Klasični ples je danes temelj vsakega plesnega sloga. Njegove elemente so skozi leta oblikovali najboljši učitelji baletnih šol na svetu. Vsi začetniki, ki zaidejo v čudoviti svet plesa, začnejo s to smerjo.

Klasični ples je predvsem zabava, lepota in prava podlaga za vsak plesni gib. Ni pomembno, v katero smer se bo plesalec razvijal, pouk naj začne z njim.

Klasični ples je gib, ki je združen v en sam sistem. A da bi ta sistem deloval, ga je treba revitalizirati. Eno je, ko ples obstaja kar tako, drugo je, ko pomaga razkriti občutke in drobno zgodbo, kot je na primer "Labodje jezero".

Zgodovina razvoja v Rusiji

Takšna smer, kot je klasični ples, se je v Rusiji pojavila po zaslugi Petra I. Odlok o zborovanjih iz leta 1718 je vključeval obvezno plesanje. Malo kasneje so bili plesi prisotni v maškaradah in predstavah. Leta 1773 je bila v Moskvi odprta prva baletna šola v Rusiji.

Od takrat do danes te šole dajejo svetu plesalce, ki s svojim talentom poveličujejo domovino.

Umetnost klasičnega plesa ima najvišjo obliko v koreografiji, imenovano balet. To je zgodba, ki se je rodila po zaslugi glasbe, a se je razkrila v koreografiji. Razdeljen je na 2 dela: karakterni in klasični ples. Razdeljen je tudi na naslednje žanre:

komedija;

simfonija;

Tragedija.

Pogoji

Vsak plesalec je dolžan poznati pojme klasičnega plesa. Veliko jih je, spodaj pa so le glavni.

Adagio - v prevodu iz italijanščine pomeni "počasi". Ta vaja vključuje poze, upogibe, rotacije in zasuke, ki se izvajajo v počasnem tempu. Glavna naloga adagija je naučiti plesalce, da se gladko premikajo iz enega giba v drugega, poslušajo glasbo in razvijajo stabilnost.

Allegro - prevedeno iz italijanščine kot "veselo". Predstavlja majhne skoke, ki se izvajajo na koncu ogrevanja.

Antrasha - iz francoščine pomeni "prečkan". To je vaja, pri kateri se med skokom noge plesalca v hitrem tempu večkrat razširijo in prekrižajo. Ta tehnika kaže, kako virtuoz je izvajalec.

Pas-de-buret - gibanje je sestavljeno iz majhnih korakov.

Gran - v prevodu iz francoščine pomeni "velik". Na primer, obstaja takšno gibanje, kot je grand batman jete, pri katerem se met noge izvede do največje višine za plesalca.

Par terr - "na tleh". Gibi s temi imeni pomenijo, da se izvajajo samo na tleh.

Priprava - prevedeno iz francoščine kot "priprava". Vsako gibanje, skok ali vrtenje se začne s pripravo.

Corps de ballet so umetniki, ki plešejo množično.

Fondu je gladko gibanje, pri katerem se noge upognejo in iztegnejo.

Osnovne poze

Vsaka poza v klasičnem plesu prinaša izziv. Toda združuje jih en cilj - razvoj koordinacije gibov. Najosnovnejše poze, ki se jih plesalci naučijo v prvem letu usposabljanja:

• Epalman Croise naprej. Roke so dvignjene v prvi položaj, medtem ko je glava rahlo nagnjena proti levemu ušesu, pogled pa v desno roko. Nato desno nogo počasi potegnemo naprej z iztegnjenim prstom. Hkrati z nogo delujejo tudi roke: leva se umakne v III položaj, desna - v II. Z desno roko sledimo očem.
• Epalman croise nazaj. Načelo gibanja je enako kot v prvi različici, le da se tu leva noga počasi umakne, medtem ko leva roka gladko prehaja iz položaja I v III, desna pa v II. Glava sledi gibanju desne roke.
• Odmaknite se naprej. Brez dviga od tal vodimo desno nogo naprej. Leva roka se gladko premika iz položaja I v položaj III, desna roka pa spremeni položaj v II. Ko so roke v položaju I, mora biti glava videti naravnost, pogled pa uprt v roke.
• Izbrišite nazaj. Leva noga se z gladkim gibom potegne nazaj. Hkrati roke izvajajo vse gibe kot v različici naprej.

Obstaja tudi takšna poza klasičnega plesa, kot je arabeska (arabeska). Ker pa je težje, to počnejo začetniki, potem ko dobro obvladajo predhodno prikazane poze.

Ljudski ples

Ljudski klasični ples je živahna, živahna in praznična umetnost. Takšen ples ni nastal po zaslugi najboljših koreografov, kot je to pri baletu, ampak iz vsega, kar nas obdaja.

Starodavna umetnost, ljudski klasični ples omogoča plesalcu, da se v nekaj minutah preobrazi iz strastnega španskega mača v svobodoljubnega cigana. S preučevanjem ljudskih plesov človek razume kulturo vsake narodnosti, razlikuje pa tudi med široko rusko dušo in lahkotnostjo gibov ljudstev Irske, vznemirjenostjo ukrajinskega hopaka in modrostjo Japonske.

Narodni ples daje plesalcu odlično priložnost, da obišče katero koli državo, ne da bi zapustil stene plesne dvorane.

Najbolj priljubljene vrste klasičnega ljudskega plesa:

Hopak (Ukrajina);

Sirtaki (Grčija);

Hawa-nagila (Izrael);

Kalinka (Rusija);

Czardas (Madžarska).

Položaji nog

Plesalčevo glavno orožje so noge. Vsak položaj klasičnega plesa obstaja za obračanje nog. Bistvo ni v tem, da lepo usmerite nogavice v različne smeri, temveč poskrbite, da je celotna noga, od kolka do prstov, pravilno obrnjena. In da bi to dosegli, morate vaditi vsak dan.

