Holland. 17. stoletje. Država doživlja razcvet brez primere. Tako imenovana "zlata doba". Konec 16. stoletja je več provinc države doseglo neodvisnost od Španije.

Zdaj so prostanske Nizozemske šle svojo pot. In katoliška Flandrija (današnja Belgija), pod okriljem Španije, je svoja.

V neodvisni Holandiji skoraj nihče ni potreboval verskega slikarstva. Protestantska cerkev ni odobravala razkošja dekoracije. Toda ta okoliščina je "igrala na roke" posvetnemu slikarstvu.

Dobesedno vsak prebivalec nove države se je zbudil, da je ljubil to umetniško obliko. Nizozemci so na slikah želeli videti lastno življenje. In umetniki so jim z veseljem odšli naproti.

Še nikoli prej niso toliko prikazovali okoliške resničnosti. Navadni ljudje, običajne sobe in zajtrk najbolj običajnega prebivalca mesta.

Realizem je cvetel. Do 20. stoletja bo vreden tekmec akademizmu s svojimi nimfami in grškimi boginjami.

Ti umetniki se imenujejo "majhni" Nizozemci. Zakaj? Slike so bile majhne, ​​ker so bile ustvarjene za majhne hiše. Skoraj vse slike Jana Vermeerja so torej visoke največ pol metra.

Toda druga različica mi je bolj všeč. Na Nizozemskem v 17. stoletju je živel in delal velik mojster, "velik" Nizozemec. In vsi drugi so bili v primerjavi z njim "majhni".

Govorimo seveda o Rembrandtu. Začnimo z njim.

1. Rembrandt (1606–1669)

Rembrandt. Avtoportret v starosti 63 let. 1669 Londonska narodna galerija

Rembrandt je v svojem življenju izkusil širok spekter čustev. Zato je v njegovih zgodnjih delih toliko zabave in pohvale. In v kasnejših je toliko težkih občutkov.

Tu je mlad in brezskrben na sliki "Izgubljeni sin v krčmi." Saskijina ljubljena žena je na kolenih. Je priljubljen umetnik. Naroki tečejo kot reka.

Rembrandt. Izgubljeni sin v gostilni. 1635 Galerija starih mojstrov, Dresden

Toda vse to bo izginilo čez približno 10 let. Saskia bo umrla od uživanja. Priljubljenost se bo raztopila kot dim. Veliko hišo z edinstveno zbirko bomo odnesli za dolgove.

A pojavil se bo isti Rembrandt, ki bo ostal stoletja. Goli občutki junakov. Njihove najgloblje misli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Avtoportret. 1650 Metropolitanski muzej umetnosti, New York

Frans Hals je eden največjih slikarjev portretov vseh časov. Zato bi ga tudi uvrstil med "velike" Nizozemce.

Na Nizozemskem je bilo takrat v navadi naročanje skupinskih portretov. Tako se je pojavilo veliko podobnih del, ki prikazujejo ljudi, ki sodelujejo: strelce iz istega ceha, zdravnike iz istega mesta, ki vodijo dom za ostarele.

V tej zvrsti najbolj izstopa Hals. Konec koncev je bila večina teh portretov videti kot krov kart. Ljudje z enakim izrazom obraza sedijo za mizo in samo gledajo. Pri Halsu je bilo drugače.

Poglejte njegov skupinski portret sv. George «.

Frans Hals. Puščice ceha sv. George. 1627 Muzej Frans Hals, Haarlem, Nizozemska

Tu ne boste našli niti ene ponovitve v drži ali izrazu obraza. Hkrati pa tudi tukaj ni kaosa. Likov je veliko, vendar se nihče ne zdi odveč. Zahvaljujoč neverjetno pravilni postavitvi figur.

In v enem samem portretu je Khals presegel številne umetnike. Njegovi vzorci so naravni. Ljudje iz visoke družbe na njegovih slikah nimajo izmišljene veličine in modeli iz nižjih slojev niso videti ponižani.

In tudi njegovi liki so zelo čustveni: nasmehnejo se, se smejijo, gestikulirajo. Kot je na primer to "cigan" s prebrisanim pogledom.

Frans Hals. Ciganka. 1625-1630

Hals je tako kot Rembrandt svoje življenje končal v revščini. Iz istega razloga. Njegov realizem je bil v nasprotju z okusom strank. Ki so želeli polepšati svoj videz. Khals ni šel do neposrednega laskanja in je tako podpisal svojo sodbo - "Oblivion".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Avtoportret. 1668 Kraljevska galerija Mauritshuis, Haag, Nizozemska

Terborch je bil mojster žanra. Bogati in ne ravno meščani lagodno govorijo, dame berejo pisma, zvodnik pazi na dvorjenje. Dve ali tri tesno razporejene figure.

Ta mojster je razvil kanone vsakdanje zvrsti. Ki si jih bodo nato izposodili Jan Vermeer, Peter de Hooch in številni drugi "mali" Nizozemci.

Gerard Terborch. Kozarec limonade. 1660-ih. Državna puščava, Sankt Peterburg

Kozarec limonade je eno izmed Terborchovih znanih del. Kaže še eno dostojanstvo umetnika. Neverjetno realistična podoba tkanine obleke.

Terborch ima tudi nenavadna dela. Kar govori o njegovi želji, da preseže zahteve kupcev.

Njegov brusilnik prikazuje življenje najrevnejših ljudi na Nizozemskem. Na slikah "majhnih" Nizozemcev smo vajeni videti prijetna dvorišča in čiste sobe. Toda Terborch si je upal pokazati grdo Nizozemsko.

Gerard Terborch. Mlinček. 1653-1655 Državni muzeji v Berlinu

Kot si lahko predstavljate, takšna dela niso bila povpraševana. In tudi pri Terborchu so redek pojav.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Umetniška delavnica. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Dunaj

Kako je izgledal Jan Vermeer, ni zagotovo znano. Očitno je le, da je na sliki "Umetnikova delavnica" upodobil samega sebe. Resnica od zadaj.

Zato je presenetljivo, da je v zadnjem času postalo znano novo dejstvo iz življenja mojstra. Povezan je z njegovo mojstrovino "Delft Street".

Jan Vermeer. Delft ulica. 1657 Rijksmuseum v Amsterdamu

Izkazalo se je, da je Vermeerjevo otroštvo minilo na tej ulici. Upodobljena hiša je pripadala njegovi teti. V njem je vzgajala svojih pet otrok. Morda sedi na pragu s šivanjem, njena dva otroka pa se igrata na pločniku. V hiši nasproti je živel Vermeer sam.

Toda pogosteje je upodabljal notranjost teh hiš in njihove prebivalce. Zdi se, da so ploskve slik zelo preproste. Tukaj je lepa gospa, bogata meščanka, ki preverja delo svojih tehtnic.

Jan Vermeer. Ženska z utežmi. 1662-1663 Nacionalna umetniška galerija, Washington

Kako je Vermeer izstopal med tisoči drugih "majhnih" Nizozemcev?

Bil je popoln mojster svetlobe. Na sliki "Ženska z luskami" svetloba nežno zavije obraz, tkanine in stene junakinje. Dajanje slike neznani duhovnosti.

Pa tudi skladbe Vermeerjevih slik so skrbno preverjene. Ne boste našli niti ene odvečne podrobnosti. Dovolj je odstraniti enega od njih, slika se "sesuje" in čarovnija bo izginila.

Vse to Vermeerju ni bilo lahko. Tako neverjetna kakovost je zahtevala mukotrpno delo. Samo 2-3 slike na leto. Posledično nezmožnost prehranjevanja družine. Vermeer je delal tudi kot trgovec z umetninami in prodajal dela drugih umetnikov.

5. Peter de Hooch (1629-1884)

Peter de Hooch. Avtoportret. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoha pogosto primerjajo z Vermeerjem. Delali so hkrati, v istem mestu je bilo celo obdobje. In v enem žanru - vsakdanji. V Hochu vidimo tudi eno ali dve številki na prijetnih nizozemskih dvoriščih ali sobah.

