Renesansas prasidėjo Italijoje. Savo pavadinimą ji įgijo dėl dramatiško intelektualinio ir meninio žydėjimo, prasidėjusio XIV amžiuje ir padariusio didelę įtaką Europos visuomenei ir kultūrai. Renesansas reiškėsi ne tik tapyboje, bet ir architektūroje, skulptūroje, literatūroje. Ryškiausi Renesanso epochos atstovai yra Leonardo da Vinci, Botticelli, Ticianas, Mikelandželas ir Rafaelis.

Šiais laikais pagrindinis tikslas dailininkai realistiškai vaizdavo žmogaus kūną, todėl daugiausia tapė žmones ir vaizdavo įvairias religines temas. Taip pat buvo išrastas perspektyvos principas, kuris atvėrė naujas galimybes menininkams.

Renesanso centru tapo Florencija, antrą vietą užėmė Venecija, o vėliau, arčiau XVI a., Roma.

Leonardo mums žinomas kaip talentingas Renesanso tapytojas, skulptorius, mokslininkas, inžinierius ir architektas. Leonardo didžiąją savo gyvenimo dalį dirbo Florencijoje, kur sukūrė daugybę visame pasaulyje žinomų šedevrų. Tarp jų: ​​„Mona Liza“ (kitaip „La Gioconda“), „Lady with an Hermine“, „Benua Madonna“, „Jonas Krikštytojas“ ir „Šv. Ana su Marija ir Kūdikiu Kristumi“.

Šis menininkas yra atpažįstamas dėl unikalaus stiliaus, kurį jis sukūrė bėgant metams. Asmeniniu popiežiaus Siksto IV prašymu jis nutapė ir Siksto koplyčios sienas. Botticelli parašė garsių paveikslų mitologinėmis temomis. Tokie paveikslai yra „Pavasaris“, „Pallas ir Kentauras“, „Veneros gimimas“.

Ticianas buvo Florencijos menininkų mokyklos vadovas. Po mokytojo Bellini mirties Ticianas tapo oficialiu, visuotinai pripažintu menininku Venecijos Respublika. Šis tapytojas žinomas dėl savo portretų religinėmis temomis: „Marijos žengimas į dangų“, „Danae“, „Žemiška meilė ir dangiškoji meilė“.

Italų poetas, skulptorius, architektas ir menininkas nutapė daugybę šedevrų, įskaitant garsiąją „Dovydo“ statulą iš marmuro. Ši statula tapo pagrindine Florencijos atrakcija. Mikelandželas nutapė Vatikano Siksto koplyčios skliautą – tai buvo pagrindinis popiežiaus Julijaus II užsakymas. Savo kūrybos laikotarpiu jis daugiau dėmesio skyrė architektūrai, bet mums padovanojo „Šv. Petro nukryžiavimą“, „Kapas“, „Adomo sutvėrimas“, „Forteller“.

Jo kūryba susiformavo didelėje Leonardo da Vinci ir Mikelandželo įtakoje, kurių dėka jis įgijo neįkainojamos patirties ir įgūdžių. Jis nutapė valstybines patalpas Vatikane, reprezentuodamas žmogaus veikla ir vaizduojanti įvairias Biblijos scenas. Tarp žinomų Rafaelio paveikslų yra „Siksto Madona“, „Trys malonės“, „Šv. Mykolas ir velnias“.

Ivanas Sergejevičius Tseregorodcevas

Renesansas ar Renesansas davė mums daug puikių meno kūrinių. Tai buvo palankus laikotarpis kūrybiškumui vystytis. Daugelio didžių menininkų vardai yra susiję su Renesansu. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio – tai tik maža dalis to meto kūrėjų vardų.

Su šiuo laikotarpiu siejamas naujų stilių ir paveikslų atsiradimas. Žmogaus kūno vaizdavimo metodas tapo beveik moksliškas. Menininkai siekia realybės – išdirba kiekvieną smulkmeną. Žmonės ir įvykiai to meto paveiksluose atrodo itin tikroviškai.

Istorikai Renesanso epochoje išskiria keletą tapybos raidos periodų.

Gotika – 1200 m. Populiarus stilius teisme. Jis išsiskyrė pompastiškumu, pretenzingumu ir perdėtu spalvingumu. Naudojamas kaip dažai. Paveikslai buvo altorių scenų objektas. Labiausiai garsūs atstovaiŠios krypties italų menininkai yra Vittore Carpaccio ir Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Prorenesansas – 1300 m. Tuo metu tapyboje vyko moralės pertvarka. Religinės temos traukiasi į antrą planą, o pasaulietinės tampa vis populiaresnės. Paveikslas užima ikonos vietą. Žmonės vaizduojami realistiškiau, menininkams tampa svarbios veido išraiškos ir gestai. Pasirodo naujas žanras vaizduojamieji menai - . Šio laiko atstovai yra Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Ankstesnis Renesansas – 1400 m. Nereliginės tapybos iškilimas. Net veidai ant piktogramų tampa gyvesni – jie įgyja žmogaus bruožai veidai. Ankstesnių laikotarpių menininkai bandė tapyti peizažus, tačiau jie tarnavo tik kaip priedas, fonas prie pagrindinio vaizdo. Per Ankstyvasis Renesansas tampa savarankišku žanru. Portretas taip pat toliau tobulėja. Mokslininkai atranda linijinės perspektyvos dėsnį, o menininkai kuria savo paveikslus remdamiesi tuo. Jų drobėse galite pamatyti teisingą trimatę erdvę. Žymūs šio laikotarpio atstovai – Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Aukštasis Renesansas – aukso amžius. Menininkų akiratis tampa dar platesnis – jų interesai nusidriekia į Kosmoso erdvę, žmogų jie laiko visatos centru.

Tuo metu pasirodė Renesanso „titanai“ - Leonardo Da Vinci, Mikelandželas, Ticianas, Raphaelis Santi ir kiti. Tai žmonės, kurių pomėgiai neapsiribojo tapyba. Jų žinios išsiplėtė kur kas toliau. Labiausiai žymus atstovas buvo Leonardo Da Vinci, kuris buvo ne tik puikus tapytojas, bet ir mokslininkas, skulptorius bei dramaturgas. Jis sukūrė fantastiškas tapybos technikas, pavyzdžiui, „smuffato“ - miglos iliuziją, kuri buvo panaudota kuriant garsiąją „La Gioconda“.

Leonardo Da Vinci

Vėlyvasis Renesansas- Renesanso nykimas (XVIII a. vidurys – 1600 m. pabaiga). Šis laikas siejamas su pokyčiais, religine krize. Klestėjimo laikas baigiasi, linijos drobėse tampa nervingesnės, individualizmas nyksta. Minia vis labiau tampa paveikslų įvaizdžiu. To meto talentingus kūrinius parašė Paolo Veronese ir Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

Italija pasauliui davė daugiausiai talentingi menininkai Renesansas, jie dažniausiai minimi tapybos istorijoje. Tuo tarpu kitose šalyse šiuo laikotarpiu tapyba taip pat vystėsi ir turėjo įtakos šio meno raidai. Kitų šalių tapyba šiuo laikotarpiu vadinama Šiaurės renesansu.

Renesanso menininkų vardai nuo seno buvo apsupti visuotinio pripažinimo. Daugelis sprendimų ir vertinimų apie juos tapo aksiomomis. Ir vis dėlto kritiškai juos vertinti yra ne tik meno istorijos teisė, bet ir pareiga. Tik tada jų menas išlaiko tikrąją reikšmę palikuonims.

Iš XV amžiaus vidurio ir antrosios pusės Renesanso meistrų reikia apsigyventi ties keturiais: Piero della Francesca, Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci. Jie buvo plačiai paplitusio senjerių įsikūrimo amžininkai ir bendradarbiavo su kunigaikščių teismais, tačiau tai nereiškia, kad jų menas buvo visiškai kunigaikštiškas. Jie atėmė iš ponų, ką galėjo duoti, mokėjo savo talentu ir uolumu, bet liko „Renesanso tėvų“ įpėdiniais, prisiminė jų nurodymus, didino savo pasiekimus, stengėsi juos pranokti, o kartais ir pralenkdavo. Per laipsniškos reakcijos metus Italijoje jie sukūrė nuostabų meną.

Piero della Francesca

Piero della Francesca dar visai neseniai buvo mažiausiai žinomas ir pripažintas. Teisingai buvo pastebėta 15 amžiaus pradžios Florencijos meistrų įtaka Piero della Francesca, taip pat jo abipusė įtaka jo amžininkams ir įpėdiniams, ypač Venecijos mokyklai. Tačiau išskirtinė, išskirtinė Piero della Francesca padėtis italų tapyboje dar nėra pakankamai įsisąmoninta. Tikėtina, kad laikui bėgant jo pripažinimas tik didės.

