सार अकादमिक अनुशासन पर "संस्कृति विज्ञान"

विषय पर: "संगीत में रोमांटिकतावाद"।

योजना

1 परिचय।

2. संगीत में रूमानियत के युग की विशेषता।

3. रूमानियत के संगीत का भूगोल।

5। निष्कर्ष।

6. संदर्भ।

1 परिचय।

19वीं सदी में स्वच्छंदतावाद एक नई कलात्मक प्रवृत्ति है। इसने क्लासिकवाद को बदल दिया, और इसके संकेत 18 वीं शताब्दी के अंत में दिखाई देने लगे। रूमानियत का जन्मस्थान जर्मनी है, लेकिन यह तेजी से फैल गया और अन्य यूरोपीय देशों के साथ-साथ रूस और अमेरिका में भी प्रवेश कर गया। जर्मन लेखक नोवालिस (1772 - 1801) की गतिविधियों के लिए धन्यवाद, "रोमांटिकवाद" शब्द ही साहित्य में पहली बार सामने आया। संगीत से उनका परिचय ई.टी. ए हॉफमैन (1776 - 1882)। स्वच्छंदतावाद संघर्ष में विकसित हुआ और साथ ही साथ अपने पूर्ववर्तियों - क्लासिकवाद और भावुकता के साथ घनिष्ठ संपर्क में आया। इन्हीं साहित्यिक प्रवृत्तियों की गहराई में उनका जन्म हुआ। शास्त्रीय लेखकों का विश्वास था कि जो लोग इसे स्पष्ट रूप से समझते हैं, जो अपने जुनून - व्यक्तिगत हितों और आकांक्षाओं पर अंकुश लगाने में सक्षम हैं - अपने नागरिक कर्तव्य को पूरा कर सकते हैं। लेकिन ऐसा, उनका मानना ​​​​था, केवल कुछ ही, "महान" लोगों, मुख्य रूप से रईसों का बहुत कुछ था। उन्हें निस्वार्थ भाव से, त्याग से पितृभूमि की सेवा के लिए तैयार रहना था। नागरिक कर्तव्य, उनकी राय में, मुख्य रूप से महान सम्मान और गुण होते हैं।

रोमांटिक लोगों ने अपने आस-पास की हर चीज, जीवन की सभी घटनाओं को रोमांटिक बनाने की कोशिश की। उन्होंने क्लासिकवाद के पिछले युग से कुछ सिद्धांतों को अपनाया, लेकिन रूमानियत का सार आत्मज्ञान के दृष्टिकोण के खिलाफ विरोध है, उनमें निराशा है। रूमानियत के प्रतिनिधि तर्क, तर्कवाद, तर्क और व्यावहारिकता के पंथ को स्वीकार नहीं कर सके। उनके लिए, किसी व्यक्ति की आत्मा और व्यक्तित्व, उसकी भावनाएं महत्वपूर्ण थीं।

रूमानियत की मौलिकता इस तथ्य में भी निहित है कि उन्होंने कला के प्रकारों और शैलियों में स्पष्ट विभाजन के लिए प्रयास नहीं किया। वे कला के संश्लेषण के विचार से प्रभावित हुए और उन्होंने इसे सफलतापूर्वक मूर्त रूप दिया। स्वच्छंदतावाद सबसे दिलचस्प और फलदायी सांस्कृतिक युगों में से एक है।

2. संगीत में रूमानियत के युग की विशेषता।

संगीत संस्कृति में स्वच्छंदतावाद ने सौ से अधिक वर्षों (1800 - 1910) तक शासन किया। यह इस कला में था कि वह एक लंबा-जिगर निकला, जबकि साहित्य और चित्रकला में वह केवल पचास वर्षों तक ही टिक सका। इसे दुर्घटना नहीं कहा जा सकता। रूमानियत की समझ में, संगीत सबसे आध्यात्मिक कला है और इसमें सबसे बड़ी स्वतंत्रता है। रोमांटिक युग के संगीत की मुख्य विशेषताओं में से एक को अन्य प्रकार की कला के साथ इसका संश्लेषण कहा जाना चाहिए। इसके अलावा, रोमांटिक लोग एक सख्त और स्पष्ट शैली विभाजन के समर्थक नहीं थे।

सौंदर्य श्रेणियां भी मिश्रित थीं। त्रासदी आसानी से कॉमिक के साथ मिल गई; सुंदर के साथ बदसूरत; उदात्त के साथ आधारित। इस तरह के विरोधाभास असंबद्ध या अप्राकृतिक नहीं लगे। मुख्य कलात्मक उपकरण - रोमांटिक विडंबना - ने असंगत को जोड़ना संभव बना दिया। उसके लिए धन्यवाद, रोमांटिकतावाद में निहित दुनिया की एक विशेष तस्वीर सामने आई।

शैलियों को मिलाने की प्रवृत्ति के बावजूद, उनमें से कई को, निश्चित रूप से, स्वतंत्र रूप से अस्तित्व का अधिकार था और इस अवधि के दौरान महत्वपूर्ण रूप से विकसित होने में कामयाब रहे; विशिष्ट विधाओं का भी उदय हुआ। सबसे पहले, यह रोमांटिक संगीत कविता और गाथागीत की शैली है (सबसे उज्ज्वल प्रतिनिधि एफ। शुबर्ट है); गाने; पियानो लघुचित्र।

पियानो मिनिएचर का विशेष उल्लेख किया जाना चाहिए। इसका उद्देश्य किसी प्रकार की छवि को व्यक्त करना था जो लेखक या उसके मूड को प्रभावित करता हो। एक पियानो लघुचित्र में एक शैली विनिर्देश हो सकता है: वाल्ट्ज, गीत, बिना शब्दों के गीत, मजारका, निशाचर। संगीतकार अक्सर कार्यक्रम संगीत की ओर रुख करते थे, अपने कार्यों को चक्रों में जोड़ते थे।

आर। शुमान "कार्निवल" का प्रसिद्ध पियानो चक्र, जो रोमांटिकतावाद के सौंदर्यशास्त्र की मुक्त प्रकृति को दर्शाता है, रोमांटिकतावाद के युग की विशेषता है। कार्निवल में इक्कीस नंबर होते हैं। ये एक-दूसरे की जगह लेने वाले रेखाचित्र हैं, जो मूड, चित्रों, चित्रों में एक-दूसरे से भिन्न होते हैं, लेकिन उनमें से कई एक ही कथानक द्वारा एकजुट होते हैं। संगीतकार एक काल्पनिक छुट्टी खींचता है जिसमें अतिथि-मुखौटे आमंत्रित किए जाते हैं। उनमें से सामान्य कार्निवल पात्र हैं - डरपोक पिय्रोट, शरारती हार्लेक्विन, एक दूसरे पर गुनगुनाने वाले कोलंबिन और पैंटालोन (यह सब संगीत के माध्यम से पूरी तरह से व्यक्त किया गया है)।

"कार्निवल" एक बहुत ही मूल अवधारणा से भरा है। संगीतकार ने स्वयं अपने चक्र को "4 नोटों पर लघु दृश्य" कहा, क्योंकि पूरी धुन उन पर आधारित है। संगीतकार ने विभिन्न अनुक्रमों और संयोजनों में चार नोट्स लिए, और परिणामस्वरूप उन्होंने प्रत्येक टुकड़े के अंतर्गत विषय की एक झलक बनाई।

रचना की दृष्टि से, "कार्निवल" संगीतकार के कौशल के उच्चतम स्तर को प्रदर्शित करता है। चक्र के सभी गीत सजावट, प्रतिभा और गुण की पूर्णता से प्रतिष्ठित हैं। सामान्य तौर पर, संपूर्ण चक्र सामंजस्यपूर्ण संयोजन और अखंडता का एक उदाहरण है।

यदि हम कार्यक्रम संगीत के बारे में अधिक विस्तार से बात करते हैं, तो यहां हम इस तरह की विशेषता को अन्य शैलियों के साथ संबंध के रूप में उजागर कर सकते हैं: साहित्य, पेंटिंग। निबंध का रूप कथानक पर निर्भर हो जाता है। इस संबंध में, सिम्फोनिक कविताएं, एक-आंदोलन संगीत कार्यक्रम और सोनाटा दिखाई देते हैं; कई भाग सिम्फनी। इस प्रकार, रूमानियत के युग में, कक्ष स्वर संगीत और कक्ष वाद्य संगीत दोनों का विकास हुआ।

ओपेरा भी इस दौर में खास बन गया। वह सिम्फनी की ओर बढ़ने लगती है; इसमें पाठ और संगीत के बीच घनिष्ठ और न्यायोचित संबंध है; मंचीय क्रिया का भी उनके साथ समान महत्व था।

रोमांटिक्स के पसंदीदा विषय थे। अधिकांश भाग के लिए भूखंड अकेलेपन और प्रेम के विषय पर आधारित थे, क्योंकि रोमांटिकतावाद के सौंदर्यशास्त्र के केंद्र में एक गर्व और अकेला व्यक्ति था, जिसकी आत्मा में मजबूत जुनून था। रोमांटिक हीरो हमेशा समाज, पूरी दुनिया के खिलाफ रहा है। इसलिए, यह काफी तार्किक है कि रोमांटिकता की अवधि के दौरान लेखकों ने ऐसे नायक की छवि के करीब विषयों की ओर रुख किया: मृत्यु का विषय, सड़क का विषय और भटकना, प्रकृति का विषय। रोमांटिक कार्यों में, उबाऊ भौतिक दुनिया पर आक्रमण करने वाले कल्पना के तत्वों को बहुत अधिक स्थान दिया गया था।

रूमानियत के दौर में काम करने वाले संगीतकारों की अपनी संगीत भाषा थी। उन्होंने माधुर्य पर बहुत ध्यान दिया, शब्द के अर्थ पर जोर दिया, कलात्मक अभिव्यक्ति (अंतिम टिप्पणी संगत पर भी लागू होती है)।

सद्भाव काफ़ी रूपांतरित और समृद्ध हुआ। सद्भाव, जुनून, लालसा, विपरीत मनोदशाओं, तनाव और कार्यों की शानदार शुरुआत के माध्यम से अवगत कराया गया। इस प्रकार माधुर्य, बनावट और सामंजस्य उनके महत्व में समान हो गए हैं।

तो, रूमानियत के युग के संगीत की मुख्य विशेषताओं को कला और शैलियों का संश्लेषण कहा जा सकता है; माधुर्य, संगत और सामंजस्य की विशेष अभिव्यक्ति और घनिष्ठ संबंध; अंतर; शानदार; भावुकता और अभिव्यक्ति में वृद्धि।

3. रूमानियत के संगीत का भूगोल।

स्वच्छंदतावाद ने काफी व्यापक स्थान को कवर किया: यूरोप और रूस से लेकर अमेरिका तक, और हर जगह इसका विकास विशेष रूप से किया गया था। यूरोप में, कुछ देशों में इस अवधि में संगीत की कला में सांस्कृतिक समानताएं और अंतर दोनों थे। उदाहरण के लिए, ऑस्ट्रिया और जर्मनी का संगीत लगभग एक ही दिशा में विकसित हुआ। इन देशों की संगीतमय रूमानियत एक शक्तिशाली साहित्य, विएना स्कूल ऑफ़ म्यूज़िक से प्रभावित थी। आम भाषा ने भी उन्हें करीब ला दिया। जर्मन-ऑस्ट्रियाई रोमांटिकतावाद न केवल विभिन्न शैलियों के उन्नत कार्यों से, बल्कि सक्रिय ज्ञान द्वारा भी प्रतिष्ठित था। गीत जर्मन और ऑस्ट्रियाई रूमानियत की एक परिभाषित विशेषता बन जाते हैं।

पोलैंड में स्वच्छंदतावाद स्वर और वाद्य यंत्रों का एक संयोजन है - पोलिश लोक संगीत की एक विशिष्ट विशेषता। इस प्रकार, एफ। चोपिन के स्वर में, पोलिश लोक संगीत की महाकाव्य शैली की गूँज - पोलिश ड्यूमा, काफी स्पष्ट रूप से श्रव्य हैं। अपने विकास की परिपक्व अवधि में यह शैली एक धीमी महाकाव्य माधुर्य की विशेषता है, जो अक्सर एक शोकाकुल छाया की होती है। और बाद के नाटकीय-काल के एपिसोड, प्रारंभिक एकल के माधुर्य की वापसी के साथ बारी-बारी से। इसमें कोई संदेह नहीं है कि यह पश्चिम स्लाव विचार थे जो चोपिन के गाथागीत के प्रोटोटाइप के रूप में कार्य करते थे और उनके करीब काम करते थे। इस प्रकार, लोक कला पोलिश रूमानियत के केंद्र में है।

इतालवी रोमांटिकतावाद ऑपरेटिव कला का एक अभूतपूर्व फूल है; बेल कैंटो का टेकऑफ़। इस प्रकार, इतालवी ओपेरा पूरी दुनिया में इस दिशा में अग्रणी बन गया। फ्रांस में, ओपेरा भी प्रमुख मूल्यों में से एक प्राप्त कर रहा है। इसका बहुत श्रेय जी बर्लियोज़ (1803 - 1869) को है, जो एक कॉमिक ओपेरा जैसी दिलचस्प घटना के निर्माता थे, जिसने सीधे इस देश की राष्ट्रीय बारीकियों को दर्शाया।

रूस में, डीसमब्रिस्टों के विचारों के प्रभाव में रूमानियत विकसित हुई, महान फ्रांसीसी क्रांति, 1812 में नेपोलियन के साथ युद्ध, यानी यह वैश्विक सामाजिक घटनाओं से जुड़ा था। नागरिकता और मातृभूमि की सेवा के सिद्धांतों को भी संगीत कला में स्थानांतरित कर दिया गया, जिसमें राष्ट्रीय चेतना का विचार स्पष्ट रूप से व्यक्त किया गया था। इस प्रकार, सभी देशों का संगीतमय रूमानियत सामान्य विशेषताओं से एकजुट था: उच्च आध्यात्मिकता की इच्छा, सुंदरता के सपने, मनुष्य के कामुक क्षेत्र का प्रदर्शन।

4. रूमानियत के दौर के महान संगीतकार और संगीतकार।

स्वच्छंदतावाद ने कई महान संगीतकारों के साथ संगीत संस्कृति का समर्थन किया: एफ। लिस्ट्ट (1811 - 1886, हंगरी), आर। शुमान (1810 - 1856, जर्मनी), एफ। शुबर्ट (1797 - 1828, ऑस्ट्रिया), के। वेबर (1786 - 1826, जर्मनी), आर. वैगनर (1813 - 1883, जर्मनी), जे. बिज़ेट (1838 - 1875, फ़्रांस), एन. पगनिनी (1782 - 1840, इटली), ई. ग्रिग (1843 - 1907, नॉर्वे), जी. वर्डी (1813 - 1901, इटली), एफ. चोपिन (1810 - 1849), एल. वैन बीथोवेन (रचनात्मकता का अंतिम चरण, जर्मनी), आदि। आइए हम उनमें से कुछ के काम को संक्षेप में बताएं।

फ्रांज लिस्ट्ट, जैसे वी.ए. मोजार्ट, एक युवा कलाप्रवीण व्यक्ति था और बहुत पहले ही यूरोप ने एक पियानोवादक के रूप में जनता के सामने प्रदर्शन करते हुए अपने बारे में बात की थी। एक संगीतकार के रूप में उनका उपहार बहुत पहले ही प्रकट हो गया था। इसके बाद, एफ। लिस्ट्ट ने यात्रा और रचना गतिविधियों को संयुक्त किया। उन्होंने सिम्फोनिक संगीत के लिए पियानो की व्यवस्था भी की, और उन्हें सही मायने में एक महान प्रबुद्धजन माना जा सकता है।

एफ। लिस्ट्ट के लेखक के कार्यों में गुण और गहराई, अभिव्यक्ति और रोष की विशेषता है। इस तरह की उनकी प्रसिद्ध चक्रीय रचनाएँ हैं: "इयर्स ऑफ़ वांडरिंग्स", "स्टडीज़ ऑफ़ ट्रान्सेंडैंटल एक्ज़ीक्यूशन", "लार्ज स्टडीज़ ऑन कैप्रिसेस बाय पगनिनी", "हंगेरियन रैप्सोडीज़"। एफ। लिस्ट्ट ने हंगेरियन संगीत संस्कृति को लोकप्रिय बनाने और विकसित करने में बहुत बड़ा योगदान दिया।

फ्रांज शुबर्ट को रोमांटिक युग का पहला संगीतकार माना जाता है जिसे महान संगीतकारों में स्थान दिया गया है। उनका संगीत शुद्ध, हर्षित, काव्यात्मक और साथ ही - उदासी, शीतलता, निराशा है। जैसा कि रोमांटिकता में निहित है, एफ। शुबर्ट का संगीत इसके विपरीत है, लेकिन यह अपनी स्वतंत्रता और सहजता, धुनों की सुंदरता से विस्मित करता है।

एफ। शुबर्ट ने बड़ी संख्या में ऐसे गीत लिखे जो सच्ची कृति हैं। यह विशेष रूप से वी.आई. द्वारा कविताओं पर लिखे गए कार्यों के लिए सच है। गोएथे ("द फॉरेस्ट किंग", "ग्रेटेन एट द स्पिनिंग व्हील") और कई अन्य।

संगीतकार ने अन्य शैलियों में भी काम किया: ओपेरा, चैम्बर वोकल और वाद्य रचनाएँ। और फिर भी, सबसे पहले, एफ। शुबर्ट का नाम उनके गीतों और विभिन्न चक्रों के साथ जुड़ा हुआ है: "द ब्यूटीफुल मिलर वुमन", "विंटर पाथ", "स्वान सॉन्ग"।

फ्रांसीसी संगीतकार जॉर्जेस बिज़ेट नायाब ओपेरा कारमेन के लेखक के रूप में विश्व संस्कृति के इतिहास में नीचे चले गए। पहले से ही दस साल की उम्र में, वह पेरिस कंज़र्वेटरी में एक छात्र बन गया। अपने करियर की शुरुआत में, युवा संगीतकार ने विभिन्न शैलियों में खुद को आजमाया, लेकिन ओपेरा उनका असली जुनून बन गया। कारमेन के अलावा, उन्होंने पर्ल सीकर्स, पर्थ ब्यूटी, जमीला जैसे ओपेरा लिखे। नाटक ए. दौडेट के लिए उनके द्वारा लिखे गए इसी नाम "अर्लेसिएन" का संगीत भी सबसे अलग है। जे. बिज़ेट को फ्रांस का एक उत्कृष्ट संगीतकार माना जाता है।

एडवर्ड ग्रिग नॉर्वे में सबसे प्रसिद्ध संगीतकार हैं, जो इस देश के प्रतीकों में से एक है। उनका संगीत एक विशिष्ट और मौलिक घटना है जो इस संगीतकार की रचनात्मक सोच के अद्वितीय व्यक्तित्व को प्रदर्शित करता है। पियानो कॉन्सर्टो, रोमांस, गीत के टुकड़े, दूसरा वायलिन सोनाटा और निश्चित रूप से, पीर गिन्ट - जी इबसेन द्वारा नाटक के लिए संगीत सहित ई। ग्रिग के काम न केवल नॉर्वेजियन, बल्कि दुनिया की संपत्ति बन गए हैं संगीत...

