Vsako novo stoletje ustvarja nove smeri v umetnosti, razkriva talente še neznanih umetnikov, kiparjev in arhitektov. Eden izmed najbolj izjemnih obdobij kiparstva v Rusiji je bil 18. stoletje. Z prihodom zadnjega kralja vse Rusije začne umetnost doživeti popolnoma novo fazo. Preden je oseba odprla vrata svetu evropskih ustvarjalcev.

V tem obdobju se je v velikem obsegu gradnja parkov, posestev, popolnoma nova prestolnica začela razviti v Rusiji - vse to je povzročilo potrebo po plastiki, ki naj bi bil osredotočen na evropske vzorce. Pogled na skulpturo je postal popolnoma drugačen. Zaradi meje se novi vzorci začnejo pridružiti, na primer, kip venus taurušhetic. Peter Prvi je celo objavil poseben odlok za nakup in prinesel skulpture oddaljenih držav.

Toda kljub dejstvu, da so bile pred našimi kiparji odprta nove priložnosti, je bilo potrebno nekaj časa, da se odmakne od antične ruske skulpture. Zato je v začetku 18. stoletja veliko iz plastike izdelanih z rokami tujih mojstrov.

Spomenik Petra I.

Mojster iz plastike iz Bartolomeo Carlo Rastrelli, ki je prišel iz tujine, je ustvaril edinstveno skulpturo - Petra Velika prsi. V veličastnem obratu glave, v ostrem pogledu, je Rastrelli lahko popolnoma prenesel gorečnost in odločilno naravo ruskega cesarja. Delo je bilo izvedeno leta 1723. Dva stila sta bila združena - klasicizem in barok, ki je bila natančnost nefleksibilnosti narave in veličastnega videza suverena.

Prvi konjeniški spomenik. Spomenik Petru I v Gradu MikhaiLovsky

Še ena mojstrovina kiparja Carla Rastrellija. Ta spomenik je bil narejen na ideji cesarja po zmagi v bitki v Poltavi. Ampak nisem mogel videti njegovega kralja: kiparstvo je bilo oddano samo med vladavino Paula. Bil je nameščen v St. Petersburgu, poleg gradu Mikhailovsky. Ustvaril je v duhu evropskih monarskih konjeniških kipov. Ponosni pristanek, starodavno obleko, nedvomno poudarjajo avtoriteto in božanstvo kralja neobmere moči. Nismo le podoba žive osebe, ampak moč in moralnost, ki sta neločljivo samo odlična.

Portret Alexander Menshikova

Drugo delo umetnosti italijanskega kiparja. Bodite pozorni na več nagrad, ki krasijo bust pridruženega in vojaškega voditelja Petra velikega in njegovega razkošnega lasulja. Avtor je to storil brez nesreče. Ta slika prenaša pomen Menshikov in njegove ogromne ljubezni do dragega dekoracije in razkošja.

Anna Johnna z Arapchonkom

Veličastna figura cesarja, prikazana v polni rasti, in še vedno precej krhka in otroška "figurica" \u200b\u200bmladega služabnika. Dokončani Rastrelli v duhu baročne skulpture Takšna opozicija transferji kraljevske in veličino ruskega imperija.

Oltar petropavlovske katedrale v Sankt Peterburgu

Najpomembnejši ruski kipar je začel XVIII. Stoletja je bil Ivan Zherryny. Združil je tradicijo ruske arhitekture in plastike z evropskim duhom. Oltar petropavlovske katedrale v Sankt Peterburgu je postal eden od njegovih najpomembnejših stvaritev. Toda Zerryny je bil, temveč bolj arhitekt kot mojster plastične umetnosti. Naredil je velik prispevek k razvoju arhitekture kot kiparstvo.

V drugi polovici 18. stoletja so dela naših, ruski kiparji postali vse več. Ki jih je ustvarila Akademija za umetnost (Creator - Peter Super) izdala tako znane avtorje kot Kozlovsky, Shubin, Gordeev, Shchedrin, Martos. Vloga tujih mojstrov je bila še vedno precej pomembna, vendar smo že opravili prve korake, da bi osvojili svet kulture.

Ekaterina II - Zakonodaja

Shubin Fedor Ivanovich je izdelal to marmorno skulpturo posebej za počitnice, ki ga je uredil grof Potopkin v čast cesalnice. Realistična razlaga podobe poudarja parado in slovesnost v kombinaciji z edinstvenimi značilnostmi Catherine.

Vsa dela tega avtorja odlikuje nekaj plastičnosti, posebnega temperamenta in pristen realizem. Marmor Busts E.M. Chulkov, Pavel First, M.V. Lomonos, princ Golitsyn, Catherine II prehaja, in pokaže, kaj so res.

V 18. stoletju je ruska umetnost pomembna sprememba. Bili smo sposobni doseči novejši ravni - usposobljeni iz tradicije ruske skulpture, usmerjene v Cerkve, obvladali baročni slog in se preselil v popolnoma nov slog v umetnosti - kosicizem.

Tatyana Duka.

Arhitektura. Vodilno smer v arhitekturi druge polovice XVIII. Tam je bil klasicizem, za katerega je bila pritožba na slike in oblike starodavne arhitekture označena (sistem nalog s stolpci) kot idealen estetski standard.

Pomemben arhitekturni dogodek 60-80-ih. To je bila zasnova Naberezhnye Neva. Ena od znamenitosti Sankt Petersburga je bila poletni vrt. Leta 1771 - 1786. Poletni vrt z nasipom Neva je bil ograjen z rešetko, katerega avtor je yu.m. Felten (1730-1801) in njegov pomočnik P. Egorov. Mreza poletnega vrta je narejena v stilu klasicizma: Vertikalno prevladuje: Vertikalno stoječe vrhove prečkajo pravokotne okvirje, enakomerno porazdeljeni ogromni stebri podpirajo te okvire, ki poudarjajo svoj ritem, ki je na splošno občutek magnosti in miru. Leta 1780 -1789. Po projektu arhitekta A.A. KVASS je zgradil granitne nasip in spuste in vhode na reko.

Kot mnogi sodobniki, yu.m. Felten se je ukvarjal s spremembo notranjosti palače Grand Peterhof (bela jedilnica, prestolnica). V čast veličastne zmage ruske flote nad turško v zalivu Chesma leta 1770 je bila ena od dvoran Grand Peterhof Palace Yu.m. Felten je bil pretvorjen v Chesmers. Glavna dekoracija dvorane je bila 12 platno, izvedena leta 1771-1772. Nemški slikar F. Gakaket, namenjen bitkam ruske flote s turškim turskim. V čast Chesmen bitki, yu.m. Felten zgrajena v 7 verstah iz Sankt Petersburg na poti do Royal Village Chesme Palace (1774-1777) in Chesme Cerkev (1777-1780). Palača in cerkev, zgrajena v gotskem slogu, ustvarite en sam arhitekturni ansambel.

Največji mojster ruskega klasicizma je bil V.I. Bazhenov (1737 / 38-1799). Odraščal je v Moskvi Kremlja, kjer je bil njegov oče Dyachie ena od cerkva, je študiral na gimnaziji na Univerzi v Moskvi. Po diplomi iz leta 1760, ki ga je Akademija za umetnost, V.I. Bazhenov je pripeljal upokojenca v Francijo in Italijo. Življenje v tujini, je užival v takšni slavi, da je bil izvoljen profesor v rimskem, član Florentine in Bologna akademije. Leta 1762 je po vrnitvi v Rusijo prejel naziv akademika. Toda v Rusiji se je ustvarjalna usoda arhitekta razvila tragično.

V tem obdobju je Catherine zasnovana z izgradnjo palače Grand Kremlin v Kremlin, in V.I. Bazhenov imenuje njegov glavni arhitekt. Projekt V.I. Bazhenova je pomenila obnovo celotnega Kremlja. Bilo je v bistvu projekt novega centra Moskve. Vključevala je Tsaristična palača, kolegij, Arsenal, Gledališče, Trg, je zasnoval kot starodavni forum, s stojnicami za skupščino ljudi. Kremelj sam, zaradi dejstva, da se je Bazhenov odločil, da nadaljuje tri ulice, da bi potovali na ozemlje palače, priključenih na ulice Moskve. 7 let V.I. Bazhenov razvija projekte, pripravlja na gradnjo, v letu 1775 Catherine naroči vse delo (uradno, zaradi pomanjkanja sredstev, neformalno, zaradi negativnega odnosa do javnega projekta).

Traja več mesecev in v.I. Bazhenov je zadolžen za ustvarjanje palače in parkiranega kompleksa stavb v vasi črne umazanije (Tsaritisyno) v bližini Moskve, kjer je Catherine II odločila, da bo zgradila svojo državo rezidenco. V desetih letih so bila dokončana vsa glavna dela. Junija 1785 je Catherine prispela v Moskvo in preučila stavbe Tsaritsyn, nato pa v januarju 1786 izda dekret: Palača in vse stavbe Break, in V.I. Bazhenova, da zavrne brez plače in pokojnine. "To je napredek, ne palača," to je zaključek cesarila. Legenda veže plast palače s svojim zunanjim zatiralskim razgledom. Gradnja nove palače Ekaterine je naročila M.F. Cossack. Toda ta palača ni bila dokončana.

Leta 1784-1786. In in. Bazhenov za bogat lastnik podjetja Paškov je zgradil dvorec, ki je znan kot hiša p.e. Paškov. Pashkovova hiša se nahaja na pobočju visokega hriba, nasproti Kremlina, pri uvedbi ne-povezav na reko Moskvo in je arhitekturna mojstrovina klasicizma. Posest je sestavljala stanovanjska stavba, maneja, stabilne, pisarne in gospodarske stavbe in cerkve. Stavba odlikuje antična resnost in slovesnost z zgolj moskovsko vzorčnostjo.