Piero della Francesca (apie 1420-1492) italų menininkas ir teoretikas, ankstyvojo renesanso atstovas

Piero della Francesca priklausė visi florentiečių sukurto „naujojo meno“ pasiekimai, tačiau Florencijoje nepasiliko, o grįžo į tėvynę, į provinciją. Tai jį išgelbėjo nuo patricijų skonio. Jis išgarsėjo savo talentu ir net popiežiaus kurija skyrė jam užduočių. Tačiau teismo menininku jis netapo. Jis visada išliko ištikimas sau, savo pašaukimui, savo žaviai mūzai. Iš visų amžininkų jis yra vienintelis menininkas, kuris nežinojo nesantaikos, dvilypumo ar pavojaus nuklysti į klaidingą kelią. Jis niekada nesiekė konkuruoti su skulptūra ar griebtis skulptūrinių ar grafinių išraiškos priemonių. Viskas pasakyta jo tapybos kalba.

Didžiausias ir gražiausias jo darbas – freskų ciklas tema „Kryžiaus istorija“ Arece (1452–1466). Darbai buvo atlikti pagal vietos pirklio Bacci valią. Galbūt, kuriant programą, dalyvavo dvasininkas, mirusiojo testamento vykdytojas. Piero della Francesca rėmėsi vadinamąja J. da Voragine „Auksine legenda“. Jis taip pat turėjo pirmtakų tarp menininkų. Tačiau pagrindinė mintis akivaizdžiai priklausė jam. Joje aiškiai persišviečia menininko išmintis, branda, poetinis jautrumas.

Vargu ar vienintelis to meto vaizdinis ciklas Italijoje „Kryžiaus istorija“ turi dvejopą prasmę. Viena vertus, čia pateikiama viskas, kas pasakojama legendoje apie tai, kaip išaugo medis, iš kurio buvo pagamintas Kalvarijos kryžius, ir kaip vėliau pasireiškė jo stebuklinga galia. Tačiau kadangi atskiri paveikslai nėra chronologine tvarka, ši tiesioginė prasmė tarsi nutolsta į antrą planą. Dailininkas paveikslus išdėstė taip, kad jie susidarytų idėją skirtingos formosžmogaus gyvenimas: apie patriarchalinį - Adomo mirties scenoje ir Heraklio perkeliant kryžių, apie pasaulietinį, dvaro, miesto - Šebos karalienės ir kryžiaus radimo scenose ir pagaliau apie kariuomenę, mūšį – „Konstantino pergalėse“ ir „Heraklio pergalėse“ . Iš esmės Piero della Francesca apėmė beveik visus gyvenimo aspektus. Jo ciklas apėmė: istoriją, legendą, gyvenimą, kūrybą, gamtos paveikslus ir amžininkų portretus. Areco mieste, Florencijai politiškai pavaldžioje San Francesco bažnyčioje, buvo iškiliausias Italijos Renesanso freskų ciklas.

Piero della Francesca menas yra labiau tikras nei idealus. Jame karaliauja racionalus principas, bet ne racionalumas, kuris gali užgožti širdies balsą. Ir šiuo požiūriu Piero della Francesca įkūnija ryškiausias, vaisingiausias Renesanso jėgas.

Andrea Mantegna

Mantegna vardas siejamas su humanisto menininko, įsimylėjusio romėnų senovės, turinčio daug žinių apie senovės archeologiją, idėja. Visą gyvenimą jis tarnavo Mantua d'Este kunigaikščiams, buvo jų dvaro tapytojas, vykdė jų nurodymus, ištikimai tarnavo (nors jie ne visada davė jam tai, ko nusipelnė, bet giliai sieloje ir mene jis buvo). nepriklausomas, atsidavęs savo aukštam senovinio narsumo idealui, fanatiškai ištikimas savo darbams suteikti juvelyro tikslumo Tam reikėjo milžiniškos dvasinės jėgos Mantenos menas yra atšiaurus, kartais žiaurus iki negailestingumo jis skiriasi nuo Piero della Francesca meno ir artėja prie Donatello.

Andrea Mantegna. Autoportretas Ovetari koplyčioje

Ankstyvosios Mantenjos freskos Paduvos Eremitani bažnyčioje apie Šv. Jokūbas ir jo kankinystė yra nuostabūs italų sienų tapybos pavyzdžiai. Mantenja visai negalvojo sukurti kažką panašaus į romėnų meną (paveikslą, kuris Vakaruose išgarsėjo po Herculaneumo kasinėjimų). Jo senovė yra ne žmonijos aukso amžius, o imperatorių geležies amžius.

Jis šlovina romėnų narsumą, beveik geriau nei patys romėnai. Jo herojai yra šarvuoti ir statuliniai. Jo uolėtus kalnus tiksliai išraižo skulptoriaus kaltas. Net dangumi plaukiantys debesys atrodo išlieti iš metalo. Tarp šių fosilijų ir liejinių veikia kovoje užgrūdinti herojai, drąsūs, griežti, atkaklūs, atsidavę pareigos jausmui, teisingumui ir pasiruošę pasiaukoti. Žmonės erdvėje juda laisvai, tačiau išsirikiuodami į eilę sudaro akmeninių reljefų panašumą. Šis Mantenos pasaulis nežavi akies, jis atšaldo širdį. Tačiau negalima nepripažinti, kad tai sukūrė menininko dvasinis impulsas. Ir todėl čia lemiamą reikšmę turėjo humanistinė menininko erudicija, ne mokytų draugų patarimai, o galinga vaizduotė, valios ir pasitikėjimo kupina aistra.

Prieš mus – vienas reikšmingiausių meno istorijos reiškinių: didieji meistrai savo intuicijos galia stoja į savo tolimus protėvius ir daro tai, ko neįmanoma. vėliau menininkams kurie studijavo praeitį, bet negalėjo jai prilygti.

Sandro Botticelli

Botticelli atrado anglų prerafaelitai. Tačiau net XX amžiaus pradžioje, nepaisant susižavėjimo jo talentu, jie „neatleido“ jam už nukrypimus nuo visuotinai priimtų taisyklių - perspektyvos, šviesos ir šešėlio, anatomijos. Vėliau buvo nuspręsta, kad Botticelli grįžo į gotiką. Vulgarioji sociologija apibendrino savo paaiškinimą: „feodalinė reakcija“ Florencijoje. Ikonologinės interpretacijos įtvirtino Botticelli sąsajas su Florencijos neoplatonistų ratu, ypač ryškiu garsiuose jo paveiksluose „Pavasaris“ ir „Veneros gimimas“.

Sandro Botticelli autoportretas, altoriaus kompozicijos „Magių garbinimas“ fragmentas (apie 1475 m.)

Vienas autoritetingiausių „Pavasario“ interpretatorių Botticelli pripažino, kad šis paveikslas tebėra šarada, labirintas. Bet kuriuo atveju galima laikyti įrodytu, kad kurdamas jį autorius žinojo Poliziano eilėraštį „Turnyras“, kuriame šlovinama Giuliano de' Medici mylimoji Simonetta Vespucci, o ypač senovės poetai. pradžios eilutės apie Veneros karalystę Lukrecijaus eilėraštyje „Apie daiktų prigimtį“ . Matyt, žinojo ir tais metais Florencijoje populiarius M. Vicino darbus. Iš visų šių kūrinių pasiskolinti motyvai aiškiai matomi paveiksle, kurį 1477 m. įsigijo L. de' Medici, Lorenzo Didingojo pusbrolis. Tačiau lieka klausimas: kaip šie erudicijos vaisiai pateko į paveikslą? Patikimos informacijos apie tai nėra.

Skaitant šiuolaikinius mokslininkų komentarus apie šį paveikslą, sunku patikėti, kad pats menininkas galėjo taip giliai įsigilinti mitologinė istorija, siekiant sugalvoti visokių figūrų interpretavimo subtilybių, kurių ir šiandien nepavyksta suprasti iš pirmo žvilgsnio, bet seniau, matyt, buvo suprantamos tik Medičių rate. Labiau tikėtina, kad juos menininkui pasiūlė koks nors eruditas, ir jam pavyko pasiekti, kad menininkas žodinę seką ėmė interlineariškai versti į vaizdinę. Pats nuostabiausias Botticelli paveikslas yra atskiros figūros ir grupės, ypač Trijų malonių grupė. Nepaisant to, kad jis buvo atkurtas be galo daug kartų, savo žavesio neprarado iki šių dienų. Kiekvieną kartą ją pamatęs, išgyveni naują susižavėjimo priepuolį. Iš tikrųjų Botticelli sugebėjo susisiekti su savo būtybėmis amžina jaunystė. Vienas iš mokslininkų paveikslo komentatorių teigė, kad malonių šokis išreiškia harmonijos ir nesantaikos idėją, apie kurią dažnai kalbėjo Florencijos neoplatonistai.

