Štátna Ermitáž spolu s Mestskými múzeami v Pavii organizuje najväčšiu retrospektívu maľby v Taliansku devätnásteho storočia, ktorá obsahuje viac ako sedemdesiat diel.

Štátne múzeum Ermitáž, 19. november 2011 - 22. január 2012
Zbrojnica Zimného paláca

V rámci Roka Talianska v Rusku a Ruska v Taliansku sa uskutoční výstava „Talianske maliarstvo 19. storočia. Od neoklasicizmu k symbolizmu “, ktorú organizuje Štátna Ermitáž v spolupráci s Mestskými múzeami v Pavii. Výstava je najväčšou retrospektívou talianskej maľby predminulého storočia a zahŕňa viac ako sedemdesiat diel, z ktorých polovica pochádza zo zbierky Galérie umenia 19. storočia Občianskeho múzea v Pavii. Okrem toho sú na výstave diela z Galérie moderného umenia vo Florencii, Miláne, Turíne, Janove. Význam výstavy možno len ťažko preceňovať, keďže sledované obdobie je ruskému publiku prakticky neznáme (v zbierke Ermitáže je len niečo vyše šesťdesiat obrazov talianskych umelcov Ottocenta).

Na príklade najlepších príkladov maľby 19. storočia výstava demonštruje celú škálu štýlov a trendov, v ktorých talianski umelci pracovali: klasicizmus, romantizmus, historizmus, macchiaioli, symbolizmus.

Hlavné črty talianskeho klasicizmu boli položené v diele Antonia Canovu. Longobardský umelec Andrea Appiani sa obrátil k typu vznešených idylických malieb na mytologické námety, ktorých príkladom je obraz „Juno Dressed by the Graces“. Rovnaký starožitný kánon vznešenej harmónie možno nájsť na plátnach „Paríž“ a „Hebe“ od Gaspare Landiho. Hrdinskú vetvu neoklasicizmu predstavuje v tom čase populárny obraz Smrť Caesara od Vincenza Camucciniho.

Príťažlivosť k epizódam a hrdinom národných dejín, väčšinou už opísaných v literatúre, je charakteristická pre väčšinu maliarstva 19. storočia, počnúc romantizmom. Hlavným umelcom tohto smeru je Francesco Hayez. V obraze „Zmierenie Otta II. s jeho matkou Adelaidou Burgundskou“ reprodukoval významnú, no málo známu udalosť talianskych stredovekých dejín. Vo „Venus Playing with Doves“ stelesnil črty slávnej baleríny Carlotty Chabertovej, v „Secret Denunciation“ ukázal benátsku, krásnu a krutú.

Romantickí umelci ochotne stvárňovali prominentných ľudí, rebelujúcich hrdinov vo chvíľach slávy či pádu. Príklady takýchto diel: „Galileo pred súdom inkvizície“ od Cristiana Bantiho, „Kryštof Kolumbus po návrate z Ameriky (Krištof Kolumbus v reťaziach)“ od Lorenza Delleaniho, „Pán Byron na gréckych brehoch“ od Giacoma Trecourta.

Romantici oživujú záujem o „mladšie“ žánre maľby – zobrazovanie interiérov budov a veduty mesta (olovo). V obraze „Kostol Santa Maria della Salute v Benátkach“ Ippolito Caffi experimentuje s vizuálnym vnímaním a svetelnými efektmi.

V hľadaní romantikov pokračovali v 60. rokoch 19. storočia toskánski macchiaioli: Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Odorado Borrani, Vincenzo Cabianca. Umelci navrhli štýlový spôsob, nahradili tradičný šerosvit kontrastnou kombináciou škvŕn ("macchia"). V novej technike macchiaioli predstavili žánrové scény každodenného života: „Spev Stornella“ a „Snúbenci, alebo nevesta a ženích“ od Silvestra Lega, „Date in the Woods“ od Telemaco Signorini. Krajina na obrazoch „Rotunda z Palmieri Baths“ od Giovanniho Fattoriho a „Pohľad na Castiglioncello“ od Giuseppe Abbatiho je zaujímavá tým, že umelci pri jej tvorbe pracovali pod holým nebom.

Tendencie symbolizmu sú jasne vyjadrené v triptychu Giorgia Kinerka „Záhada človeka“: umelec sa vyhýba jasnej charakterizácii postáv, uprednostňuje fascináciu diváka ezoterickými symbolmi a celkovou magnetickou atmosférou.

V posledných desaťročiach 19. storočia európski umelci experimentujú s novými výrazovými prostriedkami. Angelo Morbelli v Taliansku rozvíja techniku ​​samostatného ťahu štetcom (divizionizmus), čoho príkladom je maľba na sociálnu tému "Over 80 Centesimo!" Divízorom bol aj Giuseppe Pelizza da Volpedo, ktorý v obraze „Round Dance“ symbolicky stelesnil ideály vysokého humanizmu.

Výstava „Talianske maliarstvo 19. storočia. Od neoklasicizmu k symbolizmu “je odpoveďou na veľkú výstavu otvorenú v marci 2011 v Castello Visconteo „Leonardeschi od Foppa po Giampetrino: Obrazy z múzeí Ermitáž a Pavia City “, ktorá predstavovala dvadsaťdva obrazov zo zbierky Ermitáž.

Kurátorkou výstavy zo strany Štátnej Ermitáže je Natalya Borisovna Demina, vedecká pracovníčka oddelenia západoeurópskeho výtvarného umenia, zo strany Mestských múzeí v Pavii - Suzanne Zatti, riaditeľka Mestských múzeí v Pavii.

Na otvorenie výstavy bol vydaný vedecký katalóg v ruštine a taliančine (vydavateľstvo Skira, Miláno - Ženeva), s článkami Fernanda Mazzocchiho, profesora Milánskej univerzity, Francesca Porreco, kurátorky múzeí mesta Pavia a Susanna Zattiová.

Pozor! Všetky materiály na stránke a databáza výsledkov aukcií stránky, vrátane ilustrovaných referenčných informácií o dielach predaných na aukciách, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo v rozpore s pravidlami ustanovenými Občianskym zákonníkom Ruskej federácie nie je povolené. stránka nezodpovedá za obsah materiálov odovzdaných tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích osôb si správa stránky vyhradzuje právo na ich odstránenie zo stránky a z databázy na základe žiadosti oprávneného orgánu.

• 31.01.2020 Vyvolávacia cena každej časti tejto aukcie nezávisí od jej odhadu a je presne 100 dolárov
• 30.01.2020 Marron zbiera svoju zbierku viac ako 20 rokov, pozostáva z 850 umeleckých diel, predbežne odhadovaných na 450 miliónov dolárov.
• 30.01.2020 Status sochy z Gettyho múzea v decembri 2019 bol zmenený na „Dielo neznámeho majstra“
• 29.01.2020 Kurz musel byť zrušený po sťažnostiach, že je príliš zameraný na európske „dejiny bieleho umenia“ a štúdium tvorby mužských umelcov.
• 29.01.2020 Organizátori najkompletnejšej retrospektívy diela Salvadora Dalího ponúkajú verejnosti dvesto umelcových diel a bohatý vzdelávací program

• 31.01.2020 Celkové príjmy dosiahli takmer 2,5 milióna rubľov. Kupujúci - z Moskvy do Magadanu
• 24.01.2020 Viac ako 50% katalógových položiek išlo pod kladivo, kupujúcich - od Permu po Minsk
• 23.01.2020 Katalóg obsahuje tridsať kusov: jedenásť obrazov, pätnásť originálnych listov a jednu tlačenú grafiku, jedno dielo v kombinovanej technike, jeden porcelánový tanier a jeden fotoalbum
• 20.01.2020 Katalóg prvej aukcie v roku 2020 pre výtvarné umenie a remeslá predstavoval 547 položiek - obrazy a grafika, sklo, porcelán, keramika, striebro, smalt, šperky atď.
• 17.01.2020 O niečo menej ako polovica všetkých šarží katalógu sa dostala do nových rúk. Medzi kupujúcimi - Moskva, Odintsovo, Minsk a Perm

• 31.01.2020 V histórii predmetu rozhovoru sa niečo môže zdať naivné a iné - nájsť uplatnenie v praxi účastníkov trhu. Jedno je isté: v každej profesii by sa vedomosti každého úspešného človeka mali opierať o úspechy a chyby jeho predchodcov.
• 03.12.2019 Hlavné postavy troch hlavných obchodov „ruského týždňa“ a trochu o tom, ako sa splnili naše predpovede
• 03.12.2019 Tento rok sa Salón konal na novom mieste, v Gostinom Dvore, o mesiac neskôr ako zvyčajne
• 28.11.2019 Návšteva ateliéru umelca je potenciálne životnou udalosťou pre majiteľa ateliéru aj jeho hosťa. Nie úplne pracovné stretnutie, ale určite nie obyčajná priateľská návšteva. Dodržiavanie niekoľkých jednoduchých pravidiel vám umožní nezostať v takejto situácii.
• 26.11.2019 Už po štvrtýkrát zverejňujeme nepravdivý znalecký posudok, údajne vydaný odborníkmi centra, na návrh Akademika I. E. Grabara All-Union Scientific and Research Center. Buď opatrný!
• 17.12.2019 Výstava, ktorá sa otvára 19. decembra v hlavnej budove múzea na Petrovke 25, je pokusom o nový pohľad na rozsiahlu múzejnú zbierku ruského umenia: kurátormi projektu bolo 20 známych osobností z rôznych profesií. .
• 12.12.2019 6. apríla 2020 uplynie 500 rokov od úmrtia jedného z najväčších umelcov renesancie. V očakávaní veľkých podujatí, ktoré sa budú konať budúci rok, otvára Berlínska galéria umenia výstavu Madony od Raphaela Santiho

Pojem „renesancia“ (renesancia) sa vzťahuje na obdobie od 14. do 16. storočia. Historické dokumenty naznačujú, že dovtedy bola Európa ponorená do náboženského tmárstva a nevedomosti, čo teda neumožňovalo rozvoj umenia. Teraz však nastal čas, svetský život sa začal trochu oživovať, čo dalo impulz rozvoju vedy a kultúry, začala sa éra protorenesancie. Umelci talianskej renesancie boli odhalení svetu.

V Taliansku 14. storočia sa objavili maliari-inovátori, ktorí začali hľadať nové kreatívne metódy (Giotto di Bondone, Cimabue, Niccolo Pisano, Arnolfo di Cambio, Simone Martine). Ich tvorba sa stala predzvesťou prichádzajúceho zrodu titánov svetového umenia. Najvýznamnejším z menovaných majstrov maľby je azda Giotto, ktorého možno nazvať skutočným reformátorom talianskeho maliarstva. Jeho najznámejším obrazom je Judášov bozk.

Ranorenesanční talianski maliari

Po Giottovi prišli takí maliari ako Sandro Botticelli, Masaccio, Donatello, Filippo Brunelleschi, Filippo Lippi, Giovani Bellini, Luca Signoreli, Andrea Mantegna, Carlo Crivelli. Všetci ukázali svetu nádherné obrazy, ktoré možno vidieť v mnohých moderných múzeách. Všetci sú veľkými talianskymi umelcami ranej renesancie a o diele každého z nich môžeme hovoriť veľmi dlho. V rámci tohto článku sa však podrobnejšie dotkneme len toho, ktorého meno je najviac počuť - neprekonaného Sandra Botticelliho.

Tu sú mená jeho najznámejších obrazov: „Zrodenie Venuše“, „Jar“, „Portrét Simonetty Vespucciovej“, „Portrét Giuliana Mediciho“, „Venuša a Mars“, „Madonna Magnificat“. Tento majster žil a tvoril vo Florencii v rokoch 1446 až 1510. Botticelli bol dvorným maliarom rodiny Mediciovcov, čo vysvetľuje skutočnosť, že jeho tvorivé dedičstvo je plné nielen obrazov s náboženskou tematikou (takých bolo v jeho tvorbe veľa) , ale aj mnohé ukážky svetského maliarstva.

Maliari vrcholnej renesancie

Obdobie vrcholnej renesancie – koniec 15. a začiatok 16. storočia – obdobie, keď takí talianski umelci ako Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian, Giorgione vytvárali svoje majstrovské diela... Aké mená, to géniovia!