Obstaja 5 položajev:

1. Pete so skupaj, prsti pa so obrnjeni tako, da stopala tvorijo ravno črto na tleh.

2. Enako kot 1, le razdalja med petami naj bo približno 30 cm.

3. Peta ene od nog naj se dotika sredine stopala druge noge. Ta položaj se uporablja in redko najde v svetu plesa.

4. Stopala so se izkazala vzporedno drug z drugim. Tako je teža plesalke točno v sredini, torej ne počiva na eni od nog.

5. Ta položaj je podoben 4, le da morajo biti stopala tesno pritisnjena skupaj.

Položaji rok

1 položaj. Roke so rahlo zaobljene in so v višini diafragme. Dlani so obrnjene navznoter, ramena so spuščena. Roke in komolci naj tvorijo oval.

2. mesto. Roke, iztegnjene na straneh, naj bodo na nivoju nekoliko pod ramo. Komolci so rahlo pokrčeni, prsti so zbrani, dlani in glava pa so obrnjeni naprej.

3. mesto. Roke so rahlo zaobljene in dvignjene nad glavo. Ščetke naj bodo blizu, vendar se ne dotikajo drug drugega. Dlani so obrnjene navzdol, glava pa ravna.

Smeri sodobnega plesa

Sodobni klasični ples, tako kot katera koli druga zvrst na tem področju, ima veliko vrst in smeri. Velja za največji odsek v koreografiji. Vsaka smer sodobnega plesa ima svoje značilnosti in manire. Zaradi tega je še bolj zanimiv in vabljiv.

Jazz je plesni slog, ki se je pojavil v 19. stoletju. Ima svoje lastne poganjke, ki imajo svoje manire in gibe. Tap, freestyle, afro jazz, klasični jazz, funk, broadway jazz, soul – to je le majhen del skupnega. Soul velja za najbolj virtuozen videz. Zelo je podoben družabnemu plesu in vključuje ogromno zapletenih gibov in trikov.

Moderna - popolnoma opuščena kanonom klasičnega plesa in ima svoj filozofski pristop k vsakemu gibu. Tu je pomemben odnos plesalca do ritma in glasbe.

Družabni ples

To območje si zasluži posebno pozornost. To ni le niz gibov ob glasbi – to je šport, zgodovina, ljubezen in strast skupaj.

Partnerja med seboj komunicirata z gibanjem, dotikom in pogledom. Družabni program vključuje 10 plesov, ki so razdeljeni v 2 skupini: evropsko in latinskoameriško.

Valček je najžlahtnejši od vseh plesov in edini, ki med plesno revolucijo ni doživel nobenih sprememb.

Tango je čuten ples, kjer ima glavno vlogo partner. Ples, poln strasti in harmonično združuje hitre, ostre in tekoče gibe.

Rumba je tako vznemirljiv ples kot tango, a hkrati zelo nežen in umirjen.

Cha-cha-cha je neverjeten ples, ki temelji na gibanju bokov in nog. Njegovega ritma ni mogoče zamenjati z nobenim drugim (1,2, cha-cha-cha).

Zaključek festivala Platonov bo zaznamovala predstava "Mojstrovine sodobne koreografije" sestavljajo enodejanski baleti "Sharpening to Sharpness" Jorma Elo, "In the Forest" Nacho Duato, "Little Death" in "Six Dance" Jirija Kiliana.

Narežite na ostro

Glasba - A. Vivaldi, G. Bieber

Koreograf - Jorma Elo

Oblikovalec luči - Mark Stanley
Kostumograf - Holy Hines
Dirigent - Felix Korobov

"Na Floresta" (V gozdu)

Glasba - E. Vila-Lobos, V. Tiso
Koreograf - Nacho Duato
Umetnik - Walter Nobbe
Kostumograf - Nacho Duato

"Mala smrt"(Petite Mort), "Šest plesov"(Sechs Tanze)

Aprila 2011 je bila predstava nagrajena z nagrado Narodnega gledališča Zlata maska ​​kot najboljša baletna predstava sezone.

Glasba - W. A. ​​Mozart

Koreograf - Jiri Kilian

Scenograf - Jiri Kilian
Kostumografi - Jiri Kilian, Jouke Visser
Glasbeni vodja produkcije in dirigent - Felix Korobov

balet "Ostrina do ostrine" uglasbila skladatelja iz 17.-18. stoletja Antonio Vivaldi in Heinrich Bieber. Vrtoglava kaskada virtuoznih plesov, tvegana igra na meji možnega - tako finski koreograf Jorma Elo uteleša baročni svet v plesu.

balet "Na Floresta"- koreografska kompozicija, ki slavi lepoto amazonske selve. Energija strasti napolni balet, naredi njegovo koreografijo otipljivo in hkrati breztežno. Uspeh predstave, ki jo je leta 1990 v Haagu prvič uprizoril Nacho Duato, je bil fenomenalen. Produkcija brez zapletov na glasbo Heitorja Vile-Lobosa združuje subtilnost človeških občutkov in občudovanja nad veličino narave, s katero smo neločljivo povezani.

Oba baleta Jirija Kiliana ( Mala smrt, šest plesov) že dolgo uvrščajo med mojstrovine. "Little Death" - ljubezenska besedila najvišjega standarda. "Mala smrt" govori o nesmrtnosti umetnosti nič manj kot o spolnosti in erotiki.

Šest plesov je neke vrste komični balet, katerega humor ne temelji na zapletih, temveč na čisti koreografiji. Predstava je blizu duhu gledališča, ki že dolgo slovi po svojih komičnih baletih in skečih. Kilian nas pošilja v galantno dobo krinolin, lasulj in pudra, ki virtuozno manevrira med farso in prefinjeno prefinjenostjo.