Odprta vrata in okna naredijo prostor njegovih slik večplasten in zabaven. In številke so v tem prostoru vpisane zelo harmonično. Kot na primer na njegovi sliki "Služkinja z dekletom na dvorišču."

Peter de Hooch. Služkinja z dekletom na dvorišču. 1658 Londonska narodna galerija

Do 20. stoletja je bil Hoch zelo cenjen. Toda nekaj del njegovega konkurenta Vermeerja je malo ljudi opazilo.

Toda v 20. stoletju se je vse spremenilo. Hohova slava je zbledela. Vendar je težko ne prepoznati njegovih dosežkov v slikarstvu. Le malo ljudi bi lahko tako kompetentno kombiniralo okolje in ljudi.

Peter de Hooch. Igralci kart v sončni sobi. 1658 Royal Art Collection, London

Upoštevajte, da v skromni hiši platno "Igralci kart" obesi sliko v dragem okvirju.

To še enkrat kaže, kako priljubljeno je bilo slikanje med običajnimi Nizozemci. Slike so krasile vsako hišo: hišo bogatega meščana, skromnega prebivalca mesta in celo kmeta.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Avtoportret z lutnjo. 1670-ih Muzej Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je morda najbolj smešen "mali" Nizozemec. Ampak ljubeča morala. Pogosto je upodabljal gostilne ali revne hiše, v katerih je prevladoval primež.

Njeni glavni junaki so veseljaki in dame lahkotne vrline. Gledalca je želel zabavati, a ga je latentno svaril pred hudobnim življenjem.

Jan Steen. Nered. 1663 Kunsthistorisches Museum, Dunaj

Sten ima tudi tišja dela. Tako kot na primer "Jutranje stranišče". A tudi tu umetnik preseneti gledalca s preveč odkritimi podrobnostmi. V nogavicah so sledovi elastike in ne prazen lonec. In pes nekako leži neposredno na blazini.

Jan Steen. Jutranji WC. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Toda kljub neresnosti so Stenove barvne sheme zelo profesionalne. V tem je odlikoval številne "majhne Nizozemce". Oglejte si, kako se rdeča nogavica lepo poda k modri jakni in svetlo bež preprogi.

7. Jacobs van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografija iz knjige iz 19. stoletja.

Meščanska Nizozemska je po zmagi v boju proti Španiji za njeno neodvisnost postala gospodarsko najbolj razvita država v Zahodni Evropi. Glavno nizozemsko mesto Amsterdam je bilo opredeljeno kot eno največjih nakupovalnih središč v Evropi.

Skupaj z gospodarstvom se razvija tudi nizozemsko slikarstvo. Za razliko od drugih zahodnoevropskih držav baročne slike palač in gradov na Nizozemskem niso bile priljubljene - šibkost plemstva je bila ovira za razvoj dekorativne umetnosti. Tudi kalvinistična cerkev na Nizozemskem svojih templjev ni poskušala okrasiti s slikami.

Kljub temu je slikanje na Nizozemskem doživelo razcvet: umetniki so prejemali številna naročila zasebnikov. Tudi nizozemski kmetje so lahko v svojem domu obesili majhno sliko - te stvaritve umetnikov so bile tako poceni.

V XVII. v mali Nizozemski je delalo več kot dva tisoč umetnikov. Izdelavo slik so dali v tok, platna izdelovali v celih serijah in jih predali prodajalcem. Skoraj vsak mojster je na teden izvedel od dve do pet skladb.

Proizvodnja slik je pogosto presegla povpraševanje, zato so morali umetniki, da bi se prehranili, hkrati opravljati še druga dela. Tako znani mojstri, kot so J. Steen, M. Gobbema, J. van Goyen in mnogi drugi, so bili hkrati zaposleni, vrtnarji in lastniki gostiln.

Običajno so se slikarji specializirali za določeno temo. Na primer, H. Averkamp je slikal zimske poglede, E. van der Poole upodabljal nočne požare, G. Terborch in G. Metsu - vsakdanji prizori, P. Claes in V. K. Kheda - tihožitja zajtrkov.

Umetniki so zelo pogosto sodelovali pri eni sliki: ena je slikala nebo, druga - travo in drevesa, tretja - človeške figure. Najuspešnejša dela, ki so bila uspešna v javnosti, so bila kopirana in služila kot model za ustvarjanje neštetih variacij.

Čeprav je bila umetnost nadarjenih slikarjev podrejena komercialnim namenom, so se mojstri ponavadi uspeli izogniti lažnosti. Večino teh platen odlikujejo realizem, celovitost in jasnost kompozicije, svežina barv in odlična tehnika izvedbe.

Portretni žanr se je razširil v nizozemskem slikarstvu. Veliko vlogo v življenju države so imele različne organizacije (strelsko društvo, skupine predstavnikov medicinske korporacije in trgovinske delavnice), ki so prispevale k nastanku skupinskega javnega portreta.

Dolgoletni boj s španskimi kolonialisti je izostril občutek nacionalne identitete, zato je bilo v slikarstvu poleg realizma še posebej dobrodošlo upodabljanje značilnih nacionalnih značilnosti. Umetniki so slikali morje in ladje, govedo, rože. Poleg portreta so se razvile žanri, kot sta pokrajina in tihožitje. Obstajalo je tudi religiozno slikarstvo, vendar v njem ni bilo nobenega elementa mistike; predstavljene so bile svetopisemske zgodbe
umetnik raje kot vsakdanji prizor.

Frans Hals

Frans Hals se je rodil okoli leta 1581 v Antwerpnu v družini tkalca. Kot najstnik je prišel v Haarlem, kjer je skoraj brez odmora živel do smrti (leta 1616 je obiskal Antwerpen, sredi šestdesetih let pa Amsterdam). O Halsovem življenju je malo znanega. Leta 1610 je vstopil v ceh svetega Luke, leta 1616 pa v zbornico retorikov (ljubiteljskih igralcev).

Hals je hitro postal eden najbolj znanih slikarjev portretov v Haarlemu. V XV-XVI stoletju. na nizozemskem slikarstvu je obstajala tradicija, da se portretirajo samo predstavniki vladajočih krogov, znani ljudje in umetniki. Halsova umetnost je globoko demokratična: na njegovih portretih lahko vidimo aristokrata, premožnega prebivalca mesta, obrtnika in celo človeka od samega dna. Umetnik upodobljenega ne poskuša idealizirati, glavna stvar zanj je njihova naravnost in izvirnost. Njegovi plemiči se obnašajo enako sproščeno kot predstavniki nižjih slojev družbe, ki so na slikah Khalsa upodobljeni kot veseli ljudje, ki niso brez samopodobe.

Skupinski portret zavzema pomembno mesto v slikarjevem delu. Najboljša dela te zvrsti so bili portreti častnikov puške sv. Jurija (1627) in puške sv. Adriana (1633). Vsak lik na slikah ima svojo živo osebnost, hkrati pa ta dela odlikuje njihova celovitost.

Khals je naslikal tudi portrete po meri, na katerih so bogati meščani in njihove družine postavljeni v priložnostne poze (Portret Isaaca Masse, 1626; Portret Hetheisna, 1637). Hulove slike so živahne in dinamične, zdi se, da se ljudje na portretih pogovarjajo z nevidnim sogovornikom ali nagovarjajo gledalca.

Predstavnike ljudskega okolja na portretih Khalsa odlikuje živahna ekspresivnost in spontanost. Na podobah uličnih fantov, ribičev, glasbenikov, obiskovalcev gostiln je čutiti avtorjevo simpatijo in spoštovanje. Njegov "cigan" je izjemen. Nasmejana mladenka se zdi presenetljivo živa, njen prebrisan pogled je usmerjen v občinstvu nevidnega sogovornika. Hals ne idealizira svojega modela, toda podoba vesele, razmršene Ciganke navdušuje s svojim živahnim šarmom.