Botticelli turi neprilygstamų Dieviškosios komedijos iliustracijų. Kas matė jo lapus, skaitydamas Dantę visada juos prisimins. Jis, kaip niekas kitas, persmelktas Dantės eilėraščio dvasios. Kai kurie Dantės piešiniai yra tikslūs grafiniai eilėraščio puslapiai. Tačiau gražiausios yra tos, kur menininkas įsivaizduoja ir kuria Dantės dvasia. Tai yra labiausiai paplitusi tarp dangaus iliustracijų. Atrodytų, tapyti rojų buvo sunkiausia Renesanso menininkams, kurie taip mylėjo kvapnią žemę ir viską, kas žmogiška. Botticelli neišsižada Renesanso perspektyvos, erdvinių įspūdžių, priklausančių nuo žiūrovo požiūrio kampo. Tačiau rojuje jis pakyla iki pačių objektų neperspektyvinės esmės perdavimo. Jo figūros nesvarios, dingsta šešėliai. Šviesa prasiskverbia į juos, erdvė egzistuoja už žemiškų koordinačių ribų. Kūnai telpa į apskritimą kaip dangaus sferos simbolis.

Leonardo da Vinci

Leonardo yra vienas iš visuotinai pripažintų Renesanso genijų. Daugelis jį laiko pirmuoju to meto menininku, bet kokiu atveju, kalbant apie jį pirmiausia iškyla jo vardas nuostabūs žmonės Renesansas. Štai kodėl taip sunku nukrypti nuo įprastų nuomonių ir nešališkai vertinti jo meninį palikimą.

Autoportretas, kuriame Leonardo pavaizdavo save kaip seną išminčius. Piešinys saugomas Turino karališkojoje bibliotekoje. 1512 m

Netgi amžininkai žavėjosi jo asmenybės universalumu. Tačiau Vasari jau išreiškė apgailestavimą, kad Leonardo skyrė daugiau dėmesio savo moksliniams ir techniniams išradimams meninė kūryba. Leonardo šlovė pasiekė apogėjų XIX amžiuje. Jo asmenybė tapo tam tikru mitu, jis buvo vertinamas kaip visos Europos kultūros „faustiškojo principo“ įsikūnijimas.

Leonardo buvo puikus mokslininkas, įžvalgus mąstytojas, rašytojas, traktato autorius ir išradingas inžinierius. Visapusiškumas iškėlė jį virš daugumos to meto menininkų lygio ir kartu iškėlė į priekį sunki užduotis- derinti mokslinį analitinį požiūrį su menininko gebėjimu matyti pasaulį ir tiesiogiai pasiduoti jausmams. Ši užduotis vėliau užėmė daug menininkų ir rašytojų. Leonardo tai įgavo neišsprendžiamos problemos pobūdį.

Pamirškime kuriam laikui viską, ką mums šnabžda nuostabus mitas apie menininką-mokslininką, ir vertinkime jo tapybą taip, kaip vertiname kitų to meto meistrų tapybą. Kuo jo darbai išsiskiria iš jų? Visų pirma, vizijos budrumas ir aukštas atlikimo meniškumas. Jie turi išskirtinio meistriškumo ir geriausio skonio įspaudą. Savo mokytojo Verrocchio paveiksle „Krikštas“ jaunasis Leonardo nutapė vieną angelą taip didingai ir didingai, kad šalia jo gražus angelas Verrocchio atrodo kaimiškas ir žemas. Bėgant metams „estetinė aristokratija“ Leonardo mene dar labiau sustiprėjo. Tai nereiškia, kad valdovų teismuose jo menas tapo kurmingas ir dvariškas. Bet kuriuo atveju jo madonos niekada negali būti vadinamos valstietėmis.

Jis priklausė tai pačiai kartai kaip ir Botticelli, bet nepritariamai, net pašaipiai kalbėjo apie jį, laikydamas jį atsilikimu nuo laikų. Pats Leonardo siekė tęsti meno pirmtakų paieškas. Neapsiribodamas erdve ir tūriu, jis išsikelia sau užduotį įvaldyti objektus gaubiančios šviesos-oro aplinką. Tai reiškė kitas žingsnis meniniame tikrojo pasaulio suvokime tam tikru mastu atvėrė kelią venecijiečių kolorizmui.

Būtų neteisinga sakyti, kad jo aistra mokslui trukdė Leonardo meninei kūrybai. Šio žmogaus genialumas buvo toks didžiulis, jo įgūdžiai tokie aukšti, kad net bandymas „atsistoti iki savo dainos gerklės“ negalėjo nužudyti jo kūrybiškumo. Jo, kaip menininko, dovana nuolat peržengė visus apribojimus. Jo kūryboje žavi neabejotina akies ištikimybė, sąmonės aiškumas, teptuko paklusnumas, virtuoziška technika. Jie mus žavi savo žavesiu, tarsi apsėdimas. Kas matė „La Gioconda“, prisimena, kaip sunku nuo jos atsiplėšti. Vienoje iš Luvro salių, kur ji atsidūrė šalia geriausi šedevrai italų mokykla, ji laimi ir su pasididžiavimu valdo viską, kas aplink ją.

Leonardo paveikslai nesudaro grandinės, kaip ir daugelio kitų Renesanso menininkų. Ankstyvuosiuose jo darbuose, kaip ir Benoit Madonoje, daugiau šilumos ir spontaniškumo, tačiau net ir juose eksperimentas jaučiasi. „Adoracija“ Uficie – ir tai puikus piešinys, temperamentingas, gyvas žmonių įvaizdis, pagarbiai nukreiptas į elegantišką moterį su kūdikiu ant kelių. „Uolų Madonoje“ angelas, garbanotas jaunuolis, žiūrintis iš paveikslo, yra žavus, tačiau keista idėja perkelti idilę į olos tamsą yra atstumianti. Garsioji „Paskutinė vakarienė“ visada džiugino taikliais veikėjų apibūdinimais: švelnus Jonas, griežtas Petras ir piktadarys Judas. Tačiau tai, kad tokios gyvos ir susijaudinusios figūros išdėstytos trise iš eilės, vienoje stalo pusėje, atrodo kaip nepateisinamas susitarimas, smurtas prieš gyvąją gamtą. Nepaisant to, tai yra didysis Leonardo da Vinci, ir kadangi jis taip nutapė paveikslą, vadinasi, jis taip ir sumanė, ir ši paslaptis išliks šimtmečius.

Stebėjimas ir budrumas, į kurį Leonardo vadino menininkus savo traktate, neriboja jo kūrybinių galimybių. Jis sąmoningai siekė paskatinti savo vaizduotę žiūrėdamas į nuo amžiaus suskilinėjusias sienas, kuriose žiūrovas galėjo įsivaizduoti bet kokį siužetą. Garsiajame Vindzoro piešinyje su sangviniku „Perkūnija“ Leonardo perteikia tai, ką jo žvilgsniui atskleidė kai kurie. kalno viršūnė. Vindzoro piešinių serija potvynio tema yra tikrai puikios menininko-mąstytojo įžvalgos įrodymas. Menininkas kuria ženklus, kurie neturi atsakymo, tačiau sukelia nuostabą, sumaišytą su siaubu. Piešinius kūrė didysis meistras kažkokiame pranašiškame kliedėjime. Viskas juose pasakyta tamsia Jono regėjimų kalba.

Vidinė Leonardo nesantaika mažėjančiomis dienomis jaučiasi dviejuose jo darbuose: Luvre „Jonas Krikštytojas“ ir Turino autoportretas. Vėlyvajame Turino autoportrete senatvės sulaukęs menininkas atviru žvilgsniu žvelgia į save veidrodyje iš už surauktų antakių - veide mato niūrumo bruožus, tačiau įžvelgia ir išmintį, „gyvenimo rudens“ ženklas.

Italijai sunkiais laikais prasidėjo trumpalaikis italų renesanso „aukso amžius“ – vadinamasis aukštasis renesansas, aukščiausias Italijos meno žydėjimo taškas. Taigi Aukštasis Renesansas sutapo su įnirtingų Italijos miestų kovos už nepriklausomybę laikotarpiu. Šių laikų menas buvo persmelktas humanizmo, tikėjimo žmogaus kūrybinėmis galiomis, neribotomis jo galimybių galimybėmis, protinga pasaulio sandara, pažangos triumfu. Mene pilietinės pareigos problemos, aukštos moralines savybes, žygdarbis, gražaus, harmoningai išsivysčiusio, tvirto dvasia ir kūnu, herojiško žmogaus, sugebėjusio pakilti aukščiau kasdienybės, įvaizdis. Tokio idealo paieškos atvedė meną prie sintezės, apibendrinimo, prie bendrų reiškinių dėsningumų atradimo, prie jų loginio santykio nustatymo. Aukštojo Renesanso menas atsisako smulkmenų ir nereikšmingų detalių vardan apibendrinto vaizdo, vardan harmoningos gražių gyvenimo aspektų sintezės troškimo. Tai vienas iš pagrindinių skirtumų Aukštasis Renesansas nuo ankstyvo.