Še en nadarjen ruski arhitekt, ki je delal v stilu klasicizma, je bil MF Kazakov (1738-1812). Kozaki niso bili upokojenci in starinski in renesančni spomeniki, ki so bili preučeni po risbah in modelih. Velika šola za njega je bila skupno delo s povabilom Bazhenov nad projektom Kremlina palače. Leta 1776, Catherine naroči M.F. Kozack zbirke projekta vladne stavbe v Kremlin - senat. Stran, dodeljena pod stavbo senata, je bila neudobna podolgovata trikotna oblika, obdana s starimi stavbami z vseh strani. Tako je stavba senata prejela splošni trikotni načrt. Stavba ima tri nadstropja in sestavljena iz opeke. Središče sestave je bilo dvorišče, v katerem je bil vhod LED, kronan z kupolo. Premikanje vhodnega loka, ki se je izkazalo, da je pred veličastnim rotom, kronano z močno kupolo. V tem svetlem krogu stavbe in sedel senat. Ko vogali trikotne stavbe razrežejo. Zaradi tega se stavba zaznava ne kot ravno trikotnik, ampak kot trdna množična volumen.

M.f. Kozack ima tudi stavbo plemiške sklopa (1784-1787). Posebnost te stavbe je bila dejstvo, da se je arhitekt nahajal v središču stavbe, in obstajajo številne dnevne sobe in dvorane okoli njega. Osrednji prostor dvorane stolpce, ki je namenjen slovesnih slovesnosti, je označen s korintsko kolonado, stanje praznika pa je okrepljeno s penečjo številnimi lestenci in osvetlitvijo stropa. Po revoluciji je bila stavba dana sindikatom in preimenovala hišo sindikatov. Začenši z pogrebom V.I. Lenin, stolpec Halla hišnih sindikatov je bila uporabljena kot žalovalna soba za slovo od državnih voditeljev in znanih ljudi. Trenutno potekajo javna srečanja in koncerti v stolpcu Hall.

Tretji največji arhitekt druga polovica XVIII V.-I. E. SORAV (1744-1808). Prvič je študiral na gimnaziji na Univerzi v Moskvi, nato pa na Akademiji za umetnost. Najpomembnejša gradnja SORAV - The Tauride Palace (1782-1789) - velik urbani dvorec G.A. Potremkin, ki je prejel naslov tauric za razvoj Krim. Osnova sestave palače je dvorana, ki deli celoten kompleks notranjosti na dva dela. S strani sprednjega vhoda je to več prostorov, ki mejijo na osmerokotni kupoli. Z nasprotne strani se odpre velik zimski vrt. Zunanjost stavbe je zelo skromna, vendar skriva bleščeča razkošje notranjosti.

Od leta 1780 je italijanski Jacob Krenangi (1744-1817) delal v Sankt Petersburgu (1744-1817). Njegova kariera v Rusiji se je zelo uspešno razvila. Arhitekturne kreacije v Rusiji so briljantna povezava ruske in italijanske arhitekturne tradicije. Njegov prispevek k ruski arhitekturi je bil, da je skupaj z Scottle Cameronom določil standarde za arhitekturo St. Pettersburg časa. Kurengyjeva mojstrovina je bila zgradba akademije znanosti, zgrajenih leta 1783-1789. Glavni center je poudarjen s oktrikolonskim ionskim Portico, katerega parada se je okrepila zaradi tipične pettersburške verande s stopniščem v dva "ustrelil". Leta 1792-1796. Kvarcerji gradijo Alexander Palace v kraljevi vasi, ki je postala njegova naslednja mojstrovina. V Alexander Palace, močna kolonada korintovnega reda postane glavni motiv. Ena od čudovitih stavb četrtletja je bila zgradba Smolny Institute (1806-1808), ki ima jasno racionalno načrtovanje v skladu z zahtevami izobraževalne ustanove. Njegov načrt je značilen za Kievanah: Center fasade je okrašen z veličastjo Octagolon Portico, glavno dvorišče je omejeno na krila stavbe in ograjo.

V poznih 70-ih, arhitekt Ch. Cameron je prišel v Rusijo (1743-1812), Škotsko po izvoru. Ugotovljeno je na evropski klasicizem, uspelo je čutiti celotno identiteto ruske arhitekture in jo ljubiti. Talent Camerona se je pokazal predvsem v izvrstnih palačih državnih zasedanjih.

Leta 1777 se je sin Catherine Pavel Petrovich rodil sina - prihodnji cesar Alexander I. Priloženi empress je dal Paul Petrovich 362 joške zemlje vzdolž reke Slavyanka - prihodnost Pavlovsk. Leta 1780 je bilo oblikovanje palače-parka ansambla Pavlovsk, ki se ukvarja s Ch. Cameron. V gradnji park, palače in parkov stavb, izjemnih arhitektov, kiparjev, umetnikov, vendar je bilo prvo obdobje oblikovanja parka pod vodstvom Camerona zelo pomembno. Cameron je postavil temelje največjega in boljšega krajinskega parka v Evropi na modi, nato pa je park poudarjen z naravnimi, urejenimi. Po temeljitih meritvah so bile položene glavne arterije cest, ulic, poti, semenskih mest za nasade in ankete. Scenitni in prijetni vogali so tu sosednji z majhnimi svetlimi zgradbami, ki ne kršijo harmonije ansambla. Pristen biser ustvarjalnosti Ch. Cameron je Pavlovsky Palace, ki je zgrajena na visokem hribu. Po ruskih tradicijah je arhitekt uspel "vstopiti" arhitekturne strukture na slikovitem območju, združiti človeško obleko z naravnim naravnim sijajem. Pavlovsky palača je prikrajšana za sklopko, njegova okna iz visokega hriba tiho ne gledajo z trenutno reke Slavyanka.

Zadnjič arhitekt XVIII stoletja. V. Brenna (1747-1818) je upravičeno velja za najljubši arhitekt Paul in Maria Fedorovna. Po vstopu v prestol leta 1796, Paul premakne Cameron iz mesta glavnega arhitekta Pavlovsk in imenuje V. Brenno na njegovo mesto. Od zdaj naprej, Brenna upravlja vse stavbe v Pavlovsk, sodeluje v vseh pomembnih stavbah Pavlovsky čas.

Brenna Paul sem zaupala vodstvu del v drugem primestnem prebivališču - gatchina. Palača GACHINA BRENNE ima skromen, celo asketski Spartanski pogled, vendar je notranja dekoracija veličastno in razkošna. Hkrati se je delo začelo v parku GACHINA. Na obalah jezer in otokov je veliko število paviljonov, ki izgledajo zelo preprosto, vendar so njihovi notranjosti so super: paviljon Venera, hišo breza (videz, ki spominja na maline iz breza lesa), pristaniške maske in kmetije paviljon.

Paul sem se odločil zgraditi palačo v svojem okusu v Sankt Peterburgu - v duhu vojaške estetike. Projekt palače je razvil V.I. Bazhenov, toda v zvezi s svojo smrtjo je gradnja palače Pavla poučevala V. Brenno. Paul je vedno želel živeti, kjer se je rodil. Leta 1797, na Fontanka, na mestu poletne palače Elizabeth Petrovna (v kateri se je rodil Paul), je v čast Archangela Mikhail - pokroviteljstvo nebeškega Hitle - Mikhailovsky grad. MikhaiLovsky grad je postal najboljšo ustvarjanje Brene, ki je dal obliko trdnjave. Videz gradu je štirikotnik, zakrit s kamnitim zidom, od dveh strani okoli palače palače Rips. Lahko bi prišli do palače skozi dvižne mostove, topovi so bili postavljeni okoli palače na različnih mestih. Sprva je bil pogled na prostem na gradu obini z dekoracijo: povsod so stali marmorne kipe, vaze, številke. Palača je imela obsežen vrt in kraje, kjer so bili v vsakem vremenu obiskali in parade. Toda v svojem ljubljenem gradu je Pavel uspel živeti le 40 dni. V noči 11. marca je bil 12. marca, je bil zadavljen. Glede na smrt Pavla I, je bilo vse uničeno, vse, kar je bilo pritrjeno na značaj palače trdnjave. Vsi kipi so bili preneseni v zimsko palačo, pravila so bila prekrita z zemljo. Leta 1819 je bil zapuščeni grad prenesen na glavno inženirsko šolo, njegovo drugo ime se je pojavilo - inženirski grad.

Kiparstvo. V drugi polovici XVIII. Resnično cvetenje ruske kiparstva se začne, ki je priključena, prvič, imenovana F. I. Schubin (1740-1805), Countryman M.V. Lomonosov. Diplomiral je na akademiji z veliko zlato medaljo, shubin listi do potopljenega potovanja, najprej v Pariz (1767-1770), nato pa Rim (1770-1772). V tujini leta 1771, ne od narave Schubin, ki je ustvaril Bust Catherine II, za katero, da se vrne v domovino leta 1774, prejme naziv akademika.

Prvo delo F.I. Schubina po vrnitvi - Bust a.m. Golitsyn (1773, časovni razpored) je eno izmed najbolj briljantnih del mojstra. V križišču oblikovanega VelmaZB, uma, avtoritete, arogancije, vendar hkrati, in zgoščevanje, in navada previdnega "plavanja" na valovih spremenljive politične usode se berejo. Na podobo slavnega poveljnika A. Rumyantsev-Zaunaysy Za zelo ne junaškega videza okroglega obraza z smešnim križem nosu, lastnosti močne in pomembne osebe (1778, državni muzej umetnosti, Minsk).

