Glasba srednjega veka. Glasbena umetnost srednjega veka. Figurativna in pomenska vsebina. Osebnosti Glasbene zvrsti srednjega veka

18.06.2019

Glasba srednji vek - razvojno obdobjeglasbena kultura, ki traja nekaj časa od približno V do XIV stoletja n. ...
V srednjem veku v Evropi oblikuje se nova vrsta glasbene kulture - fevdalno , ki združuje profesionalno umetnost, ljubiteljsko ustvarjanje glasbe in folklora. Od cerkve prevladuje na vseh področjih duhovnega življenja, osnova profesionalne glasbene umetnosti je dejavnost glasbenikov v Ljubljani templji in samostani ... Posvetno strokovno umetnost najprej predstavljajo le pevci, ki ustvarjajo in izvajajo epske zgodbe na dvoru, v domovih plemstva, med vojaki itd. ( bards, skaldi itd.). Sčasoma se razvijajo ljubiteljske in polprofesionalne oblike ustvarjanja glasbe. viteštvo: v Franciji - umetnost trubadurjev in hlačnic (Adam de la Hal, XIII. stoletje), v Nemčiji - minnesingerji ( Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII - XIII stoletja ), pa tudi mestni obrtniki. V fevdalnih gradovih in v mestih gojijo vse vrste rodov, zvrsti in oblike pesmi (epika, »zora«, rondo, le, viirele, balade, kancone, laudas itd.).
V vsakdanje življenje prihajajo noveglasbila, vključno s tistimi, ki so prišli iz Vzhod (viola, lutnja itd.), pojavijo se ansambli (nestabilne skladbe). Folklora cveti v kmečkem okolju. Obstajajo tudi "strokovnjaki za ljudi": pravljičarji , potujoči sintetični umetniki (žonglerji, mimi, minstreli, spielmani, bufoni ). Glasba spet opravlja predvsem uporabne in duhovno-praktične funkcije. Ustvarjalnost deluje v enotnosti zizvedba(običajno pri eni osebi).
Tako v vsebini glasbe kot v njeni obliki prevladuje kolektivnost ; individualno načelo uboga splošno, ne da bi pri tem izstopalo (mojster glasbenik je najboljši predstavnik skupnosti ). Stroga vladavina v vsem tradicija in kanoničnost ... Konsolidacija, ohranjanje in distribucija tradicij in standardov.
Postopoma, čeprav počasi, se vsebina glasbe obogati, njena zvrsti, oblike , izrazna sredstva. IN Zahodna Evropa od 6. do 7. stoletja ... oblikuje se strogo urejen sistem monofonična (monodična ) na osnovi cerkvene glasbe diatonični načini ( gregorijanski napev), ki združuje recitacijo (psalmody) in petje (himne ). Na prelomu 1. in 2. tisočletja večglasje ... Novo vokalni (zborovski ) in vokalno-instrumentalni (zbor in organ) zvrsti: organum, motet, dirigent, nato masa. V Franciji v XII prvi skladateljska (ustvarjalna) šola pri Katedrala Notre Dame(Leonin, Perotin). Na prelomu renesanse (slog ars nova v Franciji in Italiji, XIV. Stoletje) v Ljubljani profesionalno glasbomonofonija je izpodrinjena večglasje , glasba se začne postopoma znebiti povsem praktičnih funkcij (služenje cerkvi obrede ), vrednost posvetni zvrsti, vključno s pesmijo ( Guillaume de Machaut).

Oživitev.

Glasba v obdobju XV-XVII stoletja.
V srednjem veku je bila glasba prerogativ Cerkve, zato je bila večina glasbenih del sveta, ki temeljijo na cerkvenih napevih (gregorijanski napev), ki so del spovedi že od samega začetka krščanstva. V začetku 17. stoletja so bile kultne melodije z neposrednim sodelovanjem papeža Gregorja I. dokončno kanonizirane. Gregorijanski napev so izvajali profesionalni pevci. Po razvoju polifonije v cerkveni glasbi je gregorijanski napev ostal tematska podlaga večglasnih kultnih del (maše, moteti itd.).

Srednjemu veku je sledila renesansa, ki je bila za glasbenike doba odkrivanja, inovativnosti in raziskovanja, renesansa vseh plasti kulturne in znanstvene manifestacije življenja od glasbe in slikarstva do astronomije in matematike.
Čeprav je glasba ostala večinoma religiozna, je sprostitev cerkvenega nadzora nad družbo skladateljem in izvajalcem odprla večjo svobodo pri izražanju svojih talentov.
Z izumom tiskarne je postalo mogoče tiskati in distribuirati notne zapise in od tega trenutka se začne tisto, čemur pravimo klasična glasba.
V tem obdobju so se pojavili novi glasbeni inštrumenti. Najbolj priljubljena so bila glasbila, na katerih so ljubitelji glasbe lahko in preprosto igrali, ne da bi za to potrebovali posebna znanja.
V tem času se je pojavila viola - predhodnica violine. Zahvaljujoč pramenom (lesene črte po vratu) je bilo enostavno igrati, njegov zvok pa je bil tih, nežen in dobro je zvenel v majhnih dvoranah.
Priljubljeni so bili tudi pihalni inštrumenti - flavta, flavta in rog. Najtežja glasba je bila napisana za novo nastalo čembalo, virginelo (majhno angleško čembalo) in orgle. Hkrati glasbeniki niso pozabili sestaviti preprostejše glasbe, ki ni zahtevala visokih izvedbenih veščin. Hkrati so se spremenile glasbene notacije: težke lesene tiskarske bloke so nadomestile premične kovinske črke, ki jih je izumil Italijan Ottaviano Petrucci. Objavljena glasbena dela so bila hitro razprodana, vedno več ljudi se je začelo ukvarjati z glasbo.
Konec renesanse je zaznamoval najpomembnejši dogodek v glasbeni zgodovini - rojstvo opere. Skupina humanistov, glasbenikov in pesnikov se je zbrala v Firencah pod okriljem svojega vodje grofa Giovanija De Bardija (1534-1612). Skupina se je imenovala "Camerata", njeni glavni člani so bili v mlajših letih Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (oče astronoma Galilea Galileija), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri in Ottavio Rinuccini.
Prvo dokumentirano srečanje skupine je bilo leta 1573, najaktivnejša leta dela "Florentinska kamerata "so bili 1577 - 1582. Verjeli so, da se je glasba" poslabšala ", in se poskušali vrniti v obliko in slog stare Grčije, saj so verjeli, da je mogoče glasbeno umetnost izboljšati in se bo s tem izboljšala tudi družba. Camerata je kritiziral obstoječo glasbo zaradi pretirane uporabe polifonije na račun razumljivosti besedila in izgube poetične komponente dela ter predlagal ustvarjanje novega glasbenega sloga, v katerem je besedilo v monodičnem slogu spremljala instrumentalna glasba. Njihovi poskusi so privedli do nastanka novega vokalno-glasbena oblika - recitativ, ki ga je najprej uporabil Emilio de Cavalieri, kasneje pa je bil neposredno povezan z razvojem opere.
Prva uradno priznanaopera Opera "Daphne" je bila prvič predstavljena leta 1598, kar ustreza sodobnim standardom. Avtorja "Daphne" sta bila Jacopo Peri in Jacopo Corsi, libreto Ottavio Rinuccini. Ta opera ni preživela. Prva preživela opera je Evridika (1600) istih avtorjev - Jacopo Peri in Ottavio Rinuccini. Ta ustvarjalna zveza je še vedno ustvarila številna dela, ki so bila večinoma izgubljena.

Zgodnja baročna glasba (1600-1654)

Ustvarjanje italijanskega skladatelja Claudija Monteverdija (1567-1643) njegovega recitatorskega sloga in dosleden razvoj italijanske opere se lahko šteje za pogojno prehodno točko med baročno in renesančno dobo. Začetek opernih predstav v Rimu in zlasti v Benetkah je pomenil priznanje in širjenje nove zvrsti po vsej državi. Vse to je bil le del širšega procesa, ki je zajel vse umetnosti, zlasti pa se je nazorno izrazil v arhitekturi in slikarstvu.
Renesančni skladatelji so bili pozorni na izdelavo vsakega dela glasbenega dela, skoraj pa niso bili pozorni na jukstapozicijo teh delov. Posamezno bi lahko vsak del zvenel odlično, vendar je bil harmoničen rezultat dodatka bolj stvar naključja kot pravilo. Pojav figuriranega basa je pokazal znatno spremembo v glasbenem razmišljanju - namreč, da je harmonija, ki "sestavlja komade", prav tako pomembna kot melodični deli (polifonija) sami. Vedno bolj sta večglasje in harmonija izgledala kot dve plati iste ideje komponiranja eufonične glasbe: pri komponiranju so bile harmonskim sekvencam pri ustvarjanju disonance namenjene enaka pozornost kot tritoni. Harmonično razmišljanje je obstajalo tudi med nekaterimi skladatelji prejšnje dobe, na primer Carlom Gesualdom, vendar je v baročni dobi postalo splošno sprejeto.
Tiste dele del, pri katerih je nemogoče jasno ločiti modaliteto od tonalnosti, je označil kot mešani dur oziroma mešani mol (pozneje je za te pojme uvedel izraza "monski dur" oziroma "monski dur"). Tabela prikazuje, kako tonska harmonija že v zgodnjem baroku praktično nadomesti harmonijo prejšnje dobe.
Italija postane središče novega sloga. Papeštvo, čeprav ujeto z bojem proti reformaciji, a kljub temu z ogromnimi finančnimi sredstvi, dopolnjenimi z vojaškimi kampanjami Habsburžanov, je iskalo priložnosti za širjenje katoliške vere s širjenjem kulturnega vpliva. Z veličastnostjo, veličino in kompleksnostjo arhitekture, likovne umetnosti in glasbe se je zdelo, da se katolištvo prepira z asketskim protestantizmom. Tudi bogate italijanske republike in kneževine so močno tekmovale v likovni umetnosti. Eno pomembnejših središč glasbene umetnosti so bile Benetke, ki so bile takrat pod laičnim in cerkvenim pokroviteljstvom.
Pomemben lik zgodnjega baroka, ki je bil na strani katolištva, nasprotoval je naraščajočemu ideološkemu, kulturnemu in družbenemu vplivu protestantizma, je bil Giovanni Gabrieli. Njegova dela spadajo v slog "visoke renesanse" (razcvet renesanse). Vendar nekatere njegove novosti na področju instrumentacije (dodelitev določenega instrumenta lastnim, specifičnim nalogam) jasno kažejo, da je bil eden od skladateljev, ki je vplival na nastanek novega sloga.
Ena od zahtev cerkve za skladbo sakralne glasbe je bila, da so besedila v delih z vokalom čitljiva. To je zahtevalo prehod s polifonije na glasbene tehnike, kjer so besede prišle do izraza. Vokal je v primerjavi s spremljavo postal bolj zapleten, cvetličen. Tako se je razvila homofonija.
Monteverde Claudio(1567-1643), italijanski skladatelj. Nič ga ni pritegnilo bolj kot izpostavljenost notranjega, duševnega sveta človeka v njegovih dramatičnih trkih in konfliktih z zunanjim svetom. Monteverdi je resnični utemeljitelj konfliktne drame tragičnega načrta. Je pravi pevec človeških duš. Vztrajno si je prizadeval za naravno izraznost glasbe. "Človeški govor je vladar harmonije in ne njen služabnik."
Orfej (1607) - Glasba opere je osredotočena na razkrivanje notranjega sveta tragičnega junaka. Njegov del je nenavadno večplasten, vanj se zlivajo različni čustveno izrazni tokovi in zvrsti. Navdušeno nagovarja svoje domače gozdove in obale ali pa v brezumnih pesmih ljudskega sloga objokuje izgubo svoje Evridike.

