रूस की जन संस्कृति में विविधता ने एक महत्वपूर्ण स्थान ले लिया है, और हाल के दशकों की घटनाओं से पता चलता है कि विविधता, कला के सबसे लोकप्रिय रूप के रूप में, सार्वजनिक जीवन में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है, सांस्कृतिक आवश्यकताओं और मूल्य अभिविन्यास को व्यक्त करने का एक लोकप्रिय साधन बन जाती है। समाज के विभिन्न तबकों की। इस तथ्य को ध्यान में रखते हुए कि विविधता कला सबसे सामाजिक रूप से उत्तरदायी और गतिशील कला रूपों में से एक है, इस घटना के अध्ययन से समाज में होने वाली आध्यात्मिक प्रक्रियाओं को बेहतर ढंग से समझने में मदद मिलेगी।

पिछली शताब्दी की शुरुआत में, रूस में ग्रामोफोन व्यवसाय मजबूत हो रहा था - रिकॉर्ड बनाने वाले कारखानों और संयंत्रों की संख्या बढ़ रही थी, उनकी गुणवत्ता में सुधार हो रहा था, और प्रदर्शनों की सूची का विस्तार हो रहा था। वास्तव में, किसी भी ज्ञात उद्योग के विपरीत, एक नया उद्योग उभर रहा था। इसने तकनीकी और रचनात्मक, वाणिज्यिक और कानूनी प्रकृति की समस्याओं को आपस में जोड़ा। ग्रामोफोन डीलरों द्वारा आयोजित रिकॉर्ड की रिकॉर्डिंग में संगीतकारों, कवियों, गायकों, आर्केस्ट्रा और गाना बजानेवालों, दोहे और कहानीकारों ने भाग लिया। अपने वातावरण के साथ स्टूडियो सभी नाट्य विशेषताओं के साथ एक थिएटर के बैकस्टेज जैसा दिखता था। प्रसिद्ध गायक - गर्व और अभेद्य, अपने स्वयं के मूल्य को जानते हुए - किसी भी उद्यमी-उद्यमी में निहित शिष्टाचार के साथ अनुबंध की पेशकश की गई, जो जनता के साथ सफलता और एक अच्छे संग्रह की उम्मीद करता है। दूसरे परिमाण के सितारे और आधे भूखे अतिथि कलाकार अलग-अलग मिले। मुखपत्र के पास जुनून उबल रहा था और साज़िशें बुनी गई थीं - यह ग्रामोफोन व्यवसाय का गलत पक्ष था।
संग्रह अभिलेख फैशन में आने लगे: धनी नागरिकों के घरों में सौ या अधिक संख्या वाले अभिलेख पुस्तकालय थे।

सबसे आम शब्द, जो विविध कला की अवधारणा के उद्भव से बहुत पहले प्रकट हुआ, "विविधता" है, लेकिन एक संगीत कार्यक्रम के नाम के रूप में नहीं, बल्कि कला की एक पूरी विविधता के लिए एक पदनाम के रूप में। यदि हम "विविधता शो" की अवधारणा की उपस्थिति के इतिहास की ओर मुड़ते हैं, तो इसकी उत्पत्ति 18 वीं शताब्दी के अंत में इंग्लैंड के औद्योगिक क्षेत्रों में कैफे और रेस्तरां में दिखाए गए मनोरंजन नंबरों के कार्यक्रमों में पाई जा सकती है। फ्रेंच में "विविधता" शब्द का अर्थ विविधता, विविधता है। यह शब्द सभी कलात्मक मनोरंजन रूपों को एकजुट करने लगा। दरअसल, मेलों में, संगीत हॉल में, कॉन्सर्ट कैफे में, कैबरे थिएटरों में कलाकारों का प्रदर्शन विविधता की विशेषता है, हालांकि, जैसा कि आगे के विश्लेषण के परिणामस्वरूप स्थापित करना संभव होगा, यह बिल्कुल भी मुख्य और विशिष्ट नहीं है कला के इस क्षेत्र में विशेषता।

20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, रूस में छोटे रूपों के सभी प्रकार के थिएटर खोले गए, और इस पृष्ठभूमि के खिलाफ एक और अवधारणा का इस्तेमाल किया जाने लगा - मंच, जो खुले क्षेत्रों में मनोरंजक संगीत कार्यक्रम का प्रतिनिधित्व करता था। आज, एक सामान्य अवधारणा के रूप में जो आसानी से मानी जाने वाली शैलियों की सभी किस्मों की कला को एकजुट करती है, किसी को "विविध कला" (या संक्षिप्त विविधता कला) की अवधारणा को स्वीकार करना चाहिए, जिसका उपयोग सौ वर्षों से घरेलू कला इतिहास में किया गया है।
पहले से ही XX सदी के पहले दशक में। शब्द "विविधता" प्रेस में झिलमिलाहट शुरू होता है, न केवल आम तौर पर स्वीकृत अर्थ में - "मंच, उन्नयन, उदाहरण के लिए, संगीत के लिए", बल्कि मोटे तौर पर, इसमें आने वाले सभी, अभिनेता, लेखक, कवि भी शामिल हैं " प्लैटफ़ॉर्म"। 1908 की आधिकारिक पत्रिका "गोल्डन फ्लेस" के पन्नों पर, एक लेख "वैराइटी" प्रकाशित हुआ था। इसके लेखक ने मंच पर प्रवेश करने वाले प्रत्येक व्यक्ति के सामने उठने वाली प्रतिपक्षी को प्रत्यक्ष रूप से देखा:

क) क्षमताओं के विकास और रखरखाव के लिए और कलाकार के व्यक्तित्व के निर्माण के लिए मंच आवश्यक है;

b) विविध कला दोनों के लिए हानिकारक है।

लेखक ने किसी भी कीमत पर सफलता के लिए अभिनेताओं की इच्छा में "हानिकारकता" देखी, जनसाधारण के स्वाद के साथ संरेखण, कला को समृद्धि के साधन में बदलना, जीवन के आशीर्वाद का स्रोत। दरअसल, इस तरह की घटनाएं आधुनिक पॉप संगीत में भी निहित हैं, इसलिए हमारे काम में हम इस तरह की अवधारणा को "विविधता" के रूप में पेश करते हैं, जो कि "जनता के लिए" खेल रहा है, किसी भी कीमत पर दर्शकों का ध्यान आकर्षित करने की इच्छा है, जो , सच्ची प्रतिभा के अभाव में, कलाकारों के बीच स्वाद और अनुपात की भावना, अक्सर उस हानिकारकता की ओर ले जाती है जिसके बारे में उपरोक्त लेख के लेखक ने बात की थी। अन्य लेख थे जो मंच को एक नई शहरी संस्कृति की घटना के रूप में मानते थे। आखिरकार, यह इस अवधि के दौरान था कि प्राकृतिक परिस्थितियों (मुख्य रूप से मौसम के परिवर्तन पर) पर व्यक्ति की निर्भरता शहर में धीरे-धीरे कमजोर हो गई, जिसके कारण कैलेंडर और अनुष्ठान लोककथाओं का विस्मरण हो गया, छुट्टियों के समय में बदलाव आया। पी.जी. Bogatyrev, गैर-मौखिक लोगों पर मौखिक रूपों की निर्णायक प्रबलता के लिए। उसी वर्ष (1980-1890) में रूस में, जन संस्कृति का उदय हुआ, जो बदले में, पारंपरिक लोककथाओं के कई सामान्य गुणों को पुन: पेश करता है, जो कार्यों के सामाजिक और अनुकूली महत्व की विशेषता है, उनका प्रमुख गुमनामी, उनकी कविताओं में रूढ़िवादिता का प्रभुत्व; कथा ग्रंथों, आदि में माध्यमिक कथानक प्रेरणाएँ। हालाँकि, जन संस्कृति पारंपरिक लोककथाओं से अपनी वैचारिक "बहुकेंद्रीयता" में तेजी से भिन्न होती है, अपने उत्पादों के विषयगत और सौंदर्यपूर्ण अंतर्राष्ट्रीयकरण की क्षमता में वृद्धि करती है और मौखिक रचनात्मकता के लिए अकल्पनीय समान प्रतियों के रूप में इसके "स्ट्रीमिंग" प्रजनन के लिए।
सामान्य तौर पर, रूस में, 19 वीं सदी के अंत - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के शहरी चरण को दर्शकों पर निर्भरता की विशेषता है, जिसके लिए यह उन्मुख है। तदनुसार, विभिन्न रूपों की श्रेणी - "सैलून" से लेकर सबसे "लोकतांत्रिक" तक - अत्यंत व्यापक है और "मंच" की प्रकृति और कलाकारों के प्रकार दोनों में भिन्न है, प्रदर्शनों की सूची का उल्लेख नहीं करने के लिए। और फिर भी, हम यह निष्कर्ष निकाल सकते हैं कि 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में "विविधता" शब्द अभी भी विशुद्ध रूप से कार्यात्मक रूप से उपयोग किया जाता था: "विविधता के प्रदर्शनों की सूची", या "पॉप गायन", आदि के रूप में, न केवल एक की परिभाषा के रूप में। मंच जहां कार्रवाई होती है, लेकिन एक संगीत मनोरंजन तमाशा के एक तत्व के रूप में भी।