Jorma Elo je eden najbolj znanih koreografov našega časa. Anna Kiselgof, baletna kolumnistka New York Timesa, je njegovo delo označila za "vzornik". Jorma Elo, ki stalno dela v Bostonskem baletu, nastopa tudi v številnih državah po svetu.

Jorma Elo se je rodila na Finskem. Študiral je na Finski nacionalni baletni šoli in Akademiji za ruski balet. Vaganova v Sankt Peterburgu. Kot koreograf je sodeloval z Baselskim baletom, baletom Alberta, Norveškim nacionalnim baletom, Finskim nacionalnim baletom, Nizozemskim plesnim gledališčem in Danskim kraljevim baletom. Aktivno sodeluje tudi z New York City Balletom, American Ballet Theater, Hubbard Street Dance Chicago, San Francisco Ballet in drugimi ameriškimi plesnimi družbami.

Od leta 2005 je Jorma Elo rezidenčna koreografinja Bostonskega baleta (ZDA). Tu je uprizoril predstave "Sharp Sideo fDark" (2002), "Planto B" (2004), "Carmen" (2006), "Hold Your Eyes" (2008), "In On Blue" (2008), "The Rite pomladi" (2009). Jorma Elo sam ustvarja kostume, luči, videe za svoje produkcije.

Izjemen koreograf Nacho duato se je rodil v Valencii (Španija). Ples je študiral na Rambert School v Londonu, nato pa študij nadaljeval v Bruslju na Mudra School of Maurice Béjart in v Alvin Ailey American Dance Center v New Yorku. Duatu že prvo koreografsko delo Jardi Tancat (Ograjen vrt) prinaša velik uspeh in osvoji prvo nagrado na mednarodnih koreografskih delavnicah v Kölnu. Duato še naprej deluje kot plesalec in ustvarja več kot deset produkcij, vključno z "Dance and Ritual", "Birds", "Sinafay", "Bolero" in drugimi. Koreografov zanesljiv zaveznik v skoraj vseh teh delih je bil umetnik Walter Nobbe.

Koreografska dela Nacha Duata so vključena v repertoar Cullberg Ballet (Švedska), NDT, Bolshoi Ballet of Canada, Deutsche Opera Ballet, Finnish National Opera Ballet, San Francisco Ballet, American Ballet Theater, Stuttgart Ballet, Australian Ballet in drugih gledališč. . Leta 1990 je Nacho Duato postal vodja Narodnega plesnega gledališča Španije, kjer je ustvaril na desetine predstav. Leta 1995 je Nacho Duato prejel naziv Chevalier francoskega reda umetnosti in književnosti. Leta 1998 mu je španska vlada podelila zlato medaljo za zasluge za umetnost. Leta 2000 je Nacho Duato prejel mednarodno baletno nagrado Benois de la danse kot najboljši koreograf leta za svoj balet "Versatility. Forms of Silence and Emptiness". Od leta 2010 vodi baletno skupino Mikhailovsky Theatre (Sankt Peterburg).

Izjemen sodobni koreograf Jiri Kilian- diplomant Nacionalne baletne šole v Pragi. Leta 1967 je Kilian prejel štipendijo za študij na Royal Ballet School v Londonu, kjer je spoznal koreografa Johna Cranka, ki mu je ponudil plesno pogodbo s Stuttgartskim baletom. Kmalu je Kilian vodil plesno družbo, ustvarjeno posebej v gledališču, ki se ukvarja izključno s sodobno koreografijo. Leta 1974 je bil Kilian povabljen v Nizozemsko plesno gledališče (NDT). Za uresničitev svojih idej Kilian ustvarja koreografske delavnice v gledališču in aktivno vodi mojstrske tečaje po vsem svetu. Od sredine 80. let prejšnjega stoletja je Kilianov stil gravitiral k abstrakciji in nadrealističnim podobam. Tako so nastali baleti Črno-belo, No More Play, Mala smrt, Sarabanda, Padec angelov, Archimboldo in drugi. Kilian in NDT sta bila pionir vzpona nizozemske plesne kulture in vzpostavila svoje vodstvo v sodobnem plesnem žanru.

