं।

सभी हैं। 18 वीं सदी ओपेरा सीरियल के स्थापित क्लिच और संगीत और नाटक के बीच घनिष्ठ संबंध को दूर करने की प्रवृत्ति रही है। गतिविधि। इसके साथ-साथ सस्वर पाठ की भूमिका को मजबूत करने, orc के संवर्धन के लिए प्रेरित किया। कोरस के रंग, विस्तार और नाटकीयता। दृश्य। इन नवीन प्रवृत्तियों को एन। जोमेली और टी। ट्रेटा के कार्यों में सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्त किया गया था, जिन्होंने आंशिक रूप से ग्लक के ऑपरेटिव सुधार को तैयार किया था। जी. एबर्ट के अनुसार, ओपेरा "इफिजेनिया इन टॉरिडा" में ट्रेटा ने "ग्लक के संगीत नाटक के बहुत द्वार तक आगे बढ़ने के लिए" कामयाबी हासिल की। तथाकथित के संगीतकार। "न्यू नीपोलिटन स्कूल" जी। सारती, पी। गुग्लिल्मी और अन्य। ए। सचिनी और ए। सालिएरी ग्लक के सुधार के कट्टर अनुयायी और अनुयायी थे।

सबसे मजबूत विपक्ष सशर्त रूप से वीर है। ओपेरा श्रृंखला एक नई लोकतांत्रिक थी। ओपेरा बफा शैली। 17 और जल्दी। 18 वीं सदी हास्य ओपेरा केवल एकल नमूनों द्वारा प्रस्तुत किया गया था। कितना स्वतंत्र। शैली, यह नीपोलिटन स्कूल एल विंची और एल लियो के वरिष्ठ स्वामी के साथ आकार लेना शुरू कर दिया। पहला क्लासिक ओपेरा बफा का एक उदाहरण पेर्गोलेसी की नौकरानी-मैडम है (मूल रूप से अपने स्वयं के ओपेरा श्रृंखला द प्राउड कैप्टिव, 1733 के कृत्यों के बीच एक अंतराल के रूप में उपयोग किया जाता है)। छवियों का यथार्थवाद, जीवंतता और कस्तूरी की तीक्ष्णता। विशेषताओं ने कई अन्य लोगों में जे.बी. पेर्गोलेसी के अंतराल की व्यापक लोकप्रियता में योगदान दिया। देशों, विशेष रूप से फ्रांस में, जहां उसकी पोस्ट। 1752 में एक भयंकर सौंदर्य के उद्भव के लिए एक प्रोत्साहन के रूप में कार्य किया। विवाद ("वार ऑफ द बफन्स" देखें) और फ्रेंच के गठन में योगदान दिया। नेट हास्य प्रकार। ओपेरा

नर से संपर्क खोए बिना। जड़ें, इटाल। ओपेरा बफा ने और अधिक विकसित रूप विकसित किए। ओपेरा सेरिया के विपरीत, जिसमें एकल वोक का बोलबाला था। शुरुआत, हास्य में ओपेरा में कलाकारों की टुकड़ी का बहुत महत्व है। सबसे विकसित पहनावे को जीवंत, तेजी से सामने आने वाले फाइनल में रखा गया था, जो एक तरह की कॉमेडिक साज़िश की गांठें थीं। N. Logroshino को इस प्रकार के प्रभावी अंतिम पहनावा का निर्माता माना जाता है। के. गोल्डोनी, सबसे बड़े इतालवी, का ओपेरा बफा के विकास पर लाभकारी प्रभाव पड़ा। 18 वीं शताब्दी के हास्य अभिनेता, जिन्होंने अपने काम में प्रबुद्धता यथार्थवाद के विचारों को दर्शाया। वह कई ओपेरा लिब्रे के लेखक थे, जिनमें से अधिकांश के लिए संगीत इतालवी के उत्कृष्ट उस्तादों में से एक द्वारा लिखा गया था। हास्य ओपेरा विनीशियन बी गलुप्पी। 60 के दशक में। 18 वीं सदी बफा ओपेरा में भावुकतावादी प्रवृत्तियां प्रकट होती हैं (उदाहरण के लिए, गोल्डोनी के पाठ "चेककिना, या द गुड डॉटर", 1760, रोम पर आधारित एन। पिकिन्नी का ओपेरा)। ओपेरा बफा नैतिकता को दर्शाते हुए "परोपकारी नाटक", या "अश्रुपूर्ण कॉमेडी" के प्रकार से संपर्क करता है। ग्रेट फ्रेंच की पूर्व संध्या पर तीसरे एस्टेट के आदर्श। क्रांति।

एन. पिक्किनी, जी. पैसीलो और डी. सिमरोसा का काम 18वीं शताब्दी में ओपेरा बफा के विकास का अंतिम, उच्चतम चरण है। उनकी प्रस्तुतियों, संवेदनाओं के साथ हास्य तत्वों का संयोजन। दयनीय, ​​मधुर विभिन्न रूपों, जीवंतता, अनुग्रह और संगीत की गतिशीलता के साथ समृद्धि, ऑपरेटिव प्रदर्शनों की सूची में संरक्षित की गई है। कई मायनों में, इन संगीतकारों ने मोजार्ट से संपर्क किया और सबसे महान इटालियंस में से एक का काम तैयार किया। अगली शताब्दी के ओपेरा संगीतकार जी। रॉसिनी। ओपेरा बफा की कुछ विशेषताओं को देर से ओपेरा सेरिया द्वारा अपनाया गया था, जिसके परिणामस्वरूप इसके रूपों, सादगी और धुनों की तत्कालता में अधिक लचीलापन आया। भाव।

माध्यम। इतालवी योगदान दिया गया था। 18वीं सदी के संगीतकार के विकास में शैलियों instr. संगीत। वायलिन कला के क्षेत्र में, कोरेली के बाद सबसे महान गुरु जे. टार्टिनी थे। अपने पूर्ववर्तियों का अनुसरण करते हुए, एकल वायलिन सोनाटा और तिकड़ी सोनाटा की शैलियों को विकसित करने के लिए, उन्होंने उन्हें नई ज्वलंत अभिव्यंजना से भर दिया, वायलिन बजाने के तरीकों को समृद्ध किया, और उस समय के लिए सामान्य रूप से इसकी ध्वनि की सीमा का विस्तार किया। तर्तिनी ने अपना खुद का स्कूल बनाया, जिसे पडुआ कहा जाता है (पडुआ शहर के बाद, जहां उन्होंने अपना अधिकांश जीवन बिताया)। उनके छात्र पी. नारदिनी, पी. अल्बर्टी, डी. फेरारी थे। दूसरी मंजिल में। 18 वीं सदी प्रकट गुणी प्रदर्शन। और रचनात्मक। सबसे बड़े इतालवी, जी. पुगनानी की गतिविधियाँ। शास्त्रीय वायलिन वादक। युग। उनके असंख्यों में G. B. Viotti अपने छात्रों के लिए विशेष रूप से प्रसिद्ध थे, जिनके काम में कभी-कभी पहले से ही रोमांटिक महसूस होता है। रुझान।