Zrela baročna glasba (1654-1707)

Obdobje centralizacije vrhovne oblasti v Evropi se pogosto imenuje apsolutizem. Absolutizem je dosegel vrhunec pod francoskim kraljem Ludvikom XIV. Louisu je bilo za vso Evropo vzor. Vključno z glasbo, izvedeno na dvoru. Povečana razpoložljivost glasbil (zlasti klaviatur) je dala zagon razvoju komorne glasbe.
Zreli barok se od zgodnjega baroka razlikuje po razširjenosti novega sloga in povečanem ločevanju glasbenih oblik, zlasti v operi. Tako kot v literaturi je pojav pretočnega tiskanja glasbe privedel do širitve občinstva; povečana izmenjava med središči glasbene kulture.
Izjemen predstavnik dvornih skladateljev sodišča Ludvika XIV Giovanni Battista Lully (1632-1687).Že pri 21 letih je prejel naziv "dvorni skladatelj instrumentalne glasbe". Lullyjevo ustvarjalno delo je že od samega začetka tesno povezano z gledališčem. Po organizaciji dvorne komorne glasbe in skladbi "airs de cour" je začel pisati baletno glasbo. Ludvik XIV je sam plesal v baletih, ki so bili takrat najljubša zabava dvornega plemstva. Lully je bila odlična plesalka. Imel je priložnost sodelovati v produkcijah in plesati s kraljem. Znan je po sodelovanju z Molierejem, za drame katerega je pisal glasbo. Toda glavno pri Lullyjevem delu je bilo še vedno pisanje oper. Presenetljivo je Lully ustvaril popoln tip francoske opere; tako imenovana lirična tragedija v Franciji (fr. tragedie lyrique) in je nedvomno ustvarjalno dozorela že v prvih letih svojega delovanja v operni hiši. Lully je pogosto uporabljal kontrast med veličastnim zvokom orkestrskega odseka in preprostimi recitativi in arijami. Lullyjev glasbeni jezik ni zelo zapleten, a nedvomno nov: jasnost harmonije, ritmična energija, jasnost delitve oblik, čistost teksture govorijo o zmagi načel homofoničnega mišljenja. Njegov uspeh je v veliki meri pripomogla tudi njegova sposobnost izbiranja glasbenikov za orkester in njegovo delo z njimi (sam je vodil vaje). Sestavni del njegovega dela je bila pozornost do harmonije in solističnega inštrumenta.
V Angliji je zrel barok zaznamoval briljantni genij Henryja Purcella (1659-1695). Umrl je mlad pri 36 letih, ko je napisal veliko število del in v življenju postal splošno znan. Purcell je bil seznanjen z delom Corellija in drugih italijanskih baročnih skladateljev. Njegovi pokrovitelji in kupci pa so bili ljudje drugačne vrste kot italijansko in francosko posvetno in cerkveno plemstvo, zato se Purcellovi spisi zelo razlikujejo od italijanske šole. Purcell je delal v številnih žanrih; od preprostih verskih hvalnic do pohodne glasbe, od vokalnih skladb velikega formata do odrske glasbe. Njegov katalog vsebuje več kot 800 del. Purcell je bil eden prvih skladateljev na klaviaturah, katerih vpliv sega do sodobnega časa.
Za razliko od zgornjih skladateljev Dietrich Buxtehude (1637-1707) ni bil dvorni skladatelj. Buxtehude je delal kot organist, najprej v Helsingborgu (1657-1658), nato v Elsinoru (1660-1668), nato pa od leta 1668 v cerkvi sv. Marije v Lubecku. Denar ni zaslužil z objavljanjem svojih del, ampak z izvajanjem in raje kot pokroviteljstvo plemstva s komponiranjem glasbe za cerkvena besedila in izvajanjem lastnih orgel. Na žalost niso ohranjena vsa dela tega skladatelja. Glasba Buxtehudeja je v veliki meri zgrajena na lestvici idej, bogastvu in svobodi domišljije, nagnjenosti k patetiki, dramatičnosti, nekaj oratorskih intonacij. Njegovo delo je močno vplivalo na skladatelje, kot sta J. S. Bach in Telemann.

Glasba poznega baroka (1707-1760)

Natančna meja med zrelim in poznim barokom je predmet razprave; leži nekje med letoma 1680 in 1720. Kompleksnost njene opredelitve je v majhni meri dejstvo, da so se stili v različnih državah asinhrono zamenjali; novosti, ki so bile že sprejete praviloma na enem mestu, so bile na drugem mestu nove najdbe
Oblike, odkrite v prejšnjem obdobju, so dosegle zrelost in veliko variabilnost; koncert, suita, sonata, concerto grosso, oratorij, opera in balet niso imeli več ostro izraženih nacionalnih značilnosti. Splošno sprejete sheme del so splošno sprejete: ponavljajoča se dvodelna oblika (AABB), preprosta tridelna oblika (ABC) in rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Italijanski skladatelj, rojen v Benetkah. Leta 1703 je bil posvečen v katoliškega duhovnika. V teh, medtem ko je še vedno razvijal instrumentalne zvrsti (baročna sonata in baročni koncert), je Vivaldi prispeval svoj najpomembnejši prispevek. Vivaldi je sestavil več kot 500 koncertov. Nekaterim svojim delom, na primer slavnim letnim časom, je dal tudi programske naslove.
Domenico Scarlatti (1685-1757) je bil eden vodilnih skladateljev in izvajalcev klaviature svojega časa. Morda pa je bil najbolj znan dvorni skladatelj Georg Friedrich Handel (1685-1759). Rodil se je v Nemčiji, tri leta študiral v Italiji, leta 1711 pa je zapustil London, kjer je začel svojo briljantno in poslovno uspešno kariero kot samostojni operni skladatelj, ki je izpolnjeval naročila plemstva. Handel je z neutrudno energijo predelal material drugih skladateljev in nenehno predelal svoje lastne skladbe. Na primer, znan je po tem, da je tolikokrat revidiral znameniti Mesijev oratorij, da zdaj ni nobene različice, ki bi jo lahko imenovali "verodostojna".
Po njegovi smrti je bil priznan kot vodilni evropski skladatelj, preučevali pa so ga glasbeniki iz obdobja klasicizma. Handel je v svoji glasbi mešal bogate tradicije improvizacije in kontrapunkta. Umetnost glasbene dekoracije je v njegovih delih dosegla zelo visoko stopnjo razvoja. Po vsej Evropi je prepotoval glasbo drugih skladateljev, v zvezi s čimer je imel med skladatelji drugih slogov zelo širok krog znancev.
Johann Sebastian Bach se je rodil 21. marca 1685 v mestu Eisenach v Nemčiji. V svojem življenju je sestavil več kot 1000 del v različnih žanrih, razen opere. Toda v svojem življenju ni dosegel pomembnega uspeha. Velikokrat se je Bach selil, ne enega in drugega ne previsokega položaja za drugim: v Weimarju je bil dvorni glasbenik weimarskega vojvode Johanna Ernsta, nato pa je postal inšpektor organov v cerkvi sv. Bonifacija v Arnstadtu, nekaj let kasneje sprejel položaj organista v cerkvi sv. Blasius v Mühlhausenu, kjer je delal le približno leto dni, nato pa se je vrnil v Weimar, kjer je zasedel mesto dvornega organista in organizatorja koncertov. Na tem položaju je ostal devet let. Leta 1717 je Leopold, vojvoda Anhalt-Köthen, najel Bacha kot Kapellmeistra in Bach je začel živeti in delati v Köthenu. Leta 1723 se je Bach preselil v Leipzig, kjer je ostal do svoje smrti leta 1750. V zadnjih letih svojega življenja in po Bachovi smrti je njegova slava kot skladatelja začela upadati: njegov slog je veljal za staromodnega v primerjavi z rastočim klasicizmom. Bolj znan in zapomnjen je bil kot izvajalec, učitelj in oče ml. Bachsa, predvsem Karl Philip Emanuel, čigar glasba je bila bolj znana.
Le izvedba Mendelssohnove pasije sv. Mateja, 79 let po smrti JS Bacha, je obudila zanimanje za njegovo delo. Zdaj je J.S.Bach eden najbolj priljubljenih skladateljev
Klasicizem
Klasicizem je slog in trend v umetnosti 17. - zgodnjega 19. stoletja.
Ta beseda izhaja iz latinščine classicus - zgledno. Klasicizem je temeljil na prepričanju v racionalnost bivanja, da je človeška narava harmonična. Klasiki so svoj ideal videli v starodavni umetnosti, ki je veljala za najvišjo obliko popolnosti.
V osemnajstem stoletju se začne nova stopnja v razvoju družbene zavesti - doba razsvetljenstva. Stari družbeni red se uničuje; ideje spoštovanja človekovega dostojanstva, svobode in sreče so izrednega pomena; oseba pridobi neodvisnost in zrelost, uporablja svoj um in kritično mišljenje. Ideale baročne dobe s svojim bliščem, pompom in slovesnostjo nadomešča nov življenjski slog, ki temelji na naravnosti in preprostosti. Prihaja čas za idealistična stališča Jean-Jacquesa Rousseauja, ki poziva k vrnitvi k naravi, k naravni kreposti in svobodi. Skupaj z naravo je antika idealizirana, saj so verjeli, da je v antičnih dneh ljudem uspelo poosebiti vsa človeška prizadevanja. Antična umetnost se imenuje klasična, prepoznana je kot zgledna, najbolj resnična, popolna, harmonična in za razliko od umetnosti baroka velja za preprosto in razumljivo. V središču pozornosti so skupaj z drugimi pomembnimi vidiki izobraževanje, položaj navadnih ljudi v družbenem redu, genij kot človekova lastnina.

Razum vlada tudi v umetnosti. Francoski filozof in pedagog Denis Diderot je želel poudariti visok namen umetnosti, njeno družbeno in državljansko vlogo: "Vsako kiparsko ali slikarsko delo mora izražati neko veliko življenjsko pravilo, mora poučevati."

Gledališče je bilo hkrati učbenik življenja in življenja samega. Poleg tega je v gledališču dogajanje zelo urejeno in odmerjeno; razdeljen je na dejanja in prizore, ki pa so razdeljeni na ločene replike likov, kar ustvarja ideal umetnosti, tako drag v 18. stoletju, kjer je vse na svojem mestu in je podrejeno logičnim zakonom.
Glasba klasicizma je izjemno gledališka; zdi se, da kopira gledališko umetnost in jo posnema.
Razdelitev klasične sonate in simfonije na velike odseke - dele, v katerih se odvijajo številni glasbeni "dogodki", je podobna razdelitvi predstave na akcije in prizore.
V glasbi klasične dobe je pogosto impliciran zaplet, nekakšno dejanje, ki se pred občinstvom odvija na enak način, kot se pred občinstvom odvija gledališka akcija.
Poslušalec mora le vklopiti domišljijo in v »glasbeni obleki« prepoznati like klasične komedije ali tragedije.
Tudi gledališka umetnost pomaga razložiti velike spremembe v glasbeni izvedbi, ki so se zgodile v 18. stoletju. Prej je bilo glavno mesto, kjer je zvenela glasba, tempelj: v njem je bila oseba spodaj, na velikem prostoru, kjer se mu je zdelo, da mu glasba pomaga pogledati navzgor in svoje misli posvetiti Bogu. Zdaj, v 18. stoletju, se glasba vrti v aristokratskem salonu, v plesni dvorani plemiškega posestva ali na mestnem trgu. Zdi se, da se poslušalec razsvetljenske dobe ukvarja z glasbo "na tebi" in ne doživlja več navdušenja in plahosti, ki ga je navdihnila, ko je zaslišala v templju.
Močnega, slovesnega zvoka orgel v glasbi ni več, vloga zbora se je zmanjšala. Glasba v klasičnem slogu se sliši enostavno, ima veliko manj zvokov, kot da "tehta manj" kot težka, večplastna glasba preteklosti. Zvok orgel in zbora je zamenjal zvok simfoničnega orkestra; vzvišene arije so se prepustile lahki, ritmični in plesni glasbi.
Zaradi brezmejnega prepričanja v možnosti človeškega uma in moči znanja se je 18. stoletje začelo imenovati doba razuma ali doba razsvetljenstva.
Razcvet klasicizma prihaja v 80. letih osemnajstega stoletja. Leta 1781 je J. Haydn ustvaril več inovativnih del, med drugim svoj godalni kvartet, op. 33; premiera opere V.A. Mozartova ugrabitev iz Seraglia; Izšle so drame F. Schillerja "Roparji" in "Kritika čistega razuma" I. Kanta.