आवश्यकता के परिणामस्वरूप, जो अक्टूबर के बाद, "हर तरह के मंच" और छोटे निजी उद्यमों के राष्ट्रीयकरण के लिए, कई एकल अभिनेताओं के साथ-साथ छोटे, अक्सर परिवार समूहों, आदि के रूप में स्थापित हुई, मंच की अवधारणा ने खुद को स्थापित किया। एक अलग कला का पदनाम। सोवियत रूस में दशकों तक, और फिर यूएसएसआर में, इस कला के प्रबंधन के लिए सिस्टम विकसित और परिवर्तित किए जाएंगे, विभिन्न संघ बनाए जाएंगे, स्वतंत्र अधीनता के जटिल बहु-मंच रूप। सोवियत सौंदर्यशास्त्र में, पॉप कला की स्वतंत्रता का प्रश्न बहस का विषय बना रहा। विभिन्न प्रकार के संकल्पों, कंपनियों ने विविध अभ्यासों को विनियमित किया। व्यंग्य, रूसी और जिप्सी रोमांस, जैज़, रॉक, टैप डांस आदि के खिलाफ "लड़ाई" ने कृत्रिम रूप से विविध विकास की रेखा को सीधा किया, शैलियों के विकास और व्यक्तिगत कलाकारों के भाग्य को प्रभावित किया।

1934 के ग्रेट सोवियत इनसाइक्लोपीडिया में, इस तथ्य के लिए समर्पित एक लेख प्रकाशित किया गया था कि मंच कला के छोटे रूपों का एक क्षेत्र है, लेकिन साथ ही साथ मंच की शैली रचना का सवाल किसी भी तरह से संबोधित नहीं किया जाता है। इस प्रकार, सौंदर्य पर इतना ध्यान नहीं दिया गया जितना कि इस शब्द की रूपात्मक सामग्री पर। ये सूत्र आकस्मिक नहीं हैं, वे 30 और 40 के दशक की खोजों की तस्वीर को दर्शाते हैं, जब मंच का दायरा लगभग असीम रूप से विस्तारित हो गया था। इन वर्षों के दौरान, जैसा कि ई. गेर्शुनी लिखते हैं, "पॉप कला ने "बड़ी" कला के साथ समानता के लिए बोली लगाई..."। सबसे पहले, यह सोवियत रूस में आधुनिक कला के अग्रदूत, पीआर - जन नियंत्रण की सामाजिक तकनीक के उद्भव के कारण है। संक्षेप में, मनोरंजनकर्ता (आमतौर पर एक स्थानीय ट्रेड यूनियन कार्यकर्ता) ने न केवल छुट्टियों, बल्कि रोजमर्रा की जिंदगी को भी वैचारिक नियंत्रण में ले लिया। बेशक, पॉप कॉन्सर्ट के बिना एक भी छुट्टी नहीं गुजरी। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि बड़े पैमाने पर मनोरंजन करने वाले खुद, रोजमर्रा की जिंदगी में, एक नियम के रूप में, एक विविध भावना रखते थे। आखिरकार, उन्हें हमेशा सुर्खियों में रहना चाहिए, दर्शकों का मनोरंजन करना चाहिए और उनका मनोरंजन करना चाहिए।

सोवियत कला के विकास की प्रक्रिया में, "विविधता" शब्द की सामग्री में परिवर्तन जारी रहा। विविध कला की अवधारणा दिखाई दी, जिसे "एक कला रूप जो तथाकथित को एकजुट करता है" के रूप में परिभाषित किया गया था। नाट्य कला, नाटकीय और मुखर कला, संगीत, नृत्यकला, सर्कस के छोटे रूप।

1901 में रूसी रिकॉर्डिंग उद्योग का विकास शुरू हुआ। वास्तव में, यह पूरी तरह से रूसी नहीं था, बल्कि रूस में एक फ्रांसीसी उद्योग था: पाटे मार्कोनी कंपनी ने रूस में अपनी शाखा खोली और रिकॉर्ड पर मुहर लगाना शुरू कर दिया। जिस तरह यूरोप में पहले रिकॉर्डेड गायक एनरिक कारुसो थे, उसी तरह रूस में विश्व प्रसिद्ध ओपेरा गायक फेडर चालपिन भी पहले बने। और पहले रूसी रिकॉर्ड, साथ ही साथ यूरोप में, शास्त्रीय संगीत के साथ थे।

पूर्व-क्रांतिकारी रूस की संगीतमय तस्वीर पूरी हो गई थी। अकादमिक संगीत और पॉप संगीत एक ही सांस्कृतिक स्थान में व्यवस्थित रूप से सह-अस्तित्व में थे, जहां पॉप संगीत रोमांस गीत (इसकी विविधता और विकास को दर्शाता है) और अपने समय की नृत्य संस्कृति की सामान्य मुख्यधारा में विकसित हुआ। मंच के लोकगीत भाग द्वारा एक विशेष स्थान पर कब्जा कर लिया गया था - पायटनिट्स्की गाना बजानेवालों, लोक गीत कलाकारों - एल। डोलिना, महाकाव्य - क्रिवोपोलेनोवा और प्रोज़ोरोव्स्काया। पहली क्रांति (1905) की हार के बाद जेल, दंडात्मक दासता और निर्वासन के गीत लोकप्रिय थे। एक सामयिक दोहे और संगीत पैरोडी की शैली में, कलाकारों ने विभिन्न भूमिकाओं में प्रदर्शन किया: "टेलकोट" - एक फैशनेबल दर्शकों के लिए, "बास्ट शूज़" - किसानों के लिए, "एक फटे शैली के कलाकार" - शहर के तल के लिए। लोकप्रिय नृत्य ताल ने सैलून और शहर के ब्रास बैंड के दाखिल होने से लोगों के दिमाग में प्रवेश किया, जो नृत्य संगीत के प्रदर्शन में विशिष्ट थे। सैलून और स्टूडियो में टैंगो, फॉक्सट्रॉट, शिमी, टू-स्टेप सीखे गए। संगीत और काव्यात्मक लघु कथाओं की शैली में ए। वर्टिंस्की का पहला प्रदर्शन 1915 का है।

रूसी मंच का उदय ग्रामोफोन रिकॉर्ड जैसे "जन सूचना" के एक नए साधन के अभूतपूर्व विकास की पृष्ठभूमि के खिलाफ हुआ। 1900 और 1907 के बीच, 500,000 ग्रामोफोन बेचे गए, और रिकॉर्ड का वार्षिक प्रचलन 20 मिलियन तक पहुंच गया। हल्के संगीत के साथ-साथ उनके पास बहुत सारे क्लासिक्स (चालीपिन, कारुसो) भी थे।
D.Agrenev-Slavyansky, I.Yukhov और अन्य के लोकप्रिय गायक, जिन्होंने "रूसी शैली" ("द सन राइज़ एंड सेट्स", "उखर द मर्चेंट", आदि) में गाने गाए, एकल कलाकारों के साथ प्रतिस्पर्धा करते हैं। ऑर्केस्ट्रा रूसी गायक मंडलियों बालालिका वादकों, हॉर्न वादकों, वीणा वादकों के साथ प्रतिस्पर्धा की।

10 के दशक में, पहले सही मायने में लोकगीत कलाकारों, जैसे कि एम। पायटनित्सकी के कलाकारों की टुकड़ी ने प्रसिद्धि प्राप्त की। फ्रांसीसी चांसनियर्स की "अंतरंग" शैली वाले कलाकार सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को (ए। वर्टिंस्की) के थिएटर और कैबरे में दिखाई देते हैं। 19वीं शताब्दी के अंत तक, "फिलहारमोनिक" (शास्त्रीय रोमांस) और वास्तव में "वैराइटी" (जिप्सी रोमांस, पुराना रोमांस, मूड के गाने) में गीत का एक स्पष्ट विभाजन था। 20वीं शताब्दी की शुरुआत में, राजनीतिक सभाओं और प्रदर्शनों में गाए जाने वाले सामूहिक गीत व्यापक हो जाते हैं। यह गीत सोवियत पॉप गीत की अग्रणी किस्म बनने के लिए कई दशकों के लिए नियत है।

1917 के बाद स्थिति बदलने लगी। वैचारिक स्थिति एक ऐसी घटना है जिसे अभी तक पूरी तरह से समझा नहीं गया है और पूरी तरह से अध्ययन नहीं किया गया है। क्रांति आध्यात्मिक रूप से एक ऐसे विचार पर आधारित थी जिसे समाज में जबरन बोया गया था, लोगों को चुनने के अधिकार से वंचित कर दिया गया था, उनके लिए यह विकल्प बना दिया गया था। लेकिन एक व्यक्ति इतना गठित होता है कि उसकी चेतना, सब कुछ के बावजूद, उस पर जो कुछ भी थोपा जाता है, उसका विरोध करता है, यहाँ तक कि सबसे अच्छे इरादों से भी। राज्य ने फैसला किया कि उसे क्लासिक्स की "ज़रूरत", सोवियत गीत की "ज़रूरत", "ज़रूरत" लोककथाओं की। और अनजाने में, शास्त्रीय संगीत की उत्कृष्ट कृतियों को भी राज्य की वैचारिक मशीन के हिस्से के रूप में माना जाने लगा, जिसका उद्देश्य व्यक्ति को बेअसर करना, एक अलग "I" को एक अखंड "हम" में घोलना था।

हमारे देश में पॉप संगीत संगीत प्रक्रिया का सबसे कम वैचारिक हिस्सा है। अनजाने में, वह सोवियत लोगों के लिए एकमात्र आउटलेट बन गई, स्वतंत्रता के एक घूंट की तरह। एक साधारण व्यक्ति के मन में यह संगीत कुछ भी शिक्षाप्रद नहीं था, प्राकृतिक भावनाओं को आकर्षित करता था, दमन नहीं करता था, नैतिकता नहीं करता था, बल्कि केवल अपनी भाषा में एक व्यक्ति के साथ संवाद करता था।