Obzvlášť pôsobivé je dedičstvo veľkej trojice - Michelangela, Raphaela a Da Vinciho. Ich obrazy sú uložené v najlepších múzeách na svete, ich tvorivé dedičstvo je nádherné a vzbudzuje úctu. Pravdepodobne v civilizovanom modernom svete neexistuje taký človek, ktorý by nevedel, čo „Portrét Lady Lisy Giocondo“ od veľkého Leonarda, „Sixtínska Madona“ od Raphaela alebo nádherná mramorová socha Dávida, vytvorená rukami zbesilý Michelangelo vyzerá.

Talianski majstri maliarstva a sochárstva neskorej renesancie

Neskoršia renesancia (polovica 16. storočia) dala svetu množstvo úžasných maliarov a sochárov. Tu sú ich mená a krátky zoznam najznámejších diel: Benvenuto Cellini (socha Persea s hlavou Medúzy Gorgony), Paolo Veronese (obrazy „Triumf Venuše“, Ariadna a Bacchus „,“ Mars a Venuša „, atď.), Tintoretto (obrazy" Kristus pred Pilátom, "Zázrak sv. Marka" a iné), Andrea Palladio-architekt (Villa Rotonda), Parmigianino ("Madona a dieťa v rukách"), Jacopo Pontormo ("Portrét sv. Dáma s košíkom na priadzu“). A hoci všetci títo talianski umelci pôsobili na konci renesancie, ich diela sa dostali do zlatého fondu svetového umenia.

Renesancia sa stala jedinečným a neopakovateľným obdobím v živote ľudstva. Odteraz sa už nikomu nepodarí odhaliť tajomstvá remeselnej zručnosti tých veľkých Talianov, alebo sa aspoň priblížiť ich chápaniu krásy a harmónie sveta a schopnosti preniesť dokonalosť na plátno pomocou farby.

Po skončení renesancie slnečné Taliansko naďalej poskytovalo ľudstvu talentovaných majstrov umenia. Nemožno nespomenúť mená takých slávnych tvorcov, akými boli bratia Caracci – Agostino a Annibale (koniec 16. storočia), Caravaggio (17. storočie) či Nicolas Poussin, ktorý žil v 17. storočí v Taliansku.

A v súčasnosti tvorivý život na Apeninskom polostrove neutícha, no súčasní talianski umelci ešte nedosiahli takú úroveň zručnosti a slávy, akú mali ich geniálni predchodcovia. Ale, ktovie, možno je renesancia opäť pred nami a potom bude Taliansko môcť ukázať svetu nových titánov umenia.

Taliansko je krajina, ktorá bola vždy známa svojimi umelcami. Veľkí majstri, ktorí kedysi žili v Taliansku, oslavovali umenie po celom svete. S istotou môžeme povedať, že keby nebolo talianskych maliarov, sochárov a architektov, dnešný svet vyzeral úplne inak. Za najvýznamnejšie v talianskom umení sa, samozrejme, považuje. Taliansko v období renesancie alebo renesancie dosiahlo nebývalý vzostup a rozkvet. Talentovaní umelci, sochári, vynálezcovia, skutoční géniovia, ktorí sa v tých dňoch objavili, sú stále známe každému školákovi. Ich umenie, kreativita, nápady, vývoj sú dnes považované za klasiku, jadro, na ktorom je postavené svetové umenie a kultúra.

Jeden z najznámejších géniov talianskej renesancie je, samozrejme, veľký Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci bol taký nadaný, že dosiahol veľké úspechy v mnohých oblastiach činnosti vrátane výtvarného umenia a vedy. Ďalším známym umelcom, ktorý je uznávaným majstrom, je Sandro Botticelli(1445-1510). Botticelliho obrazy sú skutočným darom pre ľudstvo. Dnes sú jeho najhustejšie v najznámejších múzeách sveta a sú skutočne na nezaplatenie. Nie menej slávny ako Leonardo da Vinci a Botticelli Raphael Santi(1483-1520), ktorý žil 38 rokov a počas tejto doby sa mu podarilo vytvoriť celú vrstvu ohromujúcej maľby, ktorá sa stala jedným z najjasnejších príkladov ranej renesancie. Ďalším veľkým géniom talianskej renesancie je nepochybne Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Okrem maľby sa Michelangelo zaoberal sochárstvom, architektúrou a poéziou a v týchto formách umenia dosiahol skvelé výsledky. Michelangelova socha Dávida je považovaná za neprekonateľné majstrovské dielo, príklad najvyššieho úspechu sochárskeho umenia.

Okrem vyššie uvedených umelcov boli najväčšími umelcami renesančného Talianska takí majstri ako Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi a ďalší. ... Všetci boli hlavnými príkladmi nádhernej benátskej maliarskej školy. Florentská škola talianskeho maliarstva zahŕňa takých umelcov ako: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelandom del Sarto.

Uviesť všetkých umelcov, ktorí pôsobili počas renesancie, ako aj počas neskorej renesancie a stáročia neskôr, ktorí sa stali známymi po celom svete a oslavovali umenie maľby, vyvinuli základné princípy a zákony, ktoré sú základom všetkých druhov a žánrov výtvarné umenie, možno budete musieť napísať niekoľko zväzkov, ale tento zoznam stačí na to, aby ste pochopili, že Veľkí talianski umelci sú práve tým umením, ktoré poznáme, ktoré milujeme a ktoré si budeme navždy vážiť!

Obrazy veľkých talianskych umelcov

Andrea Mantegna - Freska v komore degli Sposi

Giorgione - Traja filozofi

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

N. A. Belousovová

Umenie 18. storočia (v taliančine settecento) predstavovalo záverečnú fázu stáročného vývoja veľkého klasického umenia Talianska. Toto je obdobie celoeurópskej popularity talianskych umelcov. Petrohrad, Madrid, Paríž, Londýn, Viedeň, Varšava – nebolo ani jedného európskeho hlavného mesta, kde by neboli pozvaní talianski majstri, všade tam, kde by plnili príkazy kráľovských dvorov a šľachty, nepôsobili ako architekti a sochári, fresky či divadelní dekoratéri. , krajinári či portrétisti.

Bolo by nesprávne vysvetľovať taký široký ohlas talianskej umeleckej kultúry v tomto období tým, že jej majstri sa vydali cestou zásadne nových umeleckých objavov, ako tomu bolo v renesancii a v 17. storočí. Dá sa skôr povedať, že talianski majstri boli niekedy z hľadiska historického pohľadu na svoje výkony menejcenní ako umelci iných krajín, napríklad Francúzska a Anglicka. Talianski architekti a maliari boli navyše viac spojení s povahou figuratívneho myslenia a jazykom foriem majstrov predchádzajúceho 17. storočia než umelci iných národných škôl. Celoeurópsky úspech Talianov podporovala predovšetkým mimoriadne vysoká všeobecná úroveň ich umenia, ktoré absorbovalo stáročné plodné tradície veľkých predchádzajúcich období, potom rovnomerne vysoký rozvoj všetkých druhov výtvarného umenia a prítomnosť v Taliansko veľkého počtu nadaných majstrov.

Najcennejšie výdobytky talianskeho umenia 18. storočia spájaný nielen s architektúrou a monumentálnou a dekoratívnou maľbou, kde rozhodujúcu úlohu zohral taký veľký majster ako Tiepolo, ale aj s rôznymi žánrami maliarskeho stojana (predovšetkým s architektonickou krajinou), s divadelným a dekoratívnym umením a s grafikou. Okrem ideologicky obsahových stránok, svetlého a nápaditého odrazu doby, boli jeho hlavnými prednosťami mimoriadne vysoká umelecká kvalita, virtuózne maliarske schopnosti, vďaka ktorým zostala prestíž brilantnej talianskej maestrie mimoriadne vysoká.

Jedným z dôvodov širokého rozšírenia talianskych majstrov po celej Európe bol aj fakt, že vo svojej domovine nedokázali naplno nájsť svoje uplatnenie. Vojnami vyčerpané Taliansko sa zmenilo od konca 17. do začiatku 18. storočia. nielen do politicky roztrieštenej, ale aj takmer zdevastovanej krajiny. Jeho južná časť bola podriadená španielskym Bourbonom; Toskánsku vládli členovia rodu Habsburgovcov, Lombardia bola v rukách Rakúska. Feudálny poriadok, ktorý panoval na pozemkoch patriacich kléru a aristokracii, zdražovanie, nízke mzdy robotníkov zamestnaných v továrňach, to všetko vyvolávalo nespokojnosť a kvasenie más, čo vyústilo do neorganizovaných povstaní chudobných, ktoré nemohli uspieť v podmienkach podriadenosti krajiny cudzincom a v dôsledku jej ekonomickej zaostalosti. Štátnu nezávislosť si zachovala iba Benátska republika a pápežské štáty s hlavným mestom Rím. Boli to Benátky a Rím, ktoré zohrali najvýznamnejšiu úlohu v duchovnom a umeleckom živote Talianska 18. storočia.

Talianska architektúra 18. storočia síce vykazuje v porovnaní s oslnivým rozkvetom 17. storočia istý úpadok, no napriek tomu poskytla mnohé zaujímavé riešenia. Aj v drsných ekonomických podmienkach tohto storočia si Taliani zachovali svoju neodmysliteľnú vášeň pre stavbu obrovských majestátnych stavieb, ako aj monumentálny jazyk architektonických foriem. A predsa v nádhere jednotlivých preslávených pamiatok tejto doby cítiť skôr akúsi zotrvačnosť niekdajšieho grandiózneho rozsahu stavebnej činnosti, než organickú konformitu s podmienkami reality. Táto závislosť od minulosti, vyjadrená v Taliansku výraznejšie ako v mnohých iných národných umeleckých školách v Európe, sa tu prejavila najmä v prevládajúcej úlohe barokového štýlu, ktorý len veľmi pomaly ustupoval pred výhonkami novej klasicistickej architektúry.

Úzke, v podstate nerozlučné spojenie s architektúrou 17. storočia. badateľné najmä na rímskych pamiatkach. Rímski architekti prvej polovice 18. storočia si zachovali veľký urbanistický rozsah svojho myslenia. Skromnejšie ako predtým využili ekonomické príležitosti na vytvorenie samostatných veľkých štruktúr, ktoré si zaslúžia dokončenie množstva slávnych architektonických komplexov a súborov.

V 18. storočí vznikli fasády dvoch slávnych ranokresťanských bazilík v Ríme - San Giovanni in Laterano (1736) a Santa Maria Maggiore (1734-1750), ktoré zaujímajú dominantné postavenie v architektúre priľahlých námestí. Staviteľ fasády Lateránskej baziliky Alessandro Galilei (1691-1736) zvolil fasádu rímskeho Dómu sv. Peter, ktorý vytvoril Carlo Maderna. Ale na rozdiel od toho posledného dal podobnej téme výtvarnejšie riešenie. V jeho dvojposchodovej fasáde s obrovskými pravouhlými a klenutými otvormi a kolosálnym poradím polstĺpov a pilastrov je prísnosť a jasnosť masívnych architektonických foriem výraznejšie zatienená ako v Madernyho nepokojným pohybom obrovských sôch korunujúcich fasádu. Exteriér kostola Saita Maria Maggiore, ktorého fasádu navrhol Ferdinando Fuga (1699-1781), svedčí o uvoľnenosti a pokoju barokových architektonických foriem. Fuga bol tiež staviteľom zdobeného paláca Palazzo del Consulta (1737), ktorý je príkladom rímskej palácovej architektúry z 18. storočia. Napokon, fasáda kostola Santa Croce v Jeruzalemme poskytuje príklad výrazne individuálneho riešenia fasády barokového kostola v aspekte, ktorý fascinuje mnohých talianskych architektov už od čias Gesu.

V rímskej architektúre tejto doby možno nájsť aj príklad námestia, ktoré je akoby akýmsi otvoreným vestibulom pred budovou kostola. Také je veľmi malé námestie Sant'Ignazio, kde v kontraste s krivočiarymi obrysmi okolitých tehlových fasád, rozmarná elegancia jeho foriem, stojacich bližšie k rokoku ako k baroku, pôsobivý kamenný masív fasády r. vyniká kostol Sant'Ignazio, postavený v minulom storočí.