Najsvetlejši predstavniki klasičnega obdobja so skladatelji dunajske klasične šole Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart in Ludwig van Beethoven... Njihova umetnost navdušuje s popolnostjo skladateljeve tehnike, humanistično usmeritvijo ustvarjalnosti in željo, še posebej oprijemljivo v glasbi W.A.Mozarta, da z glasbo prikaže popolno lepoto.

Sam koncept dunajske klasične šole je nastal kmalu po smrti L. Beethovna. Klasično umetnost odlikuje občutljivo ravnovesje med občutki in razumom, obliko in vsebino. Renesančna glasba je odražala duh in dih svoje dobe; v baročni dobi so človeške države postale predmet prikazovanja v glasbi; glasba dobe klasicizma poveličuje dejanja in dejanja osebe, čustva in občutke, ki jih je doživel, pozoren in celosten človeški um.

Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Nemški skladatelj, ki pogosto velja za največjega ustvarjalca vseh časov.
Njegovo delo pripada tako klasicizmu kot romantizmu.
Za razliko od svojega predhodnika Mozarta je imel Beethoven težave pri komponiranju. Beethovnovi zvezki prikazujejo, kako postopoma, korak za korakom, iz negotovih skic izhaja grandiozna kompozicija, zaznamovana s prepričljivo logiko gradnje in redko lepoto. Prav logika je glavni vir Beethovnove veličine, njegove neprimerljive sposobnosti organiziranja kontrastnih elementov v monolitno celoto. Beethoven izbriše tradicionalne cezure med odseki oblike, izogiba se simetriji, združuje dele cikla, iz tematskih in ritmičnih motivov razvija razširjene konstrukcije, ki na prvi pogled ne vsebujejo nič zanimivega. Z drugimi besedami, Beethoven ustvarja glasbeni prostor z močjo svojega uma, s svojo voljo. Predvideval je in ustvarjal tiste umetniške trende, ki so postali odločilni za glasbeno umetnost 19. stoletja.

Romantizem.
zajema pogojno 1800-1910
Romantični skladatelji so s pomočjo glasbenih sredstev poskušali izraziti globino in bogastvo človekovega notranjega sveta. Glasba postane bolj živahna, individualna. Razvijajo se zvrsti pesmi, vključno z baladami.
Glavni predstavniki romantike v glasbi so: Avstrija - Franz Schubert ; v Nemčiji - Ernest Theodor Hoffmann, Karl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; v
itd .................

Srednji vek je velika doba v človeški zgodovini, čas prevlade fevdalnega sistema.

Periodizacija kulture:

Zgodnji srednji vek - V - X stoletja.

Zreli srednji vek - XI - XIV stoletja

Leta 395 se je rimsko cesarstvo razdelilo na dva dela: zahodni in vzhodni. Na zahodnem delu, na ruševinah Rima v 5.-9. Stoletju, so obstajale barbarske države: Ostrogoti, Vizigoti, Franki itd. tukaj: Francija, Nemčija, Italija. Glavno mesto vzhodnega dela je bil Konstantinopel, ki ga je na mestu grške kolonije Bizant ustanovil cesar Konstantin - od tod tudi ime države.

§ 1. zahodnoevropski srednji vek

Materialno osnovo srednjega veka so tvorili fevdalni odnosi. Srednjeveška kultura se oblikuje v pogojih podeželsko posestvo... V prihodnosti postaja družbena osnova kulture urbano okolje - meščani. Z nastankom držav nastanejo glavni stanovi: duhovščina, plemstvo, ljudstvo.

Umetnost srednjega veka je tesno povezana z cerkev . Krščansko veroizpoved- osnova filozofije, etike, estetike, celotnega duhovnega življenja tega časa. Napolnjena z versko simboliko, je umetnost usmerjena iz zemeljskega, prehodnega - v duhovno, večno.

Skupaj z uradna cerkev kultura (visoka) obstajala posvetni kultura (množica) - folklora(nižji družbeni sloji) in viteški(sodno).

Glavna žarišča strokovno glasba zgodnjega srednjega veka - katedrale, pevske šole z njimi, samostani - edina izobraževalna središča tistega časa. Učili so se grščine in latinščine, aritmetike in glasbe.

Rim je bil v srednjem veku glavno središče cerkvene glasbe v zahodni Evropi. Konec 6. - začetek 7. stoletja. nastaja glavna raznolikost zahodnoevropske cerkvene glasbe - Gregorijanski napev , poimenovano po papežu Gregorju I., ki je izvedel reformo cerkvenega petja, združil in naročil različne cerkvene napeve. Gregorijanski napev - monofonična Katoliški spev, v katerem so se stopile stoletne pevske tradicije različnih bližnjevzhodnih in evropskih ljudstev (Sircev, Judov, Grkov, Rimljanov itd.). Ravno gladko monofonsko razpletanje ene same melodije je bilo poklicano, da pooseblja eno samo voljo, smer pozornosti župljanov v skladu z katoliškimi dogmami. Znak glasbe je strog, neoseben. Koral je izvedel refren (od tod tudi ime), nekatere sekcije solist. Prevladuje gibanje naprej na podlagi diatoničnih načinov. Gregorijansko petje je dopuščalo številne stopnje, od zelo počasnega zborovske psalmodije in konča obletnice(melizmatično skandiranje zloga), ki za njihovo izvedbo zahteva virtuozno vokalno spretnost.

Gregorijansko petje poslušalca odtuje od resničnosti, vzbuja ponižnost, vodi v kontemplacijo, mistično nevezanost. Ta učinek olajša tudi besedilo na Latinščina, nerazumljiva večina faranov. Ritam petja je določal tekst. Je nejasen, nedoločen zaradi narave naglasov deklamacije besedila.

Številne sorte gregorijanskega petja so bile združene v glavnem čaščenju katoliške cerkve - Maša, v katerem je postavljenih pet stabilnih delov:

Kyrie Eleison(Gospod usmili se)

Gloria(slava)

Credo(Verjamem)

Sanctus(sveto)

Agnus Dei(božje jagnje).

Sčasoma se elementi ljudske glasbe začnejo pronicati skozi gregorijansko petje himne, zaporedja in poti.Če je psalmode izvajal poklicni pevski zbor pevcev in duhovnikov, so pesmi najprej izvajali župljani. Bili so vložki v uradno bogoslužje (imeli so značilnosti ljudske glasbe). Toda kmalu so pesniški deli maše začeli izpodrivati psalmodične, kar je privedlo do nastopa večglasna masa.

Prva zaporedja so bila podtekst melodije obletnice, tako da bi imel en zvok melodije ločen zlog. Zaporedje postane široko razširjena zvrst (najbolj priljubljena « Veni, sancte spiritus» , « Umre irae», « Stabat mater» ). "Dies irae" so uporabljali Berlioz, Liszt, Čajkovski, Rahmanjinov (zelo pogosto kot simbol smrti).

Prvi primeri polifonije prihajajo iz samostanov - organum(gibanje vzporednih petin ali kvartov), gimel, foburdon(vzporedni šesti akordi), cev... Skladatelja: Leonin in Perotin (12.-13. Stoletje - katedrala Notre Dame).

Prevozniki posvetni ljudski glasba v srednjem veku so bili mimike, žonglerji, ministranti v Franciji, spielmans- v državah nemške kulture, holars - v Španiji, bufoni - v Rusiji. Ti potujoči umetniki so bili vsestranski mojstri: kombinirali so petje, ples, igranje različnih instrumentov z magijo, cirkuško umetnostjo in lutkarstvom.

Druga stran sekularna kultura je bil viteška (dvorna) kultura (kultura posvetnih fevdalcev). Skoraj vsi plemeniti ljudje so bili vitezi - od ubogih bojevnikov do kraljev. Oblikuje se poseben viteški zakonik, po katerem je moral vitez skupaj s pogumom in hrabrostjo imeti izvrstne manire, biti izobražen, radodaren, radodaren, zvesto služiti Lepi dami. Vsi vidiki viteškega življenja se odražajo v glasbeni umetnosti in poeziji trubadurji(Provansa - južna Francija) , težave(severna Francija), minnesingerji(Nemčija). Umetnost trubadurjev je povezana predvsem z ljubezenskimi besedili. Najbolj priljubljena zvrst ljubezenskih besedil je bila canzona(med minnesingerji - "Jutranje pesmi" - Albe).

Truvers, ki je obilno izkoristil izkušnje trubadurjev, je ustvaril svoje izvirne zvrsti: " tkanje pesmi», « Majske pesmi". Pomembno področje glasbenih zvrsti trubadurjev, truverjev in minisingerjev je bilo zvrsti pesmi in plesa: rondo, balada, viirele(refrenske oblike) in junaški ep(Francoski ep "Pesem o Rolandu", nemščina - "Pesem o Nibelungih"). Minnesingerji so imeli skupno pesmi križarjev.

Značilnosti umetnosti trubadurjev, hlačnic in minisingerjev:

Monofonija- je posledica neločljive povezave melodije s pesniškim besedilom, ki izhaja iz samega bistva glasbene in pesniške umetnosti. Monofonija je ustrezala tudi postavitvi za individualizirano izražanje lastnih izkušenj, za osebno oceno vsebine izreka (pogosto je bilo izražanje osebnih izkušenj uokvirjeno z orisanjem slik narave).

Večinoma vokalni nastop. Vloga inštrumentov ni bila pomembna: zmanjšala se je na izvedbo uvodov, vmesnih del in postludij, ki so uokvirjali vokalno melodijo.

O viteški umetnosti še ne moremo govoriti kot o profesionalni, a prvič v pogojih posvetni Predvajanje glasbe je ustvarilo močno glasbeno in poetično smer z razvitim kompleksom izraznih sredstev in sorazmerno dovršenim glasbenim zapisom.

Eden pomembnih dosežkov zreli srednji vek, od X-XI stoletja je bilo urbani razvoj(meščanska kultura) . Glavne značilnosti urbane kulture so bile protisrkvena, svobodoljubna usmerjenost, povezanost s folkloro, njen smeh in pustni značaj. Razvija se gotski arhitekturni slog. Nastale so nove polifonične zvrsti: od 13. do 14. stoletja do 16. stoletja. - motet(iz francoščine - »beseda.« Za motet je tipična melodična različnost glasov, ki istočasno napenjajo različna besedila - pogosto celo v različnih jezikih), madrigal(iz italijanščine - "pesem v maternem jeziku", tj. italijanščina. Besedila so ljubezensko-lirična, pastirska), kaccha(iz italijanščine - "lov" - vokalni del na besedilu, ki prikazuje lov).