अगर मेरे सामने कुर्सी पर कोई अनुचित रूप से लंबा आदमी है, तो मुझे ऐसा लगने लगता है कि मैं सुनने में कठिन हूं। वैसे भी, ऐसा संगीत मेरे लिए पॉप संगीत नहीं रह जाता है। हालाँकि, ऐसा भी होता है कि मंच पर जो हो रहा है वह पूरी तरह से दिखाई देता है, हालांकि, इसके बावजूद, यह पॉप कला का एक तथ्य नहीं बनता है; आखिरकार, अन्य कलाकार और निर्देशक अपने सभी प्रयासों को हमारे कानों को प्रसन्न करने पर केंद्रित करते हैं, हमारी आंखों की बहुत कम परवाह करते हैं। विशेष रूप से अक्सर संगीत शैलियों में पॉप कला के शानदार पक्ष को कम करके आंका जाता है, लेकिन उसी बीमारी के लक्षण कलात्मक पढ़ने और मनोरंजक में देखे जा सकते हैं।

- ठीक है, - आप कहते हैं, - फिर से हम लंबे समय से ज्ञात चीजों के बारे में बात कर रहे हैं, कि कई पॉप कलाकारों में मंच संस्कृति की कमी है, कि उनकी संख्या कभी-कभी प्लास्टिक की अभिव्यक्ति से रहित होती है और नेत्रहीन नीरस होती है।

दरअसल, ये सभी गंभीर कमियां, जो अभी तक पॉप कला से दूर नहीं हुई हैं, अक्सर समीक्षाओं, समस्याग्रस्त लेखों और रचनात्मक चर्चाओं में दिखाई देती हैं। कुछ हद तक, वे इस लेख में प्रभावित होंगे। हालांकि, मैं एक व्यापक प्रश्न पूछना चाहता हूं। यहाँ बिंदु, जाहिर है, केवल कौशल की कमी नहीं है। इस कमी ने उन पॉप शैलियों को भी प्रभावित किया जिन्हें केवल दृष्टि के लिए संबोधित किया जाता है। कलाबाज, बाजीगर, भ्रम फैलाने वाले (यहां तक ​​कि उनमें से सबसे अच्छे, अपने शिल्प के महान स्वामी) अक्सर एक ही दृश्य एकरसता के साथ ठीक पाप करते हैं, प्लास्टिक संस्कृति की कमी। शैली की सभी किस्मों को, एक नियम के रूप में, प्रदर्शन की गई चालों और तकनीकों के लगभग एक चक्र की संख्या के भीतर प्रत्यावर्तन के लिए कम किया जाता है। स्टैम्प जो साल-दर-साल विकसित होते हैं (उदाहरण के लिए, एक कलाबाज पुरुष युगल, लंबा और छोटा, धीमी गति से काम कर रहा है, शक्ति आंदोलनों का प्रदर्शन कर रहा है, या सिगार और टोपी के साथ टक्सीडो पहने एक उदास बाजीगर, आदि) केवल मजबूत करता है , शानदार गरीबी पॉप शैलियों को वैध बनाना। परंपराएं एक बार जीवित हो जाने के बाद कला के विकास के लिए बेड़ियां बन जाती हैं।

मैं एक उदाहरण के रूप में दो बाजीगरों का हवाला दूंगा - हाल ही में विभिन्न कलाकारों की तीसरी अखिल रूसी प्रतियोगिता के विजेता। I. Kozhevnikov, जिसे दूसरे पुरस्कार से सम्मानित किया गया था, वह बाजीगर का प्रकार है जिसका अभी वर्णन किया गया है: एक गेंदबाज टोपी, एक सिगार, एक बेंत प्रदर्शन का पैलेट बनाते हैं, कौशल में त्रुटिहीन प्रदर्शन करते हैं। ई। शतोव, प्रथम पुरस्कार के विजेता, एक सर्कस तंत्र के साथ काम करता है - एक पर्च। इसके अंत में एक टेनिस बॉल के व्यास के साथ एक संकीर्ण पारदर्शी ट्यूब है। अपने सिर पर संतुलन रखते हुए, शतोव गेंदों को ट्यूब में फेंक देता है। हर बार, पर्च बढ़ता है, धीरे-धीरे लगभग दस मीटर ऊंचाई तक पहुंचता है। पहले के प्रत्येक नए खंड के साथ, संख्या का प्रदर्शन नेत्रहीन तेज, अधिक अभिव्यंजक हो जाता है। अंत में, पर्च की लंबाई ऐसी हो जाती है कि वह मंच की ऊंचाई (यहां तक ​​कि वैराइटी थिएटर में जितनी ऊंची) में फिट नहीं होती है। बाजीगर सामने आता है, सामने की पंक्ति के दर्शकों के सिर पर संतुलन बिठाता है। गेंद ऊपर उड़ती है, छत की पृष्ठभूमि के खिलाफ लगभग गायब हो जाती है, और एक ट्यूब में समाप्त हो जाती है। यह संख्या, असाधारण शुद्धता के अलावा, जिसके साथ इसे किया जाता है, यह उल्लेखनीय है कि दृश्य तराजू, जो समय-समय पर बदलते हैं, एक समग्र एकता में सभागार में बैठे लोगों द्वारा माना जाता है। इससे शानदार प्रभाव असाधारण हो जाता है। इसके अलावा, यह एक विशेष रूप से पॉप मनोरंजन है। टीवी स्क्रीन पर या फिल्म में शतोव के नंबर की कल्पना करें! इस तथ्य का उल्लेख नहीं करने के लिए कि पूर्व-फिल्माए गए टेलीविजन या फिल्म प्लॉट में अप्रत्याशित तत्व को बाहर रखा गया है (इस वजह से, मंच और सर्कस कभी भी स्क्रीन पर कार्बनिक नहीं बनेंगे!), पैमाने की स्थिरता, निरंतरता द्वारा निर्धारित स्क्रीन के आकार और उससे हमारी देखने की दूरी, शातोव के आकर्षण की संख्या से वंचित कर देगी।

शातोव की कला (कोज़ेवनिकोव की संख्या की तुलना में बहुत अधिक हद तक) खो जाती है यदि इसे किसी अन्य कला के क्षेत्र में स्थानांतरित किया जाता है। यह उनकी वास्तविक विविधता का पहला प्रमाण है। यदि इस तरह के हस्तांतरण को स्पष्ट नुकसान के बिना आसानी से किया जा सकता है, तो हम सुरक्षित रूप से कह सकते हैं कि काम और इसके लेखक पॉप कला के नियमों के खिलाफ पाप करते हैं। यह पॉप रेडियो के संगीत और भाषण शैलियों के लिए विशेष रूप से खुलासा कर रहा है। हमारे कई पॉप गायक रेडियो पर सबसे अच्छा सुनते हैं, जहां उन्हें बजाए जाने वाले राग के प्लास्टिक समकक्ष की तलाश करने की आवश्यकता से मुक्त किया जाता है। एक रेडियो माइक्रोफोन के सामने, गायक, जिसके लिए मंच एक वास्तविक पीड़ा है, बहुत अच्छा महसूस करता है। एक पॉप गायक स्वभाव से, इसके विपरीत, रेडियो पर एक निश्चित असुविधा का अनुभव करता है: वह न केवल दर्शकों के साथ संपर्क की कमी से विवश है, बल्कि इस तथ्य से भी है कि प्रदर्शन की कई बारीकियां जो मौजूद हैं छवि का दृश्य पक्ष ध्वनि पक्ष में अनुपस्थित रहेगा। यह निश्चित रूप से, प्रभाव की कमी पर जोर देता है। मुझे पेरिस से सर्गेई ओबराज़त्सोव द्वारा लाए गए यवेस मोंटैंड के गीतों की पहली रिकॉर्डिंग याद है। जब हमने उसे मंच पर गाते हुए देखा तो कलाकार खुद कितना गहरा, अधिक महत्वपूर्ण था: संगीत और शब्दों का आकर्षण एक अभिनेता के आकर्षण से जुड़ गया था जो मानव छवि की सबसे अभिव्यंजक प्लास्टिसिटी बनाता है। स्टानिस्लावस्की को दोहराना पसंद था: दर्शक सबटेक्स्ट के लिए थिएटर जाता है, वह घर पर पाठ पढ़ सकता है। मंच के बारे में कुछ ऐसा ही कहा जा सकता है: दर्शक मंच से प्रदर्शन देखना चाहता है, वह घर पर रहकर पाठ (और यहां तक ​​कि संगीत) सीख सकता है। कम से कम रेडियो पर तो सुनिए। क्या यह इसके लायक है, उदाहरण के लिए, यूरी फेडोरिशचेव को सुनने के लिए एक संगीत कार्यक्रम में जाना, जो पॉल रॉबसन के "मिसिसिपी" गीत के प्रदर्शन को बहाल करने के लिए अपनी पूरी कोशिश कर रहा है? मुझे लगता है कि अपने लक्ष्य को प्राप्त करने में, फेडोरिशचेव रेडियो पर बहुत अधिक सफल होता। रेडियो पर "मिसिसिपी" को सुनकर, हम आश्चर्यचकित हो सकते हैं कि नीग्रो गायक के संगीतमय स्वरों को कितनी सटीक रूप से पकड़ लिया गया है, और साथ ही हम फेडोरिशचेव की पूरी प्लास्टिक जड़ता को नोटिस नहीं कर पाएंगे, जो मूल के विपरीत है।