Medzi najúchvatnejšie pamiatky v Ríme patria slávne Španielske schody, ktoré postavili architekti Alessandro Specchi (1668-1729) a Francesco de Sanctis (asi 1623-1740). Princíp malebnej terasovej kompozície, ktorú vyvinuli barokoví architekti pri vytváraní palácových a parkových celkov, sa tu prvýkrát uplatnil v mestskej zástavbe. Široké schodisko, ktoré je prerušené strmým svahom, spája v kompletnom celku námestie Plaza de España nachádzajúce sa na úpätí kopca s diaľnicami prechádzajúcimi cez námestie, ktoré sa nachádza na vrchole tohto kopca pred dvojvežovým priečelím kostola. zo San Trinita dei Monti. Veľkolepá kaskáda schodov, ktoré sa niekedy spájajú do jedného rýchleho prúdu alebo sa rozvetvujú do samostatných pochodov, ktoré sa spúšťajú zhora nadol pozdĺž zložitého zakriveného kanála, sa vyznačujú výnimočnou malebnosťou a bohatosťou priestorových aspektov.

Dekoratívne tendencie neskorého baroka triumfujú v slávnej fontáne di Trevi (1732-1762), ktorú navrhli architekti Niccolo Salvi (asi 1697-1751). Pompézna fasáda Palazzo Poli je tu použitá ako kulisa pre obrovskú nástennú fontánu a je vnímaná ako akási architektonická dekorácia, neoddeliteľne spojená so sochárstvom a prudko sa rútiacimi vodnými tokmi.

Kráľovský palác v Caserte pri Neapole, ktorý postavil Luigi Vanvitelli (1700-1773), by sa mal považovať za jednu z najzaujímavejších stavieb v južných oblastiach Talianska. Táto viacposchodová budova, grandiózna vo svojej mierke, má pôdorys obrovského štvorca s krížovými budovami, ktoré sa vo vnútri pretínajú a tvoria štyri veľké nádvoria. Na križovatke budov sa nachádza kolosálna dvojposchodová hala, v ktorej sa na rôznych stranách zbiehajú obrovské galérie a majestátne veľké schodiská.

V historicky sľubnejších formách sa architektúra rozvíjala v severných regiónoch Talianska - v Piemonte a Lombardii, kde sa progresívnejšie trendy zreteľnejšie odhaľujú v ekonomike a kultúre. Najväčším architektom tu bol Filippo Juvara (1676-1736), rodák zo Sicílie, ktorý pôsobil v Turíne, Ríme a ďalších mestách a kariéru ukončil v Španielsku. Yuvara je autorom mnohých rôznorodých stavieb, ale vo všeobecnosti vývoj jeho tvorby smeruje od veľkolepých kompozične zložitých štruktúr k väčšej jednoduchosti, zdržanlivosti a jasnosti architektonického jazyka. Jeho raným štýlom je fasáda Palazzo Madama v Turíne (1718-1720). Viac ľahkosti a slobody v takzvanom loveckom zámku Stupinigi neďaleko Turína (1729-1734) - obrovskom vidieckom paláci, mimoriadne komplexnom a rozmarnom vo svojom pláne (ktorý sa pripisuje francúzskemu architektovi Beaufranovi). Silne pretiahnuté nízke krídla paláca kontrastujú s vysokou centrálnou budovou v ich priesečníku, korunovanou ozdobnou kupolou, nad ktorou sa týči postava jeleňa. Ďalšia slávna budova Juvara - kláštor a kostol Superga v Turíne (1716-1731), nezvyčajne okázale umiestnená na vysokom kopci - predznamenáva obrat ku klasicizmu vo svojich formách.

Vo svojich hotových podobách je klasicizmus najjasnejšie vyjadrený v diele milánskeho architekta Giuseppe Piermariniho (1734-1808), z ktorého mnohých stavieb je najznámejšie Teatro della Scala v Miláne (1778). Ide o jednu z prvých divadelných stavieb v európskej architektúre určenú pre veľké množstvo divákov (do jej sály sa zmestí vyše tri a pol tisíca ľudí), ktorá sa neskôr svojimi architektonickými a technickými kvalitami stala vzorom pre mnohé moderné operné domy. .

Od 80. rokov 16. storočia. Vojnami vyčerpaná Benátska republika, ktorá v boji proti Turkom stratila svoju nadvládu v Stredozemnom mori, začala jeden po druhom strácať svoje majetky na východe a jej hospodársky úpadok sa stal zjavným a nevyhnutným. Okrem toho aristokratizácia a stagnácia foriem štátneho aparátu vyvolali akútne sociálne rozpory a opakované pokusy buržoázno-demokratickej časti benátskej spoločnosti zmeniť tento režim prostredníctvom radikálnych projektov jeho reorganizácie. No hoci tieto pokusy nemali výrazný úspech, netreba si myslieť, že Benátky úplne vyčerpali svoje možnosti. Tu silnela nová buržoázia, rástla vrstva inteligencie, vďaka ktorej bola kultúra benátskeho Settecenta presiaknutá zložitými a protirečivými javmi. Zvlášť nápadným príkladom v tomto smere nie je ani tak maľba, ako skôr vtedajšia literatúra a dráma.

Benátky si zachovali zvláštnu nádheru života, ktorá je vlastná iba im, ktorý v 18. stor. dokonca nadobudli akýsi horúčkovitý charakter. Sviatky, karnevaly, maškarády, keď boli všetky panstvá v meste zrovnoprávnené a pod maskou nebolo možné rozoznať patricij od plebejca, pokračovali takmer počas celého roka a prilákali do Benátok zástupy cestovateľov, medzi ktorými boli králi, predstavitelia šľachty, šľachta, šľachta, šľachta, šľachta, šľachta, šľachta, šľachta, šľachta, šľachta, šľachta, šľachta, šľachta. hudobníci, umelci, herci, spisovatelia a proste dobrodruhovia.

Benátky spolu s Parížom udávali tón literárnemu, divadelnému a hudobnému životu 18. storočia. Tak ako v 16. storočí, aj teraz zostalo dôležitým centrom tlače. Pôsobilo tu sedemnásť činoherných a operných divadiel, hudobných akadémií, štyri ženské sirotince – „konzervatóriá“, ktoré sa pretransformovali na vynikajúce hudobné a spevácke školy. Benátky svojimi hudobnými triumfami prekonali Neapol a Rím, vytvorili neprekonateľné školy hry na organe a husliach, ktoré zaplavili vtedajší medzinárodný hudobný svet svojimi úžasnými spevákmi. Žili a pôsobili tu vynikajúci skladatelia a hudobníci. Divadlá v Benátkach boli preplnené, bohoslužby, kde spievali kláštorné zbory a sólisti mníšok, boli navštevované ako divadlá. V Benátkach a Neapole sa popri činohernom divadle rozvinula aj realistická komická opera odrážajúca mestský život a zvyky. Vynikajúci majster tohto žánru Galuppi mal v duchu svojej tvorby blízko k najväčšiemu dramatikovi 18. storočia. Carlo Goldoni, ktorého meno sa spájalo s novou etapou v dejinách európskeho divadla.

Goldoni radikálne pretvoril komédiu masiek, vlial do nej nový obsah, dal jej novú scénickú výpravu, rozvinul dva hlavné dramatické žánre: komédiu móresov z meštiansko-šľachtického života a komédiu z ľudového života. Napriek tomu, že Goldoni pôsobil ako nepriateľ aristokracie, jeho hry mali svojho času v Benátkach veľký úspech, kým ho z benátskeho javiska nevytlačil jeho ideový odporca – dramatik a básnik, nebohý benátsky gróf Carlo Gozzi. Posledný menovaný sa opäť obrátil k odkazu improvizovanej komédie masiek vo svojich romantických divadelných hrách (fiabach) - Láska k trom pomarančom, Princezná Turandot a Kráľ jeleňov. Hlavná úloha vo vývoji talianskej drámy však nepatrila im, ale Goldoniho komédiám, ktorých realistická tvorba bola spojená s novými výchovnými myšlienkami.

Divadelné umenie Benátok sa odrážalo aj v charaktere ich architektúry a najmä dekoratívnej maľby. Rozvoj toho posledného bol v nemalej miere spojený s obrovským dopytom po veľkolepých divadelných a dekoratívnych maľbách kostolov a najmä palácov nielen medzi benátskou šľachtou, ale aj mimo Talianska. Ale spolu s týmto smerom v benátskej maľbe sa vyvinulo aj množstvo ďalších žánrov: každodenný žáner, mestská krajina, portrét. Podobne ako Galuppiho opery a Goldoniho komédie odrážali každodenný život a slávnosti benátskeho života.

Spojením umenia 17. a 18. storočia v Benátkach je dielo Sebastiana Ricciho (1659-1734). Autor mnohých monumentálnych a stojanových kompozícií sa do značnej miery opieral o tradície Paola Veroneseho, ktorých príklad možno nájsť v dielach ako „Madona a dieťa so svätými“ (1708; Benátky, kostol San George Maggiore) a „ Magnanity of Scipio“ (Parma, Univerzita), dokonca ikonograficky datovaný do 16. storočia. Hoci vzdal hold oficiálnemu pátosu baroka, jeho diela sú živšie a atraktívnejšie ako väčšina talianskych maliarov tohto smeru. Jeho temperamentný maliarsky spôsob, pestré farby v kombinácii so zvýšenou divadelnosťou obrazov ho preslávili nielen v Benátkach, ale aj v zahraničí, najmä v Anglicku, kde pracoval so svojím synovcom a žiakom, krajinárom Marcom Riccim (1679-1729).

Posledný menovaný obyčajne maľoval krajinky v kompozíciách Sebastiana Ricciho a takým spoločným dielom oboch majstrov bol veľký obraz „Alegorický hrob vojvodu z Devonpingu“ (Birmingham, Barberra Institute), pripomínajúci veľkolepé zákulisie a divadelné kulisy. Krajinárske diela samotného Marca Ricciho sú kompozície s romantickou náladou, prevedené širokým obrazovým spôsobom; v nich môžete zachytiť niektoré znaky spoločného s krajinami Salvator Rosa a Magnasco.

Počiatočná etapa benátskeho maliarstva 18. storočia. predstavuje dielo Giovanniho Battistu Piazzetta (1683-1754). Študoval u bolonského maliara Giuseppe Maria Crespiho a osvojil si jeho živý, originálny štýl maľby s rozsiahlym využitím šerosvitu. Svieži a silný vplyv Caravaggiovho realizmu sa odráža aj v jeho maľbách. Piazzetta je zdržanlivá a rafinovaná vo svojej palete, ktorej dominujú sýte farby, ktoré sa niekedy zdajú byť žiariace zvnútra – gaštanovočervená, hnedá, čierna, biela a sivá. Vo svojom oltárnom obraze v kostole Gesuati v Benátkach – „Sv. Vincent, Hyacint a Lorenzo Bertrando “(okolo roku 1730), s tromi postavami svätcov umiestnenými diagonálne nahor – čierne, biele a sivé tuniky jeho postáv tvoria farebnú schému nápadnú svojou harmóniou a jemnou monochrómnosťou.

Ďalšie skladby na náboženské témy - „Sv. Jakuba, ktoré viedli k poprave “a strop v benátskom kostole San Giovanni e Paolo (1725-1727) umelec vykonal tiež širokým maliarskym spôsobom. Piazzetta-umelkyňa prechodného obdobia; pátos jeho malieb s náboženskou tematikou a zároveň plnokrvný realizmus a vitalita obrazov, hlboký šerosvit, spiritualita a pohyblivosť všetkej maliarskej látky, šťavnaté horúce farby a niekedy až skvostné farebné kombinácie - to všetko čiastočne približuje jeho umenie k tomu smeru talianskej školy 17. storočia.ktorý prezentovali Fetti, Liss a Strozzi.