Potujoči ljudski glasbeniki prehajajo iz nomadskega načina življenja v sedeči, naseljujejo celotne mestne bloke in tvorijo neke vrste "glasbene delavnice". Od 12. stoletja so se pridružili ljudski glasbeniki vaganti in goliardi- deklasirani ljudje iz različnih razredov (šolarji, ubežni menihi, potujoči klerikalci). V nasprotju z nepismenimi žonglerji - tipičnimi predstavniki umetnosti ustnega izročila - so bili vagani in goliarji pismeni: poznali so latinščino in pravila klasične verzifikacije, sestavljali glasbo - pesmi (krog podob je povezan s šolsko znanostjo in študentom življenje) in celo zapletene skladbe, kot so dirigenti in moteti ...

Pomembno središče glasbene kulture je postalo univerze. Glasba oziroma glasbena akustika je skupaj z astronomijo, matematiko, fiziko vstopila v kvadrij, tj. cikel štirih disciplin, ki so jih študirali na univerzah.

Tako so v srednjeveškem mestu obstajala središča glasbene kulture različne narave in družbene usmeritve: združenja ljudskih glasbenikov, dvorna glasba, glasba samostanov in katedral, univerzitetna glasbena praksa.

Glasbena teorija srednjega veka je bila tesno povezana s teologijo. V nekaj glasbeno-teoretskih razpravah, ki so prišle do nas, so na glasbo gledali kot na "služabnika cerkve". Med vidnejšimi razpravami zgodnjega srednjega veka izstopajo 6 Avguštinovih knjig "O glasbi", 5 Boethiusovih "O ustanovitvi glasbe" in drugih. Veliko mesto v teh razpravah je bilo namenjeno abstraktnim šolskim vprašanjem, doktrini kozmično vlogo glasbe itd.

Sistem srednjeveških preč so razvili predstavniki cerkvene poklicne glasbene umetnosti - zato je bilo srednjeveškim prekam dodeljeno ime "cerkvene prečke". Kot glavni način sta bila vzpostavljena jonski in eolski jezik.

Glasbena teorija srednjega veka je predstavila nauk o heksakordih. V vsakem prečku je bilo v praksi uporabljenih 6 stopinj (na primer: do, re, mi, fa, sol, la). X se je potem izognil, ker skupaj s fa je oblikoval povečano četrtino, ki je veljala za zelo disonančno in jo v prenesenem pomenu imenovala "hudič v glasbi".

Neveljaven posnetek je bil široko uporabljen. Guido Aretinsky izboljšal sistem notnega zapisa. Bistvo njegove reforme je bilo naslednje: prisotnost štirih vrstic, tretje razmerje med posameznimi vrsticami, ključni znak (prvotno po abecedi) ali barvanje črt. Uvedel je tudi zlogovni zapis za prvih šest stopinj lestvice: ut, re, mi, fa, sol, la.

Predstavljen menzuralni zapis, kjer je bil vsaki noti dodeljena določena ritmična mera (lat. mensura - mera, merjenje). Ime trajanja: maksim, dolg, breve itd.

XIV stoletje - prehodno obdobje med srednjim vekom in renesanso. Umetnost Francije in Italije XIV stoletja je dobila ime " Ars nova«(Iz lat. - nova umetnost), v Italiji pa je imel vse lastnosti zgodnje renesanse. Glavne značilnosti: zavrnitev uporabe izključno zvrsti cerkvene glasbe in privlačnost sekularnih vokalnih in instrumentalnih komornih zvrsti (balada, kača, madrigal), zbliževanje z vsakodnevnim pisanjem pesmi, uporaba različnih glasbil. Ars nova je nasprotje t.i. ars antiqua (lat. ars antiqua - stara umetnost), kar pomeni glasbena umetnost pred začetkom XIV. Največji predstavniki ars nova so bili Guillaume de Machaut (14. stoletje, Francija) in Francesco Landino (14. stoletje, Italija).

Tako glasbena kultura srednjega veka kljub relativno omejenim sredstvom predstavlja višjo raven v primerjavi z glasbo starodavnega sveta in vsebuje predpogoje za veličasten razcvet glasbene umetnosti v renesansi.

Od XII. v umetnosti se odraža antiteza, značilna za estetiko srednjega veka, ko sakralna glasba - »nova pesem« nasprotuje »stari«, torej poganski glasbi. Hkrati je bila instrumentalna glasba v zahodni in vzhodni krščanski tradiciji manj vreden pojav kot petje.

"Maastrichtska knjiga ur", maastrichtski obred. Prva četrtina 14. stoletja. Nizozemska, Liege. Britanska knjižnica. Stowe MS 17, f.160r / Podrobnost miniature iz Maastrichtskih ur, Nizozemska (Liège), 1. četrtina 14. stoletja, Stowe MS 17, f.160r.

Glasba je neločljiva od počitnic. Potujoči igralci so v srednjeveški družbi povezani s prazniki - profesionalnimi zabavami in zabavljači. Ljudje te obrti, ki so si pridobili ljudsko ljubezen, so v pisnih spomenikih imenovali drugače. Po tradiciji so cerkveni avtorji uporabljali klasična rimska imena: mime / mimus, pantomim / pantomimus, histrion / histrio. Latinski izraz joculator je bil splošno sprejet - joker, zabava, joker. Zabavljači so se imenovali plesalci / saltator; šaljivke / balatro, scurra; glasbeniki / musicus. Glasbenike so odlikovali vrste instrumentov: citharista, cymbalista itd. Posebno razširjeno je bilo francosko ime "žongler" / jongleur; v Španiji ji je ustrezala beseda "huglar" / junglar; v Nemčiji - "spielman" / Spielmann, v Rusiji - "buffoon". Vsa ta imena so praktično sopomenke.

O srednjeveških glasbenikih in glasbi - na kratko in fragmentarno.

2.

Maastrichtska knjiga ur, BL Stowe MS 17, f.269v

Ilustracije so iz nizozemskega rokopisa iz prve četrtine 14. stoletja, "Maastrichtske knjige ur" Britanske knjižnice. Slike robnih meja omogočajo presojo o strukturi glasbil in mestu glasbe v življenju.

Potujoči glasbeniki si od 13. stoletja vse bolj prizadevajo po gradovih in mestih. Skupaj z vitezi in predstavniki duhovščine dvorni ministranti obkrožajo svoje kronane pokrovitelje umetnosti. Glasbeniki in pevci so nepogrešljivi udeleženci zabave prebivalcev viteških gradov, spremljevalci ljubečih gospodov in dam.

3.

f.192v

Tam so trobe in pozavne zagrmele kot grom
In flavte in cevi so zvonile s srebrom,
Zvok harf in violin je spremljal petje,
In pevke so za svojo vnemo prejele veliko novih oblek.

[Kudruna, nemška epska pesem iz 13. stoletja]

4.

f.61v

Teoretična in praktična glasba je bila vključena v program usposabljanja idealnega viteza, cenjena je bila kot plemenita rafinirana zabava. Še posebej so jim bile všeč melodična viola z njenimi akordi in melodično harfo. Vokalni solo so z igranjem viole in harfe spremljali ne le žonglerji - profesionalni izvajalci, ampak tudi znani pesniki in pevci:

»Tristram je bil zelo sposoben študent in je kmalu do popolnosti obvladal sedem glavnih umetnosti in številne jezike. Nato je študiral sedem vrst glasbe in zaslovel kot slavni glasbenik, ki mu ni bilo enakega "

[Saga o Tristramu in Isondi, 1226]

5.

f.173v

Tristan in Isolde sta v vseh literarnih fiksacijah legende spretna harfa:

Ko je zapel, je igrala
Potem ga je zamenjala ...
In če je eden pel, drugi
Z roko je udaril po harfi.
In pesem polna hrepenenja
In zvoki godal izpod roke
Zbližali v zraku in tam
Skupaj smo odleteli v nebesa.

[Gottfried iz Strasbourga. Tristan. Prva četrtina 13. stoletja]

6.

f.134r

Iz "biografij" provansalskih trubadurjev je znano, da so nekateri improvizirali na inštrumentih, nato pa so jih imenovali "violar".

7.

f.46r

Sveti rimski cesar nemškega naroda Friderik II. Staufen (1194-1250) je "igral različne inštrumente in bil usposobljen za petje"

8.

f.103r

Na harfe, viole in druge inštrumente so praviloma igrale tudi ženske - žonglerke, občasno - dekleta iz plemiških družin in celo višje osebe.

Torej, francoski dvorni pesnik XII. je zapela vielist kraljica: »Kraljica sladko poje, njena pesem se zlije z glasbilom. Pesmi so dobre, roke so lepe, glas je nežen, zvoki so tihi. "

9.

f.169v

Glasbeni inštrumenti so bili raznoliki in se postopoma izboljševali. Sorodni instrumenti iste družine so oblikovali številne sorte. Strogega poenotenja ni bilo: njihove oblike in velikosti so bile v veliki meri odvisne od želje glavnega proizvajalca. V pisnih virih so imeli enaki instrumenti pogosto različna imena ali, nasprotno, različni tipi so bili skriti pod istimi imeni.

Slike glasbenih inštrumentov niso povezane z besedilom - nisem strokovnjak za to zadevo.

10.

f.178v

Skupina godalnih inštrumentov je bila razdeljena na družine inštrumentov z gudalom, lutnjo in harfo. Strune so bile narejene iz zvitega ovčjega črevesja, konjske žime ali svilenih niti. Od XIII stoletja. vse bolj so bili iz bakra, jekla in celo srebra.

Uklonjene strune, ki so imele prednost drsnega zvoka z vsemi poltoni, so bile najprimernejše za spremljanje glasu.

Pariški mojster glasbe iz 13. stoletja Johann de Groheo / Groceio je violo postavil na prvo mesto med godali: na njej "so vse glasbene oblike bolj prefinjeno prenesene", vključno s plesom

11.

f.172r

Nemški pesnik Ulrich von Eschenbach je v epskem epu "Wilhelm von Wenden" (1290) naslikal dvorno veselico:

Iz vsega, kar sem do zdaj slišal,
Viela je vredna samo pohvale;
Koristno ga je poslušati vsem.
Če je vaše srce ranjeno,
Ta muka bo ozdravljena
Od nežne sladkobe zvoka.

Glasbena enciklopedija [M.: Sovjetska enciklopedija, sovjetski skladatelj. Ed. Yu. V. Keldysh. 1973-1982] poroča, da je viela eno najpogostejših imen srednjeveških ločenih instrumentov. Ne vem, kaj je mislil Ulrich von Eschenbach.

12.

f.219v. S klikom na sliko - orodje je večje

14.

f.216v

V idejah ljudi srednjega veka je bila instrumentalna glasba večplastna, polarnih lastnosti in je vzbujala neposredno nasprotna čustva.

"Nekatere premakne v prazno veselje, druge v čisto nežno veselje in pogosto do svetih solz." [Petrarka].

15.

f.211v

Veljalo je, da dobro obnašana in zadržana glasba, ki mehča moralo, uvaja duše v božansko harmonijo, olajša razumevanje skrivnosti vere.

16.

f.236v

Nasprotno, vznemirljive orgijske melodije kvarijo človeštvo, vodijo do kršitve Kristusovih zapovedi in dokončne obsodbe. Skozi nebrzdano glasbo v srce vstopijo mnogi poroki.

