(lat. abstractio - odstranitev, odvračanje pozornosti) - neobjektivna, nefigurativna umetnost - oblika vizualne dejavnosti, ki nima za cilj posnemati ali prikazati vizualno zaznano realnost. Abstraktno slikarstvo, grafika, kiparstvo izključujejo asociacije na prepoznavne predmete.

Izvor abstraktnega slikarstva in čas nastanka prve abstraktne slike nista ugotovljena. Z gotovostjo lahko rečemo le, da so se med letoma 1910 in 1915 številni evropski umetniki preizkusili v nefigurativnih, nefigurativnih kompozicijah (v slikarstvu, risbi, kiparstvu). Med njimi: R. Delone, M. F. Larionov, F. Picabia, F. Kupka, P. Klee, F. Mark, A. G. Yavlensky, U. Bocioni, F. Marinetti in drugi. Najbolj izvirni in znani so VV Kandinski, P. Mondrian, KS Malevich. Kandinskega običajno imenujejo »izumitelj« abstrakcije, kar pomeni, da njegovi akvareli iz let 1910–1912 in njegova teoretična dela, ki objektivno pričajo o samozadostnosti umetnosti, kažejo na njeno sposobnost, da z lastnimi sredstvi ustvari nekakšno novo realnost. Kandinski je bil tako v praksi kot v teoriji najbolj odločen in dosleden od tistih, ki so se takrat približali meji, ki ločuje figurativnost od abstrakcije. Nejasno vprašanje, kdo je prvi prestopil to mejo, ni bistveno, saj v prvih letih XX. najnovejši trendi v evropski umetnosti so se približali tej meji in vse je kazalo, da se bo prevrnila.

Abstrakcija, v nasprotju s splošnim prepričanjem, ni stilistična kategorija. Ta specifična oblika likovne umetnosti spada v več smeri. Geometrijska abstrakcija, lirična abstrakcija, gestualna abstrakcija, analitična abstrakcija in bolj specifični trendi, kot so suprematizem, aranformal, nuažizem itd.

Slogi abstraktne umetnosti so sestavljeni iz istih slogovnih elementov kot slogi figurativne umetnosti. To dokazuje predvsem dejstvo, da je enobarvna slika - platno, prebarvano v enem tonu - v enakem nevtralnem odnosu do sloga kot absolutno naturalistična figurativna podoba. Abstraktno slikarstvo je posebna vrsta vizualne dejavnosti katerih funkcije so primerjali s funkcijami glasbe v zvočnem prostoru.

Pospeševanje spreminjanja estetskih stališč v umetnosti izvira iz revolucionarnih preobrazb v kulturi, znanosti in tehnologiji 20. stoletja. V umetnosti so novi trendi opazni že v prvi polovici 19. stoletja. V tem času je v evropskem slikarstvu opaziti tako izboljšanje naturalistične tehnike (J. Ingres, J.-L. David, T. Chasseriot) kot vse večjo težnjo po konvenciji (C. Corot, E. Delacroix, F. Goya) ; slednje je še posebej izostreno v angleškem slikarstvu - pri R. O. Boningtonu in predvsem W. Turnerju, katerega slike Sonce vzhaja v megli(1806), Glasbeni večer(1829-1839) in nekatera druga dela predstavljajo najbolj drzne posploševanja, ki mejijo na abstrakcijo. Bodimo pozorni na obliko, pa tudi na zaplet enega njegovih zadnjih del - Dež, para, hitrost, ki prikazuje parno lokomotivo, ki dirka skozi meglo in tančico dežja. Ta slika, naslikana leta 1848, je najvišje merilo konvencije v umetnosti prve polovice 19. stoletja.

Od sredine XIX stoletja. slikarstvo, grafika, kiparstvo se nanašajo na tisto, kar je neposredni podobi nedostopno. Vse intenzivneje se razvija iskanje novih vizualnih sredstev, načinov tipkanja, povečanega izražanja, univerzalnih simbolov in stisnjenih plastičnih formul. Po eni strani je to namenjeno prikazovanju notranjega sveta človeka - njegovih čustvenih psiholoških stanj, po drugi strani pa posodabljanju vizije objektivnega sveta. V 1900-ih je odkritje - najprej v Španiji, nato pa v Franciji - primitivne in nekoliko kasneje tradicionalne (»primitivne«) umetnosti drastično spremenilo predstavo o pomenu konvencionalnih oblik v vizualni umetnosti.

Stanje, v katerem je umetnost v tem času, lahko imenujemo permanentna estetska revolucija; glavni dogodki se odvijajo v Franciji. Univerzalna mednarodna razstava leta 1900 v Parizu, na aveniji Nikolaja II., je bila prva uradna razstava, ki je vključevala dela takrat še "škandaloznih" umetnikov: E. Maneta, C. Moneta, O. Renoira in drugih impresionistov, kot npr. pa tudi P. Gauguin in II .Cezanne. Leta 1904 je najnovejša francoska slika, prikazana v Nemčiji, naredila osupljiv vtis na nemške umetnike in je bila spodbuda za ustanovitev mladinske zveze, v katero so bili vključeni bodoči slavni ekspresionisti: E. L. Kirchner, K. Schmidt-Rottluff in drugi.

Od leta 1905 do 1910 je v zahodnoevropski umetnosti potekala dosledna »dekonstrukcija« klasičnega slikovnega sistema, korenita sprememba estetskih stališč. Potem ko je impresionizem - prvič v zgodovini umetnosti - uvedel strukturne (neslogovne) spremembe v slikarstvo, francoski fauvisti in nemški ekspresionisti spremenijo svoj odnos do barve, risbe, ki končno izhaja iz podrejenosti naravi. Kubizem potem slikarstvo osvobodi pripovedne pripovedi.

Če slikarstvo, tako kot druge umetnosti, ni toliko prikaz mojstrstva - ustvarjanja dela, kot način samoizražanja, je treba abstraktno umetnost prepoznati kot najnaprednejšo stopnjo vizualne dejavnosti. Ta "vzpon" prikazuje ustvarjalno evolucijo pionirja abstrakcionizma - Kandinskega, ki gre skozi številne faze, vključno z akademsko risbo in realističnim krajinskim slikanjem, preden vstopi v prosti prostor barv in črt. Abstraktna kompozicija je zadnja, molekularna raven, na kateri slikanje še slika. Nadalje - razpad.

"Dokaz mojega bitja," pravi eden od sodobnih umetnikov, "ni moje ime, moje telo - izginila bodo v ocean časa, ampak fikcija, ustvarjanje videza" (Francllin C. Jean Le Gac. Cit. od: Millet C. ... Minsk, 1995, str. 235).

Ustvarjalnost je najbolj intimna, pristna pot samopotrditev, ki ga človek nujno potrebuje. Ta potreba zajema vse večje množice ljudi (kar dokazuje zlasti vse bolj kruti načini kolektivnega in individualnega uveljavljanja njihove pristnosti).

Abstraktna umetnost je najbolj dostopen in plemenit način za zajemanje osebnega bitja in to v obliki, podobni faksimilu. Hkrati gre za neposredno uresničitev svobode.

V Združenih državah se vzpon abstraktne umetnosti začne sredi štiridesetih let prejšnjega stoletja. Prve opazne osebnosti v tem času so bili poleg učenca P. Mondriana J. Pollocka B. Diller, M. Tobey, B. W. Tomlin, A. Gorky. Med tistimi, katerih delo je pozneje vplivalo na evropsko slikarstvo - B. Newman, M. Rothko, F. Klin, R. Rauschenberg, W. Kuning, A. Reinhardt.

Eden prvih povojnih francoskih abstrakcionistov, ki je sprejel pouk ameriškega slikarstva, je bil P. Soulage. Njegova ne najboljša dela spominjajo na ekspresivne abstrakcije F. Klina. Dela G. Hartunga so bližje prvotnemu viru evropske abstrakcije – Kandinskemu. Med evropskimi umetniki, ki so v povojnih letih samostojno prišli do abstrakcionizma, so J. Fhotrier, J. Mathieu, J.-P. Riopelle, J. Capogrossi, M. Esteve, A. Lanskoy, S. Polyakov, R. Bissière in J. Bazin. V povojnih letih sta bila v Franciji zlasti vplivna J. Bazin in R. Bissière. Slika N. de Staela je preživela vse in še naprej raste v vrednosti in priljubljenosti, omahuje, tako kot slika Bissière in deloma Bazina, na tanki meji med popolno abstrakcijo in kančkom figurativnosti.

Leta 1950 se je v Parizu pojavila prva delavnica, v kateri umetnika J. Devan in E. Pilet učita mlade, da se znebijo realistične vizije, ustvarijo sliko z izključno slikovnimi sredstvi in ​​v kompoziciji uporabijo največ tri tone, saj »barva določa obliko« (treba si je prizadevati, da bi našli točno barvo). V zgodnjih 50-ih je A. Matisse ustvaril abstraktne kompozicije. Abstraktna slika Devana Apoteoza Marata(1951) je bil sprejet z velikim navdušenjem. Kritiki so zapisali, da to ni le intelektualni portret ognjene tribune, ampak poleg tega »praznovanje čiste barve, dinamična igra krivulj in ravnih linij«, »ta stvar je dokaz, da abstrakcija ne izraža le duhovnih vrednot, ampak tudi figurativna umetnost, se lahko nanaša na zgodovinske in politične dogodke."

V zgodnjih 50. letih je v Franciji postala priljubljena "lirična abstrakcija" J. Mathieuja. Ima izjavo, ki odraža nov pristop k umetnosti: »Zakoni semantike delujejo po načelu inverzije: ker je stvar dana, se zanjo išče znak, če je znak podan, se uveljavi, če najde nekaj utelešenega." Se pravi, najprej se ustvari znak, nato se išče njegov pomen. V klasični umetnosti pomen išče utelešenje (predvsem označeno).

V zgodnjih 50. letih se v newyorški galeriji Betty Parson, kjer so bila v poznih 40. letih prvič razstavljena dela Hansa Hoffmana in J. Pollocka, pojavita nova imena - Barnet Newman in Robert Rauschenberg.

Stilistika ameriške abstrakcije 50-ih je drugačna preprosta geometrija: B. Diller, A. Reinhardt, W. Kuning, F. Klin, M. Rothko, B. Newman, R. Rauschenberg (izjema - A. Gorky, delno M. Tobey in A. Gottlieb). Ta slog je povezan z newyorško šolo, ki je nenadoma pridobila mednarodno slavo.

Umetnost je bila tako ali drugače vedno sredstvo samoizražanja. Človek, ki se posredno vtisne v normativne strukture Velikih stilov v novem času, si takšne strukture ustvarja.