Mnohé žánrové maľby patria k štetcu Piazzetta, no každodenný prvok je v nich vyjadrený slabo, ich obrazy sú vždy zahalené romantickým oparom a rozdúchané jemným poetickým cítením. Aj taká čisto žánrová interpretácia biblickej zápletky, ako napríklad v jeho „Rebeke pri studni“ (Milan, Brera), dostáva od Piazzetty lyricko-romantickú konotáciu. Rebeka, ktorá sa vyľakane opiera o okraj kamennej misky, držiac si na hrudi lesklý medený džbán, hľadí zdesene na Abrahámovho sluhu, ktorý jej ponúka perlové vlákno. Jeho tieňovaná postava v gaštanovohnedom oblečení kontrastuje s trblietavými zlatými, zlatoružovými a bielymi tónmi, ktoré tvoria farebnú siluetu Rebekinej postavy. Hlavy kráv, psa a ťavy odseknuté rámom na ľavej strane obrazu, malebné postavy sedliackych žien za Rebekou (jedna z nich s pastierskou palicou) dodávajú obrazu pastiersky nádych.

Medzi najznámejšie skladby žánru Piazzetta patrí „The Fortune Teller“ (Benátky, Akadémia). Vlastní aj množstvo portrétov.

Piazzettova tvorba sa však neobmedzuje len na jeho maľby. Je autorom veľkolepých kresieb, medzi ktorými sú prípravné náčrty a dokončené kompozície, realizované ceruzkou a kriedou. Väčšinou ide o ženské a mužské hlavy, zobrazené buď zoči-voči, alebo z profilu či trištvrte zákruty, interpretované objemovo čiernobielo, pozoruhodné svojou mimoriadnou vitalitou a okamžitou presnosťou zachyteného vzhľadu ( „Muž v okrúhlom klobúku“, „Štandardný nosič a bubeník“, Benátky, Accademia, pozri ilustrácie).

Grandiózny rozsah monumentálneho a dekoratívneho umenia Settecenta sa spája predovšetkým s menom Giovanniho Battistu Tiepola (1696-1770), ktorého štýl sa formoval pod vplyvom jeho učiteľa Piazzetta a Sebastiana Ricciho. Tiepolo sa počas svojho života tešil veľkej sláve a pôsobil nielen v Taliansku, ale aj v Nemecku a Španielsku. Jeho skladby zdobili aj kráľovské paláce a majetky v Rusku v 18. storočí. Tiepolo s využitím najlepších tradícií dekoratívnej maľby renesancie a 17. storočia výrazne pozdvihol divadelnú a spektakulárnu stránku svojej tvorby a spojil ju so živým vnímaním reality. Tiepolo, ktorá nestratila cit, spojila ostrý zmysel pre skutočné javy s princípmi konvencie, ktoré sú charakteristické pre monumentálnu a dekoratívnu maľbu. Tieto vzájomne sa prelínajúce princípy určili originalitu jeho umeleckého jazyka. Znaky životnej pravdy v zobrazovaní jednotlivých udalostí a postáv sa však v Tiepolovej tvorbe nespájali s hĺbkovým psychologickým odkrývaním umeleckých obrazov, čo vo všeobecnosti viedlo k istému opakovaniu určitých techník a predstavovalo obmedzený aspekt jeho umenia. .

Umelcova plodnosť bola nevyčerpateľná; jeho brilantná tvorivá činnosť trvala viac ako pol storočia. Tiepolov štetec patrí k obrovskému množstvu fresiek, oltárnych obrazov, stojanových malieb, mnohých kresieb; bol tiež jedným z najpozoruhodnejších majstrov leptu.

Príkladom raného obdobia Tiepolovej činnosti, ktorá začala pracovať okolo roku 1716, sú fresky v benátskom kostole degli Scalzi -

„Apoteóza sv. Terézie "(1720-1725), kde prvýkrát predstavil svoje nové priestorové a dekoratívne riešenia, množstvo malieb na stojane na mytologické námety (medzi nimi aj veľké plátno "Znásilnenie sabiniek", okolo 1720; Ermitáž) a najmä desať obrovských dekoratívnych panelov namaľovaných umelcom na výzdobu paláca benátskeho patricijského delfína (asi 1725).

Päť plátien z tejto série - "Triumf cisára", "Muzio Scovola v tábore Porsenna", "Coriolanus pod hradbami Ríma" a ďalšie - sú v kolekcii Ermitáž. Silné a expresívne prenesenie hrdinských námetov, plastická, vitálne presvedčivá interpretácia figúr, priestorová obrazová kompozícia postavená na pestrých farebných kontrastoch s využitím svetelných a tieňových efektov, svedčí o skorej zrelosti Tiepola.

Z roku 1726 pochádzajú fresky v arcibiskupskom paláci v Udine, maľované prevažne na biblické námety. Tridsaťročný Tiepolo v nich vystupuje už ako skúsený umelec s pozoruhodnými koloristickými schopnosťami, ktorých príkladmi sú „Zjavenie sa anjela Sáre“, „Zjavenie sa troch anjelov Abrahámovi“ a najmä freska „Obeť sv. Abrahám"; v postojoch a gestách biblických postáv pripomínajú veľkolepé predstavenie.

Pokiaľ ide o maľbu na stojane, Tiepolo vytvára rovnako pôsobivé dekoratívne kompozície, ako je tá, ktorá bola namaľovaná koncom 30. rokov 18. storočia. veľký trojdielny obraz pre kostol San Alvise v Benátkach - "Cesta na Golgotu", "Bičovanie Krista" a "Tŕňová svadba", kde svetlé a žiarivé farby sú nahradené pochmúrnymi a sýtymi farbami. kompozícia sa stáva priestornejšou a dynamickejšou a vitalita jej obrazov je vyjadrená ešte silnejšie ako vo freskách.

Brilantný rozkvet Tiepolovho dekoratívneho talentu sa začal začiatkom štyridsiatych rokov 18. storočia, keď namaľoval množstvo mytologických obrazov, medzi nimi Triumf amfitrita (Drážďany) – morskej bohyne, pokojne ležiacej na voze v tvare mušle, ktorý kone a morské božstvá sa rýchlo ponáhľajú cez tyrkysové zelené vlny. Červený plášť Amphitrite, natiahnutý vetrom ako plachta, vyniká ako jasný bod vo všeobecnej nádhernej farebnej schéme.

V rokoch 1740-1750. Tiepolo vytvára jeden po druhom nádherné dekoratívne cykly, oltárne obrazy a malé stojanové obrazy. Rodiny benátskych patricijov, ako aj kláštory a kostoly medzi sebou súťažia o to, kto bude vlastniť diela jeho štetca.

Umelec premenil závratne vysoké kostolné plafondy na bezodné nebeské priestory s víriacimi mrakmi, kde sa nad hlavami veriacich vznášali svetelní anjeli a svätí. Náboženskú a mytologickú tematiku vystriedali honosné oslavy, svadby, hostiny a triumfy. Umelec vo svojich kompozíciách dosiahol úžasné efekty „denného“ osvetlenia koreláciou bielych tónov s bledomodrými a sivými tónmi a hlboké priestorové pauzy oddeľujúce architektonické formy a prúdy ľudských postáv od seba vytvárali pocit vzdušnej ľahkosti a beztiaže. Jemná, delikátna harmónia jeho farieb, živý cit pre farby, dynamika kompozícií, nevyčerpateľná obrazová predstavivosť, odvážne riešenie najťažších sľubných problémov – to všetko udivovalo Tiepolových súčasníkov rovnako, ako to prekvapuje teraz aj nás.

V rokoch 1740-1743 napísal obrovské stropné kompozície pre benátske kostoly Gesuati, degli Scalzi, scuola del Carmine a iné. Stojí za to sa pozastaviť nad obrazom kostola degli Scalzi - najveľkolepejšou a najmajestátnejšou freskou, ktorú počas týchto rokov vytvoril Tiepolo spolu s umelcom Mengozzi Colonnom, ktorý bol kvadratistom, teda maliarom, ktorý vystupoval. ornamentálne časti a architektonická maľba v Tiepolových kompozíciách. Interiér kostola, ktorý postavil Longene v 17. storočí, sa vyznačoval čisto barokovou nádherou, ktorú ekvivalentne dotváral veľkolepý Tiepolov plafond s obrovskou kompozíciou „Prenesenie domu Madony do Loreta“ (tento plafond bol zničený v roku 1918) . Maľba na strope, akoby pokračovala v skutočnej architektonickej výzdobe stien kostola, rámovala obrovskú fresku postavenú na juxtapozícii svetelných plánov rôznej intenzity a hĺbky, ktorá vytvárala ilúziu nekonečného nebeského priestoru osvetleného svetlom. Obraz sa rozvinul takmer rovnobežne s rovinou stropu, a nie do jeho hĺbky, ako to robili dekoratéri 17. storočia. Umiestnením hlavnej scény „Prestupu“ nie do stredu plafondu, ale na jeho okraj, a ponechaním zvyšku priestoru takmer prázdneho, Tiepolo dosiahne úplnú ilúziu rýchleho vzdušného letu masy ľudských postáv. Niektoré postavy sú oddelené od centrálneho javiska a umiestnené na pozadí rámu fresky, ako napríklad postava zosobňujúca herézu a bezhlavo padajúca na diváka. Týmito efektmi umelec akoby spájal nebeskú scénu so skutočným interiérom kostola. Takéto obrazové ilúzie zraku zodpovedali charakteru benátskej bohoslužby 18. storočia, ktorá bola akýmsi obradným cirkevným predstavením, presiaknutým skôr svetským než náboženským cítením.

Obdobie po roku 1745 zahŕňa pozoruhodné fresky Tiepola v benátskom Palazzo Labia, kde sa umelec najviac približuje dekoratívnym princípom Veronese. Dve fresky umiestnené na protiľahlých stenách Veľkej sály zobrazujú „Sviatok Antonia a Kleopatry“ a „Stretnutie Antona a Kleopatry“. Na strope je zobrazených množstvo alegorických postáv.

Vstupom do priestrannej tanečnej sály Palazzo Labia divák stráca pocit skutočného architektonického priestoru, pretože jeho limity posúvajú malebné dekorácie, ktoré premenili steny benátskeho paláca na veľkolepé divadelné predstavenie. Tiepolo šikovne využil priestor steny medzi dvoma dverami a dvoma oknami nad nimi, čím spojil skutočnú architektúru s iluzívnosťou. V scéne „Sviatok“ vedú schody, na ktorých je zobrazený trpaslík otočený chrbtom k divákovi, na širokú mramorovú terasu s kolonádou v korintskom štýle a chórmi, v tieni ktorej egyptská kráľovná a rímsky generál hostina. Kleopatra, ktorá chce Antonovi dokázať svoje pohŕdanie bohatstvom, hodí drahocennú perlu do pohára s octom, kde sa musí bez stopy rozpustiť. Pomer ľudských postáv k perspektívnej konštrukcii scény je podaný bezchybne. Svetlom a vzduchom nasýtená kompozícia je postavená pozdĺž dvoch pretínajúcich sa uhlopriečok, ktoré vedú oči diváka do hĺbky; divák je akoby pozvaný vstúpiť na terasu a zúčastniť sa hostiny. Je zaujímavé, že stred fresky nie je vyplnený postavami - umelec tu dáva veľkolepú priestorovú pauzu.

Tak ako je táto freska naplnená pokojom, tak všetky postavy zo „Stretnutia Antonia a Kleopatry“ sú pohltené pohybom. Bez toho, aby sledoval cieľ byť verný historickej pravde, robí Tiepolo zo svojich hrdinov skôr hercov oblečených, navyše podľa benátskeho štýlu 16. storočia. Tieto epizódy z príbehu Antonia a Kleopatry poskytli Tiepolovej tvorivej fantázii taký potešujúci materiál, že na svojich monumentálnych a stojanových plátnach zanechal mnoho ich verzií. Takými sú „Sviatok Antonia a Kleopatry“ v múzeách v Melbourne, Štokholme a Londýne, „Stretnutie Antona a Kleopatry“ v Edinburghu a Paríži.

V 50. a 60. rokoch dosiahli Tiepolove maliarske schopnosti obrovské výšky. Jeho farba sa stáva nezvyčajne sofistikovanou a nadobúda jemné odtiene krémovej, zlatej, bledosivej, ružovej a fialovej.

