Kaj je renesansa. Renesanso povezujemo z dosežki na področju kulture, predvsem na področju likovne umetnosti. Pred miselnim pogledom vsakega, ki je vsaj malo seznanjen z zgodovino umetnosti, so harmonično lepe in veličastne podobe, ki jih ustvarjajo umetniki: nežne Madone in modri svetniki, pogumni bojevniki in meščani polni pomena. Njihove figure se slovesno dvigajo na ozadju marmornih obokov in stebrov, za katerimi se razprostirajo lahke prosojne pokrajine.

Umetnost vedno govori o svojem času, o ljudeh, ki so takrat živeli. Kakšni ljudje so ustvarili te podobe, polne dostojanstva, notranjega miru, zaupanja v lastno vrednost?

Izraz "renesansa" je prvi uporabil Giorgio Vasari sredi 16. stoletja. v svoji knjigi o znanih italijanskih slikarjih, kiparjih in arhitektih XIII-XVI stoletja. Ime se je pojavilo v trenutku, ko se je sama doba končala. Vasari je temu konceptu dal zelo določen pomen: razcvet, vzpon, oživitev umetnosti. Kasneje se je prizadevanje za oživitev starodavnih tradicij v kulturi, ki je značilno za to obdobje, začelo obravnavati kot nič manj pomembno.

Renesančni fenomen so ustvarile razmere in potrebe družbenega življenja na predvečer nove dobe (to je čas na poti do oblikovanja industrijske družbe), sklicevanje na antiko pa je omogočilo iskanje primerne oblike za izražanje novih idej in razpoloženja. Zgodovinski pomen tega obdobja je v oblikovanju novega tipa osebnosti in v ustvarjanju temeljev nove kulture.

Novi trendi v življenju italijanske družbe. Da bi lažje razumeli bistvo sprememb, ki so se začele na družbenem in duhovnem področju, si je treba predstavljati, kako se je v srednjem veku gradil odnos med posameznikom in družbo. Potem se je človeška osebnost raztopila v tistem majhnem kolektivu (kmečka skupnost, viteški red, samostanska bratovščina, obrtna delavnica, trgovski ceh), na katerega je bil človek navezan na okoliščine njegovega izvora in rojstva. On sam in vsi okoli njega so ga dojemali najprej kot, na primer, fra (brata) - člana samostanske bratovščine, in ne kot določeno osebo z določenim imenom.

Odnosi med ljudmi, norme vedenja in njihovo dojemanje so bili podrobno in jasno opredeljeni. Če se osredotočimo le na teoretično plat zadeve, potem lahko rečemo takole: duhovščina je bila dolžna moliti za vse laike, plemstvo je bilo dolžno varovati vse pred morebitno zunanjo grožnjo, kmetje pa so morali podpirati in hraniti prvi in ​​drugi stan. V praksi je bilo vse to seveda daleč od teoretične idile, a porazdelitev vlog je bila ravno to. Družbena neenakost je bila trdno zasidrana v javni zavesti, vsak razred je imel svoje strogo določene pravice in obveznosti, igral je družbeno vlogo, ki je strogo ustrezala njegovemu družbenemu statusu. Rojstvo je posameznika pritrdilo na določeno mesto v strukturi družbe, svoj položaj je lahko spreminjal skoraj izključno v okviru stopnje družbene lestvice, ki ji je pripadal po izvoru.

Navezanost na določeno družbeno nišo je ovirala svoboden razvoj človeka, a mu je zagotavljala določena družbena jamstva. Tako je bila srednjeveška družba osredotočena na nespremenljivost, stabilnost kot idealno stanje. Pripadal je tipu tradicionalnih družb, katerih glavni pogoj za obstoj je konzervativizem, podrejenost tradicijam in običajem.

Stari svetovni nazor je bil osredotočen na dejstvo, da je zemeljsko življenje le kratek čas, ko se človek pripravlja na glavno, večno, onstransko življenje. Večnost si je podredila minljivo realnost. Upanja na dobre spremembe so bila povezana izključno s tem resničnim življenjem, z Večnostjo. Zemeljski svet, ta »dolina žalosti«, je bil zanimiv le, če je bil šibek odsev drugega, glavnega sveta. Odnos do človeka je bil ambivalenten - v njem so strogo ločili njegovo zemeljsko, smrtno in grešno načelo, ki bi ga morali prezirati in sovražiti, ter vzvišeno, duhovno, ki je bilo edino vredno obstoja. Za ideal je veljal asketski menih, ki se je odrekel radostim in skrbem zemeljskega življenja.

Človek je bil del majhne družbene skupnosti, zato so vse njegove dejavnosti, tudi ustvarjalne, dojemale kot rezultat skupnih prizadevanj. Pravzaprav je bila ustvarjalnost anonimna, naše poznavanje dela tega ali onega srednjeveškega kiparja ali slikarja pa je naključno in fragmentarno. Mesto, skupnost so gradili katedralo, vsi njeni detajli pa so bili del ene celote, zasnovane za celostno dojemanje. Arhitekti, zidarski mojstri, rezbarski mojstri, slikarski mojstri so postavljali stene, ustvarjali skulpture in vitraže, slikali stene in ikone, a skoraj nihče od njih ni poskušal ovekovečiti svojega imena za zanamce. V idealnem primeru bi morali reproducirati na najboljši možni način, da bi reproducirali tisto, kar je bilo posvečeno z avtoriteto recepta in je veljalo za "original", ki ga je treba posnemati.

Prvi korak k nastanku novih trendov v življenju družbe je bila rast in razvoj mest. Apeninski polotok je s svojim podolgovatim škornjem, zagozdenim v prostranstvo Sredozemskega morja, zavzemal izjemno ugoden položaj v srednjeveškem svetu. Prednosti te lokacije so postale še posebej očitne, ko se je na Zahodu začelo oživljati gospodarsko življenje in se je povečala potreba po trgovinskih stikih z bogatimi državami Bližnjega vzhoda. Od XII stoletja. začel se je razcvet italijanskih mest. Zagon hitrega razvoja mestnega gospodarstva so bile križarske vojne: vitezi, ki so se odpravili osvajat Sveti grob, so potrebovali ladje za prečkanje morja; orožje za boj; izdelki in različni gospodinjski predmeti. Vse to so ponujali italijanski obrtniki, trgovci, mornarji.

Italija ni razvila močne centralne oblasti, zato je vsako mesto skupaj z okoliškim podeželjem postalo mesto-država, katerega blaginja je bila odvisna od spretnosti njenih obrtnikov, okretnosti njenih trgovcev, t.j. od podjetja in energije vseh prebivalcev.

Industrija in trgovina, koncentrirana v mestih, sta postala osnova gospodarskega življenja družbe, ki je obstajala v Itadiji v XIV-XV stoletju. Ohranil se je cehovski sistem, državljanske pravice pa so imeli le člani cehov, t.j. niso vsi prebivalci mesta. In različne delavnice so se bistveno razlikovale po stopnji vpliva: na primer v Firencah so od 21 delavnic imele največji vpliv »delavnice za starejše«, ki so združevale ljudi najprestižnejših poklicev. Člani starejših delavnic, »debeli«, so bili pravzaprav podjetniki, novosti v gospodarskem življenju pa so se pokazale v nastajanju elementov (zaenkrat le elementov!) nove gospodarske ureditve.

Renesančno mesto. Renesančna kultura je urbana kultura, vendar se je mesto, ki jo je rodilo, izrazito razlikovalo od srednjeveškega mesta. Navzven ni bilo preveč presenetljivo: enake visoke stene, enako kaotično načrtovanje, ista katedrala na glavnem trgu, iste ozke ulice. "Mesto je raslo kot drevo: ohranilo je svojo obliko, a se je povečalo, mestno obzidje pa je kot obroči na rezu zaznamovalo mejnike njegove rasti." Tako v Firencah v XIII. je trajalo dvakrat stoletje, da so razširili obroč sten. Do sredine XIV stoletja. prostor, namenjen urbanemu razvoju, se je povečal za 8-krat. Vlada je poskrbela za gradnjo in ohranitev obzidja.

Mestna vrata so služila kot stična točka z zunanjim svetom. Stražarji, ki so stali pri vratih, so pobirali dajatev od trgovcev in kmetov, ki so prispeli v mesto, mesto so tudi zaščitili pred morebitnim sovražnikovim napadom. Pred začetkom dobe topništva so bili zidovi z močnimi vrati dovolj zanesljiva zaščita pred zunanjimi vdori, dovolj bi bila le hrana in voda. Zaradi te omejitve je stisnil, povečal število nadstropij stavb. Za Italijo je značilna postavitev visokih stolpov s strani konkurenčnih bogatih družin, katerih vertikale so skupaj z zvoniki cerkva dale mestnemu obzorju videz kamnitega gozda. Pojav Siene je na primer opisan v vrsticah A. Bloka: »V nebo ste vrgli točke cerkva in stolpov«.

Mesto je umetno urejen prostor. Ulice in trgi italijanskih mest iz 13. stoletja. tlakovana s kamni ali kamenčki. Večina vsakdanjega življenja ljudi je potekala na ulici. Na ulici so razlagali blago, trgovali, opravljali denarne posle, trgovci, menjalnice, obrtniki, na ulici pod krošnjami, obrtniki so pogosto delali, na ulici ali na trgu so se srečevali, da bi razpravljali o različnih vprašanjih, na trgu pred katedralo so bili govori pridigarjev, na razpotju so glasniki oznanjali novice o rojstvih, bankrotih, smrtih, porokah, usmrtitvah. Življenje vsakega mestnega prebivalca je minilo pred sosedi.

Osrednji trg ni bil okrašen le z veličastno katedralo, ampak tudi s skulpturami. Primer takšne dekoracije je v Firencah trg pred Palazzo Vecchio (mestno hišo). V sprednjem delu mesta je bila še posebej opazna bližina starih stavb romanskega (v manjši meri gotskega) sloga in novih renesančnih zgradb. Prebivalci sosednjih mest so se med seboj potegovali za okrasitev trgov, cerkva in javnih zgradb.

V XIV-XV stoletjih. v italijanskih mestih je prišlo do hitre gradnje, stare stavbe so rušili in nadomeščali z novimi. Dotrajanost stavb ni bila vedno razlog za to - okusi so se spremenili, blaginja je rasla, hkrati pa želja po prikazovanju novih priložnosti. Primer te vrste je mogoče najti v XIV stoletju. gradnja nove florentinske katedrale (Duomo, bolj znana kot Santa Maria del Fiori), katere kupola je bila za ta čas največja na Zahodu.

Včasih so premožne družine za prenovljeno fasado združile več starih stanovanj. Tako je arhitekt LB Alberti po naročilu družine Ruchelai zgradil palazzo v novem slogu, ki je za rustikalno fasado skrival osem hiš. Pas med hišami je bil spremenjen v dvorišče. Ta tehnika je omogočila vključitev bivalnih prostorov, skladišč in trgovin, lož in vrta v en sam kompleks. Glavna arhitekturna oblika posvetne mestne stavbe -palazzo - palače premožni meščani, ki so imeli pravokotno obliko z dvoriščem. Fasade palače, obrnjene proti ulici, so ustrezale življenjskim razmeram, ki so bile značilne za italijanska mesta-republike. Poudarjena groba obdelava kamna (rustika), ki je bila položena čez steno spodnjega nadstropja, debeli zidovi, majhna okna - vse to je spominjalo, da bi takšna palača lahko služila kot zanesljivo zavetje med številnimi političnimi konflikti znotraj mesta.

Notranjost je sestavljala garnitura sob, okrašena s stenskimi poslikavami in pokrita z lesenimi stropi, okrašena z rezbarijami, redkeje s štukaturnimi stropi. Ob slavnostnih priložnostih so stene krasile stenske preproge (tapiserije), kar je pripomoglo tudi k ohranjanju toplote v prostorih. Prostorna NS

sobe (strofe), marmorna stopnišča so ustvarila vtis slovesnega sija. Okna so bila zaprta z lesenimi polkni, včasih so bila prekrita z naoljenim platnom, kasneje (a to je bilo skoraj pregrešno razkošje!) pa so jih zapolnili z majhnimi kosi stekla, vstavljenimi v svinčeno vez. Glavna kurilna naprava je ostala ognjišče v kuhinji, pa tudi kamini v velikih slavnostnih dvoranah, ki so bili bolj okrašeni kot ogrevani. Zato so skušali posteljama zagotoviti nadstrešek in s težkimi zavesami ograditi okoliški prostor. Nemogoče je bilo ogreti celotno sobo z vročim kamnom ali termoforjem. Praviloma je imel samo glava družine »svojo« sobo, študijsko atelje, »kraj dela na korespondenci rokopisov, razmišljanj, samotnega poznavanja sveta in samega sebe«, ostalo gospodinjstvo pa živeli skupaj. Vsakdanje življenje premožne družine je največkrat potekalo na dvorišču in okoliških galerijah.

O želji po udobju je pričalo razmeroma malo, a masivno in bogato okrašeno z rezbarijami in slikami pohištva. Najpogostejši kosi pohištva so bili poročna skrinja (cassone), skrinja s hrbtom, masivne omare, okrašene z arhitekturnimi detajli, mize, naslanjači in tabureji. Notranjost ni bila okrašena le s stenskimi poslikavami, ampak tudi z bronastimi svetilkami, poslikano keramiko (majolika), ogledali v izrezljanih okvirjih, srebrnimi in steklenimi posodami, čipkastimi prti.

Mnogi arhitekti so sanjali o spremembi videza mest v skladu z novimi okusi, vendar je bilo to nemogoče: velika gradnja je zahtevala ogromna sredstva in nič manj pooblastila za izvedbo množičnega rušenja hiš. Konec koncev je bilo za to treba porušiti toliko hiš, preseliti toliko ljudi, a za to ni bilo denarja. Zato so se morali zadovoljiti z gradnjo posameznih objektov, največkrat katedral ali palač bogatih družin. Mesta so obnavljali postopoma, kolikor je bilo potrebno in mogoče, brez načrta, njihov videz pa je ostal večinoma srednjeveški.

Idealna renesančna mesta so se pojavljala skoraj izključno v načrtih in kot ozadja v slikovnih kompozicijah. »Renesančni model mesta je odprt model. Jedro je ... prosti prostor trga, ki se odpira navzven z razglednimi odprtinami ulic, s pogledom v daljavo, onstran mestnega obzidja ... tako so mesto upodobili umetniki, tako so avtorji arhitekturne razprave vidijo. Renesančno mesto se idealno ne brani pred odprtim prostorom ne-mesta, nasprotno, ga obvladuje, podreja ... Mesto se ne bi smelo pokoriti lokalnosti, ampak si jo podrediti ... Srednjeveško mesto je bilo navpično. Mesto 15. stoletja je idealno zasnovano kot horizontalno ... «Arhitekti, ki so zasnovali nova mesta, so upoštevali spreminjajoče se razmere in namesto običajnih trdnjavskih zidov predlagali gradnjo obrambnih utrdb okoli mesta.

Videz ljudi. Spremenil se je zunanji videz ljudi, spremenil se je svet stvari, s katerimi so se obkrožali. Seveda so stanovanja revežev (majhna lesena konstrukcija ali soba za trgovino brez oken) ostala enaka kot pred stotimi leti. Spremembe so prizadele dobro premožen, premožen del prebivalstva.

Oblačila so se spreminjala glede na razpoloženje in okuse tiste dobe. Okuse so zdaj določale potrebe in zmožnosti civilistov, bogatih meščanov, ne pa vojaškega razreda vitezov. Vrhnja oblačila so bila šivana iz večbarvnih, pogosto vzorčastih tkanin, kot so brokat, žamet, sukno, težka svila. Lan se je začel uporabljati izključno kot spodnja obleka, ki se je kazala skozi vezalke in razreze zgornje obleke. "Zgornja oblačila starejšega občana, tudi če ni opravljal nobene izbirne funkcije, so bila nujno dolga, široka in je dajala njegovemu videzu pečat resnosti in pomembnosti." Oblačila mladih so bila kratka. Sestavljali so ga srajca, telovnik s stoječim ovratnikom in tesne hlače-nogavice, privezane na telovnik, pogosto različnih barv. Če v XV stoletju. prednost so imele svetle in kontrastne barve, nato pa od začetka XYI stoletja. bolj modna so enobarvna oblačila okrašena s krznom in verižico iz žlahtne kovine.

Ženska oblačila v 15. stoletju. odlikovala ga je mehkoba oblike in večbarvnost. Čez srajco in obleko z dolgimi ozkimi rokavi, visokim pasom in velikim kvadratnim izrezom je bil nošen plašč (sikoru), sestavljen iz treh plošč. Zadnja plošča je padla po hrbtu v prostih gubah, dve polici pa sta bili drapirani po okusu lastnika. Splošna silhueta je spominjala na antiko. Z začetkom XVI stoletja. vodoravna delitev je poudarjena v ženskih oblačilih. Čipke, ki so uokvirile izrez in robove rokavov, so začele igrati pomembno vlogo pri okrasitvi obleke. Pas je spuščen na naravno mesto, izrez je večji, rokavi so bolj obsežni, krilo je puhasto. Oblačila naj bi poudarjala lepoto močne, zdrave ženske.

