Профессиональная музыкальная культура Средневековья в Европе связана, прежде всего, с церковью, то есть с областью культовой музыки. Полное религиозности искусство канонично и догматично, но, всё же, не застыло, оно обращено от мирской суеты к отрешённому миру служения Господу. Тем не менее, наряду с такой «высшей» музыкой существовали и фольклор, и творчество бродячих музыкантов, а также исполненная благородности рыцарская культура.

Духовная музыкальная культура раннего Средневековья

В эпоху раннего Средневековья профессиональная музыка звучала лишь в соборах и бывших при них певческих школах. Центром музыкальной культуры Средневековья Западной Европы была столица Италии – Рим – тот самый город, где располагалось «верховное церковное начальство».

В 590-604 годах папой Григорием I была проведена реформа культового пения. Он упорядочил и собрал различные песнопения в сборнике «Григорианский антифонарий». Благодаря Григорию I в западноевропейской духовной музыке формируется направление, называемое григорианским хоралом.

Хорал – это, как правило, одноголосное песнопение, в котором отразились многовековые традиции европейских и ближневосточных народов. Именно эта плавная одноголосная мелодия призвана была направлять прихожан на постижение основ католицизма и принятие единой воли. В основном хорал исполнялся хором, и лишь некоторые части солистами.

Основу григорианского хорала составляло поступенное движение по звукам диатонических ладов, но иногда в том же хорале встречались и медлительные, суровые псалмодии, и мелизматические опевания отдельных слогов.

Исполнение таких мелодий не доверялось кому попало, так как требовало от певцов профессионального вокального мастерства. Так же как и музыка, текст песнопений на непонятном для многих прихожан латинском языке вызывает смирение, отрешённость от действительности, созерцательность. Зачастую зависимостью от следования тексту обусловливалось и ритмическое оформление музыки. Григорианский хорал нельзя принимать как идеальную музыку, это скорее распев молитвословного текста.

Месса – главный жанр композиторской музыки Средневековья

Католическая месса – главное богослужение церкви. Она объединила в себе такие виды григорианского пения, как:

• антифонное (когда два хора поют поочерёдно);
• респонсорное (поочерёдно поющие солисты и хор).

Община же принимала участие только в пении общих молитв.
Позднее, в XII в. в мессе появились гимны (псалмы), секвенции, тропы. Они представляли собой, дополнительные тексты, имеющие рифму (в отличие от основного хорала) и особый напев. Эти религиозные рифмованные тексты гораздо лучше запоминались прихожанами. Подпевая монахам, они варьировали мелодию, и в духовную музыку стали просачиваться элементы народной и послужило поводом для авторского творчества (Ноткер Заика и Токелон монах – монастырь Санкт-Голене). Позже эти напевы вообще вытеснили псалмодические части и значительно обогатили звучание григорианского хорала.

Из монастырей происходят первые образцы многоголосия, такие как органум – движение параллельными квартами или квинтами, гимель, фобурдон – движение секстаккордами, кондукт. Представителями такой музыки являются композиторы Леонин и Перотин (Собор Парижской Богоматери – XII-XIII вв.).

Светская музыкальная культура Средневековья

Светскую сторону музыкальной культуры Средневековья представляли: во Франции – жонглёры, мимы, менестрели , в Германии – шпильманы , в Испании – хоглары , на Руси – скоморохи . Все они были странствующими артистами и совмещали в своём творчестве игру на инструментах, пение, пляску, фокусничество, кукольный театр, цирковое искусство.

Другой составляющей светской музыки была рыцарская, так называемая куртуазная культура . Сформированный особый рыцарский кодекс, гласил, что каждый из рыцарей должен обладать не только отвагой и храбростью, но и изысканными манерами, образованием и быть преданным Прекрасной Даме. Все эти стороны жизни рыцарей нашли своё отражение в творчестве трубадуров (южная Франция – Прованс), труверов (северная Франция), миннезингеров (Германия).

Их творчество представлено преимущественно в любовной лирике, наиболее распространённым её жанром была канцона (альбы – «Утренние песни» у миннезингеров). Широко применяя опыт трубадуров, труверы создали свои жанры: «майские песни», «ткацкие песни».

Важнейшей областью музыкальных жанров представителей куртуазной культуры являлись песенные и танцевальные жанры, такие как рондо, виреле, баллада, героический эпос. Роль инструментов была весьма незначительной, она сводилась к обрамлению вокальных напевов вступлением, интермедией, постлюдией.

Зрелое Средневековье XI-XIII вв.

Характерной чертой зрелого Средневековья является развитие бюргерской культуры . Её направленностью были антицерковность, вольнодумие, связь со смеховым и карнавальным фольклором. Появляются новые жанры многоголосия: мотет, для которого свойственна мелодическая несхожесть голосов, более того, в мотете поются одновременно разные тексты и даже на разных языках; мадригал – песня на родном языке (итальянском), качча – вокальная пьеса с текстом, описывающим охоту.

С XII века к народному искусству присоединились ваганты и голиарды, которые в отличие от остальных владели грамотой. Носителями музыкальной культуры Средневековья стали университеты. Так как ладовая система Средневековья была разработана представителями духовной музыки, то они стали называться церковными ладами (ионийский лад, эолийский лад).

Также выдвинуто учение о гексахордах – в ладах использовалось только 6 ступеней. Монах Гвидо Аретинский сделал более совершенной систему записи нот, которая заключалась в наличии 4-х линий, между которыми было терцовое соотношение и ключевой знак или раскраска линий. Ещё им введено слоговое название ступеней, то есть высота ступеней стала обозначаться буквенными знаками.

Ars Nova XIII-XV вв.