Hulovi portreti zelo pogosto vključujejo elemente žanrske scene. To so podobe otrok, ki pojejo ali igrajo na glasbila (The Singing Boys, 1624-1625). V istem duhu je bila izvedena tudi slavna Malle Babbe (začetek 1630-ih), ki je predstavila krčmarja, znanega v Haarlemu, ki so ga obiskovalci za hrbtom imenovali čarovnica Harlem. Umetnik je skoraj groteskno upodobil žensko z ogromnim vrčkom za pivo in sovo na rami.

V 1640-ih. v državi so znaki prelomnice. Od zmage revolucije je minilo le nekaj desetletij in buržoazija ni več napredni razred, ki temelji na demokratičnih tradicijah. Resničnost slike Hulsa ne privlači več bogatih strank, ki se želijo videti na portretih bolje, kot so v resnici. Toda Hulse se ni odrekel realizmu in njegova priljubljenost je strmo padla. Na sliki tega obdobja se pojavijo note žalosti in razočaranja ("Portret moškega v širokem klobuku"). Njegova paleta postane strožja in mirnejša.

V starosti 84 let Hals ustvari dve svoji mojstrovini: skupinske portrete regentov (skrbnikov) in regenta domov za ostarele (1664). Ta najnovejša dela nizozemskega mojstra odlikujejo njihova čustvenost in svetla osebnost slik. Podobe regentov - starcev in moških - dihajo z žalostjo in smrtjo. Ta občutek poudarja tudi barvanje v črnih, sivih in belih tonih.

Hals je umrl leta 1666 v globoki revščini. Njegova resnična umetnost, ki potrjuje življenje, je močno vplivala na številne nizozemske umetnike.

Rembrandt

V letih 1640-1660. Nizozemsko slikarstvo je cvetelo. Najpomembnejši umetnik tega časa je bil Rembrandt.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn se je rodil leta 1606 v Leidnu. Njegov oče je bil premožen mlinar. Starši so sanjali o dobri izobrazbi svojega sina in ga dodelili v latinsko šolo, po kateri je Rembrandt vstopil na univerzo v Leidnu. A mladeniča je privlačila umetnost. Zapustil je univerzo in začel študirati pri slikarju Jacobu Svannenburhu. Tri leta kasneje je mladi umetnik odšel v Amsterdam, kjer je začel poučevati pri Petru Lastmanu.

Leta 1624 se je Rembrandt vrnil v Leiden. Tu je skupaj s slikarjem Janom Lievensom najel atelje. Umetnik veliko dela iz življenja, ne slika samo v ateljeju, ampak tudi na ulici in na mestnem bazarju.

Konec 1620-ih. Rembrandt si je pridobil priljubljenost med prebivalci Leidena. Prejel je veliko naročil in svojega prvega učenca - Gerarda Dowa, ki je kasneje postal dokaj znan slikar.

Za zgodnje Rembrandtove slike je značilna temeljitost kompozicije in vestnost izvedbe. Hkrati je zanje značilna določena omejitev ("Muka sv. Sebastijana", 1625).

Leta 1631 se je Rembrandt naselil v Amsterdamu. Njegova slava se je zelo hitro razširila po mestu in ukazi so padli na slikarja. Uspešno je bilo tudi osebno življenje Rembrandta: leta 1634 se je poročil z Saskijo van Eulenburg, deklico iz znane meščanske družine. Poroka je umetniku prinesla veliko bogastvo, ki mu je prineslo ustvarjalno neodvisnost in mu omogočilo, da se je ukvarjal z zbiranjem umetnin in starin.

Rembrandt je užival srečo v družbi svoje ljubljene žene, ki jo je večkrat upodobil. Saskia je bila pogosto vzor za slike z najrazličnejšimi temami (Flora, 1634; Avtoportret z Saskijo na kolenih, ok. 1639).

Rembrandtovo delo v tem obdobju je raznoliko, piše zgodovinske, mitološke in verske skladbe, portrete, vsakdanje prizore, pokrajine, tihožitja, slike s podobami živali. Toda glavni predmet njegove pozornosti je oseba. Ne samo na portretih, temveč tudi v drugih delih, umetnik skuša predstaviti značaj in notranji svet svojih junakov.

Izjemen mojster portretne zvrsti, šele v 1630-ih. Rembrandt je izvedel več kot šestdeset portretov po naročilu. Za slikarja glavna stvar ni zunanja podobnost z modelom, temveč globina notranjega sveta, moč čustvenih gibov in izkušenj. Skupinski portret "Anatomija zdravnika Tulpe" (1632) so sodobniki pozdravili z navdušenjem. Umetnik je spremenil tradicionalno kompozicijo klasičnega skupinskega portreta, pri čemer je postavil figure ne v vrsto, kot je bilo običajno, ampak prosto. Ta konstrukcija je podobi dala živahnost in naravnost.

Konec 1630-ih. Rembrandt je postal najslavnejši obrtnik na Nizozemskem. V to obdobje spada njegova mojstrovina, znamenita "Danae" (1636), katere mojstrstvo presega vse, kar so ustvarili njegovi sodobniki.
umetnik. Popolnost sestave in bogastvo barv, ohranjenih v zlatih odtenkih, preseneča. Zdi se, da v tem delu ni nič odveč, avtor natančno premisli vsako podrobnost. Poveljnik s pomočjo prostega in živahnega čopiča prenese lahkotnost pregrinjala, gube težkih zaves in zaves. Presenetljiva je prožna plastika mlade ženske, ki leži na postelji, bledo zlati odtenki telesa so osvetljeni z mehko svetlobo. Čeprav Danae ne sije z idealno lepoto, njena podoba gledalca razveseli z živahnim šarmom in svežino.

V 1630-ih. umetnik veliko dela tudi v jedkanici. Pritegnejo ga vsakdanji motivi ("Prodajalec podganjega strupa", 1632). Tudi žanrski elementi so del biblijske tematike (Vrnitev izgubljenega sina, 1636). Eden najboljših jedkanic tega obdobja je Marijina smrt (1639), čustvena in prežeta z občutkom globoke žalosti. Izjemno delo "Kristus zdravi bolne" (tako imenovani "Sto goldinarjev list" - to ime govori o vrednosti dela) odlikujeta tudi zapletenost kompozicije in monumentalna veličina slik.

V 1640-ih. Rembrandt postane najbolj znan in najbolje plačan slikar v Amsterdamu. Naročen je bil za portrete in kompozicije za nizozemsko palačo Stadtholder v Haagu. Številni nadebudni umetniki si želijo študija v njegovi delavnici. Slava Rembrandtove umetnosti presega meje Nizozemske. V palači angleškega kralja Karla I. hrani več slik slavnega mojstra

Rembrandtov talent se je pokazal v njegovih realističnih in izraznih tihožitjih ("Trup bika") in pokrajinah ("Pokrajina z mlinom", ok. 1650). Prefinjena liričnost je neločljiva nizozemska pokrajina, ki gledalca preseneti s svojo skoraj oprijemljivo resničnostjo.

Smrt njegove ljubljene žene leta 1642 je Rembrandta odtujila njenim plemenitim sorodnikom. Umetnik je nehal komunicirati s svojimi znanci iz aristokratske družbe. Spremembe v gospodarjevem življenju so se odražale v njegovem slikarstvu, ki postaja globlje in bolj osredotočeno. Če zgodnja Rembrandtova dela odlikuje umirjeno in enakomerno razpoloženje, zdaj na njegovih slikah začnejo zveneti note tesnobe in dvoma. Spreminja se tudi paleta, v kateri prevladujejo rdeči in zlati odtenki.

Platno "David in Jonathan" (1642, Hermitage, Sankt Peterburg), izvedeno v zlato-roza in zlato-modrih tonih, odlikuje živahna izraznost.