रोमांटिकतावाद के व्यक्तित्वों में से एक इतालवी वायलिन वादक और संगीतकार निकोलो पगनिनी हैं। उनकी कला की सबसे सटीक परिभाषाएँ चमक, प्रतिभा, रोष, विद्रोह हैं। उन्होंने गुणी और भावुक रचनाएँ लिखीं जो आज भी प्रसिद्ध वायलिन वादकों के प्रदर्शनों की सूची में मौजूद हैं। हम बात कर रहे हैं पहले और दूसरे वायलिन कॉन्सर्ट, "24 Capricci", "कार्निवल ऑफ वेनिस" और "अनन्त आंदोलन" के बारे में। इसके अलावा, एन। पगनिनी एक उत्कृष्ट सुधारक थे और उन्होंने एकल वायलिन के लिए ओपेरा के टुकड़ों के ट्रांसक्रिप्शन-भिन्नताएं बनाईं। वह रूमानियत के युग की कई हस्तियों के प्रेरणा स्रोत थे।

उत्कृष्ट पोलिश संगीतकार फ्राइडरिक चोपिन (1810 - 1849) के संगीत के बारे में बोलते हुए, सबसे पहले, यह कहा जाना चाहिए कि यह "पोलिश लोगों की आत्मा" है, जिसे चोपिन की कला में विभिन्न अभिव्यक्तियाँ मिलीं। उनके संगीत में महाकाव्य भव्यता और वीर उत्थान के पृष्ठ हैं। चोपिन के संगीत के दुखद प्रसंगों में एक साहसी हृदय की व्यथा सुनी जा सकती है। चोपिन की कला एक देशभक्त कलाकार, एक मानवतावादी कलाकार की एक गहरी लोक कला है, जो उस युग के उन्नत आदर्शों से प्रेरित है जिसमें उन्हें रहना और बनाना था।

एक संगीतकार के रूप में चोपिन का काम पोलिश रोज़मर्रा के नृत्यों (मजुरका, पोलोनेस, वाल्ट्ज) की रचना के साथ शुरू हुआ। उसने भी रातों की ओर रुख किया। उनका "बैलाड इन जी माइनर", "शेरज़ो इन बी माइनर" और "एट्यूड इन सी माइनर" पियानो संगीत के लिए क्रांतिकारी साबित हुए। एफ। चोपिन (एफ। लिज़ट द्वारा एट्यूड्स के साथ) द्वारा एट्यूड और प्रस्तावना रोमांटिकतावाद के युग की पियानो तकनीक का शिखर है।

रूस की धरती पर स्वच्छंदतावाद ने बहुत अच्छी तरह से जड़ें जमा ली हैं। दुनिया की नई धारणा को बुद्धिजीवियों के मन और आत्मा में प्रतिक्रिया मिली। बुराई के प्रतिरोध की उनकी अवधारणा, जिसने पूरी दुनिया को प्रभावित किया, रूसी कला और साहित्य के बहुत करीब निकली।

रूमानियत की अभिव्यक्तियों में से एक रूसी रोमांटिक गद्य था। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में प्रकट होकर यह अपने आप में एक अनूठी घटना बन गई है। न केवल महान रूसी लेखकों, बल्कि दूसरी पंक्ति के लेखकों के नामों का भी प्रतिनिधित्व किया। इन लेखकों के कुछ काम स्पष्ट रूप से विज्ञान कथा, एक असामान्य और असली माहौल, एक जादुई साजिश मोड़, और अजीब नायकों के प्रति गुरुत्वाकर्षण प्रदर्शित करते हैं। इन कार्यों में हॉफमैन के निशान को महसूस किया जा सकता है, लेकिन रूसी वास्तविकता के माध्यम से अपवर्तित किया जाता है। जैसा कि जर्मनी में, इस अवधि का रूसी संगीत साहित्य के साथ निकटता से जुड़ा हुआ था। यह वी.एफ. के काम में देखा जा सकता है। ओडोएव्स्की (1804 - 1869), जिन्होंने दोनों क्षेत्रों में उत्कृष्ट प्रदर्शन किया।

सामान्य तौर पर, रोमांटिक युग ने उत्कृष्ट संगीतकारों की एक पूरी आकाशगंगा का निर्माण किया है। ये हैं P.I.Tchaikovsky (1840 - 1893), A.A. Alyabyev (1787 - 1851), A.P. बोरोडिन (1833 - 1887), एम.आई. ग्लिंका (1804 - 1857), ए.एस. डार्गोमीज़्स्की (1813 - 1869), एम.पी. मुसॉर्स्की (1839 - 1881), एम। ए। बालाकिरेव (1837 - 1910), एन। ए। रिम्स्की-कोर्साकोव (1844 - 1908), ए। एन। स्क्रिबिन (1872 - 1915), टी। ए। कुई (1835 - 1915), एस.वी. राचमानिनॉफ (1873 - 1943)। बेशक, सूचीबद्ध अधिकांश संगीतकार केवल रोमांटिक थे। उन्होंने रूसी संस्कृति में यथार्थवाद के विकास में बहुत बड़ा योगदान दिया, लेकिन उनके काम की कुछ अवधि रूमानियत के मंच पर गिर गई।

संगीत में रूसी विचार की अभिव्यक्ति एम.आई. ग्लिंका। रूसी संगीत संस्कृति में उनकी उपस्थिति ने उन्हें एक अलग रास्ता अपनाने के लिए मजबूर किया। अपने काम में, वह यूरोपीय और रूसी राष्ट्रीय परंपराओं को मिलाने में कामयाब रहे। एम.आई. की रोमांटिक अवधि। ग्लिंका सुंदर रोमांस हैं जो सद्भाव, गीतवाद और जुनून से भरे हुए हैं, जो रूप और सामग्री में परिपूर्ण हैं।

संगीतकारों की गतिविधियों के अलावा, रचनात्मक संघों ने इस अवधि में एक बड़ी भूमिका निभाई। यह आम तौर पर संगीत जीवन सहित रूस के लिए महान और महत्वपूर्ण परिवर्तनों का समय था। विज्ञान और साहित्य का विकास हो रहा है, जो रूसी कला को अपने साथ ले जाता है। इसके सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधि कला की महान सामाजिक शक्ति को महसूस करने लगे हैं। तो, समय की प्रवृत्तियां भी संगीत को पकड़ती हैं, उस पर साहित्य का प्रभाव बढ़ता है और परिणामस्वरूप, उनकी बातचीत होती है। अन्य प्रकार की कला के साथ उसके संबंधों का दायरा बढ़ रहा है, विभिन्न संगीत समुदाय उभर रहे हैं: डार्गोमीज़्स्की का सर्कल, रुबिनस्टीन का सर्कल, बेलीव का सर्कल और अंत में, बालाकिरेव का संगीत समुदाय, जिसे माइटी हैंडफुल कहा जाता है।

अभिव्यक्ति "माइटी मुट्ठी" को आलोचक वी.वी. स्टासोव (1824 - 1906)। यह ऑक्सीमोरोन अभिव्यक्ति बाद में पंख बन गई, और उन्होंने इसे एक सम्मानजनक और विडंबनापूर्ण संदर्भ में दोहराना शुरू कर दिया, जिसका अर्थ संगीतकारों ने एम.ए. बालाकिरेवा।

सबसे पहले, उन्होंने रूसी लोक कला में रुचि को पुनर्जीवित करने का प्रयास किया। संगीत की राष्ट्रीय मौलिकता को बहुत महत्व देते हुए, उनका मानना ​​था कि इसे तभी प्राप्त किया जा सकता है जब संगीतकार लोक गीत स्रोतों की ओर मुड़े। कोई भी जो केवल सैलून निबंधों पर लाया गया है, यहां तक ​​​​कि सबसे अच्छा, कुछ भी सार्थक नहीं बना पाएगा। अब तक, बालाकिरेव सर्कल के सदस्यों का मानना ​​​​था, पेशेवर संगीत, दुर्लभ अपवादों (अर्थ एमआई ग्लिंका, 1804 - 1857) के साथ, लोक कला से बहुत दूर था। "कुचकिस्ट्स" की समझ में, संगीतकार लोक संगीत की भावना से प्रभावित होने के लिए बाध्य है। इस प्रकार, रूसी रूमानियत एक रूसी राष्ट्रीय कला है।

5। निष्कर्ष।

18वीं - 19वीं शताब्दी के मोड़ पर यूरोपीय कला में दुनिया का एक नया, रोमांटिक दृश्य। रूमानियत में, रोजमर्रा की दुनिया शानदार दुनिया के साथ सह-अस्तित्व में है, जहां नाटकीय नायक दौड़ता है, सामान्य से बचने की उम्मीद करता है। रोमांटिक लोगों का मानना ​​था कि कला एक है; कविता और संगीत विशेष रूप से करीब हैं। संगीत कवि के विचार को "रीटेल" कर सकता है, एक साहित्यिक नायक की छवि बना सकता है, और कविता अक्सर अपनी संगीतमयता से चकित करती है। महान रोमांटिक संगीतकारों के कार्यों में नई कला की हवा परिलक्षित होती थी।

संगीतमय रूमानियत के अपने नायक, अपने विषय, अपने स्वयं के सौंदर्य सिद्धांत और कलात्मक भाषा थी। उनका लक्ष्य एक स्वतंत्र रूप था, जो शैली या प्रजातियों की सीमाओं तक सीमित नहीं था। संगीतमय रूमानियत बहुत लंबे समय तक अस्तित्व में थी और सबसे अमीर फल देती थी।

फिर भी, वह क्षण आ गया है और उसका संकट। यह ऐसे समय में हुआ जब बीसवीं शताब्दी के दृष्टिकोण ने अपनी अजीबोगरीब प्रवृत्तियों के साथ रूमानियत के आदर्शों को नष्ट करना शुरू कर दिया। और यद्यपि अंत में इसे आधुनिकता द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, रोमांटिकतावाद अनंत काल में गायब नहीं हुआ, और इसकी परंपराएं नई शताब्दी की कला में और यहां तक ​​​​कि हमारे वर्तमान समय में भी जीवित रहीं।

6. संदर्भ।

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रोमांटिक अवधि

क्यों "रोमांटिक"?

संगीत में रोमांटिक दौर लगभग 1830 से 1910 के दशक तक चला। कुछ हद तक, "रोमांटिक" शब्द सिर्फ एक लेबल है, एक अवधारणा जो सख्त परिभाषा को परिभाषित करती है, जैसे कई अन्य। बिना किसी अपवाद के, हमारी पुस्तक के सभी अध्यायों में वर्णित कई कार्यों को "रोमांटिक" कहा जा सकता है।

इस अवधि और अन्य के बीच मुख्य अंतर यह है कि उस युग के रचनाकारों ने संगीत की भावनाओं और धारणा पर अधिक ध्यान दिया, इसकी मदद से भावनात्मक अनुभवों को व्यक्त करने का प्रयास किया। इसमें वे शास्त्रीय काल के संगीतकारों से भिन्न हैं, जिनके लिए संगीत में सबसे महत्वपूर्ण चीज रूप थी और जिन्होंने रचना के निर्माण के लिए कुछ नियमों का पालन करने की कोशिश की।

इसी समय, शास्त्रीय काल के कुछ संगीतकारों को उनके कार्यों में रोमांटिकतावाद के तत्व, और रोमांटिक काल के संगीतकार - क्लासिकवाद के तत्व देखे जा सकते हैं। तो ऊपर हमने जो कुछ भी बात की है वह एक कठोर नियम नहीं है, बल्कि केवल एक सामान्य विशेषता है।

दुनिया में और क्या चल रहा था?

इतिहास स्थिर नहीं रहा, और सभी लोग अचानक रोमांटिक नहीं बन गए, जो केवल अपने भावनात्मक अनुभवों में व्यस्त हैं। यह समाजवाद के जन्म, डाक सुधार और साल्वेशन आर्मी की स्थापना का समय है। उसी समय विटामिन और रेडियम की खोज की गई, स्वेज नहर का निर्माण किया गया; डेमलर ने पहली कार बनाई, और राइट भाइयों ने पहली उड़ान भरी। मार्कोनी ने रेडियो का आविष्कार किया, जिसने डेढ़ किलोमीटर की दूरी पर सफलतापूर्वक वायरलेस संचार भेजा। महारानी विक्टोरिया किसी भी अन्य अंग्रेजी सम्राट की तुलना में अधिक समय तक ग्रेट ब्रिटेन के सिंहासन पर बैठी रहीं। सोने की भीड़ ने हजारों लोगों को अमेरिका की यात्रा करने के लिए प्रेरित किया।

रोमांस के तीन उपखंड

हमारी पुस्तक के माध्यम से स्क्रॉल करते हुए, आप देखेंगे कि यह इसके सभी अध्यायों में सबसे बड़ा है, जिसमें कम से कम सैंतीस संगीतकारों का उल्लेख है। उनमें से कई अलग-अलग देशों में एक साथ रहते और काम करते थे। इसलिए, हमने इस अध्याय को तीन खंडों में विभाजित किया है: प्रारंभिक रोमांटिक, राष्ट्रीय संगीतकार, और देर से रोमांटिक।

जैसा कि आप शायद पहले ही अनुमान लगा चुके हैं, यह विभाजन भी पूर्ण परिशुद्धता होने का दावा नहीं करता है। हालाँकि, हम आशा करते हैं कि यह कथा में निरंतरता बनाए रखने में मदद करेगा, हालाँकि यह हमेशा कालानुक्रमिक क्रम का पालन नहीं कर सकता है।

प्रारंभिक रोमांटिक

ये संगीतकार हैं जो शास्त्रीय काल और देर से रोमांटिकतावाद की अवधि के बीच एक प्रकार का सेतु बन गए हैं। उनमें से कई ने एक ही समय में "क्लासिक्स" के रूप में काम किया, और उनका काम मोजार्ट और बीथोवेन से बहुत प्रभावित था। साथ ही, उनमें से कई ने शास्त्रीय संगीत के विकास में अपना व्यक्तिगत योगदान दिया।

रोमांटिक दौर के हमारे पहले संगीतकार अपने समय के असली सितारे थे। अपने प्रदर्शन के दौरान, उन्होंने कलाप्रवीण व्यक्ति वायलिन कौशल के चमत्कारों का प्रदर्शन किया और अविश्वसनीय स्टंट किए। एक सौ साठ साल बाद पैदा हुए कलाप्रवीण व्यक्ति रॉक गिटारवादक जिमी हेंड्रिक्स की तरह, निकोलो पगनिनीअपने जोशीले नाटक से दर्शकों को हमेशा अचंभित किया।

