अमूर्त कला को कैसे समझें। पेंटिंग स्टाइल: एब्सट्रैक्ट आर्ट। रूस और यूएसएसआर में अमूर्त कला का इतिहास
और मिखाइल-लारियोनोव, जिन्होंने -1912 में "लुचिज़्म" की स्थापना की, एक नए प्रकार की रचनात्मकता के रूप में सर्वोच्चतावाद के निर्माता काज़िमिर-मालेविच, "ब्लैक"स्क्वेयर" के लेखक और एवगेनी-मिखनोव-वोइटेंको, जिनका काम अन्य बातों के अलावा, एक द्वारा प्रतिष्ठित है उनके कार्यों में प्रयुक्त अमूर्त पद्धति की दिशाओं की अभूतपूर्व विस्तृत श्रृंखला (उनमें से कई, "भित्तिचित्र शैली" सहित, कलाकार न केवल घरेलू, बल्कि विदेशी स्वामी के बीच उपयोग करने वाले पहले व्यक्ति थे)।
अमूर्ततावाद से संबंधित एक प्रवृत्ति क्यूबिज़्म है, जो वास्तविक वस्तुओं को कई अन्तर्विभाजक विमानों के साथ चित्रित करने का प्रयास करती है, जो जीवित प्रकृति को पुन: उत्पन्न करने वाले कुछ रेक्टिलिनियर आंकड़ों की छवि बनाती है। क्यूबिज़्म के सबसे उल्लेखनीय उदाहरणों में से एक पाब्लो-पिकासो का प्रारंभिक कार्य था।
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1910-1915 में रूस, पश्चिमी यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में चित्रकारों ने कला के अमूर्त कार्यों का निर्माण शुरू किया; पहले अमूर्तवादियों में, शोधकर्ताओं का नाम वासिली-कैंडिंस्की, काज़िमिर-मालेविच और पीट-मोंड्रियन है। गैर-उद्देश्य कला के जन्म का वर्ष 1910 माना जाता है, जब जर्मनी में, मुर्नौ में, कैंडिंस्की ने अपनी पहली अमूर्त रचना लिखी थी। पहले अमूर्तवादियों की सौंदर्य संबंधी अवधारणाओं ने माना कि कलात्मक रचनात्मकता ब्रह्मांड के नियमों को दर्शाती है, जो वास्तविकता की बाहरी, सतही घटनाओं के पीछे छिपी हुई है। ये पैटर्न, कलाकार द्वारा सहज रूप से समझे गए, एक अमूर्त कार्य में अमूर्त रूपों (रंग धब्बे, रेखाएं, वॉल्यूम, ज्यामितीय आकार) के अनुपात के माध्यम से व्यक्त किए गए थे। 1911 में, म्यूनिख में, कैंडिंस्की ने प्रसिद्ध पुस्तक ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट प्रकाशित की, जिसमें उन्होंने बाहरी, आकस्मिक के विपरीत आंतरिक रूप से आवश्यक, आध्यात्मिक को मूर्त रूप देने की संभावना पर विचार किया। कैंडिंस्की के सार का "तार्किक औचित्य" हेलेना ब्लावात्स्की और रुडोल्फ स्टेनर के थियोसोफिकल और मानवशास्त्रीय कार्यों के अध्ययन पर आधारित था। पीट मोंड्रियन की सौंदर्य अवधारणा में, रूप के प्राथमिक तत्व प्राथमिक विरोध थे: क्षैतिज - ऊर्ध्वाधर, रेखा - समतल, रंग - गैर-रंग। रॉबर्ट-डेलाउने के सिद्धांत में, कैंडिंस्की और मोंड्रियन की अवधारणाओं के विपरीत, आदर्शवादी तत्वमीमांसा को खारिज कर दिया गया था; कलाकार के लिए अमूर्ततावाद का मुख्य कार्य रंग के गतिशील गुणों और कलात्मक भाषा के अन्य गुणों का अध्ययन करना था (डेलाउने द्वारा स्थापित दिशा को ऑर्फ़िज़्म कहा जाता था)। "रेयोनिस्म" के निर्माता मिखाइल लारियोनोव ने "प्रतिबिंबित प्रकाश के विकिरण" को चित्रित किया; रंग धूल।
1910 के दशक की शुरुआत में, अमूर्त कला तेजी से विकसित हुई, 20 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में अवंत-गार्डे कला के कई क्षेत्रों में खुद को प्रकट किया। अमूर्तवाद के विचार अभिव्यक्तिवादियों (वासिली कैंडिंस्की, पॉल क्ली, फ्रांज मार्क), क्यूबिस्ट (फर्नांड लेगर), दादावादी (जीन अर्प), अतियथार्थवादी (जोन मिरो), इतालवी भविष्यवादी (गीनो सेवरिनी, जियाकोमो बल्ला, एनरिको) के कार्यों में परिलक्षित हुए थे। प्राम्पोलिनी), ऑर्फ़िस्ट (रॉबर्ट डेलाउने, फ़्रांटिसेक-कुपका), रूसी सुपरमैटिस्ट्स (काज़िमिर-मालेविच), लुचिस्ट्स (मिखाइल-लारियोनोव और नतालिया-गोंचारोवा) और कंस्ट्रक्टिविस्ट (ह्युबोव-पोपोवा, लज़ार-लिसित्स्की, अलेक्जेंडर-रोडचेंको, वरवारा-स्टेपा) डौसबर्ग, बार्टवेनडर-लेक), कई यूरोपीय मूर्तिकार (अलेक्जेंडर, आर्किपेंको, कॉन्स्टेंटिन, ब्रांकुसी, अम्बर्टो, बोकोनी, एंटोनी, पेवसनर, नौम-गाबो, लास्ज़लो, मोहोली-नागी, व्लादिमीर-टाटलिन)। अमूर्तवाद के उद्भव के तुरंत बाद, इस कला के विकास में दो मुख्य दिशाओं की पहचान की गई: ज्यामितीय अमूर्ततानियमित ज्यामितीय आकृतियों और स्थिर, "पर्याप्त" राज्यों (मोंड्रियन, मालेविच) की ओर गुरुत्वाकर्षण, और मुक्त रूपों, गतिशील प्रक्रियाओं को प्राथमिकता देना गेय अमूर्त(कैंडिंस्की, कुप्का)। अमूर्त कलाकारों ("सर्कल एंड स्क्वायर", "एब्स्ट्रक्शन-क्रिएटिविटी") के पहले अंतर्राष्ट्रीय संघों का गठन 1920 के दशक की शुरुआत में - 1930 के दशक की शुरुआत में पेरिस में हुआ था।
अमूर्तवादियों के सौंदर्य कार्यक्रमों की विशेषता सार्वभौमिकता थी; अमूर्त कला को विश्व व्यवस्था के एक सार्वभौमिक मॉडल के रूप में प्रस्तुत किया गया था, जिसमें पर्यावरण की संरचना और समाज की संरचना दोनों शामिल हैं। सचित्र भाषा के प्राथमिक तत्वों के साथ काम करते हुए, अमूर्तवादियों ने सामान्य संरचना सिद्धांतों, आकार देने के नियमों की ओर रुख किया। यह आश्चर्य की बात नहीं है कि अमूर्तवादियों ने औद्योगिक कला, कलात्मक डिजाइन और वास्तुकला (नीदरलैंड में स्टाइल समूह की गतिविधियां और जर्मनी में बौउउस स्कूल में गैर-चित्रकारी रूपों के लिए उपयोग पाया; वीखुटेमास में कैंडिंस्की का काम; मालेविच के आर्किटेक्टन और डिजाइन प्रोजेक्ट; अलेक्जेंडर काल्डर के "मोबाइल"; व्लादिमीर टैटलिन के डिजाइन, नहूम गाबो और एंटोनी पेवस्नर द्वारा काम करता है)। अमूर्तवादियों की गतिविधि ने आधुनिक वास्तुकला, कला और शिल्प और डिजाइन के निर्माण में योगदान दिया।
1940 के दशक के उत्तरार्ध में, संयुक्त राज्य अमेरिका में अमूर्त अभिव्यक्तिवाद विकसित हुआ, जो गेय अमूर्तवाद के आधार पर बनाया गया था। अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के प्रतिनिधि (पोलॉक, मार्क टोबे, विलेम डी कूनिंग, मार्क रोथको, अर्शील गोर्की, फ्रांज क्लाइन) ने अपनी विधि "बेहोशी" और रचनात्मकता के स्वचालितवाद, अप्रत्याशित प्रभाव ("एक्शन पेंटिंग") की घोषणा की। उनकी सौंदर्य संबंधी अवधारणाओं में, अब एक आदर्शवादी तत्वमीमांसा नहीं थी, और एक गैर-उद्देश्य रचना कभी-कभी वास्तविकता के साथ जुड़ाव को छोड़कर, एक आत्मनिर्भर वस्तु बन जाती थी। अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का यूरोपीय एनालॉग टैचिस्मो था, जिसके प्रमुख प्रतिनिधि हंस हार्टुंग, पियरे सोलेज, वोल्सा, जॉर्जेस मैथ्यू थे। कलाकारों ने रंगों और बनावट के अप्रत्याशित, गैर-मानक संयोजनों का उपयोग करने की मांग की, मूर्तिकारों (एडुआर्डो चिलीडा, सीमोर लिप्टन और अन्य) ने विचित्र रचनाएं बनाईं और प्रसंस्करण सामग्री के असामान्य तरीकों का इस्तेमाल किया।