Sčasoma se zanimanje za shubin bledi. Izvedeno brez okrasja, njegovi portreti so imeli še manj kupcev. Leta 1792, doprsja mag. Lomonosov (Timing, Academy of Sciences). V nasprotju z velikim ruskim znanstvenikom ni niti reference, niti anonamične arogancije, niti prekomernega ponosa. Obstaja rahlo posmehovalna oseba, ki jo nahajajo vsakodnevne izkušnje, ki je živela življenje svetla in težka. Sposobnosti uma, duhovnosti, plemstva, hkrati - žalost, razočaranje, celo skepticizem - to so glavne lastnosti, ki so del velikega ruskega znanstvenika, ki je F.I. Shubin je zelo dobro vedel.

Mojstrovina portretov ART F.I. Schubin je prsi Pavla I (1798, časovni razpored, 1800, GTG). Kipar je uspel prenesti kompleksnost slike: aroganca, hladnost, bolečina, tajnost, vendar hkrati, trpljenje osebe, od otroštva je doživel vse krutosti prenatrpane matere. Delo Pavla, ki mi ga je všeč. Vendar ni bilo skoraj nobenih naročil. Leta 1801, zažgana hiša F.I. Schubin in delavnica z deli. Leta 1805, v revščini, kipar je umrl, njegova smrt je ostala neopažena.

Hkrati je francoski kipar E.-MU delal v Rusiji. Falcone (1716-1791; v Rusiji - od 1766 do 1778). Falcone je delal na sodišču francoskega kralja Louisa XV, nato pa na pariški akademiji. V svojih delih je Falcone sledil prevladujočemu na dvorišču na Rococo. Resnična mojstrovina je postala njegovo delo "Winter" (1771). Videz sedeče dekle pooseblja zimo in prekrita z nemoteno padajočimi gubami oblačkov, kot je snežna prevleka, cvetje na nogah, polna mirne žalosti.

Toda Falcone je vedno sanjal o ustvarjanju monumentalnega dela, je uspel uresničiti te sanje v Rusiji. Po nasvetu FIDRO je Catherine naročil kiparju, da ustvari konjeniški spomenik Petra I. Leta 1766 je Falcone prispel v Sankt Peterburg in začel delovati. On je upodabljal Peter, ki ga jaham na dvignjenem konju. Vodja cesarja je kronan z lovorskim vencem - simbol njegove slave in zmag. Roka kralja, ki kaže na Nevo, Akademija znanosti in Petropavlovske trdnjave, simbolično označuje glavne cilje njenega pravila: izobraževanje, trgovino in vojaško moč. Kiparski stolpi na podstavku v obliki granitne pečine, ki tehtajo 275 ton. Na predlog falcona na podstavku, jedrnato napis: "Peter prva Catherine dva". Odprtje spomenika je potekalo leta 1782, ko Falcone ni več v Rusiji. Štiri leta pred odprtjem spomenika na E.-m. Falcone je nastala nesoglasje z cesarjem, kipar pa je zapustil Rusijo.

Pri delu čudovitega ruskega kiparja m.i. Kozlovsky (1753 -1802) je združil značilnosti baroka in klasicizma. Bil je tudi upokojenec v Rimu, Parizu. Sredi devetdesetih let, na vrnitvi domov, se najbolj plodno obdobje začne pri delu Kozlovsky. Glavna tema njegovih del je iz antike. S svojimi deli za rusko skulpturo, mlade bogove, Amuras, so prišli lepe cowids, prišli do ruske skulpture. To so njegov "Shepherd s Hare" (1789, Pavlovsky Palace-Museum), "Spanje Amur" (1792, GRM), "Amur s puščico" (1797, GTG). V kipu "Vigor of Alexander Macedonsky" (druga polovica 80-ih let, časovni razpored), kipar je zajel eno od epizod dvigovanja bo s prihodnjim poveljnikom. Najpomembnejše in veliko delo umetnika je bil spomenik velikemu ruskemu občestvu A.V. Suvorov (1799-1801, Petersburg). Spomenik nima neposredne portretne podobnosti. To je precej splošna podoba bojevnika, junaka, v vojaški obleki, katere elementi oboroževanja starodavnega rimskega in srednjeveškega viteza so povezani. Energija, pogum, plemstvo piha iz vsega videza poveljnika, od njegovega ponosa glave, elegantna gesta, s katero dvigne meč. Drugo izjemno delo M.I. Kozlovsky je postal kip Samsona, zvonil ust leva, "Central v veliki kaskade Peterhof Fontanov (1800-1802). Kip je bil posvečen zmagi Rusije na Švedskem v severni vojni. Samson je poskrbel Rusija in Leo - poražena Švedska. Zmogljiva figura Samsona izvaja umetnik v kompleksnem preobratu, v napetem gibanju.

Med veliko patriotsko vojno je spomenik ugrabil fašist. Leta 1947, kipar V.L. Simonov ga je ponovno ustvaril na podlagi ohranjenih fotografskih dokumentov.

Slika. V drugi polovici XVIII. Zgodovinski žanr se pojavi v ruskem slikarstvu. Njegov videz je povezan z imenom A.P. LOVENKO. Diplomiral je na Akademiji za umetnost, nato pa je bil pokojnin poslan v Pariz. A.P. Losenko pripada prvemu delu iz ruske zgodovine - "Vladimir in ROGED". V njem je umetnik izbral trenutek, ko je Novgorod Princ Vladimir "brazgotin za odpuščanje" na Roggedo, hči Polotskega princa, na dežele, od katerih je šel z ognjem in mečem, ubil svojega očeta in bratov, in si prisilno vzel njeno ženo . ROGNEDA TEATRIČNA TRGOVANJA, postavitev oči; Vladimir je tudi tiatian. Toda zelo privlačnost ruske zgodovine je bila zelo značilna za obdobje visokega nacionalnega dvigala druge polovice XVIII.

Zgodovinsko temo v slikarstvu je razvila G.I. Ussitimov (1764-1823). Glavna tema njegovih del je bila boj ruskega ljudstva: z nomadi ("testne sile Yana usrma", 1796-1797, časovni razpored); Z nemškimi vitezi ("slovesni vhod v Pskov Alexander Nevsky po zmagi, obdan z njim nad nemškimi vitezi", 1793, MRM); Za varnost svojih meja ("jemanje Kazana", 1797-1799, MRM), itd.

Najbolj uspeh je slika v drugi polovici XVIII. Stoletja. Doseže v portretni žanr. Najbolj čudoviti pojavi ruske kulture druge polovice XVIII stoletja. pripada ustvarjalnosti slikarja F.S. Rokat (1735 / 36-1808). Prišel je iz utrdbenih kmetov, vendar je dobil svobodo njegovega lastnika. Pritrdil je spretnost slikanja na dela P. Rotary. Mladi umetnik je imel srečo, njegov pokrovitelj je bil prvi predsednik akademije umetnosti I.I. Shuvalov. Na priporočilo I.I. Shuvalova f.s. Roketi leta 1757 so prejeli naročilo za mozaik portret Elizabeth Petrovne (iz izvirnika L. TOKKE) za Univerze v Moskvi. Portret je imel tako uspeh, da je F.S. Roketi prejme naročilo za portrete Grand Duke Paul Petrovich (1761), cesar Peter III (1762). Ko je Ekaterina II, F.S. Rushed do prestola Roketi je bil že znani umetnik. Leta 1763 je umetnik napisal cetis za celotno rast, v profilu, med lepim nastavitvijo. Roketi so napisali še en portret cesarice, pasu. Res je bil všeč cesarica, verjela je, da je "najbolj podobnega." Catherine, portret se je pritožil na Akademijo znanosti, kjer je in danes. Po pogovorih, portretih F.S. Rochotov je želel Orlov, Shuvalov. Včasih je ustvaril celotne galerije portretov predstavnikov iste vrste v različnih generacijah: bar, Golitsyn, Rumyantsev, Vorontsova. Roketi ne želijo poudariti zunanjih prednosti njenih modelov, glavni svet človeka zanj. Med dela umetnika je dodeljena portret Majkove (1765). Po videzu velikega državnega uradnika, vpogleda, Ironični um uganil. Portretni okus, zgrajen na kombinaciji zelene in rdeče, ustvari vtis polnosti, vitalnosti slike.

Leta 1765 se umetnik premakne v Moskvo. Moskva ima večjo svobodo ustvarjalnosti kot uradni Petersburg. V Moskvi je poseben, "Rokolovskaya" slog slikarstva. Umetnik ustvarja celo galerijo lepih ženskih slik, med katerimi je najbolj čudovit portret A.P. Stuyskaya (1772, GTG). Slim figura v svetlo sivo-srebrno obleko, zelo stepene praškaste lase, dolga curl, spuščanje v prsi, prefinjene obraze s temnimi mandlji - vse poroča skrivnostnost in poezijo podobo mlade ženske. Izvrsten portretni barvni razmer - zelenkasto-močvisto in zlato rjavo, FAD-roza in biserno sivo - povečuje vtis skrivnostnosti. V XX stoletju Pesnik N. Zabolotsky posvečen temu portretu čudovitih pesmi:

Njene oči - kot dve megli,

Pol-kašelj, pol-pena,

Njene oči - kot dve prevare

Brezplačne napake.

Uspešna izvedba podobe A. Struja v portretu je bila osnova za legendo, po kateri umetnik ni bil ravnodušen do modela. Pravzaprav ime načelnika S.F. Rocrot je dobro znan in a.p. Struj je bil srečen v zakonu z možem in je bil običajen lastnik.

Še en največji umetnik XVIII. Stoletja je bil D.G. Levitsky (1735-1822) - Stvarnik in sprednji portret in veliki mojster komornega portreta. Rodil se je v Ukrajini, toda iz obrne 50-ih in šestdesetih let, Petersburško življenje Levitsky se začne, za vedno, od zdaj v pridruženem mestu in akademiji umetnosti, v katerih vodi portretni razred že vrsto let.