Zgodovina baleta

Balet je dokaj mlada umetnost. Stara je nekaj več kot štiristo let, čeprav ples že od antičnih časov krasi človeško življenje. Balet se je rodil v severni Italiji v času renesanse. Italijanski knezi so ljubili razkošne palačne veselice, pri katerih je imel ples pomembno vlogo. Podeželski plesi niso bili primerni za dvorne dame in gospodje. Njihova oblačila, tako kot dvorane, kjer so plesali, niso dopuščala neorganiziranega gibanja. Posebni učitelji - plesni mojstri - so poskušali urediti stvari v dvornih plesih. Z plemiči so vnaprej vadili posamezne figure in plesne gibe ter vodili skupine plesalcev. Postopoma je ples postajal vse bolj gledališki. Izraz "balet" se je pojavil konec 16. stoletja (iz italijanskega balletto - plesati). A potem to ni pomenilo predstave, ampak le plesno epizodo, ki prenaša določeno razpoloženje. Takšni "baleti" so običajno sestavljeni iz malo povezanih "izhodov" likov - največkrat junakov grških mitov. Po takšnih "izstopih" se je začel skupen ples - "veliki balet". Prva baletna predstava je bila Kraljičin komedijski balet, ki jo je leta 1581 v Franciji uprizoril italijanski koreograf Baltazarini di Belgioioso. Prav v Franciji se je zgodil nadaljnji razvoj baleta. Sprva so bili to baleti-maškare, nato pa pompozni melodramski baleti na viteške in fantastične zaplete, kjer so plesne epizode nadomestile vokalne arije in recitacija poezije. Ne bodite presenečeni, takrat balet ni bil le plesna predstava. V času vladavine Ludvika XIV so predstave dvornega baleta dosegle poseben sijaj. Sam Louis je rad sodeloval v baletih, svoj slavni vzdevek "Kralj sonca" pa je prejel po vlogi Sonca v "Nočnem baletu". Leta 1661 je ustanovil Kraljevo akademijo za glasbo in ples, ki je vključevala 13 vodilnih plesnih mojstrov. Njihova odgovornost je bila ohranjati plesno tradicijo. Direktor akademije, kraljevi plesni učitelj Pierre Beauchamp, je opredelil pet osnovnih pozicij v klasičnem plesu. Kmalu je bila odprta Pariška opera, katere koreograf je bil isti Beauchamp. Pod njegovim vodstvom je nastala baletna skupina. Sprva so jo sestavljali samo moški. Ženske so se na odru pariške opere pojavile šele leta 1681. Gledališče je uprizorilo opere in balete skladatelja Lullyja ter komične balete dramatika Moliera. Sprva so pri njih sodelovali dvorjani in predstave se skoraj niso razlikovale od palačnih predstav. Plesali so že omenjeni počasni menueti, gavote in pavani. Maske, težke obleke in čevlji z visokimi petami so ženskam preprečili izvajanje zapletenih gibov. Zato so moški plesi takrat odlikovali večjo milost in milost. Do sredine 18. stoletja je balet v Evropi pridobival veliko popularnost. Vsa aristokratska sodišča Evrope so si prizadevala posnemati razkošje francoskega kraljevega dvora. V mestih so se odprle operne hiše. Številni plesalci in plesni učitelji so zlahka našli službo. Kmalu je pod vplivom mode ženski baletni kostum postal veliko lažji in svobodnejši, pod njim so se ugibale linije telesa. Plesalke so opustile čevlje s petami in jih nadomestile z lahkimi čevlji brez pete. Tudi moška obleka je postala manj obsežna. Z vsako novostjo je ples postal bolj smiseln, plesna tehnika pa višja. Postopoma se je balet ločil od opere in postal samostojno umetnost. Čeprav je francoska baletna šola slovela po svoji gracioznosti in plastičnosti, je bila zanjo značilna določena hladnost in formalnost izvedbe. Zato so koreografi in umetniki iskali druga izrazna sredstva.

Konec 18. stoletja se je rodila nova smer v umetnosti - romantika, ki je močno vplivala na balet. V želji, da bi bil njihov ples bolj zračen, so se izvajalci trudili stati na konicah prstov, kar je pripeljalo do izuma čevljev s špicami. V prihodnosti se aktivno razvija prstna tehnika ženskega plesa. Prva, ki je kot izrazno sredstvo uporabila ples pointe, je bila Maria Taglioni. Maria Taglioni(ital. Maria Taglioni; 23. april 1804, Stockholm - 22. april 1884, Marseille) - slavna italijanska balerina, osrednja osebnost baleta iz obdobja romantike. Maria se je rodila v družini baletnega mojstra in koreografa Philippa Taglionija. Deklica ni imela niti baletne figure niti posebnega videza. Kljub temu se je njen oče odločil, da bo iz nje naredil balerino. Maria je študirala na Dunaju, v Stockholmu in nato v Parizu pri Françoisu Coulombu. Kasneje je njegov oče študiral pri samem Mariu, leta 1822 je postavil balet "Sprejem mlade nimfe v palači Terpsichore", s katerim je Maria debitirala na Dunaju. Plesalka se je odrekla težkim oblekam, lasuljam in ličenju, ki so značilni za balet, in plesala le v skromni lahki obleki. Maria je pariško javnost osvojila leta 1827 na karnevalu v Benetkah, od takrat je pogosto plesala v pariški veliki operi. Na istem mestu je bila marca 1832 premiera baleta Silfida, ki je pomenila začetek dobe baletne romantike. Prav ona je nato v balet uvedla tutu in špic, pred Mario Taglioni pa so s svojo virtuozno plesno tehniko in ženskim šarmom občinstvo osvajale lepe balerinke. Taglioni, nikakor ni lepotec, je ustvaril nov tip balerine – poduhovljene in skrivnostne. V "Silfidi" je utelešala podobo nezemeljskega bitja, ki pooseblja ideal, nedosegljive sanje o lepoti. Taglioni je v raztegljivi beli obleki, ki se je v lahkih skokih slekla in zmrzovala na konicah prstov, postala prva balerina, ki je uporabila čevlje s špicami in jih naredila sestavni del klasičnega baleta. Vse evropske prestolnice so jo občudovale. V starosti je Maria Taglioni, osamljena in obubožana, učila ples in dobre manire otroke londonskih plemičev. Nagrobnik ima naslednji napis: » Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi”(Zemlja, ne pritiskaj nanjo premočno, ker je tako zlahka hodila po tebi). V tem času se je pojavilo veliko čudovitih baletov, vendar je bil romantični balet na žalost zadnje obdobje razcveta plesne umetnosti na Zahodu. Od druge polovice 19. stoletja je balet, ki je izgubil svoj nekdanji pomen, postal dodatek operi. Šele v tridesetih letih 20. stoletja se je pod vplivom ruskega baleta začela oživitev te umetniške oblike v Evropi.