1 9 60 के दशक में, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की गिरावट के साथ, अमूर्तवाद में एक ध्यान देने योग्य प्रवृत्ति फ्लैट और स्थानिक वस्तुओं की धारणा के ऑप्टिकल भ्रम का उपयोग करते हुए, ज्यामितीय अमूर्त ऑप-आर्ट के सिद्धांतों को विकसित कर रही थी। ज्यामितीय अमूर्तता के विकास में एक और दिशा गतिज कला थी, जो पूरे काम या उसके व्यक्तिगत घटकों (अलेक्जेंडर काल्डर, जीन टिंगुएली, निकोलस शॉफ़र, जीसस सोटो, टैक्सी) के वास्तविक आंदोलन के प्रभावों के साथ खेलती है। उसी समय, संयुक्त राज्य अमेरिका में पोस्ट-पेंटरली एब्स्ट्रैक्शन उत्पन्न हुआ, जिसके सिद्धांत सचित्र रूपों की कमी और अंतिम सरलीकरण थे; ज्यामितीय अमूर्तता से नियमित ज्यामितीय रूपों को विरासत में मिला है, चित्र-पश्चात अमूर्त दौरों से, उन्हें "नरम" करता है। इस प्रवृत्ति के उल्लेखनीय प्रतिनिधि फ्रैंक-स्टेला, एल्सवर्थ-केली, केनेथ-नोलैंड हैं। न्यूनतमवाद, जो 1960 और 1970 के दशक में बना था, मूर्तिकला में ज्यामितीय अमूर्तता की अंतिम अभिव्यक्ति बन गया।
रूस और यूएसएसआर में अमूर्त कला का इतिहास
1900-1949
20 वीं शताब्दी की शुरुआत में कलाकार कैंडिंस्की और मालेविच ने अमूर्तवाद के सिद्धांत और व्यवहार के विकास में महत्वपूर्ण योगदान दिया।
1920 के दशक में, सभी अवंत-गार्डे प्रवृत्तियों के तेजी से विकास के दौरान, अमूर्त कला ने अपनी कक्षा में क्यूबो-फ्यूचरिस्ट, गैर-उद्देश्य, रचनावादी, सर्वोच्चतावादी: एलेक्जेंड्रा एक्सटर और हुसोव पोपोवा, अलेक्जेंडर रोडचेंको और वरवारा स्टेपानोवा, जॉर्जी स्टेनबर्ग और मिखाइल मत्युशिन को शामिल किया। , निकोलाई सुएटिन और इल्या चाशनिक। गैर-आलंकारिक कला की भाषा एक नए, आधुनिक प्लास्टिक रूप, चित्रफलक, कला और शिल्प या स्मारक की संस्कृति के आधार पर थी, और आगे फलदायी और आशाजनक विकास के लिए हर अवसर था। लेकिन अवांट-गार्डे आंदोलन के आंतरिक अंतर्विरोधों ने, जो 1930 के दशक की शुरुआत में वैचारिक आधिकारिकता के दबाव से तेज हुए, इसके नेताओं को अन्य रचनात्मक तरीकों की तलाश करने के लिए मजबूर किया। लोकप्रिय विरोधी, आदर्शवादी अमूर्त कला को अब अस्तित्व का अधिकार नहीं था।
नाजियों के सत्ता में आने के साथ, जर्मनी और इटली से अमूर्तवाद के केंद्र अमेरिका चले गए, क्योंकि अमूर्तवाद की अवधारणा को फासीवाद के विचारकों के बीच समर्थन नहीं मिला। 1937 में, न्यूयॉर्क में गैर-उद्देश्यपूर्ण पेंटिंग का एक संग्रहालय बनाया गया था, जिसकी स्थापना करोड़पति गुगेनहाइम के परिवार द्वारा की गई थी, 1939 में - रॉकफेलर की कीमत पर बनाया गया आधुनिक कला संग्रहालय। द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान और उसके अंत के बाद, सामान्य तौर पर, कला जगत की सभी अति-वामपंथी ताकतें अमेरिका में एकत्रित हुईं।
युद्ध के बाद के अमेरिका में, "न्यूयॉर्क का स्कूल" ताकत हासिल कर रहा था, जिसके सदस्य अमूर्त अभिव्यक्तिवाद जैक्सन पोलक, मार्क रोथको, बार्नेट न्यूमैन, एडॉल्फ गोटलिब के निर्माता थे। 1959 की गर्मियों में, युवा कलाकारों ने मॉस्को में सोकोलनिकी पार्क में अमेरिकी राष्ट्रीय कला की एक प्रदर्शनी में अपने काम देखे। इस घटना से दो साल पहले, समकालीन विश्व कला को युवा और छात्रों के विश्व महोत्सव के हिस्से के रूप में एक कला प्रदर्शनी में प्रस्तुत किया गया था। सूचना की सफलता आध्यात्मिक और सामाजिक स्वतंत्रता का प्रतीक बन गई है [ ]. सार कला अब एक अलग विश्वदृष्टि के साथ, खूनी शासन के अधिनायकवादी उत्पीड़न से आंतरिक मुक्ति से जुड़ी हुई थी [ ]. वास्तविक कलात्मक भाषा की समस्याएं, नया प्लास्टिक रूप सामाजिक-राजनीतिक प्रक्रियाओं से अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। "पिघलना" के युग का अर्थ था अमूर्त कला और शक्ति के बीच संबंधों की एक विशेष प्रणाली। सोवियत अमूर्तवाद के विकास में एक नया चरण शुरू हुआ - 1950-1970 का दशक।
युवा सोवियत कलाकारों के लिए, अकादमिक प्रणाली की परंपराओं और दुनिया की भौतिकवादी दृष्टि में लाया गया, अमूर्तता की खोज का मतलब व्यक्तिगत व्यक्तिपरक अनुभव को पुन: उत्पन्न करने की संभावना थी। अमेरिकी शोधकर्ताओं ने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद को "राजनीतिक, सौंदर्यवादी, नैतिक मूल्यों से मुक्ति का एक संकेत" के रूप में वर्णित किया है [ ]. यूएसएसआर में युवा चित्रकारों ने भी इसी तरह की भावनाओं का अनुभव किया, जिन्होंने समकालीन कला को उनके लिए अपरिचित समझा और साथ ही अधिकारियों या उनके विरोध के साथ सह-अस्तित्व के अपने रूपों का निर्माण किया। भूमिगत पैदा हुआ था, और अनौपचारिक कलाकारों के बीच, अमूर्त कला की अपील आम तौर पर स्वीकार की गई और व्यापक थी।
इन वर्षों के दौरान, कई चित्रकारों ने गैर-वस्तुनिष्ठ कला की भाषा की आवश्यकता महसूस की। औपचारिक शब्दावली में महारत हासिल करने की आवश्यकता अक्सर न केवल सहज रचनात्मकता में विसर्जन के साथ जुड़ी होती है, बल्कि विचारशील सैद्धांतिक ग्रंथों की रचना के साथ भी जुड़ी होती है। जैसा कि सदी की शुरुआत में, इन चित्रकारों के लिए, अमूर्त का अर्थ अर्थ के विभिन्न स्तरों की अस्वीकृति नहीं था। आधुनिक यूरोपीय और अमेरिकी अमूर्त कला आदिम पौराणिक चेतना, फ्रायडियनवाद, अस्तित्ववाद की शुरुआत, पूर्वी दर्शन - ज़ेन के अध्ययन जैसी मूलभूत परतों पर निर्भर थी। ]. लेकिन सोवियत वास्तविकता की स्थितियों में, अमूर्त कलाकार हमेशा प्राथमिक स्रोतों से पूरी तरह और गहराई से परिचित नहीं हो पाते थे, उन्होंने सहज रूप से उन समस्याओं के उत्तर ढूंढे जो उन्हें चिंतित करते थे [ ] और, केवल पश्चिमी मॉडलों की नकल करने के आरोपों को खारिज करते हुए, उन्होंने अपनी पेशेवर प्रतिष्ठा को गंभीरता से लिया [ ] .