Leonardo da Vinci (1452-1519) buvo pirmasis menininkas, aiškiai įkūnijęs šį skirtumą. Pirmasis Leonardo mokytojas buvo Andrea Verrocchio. Angelo figūra mokytojos paveiksle „Krikštas“ jau aiškiai parodo menininko praeities ir naujosios epochos pasaulio suvokimo skirtumą: nėra priekinio Verrocchio plokštumo, geriausias tūrio modeliavimas ir nepaprastas dvasingumas. vaizdo. . Tyrėjai datuoja „Madoną su gėle“ („Benois Madonna“, kaip anksčiau buvo vadinama savininkų vardu) su Verrocchio išvykimo iš dirbtuvių laiku. Per šį laikotarpį Leonardo kurį laiką neabejotinai veikė Botticelli. Nuo XV amžiaus 80-ųjų. Išliko dvi nebaigtos Leonardo kompozicijos: „Magių garbinimas“ ir „Šv. Jeronimas“. Tikriausiai devintojo dešimtmečio viduryje senovine temperos technika buvo sukurta „Madonna Litta“, kurios įvaizdyje pasirodė Leonardo tipas. moteriškas grožis: sunkūs, pusiau nuleisti akių vokai ir subtili šypsena suteikia madonos veidui ypatingo dvasingumo.

Derindamas mokslinius ir kūrybinius principus, turėdamas tiek loginį, tiek meninį mąstymą, Leonardo visą gyvenimą praleido užsiimdamas moksliniais tyrimais. vaizduojamieji menai; išsiblaškęs jis atrodė lėtas ir paliko mažai meno. Milano teisme Leonardo dirbo menininku, mokslo techniku, išradėju, matematiku ir anatomu. Pirma puikus darbas, kurį jis atliko Milane, buvo „Uolų Madona“ (arba „Grotos Madonna“). Tai pirmoji monumentali Aukštojo Renesanso altoriaus kompozicija, įdomi dar ir tuo, kad visapusiškai išreiškė Leonardo rašymo stiliaus bruožus.

Dauguma puikus darbas Leonardo Milane, aukščiausias jo meno pasiekimas buvo Santa Maria della Grazie vienuolyno valgyklos sienos tapyba „Paskutinės vakarienės“ (1495–1498) tema. Kristus viduje paskutinį kartą vakarienės metu susitinka su savo mokiniais, kad praneštų apie vieno iš jų išdavystę. Leonardo menas ir mokslas egzistavo neatsiejami. Užsiimdamas menu jis atliko mokslinius tyrimus, eksperimentus, stebėjimus, per perspektyvą nuėjo į optikos ir fizikos sritis, per proporcijų problemas - į anatomiją ir matematiką ir kt. „Paskutinė vakarienė“ užbaigia visą menininko etapą. mokslinius tyrimus. Tai taip pat naujas meno etapas.

Leonardo paskyrė laiko nuo anatomijos, geometrijos, fortifikacijos, melioracijos, kalbotyros, versifikacijos ir muzikos studijų, kad galėtų dirbti prie „Arklio“, jojimo paminklo Francesco Sforza, dėl kurio pirmiausia atvyko į Milaną ir kurį baigė visu dydžiu. 90-ųjų pradžioje molyje. Paminklui nebuvo lemta įsikūnyti į bronzą: 1499 metais prancūzai įsiveržė į Milaną, o Gaskono arbaletai nušovė jojimo paminklą. 1499 metais prasidėjo Leonardo klajonių metai: Mantuja, Venecija ir galiausiai dailininko gimtinė Florencija, kur nutapė kartoninį „Šv. Anna su Marija ant kelių“, iš kurios Milane (kur grįžo 1506 m.) kuria aliejinį paveikslą.

Florencijoje Leonardo pradėjo kitą tapybos darbą: pirklio del Giocondo žmonos Monos Lizos portretą, kuris tapo vienu iš labiausiai garsūs paveikslai pasaulyje.

Monos Lizos Džokondos portretas – ryžtingas žingsnis Renesanso meno raidos link

Pirmą kartą portreto žanras tapo tokio paties lygio kaip kompozicijos religinėmis ir mitologinėmis temomis. Nepaisant visų neginčijamų fiziognominių panašumų, Quattrocento portretai išsiskyrė jei ne išoriniu, tai vidiniu suvaržymu. Monos Lizos didingumą perteikia vien jos pabrėžtinai tūrinės figūros, stipriai išstumtos į drobės kraštą, sugretinimas su tarsi iš toli matomu kraštovaizdžiu su uolomis ir upeliais, tirpstančiu, viliojančiu, nepagaunamu ir todėl, nepaisant. visa motyvo tikrovė, fantastiška.

1515 m., Prancūzijos karaliaus Pranciškaus I pasiūlymu, Leonardo visam laikui išvyko į Prancūziją.

Leonardo buvo didžiausias savo laiko menininkas, genijus, atvėręs naujus meno horizontus. Po savęs paliko nedaug kūrinių, bet kiekvienas iš jų buvo kultūros istorijos etapas. Leonardo taip pat žinomas kaip įvairiapusis mokslininkas. Jo moksliniai atradimai, pavyzdžiui, jo tyrimai orlaivių srityje, yra įdomūs mūsų astronautikos amžiuje. Tūkstančiai Leonardo rankraščių puslapių, apimančių visas žinių sritis, liudija jo genialumo universalumą.

Renesanso monumentaliojo meno idėjos, kuriose susiliejo antikos tradicijos ir krikščionybės dvasia, ryškiausiai išreiškė Rafaelio (1483-1520) kūrybą. Jo kūryboje brandų sprendimą rado dvi pagrindinės užduotys: plastinis žmogaus kūno tobulumas, išreiškiantis visapusiškai išvystytos asmenybės vidinę harmoniją, kurioje Rafaelis sekė antiką, ir sudėtinga daugiafigūrė kompozicija, perteikianti visą žmogaus įvairovę. pasaulis. Rafaelis praturtino šias galimybes, pasiekdamas nuostabią laisvę vaizduojant erdvę ir žmogaus figūros judėjimą joje, nepriekaištingą aplinkos ir žmogaus harmoniją.

Nė vienas iš Renesanso meistrų pagoniškos senovės esmės nesuvokė taip giliai ir natūraliai kaip Rafaelis; Ne be reikalo jis laikomas menininku, kuris senovės tradicijas labiausiai susiejo su Vakarų Europos šiuolaikiniu menu.

Rafaelis Santi gimė 1483 m. Urbino mieste, viename iš centrų meninė kultūra Italija, kunigaikščio Urbino dvare, dvaro tapytojo ir poeto, kuris buvo pirmasis būsimojo meistro mokytojas, šeimoje.

Ankstyvasis laikotarpis Rafaelio kūrybai puikiai būdingas nedidelis tondo formos paveikslas „Madonna Conestabile“, pasižymintis paprastumu ir griežtai atrinktų detalių lakoniškumu (nepaisant kompozicijos nedrąsumo) bei ypatingu, visuose Rafaelio kūriniuose būdingu subtiliu lyriškumu. ir ramybės jausmą. 1500 m. Rafaelis išvyko iš Urbino į Perudžą mokytis garsaus Umbrijos menininko Perudžino, kurio įtakoje buvo parašyta „Marijos sužadėtuvė“ (1504), dirbtuvėse. Ritmo pojūtis, plastiškų masių proporcingumas, erdviniai intervalai, figūrų ir fono santykis, pagrindinių tonų derinimas („Sužadėtuvėse“ tai auksinis, raudonas ir žalias derinyje su švelniu mėlynu dangaus fonu) sukuria harmoniją, jau pasirodo pradžios darbai Rafaelis ir išskiria jį iš ankstesnės eros menininkų.

Visą savo gyvenimą Rafaelis ieškojo šio atvaizdo Madonoje. Menininko nuopelnas pirmiausia yra tas, kad jis sugebėjo motinystės idėjoje įkūnyti visus subtiliausius jausmų atspalvius, lyriškumą ir gilų emocionalumą sujungti su monumentalia didybe. Tai matoma visose jo madonose, pradedant jaunatviškai nedrąsia „Madonna Conestabile“: „Žaliųjų Madonoje“, „Madonoje su auksagalviu“, „Madona fotelyje“ ir ypač Rafaelio dvasios ir įgūdžių viršūnėje. - „Siksto Madonoje“.