ओआरसी शैली। कंसर्टो ग्रोसो बोल्ड और ओरिजिनल के रूप में। ए. विवाल्डी ने एक अभिनव कलाकार के रूप में काम किया। उन्होंने इस रूप को नाटकीय रूप दिया, गतिशील के साथ पेश किया। विषयगत रूप से वाद्ययंत्रों के बड़े और छोटे समूहों (टुट्टी और कंसर्टिनो) के विपरीत। के भीतर विरोधाभास भागों, क्लासिक में संरक्षित एक 3-भाग चक्र संरचना की स्थापना की। इंस्ट्र। संगीत समारोह। (विवाल्डी के वायलिन संगीत कार्यक्रम को जे.एस. बाख ने बहुत सराहा, जिन्होंने उनमें से कुछ को क्लैवियर के साथ-साथ अंग के लिए भी व्यवस्थित किया।)

जेबी पेर्गोलेसी के तीनों सोनाटा में, पूर्व-शास्त्रीय की विशेषताएं ध्यान देने योग्य हैं। "शौर्य" शैली। उनकी हल्की, पारदर्शी बनावट लगभग पूरी तरह से समरूप है, माधुर्य नरम मधुरता और अनुग्रह द्वारा प्रतिष्ठित है। उन संगीतकारों में से एक जिन्होंने सीधे क्लासिक के सुनहरे दिनों को तैयार किया। इंस्ट्र। संगीत, मैनहेम और शुरुआती विनीज़ स्कूलों के प्रतिनिधियों के करीब उनके काम की प्रकृति से, जी। सममार्टिनी (78 सिम्फनी, कई सोनाटा और विभिन्न उपकरणों के लिए संगीत कार्यक्रम के लेखक) थे। एल। बोचेरिनी ने पूर्व-रोमांटिक के साथ वीरता की संवेदनशीलता के अपने काम तत्वों में संयुक्त किया। उत्साहित पथ और चारपाई से निकटता। स्रोत। सूचना। सेलिस्ट, उन्होंने एकल सेलो साहित्य को समृद्ध किया, क्लासिक के रचनाकारों में से एक थे। स्ट्रिंग चौकड़ी प्रकार।

कलाकार जीवित और समृद्ध रचनात्मक है। फंतासी, डी। स्कारलाट्टी ने क्लैवियर संगीत की अभिव्यक्ति की आलंकारिक संरचना और साधनों का विस्तार और अद्यतन किया। उनके हार्पसीकोर्ड सोनाटास (लेखक ने उन्हें "व्यायाम" कहा - "एस्सेरसीज़ी प्रति ग्रेविसेम्बलो"), उनके विभिन्न प्रकार के चरित्र और प्रस्तुति तकनीकों में हड़ताली, उस युग की क्लैवियर कला का एक प्रकार का विश्वकोश है। स्पष्ट और संक्षिप्त रूप में, स्कारलाटी के सोनाटा को विषयगत रूप से तेज किया जाता है। विरोधाभासों को स्पष्ट रूप से परिभाषित किया गया है। सोनाटा प्रदर्शनी के खंड। स्कार्लट्टी के बाद, क्लैवियर सोनाटा को बी। गलुप्पी, डी। अल्बर्टी (जिसका नाम अल्बर्टियन बास की परिभाषा के साथ जोड़ा गया है), जे। रुटिनी, पी। पारादीसी, डी। सिमरोसा के कार्यों में विकसित किया गया था। एम। क्लेमेंटी, डी। स्कारलाट्टी के कुछ शिष्टाचार में महारत हासिल कर चुके हैं (जो विशेष रूप से "स्कारलाट्टी की शैली में" 12 सोनाटा के निर्माण में व्यक्त किया गया था), फिर विकसित क्लासिक के उस्तादों के करीब जाता है। शैली, और कभी-कभी रोमांटिक के मूल में आती है। सदाचार।

एन. पगनिनी ने वायलिन कला के इतिहास में एक नए युग की शुरुआत की। एक कलाकार और संगीतकार के रूप में वे आम तौर पर रोमांटिक चित्रकार थे। गोदाम। उनके खेल ने ज्वलंत कल्पना और जुनून के साथ महान सद्गुण का एक अनूठा संयोजन तैयार किया। एम.एन. उत्पाद पगनिनी (वायलिन एकल के लिए "24 कैप्रिस", वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत कार्यक्रम, आदि) अभी भी कलाप्रवीण व्यक्ति वायलिन साहित्य के नायाब उदाहरण हैं। उन्होंने न केवल 19 वीं शताब्दी में वायलिन संगीत के पूरे विकास को प्रभावित किया, बल्कि रोमांटिक के सबसे बड़े प्रतिनिधियों के काम को भी प्रभावित किया। पियानोवाद - एफ। चोपिन, आर। शुमान, एफ। लिस्ट्ट।

पगनिनी महान इटालियंस में से अंतिम थे। शिल्पकार जिन्होंने इंस्ट्रक्टर के क्षेत्र में काम किया। संगीत। 19 वीं सदी में संगीतकारों और जनता का ध्यान लगभग पूरी तरह से ओपेरा की ओर था। 18-19 शताब्दियों के मोड़ पर। इटली में ओपेरा प्रसिद्ध ठहराव के दौर से गुजर रहा था। परंपरागत उस समय तक ओपेरा सेरिया और ओपेरा बफा के प्रकार पहले ही अपनी संभावनाओं को समाप्त कर चुके थे और विकसित नहीं हो सके थे। सबसे बड़े इतालवी की रचनात्मकता। इस समय के ओपेरा संगीतकार जी स्पोंटिनी इटली के बाहर (फ्रांस और जर्मनी में) आगे बढ़े। ओपेरा सेरिया (कुछ उधार तत्वों को टीका लगाकर) की परंपराओं को बनाए रखने के लिए एस। मेयर (राष्ट्रीयता से एक जर्मन) द्वारा किए गए प्रयास उदार साबित हुए। एफ. पीयर, जिन्होंने ओपेरा बफा की ओर रुख किया, ने पैसीलो और सिमरोसा के काम की तुलना में इस शैली में अनिवार्य रूप से कुछ भी नया नहीं पेश किया। (पीर का नाम संगीत के इतिहास में जे. बौली "लियोनोरा, या कॉन्जुगल लव" के पाठ पर आधारित ओपेरा के लेखक के रूप में संरक्षित किया गया है, जो बीथोवेन द्वारा लिब्रे "फिदेलियो" के स्रोत के रूप में कार्य करता है।)

इतालवी फलता-फूलता है। 19वीं सदी में ओपेरा अटूट राग के साथ उपहार में दिए गए संगीतकार जी. रॉसिनी की गतिविधियों से जुड़े थे। सरलता, जीवंत, उत्साही स्वभाव और अचूक नाटकीयता। स्वभाव उनका काम इतालवी के सामान्य उदय को दर्शाता है। देशभक्ति के विकास के कारण संस्कृति। nat.-मुक्त। आकांक्षाएं गहरा लोकतांत्रिक।, नर। इसके मूल में, रॉसिनी के ऑपरेटिव कार्य को श्रोताओं की एक विस्तृत श्रृंखला को संबोधित किया गया था। उन्होंने राष्ट्रीय को पुनर्जीवित किया ओपेरा बफा का प्रकार और इसमें नई जान फूंक दी, कार्रवाई की विशेषताओं को तेज और गहरा कर दिया। व्यक्ति, उन्हें वास्तविकता के करीब लाते हैं। उनका "द बार्बर ऑफ सेविले" (1816) इतालवी का शिखर है। हास्य ओपेरा रॉसिनी हास्य की शुरुआत को व्यंग्यपूर्ण, लिबरे से जोड़ती है। उनके कुछ ओपेरा में समाजों के लिए प्रत्यक्ष संकेत हैं। और राजनीतिक उस समय की स्थिति। ओपेरा में, वीर नाटक। चरित्र, उन्होंने ओपेरा सेरिया के जमे हुए क्लिच पर काबू पा लिया, विशेष रूप से, गाना बजानेवालों को विशेष महत्व देते हुए। शुरुआत। लोग व्यापक रूप से विकसित हैं। राष्ट्रीय मुक्ति पर रॉसिनी के अंतिम ओपेरा "विलियम टेल" (1829) में दृश्य। साजिश, एक रोमांटिक में व्याख्या की। योजना।