Vse te novosti na Rembrandtovem slikarstvu med sodobniki niso naletele na razumevanje. Nezadovoljstvo je povzročila velika monumentalna kompozicija "Nočna straža" (1642). Slika je to ime dobila v 19. stoletju. Dejansko se akcija ne odvija ponoči, ampak podnevi, na sončni svetlobi, kar potrjuje naravo senc.

Sčasoma so barve potemnele in šele obnova, izvedena v letih 1946–1947, je pokazala, da je bila barvna shema tega dela nekoč veliko svetlejša.

Slika prikazuje puščice družbe kapetana Banninga Cocka. Kupec je pričakoval, da bo videl tradicionalni svečani portret (prizor pogostitve ali predstavitve gledalcu s strani poveljnika njegovih podrejenih). Rembrandt je ustvaril tudi a
Roiko-zgodovinsko platno, ki prikazuje uprizoritev strelcev po ukazu kapitana. Liki so vznemirjeni in dinamični; poveljnik daje ukaze, nosilec zastave dvigne zastavo, bobnar premaga boben, puščice nalagajo orožje. Tu ni jasno, kje se vrti deklica s petelinom za pasom.

V teh letih se v Rembrandtovem življenju pojavi Hendrickje Stoffels, najprej hlapec, nato pa njegova žena, ki je postala njegov zvesti prijatelj in pomočnik. Umetnik še vedno trdo dela. Ustvari svojo slavno "Sveto družino" (1645), v kateri je verska tema obravnavana kot žanrska. Slikar ob biblijskih skladbah izvaja realistične pokrajine s podobami vasi ("Zimski pogled", 1646). Njegove portrete iz tega obdobja odlikuje želja po prikazovanju posameznih značilnosti modelov.

V petdesetih letih prejšnjega stoletja. število naročil se znatno zmanjša. Rembrandt ima velike finančne težave. Grozi mu popolna propad, saj dolg, povezan z nakupom hiše v času prve žene Saskie, še ni plačan. Leta 1656 je bil umetnik razglašen za plačilno nesposobnega, njegova umetniška zbirka in vse njegovo premoženje pa je bilo prodano na dražbi. Družina Rembrandt se je morala preseliti v revno judovsko četrt v Amsterdamu.

Kljub vsem stiskam talent velikega slikarja ne usahne. Zdaj pa je merilo njegove spretnosti povsem drugačno. V poznejših Rembrandtovih delih se na površini platna močno prikažejo pisane poteze. Zdaj barve na njegovih slikah služijo ne le za zunanji videz likov in podobo notranjosti - to je barva, ki prevzame semantično obremenitev dela. Tako občutek intenzivne drame na sliki "Assur, Aman in Esther" (1660) nastane skozi kompleksen tonski razpon in posebne svetlobne učinke.

Prikrajšan za ukaze, živi v globoki revščini, Rembrandt ne neha pisati. Ustvarja ekspresivne in duhovne portrete, vzorce katerih so sorodniki in prijatelji ("Portret žene brata umetnika", 1654; "Portret starca v rdečem", 1652-1654; "Portret Tita, ki bere sina", 1657; "Portret Hendrickja Stoffela pri oknih", približno 1659).

Sin Titus, ki je končno dobil stanje pokojne matere, skuša očeta zaščititi pred materialnimi stiskami in mu ustvariti pogoje za mirno delo. Toda nesreče še naprej preganjajo umetnika: leta 1663 Hendrickje umre, nekaj let kasneje pa ji je sledil tudi Tit.

V tem tragičnem času je stari osamljeni umetnik ustvaril svoje mojstrovine, ki jih je odlikovala monumentalna veličina in duhovnost (David in Uriah, 1665–1666; Vrnitev izgubljenega sina, ok. 1668–1669).

Rembrandt je umrl leta 1669, pozabljen od vseh. Šele v 18. stoletju. njegova umetnost je bila končno razumljena in cenjena.

V letih 1640-1660. žanr je bil vodilni žanr v nizozemskem slikarstvu. Slike, ki prikazujejo najbolj običajne trenutke resničnosti, so presenetljivo poetične in lirične. Glavni predmet pozornosti slikarjev je oseba in svet okoli njega. Za večino žanrskih skladb je značilna umirjena pripoved in pomanjkanje drame. Govorijo o gospodinjskih opravilih gospodinje v hiši (nakup hrane, skrb za otroke, rokovanje), o zabavi nizozemskega meščana (igranje kart, sprejem gostov, koncerti). Umetniki upodabljajo vse, kar se dogaja v hiši premožnega prebivalca mesta, pri čemer ne upoštevajo javne strani človekovega življenja.

Žanrski slikarji so bili zelo priljubljeni: G. Dow, čigar slike so bile prodane po zelo visoki ceni, A. van Ostade, ki je slikal prizore kmečkega življenja ("Country Concert"), J. Sten, katerega najljubše teme so bile scene zabave in praznike ("Vesela družba"), G. Terborch, ki je s svojo graciozno sliko predstavljal življenje bogate meščanske družine ("Kozarec limonade"), G. Metsu s svojim iznajdljivim pripovedovanjem ("Bolni otrok"), P. de Hooch, ki je ustvaril kontemplativna lirska platna ("Gospodarica in hlapec").

K. Fabritsius, ki je živel kratko življenje (umrl je v Delftu v eksploziji skladišča prahu), si je prizadeval razširiti obseg žanrskega žanra. Eno njegovih najboljših del je Lazarjevo vstajenje (ok. 1643), ki je opazno po svoji dramatičnosti in skoraj monumentalnem obsegu. Izjemni so tudi njegovi portreti in avtoportreti, ki umetnika postavljajo v raven s F. Halsom in Rembrandtom.

Usoda E. de Fabriciusa, nadarjenega mojstra domače scene in del, ki prikazujejo cerkveno notranjost ("Tržnica v pristanišču", "Notranjost z ženo na čembalu"), je tragična. Umetnik se ni želel podrediti okusom meščanske javnosti, zato so bila njegova dela, ki s sodobniki niso imela uspeha, prodana za nič. Fabricius je bil pogosto prisiljen odplačevati dolgove lastnikom domov. V zimski noči leta 1692 se je petinsedemdesetletni umetnik, ki ga je lastnik vrgel iz hiše, obesil na ograjo mostu. Podobna usoda je bila značilna za številne nizozemske slikarje, ki niso želeli opustiti realističnih tradicij, da bi ugajali javnosti.

Jan Wermeer Delft

Vidni predstavnik nizozemskega žanrskega slikarstva je Jan Wermer, po rojstnem kraju in delu vzdevek Delft. Slikar se je rodil leta 1623 v družini trgovca s slikami in svilo. O Vermeerjevem življenju je malo znanega. Morda je bil njegov učitelj K. Fabricius. Leta 1653 je umetnik postal član ceha sv. Luke in se poročil s hčerko bogate mestne prebivalke Katerine Bolnes. V Delftu so ga spoštovali in slavili, živel je v veliki hiši na tržnem trgu.

Vermeer je na svojih slikah delal zelo počasi in temeljito, skrbno je zapisoval vse podrobnosti. Slikarstvo umetnikovi družini ni moglo zagotoviti udobnega bivanja, čeprav so njegova platna uživala velik uspeh. Verjetno je Vermeer zato začel trgovati s slikami in nadaljeval delo svojega očeta.

Že v prvih Vermeerjevih delih se pojavi kombinacija realizma in določene mere idealizacije podob, značilnih za njegovo delo ("Diana z nimfami", "Kristus z Marto in Marijo" - obe do leta 1656). Naslednje delo - platno z velikimi figurami "Na zvodniku" (1656), napisano na zapletu, ki ga uporabljajo številni slikarji, odlikuje izvirnost izvedbe. Umetnikova navadna vsakdanja scena dobi skoraj monumentalni pomen. Slika med drugimi deli s podobno tematiko izstopa po drzni barvi, ohranjeni v čisti rumeni, rdeči, črni in beli barvi ter svetli izraznosti slik.