„Siksto Madona“ – vienas tobuliausių kalbos požiūriu Rafaelio kūrinių: griežtai dangaus silueto Marijos ir Kūdikio figūrą vienija bendras judėjimo ritmas su Šv. Apatinėje kompozicijos dalyje yra barbarai ir popiežius Sikstas II, kurių gestai skirti Madonai, taip pat dviejų angelų vaizdai (labiau kaip puti, taip būdinga Renesansui). Figūras taip pat vienija bendra auksinė spalva, tarsi personifikuojanti Dieviškąjį spindesį. Tačiau pagrindinis dalykas yra Madonos veido tipas, įkūnijantis senovės grožio idealo sintezę su krikščioniškojo idealo dvasingumu, kuris taip būdingas Aukštojo Renesanso pasaulėžiūrai.

Siksto Madona yra vėlyvas Rafaelio kūrinys.

XVI amžiaus pradžioje. Roma ima viršų kultūros centras Italija. Šiame mieste aukštojo renesanso menas pasiekia didžiausią žydėjimą, kur globojančių popiežių Julijaus II ir Leono X valia vienu metu dirba tokie menininkai kaip Bramantė, Mikelandželas ir Rafaelis.

Rafaelis piešia pirmąsias dvi strofas. Stanza della Segnatura (parašų, antspaudų kambarys) nutapė keturias freskas apie pagrindines žmogaus dvasinės veiklos sritis: filosofiją, poeziją, teologiją ir jurisprudenciją („“). Atėnų mokykla“, „Parnasas“, „Disputa“, „Matavimas, išmintis ir jėga“. Antrajame kambaryje, vadinamame „Eliodoro posmu“, Rafaelis piešė freskas ant istorinių ir legendinių scenų, šlovinančių popiežių: „Eliodoro išvarymas“

Viduramžių ir ankstyvojo Renesanso mene mokslai ir menai buvo įprasta vaizduoti atskirų alegorinių figūrų pavidalu. Rafaelis šias temas sprendė daugiafigūrių kompozicijų pavidalu, kartais vaizduojančių tikrus grupinius portretus, įdomius tiek individualizavimu, tiek tipiškumu.

Studentai taip pat padėjo Rafaeliui tapyti šalia popiežiaus kambarių esančias Vatikano lodžijas, nutapytas pagal jo eskizus ir jam prižiūrint senovinių ornamentų motyvais, daugiausia iš naujai atrastų senovinių grotų (iš čia ir pavadintas „groteskas“).

Rafaelis atliko įvairių žanrų kūrinius. Jo, kaip dekoratoriaus, režisieriaus ir pasakotojo, dovana visiškai atsiskleidė aštuonių kartoninių Siksto koplyčios gobelenų serijoje apaštalų Petro ir Pauliaus gyvenimo scenose („Stebuklingas žuvies laimikis“, pavyzdys). Šie paveikslai per visą XVI-XVIII a. tarnavo kaip savotiškas klasicizmo etalonas.

Rafaelis taip pat buvo didžiausias savo eros portretų tapytojas. („Popiežius Julijus II“, „Leo X“, dailininko draugė rašytoja Castiglione, gražuolė „Dona Velata“ ir kt.). O jo portretiniuose vaizduose, kaip taisyklė, vyrauja vidinė pusiausvyra ir harmonija.

Gyvenimo pabaigoje Rafaelis buvo neproporcingai apkrautas įvairiausių darbų ir užsakymų. Net sunku įsivaizduoti, kad visa tai galėtų padaryti vienas žmogus. Jis buvo centrinė figūra Romos meninį gyvenimą, po Bramantės mirties (1514 m.) tapo vyriausiuoju Šv. katedros architektu. Petras, buvo atsakingas už archeologinius kasinėjimus Romoje ir jos apylinkėse bei senovės paminklų apsaugą.

Rafaelis mirė 1520 m.; ankstyva mirtis amžininkams buvo netikėta. Jo pelenai palaidoti Panteone.

Trečia didžiausias meistras Aukštasis Renesansas – Mikelandželas – gerokai pralenkė Leonardo ir Rafaelį. Pirmoji jo kūrybinės karjeros pusė įvyko Aukštojo Renesanso meno klestėjimo laikais, o antroji – kontrreformacijos ir baroko meno formavimosi pradžioje. Iš nuostabios Aukštojo Renesanso menininkų galaktikos Mikelandželas visus pranoko savo vaizdų turtingumu, pilietiniu patosu ir jautrumu visuomenės nuotaikų kaitai. Taigi kūrybinis Renesanso idėjų žlugimo įkūnijimas.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) 1488 m. Florencijoje pradėjo atidžiai studijuoti senovinę skulptūrą. Jo reljefas „Kentaurų mūšis“ jau yra Aukštojo Renesanso kūrinys savo vidine harmonija. 1496 m. jaunasis menininkas išvyko į Romą, kur sukūrė savo pirmuosius šlovę atnešusius darbus: „Bacchus“ ir „Pieta“. Žodžiu, užfiksuotas senovės vaizdų. „Pieta“ atveria visą eilę meistro darbų šia tema ir iškelia jį tarp pirmųjų Italijos skulptorių.

Grįžęs į Florenciją 1501 m., Mikelandželas Sinjorijos vardu įsipareigojo nulipdyti Dovydo figūrą iš marmuro luito, kurį prieš jį sugadino nelaimingas skulptorius. 1504 m. Mikelandželas baigė statyti garsiąją statulą, kurią florentiečiai vadino „Milžinu“ ir pastatė priešais Palazzo Vecchia, miesto rotušę. Paminklo atidarymas virto valstybine švente. Dovydo įvaizdis įkvėpė daugelį Quattrocento menininkų. Tačiau Mikelandželas jį vaizduoja ne kaip berniuką, kaip „Donatelas“ ir „Verrocchio“, o kaip jauną vyrą, visą savo jėgų žydėjimą, ir ne po mūšio, su milžino galva prie kojų, o prieš mūšį, didžiausios jėgos įtampos momentas. IN gražus vaizdas Dovydas griežtu veidu skulptorius perteikė titanišką aistros jėgą, nepalenkiamą valią, pilietinę drąsą ir beribę laisvo žmogaus galią.

1504 m. Mikelandželas (kaip jau minėta kalbant apie Leonardo) pradeda piešti „Penkių šimtų salę“ Sinjorijos rūmuose.

1505 metais popiežius Julijus II pakvietė Mikelandželą į Romą pastatyti savo kapo, bet tada atsisakė užsakymo ir užsakė ne tokį grandiozinį Siksto koplyčios lubų paveikslą Vatikano rūmuose.

Mikelandželas vienas dirbo Siksto koplyčios lubų tapyboje nuo 1508 iki 1512 m., nutapydamas apie 600 kvadratinių metrų plotą. m (48x13 m) 18 m aukštyje.

Mikelandželas centrinę lubų dalį skyrė sakralinės istorijos scenoms, pradedant nuo pasaulio sukūrimo. Šias kompozicijas įrėmina tas pats tapytas karnizas, tačiau sukuria architektūros iliuziją, skiria ir vaizdingi strypai. Vaizdingi stačiakampiai pabrėžia ir praturtina tikrąją lubų architektūrą. Po vaizdingu karnizu Mikelandželas piešė pranašus ir sibiles (kiekviena figūra apie tris metrus), liunetėse (arkos virš langų) vaizdavo epizodus iš Biblijos ir Kristaus protėvius kaip paprasti žmonės užsiėmęs kasdiene veikla.

Devyniose centrinėse kompozicijose atskleidžiami pirmųjų kūrimo dienų įvykiai, Adomo ir Ievos istorija, pasaulinis tvanas, o visos šios scenos, tiesą sakant, yra himnas jam būdingam žmogui. Netrukus po darbų Sikste mirė Julius II, o jo įpėdiniai grįžo prie antkapio idėjos. 1513-1516 m. Mikelandželas šiam antkapiui atlieka Mozės ir vergų (belaisvių) figūrą. Mozės įvaizdis yra vienas iš galingiausių kūrybiškumo subrendęs meistras. Jis investavo į jį svajonę apie išmintingą, drąsų vadovą, kupiną titaniškos jėgos, išraiškos, valios savybių, taip reikalingų jo tėvynei suvienyti. Vergų figūros nebuvo įtrauktos galutinė versija kapai.