Переходным периодом между Средневековьем и Возрождением стал XIV в. Этот период во Франции и Италии носил название Ars Nova, то есть «новое искусство». Наступило время новых экспериментов в искусстве. Композиторы стали сочинять произведения, ритм которых стал гораздо сложнее предыдущих (Филипп де Витри).

Также в отличие от духовной музыки, здесь были введены полутона, в результате чего стали возникать случайные повышения и понижения тонов, но это ещё не модуляция. В результате таких экспериментов получались произведения интересные, но далеко не всегда благозвучными. Самым ярким экспериментатором-музыкантом того времени являлся Соляж. Музыкальная культура Средневековья более развита в сравнении с культурой Древнего мира, несмотря на ограничения средств и содержит предпосылки для расцвета музыки в эпоху Ренессанса.

Более 1000 лет развивалось музыкальное искусство средневековья. Это напряженный и противоречивый этап эволюции музыкального мышления — от монодии (одноголосия) к сложнейшей полифонии. В эпоху Средневековья усовершенствовались многие европейские музыкальные инструменты, сформировались жанры как церковной, так и светской музыки, сложились известные музыкальные школы Европы: нидерландская, французская, немецкая, итальянская, испанская и т.д.

В Средние века было два основных направления в развитии музыки: духовная музыка и светская, развлекательная. При этом светская музыка порицалась религией, считалась «дьявольским наваждением».

Музыка была одним из инструментов религии, «подручным» средством, служившей целям церкви, а также одной из точных наук. Музыка ставилась наряду с математикой, риторикой, логикой, геометрией, астрономией и грамматикой. Церковь развивала певческие и композиторские школы с упором на числовую музыкальной эстетику (для ученых той эпохи музыка была проекцией числа на звуковую материю). В этом было и влияние позднего эллинизма, идей Пифагора и Платона. При таком подходе музыка не имела самостоятельного значения, она была аллегорией высшей, божественной музыки.

Итак, музыка делилась на 3 типа:

• Мировая музыка — это музыка сфер, планет. Согласно музыкально-числовой эстетике эпохи Средневековья каждая планета солнечной системы наделялась своим звуком, тоном, и движение планет создавало небесную музыку. Помимо планет своим тоном наделялись и времена года.
• Человеческая музыка — каждый орган, часть тела, душа человека наделялись своим звуком, которые складывались в гармоничное созвучие.
• Инструментальная музыка — искусство игры на инструментах, музыка для увеселения, низший тип иерархии.

Духовная музыка была вокальной, хоровой, а светская — инструментально-вокальной. Инструментальная музыка считалась легкой, несерьезной, и, музыкальные теоретики той эпохи не воспринимали ее всерьез. Хотя менестрельное ремесло требовало от музыкантов большого исполнительского мастерства.

Период перехода от Средневековья к эпохе Нового времени в Европе, длившийся почти два с половиной столетия. В этот период во многих областях жизни произошли значительные изменения; бурный расцвет пережили наука и искусство. Период Возрождения делится на множество составных частей и фаз развития. С ним также связаны различные суеверия, укоренившиеся настолько прочно, что даже в наши дни требуются немалые усилия, чтобы их опровергнуть.

• Первое и, наверно, главное заблуждение - считать (подобно многим идеологам Возрождения) Возрождение именно возрождением, воскресением культуры и цивилизации, наступившим после долгого периода варварских «средних веков», мрачного времени, периода разрыва в развитии культуры. Этот предрассудок основан на полном незнании Средневековья и тесной связи между ним и Возрождением; в качестве примера достаточно будет назвать две совершенно различные области - поэзию и экономическую жизнь. Данте жил в XIII веке, т.е. в кульминационный момент Средневековья, Петрарка - в XIV. Что касается экономической жизни, то подлинный ее ренессанс также приходится на XIII век, время быстрого развития торговли и банковского дела. Говорят, что Возрождению мы обязаны переоткрытием древних авторов, но это - тоже суеверие. Известно, что в этот период были открыты лишь две древнегреческие рукописи, остальные уже имелись на Западе (главным образом во Франции), ибо возврат к древности, связанный с интересом к человеку и природе, Западная Европа пережила в XII и XIII веках.
• Второе суеверие связано со смешением двух составных частей Возрождения, противоположных друг другу, а именно так называемого гуманизма и нового естествознания. Гуманизм враждебен всякой логике, всякому разуму, всякой естественной науке, которую он считает «механическим» трудом, недостойным культурного человека, призванного быть писателем, ритором, политиком. Фигура человека Возрождения, который сочетает в себе одновременно и Эразма Роттердамского и Галилея, является мифической, а вера в некий единый, присущий эпохе Возрождения образ мира - не что иное, как суеверие.
• Третий предрассудок состоит в восхвалении философии эпохи Возрождения как «великой» по сравнению с предшествующей ей схоластикой.

На самом деле, за исключением Николая Кузанского (далекого от духа Возрождения) и Галилея (жившего на закате эпохи Возрождения), философы Возрождения, по справедливому утверждению Кристеллера, не были ни хорошими, ни плохими- они вообще не были философами. Многие из них были выдающимися писателями, учеными, знатоками древних текстов, славились насмешливым и острым умом, литературным мастерством. Но к философии они не имели почти никакого отношения. Таким образом, противопоставлять их мыслителям Средневековья - чистой воды суеверие.

• • Еще одно заблуждение - считать Возрождение бурной революцией, полным разрывом с прошлым. Действительно, в этот период происходят глубокие изменения, но все они органически связаны с прошлым, и в любом случае их истоки можно найти в Средневековье. Эти изменения имеют в прошлом настолько глубокие корни, что один из крупнейших специалистов по эпохе Возрождения, Хейзинга, имел все основания назвать эту эпоху «осенью Средневековья».