Z tohto obdobia pochádzajú jeho fresky v biskupskom paláci vo Würzburgu (pozri Umenie v Nemecku). Tiepolo, ktorý tam pracoval tri roky, medzi rokmi 1751 a 1753, vytvára nádherné dekoratívne maľby, ktoré ich plne koordinujú s architektonickým konceptom paláca. Ich pompézny divadelný charakter korešponduje s fantastickou a trochu honosnou architektonickou a sochárskou výzdobou cisárskej sály. Plafond zobrazuje Apolla na voze, ako sa Beatrice Burgundská rúti cez oblaky k svojmu snúbencovi Frederickovi Barbarossovi. S podobným motívom sa neraz stretol aj dekoratér 17. storočia. (u Guercina, Lucu Giordana a iných), ale nikde nedosiahol také priestorové pokrytie, takú žiarivú bezodnosť atmosféry, takú brilantnosť v sprostredkovaní pohybu plávajúcich postáv.

Nad rímsu krátkej steny sály, zručne pomocou osvetlenia, Tiepolo umiestni fresku zobrazujúcu manželstvo Barbarossy. V komplexnej interiérovej kompozícii s motívmi v duchu Veronese predstavuje preplnený svadobný obrad, napísaný vo zvučných a radostných farbách - modro-modrá, karmínová, žltá, zelená, strieborno-sivá.

Okrem týchto fresiek Tiepolo namaľoval obrovskú, asi 650 m2. m, plafond nad palácovým schodiskom, kde bol vyobrazený Olymp. Zdalo sa, že „prerazil“ nedelený povrch stropu a zmenil ho na nekonečný nebeský priestor. Umiestnil Apolla medzi rútiace sa oblaky a pozdĺž rímsy okolo stien zobrazil personifikácie rôznych častí sveta - Európu v podobe ženy obklopenej alegorickými postavami vied a umenia (niektoré postavy dostali portrétny charakter; medzi nimi on zobrazoval seba, svojho syna Giovanniho Domenica a pomocníkov), Ameriku, Áziu a Afriku so zvieratami a zvláštnymi architektonickými motívmi. Tento plafond je tiež jedným z vrcholov dekoratívneho umenia 18. storočia.

Po návrate do Benátok sa Tiepolo, ktorý bol na vrchole svojej slávy, stal prezidentom Benátskej maliarskej akadémie a dva roky riadil jej činnosť.

Medzi najlepšie výtvory dekoratívneho génia Tiepola patria jeho fresky vo Vicenze vo vile Valmarana z roku 1757, kde umelec pracoval so svojimi študentmi a synom Giovannim Domenicom Tiepolom (1727-1804). V obrazoch tejto vily, kde sa Tiepolo obracia k novým dekoratívnym riešeniam, získava jeho štýl osobitnú sofistikovanosť a nádheru. Umelec teraz stavia svoje kompozície rovnobežne s rovinou steny, čím sa opäť vracia k tradíciám Veronese. Rovina steny sa mení na antický peristyl, cez ktorého stĺpy sa otvára pohľad na nádhernú krajinu. Veľké priestorové prestávky medzi postavami, množstvo svetla, biela, citrónovo žltá, svetloružová, svetlofialová, svetlohnedá, smaragdovozelené tóny jeho palety dávajú malebnému súboru Villa Valmarana jasný a radostný charakter, preniknutý živým pocitom životná renesančná poézia.

Fresky v hlavnej sále vily - takzvanom Palazzo - zobrazujú scénu Obetovanie Ifigénie a súvisiace epizódy. Ďalšie tri miestnosti boli vymaľované freskami na námety požičané z Homérovej Iliady, Vergíliovej Eneidy a renesančných básní Zúrivý Roland Ariosto a Jeruzalem oslobodený od Torquata Tassa. Vo všetkých týchto scénach je veľa pohybu, ľahkosti, pôvabnosti a emocionality, podnietené drámou literárnych zápletiek, ktoré si Tiepolo vybral.

Je zaujímavé, že veľký nemecký básnik Goethe po návšteve tejto vily okamžite zaznamenal prítomnosť dvoch štýlov - „rafinovaný“ a „prirodzený“. To posledné je vyjadrené najmä v diele Giovanniho Domenica Tiepola, ktorý v roku 1757 vymaľoval niekoľko miestností v susednom „Dom pre hostí“ (tzv. Forestiere). Dielo otca a syna Tiepolových dlho nieslo pod rovnakým názvom; teraz boli črty tvorivého obrazu mladého Tiepola jasnejšie definované. V jeho freskách Villa Valmarana je teda zásada žánru každodennosti výraznejšia, na rozdiel od štýlu jeho otca. Takými sú jeho obrazy „Sedliacka večera“ alebo „Roľníci na dovolenke“ so širokými krajinnými pozadiami, či nádherná „Zimná krajina“ zobrazujúca dvoch veľkolepo oblečených Benátčanov. Ostatné steny obsahujú karnevalové epizódy, ktoré živo ilustrujú zvyky benátskeho života v 18. storočí. Tiepolo mladší maľoval aj žánrové obrazy v Palazzo Rezzonico v Benátkach. Niektoré z jeho žánrových diel sa však považujú za hrané spoločne s jeho otcom. Medzi jeho najlepšie úspechy patrí séria brilantných leptov, z ktorých každý list zobrazuje epizódu letu Jozefa a Márie s dieťaťom do Egypta.

Sám Giovanni Battista Tiepolo je známy aj ako maliar portrétov. Jeho portréty Antonia Riccobona (okolo 1745; Rovigo, Concordi Academy), Giovanniho Queriniho (okolo 1749; Benátky, múzeum Querini-Stampaglia) sú veľmi živé a expresívne.

Okolo roku 1759 Tiepolo namaľoval veľký oltárny obraz „Sv. Tekla zachraňuje mesto Este pred morom “(katedrála v Este), vytvorená v inom koloristickom tóne ako jeho svetské kompozície. Hlboké tmavé tóny podčiarkujú dramatické napätie tejto scény, ktorej obrazy vznikli pod vplyvom veľkého benátskeho maliara 16. storočia. Tintoretto.

Tiepolo strávil posledné roky svojho života v Madride, na príkaz španielskeho kráľa Karola III., maľoval strop svojho paláca. Na strope trónnej sály je namaľovaná obrovská freska „Triumfy španielskej monarchie“ (1764-1766). Podobne ako vo Würzburgu sa plafond premieňa na nebeský priestor orámovaný figurálnymi kompozíciami, ktoré zosobňujú španielske kolónie a provincie. Vykonáva sa však plošnejším spôsobom ako skoré dekoratívne cykly.

Špeciálnou oblasťou kreativity Tiepola sú jeho kresby, ktoré sú brilantné vo svojom umení. V prevedení sangvinik alebo pierko s praním sa vyznačujú všeobecnosťou foriem, intenzívnou dynamikou a pri všetkej útržkovitej plynulosti grafického spôsobu veľkou dramatickou expresivitou. Často slúžia ako prípravné skice k jednotlivým častiam jeho veľkých kompozícií, niekedy majú samostatný význam. Jeho kresby mužských hláv stvárnené nezvyčajne plasticky sa vyznačujú zmyslom pre životnú pravdu a vzácnym pozorovaním. Má aj ostré a výrazné karikatúry duchovných, benátskych dandyov, postáv komédie masiek.

V technike leptu predviedol Tiepolo rôzne mytologické, alegorické a romantické výjavy, ktorých význam sa takmer vymyká odhaleniu. Obsahujú obrazy astrológov, ľudí v orientálnych rúchach, cigánov, bojovníkov. Tieto lepty, vyznačujúce sa mimoriadne malebným čiernobielym spôsobom, mali určitý vplyv na grafiku najväčšieho španielskeho maliara prelomu 18. a 19. storočia. Francisco Goya.

Tiepolo, spútaný svojou dobou, nedokázal vo svojom diele dosiahnuť takú vysokú mieru ľudskosti, hĺbky a integrity, ktorá bola charakteristická pre veľkých majstrov renesancie. Vzhľad mnohých jeho hrdinov je založený na životných postrehoch, ktorých príkladom je množstvo jeho ženských postáv - Kleopatra, Armida, Amfitrítka - takmer vždy sa vracajú k tomu istému skutočnému prototypu - dcére benátskeho gondoliera Christine, ale nevyznačuje sa skutočným vnútorným významom. Obsahová stránka jeho svetlého a sviatočného umenia nie je zhmotnená ani tak vo výraznosti jednotlivých obrazov a postáv, ale v celom komplexe obrazových a plastických motívov, v ich úžasnej bohatosti a prepracovanosti.

Tiepolov obraz nebol v 19. storočí náležite docenený, pretože mal ďaleko od umeleckých úloh, ktoré sa riešili v umení tohto storočia. Až neskôr Tiepolo zaujal dôstojné miesto v dejinách umenia ako jeden z brilantných majstrov 18. storočia, ktorý si vytvoril vlastný štýl a obrazový a dekoratívny systém, ktorý zavŕšil stáročný vývoj monumentálnej maľby klasických umeleckých epoch. .

Pre talianske maliarstvo 18. storočia. vyznačovala sa žánrovým členením. Rozšíril sa v ňom každodenný žáner, krajina, portrét a každý sa špecializoval na svoj vlastný druh umenia. A tak si benátsky umelec Pietro Longhi (1702-1785) vybral za svoju špecialitu obraz malých galantných scénok, návštev, maškarných sprievodov, koncertov, herní, tanečných lekcií, ľudovej zábavy, šarlatánov a vzácnych zvierat. Nie vždy správne kresby, niekedy celkom elementárne z hľadiska farby, Longhiho maľby malých rozmerov - "DanceLek" (Benátky, Akadémia), "Za záchodom" (Benátky, Palazzo Rezzonico), "Nosorožec" (ibid.) - boli použité s významným úspechom. Jeho výpravná maľba, ktorú Goldoni nazval sestrou svojej múzy, nám priniesla svojrázneho a poetického ducha „doby masiek“, bezstarostného pouličného života, intríg, márnomyseľnosti a zábavy, charakteristického pre Benátky tejto doby.

Taliansky portrét reprezentovalo množstvo majstrov, z ktorých najvýznamnejší bol Giuseppe Ghislandi, ktorý sa potom (po konverzii na mníšstvo) volal Fra Galgario (1655-1743). Rodák z Bergama pôsobil dlhší čas v Benátkach, kde študoval diela Giorgioneho, Tiziana a Veroneseho. Jeho štetec patrí k početným, najmä mužským portrétom, v ktorých sa spája vonkajšia reprezentatívnosť a metódy psychologickej charakterizácie, vlastné barokovým portrétom, s gráciou, gráciou a eleganciou vlastnou 18. storočí. Pozoruhodný kolorista, ktorý si osvojil najlepšie tradície benátskeho maliarstva, Ghislandi zobrazoval šľachticov, ktorí mu pózovali v parochniach, obrovských trojuholníkových klobúkoch a bohatých, vyšívaných zlatými košieľkami, pričom vo svojej maľbe použil jasné karmínové, fialové, zelené a žlté tóny. Touto nádherou však nikdy nezatienil realistickú podstatu portrétneho obrazu. Každý z jeho portrétov je hlboko individuálny, či už ide o mužský portrét, kde sa veľmi živo črtá model - kavalier s arogantnou tvárou, plnými zmyselnými perami a veľkým nos (Milán, Múzeum Poldi Pezzoli), či elegantný celovečerný portrét grófa Vialettiho, či autoportrét maľovaný tmavými „rembrandtovskými“ farbami, či pôvabný portrét chlapca (1732; Ermitáž).

Alessandro Longhi (1733-1813) - syn Pietra Longhiho - je známy najmä ako maliar portrétov. Svojim modelom dáva slávnostný, slávnostný vzhľad a snaží sa ich charakterizovať prostredníctvom zariadenia, ktoré ich obklopuje. Toto je portrét slávneho skladateľa Domenica Cimarosa (Viedeň, galéria Lichtenštajnska). Je zobrazený v bujnom saténovom plášti, s partitúrou v rukách, obracajúc k divákovi povýšenú a krásnu, no bez hlbokej expresivity, mladú tvár orámovanú bielou parochňou. Vedľa na stole je viola d "amor, husle, flauta, roh a kalamár s pierkom. V rovnakom duchu je napísaný aj portrét Goldoniho (Benátky, múzeum Correr): vyobrazený slávny dramatik v slávnostnom kroji, obklopený atribútmi svojej profesie.