कार्यक्रम के निदेशक, जिसमें मैंने फेडोरिशचेव को सुना, ने उनके गायन की दृश्य एकरसता को रोशन करने की कोशिश की। फ्रांसीसी गीत "एट नाइट अलोन" के प्रदर्शन के दौरान, कविता से पहले, जिसमें नागरिक विषय शुरू होता है - शांति के लिए संघर्ष का विषय, हॉल में रोशनी अचानक निकलती है, केवल पृष्ठभूमि की लाल रोशनी बनी रहती है। गीत के सबसे दयनीय भाग में, जिसमें विशद अभिनय साधनों की आवश्यकता होती है, दर्शक खुद को केवल एक श्रोता बनने के लिए मजबूर पाता है, क्योंकि वह केवल एक मंद लाल पृष्ठभूमि के खिलाफ एक काला गतिहीन सिल्हूट देखता है। इसलिए निर्देशन, दर्शकों के लिए प्रदर्शन में विविधता लाने की कोशिश करते हुए, कलाकार को प्रस्तुत करता है, और काम को समग्र रूप से, वास्तव में एक अहित करता है। प्रकाश तकनीकों की आश्चर्यजनक कमी, जो ऊपर वर्णित मामले में जोर में बदलाव का कारण बनी, हमारी विविध कला की बीमारियों में से एक है। प्रकाश प्रभाव की प्रणाली या तो एक सीधे और दृष्टांत सिद्धांत पर बनाई गई है (शांति के लिए संघर्ष का विषय लाल रंग से जुड़ा हुआ है, अन्यथा नहीं!), या सैलून सुंदरता के सिद्धांत पर (कलाकार को "सबमिट" करने की इच्छा) , प्रदर्शन की कलात्मक सामग्री, उसकी शैली की परवाह किए बिना)। नतीजतन, सबसे दिलचस्प प्रकाश संभावनाओं का अभी भी उपयोग नहीं किया जाता है। पोशाक के बारे में भी यही कहा जा सकता है: यह शायद ही कभी दृश्य छवि को बढ़ाने का काम करता है। यदि भूमिका की उत्पत्ति पर जोर देने के साधन के रूप में एक पोशाक के उपयोग में अच्छी परंपराएं हैं (कहते हैं, एन। स्मिरनोव-सोकोल्स्की द्वारा धनुष के साथ एक मखमली जैकेट या एल। एंगिबारोव द्वारा एक माइम पोशाक), तो एक सरल और उसी समय छवि की छवि को प्रकट करने में मदद करना अत्यंत दुर्लभ है। हाल ही में, मैं इस बात का गवाह हुआ कि कैसे एक असफल रूप से चुनी गई पोशाक ने संख्या द्वारा किए गए प्रभाव को काफी कमजोर कर दिया। हम कपिगोलिन लाज़रेंको के बारे में बात कर रहे हैं: बड़ी हलचल वाली एक चमकदार लाल पोशाक ने गायक को आकर्षित किया और स्पष्ट रूप से कोमल, गीतात्मक गीत "कम बैक" के अनुरूप नहीं था।

लाइटिंग, कॉस्ट्यूम और मिस-एन-सीन तीन स्तंभ हैं जिन पर विविधता का शानदार पक्ष टिका हुआ है। इनमें से प्रत्येक विषय एक विशेष चर्चा के योग्य है, जो निश्चित रूप से, मेरा लेख दावा नहीं कर सकता। यहां मैं केवल उस विशिष्ट चरण के दृश्य को स्पर्श करूंगा जिसे टीवी और सिनेमा स्क्रीन पर पर्याप्त रूप से फिर से नहीं बनाया जा सकता है। मंच के पास स्थान और समय के अपने नियम हैं: क्लोज-अप, पूर्वाभास, सिनेमा (और टेलीविजन) में असेंबल, जो इन श्रेणियों की एकता का उल्लंघन करते हैं, या बल्कि उनकी अखंडता, एक नया स्थान और एक नया समय बनाते हैं, जो पूरी तरह से उपयुक्त नहीं है स्टेज स्टेज के लिए। मंच एक निरंतर योजना से संबंधित है, क्योंकि कलाकार से प्रत्येक दर्शक तक की दूरी थोड़ी भिन्न होती है, केवल जहां तक ​​​​अभिनेता मंच की गहराई में जा सकता है। असेंबल के बारे में भी यही कहा जाना चाहिए: यह मंच पर (यदि केवल) पूरे के भीतर होता है, जो लगातार मंच पर मौजूद रहता है। यह असेंबल या तो प्रकाश द्वारा निर्मित किया जा सकता है (मॉस्को स्टेट यूनिवर्सिटी के विविध स्टूडियो के प्रदर्शन में सफलतापूर्वक उपयोग की जाने वाली तकनीक), या यह दर्शकों के दिमाग में होता है। सीधे शब्दों में कहें, तो वह दृश्य छवि की अपनी धारणा में कुछ हिस्सों को अलग करता है, जबकि पूरे को अपनी दृष्टि के क्षेत्र में रखना जारी रखता है।

निराधार न लगने के लिए, मैं एक उदाहरण दूंगा। मॉस्को स्टेट यूनिवर्सिटी वेरायटी स्टूडियो द्वारा प्रदर्शन "हमारा घर आपका घर है"। इस टीम में तमाशा की अभिव्यक्ति के लिए बहुत ही दिलचस्प खोज की जा रही है। इसी समय, अक्सर गेय कविता या रूपक, कनेक्शन की संबद्धता पर आधारित, कहानी का मुख्य तत्व बन जाता है। लेकिन यह ध्यान रखना महत्वपूर्ण है कि स्टूडियो के प्रदर्शन में कविता और रूपक दोनों आलंकारिक, दृश्य कथा के रूप में बदल जाते हैं (उदाहरण के लिए, किसी एक संख्या में चित्रित ज्यामितीय आंकड़े कई महत्वपूर्ण अवधारणाओं के व्यंग्यात्मक अर्थ को प्रकट करने में मदद करते हैं)। एक दृश्य में जो युवा अवकाश ("यूथ क्लब") के संगठन के बारे में बताता है, चार डेमोगॉग-चिल्लाते हैं, जैसे कि एक पोडियम पर, चार बड़े पैडस्टल पर, वाक्यांशों के टुकड़े बारी-बारी से बोलते हैं जो एक साथ एक अद्भुत अब्रकदबरा बनाते हैं बेकार की बातों और नौकरशाही से। दर्शक का ध्यान तुरंत एक चिल्लाने वाले से दूसरे में स्थानांतरित हो जाता है: वक्ता अपने शब्दों के साथ एक हावभाव (कभी-कभी शब्द के साथ जटिल काउंटरपॉइंट में) के साथ होता है, बाकी इस समय गतिहीन रहते हैं। मैं फिल्म में शूट किए गए इस दृश्य की कल्पना करता हूं। उसका पाठ और मिस-एन-सीन, ऐसा प्रतीत होता है, भविष्य के असेंबल की अपरिवर्तनीय रूप से आशा करता है। प्रत्येक प्रतिकृति एक क्लोज-अप है। क्लोज-अप, प्रतिकृतियां, इशारों की एक मशीन-गन फट। लेकिन यहां दो महत्वपूर्ण नुकसान हैं। सबसे पहले, प्रत्येक प्रतिकृति के साथ संगत की कमी: अन्य पात्रों के जमे हुए पोज़। और दूसरा हमारा ध्यान एक वर्ण से दूसरे वर्ण पर स्थानांतरित किए बिना सभी पंक्तियों का वाक्यांशों के विकल्प में परिवर्तन है। काउंटरपॉइंट, जो इस दृश्य में लेखक का सबसे मजबूत हथियार बन जाता है, अनिवार्य रूप से फिल्म में गायब हो जाता है।

यह कहना गलत होगा कि विसंगति, शब्द और छवि के बीच का प्रतिरूप, केवल पॉप कला की संपत्ति है। थिएटर स्टेज और स्क्रीन दोनों ही उन्हें जानते हैं। लेकिन इस प्रभाव को प्राप्त करने के विभिन्न तरीके हैं। और वे मंच पर बहुत महत्वपूर्ण हैं। यहां काउंटरपॉइंट उजागर किया गया है, इसे हंसी की एक चिंगारी मारने के उद्देश्य से विरोधों के एक जानबूझकर संघर्ष के रूप में दिखाया गया है। मैं एक उदाहरण कलाकारों के रूप में उद्धृत करूंगा जो लगातार, साल-दर-साल, इस मंच हथियार की अपनी महारत में सुधार करते हैं। मेरा मतलब मुखर चौकड़ी "यूर" (यू। ओसिंत्सेव, वाई। मकोवेंको, वाई। ब्रोंस्टीन, वाई। डिक्टोविच; निर्देशक बोरिस सिचकिन) से है। "ट्रैवलर्स" गीत में चौकड़ी गाती है, जबकि कलाकारों के हाथ, इस बीच, यात्रा प्रमाण पत्र (खुली हथेली) और संस्थागत टिकट (बंद मुट्ठी) में बदल जाते हैं, टिकट लगाए जाते हैं, पैसा दिया जाता है, आदि। यह सब नहीं होता है एक दृष्टांत के रूप में - पाठ के खंड, लेकिन इसके समानांतर, कभी-कभी केवल मेल खाते हैं, लेकिन ज्यादातर विपरीत पंक्ति में होते हैं। नतीजतन, इशारों के साथ शब्दों की अप्रत्याशित टक्कर से, एक नया, अप्रत्याशित अर्थ उत्पन्न होता है। उदाहरण के लिए, अलग-अलग दिशाओं में यात्रा करने वाले व्यापारिक यात्रियों के पास ट्रेन में डोमिनोज़ खेलने के अलावा कोई व्यवसाय नहीं है। पोर को हिलाते हुए हाथों को पाठ पर "लगाया" जाता है, जो कहता है कि लोगों का पैसा लापरवाही से पारस्परिक व्यापार यात्राओं पर खर्च किया जाता है। इससे हाथों का हाव-भाव हवा में काल्पनिक हड्डियों को मिलाने से बहुत ही वाक्पटु हो जाता है।