V svojih modelih je skušal poudariti občasno, najsvetlejše funkcije. Ena izmed najbolj znanih del umetnika je parade portret P.A. Demidov (1773, GTG). Predstavnik znane družine rudarskih dobristov, str. Demidov je bil čudovit bogat, čuden ekscentričen. Na originalnem vpogledu je parade portret Demidov upodobljen v sproščenem položaju proti ozadju kolonade in draperija. Stojala je v puščavski slovesnem prostoru, domače, v nočni kapu in salku, ki kaže na gesto do njegovega zabave - kanu in lonca s cvetjem, katerih ljubimec je bil. V svoji obleki, v njegovem položaju - izziv časa in družbe. Vse je mešano v tej osebi - prijaznost, izvirnost, želja, da se uresniči v znanosti. Levitsky je lahko združil ekstravagance z elementi sprednjega portreta: stolpci, draperije, pokrajine s pogledom na izobraževalno hišo v Moskvi, za vzdrževanje Demidov, ki jih žrtvuje ogromne količine.

V začetku 1770. stoletja. Levitsky izvaja sedem portretov učencev Smolny Institute of Pleary Maiden - "Smolyanok" (vse v GD), ki slovi po njihovi muzikalnosti. Ti portreti so postali najvišji dosežek umetnika. V njih se je umetnikova spretnost pokazala s posebnim prileganjem. E.N. Khovanskaya, e.n. Khruščova, E.I. Nelidova je prikazana v gledaliških kostumih med predstavitvijo elegantnih pastoralnih. V portretih g.i. Alimova in E.I. Molchanova Ena od junakinja se igra na harfa, druga pa je prikazana poleg znanstvenega instrumenta s knjigo v roki. V bližini so ti portreti imeli koristi od "znanosti in umetnosti" za razumno, razmišljanje osebnosti.

Najvišja točka zrele ustvarjalnosti magistra je bila njegov slavni aleloški portret Catherine II, zakonodaje v templju pravice, ki ga je ponavljal umetnik v več različicah. To delo zaseda posebno mesto v ruski umetnosti. Vpletena so jo visoke ideje ERA o državljanstvu in patriotizmu, o idealnem vladarju - razsvetljenega monarha, neutrudno sprožila o dobrem subjektu. Levitsky sam je opisal svoje delo, tako: "Sredina slik predstavlja notranjost cerkve boginje pravičnosti, pred katerim, ki je v obliki zakonodaje, EIV, kurjenje makovih rože na oltarju, žrtvovanje dragocenega miru za splošni mir. "

Leta 1787, Levitsky pušča poučevanje in pušča akademijo umetnosti. Eden od razlogov za to je bila strast do umetnih mističnih tokov, ki je prejela precej razširjeno porazdelitev v Rusiji v poznem XVIII stoletju. In njegov vnos masonske obremenitve. Ne brez vpliva novih idej v družbo okoli leta 1792, portret prijatelja Levitsky in njegovega mentorja v zidarstvu N.I. Novikova (GTG). Neverjetno, ne značilen za junake Levitorjev Luitskyja in izražanja geste in pogledu na Novikov, fragment krajine v daljnem - vse to daje umetniški poskus, da bi obvladal nov, sodobnejši lep jezik, ki je neločljivo povezan z drugimi umetniškimi sistemi.

Še en čudovit umetnik tega časa je bil V. L. Borovikovsky (1757-1825). Rodil se je v Ukrajini, v Mirgorod, je študiral ikono slikarstvo na očetu. V 1788 V.L. Borovikovsky je bil pripeljan v St. Petersburg. Nauči se težko, brusiti okus in spretnosti ter kmalu postal priznan mojster. V devetdesetih letih ustvarja portrete, v katerih so značilnosti nove smeri v umetnosti - sentimentalizem popolnoma izražene. Vsi "sentimentalni" portreti Borovikovsky so podobe ljudi v komornem vzdušju, v preprostih oblekah z jabolko ali cvetjem v roki. Najboljše od njih je portret M.I. Lopukhina. Pogosto se imenuje najvišji dosežek senimentalizma v ruskem slikarstvu. Mlado dekle gleda portret. Njena pozicija je sproščena, preprosta obleka se prosto ustreza kamp, \u200b\u200bsvež obraz izvede čar in čar. V portretu, vse je v harmoniji, v harmoniji drug z drugim: senčni kotiček parka, koruza med tokali zrele rži, blede vrtnice, languaid, rahlo posmehovanje dekle. V portretu je umetnik lahko pokazal resnično lepoto - duhovno in lirično neločljivo povezana z ruskimi ženskami. Značilnosti sentimentalizma so se pojavile v VL. Borovikovsky celo na podobi cesarila. Zdaj to ni reprezentativni portret "zakonodaje" z vsemi imperialni regaliji, ampak podobo navadne ženske v kosmatih in nabojih na sprehodu v parku Tsarskoye skupaj s svojim ljubljenim psom.

Na koncu XVIII. V ruskem slikarstvu se pojavi nov žanr - pokrajina. Akademija za umetnost je bila odprta nova, pokrajina, razred in prvi profesor krajinskega razreda, ki je postal S. FCCHEDRIN. Postal je vir ruske pokrajine. To je bil generin, ki je bil prvi, ki je delal sestavljeno shemo pokrajine, ki je postala zgleden za dolgo časa. In na njenem S.F. Shchedrin se je naučil ni ene generacije umetnikov. Raztopa ustvarjalnosti Shchedrin je predstavljala 1790. \\ t Med njegovimi deli so najbolj znana serija vrst Pavlovsky, GACHINA in PETERHOF parkov, vrste kamnitih otokov. Shchedrin je zajel posebne vrste arhitekturnih struktur, vendar glavna vloga ni bila dana ne, ampak okoliška narava, s katero je oseba in njegove stvaritve v harmonični združitvi.

F. Alekseev (1753 / 54-1824) je položil začetek mestne krajine. Med njegovim delom je 1790. "Pogled na petropavlovsko trdnjavo in palače nasip" (1793) in "pogled na palačo nasip iz Petropavlovske trdnjave" (1794). Alekseev ustvarja vzvišeno in hkrati živo podobo velikega, veličastnega, posameznega v svoji lepoti mesta, v katerem se oseba srečno in svobodno počuti.

Leta 1800, cesar Paul I daje Alekseevsko nalogo pisati Moskvo. Umetnik se je zanimal za staro rusko arhitekturo. Ostal je v Moskvi več kot eno leto in prinesel od številnih slik in številnih akvarelov s pogledom na moskovske ulice, samostanov, užaljenih, vendar večinoma različne podobe Kremlja. Te vrste so odlična natančnost.

Delo v Moskvi je obogatelo svet umetnika, ki je lahko poskrbel za nov pogled na življenje prestolnice, ko se je tam vrnil. V svojih pettersburških pokrajinah je okrepljen genress. Naberezhnye, avenues, barže, jadrnice so napolnjene z ljudmi. Eno izmed najboljših del tega obdobja je »Pogled na angleški nasip iz Vasilyevsky otokov« (1810s, GD). Našel je ukrep, harmonično razmerje pokrajine in arhitekture. Zložljivost tako imenovane urbane krajine je bila dokončana s pisanjem te slike.

Graving.. V drugi polovici stoletja, čudoviti gravers delajo. "Pravi genij graviranja" je bil E. P. Chase. Umetnik je živel le 27 let, približno 12 del je zapustil. Nabile so delale predvsem v žanru portreta. Gravirani portret se razvije ob koncu stoletja zelo aktivno. Poleg Cheometove se lahko imenuje GI. Skorodumov, znano, da pikčasto graviranje, ki je ustvarilo posebne zmogljivosti "slikovito" interpretacije (I. Selivanov. Portret je vodil. KN. Alexandra Pavlovna iz originalnega VP Borovikovskyja, Metzo-Tinto; GI Okodumov. AutopraTret, Risba pero).

Dekorativna in uporabna umetnost. V drugi polovici 18. stoletja je visoka umetnostna raven dosegla gzhel keramiko - proizvode iz keramičnih ribolov v moskovski regiji, katerega središče je bila nekdanja župnija GZhel. Na začetku XVII. Stoletja. Kmetje v kraju GZHEL vasi so začeli ločiti od lokalne glinene opeke, monofonske svetlobne jedi za namakanje, igrače. Na koncu XVII. Kmetje so obvladali proizvodnja "MuraVili", tj. Pokrita z zelenkasto ali rjavo zaledenitvijo. O Gzhel Clay je postal znan v Moskvi, leta 1663 King Alexey Mikhailovich je zapovedal študijo gzhelove gline. Posebna komisija je bila poslana GZhelu, ki je vključevala Athanasius Grebenshchikov, lastnika keramične rastline v Moskvi in \u200b\u200bD.I. Vinogradova. Vinogradov je ostal v Gzheliju 8 mišic. Mešanje Orenburške gline z gzhelskaya (Chernozem), je prejel pravo čisto, belo porcelin (Kitajska). Hkrati je GZHEL mojster delal na rastlinah A. GreensHchikov v Moskvi. Hitro so obvladali proizvodnjo Maitolike in začeli proizvajati junže, vrči, skodelice, skodelice, plošče, okrašene z okrasnimi in parcelami, izvedenimi zelenimi, rumenimi, modrimi in vijoličnimi rjavimi barvami nad belim poljem. Od konca XVIII. V gzheli, prehod iz majolice na pol gorivo. Slika izdelkov se spreminja - od večbarvne, značilnosti Maitolike, do enobarvne slike modrega (kobalta). GZhel pripomočki so bili široko razširjeni po vsej Rusiji, v Srednji Aziji, na Bližnjem vzhodu. Med Heyyja GZhela industrije, OKO 30 tovarne za proizvodnjo jedi delala. Med znamenitimi proizvajalci so bili bratje barmine, namesto novih, fomin, tadov, koče, huslins, gobatnikov itd.