17.

f.144v

Cerkveni hierarhi so sledili naukom Platona in Boetija, ki sta jasno ločevala idealno, vzvišeno "harmonijo neba" in vulgarno, nespodobno glasbo.

18.

f.58r

Pošastni glasbeniki, s katerimi je polnih področij gotskih rokopisov, vključno z Maastrichtsko knjigo ur, so utelešenje grešnosti histrionske obrti, ki so bili hkrati glasbeniki, plesalci, pevci, trenerji živali, pripovedovalci zgodb itd. Histrione so razglasili za "Satanove služabnike".

19.

f.116r

Groteskna bitja igrajo na resničnih ali smešnih instrumentih. Iracionalen svet navdihnjenih glasbenih hibridov je grozljiv in smešen hkrati. "Nadrealistični" zli duhovi, ki prevzamejo nešteto oblik, odnašajo in varajo z zavajajočo glasbo.

20.

f.208v

V začetku XI stoletja. Notker Lips je po Aristotelu in Boetiju izpostavil tri lastnosti človeka: razumno bitje, smrtno, ki se zna smejati. Notker je imel za osebo, ki se je sposobna smejati in izzivati smeh.

21.

f.241r

Gledalce in poslušalce so med prazniki med drugim zabavali glasbeni ekscentriki, ki so parodirali in s tem sprožili »resne« številke.

V rokah smeha podcenjevalcev v "svetu navznoter", kjer so se običajni odnosi obrnili na glavo, so se na videz najbolj "neprimerni" za igranje glasbenih predmetov začeli "zvoniti" kot inštrumenti.

22.

f.92v. Telo zmaja izvira izpod oblačil glasbenika, ki igra petelina.

Uporaba predmetov v zanje nenavadni vlogi je ena od tehnik bufonskih stripov.

23.

f.145v

Fantastično ustvarjanje glasbe je ustrezalo pogledom na proslave na prostem, ko so bile običajne meje med predmeti izbrisane, je vse postalo nestabilno, relativno.

24.

f.105v

V stališčih intelektualcev iz XII-XIII stoletja. nastala je določena harmonija med breztelesnim svetim duhom in neovirano vedrino. Mirno, razsvetljeno "duhovno veselje", zapoved nenehnega "veselja v Kristusu" je značilno za privržence Frančiška Asiškega. Frančišek je menil, da nenehna žalost ni prijetna Gospodu, temveč hudiču. V staroprovansalski poeziji je veselje ena najvišjih dvornih vrlin. Njen kult izhaja iz življenjsko potrjujočega pogleda na svet trubadurjev. "V kulturi mnogih tonov resni toni zvenijo tudi drugače: refleksi smejalnih tonov padejo nanje, izgubijo svojo ekskluzivnost in edinstvenost, dopolnjuje jih smejoči se vidik."

25.

f.124v

Potreba po legalizaciji smeha in šal ni izključila boja proti njim. Verniki vere so žonglerje označili za »člane hudičeve skupnosti«. Hkrati so spoznali, da čeprav je žonglerstvo žalostna obrt, saj morajo vsi živeti, in to tudi pod pogojem, da se upošteva spodobnost.

26.

f.220r

»Glasba ima veliko moč in vpliv na strasti duše in telesa; v skladu s tem se razlikujejo napevi ali glasbeni načini. Navsezadnje so nekateri izmed njih takšni, da s svojo rednostjo poslušalce spodbudijo k poštenemu, brezmadežnemu, skromnemu in pobožnemu. "

[Nikolaj Orem. Razprava o konfiguraciji lastnosti. XIV stoletje.]

27.

f.249v

"Timpani, lutnje, harfe in citare
Bili so vroči in pari so se prepletali
V grešnem plesu
Igra celo noč
Jejte in pijte do jutra.
Tako so zabavali mamona v obliki prašiča
In v templju so se vozili satansko. "

[Chaucer. Canterburyjske zgodbe]

28.

f.245v

Posvetne melodije, ki nas "žgečkajo po ušesu in varajo um, nas oddaljujejo od dobrega" [Janez Zlatousti], je veljal za produkt grešne telesnosti, iznajdljivo hudičevo stvaritev. Z njihovim koruptivnim vplivom se je treba boriti s pomočjo strogih omejitev in prepovedi. Kaotična kaotična glasba peklenskih elementov je del svetovne "liturgije navznoter", "čaščenja idolov".

29.

f.209r

Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) priča o vitalnosti takšnih pogledov in se spominja stolnega nadžupana Hlynovska, majhnega mesta v provinci Saratov.

»Za nas, diplomante, je naredil ekskurzijo na umetniško področje, predvsem v glasbo: - Ampak igralo bo, - in hudiči pod nogami in se bodo začeli mešati ... In če začnete peti pesmi, - tako od vaša grla demonska repa in se bodo vzpenjali in se bodo vzpenjali. "

30.

f.129r

In na drugem polu. Razburljiva glasba visokega ideala, ki izvira iz Svetega Duha, je bila glasba sfer mišljena kot utelešenje nezemeljske harmonije vesolja, ki ga je ustvaril Stvarnik - od tod osem tonov gregorijanskega napeva in podoba harmonijo v krščanski cerkvi. Razumna in sorazmerna kombinacija različnih zvokov je pričala o enotnosti dobro opremljenega božjega mesta. Harmonično sozvočje sozvočij je simboliziralo harmonično soodvisnost elementov, letnih časov itd.

Pravilna melodija razveseljuje in izboljšuje duha; gre za "klic na dvignjen način življenja, poučevanje tistih, ki so predani kreposti, naj ne dovolijo ničesar glasbenega, neskladnega, neskladnega s svojo moralo" [Gregory Nyssa, IV. Stoletje]

Opombe / Literatura:
Kudrun / Ed. pripravi R. V. Frenkel. M., 1983. S. 12.
Legenda o Tristanu in Izoldi / ur. pripravi A. D. Mikhailov. M., 1976. S. 223; Str. 197, 217.
Pesem Nibelungov / Per. Yu. B. Korneeva. L., 1972. S. 212. Na vrtovih in grajskih palačah so zvenele "najslajše melodije" ministrantov.
Glasbena estetika zahodnoevropskega srednjega veka in renesanse / Comp. besedila V. P. Shestakov. M., 1966. S. 242
Struve B. A. Proces nastajanja viol in violin. M., 1959, str. 48.
CülkeP. Mönche, Bürger, Minnesänger. Leipzig, 1975. S. 131
Darkevič V. P. Ljudska kultura srednjega veka: posvetno praznično življenje v umetnosti 9.-16. Stoletja. - M.: Nauka, 1988. S. 217; 218; 223.
Estetika renesanse / Comp. V. P. Šestakov. M., 1981. T. 1. P. 28..
Gurevich A. Ya. Problemi srednjeveške ljudske kulture. P. 281.
Bakhtin M. Estetika besedne ustvarjalnosti. M., 1979. S. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlynovsk. Evklidov prostor. Samarkand. L., 1970.S 41.
Averintsev S. S. Poetika zgodnje bizantinske literature. M., 1977. S. 24, 25.

Viri za besedilo:
Darkevič Vladislav Petrovič. Poslovno praznično življenje srednjega veka IX-XVI stoletja. Druga izdaja, povečana; M.: Založba "Indrik", 2006.
Darkevič Vladislav Petrovič. Ljudska kultura srednjega veka: posvetno praznično življenje v umetnosti 9.-16. - M.: Nauka, 1988.
V. P. Darkevič. Parodijski glasbeniki v miniaturah gotskih rokopisov // "Umetniški jezik srednjega veka", M., "Znanost", 1982.
Boetij. Navodila za glasbo (odlomki) // "Glasbena estetika zahodnoevropskega srednjega veka in renesanse" M.: "Glasba", 1966
+ povezave v besedilu

Drugi vnosi z ilustracijami iz Maastrichtske knjige ur:

P.S. Marginalije - risbe na poljih. Verjetno bi bilo natančneje nekatere ilustracije za del strani označiti za miniaturo.

Glasba srednjega veka je obdobje razvoja glasbene kulture, ki zajema časovno obdobje od približno 5. do 14. stoletja n.

Srednji vek je velika doba v človeški zgodovini, čas prevlade fevdalnega sistema.

Periodizacija kulture:

Zgodnji srednji vek - V - X stoletja

Zrel srednji vek - XI - XIV stoletja

V srednjem veku se v Evropi pojavlja nova vrsta glasbene kulture - fevdalna, ki združuje profesionalno umetnost, ljubiteljsko glasbeno ustvarjanje in folkloro. Ker cerkev prevladuje na vseh področjih duhovnega življenja, je osnova profesionalne glasbene umetnosti dejavnost glasbenikov v templjih in samostanih. Posvetno poklicno umetnost sprva predstavljajo samo pevci, ki ustvarjajo in izvajajo epske pripovedi na dvoru, v domovih plemstva, med bojevniki itd. (Bards, skalds itd.). Sčasoma se razvijajo ljubiteljske in polprofesionalne oblike viteškega igranja: v Franciji - umetnost trubadurjev in truferjev (Adam de la Hal, XIII. Stoletje), v Nemčiji - Minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII -XIII stoletja), pa tudi mestni obrtniki. V fevdalnih gradovih in v mestih se gojijo vse vrste rodov, zvrsti in oblik pesmi (epski, »zora«, rondo, le, viirele, balade, kancone, lavde itd.).

V vsakdanje življenje prihajajo nova glasbila, vključno s tistimi, ki so prišla z vzhoda (viola, lutnja itd.), Pojavljajo se ansambli (nestabilne skladbe). Folklora cveti v kmečkem okolju. Igrajo tudi "ljudski profesionalci": pripovedovalci zgodb, potepuški umetniki sintetike (žonglerji, mimiki, ministranti, špilmani, baloni). Glasba spet opravlja predvsem uporabne in duhovno-praktične funkcije. Ustvarjalnost se pojavi v enotnosti z nastopom (običajno v eni osebi).

Postopoma, čeprav počasi, se vsebina glasbe, njene zvrsti, oblike, izrazna sredstva bogatijo. V zahodni Evropi od 6. do 7. stoletja. oblikoval se je strogo urejen sistem monofonske (monodne) cerkvene glasbe, ki temelji na diatoničnih modusih (gregorijansko petje), ki združuje recitacijo (psalmody) in petje (himne). Na prelomu 1. in 2. tisočletja nastane polifonija. Oblikujejo se novi vokalni (zborovski) in vokalno-instrumentalni (zborovski in orgelski) žanri: organum, motet, dirigent, nato maša. V Franciji je bila v XII. Stoletju v katedrali Notre-Dame (Leonin, Perotin) ustanovljena prva skladateljeva (ustvarjalna) šola. Na prelomu renesanse (slog ars nova v Franciji in Italiji, XIV. Stoletje) v profesionalni glasbi monofonijo izpodriva večglasje, glasba se začne postopoma osvobajati povsem praktičnih funkcij (servisiranje cerkvenih obredov), pomena sekularnih žanrov , vključno z zvrstmi pesmi, se v njej povečuje (Guillaume de Machaut).

Materialno osnovo srednjega veka so tvorili fevdalni odnosi. Srednjeveška kultura se oblikuje v razmerah podeželskega posestva. V prihodnosti mestno okolje - meščani - postane družbena osnova kulture. Z nastankom držav nastanejo glavni stanovi: duhovščina, plemstvo, ljudstvo.

Umetnost srednjega veka je tesno povezana s cerkvijo. Krščanska vera je osnova filozofije, etike, estetike in celotnega duhovnega življenja tega časa. Napolnjena z versko simboliko, je umetnost usmerjena iz zemeljskega, prehodnega - v duhovno, večno.