Odkritje človeškega "jaz". V življenju italijanske renesančne družbe sobivata in se prepletata staro in novo. Tipična družina tiste dobe je velika družina, ki združuje več generacij in več vej sorodnikov, podrejena poglavarju-patriarhu, vendar se ob tej običajni hierarhiji pojavlja še ena težnja, povezana s prebujanjem osebnega samozavedanja.

Dejansko so se s pojavom pogojev za nastanek nove gospodarske strukture in nove družbe v Italiji spremenile zahteve za ljudi, njihovo vedenje, odnos do zemeljskih zadev in skrbi. Trgovina in obrtna proizvodnja, skoncentrirana v mestih, sta postali osnova gospodarskega življenja nove družbe. Toda preden se je večina prebivalstva koncentrirala v mestih, preden so se pojavile manufakture, tovarne, laboratoriji, so se pojavili ljudje, ki so jih lahko ustvarili, ljudje, ki so bili energični, ki so si prizadevali za nenehne spremembe, se borili za uveljavitev svojega mesta v življenju. Prišlo je do osvoboditve človeške zavesti iz hipnoze Večnosti, po kateri se je začela bolj ostro čutiti vrednost trenutka, pomen hitro tekočega življenja, želja po popolnejšem doživljanju polnosti bivanja.

Pojavil se je nov tip osebnosti, za katerega so značilni pogum, energija, žeja po dejavnosti, brez poslušnosti tradicijam in pravilom, sposobna delovati na nenavaden način. Te ljudi so zanimali različni življenjski problemi. Tako je v pisarniških knjigah florentinskih trgovcev med številkami in seznami različnih dobrin mogoče najti sklepanje o usodi ljudi, o Bogu, o najpomembnejših dogodkih političnega in umetniškega življenja. Za vsem tem se čuti povečano zanimanje za Človeka, zase.

Človek je svojo individualnost začel obravnavati kot nekaj edinstvenega in dragocenega, še toliko bolj pomembnega, ker se lahko nenehno izboljšuje. Hipertrofirani občutek lastne osebnosti v vsej svoji edinstvenosti vsrka renesančnega človeka v celoti. Odkrije svojo individualnost, se z veseljem potopi v svoj duhovni svet, šokiran nad novostjo in kompleksnostjo tega sveta.

Pesniki še posebej občutljivo zajemajo in prenašajo razpoloženje dobe. V liričnih sonetih Francesca Petrarce, posvečenih lepi Lauri, je očitno, da je njihov glavni lik avtor sam, in ne predmet njegovega čaščenja. Pravzaprav bralec o Lauri ne bo vedel skoraj nič, razen da je sama popolnost, da ima zlate kodre in zlat značaj. Njihovo veselje, njihov izkušnje, njihov trpljenje je Petrarka opisal v sonetih. Ko je izvedel za Laurino smrt, moj objokoval je sirote:

Pela sem o njenih zlatih kodrih,

Zapeval sem njene oči in roke,

Počastitev muke z nebeško blaženostjo,

In zdaj je hladen prah.

In jaz, brez svetilnika, v školjki kot oče Skozi nevihto, ki mi ni nova,

Lebdim skozi življenje, vladam naključno.

Upoštevati je treba, da je odkritje osebnega "jaz" zadevalo le polovico človeške rase - moške. Ženske so na tem svetu dojemali kot bitja brez lastne vrednosti. Morali so skrbeti za gospodinjstvo, rojevati in vzgajati majhne otroke, razveseljevati moške s svojim prijetnim videzom in manirami.

Pri uresničevanju človeškega "jaz" je bila pomembna prisotnost rezultatov in ne področje dejavnosti, kjer so bili doseženi - pa naj gre za uveljavljen trgovski posel, veličastno skulpturo, dobljeno bitko ali občudovanja vredno pesem ali sliko. . Veliko vedeti, veliko brati, študirati tuje jezike, seznanjati se z deli antičnih avtorjev, zanimati se za umetnost, razumeti veliko o slikarstvu in poeziji - to je bil ideal človeka v renesansi. Visoka stopnja osebnih zahtev je prikazana v delu Baldazarja Castiglionea "O dvorjanu" (1528): "Želim, da bi bil naš dvorjan več kot povprečen v literaturi ... tako da ne zna samo latinščine, ampak tudi grško ... tako da dobro pozna pesnike, pa tudi govornike in zgodovinarje in ... znal pisati poezijo in prozo ... ne bom vesel našega dvorjana, če še ni glasbenik ... Še ena stvar, ki ji dajem velik pomen: to je ravno sposobnost risanja in znanje slikanja."

Dovolj je našteti nekaj imen slavnih ljudi tistega časa, da bi razumeli, kako raznoliki so bili interesi tistih, ki so veljali za tipičnega predstavnika svoje dobe. Leon Batista Alberti je arhitekt, kipar, poznavalec antike, inženir. Lorenzo Medici je državnik, briljanten diplomat, pesnik, poznavalec in mecen. Verrocchio je kipar, slikar, draguljar, matematik. Michelangelo Buonarroti je kipar, slikar, arhitekt, pesnik. Raphael Santi - slikar, arhitekt. Vse jih lahko imenujemo junaške osebnosti, titani. Hkrati ne smemo pozabiti, da velikost označuje lestvico, vendar ne ocenjuje njihove uspešnosti. Titani renesanse niso bili le ustvarjalci, ampak tudi dobri geniji svoje države.

Običajni pojmi o tem, kaj je "dovoljeno" in kaj "nedovoljeno", so izgubili svoj pomen. Hkrati so stara pravila odnosov med ljudmi izgubila svoj pomen, ki morda niso dajala absolutne ustvarjalne svobode, so pa tako pomembna za življenje v družbi. Želja po uveljavitvi je imela različne oblike - takšna drža je lahko ustvarila in je ustvarila ne le briljantne umetnike, pesnike, mislece, katerih dejavnosti so bile usmerjene v ustvarjanje, ampak tudi genije uničenja, genije zlobnosti. Primer te vrste so primerjalne značilnosti dveh slavnih sodobnikov, katerih vrhunec dejavnosti je padel na prelomu iz 15. v 16. stoletje.

Leonardo da Vinci (1452-1519) - oseba, o kateri je lažje povedati, česar ni vedel, kot naštevati, kar bi lahko. Priznani slikar, kipar, arhitekt, inženir, pesnik, glasbenik, naravoslovec, matematik, kemik, filozof - vse to z dobrim razlogom velja za Leonarda. Razvil je projekt letala, tanka, kompleksnih namakalnih objektov in še marsikaj. Delal je tam, kjer je bilo bolj priročno najti pokrovitelje med vladajočo elito, jih zlahka menjal, in umrl v Franciji, kjer je na njegovem nagrobniku zapisano, da je bil »veliki francoski umetnik«. Njegova osebnost je postala poosebljenje ustvarjalnega duha renesanse.

Leonardov sodobnik je bil slavni kondotijer Cesare Borgia (1474-1507).Široka izobrazba je bila v njem združena z naravnimi talenti in neomejeno sebičnostjo. Njegova ambicija se je pokazala v poskusu ustvarjanja močne države v središču Italije. Če mu je uspelo, je sanjal o združitvi celotne države, bil je spreten in uspešen poveljnik ter učinkovit vladar. Da bi dosegel svoj cilj, se je ta prefinjen poznavalec in poznavalec lepote zatekel k podkupovanju, prevaram in umorom. Takšne tehnike so se mu zdele povsem sprejemljive zaradi doseganja velikega cilja - ustvarjanja močne države v središču Italije. Okoliščine so C. Borgii preprečile, da bi uresničil svoje načrte.

Leonardo da Vinci in Cesare Borgia sta sodobnika, enako značilna za njuno kritično dobo, ko so stara pravila in norme človeškega življenja izgubljali pomen, nova pa družba še ni sprejela. Človeška osebnost si je prizadevala za samopotrditev, z uporabo kakršnih koli sredstev in priložnosti. Zanjo so izgubile svoj pomen tudi stare predstave o »dobrem« in »slabem«, o »dovoljenem« in »nedovoljenem«. "Ljudje so zagrešili najbolj divje zločine in se jih nikakor niso pokesali, in to zato, ker je bil takrat zadnji kriterij človekovega vedenja tisti, ki se je počutil v osami." Pogosto sta se v eni osebi združili nesebična predanost njegovi umetnosti in nebrzdana krutost. Takšen je bil na primer kipar in draguljar B. Cellini, za katerega so rekli: »razbojnik z rokami vile«.

Posameznikova želja po samoizražanju na kakršen koli način se imenuje titanizem. Titani renesanse so postali poosebljenje obdobja, ki je odkrilo vrednost človeka "JAZ SEM", vendar se je ustavil pred problemom vzpostavitve določenih pravil v odnosih med nosilci številnih različnih "jaz".

Odnos do ustvarjalca in položaja umetnika v družbi. Prišlo je do zasuka k tistemu tipu civilizacije, ki predpostavlja aktivno človekovo poseganje v okolje – ne le samoizboljšanje, temveč tudi preoblikovanje okolja – narave, družbe – z razvojem znanja in njihovo uporabo v praksi. Tako je bila najpomembnejša v človeku prepoznana njegova sposobnost samouresničevanja in ustvarjalnosti (v najširšem pomenu besede). To pa je predpostavljalo opustitev celovite ureditve zaradi priznanja zasebne iniciative. Srednjeveški ideal kontemplativnega življenja je nadomestil nov ideal aktivnega, dejavnega življenja, ki je omogočil puščanje vidnih dokazov o bivanju človeka na Zemlji. Glavni namen obstoja postane dejavnost: zgraditi čudovito zgradbo, osvojiti številne dežele, izklesati skulpturo ali naslikati sliko, ki bo poveličevala svojega ustvarjalca, obogateti in pustiti za seboj uspešno trgovsko podjetje, ustanoviti novo državo, sestaviti pesem oz. pustijo številne potomce - vse to je bilo v določenem smislu enakovredno, omogočilo je osebi, da pusti svoj pečat. Umetnost je omogočila, da se je ustvarjalni princip manifestiral v človeku, rezultati ustvarjalnosti pa so dolgo ohranili spomin nanj, ga približali nesmrtnosti. Ljudje tiste dobe so bili prepričani:

Stvarstvo lahko nadživi ustvarjalca:

Stvarnik bo odšel, poražen od narave,

Vendar pa je slika, ki jo je ujel

Stoletja bo grel srca.

Te vrstice Michelangela Buonarrotija lahko pripišemo ne le umetniškemu ustvarjanju. Želja po samoizražanju, patos samopotrjevanja so postali smisel duhovnega življenja italijanske družbe v tem obdobju. Oseba-ustvarjalec je bila zelo cenjena in je bila povezana predvsem z umetnikom-ustvarjalcem.

Tako so se umetniki dojemali in to ni bilo v nasprotju z javnim mnenjem. Znane so besede, ki naj bi jih florentinski draguljar in kipar Benvenuto Cellini rekel enemu dvorjanu: "Na celem svetu je morda samo eden, kot sem jaz, in deset takih kot si ti." Legenda trdi, da je vladar, ki se mu je dvorjanka pritožila zaradi umetnikove predrznosti, podprl Cellinija in ne dvorjana.

Umetnik je lahko obogatel, tako kot Perugino, dobi plemiški naslov, kot Mantegna ali Tizian, postane del najožjega kroga vladarjev, kot sta Leonardo ali Rafael, vendar je večina umetnikov imela status obrtnikov in so se za take imeli. Kiparji so bili v isti delavnici z zidarji, slikarji s farmacevti. Umetniki so po zamisli svojega časa pripadali srednjemu sloju meščanov, natančneje nižjim slojem tega sloja. Večina jih je veljala za ljudi s srednjimi dohodki, ki morajo nenehno delati in iskati naročila. D. Vasari, ko govori o svoji ustvarjalni poti, nenehno ugotavlja, da je moral za izpolnitev enega naročila v Neapelj, drugega v Benetke, tretjega v Rim. Vmes med temi potovanji se je vrnil v rodni Arezzo, kjer je imel hišo, ki jo je nenehno opremljal, okraševal, širil. Nekateri umetniki so imeli svoje hiše (v 15. stoletju v Firencah je hiša stala 100-200 florinov), drugi so bili najeti. Slikar je približno dve leti porabil za slikanje srednje velike freske, za to je prejel 15-30 florinov, ta znesek pa je vključeval tudi stroške uporabljenega materiala. Kipar je za izdelavo skulpture porabil približno eno leto in za svoje delo prejel okoli 120 florinov. V slednjem primeru je treba upoštevati dražji potrošni material.

Poleg denarnih plačil so včasih mojstri dobili pravico do večerje v samostanu. Vsevedni Vasari je opisal primer slikarja Paola Uchella, ki ga je opat dolgo in pridno hranil s sirom, dokler se mojster ni nehal pojavljati na delu. Potem ko se je umetnik menihom pritožil, da je utrujen od sira, in so to prijavili opatu, je ta spremenil jedilnik.

Zanimivo je primerjati podatke o finančnem položaju dveh, ki sta jih enako (in visoko) cenila sodobna kiparja Donatello in Ghiberti. Prvi med njimi je bil po svoji naravi in ​​načinu življenja brezskrben človek v denarnih zadevah. Legenda priča, da je vse svoje (precejšnje) dohodke pospravil v denarnico, obešeno pri vratih, od tega denarja pa so lahko jemali vsi člani njegove delavnice. Tako je veličastni mojster Donatello leta 1427 najel hišo za 15 florinov na leto in imel čisti dohodek (razlika med tem, kar dolguje, in tem, kar je dolžan) - 7 florinov. Gospodarski Lorenzo Ghiberti je imel istega leta 1427 hišo, zemljišče, bančni račun (714 florinov) in čisti dohodek 185 florinov.

Obrtniki so z veseljem sprejemali različna naročila za okrasitev cerkva, bogatih palač in okrasitev mestnih praznikov. »Trenutna žanrska hierarhija ni obstajala: umetniški predmeti so bili po naravi vsekakor funkcionalni ... Oltarne podobe, poslikane skrinje, portreti in naslikani prapori so izšle iz ene delavnice ... mojstrovo enotnost z njegovim delom, za katero je drgnil barve sam, sam zlepil čopič, sam sestavil okvir - zato ni videl bistvene razlike med poslikavo oltarja in skrinje."

Natečaji med umetniki za pravico do donosnega državnega naročila so bili običajna praksa. Najbolj znan med temi natečaji je natečaj za pravico izdelave vrat za florentinsko krstilnico (krstni), organiziran v zgodnjih letih 15. stoletja. San Giovanni je bil drag vsem prebivalcem mesta, saj so se tam krstili, obdarjeni z imenom vsakega od njih, od tam je vsak začel svoje življenje. Tekmovanja so se udeležili vsi znani mojstri, zmagal pa je Lorenzo Ghiberti, ki je o tem kasneje ponosno pisal v svojih Zapiskih.

Stoletje pozneje je potekalo še eno slavno tekmovanje. To je naročilo za okrasitev zbornice, ki ga je florentinska Señoria podelila dvema najbolj znanima tekmecem, Leonardu da Vinciju in Michelangelu Buonarrotiju. Razstava kartonov (risb v naravni velikosti), ki so jih izdelali mojstri, je postala dogodek v javnem življenju republike.

Humanizem. Mislilci srednjega veka so v človeku poveličevali vzvišeno, duhovno načelo in preklinjali osnovno, telesno. Ljudje nove dobe so poveličevali tako dušo kot telo v človeku, menili, da sta enako lepa in enako pomembna. Od tod tudi ime te ideologije – humanizem (homo- človek).

Renesančni humanizem je vključeval dve komponenti: humanizem, visoko duhovnost kulture; in kompleks humanitarnih disciplin, namenjenih preučevanju zemeljskega življenja človeka, kot so slovnica, retorika, filologija, zgodovina, etika, pedagogika. Humanisti so si prizadevali obrniti celoten sistem znanja k reševanju problemov človeškega zemeljskega življenja. Semantično jedro humanizma je bilo uveljavljanje novega razumevanja osebnosti, sposobne svobodnega samorazvoja. Tako se je v njem pokazal glavni trend zgodovinske perspektive razvoja modernizacije - sprememba, obnova, izboljšanje.

Humanisti niso bili številni, ampak vpliven družbeni sloj, predhodnik bodoče inteligence. Humanistična inteligenca je vključevala predstavnike meščanov, plemstva in duhovščine. Svoje znanje in interese so našli v različnih dejavnostih. Med humanisti lahko imenujemo izjemne politike, pravnike, sodnike in umetniške delavce.