Toda najbolj srečni so bili bratje Terente in Anisim Kuznetsov. Njihova tovarna je nastala na začetku XIX stoletja. V vasi Novo-Kharitonovo. Od njih je dinastija nadaljevala družinsko afero pred revolucijo, ki je nakup več in več novih rastlin in tovarn. V drugi polovici XIX stoletja. Obstaja postopoma izginotje GZhela Ribolov z ročnim oblikovanjem in slikanjem, ostanejo le velike tovarne. Od začetka leta 1920 se pojavijo individualne lončarske delavnice, Artel. Resnično oživitev proizvodnje GZHEL se začne leta 1945. Sledil je enobarvno Blue Pionerage (Cobalt) slikarstvo.

Leta 1766, v vasi Verbilka v bližini Dmitrova v bližini Moskve, Britanski Anglež France France Gardner ustanovil najboljše iz zasebnih porcelana tovarne. Odobril je svoj ugled prvega med zasebno proizvodnjo porcelana, ki je ustvaril leta 1778-1785 po vrstnem redu Catherine II, štiri veličastne ordinarije, ki jih odlikuje čistost in resnost dekorja. Rastlina je sprostila tudi številke znakov italijanske opere. Začetek XIX stoletja. Napovedala novo stopnjo razvoja Gardner porcelana. Umetniki rastlin je zapustil neposredno posnemanje evropskih vzorcev in poskušal najti svoj slog. Vrtnarske skodelice s portreti junakov patriotske vojne patriotske vojne so bile zelo priljubljene. Leta 1820, proizvodnja žanrskih figuric, ki prikazujejo ljudske vrste v risbah KA se je začela. Zelentsuva iz revije "Magic Lantern". To so bili moški in ženske, ki se ukvarjajo z znanim kmečkom, kmečkim otrokom, urbani delovnimi ljudmi - čevljarji, brisalci, trgovci s peddlerjem. Etnografsko opredeljene številke ljudi, ki naseljujejo Rusijo. Figurice Gardner je postala vidna ilustracija Rusije zgodovine. F.YA. Gardner je našel svoj slog izdelka, v katerem so bile cesarske oblike v kombinaciji z združljivostjo motivov in barvno nasičenostjo dekorata kot celote. Od leta 1891 je rastlina pripadala M.S. Kuznetsov. Po oktobrski revoluciji, je rastlina postala znana kot Dmitrovsky porcelana rastlina, in od leta 1993 - "porcelain Verbilok".

Miniature Fedoskinskaya. . Na koncu XVIII. V predmestju vasi Fedoskino je bila oblika ruskega laka miniaturne barve z oljnimi barvami na papirju-Mashi. Miniatur FedoSkin je nastal zaradi ene škodljive navade, ki je bila skupna v XVIII. Stoletju. V tistih dolgoletnih časih je bilo zelo modno, da je tobak, in vse se je ukvarjalo s tem: vedeti, preprosto, moški, ženske. Tobak, shranjen v TabackerKi iz zlata, srebra, želve kosti, porcelana in drugih materialov. In tu je v Evropi začel narediti tobackerque iz pritisnjene kartona, impregnirana z rastlinsko olje in posušimo pri temperaturah do 100 ° C. Ta material je začel poklicati papier-mache (žvečilni papir). Tabakcoque je bila prekrita s črno zemljo in črno lahkom, klasičnimi parcelami, ki se uporabljajo v slikarstvu. Takšna tobačna podjetja so bila zelo priljubljena v Rusiji, tako da leta 1796 v vasi Danilkovo, 30 km od Moskve, trgovca P.I. Škatle so začele s proizvodnjo kroga Tobabarja, ki so bile okrašene z gravurami, prilepljenimi na njihovih pokrovov. Gravije so bile prekrile s prozornim lakom. Od leta 1819 je tovarna v lasti Son-in-Law Korobova P.V. Lukutin. Skupaj s svojim sinom A.P. Lukutin je razširil produkcijo, organiziral usposabljanje ruskih mojstrov, pri čemer je bila proizvodnja prenesena na vas Fedoskino. Fedoskinsky Masters of Tobabar, kroglice, kašitov in drugih izdelkov so začeli okrasiti slikovito miniature, ki jih na oljnih barvah narejene na klasičen slikovito. V lukutiniških izdelkih XIX stoletja, je tehnika oljne slike naredila vrste moskov Kremlina in drugih arhitekturnih spomenikov, prizorov iz ljudskega življenja. Posebna vožnja na treh, praznovanju ali kmečkih plesov, je bila priljubljena čaj za samarjem. Zahvaljujoč delu ruskih mojstrov, Lukutinsky laki so pridobili izvirnost in nacionalni okus, tako v parcelah in tehnologiji. Miniature FedoSkinskaya se izvaja z oljnimi barvami v treh - štiri plasti - brezkaložbo (skupna sestava sestavka), obročki ali prečna (podrobnejša študija), lezing (modeliranje slike s prozornimi barvami) in videoposnetek (dokončanje izdelka z lahkimi barvami Oddaja bleščanja na predmete). Original Fedoskin tehnika je "črka v" ": odsevni material se nanese na površino, preden slikarstvo - kovinski prah, Krma ali biser. Skozi prosojne plasti lusternih barv, ta podloga pritrdi globino, neverjeten učinek sijaja. Poleg tobackerja v tovarni, kašiž, frekvencah, igel, prevleke za družinske albume, čaji, velikonočnih jajc, pladnjev in več so bili izdelani v tovarni. Miniaturisti FedoSkin so bili zelo priljubljeni ne samo v Rusiji, ampak tudi zunaj.

Tako je bila v drugi polovici XVIII stoletja - v starosti "razloga in razsvetljenja" v Rusiji ustvarila edinstveno, na več načinov edinstveno umetniško kulturo. Ta kultura je bila tuja na nacionalne omejitve in zaprtje. Ona z neverjetno lažjo neplačanosti in ustvarjalno preoblikovala vse dragocene, ki je nastala z delom umetnikov drugih držav. Nove vrste in žanri umetnosti so se rodili, nove umetniške smeri, svetle ustvarjalna imena.

I.m.smidt.

V primerjavi z arhitekturo se je razvoj ruske skulpture 18. stoletja zgodil bolj neenakomerno. Dosežki, ki jih je označila druga polovica 18. stoletja, neizmerno pomembnejša in raznolika. Relativno šibki razvoj ruske plastike v prvi polovici stoletja je predvsem posledica dejstva, da je tukaj, za razliko od arhitekture, je bilo takšnih pomembnih tradicij in šol. Razvoj starodavne ruske skulpture je vplival na razvoj starodavne ruske skulpture omejeno na prepovedi pravoslavne krščanske cerkve.

Dosežki ruske plastike se je začela 18 V. Skoraj v celoti povezana s skulpturo dekorativnih. Prvič, nenavadno bogata kiparska dekoracija zdravila Dubrovitsy Cerkev (1690-1704), Menshikova stolp v Moskvi (1705-1707) in reliefs na stenah poletne palače Petra I v Sankt Peterburgu (1714) je treba označiti . Izveden v 1722-1726. Znana ikonaza katedrale Petropavlovsky, ki jo je ustvaril arhitekt i.p. Zerrychny I. Telchin, in T. Ivanov, se lahko obravnava v bistvu kot rezultat razvoja te vrste umetnosti. Ogromna izrezljana ikonaza katedrale Petropavlovsky se preseneča slovesni sijaj, virtuoznost predelave lesa, bogastvo in različne dekorativne motive.

V celotnem 18 V. Ljudska lesena skulptura se je še naprej uspešno razvijala, zlasti na severu Rusije. V nasprotju s prepovedmi sinode za ruske cerkve sever se je delo kulturnega kiparstva še naprej ustvarjalo; Številni lesni rezalniki in kamen, naslov za gradnjo velikih mest, prinesel z njimi tradicije in ustvarjalne tehnike ljudske umetnosti.

Najpomembnejše državne in kulturne transformacije, ki se je zgodila pod Petrom I, je odprla možnost razvoja zunaj področja naročil Cerkve pred rusko skulpturo. Veliko zanimanje za okrogle strojno kiparstvo in do portretnega prsi. Eno od prvih del nove ruske plastike je bil kip Neptuna, nameščen v parku Peterhof. Vgrajena iz brona v 1715-1716, je še vedno blizu stila ruske lesene skulpture 17-18 stoletij.

Brez čakanja, ko so okvirji njihovih ruskih mojstrov postopoma propad, Peter dal navodila za nakup starodavnega kipa in dela sodobne kiparstva v tujini. Z aktivno pomočjo je bila pridobljena, zlasti čudovit kip, znan kot "Venus Tavricheic" (zdaj v Hermitage); Različne kipi in kiparske sestavke so bile naročene za palače in parke sv. Petersburga, poletnega vrta; Anrogenih podkupnine so bile povabljene.

Jacomo Kurengy. Alexander Palace v vasi Tsaristične (Puškina). 1792-17966. Colonnade.

Najbolj izjemen od njih je bil Carlo Bartolomeo Rastrelli (1675-1744), ki je prišel v Rusijo leta 1716 in ostalo tukaj. Še posebej je znan kot avtor čudovitega prsi Petra I, izveden in oddaljen od brona v 1723-1729. (Hermitage).

Carlo Bartolomeo Rastrelli. Anna kip Ioannova z Arapchonkom. Drobec. Bronasta. 1741 Leningrad, Ruski muzej.