Poleg uradne cerkvene kulture (visoka) je obstajala posvetna kultura (množična) - folklora (iz nižjih družbenih slojev) in viteška (dvorska).

Glavna središča poklicne glasbe zgodnjega srednjega veka so bile katedrale, z njimi skandiranje šol, samostani - edina izobraževalna središča tistega časa. Učili so se grščine in latinščine, aritmetike in glasbe.

Rim je bil v srednjem veku glavno središče cerkvene glasbe v zahodni Evropi. Konec 6. - začetek 7. stoletja. nastaja glavna sorta zahodnoevropske cerkvene glasbe - gregorijanski koral, poimenovan po papežu Gregorju I., ki je izvedel reformo cerkvenega petja, združil in naročil različne cerkvene napeve. Gregorijanski koral je monofonski katoliški koral, v katerem so se stopile stoletne pevske tradicije različnih bližnjevzhodnih in evropskih ljudstev (Sircev, Judov, Grkov, Rimljanov itd.). Ravno gladko monofonsko razpletanje ene same melodije je bilo poklicano, da pooseblja eno samo voljo, smer pozornosti župljanov v skladu z katoliškimi dogmami. Znak glasbe je strog, neoseben. Koral je izvedel refren (od tod tudi ime), nekatere sekcije solist. Prevladuje gibanje naprej na podlagi diatoničnih načinov. Gregorijansko petje je omogočilo številne stopnjevanja, od zelo počasne zborovske psalmodije do obletnic (melizmatično petje zloga), ki so za njihovo izvedbo zahtevale virtuozno vokalno znanje.

Gregorijansko petje poslušalca odtuje od resničnosti, vzbuja ponižnost, vodi v kontemplacijo, mistično nevezanost. Ta vpliv olajša tudi besedilo v latinščini, ki je za večino župljanov nerazumljivo. Ritam petja je določal tekst. Je nejasen, nedoločen zaradi narave naglasov deklamacije besedila.

Različne vrste gregorijanskega petja so bile združene v glavnem bogoslužju katoliške cerkve, maši, v kateri je bilo ustanovljenih pet stabilnih delov:

Kyrie eleison (Gospod, usmili se)

Gloria (slava)

Credo (verjamem)

Sanctus (sveti)

Agnus Dei (božje jagnje).

Sčasoma se elementi ljudske glasbe začnejo skozi himne, sekvence in trope pronicati v gregorijanski koral. Če je psalmode izvajal poklicni pevski zbor pevcev in duhovnikov, so pesmi najprej izvajali župljani. Bili so vložki v uradno bogoslužje (imeli so značilnosti ljudske glasbe). Toda kmalu so hvalospevi mase začeli izpodrivati psalmodične, kar je privedlo do pojava večglasne mase.

Prva zaporedja so bila podtekst melodije obletnice, tako da bi imel en zvok melodije ločen zlog. Zaporedje postaja vse bolj razširjena zvrst (najbolj priljubljene so "Veni, sancte spiritus", "Dies irae", "Stabat mater"). "Dies irae" so uporabljali Berlioz, Liszt, Čajkovski, Rahmanjinov (zelo pogosto kot simbol smrti).

Prvi primeri večglasja prihajajo iz samostanov - organum (gibanje v vzporednih petinah ali kvartah), gimel, foburdon (vzporedni šesti akordi), dirigiranje. Skladatelja: Leonin in Perotin (12.-13. Stoletje - katedrala Notre Dame).

Nosilci posvetne ljudske glasbe v srednjem veku so bili mimi, žonglerji, ministranti v Franciji, spielmani v državah nemške kulture, hohlarji v Španiji, baloni v Rusiji. Ti potujoči umetniki so bili vsestranski mojstri: kombinirali so petje, ples, igranje različnih instrumentov z magijo, cirkuško umetnostjo in lutkarstvom.

Druga plat posvetne kulture je bila viteška (dvorna) kultura (kultura posvetnih fevdalcev). Skoraj vsi plemeniti ljudje so bili vitezi - od ubogih bojevnikov do kraljev. Oblikuje se poseben viteški zakonik, po katerem je moral vitez skupaj s pogumom in hrabrostjo imeti izvrstne manire, biti izobražen, radodaren, radodaren, zvesto služiti Lepi dami. Vsi vidiki viteškega življenja se odražajo v glasbeni in poetični umetnosti trubadurjev (Provansa - južna Francija), truvers (severna Francija), minnesingerjev (Nemčija). Umetnost trubadurjev je povezana predvsem z ljubezenskimi besedili. Najbolj priljubljena zvrst ljubezenskih besedil je bila canzona (med minnesingerji - "Morning Songs" - Albs).

Truverji, ki so v veliki meri uporabili izkušnje trubadurjev, so ustvarili lastne izvirne zvrsti: "tkalske pesmi", "majske pesmi". Pomembno področje glasbenih zvrsti trubadurjev, truferjev in minnesingerjev so bili žanri pesmi in plesa: rondo, balada, viirele (refrene oblike), pa tudi junaški ep (francoski epski "Song of Roland", nemški - "Song of the" Nibelungi "). Križarske pesmi so bile pogoste med pesniki.

Značilnosti umetnosti trubadurjev, hlačnic in minisingerjev:

Monofonija je posledica neločljive povezanosti melodije in pesniškega besedila, ki izhaja iz samega bistva glasbene in pesniške umetnosti. Monofonija je ustrezala tudi postavitvi za individualizirano izražanje lastnih izkušenj, za osebno oceno vsebine izreka (pogosto je bilo izražanje osebnih izkušenj uokvirjeno z orisanjem slik narave).

Predvsem vokalna izvedba. Vloga inštrumentov ni bila pomembna: zmanjšala se je na izvedbo uvodov, vmesnih del in postludij, ki so uokvirjali vokalno melodijo.

Še vedno je nemogoče govoriti o viteški umetnosti kot profesionalni, toda prvič je v razmerah posvetnega muziciranja nastal močan glasbeno-poetični trend z razvitim kompleksom izraznih sredstev in razmeroma dovršeno glasbeno pisavo.

Eden pomembnih dosežkov zrelega srednjega veka, začenši od X-XI stoletja, je bil razvoj mest (meščanska kultura). Glavne značilnosti urbane kulture so bile protisrkvena, svobodoljubna usmerjenost, povezanost s folkloro, njen smeh in pustni značaj. Razvija se gotski arhitekturni slog. Nastale so nove polifonične zvrsti: od 13. do 14. stoletja do 16. stoletja. - motet (iz francoščine - »beseda.« Za motet je tipično melodična različnost glasov, ki istočasno pojejo različna besedila - pogosto celo v različnih jezikih), madrigal (iz italijanščine - »pesem v maternem jeziku«, tj. italijanščina). Besedila ljubezensko-lirična, pastirska), kachcha (iz italijanščine - "lov" - vokalni del, ki temelji na besedilu, ki prikazuje lov).

Potujoči ljudski glasbeniki prehajajo iz nomadskega načina življenja v sedeči, naseljujejo celotne mestne bloke in tvorijo neke vrste "glasbene delavnice". Od 12. stoletja so se Vaganti in Goliardi pridružili ljudskim glasbenikom - deklasirali ljudi iz različnih razredov (šolarji, menihi ubežniki, potepuški klerikalci). V nasprotju z nepismenimi žonglerji - tipičnimi predstavniki umetnosti ustnega izročila - so bili vagani in goliarji pismeni: poznali so latinščino in pravila klasične verzifikacije, sestavljali glasbo - pesmi (krog podob je povezan s šolsko znanostjo in študentom življenje) in celo zapletene skladbe, kot so dirigenti in moteti ...

Univerze so postale pomembno središče glasbene kulture. Glasba, bolje rečeno, glasbena akustika je skupaj z astronomijo, matematiko, fiziko vstopila v kvadrij, t.j. cikel štirih disciplin, ki so jih študirali na univerzah.

Glasbena teorija srednjega veka je bila tesno povezana s teologijo. V nekaj glasbeno-teoretskih razpravah, ki so prišle do nas, so na glasbo gledali kot na "služabnika cerkve". Med vidnejšimi razpravami zgodnjega srednjega veka izstopajo 6 Avguštinovih knjig "O glasbi", 5 Boethiusovih "O ustanovitvi glasbe" in drugih. Veliko mesto v teh razpravah je bilo namenjeno abstraktnim šolskim vprašanjem, doktrini kozmično vlogo glasbe itd.

Neveljaven posnetek je bil široko uporabljen. Guido Aretinsky je izboljšal sistem notnega zapisa. Bistvo njegove reforme je bilo naslednje: prisotnost štirih vrstic, tretje razmerje med posameznimi vrsticami, ključni znak (prvotno po abecedi) ali barvanje črt. Uvedel je tudi zlogovne oznake za prvih šest stopinj lestvice: ut, re, mi, fa, sol, la.

Uveden je menzualni zapis, kjer je bil vsaki noti dodeljena določena ritmična mera (latinsko mensura - mera, merjenje). Ime trajanja: maksim, dolg, breve itd.

XIV stoletje - prehodno obdobje med srednjim vekom in renesanso. Umetnost Francije in Italije XIV. Stoletja je dobila ime "Ars nova" (iz latinskega - nova umetnost), v Italiji pa je imela vse lastnosti zgodnje renesanse. Glavne značilnosti: zavrnitev uporabe izključno zvrsti cerkvene glasbe in privlačnost sekularnih vokalnih in instrumentalnih komornih zvrsti (balada, kača, madrigal), zbliževanje z vsakodnevnim pisanjem pesmi, uporaba različnih glasbil. Ars nova je nasprotje t.i. ars antiqua (lat. ars antiqua - stara umetnost), kar pomeni glasbena umetnost pred začetkom XIV. Največja predstavnika ars nova sta bila Guillaume de Machaut (14. stoletje, Francija) in Francesco Landino (14. stoletje, Italija).

glasba srednji vek gregorijanski trubadur

Pošljite svoje dobro delo v bazo znanja je preprosto. Uporabite spodnji obrazec

Študentje, podiplomski študentje, mladi znanstveniki, ki pri svojem študiju in delu uporabljajo bazo znanja, vam bodo zelo hvaležni.

Objavljeno na http://www.allbest.ru/

Državni konservatorij (akademija) Petrozavodsk poimenovan po A.K. Glazunov

povzetek

Na temo: "Glasba srednjega veka"

Izpolnila: študentka Iljina Julija

Učitelj: A.I. Tokunov

Uvod

Glasba srednjega veka je obdobje razvoja glasbene kulture, ki zajema časovno obdobje od približno 5. do 14. stoletja n.

Srednji vek je velika doba v človeški zgodovini, čas prevlade fevdalnega sistema.

Periodizacija kulture:

Zgodnji srednji vek - V - X stoletja

Zrel srednji vek - XI - XIV stoletja

Poleg uradne cerkvene kulture (visoka) je obstajala posvetna kultura (množična) - folklora (iz nižjih družbenih slojev) in viteška (dvorska).

Različne vrste gregorijanskega petja so bile združene v glavnem bogoslužju katoliške cerkve, maši, v kateri je bilo ustanovljenih pet stabilnih delov:

Kyrie eleison (Gospod, usmili se)

Gloria (slava)

Credo (verjamem)

Sanctus (sveti)

Agnus Dei (božje jagnje).