Наконец, суеверием является и мнение, что жившие в эпоху Возрождения люди, по крайней мере большинство из них, по духу своему протестанты, монисты, атеисты либо рационалисты. В действительности подавляющее большинство известных представителей Возрождения, а в области философии почти все, от Леонардо и Фичино до Галилея и Кампанеллы, были католиками, часто- ревностными сторонниками и защитника34 ми католической веры. Так, Марсилио Фичино на 40-м году жизни принял христианскую веру и создал католическую апологетику Нового времени.

Музыкальный теоретик Средневековья Гвидо Аретинский (конец X века) дает следующее определение музыке:

«Музыка – это движение вокальных звуков».

В этом определении средневековый музыкальный теоретик выразил отношение к музыке всей европейской музыкальной культуры той эпохи.

Музыкальные жанры церковной и светской музыки.

Источником духовной музыки Средневековья была монастырская среда. Песнопения разучивались в певческих школах на слух и распространялись в церковной среде. В виду появления большого многообразия напевов католическая церковь решила канонизировать и регламентировать песнопения, отражающие единство христианской доктрины.

Таким образом, появился хорал, ставший олицетворением церковной музыкальной традиции. На его основе сложились и другие жанры, созданные специально для определенных праздников, богослужений.

Духовная музыка Средневековья представлена следующими жанрами: · Хорал, григорианский хорал — одноголосное религиозное песнопение на латыни, четко регламентированное, исполнялся хором, некоторые разделы — солистом

• • • Месса — главное богослужение католической церкви, состоящее из 5 устойчивых частей (ординариум) — I. Kyrie eleison (Господи, помилуй), II. Gloria (слава), III. Credo (верую), IV. Sanctus (свят), V. Agnus Dei (агнец божий).
    • Литургия, литургическая драма — пасхальное или рождественское богослужение, где григорианские хоралы чередовались с неканонизированными мелодиями-тропами, литургии исполнялись хором, партии персонажей (Марии, Евангелиста) — солистами, иногда появлялись некоторые подобия костюмов
    • Мистерия — литургическая драма с развернутым сценическим действием, костюмами
    • Рондель (рондо, ру) — многоголосный жанр зрелого и позднего Средневековья, опирался на авторскую мелодию (в отличие от канонизированного хорала), которая исполнялась в импровизационной манере солистами, вступавшими по очереди (ранняя форма канона)
    • Проприум — часть жанра мессы, изменяющаяся в зависимости от церковного календаря (в отличие от неизменной части мессы — ординариума)
    • Антифон — наиболее древний жанр хоровой церковной музыки, основанный на чередовании партий двумя хоровыми группами

Образцы церковной музыки:

1) Распев kyrie eleyson

2) Cеквенция victimae Pashali

Светская музыка Средневековья была, в основном, музыкой бродячих музыкантов и отличалась свободой, индивидуализированностью и эмоциональностью. Также светская музыка была частью куртуазной, рыцарской культуры феодалов. Поскольку кодекс предписывал рыцарю изысканные манеры, щедрость, великодушие, обязанности служить Прекрасной Даме, эти стороны не могли не найти своего отражения в песнях трубадуров и миннезингеров.

Исполняли светскую музыку мимы, жонглеры, трубадуры или труверы, менестрели (во Франции), миннезингеры, шпильманы (в германских странах), хоглары (в Испании), скоморохи (на Руси). Эти артисты должны были не только уметь петь, играть и танцевать, но и уметь показывать цирковые представления, фокусы, театральные сцены, и должны были другими способами всячески развлекать публику.
Благодаря тому, что музыка была одной из наук и преподавалась в Университетах, феодалы и знатные люди, получившие образование, могли применять свои знания и в искусстве.
Таким образом, музыка развивалась и в придворной среде. В противовес христианскому аскетизму, рыцарская музыка воспевала чувственную любовь и идеал Прекрасной Дамы. Среди знати как музыканты были известны — Гийом — VII, граф Пуатье, герцог Аквитании, Жан Бриенский – король Иерусалима, Пьер Моклэр – герцог Бретани, Тибо Шампанский – король Наварры.

Основные черты и особенности светской музыки Средневековья:

• • • опирается на фольклор, исполняется не на латыни, а на родных языках диалектах,
    • среди бродячих артистов нотация не используется, музыка является устной традицией (позднее в придворной среде развивается музыкальная письменность)
    • основная тема — образ человека во всем многообразии его земной жизни, идеализированная чувственная любовь
    • одноголосие — как способ выражения индивидуальных чувств в стихотворно-песенной форме
    • вокально-инструментальное исполнение, роль инструментов еще не очень высока, инструментальными были, в основном, вступления, интермедии и коды
    • мелодика была разнообразна, но ритмика при этом — канонизирована, — в этом сказывалось влияние церковной музыки, разновидностей ритма (ритмических модусов) было всего 6, и каждый из них имел строго образное содержание

Труверы, трубадуры и миннезингеры, играющие куртуазную рыцарскую музыку, создали свои оригинальные жанры:

• • • «Ткацкие» и «майские» песни
    • Рондо — форма на основе повторяющегося рефрена
    • Баллада — текстомузыкальная песенная форма
    • Виреле — старофранцузская стихотворная форма с трёхстрочной строфой (третья строка укорочена), одинаковой рифмовкой и с припевом
    • Героический эпос («Песнь о Роланде», «Песнь о Нибелунгах»)
    • Песни крестоносцев (песни Палестины)
    • Канцона (у миннезингеров назывались — альба) — любовная, лирическая песня

Благодаря развитию городской культуры в X — XI вв. светское искусство стало развиваться активней. Странствующие музыканты все чаще выбирают оседлый стиль жизнь, заселяют целые городские кварталы.