Človek je bil v glavah ljudi tistega časa primerjan s smrtnim bogom. Bistvo renesanse je v tem, da je bil človek priznan kot "krona stvarstva", vidni zemeljski svet pa je pridobil neodvisno vrednost in pomen. Celoten svetovni nazor tega obdobja je bil namenjen poveličevanju zaslug in sposobnosti človeka, ni naključje, da je dobil ime humanizem.

Srednjeveški teocentrizem je zamenjal antropocentrizem. Človek kot najbolj popolna božja stvaritev je bil v središču pozornosti filozofov in umetnikov. Antropocentrizem renesanse se je manifestiral na različne načine. Tako je bila primerjava arhitekturnih objektov s človeškim telesom, narejena v antiki, dopolnjena v krščanskem duhu. "Leon Batista Alberti, ki je izoliral svetopisemski antropomorfizem od poganskega Vitruvija in primerjal razmerja stebrov z razmerji višine in debeline osebe ... on je po Avguštinu Blaženem povezal človeške razsežnosti s parametri Noetove barke in Salomonov tempelj. Maksima "človek je merilo vseh stvari" je imela za renesanso aritmetični pomen."

Italijanski humanist, ki je živel v drugi polovici 15. stoletja, je znal najbolj prepričljivo izraziti bistvo antropocentrizma. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494 ). Je lastnik eseja z naslovom "Govor o človeškem dostojanstvu". Zgovorno je samo ime, v katerem je poudarjen ocenjevalni moment – ​​»človeško dostojanstvo«. V tej razpravi Bog, ki nagovarja človeka, pravi: »Sredi sveta sem te postavil, da bi ti lažje prodrl s svojim pogledom v okolje. Ustvaril sem te kot bitje, ne nebeško, ampak ne le zemeljsko, ne smrtno, ampak tudi nesmrtno, da bi ti, tuj omejitvam, sam postal stvarnik in si končno ustvaril svojo podobo."

Človek se izkaže za najbolj popolno stvaritev, popolnejšo celo od nebeških bitij, saj so že od začetka obdarjeni s svojim dostojanstvom in človek jih lahko razvije sam, njegova hrabrost, njegova plemenitost pa bodo odvisni le od njegove osebnosti. lastnosti (virtu). Takole je o človeških zmožnostih zapisal arhitekt in pisatelj Leon Batista Alberti: »Tako sem razumel, da je v naši moči, da dosežemo vse pohvale, ne glede na pogum, s pomočjo lastne vneme in spretnosti, in ne le z milostjo. narave in časa ... »Znanstveniki-humanisti so iskali potrditev svojega odnosa do človeka pri filozofih drugih obdobij in so našli podobna stališča med misleci antike.

Starodavna dediščina. Navada, da se zanašajo na določeno avtoriteto, je humaniste prisilila, da iščejo potrditev svojih stališč tam, kjer so našli ideje, ki so si po duhu podobne - v delih antičnih avtorjev. "Ljubezen do starodavnih" je postala značilna lastnost, ki razlikuje predstavnike tega ideološkega trenda. Obvladovanje duhovne izkušnje antike naj bi prispevalo k oblikovanju moralno popolne osebe in s tem k duhovnemu čiščenju družbe.

Srednji vek ni nikoli popolnoma prekinil s starodavno preteklostjo. Italijanski humanisti so na antiko gledali kot na ideal. Mislilci prejšnjega tisočletja so med antičnimi avtorji izpostavljali Aristotela, humaniste so bolj pritegnili slavni govorniki (Ciceron) ali zgodovinarji (Tit Livy), pesniki. V delih starodavnih so bile najpomembnejše misli o duhovni veličini, ustvarjalnih možnostih, junaških dejanjih ljudi. F. Petrarka je bil eden prvih, ki je začel posebej iskati starinske rokopise, preučevati starodavna besedila in sklicevati na antične avtorje kot na najvišjo avtoriteto. Humanisti so opustili srednjeveško latinščino in poskušali svoja dela pisati v klasični "ciceronski" latinščini, kar jih je prisililo, da so zahteve slovnice podredili realnosti sodobnega življenja. Klasična latinščina je združila svoje učene učenjake po vsej Evropi, vendar je ločila njihovo "republiko učenjakov" od tistih, ki niso bili seznanjeni z zapletenostmi latinščine.

Preporod in krščanske tradicije. Nove življenjske razmere so zahtevale zavrnitev starih krščanskih idealov ponižnosti in brezbrižnosti do zemeljskega življenja. Ta patos zanikanja je bil zelo opazen v kulturi renesanse. Hkrati ni bilo zavračanja krščanskega nauka. Renesančni ljudje so se še naprej imeli za dobre katoličane. Kritika cerkve in njenih voditeljev (zlasti redovništva) je bila zelo razširjena, vendar je bila to kritika ljudi cerkve in ne krščanskega nauka. Poleg tega so humanisti kritizirali ne le nemoralnost vedenja nekaterih cerkvenikov, zanje je bil nesprejemljiv prav srednjeveški ideal umika, zavračanja sveta. Takole je napisal humanist Kalyuccio Salutati svojemu prijatelju, ki se je odločil postati menih: »Ne verjemi, o Pellegrino, da je beg pred svetom, izogibanje pogledu na lepe stvari, zapiranje v samostan ali umik v skit pot do popolnosti."

Krščanske ideje so precej mirno sobivale v glavah ljudi z novimi normami vedenja. Med zagovorniki novih idej so bili številni voditelji katoliške cerkve, vključno z najvišjimi, vse do kardinalov in papežev. V umetnosti, zlasti v slikarstvu, so ostale prevladujoče verske teme. Najpomembneje je, da so renesančni ideali vključevali krščansko duhovnost, ki je antiki popolnoma tuja.

Sodobniki so delo humanistov cenili kot najvišji dosežek kulture svojega časa, potomci vedo njihove visoko učene študije bolj po besedah. Za naslednje generacije je njihovo delo, v nasprotju z ustvarjanjem umetnikov, arhitektov in kiparjev, zanimivo kot zgodovinski fenomen. Medtem so ravno ti pedantni poznavalci latinščine, ti ljubitelji sklepanja

0 vrlinah starodavnih so razvile temelje novega pogleda na svet, človeka, naravo, v družbo vcepile nove etične in estetske ideale. Vse to je omogočilo odmik od tradicije srednjega veka in nastajajoči kulturi dal prenovljen videz. Zato je za potomce italijanska zgodovina renesanse najprej zgodovina razcveta italijanske umetnosti.

Problem s prenosom prostora. Za renesanso je bil značilen spoštljiv, skoraj spoštljiv odnos do znanja in učenja. Prav v pomenu znanja v najširšem pomenu besede se je takrat uporabljala beseda »znanost«. Obstajal je samo en način pridobivanja znanja - opazovanje, kontemplacija. Najbolj napredna veja znanja v tem času se je izkazala za znanje, povezano z vizualnim preučevanjem zunanjega sveta.

»Dolg proces zorenja znanosti o naravi in ​​življenju se začne že v 13. stoletju. In njen začetek je bila revolucija v razvoju vida, povezana z napredkom optike in izumom očal ... Konstrukcija linearne perspektive je razširila vidno polje vodoravno in s tem omejila prevlado navpičnice, usmerjene proti nebu v to." Človeško oko je služilo kot vir informacij. Samo umetnik, oseba, ki nima le ostrega očesa, ampak tudi sposobnost, da ujame in prenese na gledalca videz predmeta ali pojava, ki ga gledalec ne vidi, a bi ga rad izvedel, je bil sposoben posredovati informacije , ustvarite vidno podobo katerega koli predmeta. Od tod navdušenje in ponos v besedah ​​D. Vasarija, ki je zapisal: »Oko, imenovano okno duše, je glavni način, s katerim lahko splošni občutek vidi neskončne stvaritve narave v največjem bogastvu in sijaju. .."

Zato ni presenetljivo, da so ljudje renesanse častili slikarstvo kot znanost in najpomembnejšo od znanosti: »O, neverjetna znanost, ohranjaš pri življenju smrtno lepoto smrtnikov, narediš jih trajnejše od stvaritev narava, nenehno spreminjana s časom, ki jih pripelje v neizogibno starost ...« je v svojih zapiskih na različne načine ponavljal Leonardo da Vinci.

Najpomembnejši v tem primeru je bil prenos iluzije volumna predmeta, njegove lokacije v prostoru, t.j. sposobnost ustvarjanja zanesljive risbe. Barva pa je igrala podrejeno vlogo, služila je kot dodatna dekoracija. "Perspektiva je bila glavna intelektualna igra tistega časa ..."

Vasari je v svojih "Biografijah" posebej opozoril na navdušenje številnih umetnikov 15. stoletja. študij linearne perspektive. Tako se je slikar Paolo Uchello dobesedno "zataknil" na probleme perspektive, vse svoje napore posvetil pravilni gradnji prostora, naučil se je prenesti iluzijo redukcije in popačenja arhitekturnih detajlov. Umetnikova žena je "pogosto govorila, da je Paolo cele noči preživel v njegovem ateljeju v iskanju zakonov perspektive in da ji je, ko ga je poklicala spat, odgovoril:" O, kako prijetna je ta perspektiva! "

Faze italijanske renesanse. Kultura italijanske renesanse je šla skozi več stopenj. Imena obdobij so tradicionalno določena po stoletju:

• - prelomu XIII-XIV stoletja. - Duchento, proto-renesansa (predrenesansa). Center - Firence;
• - XIV stoletje. -trecento (zgodnja renesansa);
• - XV stoletje. - Quattrocento (praznovanje kulture renesanse). Ob Firencah se pojavljajo nova kulturna središča v Milanu, Ferrari, Mantovi, Urbinu, Riminiju;
• - XVI stoletje. -Cinquecento, vključuje: Visoko renesanso (prva polovica 16. stoletja), vodstvo v kulturnem življenju prehaja v Rim in pozno renesanso (50-80. stoletja 16. stoletja), ko Benetke postanejo zadnje središče renesančne kulture.

Protorenesansa. V zgodnjih fazah renesanse so bile Firence glavno središče nove kulture. Ikonične figure pesnika Dante Alighieri (1265-1321 ) in umetnik Giotto di Bondone (1276-1337 ), oba izhoda iz Firenc, obe osebnosti, značilni za novo zgodovinsko dobo - aktivni, aktivni, energični. Samo eden od njih, Dante, ki je aktivno sodeloval v političnem boju, je svoje življenje končal kot politični izgnanec, drugi, Giotto, ki ni bil le slaven umetnik, ampak tudi arhitekt, pa je živel kot ugledno in uspešno mesto. prebivalec. (na pol). Vsak na svojem področju ustvarjalnosti je bil hkrati inovator in dopolnjevalka tradicij.

Slednja kakovost je bolj značilna za Danteja. Njegovo ime je nesmrtno naredila pesem "Božanska komedija", ki pripoveduje o avtorjevem potepanju v onem svetu. V tem delu so skoncentrirane vse glavne ideje srednjeveškega svetovnega nazora. V njej sobivata staro in novo. Zgodba je precej srednjeveška, a pripovedana na nov način. Najprej je treba omeniti, da je Dante opustil latinščino. Pesem je napisana v toskanskem narečju. Podana je podoba srednjeveške navpične slike vesolja: krogi pekla, gora čistilnice, prostor raja, glavni junak pa je sam Dante, ki ga na potepanju po peklu spremlja rimski pesnik Virgilij in Čistišča in v raju sreča "božansko Beatrice", žensko, ki jo je pesnik ljubil vse življenje. Vloga, ki je v pesmi dodeljena smrtni ženi, kaže na to, da avtorica gleda bolj v prihodnost kot v preteklost.

Pesem naseljuje veliko likov, aktivnih, neukrotljivih, energičnih, njihovi interesi so obrnjeni k zemeljskemu življenju, skrbijo jih zemeljske strasti in dejanja. Pred bralcem gredo različne usode, liki, situacije, a to so ljudje prihajajoče dobe, katerih duh ni obrnjen v večnost, temveč v trenutni interes »tukaj in zdaj«. Zlobneži in mučeniki, junaki in žrtve, ki vzbujajo sočutje in sovraštvo – vsi navdušujejo s svojo vitalnostjo in ljubeznijo do življenja. Dante je ustvaril velikansko sliko vesolja.

Umetnik Giotto si je zadal cilj posnemati naravo, ki bo postala temeljni kamen za slikarje naslednje dobe. To se je pokazalo v želji po prenosu volumetričnosti predmetov, zatekanju k modeliranju svetlobe in sence figur, vnašanju pokrajine in notranjosti v sliko, skušanju organizirati sliko kot odrsko platformo. Poleg tega je Giotto opustil srednjeveško tradicijo zapolnjevanja celotnega prostora sten in stropov s slikami, ki združujejo različne teme. Stene kapelic so pokrite s freskami, ki so razporejene v pasove, vsak pas pa je razdeljen na več ločenih slik, posvečenih posamezni epizodi in uokvirjenih z ornamentalnim vzorcem-okvirjem. Gledalec, ki gre ob stenah kapele, pregleduje različne epizode, kot da obrača strani knjige.

Giottova najbolj znana dela so stenske slike (freske) v cerkvah v Assisiju in Padovi. V Assisiju so freske posvečene življenju

Frančišek Asiški, malo prej uvrščen med svetnike. Padovanski cikel je povezan z novozaveznimi zgodbami, ki pripovedujejo o življenju Device Marije in Jezusa Kristusa.

Giottova inovativnost ni bila le v uporabi novih tehnik, ne le v »kopiranju« narave (ki so jo njegovi neposredni privrženci razumeli preveč dobesedno – jottesques), ampak v rekreaciji novega dojemanja sveta s slikovnimi tehnikami. Podobe, ki jih je ustvaril, so polne trdnosti in umirjene veličine. Takšni sta v enaki meri tako Marija, ki slovesno sprejme novico o svoji izbranosti (»Oznanjenje«), in dobrodušni sv. Frančišek, ki poveličuje enotnost in harmonijo vesolja ("Sv. Frančišek, ki pridiga pticam"), in Kristus, ki se mirno sreča z zahrbtnim Judovim poljubom ("Judov poljub"). Dante in Giotto veljata za mojstra, ki sta začela razvijati temo junaškega človeka v italijanski renesansi.

Trecento. Slavo temu obdobju so prinesli mojstri, ki so v umetnosti razvili lirično temo. Zvočne kitice Petrarkovih sonetov o lepi Lauri odmevajo izvrstno linearnost del sienskih umetnikov. Na te slikarje so vplivale gotske tradicije: koničasti zvoniki cerkva, koničasti loki, 5-obliki upogib figur, ravnost podobe in dekorativne linije odlikujejo njihovo umetnost. Šteje se za najbolj znanega predstavnika sienske šole Simone Martini (1284-1344). Zanj je značilna oltarna kompozicija, ki prikazuje prizor Marijinega oznanjenja, uokvirjena z izvrstnimi pozlačenimi rezbarijami, ki tvorijo podolgovate gotske oboke. Zlato ozadje spremeni celotno sceno v fantastično vizijo, figure pa so polne dekorativne gracioznosti in muhaste miline. Breztelesna postava Marije muhasto upognjena na zlatem prestolu, njen občutljiv obraz nas spominja na Blokove vrstice: "zahrbtne Madone škilijo svoje dolge oči." Umetniki tega kroga so razvili lirično linijo v umetnosti renesanse.

V XIV stoletju. poteka oblikovanje italijanskega knjižnega jezika. Pisatelji tistega časa so z veseljem pisali smešne zgodbe o zemeljskih zadevah, domačih težavah in dogodivščinah ljudi. Zanimala so jih naslednja vprašanja: kako bi se človek obnašal v določenih okoliščinah; Kako se besede in dejanja ljudi ujemajo drug z drugim? Takšne novele (novele) so bile združene v zbirke, ki so sestavljale nekakšno »človeško komedijo« tiste dobe. Najbolj znan med njimi je Dekameron »Giovanni Boccaccio (1313-1375 ), je enciklopedija vsakdanjega življenja in običajev življenja svojega časa.

Za potomce Francesco Petrarca (1304-1374) - prvi lirski pesnik sodobnega časa. Za svoje sodobnike je bil največji politični mislec, filozof, vladar misli več generacij. Poklican je prvi humanist. V njegovih razpravah so razvite osnovne tehnike in teme, ki so lastne humanizmu. Petrarka se je obrnil k študiju starih avtorjev, nenehno se je skliceval na njihovo avtoriteto, začel pisati v pravilni ("Ciceron") latinščini, dojemal probleme svojega časa skozi prizmo starodavne modrosti.

V glasbi so se novi trendi pokazali v delih takih mojstrov, kot je F. Landini. Ta smer je dobila ime "nova umetnost". Takrat so se rodile nove glasbene oblike posvetne glasbe, kot sta balada in madrigal. S prizadevanji skladateljev "nove umetnosti" so se melodija, harmonija in ritem združili v enoten sistem.