1520–1534 m. Mikelandželas dirbo prie vieno reikšmingiausių ir tragiškiausių skulptūros kūriniai- virš Medičių kapo (Florencijos bažnyčia San Lorenzo), išreiškiant visus išgyvenimus, ištikusius tiek patį meistrą, tiek jo gimtajame mieste, ir visą šalį. Nuo 20-ųjų pabaigos Italiją tiesiogine prasme draskė išoriniai ir vidiniai priešai. 1527 m. samdiniai kareiviai nugalėjo Romą, protestantai apiplėšė katalikų šventoves amžinas miestas. Florencijos buržuazija nuverčia Medičius, kurie vėl valdė nuo 1510 m.

Sunkaus pesimizmo nuotaikos, didėjančio gilaus religingumo būsenoje Mikelandželas dirba prie Medičių kapo. Jis pats pastatė Florencijos San Lorenzo bažnyčios priestatą – nedidelę, bet labai aukštą patalpą, dengtą kupolu, dvi zakristijos sienas (jos vidų) papuošė skulptūriniais antkapiais. Vieną sieną puošia Lorenzo figūra, priešingą – Giuliano, o apačioje prie jų kojų yra sarkofagai, papuošti alegoriniais skulptūriniais atvaizdais – greitai tekančio laiko simboliais: „Rytas“ ir „Vakaras“ Lorenzo antkapiniame paminkle „Naktis“ ir „Diena“ Giuliano antkapiniame paminkle.

Abu vaizdai – Lorenzo ir Giuliano – neturi portretinio panašumo, todėl ir skiriasi nuo tradicinių XV a.

Paulius III, iškart po jo išrinkimo, pradėjo atkakliai reikalauti, kad Mikelandželas įvykdytų šį planą, o 1534 m., nutraukęs kapo darbus, kuriuos baigė tik 1545 m., Mikelandželas išvyko į Romą, kur Siksto koplyčioje pradėjo savo antrąjį darbą. - prie freskų" Paskutinis teismas„(1535-1541) – grandiozinis kūrinys, išreiškęs žmonių rasės tragediją. Naujųjų bruožai menine sistema dar aiškiau pasirodė šiame Mikelandželo kūrinyje. Kūrybinis nuosprendis, baudžiantis Kristus pastatytas kompozicijos centre, o aplink jį sukamaisiais sukamaisiais judesiais vaizduojami nusidėjėliai, besiveržiantys į pragarą, teisieji, kylantys į dangų, ir mirusieji, kylantys iš kapų į Dievo teismą. Viskas kupina siaubo, nevilties, pykčio, sumaišties.

Dailininkas, skulptorius, poetas Mikelandželas taip pat buvo puikus architektas. Jis baigė Florencijos Laurentiano bibliotekos laiptus, suprojektavo Kapitolijaus aikštę Romoje, pastatė Pijaus vartus (Porta Pia), o nuo 1546 metų dirba Šv. Petras, kurį pradėjo Bramante. Mikelandželui priklauso kupolo piešinys ir piešinys, kuris buvo atliktas po meistro mirties ir iki šiol yra vienas iš pagrindinių miesto panoramoje dominuojančių bruožų.

Mikelandželas mirė Romoje, sulaukęs 89 metų. Jo kūnas naktį buvo nuvežtas į Florenciją ir palaidotas seniausioje gimtojo miesto Santa Croce bažnyčioje. Vargu ar galima pervertinti Mikelandželo meno istorinę reikšmę, poveikį jo amžininkams ir vėlesnėms epochoms. Kai kurie užsienio tyrinėtojai jį interpretuoja kaip pirmąjį baroko menininką ir architektą. Bet labiausiai jis įdomus kaip didžiųjų realistinių Renesanso tradicijų nešėjas.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, pravarde Giorgione (1477-1510), yra tiesioginis savo mokytojo pasekėjas ir tipiškas Aukštojo Renesanso menininkas. Jis pirmasis Venecijos žemėje atsigręžė į literatūrines ir mitologines temas. Kraštovaizdis, gamta ir gražus nuogas žmogaus kūnas jam tapo meno ir garbinimo objektu.

Jau pirmame žinomame kūrinyje „Madonna iš Kastelfranko“ (apie 1505 m.) Giorgione pasirodo kaip visiškai įsitvirtinusi menininkė; Madonos įvaizdis kupinas poezijos, mąslaus svajingumo, persmelktos tos liūdesio nuotaikos, kuri būdinga visiems moteriškiems Džordžonės įvaizdžiams. Per pastaruosius penkerius savo gyvenimo metus menininkas sukūrė geriausius savo darbus, atliktus aliejaus technika, daugiausia in Venecijos mokykla per tą laikotarpį. . 1506 m. paveiksle „Perkūnas“ Giorgione vaizduoja žmogų kaip gamtos dalį. Moteris, slauganti vaiką, jaunuolis su lazda (kurį galima supainioti su kariu su alebarda) vienija ne joks veiksmas, bet vienija šis didingas kraštovaizdis. bendra nuotaika, bendra savijauta. „Miegančios Veneros“ (apie 1508–1510 m.) įvaizdis persmelktas dvasingumo ir poezijos. Jos kūnas parašytas lengvai, laisvai, grakščiai, ne be reikalo tyrinėtojai kalba apie Giorgione ritmų „muzikalumą“; tai nėra be jausmingo žavesio. "Kaimo koncertas" (1508-1510)

Ticianas Vecellio (1477–1576) – didžiausias menininkas Venecijos renesansas. Kūrė kūrinių tiek mitologine, tiek krikščioniška tema, dirbo portreto žanre, išskirtinis koloristinis talentas, neišsemiamas kompozicinis išradingumas, laimingas ilgaamžiškumas leido palikti turtingą. kūrybinis paveldas, kuris palikuonims padarė didžiulę įtaką.

Jau 1516 m. jis tapo pirmuoju respublikos dailininku, o nuo 20-ųjų - garsiausiu Venecijos menininku.

Apie 1520 m. Feraros kunigaikštis jam pavedė sukurti paveikslų seriją, kurioje Ticianas pasirodo kaip antikos dainininkas, sugebėjęs pajusti ir, svarbiausia, įkūnyti pagonybės dvasią („Bacchanalia“, „Veneros šventė“). , „Bachas ir Ariadnė“).

Turtingi Venecijos patricijai užsakė Ticianui sukurti altorių paveikslus, jis sukūrė didžiules ikonas: „Marijos ėmimas į dangų“, „Pesaro Madona“.

„Marijos įvedimas į šventyklą“ (apie 1538 m.), „Venera“ (apie 1538 m.)

(grupinis popiežiaus Pauliaus III portretas su sūnėnais Ottavio ir Aleksandru Farnese, 1545–1546)

Jis vis dar daug rašo senovės temomis („Venera ir Adonis“, „Piemuo ir nimfa“, „Diana ir Akteonas“, „Jupiteris ir Antiopė“), tačiau vis dažniau atsigręžia į krikščionišką temą, į kankinystės scenas, kuriose pagonybės. linksmumą, senovinę harmoniją keičia tragiška nuostata („Kristaus plakimas“, „Atgailaujanti Marija Magdalietė“, „Šv. Sebastianas“, „Raudos“),

Tačiau amžiaus pabaigoje artėjančio bruožai nauja era mene – nauja meninė kryptis. Tai matyti dviejų pagrindinių šio amžiaus antrosios pusės menininkų – Paolo Veronese ir Jacopo Tintoretto – kūryboje.

Paolo Cagliari, pravarde Veronese (gimė Veronoje, 1528-1588), buvo lemta tapti paskutiniu šventinės, džiūgaujančios XVI amžiaus Venecijos dainininku.

: „Puota Levio namuose“ „Santuoka Galilėjos Kanoje“ San Giorgio Maggiore vienuolyno valgykla

Jacopo Robusti, mene žinomas kaip Tintoretto (1518-1594) („tintoretto“ – dažytojas: dailininko tėvas buvo šilko dažytojas). „Šv. Morkaus stebuklas“ (1548 m.)

(„Arsinėjos gelbėjimas“, 1555 m.), „Įvadas į šventyklą“ (1555 m.),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro Piombino, Villa Rotonda Vičencoje, po jo mirties baigė studentai pagal jo projektą, daug pastatų Vičencoje). Antikos studijų rezultatas buvo knygos „Romos senienos“ (1554 m.), „Keturios knygos apie architektūrą“ (1570–1581), tačiau, remiantis sąžiningu tyrinėtojo pastebėjimu, antika jam buvo „gyvas organizmas“.

Olandų renesansas tapyboje prasideda nuo brolių Huberto (mirė 1426 m.) ir Jano (apie 1390-1441) van Eyckų „Gento altoriaus“, kurį 1432 m. užbaigė Janas van Eyckas. Van Eyckas patobulino. alyvos technologija: aliejus leido visapusiškiau perteikti olandų menininkų dėmesį patraukusio objektyvaus pasaulio blizgesį, gylį, turtingumą, spalvingą jo skambesį.