Интересно, что бродячие музыканты к XII — XIII вв. возвращаются к духовной тематике. Переход от латыни к местным языкам и огромная популярность этих исполнителей позволила им принимать участие в духовных представлениях в соборах Страсбурга, Руана, Реймса. Камбре. Со временем некоторые странствующие музыканты получили право на организацию спектаклей в замках знати и при дворах Франции, Англии, Сицилии и других стран.

К XII — XIII векам среди бродячих музыкантов появляются беглые монахи, странствующие школяры, выходцы из низших слоев духовенства – ваганты и голиарды.

Оседлые музыканты образуют в средневековых городах целые музыкальные цеха — «Братство святого Жюльена» (Париж, 1321 г.), «Братство святого Николая» (Вена, 1288 г.). Целями этих объединений были защита прав музыкантов, сохранение и передача профессиональных традиций.

В XIII — XVI вв. формируются новые жанры, которые далее развиваются уже в эпоху Ars Nova:

• • • Мотет (от франц. – «слово») — многоголосный жанр, отличается мелодическим несходством голосов, интонировавших одновременно разные тексты, иногда даже на разных языках, мог быть как светского содержания, так и духовного
    • Мадригал (от итал. – «песня на родном языке», т.е. итальянском) — любовно-лирические, пасторальные песни,
    • Качча (от итал. – «охота») — вокальная пьеса на тему охоты.

Светская музыка трубадуров и профессиональных композиторов.

Дополнительная информация:

В наш информационный век, век высоких технологий мы часто забываем о непреходящих духовных ценностях. Одной из таких ценностей является классическая музыка – духовное наследие наших предков. Что же такое классическая музыка, зачем она нужна современному человеку? Почему многие считают, что это очень скучно? Попробуем разобраться в этих непростых вопросах.Часто можно услышать мнение, что классическая музыка – это якобы та, которая была давным-давно написана. Это не так, так как под этим понятием подразумевается всё то лучшее, что было создано в мире музыки за всё время существования человеческой цивилизации. Соната Бетховена, созданная в XVIII веке, и романс Свиридова, написанный 40 лет назад, – всё это классика! Главное, что эта музыка прошла испытание временем. И во времена Бетховена, и сейчас есть дельцы от искусства, производящие низкопробный музыкальный продукт. Этот продукт очень быстро портится, а подлинное искусство с каждым днём становится всё прекраснее и прекраснее.

Появление нот

Письменность, великое изобретение человечества, позволило накапливать и передавать грядущим поколениям мысли, идеи и впечатления. Другое изобретение, не менее великое, нотная запись, позволило передавать потомкам звуки, музыку. До нот в европейской музыке использовались особые знаки - невмы.

Изобретатель современной системы нотной записи – бенедиктинский монах Гвидо Аретинский (Гвидо д’Ареццо) (990-1050). Ареццо – небольшой городок в Тоскане, неподалеку от Флоренции. В здешнем монастыре брат Гвидо обучал певчих исполнению церковных песнопений. Дело это было нелегким и долгим. Все знания и умения передавались устно в непосредственном общении. Певчие под руководством преподавателя и с его голоса последовательно разучивали каждый гимн и каждое песнопение католической мессы. Поэтому полный «курс обучения» занимал около 10 лет.

Гвидо Ареттинский начал отмечать звуки нотами (от латинского слова nota – знак). Ноты, заштрихованные квадратики, размещались на нотном стане, состоящем из четырех параллельных линий. Сейчас этих линий пять, и ноты изображают кружочками, но принцип, введенный Гвидо, остался без изменений. Более высокие ноты изображаются на более высокой линейке. Нот семь, они образуют октаву.

Каждой из семи нот октавы Гвидо дал название: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Это – первые слоги гимна св. Иоанну. Каждая строка этого гимна поется на тон выше предыдущей.

Ноты следующей октавы называются так же, но поются более высоким или более низким голосом. При переходе от одной октавы к другой частота звука, обозначаемого одной и той же нотой, увеличивается или уменьшается вдвое. Например, музыкальные инструменты настраивают по ноте ля первой октавы. Этой ноте соответствует частота 440 Гц. Ноте ля следующей, второй, октавы будет соответствовать частота 880 Гц.

Названия всех нот, кроме первой, заканчиваются на гласный звук, их удобно петь. Слог ut – закрытый и пропеть его подобно прочим невозможно. Поэтому название первой ноты октавы, ut, в шестнадцатом веке заменили на do (скорее всего, от латинского слова Dominus – Господь). Последняя нота октавы, si – сокращение двух слов последней строки гимна, Sancte Ioannes. В англоязычных странах название ноты «си» заменили на «ти», чтобы не путать с буквой С, также используемой в нотной записи.

Изобретя ноты, Гвидо обучил певчих этой своеобразной азбуке, а также научил их петь по нотам. То есть тому, что в современных музыкальных школах называется сольфеджио. Теперь достаточно было записать нотами всю мессу, и певчие могли уже сами пропеть нужную мелодию. Отпала необходимость учить каждого каждой песне лично. Гвидо должен был только контролировать процесс. Время обучения певчих сократилось в пять раз. Вместо десяти лет – два года.!

Мемориальная доска в Ареццо на улице Рикасолли на доме, в котором родился Гвидо. На ней изображены квадратные ноты.

Надо сказать, что монах Гвидо из Ареццо был не первым, кто придумал записывать музыку при помощи знаков. До него в Западной Европе уже существовала система невмов (от греческого слова «пневмо» – дыхание), значков, проставляемых над текстом псалмов, чтобы обозначить подъем или понижение тона песни. На Руси для той же цели употребляли собственную систему «крюков» или «знамен».