Z izhodom v abstrakcijo je ustvarjalna oseba dobila svobodo. Nepopravljeni drugje postanejo črta, barva, tekstura avtorjev faksimilni tisk. Teoretično nič ne preprečuje vtiskanja osebe v plastične, grafične, slikovne projekcije, v katerih kako in NS zlijeta skupaj (»Moja risba je neposredno in najčistejše utelešenje mojih čustev,« pravi Matisse. L "Aventure du XX siecle... Pariz, 1998. str. 511).

Po drugi strani pa mera odtujenosti, ki jo dopušča abstrakcija, presega vse, kar je obstajalo prej. Slikovit konstruktor suprematizma predpostavlja zadovoljevanje estetskih potreb, ki jih po svojih zmožnostih še ni bilo.

Abstrakcija kot stilotvorni dejavnik neskončno širi možnosti za utelešenje dveh nasprotnih esenc - edinstvenega in univerzalnega. Besedila, umetniška dela vseh časov pričajo, da je avtor v takšni ali drugačni meri vedno govoril o sebi, a še vedno nikoli tako premišljeno in odkrito kot v 20. stoletju.

V seštevku dejavnikov (iznajdba fotografije, znanstvene in kvaziznanstvene teorije barve in svetlobe itd.), ki so v sodobnem času določili glavni vektor sprememb v umetnosti – gibanje od naturalizma k abstrakciji, je na prvem mestu zaseda individualizacija ustvarjalnosti – njena preobrazba v neposredno projekcijo osebnosti.

Neposredna projekcija temperamenta - slikanje s kretnjami - se rodi v Ameriki. Zmaga nove umetnosti v Ameriki se morda zdi nepričakovana, če se spomnimo ogorčenja Američanov, ki so leta 1913 prvič videli veliko razstavo evropske avantgarde. V vojni in povojnih časih so se Američani lahko prepričali, da so naložbe v umetnost zanesljive in donosne. Kdor je pravočasno spoznal donosnost sodobne umetnosti, je dobil priložnost, da postane pravljično bogat (Peggy Guggenheim, Betty Parson itd.). Skoraj vsi klasiki evropske avantgarde so se med vojno v ZDA znašli v položaju emigrantov. Najbolj znan ameriški abstrakcionist je Pollock, Mondrianov študent, njegov uspeh pa je uspeh galerije Betty Parson.

V zgodnjih šestdesetih letih se je abstraktna umetnost iz Amerike v Evropo vrnila v prenovljeni obliki. »To postane odkritje,« piše C. Millet, »za tiste, ki še niso povsem razvili svojega umetniškega kreda ... Najprej se abstraktna umetnost (najpogosteje ameriška) preučuje iz reprodukcij«. »Devad duhovito ugotavlja, da je imel dostop do ameriškega slikarstva le preko fotografij revije Artforum, za svoje delo je izbral format poštne znamke, medtem ko Vialla, nasprotno, misli, da Jackson Pollock uporablja velik format, vse bolj povečuje Le redki, kot sta Devad ali Buren in Parmentier, so lahko videli ameriško slikarstvo na lastne oči" (Millet K. Francoska sodobna umetnost... Minsk, 1995, str. 156).

Prve razstave ameriškega slikarstva v Parizu so bile organizirane v zgodnjih 60. letih, najbolj reprezentativna, The Art of Reality (1968), nameščena v Grand Palaisu, je bila v celoti posvečena abstraktni ameriški umetnosti. Ameriški vpliv na evropsko umetnost sega v čas hladne vojne. V teh desetletjih horizontalno organizirana demokratična struktura togo nasprotuje vertikalno organizirani komunistični. Abstraktna antinormativna umetnost – v veliki meri zaradi zavračanja v ZSSR – postaja simbol svobodne ustvarjalnosti, ki nasprotuje figurativnemu normativnemu »socialističnemu realizmu«. Med hladno vojno je centralizirana struktura - ne nujno leva ali desna - povezana z idejo zatiranja posameznika za intelektualca. Na državni ravni so utelešenje idealno organizirane strukture velikanske vojne pošasti, ki si nasprotujejo in grozijo s smrtjo vseh živih bitij. Morda so tu podzavestni izvori novih trendov v abstraktni umetnosti – trend razgradnje, decentralizacije. Ti občutki so utelešeni v ameriškem celotnem slikarstvu, ki ukine kompozicijo okvirja slike in sliko spremeni v pisano polje ali samo naslikano površino (Color Field, Hard Edge, Minimal Art).

Policentrično stanje umetniškega prostora predpostavlja avtonomen obstoj močne ustvarjalne osebnosti, ki je sama sposobna uveljaviti svoj individualni slog, metodo, smer (spomnimo se, da so bili v 50. letih še vedno največji mojstri prvega ešalona avantgarde). delo - A. Matisse, A. Derain, J. Braque, P. Picasso in drugi).

V drugi polovici 50-ih let se je pojavila prva abstraktna skulptura, opremljena z "elektronskimi možgani" - Cysp I Nikola Schöffer. Alexander Calder po uspešnih mobilnikih ustvari lastne stabilizatorje. Pojavilo se je eno izmed izoliranih področij abstrakcionizma - op-art.

Hkrati so se skoraj istočasno v Angliji in ZDA pojavili prvi kolaži, ki so uporabljali oznake masovnih izdelkov, fotografije, reprodukcije in druge podobne predmete novega sloga pop arta. V tem ozadju se zdi uspeh skromnega ekspresionista Bernarda Buffeta nepričakovan. Njegov slog (določenost oblik, uravnotežena kompozicija) je v korelaciji s takšnimi pojavi, kot so Ikarjev padec Picasso v Unescovi palači, abstraktna platna F. Hundertwasserja, monumentalni slog K. Klapeka, enobarvne zasnove M.E. Viera da Silva.

Eden prvih poskusov strukturne analize postklasičnega umetniškega ustvarjanja pripada Umbertu Ecu. Slikarstvo s gestami J. Pollocka po Ecovem mnenju gledalcu pušča popolno svobodo interpretacije. Eco tako slikanje primerja z "mobili", pomenskimi igrami poezije in glasbenih skladb poznih 50. let prejšnjega stoletja, Eco skuša ugotoviti skupno strukturo "svobodne eksplozije" zanje, v kateri je po njegovem mnenju "fuzija elementov, podobno kot v najboljšem primeru uporablja tradicionalna poezija, ko se zvok in pomen združita konvencionalni pomen zvoka in čustvene vsebine. Ta fuzija je tisto, kar zahodna kultura šteje za značilnost umetnosti: estetsko dejstvo, «piše ​​Eco U. L "Oeuvre ouverte... Pariz, 1965. Cit. na: L "Aventure de l" art au XX-e siecle... Pariz, 1988. str. 597).

Umetnost 60. let je eksplozija inovativnosti in dokončno priznanje muzejev različnih netradicionalnih pojavov, ki so se pojavili v 50. letih.

Slavna newyorška slikarska šola, ki je v 50. letih postala najvišja avtoriteta na svojem področju, se je začela s pozivom k abstrakciji njenih ustanoviteljev: J. Pollocka, M. Rothka, W. Kuninga. Do druge polovice 40-ih je ameriško slikarstvo ostalo nepomembno. Njen provincializem in konzervativnost nista vsebovala nič posebnega, razen določene zadržanosti, hladnosti in asketizma. Kasneje je ta zapuščina puritanizma našla pot v slogu abstraktnega ekspresionizma.

Poleg naštetega ameriško slikarstvo 50. let predstavljajo še imena B. Dillerja, A. Reinhardta, M. Tobeya, BW Tomlina, K. Steelea, F. Klina, A. Gottlieba, B. Newmana, G. Hoffman, J. Albers, R. Crawford. Z izrazito razliko v smereh in individualnih manirah ameriško slikarstvo 50. let izkazuje jasnost, gotovost, nedvoumnost in samozavest. Včasih - z nekaj odvečnosti - prevzame agresiven značaj. Umetniki te generacije vedo, kaj hočejo, so prepričani vase in togo uveljavljajo svojo pravico do samoizražanja.

V slikarstvu 60-ih let iz tega obdobja ostaja najmanj agresivna, statična oblika - minimalizem. Ustanovitelj ameriške geometrijske abstrakcije Barnet Newman in v še bolj očitni obliki A. Lieberman, A. Held, K. Noland, pa tudi B. Diller nekoliko prej, uspešno razvijajo ideje neoplasticizma in suprematizma.

Novi trend v ameriškem slikarstvu, imenovan "kromatska" ali "post-slikarska" abstrakcija, izhaja iz obzorja fovizma in postimpresionizma. Togi slog, poudarjeni ostri obrisi del E. Kellyja, J. Jüngermanna, F. Stelle se postopoma umikajo slikanju kontemplativnega melanholičnega skladišča.

Slog Helen Frankenthaler, Maurice Louis, odlikujejo mehke konture, subtilni barvni odtenki, nedoločni obrisi. V register zaobljenih oblik gre tudi geometrijska abstrakcija (A. Lieberman, A. Held).

Ameriško slikarstvo 70. let se vrača k figurativnosti. Verjame se, da so sedemdeseta leta za ameriško slikarstvo trenutek resnice, ki je osvobojeno evropske tradicije, ki ga je spodbujala, in postane čisto ameriški. To, kar se dogaja, izgleda takole, če le upoštevamo, da je abstrakcija tuja ameriškemu "nacionalnemu duhu". Indikativno je, da protesti proti abstraktni umetnosti, v bistvu kozmopolitski, pripadajoči svetovni civilizaciji, praviloma izhajajo in izhajajo iz kolektivističnih ideologij, ki zatirajo posameznika.

Z vidika nenehne transformacije sloga (od toge geometrije do biomorfizma) je treba stalne spremembe razlagati, nasprotno, kot odmik od temeljnih puritanskih vrlin - asketizma, odločnosti, trdnosti, gotovosti.

Menijo, da je ameriško slikarstvo 70. let bolj "dušno" kot "duhovno". »Slikarstvo sedemdesetih,« piše Barbara Rose, »je pravzaprav ne le bolj raznoliko, bolj heterogeno in pluralistično kot slikarstvo šestdesetih, ampak je tudi bistveno bolj intimno, poetično in bolj osebno. Slikarstvo je ponovno napolnjeno z edinstveno in subjektivno vsebino «(Rose B. La peinture americaine le XX ciecle... Pariz-Zürich, 1992. str. 126).