1950-1970
रूस के सांस्कृतिक स्थान में अमूर्त कला की वापसी केवल राजनीतिक माहौल में बदलाव या पश्चिम की कलात्मक घटनाओं की नकल का परिणाम नहीं थी। "कला के आत्म-विकास" के नियम "कला के लिए महत्वपूर्ण" रूपों को रेखांकित करते हैं। कला के पुनर्वैयक्तिकरण की एक प्रक्रिया थी। दुनिया की अलग-अलग तस्वीरें बनाना संभव हो गया। ” [ ] बाद वाले ने राज्य स्तर पर एक शक्तिशाली नकारात्मक प्रतिक्रिया का कारण बना, कई वर्षों तक अमूर्तवाद को "एक अत्यंत औपचारिक दिशा, सच्चाई, विचारधारा और राष्ट्रीयता के लिए विदेशी" के रूप में मानने के आदी [ ], और अमूर्तवादियों द्वारा बनाई गई रचनाएँ, जैसे: "अमूर्त ज्यामितीय आकृतियों, अराजक धब्बों और रेखाओं का एक अर्थहीन संयोजन।" [ ]
लगभग तीस वर्षों के लिए (1950 के दशक के अंत से 1988 तक) एवगेनी मिखनोव-वोइटेंको ने अमूर्त कला की अपनी शैली विकसित की, इस्तेमाल की जाने वाली विधियों की श्रेणी में एक अद्वितीय मास्टर। पेंटिंग और कला और शिल्प के क्षेत्र में उनके काम की विभिन्न अवधियों को कई प्रयोगों द्वारा चिह्नित किया गया है; कलाकार की विरासत में ग्राफिक्स, मिश्रित मीडिया में बनाई गई पेंटिंग, नाइट्रो तामचीनी, पेस्टल, सॉस, तेल, गौचे, तड़का, साथ ही लकड़ी, धातु, कांच, फोम से बने काम शामिल हैं।
प्रथम [ ] "थॉ" अवधि का एक अनौपचारिक कलात्मक संघ, जिसने अमूर्त कला के सिद्धांतों को विकसित किया, वह न्यू रियलिटी स्टूडियो था, जो ईएम बेल्युटिन के आसपास इकट्ठा हुआ था। प्रारंभ में, स्टूडियो ग्राफिक कलाकारों की सिटी कमेटी में पुनश्चर्या पाठ्यक्रम के रूप में कार्य करता था। 20वीं कांग्रेस द्वारा निर्धारित सामान्य उदारीकरण की दिशा ने रचनात्मकता और कलात्मक गतिविधियों की स्वतंत्रता की संभावनाओं को खोल दिया। हालांकि, मानेगे में 1962 की प्रदर्शनी, न्यू रियलिटी कलाकारों की कला पार्टी की कठोर आलोचना और अमूर्तवाद के खिलाफ अभियान ने कलाकारों को भूमिगत होने के लिए मजबूर किया। अगले 30 वर्षों तक, स्टूडियो ने बेल्युटिन के घर में अब्रामत्सेवो में कार्यशालाओं में लगातार काम किया।
गैर-आलंकारिक प्रतिनिधित्व के सिद्धांतों को विकसित करने में, स्टूडियो के कलाकारों ने सदी की शुरुआत के रूसी अवांट-गार्डे कलाकारों के अनुभव और समकालीन पश्चिमी कलाकारों दोनों पर भरोसा किया। "नई वास्तविकता" की एक विशेषता सामूहिक कार्य पर ध्यान केंद्रित करना था, जिसे 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के भविष्यवादियों ने चाहा था। "नई वास्तविकता" ने मास्को के कलाकारों को एक साथ लाया, जिन्होंने अमूर्तता के निर्माण की विधि पर अलग-अलग विचार रखे। कलाकार ल्युट्सियन-ग्रिबकोव और तमारा-टेर-घेवोंडियन ने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के सबसे करीब की शैली में काम किया। अपने कार्यों में वास्तविक रूपों के तत्वों को संरक्षित करते हुए, उन्होंने दृश्य-प्लास्टिक चालों के माध्यम से भावनात्मक अवस्थाओं को व्यक्त करने के लिए श्रेणियां विकसित कीं। Vera Preobrazhenskaya, जो लंबे समय तक स्टूडियो के प्रमुख थे और स्कूल के सिद्धांत और कार्यप्रणाली को तय करते थे, अभिव्यक्तिवाद से ऑप-आर्ट सौंदर्यशास्त्र के माध्यम से ज्यामितीय अमूर्तता तक एक लंबा सफर तय किया। एली बेल्युटिन के साथ, प्रीब्राज़ेन्स्काया "साइको-ग्रैन्यूल्स" मॉड्यूल के विकास में लगा हुआ था, ऐसे प्रतीक जो स्पष्ट रंग-प्लास्टिक समाधानों की मदद से ठोस अवस्थाओं और अमूर्त अवधारणाओं को व्यक्त करेंगे। वेरा प्रीओब्राज़ेंस्काया ने कहा: "मेरे चित्रों में, भगवान लगभग हमेशा एक काला वर्ग होता है" [ ]. स्टूडियो के सदस्यों के साथ काम करने की प्रक्रिया में, एली बेल्युटिन ने "सार्वभौमिक संपर्क" के सिद्धांत का गठन किया, जिसमें उन्होंने कलाकार की रचनात्मक क्षमता को विकसित करने के सिद्धांतों को व्यक्त किया।
"नई वास्तविकता" के कलाकार खुद को वारिस मानते थे, सबसे पहले, वासिली-कैंडिंस्की की कला का। रूसी अमूर्तता के पूर्वज ने प्लास्टिक कला के माध्यम से आध्यात्मिक दुनिया को चित्रित करने पर ध्यान केंद्रित किया। उनकी कलात्मक खोजों को सदी के मध्य के यूरोपीय अमूर्त कलाकारों की उपलब्धियों से समृद्ध किया गया, जिन्होंने आंशिक रूप से ऑप्टिकल भ्रम या बुत की एक नई गुणवत्ता में अपने कार्यों के लिए आलंकारिक रूप से वापसी की।
कैंडिंस्की ने कहा कि: "जानबूझकर या अनजाने में, कलाकार तेजी से अपनी सामग्री की ओर मुड़ रहे हैं, इसका परीक्षण कर रहे हैं, आध्यात्मिक पैमानों पर उन तत्वों का आंतरिक मूल्य तौल रहे हैं जिनसे कला का निर्माण किया जाना चाहिए" [ ]. सदी की शुरुआत में जो कहा गया था वह चित्रकारों की अगली पीढ़ियों के लिए फिर से प्रासंगिक हो गया। 1950 के दशक के उत्तरार्ध में, निकोलस शॉफ़र द्वारा "इलेक्ट्रॉनिक मस्तिष्क" - "Cysp I" से सुसज्जित एक अमूर्त मूर्तिकला दिखाई दी। अलेक्जेंडर काल्डर अपने "अस्थिर" बनाता है। अमूर्तवाद के पृथक क्षेत्रों में से एक है - ऑप-आर्ट। उसी समय, इंग्लैंड और संयुक्त राज्य अमेरिका में लगभग एक साथ, बड़े पैमाने पर उत्पादों, तस्वीरों, प्रतिकृतियों और नई पॉप कला शैली की इसी तरह की वस्तुओं के लिए लेबल का उपयोग करते हुए, पहला कोलाज दिखाई दिया।
1960 के दशक के मोड़ का मॉस्को अमूर्त, "रचनात्मक रोशनी" की आंतरिक स्थिति के अनुरूप एक नए आकार की खोज में, एक तरह का ध्यान, गैर-उद्देश्य की संस्कृति की अपनी समझ के ठोस उदाहरण देता है। उदाहरण के लिए, व्लादिमीर नेमुखिन, लिडिया मास्टरकोवा, मिखाइल कुलकोव के कार्यों में, जो निश्चित रूप से अमूर्त अभिव्यक्तिवाद से दूर हैं, जिसे वे उच्च आध्यात्मिक तनाव से भरने में कामयाब रहे। 1950 के दशक के उत्तरार्ध में बनाई गई व्यापक सिग्नल श्रृंखला के लेखक यूरी ज़्लॉटनिकोव द्वारा उनके विश्लेषणात्मक और व्यावहारिक कार्यों में एक अलग प्रकार की अमूर्त सोच का सबसे लगातार प्रदर्शन किया गया था। कलाकार के अनुसार: "गतिशीलता, लय, ज्यामितीय अमूर्तता में उच्चारित", ने उन्हें विश्लेषण करने के लिए प्रेरित किया: "कला में निहित गतिशील विचार", और आगे: "मानव मोटर प्रतिक्रियाओं के अध्ययन के लिए" [ ]. "सिग्नल" में कलाकार ने रंग प्रतीकों के लिए सहज मनोवैज्ञानिक प्रतिक्रियाओं की "प्रतिक्रिया" की खोज की।
रूसी अमूर्तता के विकास में अगला चरण 1970 के दशक में शुरू होता है। यह समकालीन कलाकारों के लिए मालेविच के काम से परिचित होने का समय है, सर्वोच्चतावाद और रचनावाद के साथ, रूसी अवंत-गार्डे की परंपराओं, इसके सिद्धांत और व्यवहार के साथ। मालेविच के "प्राथमिक तत्वों" ने ज्यामितीय रूप, रैखिक संकेतों और प्लास्टिक संरचनाओं में एक स्थिर रुचि पैदा की। "ज्यामितीय" अमूर्तता ने उन समस्याओं के करीब जाना संभव बना दिया जो 1920 के दशक के उस्तादों को चिंतित करती थीं, शास्त्रीय अवंत-गार्डे के साथ निरंतरता और आध्यात्मिक संबंध को महसूस करने के लिए। समकालीन लेखकों ने रूसी दार्शनिकों और धर्मशास्त्रियों, धर्मशास्त्रियों और मनीषियों के कार्यों की खोज की है, अटूट बौद्धिक स्रोतों तक पहुँच प्राप्त की है, जिसने बदले में, मिखाइल श्वार्ट्समैन, वालेरी युरलोव और एडुआर्ड स्टाइनबर्ग के काम को नए अर्थ से भर दिया है।
ज्यामितीय अमूर्तता ने कलाकारों के काम के तरीकों का आधार बनाया जो 1960 के दशक की शुरुआत में आंदोलन समूह में एकजुट हुए। इसके सदस्यों में लेव नुसबर्ग, व्याचेस्लाव कोलीचुक, फ्रांसिस्को इन्फैंटे थे। उत्तरार्द्ध विशेष रूप से सर्वोच्चता से मोहित था। "डायनामिक स्पिरल्स" में इन्फैंट ने अंतरिक्ष में एक अनंत सर्पिल के मॉडल का अध्ययन किया, ध्यान से विश्लेषण किया: "गैर-मौजूद प्लास्टिक की स्थिति।"