Kasneje se je Vermeer usmeril k komornim skladbam, tradicionalnim za nizozemsko slikarstvo. Tako kot drugi nizozemski mojstri tudi on prikazuje dogodke, ki se dogajajo v bogatih meščanskih hišah. Umetnikova najljubša podoba je deklica, ki bere pismo ali poskuša ogrlico. Njegova platna predstavljajo brezumne vsakdanje prizore: služkinja daje ljubici pismo, gospod dami prinese kozarec vina. A te preproste slike v kompoziciji presenetijo s svojo celovitostjo, harmonijo in liričnostjo, podobe privlačijo s svojo naravnostjo in umirjeno poezijo.

V drugi polovici 1650-ih. umetnik je ustvaril svoja najodličnejša dela. Globoko lirične "Spalke", "Kozarec vina", "Dekle s črko" so zaznamovale s toplim občutkom. Številni nizozemski slikarji tega časa so na svojih slikah upodabljali služabnike, zasedene v službi, toda samo Vermeerjeva podoba ženske iz ljudstva ima značilnosti pristne lepote in veličine ("Služkinja z vrčem mleka").

Vermeer je pravi virtuoz, ki s pomočjo slikovnih sredstev posreduje bistvo sveta stvari. Tihožitja na njegovih slikah so izvedena z veliko spretnostjo. Posoda z jabolki in slivami, ki stoji na mizi, prekriti z vzorčastim prtom na platnu "Dekle s črko", je videti presenetljivo lepa in naravna.

Na sliki "Služkinja z vrčem mleka" kruh in mleko, ki se iz vrča izliva v debelem toku, navdušujeta s svojo svežino.

Svetloba igra pomembno vlogo v Vermerjevih delih. Zapolnjuje prostor platna in ustvarja vtis izjemne zračnosti; oblikuje in prodre barve, tako da se svetijo od znotraj. Zahvaljujoč tej količini svetlobe in zraka nastane poseben čustveni dvig večine Vermeerjevih del.

Izjemna slikarska veščina se je pokazala v krajinskem slikarstvu. Majhen kotiček mesta, zavit v vlažno vzdušje oblačnega dne, reproducira jasno in preprosto kompozicijo "Ulica" (ok. 1658). Mesto, ki ga opere dež, je na sliki Pogled na Delft (med letoma 1658 in 1660) videti čisto in sveže. Sončni žarki se prebijejo skozi nežne srebrne oblake in na površini vode ustvarijo veliko bleščečih bleščic. Zvočna barva s subtilnimi barvnimi prehodi daje sliki izraznost in harmonijo.

V šestdesetih letih 20. stoletja. Vermeerjeva slika postane bolj izpopolnjena in elegantna. Spreminja se tudi paleta, v kateri danes prevladujejo hladni pisani odtenki ("Dekle z biserom"). Glavni liki na platnih so bogate dame in gospodje, obkroženi z razkošnimi predmeti ("Ljubezensko pismo", ok. 1670).

Jan Wermeer Delft. Služkinja z vrčem mleka. Med letoma 1657 in 1660
Jan Wermeer Delft. Slikarska delavnica. V REDU. 1665 g.

V zadnjem obdobju Vermeerjevega življenja njegova dela postanejo površna in nekoliko namišljena ("Alegorija vere"), paleta pa izgubi bogastvo in zvočnost. Toda tudi v teh letih posamezna umetnikova dela presenetijo s svojo nekdanjo izrazno močjo. Takšna je njegova "Delavnica slikarja" (1665), v kateri se je Vermeer upodobil pri delu, in slike "Astronom" in "Geograf", ki sta upodabljali znanstvenike.

Usoda Vermeerja je, tako kot mnogih drugih nizozemskih mojstrov, tragična. Po koncu življenja je bil bolan umetnik, ki je izgubil večino svojih nekdanjih strank, prisiljen svojo veliko družino preseliti iz stare hiše v cenejše stanovanje. V zadnjih petih letih ni naslikal niti ene slike. Slikar je umrl leta 1675. Njegova umetnost je bila dolgo pozabljena in šele sredi 19. stoletja. Wermeerja so cenili in ga izenačili z nizozemskimi mojstri, kot sta Rembrandt in F. Hals.

Nizozemski umetniki so zelo prispevali k delu mojstrov, ki so svojo dejavnost začeli v 17. stoletju in se do zdaj niso ustavili. Niso pa imeli vpliva samo na svoje kolege, temveč tudi na literarne strokovnjake (Valentin Proust, Donna Tartt) in fotografijo (Ellen Coy, Bill Gekas in drugi).

Začetek razvoja

Leta 1648 je Nizozemska postala neodvisna, toda za oblikovanje nove države je morala Nizozemska prestati maščevanje Španije, ki je takrat umrlo približno 10 tisoč ljudi v flamskem mestu Antwerpen. Kot rezultat pokola so se prebivalci Flandrije izselili z ozemelj, ki jih je obvladovala španska vlada.

Na podlagi tega bi bilo logično priznati, da je zagon neodvisnim nizozemskim umetnikom prišel ravno iz flamske ustvarjalnosti.

Od 17. stoletja se pojavljata tako državna kot umetniška veja, kar vodi do oblikovanja dveh umetniških šol, ki se razlikujeta po narodnosti. Imeli so skupen izvor, vendar so bili po značajih precej različni. Medtem ko je Flandrija ostala pod krili katoličanstva, je Holland doživel povsem nov razcvet, začenši v 17. stoletju.

Nizozemska kultura

V 17. stoletju je nova država šele stopila na pot svojega razvoja in popolnoma prekinila povezavo z umetnostjo pretekle dobe.

Boj s Španijo se je postopoma umirjal. Narodno razpoloženje so začeli zasledovati v priljubljenih krogih z odmikom od katoliške religije, ki so jo prej naložile oblasti.

Protestantska prevlada je imela nasprotujoč si pogled na dekoracijo, kar je privedlo do zmanjšanja števila del na verske teme, kasneje pa je igralo le v rokah posvetne umetnosti.

Še nikoli prej tako pogosto niso upodabljali resnične okoliške resničnosti na slikah. Nizozemski umetniki so v svojih delih želeli prikazati navaden vsakdan brez olepševanja, prefinjenega okusa in plemenitosti.

Laična umetniška eksplozija je povzročila tako številne smeri, kot so pokrajina, portret, žanr in tihožitje (česar obstoj niso poznala niti najbolj razvita središča Italije in Francije).

Vizija nizozemskih umetnikov o realizmu, izražena v portretih, pokrajinah, notranjih delih in slikah tihožitja, je z vseh področij zanimanja pritegnila to veščino.

Tako je nizozemska umetnost iz 17. stoletja dobila vzdevek "Zlata doba nizozemskega slikarstva", s čimer si je zagotovila status najbolj izjemne dobe nizozemskega slikarstva.

Pomembno je vedeti: obstaja napačno prepričanje, da je nizozemska šola upodabljala le povprečnost človeškega obstoja, toda mojstri tistih časov so drzno uničevali ogrodje s pomočjo svojih fantastičnih del (na primer "Pokrajina z Janezom Krstnikom" avtor Bloomart).

Nizozemski slikarji iz 17. stoletja. Rembrandt

Za eno največjih umetniških osebnosti na Nizozemskem velja Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Poleg tega, da je bil umetnik, se je ukvarjal tudi z graviranjem in je po pravici veljal za mojstra svetlobe.

Njegova zapuščina je bogata z individualno raznolikostjo: portreti, žanrski prizori, tihožitja, pokrajine, pa tudi slike na temo zgodovine, religije in mitologije.

Njegova sposobnost obvladovanja svetlostne svetlobe je omogočila povečanje čustvene izraznosti in duhovnosti osebe.

Pri portretih se je ukvarjal z mimiko obraza.