पगनिनी चार के बजाय दो वायलिन स्ट्रिंग्स पर पूरी तरह से टुकड़ा बजा सकती थी। कभी - कभी

उन्होंने जानबूझकर ऐसा भी किया कि प्रदर्शन के बीच में तार टूट गए, जिसके बाद भी उन्होंने दर्शकों की तालियों की गड़गड़ाहट के साथ इस टुकड़े को शानदार ढंग से समाप्त किया।

एक बच्चे के रूप में, पगनिनी ने विशेष रूप से संगीत का अध्ययन किया। फिर भी, उनके पिता ने उन्हें भोजन और पानी दिए बिना पर्याप्त व्यायाम न करने के लिए दंडित भी किया।

एक वयस्क के रूप में, पगनिनी वायलिन के इतने गुणी स्वामी थे कि यह अफवाह थी कि उन्होंने खुद शैतान के साथ एक समझौता किया था, क्योंकि कोई भी नश्वर इतना शानदार नहीं खेल सकता है। संगीतकार की मृत्यु के बाद, चर्च ने पहले तो उसे अपनी जमीन पर दफनाने से भी इनकार कर दिया।

पगनिनी ने बिना किसी संदेह के अपने सार्वजनिक भाषणों के सभी लाभों को समझा, तर्क दिया:

"मैं बदसूरत हूं, लेकिन जब महिलाएं मुझे खेलते हुए सुनती हैं, तो वे खुद मेरे पैरों पर रेंगती हैं।"

वाद्य रचनाओं और ओपेरा दोनों में संगीत रचनाओं की शैली और संरचना का विकास जारी रहा। जर्मनी में, ओपेरा के अवांट-गार्डे का नेतृत्व किया गया था कार्ल मारिया वॉन वेबर,हालांकि वह वर्षों में रहते थे कि कई लोग रोमांटिक अवधि के लिए विशेषता नहीं रखते हैं।

हम कह सकते हैं कि ओपेरा वेबेरियन के लिए एक पारिवारिक मामला था, और कार्ल ने अपने पिता के ओपेरा मंडली के साथ एक बच्चे के रूप में बड़े पैमाने पर यात्रा की। उनका ओपेरा फ्री शूटर (मैजिक शूटर)संगीत के इतिहास में इस तथ्य के कारण प्रवेश किया कि इसमें लोक उद्देश्यों का उपयोग किया गया था।

थोड़ी देर बाद, आप सीखेंगे कि इस तकनीक को रोमांटिक काल की एक विशिष्ट विशेषता माना जाता है।

वेबर ने कई शहनाई संगीत कार्यक्रम भी लिखे, और यह उनके लिए है कि वह आज ज्यादातर प्रसिद्ध हैं।

इटली ओपेरा का जन्मस्थान है, और चेहरे में जिओआचिनो एंटोनियो रॉसिनिइस शैली के एक नए नायक को खोजने के लिए इटालियंस भाग्यशाली थे। उन्होंने कॉमिक और ट्रैजिक दोनों तरह के ओपेरा को समान सफलता के साथ लिखा।

रॉसिनी उन संगीतकारों में से एक थे जो जल्दी से रचना करते हैं, और आमतौर पर उन्हें ओपेरा लिखने में केवल कुछ सप्ताह लगते हैं। अपनी प्रसिद्धि के चरम पर, उन्होंने एक बार कहा था:

"मुझे कपड़े धोने का बिल दो और मैं इसे संगीत में डाल दूँगा।"

वे कहते हैं कि सेविला के नाईरॉसिनी ने केवल तेरह दिनों में रचना की। काम की इतनी तेज गति ने इस तथ्य को जन्म दिया है कि इटली के सभी थिएटरों में उनके नए ओपेरा का लगातार मंचन किया जाता है। लेकिन उन्होंने हमेशा अपने काम करने वालों के साथ अनुकूल व्यवहार नहीं किया और एक बार तो उनके बारे में खारिज भी कर दिया:

"क्या शानदार ओपेरा होता अगर इसमें गायक न होते!"

लेकिन सैंतीस साल की उम्र में, रॉसिनी ने अचानक ओपेरा लिखना बंद कर दिया और अपने जीवन के पिछले लगभग चार दशकों में उन्होंने केवल स्टैबैट मेटर।

अब तक, यह पूरी तरह से स्पष्ट नहीं है कि ऐसा निर्णय लेते समय उनका क्या मार्गदर्शन था, हालांकि, उस समय तक उनके बैंक खाते में काफी राशि जमा हो चुकी थी - प्रदर्शन से शुल्क।

संगीत के अलावा, रॉसिनी को पाक कला का शौक था, और अन्य संगीतकारों की तुलना में उनके नाम पर कई और व्यंजन रखे गए हैं। तुम भी एक पूरे रात के खाने की व्यवस्था कर सकते हैं, जिसमें रॉसिनी का सलाद, रॉसिनी का आमलेट और टूरनेडो रॉसिनी शामिल होंगे। (टूर्नेडोस ब्रेडक्रंब में तले हुए मांस के स्ट्रिप्स हैं, जिन्हें पाटे और ट्रफल्स के साथ परोसा जाता है।)

फ्रांज शुबर्ट,जो केवल इकतीस वर्ष जीवित रहे, सत्रह वर्ष की आयु तक उन्होंने खुद को एक प्रतिभाशाली संगीतकार के रूप में स्थापित कर लिया था। अपने छोटे से जीवन के दौरान, उन्होंने कुल छह सौ से अधिक गीत, नौ सिम्फनी, ग्यारह ओपेरा और लगभग चार सौ अन्य रचनाएँ लिखीं। अकेले 1815 में, उन्होंने एक सौ चौवालीस गीतों की रचना की, दो जनसमूह, एक सिम्फनी और कई अन्य रचनाएँ।

1823 में उन्हें सिफलिस हुआ और पांच साल बाद, 1828 में, टाइफाइड बुखार से उनकी मृत्यु हो गई। एक साल पहले, वह अपनी मूर्ति लुडविग वैन बीथोवेन के अंतिम संस्कार में शामिल हुए थे।

उल्लेखनीय तथ्य यह है कि शूबर्ट अन्य लोगों के कार्यों के प्रदर्शन के लिए प्रसिद्ध होने वाले पहले प्रमुख संगीतकारों में से एक थे। उन्होंने स्वयं अपनी मृत्यु के वर्ष में केवल एक बड़ा संगीत कार्यक्रम दिया, और तब भी वे पगनिनी के प्रदर्शन से प्रभावित थे, जो लगभग उसी समय वियना आए थे। इतना गरीब शुबर्ट ने अपने जीवनकाल में कभी भी वह सम्मान हासिल नहीं किया जिसके वह हकदार थे।

शुबर्ट के सबसे महान रहस्यों में से एक है सिम्फनी नंबर 8,जाना जाता है अधूरा।उन्होंने इसके केवल दो भाग लिखे, और फिर काम करना बंद कर दिया। कोई नहीं जानता कि उसने ऐसा क्यों किया, लेकिन यह सिम्फनी अभी भी उनके सबसे लोकप्रिय कार्यों में से एक है।

हेक्टर बर्लियोज़उनका जन्म एक डॉक्टर के परिवार में हुआ था, इसलिए उन्होंने, हमारी पुस्तक में वर्णित कई अन्य संगीतकारों के विपरीत, एक पूर्ण संगीत शिक्षा प्राप्त नहीं की।

सबसे पहले, उन्होंने अपने पिता के नक्शेकदम पर चलने और डॉक्टर बनने का फैसला किया, जिसके लिए वे पेरिस चले गए, लेकिन वहाँ अधिक से अधिक बार वे ओपेरा में समय बिताने लगे। उन्होंने अंततः अपने माता-पिता की चिंता के कारण संगीत को अपनाने का फैसला किया।

लोगों को लिखने से लेकर अब तक बर्लियोज़ की छवि व्यंग्यात्मक लग सकती है

किसी भी संगीतकार को प्रस्तुत किया जाता है: बहुत नर्वस और चिड़चिड़ा, आवेगी, अचानक मिजाज के साथ और निश्चित रूप से, विपरीत लिंग के साथ संबंधों में असामान्य रूप से रोमांटिक। एक बार उसने अपने पूर्व प्रेमी पर पिस्तौल हाथ में लेकर उसे जहर देने की धमकी दी; दूसरे का उसने पीछा किया, महिलाओं के कपड़े पहने।

लेकिन बर्लियोज़ की रोमांटिक आकांक्षाओं का मुख्य विषय अभिनेत्री हेरिएट स्मिथसन थी, जो बाद में एक गंभीर नर्वस ब्रेकडाउन से पीड़ित थी - जाहिर है, वह खुद बर्लियोज़ के लिए किसी भी तरह से बकाया नहीं है। उसने पहली बार उसे 1827 में देखा था, लेकिन वह 1832 में ही उससे व्यक्तिगत रूप से मिलने में सफल रहा। सबसे पहले, स्मिथसन ने बर्लियोज़ को अस्वीकार कर दिया, और उन्होंने पारस्परिकता प्राप्त करने की इच्छा रखते हुए लिखा एक शानदार सिम्फनी। 1833 में उन्होंने फिर भी शादी कर ली, लेकिन, जैसा कि अपेक्षित था, कुछ साल बाद बर्लियोज़ को दूसरी महिला से प्यार हो गया।

जहां तक ​​संगीत का सवाल है, बर्लियोज़ को स्कोप पसंद था। उदाहरण के लिए इसे लें Requiem,एक विशाल ऑर्केस्ट्रा और गाना बजानेवालों के लिए, साथ ही साथ मंच के प्रत्येक कोने में रखे चार पीतल के बैंड के लिए लिखा गया। बड़े रूपों के लिए इस तरह की लत ने उनकी मरणोपरांत प्रसिद्धि में बहुत योगदान नहीं दिया। अपने कार्यों को उस रूप में करना जिसमें उन्होंने उन्हें कल्पना की थी, बहुत महंगा हो सकता है, और कभी-कभी असंभव भी हो सकता है। लेकिन वह खुद इस तरह की बाधाओं से बिल्कुल भी शर्मिंदा नहीं थे, और उन्होंने उस पूरे जुनून के साथ संगीत की रचना करना जारी रखा, जिसमें वह सक्षम थे। एक दिन उसने कहा:

"हर संगीतकार उस दर्द और निराशा से परिचित है जो उसके पास लिखने के लिए पर्याप्त समय नहीं होने से आता है।"

इस पुस्तक को पढ़ने वाले किसी भी छात्र को लोगों से जलन महसूस होनी चाहिए जैसे फेलिक्स मेंडेलसोहन,उन लोगों के लिए जो बचपन में प्रसिद्ध हो गए।

जैसा कि हम कई उदाहरणों से देख सकते हैं, शास्त्रीय संगीत की दुनिया में यह असामान्य नहीं है।

हालांकि, मेंडेलसोहन ने न केवल संगीत में उत्कृष्ट प्रदर्शन किया; वह उन कुछ लोगों में से एक थे जो पेंटिंग, कविता, खेल, भाषाओं में - अपने हर काम में अच्छे परिणाम प्राप्त करने का प्रबंधन करते हैं।

मेंडेलसोहन के लिए इन सब में महारत हासिल करना मुश्किल नहीं था।

मेंडेलसोहन भाग्यशाली था - वह एक धनी परिवार में पैदा हुआ था और बर्लिन कलात्मक मंडलियों के रचनात्मक माहौल में बड़ा हुआ था। एक बच्चे के रूप में, वह कई प्रतिभाशाली कलाकारों और संगीतकारों से मिले जो उनके माता-पिता से मिलने आए।

मेंडेलसोहन ने नौ साल की उम्र में पहली बार सार्वजनिक रूप से प्रदर्शन किया, और जब तक वह सोलह वर्ष के थे, तब तक उन्होंने पहले ही रचना कर ली थी स्ट्रिंग ऑक्टेट।एक साल बाद उन्होंने शेक्सपियर के नाटक के लिए एक प्रस्ताव लिखा एक गर्मी की रात में एक सपना।लेकिन उन्होंने इस कॉमेडी के लिए शेष संगीत केवल सत्रह साल बाद बनाया (प्रसिद्ध सहित) मार्च में शादी,जो अभी भी अक्सर शादियों में किया जाता है)।

मेंडेलसोहन का निजी जीवन भी सफलतापूर्वक विकसित हो रहा था: एक लंबे और स्थायी विवाह के वर्षों में, उनके और उनकी पत्नी के पांच बच्चे थे।

उन्होंने पूरे स्कॉटलैंड सहित, काम किया और बहुत यात्रा की, जिनके निवासियों के बारे में उन्होंने बहुत अधिक अनुमोदन नहीं किया:

"... [वे] व्हिस्की, कोहरे और खराब मौसम के अलावा कुछ नहीं पैदा करते हैं।"

लेकिन इसने उन्हें स्कॉटलैंड को समर्पित दो अद्भुत रचनाएँ लिखने से नहीं रोका। पहली यात्रा समाप्त होने के तेरह साल बाद स्कॉटिश सिम्फनी;आधार में हेब्राइड्स के दृश्यस्कॉटिश धुनें रखी गईं। मेंडेलसोहन ग्रेट ब्रिटेन के साथ अपने भाषण कार्यक्रम एलिजा के साथ भी जुड़े थे, जिसका पहली बार 1846 में बर्मिंघम में मंचन किया गया था। उन्होंने महारानी विक्टोरिया से भी मुलाकात की और प्रिंस अल्बर्ट को संगीत की शिक्षा दी।

मेंडेलसोहन की अपेक्षाकृत कम उम्र में - अड़तीस वर्ष की आयु में एक स्ट्रोक से मृत्यु हो गई। बेशक, हम कह सकते हैं कि उन्हें अपने लिए खेद नहीं था और अत्यधिक काम से अधिक काम किया गया था, लेकिन उनकी प्यारी बहन फैनी, जो एक प्रतिभाशाली संगीतकार भी थीं, की मृत्यु से उनकी मृत्यु कम नहीं हुई थी।

हमसे पहले हड्डी के लिए एक और रोमांटिक है। जिसमें फ़्रेडरिक चॉपिनवह एक वाद्य यंत्र के प्रति भावुक भक्ति से भी प्रतिष्ठित थे, और यह हमारी पुस्तक में वर्णित संगीतकारों के लिए एक बड़ी दुर्लभता है।

यह कहना कि चोपिन को पियानो से प्यार था, कुछ भी नहीं कहना है। उन्होंने उनकी प्रशंसा की, उन्होंने अपना पूरा जीवन पियानो रचनाओं की रचना और इसे खेलने की तकनीकों में सुधार के लिए समर्पित कर दिया। मानो उसके लिए कोई अन्य वाद्य यंत्र नहीं थे, सिवाय आर्केस्ट्रा की रचनाओं में एक संगत के रूप में।

चोपिन का जन्म 1810 में वारसॉ में हुआ था; उनके पिता फ्रेंच थे, और उनकी मां पोलिश थीं। फ्रेडरिक ने सात साल की उम्र में प्रदर्शन करना शुरू किया, और उनकी पहली रचनाएँ उसी समय की हैं। मुझे कहना होगा कि उनकी विशिष्ट विशेषता हमेशा भविष्य के लिए प्रयासरत रही है।

इसके बाद, चोपिन पेरिस में प्रसिद्ध हो गए, जहाँ उन्होंने अमीर लोगों को संगीत की शिक्षा देना शुरू किया, जिसकी बदौलत वे खुद अमीर बन गए। वह हमेशा अपनी उपस्थिति की सावधानीपूर्वक निगरानी करता था और यह सुनिश्चित करता था कि उसकी अलमारी नवीनतम फैशन के अनुरूप हो।

एक संगीतकार के रूप में, चोपिन व्यवस्थित और संपूर्ण थे। उन्होंने अपने आप को कभी भी लापरवाही नहीं होने दी, उनके द्वारा हर कार्य को पूर्णता प्रदान की गई। आश्चर्य नहीं कि संगीत रचना उनके लिए एक दर्दनाक प्रक्रिया थी।

कुल मिलाकर, उन्होंने पियानो के लिए एक सौ उनसठ एकल गीतों की रचना की।

पेरिस में, चोपिन को प्रसिद्ध फ्रांसीसी लेखक अमांडाइन ऑरोरा ल्यूसिले डुपिन से प्यार हो गया, जिसे छद्म नाम जॉर्जेस सैंड के तहत जाना जाता है। वह एक उल्लेखनीय व्यक्ति थी: उसे अक्सर पेरिस की सड़कों पर, पुरुषों के कपड़ों में घूमते हुए और सिगार पीते हुए पाया जा सकता था, जिसने अच्छी तरह से नस्ल की जनता को चौंका दिया। चोपिन और जॉर्जेस सैंड का रोमांस हिंसक रूप से आगे बढ़ा और एक दर्दनाक ब्रेकअप में समाप्त हुआ।