रोमांटिक को एक विशद अभिव्यक्ति दी गई है। वी। बेलिनी और जी। डोनिज़ेट्टी के काम में रुझान, जिनकी गतिविधियाँ 30 के दशक में सामने आईं। 19वीं सदी, जब नट का आंदोलन। इटली में पुनर्जागरण (रिसोर्गिमेंटो) एकता और राजनीतिक संघर्ष में एक निर्णायक चरण में प्रवेश कर गया है। देश की स्वतंत्रता। बेलिनी के ओपेरा "नोर्मा" (1831), "प्यूरिटन्स" (1835) में कोई भी राष्ट्रीय मुक्ति को स्पष्ट रूप से सुन सकता है। मकसद, हालांकि संगीतकार द्वारा पात्रों के व्यक्तिगत नाटक पर मुख्य जोर दिया जाता है। बेलिनी अभिव्यक्ति की उस्ताद थीं। प्रेम प्रसंगयुक्त कैंटीलेना, एम. आई. ग्लिंका और एफ. चोपिन द्वारा प्रशंसित। डोनिज़ेट्टी को मजबूत नाटकों की इच्छा है। प्रभाव और तीव्र स्थितियों के परिणामस्वरूप कभी-कभी रुका हुआ मेलोड्रामैटिज़्म होता है। इसलिए, उनका महान रोमांटिक। ओपेरा ("लुक्रेटिया बोर्गिया", वी। ह्यूगो के अनुसार, 1833; "लुसियाडी लैमरमूर", वी। स्कॉट के अनुसार, 1835) उत्पादन की तुलना में कम व्यवहार्य निकला। कॉमेडी शैली ("लव पोशन", 1832; "डॉन पास्कल", 1843), जिसमें परंपराएं हैं। इतालवी प्रकार। ओपेरा-बफा ने नई विशेषताएं हासिल कीं: शैली की पृष्ठभूमि का महत्व बढ़ गया, माधुर्य रोजमर्रा के रोमांस और गीत के स्वर से समृद्ध हो गया।

जे.एस. मर्काडांटे, जी. पासीनी और इसी अवधि के कुछ अन्य संगीतकारों का काम स्वतंत्रता में भिन्न नहीं था। व्यक्तिगत लक्षण, लेकिन ऑपरेटिव रूप के नाटकीयकरण और संगीत अभिव्यक्तियों के संवर्धन की दिशा में एक सामान्य प्रवृत्ति को दर्शाता है। धन। इस संबंध में वे स्वतःस्फूर्त थे। जी। वर्डी के पूर्ववर्ती - न केवल इटली में, बल्कि विश्व संगीत में भी सबसे महान ओपेरा नाटककारों में से एक। टी-आरए।

वर्डी के शुरुआती ओपेरा, जो 40 के दशक में मंच पर दिखाई दिए। 19वीं शताब्दी, अभी तक शैलीगत रूप से पूरी तरह से स्वतंत्र नहीं ("नाबुको", "लोम्बार्ड्स इन द फर्स्ट क्रूसेड", "एर्नानी"), ने अपनी देशभक्ति से दर्शकों के उत्साह को जगाया। पाथोस, रोमांटिक भावनाओं का उत्साह, वीरता की भावना और स्वतंत्रता का प्रेम। उत्पादन में 50 के दशक ("रिगोलेटो", "ट्रबडॉर", "ला ट्रैविटा") उन्होंने एक महान मनोवैज्ञानिक हासिल किया। छवियों की गहराई, तीव्र, तीव्र आध्यात्मिक संघर्षों के अवतार की शक्ति और सच्चाई। कडाई। वर्डी का पत्र बाहरी सद्गुणों से मुक्त है, मार्ग अलंकरण, मधुर का एक व्यवस्थित रूप से अभिन्न तत्व बन गया है। लाइन, अधिग्रहित एक्सप्रेस। अर्थ। 60 और 70 के दशक के ओपेरा में। ("डॉन कार्लोस", "आइडा") वह नाटक की व्यापक परतों को और प्रकट करना चाहता है। संगीत में क्रियाएं, ऑर्केस्ट्रा की भूमिका को मजबूत करना, संगीत को समृद्ध करना। भाषा: हिन्दी। अपने आखिरी ओपेरा में - "ओटेलो" (1886) वर्डी समाप्त के निर्माण के लिए आया था। संगीत नाटक, जिसमें संगीत क्रिया के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ है और लचीले ढंग से अपने सभी मनोवैज्ञानिकों को व्यक्त करता है। रंग।

वर्डी के अनुयायी, सहित। लोकप्रिय ओपेरा जिओकोंडा (1876) के लेखक ए पोन्चिएली, नए प्राणियों के साथ अपने ऑपरेटिव सिद्धांतों को समृद्ध करने में विफल रहे। उपलब्धियां। उसी समय, वर्डी के काम को वैगनरियन संगीत नाटक के अनुयायियों के विरोध का सामना करना पड़ा। सुधार हालांकि, वैग्नेरियनवाद की इटली में गहरी जड़ें नहीं थीं; वैगनर का प्रभाव कुछ संगीतकारों में ऑपरेटिव ड्रामाटर्जी के सिद्धांतों में नहीं, बल्कि हार्मोनिका तकनीकों में परिलक्षित होता था। और orc. पत्र। बोइटो (1868) द्वारा ओपेरा "मेफिस्टोफेल्स" में वैगनरियन प्रवृत्तियों को परिलक्षित किया गया था, जो बाद में वैगनर के उत्साह के चरम से दूर चले गए।

चुनाव में। 19 वीं सदी वेरिस्मो इटली में व्यापक हो गया। Mascagni's ग्रामीण सम्मान (1890) और Leoncavallo की Pagliacci (1892) की बड़ी सफलता ने इस प्रवृत्ति को इतालवी में प्रमुख के रूप में स्थापित करने में योगदान दिया। ऑपरेटिव कार्य। यू। जिओर्डानो (उनके कार्यों में, ओपेरा आंद्रे चेनियर, 1896), एफ। सिलिया ने वेरिस्मो को जोड़ा।