Zdravilo Rastrelli je ustvaril podobo Petra I, ki ga odlikuje realno pri prenosu portretnih lastnosti in hkrati izjemno slovesnost. Peter's Face izraža nedolžno moč volje, določitev velikega državnega delavca. Zadnjič Peter I, Rastrelli je vzel masko iz obraza, ki mu je služil tako, da je ustvaril vosek oblečen kip, tako imenovani "voska oseba" in prsi. Rastrelli je bil tipičen zahodnoevropski pozni baročni mojster. Vendar pa je v pogojih Petrovskaya Rusije realistične stranke svoje ustvarjalnosti prejele največji razvoj. Od poznejših del Rastrelli, kip cesarica Anna Ioannova z Arapchonkom (1741, bron; Leningrad, ruski muzej). V tem delu se na eni strani udari, nepristranska resničnost portreta, na drugi strani, veličastna parada raztopine in monumentalizacije slike. Overwelming s svojo slovesnostjo, figura cesarica je zaznana še bolj impresivna in grozno zraven majhne figure fanta-arapchanka, katere gibanje njegove lažje še bolj s svojo pripravljenostjo in reprezentativnostjo.

Visoka darila Rastrelli se manifestirajo ne le v portretnih delih, ampak tudi v monumentalni dekorativni plastiki. Zlasti je sodeloval pri ustvarjanju okrasne skulpture Peterhofa, ki je delal na konjeniškem spomelju Peter I (1723-1729), ki je bil nameščen pred MikhaiLovskyjem gradu leta 1800.

V konjeniškem spomenik Petra I, Rastrelli, predstavljen na svoj način, številne rešitve konjeniških kipov, ki segajo od starodavne "Mark Auraralinaya" in na tipično Barvro kocke Berlin spomenik velikim kurfurističnim Andreasu Singovi. Posebnost rešitve Rastrelli se čuti v zadržanem slogu spomenika, v podčrtanem brez pretiranega pomperja pomena Pot Petra Sam, kot tudi pri veličastne najdene prostorske usmeritve spomenika.

Če je prva polovica 18. stoletja. Razvoj ruske skulpture je bil razgrajen ne tako zelo tako široko, druga polovica tega stoletja pa je čas dviganja umetnosti kiparstva. To ni naključje, da je druga polovica 18. stoletja. In prva tretjina 19. stoletja. Pokličite "zlato starost" ruske skulpture. Briljanten Plejad mojstrov v obrazu Schubin, Kozlovskyja, Martosu in drugih, ki so bili predstavljeni v številnih največjih svetovnih predstavnikov svetovne kiparstva. Posebej izjemen napredek je bil dosežen na področju kiparskega portreta, monumentalne in monumentalne dekorativne plastike. Slednji je bil neločljivo povezan z vzponom ruske arhitekture, dvorca in urbane konstrukcije.

Neprecenljivo vlogo pri razvoju ruske plastike je igral izobraževanje Akademije umetnosti St. Petersburg.

Druga polovica 18. stoletja V evropski umetnosti - čas visokega razvoja umetniškega portreta. Na območju kiparstva so bili največji mojstri psihološkega portreta-bust Hudon in F. I. Shubin.

FedOt Ivanovich Shubin (1740-1805) se je rodil v družini kmečke bližine dvorane, na obali belega morja. Sposobnost kiparstva se je pokazala na njem najprej v kostnem rezbariju - široko razviti v severnem ljudskem obrti. Kot njegov veliki countryman - M. V. Lomonosov, Junior Shubin je odšel v St. Pettersburg (1759), kjer je bila pozornost Lomonosova posvečena skulpturi. Leta 1761, s pomočjo Lomonosova in Shuvalov, se je Schubin uspel odločiti o Akademiji za umetnost. Po koncu (1766) je Shubin prejel pravico do potovanja v tujino, kjer je živel predvsem v Parizu in Rimu. V Franciji, Shubin sreča J. Pigalle in uživa njegov nasvet.

F. I. SHUBIN. Portret A. M. Golitsyn. Drobec. Marmor. 1775 Moskva, TRETYAKOV galerija.

Vračanje leta 1773 v Sankt Petersburgu, Shubin v istem letu ustvarja mavčni dopust v A. M. Golitsyn (kopija marmorja, ki se nahaja v galeriji Trettekov, je bila zaključena leta 1775; Seeillo). Bust A. M. Golitsyn je takoj povečal ime mladega mojstra. Portret je ponovno ustvarjen tipično podobo predstavnika najvišje aristokracije časovnega kraja Catherine. V drsnem nasmehu drsenje na ustnicah, v energetskem obrni glave, v pametni, čeprav precej hladno izražanje obraza, Golitsyn čutila sekularno prefinjenost in hkrati notranji predlog osebe, ki jo je pokvarila usoda .

Do leta 1774 je bil za izvršeno prsi Catherine II, je bil Schubin izvoljen na Akademijo. Dobesedno zaspi z naročili. Eno izmed najbolj plodnih obdobij ustvarjalnosti mojstra se začne.

F. I. SHUBIN. Portret M. R. PANINE. Marmor. Sredi 1770-ih. Moskva, TRETYAKOV galerija.

Do 17. stoletja. Uporabi enega najboljših ženskih portretov Schubin - Bust M. R. PANINA (Marmor, TRETYAKOVSKAYA GALERIJA), ki je precej blizu prsi A. M. Golitsyn: Imamo tudi podobo osebe aristokratsko izvrstne in hkrati utrujene. Vendar pa se Panin razlaga s subntom z nekoliko velikim sočutjem: izraz nekoliko zaklenjenega skepticizma, opazen v obrazu Golitsyna, se nadomesti v portretu panine z odtenek lirične premišljenosti in celo žalosti.

Schubin je vedel, kako razkriti podobo osebe, ki ni v eni, ampak v več vidikih, večplastnih, ki je globlje, da je globlje prodreti v bitje modela in razume psihologijo. Vedel je, kako akutno in primerno zajame izraz obraza osebe, mimo izrazov obraza, poglej, obrniti in pristanek glave. Nemogoče je, da ne bodite pozorni na to, kar različne odtenke izraza obraza razkrivajo mojster iz različnih vidikov, kako mojstrsko mu daje občutek dobrega ali hladnega krutosti, reference ali robustnosti, notranje smiselnosti ali samozadosenega praznin Človek.

Druga polovica 18. stoletja Prišlo je do časa briljantnih zmag ruske vojske in flote. V več razpršil je Schubin umrl z uglednim poveljnikom svojega časa. Bust 3. G. Chernysheva (Marmor, 1774; Galerija Tretyakov), označena z velikim realizmom in nezahtevno preprostostjo podobe. Ne iščejo učinka reševanja prsi, opustitvi uporabe zavese, shubin vse pozornosti gledalca, ki se osredotoča na obraz junaka - pogumno-odprta, z velikimi slabimi funkcijami, ki niso prikrajšane, vendar pa, vendar pa duhovnost in notranja plemstvo. Portret P. A. Rumyantsev-Zaunaysy (Marmor, 1778; Ruski muzej) je bil rešen v drugih stvareh. TRUE, TUKAJ SHUBIN NE ZAPRTI k idealizaciji obraza junaka. Vendar pa je splošna odločitev prsi nemoškobi bolj impresivna: ponosno dvignjen glavo poljskega maršala, ki si prizadeva navzgor, hiti v oči širokega traku in vrhunsko prenašajo draperij dajejo portret slovesnega pompe.

Shubin Nada je na Akademiji obravnaval najbolj izkušen specialist za predelavo marmorja - tehnike je neverjetno svobodna. »Njegovi prsi so živi; Telo v njih je popolno telo ... ", - je napisal leta 1826. Eden od prvih ruskih umetniških kritikov v. I. Grigoroviča. Lahko odlično prenašajo živo trepid in toplino človeškega obraza, Shubin je prav tako mojstrsko in prepričljivo upodobljen dodatki: lasulje, lahke ali težke krpe, tanke čipke, mehko krzno, nakit in naročila. Vendar pa je bila vedno glavna stvar za njega ostala človeške obraze, slike in znake.

F. I. SHUBIN. Portret Pavla I. Marmor. V REDU. 1797 Leningrad, ruski muzej.

Skozi leta je Shubin globlje, včasih pa hudo daje psihološke značilnosti slik, na primer, v marmornem dojustju znanega diplomata Aa Bezboroodka (z večinskimi raziskovalci, to delo se nanaša na 1797; Ruski muzej) in Zlasti St. Petersburg Politzmeister Em Chulkov (Marmor, 1792; Ruski muzej), v obliki, od katerih je Shubin ponovno ustvaril grobo, interno omejeno osebo. Najbolj presenetljivo v zvezi s tem je delo Schubin - Bust Paul I (Marmor v ruskem muzeju, bolan, Bron se znižuje v ruskem muzeju in TRETYAKOV galeriji), ki je nastala v poznih 170.S. V njej je pogumna resničnost meja že z groteskno. Posrednik M. V. Lomonosova se zaznava z imbuilil veliko humano toploto (pristojen sem v Gypsum - Ruski muzej, Marmara - Moskva, Akademija znanosti, kot tudi v bronastih poje, ki je datiran 1793, - Galerija Cameronov).

Ker je večinoma portretist, Shubin delal na drugih področjih kiparstva, ustvaril alegorični kipi, monumentalne dekorativne olajšave, namenjene arhitekturnim strukturam (predvsem za notranjost), pa tudi za podeželske parke. Njegovi kipi in reliefi so najbolj znani po palači marmorja v Sankt Peterburgu, kot tudi bronasti kip Pandore, s sedežem v ansamblu velike kaskade pisav v Peterhofu (1801).

Etienne Maurice Falcon. Spomenik Petru I v Leningradu. Bronasta. 1766-1782.