रोमांटिक काल के कुछ अन्य संगीतकारों की तरह, चोपिन ने एक लंबा जीवन नहीं जिया - जॉर्ज सैंड के साथ संबंध तोड़ने के तुरंत बाद, उनतीस साल की उम्र में तपेदिक से उनकी मृत्यु हो गई।

रॉबर्ट शुमानएक और संगीतकार है जिसने एक छोटा और चिंतित जीवन जिया, हालांकि उसके मामले में सब कुछ काफी हद तक पागलपन से भरा हुआ था। आज, शुमान द्वारा पियानो, गाने और चैम्बर संगीत के लिए काम जाना जाता है।

शुमान एक शानदार संगीतकार थे, लेकिन अपने जीवनकाल में वे अपनी पत्नी की छाया में थे क्लारा शुमान,उस समय के शानदार पियानोवादक। एक संगीतकार के रूप में, वह कम जानी जाती हैं, हालाँकि उन्होंने काफी दिलचस्प संगीत भी लिखा है।

रॉबर्ट शुमान खुद हाथ की चोट के कारण पियानोवादक के रूप में प्रदर्शन नहीं कर सके, और इस क्षेत्र में प्रसिद्ध होने वाली महिला के बगल में रहना उनके लिए कठिन था।

संगीतकार उपदंश और तंत्रिका टूटने से पीड़ित था; एक बार उसने खुद को राइन में फेंक कर आत्महत्या करने की भी कोशिश की थी। उन्हें बचाया गया और एक मनोरोग अस्पताल में रखा गया, जहां दो साल बाद उनकी मृत्यु हो गई।

शुमान कला के प्रति व्यावहारिक थे। उनका निम्नलिखित कथन ज्ञात है:

"रचना करने के लिए, आपको बस एक राग के साथ आने की जरूरत है जो कभी किसी के साथ नहीं हुआ।"

यदि पगनिनी को वायलिन वादकों - कलाकारों का राजा कहा जा सकता है, तो रोमांटिक पियानोवादकों के बीच यह शीर्षक सही है फ्रांज लिस्ट्ट।वह अन्य संगीतकारों, विशेष रूप से वैगनर के शिक्षण और अथक प्रदर्शन में भी शामिल थे, जिस पर बाद में चर्चा की जाएगी।

लिज़्ट की पियानो रचनाएँ करना बेहद कठिन है, लेकिन उन्होंने अपनी वादन तकनीक को यह अच्छी तरह से जानते हुए लिखा कि उन्हें उनसे बेहतर कोई नहीं बजा सकता।

इसके अलावा, लिस्ट्ट ने अन्य संगीतकारों के कार्यों को पियानो में स्थानांतरित कर दिया: बीथोवेन, बर्लियोज़, रॉसिनी और शुबर्ट। उनकी उंगलियों के नीचे, उन्होंने एक विचित्र मौलिकता हासिल कर ली और एक नए तरीके से आवाज करने लगे। यह देखते हुए कि वे मूल रूप से एक ऑर्केस्ट्रा के लिए लिखे गए थे, यह संगीतकार के कौशल पर चकित होना बाकी है, आश्चर्यजनक रूप से उन्हें एक ही यंत्र पर सटीक रूप से पुन: प्रस्तुत करना।

लिस्ट्ट अपने समय के असली सितारे थे; रॉक 'एन' रोल के आविष्कार से सौ साल पहले, उन्होंने विभिन्न प्रकार के प्रेम संबंधों सहित - किसी भी रॉक संगीतकार के योग्य जीवन व्यतीत किया। यहां तक ​​कि पौरोहित्य लेने के निर्णय ने भी उसे प्रेम प्रसंग शुरू करने से नहीं रोका ।

लिस्ट्ट ने पियानो और ऑर्केस्ट्रा के प्रदर्शन को भी लोकप्रिय बनाया, एक शैली जो आज भी प्रचलित है। उन्हें अपने प्रशंसकों की प्रशंसात्मक निगाहों को पकड़ना और अपनी उंगलियों को चाबियों पर उड़ते हुए देखने वाले दर्शकों की उत्साही चीखों को सुनना बहुत पसंद था। इसलिए, उन्होंने पियानो को चालू कर दिया ताकि दर्शक पियानोवादक के प्रदर्शन का अनुसरण कर सकें। इससे पहले वे दर्शकों के सामने पीठ के बल बैठ गए।

आम जनता जानती है जॉर्जेस बिज़ेटाओपेरा के निर्माता के रूप में कारमेन,लेकिन हमारी पुस्तक के अंत में प्रकाशित सूची में उनकी एक और रचना शामिल है, औ फोंड डू मंदिर सैंटो(के रूप में भी जाना जाता है नादिर और ज़ुर्गी का युगल गीत)ओपेरा से मोती चाहने वाले।जब से हमने 1996 में क्लासिक एफएम श्रोताओं के बीच सबसे लोकप्रिय गीतों की सूची तैयार करना शुरू किया है, तब से यह लगातार चार्ट में सबसे ऊपर रहा है।

बिज़ेट एक और बच्चा विलक्षण है जिसने एक बच्चे के रूप में अपनी असाधारण संगीत क्षमताओं का प्रदर्शन किया। उन्होंने सत्रह साल की उम्र में अपनी पहली सिम्फनी लिखी। सच है, वह भी छत्तीस साल की उम्र में जल्दी मर गया, असामयिक मृत प्रतिभाओं की सूची में शामिल हो गया।

अपनी प्रतिभा के बावजूद, बिज़ेट ने अपने जीवनकाल में कभी भी वास्तविक पहचान हासिल नहीं की। ओपेरा मोती चाहने वालेअलग-अलग सफलता के साथ मंचन, और प्रीमियर कारमेनऔर पूरी तरह से विफलता में समाप्त हो गया - उस समय की फैशनेबल जनता ने उसे स्वीकार नहीं किया। आलोचकों और संगीत के सच्चे पारखी के इष्ट कारमेनसंगीतकार की मृत्यु के बाद ही जीता। तब से, दुनिया के सभी प्रमुख ओपेरा हाउसों में इसका मंचन किया गया है।

राष्ट्रवादी

यहाँ एक और अत्यंत अस्पष्ट परिभाषा है। न केवल सभी रोमांटिक संगीतकार, बल्कि कुछ हद तक बारोक और शास्त्रीय काल के कई प्रतिनिधियों को भी "राष्ट्रवादी" कहा जा सकता है।

फिर भी, इस खंड में हम रोमांटिक काल के चौदह प्रमुख संगीतकारों को सूचीबद्ध करते हैं, जिनकी रचनाएँ इस शैली में लिखी गई हैं कि श्रोता भी जो शास्त्रीय संगीत से बहुत परिचित नहीं हैं, यह बता सकते हैं कि यह या वह गुरु कहाँ से है।

कभी-कभी इन संगीतकारों को एक या दूसरे राष्ट्रीय संगीत विद्यालय में भेजा जाता है, हालांकि यह दृष्टिकोण पूरी तरह से सही नहीं है।

आमतौर पर, "स्कूल" शब्द एक कक्षा का प्रतिनिधित्व करता है जिसमें बच्चे, एक शिक्षक के मार्गदर्शन में, एक ही कार्य करते हैं।

यदि हम संगीतकारों के बारे में बात करते हैं, तो वे एक सामान्य दिशा से एकजुट थे, और वे प्रत्येक ने अपने स्वयं के पथ का अनुसरण किया, संगीत की अभिव्यक्ति के अपने स्वयं के अनूठे साधन खोजने की कोशिश की।

रूसी स्कूल

यदि रूसी शास्त्रीय संगीत के संस्थापक पिता हैं, तो यह निस्संदेह है, मिखाइल इवानोविच ग्लिंका।संगीतकार - राष्ट्रवादी इस तथ्य से सटीक रूप से प्रतिष्ठित हैं कि वे अपने कार्यों में लोक धुनों का उपयोग करते हैं। ग्लिंका को उनकी दादी ने रूसी गीतों से परिचित कराया था।

कई अन्य प्रतिभाशाली संगीतकारों के विपरीत, जिनका उल्लेख हमारी पुस्तक के पन्नों में अक्सर किया जाता है, ग्लिंका ने अपेक्षाकृत कम उम्र में - अपने बिसवां दशा में संगीत का गंभीरता से अध्ययन करना शुरू किया। सबसे पहले, उन्होंने रेल मंत्रालय में एक अधिकारी के रूप में कार्य किया।

जब ग्लिंका ने अपना करियर बदलने का फैसला किया, तो वे इटली गए, जहाँ उन्होंने एक पियानोवादक के रूप में प्रदर्शन किया। यह वहाँ था कि उन्होंने ओपेरा के लिए एक गहरा प्रेम विकसित किया। घर लौटकर, उन्होंने अपने पहले ओपेरा की रचना की राजा के लिए एक जीवन।दर्शकों ने तुरंत उन्हें सर्वश्रेष्ठ रूसी समकालीन संगीतकार के रूप में पहचान लिया। उनका दूसरा ओपेरा, रुस्लान और लुडमिला,को उतनी सफलता नहीं मिली, हालाँकि यह समय की कसौटी पर बेहतर थी।

अलेक्जेंडर पोरफिरेविच बोरोडिनसंगीतकारों के अंतर्गत आता है, जो संगीत के अलावा, अन्य गतिविधियों में सक्रिय रूप से शामिल थे। बोरोडिन के लिए, उन्होंने एक वैज्ञानिक - एक रसायनज्ञ के रूप में अपना करियर शुरू किया। उनका पहला काम "हाइड्रोबेनज़ामाइड और अमरीन पर एथिल आयोडाइड के प्रभाव पर" शीर्षक था, और निश्चित रूप से आप इसे क्लासिक एफएम पर कभी नहीं सुनेंगे, क्योंकि यह एक वैज्ञानिक कार्य है जिसका संगीत से कोई लेना-देना नहीं है।

बोरोडिन जॉर्जियाई राजकुमार का नाजायज बेटा था; संगीत के लिए प्यार और सामान्य रूप से कला में रुचि, उन्होंने अपनी माँ से जीवन भर के लिए उन्हें संरक्षित किया।

अपने निरंतर रोजगार के कारण, वह केवल बीस रचनाएँ प्रकाशित करने में सफल रहे, जिनमें सिम्फनी, गीत और चैम्बर संगीत शामिल हैं।

के साथ साथ मिली बालाकिरेव, निकोलाई रिम्स्की - कोर्साकोव, सीज़र कुइसतथा मामूली मुसॉर्स्कीबोरोडिन "माइटी हैंडफुल" संगीत समुदाय के सदस्य थे। इन सभी संगीतकारों की सफलता इस मायने में और भी अधिक उल्लेखनीय है कि इन सभी में संगीत के अलावा अन्य कार्य भी थे।

इसमें वे निश्चित रूप से इस पुस्तक में वर्णित अधिकांश अन्य संगीतकारों से भिन्न हैं।

बोरोडिन का सबसे लोकप्रिय काम है पोलोवेट्सियन नृत्यउनके ओपेरा से राजकुमार इगोर।यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि उन्होंने स्वयं इसे कभी पूरा नहीं किया (हालांकि उन्होंने सत्रह वर्षों तक इस पर काम किया)। ओपेरा उनके दोस्त रिम्स्की - कोर्साकोव द्वारा पूरा किया गया था, जिसके बारे में हम नीचे और अधिक विस्तार से चर्चा करेंगे।

हमारे मत के अनुसार, मामूली पेट्रोविच मुसॉर्स्कीद माइटी हैंडफुल के संगीतकारों में सबसे आविष्कारशील और प्रभावशाली थे, हालांकि, एक असामान्य व्यक्ति के रूप में, वह रचनात्मक पेशे के कई प्रतिनिधियों में निहित एक या दो दोषों से नहीं बच पाए।

सेना छोड़कर मुसॉर्स्की को सिविल सेवा में नौकरी मिल गई। अपनी युवावस्था में, वह प्यार करता था, जैसा कि वे कहते हैं, टहलने के लिए, प्रभावशालीता से प्रतिष्ठित था, और अपने जीवन के अंत में वह शराब से पीड़ित था। इस कारण से, उन्हें अक्सर अव्यवस्थित बालों और अस्वाभाविक रूप से लाल नाक के साथ चित्रित किया जाता है।

मुसॉर्स्की ने अक्सर अपने कामों को पूरा नहीं किया, और उसके दोस्तों ने उसके लिए किया - कभी-कभी उस तरह से नहीं जैसा वह खुद चाहता था, इसलिए अब हमें यकीन नहीं है कि लेखक का मूल इरादा क्या था। ऑपरेशन ऑर्केस्ट्रेशन बोरिस गोडुनोवरिमस्की का रीमेक - कोर्साकोव, साथ ही प्रसिद्ध "म्यूजिकल पिक्चर" बाल्ड माउंटेन पर रात(डिज्नी फिल्म में प्रयुक्त) कल्पना)।करने के लिए आर्केस्ट्रा प्रदर्शनी से तस्वीरेंमौरिस रवेल द्वारा लिखित, और इस संस्करण में वे हमारे समय में जाने जाते हैं।

इस तथ्य के बावजूद कि मुसॉर्स्की एक धनी परिवार से आया था और एक पियानोवादक और संगीतकार के रूप में एक विशाल प्रतिभा थी, शराब से केवल बयालीस वर्ष की आयु में उसकी मृत्यु हो गई।

माता - पिता निकोले रिम्स्की - कोर्साकोवसपना देखा कि उनका बेटा नौसेना में सेवा करेगा, और वह उनकी उम्मीदों पर खरा उतरा। लेकिन नौसेना में कई वर्षों तक सेवा देने और कई समुद्री यात्राएं करने के बाद, वह एक संगीतकार और संगीत शिक्षक बन गए, जो निस्संदेह उनके परिवार के लिए एक आश्चर्य बन गया। सच कहूं तो, रिम्स्की-कोर्साकोव हमेशा संगीत में रुचि रखते थे, और यहां तक ​​​​कि रचना भी करने लगे सिम्फनी नंबर 1,जब उनका जहाज टेम्स मुहाना के ग्रेवसेंड औद्योगिक क्षेत्र में डॉक किया गया था। यह संभवत: इस पुस्तक में वर्णित सबसे कम रोमांटिक कम्पोजिंग स्पॉट्स में से एक है।

इस तथ्य के अलावा कि रिमस्की-कोर्साकोव ने मुसॉर्स्की के कुछ कार्यों को पूरा किया और संसाधित किया, उन्होंने स्वयं रूसी जीवन के विषयों पर पंद्रह ओपेरा बनाए, हालांकि उनके कार्यों में विदेशी देशों का प्रभाव भी महसूस किया जाता है। उदाहरण के लिए, Scheherazadeद थाउजेंड एंड वन नाइट्स की एक कहानी पर आधारित है।

रिमस्की-कोर्साकोव पूरे ऑर्केस्ट्रा की ध्वनि की सुंदरता दिखाने में विशेष रूप से अच्छे थे। उन्होंने अपनी शिक्षण गतिविधियों में इस पर बहुत ध्यान दिया और इस तरह उनके बाद काम करने वाले कई रूसी संगीतकारों को प्रभावित किया, खासकर स्ट्राविंस्की।

पीटर इलिच त्चिकोवस्कीउन्होंने अपनी रचनाओं में रूसी लोक धुनों का भी इस्तेमाल किया, लेकिन, अन्य रूसी राष्ट्रीय संगीतकारों के विपरीत, उन्होंने उन्हें अपने तरीके से संसाधित किया, जैसे, संयोग से, पूरे यूरोप की संगीत विरासत।

त्चिकोवस्की का निजी जीवन, विभिन्न रहस्यों में डूबा हुआ (उनके समलैंगिक झुकाव की अफवाहें व्यापक थीं), आसान नहीं था। उन्होंने खुद एक बार कहा था:

"संगीत के लिए नहीं तो वास्तव में पागल होने के लिए कुछ होगा!"