V slikarstvu 80-ih vidijo skoraj popolno "vrnitev k estetiki realistične umetnosti". A kljub vrnitvi tradicionalnih oblik, od portreta k zgodovinskemu in žanrskemu slikarstvu, ni izginilo nič, kar se je pojavljalo v preteklih desetletjih. Ni premagana abstrakcija, ampak njena kanonizacija, prepovedi figurativne umetnosti, »nizkih« žanrov, družbenih funkcij umetnosti.

Hkrati slog abstraktnega in abstraktno-figurativnega slikanja pridobi mehkobo, ki je bila prej odsotna - racionalizacija volumnov, zamegljenost kontur, bogastvo poltonov, subtilne barvne odtenke (prim. dela E. Murrayja, G. Stephena , L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Byalobroda). Togi slog ne izgine popolnoma; prehaja v ozadje in še naprej obstaja v delu geometrijov in ekspresionističnih umetnikov starejše generacije (H. Buchwald, D. Ashbaug, J. Gareth in drugi).

Slikarstvo kot sredstvo samoizražanja ni slabše od glasbe v utelešenju "neizrekljivega" in je po potrebi lahko bolj specifično kot beseda. Slikarstvo, ki ima v vsem svojem obsegu risarska sredstva in plastične možnosti kiparstva, poustvarja iluzijo prostora resničnega in fantastičnega, bistveno presega kiparstvo v možnostih manipulacije volumnov, ima slikarstvo svoje edinstveno sredstvo – barvo.

Barvne možnosti, ki so jih razkrili francoski impresionisti, so se s sprostitvijo slikarstva v abstrakcijo razširile še širše. Mnenje, da je slikanje danes anahronizem, obstaja zato, ker je naše stoletje doba glasbe, pa tudi zato, ker si pri razmišljanju o slikarstvu predstavljamo napeto platno, napeto na nosila, prekrita s plastjo barve in laka - neke vrste muzejski eksponat. .. A slikarstvo je proces, svet odprtih možnosti – zamrznjenih trenutkov, pojavljanja hrepenljivih podob, pustolovščin, soočenja, razmišljanj, osvoboditve odvečnosti, zapolnjevanja pomanjkljivosti, je dejanje samopotrjevanja in neposredna projekcija intuicija, dokaz mojstrstva in možnosti odkritij. To še posebej dobro vedo tisti, ki imajo srečo, da so vstopili v svet abstraktnega slikarstva, da svobodno izkoristijo to priložnost.

VASILY KANDINSKY. PORTRET ŽENE NINE WILLEM DE COUNING. ABSTRAKCIJA

Seuphor M. Dictionaire de la peinture abstraite... Pariz, 1957
Ponente N. Sodobna slika. Tendences contemporaines... 1940-1960. Skira, 1960
Vallier D. L "umetnostni abstrat... Pariz, 1967
Umetnost 1998. Chicago na pomolu Navy Pier... Chicago, 1998

Poiščite "ABSTRAKCIJA" na

(iz lat. abstractiо - odvračanje pozornosti), neobjektivna umetnost, ena najvplivnejših umetniških smeri 20. stoletja, ki je nastala na začetku. 1910 V središču ustvarjalne metode abstrakcionizma je popolna zavrnitev "življenjskega", ki prikazuje oblike resničnosti.

Abstraktna slika temelji na razmerjih barvnih lis, črt, potez; skulptura - na kombinacijah volumetričnih in ravnih geometriziranih oblik. S pomočjo abstraktnih konstrukcij so umetniki želeli izraziti notranje zakonitosti in intuitivno dojeti bistva sveta, Vesolja, skrite za vidnimi oblikami.

Malevič Kazimir. Suprematizem

Zdi se, da geometrijski elementi, pobarvani s primarnimi barvami, lebdijo, obešeni s platna. Malevich je ustvaril kompleksno kompozicijo prekrivajočih se oblik, da prenese občutek globine in perspektive. Suprematistično delo izloči vsako sled subjekta, pri čemer se zanaša samo na interakcijo oblike in barve. Malevič je bil ustanovitelj suprematizma, sistema, ki je želel doseči absolutno čistost teh dveh principov. Za Maleviča je suprematizem pomenil utelešenje čistega umetniškega občutka, ki ga je imenoval "občutek nesmiselnega". Leta 1918 je razvoj nefigurativne umetnosti pripeljal do logičnega zaključka v seriji kompozicij "Belo na belem", sestavljenih iz belih geometrijskih oblik na belem ozadju - nekakšne abstrakcije abstrakcij. Zavedajoč se, da koncepta ni več kje razvijati, se je Malevič vrnil k figurativnemu slikarstvu.

K. S. Malevič. "suprematizem". 1915 Državna Tretjakovska galerija. Moskva

Malevich "Dinamični suprematizem "

K.S. Malevich. Suprematizem (Supremus št. 56). 1916. H., M. 80,5x71. Državni ruski muzej. St. Petersburg

Za datum rojstva abstraktne umetnosti se šteje leto 1910, ko je V.V. Kandinskega je v Münchnu razstavil prvo abstraktno delo v zgodovini umetnosti (akvarel) in napisal razpravo »O duhovnem v umetnosti«, v kateri je svojo ustvarjalno metodo utemeljil z odkritji znanosti.

Vasilij Kandinski. kozaki

V tej napol abstraktni, nerazložljivo privlačni kompoziciji so obrisi hribov in figure kozakov s sabljami vključeni v gibanje abstraktnih oblik, linij in barvnih madežev. Posebna lepota je v preprostosti konstrukcije in neverjetni sproščenosti v načinu nanosa čopiča. Kandinski je verjel, da si pravi umetnik prizadeva izraziti izključno notranjo, bistveno vizijo. Po diplomi iz prava je Kandinsky kmalu spoznal, da je njegov pravi poklic umetnost, in postal eden izjemnih pionirjev "čistega" abstraktnega slikarstva. Po dolgem bivanju v Münchnu se je vrnil v Rusijo, kjer se je v letih 1914-1922 ukvarjal s poučevanjem, ustanovil Rusko akademijo umetnosti. Vpliv ruske kulture se je odražal v njegovih apelih na ikonopis, na motive ljudske umetnosti. Nekaj ​​časa je poučeval na Bauhausu, priznani šoli modernega oblikovanja. Kandinski je spoznal pomen abstraktne umetnosti, ko je v njej odkril »izjemno lepoto, ki izžareva notranjo svetlobo«, pri čemer se še ni zavedal, da je to luč njegovega lastnega dela, gledano od znotraj, v obratni perspektivi. V. Kandinski je ustvaril svoj tip abstraktnega slikarstva, ki je osvobodil madeže impresionistov in "divjaka" vseh znakov objektivnosti.

Kandinskega "Skladba številka 8"

Kmalu postane abstrakcionizem močno gibanje, znotraj katerega se pojavljajo različne smeri: lirična abstrakcija (slike Kandinskega in mojstrov poenotenja "Modri ​​jezdec" s tekočimi, »glasbenimi« oblikami in čustveno izraznostjo barv) in geometrijsko abstrakcijo (K. S. Malevich, NS. Mondrian, deloma R. Delaunaya, katerega kompozicije temeljijo na kombinacijah elementarnih geometrijskih likov: kvadratov, pravokotnikov, križev, krogov). Združenje Blue Rider sta decembra 1911 v Münchnu ustanovila Wassily Kandinsky in Franz Mark. Glavni cilj je bila osvoboditev od fosilnih tradicij akademskega slikarstva. Poleg njih so bili v skupini še August Macke, Marianna Verevkina, Alexey Yavlensky in Paul Klee. Pri delu te umetniške skupine so sodelovali tudi plesalci in skladatelji. Združevalo jih je zanimanje za srednjeveško in primitivno umetnost ter gibanja tistega časa - fovizem in kubizem.

August Macke in Franz Marc sta menila, da ima vsak človek notranjo in zunanjo percepcijo realnosti, ki jo je treba združiti skozi umetnost. To idejo je teoretično utemeljil Kandinski. Skupina je želela doseči enakopravnost vseh oblik umetnosti.

Glavna ideja združitve je bila zavrnitev kakršne koli objektivnosti v umetnosti. Kandinski je zapisal: "Umetnost" ne bi smela "ničesar, ker je večna, svobodna. Umetnost beži od" bi morala "kot dan od noči" 2. Zdaj so bile umetnikove misli izražene s podobo ne zunanjega videza predmetov, temveč njihove notranje vsebine. Udeleženci "Modrega jezdeca" so menili, da je glavni cilj svoje umetnosti prenesti na občinstvo živčno napetost, ki so jo sami doživeli.

Piet Mondrian je do svoje nesmiselnosti prišel skozi geometrijsko stilizacijo narave, ki so jo začeli Cézanne in kubisti. Modernistični tokovi 20. stoletja, usmerjeni v abstrakcionizem, popolnoma odstopajo od tradicionalnih načel, zanikajo realizem, a hkrati ostajajo v okvirih umetnosti. Zgodovina umetnosti s prihodom abstrakcije je šla skozi revolucijo. Toda ta revolucija ni nastala po naključju, ampak povsem naravno in jo je napovedal Platon! V svojem kasnejšem delu Fileb je pisal o lepoti linij, površin in prostorskih oblik samih, neodvisno od kakršnega koli posnemanja vidnih predmetov, od kakršnega koli mimezisa.Ta vrsta geometrijske lepote v nasprotju z lepoto naravnih »nepravilnih« oblik , po Platonu, nima relativnega, ampak brezpogojnega, absolutnega značaja.

Mondrian Peet. Sestava

V tej geometrijski kompoziciji črna rešetka močno secira ozadje; nekatere njegove celice so napolnjene s svetlimi primarnimi barvami. Mondrian je razvil slogovni sistem, ki je izključil tridimenzionalni prostor in ukrivljene obrise. Umetnik je svoje slike zgradil iz najpreprostejših elementov - ravnih linij in primarnih barv, ki jih je premikal po površini platna, dokler ni dosegel popolnega kompozicijskega ravnovesja. Njegov cilj je bil ustvariti strogo, objektivno umetnost, katere zakoni odražajo strukturo vesolja. Čiste linije in barve pričajo o pripadnosti te slike smeri "Slog", katere vodilni predstavnik je bil Mondrian. Potem ko je leta 1938 zapustil rodno Nizozemsko, je odšel v London, kjer je bila njegova delavnica kmalu uničena zaradi bombnih napadov. Dve leti pozneje se je Mondrian preselil v New York. Tu so njegove skladbe postale bolj barvite in odražajo burne ritme življenja v deželi Broadway in boogie woogie.