चौकड़ी का अंतिम कार्य - "टेलीविज़न" - निश्चित रूप से मंच की दृश्य अभिव्यक्ति के साधनों का उपयोग करने में इसकी सबसे बड़ी रचनात्मक सफलता है। यहां, चौकड़ी के सदस्य समान रूप से पैरोडी, पाठक, मीम्स और नाटकीय अभिनेताओं के रूप में कार्य करते हैं। इसके अलावा, वे एक असाधारण कोरियोग्राफिक कौशल का प्रदर्शन करते हैं: एक शब्द में, हम एक सिंथेटिक शैली देख रहे हैं जिसमें शब्द, संगीत, पैंटोमाइम, नृत्य, आदि के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है। इसके अलावा, संयोजन की स्वतंत्रता और एक माध्यम के संबंध से तात्कालिक संक्रमण दूसरा उतना ही महान है जितना कि वह केवल विविध कला में ही हो सकता है। हमारे सामने प्रदर्शन के दौरान पैरोडी में लगभग सभी शैलियों को पारित किया जाता है जो मौजूद हैं
टेलीविजन। उनका परिवर्तन, साथ ही साथ कलाकारों द्वारा उपयोग किए जाने वाले साधनों में परिवर्तन, एक बहुत ही मनोरम दृश्य बनाता है। विविधता निस्संदेह शानदार कलाओं से संबंधित है। लेकिन बहुत सारी प्रदर्शन कलाएँ हैं: थिएटर, सिनेमा, सर्कस और अब टेलीविजन, जो महत्वपूर्ण सौंदर्य क्षमता को प्रकट करता है। कला के इस समूह के भीतर क्या संबंध हैं? ऐसा लगता है कि विविध रंगमंच अभी भी नाट्य कला के ढांचे के भीतर बना हुआ है, हालांकि इसमें कुछ अन्य रूपों के साथ कई समानताएं हैं। स्वाभाविक रूप से, रंगमंच (शब्द के व्यापक अर्थ में समझा जाता है) लगातार अपनी सीमाओं को बदल रहा है, जो कि कुछ मायनों में पहले से ही मंच के लिए तंग हो रहा है। हालांकि, महत्वपूर्ण विकास के बावजूद, पॉप कला के कुछ गुण अपरिवर्तित रहते हैं। सबसे पहले, उन्हें विविध तमाशा के रूप के दृश्य संगठन के सिद्धांत को शामिल करना चाहिए। और अगर हम रूप के बारे में बात करते हैं, तो छवि आधुनिक चरण (कुछ संगीत शैलियों तक) में मुख्य चीज बनी हुई है।

इस लेख में विषय के सभी पहलुओं पर विचार करना संभव नहीं था। मेरा काम अधिक विनम्र था: विविध कला की कुछ सैद्धांतिक समस्याओं की ओर ध्यान आकर्षित करना, जो अन्य कलाओं के बीच काफी हद तक अपनी स्थिति निर्धारित करती हैं और हमारे विविध कला स्वामी की रचनात्मक खोजों की प्रकृति की व्याख्या करती हैं। सैद्धांतिक नियम, जैसा कि आप जानते हैं, ऐसे नियम बने रहते हैं जो केवल उस दिन तक सभी के लिए अनिवार्य होते हैं जब एक उज्ज्वल अभिनव कलाकार आता है और उन सीमाओं को तोड़ देता है जो कल ही असंभव लग रहे थे। आज हम पॉप कला की सिंथेटिक शैलियों को देख रहे हैं: अतीत के सिद्धांत नई खोजों के दबाव का सामना नहीं कर सकते। यह ध्यान रखना महत्वपूर्ण है कि चल रहे परिवर्तनों में उनके बैनर पर एक तमाशा के रूप में मंच के लगातार बदलते, लेकिन मौलिक रूप से अडिग सिद्धांत हैं।

ए वर्तनोव, कला इतिहास के उम्मीदवार

पत्रिका सोवियत सर्कस। मार्च 1964

टिकट संख्या 30. विविध कार्यक्रम। आधुनिक विशेषताएं और रुझान।

प्रदर्शन -यह एक विशेष करामाती तमाशा है, जिसका अर्थ और कथानक पक्ष छापों की शानदार प्रस्तुति की दिशा में गायब हो जाता है (साजिश प्रभाव में "धुंधला" है), शो कार्यक्रम छापों के निरंतर परिवर्तन और उज्ज्वल शानदार पर बनाया जाना चाहिए अभिव्यंजक साधनों के तरीके।

80 के दशक के मध्य से विशेष साहित्य में एक शब्द के रूप में व्यवसाय दिखाएं। 20 वीं सदी और "सोवियत चरण" की पहले से मौजूद अवधारणा को बदल दिया। पिछली शताब्दी की शुरुआत में रूसी कला इतिहास में "विविधता" शब्द उत्पन्न हुआ और आसानी से कथित शैलियों की सभी प्रकार की कलाओं को एकजुट किया।

विविध कला की विशेषता है खुलापन, संक्षिप्तता,

कामचलाऊ व्यवस्था, उत्सव, मौलिकता, मनोरंजन. उत्सव के अवकाश की कला के रूप में विकसित, पॉप संगीत ने हमेशा असामान्यता और विविधता के लिए प्रयास किया है। बाहरी मनोरंजन, प्रकाश के खेल, सुरम्य दृश्यों के परिवर्तन, मंच के परिवर्तन आदि के कारण उत्सव की भावना पैदा हुई थी।

एक खुले लोकतांत्रिक समाज में परिवर्तन में, उपभोक्ता के पास एक विकल्प होता है। रुझानआधुनिक शो यह है: जनता के तेजी से बदलते स्वाद के लिए प्रबंधकों, कलाकारों, निर्माताओं की कड़ी मेहनत की आवश्यकता होती है।

सांस्कृतिक गतिविधि का उत्पाद पहले से ही "खरीद और बिक्री" का विषय है, अर्थात। आर्थिक रूप से उचित संबंध उत्पन्न होते हैं, और चूंकि मंच व्यवसाय की दुनिया में प्रवेश करता है, इसके लिए इसे पेशेवरों, ऐसे लोगों की आवश्यकता होती है जो व्यवसाय को इस तरह व्यवस्थित कर सकें कि यह न केवल कलाकार, समूह, कंपनी, बल्कि राज्य को भी लाभ लाए ( करों के रूप में)। वर्तमान में, शो बिजनेस बाजार के नियमों के अनुसार विकसित हो रहा है। कार्मिक प्रबंधन से संबंधित मुद्दों का समाधान, इसकी क्षमता का उपयोग, जो लक्ष्य को प्राप्त करने में सफलता निर्धारित करता है, का बहुत महत्व है।

इसलिए, आधुनिक शो- यह मंच के "सितारों", सर्कस, खेल, जैज़ ऑर्केस्ट्रा, बर्फ पर बैले आदि की भागीदारी के साथ एक शानदार मंच प्रदर्शन है। शो का जोर बाहरी प्रभावों की ओर बढ़ रहा है, जिसे चल रहे कार्यक्रमों की सामग्री को अलंकृत करने के लिए डिज़ाइन किया गया है।

शो व्यवसाय के प्रबंधन में, प्रभावी कार्य के लिए परिस्थितियाँ बनाने के लिए विभिन्न प्रकार के तरीकों, दृष्टिकोणों और तकनीकों का उपयोग किया जाता है। इस प्रकार, हम आधुनिक शो की विशेषताओं पर प्रकाश डाल सकते हैं:

1. एक "स्टार" की उपस्थिति।

"स्टार" की अवधारणा सिनेमा के युग में उत्पन्न हुई, जब फिल्म अभिनेता नामहीन थे, और दर्शकों ने उन पात्रों को फिल्मों के नाम से बुलाया, साथ ही साथ उनके बाहरी डेटा ("उदास आंखों वाला आदमी", "कर्ल वाली लड़की", आदि)। दर्शकों ने फिल्म निर्माण कंपनियों पर हमला करना शुरू कर दिया, उनसे अंतिम नाम, पहला नाम और उन अभिनेताओं के विभिन्न जीवनी विवरण प्रदान करने के लिए कहा जिन्हें वे पसंद करते थे। अमेरिकी कंपनी "IMP" के प्रमुख कार्ल लेमले ने पहली बार अभिनेत्री फ्लोरेंस लॉरेंस की लोकप्रियता का उपयोग सिनेमा में जनता को आकर्षित करने के लिए किया, उनकी मृत्यु के बारे में अफवाहें फैलाईं। इस प्रकार, उन्होंने जनता की गहरी रुचि जगाई और रातों-रात अभिनेत्री को एक अमेरिकी फिल्म स्टार में बदल दिया।