Quattrocento. To obdobje odpira dejavnost treh mojstrov: arhitekta Filippo Brunelleschi (1377-1446 ), kipar Donatello(1386-1466 ), slikar Masaccio (1401-1428 ). Njihovo rojstno mesto Firence postajajo priznano središče nove kulture, katere ideološko jedro je poveličevanje človeka.

V arhitekturnih strukturah Brunelleschija je vse podrejeno vzvišenosti človeka. To se je pokazalo v tem, da so bile zgradbe (celo ogromne cerkve) zgrajene tako, da se človek tam ne bi zdel izgubljen in nepomemben, kot v gotski katedrali. Svetle arkade (elementi, ki v antiki niso imeli analoga) krasijo zunanje galerije sirotišnice, lahke in stroge notranje sobe so resno razpoložene, veličastna in lahka oktaedrska kupola kroni prostor katedrale Santa Maria della Fiore. Pročelja mestnih palač-palazzo, v katerih grobo zidanje prvega nadstropja (rustika) odsevajo elegantni portali, so polna hude zadržanosti. To je vtis, ki ga je želel arhitekt Filippo Brunelleschi.

Kipar Donato, ki se je v umetnostno zgodovino zapisal pod svojim vzdevkom Donatello, je obudil v srednjem veku pozabljeno samostoječo skulpturo. Antični ideal harmonično razvitega človeškega telesa mu je uspelo združiti s krščansko duhovnostjo in intenzivno intelektualnostjo. Podobe, ki jih je ustvaril, pa naj gre za vznemirjenega in napetega preroka Avvakuma ("Tsukkone"), zamišljenega osvajalca Davida, mirno osredotočene Marije Anunziata, strašne Gattamelata v svoji nepristranski trmi, poveličujejo junaško načelo v človeku.

Tomaso Masaccio je nadaljeval Giottove slikarske reforme. Njegove figure so obsežne in poudarjeno materialne ("Madona z otrokom s sv. Ano"), stojijo na tleh in ne "lebdijo" v zraku ("Adam in Eva, izgnana iz raja"), postavljene so v prostor, ki ga je umetniku uspelo prenesti s tehnikami osrednje perspektive (»Trojica«).

Masacciove freske v kapeli Brancacci upodabljajo apostole, ki spremljajo Kristusa na njegovih zemeljskih potepanjih. To so navadni ljudje, ribiči in obrtniki. Umetnik pa jih ne želi obleči v cunje, da bi poudaril njihovo preprostost, ampak se izogiba razkošnim oblačilom, ki bi kazale na njihovo ekskluzivnost in ekskluzivnost. Zanj je pomembno, da pokaže brezčasen pomen dogajanja.

Renesančni mojstri srednje Italije so se skušali izogniti tovrstnim detajlom. Zdelo se je, da je bolj pomembno prenesti tipično, posplošeno in ne individualno, naključno, prenesti veličino osebe. Za to se je na primer Piero della Francesca zatekel k takim tehnikam, kot sta uporaba "nizkega obzorja" in asimilacija človeških figur, zagrnjenih v široka ogrinjala, v arhitekturne oblike ("Kraljica iz Sabe pred Salomonom").

Ob tej junaški tradiciji se je razvila druga, lirična. Prevladovala je dekorativnost, večbarvnost (površina številnih slik tiste dobe spominja na elegantne preproge), vzorčenje. Liki, ki jih upodabljajo mojstri tega trenda, so melanholično zamišljeni, napolnjeni z nežno žalostjo. Majhne stvari v vsakdanjem življenju, muhasti detajli predstavljajo pomemben del njihove privlačnosti. Umetniki tega krožka so vključevali tako florentinske mojstre kot umetnike drugih šol. Najbolj znani med njimi so Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Najbolj briljanten mojster tega trenda je bil Firentinec Sandro Botticelli (1445-1510 ). Dotična, ganljiva lepota njegovih Madon in Venere je za mnoge povezana z umetnostjo Quattrocenta na splošno. Izjemno obledele barve, muhaste, zdaj tekoče, zdaj zvijajoče se linije, svetle figure, ki drsijo nad tlemi in se ne opazijo. Botticelli je eden najbolj očarljivih umetnikov renesanse, katerega delo združuje vpliv srednjeveške estetike, tekoče znanje novih umetniških tehnik in slutnjo krize humanistične kulture. Njegova slika vsebuje mitološke, alegorične in biblične teme. Te zaplete prenaša čopič nedolžne in iskrene osebe, ki se je pridružila filozofskim idejam neoplatonizma.

Botticellijeva umetnost je cvetela na dvoru neuradnega vladarja Firenc, bankirja Lorenza Medicija, ki je bil tipična družbena in politična osebnost svojega časa: zvit in iznajdljiv politik, trd vladar, navdušen občudovalec umetnosti, dober pesnik. Ni zagrešil takih grozodejstev kot S. Malatesta ali C. Borgia, ampak se je na splošno pri svojih dejanjih držal istih načel. Zanj je bila značilna (spet v duhu časa) želja po izkazovanju zunanjega razkošja, sijaja, prazničnosti. Pod njim so Firence slovele po svojih sijajnih karnevalih, katerih obvezna sestavina so bile kostumirane povorke, med katerimi so se izvajale majhne gledališke predstave na mitološke in alegorične teme, ki so jih spremljali plesi, petje in recitacija. Te svečanosti so predvidevale nastanek gledališke umetnosti, katere vzpon se je začel v naslednjem, XVI. stoletju.

Kriza idej humanizma. Humanizem se je osredotočal na poveličevanje človeka in vlagal upanje na dejstvo, da se lahko svobodna človeška osebnost neskončno izboljšuje, hkrati pa se bo izboljšalo življenje ljudi, odnosi med njimi bodo prijazni in harmonični. Od začetka humanističnega gibanja sta minili dve stoletji. Spontana energija in aktivnost ljudi sta ustvarili veliko - veličastna umetniška dela, bogata trgovska podjetja, znanstvene razprave in duhovite kratke zgodbe, a življenje ni bilo nič boljše. Poleg tega je misel na posmrtno usodo drznih ustvarjalcev vse bolj vznemirjala. Kaj lahko upraviči človekovo zemeljsko dejavnost z vidika njegovega posmrtnega življenja? Humanizem in celotna kultura renesanse na to vprašanje nista dala odgovora. Osebna svoboda, vpisana na prapor humanizma, je povzročila problem osebne izbire med dobrim in zlim. Izbira ni bila vedno v korist dobrega. Boj za moč, vpliv, bogastvo je vodil v nenehne krvave spopade. Ulice, hiše in celo cerkve Firenc, Milana, Rima, Padove in vseh mest v Italiji so bile napolnjene s krvjo. Smisel življenja je bil zveden na doseganje konkretnih in oprijemljivih uspehov in dosežkov, a hkrati ni imel neke višje utemeljitve. Poleg tega »igra brez pravil«, ki je postala pravilo življenja, ni mogla trajati predolgo. To stanje je vzbudilo vse večjo željo po uvedbi elementa organiziranosti in gotovosti v življenje družbe. Treba je bilo najti najvišjo opravičilo, najvišjo spodbudo za noro vrenje človeške energije.

Niti humanistična ideologija, usmerjena v reševanje problemov zemeljskega življenja, niti staro katolištvo, katerega etični ideal je bil usmerjen v čisto kontemplativno življenje, nista mogla zagotoviti ujemanja med spreminjajočimi se življenjskimi potrebami in njihovo ideološko razlago. Verska dogma se je morala prilagoditi potrebam družbe aktivnih, podjetnih, neodvisnih individualistov. Vendar so bili poskusi cerkvenih reform v Italiji, ki je bila ideološko in organizacijsko središče katoliškega sveta, obsojeni na neuspeh.

Najbolj presenetljiv primer tega je poskus dominikanskega meniha Girolama Savonarole, da bi izvedel tovrstno reformo v razmerah Firenc. Po smrti sijajnega Lorenza Medicija so Firence doživele politično in gospodarsko krizo. Konec koncev je sijaj dvora Medici spremljalo poslabšanje gospodarstva Firenc, oslabitev njenega položaja med sosednjimi državami. Ogromen vpliv je v mestu pridobil strogi dominikanski menih Savonarola, ki je pozival k opustitvi razkošja, zasledovanju zaman umetnosti in vzpostavitvi pravice. Večina meščanov (vključno z umetniki, kot so Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) se je navdušeno začela boriti proti zlu, uničevati luksuzne dobrine, sežigati umetnine. S prizadevanji rimske kurije je bil Savonarola strmoglavljen in usmrčen, moč oligarhije je bila obnovljena. Toda staro, spokojno in veselo zaupanje v ideale, namenjene poveličevanju popolnega človeka, ni več.

Visoka renesansa. Ruševalni patos emancipacije in osvoboditve je postal jedro humanistične ideologije. Ko so bile njegove možnosti izčrpane, je bila kriza neizogibna. Kratko obdobje, približno tri desetletja, je trenutek zadnjega vzleta pred začetkom uničenja celotnega sistema idej in razpoloženj. V tem času se je središče kulturnega razvoja preselilo iz Firenc, ki so izgubljale svojo republikansko pogum in red, v Rim, središče teokratske monarhije.

V umetnosti so trije mojstri najbolj polno izrazili visoko renesanso. Lahko rečemo, čeprav, seveda, nekoliko pogojno, da je najstarejši med njimi, Leonardo da Vinci (1452-1519 ), je hvalil človeški razum, um, ki človeka povzdigne nad naravo okoli njega; najmlajši, Raphael Santi (1483-1520 ), ustvaril podobe, ki so popolnoma lepe, ki poosebljajo harmonijo duševne in telesne lepote; a Michelangelo Buonarroti (1475-1564) slavil moč in energijo človeka. Svet, ki so ga ustvarili umetniki, je resničnost, vendar očiščen vsega malenkostnega in naključnega.

Glavna stvar, ki jo je Leonardo zapustil ljudem, je bila njegova slika, ki je poveličevala lepoto in um osebe. Že prvo od samostojnih Leonardovih del - angelska glava, napisana za "krst" njegovega učitelja Verrocchia, je navdušila občinstvo s svojim premišljenim, premišljenim pogledom. Umetnikovi liki, pa naj bo to mlada Marija, ki se igra z otrokom ("Benois Madonna"), lepa Cichilia ("Dama z hermelinom") ali apostoli in Kristus v prizoru "Zadnje večerje" so predvsem , misleča bitja. Dovolj je, da se spomnimo slike, znane kot portret Mona Lise (La Gioconda). Pogled mirno sedeče ženske je poln takšnega vpogleda in globine, da se zdi, da vidi in razume vse: občutke ljudi, ki jo gledajo, zapletenost njihovega življenja, neskončnost Kozmosa. Za njo je čudovita in skrivnostna pokrajina, a se dviga nad vse, ona je glavna stvar na tem svetu, pooseblja človeški intelekt.

V osebnosti in delu Rafaela Santija se je še posebej v celoti izkazalo stremljenje k harmoniji, notranjemu ravnovesju in umirjenemu dostojanstvu, značilno za italijansko renesanso. Za seboj ni pustil le slik in arhitekturnih del. Njegovo slikarstvo je vsebinsko zelo raznoliko, a ko govorijo o Rafaelu, mi najprej na misel pridejo podobe njegovih Madon. Imajo precej podobnosti, ki se kaže v duševni jasnosti, otroški čistosti in jasnosti notranjega sveta. Med njimi so zamišljeni, zasanjani, spogledljivi, osredotočeni, od katerih vsak uteleša eno ali drugo podobo ženske z otroško dušo.

Najbolj znana Rafaelova Madonna, Sikstinska Madona, pade iz te vrste. Takole je opisan vtis sovjetskih vojakov, ki so ga leta 1945 videli odstraniti iz rudnika, kamor so ga skrili nacisti: »Nič na sliki sprva ne zadrži vaše pozornosti; tvoj pogled drsi in se ne ustavi pri ničemer, do tistega trenutka, dokler ne sreča drugega pogleda, ki prihaja proti tebi. Temne, široko postavljene oči mirno in pozorno gledajo na vas, zavite v prozorno senco trepalnic; in zdaj se je v tvoji duši vznemirilo nekaj nejasnega, te spravlja v previdnost ... Še vedno poskušaš razumeti, kaj je narobe, kaj točno na sliki te je opozorilo, vznemirilo. In tvoje oči nehote vedno znova sežejo v njen pogled ... Pogled Sikstinske Madone, malce zamegljen od žalosti, je poln zaupanja v prihodnost, h kateri s tako veličino in preprostostjo nosi svoje najdragocenejše sin."

Podobno dojemanje slike prenašajo naslednje vrstice verzov: "Kraljestva so izginila, morja so se posušila, / Citadele do tal pogorele, / Aona v materinski žalosti / Iz preteklosti v prihodnost je šla."

V Rafaelovem delu je še posebej izrazita želja po iskanju skupnega, tipičnega v posamezniku. Govoril je o tem, da mora videti veliko lepih žensk, da lahko napiše Beauty.

Pri ustvarjanju portreta so umetniki italijanske renesanse svojo pozornost usmerili ne na podrobnosti, ki pomagajo prikazati posameznika v človeku (oblika oči, dolžina nosu, oblika ustnic), temveč na splošno -tipično, ki predstavlja »specifične« lastnosti človeka.

Michelangelo Buonarroti je bil hkrati čudovit pesnik in briljanten kipar, arhitekt, slikar. Dolgo ustvarjalno življenje Michelangela je vključevalo tudi čas najvišjega razcveta renesančne kulture; on, ki je preživel večino titanov renesanse, je moral opazovati propad humanističnih idealov.

Moč in energija, ki prežemata njegova dela, se zdita včasih pretirana, premočna. V delu tega mojstra se patos ustvarjanja, značilen za dobo, združuje s tragičnim občutkom pogube tega patosa. Kontrast med fizično močjo in nemočjo je prisoten v številnih kiparskih podobah, kot so figure "Sužnji", "Ujetniki", znamenita skulptura "Noč", pa tudi v podobah Sibil in prerokov na strop Sikstinske kapele.

Posebej tragičen vtis naredi slika, ki prikazuje prizor zadnje sodbe na zahodni steni Sikstinske kapele. Po besedah ​​umetnostnega zgodovinarja je »vzdignjena Kristusova roka vir vrtinčnega sferičnega gibanja, ki se odvija okoli osrednjega ovala ... Svet se premika, visi nad breznom, ves niz teles visi nad breznom v »zadnji sodbi« ... V jeznem izbruhu je bila dvignjena Kristusova roka. Ne, ni bil rešitelj ljudi ... in Michelangelo ni hotel tolažiti ljudi ... Ta bog je popolnoma nenavaden ... on je brezbrad in mladostno hiter, močan je v svoji fizični moči in vsej svoji moči je dano jezi. Ta Kristus ne pozna usmiljenja. Zdaj bi bilo to le sprenevedanje zla."

Renesansa v Benetkah: praznovanje barv. Bogata trgovska republika je postala središče pozne renesanse. Benetke so zasedle poseben položaj med kulturnimi središči Italije. Novi trendi so tja prodrli veliko pozneje, kar pojasnjujejo močna konservativna čustva, ki so obstajala v tej oligarhični trgovski republiki, povezana s tesnimi odnosi z Bizancem in je bila pod močnim vplivom »bizantinske manire«.

Zato se duh renesanse v umetnosti Benečanov kaže šele od druge polovice 15. stoletja. v delih več generacij umetnikov družine Bellini.

Poleg tega ima beneško slikarstvo še eno opazno razliko. V likovni umetnosti drugih italijanskih šol je bila glavna stvar risanje, sposobnost prenašanja volumna teles in predmetov s črno-belim modeliranjem (slavno sfumato Leonardo da Vinci), medtem ko so Benečani prelivanju barv pripisovali velik pomen. Vlažno vzdušje Benetk je pripomoglo k temu, da so umetniki veliko pozornosti namenili slikovitosti svojega dela. Ni presenetljivo, da so bili Benečani prvi italijanski slikarji, ki so se zatekli k tehniki oljnega slikanja, ki se je razvila na severu Evrope, na Nizozemskem.

Pravi razcvet beneške šole je povezan z ustvarjalnostjo Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Ta zgodaj preminuli mojster je za seboj pustil nekaj slik. Človek in narava sta glavna tema takšnih del, kot so "Koncert na deželi", "Spača Venera", "Nevihta". "Med naravo in človekom vlada srečna harmonija, kar je, strogo gledano, glavna tema podobe." Barva igra pomembno vlogo v Giorgionejevem slikarstvu.