Benátska maliarka Rosalba Carriera (1675-1757) začala svoju kariéru ako miniaturistka, no preslávila sa mnohými pastelovými portrétmi. Jeho sfarbenie sa vyznačovalo veľkou nežnosťou a určitou slabosťou tónov, čo bolo vysvetlené špecifickosťou pastelovej techniky. Celý život maľovala portréty a poetické alegórie. Bez toho, aby sledovala cieľ úplnej podobnosti, svojim modelom mimoriadne lichotila, dodávala im miestami až sentimentálny aristokratický charakter, vďaka čomu zožala veľký úspech medzi európskou šľachtou 18. storočia. a bol zvolený za člena Francúzskej a Benátskej akadémie.

Ale najvýznamnejším fenoménom medzi rôznymi žánrami benátskeho maliarstva 18. storočia bola mestská krajina, takzvaná veduta (teda pohľad), ktorá spájala prvky architektonického obrazu a krajiny samotnej.

Benátska druhová maľba bola predovšetkým perspektívnou maľbou, reprodukujúcou skutočné motívy mestskej krajiny. Každý z vedutistov však mal svoj vlastný výtvarný jazyk a vlastnú obrazovú víziu, preto aj napriek známemu opakovaniu a požičiavaniu si motívov jeden od druhého nikdy neboli nudné a rovnaké. Zamilovaní do krásy Benátok sa stali jeho skutočnými životopiscami a maliarmi portrétov, ktorí sprostredkovali jemné poetické kúzlo jeho vzhľadu, zachytávajúc na nespočetných obrazoch, kresbách a rytinách námestia, kanály posiate gondolami, nábrežia, paláce, slávnostné udalosti a chudobné štvrtiach.

Pôvod benátskeho olova treba hľadať v maliarstve 15. storočia, v dielach Gentile Belliniho a Vittore Carpaccia, vtedy však mestská krajina nehrala samostatnú úlohu a slúžila umelcovi len ako pozadie pre prázdninové kroniky a naratívne kompozície.

Začiatkom 18. stor. Luca Carlevaris vytvára typ benátskej mestskej krajiny, ktorá však v porovnaní s prácami nasledujúcich vedutistov mala skôr primitívny charakter. Skutočným majstrom v tejto oblasti bol Antonio Canale, prezývaný Canaletto (1697-1768).

Syn a učeň divadelného umelca Bernarda Canale Antonio odišiel z Benátok do Ríma a zoznámil sa s tvorbou rímskych krajinárov a divadelných dizajnérov, najmä Panniniho a rodiny Bibbiena. Jeho štýl sa formoval veľmi skoro a počas svojho vývoja neprešiel žiadnymi výraznými zmenami. Už v ranom diele Cahaletta „Scuola del Carita“ (1726) boli jasne vyjadrené princípy jeho umeleckého vnímania. V jeho mestských krajinách je malý pohyb, nie je v nich nič iluzórne, premenlivé a nestále, napriek tomu sú veľmi priestorové; farebné tóny tvoria plány rôznej intenzity, zjemnené v ich kontraste šerosvitom. Canaletto maľuje pohľady na lagúny, mramorové benátske paláce, kamenné čipky arkád a lodžií, hrdzavočervené a sivoružové steny domov, odrážajúce sa v sýtozelenej či modrastej vode kanálov, po ktorých sa preháňajú zlatom zdobené gondoly a rybárske člny. , a nábrežia sú preplnené ľuďmi, vidno nečinných nobili v bielych parochniach, mníchov v sutanách, cudzincov a pracujúcich ľudí. S precíznym, takmer režisérskym prepočtom zoskupuje Canaletto malé žánrové mizanscény; v nich je životne spoľahlivý, niekedy až prozaický a mimoriadne škrupulózny pri podávaní detailov.

Canal Grande v Benátkach (Florencia, Uffizi), Námestie pred kostolom San Giovanni e Paolo v Benátkach (Drážďany), The Stonemason's Courtyard (1729-1730; Londýn, Národná galéria) patria medzi najlepšie diela Canaletta. Medzi jeho maľbami, ktoré sú v sovietskych múzeách, treba spomenúť „Prijatie francúzskeho veľvyslanectva v Benátkach“ (Ermitáž) a „Odchod dóžov, aby sa zasnúbili s Jadranským morom“ (Puškinovo múzeum výtvarných umení).

Získal veľkú popularitu od 30-tych rokov. Canaletto ako umelec, ktorý vo svojom žánri nepozná páru, bol v roku 1746 pozvaný do Londýna, kde na objednávku anglických mecenášov umenia namaľoval množstvo mestských krajiniek, v ktorých jeho farba, zbavená jasného a plastického svetla a tieňové osvetlenie, stráca svoju bývalú zvučnosť a rozmanitosť, stáva sa tlmenejším a lokalizovanejším. Sú to „Pohľad na Whitehall“, „City of London pod oblúkom Westminsterského mosta“, „Holiday on the Thames“ a množstvo ďalších.

Okrem maľby venoval Canaletto veľkú pozornosť rytiu, ktoré v rokoch 1740-1750. zaznamenala v Benátkach skvelý rozvoj. Takmer všetci benátski krajinári – Marco Ricci, Luca Carlevaris, Canaletto, Bellotto – boli veľkými majstrami leptu. To, čo na veľkých Canalettových plátnach miestami chýbalo – pohyb, spiritualita celej obrazovej látky – sa naplno prejavilo v jeho leptoch, presiaknutých skutočným poetickým cítením. Majstrovskou lineárnou technikou v nich dosahujúc hlboké a mäkké čiernobiele prechody jemným paralelným tieňovaním rôznej intenzity Canaletto súčasne s papierom „fungoval“, mierne zvlnené horizontálne ťahy prerušoval svetlými vertikálami alebo nimi tienil svetlé miesta. A nebesá a na nich plávajúce oblaky, akoby ich poháňal ľahký vánok, a voda a stromy ožívajú v jeho rytinách. Rýchle a odvážne kontúry, zbežné ťahy dodávajú životnú autentickosť a realitu jeho „Port in Dolo“ – námestíčku na brehu vodnej nádrže, po ktorom sa pohybuje mladý pár – pán v parochni a košieľke, ktorý vedie dáma v bujných šatách na ramene, mimovoľne pripomínajúca divákovi romantické obrazy Manon Lescaut a kavaliera des Grieux z príbehu opáta Prevosta.

Bernardo Bellotto (1720-1780) - synovec a žiak Canaletta - bol tiež jedným z popredných vedutistov 18. storočia. Jasné perspektívne rozmiestnenie plánov, mimoriadne veľká, až fotografická presnosť v reprodukcii prírody, trochu vyhladený povrch jeho obrazov im dávajú určitú neživotnosť, do istej miery spôsobenú tým, že Bellotto vo svojich dielach hojne využíval odrazy camery obscury. Jeho mestskí vedia sa nevyznačujú šírkou umeleckého zovšeobecnenia, sú málo náladoví, pohyboví, vzdušní, ale majú veľkú umeleckú a dokumentárnu hodnotu. Okrem Talianska pôsobil v rokoch 1746 až 1766 na dvoroch vo Viedni a Drážďanoch, od roku 1768 bol dvorným maliarom v Poľsku, kde vytvoril množstvo pohľadov na Varšavu. Dôkladnosťou zobrazených detailov sa dá predpokladať, že tieto vedy dávajú viac-menej správnu predstavu o vtedajšej architektúre, panoráme mesta a živote.

Benátsky obraz Settecento sa blysol iným menom – Francesco Guardi (1712-1793), vynikajúci umelec, ktorý preniesol veľké koloristické tradície benátskeho maliarstva takmer do 19. storočia.

Bol žiakom svojho staršieho brata Giovanniho Antonia Guardiho (1698 / 99-1760), nadaného maliara, v ktorého dielni pracoval takmer polovicu svojho života. Starší Guardi, ktorý vytvoril niekoľko oltárnych obrazov: „Smrť sv. Jozef "(Berlín); „Madona a dieťa so svätými“ (kostol vo Vigo d „Anaunia), zrejme za účasti mladšieho brata, sa svojím spôsobom dostal do kontaktu so Sebastianom Riccim a Piazzettou.

Medzi rané diela Francesca Guardiho patrí niekoľko oltárnych obrazov – „Ukrižovanie“ (Benátky, súkromná zbierka), „Nárek“ (Mníchov). Najvýznamnejším dielom tohto obdobia je však olejomaľba organu v kostole Arcangela Raphaela v Benátkach, zobrazujúca výjavy zo života Tobiáša (okolo roku 1753). Množstvo námetových a kompozičných motívov pre tento obraz si umelec požičal od iných talianskych maliarov, no odvážne a nezvyčajné koloristické riešenie z neho robí úplne originálne dielo. Vzdialené, ako trblietavé krajiny, prelivy žiarivých ružových, fialových, červených, citrónových, zlato-oranžových, sivých a modrých tónov, krehkosť a vibrácie tieňov, náladovosť, takmer vrtošivosť farebných kompozícií odlišujú jej malebnú štruktúru. Medzi všetkými benátskymi majstrami Guardi najviac zo všetkého prejavuje záľubu v sprostredkovaní vzdušného prostredia, nepolapiteľných atmosférických zmien, svetelnej hry slnečného svetla, vlhkého vyurianskeho vzduchu lagún, maľovaných v tých najlepších odtieňoch farieb. Ľahkými, akoby chvejúcimi sa ťahmi štetca Guardi nielen vytvaroval formu, ale dosiahol aj mimoriadnu pohyblivosť a duchovnosť celej obrazovej plochy obrazu ako celku.

Do rovnakých rokov patrí aj obraz „Alexander pred telom Dariusa“ (The Pushkin State Museum of Fine Arts), ktorý je voľnou kópiou obrazu talianskeho maliara zo 17. storočia. Langetti. Ťažko si predstaviť neklasickejšiu interpretáciu antického sprisahania. Guardiho bravúrna malebnosť a skutočný vír jeho svetlomodrých, červených, tmavohnedých, zelenkavých farebných škvŕn však nezakrývajú jasnú kompozičnú výstavbu obrazu v podobe elipsy, ktorú pretína diagonálne umiestnené telo Dariusa - sémantický stred kompozície.

Najdôležitejšia stránka Guardiho tvorby je však spojená s rozvojom krajinomaľby, keď sa od 40. rokov 18. storočia. pod vplyvom Marieschiho a Canaletta, ktorých kresby dlho kopíroval, začal pracovať v oblasti architektonickej krajiny. Po Canalettovi sa Guardi zároveň snažil prekonať lineárny perspektívny dizajn svojho vedenia.

V roku 1763, pri príležitosti začiatku vlády nového dóža Alvise IV Mocenigo, poznačeného sériou brilantných slávností, Guardi namaľoval dvanásť veľkých benátskych olova, takmer určite na svoje obrazy použil kompozície Canaletto, ktoré vyryl Brustolon. S takými výpožičkami, ako vidíme, sa v Guardiho maliarskej praxi stretli viackrát, ale to neznižovalo dôstojnosť jeho obrazov; Guardiho vzdušná farebná interpretácia premenila suchú a autentickú podobu s obrazmi Benátok, plných hrôzy, pohybu a života.

Guardi bol veľký majster kreslenia. Jeho hlavnou technikou sú perokresby, niekedy tónované akvarelom. Hľadal v nich predovšetkým pohyb a okamžitosť dojmu. Skoršie kresby sú označené rokajovými motívmi, línie sú zaoblené, rozmarné a pružné, pohyb prehnaný, v neskorších sa objavuje oveľa viac zovšeobecňovania; umývanie atramentu a bistromu im dodáva neporovnateľnú malebnosť. Mnohé z nich sú vyrobené priamo z prírody – zachytávajú bežiace oblaky, pohyb vody, kĺzanie gondol, ich nesprávne odrazy, temperamentné a odvážne obraty postáv. Budovy, schodiská, lodžie, kolonády sa črtajú nedokončenými, bravúrnymi, strmými ťahmi, ktoré sa navzájom križujú. Vzdušná pôvab benátskej architektúry a jej konštruktívnosť boli vyjadrené umelcom s úžasným zmyslom pre líniu, nespojitú aj zovšeobecnenú.