V Rusiji prva baletna predstava - "Balet o Orfeju in Evridiki" - je bila uprizorjena 8. februarja 1673 na dvoru carja Alekseja Mihajloviča v vasi Preobrazhenskoye blizu Moskve. Pripravil jo je tujec Nikolaj Lima (ali Lim). Ni natančno znano, kdo je bil po izvoru - najverjetneje Škot, ki je emigriral v Francijo in nato prišel v Rusijo kot častnik inženirskih čet. Je pa precej zanesljivo dejstvo, da je bilo njegovo znanje v baletu zelo veliko. Postal je vodja nastajajoče baletne skupine, njen učitelj, koreograf in prvi plesalec. Na trening Lime so poslali deset »meščanskih otrok«, leto pozneje pa se je njihovo število podvojilo. Leta 1673 je Lima na odru Kremeljskega gledališča uprizorila "francoski ples" v "Baletu o Orfeju in Evridiki". To je bil balet v francoskem slogu, postavljen v obliki premikajočih se piramid, in prva profesionalna baletna predstava na ruskem odru. Kasneje so s posebnim odlokom cesarja Petra Velikega plesi postali sestavni del dvornega bontona. V 1730-ih letih. V Sankt Peterburgu so na dvoru Ane Ivanovne potekale redne predstave opernih in baletnih predstav. Plesne prizore v operah sta uprizorila koreografa JB Lande in A. Rinaldi (z vzdevkom Fossano). Mladi plemiči so se morali učiti plesa, zato je v Sankt Peterburgu plesni ples postal obvezna disciplina v plemiškem kadetskem zboru. Z odprtjem letnega gledališča v Letnem vrtu in zimskega gledališča v krilu Zimskega dvorca se kadeti začnejo udeleževati baletnih plesov. Učitelj plesa v korpusu je bil Jean-Baptiste Lande. Odlično je razumel, da se plemiči v prihodnje ne bodo posvečali baletu, čeprav so v baletih plesali enakovredno s profesionalci. Lande je kot nihče drug videl potrebo po ruskem baletnem gledališču. Septembra 1737 je vložil peticijo, v kateri je lahko utemeljil potrebo po ustanovitvi nove posebne šole, kjer bi dekleta in fantje preprostega porekla poučevali umetnost koreografije. Kmalu je bilo takšno dovoljenje dano. Tako je bila leta 1738 odprta prva šola baletnega plesa v Rusiji (zdaj Akademija ruskega baleta Vaganova). Med služabniki v palači so izbrali dvanajst deklet in dvanajst vitkih mladostnikov, ki jih je Lande začel poučevati. Vsakodnevno delo je prineslo rezultate, občinstvo je bilo navdušeno nad videnim. Od leta 1743 začnejo Landejevi nekdanji učenci plačevati kot baletni plesalci. Šola je zelo hitro uspela ruski oder priskrbeti odlične baletne umetnike in veličastne soliste. Imena najboljših študentov prvega vpisa ostajajo v zgodovini: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov. Na začetku 19. stoletja je ruska baletna umetnost dosegla svojo ustvarjalno zrelost. Ruski plesalci so v ples vnesli izraznost in duhovnost. Ker je to zelo natančno občutil, je A.S. Puškin svoji sodobni ruski balerini Avdotji Istomini posvetil naslednje vrstice:

Briljantno, napol zračno,
Poslušen sem čarobnemu loku,
Obkrožena je množica nimf,
Istomin stoji; ona,
Ena noga se dotika tal
Drugi počasi kroži
In nenadoma skok, in nenadoma leti,
Muhe kakor puh iz Eolovih ust;
Tabor bo svetoval, potem se bo razvijal
In s hitro nogo udari po nogi.

Balet je v tem času zavzel privilegiran položaj med drugimi vrstami gledališke umetnosti. Oblasti so temu posvečale veliko pozornost in zagotavljale državne subvencije. Moskovska in peterburška baletna družba sta nastopala v dobro opremljenih gledališčih, diplomanti gledaliških šol pa so vsako leto dodali osebje plesalcev, glasbenikov in dekoraterjev. V zgodovini našega baletnega gledališča pogosto naletimo na imena tujih mojstrov, ki so odigrali pomembno vlogo pri razvoju ruskega baleta. Najprej so to Charles Didlot, Arthur Saint-Leon in Marius Petipa. Pomagali so ustvariti rusko baletno šolo. Toda nadarjeni ruski umetniki so dali tudi priložnost, da razkrijejo talente svojih učiteljev. To je v Moskvo in Sankt Peterburg vedno znova privabilo največje koreografe Evrope. Nikjer na svetu niso mogli srečati tako velike, nadarjene in dobro izurjene skupine kot v Rusiji. Sredi 19. stoletja je realizem prišel v rusko literaturo in umetnost. Koreografi so mrzlično, a neuspešno poskušali ustvariti realistične predstave. Niso upoštevali, da je balet konvencionalna umetnost in da se realizem v baletu bistveno razlikuje od realizma v slikarstvu in literaturi. Začela se je kriza baletne umetnosti. Vsebina predstav je bila primitivna, nezapleteni zapleti so služili le kot izgovor za spektakularne plese, v katerih so umetniki pokazali svoje sposobnosti. Za plesalce je bila glavna stvar izpopolnjenost oblike in tehnike klasičnega plesa in pri tem so dosegli virtuoznost. Nova stopnja v zgodovini ruskega baleta se je začela, ko je veliki ruski skladatelj P. Čajkovski prvič komponiral glasbo za balet. Bilo je Labodje jezero. Pred tem baletne glasbe niso jemali resno. Veljala je za najnižjo obliko glasbene ustvarjalnosti, le za spremljavo plesov. Po zaslugi Čajkovskega je baletna glasba skupaj z opero in simfonično glasbo postala resna umetnost. Nekoč je bila glasba popolnoma odvisna od plesa, zdaj je moral ples ubogati glasbo. Potrebna so bila nova izrazna sredstva in nov pristop k ustvarjanju predstave. Nadaljnji razvoj ruskega baleta je povezan z imenom moskovskega koreografa A. Gorskega, ki je opustil zastarele metode pantomime v baletni izvedbi uporabljal metode sodobne režije. Ker je slikoviti zasnovi predstave pripisoval velik pomen, je k delu pritegnil najboljše umetnike. Toda pravi reformator baletne umetnosti je Mihail Fokin, ki se je uprl tradicionalni konstrukciji baletne predstave. Trdil je, da tema predstave, njena glasba, obdobje, v katerem se dogajanje dogaja, zahtevajo vsakič drugačne plesne gibe, drugačen vzorec plesa. Pri uprizoritvi baleta Egipčanske noči se je Fokina zgledoval po poeziji V. Brjusova in staroegipčanskih risbah, podobe baleta Petruška pa po poeziji A. Bloka. V baletu Daphnis in Chloe je opustil ples na špicah in obudil starinske freske v prostih, plastičnih gibih. Njegova Chopiniana je obudila vzdušje romantičnega baleta. Fokine je zapisal, da "sanja o ustvarjanju baletne drame iz baletne zabave, iz plesa - razumljivega govornega jezika". In uspelo mu je.