Квадратные ноты Гвидо Аретинского, размещаемые на четырех линиях нотного стана, оказались самой простой и удобной системой записи музыки. Благодаря ей нотная грамота распространилась по всему миру. Музыка покинула пределы церкви и ушла сперва во дворцы владык и вельмож, а потом в театры, концертные залы и на городские площади, став всеобщим достоянием.

Что такое лад.

Лады - один из центральных терминов в теории музыки. Понимание, как они строятся, и умелое их использование открывают перед музыкантом неограниченные возможности. И часто объяснить, как именно создаётся интересный переход в той или иной композиции, невозможно - если человек не понимает, что такое лад. Но есть загвоздка: термин «лад» сами музыканты употребляют, зачастую имея в виду совсем не одно и то же. Почему так? И что вообще такое - лад? Путаница получилась оттого, что в это слово в разные эпохи вкладывали очень разный смысл.

Мы не осознаем насколько наше восприятие воспитано и завязано на классической музыке. (Тогда как понятие «современная музыка» - это отход от классических принципов). Эпоха классицизма - большой исторический слом в человеческом восприятии мира. После Средних веков люди открывают для себя античное искусство и очаровываются им. Любое произведение классицизма строится на строгих канонах, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Классицизм создал структурную упорядоченность - чёткую иерархию высшего и низшего, главного и второстепенного, центрального и подчинённого. Поэтому, например, начиная с венской классики и романтической музыки мы мыслим в системе - «мажор-минор». Что это такое и как влияет на наше восприятие?

Мажор и минор - это тональные лады. Тональный лад - это определенная система взаимоотношений между тонами. Что это значит? Что такое тон? Попробуем разобраться. Предположим, перед вами пианино: посмотрите на клавиатуру: привычное нам до-ре-ми-фа-соль-ля-си, 7 белых клавиш и между ними ещё 5 чёрных, всего 12. Расстояние между каждыми двумя из них составляет полутон. Между соседней черной и белой - всегда полутон. Между соседними белыми - тон (есть исключения ми-фа, и си-до - это полутона).

Любой набор из тонов и полутонов - это звукоряд. В эпоху классицизма его стали строить со строгим подчинением всех тонов тонике - основному тону. Таков мажорный или минорный лад. Вся тональная музыка (вся классика) строится именно на взаимоотношениях между главными и подчиненными созвучиями. На слух мы интуитивно различаем мажор и минор по тому, как они окрашены - «радостно» или «печально». Переменный лад - это когда в одном произведении одновременно есть и мажорные, и минорные черты. Но принцип у них общий - тональный.

Однако этот принцип - не единственно возможный. До эпохи классицизма, когда все окончательно упорядочили в стройную систему тональностей, музыкальное мышление было другим. Ионийский, дорийский, фригийский, лидийский, миксолидийский, эолийский, локрийский… Это - октавные лады греков. А еще были церковные лады григорианской музыки. Всё это - модальные лады. В них сочиняли музыку в античности, Средневековье, модальна восточная музыкальная традиция (индийские раги или арабский макам, например). В музыке Европы эпохи Возрождения тоже преобладала модальность.

В чём главное отличие от привычного нам тонального взгляда? В тональных ладах существует строгое разграничение функций основных созвучий и аккордов, а в модальной музыке они гораздо более размыты. Для модального лада важен сам звукоряд в целом - и те значения и краски, которые он может привнести в музыку. Именно поэтому мы легко на слух отличаем индийскую музыку от средневековых хоралов - по определенным созвучиям и музыкальным ходам.

К XX веке композиторы, кажется, перепробовали все варианты звучания в рамках тональной музыки. «Мне скучно, бес!», - сказали они и в поисках новых красок обратились к старому - модальным оборотам и ходам. Так возникла новая модальность. В современной музыке появились новые лады - например, блюзовый. Более того, возник особый жанр - модальный джаз. Майлз Дэвис, например, называл модальную музыку «отклонением от нормальной гаммы из семи нот, где каждая нота как бы не в фокусе». И говорил, что «идя в этом направлении, ты идешь в бесконечность». Суть в том, что тональный и модальный принципы вовсе не исключают друг друга. В одной пьесе их признаки могут смешиваться. Модальность - это как бы еще один слой, который накладывается на привычный нам «мажор/минор». И использование различных модальных ладов меняет окрас музыки: например, обороты фригийского лада мрачноваты, потому что его звукоряд в основном составляют пониженные ступени. Зная такие ладовые особенности, можно добиться интересного звучания, если вы пишете музыку.

Окрас, настрой, характер - вот те признаки лада, которые мы слышим, но зачастую не осознаем этого. Часто в песнях нас цепляют именно модальные обороты - потому что они необычны. Слух, воспитанный на классической музыке, торкает этот отход от повседневности. Всё это и многое другое открывается, когда понимаешь язык музыки.

Средневековье – наиболее длительная культурная эпоха в истории Западной Европы. Она охватывает девять столетий – с VI по XIV век. Это было время господства католической церкви, которая с первых шагов являлась покровительницей искусств. Церковное слово (молитва) в разных странах Европы и в различных социальных слоях было неразрывно связано с музыкой: звучали псалмы, гимны, хоралы – сосредоточенные, отрешенные мелодии, далекие от повседневной суеты.

Также по заказу церкви возводили величественные храмы, украшали их скульптурами и красочными витражами; благодаря покровительству церкви архитекторы и художники, скульпторы и певцы посвящали себя безраздельно любимому искусству, т. е. католическая церковь поддерживала их с материальной стороны. Таким образом, самая значительная часть искусства вообще и музыкального, в частности, находилась под ведением католической религии.