1970 के दशक में अमेरिकी पेंटिंग आलंकारिकता पर लौटता है। यह माना जाता है कि 1970 का दशक है: "अमेरिकी चित्रकला के लिए सच्चाई का क्षण, जो यूरोपीय परंपरा से मुक्त है जिसने इसे पोषित किया और विशुद्ध रूप से अमेरिकी बन गया।" [ ]
1980 के दशक के मध्य को रूस में अमूर्तता के विकास में अगले चरण के पूरा होने के रूप में माना जा सकता है, जो उस समय तक न केवल रचनात्मक प्रयासों, सार्थक दार्शनिक समस्याओं में विशाल अनुभव जमा कर चुका था, बल्कि अमूर्त सोच की मांग के बारे में भी आश्वस्त था।
1990 के दशक ने गैर-उद्देश्य कला के विशेष "रूसी तरीके" की पुष्टि की। विश्व संस्कृति के विकास के दृष्टिकोण से, शैलीगत दिशा के रूप में अमूर्तवाद 1958 में समाप्त हुआ। हालाँकि, में: "पोस्ट-पेरेस्त्रोइका रूसी समाज को अब केवल अमूर्त कला के साथ समान संचार की आवश्यकता है, अर्थहीन धब्बे नहीं, बल्कि प्लास्टिक के खेल की सुंदरता, इसकी लय, उनके अर्थ को भेदने की इच्छा है। अंत में, सचित्र सिम्फनी की ध्वनि सुनें। [ ] कलाकारों को न केवल शास्त्रीय रूपों - सर्वोच्चता या अमूर्त अभिव्यक्तिवाद को व्यक्त करने का अवसर मिला, बल्कि गीतात्मक और ज्यामितीय अमूर्तता, अतिसूक्ष्मवाद, मूर्तिकला, वस्तु, हाथ से बनाई गई लेखक की पुस्तक, कागज के द्रव्यमान में, स्वयं मास्टर द्वारा डाली गई।
पेंटिंग में आधुनिक अमूर्त कला
अमूर्तता की आधुनिक भाषा का एक महत्वपूर्ण घटक सफेद हो गया है। मरीना कस्तलस्काया, एंड्री क्रासुलिन, वालेरी ओर्लोव, लियोनिद पेलेख के लिए, सफेद रंग का स्थान - रंग का उच्चतम तनाव आम तौर पर अंतहीन भिन्न संभावनाओं से भरा होता है जो प्रकाश प्रतिबिंब के आध्यात्मिक और ऑप्टिकल कानूनों के बारे में आध्यात्मिक विचारों का उपयोग करने की अनुमति देता है।
एक वैचारिक श्रेणी के रूप में अंतरिक्ष के समकालीन कला में अलग-अलग अर्थ हैं। उदाहरण के लिए, एक चिन्ह का स्थान होता है, एक प्रतीक जो पुरातन चेतना की गहराई से उभरा, कभी-कभी एक चित्रलिपि जैसी संरचना में परिवर्तित हो जाता है। प्राचीन पांडुलिपियों का एक स्थान है, जिसकी छवि वैलेंटाइन गेरासिमेंको की रचनाओं में एक प्रकार की पालिम्पेस्ट बन गई है।
1997. - 416 पी।
- रूस में अमूर्तता: XX सदी: राज्य रूसी संग्रहालय। पंचांग। नंबर 17 / रूसी और अंग्रेजी में; ईडी। एवगेनिया-पेट्रोवा। - राज्य रूसी संग्रहालय, पैलेस संस्करण, 2001. - 814 पी। - आईएसबीएन 5-93332-070-6, 3-935298-50-1।
- वक्रीय
- रंग या प्रकाश के आधार पर
- ज्यामितिक
- भावनात्मक या सहज
- हावभाव
- minimalist
- ग्लीब बोगोमोलोव, गैर-आलंकारिक, "अमूर्त" कला - जो पेशेवरों और गंभीर दर्शकों के लिए अच्छी तरह से जानी जाती है - आंशिक रूप से एक मिथक है। कोई भी कलाकार केवल वास्तविकता को चित्रित करता है। हालाँकि, वास्तविकता और वास्तविकता है।… श्रेणी:
एब्सट्रैक्ट आर्ट को इसका नाम लैटिन से मिला - एब्सट्रैक्टस, जिसका अर्थ है अमूर्त, अर्थात गैर-उद्देश्य। यह कला के क्षेत्रों में से एक है, जो होशपूर्वक वास्तविक दुनिया की छवि को त्यागता हैऔर वास्तविक दुनिया से आइटम। अमूर्तता का मुख्य सिद्धांत छवियों, प्रतीकों, रंगों के एक कामुक संयोजन की मदद से भावनाओं, भावनाओं, अनुभवों की अभिव्यक्ति है। अमूर्त कला एक अलग शैली या शैली नहीं है, बल्कि विभिन्न कला आंदोलनों का एक संयोजन है, जैसे कि ओप आर्ट, अभिव्यक्तिवाद और अन्य। यह संभवतः 1910 में फ्रांस में एक अधिकारी के रूप में उभरा, जहां इसने पूरी दुनिया पर विजय प्राप्त करने तक जोरदार विकास किया। साथ ही, यह कहने योग्य है कि यह न केवल पेंटिंग पर लागू होता है, बल्कि मूर्तिकला, डिजाइन और यहां तक कि वास्तुकला पर भी लागू होता है। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, कला की यह शैली टैचिस्म के नाम से विकसित हुई, इसलिए जो लोग नहीं जानते हैं, उनके लिए टैचिस्म और एब्सट्रैक्ट आर्ट पर्यायवाची हैं। रूस में, अमूर्त कला के विकास को हर संभव तरीके से बाधित किया गया था और कम्युनिस्ट शासन के दौरान भी, इसकी किसी भी अभिव्यक्ति को कम्युनिस्ट विचारधारा के लिए अनुपयुक्त माना गया था।
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अमूर्त अभिव्यंजनावाद
सार अभिव्यक्तिवाद न्यूयॉर्क स्कूल के रूप में अमेरिका में विकसित हुआ। द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान, आंद्रे ब्रेटन, सल्वाडोर डाली और कई अन्य सहित लगभग सभी अवंत-गार्डे कलाकार अमेरिका चले गए। वहाँ पहले से ही, उनके प्रयासों को मिलाकर, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के तथाकथित स्कूल का निर्माण किया जा रहा है। इस तरह की पेंटिंग एक तेज छवि द्वारा विशेषता, बड़े ब्रश का उपयोग करते हुए, अक्सर यह स्ट्रोक या बूंदों के साथ किया जाता है, यह सब एक चीज के लिए किया जाता है - किसी तरह की भावना या मजबूत अभिव्यक्ति को व्यक्त करने के लिए। मूल रूप से, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद बड़े, स्मारकीय कैनवस पर खींचा जाता है। इतना ठोस दायरा, और कुछ कैनवस पांच मीटर लंबाई तक पहुंच गए, दर्शकों की कल्पना को उत्तेजित करते हैं। कई कलाकारों ने इस तरह की कला को अपने तरीके से देखा, प्रत्येक की अपनी शैली थी। उदाहरण के लिए, गोर्की ने अपने चित्रों में कुछ तैरती हुई आकृतियाँ या, जैसा कि उन्हें संकर कहा जाता था, जोड़ा। जैक्सन पोलक ने बस कैनवास को फर्श पर फैलाया और उस पर पेंट का छिड़काव किया। बाद में, इस शैली को ड्रिपिंग (टपकना) कहा गया। मार्क रोथको ने अपने कैनवस पर बड़े रंगीन विमानों के साथ चित्रित किया, उनके बीच अप्रकाशित क्षेत्रों को छोड़कर, जिसने दर्शकों की रुचि जगाई और कल्पना को जगाया। फ्रैंक स्टेला ने स्वयं कैनवस के साथ प्रयोग किया, कोनों को काटकर या उन्हें बहुभुज में बदल दिया। इस प्रकार, सार अभिव्यक्तिवादियों ने अपनी कला और पारंपरिक चित्रकला की कला के बिल्कुल विपरीत हासिल किया।
कला में अमूर्तवाद
अमूर्त कला या गैर-उद्देश्य कला। अवंत-गार्डे के रूपों में से एक जो 20 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में उत्पन्न हुआ। अमूर्तवाद की मुख्य कसौटी वास्तविक दुनिया, वास्तविक चीजों और घटनाओं की छवि का त्याग और अस्वीकृति थी। इस दिलचस्प प्रवृत्ति के संस्थापक वी। कैंडिंस्की, पी। मोंड्रियन और के। मालेविच थे। कला में अमूर्ततावाद की उपस्थिति, जो सामान्य यथार्थवाद को बदलने के लिए आएगी, प्लेटो द्वारा भविष्यवाणी की गई थी, और उबाऊ साधारण पेंटिंग और अन्य अवंत-गार्डे (अतियथार्थवाद, दादावाद) के एक निश्चित पैटर्न के रूप में दिखाई दी। और ऐसा हुआ भी। इस शैली को अक्सर मजबूत आवेग द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, जैसे कि यादृच्छिक रंग संयोजन।
सब कुछ अलमारियों पर रखना, हर चीज के लिए जगह ढूंढना और एक नाम देना मानव स्वभाव है। कला में ऐसा करना विशेष रूप से कठिन हो सकता है, जहां प्रतिभा ऐसी श्रेणी है कि यह किसी व्यक्ति या पूरे आंदोलन को सामान्य आदेशित कैटलॉग के सेल में निचोड़ने की अनुमति नहीं देती है। अमूर्तवाद ऐसी ही एक अवधारणा है। इस पर एक सदी से अधिक समय से बहस चल रही है।
सार - व्याकुलता, अलगाव
चित्रकला के अभिव्यंजक साधन रेखा, रूप, रंग हैं। यदि आप उन्हें अनावश्यक मूल्यों, संदर्भों और संघों से अलग करते हैं, तो वे आदर्श, निरपेक्ष हो जाते हैं। यहां तक कि प्लेटो ने भी सीधी रेखाओं और ज्यामितीय आकृतियों की सही, सही सुंदरता के बारे में बताया। वास्तविक वस्तुओं के साथ जो चित्रित किया गया है, उसकी सादृश्यता की अनुपस्थिति किसी अन्य अज्ञात, साधारण चेतना के लिए दुर्गम के दर्शक पर प्रभाव का मार्ग खोलती है। चित्र का कलात्मक मूल्य उसके द्वारा दर्शाए गए महत्व से अधिक होना चाहिए, क्योंकि प्रतिभाशाली पेंटिंग एक नई संवेदी दुनिया को जन्म देती है।