Najbolj znan predstavnik beneške šole je bil Tizian Vecelio,čigar letnica rojstva ni znana, vendar je umrl zelo star človek, leta 1576 med epidemijo kuge. Slikal je slike na svetopisemske, mitološke, alegorične teme. V njegovem slikarstvu je močan življenjsko potrjujoč začetek, junaki in junakinje so polni moči in telesnega zdravja, veličastni in lepi. Energija impulza in gibanja je enako nasičena z oltarno podobo Marijinega vnebovzetja (Assunta) in antičnim motivom Bakanalije. Tako "Denarij iz Cezarja" ("Kristus in Juda") kot "zemeljska in nebeška ljubezen" sta prežeta s filozofskimi implikacijami. Umetnik je hvalil žensko lepoto ("Venera Urbinskaya", "Danae", "Dekle s sadjem") in tragični trenutek smrti osebe ("Žalovanje Kristusa", "Zakopavanje"). Veličastno lepe podobe, harmonične podrobnosti arhitekturnih oblik, lepe stvari, ki zapolnjujejo notranjost, mehka in topla barva slik - vse to priča o ljubezni do življenja, ki je lastna Tizianu.

Isto temo je nenehno razvijal drug Benečan, Paolo Veronese (1528-1588 ). Ob besedah ​​"beneško slikarstvo" najprej pomislijo na njegove obsežne "Praznike" in "Praznike", njegove alegorije na slavo blaginje Beneške republike. Veronese nima vsestranskosti in modrosti Tiziana. Njegova slika je bolj dekorativna. Ustvarjen je bil predvsem za okrasitev palače beneške oligarhije in za okrasitev uradnih zgradb. Veseli temperament in iskrenost sta to panegirično sliko spremenili v veselo praznovanje življenja.

Treba je opozoriti, da se Benečani pogosteje kot predstavniki drugih italijanskih šol srečujejo s starinskimi predmeti.

Politične ideje. Postalo je očitno, da humanistično prepričanje, da bo svobodna in vsemogočna oseba postal srečen in osrečil vse okoli sebe, ni upravičeno, in začelo se je iskanje drugih možnosti za doseganje sreče. Ker je zamrlo upanje na sposobnost posameznika, da ustvari pogoje za srečno ali vsaj mirno življenje ljudi, se je pozornost preusmerila na možnosti organizirane človeške skupnosti – države. Firentinec je izvor sodobne politične misli Niccolo Machiavelli (1469-1527 ), ki je bil državnik, zgodovinar, dramatik, vojaški teoretik, filozof. Poskušal je razumeti, kako je treba organizirati družbo, da bi ljudje živeli bolj umirjeno. Močna oblast vladarja je tista, ki bi po njegovem mnenju lahko zagotovila red. Naj bo vladar krut kot lev in zvit kot lisica, naj, ohrani svojo moč, odpravi vse tekmece. Neomejena in nenadzorovana moč bi morala po Machiavelliju prispevati k nastanku velike in močne države. V takem stanju bo večina ljudi živela v miru, brez strahu za svoja življenja in premoženje.

Machiavellijeve dejavnosti so pričale o tem, da je čas "igre brez pravil" močno utrudil družbo, da je bilo treba ustvariti silo, ki bi lahko združila ljudi, uredila odnose med njimi, vzpostavila mir in pravičnost - kot taka sila, začelo razmišljati o stanju.

Mesto umetnosti v življenju družbe. Kot smo že omenili, je bila takrat najbolj cenjena sfera delovanja umetniško ustvarjanje, saj se je v jeziku umetnosti izražala doba kot celota. Verska zavest je izgubljala svoj vsesplošen vpliv na življenje družbe, znanstvena spoznanja pa so bila še v povojih, zato je bil svet dojeman skozi umetnost. Umetnost je imela vlogo, ki je v srednjem veku pripadala veri, v družbi novega in modernega časa pa znanosti. Vesolje niso dojemali kot mehanski sistem, ampak kot integralni organizem. Glavno sredstvo za dojemanje okolja je bilo opazovanje, kontemplacija, fiksiranje videnega, to pa je najbolje zagotavljalo slikanje. Ni naključje, da Leonardo da Vinci slikarstvo imenuje znanost, poleg tega pa je najpomembnejša od znanosti.

Številna dejstva pričajo o pomenu videza izjemnega umetniškega dela v očeh sodobnikov.

Zgoraj so bila omenjena tekmovanja med umetniki za pravico do donosnega vladnega naročila. Enako kontroverzno je bilo vprašanje, kje naj stoji Michelangelov »David«, nekaj desetletij pozneje pa se je enak problem pojavil pri postavitvi »Perseja« B. Cellinija. In to je le nekaj najbolj znanih tovrstnih primerov. Ta odnos do nastanka novih umetniških stvaritev, namenjenih okrasitvi in ​​poveličevanju mesta, je bil povsem naraven za urbano življenje renesanse. Epoha je govorila o sebi v jeziku umetnin. Zato je vsak dogodek v umetniškem življenju postal pomemben za celotno družbo.

Teme in interpretacija zapletov v umetnosti italijanske renesanse. Prvič v tisoč letih obstoja krščanske kulture so umetniki začeli upodabljati zemeljski svet, ga povzdigovati, herojizirati, pobožati. Teme umetnosti so ostale skoraj izključno religiozne, vendar se je v okviru te tradicionalne tematike zanimanje, relativno gledano, preusmerilo na teme, ki potrjujejo življenje.

Prva stvar, ki pride na misel ob omembi italijanske renesanse, je podoba Marije z dojenčkom, ki jo predstavlja mlada dama (Madonna) z ganljivo lepim otrokom. "Madona z otrokom", "Madona s svetniki" (tako imenovani "Sveti intervju"), "Sveta družina", "Češčenje magov", "Božič", "Procesija magov" - to so najljubše teme umetnosti tistega časa. Ne, nastala sta tako "Crucifixes" kot "Lamentation", vendar ta nota ni bila glavna. Kupci in umetniki, ki so svoje želje utelešali v vidnih podobah, so v tradicionalnih verskih temah našli tisto, kar nosi upanje in vero v svetel začetek.

Med liki svetih legend so se pojavile podobe resničnih ljudi, kot so donatorji(darovalci), ki se nahajajo izven okvirja oltarne kompozicije ali kot liki v nabito polnih procesijah. Dovolj je, da se spomnimo "Čaščenja magov" S. Botticellija, kjer so člani družine Medici prepoznavni v elegantni množici častilcev in kamor je verjetno umetnik postavil tudi avtoportret. Hkrati so se razširile samostojne portretne podobe sodobnikov, naslikane iz življenja, iz spomina, iz opisov. V zadnjih desetletjih 15. stoletja. umetniki so začeli vse bolj upodabljati prizore mitološke narave. Takšne slike naj bi krasile prostore palače. Prizori iz sodobnega življenja so bili vključeni v verske ali mitološke kompozicije. Sama po sebi sodobnost v svojih vsakdanjih pojavnih oblikah umetnikov ni preveč zanimala, v znane vidne podobe so oblekli vzvišene, idealne teme. Renesančni mojstri niso bili realisti v sodobnem pomenu besede, ampak so s sredstvi, ki so jim bila na voljo, poustvarili človeški svet, očiščen iz vsakdanjega življenja.

Po tehnikah linearne perspektive so umetniki na ravnini ustvarili iluzijo tridimenzionalnega prostora, napolnjenega s figurami in predmeti, ki se zdijo tridimenzionalni. Ljudje na slikah renesanse so predstavljeni kot veličastni in pomembni. Njihove drže in kretnje so polne resnosti in slovesnosti. Ozka ulica ali prostoren trg, elegantno opremljena soba ali prosto razširjeni hribi - vse služi kot kulisa za figure ljudi.

V italijanskem renesančnem slikarstvu je pokrajina ali notranjost predvsem okvir za človeške figure; subtilno črno-belo modeliranje ustvarja vtis materialnosti, vendar ne grobo, ampak izvrstno zračno (ni naključje, da je Leonardo sredi dneva v oblačnem vremenu smatral za idealen čas za delo, ko je svetloba mehka in razpršeno); nizko obzorje naredi figure monumentalne, kot da se njihove glave dotikajo neba, zadržanost drž in kretenj pa jim daje slovesnost in veličastnost. Liki niso vedno lepi z obraznimi potezami, so pa vedno polni notranjega pomena in pomembnosti, samospoštovanja in umirjenosti.

Umetniki v vsem in se vedno izogibajo ekstremom in nesrečam. Tako je umetnostni kritik opisal muzejske vtise o slikarstvu italijanske renesanse: »Dvorane italijanske umetnosti XIV-XVI stoletja odlikuje ena zanimivost - presenetljivo mirne so z obilico obiskovalcev in različnimi izleti. .. Tišina teče iz sten, iz slik - veličastna tišina visokega neba, mehkih gričev, velikih dreves. In - veliki ljudje ... Ljudje so večji od neba. Svet, ki se širi za njimi – s cestami, ruševinami, rečnimi bregovi, mesti in viteškimi gradovi – vidimo kot z višine leta. Je obsežen, podroben in spoštljivo odstranjen."

V zgodbi o razstavi kartonov, ki sta jih Leonardo in Michelangelo izdelala za Svetovno dvorano (slik nista nikoli dokončala nobena od obeh) je vredno biti pozoren na dejstvo, da se je za Florentince zdelo še posebej pomembno, da vidijo kartone. Posebej so cenili risbo, ki prenaša obliko, obseg upodobljenih predmetov in teles ter idejni koncept, ki ga je mojster poskušal uresničiti. Zanje je bila barva v slikarstvu prej dodatek, ki poudarja obliko, ki jo ustvarja risba. In še to: sodeč po ohranjenih kopijah bi morali obe deli (posvečeni dvema bitkama, pomembnima za zgodovino mestne države Firence) postati tipična manifestacija renesančnega pristopa k umetnosti, kjer je glavna stvar je bil človek. Z vso razliko med Leonardovim in Michelangelovim kartonom, konjski bojevniki pri Leonardu ("Bitka pri Angiariju"), ki jih je sovražnik ujel med plavanjem v reki, pri Michelangelu ("Bitka pri Kashinu"), - splošni pristop k predstavitev upodobljenega je očitna, zahteva poudarjanje človeške figure, podrejanje okoliškega prostora. Navsezadnje so igralci pomembnejši od kraja dogajanja.

Zanimivo je slediti, kako se je takratno razpoloženje odražalo v umetnosti, če primerjamo več del, posvečenih upodobitvi istega zapleta. Ena izmed najljubših tem tistega časa je bila zgodba o svetem Sebastijanu, ki so ga rimski vojaki usmrtili zaradi njegove predanosti krščanstvu. Ta tema je omogočila prikaz junaštva človeške osebe, ki je sposobna žrtvovati svoje življenje za svoja prepričanja. Poleg tega je zaplet omogočil, da se obrnemo na podobo golega telesa, da uresničimo humanistični ideal - harmonično kombinacijo lepega videza in lepe človeške duše.

Sredi 15. stoletja. na to temo je bilo napisanih več prispevkov. Avtorji so bili precej različni mojstri: Perugino, Antonello de Mesina in drugi. Ko pogledaš njihove slike, človeka preseneti umirjenost, občutek notranjega dostojanstva, ki je prežet s podobo lepega golega mladeniča, ki stoji ob stebru ali drevesu in zasanjano gleda v nebo. Za njim je mirna podeželska pokrajina ali prijeten mestni trg. Le prisotnost puščic v telesu mladeniča gledalcu pove, da smo pred prizorom usmrtitve. Bolečine, tragedije, smrti se ne čuti. Ti čudoviti mladeniči, ki jih je združila usoda mučenca Sebastijana, se zavedajo svoje nesmrtnosti, tako kot so ljudje, ki so živeli v Italiji v 15. stoletju, čutili svojo neranljivost in vsemogočnost.

Na sliki, ki jo je naslikal umetnik Andrea Mantegna, se čuti tragedija dogajanja, njegova sv. Sebastian se počuti, kot da umira. In končno, sredi XVI stoletja. Tizian Vecelio je napisal svojo sv. Sebastian. Na tem platnu ni podrobne pokrajine. Kraj delovanja je samo orisan. V ozadju ni nobenih naključnih figur, nobenih bojevnikov - krvnikov, ki ciljajo na svojo žrtev, nič, kar bi gledalcu lahko povedalo smisel situacije, hkrati pa je občutek tragičnega konca. To ni samo smrt človeka, je smrt celega sveta, ki gori v škrlatnem plamenu univerzalne katastrofe.

Pomen kulture italijanske renesanse. Tla, ki so rodila kulturo italijanske renesanse, so bila uničena v 16. stoletju. Večji del države je bil podvržen tujim invazijam, novo gospodarsko strukturo je spodkopalo premikanje glavnih trgovskih poti v Evropi od Sredozemlja do Atlantika, ljudske republike so padle pod oblast ambicioznih najemniških kondotirjev in naval individualističnih energija je izgubila svojo notranjo upravičenost in postopoma zamrla v razmerah oživitve fevdalnega reda (refevdalizacija družbe). Poskus oblikovanja nove družbe, ki bi temeljila na emancipaciji človeške osebe, na pobudo podjetništva, je bil v Italiji za dolgo prekinjen. Država je bila v zatonu.

Toda kulturna tradicija, ki jo je ustvarila ta družba, ki se je s prizadevanji italijanskih mojstrov razširila po vsej Evropi, je postala standard za evropsko kulturo kot celoto, dobila je svoje nadaljnje življenje v svoji različici, ki je bila zasidrana z imenom "visoki", "učeni". "kultura. Ostali kulturni spomeniki renesanse - lepe zgradbe, kipi, stenske poslikave, slike, pesmi, modri spisi humanistov, so bile tradicije, ki so v naslednjih treh stoletjih in pol (do konca 19. stoletja) odločilne za kultura tistih ljudstev, ki so bila pod njenim vplivom, in ta vpliv se je postopoma zelo razširil.

Posebej velja omeniti in poudariti pomen likovne umetnosti italijanske renesanse z njeno željo, da na ravnini stene ali deske, lista papirja, zaprtega v okvir platna, prenese iluzijo tridimenzionalnega prostora. napolnjena z iluzornimi volumetričnimi podobami ljudi in predmetov - kar lahko imenujemo Ob oknu Leonarda Danilova I.Ye. Italijansko mesto iz 15. stoletja. Resničnost, mit, podoba. Moskva, 2000, str. 22, 23. Glej: V.P. Golovin. Svet zgodnjerenesančnega umetnika. M .: Založba Moskovske državne univerze, 2002. P. 125. Boyadzhiev G. Italijanski zvezki. M., 1968. S. 104.

Lazarev V.N. Stari italijanski mojstri. M., 1972. S. 362.

Bogat E. Pisma iz Ermitaža // Aurora. 1975. številka 9. str. 60.

Obdobje italijanske renesanse ali italijanske renesanse, obdobje kulturnega in ideološkega razvoja države od konca XIII do XVI stoletja. nova najpomembnejša faza v razvoju svetovne kulture. Vse vrste umetnosti v tem času dosegajo blaginjo brez primere. Zanimanje za človeka v času renesanse je določilo nov ideal lepote.

V umetnostni zgodovini se uporabljajo italijanska imena tistih stoletij, v katere sodi rojstvo in razvoj renesančne umetnosti Italije. Torej se 13. stoletje imenuje duchento, 14. - trecento, 15. - quattrocento, 16. - cinquecento.

Quattrocento je izvajal ta program. Zanj je bil značilen nastanek številnih središč renesančne kulture - v Firencah (prednjačila je do začetka 16. stoletja) v Milanu, Benetkah, Rimu, Neaplju.

V arhitekturi je posebno veliko vlogo igralo sklicevanje na klasično tradicijo. Izkazalo se je ne le v zavračanju gotskih oblik in oživitvi starodavnega rednega sistema, temveč tudi v klasični sorazmernosti, v razvoju centričnega tipa zgradb v tempeljski arhitekturi z lahko vidnim notranjim prostorom. Predvsem veliko novega je nastalo na področju civilne arhitekture. V času renesanse večnadstropne mestne stavbe (mestne hiše, hiše trgovskih cehov, univerze, skladišča, tržnice itd.) dobijo elegantnejši videz, pojavi se vrsta mestne palače (palazzo) - stanovanje bogatega meščana, kot tudi tip podeželske vile. Na nov način se rešujejo vprašanja v zvezi z načrtovanjem mest, rekonstruirajo se urbana središča.

Renesančna umetnost je razdeljena na štiri stopnje:

Protorenesansa (konec XIII - I polovica XIV stoletja),

Zgodnja renesansa (II polovica XIV - začetek XV stoletja),

Visoka renesansa (konec 15. stoletja, prva tri desetletja 16. stoletja),

Pozna renesansa (sredina in druga polovica 16. stoletja)

PROTORENESANCA.