Церковное пение во всех странах Западной Европы звучало на строгом латинском языке и для того, чтобы еще более усилить единство, общность католического мира, папа Григорий I, вступивший на престол в начале IV века, собрал воедино все церковные песнопения и предписал для исполнения каждого из них определенный день церковного календаря. Собранные папой мелодии получили название григорианских хоралов, а певческая традиция, основанная на них, называется григорианское пение.

В мелодическом смысле григорианский хорал ориентирован на октоих – систему восьми ладов. Именно лад часто оставался единственным указанием на то, как нужно исполнять хорал. Все лады составляли октаву и были модификацией античной трихордной системы. Лады имели только нумерацию, понятия «дорийский», «лидийский» и проч. исключались. Каждый лад представлял соединение двух тетрахордов.

Григорианские хоралы идеально соответствовали своему молитвенному назначению: неторопливые мелодии складывались из незаметно перетекающих друг в друга мотивов, мелодическая линия была ограничена по тесситуре, интервалы между звуками были небольшими, ритмический рисунок был также плавным, строились хоралы на основе диатонического звукоряда. Григорианские хоралы исполнялись одноголосно мужским хором и обучались такому пению преимущественно в устной традиции. Письменные источники григорианики являются образцом невменной нотации (специальные значки, стоявшие над латинским текстом), однако такой тип нотной записи указывал только приблизительную высоту звука, обобщенное направление мелодической линии и совсем не касался ритмической стороны и поэтому считался сложным для прочтения. Певцы, исполнявшие церковные хоралы не всегда были образованы и обучались своему ремеслу в устной форме.

Григорианский хорал стал символом огромной эпохи, которая отразила в нем свое понимание жизни и мира. Смысл и содержание хоралов отражали представление средневекового человека о сущности бытия. В этом смысле Средние века часто называют «юностью европейской культуры», когда, после падения античного Рима в 476 году, племена варваров, галлов и германцев вторглись в Европу и начали строить свою жизнь заново. Их вера в христианских святых отличалась безыскусностью, простотой и мелодии григорианских хоралов базировались на том же принципе естественности. Некоторая монотонность хоралов отражает представление средневекового человека о пространстве, которое ограничивается полем его зрения. Также и представление о времени было связано с идеей повторяемости и неизменности.

Григорианское пение, как господствующий музыкальный стиль, к IX веку окончательно утвердилось на всей территории Европы. Тогда же в музыкальном искусстве произошло величайшее открытие, оказавшее влияние на всю его дальнейшую историю: ученый-монах, итальянский музыкант Гвидо из Ареццо (Аретинский) изобрел нотную запись, которой мы пользуемся и по сей день. Отныне и григорианский хорал можно было спеть по нотам, и он вступил в новую фазу своего развития.

С VII по IX век понятия «музыка» и «григорианский хорал» существовали нераздельно. Изучая мелодику хоралов, средневековые музыканты и певчие хотели украсить их, но изменять церковное пение не разрешалось. Выход был найден: над хоральной мелодией на равном удалении от всех ее звуков был надстроен второй голос, который в точности повторял мелодический рисунок хорала. Мелодия казалась утолщенной, удвоенной. Такие первые двухголосные сочинения получили названия органумов, так как нижний голос, в котором звучал хорал, назывался vox principalis (основной голос), а верхний, присочиненный – vox organalis (дополнительный голос). Звучание органумов вызывало ассоциации с акустикой храма: оно было гулким, глубоким. Далее, на протяжении XI-XIII веков, двухголосие выросло до трех- (triptum) и четырехголосия.

Ритмические формы органумов - пример модусной (модальной) ритмики. Их шесть: ямб (l ¡), трохей (хорей) (¡ l), дактиль (¡. l ¡), анапест (l ¡ ¡. ), спондей (¡. ¡. ), тритрахий (l l l).

Помимо церковного искусства, с развитием европейских городов и экономики, в Средние века произошло рождение нового искусства. Простые люди (горожане, крестьяне) часто видели в своих поселениях бродячих актеров и музыкантов, которые танцевали, разыгрывали театрализованные представления на разные темы: об ангелах и Пресвятой Богородице или о чертях и адских муках. Это новое светское искусство пришлось не по вкусу аскетическим служителям церкви, которые находили в легкомысленных песнях и представлениях происки дьявола.

Расцвет средневековых городов и феодальных замков, интерес к светскому искусству, который охватывал все сословия, привели к появлению первой профессиональной школы светской поэзии и музыки – школы трубадуров, которая возникла на юге Франции в XII веке. Аналогичные немецкие поэты и музыканты назывались миннезингерами (мейстерзингерами), северофранцузские – труверами. Будучи авторами стихов, поэты-трубадуры выступали одновременно и как композиторы, и как певцы-исполнители.

Музыка песен трубадуров выросла из поэзии и подражала ей своей простотой, шутливостью, беззаботностью. Содержание таких песен обсуждало все жизненные темы: любовь и разлуку, наступление весны и ее радости, веселую жизнь странствующих студентов-школяров, шалости Фортуны и ее капризный нрав и др. Ритмичность, четкое членение на музыкальные фразы, акцентность, периодичность – все это было свойственно песням трубадуров.

Григорианское пение и лирика трубадуров – два самостоятельных направления в средневековой музыке, однако, при всей их контрастности, можно отметить и общие черты: внутреннее родство со словом, склонность к плавному, витиеватому голосоведению.