इस प्रकार सुधारकों ने तर्क दिया। उनके लिए, अमूर्तवाद उन तरीकों को खोजने का एक तरीका है जो सत्ता से पहले कभी नहीं देखे गए।
नई सदी - नई कला
कला समीक्षकों का तर्क है कि अमूर्तवाद क्या है। कला इतिहासकार अमूर्त पेंटिंग के इतिहास में अंतराल को भरते हुए, उत्साह के साथ अपनी बात का बचाव करते हैं। लेकिन बहुमत उनके जन्म के समय से सहमत था: 1910 में म्यूनिख में, वासिली कैंडिंस्की (1866-1944) ने अपना काम "अनटाइटल्ड" प्रदर्शित किया। (पहला अमूर्त जल रंग)।"
जल्द ही कैंडिंस्की ने अपनी पुस्तक "ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट" में एक नई प्रवृत्ति के दर्शन की घोषणा की।
मुख्य बात छाप है
किसी को यह नहीं सोचना चाहिए कि पेंटिंग में अमूर्तता खरोंच से पैदा हुई है। प्रभाववादियों ने चित्रकला में रंग और प्रकाश का एक नया अर्थ दिखाया। इसी समय, रैखिक परिप्रेक्ष्य की भूमिका, अनुपातों का सटीक पालन, आदि कम महत्वपूर्ण हो गए हैं। उस समय के सभी प्रमुख आचार्य इस शैली के प्रभाव में आ गए।
जेम्स व्हिस्लर (1834-1903), उनके "निशाचर" और "सिम्फनीज़" के परिदृश्य आश्चर्यजनक रूप से अमूर्त अभिव्यक्तिवादी चित्रकारों की उत्कृष्ट कृतियों की याद दिलाते हैं। वैसे, व्हिस्लर और कैंडिंस्की के पास सिन्थेसिया था - एक निश्चित संपत्ति की ध्वनि के साथ रंगों को समाप्त करने की क्षमता। और उनके काम के रंग संगीत की तरह लगते हैं।
पॉल सेज़ेन (1839-1906) के कार्यों में, विशेष रूप से उनके काम की देर की अवधि में, एक विशेष प्रकार की अभिव्यक्ति प्राप्त करते हुए, वस्तु के रूप को संशोधित किया जाता है। कोई आश्चर्य नहीं कि सीज़ेन को क्यूबिज़्म का अग्रदूत कहा जाता है।
सामान्य आगे आंदोलन
सभ्यता की सामान्य प्रगति के क्रम में कला में अमूर्ततावाद ने एक ही प्रवृत्ति में आकार लिया। दर्शन और मनोविज्ञान में नए सिद्धांतों से बुद्धिजीवियों का वातावरण उत्साहित था, कलाकार आध्यात्मिक दुनिया और सामग्री, व्यक्तित्व और अंतरिक्ष के बीच संबंध तलाश रहे थे। तो, कैंडिंस्की, अमूर्तता के सिद्धांत के लिए अपने औचित्य में, हेलेना ब्लावात्स्की (1831-1891) की थियोसोफिकल पुस्तकों में व्यक्त विचारों पर निर्भर करता है।
भौतिकी, रसायन विज्ञान और जीव विज्ञान में मौलिक खोजों ने दुनिया के बारे में, प्रकृति पर मानव प्रभाव की शक्ति के बारे में विचारों को बदल दिया है। तकनीकी प्रगति ने पृथ्वी के पैमाने, ब्रह्मांड के पैमाने को कम कर दिया।
फोटोग्राफी के तेजी से विकास के साथ, कई कलाकारों ने इसे एक वृत्तचित्र समारोह देने का फैसला किया। उन्होंने तर्क दिया: पेंटिंग का व्यवसाय नकल करना नहीं है, बल्कि एक नई वास्तविकता बनाना है।
अमूर्तवाद एक क्रांति है। और संवेदनशील मानसिक प्रवृत्ति वाले प्रतिभाशाली लोगों को लगा कि सामाजिक परिवर्तन का समय आ रहा है। वे गलत नहीं थे। बीसवीं सदी पूरी सभ्यता के जीवन में अभूतपूर्व उथल-पुथल के साथ शुरू हुई और जारी रही।
संस्थापक पिता
कैंडिंस्की के साथ, काज़िमिर मालेविच (1879-1935) और डचमैन पीट मोंड्रियन (1872-1944) नए चलन के मूल में खड़े थे।
मालेविच के "ब्लैक स्क्वायर" को कौन नहीं जानता? 1915 में अपनी उपस्थिति के बाद से, इसने पेशेवरों और आम लोगों दोनों को उत्साहित किया है। कुछ इसे एक मृत अंत के रूप में देखते हैं, अन्य - एक साधारण अपमानजनक। लेकिन गुरु का सारा काम कला में नए क्षितिज की खोज, आगे बढ़ने की बात करता है।
मालेविच द्वारा विकसित सर्वोच्चतावाद का सिद्धांत (अव्य। सर्वोच्च - उच्चतम), पेंटिंग के अन्य साधनों के बीच रंग की प्रधानता पर जोर देता है, उच्चतम अर्थ में "शुद्ध कला" के निर्माण के एक कार्य के लिए एक चित्र को चित्रित करने की प्रक्रिया की तुलना करता है। सर्वोच्चतावाद के गहरे और बाहरी लक्षण समकालीन कलाकारों, वास्तुकारों और डिजाइनरों के कार्यों में पाए जा सकते हैं।
मोंड्रियन के काम का बाद की पीढ़ियों पर समान प्रभाव पड़ा। उनका नव-प्लास्टिकवाद रूप के सामान्यीकरण और खुले, विकृत रंग के सावधानीपूर्वक उपयोग पर आधारित है। एक सफेद पृष्ठभूमि पर सीधे काले क्षैतिज और लंबवत विभिन्न आकारों की कोशिकाओं के साथ एक ग्रिड बनाते हैं, और कोशिकाएं स्थानीय रंगों से भर जाती हैं। मास्टर के चित्रों की अभिव्यक्ति ने कलाकारों को या तो उनकी रचनात्मक समझ के लिए, या अंधी नकल के लिए प्रेरित किया। बहुत वास्तविक वस्तुओं को बनाते समय कलाकारों और डिजाइनरों द्वारा अमूर्तता का उपयोग किया जाता है। विशेष रूप से अक्सर मोंड्रियन रूपांकन वास्तुशिल्प परियोजनाओं में पाए जाते हैं।
रूसी अवंत-गार्डे - शब्दों की कविता
रूसी कलाकार विशेष रूप से अपने हमवतन - कैंडिंस्की और मालेविच के विचारों के प्रति ग्रहणशील थे। ये विचार विशेष रूप से एक नई सामाजिक व्यवस्था के जन्म और गठन के अशांत युग में फिट बैठते हैं। वर्चस्ववाद के सिद्धांत को कोंगोव पोपोवा (1889-1924) और (1891-1956) ने रचनावाद के अभ्यास में बदल दिया, जिसका नई वास्तुकला पर विशेष प्रभाव पड़ा। उस युग में निर्मित वस्तुओं का अभी भी दुनिया भर के वास्तुकारों द्वारा अध्ययन किया जा रहा है।
मिखाइल लारियोनोव (1881-1964) और नताल्या गोंचारोवा (1881-1962) रेयोनिस्म या रेयोनिस्म के संस्थापक बने। उन्होंने दुनिया को भरने वाली हर चीज से निकलने वाली किरणों और प्रकाश विमानों की एक विचित्र इंटरविविंग को प्रदर्शित करने की कोशिश की।
एलेक्जेंड्रा एस्तेर (1882-1949), (1882-1967), ओल्गा रोज़ानोवा (1886-1918), नादेज़्दा उदलत्सोवा (1886-1961) ने क्यूबो-फ्यूचरिस्ट आंदोलन में भाग लिया, जिन्होंने कविता का भी अध्ययन किया।
चित्रकला में अमूर्तवाद हमेशा चरम विचारों का प्रवक्ता रहा है। इन विचारों ने अधिनायकवादी राज्य के अधिकारियों को परेशान किया। यूएसएसआर में, और बाद में नाजी जर्मनी में, विचारकों ने जल्दी से निर्धारित किया कि किस तरह की कला लोगों के लिए समझने योग्य और आवश्यक होगी, और बीसवीं शताब्दी के 40 के दशक की शुरुआत तक, अमूर्तवाद के विकास का केंद्र अमेरिका में स्थानांतरित हो गया था।
एक धारा के चैनल
अमूर्तवाद एक अस्पष्ट परिभाषा है। जहाँ कहीं भी रचनात्मकता की वस्तु का आस-पास की दुनिया में कोई विशिष्ट सादृश्य नहीं है, वहाँ अमूर्तता की बात की जाती है। कविता में, संगीत में, बैले में, वास्तुकला में। दृश्य कलाओं में, इस प्रवृत्ति के रूप और प्रकार विशेष रूप से विविध हैं।
चित्रकला में निम्नलिखित प्रकार की अमूर्त कला को प्रतिष्ठित किया जा सकता है:
रंग रचनाएँ: कैनवास के स्थान में, रंग मुख्य चीज है, और वस्तु रंगों के खेल में घुल जाती है (कैंडिंस्की, फ्रैंक कुप्का (1881-1957), ऑर्फिस्ट (1885-1941), मार्क रोथको (1903-1970) , बार्नेट न्यूमैन (1905-1970))।
ज्यामितीय अमूर्तवाद एक अधिक बौद्धिक, विश्लेषणात्मक प्रकार की अवंत-गार्डे पेंटिंग है। उन्होंने रैखिक परिप्रेक्ष्य और गहराई के भ्रम को खारिज कर दिया, ज्यामितीय रूपों (मालेविच, मोंड्रियन, तत्ववादी थियो वैन डोसबर्ग (1883-1931), जोसेफ अल्बर्स (1888-1976), ऑप आर्ट के अनुयायी (1906-1997) के संबंध के प्रश्न को हल किया। ))।
अभिव्यंजक अमूर्तवाद - चित्र बनाने की प्रक्रिया यहाँ विशेष रूप से महत्वपूर्ण है, कभी-कभी पेंट लगाने की बहुत ही विधि, उदाहरण के लिए, ताशियों के बीच (टैचे - स्पॉट से) (जैक्सन पोलक (1912-1956), ताशिस्ट जॉर्जेस मैथ्यू (1921-) 2012), विलेम डी कूनिंग (1904-1997), रॉबर्ट मदरवेल (1912-1956))।
अतिसूक्ष्मवाद कलात्मक अवांट-गार्डे की उत्पत्ति की वापसी है। छवियां पूरी तरह से बाहरी संदर्भों और संघों से रहित हैं (बी। 1936), सीन स्कली (बी। 1945), एल्सवर्थ केली (बी। 1923))।
अमूर्तवाद - अतीत में बहुत दूर?