सबसे बड़े इतालवी कलाकार का काम भी इसी प्रवृत्ति से जुड़ा था। वर्डी के बाद ओपेरा संगीतकार - जी। पुक्किनी। उसका उत्पादन। आमतौर पर पवित्र। रंगीन रोजमर्रा की पृष्ठभूमि के खिलाफ दिखाया गया आम लोगों का नाटक। साथ ही, पुक्किनी के ओपेरा वेरिस्मो में निहित प्राकृतिक विशेषताओं से मुक्त हैं। नरक, वे अधिक सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक हैं। विश्लेषण, मर्मज्ञ गीतवाद और लेखन की शान। इतालवी की सर्वोत्तम परंपराओं के प्रति सच्चे होना। बेल कैंटो, पुक्किनी ने पाठ को तेज किया। अभिव्यक्ति को जगाना। मेलोडिक्स ने गायन में भाषण की बारीकियों के अधिक विस्तृत पुनरुत्पादन के लिए प्रयास किया। रंगीन अकॉर्डियन। और orc. उनके ओपेरा की भाषा में प्रभाववाद के कुछ तत्व हैं। अपनी पहली परिपक्व प्रस्तुतियों में। ("बोहेमिया", 1896; "टोस्का", 1900) पुक्किनी अभी भी इतालवी से जुड़ी हुई है। 19वीं शताब्दी की ओपेरा परंपरा, बाद में उनकी शैली और अधिक जटिल हो गई, अभिव्यक्ति के साधनों ने अधिक तीक्ष्णता और एकाग्रता प्राप्त की। इटली में एक अजीबोगरीब घटना। ओपेरा आर्ट-वे - ई। वुल्फ-फेरारी का काम, जिन्होंने क्लासिक को आधुनिक बनाने की कोशिश की। ओपेरा बफा का प्रकार, इसकी परंपराओं का संयोजन। शैली के साथ रूपों देर से रोमांटिकतावाद के साधन ("जिज्ञासु महिला", 1903; "चार अत्याचारी", 1906, गोल्डोनी के भूखंडों पर आधारित)। आर। ज़ांडोनै, सत्यवाद के मार्ग का अनुसरण करते हुए, कुछ नए पेशों से संपर्क किया। 20 वीं शताब्दी की धाराएँ।

इतालवी उत्कृष्टता। 19 पर ओपेरा - भीख। 20 वीं सदी कड़ाही के शानदार उत्कर्ष से जुड़े थे। संस्कृति। इतालवी परंपराएं। बेल कैंटो, जो 19वीं शताब्दी में आकार लिया, आगे कई कलाओं में विकसित किए गए हैं। गायकों की पीढ़ियाँ जिन्होंने दुनिया भर में ख्याति प्राप्त की। उसी समय, उनका प्रदर्शन नई विशेषताओं को प्राप्त करता है, अधिक गेय और नाटकीय रूप से अभिव्यंजक बन जाता है। विशुद्ध रूप से गुणी तरीके से अंतिम उत्कृष्ट प्रतिनिधि, नाटकों का त्याग। ध्वनि और तकनीकी की सुंदरता के लिए सामग्री। आवाज की गतिशीलता, ए कैटलानी थी। इटालियन के उस्तादों में कडाई। स्कूल पहली मंजिल। 19 वीं शताब्दी, रॉसिनी, बेलिनी और डोनिज़ेट्टी के ऑपरेटिव काम के आधार पर बनाई गई, - गायक गिउडिट्टा और गिउलिया ग्रिसी, जी। पास्ता, गायक जी। मारियो, जे। बी। रुबिनी। दूसरी मंजिल में। 19 वीं सदी "वर्डी" गायकों की एक आकाशगंगा को आगे रखा गया है, जिसमें गायक ए। बोसियो, बी। और सी। मार्चिसियो, ए। पट्टी, गायक एम। बत्तीस्टिनी, ए। मासिनी, जे। एंसेलमी, एफ। तामाग्नो, ई शामिल थे। टैम्बरलिक और अन्य। 20वीं सदी में। इटली की शान ओपेरा को गायकों ए. बार्बी, जी. बेलिनचोनी, ए. गैली-कुर्सी, टी. डल मोंटे, ई. और एल. टेट्राज़िनी, गायकों जी. डी लुका, बी. गिगली, ई. कारुसो, टी. स्किपा, टिट्टा रफ़ो और अन्य

कोन से। 19 वीं सदी इतालवी के काम में ओपेरा का महत्व। संगीतकार कमजोर हो रहे हैं और ध्यान के केंद्र को इंस्ट्रक्टर के क्षेत्र में स्थानांतरित करने की प्रवृत्ति है। शैलियों सक्रिय रचनात्मकता का पुनरुद्धार। इंस्ट्रुमेंट में दिलचस्पी संगीत को जे. सगमबाती (यूरोप में एक पियानोवादक और कंडक्टर के रूप में मान्यता प्राप्त) और जे. मार्टुची की गतिविधियों से बढ़ावा मिला। लेकिन दोनों संगीतकारों का काम, जो एफ। लिस्ट्ट और आर। वैगनर के प्रभाव में विकसित हुआ, पर्याप्त स्वतंत्र नहीं था।

नए सौंदर्यशास्त्र के अग्रदूत के रूप में। विचारों और शैली के सिद्धांतों का पूरे यूरोप के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ता है। 20वीं सदी का संगीत एफ. बुसोनी द्वारा गाया गया - अपने समय के महानतम पियानोवादकों में से एक, एक प्रमुख संगीतकार और कला सिद्धांतकार। उन्होंने "नए क्लासिकिज्म" की अवधारणा को सामने रखा, जिसे उन्होंने एक ओर, प्रभाववादी के साथ विपरीत किया। छवियों की तरलता, रंगों की मायावीता, दूसरी ओर, स्कोनबर्ग के प्रायश्चितवाद की "अराजकता" और "मनमानापन"। आपकी रचनात्मकता। बुसोनी के सिद्धांतों को 2 fp के लिए "काउंटरपॉइंट फैंटेसी" (1921), "इंप्रोवाइजेशन ऑन ए बाख चोरल" जैसे कार्यों में लागू किया गया था। (1916), साथ ही साथ ओपेरा "हार्लेक्विन, या विंडो", "टरंडोट" (दोनों 1917 में बने), जिसमें उन्होंने विकसित कड़ाही को छोड़ दिया। उनकी इतालवी शैली। पूर्ववर्तियों और एक पुराने तख़्त बिस्तर के प्रकार से संपर्क करने की मांग की। कॉमेडी या तमाशा।