एक बच्चे के रूप में, वह प्रभावशाली था, और एक वयस्क के रूप में, वह उदासी और यहां तक ​​​​कि अवसाद के मुकाबलों के लिए अतिसंवेदनशील था। एक से अधिक बार उनके पास आत्महत्या के विचार आए। अपनी युवावस्था में, उन्होंने कानून का अध्ययन किया और कुछ समय के लिए न्याय मंत्रालय में काम किया, लेकिन जल्द ही खुद को पूरी तरह से संगीत के लिए समर्पित करने के लिए सेवा छोड़ दी। सैंतीस साल की उम्र में, उन्होंने अप्रत्याशित रूप से शादी कर ली, लेकिन उनकी शादी उनके और उनकी पत्नी दोनों के लिए एक वास्तविक पीड़ा थी। अंत में, उसकी पत्नी को एक मनोरोग अस्पताल में ले जाया गया, जहाँ उसकी मृत्यु हो गई। त्चिकोवस्की खुद भी लंबे समय तक ब्रेकअप से पीड़ित रहे, जो शादी के दो महीने बाद ही हुआ।

त्चिकोवस्की के शुरुआती कार्यों को आम जनता ने मान्यता नहीं दी, और इससे उन्हें बहुत पीड़ा हुई। यह उत्सुक है कि इनमें से कई काम, जिनमें शामिल हैं वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत कार्यक्रमतथा पियानो और ऑर्केस्ट्रा नंबर 1 के लिए कॉन्सर्टो, inवर्तमान में बहुत लोकप्रिय हैं। रिकॉर्डिंग पियानो और ऑर्केस्ट्रा नंबर 1 के लिए कॉन्सर्टोसामान्य तौर पर, यह दस लाख प्रतियों की बिक्री के लिए गोल्डन डिस्क की स्थिति से सम्मानित होने वाली पहली शास्त्रीय संगीत रिकॉर्डिंग बन गई।

त्चिकोवस्की ने दस ओपेरा लिखे, जिनमें शामिल हैं यूजीन वनगिन,और बैले के लिए संगीत जैसे सरौता, स्लीपिंग ब्यूटीतथा स्वान झील।इस संगीत को सुनकर, व्यक्ति को तुरंत त्चिकोवस्की की प्रतिभा की महानता का एहसास होता है, जो एक अत्यंत सामंजस्यपूर्ण और रोमांचक राग बनाने में सक्षम था। उनके बैले का मंचन अक्सर विश्व मंचों पर किया जाता है और जनता द्वारा हमेशा उनकी प्रशंसा की जाती है। इसी कारण से, उनकी सिम्फनी और संगीत समारोहों के संगीत वाक्यांश उन लोगों के लिए भी जाने जाते हैं जो शास्त्रीय संगीत से परिचित नहीं हैं।

कई वर्षों तक, त्चिकोवस्की ने नादेज़्दा वॉन मेक नाम की एक धनी विधवा के पक्ष का आनंद लिया, जिसने उसे बड़ी रकम भेजी, बशर्ते कि वे कभी भी व्यक्तिगत रूप से न मिले। संभव है कि किसी निजी मुलाकात में दोनों ने एक-दूसरे को पहचाना न हो।

संगीतकार की मृत्यु की परिस्थितियां अभी भी पूरी तरह से स्पष्ट नहीं हैं। आधिकारिक निष्कर्ष के अनुसार, त्चिकोवस्की की हैजा से मृत्यु हो गई: उसने वायरस से दूषित पानी पिया। लेकिन एक संस्करण है जिसके अनुसार उसने खुद आत्महत्या कर ली, इस डर से कि उसके समलैंगिक संबंधों को सार्वजनिक कर दिया जाएगा।

चेक स्कूल

यदि ग्लिंका को रूसी शास्त्रीय संगीत का जनक माना जाता है, तो चेक शास्त्रीय संगीत में वही भूमिका निभाई जाती है बेडरिक खट्टा क्रीम।

खट्टा क्रीम हमेशा चेक लोक संस्कृति और स्वदेश की प्रकृति से प्रेरित रहा है। यह उनके सिम्फोनिक कविताओं के चक्र में विशेष रूप से महसूस किया जाता है मेरी मातृभूमि,जिसे लिखने में स्मेताना को आठ साल लगे।

वर्तमान में, इस चक्र में सबसे लोकप्रिय टुकड़ा है वल्तावा,प्राग से बहने वाली सबसे बड़ी चेक नदियों में से एक को समर्पित।

अपने जीवन के अंत में बेदिच स्मेताना गंभीर रूप से बीमार पड़ गए (संभवतः उपदंश के साथ), बहरे हो गए और अपना दिमाग खो दिया। साठ वर्ष की आयु में उनका निधन हो गया।

उनके संगीत ने हमारी सूची में अगले संगीतकार एंटोनिन ड्वोरक को प्रभावित किया, जिनके कार्यों को चेक गणराज्य की सीमाओं से बहुत दूर मान्यता मिली है।

एंटोनिन ड्वोकाकीएक वास्तविक चेक राष्ट्रीय नायक था जो अपनी मातृभूमि से बहुत प्यार करता था। उनके देशवासियों ने उन्हें बदला और प्यार किया।

ड्वोरक के कार्यों को ब्रह्म द्वारा व्यापक रूप से बढ़ावा दिया गया था (जिस पर थोड़ी देर बाद चर्चा की जाएगी)। धीरे-धीरे ड्वोरक का नाम पूरी दुनिया में पहचाना जाने लगा। इसलिए, उदाहरण के लिए, उन्होंने इंग्लैंड में प्रशंसकों को प्राप्त किया, जहां उन्होंने रॉयल फिलहारमोनिक सोसाइटी के निमंत्रण पर और साथ ही बर्मिंघम और लीड्स में समारोहों में प्रदर्शन किया।

उसके बाद, ड्वोरक ने संयुक्त राज्य जाने का फैसला किया, जहां 1890 के दशक में उन्हें न्यूयॉर्क में नेशनल कंज़र्वेटरी के कंडक्टर के पद की पेशकश की गई, जिसे उन्होंने तीन साल तक आयोजित किया। ड्वोरक ने अपनी मातृभूमि को बहुत याद किया, लेकिन उन्होंने स्थानीय संगीत में रुचि रखना कभी बंद नहीं किया। उसके प्रभाव उसके में परिलक्षित होते हैं सिम्फनी नंबर 9,नामित नई दुनिया से।

अंततः, ड्वोरक ने घर लौटने का फैसला किया और अपने जीवन के अंतिम वर्ष प्राग में अध्यापन में बिताए।

संगीत के अलावा, ड्वोरक को ट्रेनों और जहाजों में दिलचस्पी थी, और यह उनका जुनून था, सबसे अधिक संभावना है, कि वह संयुक्त राज्य की यात्रा करने के लिए सहमत हुए, हालांकि उन्हें दी जाने वाली बड़ी फीस निर्णायक भूमिका निभा सकती थी।

d चेक नेशनल स्कूल ऑफ़ म्यूज़िक के प्रतिनिधियों में भी शामिल हैं जोसेफ सुक, लेओस जानसेकीतथा बोहुस्लाव मार्टिनू।

स्कैंडिनेवियाई स्कूल

नार्वेजियन एडवर्ड ग्रिगउन संगीतकारों के समूह से संबंधित है जो अपनी मातृभूमि से बहुत प्यार करते थे। और मातृभूमि ने उसका बदला लिया। नॉर्वे में, उनके काम अभी भी बेहद लोकप्रिय हैं। लेकिन चीजें अलग हो सकती थीं, क्योंकि ग्रिग परिवार वास्तव में स्कॉटिश वंश का था - उनके परदादा कुलोडेन में अंग्रेजों के साथ लड़ाई में हारने के बाद स्कैंडिनेविया में चले गए।

सबसे अच्छी बात यह है कि ग्रिग ने छोटी शैलियों की रचनाएँ प्राप्त कीं, जैसे कि गीत के टुकड़ेपियानो के लिए। लेकिन उनका सबसे प्रसिद्ध संगीत कार्यक्रम है पियानो संगीत कार्यक्रम,एक प्रभावशाली परिचय के साथ, जिसमें पियानो की आवाजें थरथराते हुए टिमपनी के नीचे ओलों की तरह बरसती हुई प्रतीत होती हैं।

d स्कैंडिनेवियाई नेशनल स्कूल ऑफ़ म्यूज़िक के प्रतिनिधियों में भी शामिल हैं कार्ल नील्सनतथा जोहान स्वेंडसन।

इस तथ्य के बावजूद कि 19वीं शताब्दी में शास्त्रीय संगीत भी स्पेन में लिखा गया था, इतने सारे संगीतकार नहीं थे जिन्होंने विश्व प्रसिद्धि हासिल की। अपवादों में से एक है इसहाक अल्बेनिस,अपनी युवावस्था में, एक विनम्र स्वभाव से प्रतिष्ठित नहीं।

वे कहते हैं कि अल्बेनिस ने एक साल की उम्र में पियानो बजाना सीखा। तीन साल बाद, उन्होंने सार्वजनिक रूप से प्रदर्शन किया, और आठ साल की उम्र में उन्होंने दौरा करना शुरू कर दिया। पंद्रह साल की उम्र तक, वह अर्जेंटीना, क्यूबा, ​​​​संयुक्त राज्य अमेरिका और इंग्लैंड का दौरा करने में कामयाब रहे।

अल्बेनिस विशेष रूप से कामचलाऊ व्यवस्था में सफल रहा: वह मक्खी पर कुछ राग के साथ आ सकता था और तुरंत इसे कई संस्करणों में बजा सकता था। उन्होंने वाद्य यंत्र में महारत हासिल करने के चमत्कारों का भी प्रदर्शन किया - उन्होंने अपनी पीठ से उन्हें बजाया। इसे सबसे ऊपर करने के लिए, उन्होंने अपने प्रदर्शन के तमाशे को जोड़ते हुए हर बार एक मस्कटियर पोशाक पहनी।

वयस्कता में, वह थोड़ा बस गया और दर्शकों को अपने चौंकाने वाले व्यवहार से नहीं, बल्कि अपनी रचनाओं से चकित कर दिया। पियानो के टुकड़ों के अपने चक्र के लिए विशेष रूप से प्रसिद्ध इबेरिया।अपनी सफलता के लिए धन्यवाद, इस संगीतकार ने स्पेन को छाया से बाहर निकाला और विश्व संगीत समुदाय का ध्यान आकर्षित किया।

d अल्बेनिज़ स्पेनिश नेशनल स्कूल के कई अन्य संगीतकारों पर प्रभावशाली था, जिनमें शामिल हैं पाब्लो डी सरसाटे, एनरिक ग्रेनाडोस, मैनुअल डी फलातथा एयटोरा विला - लोबोस(जो ब्राजीलियाई थे)।

अंग्रेजी विद्यालय

आर्थर सुलिवनआज अच्छी तरह से जाना जाता है। लेकिन इतिहास ने उनके साथ बहुत उचित व्यवहार नहीं किया, क्योंकि आज वे उनके सर्वोत्तम कार्यों को याद करते हैं। 1870 के दशक में, उन्होंने कवि और लिबरेटिस्ट डब्ल्यू. श गिल्बर्ट के साथ सहयोग करना शुरू किया। साथ में उन्होंने कई कॉमिक ओपेरेटा लिखे: जूरी, पाइरेट्स ऑफ पेनजेंस, हर मेजेस्टीज फ्रिगेट "पिनाफोर", प्रिंसेस इडा, मिकाडो, येओमन - गार्ड्समैनअन्य।

अपने संयुक्त कार्य की अपार सफलता के बावजूद, इन दोनों लेखकों का एक-दूसरे के साथ बहुत अच्छा तालमेल नहीं रहा और अंत में, हिंसक झगड़ों के बाद, उन्होंने पूरी तरह से संवाद करना बंद कर दिया। हालाँकि, ये झगड़े खाली थे।

उदाहरण के लिए, उनमें से एक ने लंदन के सेवॉय थिएटर में एक नए कालीन पर काम किया, जहां आमतौर पर उनके ओपेरा का मंचन किया जाता था।

सुलिवन ने एक गंभीर संगीतकार के रूप में प्रसिद्ध होने का सपना देखा था, लेकिन अब तक उनके काम, जो ओपेरेटा की शैली से संबंधित नहीं हैं, को भुला दिया गया है।

हालाँकि, उन्होंने एक ओपेरा लिखा इवानहो,काफी दिलचस्प ई नाबालिग में सिम्फनीऔर गान "आगे, मसीह का मेजबान!"- शायद उनका सबसे अधिक बार किया जाने वाला काम।

d इंग्लिश नेशनल स्कूल ऑफ़ म्यूज़िक के प्रतिनिधियों में भी शामिल हैं अर्नोल्ड बक्स, ह्यूबर्ट पेरी, सैमुअल कोलरिज - टेलर, चार्ल्स विलियर स्टैनफोर्ड;तथा जॉर्ज बटरवर्थ।

फ्रेंच स्कूल

गिल्बर्ट और सुलिवन के ओपेरा के फ्रांसीसी एनालॉग को काम कहा जा सकता है जैक्स ऑफ़ेनबैक,एक आदमी जो निश्चित रूप से हास्य की भावना रखता था। वह कोलोन में पैदा हुआ था और इसलिए कभी-कभी खुद को "ओ" के रूप में हस्ताक्षरित करता था। कोलोन से "(" ओ डी कोलोन "लगता है" कोलोन ")।

1858 में, ऑफेनबैक ने पेरिसियों को चकित कर दिया कर सकते हैंआपरेटा से नरक में ऑर्फियस; एक परिष्कृत दर्शकों के लिए, आम लोगों के ऐसे नृत्य जंगली और अश्लील लगते थे, हालाँकि, और आपरेटा को ही निंदनीय माना जाता था।

वैसे, यदि यह नाम आपको जाना-पहचाना लगता है, तो यह याद रखने योग्य है कि पिछली शताब्दियों में ऑर्फ़ियस के मिथक का संगीत पेरी, मोंटेवेर्डी और ग्लक द्वारा लिखा गया था। ऑफ़ेनबैक का संस्करण व्यंग्यपूर्ण था, मनोरंजन के लिए अभिप्रेत था, और इसलिए इसमें अत्यधिक तुच्छ दृश्य शामिल थे। फिर भी, पहली छाप के बावजूद, जनता को अंततः ओपेरेटा से प्यार हो गया, जिससे कि ऑफेनबैक के पास अपने लिखे पर पछतावा करने का कोई कारण नहीं था।

उनके अन्य कार्यों में, एक गंभीर ओपेरा जाना जाता है हॉफमैन के किस्से,जो लगता है बारकारोल।

लियो डेलीबेसऑफेनबैक से कम प्रभावशाली संगीतकार नहीं थे, हालांकि अब उनके ओपेरा में से केवल एक ही मुख्य रूप से याद किया जाता है - लक्मे,जिसमें प्रसिद्ध फूल जोड़ी,कई टेलीविजन स्क्रीनसेवर और विज्ञापनों में उपयोग किया जाता है।

डेलिबेस के परिचितों में बर्लियोज़ और बिज़ेट जैसे महान संगीतकार थे, जिनके साथ उन्होंने पेरिस में लिरिक थिएटर कोरस के निदेशक के रूप में काम किया।

डी फ्रेंच नेशनल स्कूल ऑफ म्यूजिक के प्रतिनिधियों में भी शामिल हैं एलेक्सिस - इमैनुएल चैबियर, चार्ल्स मैरी विडोर, जोसेफ कांटे - loubतथा जूल्स मस्सेनेट,ओपेरा थाई लोगजिसमें इंटरमेज़ो शामिल है कुछ विचार (ध्यान),कई समकालीन वायलिन वादकों के बीच लोकप्रिय।

वियना वाल्ट्ज स्कूल

हमारे दो अंतिम राष्ट्रीय संगीतकार - रोमांस - पिता और पुत्र हैं, हालांकि उनके बीच उम्र का अंतर (इक्कीस वर्ष) इतिहास के लिए उतना महान नहीं है। जोहान स्ट्रॉस सीनियर"वाल्ट्ज का पिता" माना जाता है। वह एक उत्कृष्ट वायलिन वादक थे और एक ऑर्केस्ट्रा का निर्देशन करते थे जो पूरे यूरोप में प्रदर्शन करता था और इसके लिए पर्याप्त धन प्राप्त करता था।

फिर भी, "वाल्ट्ज किंग" की उपाधि उनके बेटे की है, जिसे जोहान स्ट्रॉस भी कहा जाता था। उनके पिता नहीं चाहते थे कि वह एक वायलिन वादक बनें, लेकिन छोटे जोहान ने अभी भी अपना जीवन संगीत के लिए समर्पित कर दिया और अपने स्वयं के ऑर्केस्ट्रा का आयोजन किया, जो अपने पिता के प्रतिद्वंद्वी था। छोटे स्ट्रॉस के पास एक अच्छा व्यावसायिक कौशल था, जिसकी बदौलत वह अपनी वित्तीय स्थिति को मजबूत करने में सक्षम थे।

कुल जोहान स्ट्रॉस - बेटाउनमें से सबसे लोकप्रिय सहित एक सौ अड़सठ वाल्ट्ज लिखे - सुंदर नीले डेन्यूब पर।अंत में, स्ट्रॉस के नाम पर छह ऑर्केस्ट्रा का नाम रखा गया था, जिनमें से एक का नेतृत्व जोहान के भाई, छोटे जोसेफ और दूसरे ने उनके दूसरे भाई एडुआर्ड ने किया था (उनमें से प्रत्येक ने लगभग तीन सौ रचनाओं की रचना की थी)।

विनीज़ कॉफ़ी हाउस में जोहान के वाल्ट्ज और पोल्का हिट थे, और प्रकाश और दिलेर शैली पूरे यूरोप में नृत्य संगीत का मानक बन गई।