Značilnosti umetnosti trubadurjev, hlačnic in minisingerjev:

Predvsem vokalna izvedba. Vloga inštrumentov ni bila pomembna: zmanjšala se je na izvedbo uvodov, vmesnih del in postludij, ki so uokvirjali vokalno melodijo.

Potujoči ljudski glasbeniki prehajajo iz nomadskega načina življenja v sedeči, naseljujejo celotne mestne bloke in tvorijo neke vrste "glasbene delavnice". Od 12. stoletja so se Vaganti in Goliardi pridružili ljudskim glasbenikom - deklasirali ljudi iz različnih razredov (šolarji, menihi ubežniki, potepuški klerikalci). V nasprotju z nepismenimi žonglerji - tipičnimi predstavniki umetnosti ustnega izročila - so bili vagani in goliarji pismeni: poznali so latinščino in pravila klasične verzifikacije, sestavljali glasbo - pesmi (krog podob je povezan s šolsko znanostjo in študentom življenje) in celo zapletene skladbe, kot so dirigenti in moteti ...

Uveden je menzualni zapis, kjer je bil vsaki noti dodeljena določena ritmična mera (latinsko mensura - mera, merjenje). Ime trajanja: maksim, dolg, breve itd.

glasba srednji vek gregorijanski trubadur

1. Osnove

Troubadours(Francoski trubadurji, od Ox. Trobar - za pisanje poezije) ali, kot jih pogosto imenujejo, ministranti so pesniki in pevci srednjega veka, katerih delo obsega obdobje od enajstega do trinajstega stoletja, njegov razcvet pa se začne v dvanajsto, konča pa se na začetku trinajstega stoletja. Umetnost trubadurjev izvira iz južnega dela Francije, njegovo glavno središče je bila regija Provansa. Trubadurji so svoje pesmi pisali v okcanskem romanskem jeziku, ki so ga govorili v Franciji južno od Loire, pa tudi v regijah Italije in Španije, ki mejijo na Francijo. Trubadurji so bili aktivni udeleženci družbenega, verskega in političnega življenja družbe. Zaradi kritiziranja cerkve so jih preganjali. Albigenski križarski pohod v letih 1209-1229 je končal njihovo umetnost. Delo trubadurjev je bilo povezano z umetnostjo trubadurjev. Lirska dela trubadurja so se pojavila v južnih regijah Francije pod enakimi zgodovinskimi pogoji kot glasba trubadurjev. Poleg tega so bile hlape pod neposrednim in zelo močnim vplivom poezije trubadurjev, kar je bilo posledica intenzivne literarne izmenjave.

Minnesingerji- nemški lirski pesniki-pevci, ki so hvalili ljubezen do viteštva, ljubezen do dame, služenje Bogu in nadrejenim, križarske vojne Besedila Minnesingerjev so se ohranila do danes, na primer v rokopisu v Heidelbergu. Beseda "Minnezang" se uporablja na več načinov. V širšem smislu pojem minnesang združuje več žanrov: posvetna viteška poezija, ljubezenska (v latinskem in nemškem jeziku) poezija vagantov in špielmanov, pa tudi poznejša »dvorna (dvorna) vaška poezija« (nemško höfische Dorfpoesie). V ožjem smislu je minnesang razumljen kot zelo specifičen slog nemške viteške poezije - dvorne literature, ki je nastala pod vplivom trubadurjev iz Provanse, Francije in Flamske.

folk glasba(ali folklora, angleška folklora) - glasbena in pesniška ustvarjalnost ljudi. Je sestavni del folklore in je hkrati vključena v zgodovinski proces oblikovanja in razvoja kultne in posvetne, poklicne in množične glasbene kulture. Na konferenci Mednarodnega sveta ljudske glasbe (v začetku petdesetih let 20. stoletja) je bila ljudska glasba opredeljena kot produkt glasbene tradicije, ki so jo v procesu ustnega prenosa oblikovali trije dejavniki - kontinuiteta (kontinuiteta), variabilnost (variabilnost) in selektivnost (izbor okolja) in pisane glasbene tradicije. Od razvoja pisanih glasbenih tradicij je prišlo do stalnega medsebojnega vpliva kultur. Tako ljudska glasba obstaja na določenem ozemlju in v določenem zgodovinskem času, torej je omejena s prostorom in časom, kar ustvarja sistem glasbeno-folklornih narečij v vsaki ljudski glasbeni kulturi.

Gregorijanski napev(Latinsko cantus gregorianus; angleški gregorijanski koral, francoski koral grégorien, nemški gregorianischer Gesang, italijanski canto gregoriano), gregorijanski koral [cantus planus - tradicionalni liturgični koral Rimskokatoliške cerkve. Izraz »gregorijanski koral« izvira iz imena Gregorij I. Veliki (papež 590–604), ki mu je srednjeveška tradicija pripisala avtorstvo večine napevov rimske liturgije. V resnici je bila vloga Gregorja očitno omejena le na zbiranje liturgične rabe, morda antifonarne. Beseda zbor v ruščini se uporablja dvoumno (pogosto v smislu štiričlanske obravnave cerkvenih pesmi luterancev, tudi v muzikoloških delih - v besedni zvezi »zborovsko skladišče« [kar pomeni polifonijo]), zato za označevanje liturgične monodije katoličanov, je priporočljivo uporabiti verodostojni srednjeveški izraz cantus planus (ki ga lahko v ruščino prevedemo kot »gladek napev«, »gladek napev« itd.).

Po stopnji spevnega (liturgičnega) besedila se napevi delijo na zlogovne (1 ton na zlog besedila), nevmatične (2-3 tone na zlog) in melizmatične (neomejeno število tonov na zlog). Prva vrsta vključuje recitativne klicaje, psalme in večino antifonov pisarne, druga je predvsem introit, communio (participativni antifon) in nekaj običajnih napevov maše, tretja je velika odzivnost pisarne in množic (tj. , gradualci), trakti, aleluja itd.

Bizantinska sakralna glasba... Apostol Pavel priča, da so prvi kristjani hvalili Boga v psalmih, pesmih in duhovnih pesmih (Ef. 5:19). Tako se je glasba v Cerkvi vedno uporabljala. Cerkveni zgodovinar Evzebij piše, da so psalme in hvalnice verniki ustvarjali "že od samega začetka, da bi slavili Gospoda". Krščanski pesniki so poleg starogrškega jezika za sestavljanje hvalnic uporabljali tudi starogrško glasbo, ki se je nato razširila po prosvetljenem svetu. Veliki očetje v prvih treh stoletjih, kot so sveti Ignacij bogonosni, sveti Justin filozof, sveti Irenej, sveti Gregor škof iz Neocezareje, čudežni delavec, so posebej zanimali psalmopenijo. Posebno mesto v pevski tradiciji zavzema sveti Janez Damascen (676–756), ki je poleg pisanja čudovitih napevov sistematiziral cerkveno glasbo. Glasbo je razdelil na osem glasov: prvi, drugi, tretji, četrti, prvi plugal, drugi plugal, tretji plugal (ali vari) in četrti plugal ter vzpostavil način snemanja glasbe s pomočjo posebnih znakov. Sveti Janez Damaskin je omejil nedovoljeno, posvetno skladbo glasbe in v njej zagovarjal preprostost in pobožnost.

2. Glasbila srednjeveške Evrope

Shalmey se je pojavil v XIII stoletju, po strukturi je podoben krumhornu. Za udobje je v zgornjem delu cevi izdelan poseben ovinek, imenovan "pirouette" (nekaj podobnega ima sodoben saksofon). Od osmih lukenj za prste je eno zaprl ventil, ki je olajšal tudi postopek igre. Kasneje so bili ventili uporabljeni v vseh pihalih. Zvok šalmeja je oster in zvon, sodobnemu poslušalcu pa se zdijo celo nizkoregistrirane vrste inštrumenta glasne in kričeče.

Vzdolžne piščali različnih registrov so bili zelo priljubljeni. Imenujejo se vzdolžne, ker jih za razliko od sodobnih prečnih piščal izvajalec drži navpično in ne vodoravno. Trst se pri flavtah ne uporablja, zato zveni tišje kot drugi pihalni inštrumenti, vendar je njihov ton presenetljivo nežen in bogat z odtenki. Nagubani inštrumenti srednjega veka - Rebeck in Fidel. Imajo od dve do pet strun, vendar ima fidel bolj zaobljeno telo, ki nejasno spominja na hruško, medtem ko ima rebek (podoben v tembru) bolj podolgovato obliko. Od XI stoletja. Znan je instrument Trumshite, izvirno oblikovan. Ime izhaja iz dveh nemških besed: Trumme - "cev" in Scheit - "hlod". Trumshite ima dolgo klinasto telo in eno vrvico. V XVII. v notranjosti telesa so potegnili dodatne odmevne strune. Niso bili sklonjeni nad njimi, toda med igranjem na glavni struni so vibrirali, kar je v zvok vneslo dodatne odtenke. Za vrvico je bilo posebno stojalo, pri katerem je bila ena noga krajša od druge, zato se stojalo ni tesno prilegalo telesu. Med igranjem je pod vplivom vibracij strune udaril v telo in tako je nastal prvotni učinek "tolkalne spremljave".

Poleg sklonjenih je bila v strunski skupini tudi oskubljena - harfa in citra. Srednjeveška harfa je po obliki podobna sodobni, a veliko manjša. Citer je nekoliko podoben gusliju, vendar je bolj zapleten. Na eni strani lesenega ohišja (v obliki pravokotne škatle) je bila narejena majhna okrogla polica. Vrat (od njega. Griff - "ročaj") - lesena plošča za nizanje strun - je razdeljen s posebnimi kovinskimi štrlinami - prečkami. Po njihovi zaslugi izvajalec s prstom natančno zadene želeno noto. Citer ima od trideset do štirideset strun, od tega so štiri do pet kovinske, ostale so žilaste. Za igranje na kovinske strune se uporablja naprstnik (nataknemo ga na prst), žile pa stisnemo s prsti. (Zither se je pojavila na prelomu XII-XIII stoletja, vendar je postala še posebej priljubljena v XV-XVI stoletju.

3. Glasba v starodavni Rusiji

Umetnost srednjega veka ob vsej svoji raznolikosti je imel nekaj skupnih značilnosti, ki so bile določene z njegovim mestom v življenju, v sistemu oblik družbene zavesti, posebnim praktičnim namenom in naravo njenih ideoloških funkcij. Umetnost, tako kot srednjeveška znanost, morala, filozofija, je bila v službi religije in naj bi pomagala krepiti svojo avtoriteto in moč nad zavestjo ljudi, razjasniti in širiti dogme krščanskega nauka. Njegova vloga se je tako izkazala za uporabno in podrejeno, saj je veljala le za enega od sestavnih delov tega izčrpnega, veličastnega obrednega dejanja, ki je čaščenje krščanske cerkve. Zunaj liturgičnega obreda je bila umetnost prepoznana kot grešna in škodljiva za človeške duše.

Cerkveni napev je bil s kultom povezan tesneje kot vse druge umetnosti. Božanske službe je bilo mogoče opravljati brez ikon, zunaj razkošnih tempeljskih prostorov, v preprostem in strogem okolju. Duhovnikom ni bilo treba nositi bujnih, okrašenih oblačil. Toda petje je bilo sestavni del molitvenega obreda že v najstarejših krščanskih skupnostih, ki so zavračale vse razkošje in okrasje.