नवशास्त्रवाद के अनुरूप, इतालवी का काम। संगीतकार, कभी-कभी नाम के तहत संयुक्त। "1880 के समूह", - आई। पिज़्ज़ेट्टी, जे. एफ. मालीपिएरो, ए. कैसेला। उन्होंने महान प्रकृति की परंपराओं को पुनर्जीवित करने की मांग की। संगीत अतीत, रूपों और शैलीगत का जिक्र करते हुए। इतालवी का स्वागत। बारोक और मधुर ग्रेगोरियन मंत्र। प्रारंभिक संगीत प्रचारक और शोधकर्ता, मालीपिएरो प्रकाशन। कोल। सी। मोंटेवेर्डी, इंस्ट्र द्वारा काम करता है। उत्पाद ए विवाल्डी और कई अन्य लोगों की भूली हुई विरासत। इटाल 17वीं और 18वीं शताब्दी के संगीतकार अपने काम में, वह पुराने बारोक सोनाटा, रिसरकार, आदि के रूपों का उपयोग करता है। उसका ओपेरा, ओएसएन। व्यक्त करना। कडाई। सस्वर पाठ और कंजूस का अर्थ है org. सोप्र।, 20 के दशक में शुरुआत को दर्शाते हैं। सत्यवाद के खिलाफ प्रतिक्रिया। कैसेला के काम की नवशास्त्रीय प्रवृत्तियों ने पियानो के लिए "पार्टिता" में खुद को प्रकट किया। ऑर्केस्ट्रा (1925) के साथ, सुइट "स्कारलाटियाना" (1926), कुछ संगीत थिएटर। उत्पाद (उदाहरण के लिए, चैम्बर ओपेरा द टेल ऑफ़ ऑर्फ़ियस, 1932)। हालाँकि, उन्होंने इतालवी का रुख किया। लोकगीत (ऑर्केस्ट्रा "इटली", 1909) के लिए धुन। उसका रंगीन orc. पत्र को काफी हद तक रूसी के प्रभाव में विकसित किया गया था। और फ्रेंच स्कूल (रूसी संगीत के जुनून के लिए एक श्रद्धांजलि बालाकिरेव द्वारा "इस्लामी" का आर्केस्ट्रा था)। पिज़्ज़ेटी ने अपने ओपेरा में धार्मिक-नैतिक तत्वों को पेश किया और संगीत को संतृप्त किया। इतालवी की परंपराओं के साथ एक ही समय में तोड़े बिना, ग्रेगोरियन मंत्र के भाषाई स्वर। 19वीं सदी में ओपेरा स्कूल अनेक संगीतकारों के इस समूह में एक विशेष स्थान पर ओ। रेस्पिघी, ओआरसी के मास्टर के काम का कब्जा है। साउंड पेंटिंग (उनके काम का गठन एन। ए। रिमस्की-कोर्साकोव के साथ कक्षाओं से प्रभावित था)। सिम्फ में। रेस्पिघी की कविताएँ ("रोमन फाउंटेन", 1916; "द पाइन्स ऑफ रोम", 1924) चारपाई की ज्वलंत तस्वीरें देती हैं। जीवन और प्रकृति। नवशास्त्रीय प्रवृत्तियाँ उनके बाद के कार्यों में केवल आंशिक रूप से परिलक्षित हुईं। And. m. पहली मंजिल में एक उल्लेखनीय भूमिका। 20 वीं सदी उन्होंने एफ. अल्फानो की भूमिका निभाई, जो वेरिस्ट निर्देशन के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि थे (एल.एन. टॉल्स्टॉय के उपन्यास पर आधारित ओपेरा पुनरुत्थान, 1904), जो तब प्रभाववाद के लिए विकसित हुए; M. Castelnuovo-Tedesco और V. Rieti, टू-राई शुरुआत में। द्वितीय विश्व युद्ध 1939-45 राजनीतिक द्वारा। मोटिव्स ने अपनी मातृभूमि छोड़ दी और संयुक्त राज्य अमेरिका में बस गए।

40 के दशक के मोड़ पर। 20 वीं सदी I. m में ध्यान देने योग्य शैलीगत बदलाव होते हैं। नवशास्त्रवाद की प्रवृत्तियों को उन धाराओं द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है जो किसी न किसी रूप में नए विनीज़ स्कूल के सिद्धांतों में विकसित होती हैं। इस संबंध में रचनात्मकता का संकेत। जी। पेट्रासी का विकास, जिन्होंने ए। कैसेला और आई। एफ। स्ट्राविंस्की के प्रभाव का अनुभव किया, पहले मुक्त प्रायश्चित की स्थिति में चले गए, और फिर सख्त डोडेकैफोनी के लिए। आई.एम. की इस अवधि के सबसे बड़े संगीतकार एल। दल्लापिक्कोला हैं, जिनके काम ने द्वितीय विश्व युद्ध के बाद व्यापक ध्यान आकर्षित किया। अपने उत्पादन में 40 और 50s अभिव्यक्तिवाद, रिश्तेदारी की विशेषताएं प्रकट होती हैं। ए बर्ग की रचनात्मकता। उनमें से सर्वश्रेष्ठ मानवतावादी का प्रतीक हैं। अत्याचार और क्रूरता के खिलाफ विरोध (गाना बजानेवालों "कैदी के गीत", 1938-1941; ओपेरा "कैदी", 1944-48), उन्हें एक निश्चित फासीवाद विरोधी अभिविन्यास दे रहा है।

द्वितीय विश्व युद्ध के बाद सामने आए युवा पीढ़ी के संगीतकारों में एल. बेरियो, एस. बुसोटी, एफ. डोनाटोनी, एन. कास्टिग्लिओनी, बी. मदेरना, आर. मालीपिएरो और अन्य प्रसिद्ध हुए। उनका काम किसके साथ जुड़ा हुआ है डीकंप अवंत-गार्डे की धाराएं - वेबेरियन धारावाहिकवाद के बाद, सोनोरिस्टिक्स (सीरियल संगीत, सोनोरिज्म देखें), एलेटोरिक्स, और नए ध्वनि साधनों की औपचारिक खोज के लिए एक श्रद्धांजलि है। बेरियो और मदेरणा ओएसएन। 1954 में मिलान में "स्टूडियो ऑफ़ फ़ॉनोलॉजी", जिसने इलेक्ट्रॉनिक संगीत के क्षेत्र में प्रयोग किए। उसी समय, इनमें से कुछ संगीतकार तथाकथित को संयोजित करने का प्रयास करते हैं। संगीत की अभिव्यक्ति के नए साधन। 16वीं-17वीं शताब्दी के संगीत के शैली रूपों और तकनीकों के साथ अवंत-गार्डे।

आधुनिक में एक विशेष स्थान I. m. कम्युनिस्ट संगीतकार, शांति के लिए एक सक्रिय सेनानी एल। नोनो से संबंधित है। वह अपने काम को हमारे समय के सबसे तीव्र विषयों में बदल देता है, अंतर्राष्ट्रीय विचारों को मूर्त रूप देने की कोशिश करता है। मेहनतकश लोगों का भाईचारा और एकजुटता, साम्राज्यवादी के खिलाफ विरोध। दमन और आक्रामकता। लेकिन अवंत-गार्डे कला के साधन, जिसका नोनो उपयोग करता है, अक्सर प्रत्यक्षता की उसकी इच्छा के विपरीत होता है। घबराहट आम जनता पर प्रभाव।

अवंत-गार्डे प्रवृत्तियों से दूर जेके मेनोटी - इतालवी है। संयुक्त राज्य अमेरिका में रहने और काम करने वाले संगीतकार। उनके काम में, जो मुख्य रूप से ओपेरा से जुड़ा हुआ है, सत्यवाद के तत्व एक निश्चित अभिव्यक्तिवादी रंग प्राप्त करते हैं, जबकि सच्चे भाषण के स्वर की खोज उन्हें एम। पी। मुसॉर्स्की के साथ आंशिक तालमेल की ओर ले जाती है।

संगीत में ओपेरा थियेटर इटली के जीवन में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभा रहा है। मिलान में ला स्काला दुनिया की सबसे उत्कृष्ट ओपेरा कंपनियों में से एक है, जो 1778 से अस्तित्व में है। इटली के सबसे पुराने ओपेरा हाउस में नेपल्स में सैन कार्लो (1737 में स्थापित), वेनिस में फेनिस (1792 में स्थापित) भी शामिल हैं। बड़ी कला। रोम ओपेरा हाउस ने महत्व प्राप्त कर लिया (इसे 1880 में कोस्टानज़ी मॉल के नाम से खोला गया था, 1946 से - रोम ओपेरा हाउस)। सबसे प्रमुख समकालीनों में इटाल ओपेरा कलाकार - गायक जी। सिमियोनाटो, आर। स्कॉटो, ए। स्टेला, आर। तेबाल्डी, एम। फ्रेनी; गायक जी. बेकी, टी. गोबी, एम. डेल मोनाको, एफ. कोरेली, जी. डि स्टेफ़ानो.