तो अब अमूर्तवाद क्या है? अब आप ऑनलाइन पढ़ सकते हैं कि अमूर्त पेंटिंग अतीत की बात है। रूसी अवंत-गार्डे, काला वर्ग - इसकी आवश्यकता किसे है? अब गति और स्पष्ट जानकारी का समय है।
जानकारी: 2006 में सबसे महंगी पेंटिंग में से एक को 140 मिलियन डॉलर से अधिक में बेचा गया था। इसे "नंबर 5.1948" कहा जाता है, लेखक जैक्सन पोलक हैं, जो एक अभिव्यंजक अमूर्त कलाकार हैं।
सिंगल बैरल पैटर्न, विलियम मॉरिस
"अमूर्तवाद", जिसे "गैर-उद्देश्य कला", "गैर-आलंकारिक", "गैर-प्रतिनिधित्वीय", "ज्यामितीय अमूर्तता" या "ठोस कला" भी कहा जाता है, पेंटिंग या मूर्तिकला की किसी भी वस्तु के लिए एक अस्पष्ट छाता शब्द है जो करता है पहचानने योग्य वस्तुओं या दृश्यों को चित्रित न करें। हालांकि, जैसा कि हम देख सकते हैं, अमूर्त कला की परिभाषा, प्रकार या सौंदर्य अर्थ पर कोई स्पष्ट सहमति नहीं है। पिकासो ने सोचा कि ऐसा बिल्कुल भी नहीं था, जबकि कुछ कला इतिहासकारों का मानना है कि सभी कला अमूर्त है - क्योंकि, उदाहरण के लिए, कोई भी पेंटिंग जो कुछ भी देखती है उसके मोटे सारांश से ज्यादा कुछ नहीं हो सकती है। इसके अलावा, अर्ध-अमूर्त से पूरी तरह से अमूर्त तक, अमूर्तता का एक स्लाइडिंग पैमाना है। इसलिए जबकि सिद्धांत अपेक्षाकृत स्पष्ट है - अमूर्त कला वास्तविकता से अलग है - अमूर्त को गैर-अमूर्त कार्यों से अलग करने का व्यावहारिक कार्य बहुत अधिक समस्याग्रस्त हो सकता है।
अमूर्त कला की अवधारणा क्या है?
आइए एक बहुत ही सरल उदाहरण से शुरू करते हैं। किसी चीज का खराब (गैर-प्रकृतिवादी) चित्र लेना। छवि का निष्पादन वांछित होने के लिए बहुत कुछ छोड़ देता है, लेकिन अगर इसके रंग सुंदर हैं, तो चित्र हमें विस्मित कर सकता है। यह दिखाता है कि कैसे एक औपचारिक गुणवत्ता (रंग) एक प्रतिनिधित्वकारी (ड्राइंग) को ओवरराइड कर सकती है।
दूसरी ओर, एक फोटोरिअलिस्टिक पेंटिंग, कहते हैं, एक घर उत्कृष्ट ग्राफिक्स दिखा सकता है, लेकिन विषय वस्तु, रंग योजना और समग्र रचना पूरी तरह से उबाऊ हो सकती है।
कलात्मक औपचारिक गुणों के मूल्य का आकलन करने के लिए दार्शनिक औचित्य प्लेटो के इस दावे से उपजा है कि: "सीधी रेखाएँ और वृत्त ... न केवल सुंदर हैं ... बल्कि शाश्वत और बिल्कुल सुंदर हैं।"
कन्वर्जेंस, जैक्सन पोलक, 1952
संक्षेप में, प्लेटो की उक्ति का अर्थ है कि गैर-प्रकृतिवादी छवियों (मंडलियों, वर्गों, त्रिकोणों, आदि) में पूर्ण, अपरिवर्तनीय सुंदरता है। इस प्रकार, एक पेंटिंग को केवल उसकी रेखा और रंग के लिए ही आंका जा सकता है, उसे किसी प्राकृतिक वस्तु या दृश्य को चित्रित करने की आवश्यकता नहीं है। फ्रांसीसी चित्रकार, लिथोग्राफर और कला सिद्धांतकार मौरिस डेनिस (1870-1943) के दिमाग में वही था जब उन्होंने लिखा था: "याद रखें कि एक पेंटिंग युद्ध का घोड़ा या नग्न महिला बनने से पहले होती है ... एक निश्चित क्रम में।"
फ्रैंक स्टेला
अमूर्त कला के प्रकार
चीजों को सरल रखने के लिए, हम अमूर्त कला को छह मुख्य प्रकारों में विभाजित कर सकते हैं:
इनमें से कुछ प्रकार दूसरों की तुलना में कम सारगर्भित हैं, लेकिन इन सभी में कला को वास्तविकता से अलग करना शामिल है।
वक्रीय अमूर्त कला
हनीसकल, विलियम मॉरिस, 1876
यह प्रकार सेल्टिक कला के साथ दृढ़ता से जुड़ा हुआ है, जिसमें नॉट्स (आठ मुख्य प्रकार), इंटरलेस्ड पैटर्न, और सर्पिल (ट्रिस्केल या ट्रिस्केलियन सहित) सहित कई अमूर्त रूपांकनों का उपयोग किया जाता है। इन रूपांकनों का आविष्कार सेल्ट्स द्वारा नहीं किया गया था, कई अन्य प्रारंभिक संस्कृतियों ने सदियों से इन सेल्टिक आभूषणों का उपयोग किया था। हालांकि, यह कहना उचित होगा कि सेल्टिक डिजाइनरों ने इन पैटर्नों को और अधिक जटिल और जटिल बनाकर उनमें नई जान फूंक दी। वे बाद में 19वीं शताब्दी के दौरान वापस आए और विलियम मॉरिस (1834-96) और आर्थर मैकमुर्डो (1851-1942) के समान बुक कवर, टेक्सटाइल, वॉलपेपर और कैलिको डिजाइन में विशेष रूप से स्पष्ट थे। वक्रीय अमूर्तता को "अनंत चित्र" अवधारणा की विशेषता है, जो इस्लामी कला की एक व्यापक विशेषता है।
रंग या प्रकाश पर आधारित अमूर्त कला
वाटर लिली, क्लाउड मोने
इस प्रकार को टर्नर और मोनेट के काम में चित्रित किया गया है, जो रंग (या प्रकाश) का उपयोग इस तरह से करते हैं जो कला के काम को वास्तविकता से अलग करता है क्योंकि वस्तु वर्णक के भंवर में घुल जाती है। उदाहरण क्लाउड मोनेट (1840-1926), तावीज़ (1888, मुसी डी'ऑर्से, पेरिस), पॉल सेरुसियर (1864-1927) द्वारा वाटर लिली की पेंटिंग हैं। कैंडिंस्की की कई अभिव्यक्तिवादी पेंटिंग, उनके समय में डेर ब्ल्यू रेइटर के साथ चित्रित, अमूर्तता के बहुत करीब हैं। रंगीन अमूर्तता 1940 और 50 के दशक के अंत में मार्क रोथको (1903-70) और बार्नेट न्यूमैन (1905-70) द्वारा विकसित रंग पेंटिंग के रूप में फिर से प्रकट हुई। 1950 के दशक में, रंग से संबंधित अमूर्त पेंटिंग की एक समानांतर विविधता फ्रांस में उभरी, जिसे गेय एब्स्ट्रैक्शन के रूप में जाना जाता है।
तावीज़, पॉल Serusier
ज्यामितीय अमूर्तता
ब्रॉडवे पर बूगी वूगी पीट मोंड्रियन द्वारा, 1942
इस प्रकार की बौद्धिक अमूर्त कला 1908 से चली आ रही है। एक प्रारंभिक अल्पविकसित रूप क्यूबिज़्म था, विशेष रूप से विश्लेषणात्मक क्यूबिज़्म, जिसने रैखिक परिप्रेक्ष्य और पेंटिंग में स्थानिक गहराई के भ्रम को इसके द्वि-आयामी पहलुओं पर ध्यान केंद्रित करने के लिए खारिज कर दिया। ज्यामितीय अमूर्तन को ठोस कला और वस्तुहीन कला के रूप में भी जाना जाता है। जैसा कि आप उम्मीद कर सकते हैं, यह गैर-प्रकृतिवादी इमेजरी द्वारा विशेषता है, आमतौर पर ज्यामितीय आकार जैसे कि वृत्त, वर्ग, त्रिकोण, आयत, आदि। एक अर्थ में, प्राकृतिक दुनिया के बिल्कुल संदर्भ या संबंध के साथ, ज्यामितीय अमूर्तवाद सबसे शुद्ध है अमूर्तता का रूप। कोई कह सकता है कि ठोस कला अमूर्त कला है जो शाकाहार के लिए शाकाहार है। ज्यामितीय अमूर्तता का प्रतिनिधित्व ब्लैक सर्कल (1913, राज्य रूसी संग्रहालय, सेंट पीटर्सबर्ग) द्वारा किया जाता है, जिसे काज़िमिर मालेविच (1878-1935) (सर्वोच्चतावाद के संस्थापक) द्वारा चित्रित किया गया है; ब्रॉडवे पर बूगी वूगी (1942, MoMA, न्यूयॉर्क) पीट मोंड्रियन (1872-1944) (नियोप्लास्टिकवाद के संस्थापक); और थियो वैन डॉसबर्ग (1883-1931) (डी स्टिजल और एलिमेंटरिज्म के संस्थापक) द्वारा रचना VIII (द काउ) (1918, एमओएमए, न्यूयॉर्क) अन्य उदाहरणों में जोसेफ अल्बर्स की अपील टू द स्क्वायर (1888-1976) और ऑप-आर्ट विक्टर वासरेली (1906-1997) शामिल हैं।
ब्लैक सर्कल, काज़िमिर मालेविच, 1920
रचना आठवीं, थियो वैन डॉसबर्ग
भावनात्मक या सहज अमूर्त कला