V drugi polovici 18. stoletja. V Rusiji je delal enega od uglednih francoskih mojstrov, zelo cenjen Didro, - Etien Maurice Falcone (1716-1791), ki je živel v Sankt Peterburgu od leta 1766 do 1778.1. Namen prihoda Falcona v Rusijo je bil ustvariti spomenik Petra I, nad katerim je delal dvanajst let. Rezultat dolgoletnega dela je bil eden najbolj znanih spomenikov sveta. Če Pedra sem omenila v zgoraj omenjenem spomeniku Petra sem predstavil njegov junak kot cesarja - strašno in močno, potem Falcon naredi glavni poudarek, da bi ponovno ustvaril podobo Petra kot največjega pretvornika svojega časa, drzen in krepko državnika.

Ta misel je temeljil na načrtu Falcona, ki je napisal v enem od njegovih pisem: ". . Veliko višja od identitete Stvarnika, zakonodajalca ... "Globoko zavest o kiparju zgodovinske vrednosti Petra I večinoma vnaprej določena in ideja in uspešna rešitev spomenika.

Peter je predstavljen v času hitrega vzleta na rock - naravni blok kamna, obrezan kot naraščajoči ogromni morski val. Sploh ustaviti konja, se razteza po desni strani. Odvisno od stališča na spomeniku, hitrost Petra, ki uteleša, da je težko anarence, potem modri ukaz, nato, končno, mir mir. Čudovita celovitost in plastična popolnost dosegajo kipar v risarski liki in njegov mogočni konj. Oba sta neločljivo združena v eno celoto, ustrezata določenemu ritmu, splošni dinamiki sestave. Pod nogami galopiranega konja, kača, ki jo je pripravil, poosebljanje sil zla in zvitkov.

Svežina in izvirnost načrta spomenika, ekspresivnosti in vsebine slike (pri ustvarjanju portretne podobe Petra Falcona je pomagala njegovim študentom M.-A. Kollo), močno ekološko povezavo konjske figure in podstavka, vidljivost In odlično razumevanje prostorske formulacije spomenika na obsežnem območju - vse te prednosti naredijo oblikovanje sokola z resnično mojstrovino monumentalne skulpture.

Po odhodu falcona iz Rusije, konec dela (1782) o gradnji spomenika Petra I, ki ga je Fyodor Gordeevich Gordeyev (1744-1810).

F. G. GORDEV. Nagrobniki N. M. Golitsyn. Marmor. 1780 Moskva, Muzej arhitekture.

Leta 1780 je Gordeev ustvaril nagrobnik N. M. Golitsyn (Marmor, Moskva, Muzej arhitekture Akademije in arhitekture ZSSR). Ta majhna bas-olajšava se je izkazala za fiksno delo v ruskem spominskem kiparstvu - od lajšanja Gordeyeva, pa tudi iz prvih nagrobnikov Martosa, vrste ruske klasične spominske skulpture konca 18. - zgodnjih 19 V se razvija. (Kozlovsky, demoust-Malinovsky, Pimenova, Vitaly). Iz delih Martosa se Gordeyev nagrobniki razlikujejo po manjših odnosih z načeli klasicizma, magnezija in "relega" sestavkov, ne tako jasna in ekspresivna postavitev številk. Kot kipar-monumentalist, Gordeev, je prednostno posveča pozornost kiparskemu reliefu, od katerih so olajšave Ostankinsky palače v Moskvi najbolj znana, kot tudi reliefi Porta Kazanske katedrale v Sankt Petersburgu. V njih je Gordiev držal bistveno večji stil slog kot v nagrobniku.

Ustvarjalnost Mikhail Ivanovicha Kozlovskyja (1753-1802), ki, kot tudi shubin in Martos, se pojavi svetla in polnakrvna. Ustvarjalnost I. P. Martos se obravnava v petem obsegu te publikacije.), je čudovit mojster ruske skulpture.

M. I. Kozlovsky. Polirata. Gipsum. 1790 Leningrad, Ruski muzej.

V delu Kozlovsky sta dve vrstici povsem jasni: na eni strani je to njegova dela kot "pastir z zajco" (znan kot Apollo, 1789; Ruski muzej in TRETYAKOV galerija), "Spanje Amur" (marmor, 1792; Ruski muzej), "Amur s puščico" (Marmor, 1797; Galerija Tretyakov). Pokažejo e-pošto in prefinjenost plastične oblike. Druga linija je dela junaškega dramskega načrta ("PolyCrat", Gypsum, 1790, bolan., In drugi).

Ob koncu 18. stoletja, ko je bilo velika dela na rekonstrukciji ansambla peterhof vodnjakov in zamenjavo oslabljenih svinčenih kipov z novimi, je Mi Kozlovsky dobil najbolj odgovorna in častna navodila: za odjavo Centralna kiparska sestava velikega kaskade v Peterhof - figura Samsona, raztrgala Lerl.

V prvem polletju 18. stoletja je bil Samsonovi kip neposredno posvečen zmagam Petra I na švedskih vojakih. Na novo izveden "Samson" Kozlovsky, načeloma ponavljajoče se stare sestave, je bil rešen v bolj povišano-junak in figurativno pomemben načrt. Titanic dodatek Samsona, močnega prostorskega obrata njegove številke, zasnovan za razmislek iz različnih vidikov, napetost boja in hkrati jasnost njegovega izida - vse to je bilo preneseno na Kozlovsky z resnično spretnostjo kompozita Sklep. Izjemno energetsko modeliranje, značilno za mojster, saj je nemogoče ustrezati ta izdelek.

Samson Kozlovsky je eno od nepomembnih del parkirnega monumentalne-dekorativne skulpture. Dviganje višine dvajset metrov, curek vode, ki je poznala ustja leva, padla navzdol, nato glede na stran, nato pa so se razdelile na tisoče brizganja o pozlačeni površini bronaste slike. Samson še vedno od daleč je pritegnil pozornost občinstva, saj je pomembna smernica in osrednja točka sestave velike kaskade ( Ta najbolj dragocen spomenik je odmaknil nacis med veliko patriotsko vojno 1941-1945. Po vojni je Samson ponovno objavljen na ohranjenih fotografijah in dokumentarnih materialov, ki jih je Leningrad Sculptor V. Simonov.).

Kako delo, neposredno pripravljati ustvarjanje spomenika A. V. Suvorov, bi morali razmisliti o "Hercules na konju" (bron, 1799; Ruski muzej). V podobi Hercules - goli mladi kolesar, pod nogami, od katerih so skale, tok in kača upodobljena (simbol premaganega sovražnika), Kozlovsky utelešajo idejo nesmrtnega prehoda A. V. Suvorov skozi Alpe.

M. I. Kozlovsky. Vigil Alexander Macedonsky. Skica. Terracotta. 1780. Leningrad, ruski muzej.

M. I. Kozlovsky. Spomenik A. V. Suvorov v Leningradu. Bronasta. 1799- 1801.

Najpomembnejše ustvarjanje Kozlovsky je bil spomenik velikega ruskega obhajila A. V. Suvorov v Sankt Peterburgu (1799-1801). Delo na tem spomenik, kipar je vložil svojo nalogo, da ustvari ne-portretni kip, vendar posplošeno podobo svetovno znanega poveljnika. Sprva je Kozlovsky domneval, da predloži Suvorov v obliki Marsa ali Hercules. Vendar pa v končni odločitvi ne vidimo Boga ali antičnega junaka. Popolno gibanje in energija, hitra in svetlejša figura bojevnika v latsih, ki jih je pozdravila s to nedolžno hitrostjo in strahom, ki so jo razlikovali junaški primeri, in izkoriščanja ruskih vojsk, ki jih vodi Suvorov. Kipar je uspel ustvariti navdihnjeni spomenik nevrotični vojaški slavi ruskih ljudi.

Kot skoraj vsa dela Kozlovsky, Suvorov kip odlikuje vrhunsko našli prostorsko gradnjo. V prizadevanju, da v celoti označi poveljnika, je Kozlovsky dal svojo številko hkrati sllence in dinamično; Izmerjena sila junaka je kombinirana s pogumom in odločnostjo napredka desne roke, ki drži meč. Oblika poveljnika pa ni brez značilne skulpture 18 V. Milost in enostavnost gibanja. Kip je odličen povezan z visokim granitnim podstavkom v obliki valja. Bronasto bazen sestavo, ki prikazuje z ustreznimi atributi genijev slave in sveta, izvaja kipar F. G. G. Gordeyev. Sprva je bil spomenik A. V. Suvorov narejen v globinah Marsovskih polj, ki je bližje gradu MikhaiLovsky. Leta 1818-1819. Spomenik Suvorovu je bil premaknjen in se prevzel v bližini marmorni palači.

M. I. Kozlovsky. Nagrobniki P. I. Melissino. Bronasta. 1800 Leningrad, nekropola nekdanjega. Alexander Nevsky Lavra.

Kozlovsky je delal tudi v spominskem skulpturi (P. I. Melissino, bron, 1800 in S. A. Stroganova, marmor, 1801-1802).

Konec 18. stoletja Številni veliki kiparji se hitro predstavijo, katerih ustvarjalna dejavnost se je nadaljevala tudi za skoraj celotno prvo tretjino 19. stoletja. Ti mojstri vključujejo F. FCCHEDRIN in I. P. Prokofijeva.

Feodosii Fedorovich Shchedrin (1751-1825), Brother Painter semen Shchedrin in Oče slavnega krajine Sylvester Shchedrin, je bila sprejeta na Akademiji leta 1764 hkrati kot Kozlovsky in Martos. Z njimi je bil po diplomi poslal Italiji in Franciji (1773).