कुछ शास्त्रीय संगीत प्रेमी अभी भी स्ट्रॉस की रचनाओं को बहुत अश्लील और तुच्छ मानते हैं। उन पर विश्वास न करें और उनके उकसावे में न आएं! यह परिवार वास्तव में महान कार्यों को लिखने में माहिर है जो पहली बार सुनने के तुरंत बाद लंबे समय तक उत्थान और यादगार होते हैं।

देर से रोमांटिक

इस अवधि के कई संगीतकारों ने 20वीं सदी में भी संगीत लिखना जारी रखा। हालाँकि, हम उनके बारे में यहाँ बात करते हैं, न कि अगले अध्याय में, क्योंकि उनके संगीत में रूमानियत की भावना प्रबल थी।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि उनमें से कुछ ने "प्रारंभिक रोमांटिक" और "राष्ट्रवादियों" के उपखंडों में वर्णित संगीतकारों के साथ घनिष्ठ संबंध और यहां तक ​​​​कि दोस्ती भी बनाए रखी।

इसके अलावा, यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि इस अवधि के दौरान विभिन्न यूरोपीय देशों में इतने उत्कृष्ट संगीतकार थे कि किसी भी सिद्धांत के अनुसार उनमें से कोई भी विभाजन पूरी तरह से सशर्त होगा। यदि शास्त्रीय काल और बैरोक काल के विभिन्न साहित्य में लगभग एक ही समय सीमा का उल्लेख किया गया है, तो रोमांटिक अवधि को हर जगह अलग तरह से परिभाषित किया जाता है। ऐसा लगता है कि रोमांटिक काल के अंत और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत के बीच की रेखा संगीत में बहुत धुंधली है।

19वीं शताब्दी में इटली के अग्रणी संगीतकार निस्संदेह थे ग्यूसेप वर्डी।मोटी मूंछों और भौहों के साथ चमकती आँखों से हमें देख रहा यह आदमी अन्य सभी ओपेरा संगीतकारों की तुलना में एक पूरा सिर लंबा था।

वर्डी की सभी रचनाएँ वस्तुतः उज्ज्वल, आकर्षक धुनों से अभिभूत हैं। कुल मिलाकर, उन्होंने छब्बीस ओपेरा लिखे, जिनमें से अधिकांश आज नियमित रूप से प्रदर्शित होते हैं। उनमें से ऑपरेटिव कला की अब तक की सबसे प्रसिद्ध और सबसे उत्कृष्ट कृतियाँ हैं।

संगीतकार के जीवनकाल के दौरान वर्डी के संगीत को अत्यधिक माना जाता था। प्रीमियर पर हैडिसदर्शकों ने इतना लंबा स्टैंडिंग ओवेशन दिया कि कलाकारों को बत्तीस बार झुकने के लिए बाहर जाना पड़ा।

वर्डी एक धनी व्यक्ति था, लेकिन पैसा संगीतकार की पत्नियों और दो बच्चों दोनों को जल्दी मौत से नहीं बचा सका, इसलिए उनके जीवन में दुखद क्षण आए। उन्होंने अपने भाग्य को मिलान में उनके नेतृत्व में बनाए गए पुराने संगीतकारों के अनाथालय को सौंप दिया। वर्डी ने स्वयं एक आश्रय के निर्माण को माना, न कि संगीत को, अपनी सबसे बड़ी उपलब्धि माना।

इस तथ्य के बावजूद कि वर्डी का नाम मुख्य रूप से ओपेरा से जुड़ा हुआ है, उनके बारे में बात करते हुए, इसका उल्लेख नहीं करना असंभव है Requiem,जो कोरल संगीत के बेहतरीन उदाहरणों में से एक माना जाता है। यह नाटक से भरा है, और ओपेरा की कुछ विशेषताएं इसके माध्यम से फिसल जाती हैं।

हमारा अगला संगीतकार किसी भी तरह से सबसे आकर्षक व्यक्ति नहीं है। दरअसल, यह उन सभी में सबसे निंदनीय और विवादास्पद आंकड़ा है जिनका उल्लेख हमारी पुस्तक में किया गया है। यदि हम केवल व्यक्तिगत विशेषताओं के आधार पर एक सूची बनाते हैं, तो रिचर्ड वैगनरइसे कभी नहीं मारा होगा। हालांकि, हम विशेष रूप से संगीत मानदंडों द्वारा निर्देशित होते हैं, और शास्त्रीय संगीत का इतिहास इस आदमी के बिना अकल्पनीय है।

वैगनर की प्रतिभा निर्विवाद है। उनकी कलम के नीचे से रोमांटिकतावाद की पूरी अवधि के लिए कुछ सबसे महत्वपूर्ण और प्रभावशाली संगीत रचनाएँ निकलीं - विशेष रूप से ओपेरा। साथ ही, वे उसे एक यहूदी-विरोधी, जातिवाद, लालफीताशाही, अंतिम धोखेबाज और यहां तक ​​कि एक चोर के रूप में बोलते हैं, जो अपनी जरूरत की हर चीज लेने से नहीं हिचकिचाता, और बिना पछतावे के असभ्य है। वैगनर के पास एक हाइपरट्रॉफाइड आत्म-सम्मान था, और उनका मानना ​​​​था कि उनकी प्रतिभा ने उन्हें अन्य सभी लोगों से ऊपर उठाया।

वैगनर को उनके ओपेरा के लिए याद किया जाता है। यह संगीतकार जर्मन ओपेरा को एक नए स्तर पर ले गया, और यद्यपि वह उसी समय वर्डी के रूप में पैदा हुआ था, उसका संगीत उस अवधि के इतालवी कार्यों से बहुत अलग था।

वैगनर के नवाचारों में से एक यह था कि प्रत्येक मुख्य पात्र का अपना संगीत विषय था, जिसे हर बार दोहराया जाता था, जैसे ही वह मंच पर एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाने लगा।

आज यह स्वतः स्पष्ट प्रतीत होता है, लेकिन उस समय इस विचार ने एक वास्तविक क्रांति कर दी।

वैगनर की सबसे बड़ी उपलब्धि थी साइकिल निबेलंग की अंगूठी,चार ओपेरा से मिलकर: राइन गोल्ड, वाल्कीरी, सिगफ्रीडतथा देवताओं की मृत्यु।वे आम तौर पर लगातार चार रातों में खेले जाते हैं, और कुल मिलाकर वे लगभग पंद्रह घंटे तक चलते हैं। अकेले ये ओपेरा अपने संगीतकार का महिमामंडन करने के लिए काफी होते। एक व्यक्ति के रूप में वैगनर की सभी अस्पष्टताओं के बावजूद, यह स्वीकार किया जाना चाहिए कि वह एक उत्कृष्ट संगीतकार थे।

वैगनर के ओपेरा की एक विशिष्ट विशेषता को उनकी अवधि कहा जा सकता है। उनका आखिरी ओपेरा पारसिफालाचार घंटे से अधिक समय तक रहता है।

कंडक्टर डेविड रैंडोल्फ ने एक बार उसके बारे में कहा था:

"यह उन लोगों की श्रेणी से एक ओपेरा है जो छह से शुरू होता है, और जब तीन घंटे बाद आप अपनी कलाई घड़ी को देखते हैं, तो पता चलता है कि यह 6:20 दिखाता है।"

एक जिंदगी एंटोन ब्रुकनरएक संगीतकार के रूप में एक सबक है कि कैसे हार न मानें और अपने आप पर जोर दें। उन्होंने दिन में बारह घंटे अभ्यास किया, अपना सारा समय काम के लिए समर्पित किया (वे एक जीव थे) और अपने दम पर संगीत में बहुत कुछ सीखा, काफी परिपक्व उम्र में - सैंतीस साल की उम्र में पत्राचार द्वारा लेखन कौशल में महारत हासिल की।

आज, ब्रुकनर की सिम्फनी को सबसे अधिक बार याद किया जाता है, जिनमें से उन्होंने कुल नौ टुकड़े लिखे। कभी-कभी उन्हें संगीतकार के रूप में उनकी शोधन क्षमता के बारे में संदेह से जब्त कर लिया गया था, लेकिन फिर भी उन्होंने अपने जीवन के अंत में मान्यता प्राप्त की। इसे क्रियान्वित करने के बाद सिम्फनी नंबर 1आलोचकों ने अंततः संगीतकार की प्रशंसा की, जो उस समय तक पहले से ही चौवालीस वर्ष का था।

जोहान्स ब्रह्मोउन संगीतकारों में से एक नहीं जो पैदा हुए थे, इसलिए बोलने के लिए, हाथ में चांदी की छड़ी के साथ। उनके जन्म के समय तक, परिवार ने अपनी पूर्व संपत्ति खो दी थी और मुश्किल से अपना गुजारा कर पाते थे। एक किशोर के रूप में, उन्होंने अपने गृहनगर हैम्बर्ग में वेश्यालय में खेलकर जीवन यापन किया। जब तक ब्रह्म वयस्क हुए, तब तक वह निस्संदेह जीवन के सबसे आकर्षक पहलुओं से परिचित हो चुके थे।

ब्राह्म्स के संगीत को उनके मित्र रॉबर्ट शुमान ने बढ़ावा दिया था। शुमान की मृत्यु के बाद, ब्राह्म्स क्लारा शुमान के करीब हो गए और अंततः उससे प्यार भी हो गया। यह ठीक से ज्ञात नहीं है कि वे किस तरह के रिश्ते से जुड़े थे, हालाँकि उसके लिए भावना ने शायद अन्य महिलाओं के साथ उसके संबंधों में कुछ भूमिका निभाई - उसने उनमें से किसी को भी अपना दिल नहीं दिया।

एक व्यक्ति के रूप में, ब्रह्म काफी अनर्गल और चिड़चिड़े थे, लेकिन उनके दोस्तों ने दावा किया कि उनमें नम्रता थी, हालांकि उन्होंने हमेशा अपने आसपास के लोगों को यह प्रदर्शित नहीं किया। एक दिन एक पार्टी से घर लौटते हुए उन्होंने कहा:

"अगर मैंने वहाँ किसी को ठेस नहीं पहुँचाई है, तो मैं उनसे क्षमा माँगता हूँ।"

सबसे फैशनेबल और सुरुचिपूर्ण ढंग से कपड़े पहने संगीतकार के लिए ब्रह्म ने प्रतियोगिता नहीं जीती होगी। उसे नए कपड़े खरीदना बहुत पसंद नहीं था और वह अक्सर पैच के साथ वही बैगी पतलून पहनता था, जो उसके लिए लगभग हमेशा बहुत छोटा होता था। एक प्रदर्शन के दौरान, उनकी पतलून लगभग गिर गई। एक अन्य अवसर पर, उन्हें अपनी टाई उतारनी पड़ी और बेल्ट के बजाय इसके साथ खुद को बांधना पड़ा।

ब्राह्म्स की संगीत शैली हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन से बहुत प्रभावित थी, और कुछ संगीत इतिहासकारों का यह भी दावा है कि उन्होंने क्लासिकवाद की भावना में लिखा था, उस समय तक पहले से ही फैशन से बाहर था। साथ ही उनके पास कई नए विचार भी हैं। विशेष रूप से, वह संगीत के छोटे टुकड़ों को विकसित करने और उन्हें पूरे काम में दोहराने में सक्षम था - जिसे संगीतकार "एक दोहराव वाला मकसद" कहते हैं।

ओपेरा ब्रह्म ने नहीं लिखा, लेकिन उन्होंने शास्त्रीय संगीत की लगभग सभी अन्य शैलियों में खुद को आजमाया। इसलिए, उन्हें हमारी पुस्तक में वर्णित महानतम संगीतकारों में से एक कहा जा सकता है, शास्त्रीय संगीत का एक सच्चा विशाल। उन्होंने खुद अपने काम के बारे में इस तरह बात की:

"लिखना मुश्किल नहीं है, लेकिन टेबल के नीचे अतिरिक्त नोट्स फेंकना आश्चर्यजनक रूप से मुश्किल है।"

मैक्स ब्रुचब्रह्म के ठीक पांच साल बाद पैदा हुआ था, और बाद वाला निश्चित रूप से उस पर हावी हो जाता, यदि एक काम के लिए नहीं, वायलिन कॉन्सर्टो नंबर 1.

कई संगीतकारों के लिए असामान्य विनम्रता के साथ बहस करते हुए, ब्रुच ने खुद इस तथ्य को स्वीकार किया:

"अब से पचास साल बाद, ब्रह्म को अब तक के सबसे महान संगीतकारों में से एक कहा जाएगा, और मुझे जी माइनर में वायलिन कॉन्सर्टो लिखने के लिए याद किया जाएगा।"

और वह सही था। सच है, ब्रुजा को खुद याद रखने के लिए कुछ है! उन्होंने कई अन्य रचनाओं की रचना की - कुल मिलाकर लगभग दो सौ - विशेष रूप से कोरस और ओपेरा के लिए, जिनका इन दिनों शायद ही कभी मंचन किया जाता है। उनका संगीत मधुर है, लेकिन उन्होंने इसके विकास में कुछ खास नया नहीं लाया। उनकी पृष्ठभूमि के खिलाफ, उस समय के कई अन्य संगीतकार वास्तविक नवप्रवर्तक प्रतीत होते हैं।

1880 में, ब्रुच को लिवरपूल रॉयल फिलहारमोनिक सोसाइटी का कंडक्टर नियुक्त किया गया था, लेकिन तीन साल बाद वे बर्लिन लौट आए। ऑर्केस्ट्रा के संगीतकार उससे खुश नहीं थे।

अपनी पुस्तक के पन्नों पर, हम पहले ही कई संगीत प्रतिभाओं से मिल चुके हैं, और केमिली सेंट - Saensउनमें अंतिम स्थान नहीं है। दो साल की उम्र में, सेंट-सेन्स पहले से ही पियानो पर धुनों का चयन कर रहे थे, और उन्होंने उसी समय संगीत पढ़ना और लिखना सीखा। तीन साल की उम्र में उन्होंने अपनी रचना के नाटक खेले। दस साल की उम्र में उन्होंने मोजार्ट और बीथोवेन को खूबसूरती से गाया। उसी समय, वह कीट विज्ञान (तितलियों और कीड़ों) में और फिर भूविज्ञान, खगोल विज्ञान और दर्शन सहित अन्य विज्ञानों में गंभीर रूप से रुचि रखने लगे। ऐसा लग रहा था कि इतना प्रतिभाशाली बच्चा किसी एक चीज तक सीमित नहीं रह सकता।

पेरिस कंज़र्वेटरी में अपनी पढ़ाई पूरी करने के बाद, सेंट - सेन्स ने एक जीव के रूप में कई वर्षों तक काम किया। उम्र के साथ, उन्होंने फ्रांस के संगीत जीवन को प्रभावित करना शुरू कर दिया, और यह उनके लिए धन्यवाद था कि जेएस बाख, मोजार्ट, हैंडेल और ग्लक जैसे संगीतकारों का संगीत अधिक बार प्रदर्शित किया जाने लगा।

संत-सेन्स की सबसे प्रसिद्ध रचना- जानवरों का कार्निवल,जिसे संगीतकार ने अपने जीवनकाल में करने से मना किया था। उन्हें इस बात की चिंता थी कि संगीत समीक्षक, इस अंश को सुनने के बाद, इसे बहुत तुच्छ समझेंगे। आखिरकार, यह अजीब है जब मंच पर ऑर्केस्ट्रा में एक शेर, एक मुर्गे के साथ एक मुर्गा, कछुए, एक हाथी, एक कंगारू, मछली, पक्षियों, एक गधे और एक हंस के साथ एक मछलीघर दिखाया गया है।

उनकी कुछ अन्य रचनाएँ सेंट - सेन्स ने प्रसिद्ध सहित वाद्ययंत्रों के इतने सामान्य संयोजनों के लिए नहीं लिखी "अंग" सिम्फनी नंबर 3,फिल्म "बेबे" में आवाज दी।

सेंट सेन्स के संगीत ने अन्य फ्रांसीसी संगीतकारों के काम को प्रभावित किया, जिनमें शामिल हैं गेब्रियल फौरे।इस युवक को सेंट मैग्डलीन के पेरिस चर्च में ऑर्गेनिस्ट का पद विरासत में मिला, जिस पर पहले सेंट-सेन्स का कब्जा था।

और यद्यपि फ़ोरेट की प्रतिभा की तुलना उनके शिक्षक की प्रतिभा से नहीं की जा सकती, वह एक उत्कृष्ट पियानोवादक थे।

फॉरे एक गरीब आदमी था और इसलिए कड़ी मेहनत करता था, अंग बजाता था, गाना बजानेवालों का नेतृत्व करता था और सबक देता था। वह अपने खाली समय में लेखन में लगे हुए थे, जिनमें से बहुत कम बचा था, लेकिन इसके बावजूद, वे अपनी ढाई सौ से अधिक रचनाएँ प्रकाशित करने में सफल रहे। उनमें से कुछ की रचना बहुत लंबे समय के लिए की गई थी: उदाहरण के लिए, इस पर काम करना Requiemबीस साल से अधिक समय तक चला।