इस प्रकार की कला शैलियों के संयोजन को अपनाती है जिसका सामान्य विषय प्रकृतिवादी प्रवृत्ति है। यह प्रकृतिवाद प्रयुक्त रूपों और रंगों में ही प्रकट होता है। ज्यामितीय अमूर्तता के विपरीत, जो लगभग प्रकृति-विरोधी है, सहज ज्ञान युक्त अमूर्तता अक्सर प्रकृति को दर्शाती है, लेकिन कम प्रतिनिधि तरीके से। इस प्रकार की अमूर्त कला के दो महत्वपूर्ण स्रोत हैं: जैविक अमूर्तता (जिसे बायोमॉर्फिक अमूर्तता भी कहा जाता है) और अतियथार्थवाद। शायद इस कला में विशेषज्ञता वाले सबसे प्रसिद्ध कलाकार रूस में जन्मे मार्क रोथको (1938-70) थे। अन्य उदाहरणों में कंडिंस्की की पेंटिंग शामिल हैं जैसे कि कंपोजिशन नंबर 4 (1911, कुन्स्टसम्लंग नॉर्डरहेन-वेस्टफेलन) और कंपोजिशन VII (1913, ट्रीटीकोव गैलरी); महिला (1934, निजी संग्रह) जोआन मिरो (1893-1983) और अनिश्चितकालीन विभाज्यता (1942, ऑलब्राइट-नॉक्स आर्ट गैलरी, बफ़ेलो) यवेस टंगुय (1900-55)।
अनिश्चितकालीन विभाज्यता, यवेस टंगुय
हावभाव (जेस्चरल) अमूर्त कला
शीर्षकहीन, डी. पोलक, 1949
यह अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का एक रूप है जहां पेंटिंग बनाने की प्रक्रिया सामान्य से अधिक महत्वपूर्ण हो जाती है। उदाहरण के लिए, पेंट असामान्य तरीके से लगाया जाता है, स्ट्रोक अक्सर बहुत ढीले और तेज़ होते हैं। उल्लेखनीय अमेरिकी साइन पेंटिंग प्रतिपादकों में एक्शन-पेंटिंग के आविष्कारक जैक्सन पोलक (1912-56) और उनकी पत्नी ली क्रसनर (1908-84) शामिल हैं, जिन्होंने उन्हें अपनी तकनीक, तथाकथित "ड्रिप पेंटिंग" का आविष्कार करने के लिए प्रेरित किया; विलेम डी कूनिंग (1904-97), वुमन सीरीज़ में अपने काम के लिए प्रसिद्ध; और रॉबर्ट मदरवेल (1912-56)। यूरोप में, इस रूप का प्रतिनिधित्व कोबरा समूह द्वारा किया जाता है, विशेष रूप से कारेल एपेल (1921-2006)।
न्यूनतम अमूर्त कला
ड्रॉ करना सीखना, एड रेनहार्ड्ट, 1939
इस प्रकार की अमूर्तता एक प्रकार की अवंत-गार्डे कला थी, जो सभी बाहरी संदर्भों और संघों से रहित थी। यह वही है जो आप देखते हैं - और कुछ नहीं। यह अक्सर एक ज्यामितीय आकार लेता है। इस आंदोलन में मूर्तिकारों का वर्चस्व है, हालांकि इसमें एड रेनहार्ड्ट (1913-67), फ्रैंक स्टेला (जन्म 1936) जैसे कुछ महान कलाकार भी शामिल हैं, जिनकी पेंटिंग बड़े पैमाने पर हैं और इसमें रूप और रंग के समूह शामिल हैं; शॉन स्कली (जन्म 1945) आयरिश-अमेरिकी कलाकार जिनके रंग के आयताकार आकार प्रागैतिहासिक संरचनाओं के स्मारकीय रूपों की नकल करते प्रतीत होते हैं। इसके अलावा जो बेयर (बी। 1929), एल्सवर्थ केली (1923-2015), रॉबर्ट मैंगोल्ड (बी। 1937), ब्राइस मार्डेन (बी। 1938), एग्नेस मार्टिन (1912-2004) और रॉबर्ट रमन (जन्म 1930)। 
एल्सवर्थ केली
फ्रैंक स्टेला
अमूर्त कला अमूर्त कला
(अमूर्ततावाद), 20 वीं शताब्दी की कला में एक दिशा, पेंटिंग, मूर्तिकला और ग्राफिक्स में वास्तविक वस्तुओं और घटनाओं को चित्रित करने से इनकार करना। 10 के दशक में, 40 के दशक के अंत में - 60 के दशक की शुरुआत में दिखाई दिया। कला की सबसे व्यापक धाराओं से संबंधित थे। अमूर्त कला (सर्वोच्चतावाद, नियोप्लास्टिकवाद) की कुछ धाराएं, वास्तुकला और कला उद्योग में खोजों को प्रतिध्वनित करती हैं, रेखाओं, ज्यामितीय आकृतियों और खंडों से क्रमबद्ध संरचनाएं बनाती हैं, अन्य (ताशवाद) ने स्पॉट की गतिशीलता में सहजता, रचनात्मकता की बेहोशी को व्यक्त करने की मांग की है या मात्रा.
अमूर्त कलाएब्सट्रैक्ट एआरटी (अमूर्तवाद, गैर-उद्देश्य कला) (से। मी।गैर-उद्देश्य कला), गैर-आलंकारिक कला), 20 वीं शताब्दी की दृश्य कलाओं में प्रवृत्तियों का एक समूह, प्राकृतिक वास्तविकता के प्रत्यक्ष प्रजनन को सचित्र-प्लास्टिक संकेतों और प्रतीकों के साथ, या कलात्मक रूपों के "शुद्ध" नाटक के साथ बदल देता है। "शुद्ध" अमूर्तता को सशर्त रूप से लिया जाना चाहिए, क्योंकि एक ठोस प्रकृति से सबसे अमूर्त छवियों में भी कोई हमेशा कुछ विषय-आकृति रूपांकनों और प्रोटोटाइप का अनुमान लगा सकता है - स्थिर जीवन, परिदृश्य, वास्तुशिल्प, आदि।
अलंकरण की कला ने हमेशा ऐसे रूपों के स्थायी भंडार के रूप में कार्य किया है। अमूर्त कला की महत्वपूर्ण ऐतिहासिक प्रत्याशाएं एनामॉर्फोस (या, जैसा कि "यादृच्छिक" छवियां थीं) के लिए कलाकारों का जुनून भी थीं, जिनका अनुमान प्राचीन काल से प्राकृतिक बनावट (उदाहरण के लिए, खनिजों के स्लाइस में) में लगाया गया था, साथ ही साथ। गैर-फिनिटो का सिद्धांत जो पुनर्जागरण में पैदा हुआ था। (से। मी।गैर-फिनिटो)(बाहरी अपूर्णता, आपको कथानक रूपों की परवाह किए बिना, रेखाओं और रंगों के खेल की प्रशंसा करने की अनुमति देती है)। इस्लाम की मुख्य रूप से सजावटी कला, साथ ही सुदूर पूर्वी सुलेख, जिसने ब्रश को बाहरी प्रकृति की लगातार नकल करने की आवश्यकता से मुक्त किया, पूरे मध्य युग में गैर-उद्देश्यपूर्ण तरीके से विकसित हुआ। यूरोप में, रूमानियत और प्रतीकवाद के युग में, यानी 19वीं शताब्दी में, कलाकार कभी-कभी - आमतौर पर एक स्केच के स्तर पर, लेकिन कभी-कभी तैयार चीजों में - गैर-आलंकारिक दृष्टि की दुनिया में चले जाते हैं (जैसे कुछ हैं) स्वर्गीय जे एम डब्ल्यू टर्नर की कल्पनाएँ (से। मी।टर्नर विलियम)या जी मोरो द्वारा रेखाचित्र); लेकिन ये केवल व्यक्तिगत अपवाद थे, और निर्णायक परिवर्तन केवल 1910 के दशक की शुरुआत में हुआ।
"महान आध्यात्मिकता" की कला
पहली वास्तव में अमूर्त पेंटिंग 1910-1911 में बनाई गई थीं। वी. वी. कैंडिंस्की (से। मी।कैंडिंस्की वसीली वासिलिविच)और चेक एफ. कुप्कास (से। मी।कुप्का फ्रांटिसेक), और पहले से ही 1912 में उनमें से पहले ने अपनी रचनात्मक खोजों को कार्यक्रम निबंध "ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट" में विस्तार से प्रमाणित किया। अगले 12 वर्षों में, अन्य ऐतिहासिक घटनाएं हुईं: 1913 के आसपास एम. एफ. लारियोनोव (से। मी। LARIONOV मिखाइल फेडोरोविच)और एन. एस. गोंचारोवा (से। मी।गोंचारोव नतालिया सर्गेवना)उन्होंने भविष्यवाद से अमूर्त कला की ओर रुख किया (लारियोनोव ने नई विधि "रेयोनिज़्म" कहा); उसी समय, इतालवी जे. बल्ला . के काम में एक समान बदलाव हुआ (से। मी।बल्ला जियाकोमो). 1912-1913 में। R. Delaunay के गैर-उद्देश्य "ऑर्फ़िज़्म" का जन्म हुआ था (से। मी।डेलाउने रॉबर्ट), और 1915-1917 में। - के.एस. मालेविच द्वारा निर्मित अमूर्त कला का अधिक कठोर, ज्यामितीय संस्करण (से। मी।मालेविच काज़िमिर सेवेरिनोविच)रूस में (सर्वोच्चतावाद), और फिर पी. मोंड्रियन (से। मी।मोंड्रियन पीट)नीदरलैंड में (नियोप्लास्टिकवाद)। नतीजतन, एक प्रयोगात्मक क्षेत्र का गठन किया गया था, जहां उस समय की लगभग सभी अवंत-गार्डे शैलियों को, फ्यूचरिज्म से लेकर दादावाद तक, प्रतिच्छेद किया गया था।