Medzi najcharakteristickejšie výtvarné techniky Guardiho v jeho maľbe patria voľné variácie na rovnakú tému, ktorú miloval, takzvané capriccios. Pre svoj stály „model“ nachádza stále nové a nové motívy, píše Benátky, ktoré celý život neopustil, v rôznych hodinách dňa, objavuje stále viac farebných odtieňov, dodávajúc svojim krajinám buď romantický vzhľad, resp. maľujem ich smutnými tónmi lyrickej meditácie...

V 70. rokoch 18. storočia dosiahol Guardi vrchol svojho remesla. Tenkými a voľnými ťahmi maľuje námestia, kanály, ulice, schátrané budovy, periférie a chudobné štvrte Benátok, ich odľahlé nádvoria, opustené lagúny, tiché uličky, nečakane končiace širokým zatieneným oblúkom, z ktorého oblúka akoby obrovská priehľadná kvapka, visí sklenená lampa, akoby sa rozplývala v ružovom večernom vzduchu („Výhľad na mesto“; Ermitáž). V podstate, zmenil Guardi typ vedenia na pódiu? ktorý kraľoval v benátskom maliarstve polovice 18. storočia, v krajine najjemnejšieho lyrického zvuku, preniknutej hlboko osobným zážitkom.

Do roku 1782 existujú dve veľké série „Slávností“, ktoré Guardi vykonáva na oficiálny príkaz. Prvé z nich tvorili štyri plátna venované pobytu pápeža Pia VI. v Benátskej republike, druhé bolo namaľované na počesť návštevy následníka ruského trónu veľkovojvodu Pavla Petroviča v Benátkach a zahŕňalo päť obrazov. Zachovali sa štyri z nich – „Ples v divadle San Benedetto“ (Paríž), „Galakoncert“ (Mníchov), „Banket“ (Paríž), „Sviatok sv. Mark "(Benátky).

Galakoncert je jedným z umelcových najbrilantnejších diel. Tento obrázok zachytáva nepolapiteľné, čo bolo obzvlášť vlastné Guardiho zručnosti, a vyjadruje ducha galantnej oslavy 18. storočia. Zdá sa, že tu zaznieva samotná hudba, ktorá odlieta zo svetelných sláčikov ženského husľového orchestra. V jemnom blikaní sviečok osvetľujúcich vysokú tanečnú sálu sa zdá, že teplý vzduch sa kolíše vo vlnách; luxusné dámske šaty, maľované vo víre chvejúcich sa svetlonosných farebných ťahov, blikajú v modrých, červených, žltých, hnedých, strieborno-sivých tónoch. Ľahkými ťahmi štetca Guardi označuje tváre, parochne a klobúky, niekedy priehľadnými, inokedy pastovitými škvrnami, označuje postavy.

V roku 1784 Guardi, plniac oficiálny príkaz prokurátora republiky, namaľoval obraz „Vzostup balóna v Benátkach“ (Berlín), zobrazujúci na tú dobu mimoriadnu udalosť. Guardi pomocou známeho motívu umiestňuje do popredia tieňovaný kamenný baldachýn, pod ktorým sa tlačia zvedaví diváci, a v ráme stĺpov je vidieť ružovkastú zamračenú oblohu s hojdajúcim sa balónom.

V neskorších dielach Guardi dospel k najväčšiemu zovšeobecneniu a stručnosti obrazových prostriedkov. Na jednom z posledných vynikajúcich obrazov umelca, Benátska lagúna (okolo 1790; Miláno, Poldi Pezzoli Museum), vyvedená vo zdržanlivej farebnosti, no bohatej na farebné odtiene, zobrazuje iba opustenú zátoku s niekoľkými gondolami a prúdiaci vlhký vzduch. , v ktorom sa akoby rozplývali obrysy kostolov a palácov viditeľných v diaľke.

Skromné, vonkajšieho účinku zbavené, drobné Guardiho maľby neboli vo svojej dobe dostatočne ocenené a zostali v tieni vedľa Tiepolových diel plné lesku a nádhery. Až o mnoho desaťročí neskôr sa ukázal skutočný význam jeho diel, ktoré predstavujú nielen výnimočné pamiatky Settecenta, ale sú aj predzvesťou mnohých výdobytkov realistickej krajiny v umení 19. storočia.

Súčasne s benátskou školou, ktorá zaujímala popredné miesto v umení Settecenta, sa rozvíjali aj ďalšie školy v Taliansku.

Najväčším predstaviteľom neapolskej školy bol Francesco Solimena (1657-1747), vo svojom štýle spájaný s neskorobarokovým maliarstvom 17. storočia. Solimena zažila vplyv Lanfranca, Lucu Giordana, Pietra da Cortona a Pretiho, pracovala najmä v oblasti dekoratívnej maľby, maľby freskami v neapolských kostoloch (San Paolo Maggiore, San Domennco Maggiore, Gesu Nuovo). Maľoval aj oltárne obrazy, obrazy na náboženské a alegorické námety a portréty.

Solimenina veľkolepá obrazová maniera s tmavohnedými škvrnami kontrastujúcimi so žltými a fialovými tónmi a ťahmi červenej, jeho dynamické kompozície zároveň nesú odtlačok zvláštneho mrazenia, ako pri zobrazení postáv, ktorých impulzy sú zbavené vášnivého pátos, ktorý odlišoval obrazy barokových majstrov predchádzajúceho storočia, a vo farbe, kde kĺže všeobecný fialovo-sivý tón.

Spomedzi jeho študentov treba spomenúť Giuseppe Bonita (1707-1789). Bonito, ktorý spočiatku pracoval v duchu Solimena, sa od neho neskôr vzdialil smerom k žánru, ale nedokázal úplne porušiť princípy dekoratívneho štýlu. Námetom jeho malieb, jasných, ale trochu chladných farieb, sú najmä karnevalové výjavy.

V prvej polovici 18. stor. medzi rôznymi umeleckými smermi v Taliansku vznikol svojím obsahom jasne vymedzený demokratický žáner. Tento smer, ktorý bádatelia nazvali pittura della realita (maľba skutočného sveta), zjednotil mnohých majstrov, ktorí sa prikláňali k zobrazovaniu každodenného života a za námety svojich obrazov si vyberali rôzne každodenné i bežné výjavy. Súčasne s Bonitom pracoval neapolský Gasparo Traversi (pracoval v rokoch 1732 až 1769), bystrý a zaujímavý umelec ovplyvnený umením Caravaggia. Vyznačuje sa ostrým šerosvitom, reliéfnym tvarovaním formy, živou, ostrou kompozíciou, temperamentnými obratmi postáv. Medzi jeho najlepšie diela patria „The Wounded“ (Benátky, zbierka mosadze), „Tajný list“ (Neapol, Capodimonte Museum), „Lekcia kreslenia“ (Viedeň).

Majstrov tohto smeru nájdeme aj v Lombardii vrátane Bergama a Brescie. Medzi nimi Giacomo Francesco Chipper, alebo Todeskini, očividne nemeckého pôvodu, ktorý však celý život pôsobil v Taliansku, a Lkopo Ceruti (pracoval v druhej štvrtine 18. storočia). Prvý je autorom početných žánrových obrazov nerovnakej kvality, zobrazujúcich obuvníkov, hudobníkov, kartárov, ženy pri práci. Najvýraznejším predstaviteľom tohto trendu bol Jacopo Ceruti. Postavy na jeho obrazoch sú takmer vždy robotníci. Medzi jeho najlepšie diela patrí The Washerwoman, mladá žena, ktorá perie bielizeň v kamennom bazéne; jej tvár s obrovskými smutnými očami je obrátená k divákovi (Brescia, Pinakothek). „Žobrák černoch“, „Mladý muž s fajkou“, „Žena tkajúca košík“ - všetky tieto obrazy, sprostredkované živým pozorovaním, sa vyznačujú veľkou silou a zmyslom pre umeleckú pravdu. Medzi ďalších lombardských maliarov patrí Francesco Londonio, ktorý pôsobil v Miláne. V Ríme v prvej polovici 18. storočia. vyniká Antonio Amorosi, autor scén zo života prostého ľudu.

Vo všeobecnosti bol však vývoj tohto smeru v Taliansku krátkodobý – jeho demokratické tendencie nenašli vo vtedajšom spoločenskom a umeleckom prostredí patričnú odozvu a podporu.

Umelecký život Ríma bol svojím spôsobom nemenej intenzívny ako v Benátkach. Od začiatku 18. storočia sa Rím stal skutočným medzinárodným umeleckým centrom, kam prúdili nielen ľudia umenia, ale aj vedci, archeológovia, významní historici a spisovatelia tej doby.

Vykopávky starovekého Ríma, Herculaneum, Pompeje, chrámy Paestum v južnom Taliansku otvorili pred očami ľudí tej doby poklady antického umenia, ktoré sa sprístupnili na preskúmanie. Taliansko, inšpirované duchom romantických objavov a prekvapení, neodolateľne priťahovalo mladých umelcov všetkých krajín a národností, pre ktorých sa cesta do Ríma stala vytúženým snom a získanie Rímskej ceny bolo najvyšším ocenením po rokoch učňovskej prípravy v múroch akadémií. Veľmi významnú úlohu v oboznamovaní sa s dejinami antického umenia zohrali diela slávneho nemeckého historika umenia Winckelmanna, vášnivého nadšenca antickej kultúry, očitého svedka veľkých archeologických objavov, ktorých opisu venoval množstvo svojich Tvorba. Najviac zovšeobecňujúcou z nich bola jeho kniha „Dejiny umenia staroveku“ (1764), kde sa po prvý raz podarilo vysledovať všeobecný priebeh vývoja gréckeho umenia, ktorého charakter Winckelmann definoval ako „ušľachtilú jednoduchosť a pokoj. vznešenosť." Napriek množstvu chýb a nesprávnych hodnotení sociálnej a ideologickej podstaty gréckeho umenia, o ktorých si Winckelmann mohol urobiť predstavu najmä z rímskych kópií z gréckych originálov, bola jeho kniha skutočným objavom pre ľudí 18.

Preto neprekvapilo, že talianski umelci rímskej školy vo svojej tvorbe nemohli obísť antické motívy. Jedným z nich bol Pompeo Batoni (1708-1787), ktorý napísal množstvo skladieb o mytologických a náboženských témach, ktoré sa vyznačujú sladkosťou obrazov a studenými farbami – „Thetis dáva Achilla Chironovi na vzdelanie“ (1771), „Herkules v križovatka“ (1765) (obaja – Ermitáž), „Kajúca Magdaléna“ (Drážďany, Galéria umenia).

V umeleckom živote Ríma zohrala významnú úlohu aj Francúzska akadémia, ktorá okolo seba sústreďovala mladých maliarov, ktorých umelecká činnosť bola živšia a plodnejšia ako nezáživná, umelo naprogramovaná tvorba rímskych neoklasikov na čele s nemeckým maliarom Raphaelom Mengsom. Z francúzskych majstrov pôsobili v Ríme maliari Vien, Robert Hubert, Fragonard, Subleira, David, sochár Pageou, architekt Soufflot a množstvo ďalších. Okrem toho tu bola kolónia nemeckých umelcov. Mnohí z francúzskych majstrov rozvíjali motívy klasickej krajiny už v 17. storočí. v zastúpení najväčších francúzskych maliarov, ktorí žili v Taliansku – Poussin a Claude Lorrain. Benátčan Francesco Zuccarelli (1702-1788), autor idylických krajín, ako aj predstaviteľ rímskej školy, známy „maliar ruín“ Giovanni Paolo Pannini (1697-1764), ktorý zobrazoval nielen rímske védy, ale aj rôzne vynikajúce udalosti svojej doby, ako aj interiéry kostolov.

Majestátne ruiny Kolosea, polorozpadnuté kolonády v Pompejách a Paestum, mauzóleá, obelisky, reliéfy, sochy dávali bezhraničný priestor umeleckej fantázii a lákali maliarov, kresliarov a rytcov, ktorí predvádzali voľné kompozície na antické motívy v kombinácii s výjavmi z každodenného života. „Rím, aj keď je zničený, učí,“ napísal Hubert Robert na jednom zo svojich obrazov. Tieto krajiny sa tešili obrovskému úspechu medzi rímskou a francúzskou šľachtou a podobne ako benátske veduty sa rozšírili v umení 18. storočia.