Italijanska kultura uživa v briljantnem vzponu. Razvoj protornesančnih tendenc je potekal neenakomerno. Značilnost italijanske cerkvene arhitekture je tudi postavitev kupol nad presečiščem osrednje ladje in transepta. Med najbolj znane spomenike te italijanske različice gotike je katedrala v Sieni (XIII-XIV stoletja) V italijanski kulturi so se prepletale značilnosti starega in novega. V arhitekturi, kiparstvu in slikarstvu se oglasijo ugledni mojstri, ki so postali ponos tega obdobja - Niccolo in Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Pietro Cavallini, Giotto di Bondone, katerih delo je v veliki meri določilo nadaljnji razvoj italijanske umetnosti in postavilo temelje za obnovo.

Niccolo Pisano - Prižnica iz belega, rožnato-rdečega in temno zelenega marmorja je celotna arhitekturna zgradba, dobro vidna z vseh strani. Po srednjeveškem izročilu so na parapetih (stenah prižnice) reliefi, ki prikazujejo prizore iz Kristusovega življenja, med njimi so liki prerokov in alegorične kreposti. Stebri počivajo na hrbtih ležečih levov. Niccolo Pisano je tukaj uporabil tradicionalne zaplete in motive, vendar stol spada v novo obdobje.

Rimska šola (Pietro Cavallini (med 1240 in 1250 - približno 1330)

Florentinska šola (cimabue)

Šola v Sieni (Siensko umetnost zaznamujejo značilnosti prefinjene prefinjenosti in dekorativnosti. V Sieni so cenili francoske ilustrirane rokopise in umetniška dela. V XIII-XIV stoletju je bila tu postavljena ena najelegantnejših katedral italijanske gotike. , na fasadi katere je Giovanni Pisano delal v letih 1284-1297.)

ZGODNJA RENESANČNA UMETNOST

v umetnosti Italije se zgodi odločilna prelomnica. Pojav močnega renesančnega središča v Firencah je pomenil prenovo celotne italijanske umetniške kulture.

Obrat k realizmu. Firence so postale vodilno središče kulture in umetnosti. Zmaga hiše Medici. Leta 1439. ustanovljena je Platonska akademija. Laurentian Library, Medici Art Collection. Novo spoštovanje lepote - podobnost z naravo, občutek za sorazmernost.

V stavbah je poudarjena ravnina stene. Materialnost Bruneleschija, Albertija, Benedetta da Maiana.

Filippo Brunelleschi (1337-1446) je eden največjih italijanskih arhitektov 15. stoletja. Oblikuje slog renesanse. Inovativno vlogo mojstra so opazili njegovi sodobniki. Brunelleschi se v prelomu z gotiko ni opiral toliko na klasično klasiko kot na arhitekturo protorenesanse in na nacionalno tradicijo italijanske arhitekture, ki je ohranila prvine klasike skozi ves srednji vek. Brunelleschijevo delo stoji na prelomu dveh obdobij: hkrati dopolnjuje tradicijo protorenesanse in postavlja temelje za novo pot v razvoju arhitekture.

Donatello (1386-1466) - veliki florentinski kipar, ki je stal na čelu mojstrov, ki so zaznamovali začetek razcveta renesanse. V umetnosti svojega časa je deloval kot pravi inovator. Donatello je bil prvi od renesančnih mojstrov, ki je uspel rešiti problem stabilne postavitve figure, prenesti organsko celoto telesa, njegovo težo, maso. Bil je eden prvih, ki je v svojih delih uporabil teorijo linearne perspektive.

VISOKO OŽIVLJENJE

To je čas najtesnejšega medsebojnega delovanja različnih sfer umetniške in intelektualne ustvarjalnosti na podlagi strnjene skupnosti novih svetovnonazorskih stališč in različnih zvrsti umetnosti - na podlagi novega sloga, ki je postal običajen za celotno zasedbo. Kultura renesanse je v tem času pridobila moč brez primere in široko prepoznavnost v italijanski družbi.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Ustanovitelj visoke renesanse. Zanj je umetnost spoznanje sveta. Poglobljene specifikacije. Splošne oblike. Velik znanstvenik.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

Kipar, slikar, arhitekt

Leta 1508 je papež Julij II povabil Michelangela, naj poslika strop Sikstinske kapele.

POZNA RENESANCA

mojstri pozne renesanse - Palladio, Veronese, Tintoretto. Mojster Tintoretto se je uprl ustaljenim tradicijam v vizualni umetnosti – spoštovanju simetrije, strogega ravnovesja, statičnosti; razširil meje prostora, ga nasičil z dinamiko, dramsko akcijo, začel bolj živo izražati človeška čustva. Je ustvarjalec množičnih prizorov, prežetih z enotnostjo izkušenj.

Ena prvih renesančnih zgradb - kupola katedrale Santa Maria del Fiore v Firencah (1420-1436). Arhitekt Brunelleschi Phillipi, 1377-1446

15-16. stoletje je zaradi geografskih odkritij postalo prelomnica v zgodovini evropske civilizacije. Svetovna trgovina je rasla, razvijala se je obrt, povečalo se je mestno prebivalstvo, povečal se je obseg gradnje. Razvijale so se znanost, literatura in umetnost. Tudi arhitektura italijanske renesanse je bila posledica gospodarske rasti, pa tudi slabljenja vpliva cerkve. Ime slogu je dal umetnik, raziskovalec italijanske umetnosti, ki je napisal knjigo Giordana Vasarija "Biografije najbolj znanih slikarjev, kiparjev in arhitektov" (1568. Rimsko cesarstvo in z njim antična umetnost). Prav on je pisal o oživljanju italijanske umetnosti, saj je srednji vek obravnaval kot obdobje nevednosti, ki je sledilo propadu antične umetnosti v Italiji v 16. stoletju, nato pa je postalo modno v drugih evropskih državah. Estetika renesanse obrnil človekove oči na naravo.Umetnost starega Rima je bila osnova umetniške kulture tistega obdobja.Opozoriti je treba, da so bili nekateri elementi starodavne arhitekture uporabljeni v srednjem veku. Na primer, ločeni fragmenti mravlje osebnosti najdemo v zgradbah iz karolinške renesanse; obstajajo tudi v tako imenovanem »otonskem obdobju« ob koncu 10. stoletja. (to je bil čas kulturnega vzpona v Nemčiji pod otomanskimi cesarji saške dinastije). Elemente antike je mogoče opaziti tudi v gotski arhitekturi Nemčije. Za razliko od srednjeveških arhitektov so mojstri arhitekture italijanske renesanse poskušali v arhitekturi odsevati zelo starodavno filozofijo, ki je bila značilna za staro Grčijo in stari Rim: občudovanje lepote narave in človeka, realističen pogled na svet. Za arhitekturo renesanse v Italiji je značilna simetrija, sorazmernost, resnost sistemov reda. V tem slogu niso zgrajeni samo templji, ampak tudi javne zgradbe: izobraževalne ustanove, mestne hiše, hiše trgovskih cehov, trgi. V 16. stoletju so se v Italiji pojavile nove vrste mestnih in podeželskih palač - palazzo in vila. Spremenila se je tudi sestava kupcev: v srednjem veku so bili glavni kupci cerkev, fevdalci, zdaj naročila prihajajo od cehovskih združenj, cehov, mestnih oblasti in plemstva.

Ustanovitelj italijanske renesančne arhitekture

Ustanovni oče renesančne arhitekture je arhitekt in kipar Filippo Brunelleschi.

Prva konstrukcija arhitekture italijanske renesanse je bila kupola florentinske katedrale (1420-1436), pri gradnji te kupole pa je Brunelleschi utelešal nove gradbene zamisli, ki bi jih brez posebej zasnovanih mehanizmov težko izvedli. V istem obdobju, v letih 1419-1444, je Brunelleschi sodeloval pri gradnji sirotišnice - "Zavetišče za nedolžne".

Sirotišnica (1419-1444) Arhitekt Brunelleschi

Zakon linearne perspektive pomeni posebnost človeškega zaznavanja oddaljenih predmetov, njihovih razmerij in oblik.

Bila je ena prvih zgradb v Italiji, ki je po svoji gradnji spominjala na antične zgradbe. Brunelleschi je tisti, ki je zaslužen za odkritje zakona linearne perspektive, oživitev antičnih redov v arhitekturi italijanske renesanse. Zahvaljujoč njegovemu delu so proporci spet postali osnova nove arhitekture, bil je odgovoren za oživitev uporabe "zlatega reza" v arhitekturi, kar je omogočilo doseganje harmonije v arhitekturnih strukturah. Tako je Brunelleschi obudil starodavne tradicije v arhitekturi renesanse v Italiji in jih vzel kot osnovo za ustvarjanje nove vrste arhitekture. Brunelleschijeve ideje so sovpadale z novimi smermi filozofije družbe: za zamenjavo srednjeveških prepovedi, prezir do vsega zemeljskega v tem obdobju prihaja zanimanje za resničnost in človeka.

Zlati rez je matematični pojem, v arhitekturi pomeni razmerje med dvema količinama (ena večja, druga manjša), zaprta v skupno vrednost. V tem primeru razmerje med večjo in manjšo vrednostjo ustreza razmerju med skupno vrednostjo in večjo od dveh povezanih vrednosti. Prvič je takšno razmerje odkril Evklid (300 pr.n.št.). V renesansi se je razmerje imenovalo "božanski delež", moderno ime se je pojavilo leta 1835. Razmerje med vrednostmi v zlatem razmerju je konstanta številka 1.6180339887.

Obdobja v arhitekturi italijanske renesanse

V italijanski arhitekturi je več stopenj razvoja renesanse: zgodnje - 15. stoletje, zrelo - 16. stoletje in kasneje. V zgodnjem obdobju so bili v arhitekturi še vedno prisotni elementi gotike, združeni s antičnimi oblikami, v zrelem obdobju pa elementov gotskega sloga ni več, prednost imajo arhitekturni red in proporcionalne oblike, v pozni renesansi, se že čuti duh novega baročnega sloga. Zgodnje obdobje. Glavno načelo italijanske renesanse je bila simetrija strukture v načrtu, enakomerna razporeditev arhitekturnih elementov: portali, stebri, vrata, okna, kiparske kompozicije in dekor vzdolž oboda fasade. Renesančna arhitektura v Italiji v zgodnjem obdobju je povezana predvsem s Firencami. Tu so v 15. stoletju zgradili palače za plemstvo, tempeljske zgradbe in javne zgradbe. V Firencah je leta 1420 arhitekt Filippo Brunelleschi začel postavljati kupolo katedrale Santa Maria del Fiore, leta 1421 obnovi San Lorenzo in dela na gradnji kapele - Old Sacristia. Leta 1444 je Brunelleschi dokončal gradnjo sirotišnice. Kapela Pazzi v Firencah, tudi delo Brunelleschija, velja za eno najlepših zgradb zgodnje renesanse. Kapela je okronana s kupolo na bobnu, stavbo krasi korintski portik s širokim obokom.

Cerkev San Lorenzo (Basilica di San Lorenzo) je posvetil sv. Ambrozij leta 393. Leta 1060 so jo preoblikovali v romanskem slogu. Leta 1423 je bil Brunelleschi prezidan v zgodnjem renesančnem slogu.

Leta 1452 je arhitekt Michelozzi dokončal gradnjo Palazzo Medici Riccardi v Firencah. Alberti oblikuje palačo Rucellai (Palazzo Rucellai, zasnovana v letih 1446 in 1451), Benedetto de Maiano in Simon Polaiola dokončata palačo Strozzi (Palazzo Strozzi, 1489-1539).

Michelozzi - (Michelozzi, 1391 (1396) -1472) - florentinski arhitekt in kipar, Brunelleschijev učenec.

Alberti Leon Battista - (Alberti, 1404-1472), italijanski znanstvenik, arhitekt, pisatelj, glasbenik. V svojih kreacijah je široko uporabljal starodavno dediščino z uporabo volut in rednega sistema.

Benedetto da Maiano - pravo ime: Benedetto da Maiano (Benedetto da Maiano, 1442-1497) - italijanski kipar. Simone del Pollaiolo (1457 - 1508) je florentinski arhitekt. Visoka renesansa.

palača Medici. Arhitekt Michelozzi. Zgrajena za Cosimo Medici il Vecchio med letoma 1444 in 1464.

Palača Rucellai - naročil mecen Giovanni Rucellai. Projekt Leona Batiste Albertija 1446-1451 Zgradil Bernardo Rossellino

Strozzijeva palača. Stavbo je zgradil Benedetto de Maiano po naročilu Filippa Strozzija v letih 1489-1539. Model je bila palača Medici (Palazzo Medici-Riccardi) Michelozzi

V teh strukturah je splošna shema prostorske rešitve. Vsaka ima tri nadstropja, dvorišče z obokanimi galerijami. Stene imajo etažne pregrade, so rustikirane ali okrašene z redom. Fasada je obložena z opeko.

Michelozzi - (Michelozzi, 1391 (1396) -1472) - florentinski arhitekt in kipar, Brunelleschijev učenec. Alberti Leon Battista - (Alberti, 1404-1472), italijanski znanstvenik, arhitekt, pisatelj, glasbenik. V svojih kreacijah je široko uporabljal starodavno dediščino z uporabo volut in rednega sistema. Benedetto da Maiano - pravo ime: Benedetto da Maiano (Benedetto da Maiano, 1442-1497) - italijanski kipar. Simone del Pollaiolo (1457 - 1508) je florentinski arhitekt. Visoka renesansa.

Trgovina Italije z Vzhodom je bila prekinjena konec 15. stoletja zaradi Turškega osvajanja Carigrada. Ko je trgovina zbledela, je gospodarstvo države propadlo. In prav v tem obdobju se je začela razvijati arhitektura visoke renesanse. Ta slog doseže posebne višine v Rimu, kjer so veliki arhitekti oblikovali splošen pristop k gradnji objektov, ki temelji na uporabi arhitekturnih naročil. Za arhitekturo visoke renesanse so značilne kubične oblike hiš, notranje zaprto dvorišče. Na fasadah so bili izdelani reliefni okenski okvirji, okrašeni s polstebri in s trikotnimi in čebulastimi pedimenti. Donato de Angelo Bramante (Bramante, 1444-1514) je eden najbolj znanih mojstrov italijanske visoke renesančne arhitekture. Njegovo delo se je razvilo v Milanu, ki je veljalo za konzervativno mesto, kjer so se ohranile tradicije opečne gradnje in terakote. V istem obdobju je Leonardo da Vinci deloval v Milanu in njegovo delo je nedvomno vplivalo na Bramantejeva dela. Arhitektu je uspelo združiti nacionalne tradicije z elementi renesanse. Bramantejevo prvo delo je bilo leta 1479 obnova cerkve Santa Maria presso San Satiro v Milanu.

Cerkev Santa Maria presso San Satino v Milanu (1479-1483) Arhitekt Donato de Angelo Bramante

Prezidal je tudi kapelo San Satino: arhitekt je naredil okroglo iz križne zgradbe, okrašene z dekorativnimi elementi. Po selitvi v Rim je Bramante leta 1502 zgradil tempelj Tempietto (samostan San Pietro in Mantorio), oblikoval dvorišče cerkve Santa Maria del Paci.

Tempiettov tempelj. Arhitekt Bramante

Leta 1505 je Bramante, glavni arhitekt, začel delati na kompleksu papeške palače Belvedere, rezidenci blizu Vatikana. Njegova dela vključujejo Palazzo Caprini - Rafaelovo hišo - zasnovano okoli leta 1510, ki jo je Raphael kupil leta 1517. Hiša se do danes ni ohranila.

Palazzo Caprini z graviranjem Antoinea Lafrerija. Arhitekt Bramante

Rafaello Santi (Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo, 1483-1520) - italijanski slikar, arhitekt.

V zadnjih letih svojega življenja se je arhitekt ukvarjal z zasnovo katedrale sv. Petra v Rimu. Arhitekturne elemente in tehnike, ki jih je uporabil arhitekt, so uporabili mojstri italijanske renesanse pri gradnji vil in mestnih zgradb. Po Bramanteju je Raphael užival veliko slavo med razvojem arhitekture visoke renesanse.

Rafaelov prvi projekt je bila cerkev Sant Eligio degli Orefici (Chiesa di S. Eligio degli Orefici, začetek 16. stoletja. Kasneje je bila cerkev prezidana. Kupolo je ustvaril B. Peruzzi, trenutna fasada je F. Ponzio (17. st. )).

Cerkev Sant Eligio degli Orifici

Po naročilu papeškega bankirja Chigija je cerkvi Santa Maria del Popolo dodal kapelo. V Palazzo del Aquila je ustvaril novo vrsto fasade: na dnu je bila redna arkada, mezanin je bil uokvirjen z okni, nišami s skulpturami in štukaturami.