Leta 1908 so se v Parizu začele letne predstave ruskih baletnih plesalcev, ki jih je organiziral gledališče S.P.Dyagilev. Ruske sezone je baletna družba, ki jo je leta 1911 ustanovil ruski gledališčnik in umetnostni kritik Sergej Djagilev. Izrasla je iz ruskih letnih časov leta 1909, deloval je 20 sezon do Djagilevove smrti leta 1929 in je doživel velik uspeh v tujini, zlasti v Franciji in Veliki Britaniji. Diaghilevovo podjetništvo je imelo velik vpliv na razvoj ne le ruskega baleta, ampak tudi svetovne koreografske umetnosti na splošno. Kot nadarjen organizator je imel Diaghilev čut za talente, saj je vzgajal celo plejado nadarjenih plesalcev in koreografov - Vaclava Nijinskyja, Leonida Massineja, Mihaila Fokina, Sergea Lifarja, Georgea Balanchinea - in omogočil izpopolnjevanje že priznanih umetnikov. Scenografijo in kostume Diaghilevovih produkcij sta ustvarila njegova sodelavca v svetu umetnosti Leon Bakst in Alexander Benois. Kasneje je Diaghilev s svojo strastjo do inovacij pritegnil vodilne evropske umetnike - Pabla Picassa, Andrea Deraina, Coco Chanel, Henrija Matissea in mnoge druge - ter ruske avantgardne umetnike - Natalijo Gončarovo, Mihaila Larionova, Nauma Gaboa, Antoinea Pevsnerja kot dekoraterje. . Nič manj plodno ni bilo Diaghilevovo sodelovanje z znanimi skladatelji tistih let - Richardom Straussom, Ericom Satiejem, Mauriceom Ravelom, Sergejem Prokofjevom, Claudom Debussyjem - in zlasti z Igorjem Stravinskim, ki ga je odkril. Že od samega začetka je bila glavna smer koreografije njegovih sezon želja po razširitvi meja klasičnega baleta. Eksperimenti s plesnimi oblikami Nijinskega so bili pred časom in zato niso bili takoj sprejeti s strani občinstva. Fokine je gibom dodal »bogato plastičnost«, naslednik načel, ki jih je postavil, pa je Massine koreografijo obogatil z »razlomljenimi in pretencioznimi oblikami«. Balanchine pa je dokončno odstopil od pravil akademskega plesa in dal svojim baletom bolj stiliziran in ekspresionističen zvok. Djagiljeve sezone - zlasti prve, ki so vključevale balete Žar ptica, Petruška in Pomladni obred - so imele pomembno vlogo pri popularizaciji ruske kulture v Evropi in pomagale vzpostaviti modo za vse rusko. Na primer, angleški plesalci Patrick Healy-Kay, Alice Marks in Hilda Munnings so vzeli ruske psevdonime (oziroma Anton Dolin, Alicia Markova in Lydia Sokolova), pod katerimi so nastopali v skupini Diaghilev. Priljubljenost njegovih letnih časov je spodbudila tudi navdušenje Evropejcev nad tradicionalno rusko nošo in porodila novo modo – celo žena britanskega kralja Georgea VI. se je poročila v »obleki, ki parafrazira rusko folklorno izročilo«.

Imena plesalcev iz Rusije - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - so postala znana po vsem svetu. Toda prvo v tej vrsti je ime neprimerljive Ane Pavlove. Pavlova - lirična, krhka, s podolgovatimi telesnimi linijami, ogromnimi očmi - je spomnila na gravure, ki prikazujejo romantične balerine. Njene junakinje so prenašale čisto ruske sanje o harmoničnem, poduhovljenem življenju ali hrepenenje in žalost po neizpolnjenem. Umirajoči labod, ki ga je ustvarila velika balerina Pavlova, je pesniški simbol ruskega baleta na začetku 20. stoletja. Takrat se je pod vplivom spretnosti ruskih umetnikov zahodni balet pretresel in našel drugi veter.