Delone Robert. Poklon Bleriotu

V tej kompoziciji, ki se na prvi pogled zdi abstraktna, vrtinčaste spirale in vrteči se barvni diski tvorijo nekakšen lirični vzorec na površini lista papirja. Ob natančnejšem pregledu na desni opazimo Eifflov stolp, na levi pa krila in propeler letala. Ti elementi v kombinaciji z oblikami, ki lebdijo na nebu, so namenjeni praznovanju prvega poleta čez Rokavski preliv, ki ga je izvedel Louis Bleriot leta 1909. Umetniki so se pogosto zatekali k papirju, da bi skicirali svoje ideje in razvili kompozicije. Ta akvarel je predhodna skica za velik istoimenski kolaž, ki je v Kunstmuseumu v Baslu. Delaunay je uporabljal barvo za ustvarjanje čisto abstraktnih slik: oblike in podobe v njih je ustvarila domišljija in niso imeli nič skupnega z vidnim svetom. Ta slog slikanja, tesno povezan z glasbo, se je imenoval orfizem, izraz, ki ga je skoval pesnik Guillaume Apollinaire.

Malevičevo programsko delo je bil njegov znameniti "Črni kvadrat" (1915). Umetnik je svojo metodo imenoval suprematizem (iz latinščine supremus - najvišji). Želja po ločitvi od zemeljske resničnosti ga je pripeljala do fascinacije nad vesolje (Malevič je bil eden od avtorjev znamenite igre "Zmaga nad soncem"). Umetnik je svoje abstraktne kompozicije poimenoval "planiti" in "arhitektoni", ki simbolizirajo "idejo svetovne dinamike".

F. Mark. "Bojni obrazci". 1914 Nova Pinakoteka. München

Na začetku. 20. stoletje abstrakcionizem se je razširil v mnogih zahodnih državah. Leta 1912 se je na Nizozemskem rodil neoplastizem. Ustvarjalec neoplasticizma P. Mondrian je skupaj s T. van Doosburgom ustanovil skupino De Stijl (1917) in revijo pod istim imenom (izhajala do 1922).

Van Doosburg Theo. Aritmetična sestava

Občutek gibanja in perspektive ustvari niz prodornih črnih kvadratov na belem ozadju. V resnici je umetnik uporabil preprost matematični izračun - stranice vsakega kvadrata in razdalja med njimi sta enaki polovici mer prejšnjega kvadrata. Umetnik je ustvaril metaforo prostora, ki je popolna v svoji prefinjenosti. Uporaba zakonov, izposojenih iz točnih znanosti, je ustrezala njegovi posebni privlačnosti do arhitekture. Van Doesburga je močno navdušilo delo umetnika Pieta Mondriana, s katerim je leta 1917 ustvaril revijo "Style" ("De Stijl"), v kateri je predstavil ideje in dela mojstrov istoimenskega ustvarjalnega združenja. Med formalne tehnike slikanja skupine "Style" je lokalno zapolnjevanje geometrijskih figur, postavljenih na nevtralno ravnino s čistimi barvami, ki tvorijo osnovo spektra. Koncept "Slog" je razvil in podrobno opisal Van Doosburg v številnih člankih in predavanjih, slogovne tehnike te umetnosti pa so našle široko uporabo v arhitekturi 20. stoletja.

»Človeško načelo« je bilo popolnoma izgnano iz njihove umetnosti. Člani skupine De Stijl so ustvarili platna, kjer so površine, obložene z mrežo linij, tvorile pravokotne celice, napolnjene s čistimi enotnimi barvami, ki so po Mondrianu izražale idejo čiste plastične lepote. Želel je ustvariti sliko "brez individualnosti" in ima zato "svetovni pomen".

V letih 1918-20. v Rusiji je nastala na podlagi idej suprematizma konstruktivizem, ki združuje arhitekte (K.S. Melnikov, A.A. Vesnin in drugi), kiparji (V.E. Tatlin, N. Gabo, A. Pevzner), grafi ( El Lissitzky, A. M. Rodčenko).

Vladimir Tatlin. Spomenik III internacional

Ta nagnjena spirala, ustvarjena v obdobju političnega navdušenja, je bila zasnovana tako, da je dvakrat višja od newyorške Empire State Building in ima izmenično vrteči se osrednji del. Prostor je razdeljen na ločene predelke, ki so med seboj formalno povezani, kot deli v matematični enačbi. Tatlin je bil ustanovitelj konstruktivizma, gibanja v ruski avantgardi, ki je zraslo iz umetniških eksperimentov z abstrakcijo, pozneje pa se je usmerilo k utilitarnim nalogam. Bil je zagovornik ideje "umetnika-inženirja" in je videl glavno vlogo umetnosti pri zadovoljevanju družbenih potreb. Tatlin je ustvaril tudi vrsto visečih reliefnih struktur z uporabo izključno geometrijskih oblik in z uporabo najrazličnejših materialov, kot so les, kovina, steklo, žica. Tatlinova mojstrovina, simbol konstruktivističnih idealov, ki združuje kiparstvo in arhitekturo. Spomenik Tretji internacionali ni bil nikoli zgrajen. Reprodukcija narejena iz sodobne replike originalnega modela.

Gabo Naum. Linearna struktura v prostoru št. 2

Najlonska vrvica je ovita okoli dveh sekajočih se listov ukrivljenega pleksi stekla, da ustvarite zapleten 3D vzorec konkavnih in konveksnih gub. Ti deli, ki se pretakajo drug v drugega, ustvarjajo iluzijo njegovega neskončnega vrtenja okoli svoje osi, ki se dviga v absolutnem prostoru, kjer se čas ustavi. Del je bil zasnovan kot del trimetrske in nedokončane gradnje, ki jo je naročil Gabo leta 1949 za stavbo Esso v New Yorku. Gabo je pripadal konstruktivističnemu gibanju in je obliko dojemal kot metaforo prostora. Leta 1922 je zapustil rodno Rusijo, živel v Berlinu in Parizu, kasneje pa je postal državljan ZDA. Leta 1952 je ustvaril ogromno kiparsko kompozicijo za nakupovalno središče v Rotterdamu, kjer se je izkazal tudi njegov arhitekturni talent.

Lissitzky El. Sestava

Zdi se, da vrteči se geometrijski predmeti, pobarvani v nežnih barvah, lebdijo v zraku, ustvarjajo občutek globine in iluzijo prostora. Nekatere oblike so podane v treh dimenzijah in ta aluzija na arhitekturne volumne je razvita v kasnejših delih Lissitzkyja. V tem delu se v koncentraciji čiste oblike in barve kaže vpliv smeri abstraktne umetnosti, ki jo je izumil Kazimir Malevich - suprematizem, ki temelji na čistih geometrijskih figurah. Lissitzky je prejel inženirsko in arhitekturno izobrazbo. Marc Chagall ga je povabil, da poučuje arhitekturo in grafiko na umetniški šoli v Vitebsku; tu je prišel pod Malevičev vpliv. Znana serija "Prouns" Lissitzkyja so cikli abstraktnih del, ustvarjenih z ravnimi črtami. Ta dela odlikujejo presenetljive lastnosti in vseobsegajoča ravnost, brez kančka globine. Lissitzkyjevo delo je bilo večplastno: delal je tudi na plakatih, kostumografiji ter oblikovanju razstav in knjig.

Aleksander Rodčenko. Sestava (zmagovalna rdeča)

Trikotne oblike, ki se uravnovešajo na ozadju krogov, ustvarjajo tridimenzionalno iluzijo. kar je okrepljeno s senčenjem leve diagonale trikotnikov. Ploščate oblike so med seboj ločene z barvo. Slika, ki jo sestavljajo strogo geometrijske zasnove, narisane s šestilom in ravnilom, odraža umetnikovo željo po ustvarjanju elementarnih oblik s čistimi primarnimi barvami. Istega leta kot to delo je Rodčenko razstavil svoje znamenito delo Črno na črnem - odgovor na Malevičevo serijo Belo na belem. Rodčenkova želja po reduciranju slikarstva na abstraktne, geometrijske esence ga je potegnila v konstruktivistično gibanje. Pozneje je skupaj z drugimi člani skupine zapustil štafelajno slikarstvo zaradi oblikovanja in uporabne umetnosti. Posebej aktiven je bil na področju industrijskega oblikovanja, knjižne dekoracije in fotografije, pri čemer je pri slednji pogosto uporabljal nenavadne perspektive in zorne kote.

Bistvo smeri je začrtal Vesnin: "Stvari, ki jih ustvarjajo sodobni umetniki, naj bodo čiste konstrukcije brez balasta upodobitve." Pomembno vlogo pri razvoju konstruktivizma je imel Bauhaus, umetniško združenje, ki ga je leta 1919 v Nemčiji ustanovil arhitekt V. Gropius (P. Klee; V. V. Kandinsky, El Lissitzky itd.).

Klee Paul. Senechio

Poenostavljena slika človeškega obraza je razdeljena na barvne štirikotnike. Ploščate kvadratne oblike so vpisane v krog, ki predstavlja obraz maske in spominja na večbarvni kostum harlekina. Kot portret komika Senechia lahko sliko interpretiramo tudi kot simbol spreminjajočega se razmerja med umetnostjo, iluzijo in gledališčem. Slika prikazuje principe Kleejevega slikarstva, v katerem se linije risbe, ravnine barve in prostora poganjajo z energijo umetnikovega intelekta. Klee s temi črtami in črtami, ki jih navdihuje njegova domišljija, v svojem jeziku "povabi vrsto na sprehod." Od leta 1921 do 1931 je bil Klee eden najbolj briljantnih učiteljev na šoli za oblikovanje Bauhaus in objavil veliko del o teoriji umetnosti. Dve leti pozneje so ga nacisti izgnali iz Nemčije, več kot sto Kleejevih del pa je bilo umaknjenih iz nemških muzejev kot »degeneriranih«.

Leta 1930 je francoski kritik M. Seyfort v Parizu ustanovil skupino Circle and Square. Leta 1931 je bilo v Parizu združenje "Abstrakcija - ustvarjalnost", ki sta ga ustanovila izseljenca iz Rusije N. Gabo in A. Pevzner. Posebej radikalen je bil tašizem (iz francoskega tache - pega). Tašisti (P. Soulage, H. Hartung, J. Mathieu in drugi) so opravili brez čopičev. Na platno so škropili, škropili z barvo, nato pa se po njem razmazali ali teptali. Z barvami so mešali saje, katran, premog, pesek, razbito steklo, saj so verjeli, da barva umazanije ni nič manj lepa kot barva neba.