V Palazzo Landolfini v Firencah se je arhitekt domislil še enega tipa fasadne zasnove: široko razmaknjena, bogato okrašena okna, v kombinaciji z gladko ometanimi stenami, je videz dopolnila s vencem s širokim frizom, zarjavelimi vogali in portalom. Rafael je vilo Madama zasnoval za kardinala Giulija Medicija, ki je kasneje postal papež Klement Sedmi. Vila je bila zgrajena na pobočju Monte Mario na zahodnem bregu reke Tiber severno od Vatikana. Dela so se začela leta 1518, Rafael pa je umrl leta 1520. Vila je ostala nedokončana: do takrat je bilo dokončano le eno krilo v obliki črke U. Vila je ostala nedokončana, izkoriščen je bil le dokončan del. Stavba je svoje današnje ime dobila v čast Margati Parmski, ženi nečaka papeža Klementa Sedmega, Aleksandra Medicija, prvega vojvode Toskane.

Villa Madama je podeželska vila kardinala Giulija de Medicija (papeža Klementa Sedmega

Od leta 1514 je Rafael vodil projekt za gradnjo katedrale sv. Petra. Nato je gradnjo katedrale sv. Petra, katere gradnja se je nadaljevala leta 1534, vodil Antonio da Sagallo mlajši, za njim je vodstvo prešlo na Michelangela, katerega prihod je bil zagon za razvoj poznejše faze v arhitektura italijanske renesanse. To fazo so zaznamovali različni arhitekturni eksperimenti z oblikami, pogostostjo razporeditve stebrov in drugih arhitekturnih elementov na fasadi, zapletenostjo detajlov in pojavom kompleksnih linij. Od leta 1530, po razpadu Rima, je proces razvoja arhitekture italijanske renesanse dobil druge smeri. Nekateri arhitekti so poskušali obnoviti izgubljeno veličino večnega mesta: na primer Peruzzi, Antonio da Sangallo mlajši - predstavniki starejše generacije renesančnih arhitektov, so se po njegovem padcu vrnili v Rim in poskušali najti kompromis med starodavnimi načeli. in novi trendi.

Peruzzi - Peruzzi Baldassare (1481-1536) italijanski umetnik in arhitekt. Sodeloval je z Donatom Bramantejem in Raphaelom. Peruzzi je v svojem delu združil tradicije visoke renesanse z idejami manirizma. Antonio da Sangallo mlajši - (Antonio da Sangallo il Giovane; 1484 -1546 pravo ime Antonio Cordini (italijansko Antonio Cordini)) - florentinski arhitekt renesanse. Raziskovalci ga pripisujejo tudi utemeljiteljem baročnega sloga zaradi ustvarjanja nenavadnih struktur: na primer sprednje poševne fasade Cecca Vecchia (Banco di Spirito), obokane kleti Palazzo Farnese.

Drugi mojstri so pri svojem delu začeli iskati druge poti. Sredi 16. stoletja se je v Toskani pojavila skupina, ki je združevala mojstre, katerih delo so pripisovali smeri manirizma. Številni predstavniki te skupine so bili Michelangelovi učenci, vendar so si od njega izposodili nekaj umetniških tehnik, pretiravali in pretiravali, medtem ko je kršitev nekaterih kanonov starodavnega sloga, ki je bil izraz namenov velikega mojstra, postala konec. samo po sebi zanje. Italijanski renesančni arhitekti so v svojih projektih izposodili značilne tehnike in elemente rimske klasične arhitekture, ki so jih uporabljali ne le v templjih, temveč tudi v mestnih, podeželskih hišah bogatih meščanov in javnih zgradbah. Načrt stavb so določale pravokotne oblike, simetrija, sorazmernost, fasada je bila simetrična glede na navpično os, okrašena s pilastri, vencem, oboki, okronana s pedimentom. Za razvoj italijanske renesančne arhitekture je značilen pojav gradbenih materialov in tehnologij, arhitekti so imeli osebno prepoznaven slog, po katerem so postali slavni. Renesančna arhitektura v Italiji je šla skozi celotno stopnjo razvoja - od zgodnje do pozne, kar je ustvarilo predpogoje za nastanek novega sloga - baroka. Zahvaljujoč umetnosti italijanskih arhitektov je renesančna arhitektura osvojila vso Evropo.

"Preporod" - revitalizacija, vrnitev v življenje. Na prvi pogled je to precej čudna definicija za obdobje kulturnega razcveta. Vendar to sploh ni pretiravanje. Tako dramatične spremembe v umetnosti in razmišljanju evropskih ljudstev so imele banalen in grozen razlog - smrt.

Le tri leta sredi XIV stoletja so postala ostra ločitev obdobij. V tem obdobju je prebivalstvo italijanskih Firenc hitro umiralo zaradi kuge. Črna smrt ni razumela činov in zaslug, ni bilo niti ene osebe, ki ne bi mogla prenesti bremena izgube ljubljenih. Stoletja stari temelji so se rušili, vera v prihodnost je izginila, upanja v Boga ni bilo ... Ko se je pandemija umaknila in nočna mora prenehala, so prebivalci mesta spoznali, da ne bodo mogli živeti po starem .

Materialni svet se je močno spremenil: tudi najrevnejšim preživelim so podedovali "dodatno" premoženje, zaradi izgubljenih lastnikov hiš se je stanovanjsko vprašanje rešilo samo od sebe, počivala zemlja se je izkazala za presenetljivo radodarna, rodovitna zemlja brez velikega truda dal odlične letine, po katerih pa je bilo povpraševanje zdaj precej kratko. Upravljavci tovarn in bogati posestniki so začeli doživljati pomanjkanje delavcev, ki jih zdaj preprosto ni bilo dovolj, navadni prebivalci pa niso več želeli sprejeti prve ponudbe, ki so jo videli, saj so imeli možnost izbire in barantanja za ugodnejše pogoje. To je mnogim Florentinom omogočilo prosti čas za razmislek, komunikacijo in ustvarjalnost.

Poleg besede "renasci" ("oživljati") se je v zvezi z dobo enako pogosto uporabljala še ena stvar: "reviviscere" ("oživljati"). Ljudje renesanse so verjeli, da oživljajo klasiko, sami pa so doživeli občutek ponovnega rojstva.

Še večji preobrat se je zgodil v glavah ljudi, svetovni nazor se je dramatično spremenil: prišlo je do velike neodvisnosti od cerkve, ki se je pred katastrofo izkazala nemočna, misli so se obrnile v materialni obstoj in se zavedal sebe ne kot bitje Bog, ampak kot del matere narave.

Firence so izgubile približno polovico svojega prebivalstva. Vendar samo to ne more pojasniti nastanka renesanse v tem mestu. Tu je bila kombinacija razlogov, različnih po pomembnosti, pa tudi dejavnik naključja. Nekateri zgodovinarji pripisujejo zasluge kulturnemu razcvetu družine Medici, najvplivnejše florentinske družine tistega časa, ki je pokroviteljstvo umetnikov in s svojimi denarnimi donacijami dobesedno »rastli« nove genije. Prav ta politika vladarjev Firenc še vedno povzroča polemike med strokovnjaki: bodisi je imelo mesto v srednjem veku veliko sreče pri rojstvu nadarjenih ljudi, ali pa so posebni pogoji prispevali k razvoju genijev, katerih talenti v navadni družbi skoraj nikoli niso bili. pokazali se.

Literatura

Začetek renesanse v italijanski literaturi je zelo enostavno zaslediti - pisatelji so se oddaljili od tradicionalnih metod in začeli pisati v svojem maternem jeziku, ki je bil, je treba opozoriti, takrat zelo daleč od literarnih kanonov. Knjižnice so do začetka te dobe temeljile na grških in latinskih besedilih ter na modernejših delih v francoščini in provansalščini. V času renesanse je bil razvoj italijanskega knjižnega jezika v veliki meri posledica prevodov klasičnih del. Pojavljala so se celo "kombinirana" dela, katerih avtorji so starodavna besedila dopolnili z lastnimi refleksijami in imitacijami.

V renesansi je kombinacija krščanskih subjektov s telesnostjo povzročila podobe otopelih Madon. Angeli so bili kot igrivi dojenčki - "putti" - in kot starinski kupidi. Kombinacija vzvišene duhovnosti in čutnosti je bila izražena v številnih "Venerah".

Velika Florentina Francesco Petrarca in Dante Alighieri sta postala "glas" zgodnje renesanse v Italiji. V Dantejevi Božanski komediji je izrazit vpliv srednjeveškega svetovnega nazora, močan krščanski motiv. Toda Petrarka je že predstavljal gibanje renesančnega humanizma, ki se je v svojem delu obrnil na klasično antiko in sodobnost. Poleg tega je Petrarka postal oče italijanskega soneta, katerega obliko in slog so kasneje prevzeli številni drugi pesniki, vključno z Angležem Shakespearom.

Petrarkov učenec Giovanni Boccaccio je napisal znameniti "Dekameron" - alegorično zbirko stotih kratkih zgodb, med katerimi so tragične, filozofske in erotične. To delo Boccaccia, pa tudi drugih, je postalo bogat vir navdiha za številne angleške pisatelje.

Niccolo Machiavelli je bil filozof, politični mislec. Njegov prispevek k literaturi tistega časa sestavljajo miselna dela, splošno znana v zahodni družbi. Razprava "Suveren" je najbolj obravnavano delo političnega teoretika, ki je postalo osnova za teorijo "makijavelizma".

Filozofija

Petrarka, ki je deloval na zori renesanse, je postal glavni utemeljitelj filozofske doktrine tiste dobe - humanizma. Ta trend je na prvo mesto postavil um in voljo človeka. Teorija ni bila v nasprotju s temelji krščanstva, čeprav ni priznavala pojma izvirnega greha, saj je ljudi obravnavala kot prvotno krepostna bitja.

Predvsem pa je nov trend odmeval s starodavno filozofijo in sprožil val zanimanja za starodavna besedila. V tem času se je pojavila moda iskanja izgubljenih rokopisov. Lov so sponzorirali bogati meščani, vsako najdbo pa so takoj prevedli v sodobne jezike in izdali v knjižni obliki. Ta pristop ni le napolnil knjižnic, ampak je tudi bistveno povečal dostopnost literature in število bralcev. Splošna raven izobrazbe se je izrazito povečala.

Čeprav je bila filozofija v času renesanse zelo pomembna, so ta leta pogosto označena kot obdobje stagnacije. Misleči so ovrgli duhovno teorijo krščanstva, vendar niso imeli zadostne podlage, da bi še naprej razvijali raziskave starodavnih prednikov. Običajno se vsebina del, ki so se ohranila iz tistega časa, seže v občudovanje klasičnih teorij in modelov.

Obstaja tudi premislek o smrti. Zdaj življenje ne postane priprava na "nebeški" obstoj, ampak polnopravna pot, ki se konča s smrtjo telesa. Renesančni filozofi poskušajo prenesti idejo, da bodo »večno življenje« prejeli tisti, ki lahko za seboj pustijo pečat, pa naj bo to neizrečeno bogastvo ali umetniška dela.

Razvoj znanja v času renesanse je močno vplival na sodobno dojemanje sveta. Zahvaljujoč Koperniku in Velikim geografskim odkritjem so se ideje o velikosti Zemlje in njenem mestu v vesolju spremenile. Delo Paracelza in Vesalija je povzročilo znanstveno medicino in anatomijo.

Prvi korak renesančne znanosti je bil vrnitev k klasični Ptolomejevi teoriji o strukturi vesolja. Obstaja splošna želja po razlagi neznanega z materialnimi zakoni; večina teorij temelji na gradnji togih logičnih zaporedij.

Seveda je najvidnejši znanstvenik renesanse Leonardo da Vinci. Znan je po izjemnih raziskavah v najrazličnejših disciplinah. Eno najbolj zanimivih del florentinskega genija se nanaša na opredelitev idealnosti osebe. Leonardo je delil humanistični pogled na pravičnost novorojenčka, vendar je vprašanje, kako ohraniti vse lastnosti kreposti in telesne popolnosti, ostalo skrivnost. In za končno zavrnitev človekove božanskosti je bilo potrebno najti pravi vir življenja in razuma. Da Vinci je naredil številna odkritja na različnih znanstvenih področjih, njegovo delo še vedno ostaja predmet preučevanja potomcev. In kdo ve, koliko dediščine bi nam zapustil, če bi bilo njegovo življenje še daljše.

Italijansko znanost pozne renesanse je zastopal Galileo Galilei. Mladi znanstvenik, rojen v Pisi, ni takoj določil natančne smeri svojega dela. Vpisal se je na medicinsko fakulteto, a se je hitro preusmeril na matematiko. Po diplomi je začel poučevati uporabne discipline (geometrijo, mehaniko, optiko itd.), se vse bolj poglabljal v probleme astronomije, vplivov planetov in svetil ter se hkrati zanimal za astrologijo. Galileo Galilei je bil prvi, ki je jasno potegnil analogije med zakoni narave in matematike. Pri svojem delu je pogosto uporabljal metodo induktivnega sklepanja, pri čemer je z logično verigo gradil prehode od posameznih določb k splošnim. Nekatere ideje, ki jih je predstavil Galileo, so se izkazale za zelo napačne, večina pa jih je bila zasnovana kot potrditev njegove glavne teorije o gibanju Zemlje okoli Sonca. Takratni akademiki so to ovrgli, genialni Toskanec pa je bil s pomočjo močne inkvizicije »razburjen«. Po glavni zgodovinski različici je znanstvenik do konca svojega življenja javno opustil svojo teorijo.

Renesančna znanost je težila k »modernosti«, ki se je izražala predvsem v tehničnem napredku. Inteligenca je začela veljati za lastnino bogatih. V modi je bilo imeti znanstvenika na dvoru, in če se je odlikoval v poznavanju svojih sosedov, je bilo to prestižno. Da, in včerajšnji trgovci sami niso bili nasprotni, da bi se potopili v znanost, včasih pa so izbrali tako "spektakularna" področja, kot so alkimija, medicina in meteorologija. Znanost je bila pogosto ohlapno mešana z magijo in predsodki.

V času renesanse je bil uporabljen znak @. Nato je označil mero teže (arrub), enako 12-13 kilogramov.

V času renesanse se je pojavila alkimija - zgodnja oblika kemije, ki je vključevala nič manj nadnaravne predloge kot resnično znanstvene. Večina alkimistov je bila obsedena z idejo o pretvorbi svinca v zlato in ta mitski proces je še vedno identificiran s konceptom alkimije. Že dolgo pred nastankom periodične tabele elementov so alkimisti predlagali svojo vizijo: vse snovi so bile po njihovem mnenju sestavljene iz mešanice žvepla in živega srebra. Vsi poskusi so temeljili na tej predpostavki. Kasneje so dvema glavnima elementoma dodali še tretjino - sol.

Omeniti velja geografske dosežke XIV-XVII stoletja. To je čas velikih geografskih odkritij. Na tem področju je še posebej opazen pečat pustil Portugalec in slavni Firentinec Amerigo Vespucci, katerega ime je ovekovečeno v najpomembnejšem odkritju tistega časa - ameriških celinah.

Slikarstvo, kiparstvo, arhitektura

Iz Firenc se je širila likovna umetnost italijanske renesanse, ki je v veliki meri določila visoko kulturno raven mesta, ki ga je dolga leta poveličevala. Tu se, tako kot na drugih področjih, vrača k starodavnim načelom klasične umetnosti. Pretirana pretencioznost izgine, dela postanejo bolj "naravna". Umetniki odstopajo od strogih kanonov religioznega slikarstva in ustvarjajo največje ikonografske mojstrovine na nov, svobodnejši in bolj realističen način. Poleg globljega kot prej dela s svetlobo in senco, poteka aktivno preučevanje človeške anatomije.

Harmonija, sorazmernost in simetrija se vračajo v arhitekturo. Gotske gmote, ki izražajo srednjeveški verski strah, se umikajo v preteklost, umikajo se klasičnim obokom, kupolam in stebrom. V Firencah so delovali zgodnjerenesančni arhitekti, v kasnejših letih pa so jih aktivno vabili v Rim, kjer so postavili številne izjemne strukture, ki so kasneje postale arhitekturni spomeniki. Ob koncu renesanse se je rodil manirizem, katerega izrazit predstavnik je bil Michelangelo. Posebnost tega sloga je poudarjena monumentalnost posameznih elementov, ki so jo predstavniki klasične umetnosti dolgo časa dojemali ostro negativno.

Vrnitev v antiko se je najbolj jasno pokazala v kiparstvu. Vzor lepote je bila klasična gola narava, ki je bila ponovno upodobljena v kontrapostu (značilna lega telesa, naslonjenega na eni nogi, ki omogoča ekspresivno prenašanje narave gibanja). Donatello in Michelangelo sta postala vidni osebnosti renesančne skulpture, čigar Davidov kip je postal vrhunec renesančne umetnosti.

V renesansi v Italiji so ženske z velikimi zenicami veljale za najlepše. Italijani so jim v oči kapnili poparek beladone, strupene rastline, ki je razširila zenice. Ime "belladonna" je iz italijanščine prevedeno kot "lepa ženska".