Po oktobrski revoluciji leta 1917 so mnogi baletni voditelji zapustili Rusijo, a kljub temu je šola ruskega baleta preživela. Patos gibanja k novemu življenju, revolucionarne teme in kar je najpomembneje, obseg ustvarjalnega eksperimenta so navdihnili baletne mojstre. Njihova naloga je bila približati koreografsko umetnost ljudem, jo ​​narediti bolj vitalno in dostopno. Tako je nastal žanr dramskega baleta. To so bile predstave, običajno na podlagi zapletov znanih literarnih del, ki so bile zgrajene po zakonih dramske predstave. Vsebina v njih je bila predstavljena s pomočjo pantomime in lepega plesa. V Rusiji balet v letih po prvi svetovni vojni in pod sovjetsko oblastjo ni izgubil svojega pomena, tudi ko se je zdelo, da so politične in gospodarske razmere ogrožale sam obstoj Bolšoj in Mariinskega (ki so ga po oktobrski revoluciji imenovali Državno operno in baletno gledališče, GOTOB in od leta 1934 - ime S. M. Kirova). Dvajseta leta prejšnjega stoletja so bila obdobje intenzivnega eksperimentiranja tako v obliki kot vsebini baletne predstave. Pojavile so se tudi Proletkultove produkcije na politične in družbene teme, v Moskvi pa so bila dela Kasjana Goleizovskega (1892-1970), v Petrogradu (leta 1924 se je preimenoval v Leningrad) različne produkcije Fjodorja Lopuhova (1886-1973), vključno z njegovo "Veličino". vesolja" (1922) na glasbo Beethovnove četrte simfonije.
"Rdeči mak" na glasbo RM Glierja, balet, ki sta ga leta 1927 uprizorila Vasilij Tihomirov (1876-1956) in Lev Laščilin (1888-1955) v Moskvi, je služil kot prototip za številne poznejše sovjetske balete: to je večdejanka uprizoritev, katere tema so plemenita strast in junaška dejanja, in posebej napisana glasba je simfonične narave. Baleti, kot sta leta 1932 "Plameni Pariza" Vasilija Vainonena (1901-1964) in leta 1934 "Bakhchisarajski vodnjak" Rostislava Zaharova (1907-1984) - oba z glasbo Borisa Asafjeva, kot leta 1939 "Laurencia " (glasba Alexander Kerin) Vakhtang Chabukiani (1910-1992) in leta 1940 "Romeo in Julija" Leonida Lavrovskega (1905-1967) (glasba Prokofjeva) lahko služita kot primera tistih estetskih načel, ki jim sledijo ne le glavna trupe - Gledališče. S.M. Kirova v Leningradu in Bolšoj teater v Moskvi - pa tudi vseh okoli 50 gledališč, ki so delovala v državi.

Čeprav so se posamezne najdbe iz dvajsetih let prejšnjega stoletja obdržale, so prevladovale predstave, osredotočene na sovjetsko politično ideologijo, način izvajanja pa je odlikovala kantilnost pri izvajanju gibov in gibčnost (predvsem v rokah in hrbtu), pri razvoju visokih skokov, akrobatskih podpor (npr. na primer visoko dviganje na eni roki gospoda) in vznemirljivo vrtenje, ki je dalo sovjetskim baletom poseben dramatičen izraz.

Eden od učiteljev, ki je prispeval k razvoju tega sloga, je bila Agrippina Vaganova (1879-1951). Nekdanja plesalka v Mariinsky Theatre, je začela poučevati ob koncu svoje igralske kariere. Kot učiteljica na Leningradski koreografski šoli je Vaganova razvila učni načrt in učbenik za klasični ples ter svoje učence pripravila, da so lahko s svojo virtuozno tehniko izvajali tako velike romantične balete preteklosti kot nove sovjetske. Po vsej Sovjetski zvezi, pa tudi v Vzhodni Evropi, je usposabljanje temeljilo na sistemu Vaganova.
Občinstvo v Zahodni Evropi in Združenih državah Amerike je bilo praktično neznano sovjetskega baleta vse do sredine petdesetih let prejšnjega stoletja, ko so se začele baletne skupine Gledališča. Kirov in Bolšoj teater sta se prvič odpravila na turnejo na Zahod. Zanimanje zanj je vzbudila neverjetna spretnost balerin Bolšoj teatra Galine Ulanove (1910-1998), ki je z globoko liriko prenašala občutke "Giselle in Julije", in Maje Plisetske, ki je presenetila s svojo briljantno tehniko v vloga Odette-Odilia v "Labodjem jezeru". Medtem ko je Bolšoj poosebljal najbolj spektakularne značilnosti sovjetskega sloga, se je klasična čistost plesalcev Kirovskega gledališča izrazila v umetnikih, kot sta Natalija Dudinskaja in Konstantin Sergejev, ki sta prispevala k oživitvi Petipinih tradicij. Naslednje generacije umetnikov so dosegle velik uspeh: Ekaterina Maksimova, Vladimir Vasiljev, Natalia Bessmertnova in Vjačeslav Gordejev v Bolšoj teatru, Irina Kolpakova, Alla Sizova in Jurij Solovjev v gledališču Kirov. Leta 1961 je Nurejev, eden vodilnih plesalcev gledališča Kirov, ostal na Zahodu med turnejo skupine po Franciji. Podobno sta storila še dva ugledna umetnika istega gledališča - Natalija Makarova in Mihail Barišnikov (Makarova - v Londonu leta 1970, Baryshnikov - v Kanadi leta 1974).
V osemdesetih letih prejšnjega stoletja so se upravni in politični pritiski na umetnost v Sovjetski zvezi umirili, Oleg Vinogradov, ki je vodil baletno skupino Gledališča. Kirov od leta 1977 v repertoar začel uvajati balete Balanchina, Tudorja, Mauricea Bejarta in Robbinsa. Manj nagnjen k inovacijam je bil Jurij Grigorovič, ki je bil od leta 1964 na čelu baleta Bolšoj teatra. Njegovi zgodnji uprizoritvi - "Kamni cvet" (glasba Prokofjeva, 1957) in "Spartak" (glasba A. Hačaturjan, 1968) - sta tipični sovjetski izvedbi. Grigorovich se zanaša na spektakularne učinke, samozavestno obvladuje veliko množico energično gibljivih plesalcev, obsežno uporablja ljudski ples, daje prednost junaškim temam.