Iš daugelio Jano van Eycko madonų garsiausia yra „Kanclerio Rollino Madona“ (apie 1435 m.)

(„Žmogus su gvazdiku“; „Žmogus turbane“, 1433 m.; dailininko žmonos Margaret van Eyck portretas, 1439 m.

Olandijos menas, spręsdamas tokias problemas, daug skolingas Rogier van der Weyden (1400?-1464) „Nusileidimas nuo kryžiaus“ yra tipiškas Weydeno kūrinys.

XV amžiaus antroje pusėje. yra išskirtinio talento meistro Hugo van der Goeso (apie 1435–1482) darbas „Marijos mirtis“).

Hieronymus Bosch (1450-1516), tamsių mistinių vizijų kūrėjas, kuriame taip pat atsigręžia į viduramžių alegorizmą, „Gražumų sodas“

Olandijos renesanso viršūnė neabejotinai buvo Pieterio Bruegelio, pravarde Mužitskis (1525/30-1569) („Lienos virtuvė“, „Riebalų virtuvė“) darbas ciklas „Metų laikai“ (kitas pavadinimas – „Medžiotojai sniege“, 1565), „Karnavalo ir gavėnios mūšis“ (1559).

Albrechtas Dureris (1471-1528).

„Rožančiaus šventė“ (kitas pavadinimas „Madona su Rožančiu“, 1506 m.), „Raitelis, mirtis ir velnias“, 1513 m.; „Šv. Jeronimas“ ir „Melancholija“,

Hansas Holbeinas jaunesnysis (1497-1543), "Mirties triumfas" ("Mirties šokis") Jane Seymour portretas, 1536 m.

Albrechtas Altdorferis (1480–1538)

Renesanso Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (apie 1420-1481), Karolio VII portretas

Jean Clouet (apie 1485/88-1541), François Clouet (apie 1516-1572) sūnus - svarbiausias menininkas Prancūzija XVI V. Elžbietos Austrietės portretas, apie 1571 m. (Henriko II, Marijos Stiuart portretas ir kt.)

Renesansas (Renesansas). Italija. 15-16 amžiuje. Ankstyvasis kapitalizmas. Šalį valdo turtingi bankininkai. Jie domisi menu ir mokslu.
Turtingieji ir galingieji buria aplink save talentingus ir išmintingus. Poetai, filosofai, menininkai ir skulptoriai kasdien bendrauja su savo mecenatais. Akimirką atrodė, kad žmones valdo išminčiai, kaip norėjo Platonas.
Jie prisiminė senovės romėnus ir graikus. Kurie taip pat sukūrė laisvų piliečių visuomenę. Kur pagrindinė vertybė- asmuo (žinoma, neskaitant vergų).
Renesansas nėra tik senovės civilizacijų meno kopijavimas. Tai yra mišinys. Mitologija ir krikščionybė. Gamtos tikroviškumas ir vaizdų nuoširdumas. Fizinis grožis ir dvasinis grožis.
Tai buvo tik blyksnis. Aukštojo renesanso laikotarpis yra maždaug 30 metų! Nuo 1490-ųjų iki 1527 m Nuo Leonardo kūrybos klestėjimo pradžios. Prieš Romos apiplėšimą.

Idealaus pasaulio miražas greitai išblėso. Italija pasirodė pernelyg trapi. Netrukus ją pavergė kitas diktatorius.
Tačiau šie 30 metų nulėmė pagrindinius Europos tapybos bruožus 500 metų į priekį! Iki impresionistai.
Vaizdo realizmas. Antropocentrizmas (kai žmogus yra pagrindinis veikėjas ir herojus). Linijinė perspektyva. Aliejiniai dažai. Portretas. Peizažas…
Neįtikėtina, kad per šiuos 30 metų vienu metu dirbo keli puikūs meistrai. Kurie kitais laikais gimsta kartą per 1000 metų.
Leonardo, Mikelandželas, Rafaelis ir Ticianas yra Renesanso titanai. Tačiau negalime nepaminėti dviejų jų pirmtakų. Giotto ir Masaccio. Be kurio nebūtų Renesanso.

1. Džotas (1267–1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Paveikslo „Penki Florencijos renesanso meistrai“ fragmentas. XVI amžiaus pradžia. Luvras, Paryžius.

XIV a Prorenesansas. Jo pagrindinis veikėjas yra Giotto. Tai meistras, kuris vienas sukėlė revoliuciją mene. 200 metų prieš Aukštąjį Renesansą. Jei ne jis, vargu ar būtų atėjusi era, kuria žmonija taip didžiuojasi.
Prieš Džotą buvo ikonų ir freskų. Jie buvo sukurti pagal Bizantijos kanonus. Veidai vietoj veidų. Plokščios figūros. Proporcijų nesilaikymas. Vietoj peizažo yra auksinis fonas. Kaip, pavyzdžiui, ant šios piktogramos.

Gvidas da Siena. Magų garbinimas. 1275-1280 Altenburgas, Lindenau muziejus, Vokietija.

Ir staiga pasirodo Giotto freskos. ant jų tūrinės figūros. Kilmingų žmonių veidai. Liūdna. Liūdnas. Nustebęs. Senas ir jaunas. Skirtingas.

Giotto. Kristaus raudojimas. Fragmentas

Giotto. Judo bučinys. Fragmentas

Giotto. Šventoji Ona

Giotto freskos Scrovegni bažnyčioje Paduvoje (1302-1305). Kairėje: Kristaus raudos. Vidurys: Judo bučinys (fragmentas). Dešinėje: Šv. Onos (Motinos Marijos) Apreiškimas, fragmentas.
Pagrindinis Giotto darbas – jo freskų ciklas Scrovegni koplyčioje Paduvoje. Kai ši bažnyčia atsidarė parapijiečiams, į ją plūstelėjo minios žmonių. Nes jie niekada nieko panašaus nematė.
Juk Giotto padarė kažką neregėto. Jis tarsi išvertė Biblijos istorijas į paprastą, suprantamą kalbą. Ir jie tapo daug prieinamesni paprastiems žmonėms.

Giotto. Magų garbinimas. 1303-1305 Freska Scrovegni koplyčioje Paduvoje, Italijoje.

Būtent tai bus būdinga daugeliui Renesanso meistrų. Lakoniški vaizdai. Gyvos veikėjų emocijos. Realizmas.
Tarp ikonos ir Renesanso realizmo.
Giotto žavėjosi. Tačiau jo naujovės nebuvo toliau plėtojamos. Tarptautinės gotikos mada atėjo į Italiją.
Tik po 100 metų atsiras meistras, vertas Giotto įpėdinis.
2. Masaccio (1401–1428)

Masaccio. Autoportretas (freskos „Šv. Petras sakykloje“ fragmentas). 1425–1427 m Brancacci koplyčia Santa Maria del Carmine bažnyčioje, Florencijoje, Italijoje.

XV amžiaus pradžia. Vadinamasis ankstyvasis renesansas. Į sceną žengia dar vienas novatorius.
Masaccio buvo pirmasis menininkas, panaudojęs linijinę perspektyvą. Jį suprojektavo jo draugas architektas Brunelleschi. Dabar vaizduojamas pasaulis tapo panašus į tikrąjį. Žaislų architektūra yra praeitis.

Masaccio. Šventasis Petras gydo savo šešėliu. 1425–1427 m Brancacci koplyčia Santa Maria del Carmine bažnyčioje, Florencijoje, Italijoje.

Jis perėmė Giotto realizmą. Tačiau, skirtingai nei jo pirmtakas, jis jau gerai išmanė anatomiją.
Vietoj blokuotų personažų Giotto gražiai pastatė žmones. Visai kaip senovės graikai.

Masaccio. Naujokų krikštas. 1426–1427 m Brancacci koplyčia, Santa Maria del Carmine bažnyčia Florencijoje, Italijoje.

Masaccio. Išvarymas iš rojaus. 1426–1427 m Freska Brancacci koplyčioje, Santa Maria del Carmine bažnyčia, Florencija, Italija.

Masaccio negyveno ilgas gyvenimas. Jis, kaip ir jo tėvas, mirė netikėtai. Būdamas 27 metų.
Tačiau jis turėjo daug pasekėjų. Vėlesnių kartų meistrai nuvyko į Brancacci koplyčią mokytis iš jo freskų.
Taigi Masaccio naujoves perėmė visi didieji Aukštojo Renesanso titanai.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Autoportretas. 1512 m. Karališkoji biblioteka Turine, Italijoje.