Renesančni humanizem je vplival na vse vidike družbene ustvarjalnosti. Glasba renesanse je prenehala biti preveč akademska, saj je doživela velik vpliv ljudskih motivov. V cerkveni praksi je postalo razširjeno večglasno zborovsko petje.

Raznolikost glasbenih stilov je privedla do pojava novih glasbil: viole, lutnje, čembala. Bili so precej enostavni za uporabo in jih je bilo mogoče uporabljati v podjetjih ali na manjših koncertih. Cerkvena glasba, veliko bolj slovesna, je zahtevala ustrezen inštrument, ki so bile v tistih letih orgle.

Renesančni humanizem je predpostavljal nove pristope k tako pomembni stopnji oblikovanja osebnosti, kot je učenje. V času razcveta renesanse je bila težnja po razvoju osebnih lastnosti že od mladosti. Skupinsko izobraževanje je nadomestilo individualno izobraževanje, ko je učenec natančno vedel, kaj hoče in je šel proti zastavljenemu cilju, pri čemer se je v vsem zanašal na svojega mojstra-učitelja.

Stoletja italijanske renesanse so postala ne le vir neverjetnega kulturnega napredka, ampak tudi čas močnih nasprotij: trčila sta antična filozofija in sklepi sodobnih mislecev, kar je privedlo do temeljne spremembe tako v samem življenju kot njegovem dojemanju.

V prvih desetletjih 15. stoletja se je v umetnosti Italije zgodila odločilna prelomnica. Pojav močnega renesančnega središča v Firencah je pomenil prenovo celotne italijanske umetniške kulture. Delo Donatella, Masaccia in njihovih sodelavcev označuje zmago renesančnega realizma, ki se je bistveno razlikoval od »realizma detajlov«, ki je bil značilen za umetnost poznega Trecenta. Dela teh mojstrov so prežeta z ideali humanizma. Človeka povzdignejo, dvignejo nad raven vsakdanjega življenja.

V boju z gotsko tradicijo so umetniki zgodnje renesanse iskali oporo v antiki in umetnosti protoresanse. Kar so mojstri protorenesanse iskali le intuitivno, na otip, zdaj temelji na natančnem znanju. Italijanska umetnost 15. stoletja je zelo pestra. Razlika v razmerah, v katerih nastajajo lokalne šole, povzroča raznovrstna umetniška gibanja. Nova umetnost, ki je zmagala na začetku 15. stoletja v naprednih Firencah, ni takoj prejela priznanja in razširjenosti v drugih regijah države.

Medtem ko so Bruneleski, Masaccio, Donatello delovali v Firencah, so v severni Italiji še živele tradicije bizantinske in gotske umetnosti, ki jih je šele postopoma nadomestila renesansa.

Quattrocento

Od konca XIV stoletja. oblast v Firencah preide na hišo bankirjev Medici. Njegov vodja Cosimo Medici je postal neuradni vladar Firenc. Pisatelji, pesniki, znanstveniki, arhitekti in umetniki se zgrinjajo na dvor Cosima Medicija (in nato njegovega vnuka Lorenza z vzdevkom Veličastni). Začenja se stoletje medicinske kulture. Prvi znaki nove, meščanske kulture in nastanek novega, meščanskega pogleda na svet so se še posebej jasno pokazali v 15. stoletju, v obdobju Quattrocento.

A ravno zato, ker v tem obdobju ni bil dokončan proces oblikovanja nove kulture in novega svetovnega nazora (to se je zgodilo kasneje, v dobi dokončnega razpada in razpada fevdalnih odnosov), je 15. stoletje polno ustvarjalne svobode, drzna drznost, občudovanje človeške individualnosti. To je resnično stoletje humanizma. Poleg tega je to obdobje, polno vere v brezmejno moč razuma, obdobje intelektualizma. Zaznavanje realnosti se preizkuša z izkušnjami, eksperimentom, nadzoruje ga um. Od tod duh reda in mere, ki je tako značilen za umetnost renesanse. Za umetnike so velikega pomena geometrija, matematika, anatomija, nauk o razmerjih človeškega telesa; takrat začnejo skrbno preučevati strukturo osebe; v XV stoletju. Italijanski umetniki so rešili tudi problem premočrtne perspektive, ki je že dozorel v umetnosti trecenta.

Antika je imela veliko vlogo pri oblikovanju posvetne kulture Quattrocento. 15. stoletje kaže neposredne povezave s kulturo renesanse.

Kiparstvo

V XV stoletju. Italijansko kiparstvo je cvetelo. Dobil je samostojen pomen, neodvisen od arhitekture, v njem so se pojavili novi žanri. Praksa umetniškega življenja je začela vključevati naročila bogatih trgovskih in obrtnih krogov za okrasitev javnih zgradb; likovni natečaji so dobili značaj širših javnih prireditev. Dogodek, ki odpira novo obdobje v razvoju italijanske renesančne skulpture, je natečaj leta 1401 za izdelavo bronastih drugih severnih vrat florentinske krstilnice. Med udeleženci tekmovanja so bili mladi mojstri - Filippo Brunelleschi in Lorenzo Ghiberti (okoli 1381-1455). Na tekmovanju je zmagal sijajni risar Ghiberti. Eden najbolj izobraženih ljudi svojega časa, prvi zgodovinar italijanske umetnosti Ghiberti, v čigar delu sta bila glavna ravnovesje in harmonija vseh elementov podobe, je svoje življenje posvetil eni vrsti kiparstva - reliefu. Njegovo iskanje je doseglo vrhunec pri izdelavi vzhodnih vrat Firentinske krstilnice (1425-1452), ki jih je Michelangelo imenoval "Rajska vrata". Deset kvadratnih kompozicij iz pozlačenega brona, ki jih sestavljajo, prenašajo globino prostora, v katerem se zlijejo figure, narava in arhitektura. Spominjajo na ekspresivnost slikovitih slik. Ghibertijeva delavnica je postala prava šola za celo generacijo umetnikov. V njegovi delavnici je kot asistent deloval mladi Donatello, v prihodnosti velik reformator italijanskega kiparstva. Donato di Niccolo di Betto Bardi, ki se je imenoval Donatello (približno 1386-1466), se je rodil v Firencah česalju volne. Delal je v Firencah, Sieni, Rimu, Padovi. Vendar pa ogromna slava ni spremenila njegovega preprostega življenjskega sloga. Govorilo se je, da je nesebični Donatello na vrata svoje delavnice obesil denarnico z denarjem, njegovi prijatelji in učenci pa so iz denarnice vzeli toliko, kot so potrebovali.

Po eni strani je Donatello hrepenel po resnici v umetnosti. Po drugi strani pa je svojim delom dal značilnosti vzvišenega junaštva. Te lastnosti so se pokazale že v zgodnjih mojstrovih delih - kipih svetnikov, namenjenih zunanjim nišam fasad cerkve Or San Michele v Firencah, in starozaveznih prerokih florentinskega Campanile. Kipi so bili v nišah, a so takoj pritegnili pozornost s svojo hudo izraznostjo in notranjo močjo podob. Posebej znan je "Sv. Jurij" (1416) - mlad bojevnik s ščitom v roki. Ima osredotočen, globok pogled; trdno stoji na tleh s široko razmaknjenimi nogami. V kipih prerokov je Donatello posebej poudaril njihove značilne lastnosti, včasih grobe, neokrašene, celo grde, a žive in naravne. Donatellova preroka Jeremija in Habakuk sta celi in duhovno bogati naravi. Njihove močne postave skrijejo težke gube njihovih plaščev. Življenje je nabrazdalo zbledel obraz Avvakuma z globokimi gubami, popolnoma plešast, za kar so ga v Firencah poimenovali Tsukkone (Buča).

Leta 1430 je Donatello ustvaril Davida, prvi goli kip v italijanski renesančni skulpturi.

Potovanje v Rim z Brunelleschijem je močno razširilo Donatelove umetniške možnosti, njegovo delo je bilo obogateno z novimi podobami in tehnikami, ki so vplivale na vpliv antike. Začelo se je novo obdobje v delu mojstra. Leta 1433 je dokončal marmorno prižnico florentinske katedrale. Celotno polje prižnice zavzema veseli okrogli ples plesnih puttijev - nekaj podobnih antičnim kupidom in hkrati srednjeveškim angelom v podobi golih fantov, včasih krilatih, upodobljenih v gibanju. To je priljubljen motiv v kiparstvu italijanske renesanse, ki se je nato razširil v umetnosti 17.-18. stoletja.

Druga generacija florentinskih kiparjev je gravitirala k bolj lirični, spokojni, posvetni umetnosti. Vodilno vlogo pri njem je imela kiparska družina della Robbia. Glava družine Lucca della Robbia (1399 ali 1400-1482), sodobnik Brunelleschi in Donatello, je zaslovel po uporabi tehnik zasteklitve v krožnem kiparstvu in reliefu, ki jih je pogosto kombiniral z arhitekturo. Tehnika glazure (majolike), ki je bila že od antičnih časov znana ljudstvom zahodne Azije, je bila v srednjem veku pripeljana na Pirenejski polotok in na otok Mallorca, zaradi česar je dobila ime, nato pa se je zelo razširila v Italiji. Lucca della Robbia je ustvarila medaljone z reliefi na temno modrem ozadju za zgradbe in oltarje, girlande iz cvetja in sadja, majoliške doprsne kipe Madone, Kristusa, Janeza Krstnika. Vesela, elegantna, prijazna umetnost tega mojstra je prejela zasluženo priznanje njegovih sodobnikov. Tudi njegov nečak Andrea della Robbia (1435-1525) je dosegel veliko popolnost v tehniki majolike.

Slika

Ogromna vloga Brunelleschija v arhitekturi zgodnje renesanse in v kiparstvu Donatella v slikarstvu je pripadala Masacciu. Brunelleschi in Donatello sta bila v najboljših letih, ko se je rodil Masaccio. Kot pravi Vasari, si je "Masaccio prizadeval prikazati figure z veliko živahnostjo in največjo spontanostjo, kot je resničnost." Masaccio je umrl mlad, še preden je dopolnil 27 let, pa mu je uspelo v slikarstvu ustvariti toliko nove umetnosti, kot je ni uspelo nobenemu drugemu mojstru v svojem življenju.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai, z vzdevkom Masaccio (1401 - 1428), se je rodil v mestu San Valdarno pri Firencah, kamor je kot mladenič odšel študirat slikarstvo. Domnevajo, da je bil njegov učitelj Mazolino de Panicale, s katerim je kasneje sodeloval; zdaj ga raziskovalci zavračajo. Masaccio je deloval v Firencah, Pisi in Rimu. Njegova Trojica (1427-1428), ustvarjena za cerkev Santa Maria Novella v Firencah, je postala klasičen primer oltarne kompozicije. Freska je izvedena na steni, ki sega v globino kapele, ki je zgrajena v obliki renesančne obokane niše. Slika prikazuje razpelo, liki Marije in Janeza Krstnika. Zasenčeni so s podoba Boga Očeta. V ospredju so na freskah klečeči kupci, kot da bi bili v samih prostorih cerkve. Sarkofag z Adamovim okostjem, ki se nahaja na dnu freske. Napis nad sarkofagom vsebuje tradicionalni srednjeveški izrek: "Nekoč sem bil kot ti, in ti boš kot jaz."

Do 50-ih let. XX stoletje to Masacciovo delo se je v očeh ljubiteljev umetnosti in znanstvenikov umaknilo v ozadje pred njegovim znamenitim ciklom stenskih poslikav v kapeli Brancacci. Potem ko so fresko leta 1952 preselili na prvotno mesto v cerkvi, jo oprali in obnovili, ko so odkrili njen spodnji del s sarkofagom, je »Trojica« pritegnila veliko pozornost raziskovalcev in ljubiteljev umetnosti. Masacciova kreacija je čudovita v vseh pogledih. Veličastna odmaknjenost podob je tukaj združena s prej neznano realnostjo prostora in arhitekture, z volumetričnimi figurami, ekspresivnimi portretnimi lastnostmi obrazov naročnikov in s podobo Matere božje, ki preseneča po moči zadržanega občutka. V istih letih je Masaccio (v sodelovanju z Mazolinom) v cerkvi Santa Maria del Carmine ustvaril freske kapele Brancacci, poimenovane po bogatem florentinskem kupcu.

Slikar je imel nalogo zgraditi prostor z linearno in zračno perspektivo, vanj postaviti močne figure likov, resnično upodobiti njihove gibe, drže, kretnje, nato pa povezati obseg in barvo figur z naravnim ali arhitekturnim ozadjem. . Masaccio se ni le uspešno spopadel s to nalogo, ampak je tudi uspel prenesti notranjo napetost in psihološko globino slik.

Zasnove freske so v glavnem posvečene zgodovini apostola Petra. Najbolj znana kompozicija "Čudež s statirom" pripoveduje, kako je Kristusa in njegove učence ustavil davkar pri vratih mesta Kafarnaum in od njih zahteval denar za vzdrževanje templja. Kristus je apostolu Petru zapovedal, naj lovi ribe v Genezaretskem jezeru in iz njega pridobiva šopek. Na levi strani, v ozadju, gledalec vidi ta prizor. Na desni strani Peter daje denar zbiratelju. Tako skladba združuje tri epizode različnih časov, v katerih se apostol pojavi trikrat. V bistveno inovativnem Masacciovem slikarstvu je ta tehnika prepozen poklon srednjeveški tradiciji slikovne zgodbe, ki so jo takrat že zapustili številni mojstri, pred več kot stoletjem pa tudi sam Giotto. A to ne krši vtisa drzne novosti, ki odlikuje celotno figurativno strukturo slike, njeno dramatičnost, vitalno prepričljive, rahlo nesramne junake. Včasih je Masaccio pred svojim časom pri izražanju moči in ostrine občutkov. Tukaj je freska "Izgon Adama in Eve iz raja" v isti kapeli Brancacci. Gledalec verjame, da Adama in Evo, ki sta prekršila božjo prepoved, resnično prežene iz raja angel z mečem v roki. Tu ni glavna stvar svetopisemski zaplet in zunanji detajli, ampak občutek brezmejnega človeškega obupa, ki je zajel Adama, ki je z rokami zakril obraz, in jokajočo Evo, s potopljenimi očmi in temnimi zevami usti, ki jih je popačil jok. Avgusta 1428 je Masaccio odšel v Rim, ne da bi dokončal sliko, in kmalu nenadoma umrl. Kapela Brancacci je postala romarski kraj za slikarje, ki so prevzeli Masacciove tehnike. Vendar pa je v ustvarjalnem veliko; Masacciovo zapuščino so cenile šele naslednje generacije. V delu njegovega sodobnika Paola Uccella (1397-1475), ki je pripadal generaciji obrtnikov, ki so delali po Masacciovi smrti, je hrepenenje po elegantni pravljičnosti včasih dobilo naiven prizvok. Ta značilnost umetnikovega ustvarjalnega sloga je postala njegova nekakšna vizitka. Njegova zgodnja mala slika "Sveti Jurij" je očarljiva. Zeleni zmaj s vijačastim repom in vzorčastimi krili, kot bi bili izrezani iz pločevine, odločno stopa na dveh nogah. Ni strašljiv, ampak smešen. Umetnik se je med ustvarjanjem te slike verjetno nasmejal. Toda v Uccellovem delu je bila svojeglava fantazija združena s strastjo do raziskovanja perspektive. Eksperimente, risbe, skice, ki jim je posvečal neprespane noči, je Vasari označil za ekscentričnosti. Medtem se je Paolo Uccello vpisal v zgodovino slikarstva kot eden tistih slikarjev, ki so prvi začeli uporabljati tehniko linearne perspektive na svojih platnih. Uccello je v mladosti delal v delavnici Ghiberti, nato je izdeloval mozaike za katedralo San Marco v Benetkah, po vrnitvi v Firence pa se je seznanil s slikami Masaccia v kapeli Brancacci, ki so imele nanj velik vpliv. . Njegova strast do perspektive se je odrazila v Uccellovem prvem delu, portretu angleškega kondotierja Johna Hawkwooda, ki ga je naslikal leta 1436, Italijanom poznanega kot Giovanni Akuto. Ogromna enobarvna (enobarvna) freska ne prikazuje žive osebe, temveč njegov konjeniški kip, v katerega gledalec gleda navzgor. Uccellova drzna prizadevanja so se izrazila v treh njegovih slavnih slikah, ki jih je naročil Cosimo Medici in so posvečene bitki dveh florentinskih generalov s četami Siene pri San Romanu. Na neverjetnih slikah Uccella so se v ozadju igrače pokrajine srečali jezdeci v hudi bitki, bojevniki pa so mešali sulice, ščite, palice. In kljub temu je bitka videti kot pogojna, zamrznjena v izjemno lepi, sijoči zlati dekoraciji s figurami konj v rdeči, roza in celo modri barvi.