1905 में फाउरे पेरिस कंज़र्वेटरी के निदेशक बने, यानी वह व्यक्ति जिस पर उस समय के फ्रांसीसी संगीत का विकास काफी हद तक निर्भर था। फ़ौरे पंद्रह साल बाद सेवानिवृत्त हुए। अपने जीवन के अंत में उन्हें श्रवण हानि का सामना करना पड़ा।

आज फ्रांस के बाहर फ़ोरेट का सम्मान किया जाता है, हालाँकि वहाँ उसकी सबसे अधिक सराहना की जाती है।

अंग्रेजी संगीत के प्रशंसकों के लिए, इस तरह की एक आकृति की उपस्थिति एडवर्ड एल्गर,एक वास्तविक चमत्कार की तरह लग रहा होगा। कई संगीत इतिहासकार उन्हें हेनरी पुरसेल के बाद पहले महत्वपूर्ण अंग्रेजी संगीतकार के रूप में संदर्भित करते हैं, जिन्होंने बारोक काल के दौरान लिखा था, हालांकि हमने कुछ समय पहले आर्थर सुलिवन का भी उल्लेख किया था।

एल्गर इंग्लैंड के बहुत शौकीन थे, विशेष रूप से अपने मूल वोरस्टरशायर, जहां उन्होंने अपना अधिकांश जीवन मोल्वर्न हिल्स के क्षेत्रों में प्रेरणा पाने में बिताया।

एक बच्चे के रूप में, वह हर जगह संगीत से घिरा हुआ था: उसके पिता के पास एक स्थानीय संगीत स्टोर था और उसने छोटे एल्गर को विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाना सिखाया। बारह साल की उम्र में, लड़का पहले से ही चर्च सेवाओं में आयोजक की जगह ले रहा था।

एक वकील के कार्यालय में काम करने के बाद, एल्गर ने वित्तीय दृष्टिकोण से खुद को बहुत कम विश्वसनीय व्यवसाय के लिए समर्पित करने का फैसला किया। कुछ समय के लिए उन्होंने पार्ट-टाइम काम किया, वायलिन और पियानो की शिक्षा दी, स्थानीय आर्केस्ट्रा में वादन किया और यहां तक ​​कि थोड़ा संचालन भी किया।

धीरे-धीरे, एक संगीतकार के रूप में एल्गर की ख्याति बढ़ती गई, हालांकि उन्हें अपने मूल काउंटी के बाहर अपना रास्ता बनाने के लिए संघर्ष करना पड़ा। उन्होंने उसे प्रसिद्धि दिलाई एक मूल विषय पर बदलाव,जो अब बेहतर के रूप में जाना जाता है पहेली विविधताएं।

अब एल्गर का संगीत बहुत ही अंग्रेजी माना जाता है और राष्ट्रीय स्तर की सबसे बड़ी घटनाओं के दौरान लगता है। इसकी पहली आवाज़ में सेलो के लिए कॉन्सर्टोअंग्रेजी ग्रामीण इलाकों को तुरंत प्रस्तुत किया जाता है। निमरॉडसे बदलावअक्सर आधिकारिक समारोहों में खेला जाता है, और गंभीर और औपचारिक मार्च नंबर 1,जाना जाता है आशा और गौरव की भूमिपूरे ब्रिटेन में प्रोम रातों में प्रदर्शन किया।

एल्गर एक पारिवारिक व्यक्ति थे और एक शांत, व्यवस्थित जीवन पसंद करते थे। फिर भी, उन्होंने इतिहास पर अपनी छाप छोड़ी। मोटी, झाड़ीदार मूंछों वाला यह संगीतकार बीस पाउंड के नोट पर तुरंत दिखाई देता है। जाहिर है, बैंकनोट डिजाइनरों ने सोचा था कि चेहरे के बालों को नकली बनाना बहुत मुश्किल होगा।

इटली में, ओपेरा की कला में ग्यूसेप वर्डी का उत्तराधिकारी था जियाकोमो पुक्किनी,इस कला रूप के मान्यता प्राप्त विश्व उस्तादों में से एक माना जाता है।

पुक्किनी परिवार लंबे समय से चर्च संगीत से जुड़ा हुआ है, लेकिन जब गियाकोमो ने पहली बार ओपेरा सुना था ऐदावर्डी, उन्होंने महसूस किया कि यह उनकी बुलाहट थी।

मिलान में पढ़ने के बाद, पुक्किनी ने एक ओपेरा की रचना की मैनन लेसकॉट,जिसने उन्हें 1893 में अपनी पहली बड़ी सफलता दिलाई। उसके बाद, एक सफल उत्पादन ने दूसरे का अनुसरण किया: बोहेमिया 1896 में, तड़प 1900 में और मैडम तितली 1904 में।

कुल मिलाकर, पुक्किनी ने बारह ओपेरा की रचना की, जिनमें से अंतिम था टरंडोट।इस काम को पूरा किए बिना ही उनकी मृत्यु हो गई और एक अन्य संगीतकार ने काम पूरा किया। ओपेरा के प्रीमियर पर, कंडक्टर आर्टुरो टोस्कानिनी ने ऑर्केस्ट्रा को ठीक उसी जगह रोक दिया, जहां पुक्किनी रुकी थी। उन्होंने दर्शकों की ओर रुख किया और कहा:

"यहाँ मृत्यु ने कला पर विजय प्राप्त की है।"

पुक्किनी की मृत्यु के साथ, इतालवी ऑपरेटिव कला का उदय समाप्त हो गया। हमारी पुस्तक में अब इतालवी ओपेरा संगीतकारों का उल्लेख नहीं किया जाएगा। लेकिन कौन जानता है कि भविष्य हमारे लिए क्या रखता है?

ज़िन्दगी में गुस्ताव महलेरएक संगीतकार के रूप में एक कंडक्टर के रूप में बेहतर जाना जाता था। उन्होंने सर्दियों में और गर्मियों में, एक नियम के रूप में, लेखन में लगे रहना पसंद किया।

कहा जाता है कि एक बच्चे के रूप में, महलर को अपनी दादी के घर के अटारी में एक पियानो मिला था। चार साल बाद, दस साल की उम्र में, उन्होंने अपना पहला प्रदर्शन पहले ही दे दिया था।

महलर ने वियना कंज़र्वेटरी में अध्ययन किया, जहाँ उन्होंने संगीत रचना शुरू की। 1897 में वे वियना स्टेट ओपेरा के निदेशक बने और अगले दस वर्षों में इस क्षेत्र में काफी प्रसिद्धि प्राप्त की।

उन्होंने खुद तीन ओपेरा लिखना शुरू किया, लेकिन उन्हें कभी खत्म नहीं किया। हमारे समय में, उन्हें मुख्य रूप से सिम्फनी के संगीतकार के रूप में जाना जाता है। इस शैली में वह असली "हिट" में से एक का मालिक है - सिम्फनी नंबर 8,जिसके प्रदर्शन के दौरान एक हजार से अधिक संगीतकार और गायक शामिल होते हैं।

महलर की मृत्यु के बाद, उनका संगीत पचास वर्षों के लिए फैशन से बाहर हो गया, लेकिन 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में इसने लोकप्रियता हासिल की, खासकर यूके और यूएसए में।

रिचर्ड स्ट्रॉसजर्मनी में पैदा हुआ था और वियना स्ट्रॉस राजवंश से संबंधित नहीं था। इस तथ्य के बावजूद कि यह संगीतकार 20 वीं शताब्दी के लगभग पूरे पहले भाग में रहता था, उसे अभी भी जर्मन संगीत रोमांटिकवाद का प्रतिनिधि माना जाता है।

रिचर्ड स्ट्रॉस की विश्वव्यापी लोकप्रियता इस तथ्य से कुछ हद तक प्रभावित हुई कि उन्होंने 1939 के बाद जर्मनी में रहने का फैसला किया, और द्वितीय विश्व युद्ध के बाद उन पर नाजियों के साथ सहयोग करने का भी आरोप लगाया गया।

स्ट्रॉस एक उत्कृष्ट संवाहक थे, जिसकी बदौलत उन्होंने पूरी तरह से समझ लिया कि एक ऑर्केस्ट्रा में एक विशेष उपकरण को कैसे बजना चाहिए। उन्होंने अक्सर इस ज्ञान को व्यवहार में लागू किया। उन्होंने अन्य संगीतकारों को भी कई सलाह दी, जैसे:

"ट्रंबोन को कभी न देखें, आप केवल उन्हें प्रोत्साहित कर रहे हैं।"

"प्रदर्शन करते समय पसीना मत करो; केवल श्रोताओं को गर्म होना चाहिए।"

आज, स्ट्रॉस को उनकी रचना के संबंध में मुख्य रूप से याद किया जाता है इस प्रकार बोले जरथुस्त्र,एक परिचय जिसका इस्तेमाल स्टेनली कुब्रिक ने अपने 2001 ए स्पेस ओडिसी में किया था। लेकिन उन्होंने कुछ बेहतरीन जर्मन ओपेरा भी लिखे, उनमें से - गुलाब के शूरवीर, सैलोमेतथा नक्सोस पर एरियाडेन।अपनी मृत्यु के एक साल पहले उन्होंने बहुत सुंदर रचना भी की थी चार अंतिम गीतआवाज और ऑर्केस्ट्रा के लिए। सामान्य तौर पर, ये स्ट्रॉस के अंतिम गीत नहीं थे, लेकिन वे उनकी रचनात्मक गतिविधि का एक प्रकार का समापन बन गए।

अब तक, इस पुस्तक में वर्णित संगीतकारों में स्कैंडिनेविया का केवल एक प्रतिनिधि था - एडवर्ड ग्रिग। लेकिन अब हमें फिर से इस कठोर और ठंडी भूमि पर ले जाया जाता है - इस बार फ़िनलैंड में, जहाँ हम पैदा हुए थे जान सिबेलियस,महान संगीत प्रतिभा।

सिबेलियस के संगीत ने अपनी मातृभूमि के मिथकों और किंवदंतियों को अवशोषित किया। उनका सबसे बड़ा काम फिनलैंड,को फिन्स की राष्ट्रीय भावना का अवतार माना जाता है, जैसे एल्गर के कार्यों को ग्रेट ब्रिटेन में राष्ट्रीय खजाने के रूप में मान्यता प्राप्त है। इसके अलावा, सिबेलियस, महलर की तरह, सिम्फनी का सच्चा स्वामी था।

संगीतकार के अन्य व्यसनों के लिए, वह अपने दैनिक जीवन में शराब और धूम्रपान के अत्यधिक आदी थे, जिससे कि चालीस वर्ष की आयु में वे गले के कैंसर से बीमार पड़ गए। उसके पास अक्सर पर्याप्त पैसा नहीं होता था, और राज्य ने उसे एक पेंशन आवंटित की ताकि वह अपनी वित्तीय भलाई की चिंता किए बिना संगीत लिखना जारी रख सके। लेकिन अपनी मृत्यु से बीस साल पहले, सिबेलियस ने कुछ भी लिखना बंद कर दिया था। उन्होंने अपना शेष जीवन सापेक्ष एकांत में बिताया। उन्होंने उन लोगों के बारे में विशेष रूप से कठोर बात की, जिन्हें उनके संगीत की समीक्षा के लिए पैसे मिले:

"आलोचक जो कहते हैं उस पर ध्यान मत दो। अब तक एक भी आलोचक को मूर्ति नहीं दी गई है।"

रोमांटिक काल के संगीतकारों की हमारी सूची में अंतिम भी लगभग 20 वीं शताब्दी के मध्य तक जीवित रहा, हालांकि उन्होंने 1900 के दशक में अपनी अधिकांश प्रसिद्ध रचनाएँ लिखीं। और फिर भी उन्हें रोमांटिक लोगों में स्थान दिया गया है, और ऐसा लगता है कि यह पूरे समूह का सबसे रोमांटिक संगीतकार है।

सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोवएक कुलीन परिवार में पैदा हुआ था, जो उस समय तक बहुत पैसा खर्च कर चुका था। संगीत में उनकी रुचि बचपन में ही प्रकट हो गई थी, और उनके माता-पिता ने उन्हें पढ़ने के लिए भेजा, पहले सेंट पीटर्सबर्ग और फिर मास्को।

राचमानिनोव आश्चर्यजनक रूप से प्रतिभाशाली पियानोवादक थे, और उन्होंने एक अद्भुत संगीतकार भी बनाया।

मेरा पियानो कॉन्सर्टो नंबर 1उन्होंने उन्नीस में लिखा था। उन्हें अपने पहले ओपेरा के लिए भी समय मिला, अलेको।

लेकिन यह महान संगीतकार, एक नियम के रूप में, जीवन से विशेष रूप से प्रसन्न नहीं था। कई तस्वीरों में हम एक गुस्से में डूबे हुए आदमी को देखते हैं। एक अन्य रूसी संगीतकार, इगोर स्ट्राविंस्की ने एक बार टिप्पणी की थी:

"रचमानिनॉफ का अमर सार उसका भ्रूभंग था। वह साढ़े छह फीट की भौंहें चढ़ा रहा था... डरपोक आदमी था।"

जब युवा राचमानिनॉफ त्चिकोवस्की के लिए खेले, तो वह इतने प्रसन्न हुए कि उन्होंने अपने स्कोर की शीट पर चार प्लस के साथ ए डाल दिया - मॉस्को कंज़र्वेटरी के इतिहास में सर्वोच्च अंक। जल्द ही पूरा शहर युवा प्रतिभाओं के बारे में बात करने लगा।

फिर भी, भाग्य लंबे समय तक संगीतकार के प्रतिकूल रहा।

आलोचक उनके बारे में बहुत कठोर थे सिम्फनी नंबर 1,जिसका प्रीमियर असफलता में समाप्त हुआ। इसने राचमानिनोव को भारी भावनात्मक संकट दिया, उसने अपनी ताकत पर विश्वास खो दिया और आम तौर पर कुछ भी नहीं लिख सकता था।

अंत में, केवल एक अनुभवी मनोचिकित्सक निकोलाई डाहल की मदद ने उन्हें संकट से बाहर निकलने की अनुमति दी। 1901 तक, राचमानिनॉफ ने एक पियानो संगीत कार्यक्रम पूरा कर लिया था, जिस पर उन्होंने कई वर्षों तक लगन से काम किया था, और जिसे उन्होंने डॉ. डाहल को समर्पित किया था। इस बार दर्शकों ने संगीतकार के काम को खुशी से बधाई दी। तब से पियानो और ऑर्केस्ट्रा नंबर 2 . के लिए कॉन्सर्टोदुनिया भर के विभिन्न संगीत समूहों द्वारा प्रस्तुत एक पसंदीदा शास्त्रीय कृति बन गई।

राचमानिनॉफ ने यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका का दौरा करना शुरू किया। रूस लौटकर, उन्होंने संचालन और रचना की।

1917 की क्रांति के बाद, रचमानिनोव और उनका परिवार स्कैंडिनेविया में संगीत समारोहों में गए। वह कभी घर नहीं लौटा। इसके बजाय, वह स्विट्ज़रलैंड चले गए, जहाँ उन्होंने ल्यूसर्न झील के तट पर एक घर खरीदा। वह हमेशा जलाशयों से प्यार करता था और अब, जब वह एक अमीर आदमी बन गया, तो वह किनारे पर आराम कर सकता था और शुरुआती परिदृश्य की प्रशंसा कर सकता था।

Rachmaninoff एक उत्कृष्ट संवाहक थे और हमेशा उन लोगों को निम्नलिखित सलाह देते थे जो इस क्षेत्र में उत्कृष्टता प्राप्त करना चाहते थे:

"एक अच्छा कंडक्टर एक अच्छा चालक होना चाहिए। दोनों को समान गुणों की आवश्यकता है: एकाग्रता, निरंतर गहन ध्यान और मन की उपस्थिति। कंडक्टर को बस थोड़ा सा संगीत जानने की जरूरत है..."