Вершиной раннего многоголосия (полифонии) стала школа Нотр-Дам. Музыканты, принадлежавшие к ней, работали в Париже в соборе Парижской Богоматери в XII-XIII веках. Им удалось создать такие многоголосные структуры, благодаря которым музыкальное искусство стало более самостоятельным, менее зависимым от произнесения латинского текста. Музыка перестала восприниматься как его поддержка и украшение, она теперь предназначалась специально для слушания, хотя органумы мастеров этой школы по-прежнему исполнялись в церкви. Во главе школы Нотр-Дам стояли профессиональные композиторы: во второй половине XII века – Леонин, на рубеже XII-XIII веков – его ученик Перотин.

Понятие «композитор» в эпоху Средневековья существовало на втором плане музыкальной культур и само слово происходило от «компонировать» - т.е. сочетать, создавать нечто новое из известных элементов. Профессия композитора появилась лишь в XII веке (в творчестве трубадуров и мастеров школы Нотр-Дам). Например, найденные Леонином правила композиции уникальны потому, что, начав с глубокого исследования музыкального материала, созданного до него, композитор сумел впоследствии сочетать традиции строгого григорианского пения со свободными нормами искусства трубадуров.

Уже в органумах Перотина был придуман способ продления музыкальной формы. Так, музыкальная ткань расчленялась на короткие мотивы, построенные по принципу подобия (все они представляют довольно близкие варианты друг друга). Перотин передает эти мотивы из одного голоса в другой, создавая нечто вроде мотивной цепочки. Пользуясь такими сочетаниями и перестановками, Перотин позволил органумам разрастись по масштабам. Звуки григорианского хорала, помещенные в голос cantus firmus, располагаются на большом расстоянии друг от друга – и это также способствует расширению музыкальной формы. Так возник новый жанр – МОТЕТ; как правило, это трехголосное сочинение, получившее распространение в XIII веке. Красота нового жанра заключалась в одновременном сочетании разных мелодических линий, хотя они, по сути, являлись вариантом, дублировкой, отражением основного напева – cantus firmus. Такие мотеты назывались «упорядоченными».

Однако большей популярностью у публики пользовались мотеты, которые, в противоположность мотетам на cantus firmus, утрировали принципы разноголосия: некоторые из них даже сочинялись на разноязыкие тексты.

Средневековые мотеты могли быть как духовного, так и светского содержания: любовного, сатирического и т.п.

Раннее многоголосие существовало не только как вокальное искусство, но и как инструментальное. Для карнавалов и праздников сочинялась танцевальная музыка, песни трубадуров также сопровождались игрой на инструментах. Были популярны и своеобразные инструментальные фантазии, похожие на мотеты.

XIV век в западноевропейском искусстве называется «осенью» Средневековья. В Италию уже пришла новая эпоха – Возрождение; уже творили Данте, Петрарка, Джотто – великие мастера раннего Ренессанса. Остальная Европа подводила итоги средних веков и ощущала рождение новой темы в искусстве – темы индивидуальности.

Вступление средневековой музыки в новую эпоху было ознаменовано появлением трактата Филиппа де Витри «Ars Nova» - «Новое искусство». В нем ученый и музыкант пытался обрисовать новый образ музыкально-прекрасного. Название этого трактата дало имя и всей музыкальной культуре XIV века. Отныне музыка должна была отказаться от простых и грубых звучаний и устремиться к мягкости, очарованию звука: вместо пустых, холодных созвучий Ars antiqua предписывалось использовать полные и певучие созвучия.

Рекомендовалось оставить в прошлом и однообразный ритм (модальный) и пользоваться вновь открытой мензуральной (измерительной) нотацией, когда короткие и длинные звуки относятся друг к другу как 1:3 или 1:2. Таких длительностей много – максима, лонга, бревис, семибревис; каждая из них имеет свое начертание: более длинные звуки не заштриховываются, более краткие изображаются черным цветом.

Ритм стал более гибким, разнообразным, можно использовать синкопы. Менее строгим стало ограничение на использование иных, кроме диатонических церковных ладов: можно употреблять альтерации, повышения, понижения музыкальных тонов.

Реферат по предмету «Музыка», 7 класс

В эпоху средневековья в Европе складывается музыкальная культура нового типа - феодальная, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор. Поскольку церковь господствует во всех областях духовной жизни, основу профессионального музыкального искусства составляет деятельность музыкантов в храмах и монастырях. Светское профессиональное искусство представлено поначалу лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.). Со временем развиваются любительские и полупрофессиональные формы музицирования рыцарства: во Франции - искусство трубадуров и труверов (Адам де ла Аль, XIII век), в Германии - миннезингеров (Вольфрам фон Эшенбах, Вальтер фон дер Фогельвейде, XII-XIII века), а также городских ремесленников. В феодальных замках и в городах культивируются всевозможные роды, жанры и формы песен (эпические, «рассветные», рондо, баллады и др.).

Входят в быт новые музыкальные инструменты, в том числе пришедшие с Востока (виола, лютня и т. д.), возникают ансамбли (нестабильных составов). В крестьянской среде расцветает фольклор. Действуют также «народные профессионалы»: сказители, странствующие артисты (жонглёры, мимы, менестрели, шпильманы, скоморохи). Музыка выполняет главным образом прикладные и духовно-практические функции. Творчество выступает в единстве с исполнительством (как правило - в одном лице) и с восприятием. И в содержании музыки, и в её форме господствует коллективность; индивидуальное начало подчиняется общему, не выделяясь из него (музыкант-мастер - лучший представитель общины). Во всём царят строгая традиционность и каноничность. Закреплению, сохранению и распространению традиций и эталонов (но также и их постепенному обновлению) способствовал переход от невм, лишь приблизительно указывавших характер мелодического движения, к линейной нотации (Гвидо д’Ареццо, XI век), позволившей точно фиксировать высоту тонов, а затем и их длительность.