इस प्रकार, "सितारों की प्रणाली" की शुरुआत हुई। अन्य फिल्म कंपनियों ने भी इसका अनुसरण किया। "सितारों" की संख्या तेजी से बढ़ने लगी। वे फिल्म और संगीत उद्योग, थिएटर, मॉडल शो और बहुत कुछ के लिए बॉक्स ऑफिस पर एक चारा बन जाते हैं।

"स्टार" की अवधारणा का सार यह है कि वे जिस कलाकार को पसंद करते हैं वह दर्शकों के बीच सहानुभूति पैदा करता है, और इसलिए वे उसे देखना चाहते हैं, वे उसके जैसा बनना चाहते हैं। उपभोक्ता (दर्शक, श्रोता) केवल एक मूर्ति को देखने तक सीमित नहीं है, वह उसके बारे में सब कुछ जानना चाहता है, जिसमें उसके व्यक्तिगत जीवन का विवरण भी शामिल है। "सितारों" के निर्माण में यह पहलू महान सेवा का है, क्योंकि इसे महान लोकप्रियता का संकेत माना जाता है, जिसका अर्थ है कि "स्टार" की फीस बढ़ जाती है। एक शो, एक मॉडल शो, एक फिल्म, एक संगीत, एक नाट्य निर्माण, एक एल्बम रिकॉर्डिंग में भाग लेने के लिए एक "स्टार" को आकर्षित करना मांग की गारंटी है, एक पूर्ण घर है।

पहली नाट्य प्रस्तुतियों का मंचन एक बार सड़क पर ही किया गया था। मूल रूप से, यात्रा करने वाले कलाकारों ने प्रदर्शन किया। वे गा सकते थे, नृत्य कर सकते थे, विभिन्न वेशभूषा धारण कर सकते थे, जानवरों का चित्रण कर सकते थे। सभी ने वही किया जो उसने सबसे अच्छा किया। एक नई तरह की कला धीरे-धीरे विकसित हुई, अभिनेताओं ने अपने कौशल में सुधार किया।

दुनिया का पहला थिएटर

ग्रीक में "थियेटर" शब्द का अर्थ चश्मा और तमाशा रखने के लिए एक जगह है। इस तरह की पहली सांस्कृतिक संस्था, संभवतः, ग्रीस में पैदा हुई थी। यह V-IV सदियों ईसा पूर्व में हुआ था। इ। इस युग को "क्लासिक" कहा जाता है। सभी तत्वों और घटकों में सामंजस्य और संतुलन द्वारा विशेषता। प्राचीन ग्रीक रंगमंच विभिन्न देवताओं की पूजा के लिए धन्यवाद प्रकट हुआ।

डायोनिसस का रंगमंच सबसे पुराना नाट्य भवन है। वाइनमेकिंग, वनस्पति और प्रकृति के देवता प्राचीन यूनानियों द्वारा अत्यधिक पूजनीय थे। डायोनिसस पंथ संस्कारों के लिए समर्पित था, जो धीरे-धीरे वास्तविक त्रासदियों और हास्य में विकसित हुआ। अनुष्ठान उत्सव वास्तविक नाट्य प्रदर्शन में बदल गए हैं। इमारत एक खुली हवा वाली जगह थी। दर्शक मूल रूप से लकड़ी की सीटों पर स्थित थे। प्राचीन ग्रीस में इतना पूजनीय था कि सत्ता के गरीब नागरिकों को प्रदर्शन के लिए पैसे दिए जाते थे। विवाहित महिलाओं द्वारा प्रदर्शन देखना मना था।

कला के पहले मंदिर के तीन मुख्य भाग थे:

• ऑर्केस्ट्रा - नर्तक और एक गाना बजानेवालों ने उस पर प्रदर्शन किया;
• सभागार - ऑर्केस्ट्रा के आसपास स्थित;
• स्केन बिल्डिंग, जहां कलाकारों के लिए कमरे स्थित थे।

कोई पर्दा और सामान्य मंच नहीं था, और सभी महिला भूमिकाएँ पुरुषों द्वारा निभाई जाती थीं। अभिनेताओं ने एक ही प्रदर्शन में कई बार भूमिकाएँ बदलीं, इसलिए उन्हें पूरी तरह से नाचना और गाना पड़ा। मुखौटों की मदद से अभिनेताओं की शक्ल बदल दी गई। इमारत के बगल में डायोनिसस का मंदिर था।

प्राचीन रंगमंच ने आधुनिक की नींव और सार रखा। नाटक के रंगमंच को शैली में निकटतम कहा जा सकता है। समय के साथ, अधिक से अधिक विभिन्न शैलियाँ दिखाई दीं।

नाट्य विधाएं

आधुनिक दुनिया में नाट्य विधाएँ बहुत विविध हैं। यह कला साहित्य, संगीत, नृत्यकला, गायन, ललित कलाओं का संश्लेषण करती है। वे विभिन्न भावनाओं और स्थितियों को व्यक्त करते हैं। मानवता लगातार विकसित हो रही है। नतीजतन, विभिन्न शैलियों का उदय हो रहा है। वे उस देश पर निर्भर करते हैं जिसमें वे उत्पन्न होते हैं, जनसंख्या के सांस्कृतिक विकास पर, दर्शकों की मनोदशा और उनके अनुरोधों पर।

हम कुछ प्रकार की शैलियों को सूचीबद्ध करते हैं: नाटक, कॉमेडी, मोनोड्रामा, वाडेविल, फ़ालतूगांजा, पैरोडी, माइम, प्रहसन, नैतिकता, देहाती, संगीत, ट्रेजिकोमेडी, मेलोड्रामा और अन्य।

नाट्य कला की विधाएं एक दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा नहीं कर सकती हैं। वे अपने तरीके से दिलचस्प हैं। ओपेरा थियेटर से प्यार करने वाले दर्शक बिना किसी कम खुशी के कॉमेडी थिएटर में आते हैं।

नाट्य विधाओं के सबसे लोकप्रिय प्रकार नाटक, कॉमेडी, ट्रेजिकोमेडी, संगीत, पैरोडी और वाडेविल हैं।

नाटक में दुखद और हास्यपूर्ण दोनों क्षण हैं। अभिनेताओं को यहां काम करते देखना हमेशा दिलचस्प होता है। इस शैली की भूमिकाएं सरल नहीं हैं और दर्शकों को सहानुभूति और विश्लेषण में आसानी से शामिल कर लेती हैं।

दर्शकों में हँसी पैदा करने के लिए - हास्य प्रदर्शन का मुख्य लक्ष्य है। कुछ स्थितियों का मजाक उड़ाने के लिए अभिनेताओं को भी काफी मशक्कत करनी पड़ती है। आखिरकार, दर्शक को उन पर विश्वास करना चाहिए! हास्य भूमिकाएँ निभाना उतना ही कठिन है जितना कि नाटकीय भूमिकाएँ निभाना। एक ही समय में व्यंग्य का तत्व नाटक को देखना आसान बनाता है।

त्रासदी हमेशा एक संघर्ष की स्थिति से जुड़ी होती है, जिसके बारे में प्रोडक्शन बताता है। यह शैली प्राचीन ग्रीस में सबसे पहले दिखाई देने वालों में से एक थी। बिल्कुल कॉमेडी की तरह।

संगीत के बहुत सारे प्रशंसक हैं। यह हमेशा नृत्य, गीत, एक दिलचस्प कथानक और हास्य के एक हिस्से के साथ एक उज्ज्वल क्रिया है। इस जॉनर का दूसरा नाम म्यूजिकल कॉमेडी है। यह 19वीं शताब्दी के अंत में संयुक्त राज्य अमेरिका में दिखाई दिया।

किस्मों

थिएटर के प्रकार सीधे उन शैलियों से संबंधित होते हैं जो उनमें प्रस्तुत किए जाते हैं। हालांकि वे अभिनय के रूप में इतनी शैली नहीं व्यक्त करते हैं। हम उनमें से कुछ को सूचीबद्ध करते हैं:

• ऑपरेटिव;
• नाटकीय;
• बच्चे;
• लेखक का;
• एक अभिनेता का रंगमंच;
• प्रकाश का रंगमंच;
• संगीतमय कॉमेडी;
• व्यंग्य का रंगमंच;
• कविता का रंगमंच;
• नृत्य थियेटर;
• पॉप;
• रोबोट का रंगमंच;
• बैले;
• जानवरों का रंगमंच;
• विकलांगों का रंगमंच;
• सर्फ़;
• छाया नाटक;
• पैंटोमाइम थियेटर;
• गीत थियेटर;
• मोहल्ला।

ओपेरा और बैले थियेटर

पुनर्जागरण के दौरान इटली में ओपेरा और बैले दिखाई दिए। पहली बार 1637 में वेनिस में दिखाई दिया। बैले को फ्रांस में एक अलग नाट्य शैली के रूप में बनाया गया था, जिसे अदालतों में नृत्य से बदल दिया गया था। बहुत बार इस प्रकार के थिएटर एक ही स्थान पर संयुक्त होते हैं।