Leonardo da Vinci yra vienas iš Renesanso titanų. Kas turėjo didžiulę įtaką tapybos raidai.
Būtent jis pats pakėlė menininko statusą. Jo dėka šios profesijos atstovai nebėra tik amatininkai. Tai dvasios kūrėjai ir aristokratai.
Leonardo padarė proveržį pirmiausia portretų srityje.
Jis tikėjo, kad niekas neturėtų atitraukti nuo pagrindinio įvaizdžio. Žvilgsnis neturėtų klaidžioti nuo vienos detalės prie kitos. Taip atsirado garsieji jo portretai. Lakoniškas. Harmoningas.

Leonardo da Vinci. Ponia su ermine. 1489–1490 m Czertoryski muziejus, Krokuva.

Pagrindinė Leonardo naujovė yra ta, kad jis rado būdą, kaip atvaizdus... atgyti.
Prieš jį portretų personažai atrodė kaip manekenės. Linijos buvo aiškios. Visos detalės kruopščiai nupieštos. Nupieštas piešinys niekaip negalėjo būti gyvas.
Bet tada Leonardo išrado sfumato metodą. Jis užtemdė linijas. Perėjimas nuo šviesos prie šešėlio tapo labai švelnus. Atrodo, kad jo personažus dengia vos pastebima migla. Personažai atgijo.

Leonardo da Vinci. Mona Liza. 1503–1519 m Luvras, Paryžius.

Nuo tada sfumato bus įtrauktas į aktyvų visų didžiųjų ateities menininkų žodyną.
Dažnai yra nuomonė, kad Leonardo, žinoma, yra genijus. Bet jis nežinojo, kaip ką nors užbaigti. O paveikslų dažnai nebaigdavau. Ir daugelis jo projektų liko popieriuje (beje, 24 tomuose). Ir apskritai jis buvo įmestas arba į mediciną, arba į muziką. O vienu metu net domėjausi tarnavimo menu.
Vis dėlto pagalvokite patys. 19 paveikslų. Ir jis yra didžiausias visų laikų menininkas. O kai kurie net neprilygsta didybei. Tuo pačiu metu per savo gyvenimą nutapė 6000 drobių. Akivaizdu, kas turi didesnį efektyvumą.

4. Mikelandželas (1475–1564)

Daniele da Volterra. Mikelandželas (fragmentas). 1544 m. Metropoliteno meno muziejus, Niujorkas.

Mikelandželas save laikė skulptoriumi. Bet jis buvo universalus meistras. Kaip ir kiti jo renesanso kolegos. Todėl jo tapybinis paveldas ne mažiau grandiozinis.
Jį pirmiausia atpažįsta iš fiziškai išsivysčiusių charakterių. Nes jis pavaizdavo tobulą vyrą. Kuriame fizinis grožis reiškia dvasinį grožį.
Štai kodėl visi jo herojai tokie raumeningi ir ištvermingi. Net moterys ir seni žmonės.

Mikelandželas. Freskos „Paskutinis teismas“ fragmentas

Mikelandželas. Paskutinio teismo freskos fragmentai Siksto koplyčioje, Vatikane.
Mikelandželas dažnai tapydavo veikėją nuogą. Ir tada jis pridėjo drabužius ant viršaus. Kad kūnas būtų kuo dailusesnis.
Jis pats nutapė Siksto koplyčios lubas. Nors tai keli šimtai figūrų! Jis net neleido niekam trinti dažų. Taip, jis buvo vienišas. Turintis šaunų ir ginčytiną charakterį. Bet labiausiai jis buvo nepatenkintas... savimi.

Mikelandželas. Freskos „Adomo sutvėrimas“ fragmentas. 1511 m. Siksto koplyčia, Vatikanas.

Mikelandželas gyveno ilgą gyvenimą. Išgyvenęs Renesanso nuosmukį. Jam tai buvo asmeninė tragedija. Vėlesni jo darbai kupini liūdesio ir sielvarto.
Apskritai Mikelandželo kūrybinis kelias yra unikalus. Jo ankstyvieji darbai yra žmogaus herojaus šventė. Laisvas ir drąsus. IN geriausios tradicijos senovės Graikija. Koks jo vardas Davidas?
IN pastaraisiais metais gyvenimas yra tragiški vaizdai. Tyčia grubiai tašytas akmuo. Tarsi žiūrėtume į paminklus XX amžiaus fašizmo aukoms atminti. Pažiūrėkite į jo Pietà.

Mikelandželas. Deividas

Mikelandželas. Pieta Palestrina

Mikelandželo skulptūros akademijoje vaizduojamieji menai Florencijoje. Kairėje: Deividas. 1504 Dešinėje: Palestrinos Pietà. 1555 m
Kaip tai įmanoma? Vienas menininkas per vieną gyvenimą perėjo visus meno etapus nuo Renesanso iki XX a. Ką turėtų daryti kitos kartos? Na, eik savo keliu. Suvokęs, kad kartelė užkelta labai aukštai.

5. Rafaelis (1483–1520)

Rafaelis. Autoportretas. 1506 m. Uffizi galerija, Florencija, Italija.

Rafaelis niekada nebuvo pamirštas. Jo genijus visada buvo pripažintas. Ir per gyvenimą. Ir po mirties.
Jo personažai apdovanoti jausmingu, lyrišku grožiu. Būtent jo madonos teisėtai laikomos gražiausiomis moteriški vaizdai kada nors sukurta. Jų išorinis grožis atspindi herojių dvasinį grožį. Jų nuolankumas. Jų auka.

Rafaelis. Sikstas Madonna. 1513 m. Senųjų meistrų galerija, Drezdenas, Vokietija.

Fiodoras Dostojevskis pasakė garsiuosius žodžius „Grožis išgelbės pasaulį“. Sikstas Madonna. Tai buvo jo mėgstamiausias paveikslas.
Tačiau jausmingi vaizdai nėra vienintelė stiprioji Rafaelio pusė. Jis labai kruopščiai apgalvojo savo paveikslų kompozicijas. Tapybos srityje jis buvo nepralenkiamas architektas. Be to, jis visada rasdavo paprasčiausią ir harmoningiausią erdvės organizavimo sprendimą. Atrodo, kitaip ir būti negali.

Rafaelis. Atėnų mokykla. 1509–1511 m Freska Vatikano Apaštalų rūmų strofoje.

Rafaelis gyveno tik 37 metus. Jis staiga mirė. Nuo peršalimo ir medicininė klaida. Tačiau jo palikimą sunku pervertinti. Daugelis menininkų dievino šį meistrą. Dauginant savo jausmingus vaizdus tūkstančiuose savo drobių.

6. Ticianas (1488-1576).

Ticianas. Autoportretas (fragmentas). 1562 m. Prado muziejus, Madridas.

Ticianas buvo nepralenkiamas koloristas. Jis taip pat daug eksperimentavo su kompozicija. Apskritai jis buvo drąsus ir puikus novatorius.
Visi jį mylėjo už tokį jo talento spindesį. Vadinamas „dailininkų karaliumi ir karalių tapytoju“.
Kalbėdamas apie Ticianą, noriu po kiekvieno sakinio įdėti šauktuką. Juk būtent jis įnešė į tapybą dinamikos. Patosas. entuziazmas. Ryški spalva. Spalvų spindesys.

Ticianas. Marijos žengimas į dangų. 1515–1518 m Santa Maria Gloriosi dei Frari bažnyčia, Venecija.

Gyvenimo pabaigoje jis sukūrė neįprastą rašymo techniką. Potėpiai greiti. Storas. Tešlos. Dažus tepiau arba teptuku, arba pirštais. Dėl to vaizdai dar gyvesni ir kvėpuoja. O siužetai dar dinamiškesni ir dramatiškesni.

Ticianas. Tarkinas ir Lukrecija. 1571 m. Fitzwilliam muziejus, Kembridžas, Anglija.

Ar tai tau nieko neprimena? Žinoma, tai yra Rubenso technika. Ir XIX amžiaus menininkų technika: barbizonai ir impresionistai. Ticianas, kaip ir Mikelandželas, per vieną gyvenimą išgyventų 500 tapybos metų. Štai kodėl jis yra genijus.

***
Renesanso menininkai yra menininkai puikios žinios. Norint palikti tokį palikimą, reikėjo daug žinoti. Istorijos, astrologijos, fizikos ir pan.
Todėl kiekvienas jų vaizdas verčia susimąstyti. Kodėl tai pavaizduota? Kas čia per užšifruotas pranešimas?
Todėl jie beveik niekada nedarė klaidų. Nes jie gerai apgalvojo savo būsimą darbą. Naudojant visas savo žinias.
Jie buvo daugiau nei menininkai. Jie buvo filosofai. Paaiškinti mums pasaulį per tapybą.
Štai kodėl jie mums visada bus labai įdomūs.