Število zgodnjih del F. Shchedrina vključuje majhne kipi "marije" (1776) in "spanje idimion" (1779), ki ga je izvajal v Parizu (Bronasti ulitki, ki so na voljo v ruskem muzeju, in Galerija TRETTANAKOV NA ZAČETU 20. stoletja. Na ohranjenih pristnih modelih f. Shchedrin). Tako je v svoji vsebini kot z značajem izvrševanja popolnoma drugačna dela. Številka valjanja v MARCIA MARCIA je izpolnjena z veliko dramo. Mejna napetost telesa, ki štrleče napake mišic, dinamika celotne sestave posreduje predmet trpljenja osebe in njegovega strastnega impulza do osvoboditve. Nasprotno, slika, ki je potopljena v sanje, diha idilično tišino in vedrino. Telo mladenega človeka je sploščeno relativno posplošeno, z rahlo črno svobodno študijo, opiline oblike gladke in melodične. Razvoj ustvarjalnosti F. Shchedrin kot celote popolnoma sovpada z razvojem celotne ruske skulpture druge polovice 18. - začetka 19. stoletja. To je mogoče izslediti z zgledom takšnih del mojstra, kot kip Venere (1792; Ruski muzej), alegorična slika "Neva" za Peterhof Fontane (Bronze, 1804) in nazadnje, Monumentalne skupine Cratiatida Admiralty v Sankt Peterburgu (1812). Če je prvo od kupljenih del Shchedrina, njegovega marmornega kipa Venere, in na izvrstnih milosti gibanja in izpopolnjevanje slike - tipično delo kiparja iz 18. stoletja, nato pa v kasnejšem delu, ki je nastala na samem Začetek 19. stoletja, - v kipu Neve - vidimo nedvomno več enostavnost pri reševanju in razlagi podobe, jasnosti in resnosti pri modeliranju figure in v njegovih deležih.

Zanimivo, Ivan Prokofieveevhich Prokofiev (1758-1828) je bil nekakšen mojster (1758-1828). Po diplomi na Akademiji za umetnost (1778) I. P. Prokofijeva je bila poslana v Pariz, kjer je živel do leta 1784. Za tiste, ki so zastopane na Akademiji za umetniško delo Pariške, je prejel več nagrad, zlasti z zlato medaljo za pomoč "vstajenje mrtvega človeka, ki je vrgel na kosti preroka Elisha" (1783). Leto pred tem, leta 1782, je Prokofiev izvršil kip morforjev (Terracotta; Ruski muzej). Prokofiev daje obliko morfeja v majhnem obsegu. V tej zgodnjih kiparjih je jasno izvedena z njegovimi realističnimi željami, preprostim, ne tako rafiniranim slogom (v primerjavi, na primer z začetkom Kozlovsky). Čutimo je, da je v "Morphee" Prokofiev bolj poskušal ponovno ustvariti resnično podobo uskoženega človeka kot mitološka podoba.

V letu vračanja v St. Petersburg I. P. Prokofijeva v zelo kratkem času opravlja eno od najboljših del v okrogli kiparstvu - kompoziciji "Akteon" (Bronze, 1784; Ruski muzej in Trtakov galerija). Slika hitrega mladeničega človeka, ki ga zasleduje pse, je napolnjena s kiparjem z odlično dinamiko in izjemno enostavnostjo prostorske rešitve.

Prokofiev je bil odličen mojstri risbe in sestave. In to ni po naključju, da je toliko pozornosti posvetil kiparstvu - na tem področju ustvarjalnosti, poznavanje sestave in risba pridobi poseben pomen. Leta 1785 - 1786 Prokofiev ustvarja obsežen cikel reliefov (Gypsum), namenjen paradičnemu stopnišču Akademije umetnosti. Prokofija Reffesi za gradnjo akademije za umetnost so celoten sistem tematskih del, v katerih potekajo ideje o izobraževalni vrednosti "vede in likovne umetnosti". To so alegorični sestavki "slikarstvo in kiparstvo", "risba", "Kifada in trije ukrizna umetnost", "milost" in drugi. Z naravo izvrševanja so ti značilna dela zgodnjega ruskega klasicizma. Želja po mirni jasnosti in harmoniji je kombinirana z mehko, lirično interpretacijo slik. Junak človeka še ne pridobi, da socialni in civilni patos in strogosti, kot je bilo v obdobju zrelega klasicizma prve tretjine 19. stoletja.

Z ustvarjanjem njihovih olajšav je kipar subtilno upošteval značilnosti njihove lokacije, drugačen format, pogoje vidnosti. Praviloma, Prokofija je raje imela nizko pomoč, vendar v primerih, ko je bilo treba ustvariti monumentalno sestavo s pomembno odstraniti iz gledalca, je pogumno uporabil zapisovanje metode slike, močno povečanje črno-belih kontrastov. To je njegova ogromna olajšava "Copper Zmiy", ki je postavljena na prehod kolonade Kazanske katedrale (Pudozhsky kamen, 1806-1807).

Skupaj z vodilnimi mojstri ruske skulpture konec 18. - začenja 19. stoletja. Prokofija je sodelovala pri ustvarjanju del za ansambel Peterhof Fontanov (kipi Alkide, Volkhova, Skupina Tritonov). Naslovljen je na portretno skulpturo; Zlasti ima v lasti dve, ki ni prikrajšan za prednosti Terracotta Bust A. F. in A. E. Labzina (Ruski muzej). Pridobljen na samem začetku 18. stoletja., Oba sta še vedno v tradiciji bližje delm Schubin, ne pa portret ruskega klasicizma prve tretjine 19. stoletja.

Po 1720-1730, "čas palačevskih držav" in obdobje "Birovshchina", se začne novo povečanje nacionalne samozavest, ranljivi boj s tujo dominacijo. Diskling Elizabeth Petrovna, Peter I hčere, je ruska družba zaznala kot začetek oživljanja Rusije in nadaljevanje Petrovsky tradicije. Ustanovil ga je Univerza v Moskvi in \u200b\u200bAkademija treh ukrivnih umetnosti, ki bo kasneje igrala veliko vlogo pri pripravi domačega osebja na področju znanosti in umetnosti.

Eden od prvih profesorjev je pravkar odkril Akademija za umetnost, francoski kipar Nikola François Zhilla je predstavnik poznega baroka, ki je študiral študente iz strokovnega obvladovanja različnih vrst plastične umetnosti, učitelja mnogih naknadno znanih mojstrov.

Andreas Sing (1660 / 1665-1714)

KONRAD OSNER (1669-1747)

Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675-1744)

Najpomembnejši mojster ruske skulpture prve polovice XVIII stoletja je bil italijanščina s poreklom Bartolomeo Carlo Rastrelli. Brez bistvenega pomena v Italiji in Franciji, je prispel v St. Petersburg leta 1716, kjer je začel izvajati večje državne naročila sprva za Peter I, nato pa Anna John in Elizabeth Petrovna.

Delo v Rusiji do njegove smrti, kipar je ustvaril številna izjemna dela monumentalnih, dekorativnih in lahke plastike.

Seznami ikoničnih in vplivnih kiparjev

Starodavni kiparji Egipta

Skoraj popolnoma anonimni je ostal inovativen in iznajdljiv egiptovski kiparji in reverke, pa tudi mediteranski mojstri iz sosednjih držav.

Starodavni grški kiparji (500-100 bc)

Menijo, da je grška skulptura mešanica idej in metod egiptovske, micene in perzijskih kultur. Grški kiparji so študirali tako kamniti niti kot bronasta. Presenetljivo, kljub neverjetnemu prispevku Grčije k razvoju kiparstva, je na ta dan prišlo do nekaj imen znanih Masters.

Fragment freeze galikarne mavzolej. SCAS.

• Fidi (približno 488-431 bc). Največji kipar klasičnega obdobja;
• Miron iz Exfer (približno 480-444 bc). Glavni bronasti skulptur;
• Lizipe (približno 395-305 BC). Slavni kipar pod pokroviteljstvom Alexandra Velikega;
• Policlet (stoletja BC);
• Callima (v stoletju BC);
• SCAS (približno 395-350 bc);
• Praxitel (približno 395-350 pr.);
• Leochar (približno 350. G. BC).

• Okoliska hiša (1808-1879);
• George Frederick Watts (1817-1904);
• Jean-batistični Carbo (1827-1875);
• Frederick Leighton (1830-1896);
• Konstantin manj (1831-1905);
• Frederick-Auguste Bartholdi (1834-1904);
• Edgar Degas (1834-1917);
• Georges Minne (1866-1941).

Ugolino in njegovi otroci. Jean-Baticist Carbo.

Sodobni kiparji: 20. stoletje

Prva leta 20. stoletja je postala revolucionarna v skulpturi, predvsem zaradi takšnih umetnikov kot Picasso, Bocchoni in Naum Gabo, pa tudi nova modernistična gibanja (kubizem, nadrealizem, dadaizma itd.). Pojavijo se novi abstraktni objekti in kiparski predmeti.

Sedenje. Ernst Barlach. Skulptura pred univerzo v Madridu. Haigh Huntington.

20. stoletje: Sodobni kiparji

Prehod iz modernizma na postmodernizem je znatno raznolik skulpturo. Pojavijo se novi materiali (na primer betonski), nove oblike (superlualizem, abstraktno delo) in tehnologijo. Kljub temu so tradicionalna dela še vedno pomembna, kljub masi razlik s sodobnim delom.

• Louise Bourgeois (1911-2010);
• Joseph Bois (1921-1986);
• CESAR BALDACHCHINI (1921-1998);
• Eduardo Paolotski (1924-2005);
• Donald Judd (1928-1994);
• Sol Levitt (1928-2007);
• Niki de Saint-padec (1930-2002).

Predstavljeni seznam kiparjev ni popoln in ne vsebuje številnih znanih imen, vendar daje splošno idejo o mojstri, slog in ideje različnih ERAS.

Najboljši kiparji vseh časov Posodobljeno: 23. september 2017 Avtor: Gleb.