ओपेरा और बैले एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के साथ हैं। संगीत इन प्रस्तुतियों का एक अभिन्न अंग बन जाता है। यह मूड, मंच पर होने वाली हर चीज का माहौल बताता है और अभिनेताओं के प्रदर्शन पर जोर देता है। ओपेरा गायक आवाज और भावनाओं के साथ काम करते हैं, जबकि बैले नर्तक आंदोलन के माध्यम से सब कुछ व्यक्त करते हैं। ओपेरा और बैले थिएटर हमेशा सबसे खूबसूरत नाट्य प्रतिष्ठान होते हैं। वे अद्वितीय वास्तुकला के साथ सबसे अमीर शहर की इमारतों में स्थित हैं। आलीशान साज-सज्जा, सुंदर परदा, बड़े-बड़े आर्केस्ट्रा के गड्ढे - अंदर से ऐसा दिखता है।

नाटक का रंगमंच

यहां मुख्य स्थान अभिनेता और निर्देशक को दिया गया है। यह वे हैं जो पात्रों के पात्रों का निर्माण करते हैं, आवश्यक छवियों में बदलते हैं। निर्देशक अपनी दृष्टि बताता है और टीम का नेतृत्व करता है। नाटक रंगमंच को "अनुभवों" का रंगमंच कहा जाता है। के.एस. स्टानिस्लावस्की ने नाटकीय अभिनेताओं के काम का अध्ययन करते हुए अपनी रचनाएँ लिखीं। वे न केवल प्रदर्शन करते हैं - जटिल भूखंडों के साथ खेलते हैं। नाटक थियेटर में इसके प्रदर्शनों की सूची में हास्य, संगीत और अन्य संगीत प्रदर्शन शामिल हैं। सभी प्रस्तुतियाँ केवल नाटकीय साहित्य पर आधारित हैं।

हर स्वाद के लिए रंगमंच

संगीत थिएटर - एक ऐसी जगह जहां आप किसी भी नाट्य प्रदर्शन को देख सकते हैं। ओपेरा, कॉमेडी, ओपेरा, संगीत और वे सभी प्रदर्शन जिनमें बहुत अधिक संगीत होता है, इसमें मंचन किया जाता है। यहां बैले डांसर, संगीतकार और अभिनेता काम करते हैं। संगीत थिएटर ओपेरा, बैले, आपरेटा थिएटर के थिएटर को जोड़ती है। पॉप या शास्त्रीय संगीत से जुड़ी किसी भी तरह की नाट्य कला इस थिएटर में अपने प्रशंसकों को ढूंढ सकती है।

कटपुतली का कार्यक्रम

यह एक विशिष्ट स्थान है। यहां आप बचपन और आनंद की दुनिया में डुबकी लगाते हैं। यहां की सजावट हमेशा रंग-बिरंगी होती है, जो छोटे-छोटे दर्शकों का ध्यान अपनी ओर खींचती है। कठपुतली थिएटर अक्सर पहला थिएटर होता है जिसमें बच्चे प्रवेश करते हैं। और थिएटर के लिए बच्चे का भविष्य का रवैया इस बात पर निर्भर करता है कि वह एक अनुभवहीन दर्शक पर क्या प्रभाव डालेगा। विभिन्न प्रकार के नाट्य प्रदर्शन विभिन्न प्रकार की कठपुतलियों के उपयोग पर आधारित होते हैं।

हाल ही में, कठपुतली कलाकार पर्दे के पीछे नहीं छिपते, बल्कि मंच पर कठपुतलियों के साथ बातचीत करते हैं। यह विचार प्रसिद्ध एस। वी। ओबराज़त्सोव का है। उन्होंने अपने हाथ पर टायपा नाम की एक कठपुतली रखी और अपने पिता के रूप में अभिनय करते हुए मंच पर शानदार लघुचित्र बजाए।

इस प्रकार के रंगमंच की उत्पत्ति प्राचीन ग्रीस में बहुत दूर है। कर्मकांडों के लिए गुड़िया बनाना, लोगों को नहीं पता था कि यह वास्तविक कला में विकसित होगा। कठपुतली रंगमंच न केवल कला का परिचय है, बल्कि छोटे से छोटे के लिए मनोवैज्ञानिक सुधार की एक विधि भी है।

कॉमेडी थियेटर

संयुक्त अभिनेता जो गा सकते हैं और नृत्य कर सकते हैं। उन्हें आसानी से हास्य चित्रों की आदत डाल लेनी चाहिए और मजाकिया होने से नहीं डरना चाहिए। बहुत बार आप "नाटक और कॉमेडी थिएटर", "म्यूजिकल कॉमेडी थिएटर" देख सकते हैं। एक थिएटर में कई शैलियों का संयोजन इसके स्वाद को बनाए रखने में हस्तक्षेप नहीं करता है। प्रदर्शनों की सूची में बच्चों के लिए ओपेरा, व्यंग्यपूर्ण हास्य, संगीत, नाटक, संगीत प्रदर्शन शामिल हो सकते हैं। लोग कॉमेडी थिएटर में मजे से जाते हैं। हॉल हमेशा भरा रहता है।

वैराइटी थिएटर

अपेक्षाकृत हाल ही में फिर से भरे हुए प्रकार के थिएटर। और तुरंत दर्शकों से प्यार हो गया। पहली किस्म का थिएटर पिछली शताब्दी के मध्य में दिखाई दिया। वे लेनिनग्राद में थिएटर बन गए, जिसे 1939 में खोला गया था। 2002 में, इसे "वैराइटी थिएटर" नाम दिया गया था। ए. आई. रायकिन। विभिन्न कलाकारों में समकालीन गायक, नर्तक, प्रस्तुतकर्ता शामिल हैं। विभिन्न कलाकार शो बिजनेस स्टार, डांसर और शोमैन हैं, जैसा कि अब उन्हें कहा जाता है।

सोलो कॉन्सर्ट अक्सर विभिन्न थिएटरों में आयोजित किए जाते हैं, कुछ यादगार तारीखों को समर्पित संगीत कार्यक्रम, समकालीन लेखकों द्वारा प्रदर्शन किए जाते हैं। कॉमेडियन यहां संगीत कार्यक्रम आयोजित करते हैं, प्रदर्शन-कॉमिक्स, शास्त्रीय कार्यों पर प्रदर्शन करते हैं। संगीत थिएटर इसी तरह के प्रदर्शन की पेशकश कर सकता है।

व्यंग्य का रंगमंच

हम दर्शकों से प्यार करते हैं! अपनी उपस्थिति के समय से, उन्होंने शहरवासियों के जीवन को प्रदर्शित किया, सभी कमियों को दिखाया और उनका उपहास किया। अभिनेताओं को हमेशा दृष्टि से जाना जाता था, उन्होंने न केवल मंच पर, बल्कि सिनेमा में भी पूरी तरह से हास्य भूमिकाएँ निभाईं। व्यंग्य थिएटर हमेशा उन लोगों में सबसे आगे रहे हैं जिन्हें कुछ प्रस्तुतियों का मंचन करने से मना किया गया था। इसका संबंध सेंसरशिप से था। मानव व्यवहार के नकारात्मक पहलुओं का उपहास उड़ाते हुए, अनुमेयता की रेखा को पार करना अक्सर संभव होता था। प्रतिबंधों ने केवल अधिक दर्शकों को आकर्षित किया। व्यंग्य के रंगमंच के शानदार अभिनेता, जो प्रसिद्ध हैं: ए। ए। मिरोनोव, ओल्गा अरोसेवा, स्पार्टक मिशुलिन, मिखाइल डेरझाविन, अलेक्जेंडर शिरविंड। इन्हीं लोगों की बदौलत व्यंग्य थिएटर दर्शकों को पसंद आने लगे।

समय के साथ, थिएटर के प्रकार दिखाई देते हैं जो या तो लंबे समय से भुला दिए गए हैं या जो कुछ भी मौजूद है उससे पूरी तरह से अलग हैं।

नई प्रवर्तिया

कला के नए प्रकार के मंदिर सबसे परिष्कृत दर्शक को आश्चर्यचकित करते हैं। बहुत पहले नहीं, पोलैंड में रोबोट का पहला थिएटर दिखाई दिया। यह रोबोट अभिनेताओं द्वारा खेला जाता है जो अपनी आंखों और इशारों के माध्यम से अपनी भावनाओं को व्यक्त करते हैं। प्रदर्शन बच्चों के दर्शकों के लिए डिज़ाइन किए गए हैं, लेकिन परियोजना के नेताओं का इरादा लगातार प्रदर्शनों की सूची का विस्तार करना है।

गर्मियों के दौरान, थिएटर प्रोडक्शंस सड़कों पर उतरते हैं। यह पहले से ही एक परंपरा बन चुकी है। इस साल, कई त्योहार बाहर आयोजित किए गए। थिएटरों के ठीक बगल में छोटे-छोटे स्टेज बनाए गए थे, जिन पर प्रदर्शन पूरी तरह से खेला जाता था। यहां तक ​​कि ओपेरा और बैले डांसर भी अधिक से अधिक दर्शकों को आकर्षित करने के लिए थिएटर से आगे बढ़ रहे हैं।

मंच- एक प्रकार की मंच कला जिसका अर्थ है एक अलग शैली और शैलियों का संश्लेषण: गायन, नृत्य, मूल प्रदर्शन, सर्कस कला, भ्रम।

पॉप संगीत- एक प्रकार की मनोरंजक संगीत कला, जिसे व्यापक दर्शकों को संबोधित किया जाता है।

इस प्रकार का संगीत 20वीं शताब्दी में सर्वाधिक विकसित हुआ। इसमें आमतौर पर नृत्य संगीत, विभिन्न गाने, पॉप और सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए काम और मुखर और वाद्य यंत्र शामिल होते हैं।

अक्सर, पॉप संगीत की पहचान "हल्के संगीत" की प्रचलित अवधारणा से की जाती है, जो कि देखने में आसान, सार्वजनिक रूप से उपलब्ध है। ऐतिहासिक शब्दों में, हल्के संगीत को शास्त्रीय कार्यों के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है जो सामग्री में सरल हैं और सार्वभौमिक लोकप्रियता प्राप्त कर चुके हैं, उदाहरण के लिए, एफ। शुबर्ट और जे। ब्राह्म्स, एफ। लहर और जे। ऑफेनबैक द्वारा नाटक, जे। स्ट्रॉस द्वारा वाल्ट्ज और डब्ल्यू ए मोजार्ट द्वारा ए के ग्लेज़ुनोव, "लिटिल नाइट सेरेनेड"।

इस विशाल, साथ ही प्रकृति और सौंदर्य स्तर में बेहद विषम, संगीत रचनात्मकता का क्षेत्र, एक तरफ गंभीर संगीत के रूप में एक ही अभिव्यक्तिपूर्ण साधनों का उपयोग किया जाता है, दूसरी तरफ, अपने स्वयं के, विशिष्ट वाले .