Pierre Soulages. Slikanje 16

Črne poteze, močno razporejene s širokim čopičem, se zlijejo v goste reliefne oblike. Dolge črne gmote, poudarjene s kratkimi bleščicami bele barve, dajejo sliki umirjeno monumentalnost. Edinstvena izvirnost slike je določena s skulpturalnostjo jasno razčlenjenih oblik in mojstrskim prenosom svetlobnih učinkov. Napet razpon prostega poteza čopiča, ki ustvarja močno abstraktno kompozicijo, je tipična značilnost gibanja Art Enformel. Rojen v jugozahodni Franciji. Soulages se je leta 1946 preselil v Pariz, kjer je začel delati na abstraktnih slikah, napolnjenih s spomini na prazgodovinske dolmene in romansko skulpturo njegovega rodnega Auvergna. Številne Soulagesove kompozicije temeljijo na mrežastih presečiščih širokih črt, v katerih se črna barva sije in lesketa na svetlem ozadju, kot v dobro oblečenem usnju. Na njegovih zadnjih slikah utori barve tvorijo reliefno površino.

Hartung Hans. T 1956/7

Mehko in bledo ozadje ima ostre in dramatične črne črte, ki se križajo in so zavezane v žemljico. Ta izrazna kaligrafska podoba, ki jo je ustvaril Hartung, je primer spontane umetnosti, znane kot "neformalna". Njegovo bistvo je v tem, da Hartung začne delati na praznem platnu, še nima koncepta dokončanega dela. Hartung, rojen v Nemčiji, se je leta 1955 naselil v Parizu in nato sprejel francosko državljanstvo. Postal je eden najbolj znanih francoskih abstraktnih umetnikov. Njegova izvrstna in značilna dela, ki običajno vključujejo kaligrafijo kot v kitajski umetnosti, običajno nimajo naslova in se razlikujejo le po številkah. Na začetku vojne se je Hartung pridružil francoski legiji tujcev.

Z izbruhom 2. svetovne vojne se je središče abstrakcionizma preselilo v ZDA (J. Pollock, A. Gorky, V. Kooning, Fr. Klein, M. Toby, M. Rothko). V šestdesetih letih prejšnjega stoletja. začel se je nov vzpon abstrakcionizma. Ta trend v umetnosti ostaja aktualen še danes, vendar ne zaseda več prevladujočih položajev, kot na začetku. 20. stoletje

Jackson Pollock. Številka 1A, 1948

Pollockov podivjani način brizganja in mazanja barve po platnu z močnimi, hitrimi udarci se je v tem platnu izkazal z neverjetnimi dokazi. Umetnik je z nožem in lopatico stiskal barve in jih razprostiral po platnu, napetem ob steni ali samo po tleh. Hodil je po platnu in sam je tako rekoč postal del slike. Pollockova globoko izvirna tehnika se je imenovala akcijsko slikanje. Radikalne inovacije, kot sta zavrnitev štafelajne postavitve platna in pomanjkanje tradicionalne perspektive, so pomenile pomemben mejnik v mednarodni povojni umetnosti. Pollock je povezan s slikarstvom abstraktnega ekspresionizma z energijo in svobodo izražanja. Pollockova manira ni tako spontana, kot se zdi na prvi pogled. Umetnik je dejal: "Želim izraziti svoja čustva, ne pa povedati o njih ... Lahko nadzorujem širjenje barve: v tem ni možnosti, tako kot ni začetka ali konca." Pollock je umrl leta 1956 v prometni nesreči.

Arshile Gorki. Slap

Na prvi pogled ta abstraktna slika temelji na podobi majhnega slapa v gozdu. Vzbuja živo predstavo toka vode, ki se preliva po skalah, obkrožen s previsnimi drevesnimi vejami in rastlinjem. Vibrirajoče barve dajejo vtis spokojne svetle sončne svetlobe in zvok padajoče vode. Lepota platna je v umetnikovi sposobnosti, da skozi podobe gozda in vode prenese občutek duševnega miru. Slika je napolnjena z magičnimi, sanjskimi motivi, značilnimi za nadrealistično gibanje, ki mu je bil umetnik v tem času blizu, čuti pa tudi vpliv spontane manire abstraktnega ekspresionizma. Gorky, rojen v Armeniji, je leta 1920 emigriral v ZDA. Eden od kritikov ga je označil za umetnika v izgnanstvu, ki mu je umetnost postala domovina. Gorky se je na svojih slikah pogosto obračal na podobe svoje domovine. Po letih revščine je dosegel kratkoročno priznanje, a se je obesil po hudi psihični travmi.

De Kooning Willem. Marilyn Monroe

Samo bistvo osupljive, vrtoglave lepote hollywoodskega zvezdnika – razstavljene lepote – je ujeto na tej sliki. Barvo smo nanesli s širokimi, močnimi potezami, plast za plastjo, ki je ustvarila sliko. Ta slika iz serije "Ženske" spada v eno od De Kooningovih neabstraktnih, figurativnih obdobij. Marilyn Monroe je tako kot drugi seksualni simboli bolj podobna predmetu kot osebi. Umetnik svojo junakinjo primerja z manekenko v izložbi in ji popolnoma odvzame erotično privlačnost. De Kooning je bil povezan s skupino abstraktnih ekspresionistov s sedežem v New Yorku. Ti umetniki so pripisovali velik pomen spontanemu slikanju - sami kretnji, s katero barva brizga na površino platna. Vendar se za razliko od večine drugih članov skupine De Kooning ni omejil na čisto abstrakcijo: njegova najljubša tema je bila človeška figura, zlasti ženska. V svojem ustvarjalnem razvoju je šel skozi različne stopnje, v sedemdesetih letih pa se je usmeril v figurativno kiparstvo.

Mark Toby. Belo potovanje

Kaotičen roj drobnih abstraktnih ikon in pomišljajev zapolnjuje površino papirja. Trepetajoči ritem tkanja pajčevine je značilen za Tobyjevo manir. Njegova prefinjena spretnost hitrega kurzivnega pisanja mu je prinesla široko priljubljenost med zbiratelji. Ta kompozicija je blizu slikarstvu abstraktnega ekspresionizma, zlasti Jacksonu Pollocku, vendar je očitno, da je Toby hodil samostojno, vzporedno pot. Nanj je močno vplivala daljnovzhodna kultura, kitajska kaligrafija; eden prvih med ameriškimi intelektualci se je začel zanimati za zen-budizem. V petdesetih letih prejšnjega stoletja je Toby pridobil mednarodno slavo kot eden najnaprednejših ameriških slikarjev. Njegov konstantno visok ugled v Evropi je podprl uspešni in vplivni švicarski trgovec Ernst Beisler.

Rothko Mark. Brez naslova

Zdi se, da v prostoru slike lebdijo pravokotne mase nasičenih barv. Njihove zamegljene konture ustvarjajo vibracije, napolnjene s skrivnostno magično močjo. V platno prodira nezemeljska svetloba, ki s svojim notranjim sijajem raztopi napetost oblik in barvnih kontrastov. Zadržana in hkrati polna skritega pomena, Rothkova dela vsebujejo neko resnico, sadove dolgih in težkih misli. Rothko je po rodu iz Rusije s starši leta 1913 emigriral v ZDA. Umetnik samouk je slikal predvsem velike slike. Prizadeval si je, da bi gledalca naredil sostorilca v izkušnji absolutne barve. Rekel je: »Pisam velike slike, ker želim doseči intimnost. Velika slika je takojšnja komunikacija; popolnoma te zajame." Rothko je bil vodilni predstavnik abstraktnega ekspresionizma. Njegove brezoblične kompozicije obujajo sam duh tega gibanja, ki je skušalo prodreti v nedosegljive skrivnosti človeške duše.

Na začetku dvajsetega stoletja se je v umetnosti pojavil nov trend - modernizem. Novi postulati so predvidevali opustitev nekaterih tradicij, beseda "preteklost je utesnjena" je postala modna in v dokaj kratkem času pridobila veliko občudovalcev. Vodilno vlogo v nenehnih spremembah je imel abstrakcionizem, ki je združil številne smeri, ki so nastali na podlagi modernizma, kot so futurizem, kubizem, ekspresionizem, nadrealizem in drugi. Abstrakcija v slikarstvu ni bila takoj sprejeta v družbi, a kmalu je novi slog dokazal svojo pripadnost umetnosti.

razvoj

Do tridesetih let dvajsetega stoletja se je potek abstrakcionizma okrepil. Ustanovitelj nove smeri v slikarski umetnosti je bil Vasilij Kandinski, eden najbolj naprednih umetnikov tistega časa. Okoli mojstra se je oblikovala cela galaksija privržencev, za katere je proces preučevanja stanja duše in notranjih intuitivnih občutkov postal osnova ustvarjalnosti. Umetniki so ignorirali realnost sveta okoli sebe in so svoja čustva izražali v abstraktni umetnosti. Nekatera platna prvih posvojiteljev novega žanra je bilo nemogoče razumeti. Abstrakcionistične slike običajno niso nosile nobenih informacij, nepripravljeni obiskovalci razstav in otvoritvenih dni pa so bili pogosto v izgubi. Takrat slikam ni bilo običajno pripisovati pripisov in vsak poznavalec slikarstva se je lahko zanesel le na lastno vizijo.

Mojstri in ustanovitelji

Med najvidnejšimi privrženci novega trenda so bili znani abstrakcionisti Vasilij Kandinski, Natalia Goncharova, Peter Mondrian, Kazimir Malevich, Mihail Larionov. Vsak od njih se je držal svoje smeri. Abstrakcijske slike, ki so jih izvajali znani umetniki, so postopoma postajale prepoznavne, kar je prispevalo k promociji nove zvrsti umetnosti.

Kazimir Malevich je deloval v glavnem toku suprematizma, pri čemer je imel prednost geometrijsko osnovo za samoizražanje. Dinamika njegovih kompozicij na platnu je izhajala iz navidez neurejene kombinacije pravokotnikov, kvadratov in krogov. Razporeditev figur na platnu je kljubovala vsakršni logiki, hkrati pa je slika dajala vtis strogo preverjenega reda. V umetnosti abstrakcije je dovolj primerov, ki si v bistvu nasprotujejo. Prvi vtis ob pogledu na sliko lahko človeka pusti ravnodušnega in čez nekaj časa se bo platno že zdelo zanimivo.