अमूर्त रचनात्मकता की तीन दिशाओं की तुरंत पहचान की गई: 1) ज्यामितीय; 2) चिह्न (अर्थात, प्रतीकों या चित्रलेखों पर ध्यान केंद्रित करना); 3) जैविक, प्रकृति की लय का अनुसरण करते हुए (रूस में, पी.एन. फिलोनोव ऐसे अमूर्त जीवों के सबसे बड़े समर्थक थे। (से। मी। FILONOV पावेल निकोलाइविच)) इस तरह का वर्गीकरण, हालांकि, केवल बाहरी, औपचारिक विशेषताओं से संबंधित है, क्योंकि प्रारंभिक अमूर्त कला के सभी रूप किसी न किसी तरह से प्रतीकात्मक थे और सभी प्रकृति के "ब्रह्मांडीय लय" से किसी न किसी तरह से प्रेरित थे। Delaunay के Orphism, शुद्ध रंगों के पैमाने से आगे बढ़ते हुए, एक विशेष दिशा का गठन किया, जिसे सशर्त रूप से "रंगीन" कहा जा सकता है।
औपचारिक मतभेदों के पीछे आंतरिक सामग्री की रिश्तेदारी थी। थियोसॉफी और इसी तरह की रहस्यमय धाराओं के मजबूत प्रभाव का अनुभव करने के बाद (यानी, एच.पी. ब्लावात्स्की जैसे लेखकों का प्रभाव) (से। मी।ब्लावात्स्काया ऐलेना पेत्रोव्ना)और उसके अनुयायी, साथ ही पी.डी. उसपेन्स्की (से। मी। USPENSKY पेट्र Demyanovich)रूस में और नीदरलैंड में एम। शोएनमेकर्स), कैंडिंस्की, कुपका, मालेविच और मोंड्रियन आश्वस्त थे कि उनकी पेंटिंग, जहां पूर्व दुनिया नेत्रहीन रूप से ब्रह्मांडीय "कुछ नहीं" में गायब हो जाती है, एक कलात्मक सर्वनाश का प्रतिनिधित्व करती है या, दूसरे शब्दों में, दर्शक को दिखाती है वह दहलीज जिसके आगे एक नया "महान आध्यात्मिकता का युग" (कैंडिंस्की) खुलता है और "विश्व फूल में प्रवेश करता है" (फिलोनोव)। युद्धों और क्रांतियों की अवधि के आगमन ने इन रोमांटिक-आदर्शवादी विश्वासों को ही मजबूत किया।
डिजाइन और गीत
1920 के दशक में अमूर्त कला, अपनी यूटोपियन पृष्ठभूमि को बनाए रखते हुए (लेकिन "सर्वनाश" नहीं) अधिक व्यावहारिक और कम रहस्यमय बन गई। "बौहौस" (से। मी।बॉहॉस)"जर्मनी में सक्रिय रूप से डिजाइन को अद्यतन करने के लिए अपनी रचनात्मक क्षमता (मुख्य रूप से इसके ज्यामितीय संस्करण में) में महारत हासिल की, और इसके साथ सामान्य रूप से सामाजिक जीवन। फैशन सहित जीवन में अमूर्ततावाद ने जड़ें जमाना शुरू कर दिया (उदाहरण के लिए, एस। डेलाउने-तुर्की) (से। मी।डेलाउन सोनिया)कपड़े, अंदरूनी और यहां तक कि कारों के डिजाइन के लिए अपने पति के चित्रों के रूपांकनों का इस्तेमाल किया)। यह अमूर्त कला थी जिसने सजावटी कला की "आधुनिक शैली" कहलाने के लिए शक्तिशाली रूप से योगदान दिया। बदले में, गैर-निष्पक्षता को मूर्तिकला में सक्रिय रूप से महारत हासिल थी, दोनों चित्रफलक और स्मारकीय और सजावटी (एच। अर्प) (से। मी।एआरपी हंस (जीन)), के. ब्रांकुसी (से। मी।ब्रांकुसी कॉन्स्टेंटाइन), एन. गाबोस (से। मी।गाबो नौम अब्रामोविच), ए। पेवज़नर और अन्य)। फ्रांसीसी संघ "एब्स्ट्रक्शन-क्रिएशन" ("एब्स्ट्रक्शन-क्रिएशन") की गतिविधि ने दार्शनिक यूटोपिया से अमूर्त कला के संक्रमण को अधिक चिंतनशील और गीतात्मक छवियों में योगदान दिया।
हालांकि, इस कला की अंतिम नई, चौथी दिशा, तथाकथित। 1940 के दशक में "गीतात्मक अमूर्तवाद" (जो व्यक्तिगत, अपने तरीके से, कलाकारों की आत्म-अभिव्यक्ति बन गया) ने कुछ समय बाद आकार लिया। एनवाईसी में। यह अमूर्त अभिव्यंजनावाद था, जिसमें एक बहुत बड़े, बनावट वाले ब्रशस्ट्रोक का प्रभुत्व था, जैसे कि अनायास कैनवास पर फेंक दिया गया हो (जे. पोलक) (से। मी।पोलक जैक्सन), डब्ल्यू डी कूनिंग (से। मी।कुनिंग विलेम), और आदि।)। इनमें से कई चीजों में निहित नाटकीय तनाव 1940 और 1950 के दशक में पश्चिमी यूरोप में हासिल किया गया था। तथाकथित में और भी दुखद। "सूचित करना" (से। मी।सूचना)"(वोल्स, ए। टैपिस, जे। फॉटियर), जबकि टैचिस्म में (से। मी।ताशीवाद), इसके विपरीत, प्रमुख-महाकाव्य या प्रभाववादी-परिदृश्य की शुरुआत प्रबल हुई (जे मैथ्यू, पी। ताल-कोट, एच। हार्टुंग और अन्य); प्रारंभ में, इन दोनों क्षेत्रों (जिनके नाम कभी-कभी समानार्थक रूप से उपयोग किए जाते हैं) का फोकस पेरिस था। इसी अवधि में, अमूर्त कला और सुदूर पूर्वी सुलेख (उदाहरण के लिए, अमेरिकी एम। टोबी और फ्रांस में काम करने वाले चीनी ज़ाओ-वूकी के काम में) के बीच अभिसरण के बिंदु भी थे।
भूमिगत और महिमा के बीच
पश्चिम में अमूर्त कला की आधिकारिक मान्यता 20 वीं शताब्दी के मध्य में वास्तुकला में अंतर्राष्ट्रीय शैली के प्रभुत्व के समय हुई (गैर-उद्देश्य - सचित्र या मूर्तिकला - रूपों ने कांच-कंक्रीट संरचनाओं की एकरसता को बहुत जीवंत कर दिया) . इसके समानांतर, "कलर फील्ड पेंटिंग" के लिए एक फैशन का उदय हुआ, जो बड़े, समान रूप से (या मामूली टोनल विविधताओं के साथ) चित्रित रंग सतहों (बी। न्यूमैन, एम। रोथको) की अभिव्यंजक संभावनाओं की पड़ताल करता है। (से। मी।रोटको मार्क)), और 1960 के दशक में। - एक तेज-समोच्च "कठोर" (हार्ड-एज) या "स्पष्ट किनारों की पेंटिंग" पर। बाद में, अमूर्त कला, एक नियम के रूप में, अब खुद को शैलीगत रूप से अलग नहीं किया, पॉप कला, ऑप आर्ट और अन्य उत्तर-आधुनिकतावादी आंदोलनों के साथ विलय कर दिया।
सोवियत रूस में, अमूर्त कला लंबे समय तक (1930 के दशक से) वास्तव में भूमिगत विकसित हुई, क्योंकि इसे आधिकारिक तौर पर "पश्चिम के प्रतिक्रियावादी-औपचारिक प्रभावों" का केंद्र माना जाता था (यह विशेषता है कि शब्द "अमूर्तवाद" और "आधुनिकतावाद" सोवियत प्रेस में अक्सर समानार्थक शब्द के रूप में उपयोग किया जाता था)। पिघलना के दौरान, वास्तुकला ने उनके लिए एक तरह के आउटलेट के रूप में कार्य किया, जिसमें अक्सर उनके डिजाइन में अमूर्त या अर्ध-अमूर्त रचनाएं शामिल थीं। पेरेस्त्रोइका के वर्षों के दौरान जनता के सामने आते हुए, नई रूसी अमूर्त कला ने विविध प्रवृत्तियों (मुख्य रूप से पेंटिंग और ग्राफिक्स में) की एक समृद्ध श्रृंखला का प्रदर्शन किया, प्रारंभिक रूसी अवंत-गार्डे की शुरुआत को मूल तरीके से जारी रखा। उनके मान्यता प्राप्त स्वामी (1960-1990 के दशक) में - ई.एम. बेल्युटिन (से। मी।बेल्युटिन एली मिखाइलोविच), यू.एस. ज़्लॉटनिकोव, ई.एल. क्रोपिवनित्स्की (से। मी। KROPIVNITSKY एवगेनी लियोनिदोविच), एम। ए। कुलकोव, एल। हां। मास्टरकोवा, वी। एन। नेमुखिन (से। मी।नेमुखिन व्लादिमीर निकोलाइविच), एल. वी. नुसबर्ग (से। मी।नुसबर्ग लेव वाल्डेमारोविच), वी.एल. स्लीपियन, ई.ए. स्टाइनबर्ग (से। मी।स्टाइनबर्ग एडुआर्ड अर्कादेविच).
विश्वकोश शब्दकोश. 2009 .
समानार्थक शब्द:देखें कि "अमूर्त कला" अन्य शब्दकोशों में क्या है:
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अमूर्त कला- अमूर्त कला। वी.वी. कैंडिंस्की। संघटन। जल रंग। 1910. आधुनिक कला का राष्ट्रीय संग्रहालय। पेरिस। एब्सट्रैक्ट एआरटी (अमूर्तवाद), 20 वीं शताब्दी की अवंत-गार्डे (अवंत-गार्डिज्म देखें) कला में एक प्रवृत्ति, मना कर रही है ... ... सचित्र विश्वकोश शब्दकोश
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अमूर्त कला- 20 वीं शताब्दी की पेंटिंग, मूर्तिकला और ग्राफिक्स में एक प्रवृत्ति, कैंडिंस्की की अमूर्त कला विशेष रूप से संगीत के साथ पेंटिंग की तुलना को पसंद करती है, और इसलिए अमूर्त कला, उनके दृष्टिकोण से, शुद्ध ध्वनि (रेनहार्ड्ट) का निष्कर्षण है ... रूसी भाषा का लोकप्रिय शब्दकोश
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