ओपेरा और सिम्फनी के विकास पर बहुत प्रभाव। इटली में संस्कृति ए. टोस्कानिनी की गतिविधि थी, जो 20वीं सदी के सबसे महान संवाहकों में से एक थी। संगीत-प्रदर्शन के प्रमुख प्रतिनिधि। कंडक्टर हैं पी। अर्जेंटीना, वी। डी सबाटा, जी। कैंटेली, टी। सेराफिन, आर। फासानो, वी। फेरेरो, सी। सेची; पियानोवादक ए. बेनेडेटी माइकल एंजेली; वायलिन वादक जे. डेविटो; सेलिस्ट ई. मेनार्डी।

शुरुआत से 20 वीं सदी गहन विकास इटली में प्राप्त हुआ था।-issledovat। और आलोचनात्मक विचार। माध्यम। संगीत के अध्ययन में योगदान। विरासत को संगीतज्ञ जी. बारब्लन (इतालवी सोसाइटी ऑफ़ म्यूज़िकोलॉजी के अध्यक्ष), ए. बोनावेंचर, जे.एम. गट्टी, ए. डेला कोर्टे, जी. पन्नैन, जे. रेडिसियोटी, एल. टोर्ची, एफ. टोरेफ़्रैंका और अन्य एम. Dzafred और M. Mila अधिकांश भाग के लिए काम करते हैं। संगीत के क्षेत्र में। आलोचना। इटली में कई मुशायरे प्रकाशित होते हैं। पत्रिकाएं, सहित। "रिविस्टा म्यूजिकल इटालियाना" (ट्यूरिन, मिलान, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), "म्यूजिका डी" ओगी" (मिलान, 1919-40, 1958-), "ला रासेग्ना म्यूजिकल" (ट्यूरिन, 1928-40) ; रोम, 1941-1943, 1947-62), "बोलेटिनो बिब्लियोग्राफ़िको म्यूज़िकल" (मिलान, 1926-33, 1952-), "इल कॉन्वेग्नो म्यूज़िकल" (ट्यूरिन, 1964-) और अन्य।

कई विश्वकोश प्रकाशित किए गए हैं, जो समर्पित हैं संगीत और टी-आरयू, सहित। "एनसाइक्लोपीडिया डेला म्यूज़िका" (व. 1-4, मिल., 1963-64), "एनसाइक्लोपीडिया डेलो स्पेट्टाकोलो" (व. 1-9, रोमा, 1954-62)।

विशेष के बीच संगीत उच। सबसे बड़े संस्थान संरक्षक हैं: रोम में "सांता सेसिलिया" (1876 में एक संगीत गीत के रूप में स्थापित, 1919 से - एक संरक्षिका); बोलोग्ना में जी.बी. मार्टिनी का नाम (1942 से; 1804 में एक संगीत गीत के रूप में स्थापित, 1914 से एक संरक्षिका का दर्जा प्राप्त हुआ); उन्हें। वेनिस में बेनेडेटो मार्सेलो (1940 से, 1877 में एक संगीत गीत के रूप में स्थापित, 1916 से इसे एक उच्च विद्यालय के बराबर किया गया है); मिलनस्काया (1808 में स्थापित, 1901 में जी। वर्डी के नाम पर); उन्हें। फ्लोरेंस में एल चेरुबिनी (1849 में एक संगीत संस्थान के रूप में स्थापित, फिर एक संगीत विद्यालय, संगीत अकादमी, 1912 से - एक संरक्षिका)। प्रो संगीतकारों को विश्वविद्यालयों में संगीत इतिहास संस्थान, पवित्र संगीत के परमधर्मपीठीय संस्थान आदि द्वारा भी प्रशिक्षित किया जाता है। इन पाठ्यपुस्तकों में। संस्थानों, साथ ही इंस्टीट्यूट फॉर द स्टडी ऑफ द वर्डी हेरिटेज में, संगीतशास्त्रियों का संचालन किया जा रहा है। काम। इंटरनेशनल की स्थापना वेनिस में हुई है। इतालवी प्रचार केंद्र संगीत, जो प्राचीन इतालवी के अध्ययन के लिए सालाना ग्रीष्मकालीन पाठ्यक्रम ("संगीत अवकाश") आयोजित करता है। संगीत। संगीत पर नोट्स और पुस्तकों का एक व्यापक संग्रह, मिलन कंज़र्वेटरी के पुस्तकालय, एम्वरोसियन पुस्तकालय में उपलब्ध है। प्राचीन उपकरणों, नोट्स और पुस्तकों के भंडार व्यापक रूप से ज्ञात हैं (वे बोलोग्ना फिलहारमोनिक अकादमी के पुस्तकालय में, जीबी मार्टिनी के पुस्तकालय में और बोलोग्ना में सैन पेट्रोनियो चैपल के अभिलेखागार में केंद्रित हैं)। इतालवी के इतिहास पर सबसे समृद्ध सामग्री। संगीत राष्ट्रीय है। मार्सियाना का पुस्तकालय, डी. सिनी फाउंडेशन का पुस्तकालय और संगीत का संग्रहालय। वेनिस में संरक्षिका में उपकरण।

इटली में, बहुत सारे हैं संगीत संगठनों और कलाकारों। दल। नियमित सिम्प. संगीत कार्यक्रम इसके द्वारा दिए जाते हैं: "ला स्काला" और "फेनिस" टी-डिच, नेट के आर्केस्ट्रा। अकादमी "सांता सेसिलिया", इटली। रोम में रेडियो और टेलीविजन, समाज का ऑर्केस्ट्रा "दोपहर संगीत बनाना" ("Рommerigi musicali"), जो प्रीमियर करता है। स्पेनिश से आधुनिक संगीत, चैम्बर ऑर्केस्ट्रा "एंजेलिकम" और "रोम के कलाप्रवीण व्यक्ति", समाज "एम्ब्रोस पॉलीफोनी", जो मध्य युग, पुनर्जागरण और बारोक के संगीत को बढ़ावा देता है, साथ ही बोलोग्ना टी-आरए "कॉमुनाले" के ऑर्केस्ट्रा को भी बढ़ावा देता है। बोलोग्ना चैंबर ऑर्केस्ट्रा और अन्य समूह।

इटली में कई कार्यक्रम आयोजित किए जाते हैं। संगीत त्यौहार और प्रतियोगिताएं: इंटर्न। आधुनिक त्योहार संगीत (1930 से, वेनिस), "फ्लोरेंटाइन म्यूज़िकल मे" (1933 से), स्पोलेटो में "फेस्टिवल ऑफ़ टू वर्ल्ड्स" (1958 से, जे.सी. मेनोटी द्वारा स्थापित), "वीक ऑफ़ न्यू म्यूज़िक" (1960 से, पलेर्मो), पियानो प्रतियोगिता। बोलजानो में एफ. बुसोनी (1949 से, सालाना), संगीत और नृत्य प्रतियोगिता। Vercelli में G. B. Viotti (1950 से, सालाना), उनसे प्रतियोगिता। ए। नेपल्स में कैसेला (1952 से, हर 2 साल में, 1960 तक पियानोवादकों ने भाग लिया, 1962 से - संगीतकार भी), वायलिन प्रतियोगिता। जेनोआ में एन। पगनिनी (1954 से, सालाना), ऑर्केस्ट्रा प्रतियोगिता। रोम में कंडक्टर (1956 से, हर 3 साल में, नेशनल एकेडमी "सांता सेसिलिया" द्वारा स्थापित), पियानो प्रतियोगिता। सेरेग्नो में ई। पॉज़ोली (1959 से, हर 2 साल में), युवा कंडक्टरों के लिए प्रतियोगिता। नोवारा में जी। कैंटेली (1961 से, हर 2 साल में), बुसेटो में मुखर प्रतियोगिता "वर्डी वॉयस" (1961 से, सालाना), गाना बजानेवालों की प्रतियोगिता। उन्हें टीमों। गुइडो डी "अरेज़ो इन अरेज़ो (1952 में एक राष्ट्रीय के रूप में स्थापित, 1953 से - अंतर्राष्ट्रीय; वार्षिक, जिसे "पॉलीफ़ोनिको" नाम से भी जाना जाता है), फ्लोरेंस में जी। कैसाडो सेलो प्रतियोगिता (1969 से, हर 2 साल)।