In Mihail Larionov je sledil smeri rayonizma, katerega tehnika je bila nepričakovano presečišče ravnih žarkov podobnih linij različnih barv in odtenkov. Barvita igra na sliki je bila očarljiva, fantastične kombinacije sekajočih se žarkov so se menjavale v neskončnih kombinacijah, platno pa je hkrati oddajalo tok energije.

tašizem

Abstraktna umetnika Delaunay in Kupka sta predstavila lastno umetnost. Največji učinek so poskušali doseči z ritmičnim presekom barvitih ravnin. Predstavniki tahizma, slikovne risbe, ki je nastala kot posledica kaotične uporabe velikih potez v odsotnosti ploskve, so na ta način izrazili svoj umetniški kredo. Oljna abstrakcija v slogu tahizma je najtežja, slikarstvo v tem žanru je mogoče zaznati v neskončnem številu interpretacij in vsaka bo veljala za pravilno, vendar zadnja beseda še vedno ostaja pri kritikih in umetnostnih zgodovinarjih. Hkrati pa sam slog abstrakcionizma nikakor ni omejen z nobenim okvirom ali konvencijami.

Neoplastizem

In če so bile slike primer nesmiselnosti, potem je nizozemski abstraktni slikar Peter Mondrian uvedel strog sistem interakcije velikih figur s pravimi koti, ki so se na platnu med seboj kontrastirale in hkrati na nek nerazumljiv način združile v eno. cel. Mondrianovo delo se imenuje "neoplastizem". Najbolj razširjena je postala v dvajsetih letih prejšnjega stoletja.

Čeh Frantisek Kupka je ustvaril slike, v katerih prevladujejo figure okroglih in zaobljenih, prisekanih krogov in krogov, odrezanih na eni strani, ki so se nenadoma nadaljevali s črnimi lomljenimi črtami, kar povzroča tesnobo in zaskrbljenost. Kupkova platna je bilo mogoče gledati ure in ure in v njih najti vse nove nianse.

Z ustvarjanjem svojih slik se abstraktni umetnik poskuša odmakniti od običajnih podob. Sprva so nepriznana nadrealistična dela Kandinskega, Maleviča, Mondiana in drugih pozneje povzročila burno razpravo med nasprotniki in občudovalci nove umetnosti.

Izraz

Druga v slikarstvu je ekspresionizem, način hitrega risanja na veliko platno s poudarjeno neogeometričnimi potezami, ki jih nanesemo s širokimi čopiči-piščali, medtem ko velike kapljice barve lahko naključno padajo na razširjeno platno. Izraz te metode je glavni in edini znak pripadnosti umetnosti.

Orfizem je ena od smeri francoskega slikarstva, ki se je razvila v dvajsetih letih prejšnjega stoletja. Umetniki, ki se držijo tega trenda, so skušali izraziti svoje težnje z ritmičnim gibanjem in pogojno muzikalnostjo, široko pa so uporabljali tehniko medsebojnega prodiranja barv in preseka kontur.

Pablo picasso

Za kubizem kot odsev abstrakcije v slikarstvu je značilna uporaba geometrijskih oblik, ki niso eksplicitno označene, vendar z določeno mero konvencije. Nepravilni krogi, črtkane črte, vogali in preponi - vse to bi lahko razporedili po določenem logičnem vzorcu in hkrati z očitno naključnostjo. Najsvetlejši predstavnik kubizma je bil in ostaja španski umetnik Pablo Picasso (1881 - 1973), ki se upravičeno šteje za prednika tega trenda v slikarstvu.

Eksperimenti z barvo (modro obdobje, roza obdobje) so se gladko spremenili v spreminjanje oblik, namerno deformacijo in uničenje narave. Kot primer takšnih slik lahko štejemo platno, naslikano leta 1907, ko se je abstrakcija v slikarstvu šele začela krepiti. Tako je Picassovo delo nekatere umetnike tistega časa pripeljalo do povsem novega žanra, ki je popolnoma zavrnil tradicije naturalizma in spoznavno vrednost likovne umetnosti.

Daljna preteklost

Slike abstraktnih umetnikov zgodnjega dvajsetega stoletja so naredile revolucijo v slikarstvu tistega obdobja, ob številnih trendih in smereh umetniške ustvarjalnosti so se pojavili mojstri čopiča, ki so lahko dokazali, da je abstrakcija povsem samostojna oblika. likovna umetnost, del kulture.

Sodobni abstrakcionizem

Trenutno je abstrakcionizem dobil nekoliko drugačne oblike, drugačne od tistih, ki so bile v času razcveta te precej kontroverzne zvrsti likovne umetnosti. Sodobni jezik abstrakcije so danes znani umetniki, kot so Andrej Pelikh, Valery Orlov, Marina Kastalskaya, Andrej Krasulin, ki vanj vlagajo ideje o duhovnem na ravni metafizike in uporabljajo tudi optične zakone v paleti belih odtenkov.

Največja barvna napetost je možna le v beli hipostazi, ta barva je osnova vseh temeljev. Poleg barvnega vidika je v sodobni abstrakciji tudi faktor pomenske obremenitve. Znaki in simboli, ki izhajajo iz globin zavesti, nosijo znake arhaizma. Abstraktni umetnik našega časa Valentin Gerasimenko v svojih slikah uporablja podobe starodavnih rokopisov in rokopisov, ki omogočajo široko interpretacijo teme daljne preteklosti.

Abstraktna umetnost (lat. abstractio- odstranitev, odvračanje pozornosti) oz nefigurativna umetnost- smer umetnosti, ki je v slikarstvu in kiparstvu zavračala upodabljanje oblik, ki so blizu realnosti. Eden od ciljev abstrakcionizma je doseči "harmonizacijo" z upodabljanjem določenih barvnih kombinacij in geometrijskih oblik, zaradi česar kontemplator začuti popolnost in popolnost kompozicije. Izjemne osebnosti: Vasilij Kandinski, Kazimir Malevič, Natalia Gončarova in Mihail Larionov, Piet Mondrian.

Zgodovina

Abstrakcionizem(umetnost pod znakom »nič form«, neobjektivna umetnost) je umetniška smer, ki se je pojavila v umetnosti prve polovice 20. stoletja, ki je popolnoma opustila reprodukcijo oblik realnega vidnega sveta. V. Kandinski velja za utemeljitelja abstraktne umetnosti. , P. Mondrian in K. Malevich.

V. Kandinski je ustvaril svoj tip abstraktnega slikarstva, ki je osvobodil madeže impresionistov in "divjaka" vseh znakov objektivnosti. Piet Mondrian je do svoje nesmiselnosti prišel skozi geometrijsko stilizacijo narave, ki so jo začeli Cézanne in kubisti. Modernistični tokovi 20. stoletja, usmerjeni v abstrakcionizem, popolnoma odstopajo od tradicionalnih načel, zanikajo realizem, a hkrati ostajajo v okvirih umetnosti. Zgodovina umetnosti s prihodom abstrakcije je šla skozi revolucijo. Toda ta revolucija ni nastala po naključju, ampak povsem naravno in jo je napovedal Platon! V svojem kasnejšem delu Fileb je pisal o lepoti linij, površin in prostorskih oblik samih, neodvisno od kakršnega koli posnemanja vidnih predmetov, kakršne koli mimeze. Ta vrsta geometrijske lepote v nasprotju z lepoto naravnih "nepravilnih" oblik po Platonu nima relativnega, ampak brezpogojnega, absolutnega značaja.

20. stoletje in sodobnost

Po 1. svetovni vojni (1914-18) so se težnje abstraktne umetnosti pogosto pokazale v posameznih delih predstavnikov dadaizma in nadrealizma; obenem se je izpostavila želja po iskanju uporabe neslikovitih oblik v arhitekturi, dekorativni umetnosti, oblikovanju (eksperimenti skupine Style in Bauhausa). Več skupin abstraktne umetnosti (Konkretna umetnost, 1930; Krog in kvadrat, 1930; Abstrakcija in ustvarjalnost, 1931), ki združujejo umetnike različnih narodnosti in smeri, je nastalo v zgodnjih tridesetih letih prejšnjega stoletja, predvsem v Franciji. Vendar pa abstraktna umetnost takrat ni postala razširjena in do sredine tridesetih let. skupine so se razšle. Med drugo svetovno vojno (1939–45) se je v ZDA pojavila šola tako imenovanega abstraktnega ekspresionizma (slikarji J. Pollock, M. Toby in drugi), ki se je po vojni razvila v mnogih državah (pod imenom tahizem ali "umetnost brez oblike") in za svojo metodo razglašala "čisti mentalni avtomatizem" in subjektivno podzavestno impulzivnost ustvarjalnosti, kult nepričakovanih barvnih in teksturnih kombinacij. .

V drugi polovici 50-ih let se je v ZDA pojavila umetnost inštalacije, pop art, ki je pozneje zaslovel Andyja Warhola z neskončno reprodukcijo portretov Marilyn Monroe in pločevink pasje hrane - kolažni abstrakcionizem. V likovni umetnosti 60-ih je postala priljubljena najmanj agresivna, statična oblika abstrakcije, minimalizem. Ob istem času Barnet Newman, ustanovitelj ameriškega geometrijskega abstrakcionizma, skupaj z A. Lieberman, A. Held in K. Noland uspešno sodeloval pri nadaljnjem razvoju idej nizozemskega neoplasticizma in ruskega suprematizma.

Drug trend v ameriškem slikarstvu se imenuje "kromatični" ali "postslikarski" abstrakcionizem. Njegovi predstavniki so do neke mere izhajali iz fovizma in postimpresionizma. Togi slog, poudarjeni ostri obrisi del E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella postopoma prestopilo mesto slikanju kontemplativnega melanholičnega skladišča. V 70-ih - 80-ih letih se je ameriško slikarstvo vrnilo k figurativnosti. Poleg tega je tako skrajna manifestacija, kot je fotorealizem, postala zelo razširjena. Večina umetnostnih kritikov se strinja, da so sedemdeseta leta za ameriško umetnost trenutek resnice, saj se je v tem obdobju dokončno osvobodila evropskega vpliva in postala čisto ameriška. A kljub vrnitvi tradicionalnih oblik in žanrov, od portreta k zgodovinskemu slikarstvu, tudi abstrakcionizem ni izginil.

Slike, dela "neslikovne" umetnosti so nastajale kot prej, saj vrnitev k realizmu v ZDA ni premagala abstrakcionizma kot takega, temveč njegovo kanonizacijo, prepoved figurativne umetnosti, ki je bila identificirana predvsem z našim socialističnim realizmom, in zato se v »svobodni demokratični« družbi ne bi moglo ne šteti za odvratno, prepoved »nizkih« žanrov, družbenih funkcij umetnosti. Hkrati je slog abstraktnega slikanja pridobil določeno mehkobo, ki mu je prej manjkala - racionalizacija volumnov, zamegljene konture, bogastvo poltonov, subtilne barvne rešitve ( E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. Chese, A. Byalobrod).