V povezavi z razburljivimi tragičnimi dogodki je bila njegova poznejša dela napolnjena s slabo svetlobo, ki je razkrivala globoka čustva ljudi, zaradi česar so briljantna dela nikogar ne zanimala.

Takrat so bile v modi zunanje lepote brez poskusov globinskega poglabljanja, pa tudi naturalizem, ki je ločeval od odkritega realizma.

Sliko "Vrnitev izgubljenega sina" lahko na lastne oči vidi vsak ruski ljubitelj likovne umetnosti, saj je to delo v Ermitažu v Sankt Peterburgu.

Frans Hals

Frans Hals je odličen nizozemski slikar in ugleden portretist, ki je pomagal uvesti žanr prostega pisanja v rusko umetnost.

Delo, ki mu je prineslo slavo, je bila slika "Banket oficirjev puškarske čete sv. Jurija", naslikana leta 1616.

Njegovo portretno delo je bilo za tiste čase preveč naravno, kar je bilo ločeno od današnjih dni. Zaradi dejstva, da je umetnik ostal napačno razumljen, je tako kot veliki Rembrandt življenje končal v revščini. Ciganka (1625-1630) je eno njegovih najbolj znanih del.

Jan Steen

Jan Steen je na prvi pogled eden najbolj duhovitih in smešnih nizozemskih umetnikov. V norčevanju iz družbenih razvad se je rad zatekal k spretnosti satire družbe. Medtem ko je gledalca zabaval z neškodljivimi, smešnimi podobami veseljakov in dam lahke vrline, je dejansko svaril pred takim življenjskim slogom.

Umetnik je imel tudi tišje slike, na primer delo "Jutranje stranišče", ki se je na prvi pogled zdelo popolnoma nedolžno dejanje. A če podrobno pogledate podrobnosti, ste lahko precej presenečeni nad njihovimi razkritji: gre za sledi nogavic, ki so prej stisnile noge, in lonec, napolnjen z nečim nespodobnim ponoči, pa tudi pes, ki si dovoli biti pravi na gospodarici na blazini.

V najboljših lastnih delih je bil umetnik pred svojimi kolegi v elegantno spretni kombinaciji barvnih palet in obvladovanju senc.

Drugi nizozemski umetniki

V tem članku so bile naštete le tri bistre osebe od več deset, ki so vredne, da se z njimi uvrstijo na isti seznam:

V tem članku ste se torej srečali z nizozemskimi umetniki iz 17. stoletja in njihovimi deli.

"Burger" barok v nizozemskem slikarstvuXVII v. - podoba vsakdanjega življenja (P. de Hooch, Vermeer). "Razkošna" tihožitja Kalf. Skupinski portret in njegove značilnosti Hals in Rembrandt. Interpretacija mitoloških in svetopisemskih tem Rembrandtova.

Nizozemska umetnost 17. stoletja

V XVII. Holland je postala zgledna kapitalistična država. Vodila je obsežno kolonialno trgovino, imela je močno floto, ladjedelništvo pa je bila ena vodilnih panog. Protestantizem (kalvinizem kot njegova najhujša oblika), ki je popolnoma izpodrinil vpliv katoliške cerkve, je privedel do tega, da duhovščina na Nizozemskem ni imela takega vpliva na umetnost kot v Flandriji, še bolj pa v Španiji ali Italiji. Na Nizozemskem cerkev ni igrala vloge naročnika umetnin: templji niso bili okrašeni z oltarnimi podobami, kajti kalvinizem je zavrnil kakršen koli kanček razkošja; Protestantske cerkve so bile preproste arhitekture in v notranjosti niso bile nikakor okrašene.

Glavni dosežek nizozemske umetnosti v 18. stoletju. - v stojalskem slikarstvu. Človek in narava so bili objekti opazovanja in upodabljanja nizozemskih umetnikov. Gospodinjsko slikarstvo postaja ena vodilnih zvrsti, katerih ustvarjalci so v zgodovini prejeli ime "Mali Nizozemci". Slikanje na evangelijske in svetopisemske teme je predstavljeno na enak način, vendar ne v enaki meri kot v drugih državah. Holland nikoli ni imel nobenih vezi z Italijo in klasična umetnost ni imela iste vloge kot v Flandriji.

Obvladovanje realističnih tendenc, dodajanje določenega sklopa tem, diferenciacija žanrov kot en sam proces, se zaključijo do dvajsetih let 17. stoletja. Zgodovina nizozemskega slikarstva 17. stoletja. odlično prikazuje razvoj dela enega največjih portretistov na Nizozemskem, Fransa Halsa (približno 1580–1666). V 10. in 30. letih je Huls veliko delal v žanru skupinskega portreta. Iz platen teh let izgledajo vedri, energični, podjetni ljudje, prepričani v svoje moči in v prihodnost ("Strelski ceh sv. Adriana", 1627 in 1633;

Strelski ceh sv. Jurija ", 1627).

Raziskovalci včasih posamezne portrete Halsa imenujejo žanrsko zaradi posebne specifičnosti slike. Hulsov skiciran način, njegovo drzno pisanje, ko poteza s čopičem oblikuje tako obliko kot volumen in podaja barvo.

Na portretih Khalsa iz poznega obdobja (50–60) izginejo brezskrbna moč, energija, pritisk v likih upodobljenih. Toda v poznem obdobju ustvarjalnosti je Hals dosegel vrhunec spretnosti in ustvaril najgloblja dela. Barva njegovih slik postane skoraj enobarvna. Dve leti pred svojo smrtjo, leta 1664, se je Hals spet vrnil k skupinskemu portretu. Naslika dva portreta - regentov in regenta azila za starejše, na enem je ob koncu življenja našel zavetje. Na portretu regentov ni tovarištva prejšnjih skladb, modeli so neenotni, nemočni, imajo oblačne poglede, na obrazih jim piše opustošenje.

Umetnost Khalsa je bila za svoj čas zelo pomembna, vplivala je na razvoj ne samo portreta, temveč tudi žanr žanra, krajine, tihožitja.

Posebej zanimiv je krajinski žanr Nizozemske iz 17. stoletja. upodablja Nizozemsko Jana van Goyena (1596-1656) in Salomona van Ruisdaela (1600 / 1603-1670).

Cvetenje krajinskega slikarstva v nizozemski šoli sega v sredino 17. stoletja. Največji mojster realistične pokrajine je bil Jacob van Ruisdael (1628 / 29-1682), Njegova dela so ponavadi polna globoke drame, ne glede na to, ali upodablja goščavo ("Gozdna močvirja"),

pokrajine s slapovi ("Slap") ali romantična pokrajina s pokopališčem ("Židovsko pokopališče").

Ruisdaelova narava se kaže v dinamiki, v večni prenovi.

Animalistični žanr je tesno povezan z nizozemsko pokrajino. Najljubši motiv Alberta Capea so krave na napajalni jami ("Sončni zahod na reki", "Krave na bregu potoka").

Tihožitje se briljantno razvija. Nizozemsko tihožitje je, v nasprotju s flamskim, slike intimne narave, skromne velikosti in motivov. Peter Claesz (približno 1597–1661), Bill Heda (1594–1680 / 82) so najpogosteje upodabljali tako imenovane zajtrke: jedi s šunko ali pito na razmeroma skromno postreženi mizi. Kedine "zajtrke" nadomestijo razkošne Kalfove "sladice". Preprosto posodo zamenjajo marmornate mize, preproge, srebrne skodelice, posode iz bisernih školjk in kristalne kozarce. Tele doseže neverjetno virtuoznost pri prenosu teksture breskev, grozdja, kristalnih površin.

V 20-30-ih letih XVII. Nizozemci so ustvarili posebno vrsto majhnih majhnih figur. 40. - 60. leta - razcvet slikarstva, ki je poveličeval mirno meščansko življenje na Nizozemskem, meril vsakdanjik.

Adrian van Ostade (1610-1685) sprva prikazuje senčne plati kmečkega življenja ("Boj").