इटालियन के बीच संगीत ओब-इन - कॉरपोरेशन ऑफ़ न्यू म्यूज़िक (इंटरनेशनल सोसाइटी ऑफ़ कंटेम्पररी म्यूज़िक का सेक्शन; 1917 में नेशनल म्यूज़िक सोसाइटी के रूप में स्थापित, 1919 में इसे इटैलियन सोसाइटी ऑफ़ कंटेम्पररी म्यूज़िक में बदल दिया गया, 1923 से - कॉर्पोरेशन), म्यूज़िक एसोसिएशन। पुस्तकालय, संगीत विज्ञान के लिए सोसायटी, और अन्य। संगीत पब्लिशिंग हाउस और ट्रेडिंग कंपनी "रिकोर्डी एंड कंपनी" (1808 में स्थापित), जिसकी कई अन्य शाखाओं में शाखाएँ हैं। देश।

साहित्य:इवानोव-बोरेट्स्की एम.वी., संगीत और ऐतिहासिक पाठक, वॉल्यूम। 1-2, एम।, 1933-36; उनका अपना, संगीत के इतिहास पर सामग्री और दस्तावेज, खंड 2, एम।, 1934; कुज़नेत्सोव के.ए., संगीत और ऐतिहासिक चित्र, सेर। 1, एम।, 1937; लिवानोवा टी।, 1789 तक पश्चिमी यूरोपीय संगीत का इतिहास, एम। - एल।, 1940; ग्रुबर आर। आई।, संगीत का सामान्य इतिहास, भाग एक, एम।, 1956, 1965; खोखलोवकिना ए।, पश्चिमी यूरोपीय ओपेरा। 18वीं सदी के अंत - 19वीं सदी की पहली छमाही। निबंध, एम।, 1962; यूरोपीय कला अध्ययन का इतिहास: पुरातनता से 18वीं शताब्दी के अंत तक, एम., 1963; यूरोपीय कला इतिहास का इतिहास। 19 वीं सदी की पहली छमाही, मास्को, 1965।

"लोक कला" - पता करें कि आपके परिवार में मौखिक लोक कला के प्रति प्रेम कैसे पैदा होता है। इस प्रकार, रूसी लोक कला में रुचि बढ़ी। परियोजना कार्यान्वयन। 6 घंटे। शोध के उद्देश्य: आप अपने खेलों में किस प्रकार की लोक कलाओं का उपयोग करते हैं? कार्य के चरण: लक्ष्य और उद्देश्य निर्धारित किए गए हैं। क्या आपके जीवन में, खेलों में रूसी लोक कला का उपयोग किया जाता है।

"रूसी लोक पोशाक" - यदि आस्तीन कम कर दी जाती, तो कोई भी काम करना असंभव था। रूस में, महिलाओं के लिए मुख्य कपड़े एक सुंड्रेस और कढ़ाई वाली शर्ट थी। कपड़े लोगों की आत्मा को दर्शाते हैं। सुंड्रेस विभिन्न रंगों के हो सकते हैं: लाल, नीला, भूरा ... लड़कियां अपने सिर खुले रखकर चल सकती हैं। हरा बिछुआ है। कपड़ों से आप अपने लोगों की परंपराओं और रीति-रिवाजों के बारे में जान सकते हैं।

"इतालवी पुनर्जागरण के कलाकार" - उच्च पुनर्जागरण के प्रतिनिधि। उड़ाऊ पुत्र की वापसी। राफेल। मैडोना एंड चाइल्ड। वेलास्केज़। स्नान करने वाले। जर्मन पुनर्जागरण के अंतिम चित्रकार। चित्र। ईर्ष्या का फल। जिओकोंडा। लियोनार्डो दा विंसी। मैडोना कांस्टेबल। चर्च पेंटिंग और संतों के चित्र असंख्य हैं। शुक्र और एडोनिस।

"लोक संगीत" - ऑल-यूनियन रेडियो के रूसी गीतों के पायटनित्सकी गाना बजानेवालों। रूसी लोककथाओं की सभी विधाएँ कलेक्टरों और शोधकर्ताओं के समान ध्यान देने योग्य हैं। वसीली तातिशचेव। वास्तव में सार्वभौमिक। पहनावा "गोल्डन रिंग"। एम। गोर्की ने कहा: "... शब्द की कला की शुरुआत लोककथाओं में होती है।" गुण: संगीतमय चित्र लोगों के जीवन से जुड़े हुए हैं जो सदियों पुराने समय के साथ चमकते हैं।

"रूसी लोक वाद्ययंत्र" - बालवाड़ी में संगीत वाद्ययंत्र। बालालिका हारमोनिका। दुडकी-स्वयं-बात करने वाले! पहला उपकरण। आवाज की पिच बदलने के लिए शरीर में छेद किए गए। यह जंगल में उगता है, अपनी बाहों में रोता है, जंगल से निकाल लिया जाता है, और फर्श पर कूद जाता है। मिट्टी से गढ़ा गया। रूसी लोक वाद्ययंत्र। 1870 में तुला में दिखाई दिया। कक्षा में और छुट्टियों में।

"लोक वाद्ययंत्रों का आर्केस्ट्रा" - ऑर्केस्ट्रा की संरचना। रूसी डोमरा की कई किस्में हैं। डोमरा लोक वाद्ययंत्रों के ऑर्केस्ट्रा में प्रमुख वाद्य यंत्र है। बटन अकॉर्डियन रूसी मास्टर पीटर स्टरलिगोव के लिए अपनी उपस्थिति का श्रेय देता है। हवा उपकरण। 1907 से रूस में बायन मौजूद है। वे लोक वाद्ययंत्रों के ऑर्केस्ट्रा का हिस्सा हैं। वीणा के बारे में पहली जानकारी छठी शताब्दी की है।

मैंडोलिन एक तार वाला प्लक किया गया संगीत वाद्ययंत्र है। इसकी उपस्थिति 16 वीं शताब्दी की है, और रंगीन इटली इसकी मातृभूमि बन गया। मैंडोलिन एक संगीत वाद्ययंत्र है जो दिखने में ल्यूट के समान है, क्योंकि इसमें नाशपाती का आकार भी होता है। यह ल्यूट से इस मायने में भिन्न है कि इसमें कम तार और छोटी गर्दन होती है।

मूल रूप से, मैंडोलिन में हमेशा चार युग्मित तार होते थे (नियपोलिटन मैंडोलिन के रूप में जाना जाता है), और युग के आधार पर ल्यूट में छह या अधिक तार होते थे। इस प्रकार के मैंडोलिन के अतिरिक्त इसके अन्य प्रकारों को भी जाना जाता है:

• सिसिलियन - एक सपाट तल डेक और चार ट्रिपल स्ट्रिंग्स के साथ;
• मिलानी - छह तारों के साथ, गिटार एक की तुलना में एक सप्तक का निर्माण करें;
• जेनोइस - पांच-स्ट्रिंग मैंडोलिन;
• फ्लोरेंटाइन।