Vsi ti trendi so postavili temelje za razvoj sodobne abstraktne umetnosti. V ustvarjalnosti ne more biti nič zamrznjenega, dokončnega, saj bi bila to zanj smrt. Toda ne glede na to, katere poti se ubere abstrakcionizem, ne glede na to, kakšne preobrazbe je podvržen, njegovo bistvo vedno ostane nespremenjeno. Leži v tem, da je abstrakcionizem v vizualni umetnosti najbolj dostopen in plemenit način zajemanja osebnega bitja in to v obliki, ki je najbolj primerna - kot faksimilni tisk. Hkrati je abstrakcionizem neposredno uresničevanje svobode.

Navodila

V abstrakcionizmu je mogoče razlikovati dve jasni smeri: geometrijsko abstrakcijo, ki temelji predvsem na jasno začrtanih konfiguracijah (Malevič, Mondrian), in lirično abstrakcijo, v kateri je kompozicija organizirana iz prosto tekočih oblik (Kandinski). Tudi v abstrakcionizmu obstaja več velikih neodvisnih trendov.

kubizem

Avantgardni trend v likovni umetnosti, ki je nastal na začetku 20. stoletja, za katerega je značilna uporaba poudarjeno konvencionalnih oblik geometrijskih oblik, želja po »razcepitvi« resničnih predmetov na stereometrične primitive.

rajonizem (rajonizem)

Trend v abstraktni umetnosti 1910-ih, ki temelji na premiku svetlobnih spektrov in prenosu svetlobe. Zamisel o nastanku oblik iz "sečišča odbitih žarkov različnih predmetov" je značilna, saj človek dejansko ne zazna samega predmeta, temveč "vsoto žarkov, ki prihajajo iz vira svetlobe, ki se odbijejo od predmet."

Neoplastizem

Oznaka smeri abstraktne umetnosti, ki je obstajala v letih 1917-1928. na Nizozemskem in združenih umetnikov, združenih okoli revije "De Stijl" ("Stil"). Zaznamujejo ga jasne pravokotne oblike v arhitekturi in abstraktno slikarstvo v razporeditvi velikih pravokotnih ravnin, pobarvanih v primarnih barvah spektra.

orfizem

Smer v francoskem slikarstvu 1910-ih. Umetniki orfisti so se trudili izraziti dinamiko gibanja in muzikalnost ritmov s pomočjo »pravilnosti« medsebojnega prepletanja osnovnih barv spektra in presečišča ukrivljenih površin.

Suprematizem

Trend v avantgardni umetnosti, ustanovljen v 1910-ih. Malevich. Izražena je bila v kombinacijah večbarvnih ravnin najpreprostejših geometrijskih obrisov. Kombinacija večbarvnih geometrijskih oblik tvori uravnotežene asimetrične suprematistične kompozicije, prežete z notranjim gibanjem.

tašizem

Trend zahodnoevropskega abstrakcionizma 1950-60 let, ki je bil najbolj razširjen v ZDA. Je slikanje s pikami, ki ne poustvarjajo podob realnosti, ampak izražajo umetnikovo nezavedno dejavnost. Poteze, črte in lise v tašizmu se nanesejo na platno s hitrimi gibi roke brez vnaprejšnjega načrta.

Abstraktni ekspresionizem

Gibanje umetnikov, ki slikajo hitro in na velika platna, z uporabo negeometrijskih potez, velikih čopičev, včasih kapljajo barvo na platno, za čim bolj popolno izražanje čustev. Izrazna slikarska metoda ima tukaj pogosto enak pomen kot slika sama.

Abstrakionizem v notranjosti

V zadnjem času se je abstrakcionizem začel premikati s platna umetnikov v prijetno notranjost hiše in jo ugodno posodobil. Minimalistični slog z uporabo jasnih oblik, včasih precej nenavadnih, naredi sobo nenavadno in zanimivo. Z barvo pa je zelo enostavno pretiravati. Razmislite o kombinaciji oranžne barve v tem notranjem slogu.

Bela najbolje razredči bogato oranžno in jo nekako ohladi. Zaradi oranžne barve je soba bolj vroča, tako malo; ne prepreči. Poudarek naj bo na pohištvu ali njegovi dekoraciji, na primer oranžnem pregrinjalu. V tem primeru bodo bele stene zadušile svetlost barve, vendar bodo pustile prostor barvit. V tem primeru bodo slike istega obsega služile kot odličen dodatek - glavna stvar je, da ne pretiravajte, sicer bodo težave s spanjem.

Kombinacija oranžne in modre barve je škodljiva za vsako sobo, razen za otroško sobo. Če izberete ne svetle odtenke, se bodo med seboj uspešno uskladili, dodali razpoloženje in ne bodo negativno vplivali niti na hiperaktivne otroke.

Oranžna se odlično ujema z zeleno, ustvarja učinek mandarine in čokoladni odtenek. Rjava je barva, ki se spreminja od tople do hladne, zato popolnoma normalizira celotno temperaturo prostora. Poleg tega je ta barvna kombinacija primerna za kuhinjo in dnevno sobo, kjer morate ustvariti vzdušje, vendar ne preobremeniti notranjosti. Ko ste okrasili v belih in čokoladnih barvah, lahko varno postavite oranžni fotelj ali obesite svetlo sliko z bogato barvo mandarine. Medtem ko boste v takšni sobi, boste imeli odlično razpoloženje in željo narediti čim več stvari.

Slike znanih abstraktnih umetnikov

Kandinski je bil eden od pionirjev abstraktne umetnosti. Začel je iskati v impresionizmu in šele nato prišel do sloga abstrakcionizma. Pri svojem delu je izkoristil razmerje med barvo in obliko, da bi ustvaril estetsko izkušnjo, ki bi zajela tako vizijo kot čustva občinstva. Verjel je, da popolna abstrakcija daje prostor za globoko, transcendentalno izražanje, kopiranje realnosti pa samo ovira ta proces.

Slikarstvo je bilo za Kandinskega globoko duhovno. Skušal je prenesti globino človeških čustev z univerzalnim vizualnim jezikom abstraktnih oblik in barv, ki presega fizične in kulturne meje. On je videl abstrakcionizem kot idealen vizualni način, ki lahko izrazi umetnikovo "notranjo potrebo" in prenese človeške ideje in čustva. Imel se je za preroka, katerega poslanstvo je deliti te ideale s svetom v dobro družbe.

Skrit v živahnih barvah in čistih črnih linijah prikazuje več kozakov s sulicami, pa tudi čolne, figure in grad na vrhu hriba. Kot pri mnogih slikah iz tega obdobja, predstavlja apokaliptično bitko, ki bo vodila v večni mir.

Da bi olajšal razvoj neobjektivnega slikarskega sloga, kot je opisano v svojem delu O duhovnem v umetnosti (1912), Kandinski predmete reducira na piktografske simbole. Z odstranitvijo večine sklicevanj na zunanji svet je Kandinski svojo vizijo izrazil na bolj univerzalen način in duhovno bistvo subjekta skozi vse te oblike prevedel v vizualni jezik. Številne od teh simbolnih figur so se v njegovih kasnejših delih ponovile in izpopolnile ter postale še bolj abstraktne.

Kazimir Malevič

Malevičeve ideje o obliki in pomenu v umetnosti nekako vodijo k osredotočanju na teorijo sloga abstrakcionizma. Malevich je delal z različnimi slogi v slikarstvu, predvsem pa je bil osredotočen na preučevanje čistih geometrijskih oblik (kvadratov, trikotnikov, krogov) in njihovega medsebojnega odnosa v vizualnem prostoru. S svojimi stiki na Zahodu je Malevič lahko svoje ideje o slikarstvu posredoval kolegom umetnikom v Evropi in ZDA ter tako globoko vplival na razvoj sodobne umetnosti.

Črni kvadrat (1915)

Ikonično sliko "Črni kvadrat" je Malevich prvič pokazal na razstavi v Petrogradu leta 1915. To delo uteleša teoretična načela suprematizma, ki jih je razvil Malevich v svojem eseju "Od kubizma in futurizma do suprematizma: nov realizem v slikarstvu."

Na platnu pred gledalcem je na belem ozadju narisana abstraktna oblika v obliki črnega kvadrata - je edini element kompozicije. Kljub temu, da slika izgleda preprosto, so v njej elementi, kot so prstni odtisi, poteze čopiča, ki pokukajo skozi črne plasti barve.

Za Maleviča kvadrat pomeni občutke, bela pa praznino, nič. Črni kvadrat je videl kot božjo prisotnost, ikono, kot da bi lahko postal nova sveta podoba za neobjektivno umetnost. Tudi na razstavi je bila ta slika postavljena na mesto, kjer je običajno postavljena ikona v ruski hiši.

Pete Mondrian

Piet Mondrian, eden od ustanoviteljev nizozemskega gibanja "De Styles", je priznan po čistosti svojih abstrakcij in metodične prakse. Precej radikalno je poenostavil elemente svojih slik, da bi odražal tisto, kar je videl, ne neposredno, ampak figurativno, in da bi na svojih platnih ustvaril jasen in univerzalen estetski jezik. Mondrian na svojih najbolj znanih slikah od dvajsetih let prejšnjega stoletja zreducira oblike na črte in pravokotnike, svojo paleto pa na najpreprostejše. Uporaba asimetričnega ravnovesja je postala temelj za razvoj sodobne umetnosti, njegova ikonična abstraktna dela pa ohranjajo svoj vpliv v oblikovanju in jih pozna popularna kultura danes.

"Gray Tree" je primer Mondrianovega zgodnjega prehoda na slog abstrakcionizem... Tridimenzionalno drevo je zmanjšano na najpreprostejše črte in ravnine, pri čemer se uporabljajo le odtenki sive in črne.

Ta slika je eno v nizu Mondrianovih del, ustvarjenih z bolj realističnim pristopom, kjer so na primer drevesa predstavljena na naturalističen način. Medtem ko so kasnejša dela postajala vse bolj abstraktna, se na primer črte drevesa zmanjšujejo, dokler oblika drevesa ne postane subtilna in sekundarna glede na celotno sestavo navpičnih in vodoravnih črt. Tukaj lahko še vedno vidite Mondrianovo zanimanje za opustitev strukturirane linijske organizacije. Ta korak je bil pomemben pri razvoju Mondrianove čiste abstrakcije.