Vodilna vloga pri petju je pripadala besedilu, melodija naj bi le olajšala zaznavanje »božjih besed«. Ta zahteva je določila tudi samo naravo cerkvenega petja. Izvajali naj bi ga v en glas, enotno in brez spremljave inštrumentov. Sprejem glasbenih instrumentov za bogoslužje, pa tudi razvoj zborovske polifonije v katoliški cerkveni glasbi tega obdobja pozni srednji vek , je bila kršitev strogih asketskih norm krščanske umetnosti, ki se je bila prisiljena prilagoditi novim zahtevam časa na ceno določenih popuščanj in kompromisov. Znano je, da so katoliške oblasti pozneje večkrat postavile vprašanje vrnitve k čedni preprostosti gregorijanskega cantus planusa. Vzhodnokrščanska cerkev je ohranila tradicijo enotnega petja a cappella do sredine 17. stoletja, v nekaterih državah pa še dlje, uporaba glasbenih instrumentov v njej do danes ostaja prepovedana. Cerkvene napeve naj bi izvajala preprosto in zadržano, brez pretiranega izražanja, saj le tako petje molijoča približa Bogu.

Cerkev, ki je v srednjem veku imela monopol na področju razsvetljenstva in izobraževanja, je bila edina lastnica glasbenega pisanja in sredstev za poučevanje glasbe. Srednjeveško pisanje brez pogovorov, med katerimi so bili različni ruski praporji, je bilo namenjeno samo snemanju cerkvenih napevov. Cerkveno petje, ki se je razvilo v okviru monofonske tradicije, je v Rusiji ostalo do druge polovice 17. stoletja edina oblika pisane glasbene umetnosti, ki temelji na razvitih teoretskih premisah in določeni količini kompozicijskih in tehničnih pravil.

Umetnost srednjega veka za katero je značilna velika obstojnost tradicij. Ena od posledic tega je šibek izraz osebnega, individualnega načela. Od zunaj se to kaže v tem, da je večina umetniških del ostala anonimna. Ustvarjalci teh del pod njimi praviloma niso podpisali ali svoje avtorstvo navedli na skrit, šifriran način. Končano, končano besedilo ni ostalo nedotakljivo. Med dopisovanjem bi bil lahko podvržen spremembam, zmanjšanjem ali, nasprotno, razširitvi z vstavki, izposojenimi iz drugega vira. Pisar ni bil mehanski kopirist, ampak je bil do neke mere soavtor, ki je napisal svojo interpretacijo, ki je dajal svoje komentarje in se prosto pridružil različnim delom besedila. Posledično je delo postalo v bistvu produkt kolektivne ustvarjalnosti in da bi razkrili svojo prvotno podlago v številnih poznejših plasteh, so zelo pogosto potrebna zelo velika prizadevanja.

Srednjeveški skladatelj se je ukvarjal z ustaljenim nizom melodičnih formul, ki jih je kombiniral in kombiniral po nekaterih kompozicijskih pravilih in predpisih. Celotna, popolna melodija bi lahko postala tudi formula. Tako imenovano "petje podobno", ki je bilo še posebej razširjeno v prvih stoletjih ruske pevske umetnosti, je bilo sestavljeno iz dejstva, da so nekateri napevi, sprejeti v cerkveni rabi, postali vzorci za petje različnih liturgičnih besedil. Melodična formula, ki služi kot glavna strukturna enota znamennega napeva, je dobila ime melodija, sam način ustvarjanja melodije na podlagi združevanja in spremenjenega ponavljanja posameznih melodij pa je običajno opredeljen kot varianta pesmi.

Kljub strogim pravilom, ki jih je moral upoštevati srednjeveški umetnik, in potrebi po doslednem upoštevanju kanoniziranih modelov, možnost osebne ustvarjalnosti ni bila popolnoma izključena. Toda to se ni izražalo v zavračanju prevladujočih tradicij in odobravanju novih estetskih načel, temveč v spretnosti prefinjenih, podrobnih odtenkov, svobodi in prilagodljivosti pri uporabi splošnih tipičnih shem. V glasbi je bilo tako premišljevanje stalnih melodičnih formul doseženo z intonacijskimi odtenki. Zamenjava nekaterih intervalov z drugimi, majhne spremembe v ovinku melodične črte, prerazporeditve in premiki ritmičnih naglasov so spremenili izrazno strukturo melodije, ne da bi kršili njeno osnovno strukturo. Nekatere od teh sprememb so se uveljavile v praksi in dobile tradicionalni značaj. Postopoma so se kopičile in vodile do oblikovanja lokalnih sort, šol in posameznih manir s svojimi posebnostmi.

4. Ljudsko in strokovno inumetnost

Krščanska cerkev, tako na Zahodu kot na Vzhodu, ki si je prizadevala monopolizirati vsa sredstva za vplivanje na človeško psiho in jih povsem postavila v službo svojih ciljev, je bila do tradicionalnih ljudskih iger, pesmi in plesov ostro sovražna, jih razglasila za grešne odvrniti jih od prave vere in pobožnosti ... Srednjeveške verske pridige in nauki so polni ostrih obtožb tistih, ki se prepustijo tem uničujočim zabavam in jim na naslednjem svetu grozijo s obsodbo in večnimi mukami. Eden od razlogov za tako nestrpen odnos do ljudske umetnosti je bila njena povezanost s poganskimi verovanji in rituali, ki so med množicami prebivalstva še dolgo živeli po sprejetju krščanstva. V ruski verski in učni literaturi petje pesmi, ples in igranje na inštrumente običajno primerjajo z "malikovanjem", "malikovalskimi žrtvami" in molitvami "prekletega boga" poganstvo .

Toda vsi ti odpovedi in prepovedi niso mogli izkoreniniti ljubezni do domače umetnosti med ljudmi. Tradicionalne vrste ljudske umetnosti so še naprej živele in se razvijale, široko obstajale v različnih slojih družbe. Folklora je v svojih raznolikih oblikah in manifestacijah zajela širše življenjsko področje in njen delež v umetniškem kultura srednjega veka je bil pomembnejši kot v sodobnem umetniškem sistemu. Folklora je zapolnila vakuum, ki je nastal zaradi pomanjkanja pisnih oblik posvetne glasbene ustvarjalnosti. Ljudska pesem, umetnost ljudskih "igralcev" - izvajalcev na glasbilah - je bila razširjena ne le med delovnimi ljudmi spodnjih slojev, ampak tudi v zgornjih slojih družbe do knežjega dvora.

Pod vplivom ljudske pesmi se je oblikovala značilna intonacijska struktura ruskega cerkvenega petja, ki se je sčasoma oddaljilo od bizantinskih vzorcev in razvilo svoje narodno edinstvene melodične oblike. Po drugi strani pa je v figurativno-poetični in glasbeni strukturi ruske ljudske pesmi mogoče najti sledi vpliva verskih krščanskih pogledov in stilistike cerkvene umetnosti, na kar so raziskovalci-folkloristi že večkrat opozorili.

Kolektivnost je ena glavnih značilnosti folklore. Dela ljudske umetnosti praviloma niso povezana z osebnostjo nobenega avtorja in se štejejo za last, če ne celotnega ljudstva, pa določene družbene skupine, korporacije (na primer epos vojaškega odreda) ali teritorialna skupnost. To ne izključuje sodelovanja osebne ustvarjalnosti pri njihovem ustvarjanju in izvajanju.

V glasbi Starodavna Rus ni bilo številk, ki bi jih lahko primerjali s Palestrino, Orlandom Lassom ali Schützom. V takratnih razmerah niso mogli napredovati s prevladujočim načinom življenja in pogledom na svet. Pomen starodavne ruske glasbene dediščine ne določa drzna drznost posameznih izjemnih osebnosti, temveč splošni, celostni značaj, ki zajema pogumen, strog in zadržan videz ljudi, ki so jo ustvarili. Mojstri ruskega srednjega veka, ne da bi kršili toge norme in omejitve, ki jih predpisuje kanon, so pri svojem delu dosegli izjemno estetsko dovršenost, bogastvo in svetlost barv v kombinaciji z globino in močjo izraza. Številni primeri te umetnosti s svojo visoko in nenavadno lepoto spadajo med največje manifestacije nacionalnega umetniškega genija.

Viri

https://ru.wikipedia.org/wiki/Medieval_Music

http://medmus.ru/

http://www.webkursovik.ru/kartgotrab.asp?id=-49105

http://arsl.ru/?page=27

http://www.letopis.info/themes/music/rannjaja_muziyka ..

http://ivanikov.narod.ru/page/page7.html

http://www.medieval-age.ru/peacelife/art/myzykanarusi.html

Objavljeno na Allbest.ru

...

Podobni dokumenti

Vokalna, instrumentalna in vokalno-instrumentalna glasba. Glavne zvrsti in glasbene smeri vokalne in instrumentalne glasbe. Priljubljenost instrumentalne vrste glasbe v času renesanse. Pojav prvih virtuoznih izvajalcev.

predstavitev dodana 29.4.2014

Ljudska glasba srednjega veka. Faze v razvoju srednjeveške monodije 11.-13. Stoletja. Pojav novega sloga - polifonije. Predstavniki ljudske glasbene kulture srednjega veka. Vrednost razredov solfeggia. Koncept ritma, takta in metra v glasbi.

povzetek, dodano 14.01.2010

Starodavna glasba v Grčiji, njena vloga v javnem in zasebnem življenju. Strunasta in na pihala stara goda starih Grkov. Glasbena teorija Pitagore. Glasbena umetnost starega Egipta. Koncept glasbenih intervalov, njihove sorte in privlačnost.

povzetek, dodano 14.01.2010

Značilnosti ruske glasbe 18. stoletja. Barok je obdobje, ko se ideje o tem, kakšno glasbo bi bilo treba oblikovati, te glasbene oblike danes niso izgubile svoje pomembnosti. Veliki predstavniki in glasbena dela baročne dobe.

povzetek, dodano 14.01.2010

Glasba je zasedla eno najpomembnejših mest v umetniškem sistemu starodavne Indije. Njegovi izvori segajo v ljudske in kultne obrede. Kozmološke predstave starodavne Indije so se dotaknile področij vokalne in instrumentalne glasbe. Indijski glasbeni inštrumenti.

test, dodan 15.02.2010

Izvor rock glasbe, središča njenega nastanka, glasbene in ideološke komponente. Rock glasba 60-ih, nastanek trde glasbe in vzpon garažnega rocka. Alternativna glasbena kultura. Rock glasba iz 2000-ih in tujci vseh časov.

povzetek, dodano 01.09.2010

Opredelitev etnične glasbe, njenih kategorij in značilnih zvokov. Slavni izvajalec afro-kubanskega glasbenega spanca in bolera Ibrahim Ferrer kot primer etničnega izvajalca. Popularizacija etnične glasbe v Rusiji. Primeri narodnostnih glasbil.

predstavitev dodana 25.12.2011

Rep glasba je eden od elementov hip-hopa, oblika rimanih besedil, ki jih ritmično recitirajo na glasbila. Zgodovina rap glasbe. Old School Rap, prvi posnetki. Korenine hip-hopa. Prodor hip-hopa v Rusijo. Ruski rap izvajalci.

članek dodan 27.04.2010

Glasba je umetniška oblika, njena vloga v človeškem življenju. Glasba in druge umetnosti. Časovna in zvočna narava glasbenih medijev. Slike, ki so neločljivo povezane z glasbo. Glasba v duhovni kulturi. Vpliv spremenjenih pogojev obstoja glasbe v družbi.

povzetek, dodan 26.01.2010

Umetnost, ki odraža resničnost v zvočnih umetniških podobah. Razmerje med glasbo in starostjo. Ugotavljanje razmerja med likom in glasbo. Glavne zvrsti glasbe. Vsestranskost glasbe in njen pomen v sodobnem človeškem življenju.

Podobni članki