मैंडोलिन कैसे खेलें

आम तौर पर, मेन्डोलिन एक पल्ट्रम के साथ खेला जाता है, या बल्कि, एक पल्ट्रम के साथ खेला जाता है। हालांकि, ऐसा होता है कि वे अपनी उंगलियों से खेलते हैं। मंडोलिन की ध्वनि अद्वितीय है - ध्वनि की तीव्र और बार-बार पुनरावृत्ति (कंपोलो) को इस तथ्य से समझाया जाता है कि जब आप तारों को छूते हैं, तो ध्वनि जल्दी से कम हो जाती है, अर्थात यह छोटी हो जाती है। इसीलिए, ध्वनि को लम्बा करने और कथित रूप से खींचे गए नोट को प्राप्त करने के लिए, कांपोलो का उपयोग किया जाता है।

मैंडोलिन अपनी स्थापना के एक सदी बाद इटली के बाहर व्यापक रूप से जाना जाने लगा। यह वाद्य यंत्र बहुत प्रिय था और शीघ्र ही लोक वाद्य का दर्जा प्राप्त कर लिया। अब तक, वह आधुनिक संस्कृति में अधिक से अधिक जड़ें जमाते हुए, ग्रह पर चलती है।

यह भी ज्ञात है कि मोजार्ट जैसे प्रसिद्ध संगीतकार ने अपने ओपेरा डॉन जियोवानी में एक सेरेनेड में मैंडोलिन का इस्तेमाल किया था।

इसके अलावा, आज के कई बैंड, संगीतकार और गायक इस संगीत वाद्ययंत्र का उपयोग किसी प्रकार का "उत्साह" देने के लिए करते हैं। उनकी रचनाओं को।

एक मेन्डोलिन की मदद से, आप पूरी तरह से दोनों का साथ दे सकते हैं और एकल भाग खेल सकते हैं। उदाहरण के लिए, नियति ऑर्केस्ट्रा ज्ञात हैं, वे ध्वनियाँ जिनमें विभिन्न आकारों के कई मंडोलिन से विलय होता है। मैंडोलिन का उपयोग सिम्फनी और ओपेरा ऑर्केस्ट्रा में भी किया जाता है। बैंजो के साथ, मैंडोलिन का उपयोग अमेरिकी ब्लूग्रास और लोक संगीत में भी किया जाता है।

जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, मैंडोलिन एक बहुत ही असामान्य संगीत वाद्ययंत्र है और इसे कई लोगों द्वारा पसंद किया जाता है क्योंकि इसका तुरुप का पत्ता ट्रेमोलो है, जो शायद, आपको अन्य संगीत वाद्ययंत्रों में नहीं मिलेगा।

मैंडोलिन एक संगीत वाद्ययंत्र है जो लोक वाद्ययंत्रों की श्रेणी में सबसे लोकप्रिय में से एक है। शायद, कुछ संगीत वाद्ययंत्र इतनी लोकप्रियता का दावा कर सकते हैं। बल्कि, मेन्डोलिन को पारंपरिक रूप से लोक माना जाता है, हालांकि कई संगीतकारों ने इसे अपने कामों में इस्तेमाल किया, जिससे उन्हें एक विशेष आकर्षण और विशिष्टता मिली। हालांकि मैंडोलिन अक्सर आर्केस्ट्रा में प्रयोग किया जाता है, यह एक स्वतंत्र संगीत भाग के रूप में भी बहुत अच्छा लगता है। अन्य वाद्ययंत्रों के साथ इस पर विभिन्न ताल और नाटकों का प्रदर्शन किया जाता है।

मंडोलिन और कहाँ प्रसिद्ध हुआ

अपेक्षाकृत जल्दी, मैंडोलिन इटली से संयुक्त राज्य अमेरिका के उत्तर में चले गए और स्थानीय संगीत में मजबूती से स्थापित हो गए। यूरोप में, इस उपकरण ने स्कैंडिनेवियाई लोगों पर विजय प्राप्त की, जिन्होंने मैंडोलिन को एक विशेष सख्त सोनोरिटी दी।

मैंडोलिन में पारिवारिक वाद्ययंत्र हैं। ये मंडला, बौज़ौकी और ऑक्टेव मैंडोलिन हैं। हमारे समय के रॉक एंड रोल सामंजस्य एक ही मैंडोलिन के समान हैं।

यह ज्ञात है कि लेड ज़ेपेलिन समूह के सदस्य मैंडोलिन की आवाज़ के बहुत शौकीन थे और इसे अपनी धुनों में इस्तेमाल करते थे। यहां तक ​​कि बैंड के एक सदस्य जिमी पेज ने मंडला और गिटार की गर्दन के साथ मैंडोलिन को पूरक बनाया। यहां तक ​​कि पॉल मेकार्टनी ने भी इस कठिन संगीत वाद्ययंत्र को पसंद किया।

उत्कृष्ट ध्वनि के अलावा, मैंडोलिन के कई निर्विवाद फायदे हैं:

• सामंजस्यपूर्ण संरचना;
• सघनता;
• अन्य मंडोलिन या सामान्य रूप से अन्य संगीत वाद्ययंत्रों के साथ एक संयोजन - एक गिटार, एक ब्लॉक बांसुरी।

मैंडोलिन की ट्यूनिंग कुछ हद तक वायलिन की ट्यूनिंग के समान है:

• तारों की पहली जोड़ी को दूसरे सप्तक के मील में ट्यून किया गया है;
• दूसरी जोड़ी पहले सप्तक के ला में है,
• 1 सप्तक पुनः;
• तार का चौथा जोड़ा एक छोटे सप्तक का नमक है।

मंडोलिन की लोकप्रियता अधिक से अधिक बढ़ रही है। उदाहरण के लिए, आरिया समूह का एक सदस्य, वादिमिर खोलस्टिनिन, संगीत रचना पैराडाइज लॉस्ट में एक मैंडोलिन का उपयोग करता है। इसका उपयोग महामारी समूह के धातु ओपेरा (गीत वॉक योर वे) और सर्गेई मावरिन (मकादश) द्वारा भी किया जाता है।

और प्रसिद्ध गीत "लूज़िंग माई रिलिजन" आर.ई.एम. मैंडोलिन की अनूठी आवाज के साथ? ऐसा लगता है कि यह दुनिया के लगभग सभी देशों में जाना जाता है।

मैंडोलिन एक संगीत वाद्ययंत्र है जो काफी रहस्यमय है। उसकी सफलता का रहस्य अभी भी पूरी तरह से सामने नहीं आया है। यहां तक ​​​​कि अगर इसकी उपस्थिति के चार सौ से अधिक वर्ष बीत चुके हैं, तो यह बिल्कुल अपनी लोकप्रियता नहीं खोता है, बल्कि इसके विपरीत, यह अधिक से अधिक प्रशंसकों को प्राप्त कर रहा है। आधुनिक समय में, यह विभिन्न प्रकार की संगीत शैलियों में तेजी से उपयोग किया जाता है।

यह बहुत ही आश्चर्यजनक है कि मैंडोलिन किसी भी रचना, छाया में पूरी तरह से फिट होने या लगभग किसी भी उपकरण की ध्वनि को उजागर करने में सक्षम है। इस जादुई वाद्य यंत्र की आवाज सुनकर, आप साहसी शूरवीरों, प्यारी महिलाओं और गर्वित राजाओं के प्राचीन युग में उतरते प्रतीत होते हैं।

वीडियो: मैंडोलिन की आवाज कैसी होती है