Od 40. let dalje v njegovem delu satirične zapise vse bolj nadomeščajo šaljive ("V vaški gostilni", 1660).

Včasih so te majhne slike obarvane z velikim liričnim občutkom. Ostaljeva mojstrovina slikarstva po pravici velja za njegov "Slikar v ateljeju" (1663), v katerem umetnik poveličuje ustvarjalno delo.

Toda glavna tema "majhnih Nizozemcev" še vedno ni kmečki, temveč meščanski način življenja. Običajno so to slike brez fascinantne zgodbe. Najbolj zabaven pripovedovalec pravljic na tovrstnih slikah je bil Jan Stan (1626-1679) (Revelers, The Game of Trick-Truck). Gerard Terborch (1617-1681) je pri tem dosegel še večje spretnosti.

Notranjost pridobi posebno poezijo med "majhnimi Nizozemci". Pravi pevec te teme je bil Peter de Hooch (1629-1689). Njegove sobe s napol odprtim oknom, nehote vrženimi čevlji ali zapuščeno metlo so pogosto upodobljene brez človeške figure.

Nova stopnja v žanrskem slikarstvu se začne v petdesetih letih in je povezana s tako imenovano šolo Delft z imeni umetnikov, kot so Karel Fabricius, Emmanuel de Witte in Jan Wermer, znan v umetnostni zgodovini kot Wermeer Delft (1632-1675) . Zdi se, da Vermeerjeve slike nikakor niso izvirne. To so iste podobe zamrznjenega meščanskega življenja: branje pisma, gospod in gospa v pogovoru, služabniki v preprostih gospodinjstvih, pogledi na Amsterdam ali Delft. Te slike so preproste v akciji: "Deklica, ki bere pismo",

"Kavalir in gospa na spinetu",

"Policist in smeje se dekle" itd. So polni duhovne jasnosti, tišine in miru.

Glavne prednosti umetnika Vermeer so v prenosu svetlobe in zraka. Raztapljanje predmetov v okolju z lahkotnim zrakom, sposobnost ustvarjanja te iluzije so najprej določili prepoznavnost in slavo Vermeerja ravno v 19. stoletju.

Wermeer je počel tisto, česar v 17. stoletju ni nihče: iz narave je slikal pokrajine ("Mala ulica", "Pogled na Delft").

Lahko jih imenujemo prvi primeri plenerskega slikarstva.

Vrhunec nizozemskega realizma, ki je rezultat slikovnih dosežkov nizozemske kulture 17. stoletja, je delo Rembrandta. Harmenszoon van Rijn Rembrandt (1606-1669) se je rodil v Leidnu. Leta 1632 je Rembrandt odšel v Amsterdam, središče nizozemske umetniške kulture, ki je naravno pritegnilo mladega umetnika. Trideseta leta - čas najvišje slave, pot do katerega je slikarju leta 1632 odprla velika naročena slika - skupinski portret, znan tudi kot "Anatomija dr. Tulpa" ali "Lekcija anatomije".

Leta 1634 se je Rembrandt poročil z deklico iz bogate družine - Saskijo van Eilenborch. Začne se najsrečnejše obdobje njegovega življenja. Postane znan in moden umetnik.

Vse to obdobje je pokrito z romantiko. Znameniti "Avtoportret s Saskijo na kolenih" (približno 1636) prikazuje najsvetlejši Rembrandtov pogled na svet v teh letih. Celotno platno je prežeto z odkritim veseljem do življenja, veseljem.

Baročni jezik je najbližji izražanju razpoloženja. In na Rembrandta v tem obdobju v veliki meri vpliva italijanski barok.

Liki slike "Abrahamova žrtev" iz leta 1635 se pojavljajo v zapletenih predgledih. Sestava je izjemno dinamična, zgrajena po vseh pravilih baroka.

V istih 30-ih se je Rembrandt prvič resno začel ukvarjati z grafiko, predvsem jedkanjem. Rembrandtovi jedkanici so večinoma svetopisemske in evangeličanske teme, vendar se v risbi kot pravi nizozemski umetnik pogosto sklicuje tudi na žanr. Na prelomu zgodnjega obdobja umetnikovega dela in njegove ustvarjalne zrelosti se pred nami pojavi ena njegovih najbolj znanih slik, znana pod imenom "Nočna straža" (1642) - skupinski portret puške kapetana Banninga Cocka.

Razširil je obseg žanra in predstavil precej zgodovinsko sliko: na alarmni signal odred Banning Cock gre v kampanjo. Nekateri so mirni, samozavestni, drugi so navdušeni v pričakovanju prihodnjega, toda na vseh leži izraz skupne energije, domoljubnega navdušenja in zmage državljanskega duha.

Skupinski portret pod čopičem Rembrandta je prerasel v junaško podobo dobe in družbe.

Slika je bila že tako temna, da je veljala za upodobitev nočnega prizora, zato njeno napačno ime. Senca, ki pade s kapetanove figure na lažja podporočnikova oblačila, dokazuje, da to ni noč, ampak dan.

S smrtjo Saskie istega leta 1642 Rembrandt naravno prekine z njemu tujimi patricijskimi krogi.

40-50-ih je čas ustvarjalne zrelosti. V tem obdobju se pogosto obrača na prejšnja dela, da bi jih predelal na nov način. Tako je bilo na primer pri "Danaju", ki ga je naslikal že leta 1636. Če se je obrnil k sliki v 40. letih, je umetnik stopnjeval svoje čustveno stanje.

Z junakinjo in služkinjo je napisal osrednji del. Dane Danae z novo gesto dvignjene roke, jo je seznanil z velikimi čustvi, izrazom veselja, upanja, privlačnosti.

V 40-50-ih je Rembrandtova veščina nenehno rasla. Za interpretacijo izbere najbolj lirične, poetične vidike človeškega bivanja, tistega človeka, ki je večen, vsečloveški: materinska ljubezen, sočutje. Največje gradivo mu daje Sveto pismo in iz njega - prizori iz življenja Svete družine, Rembrandt prikazuje preprosto življenje, navadne ljudi, kot na sliki Sveta družina.

Zadnjih 16 let je najbolj tragičnih let Rembrandtovega življenja; je zlomljen, nima ukazov. Toda ta leta so polna neverjetno močne ustvarjalne dejavnosti, zaradi katere nastajajo slikovite podobe, izjemne po značaju monumentalnosti in duhovnosti, globoko filozofska dela. Tudi Rembrandtova majhna dela teh let ustvarjajo vtis izjemne veličine in resnične monumentalnosti. Barva dobi zvočnost in intenzivnost. Zdi se, da njene barve oddajajo svetlobo. Portreti pokojnega Rembrandta se zelo razlikujejo od portretov 30. in celo 40. let. Gre za izjemno preproste (polovične ali generacijske) podobe ljudi, ki so umetniku blizu z njegovo notranjo strukturo. Rembrandt je dosegel največjo subtilnost lastnosti na avtoportretih, od katerih jih je približno sto prišlo do nas. Končna v zgodovini skupinskega portreta je bila Rembrandtova podoba starešin suknarske delavnice - tako imenovani "Syndics" (1662), kjer je Rembrandt s pičlimi sredstvi ustvarjal žive in hkrati različne človeške tipe, predvsem pa , mu je uspelo prenesti občutek duhovne združitve, medsebojnega razumevanja in medsebojne povezanosti ljudi.

V letih zrelosti (predvsem v 50-ih) je Rembrandt ustvaril svoje najboljše jedkanice. Kot jedkar ne pozna enakega v svetovni umetnosti. V vseh imajo podobe globok filozofski pomen; pripovedujejo o skrivnostih bivanja, o tragediji človeškega življenja.

Veliko riše. Rembrandt je za seboj pustil 2000 risb. To so skice iz narave, skice za slike in priprave na jedkanice.

V zadnji četrtini 17. stoletja. začne se zaton nizozemske slikarske šole, izguba nacionalne identitete in od začetka 18. stoletja se začne konec velike dobe nizozemskega realizma.