Robert Delaunay

Delaunay je bil eden najzgodnejših umetnikov abstraktnega sloga. Njegovo delo je vplivalo na razvoj te smeri, ki temelji na kompozicijski napetosti, ki je bila posledica nasprotovanja barv. Hitro je padel pod neoimpresionistični koloristični vpliv in zelo natančno sledil barvnemu sistemu del v slogu abstrakcije. Menil je, da sta barva in svetloba glavna orodja, s katerimi lahko vplivamo na objektivnost sveta.

Do leta 1910 je Delaunay prispeval k kubizmu v obliki dveh serij slik, ki prikazujejo katedrale in Eifflov stolp, ki združuje kubične oblike, dinamiko gibanja in živahne barve. Ta nov način uporabe barvne harmonije je pomagal ločiti ta slog od ortodoksnega kubizma, imenovanega orfizem, in je takoj vplival na evropske umetnike. Delaunayeva žena, umetnica Sonia Terk-Delaunay, je še naprej slikala v istem slogu.

Delaunayjevo glavno delo je posvečeno Eifflovemu stolpu - slavnemu simbolu Francije. Je ena najbolj impresivnih v seriji enajstih slik, posvečenih Eifflovemu stolpu med letoma 1909 in 1911. Pobarvan je živo rdeče, kar ga takoj loči od dolgočasnosti okoliškega mesta. Impresivna velikost platna še povečuje veličino te zgradbe. Kot duh se stolp dviga nad okoliškimi hišami in figurativno zamaja same temelje starega reda. Delaunayjeva slika prenaša ta občutek brezmejnega optimizma, nedolžnosti in svežine časa, ki še ni bil priča dvema svetovnima vojnama.

František Kupka

Frantisek Kupka je češkoslovaški umetnik, ki slika v slogu abstrakcionizem diplomiral na praški akademiji za umetnost. Kot študent je slikal predvsem na domoljubne teme in pisal zgodovinske kompozicije. Njegova zgodnja dela so bila bolj akademska, vendar se je njegov slog z leti razvijal in se sčasoma spremenil v abstraktno umetnost. Napisana na zelo realističen način, so že njegova zgodnja dela vsebovala mistične nadrealistične teme in simbole, ki so se ohranili v pisanju abstrakcij. Kupka je verjel, da umetnik in njegovo delo sodelujeta v nenehni ustvarjalni dejavnosti, katere narava je neomejena, kot absolutna.

"Amorf. Fuga v dveh barvah "(1907-1908)

Od leta 1907-1908 je Kupka začela slikati serijo portretov dekleta, ki drži žogo v roki, kot da bi se z njo igrala ali plesala. Nato je razvijal vse bolj njene shematične podobe in na koncu prejel serijo popolnoma abstraktnih risb. Izdelane so bile v omejeni paleti rdeče, modre, črne in bele barve. Leta 1912 je bilo na Salon d'Automne eno od teh abstraktnih del prvič javno razstavljeno v Parizu.

Sodobni abstrakcionisti

Od začetka dvajsetega stoletja umetniki, vključno s Pablom Picassom, Salvadorjem Dalijem, Kazemirjem Malevičem, Vasilijem Kandinskim, eksperimentirajo z oblikami predmetov in njihovega dojemanja ter dvomijo o kanonih, ki obstajajo v umetnosti. Pripravili smo izbor najbolj znanih sodobnih abstraktnih umetnikov, ki so se odločili premikati svoje meje znanja in ustvarjati svojo realnost.

nemški umetnik David Schnell(David Schnell) se rad potepa po krajih, kjer je nekoč prevladovala narava, zdaj pa so natrpane s človeškimi zgradbami – od igrišč do tovarn in tovarn. Spomini na te sprehode rojevajo njegove svetle abstraktne pokrajine. S tem, da daje prosto pot svoji domišljiji in spominu, ne pa fotografijam in videoposnetkom, David Schnell ustvarja slike, ki spominjajo na računalniško virtualno resničnost ali ilustracije za znanstvenofantastične knjige.

V svojih velikih abstraktnih slikah ameriška umetnica Christine Baker(Kristin Baker) črpa navdih iz umetnosti in dirkalne zgodovine Nascarja in formule 1. Svojemu delu dodaja glasnost z nanosom več slojev akrilne barve in traku čez silhuete. Nato jo Christine nežno odtrga, kar vam omogoča, da vidite spodnje plasti barve in naredite, da je površina njenih slik videti kot večplastni večbarvni kolaž. Na zadnji stopnji dela postrga vse nepravilnosti, tako da so njene slike videti kot rentgen.

V svojih delih umetnica, rojena v Grčiji iz Brooklyna v New Yorku, Eleanna Anagnos(Eleanna Anagnos) raziskuje vidike vsakdanjega življenja, ki se ljudem pogosto izmikajo. V njenem »dialogu s platnom« navadni pojmi pridobijo nove pomene in vidike: negativni prostor postane pozitiven, majhne oblike pa se povečajo. Eleanna skuša vdahniti življenje svojim slikam na ta način, skuša prebuditi človeški um, ki je prenehal postavljati vprašanja in biti odprt za nekaj novega.

Ameriški umetnik, ki rojeva svetle brizge in madeže barve na platnu Sarah Spitler(Sarah Spitler) si v svoji umetnosti prizadeva prikazati kaos, katastrofo, neravnovesje in nered. Ti koncepti jo privlačijo, saj niso podvrženi človeškemu nadzoru. Zato njihova uničujoča moč naredi abstraktna dela Sarah Spitler močna, energična in vznemirljiva. Poleg tega. nastala slika na platnu s črnilom, akrilnimi barvami, grafitnimi svinčniki in emajlom poudarja minljivost in relativnost dogajanja okoli.

Navdih črpa s področja arhitekture, umetnik iz Vancouvra, Kanada, Jeff Dappner(Jeff Depner) ustvarja večplastne abstraktne slike geometrijskih oblik. V umetniškem kaosu, ki ga je ustvaril, Jeff išče harmonijo v barvah, obliki in kompoziciji. Vsak od elementov na njegovih slikah je med seboj povezan in vodi do naslednjega: "Moja dela raziskujejo kompozicijsko strukturo [slike] skozi razmerje barv v izbrani paleti ...". Po umetnikovem mnenju so njegove slike "abstraktna znamenja", ki naj gledalce popeljejo na novo, nezavedno raven.

Abstrakcionizem da iz lat. abstractio pomeni odvračanje pozornosti, odstranitev je nefigurativna, neobjektivna umetnost. Posebna oblika vizualne dejavnosti, ki nima za cilj posnemati ali prikazati vizualno zaznano realnost. Abstraktno kiparstvo, slikarstvo in grafika izključujejo asociacije na prepoznavno temo.

Čas nastanka prvega abstraktno slikarstvo pa tudi izvor abstraktnega slikarstva ni ugotovljen. Z gotovostjo lahko trdimo le, da je sredi 1910 in 1915. številni evropski umetniki so se preizkusili v nefigurativnih in nefigurativnih kompozicijah (v kiparstvu, risbi in slikarstvu).

To so: M.F. Larionov, F. Kupka, R. Delone, P. Klee, F. Picabia, U. Bocioni, F. Mark, F. Marinetti, A. G. Yavlensky in mnogi drugi.

Najbolj znani in izvirni so P. Mondrian, V. V. Kandinsky in K. S. Malevich.

Kompozicija v sivi, roza, P. Modrian Kompozicija št. 217 Sivi oval, V. V. Kandinski Odhajam v vesolje, K. S. Malevich

Kandinskega običajno imenujejo "izumitelj" abstrakcije, s čimer namiguje njegove akvarele 1910-1912, pa tudi njegova teoretična dela, ki objektivno pričajo o samozadostnosti umetnosti in kažejo na njegovo sposobnost ustvarjanja neke nove resničnosti z lastnimi sredstvi. Kandinski je bil tako v teoriji kot v praksi bolj dosleden in odločen od tistih, ki so se takrat približali meji, ki ločuje figurativnost od abstrakcije. Vprašanje, kdo je prvi prestopil to mejo, je ostalo nejasno. Vendar je vseeno, saj so se v zgodnjih letih dvajsetega stoletja najnovejši trendi v evropski umetnosti približali tej meji in vse je kazalo, da se bo ta prevrnila.

Abstraktni umetniki

Kljub prevladujočim idejam, abstrakcija ni bila stilistična kategorija. Ta svojevrstna oblika likovne umetnosti se razcepi na več tokov. Lirična abstrakcija, geometrijska abstrakcija, analitična abstrakcija, gestualna abstrakcija in bolj specifični trendi, na primer aranformal, suprematizem, nuažizem itd.

Slogi abstraktne umetnosti so ustvarjeni iz istih stilskih delcev kot figurativni slogi. To potrjuje dejstvo, da je enobarvna slika platno, ki je prebarvano v enem tonu - je v enakem vmesnem odnosu do sloga kot popolnoma naturalistična figurativna podoba. Abstraktno slikarstvo je posebna vrsta vizualne umetnosti, v kateri se funkcije primerjajo s funkcijami glasbe v zvočnem prostoru.

Naraščajoča sprememba estetskih stališč v umetnosti se začne z revolucionarnimi reformami v znanosti, kulturi in tehnologiji 20. stoletja. Že v prvi polovici 19. stoletja so se začeli opažati novi trendi v umetnosti. V tistem času je v evropskem slikarstvu opaziti hkrati naraščajočo težnjo po konvenciji (F. Goya, E. Delacroix, C. Corot) in izpopolnjevanju naturalistične tehnike (T. Chasseriot, J.-L. David, J. Ingres). Prva je še posebej akutna v angleškem slikarstvu - R. O. Boningtona, pa tudi W. Turnerja. Njegove slike - "Sonce, ki vzhaja v megli ..." (1806), "Glasbeni večer" (1829-1839) in nekatera druga dela prenašajo najbolj drzne posplošitve, ki mejijo na abstrakcijo.

Osredotočimo se na obliko, pa tudi na zaplet, eno njegovih zadnjih del - "Dež, para, hitrost" ki prikazuje parno lokomotivo, ki dirka po megli in dežju. Ta slika je bila naslikana leta 1848 - najvišja mera konvencije v umetnosti prve polovice 19. stoletja.

Od sredine 19. stoletja so se kiparstvo, grafika usmerili v tisto, kar je neposredni podobi nerazumljivo. Najintenzivneje se razvijajo nova vizualna sredstva, načini tipkanja, univerzalni simboli, povečana izraznost, stisnjene plastične formule. Po eni strani je usmerjen v podobo človekovega notranjega sveta, njegovih čustvenih psiholoških stanj, po drugi strani pa v razvoj vizije objektivnega sveta.