No najvýraznejším zjavom v oblasti tohto žánru bolo dielo slávneho majstra architektonického kreslenia, archeológa a rytca Giovanniho Battistu Piranesiho (1720-1778), ktorý svojimi architektonickými fantáziami inšpiroval generácie umelcov a architektov. Rodený Benátčan prežil takmer celý život v Ríme, kde ho priťahovala „neodolateľná túžba študovať a vidieť tie slávne mestá, kde sa vykonalo toľko veľkých činov, a maľovať ich pamätníky – svedkov veľkej minulosti, “ píše jeho životopisec.

Hlboko fascinovaný štúdiom architektonického dedičstva Talianska, Piranesi sa zoznámil aj s tvorbou veľkej a rozvetvenej rodiny divadelných architektov a dekoratérov Bibbiena, ktorý pochádzal z Bologne, ale popri tom pracoval podľa vzoru väčšiny settecentistických majstrov. Taliansko v rôznych európskych mestách – Bayreit, Viedeň, Praha a iné. Ich pojednania a učenia o perspektívnom iluzionizme, ako aj dekoratívne diela Andrea Pozza,

Veľký vplyv naňho mali Pannini, bratia Valerianiovci. V dielach Piranesi je štýl neskorého rímskeho baroka takmer v súlade so štýlom nastupujúceho klasicizmu. Záujem o divadelné a dekoratívne kompozície prispel k zakoreneniu v jeho dielach perspektívno-perspektívneho vnímania priestoru a hlbokého kontrastného šerosvitu.

Jedným z jeho raných diel, vydaným v rokoch 1745 a 1760, je súbor štrnástich veľkoplošných výtlačkov „Dungeons“ („Carceri“) zobrazujúci nekonečné viacposchodové klenuté miestnosti pretínané trámami, schodiskami, galériami, padacími mostami, kde v kontrastoch tmy a svetelné bloky, páky, laná, kolesá, reťaze visiace zo stropov bizarným spôsobom striedajú fragmenty antických stĺpov, vlysov a basreliéfov. Tieto fantastické kompozície, pravdepodobne inšpirované súčasnými divadelnými kulisami Piranesi, sa vyznačujú nesmiernym rozsahom, no napriek tomu architektonicky vykryštalizovaným priestorom, ktorý sa jasne črtá v detailoch.

Piranesiho talent na architektúru sa v tej dobe nemohol aktívne prejaviť v reálnej výstavbe Talianska. „Moderný architekt nemá inú možnosť, ako vyjadriť svoje vlastné nápady iba kresbami,“ napísal Piranesi a vytvoril svoju „imaginárnu architektúru“ v samostatných sériách leptov. Jeho hlavné cykly sú venované majestátnym stavbám starovekého Grécka a Ríma.

Neusilujúc sa o presnú archeologickú rekonštrukciu pamiatok starovekej architektúry, Piranesi ich okrem voľného výkladu obklopil zvláštnou romantickou svätožiarou, ktorá mu spôsobovala ostré výčitky a útoky zo strany súčasných vedcov a archeológov. Jeho lepty pripomínajú skôr pamätníky veľkej minulosti Ríma, ktorý uctieval s neutíchajúcou vášňou.

V roku 1747 vydal Piranesi sériu leptov „Pohľady na Rím“, v ktorých dosahuje mimoriadnu monumentalitu architektonického obrazu vďaka maximálnemu priblíženiu zobrazených budov do popredia, navyše zobrazených z veľmi nízkeho uhla pohľadu. Malé postavy ľudí sa zdajú malé a bezvýznamné v porovnaní s obrovskými stĺpmi a oblúkmi. Vždy pracujúci v technike leptu, Piranesi zjemnil kontúry hlbokými čiernymi zamatovými tieňmi, ktoré dodávajú všetkým jeho kompozíciám mimoriadnu malebnosť. Na obrázkoch rímskych mostov zdôrazňuje najmä silu starovekých rímskych stavieb a vyjadruje ich hrdú vznešenosť. Lept „Hrad sv. Anjel v Ríme“.

Úžasnou šírkou záberu materiálu sa vyznačuje monumentálna štvorzväzková suita „Rímske starožitnosti“, vydaná v roku 1756. Medzi najpozoruhodnejšie Piranesiho diela patrí jeho posledná suita leptov s pohľadmi na starogrécky chrám Poseidón v r. Paestum. Gravírovacia ihla Piranesi tu robí zázraky a dodáva týmto kompozíciám najhlbšiu malebnosť vďaka harmonickému rozloženiu svetla a jemným čiernym zamatovým tieňom. Rozmanitosť uhlov pohľadu je tu ešte výraznejšia: obrovské kolonády sa pred divákom objavujú z rôznych uhlov, vzdialené zábery sa zdajú byť pochované v mäkkom a teplom vzduchu, popredie, voľné a ľahké, zbavené akéhokoľvek neporiadku, ktorý bol predtým Piranesi vlastný, je úspešne zaplnená stafážou - v tieni rozpadnutých stĺpov sa usadili umelci a potulujú sa milovníci staroveku. Po Piranesiho smrti časť nedokončených rytín tohto cyklu dokončil jeho syn Francesco (asi 1758 / 59-1810), ktorý si osvojil grafický štýl svojho otca.

Umelecké výsledky dosiahnuté majstrami rímskej školy v 18. storočí boli vo všeobecnosti menej významné ako tie z Benátok. Ale jej hlavnou zásluhou bolo presadzovanie myšlienok antického umenia. A potom, čo dostali novú sociálnu ostrosť, nasýtenú hlbokým obsahom a vysokým občianskym pátosom, slúžili ako silný stimul pre prácu popredných európskych majstrov v predvečer novej éry, ktorá sa začala francúzskou buržoáznou revolúciou. z roku 1789.

Obdobie baroka sa v talianskom umení nazýva 17. storočie. Tento štýl, ktorý sa stal jedným z dominantných v európskom maliarstve, sa vyznačuje zmyselným plnokrvným vnímaním sveta, dynamikou výtvarných riešení. S osobitnou úplnosťou sa ukázal vo veľkých urbanistických, architektonických a malebných súboroch. Rôznorodosť talianskeho umenia je daná rôznorodosťou miestnych umeleckých tradícií, no rovnako ako v renesancii, stredobodom pozornosti umelcov zostáva obraz človeka.

Pietro da Cortona, architekt a umelec, sa zapísal do dejín umenia ako autor slávnej série obrazov, ktoré zdobili paláce Ríma a Florencie. Jeho kompozícia „Návrat Hagari“ je vynikajúcim príkladom maľby na stojane od majstra, ktorý sa snažil dať barokovému štýlu takmer klasicistickú závažnosť riešenia.

Rozkvet barokového štýlu sa spája s tvorbou Neapolčana Lucu Giordana, ktorý pôsobil v rôznych mestách Talianska a ovplyvnil mnohých umelcov. Dynamika pohybu a vnútorný pátos vlastný jeho dielam sa naplno prejavil najmä v oltárnych obrazoch, v cykloch monumentálnych a dekoratívnych plátien a nástenných malieb. Štetce tohto vynikajúceho majstra v zbierke múzea obsahujú viaceré diela, ktoré umožňujú posúdiť mieru jeho talentu. Ide o plátna na alegorické, evanjelické a mytologické námety – „Trest Marsyas“, „Manželstvo v Káne Galilejskej“, „Múka sv. Lawrence“. Najlepšou z nich je bezpochyby skladba „Love and Vices Disarm Justice“.

Neapolská škola, poznačená jedinečnosťou vývoja, je v expozícii prezentovaná viacerými dielami. Politicky neapolskému miestokráľovstvu vládla španielska koruna, čo zanechalo stopy na rozvoji umenia. Obraz Bernarda Cavallina „Vyhnanie Iliodora z chrámu“, v ktorom sa jedinečne lámali akademické tradície, a dramatické diela Andrea Vaccaro („Mária a Marta“) a Domenico Gargiulo („Prenesenie archy Covenant of the King David to Jerusalem“) svedčia o rôznorodosti umeleckých rešerší v rámci jednotlivých škôl.

Barokový štýl dal silný impulz pre rozkvet krajiny, zátišia, žánrových malieb v ich jedinečnej národnej talianskej verzii.

Na prelome 17. – 18. storočia stojí umenie pred úlohou prekonať akademizmus, ktorý sa zmenil na súbor abstraktných vzorcov. V Bologni, táto bašta akademickej tradície, Giuseppe Maria Crespi, šikovne využívajúc hru šerosvit, novým spôsobom rieši náboženské („Svätá rodina“) a mytologické témy („Nymfy odzbrojujúce amorov“) a napĺňa ich živým ľudským pocit. Janovský Alessandro Magnasco, ktorý pôsobil v Miláne, Florencii, Bologni, opierajúc sa o obrazové tradície 17. storočia, rozvíjal romantické tendencie. Rysy grotesky sú vlastné jeho nezvyčajným skladbám písaným nervóznym pohybom štetca s výjavmi zo života mníchov a potulných hercov („Krajina s mníchmi“, „Jedlo mníšok“, „Učená straka“). A dokonca aj život potvrdzujúca mytologická téma „Bacchanalia“ v interpretácii majstra je naplnená pocitom hlbokej melanchólie. Umelec predviedol toto plátno v spolupráci s Clemente Sperou, autorom architektonických ruín.

Obdobie nového rozmachu spadá do 18. storočia, keď sa na talianskej pôde etabloval rokokový štýl, ktorého črty podfarbujú diela rôznych žánrov – portrét (Sagrestani „Portrét muža“, Luigi Crespi „Portrét a. Dievča s košíkom kvetov"), zobrazenia scén každodenného života (imitátor Longhi "Stretnutie prokurátora s manželkou"), maľby na zápletkách z dávnej histórie a mytológie (Crozato" Nájdenie Mojžiša", Pittoni" Smrť zo Sofonisby “, Sebastiano Ricci” Stotník pred Kristom”). Posledné svetlé obdobie v dejinách talianskeho umenia sa spája s Benátkami, ktoré v 18. storočí priniesli celú plejádu maliarov najvyššej úrovne. Osobitné miesto medzi nimi právom zaujíma Giambattista Tiepolo, vynikajúci maliar svojej doby, uznávaný majster monumentálnej a dekoratívnej maľby, ktorý získal množstvo objednávok z európskych krajín. Jeho štetec patrí k oltárnej kompozícii „Madona a dieťa so svätými“, ako aj voľne vyhotoveným náčrtom „Smrť Dido“ a „Dvaja svätí“.

V úseku 18. storočia sú veľmi zaujímavé diela rímskeho maliara Paniniho (Benedikt XIV. navštevuje Fontánu di Trevi), ktorý bol v žánri krajinomaľby s motívmi ruín predchodcom Francúza Huberta Roberta, tzv. v Rusku veľmi vážený.

V Benátkach, ktorých očarujúca krása nenechala nikoho ľahostajným, sa vytvoril zvláštny smer krajinomaľby - obraz mesta s jeho palácmi, kanálmi, námestiami plnými pestrého malebného davu. Obrazy Canaletto, Bernardo Bellotto, Marieschi, patriace do žánru architektonického olova, fascinujú iluzórnou presnosťou obrazu, kým komorné diela Francesca Guardiho, nazývané Capriccio krajiny, nereprodukujú ani tak skutočné pohľady, ako skôr divákovu predstavu. pozornosť istý poetický obraz mesta.

Gianantonio Guardi sa na rozdiel od svojho mladšieho brata Francesca preslávil ako majster kompozícií s postavami na biblické, mytologické a historické témy. Výstava predstavuje jeho obraz „Alexander Veľký pri tele perzského kráľa Daria“, uznávaný ako skutočné majstrovské dielo majstra. V dobe karnevalu a brilantného rozkvetu hudby, majstrovsky využívajúcej jazyk textúr a farieb, Guardi vytvára nezabudnuteľnú obrazovú symfóniu, presiaknutú živým pohybom ľudského citu. Na tejto vysokej nôte sa končí obdobie najväčšieho rozkvetu talianskeho umenia, ktoré sa začalo renesanciou.

Zobraziť celý text