Постепенно, хотя и медленно, обогащаются содержание музыки, её жанры, формы, средства выразительности. В Западной Европе с VI-VII веков. складывается строго регламентированная система одноголосной (монодической) церковной музыки на основе диатонических ладов (григорианское пение), объединяющая речитацию (псалмодия) и пение (гимны). На рубеже 1-го и 2-го тысячелетий зарождается многоголосие. Формируются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум, мотет, кондукт, затем месса. Во Франции в XII веке образуется первая композиторская (творческая) школа при Соборе Парижской богоматери (Леонин, Перотин). На рубеже Возрождения (стиль ars nova во Франции и Италии, XIV века) в профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием, музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практической функций (обслуживание церковных обрядов), в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных (Гильом де Машо). Средневековой музыке Европы посвятили свои труды многие музыковеды (в том числе Пьер Обри).

В условиях раннего Средневековья вся музыкальная культура сводит-ся к двум основным «слагаемым». На одном ее полюсе - узаконенная цер-ковью профессиональная богослужебная музыка, в принципе единая для всех народов, принявших христианство (единство языка - латынь, един-ство пения - григорианский хорал). На другой стороне - гонимая церковью на-родная музыка на различных местных языках, связанная с народным бы-том, с деятельностью бродячих музыкантов.

Несмотря на абсолютное неравенство сил (в смысле поддержки со стороны государства, материальных условий и прочее), народная музыка интенсивно развивалась и даже частично проникала в церковь в виде различных вставок в канонизированное григорианское пение. Среди них, например, тропы и секвенции, создаваемые одаренными музыкантами.

Тропы - это текстовые и музыкальные дополнения, вставляемые в середину хорала. Разновидностью тропа является секвенция. Средневековые секвенции - это подтекстовки сложных вокализов. Одной из причин, вызвавших их возникновение, была значительная трудность запоминания длинных мелодий, распеваемых на одной гласной букве. Со временем секвенции стали основываться на мелодиях народного склада.

Среди авторов первых секвенций называют монаха Ноткера по прозвищу Заика из монастыря Санкт-Галлен (в Швейцарии, близ Боденского озера). Ноткер (840-912) был композитором, поэтом, музыкальным теоретиком, историком, богословом. Он преподавал в монастырской школе и, несмотря на заикание, пользовался славой прекрасного учителя. Для своих секвенций Ноткер частично использовал известные мелодии, частично сочинил сам.

Постановлением Тридентского собора (1545-63) почти все секвенции были изгнаны из церковной службы, за исключением четырех. Среди них наибольшую известность приобрела секвенция Dies irae («День гнева»), рассказывающая о судном дне . Позже в католический церковный обиход была допущена и пятая секвенция, Stabat Mater («Стояла мать скорбящая»).

Дух мирского искусства в церковный обиход привносили и гимны - духовные песнопения, близкие народным песням на стихотворный текст.

С конца XI века в музыкальную жизнь Западной Европы включаются новые виды творчества и музицирования, связанные с рыцарской культу-рой. Певцы-рыцари, по существу, положили начало светской му-зыке. Их искусство соприкасалось с народно-бытовой музыкальной тради-цией (использование народно-песенных интонаций, практика сотрудничест-ва с народными музыкантами). В ряде случаев трубадуры, вероятно, под-бирали к своим текстам бытующие народные мелодии.

Величайшим достижением музыкальной культуры Средневековья явилось рождение профессиональной европейской полифонии . Ее начало относится к IX веку, когда унисонное исполнение григорианского хорала стало иногда заменяться двухголосным. Наиболее ранним видом двухголосия был параллельный органум , в котором григорианский напев дублировался в октаву, кварту или квинту. Затем появился и непарал-лельный органум с косвенным (когда двигался только один голос) и про-тивоположным движением. Постепенно голос, сопровождающий григорианс-кий хорал, становился все более самостоятельным. Подобный стиль двухголосия получил название дискантового (в переводе - «пе-ние врозь»).

Впервые такие органумы стал писать Леонин , первый извест-ный композитор-полифонист (XII век). Он служил регентом в знаменитом соборе Парижской Богоматери, где сложилась крупная полифоническая школа.

Творчество Леонина было связано с ars antiqua (арс антиква, что означает «старинное искусство»). Такое наименование дали культовой полифонии XII - XIII веков музыканты раннего Возрождения, противопоставлявшие ее ars nova («новому искусству»).

В начале XIII века традиции Леонина продолжил Перотин , по про-звищу Великий. Он сочинял уже не двухголосные, а 3 х и 4 х -голосные органумы. Верхние голоса у Перотина иногда образуют контрастное двухголосие, порой он искусно применяет имитацию.

Во времена Перотина сформировался и новый тип полифонии - кондукт , основой которого был уже не григорианский хорал, а популярная бытовая или свободно сочиняемая мелодия.

Еще более смелой поли-фонической формой явился мотет - сочетание мелодий с различным ритмом и различными текстами, нередко даже на разных языках. Мотет был первым музыкальным жанром, одинаково распространенным и в церкви, и в придворном быту.

Развитие многоголосия, отход от одновременного произнесения каждого слога текста во всех голосах (в мотетах), потребовало усовершенствования нотации, точного обозначения длительностей. Появляется мензуральная нотация (от лат. mensura - мера; буквально - размеренная нотация), которая дала возможность фиксировать и высоту, и относительную длительность звуков.

Параллельно с развитием полифонии шел процесс становления мессы - многоголосного циклического произведения на текст главно-го богослужения католической церкви. Ритуал мессы складывался в тече-ние многих столетий. Окончательный свой вид он приобрел лишь к XI ве-ку. Как целостная музыкальная композиция месса оформилась еще позже, в XIV веке, став ведущим музыкальным жанром эпохи Возрождения.