Dolga leta so na odru Bolšoj teatra igrali Grigorovičeve balete ali njegove priredbe starih predstav, kot je Labodje jezero. Do konca osemdesetih let prejšnjega stoletja sta Irek Mukhamedov in Nina Ananiashvili iz Bolšoj teatra ter Altynai Asylmuratova in Farukh Ruzimatov iz Gledališča. Kirov je dobil dovoljenje za nastop z vodilnimi baletnimi družbami na Zahodu, nato pa je postal del teh skupin. Tudi Vinogradov in Grigorovič sta začela iskati priložnosti za izkazovanje svojih talentov zunaj Rusije, kjer se je državno financiranje gledališč po razpadu ZSSR leta 1991 močno zmanjšalo. Leta 1995 je Grigoroviča kot vodjo baleta Bolšoj zamenjal Vladimir Vasiljev.
Druge skupine v Sankt Peterburgu - balet opernega in baletnega gledališča Maly po imenu MP Mussorgsky (do leta 1991 se je imenoval Maly Theatre of Opera and Ballet), Sanktpeterburško "Baletno gledališče Borisa Eifmana", ki ga vodi koreograf Boris Eifman (r. 1946), trupa koreografskih miniatur, ki jo je ustvaril Leonid Yakobson (1904-1975), ki je delal v gledališču. Kirov v letih 1942-1969, čigar delo je pridobilo slavo na Zahodu. Skupina Glasbenega gledališča po imenu V.I. K.S. Stanislavsky in V. I. Nemirovič-Dančenko, Klasično baletno gledališče. Skupina Experiment, ki jo je v Permu ustvaril Evgenij Panfilov, si zasluži pozornost.
Razpad Sovjetske zveze in posledična gospodarska kriza sta baletnim družbam, ki jih je prej izdatno subvencionirala država, prinesla velike težave. Številni plesalci in učitelji so zapustili državo, da bi se naselili v ZDA, Angliji, Nemčiji in drugih zahodnih državah.

Moderni ples

Moderni ples je trend v plesni umetnosti, ki se je pojavil na začetku 20. stoletja kot posledica odmika od strogih baletnih norm v korist ustvarjalne svobode koreografov.
Balet je temeljil na prostem plesu, katerega ustvarjalce ni zanimala toliko nova plesna tehnika ali koreografija kot ples kot posebna filozofija, ki lahko spremeni življenje. To gibanje, ki je nastalo na začetku dvajsetega stoletja (Isadora Duncan velja za njegovo prednico), je služilo kot vir številnih smeri sodobnega plesa in je dalo zagon reformi samega baleta.

Na koncu bi rad navedel besede naše izjemne balerine Maye Plisetskaya, ki je dejala v enem od svojih intervjujev: »Mislim, da je balet umetnost z veliko in vznemirljivo prihodnostjo. Zagotovo bo živel, iskal, se razvijal. Zagotovo se bo spremenil. A kako natančno, v katero smer bo šel, je težko napovedati s polno natančnostjo. ne vem. Vem eno stvar: vsi - tako izvajalci kot koreografi - moramo delati zelo trdo, resno, ne da bi prizanesli sami sebi. Ljudje, njihova vera v umetnost, njihova predanost gledališču lahko delajo čudeže. In kaj se bodo izkazali ti "čudeži" baleta prihodnosti, bo odločilo življenje samo."

Okolje: Metoda zahteve: GET URL zahteve: http: // site / smi / russian_masterpiece / Django Različica: 1.11 Različica Python: 3.5.6 Nameščene aplikacije: ["app", "redactor", "django.contrib.admin", " django.contrib.auth "," django.contrib.contenttypes "," django.contrib.sessions "," django.contrib.messages "," django.contrib.staticfiles "," nadležno "," imagekit "," safedelete " , "froala_editor", "webpack_loader"] Nameščena vmesna programska oprema: ["django.middleware.security.SecurityMiddleware", "django.contrib.sessions.middleware.SessionMiddleware", "django.middleware.common.CommonMiddleware", "django.middleware. csrf.CsrfViewMiddleware "," django.contrib.auth.middleware.AuthenticationMiddleware "," django.contrib.auth.middleware.SessionAuthenticationMiddleware "," django.contrib.messages.middleware.Message "nazaj: django Fileback" usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/exception.py" v notranjem 41. odziv = get _response (zahteva) Datoteka "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" v _legacy_get_response 249. odziv = self._get_response (zahteva) Datoteka "/ usr / local / lib / python3.5 / site-packages / django / core / handlers / base.py "in _get_response 187. response = self.process_exception_by_middleware (e, request) File" /usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/core/handlers/base.py "v _get_response 185. response = wrapped_callback (request, * callback_args, ** callback_kwargs) File" /usr/local/lib/python3.5/site-packages/annoying/decorators.py "v ovoju 67. izhod = funkcija (zahteva, * args, ** kwargs) datoteka" /opt/shkt/app/views.py "v masovnih medijih 166. člen = obj_404 (SMI, id = stran) datoteka" / usr / local / lib / python3.5 / site-packages / django / shortcuts.py "in get_object_or_404 85. return queryset.get (* args, ** kwargs) File" /usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/db/models/query.py "in get 370. clone = self.filter (* args, ** kwargs) File" /usr/local/lib/python3.5/site-packages/dj ango / db / models / query.py "v filtru 781. vrni self._filter_or_exclude (False, * args, ** kwargs) File" /usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models /query.py "in _filter_or_exclude 799. clone.query.add_q (Q (* args, ** kwargs)) File" /usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/ query.py "v klavzuli add_q 1260., _ = self._add_q (q_object, self.used_aliases) File" /usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py "v _add_q 1286. allow_joins = allow_joins, split_subq = split_subq, datoteka "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" v build_filter 1220. stanje = self.build_lookup (iskanja, iskanje , vrednost) Datoteka "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" v build_lookup 1114. return final_lookup (lhs, rhs) File "/ usr / local / lib / python3.5 / site-packages / django / db / models / lookups.py "v __init__ 24. self.rhs = self.get_prep_lookup () File" /usr/local/lib/python3.5/site-packages/ django / db / models / lookups.py "v get_prep_lookup 74. return self.lhs.output_field.get_prep_value (self.rhs) File" /usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/ polja / __ init__.py "v get_prep_value 962. vrni int (vrednost) Vrsta izjeme: ValueError at / smi / russian_masterpiece / Vrednost izjeme: neveljaven literal za int () z osnovo 10:" russian_masterpiece "