V 17. stoletju je nizozemska slikarska šola postala ena vodilnih v Evropi. Tu so se prvič v zgodovini svetovne umetnosti izkazali predmeti okoliške resničnosti vir ustvarjalnega navdiha in umetniškega oblikovanja. V nizozemski umetnosti tega časa se je končalo oblikovanje celotnega žanrskega sistema, ki se je začel v renesansi. V portretih, vsakdanjih slikah, pokrajinah in tihožitjih so umetniki z redko spretnostjo in toplino prenašali svoje vtise o okoliški naravi in ​​nezahtevnem življenju. Odražali so kolektivno podobo Nizozemske - mlade republike, ki je svojo neodvisnost branila v vojni s Španijo.

"Jutro mlade dame". 1660 Frans Miris starejši. Olje na lesu. Državna pustinja

Slike umetnikov na vsakdanje teme (ali žanrske slike), ki prikazujejo osebo v znanem, vsakdanjem okolju, so odražale ustaljene oblike življenja, vedenja in komunikacije ljudi, ki pripadajo različnim pogojem nizozemske družbe. Slike nizozemskih umetnikov, namenjene okrasitvi notranjosti hiš trgovcev, obrtnikov ali bogatih kmetov, so bile majhne. Umetniki so zaslužili s prodajo slik, ki so bile naslikane z možnostjo podrobnega ogleda od blizu. To pa je povzročilo še posebej previden in nežen način pisanja.

Društvo na terasi. 1620 Esice Van De Velde. Olje na lesu. Državna pustinja

Skozi 17. stoletje je nizozemsko žanrsko slikarstvo doživelo pomemben razvoj. Med njenim nastankom so bili na začetku stoletja pogosti zapleti na temo rekreacije, zabave mladih bogatih Nizozemcev ali prizori iz življenja častnikov. Takšne slike so se imenovale "pogostitve", "društva", "koncerti". Njihova slika je bila opazna po svoji pestri barvi, povišanem radostnem tonu. Med tovrstna dela sodi slika Esayasa van de Veldeja "Družba na terasi".

V začetku tridesetih let je bilo oblikovanje nizozemske žanrske slike končano. Prenatrpane "družbe" so se umaknile maloštevilnim skladbam. Podoba okolja okoli človeka je začela igrati pomembno vlogo. Žanrsko slikarstvo je bilo ločeno po družbenih linijah: teme na temo iz življenja meščanstva in prizori iz življenja kmetov in mestne revščine. Tako te kot druge slike so bile namenjene okrasitvi notranjosti.

"Boj". 1637 Adrian Van Ostade. Olje na lesu. Državna pustinja

Eden najbolj znanih umetnikov, ki so delali v "kmečki zvrsti", je bil Adrian van Ostade. V zgodnjem obdobju ustvarjalnosti je podobo kmetov na njegovih slikah odlikoval poudarjen strip, ki je včasih dosegel raven karikature. Na sliki "Boj", ki jo osvetljuje ostra svetloba, se zdi, da spopadi niso živi ljudje, ampak kot lutke, katerih obrazi so kot maske, ki jih izkrivljajo grimase jeze. Mešanje hladnih in toplih barv, ostri kontrasti svetlobe in sence še povečajo vtis grotesknega prizora.

Vaški glasbeniki. 1635 Adrian van de Ostade 1635 Olje na lesu. Državna pustinja

V šestdesetih letih prejšnjega stoletja so se spremenile slike Adriana Ostadeja. Umetnik se je obrnil k bolj umirjenim temam, ki prikazujejo človeka med rutinskimi aktivnostmi, najpogosteje v trenutkih sprostitve. Takšna je na primer notranja slika "Vaški glasbeniki". Ostade spretno prenese zbranost "glasbenikov", ki so navdušeni nad svojim poklicem, in prikazuje otroke, ki jih skozi okno opazujejo s komaj opaznim humorjem. Raznolikost in mehkoba igre svetlobe in sence, zelenkasto rjava barvna shema združujejo ljudi in okolico v eno celoto.

"Zimski razgled". 1640 Isaac Van Ostade. Olje na lesu. Državna pustinja

Adrianov pokojni brat Isaac van Ostade je prav tako delal v "kmečki zvrsti". Upodobil je življenje podeželske Nizozemske, v naravi katere se je človek počutil kot doma. Slika "Zimski pogled" predstavlja tipično nizozemsko pokrajino s sivim nebom, ki močno visi nad tlemi, zmrznjeno reko, na bregovih katere je vas.

"Pacient in zdravnik." 1660 Jan Steen. Olje na lesu. Državna pustinja

Žanrsko temo umetnosti bratov Ostade je nadaljeval Jan Steen, nadarjeni mojster, ki je s smislom za humor na svojih slikah opazil značilne podrobnosti življenja in odnosov likov. Na sliki "Revelers" umetnik sam gleda gledalca veselo in prebrisano, sedi ob svoji ženi, ki je zaspala po veseli pojedini. Jan Steen na sliki "Pacient in zdravnik" skozi mimiko in poteze likov spretno razkrije zaplet namišljene bolezni.

"Soba v nizozemski hiši". Peter Janssens. Platno, olje. Državna pustinja

V petdesetih - šestdesetih letih 17. stoletja se je tematika žanrskih slik postopoma zoževala. Figurativna struktura slik se spreminja. Postanejo bolj umirjeni, intimnejši, v njih se pojavi bolj lirična kontemplacija, pojavlja se tiha zamišljenost. To stopnjo predstavljajo dela umetnikov, kot so: Peter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Jansens. Njihova dela so poosebljala poetično in nekoliko idealizirano podobo vsakdanjega življenja nizozemskega meščanstva, ki se je nekoč borilo za svoje pravice in neodvisnost, zdaj pa je doseglo trajnostno blaginjo. Torej je na notranji sliki "Soba v nizozemski hiši" Petra Janssensa prijetna soba, preplavljena s sončno svetlobo, upodobljena s sončnimi žarki, ki se igrajo na tleh in na stenah, na sliki "Starka ob kaminu" avtorja Jacoba Wrel - soba s kaminom, potopljenim v mehki mrak. Izbira kompozicije v delih obeh umetnikov poudarja enotnost človeka in njegovega okolja.

"Kozarec limonade". 1664 Gerard Terborch. Gostitelj (v prevodu iz lesa), olje. Državna pustinja

V teh letih so nizozemski žanrski slikarji v svojih delih prvič poskušali odsevati globino človekovega notranjega življenja. V vsakdanjih življenjskih situacijah so našli priložnost, da odražajo raznolik svet najbolj subtilnih izkušenj. Toda to lahko vidite le s skrbnim in skrbnim pregledom slike. Na primer, na sliki Gerarda Terborcha Kozarec limonade komaj zaznaven jezik kretenj, dotikanja rok, pogledov srečanja razkriva celotno lestvico občutkov in odnosov med liki.

"Zajtrk". 1660 Gabriel Metsu. Olje na lesu. Državna pustinja

Svet predmetov začne igrati veliko vlogo v žanrskih slikah tega obdobja. Ne zaznamuje več le materialnega in čustvenega okolja človekovega življenja, temveč izraža tudi raznolikost odnosov med človekom in svetom okoli njega. Nabor predmetov, njihova razporeditev, zapleten sistem simbolov in poteze likov - vsi igrajo vlogo pri ustvarjanju figurativne strukture slike.

"Revelers". 1660 Jan Steen. Olje na lesu. Državna pustinja

Nizozemskega žanrskega slikarstva niso odlikovale najrazličnejše teme. Umetniki so se omejili na upodabljanje le določenega obsega likov in njihovih poklicev. Toda z njihovo pomočjo je nizozemsko žanrsko slikarstvo uspelo posredovati zanesljivo podobo manir, običajev in idej o življenju osebe v 17. stoletju.

Pri pripravi publikacije so bila uporabljena gradiva iz odprtih virov.