1935 में, Rachmaninoff ने संयुक्त राज्य में बसने का फैसला किया। वह पहले न्यूयॉर्क में रहता था, और फिर लॉस एंजिल्स चला गया। वहां उन्होंने अपने लिए एक नया घर बनाना शुरू किया, जो बिल्कुल वैसा ही था जैसा उन्होंने मास्को में छोड़ा था।

उम्र के साथ, राचमानिनोव ने कम से कम कंडक्टरों का संचालन किया और संगीत की रचना लगभग पूरी तरह से बंद कर दी। वह एक शानदार पियानोवादक के रूप में अपनी प्रसिद्धि के शिखर पर पहुंचे।

होमसिकनेस के बावजूद, राचमानिनोव ने इसे यूएसए में पसंद किया। उसे अपने विशाल कैडिलैक पर गर्व था और वह अक्सर मेहमानों को अपनी कार दिखाने के लिए कार की सवारी करने के लिए आमंत्रित करता था।

अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले, राचमानिनोव को अमेरिकी नागरिकता प्राप्त हुई थी। इस देश में उन्हें दफनाया गया था।

रोमांटिक अवधि का अंत

शास्त्रीय संगीत के अन्य सभी कालखंडों की तुलना में हमने अपनी पुस्तक में रोमांटिक अवधि पर अधिक ध्यान दिया है।

इस युग के दौरान, विभिन्न देशों में इतनी दिलचस्प चीजें हुईं कि एक छोटे से लेख में सब कुछ बताना असंभव है। शास्त्रीय संगीत बहुत बदल गया है, क्योंकि इसकी ध्वनि बदल गई है, जो कि बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए समृद्ध और समृद्ध हो गया है। कई मायनों में, राचमानिनॉफ की रचनाएँ इस ध्वनि का एक आदर्श उदाहरण हैं। यदि आप उनकी तुलना बीथोवेन से करते हैं, तो यह स्पष्ट हो जाता है कि परिवर्तन कितने भव्य थे।

लेकिन रोमांटिक दौर के लगभग अस्सी वर्षों के दौरान संगीत की दुनिया में जो परिवर्तन हुए हैं, वे कितने ही महत्वपूर्ण क्यों न हों, उनकी तुलना भविष्य में हुई घटनाओं से नहीं की जा सकती। और भविष्य में, संगीत और भी विविध और असामान्य हो गया - जो, हमारी राय में, हमेशा उसके लिए अच्छा नहीं था।

अपने कारण के पंथ के साथ। इसकी घटना विभिन्न कारणों से हुई थी। उनमें से सबसे महत्वपूर्ण है महान फ्रांसीसी क्रांति के परिणामों से निराशाजो उस पर लगाई गई उम्मीदों पर खरी नहीं उतरी।

रोमांटिक के लिए वैश्विक नजरियावास्तविकता और सपनों के बीच एक तीव्र संघर्ष की विशेषता है। वास्तविकता निम्न और आत्माहीन है, यह परोपकारीवाद, परोपकारिता की भावना से व्याप्त है और केवल निषेध के योग्य है। एक सपना कुछ सुंदर, परिपूर्ण, लेकिन मन के लिए अप्राप्य और समझ से बाहर है।

स्वच्छंदतावाद ने जीवन के गद्य की तुलना आत्मा के सुंदर राज्य, "दिल का जीवन" से की। रोमांटिक लोगों का मानना ​​​​था कि भावनाएँ कारण की तुलना में आत्मा की गहरी परत बनाती हैं। वैगनर के अनुसार, "कलाकार भावना में बदल जाता है, कारण नहीं।"और शुमान ने कहा: "मन भ्रांतिपूर्ण है, इन्द्रियाँ कभी नहीं।"यह कोई संयोग नहीं है कि संगीत को कला का आदर्श रूप घोषित किया गया था, जो अपनी विशिष्टता के कारण आत्मा की गति को पूरी तरह से व्यक्त करता है। बिल्कुल रूमानियत के युग में संगीत ने कला प्रणाली में अग्रणी स्थान प्राप्त किया.

यदि साहित्य और चित्रकला में रोमांटिक दिशा मूल रूप से 19 वीं शताब्दी के मध्य तक अपना विकास पूरा कर लेती है, तो यूरोप में संगीतमय रूमानियत का जीवन बहुत लंबा है। एक प्रवृत्ति के रूप में संगीतमय रूमानियत ने 19वीं शताब्दी की शुरुआत में आकार लिया और साहित्य, चित्रकला और रंगमंच में विभिन्न प्रवृत्तियों के साथ घनिष्ठ संबंध में विकसित हुआ। संगीत रोमांटिकतावाद का प्रारंभिक चरण ई. टी. ए. हॉफमैन, एन. पगनिनी के कार्यों द्वारा दर्शाया गया है; अगला चरण (1830-50-ies) - रचनात्मकता,। रूमानियत का अंतिम चरण 19वीं शताब्दी के अंत तक फैला हुआ है।

रोमांटिक संगीत की मुख्य समस्या है व्यक्तित्व समस्या, और एक नई रोशनी में - बाहरी दुनिया के साथ अपने संघर्ष में। रोमांटिक हीरो हमेशा अकेला रहता है। अकेलेपन का विषय शायद सभी रोमांटिक कलाओं में सबसे लोकप्रिय है।बहुत बार एक रचनात्मक व्यक्तित्व का विचार इसके साथ जुड़ा होता है: एक व्यक्ति अकेला होता है जब वह एक उत्कृष्ट, प्रतिभाशाली व्यक्ति होता है। कलाकार, कवि, संगीतकार रोमांटिक के कामों में पसंदीदा पात्र हैं (शुमान द्वारा "द लव ऑफ ए पोएट", इसके उपशीर्षक के साथ - "एपिसोड फ्रॉम द आर्टिस्ट्स लाइफ", लिस्ट्ट की सिम्फोनिक कविता "टैसो")।

रोमांटिक संगीत में निहित मानव व्यक्तित्व में गहरी रुचि किसकी प्रधानता में व्यक्त की गई थी व्यक्तिगत स्वर... अक्सर रोमांटिक से प्राप्त व्यक्तिगत नाटक का प्रकटीकरण आत्मकथा का एक संकेत,जिन्होंने संगीत में एक विशेष ईमानदारी लाई। उदाहरण के लिए, कई क्लारा विएक के लिए उसके प्यार की कहानी से जुड़े हैं। वैगनर ने उनके ओपेरा के आत्मकथात्मक चरित्र पर हर संभव तरीके से जोर दिया।

भावनाओं पर ध्यान देने से शैलियों में बदलाव आता है - प्रचलित गीत, जो प्रेम की छवियों पर हावी है।

"गीतात्मक स्वीकारोक्ति" का विषय अक्सर इसके साथ जुड़ा होता है प्रकृति विषय... किसी व्यक्ति की मनःस्थिति के साथ प्रतिध्वनित होने पर, यह आमतौर पर वैमनस्य की भावना से रंगा होता है। शैली और गीत-महाकाव्य सिम्फनीवाद का विकास प्रकृति की छवियों के साथ निकटता से जुड़ा हुआ है (पहली रचनाओं में से एक सी मेजर में शुबर्ट की "बड़ी" सिम्फनी है)।

रोमांटिक संगीतकारों की असली खोज थी विज्ञान कथा विषय।पहली बार, संगीत ने विशुद्ध रूप से संगीत के माध्यम से शानदार और शानदार छवियों को शामिल करना सीखा। 17 वीं - 18 वीं शताब्दी के ओपेरा में, "अनौपचारिक" पात्र (जैसे, उदाहरण के लिए, रात की रानी से) "आम तौर पर स्वीकृत" संगीत भाषा में बोलते थे, शायद ही वास्तविक लोगों की पृष्ठभूमि के खिलाफ खड़े होते थे। रोमांटिक संगीतकारों ने शानदार दुनिया को पूरी तरह से विशिष्ट (असामान्य आर्केस्ट्रा और हार्मोनिक रंगों का उपयोग करके) के रूप में व्यक्त करना सीखा है। एक आकर्षक उदाहरण "द मैजिक एरो" में "द सीन इन द वुल्फ गॉर्ज" है।

संगीत रोमांटिकतावाद की अत्यंत विशेषता इसमें रुचि है लोक कला... रोमांटिक कवियों की तरह, जिन्होंने लोककथाओं की कीमत पर, साहित्यिक भाषा को समृद्ध और अद्यतन किया, संगीतकारों ने व्यापक रूप से राष्ट्रीय लोकगीत - लोक गीत, गाथागीत, महाकाव्य (एफ। शुबर्ट, आर। शुमान, एफ। चोपिन, आदि) की ओर रुख किया। राष्ट्रीय साहित्य, इतिहास, देशी प्रकृति की छवियों को मूर्त रूप देते हुए, वे राष्ट्रीय लोककथाओं के स्वर और ताल पर भरोसा करते थे, पुराने डायटोनिक मोड को पुनर्जीवित करते थे। लोककथाओं के प्रभाव में, यूरोपीय संगीत की सामग्री नाटकीय रूप से बदल गई है.

नए विषयों और छवियों ने रोमांटिक से विकास की मांग की संगीत की भाषा के नए साधनऔर आकार देने के सिद्धांत, माधुर्य का वैयक्तिकरण और भाषण स्वरों की शुरूआत, संगीत के समय और हार्मोनिक पैलेट का विस्तार ( प्राकृतिक झल्लाहट,प्रमुख और नाबालिग, आदि के रंगीन जुड़ाव)।

चूंकि रोमांटिक लोगों का ध्यान अब समग्र रूप से मानवता नहीं है, बल्कि एक विशिष्ट व्यक्ति है जो क्रमशः अपनी अनूठी भावना के साथ है और अभिव्यक्ति के माध्यम में, सामान्य तेजी से एकवचन, व्यक्तिगत रूप से विशिष्ट के लिए जगह दे रहा है।माधुर्य में सामान्यीकृत स्वरों की हिस्सेदारी, सामंजस्य में सामान्य राग प्रगति, बनावट में विशिष्ट पैटर्न कम हो जाते हैं - ये सभी साधन व्यक्तिगत हैं। ऑर्केस्ट्रेशन में, कलाकारों की टुकड़ी के सिद्धांत ने लगभग सभी आर्केस्ट्रा की आवाज़ों को एकल करने का रास्ता दिया है।

सबसे महत्वपूर्ण बिंदु सौंदर्यशास्रसंगीतमय रूमानियत थी कला के संश्लेषण का विचार, जिसने और में सबसे विशद अभिव्यक्ति पाई कार्यक्रम संगीतबर्लियोज़, शुमान, लिस्ट्ट।

मैं संगीत (ग्रीक संगीत से, शाब्दिक रूप से संगीत की कला) एक कला रूप है जो वास्तविकता को दर्शाता है और एक व्यक्ति को सार्थक और विशेष रूप से संगठित ध्वनि अनुक्रमों के माध्यम से प्रभावित करता है, जिसमें मुख्य रूप से स्वर शामिल होते हैं ... ... महान सोवियत विश्वकोश

- (ग्रीक मोयसिकन, मौसा म्यूज़ से) एक प्रकार की कला जो वास्तविकता को दर्शाती है और एक व्यक्ति को अर्थपूर्ण और विशेष रूप से पिच और समय ध्वनि अनुक्रमों में व्यवस्थित करती है, जिसमें मुख्य रूप से स्वर शामिल होते हैं ... ... संगीत विश्वकोश

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अपने शुद्धतम रूप में स्वच्छंदतावाद पश्चिमी यूरोपीय कला की एक घटना है। XIX सदी के रूसी संगीत में। ग्लिंका से त्चिकोवस्की तक, क्लासिकवाद की विशेषताओं को रोमांटिकतावाद की विशेषताओं के साथ जोड़ा गया था, प्रमुख तत्व एक उज्ज्वल, विशिष्ट राष्ट्रीय सिद्धांत था।

समय (1812, डिसमब्रिस्ट विद्रोह, आगामी प्रतिक्रिया) ने संगीत पर छाप छोड़ी। हम जो भी शैली चुनते हैं - रोमांस, ओपेरा, बैले, चैम्बर संगीत - हर जगह रूसी संगीतकारों ने अपना नया शब्द कहा है।

19वीं सदी की शुरुआत - ये रोमांस शैली के पहले और उज्ज्वल उत्कर्ष के वर्ष हैं। अब तक, विनम्र ईमानदार गीत ध्वनि और श्रोताओं को प्रसन्न करते हैं अलेक्जेंडर अलेक्जेंड्रोविच एलियाबयेव (1787-1851)।उन्होंने कई कवियों के छंदों पर रोमांस लिखा, लेकिन वे अमर हैं "बुलबुल"डेलविग के छंदों के लिए, "विंटर रोड", "आई लव यू"पुश्किन के छंदों के लिए।

अलेक्जेंडर येगोरोविच वरलामोव (1801-1848)नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत लिखा, लेकिन हम उन्हें प्रसिद्ध रोमांस से बेहतर जानते हैं "लाल सुंड्रेस", "भोर में, तुम मुझे नहीं जगाते", "एक अकेला पाल सफेद हो रहा है"।

अलेक्जेंडर लवोविच गुरिलेव (1803-1858)- संगीतकार, पियानोवादक, वायलिन वादक और शिक्षक, वह इस तरह के रोमांस के मालिक हैं: "घंटी नीरस रूप से बजती है", "धूमिल युवाओं की भोर में"और आदि।

यहां सबसे प्रमुख स्थान पर ग्लिंका के रोमांस का कब्जा है। पुश्किन और ज़ुकोवस्की की कविता के साथ संगीत का ऐसा प्राकृतिक संलयन अभी तक किसी और ने हासिल नहीं किया था।

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका (1804-1857)- पुश्किन के समकालीन, रूसी साहित्य के एक क्लासिक, संगीत क्लासिक्स के संस्थापक बने। उनका काम रूसी और विश्व संगीत संस्कृति के शिखर में से एक है। यह सामंजस्यपूर्ण रूप से लोक संगीत की संपत्ति और रचना की उच्चतम उपलब्धियों को जोड़ती है। ग्लिंका की गहरी लोकप्रिय यथार्थवादी रचनात्मकता ने 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में रूसी संस्कृति के शक्तिशाली उत्कर्ष को दर्शाया, जो 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध और डीसमब्रिस्ट आंदोलन से जुड़ा था। प्रकाश, जीवनदायिनी चरित्र, रूपों का सामंजस्य, अभिव्यंजक धुनों की सुंदरता, विविधता, प्रतिभा और सामंजस्य की सूक्ष्मता ग्लिंका के संगीत के सबसे मूल्यवान गुण हैं। सबसे प्रसिद्ध ओपेरा में "इवान सुसैनिन"(1836) लोकप्रिय देशभक्ति के विचार को शानदार ढंग से व्यक्त किया गया था; परी-कथा ओपेरा में रूसी लोगों की नैतिक महानता का महिमामंडन किया जाता है " रुस्लान और लुडमिला"... ग्लिंका द्वारा आर्केस्ट्रा कार्य: "वाल्ट्ज-फंतासी", "मैड्रिड में रात"और विशेष रूप से "कमरिंस्काया",रूसी शास्त्रीय सिम्फनी का आधार बनाते हैं। नाटकीय अभिव्यक्ति की शक्ति और त्रासदी के लिए संगीत की विशेषताओं की चमक के लिए उल्लेखनीय "प्रिंस Kholmsky"।ग्लिंका के मुखर गीत (रोमांस .) "मुझे एक अद्भुत क्षण याद है", "संदेह") संगीत में रूसी कविता का एक नायाब अवतार है।

XIX सदी की पहली छमाही में। एक राष्ट्रीय संगीत विद्यालय का जन्म हुआ। XIX सदी के पहले दशकों में। रोमांटिक प्रवृत्तियों का प्रभुत्व, जो ए.एन. के काम में प्रकट हुआ। वेरस्टोव्स्की, जिन्होंने अपने काम में ऐतिहासिक विषयों का इस्तेमाल किया। रूसी संगीत विद्यालय के संस्थापक एम.आई. ग्लिंका, मुख्य संगीत शैलियों के निर्माता: ओपेरा ("इवान सुसैनिन", "रुस्लान और ल्यूडमिला"), सिम्फनी, रोमांस, जिन्होंने अपने काम में लोककथाओं के उद्देश्यों का सक्रिय रूप से उपयोग किया। संगीत के क्षेत्र में अन्वेषक ए.एस. डार्गोमीज़्स्की, ओपेरा-बैले द ट्रायम्फ ऑफ़ बैचस के लेखक और ओपेरा में पाठ के निर्माता। उनका संगीत द माइटी हैंडफुल - एम.पी. मुसॉर्स्की, एम.ए. बालाकिरेवा, एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव, ए.पी. बोरोडिन, टी.ए. कुई, अपने कार्यों में "जीवन, जहां भी यह प्रभावित हो सकता है" को शामिल करने का प्रयास कर रहा है, सक्रिय रूप से ऐतिहासिक भूखंडों और लोककथाओं के उद्देश्यों की ओर मुड़ रहा है। उनके काम ने संगीत नाटक की शैली को स्थापित किया है। मुसॉर्स्की द्वारा बोरिस गोडुनोव और खोवांशीना, बोरोडिन द्वारा प्रिंस इगोर, रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा द स्नो मेडेन और द ज़ार की दुल्हन रूसी और विश्व कला का गौरव हैं।

पी.आई. त्चिकोवस्की, जिन्होंने अपने कार्यों में आंतरिक नाटक और मनुष्य की आंतरिक दुनिया पर ध्यान दिया, 19 वीं शताब्दी के रूसी साहित्य की विशेषता, जिसमें संगीतकार अक्सर बदल जाते थे (ओपेरा "यूजीन वनगिन", "द क्वीन ऑफ स्पेड्स", " माज़ेपा")।