40 के दशक के उत्तरार्ध में "विविधता ऑर्केस्ट्रा" शब्द का प्रस्ताव एल.ओ. उट्योसोव द्वारा किया गया था, जिससे दो अवधारणाओं को अलग करना संभव हो गया:
पॉप और जैज संगीत।

आधुनिक पॉप संगीत और जैज़ में कई सामान्य विशेषताएं हैं: ताल खंड द्वारा किए गए एक निरंतर लयबद्ध स्पंदन की उपस्थिति; मुख्य रूप से पॉप और जैज़ समूहों द्वारा किए गए कार्यों का नृत्य चरित्र। लेकिन अगर जैज़ संगीत को आशुरचना की विशेषता है, एक विशेष लयबद्ध संपत्ति स्विंग है, और आधुनिक जैज़ के रूपों को कभी-कभी समझना काफी कठिन होता है, तो पॉप संगीत को संगीत की भाषा, माधुर्य और चरम लयबद्ध सादगी की उपलब्धता से अलग किया जाता है।

पॉप वाद्य रचनाओं के सबसे सामान्य प्रकारों में से एक पॉप सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा (ईएसओ), या सिम्फोजाज़ है। हमारे देश में, ESO का गठन और विकास V. N. Knushevitsky, N. G. Minkh, Yu. V. Silantiev के नामों से जुड़ा है। विभिन्न प्रकार के सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा का प्रदर्शनों की सूची अत्यंत व्यापक है: मूल आर्केस्ट्रा के टुकड़ों और प्रसिद्ध विषयों पर कल्पनाओं से लेकर गीतों और ओपेरा की संगत तक।

अपरिहार्य ताल खंड और बड़े बैंड (सैक्सोफोन समूह और पीतल समूह) की पूर्ण पवन संरचना के अलावा, ईएसओ में सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा वाद्ययंत्रों के पारंपरिक समूह शामिल हैं - वुडविंड, हॉर्न और स्ट्रिंग्स (वायलिन, वायला, सेलोस)। ईएसओ में समूहों का अनुपात एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के करीब पहुंचता है: स्ट्रिंग समूह हावी होता है, जो ईएसओ के लिए संगीत की मुख्य रूप से मधुर प्रकृति के कारण होता है; वुडविंड एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं; ऑर्केस्ट्रेशन का सिद्धांत सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा में अपनाए गए सिद्धांत के बहुत करीब है, हालांकि लगातार स्पंदनशील ताल खंड की उपस्थिति और पीतल समूह (और कभी-कभी सैक्सोफोन) की अधिक सक्रिय भूमिका कभी-कभी जैज़ ऑर्केस्ट्रा की ध्वनि के समान होती है। ईएसओ में एक महत्वपूर्ण रंगीन भूमिका वीणा, वाइब्राफोन, टिमपनी द्वारा निभाई जाती है।

ईएसओ हमारे देश में बहुत लोकप्रिय हैं। उनके प्रदर्शन रेडियो और टेलीविजन पर प्रसारित होते हैं, वे अक्सर फिल्म संगीत का प्रदर्शन करते हैं, बड़े पैमाने पर संगीत समारोहों और समारोहों में भाग लेते हैं। कई सोवियत संगीतकार विशेष रूप से ईएसओ के लिए संगीत लिखते हैं। ये हैं ए। हां। ईशपे, आई। वी। याकुशेंको, वी। एन। लुडविकोवस्की, ओ। एन। ख्रोमुशिन, आर। एम। लेडेनेव, यू। एस। सौल्स्की, एम। एम। काज़लेव, वी। ई। टेर -लेट्स्की, ए। एस। मज़ुकोव, वी। जी। रुबाशेव्स्की, ए। वी। कलवार्स्की और अन्य।

पॉप संगीत शैली में विभिन्न प्रकार के पॉप गीत शामिल हैं: एक पारंपरिक रोमांस, एक आधुनिक गीतात्मक गीत, एक विकसित वाद्य संगत के साथ नृत्य ताल में एक गीत। कई प्रकार के पॉप गीतों को एकजुट करने वाली मुख्य बात उनके लेखकों की अधिकतम पहुंच, माधुर्य की यादगारता की इच्छा है। ऐसे लोकतंत्र की जड़ें पुराने रोमांस और आधुनिक शहरी लोककथाओं में हैं।

पॉप सॉन्ग सिर्फ शुद्ध मनोरंजन नहीं है। तो, सोवियत पॉप गीतों में, नागरिकता, देशभक्ति, शांति के लिए संघर्ष आदि के विषय ध्वनि। एफ। तुखमनोव और अन्य सोवियत संगीतकार न केवल हमारे देश में, बल्कि इसकी सीमाओं से परे भी प्यार करते हैं। सोलोविओव-सेडॉय के गीत "मॉस्को इवनिंग्स" को वास्तव में दुनिया भर में पहचान मिली। XX सदी में। विभिन्न प्रकार के नृत्य संगीत एक दूसरे के सफल हुए। तो, टैंगो, रूंबा, फॉक्सट्रॉट को रॉक एंड रोल से बदल दिया गया था, इसे बदलने के लिए ट्विस्ट एंड शेक आया, सांबा और बोसा नोवा रिदम बहुत लोकप्रिय थे। कई वर्षों से, पॉप और नृत्य संगीत में डिस्को शैली व्यापक है। यह गायन और प्लास्टिसिटी के तत्वों के साथ नीग्रो वाद्य संगीत के मिश्र धातु से उत्पन्न हुआ, लैटिन अमेरिका के पॉप गायकों की विशेषता, विशेष रूप से जमैका द्वीप से। रिकॉर्डिंग उद्योग और डिस्को के अभ्यास के साथ पश्चिमी यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में निकटता से जुड़ा, डिस्को संगीत 20 वीं शताब्दी के दूसरे भाग के पॉप और नृत्य संगीत में तेजी से बढ़ने वाले रुझानों में से एक बन गया।

नृत्य संगीत की शैली में घरेलू परंपराओं को निर्धारित करने वाले सोवियत संगीतकारों में ए। एन। त्सफ्समैन, ए। वी। वरलामोव, ए। एम। पोलोन्स्की और अन्य शामिल हैं।

समकालीन रॉक संगीत को पॉप संगीत के क्षेत्र के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है। पश्चिमी यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका की संगीत संस्कृति में, यह एक प्रवृत्ति है जो वैचारिक और कलात्मक स्तर और सौंदर्य सिद्धांतों के मामले में बहुत रंगीन है। यह सामाजिक अन्याय, सैन्यवाद, युद्ध के खिलाफ विरोध व्यक्त करने वाले कार्यों और अराजकतावाद, अनैतिकता और हिंसा का प्रचार करने वाले कार्यों द्वारा दोनों का प्रतिनिधित्व करता है। इस प्रवृत्ति का प्रतिनिधित्व करने वाले कलाकारों की संगीत शैली समान रूप से विविध है। हालांकि, उनके पास एक सामान्य आधार है, कुछ विशिष्ट विशेषताएं हैं।

इन विशेषताओं में से एक गायन, एकल और कलाकारों की टुकड़ी का उपयोग है, और, परिणामस्वरूप, पाठ, जिसमें एक स्वतंत्र सामग्री होती है, और मानव आवाज एक विशेष समय के रंग के रूप में होती है। कलाकारों की टुकड़ी या समूहों के सदस्य अक्सर वादक और गायक के कार्यों को जोड़ते हैं। प्रमुख उपकरण गिटार हैं, साथ ही विभिन्न कीबोर्ड, कम अक्सर पवन उपकरण। विभिन्न ध्वनि परिवर्तकों, इलेक्ट्रॉनिक एम्पलीफायरों द्वारा उपकरणों की ध्वनि को बढ़ाया जाता है। रॉक संगीत जैज़ संगीत से अधिक भिन्नात्मक मेट्रो-लयबद्ध संरचना में भिन्न होता है।

हमारे देश में, रॉक संगीत के तत्व मुखर और वाद्य पहनावा (VIA) के काम में परिलक्षित होते हैं।

सोवियत पॉप संगीत, अपने बड़े पैमाने पर चरित्र और व्यापक लोकप्रियता के कारण, युवा पीढ़ी की सौंदर्य शिक्षा में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई।