स्टेट हर्मिटेज, पाविया के सिटी म्यूज़ियम के साथ, पिछली सदी की इतालवी पेंटिंग का सबसे बड़ा पूर्वव्यापी रूप धारण कर रहा है, जिसमें सत्तर से अधिक कार्य शामिल हैं

स्टेट हर्मिटेज, 19 नवंबर 2011 - 22 जनवरी 2012
विंटर पैलेस का आर्मोरियल हॉल

रूस में इटली वर्ष और इटली में रूस के हिस्से के रूप में, विंटर पैलेस का आर्मोरियल हॉल "19वीं शताब्दी की इतालवी पेंटिंग" प्रदर्शनी की मेजबानी करता है। नियोक्लासिसिज़्म से प्रतीकवाद तक", स्टेट हर्मिटेज द्वारा पाविया के सिटी म्यूज़ियम के साथ मिलकर आयोजित किया गया। प्रदर्शनी पिछली सदी की इतालवी पेंटिंग का सबसे बड़ा पूर्वव्यापी है और इसमें सत्तर से अधिक कार्य शामिल हैं, जिनमें से आधे पाविया के सिटी म्यूजियम की 19 वीं शताब्दी की आर्ट गैलरी के संग्रह से आते हैं। इसके अलावा, प्रदर्शनी में फ्लोरेंस, मिलान, ट्यूरिन, जेनोआ में गैलरी ऑफ मॉडर्न आर्ट के काम शामिल हैं। प्रदर्शनी के महत्व को कम करना मुश्किल है, क्योंकि समीक्षाधीन अवधि रूसी दर्शकों के लिए व्यावहारिक रूप से अज्ञात है (हर्मिटेज संग्रह में इतालवी कलाकारों ओटोसेंटो द्वारा साठ से अधिक पेंटिंग शामिल हैं)।

एक उदाहरण के रूप में 19वीं शताब्दी की पेंटिंग के सर्वोत्तम उदाहरणों का उपयोग करते हुए, प्रदर्शनी उन शैलियों और प्रवृत्तियों की पूरी श्रृंखला को प्रदर्शित करती है जिनमें इतालवी कलाकारों ने काम किया: क्लासिकवाद, रोमांटिकवाद, ऐतिहासिकता, मैकियाओली, प्रतीकवाद।

एंटोनियो कैनोवा के काम में इतालवी क्लासिकवाद की मुख्य विशेषताएं निर्धारित की गईं। लोम्बार्ड कलाकार एंड्रिया अप्पियानी ने पौराणिक विषयों पर उत्कृष्ट रमणीय चित्रों के प्रकार की ओर रुख किया, जिसका एक उदाहरण पेंटिंग जूनो ड्रेस्ड बाय द ग्रेसेस है। उदात्त सद्भाव का वही प्राचीन सिद्धांत गैस्पारे लांडी के कैनवस "पेरिस" और "हेबे" में है। नियोक्लासिसिज़्म की वीर शाखा का प्रतिनिधित्व विन्सेन्ज़ो कैमुकिनी द्वारा एक बार लोकप्रिय पेंटिंग "डेथ ऑफ़ सीज़र" द्वारा किया जाता है।

राष्ट्रीय इतिहास के एपिसोड और नायकों की ओर मुड़ना, जो ज्यादातर पहले से ही साहित्य में वर्णित है, 19 वीं शताब्दी की अधिकांश पेंटिंग की विशेषता है, जो रोमांटिकतावाद से शुरू होती है। इस दिशा के मुख्य कलाकार फ्रांसेस्को हेट्स हैं। पेंटिंग "द रिकॉन्सिलिएशन ऑफ ओटो II विद हिज मदर एडिलेड ऑफ बरगंडी" में, उन्होंने इतालवी मध्ययुगीन इतिहास में एक महत्वपूर्ण लेकिन अल्पज्ञात घटना का पुनरुत्पादन किया। "वीनस प्लेइंग विद डव्स" में उन्होंने प्रसिद्ध बैलेरीना कार्लोटा चेबर्ट की विशेषताओं को मूर्त रूप दिया, "द सीक्रेट डेनेशन" में उन्होंने एक विनीशियन, सुंदर और क्रूर दिखाया।

रोमांटिक कलाकारों ने स्वेच्छा से उत्कृष्ट लोगों, विद्रोही नायकों को महिमा या पतन के क्षणों में चित्रित किया। इस तरह के कार्यों के उदाहरण: क्रिस्टियानो बंटी द्वारा "गैलीलियो बिफोर द इनक्विजिशन", "क्रिस्टोफर कोलंबस ऑन द हिज रिटर्न फ्रॉम अमेरिका (क्रिस्टोफर कोलंबस इन चेन्स)" लोरेंजो डेलानी द्वारा, "लॉर्ड बायरन ऑन द ग्रीक शोर्स" गियाकोमो ट्रेकोर्ट द्वारा।

रोमांटिक्स पेंटिंग की "युवा" शैलियों में रुचि को पुनर्जीवित करते हैं - इमारतों और शहर के दृश्यों (लीड) के अंदरूनी हिस्सों की छवि। कैनवास में "वेनिस में सांता मारिया डेला सैल्यूट का चर्च" दृश्य धारणा और प्रकाश प्रभाव के साथ इपोलिटो कैफी प्रयोग।

1860 के दशक में टस्कन मैकचियाओली में रोमांटिक की खोज जारी रही: जियोवानी फतोरी, सिल्वेस्ट्रो लेगा, टेलीमाको सिग्नोरिनी, ग्यूसेप अब्बाती, ओडोरैडो बोरानी, ​​विन्सेन्ज़ो कैबियांका। कलाकारों ने एक शैलीगत तरीके का प्रस्ताव रखा, पारंपरिक चिरोस्कोरो को धब्बों के विपरीत संयोजन ("मैक्चिया") के साथ बदल दिया। नई तकनीक में, मैकचियाओली ने रोज़मर्रा के जीवन के शैली के दृश्य प्रस्तुत किए: "सिंगिंग स्टोर्नेलो" और "द बेट्रोथेड, या द ब्राइड एंड ग्रूम" सिल्वेस्ट्रो लेगी द्वारा, "रेंडीज़वस इन द फ़ॉरेस्ट" टेलीमाको सिग्नोरिनी द्वारा। गियोवन्नी फत्तोरी की पेंटिंग "रोटोंडा ऑफ द पामेरीरी बाथ्स" और ग्यूसेप अब्बाती की "व्यू ऑफ कास्टिग्लिओनसेलो" में परिदृश्य दिलचस्प है क्योंकि कलाकारों ने इसे बनाने के लिए पूरी तरह से काम किया।

प्रतीकात्मकता की प्रवृत्ति स्पष्ट रूप से जियोर्जियो किनेर्का के त्रिपिटक "द रिडल ऑफ मैन" में व्यक्त की गई है: कलाकार पात्रों के स्पष्ट लक्षण वर्णन से बचता है, दर्शकों को गूढ़ प्रतीकों और एक सामान्य चुंबकीय वातावरण के साथ मोहित करना पसंद करता है।

उन्नीसवीं शताब्दी के अंतिम दशकों में यूरोपीय कलाकारों ने अभिव्यक्ति के नए साधनों के साथ प्रयोग किए। इटली में, एंजेलो मोरबेली ने अलग स्ट्रोक (विभाजनवाद) की एक तकनीक विकसित की, जिसका एक उदाहरण एक सामाजिक विषय "80 सेंटेसिमो के लिए!" पर एक पेंटिंग है। Giuseppe Pelizza da Volpedo भी एक डिवीजनिस्ट थे, जिन्होंने "राउंड डांस" पेंटिंग में प्रतीकात्मक रूप से उच्च मानवतावाद के आदर्शों को मूर्त रूप दिया।

प्रदर्शनी “19 वीं शताब्दी की इतालवी पेंटिंग। नियोक्लासिसिज़्म से प्रतीकवाद तक" मार्च 2011 में कैस्टेलो विस्कॉन्टेओ में खोली गई बड़ी प्रदर्शनी "फोप्पा से जियाम्पेट्रिनो: पेंटिंग्स फ्रॉम द हर्मिटेज एंड द म्यूनिसिपल म्यूज़ियम ऑफ़ पाविया" की प्रतिक्रिया है, जिसमें हर्मिटेज संग्रह से बाईस कैनवस शामिल थे।

स्टेट हर्मिटेज की ओर से प्रदर्शनी क्यूरेटर नतालिया बोरिसोव्ना डेमिना हैं, जो पश्चिमी यूरोपीय ललित कला विभाग में एक शोधकर्ता हैं, और पाविया के सिटी म्यूज़ियम की ओर से - पाविया के सिटी म्यूज़ियम की निदेशक सुज़ाना ज़ट्टी हैं।

प्रदर्शनी के उद्घाटन से, रूसी और इतालवी (शिरा पब्लिशिंग हाउस, मिलान-जिनेवा) में एक वैज्ञानिक कैटलॉग प्रकाशित किया गया था, जिसमें फर्नांडो माज़ोकची, मिलान विश्वविद्यालय के प्रोफेसर, फ्रांसेस्का पोर्रेको, पाविया के म्यूनिसिपल म्यूज़ियम के क्यूरेटर के लेख थे। सुज़ाना ज़ट्टी।

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• 31.01.2020 इस नीलामी के प्रत्येक लॉट की शुरुआती कीमत इसके अनुमान पर निर्भर नहीं करती है और ठीक $100 . है
• 30.01.2020 मैरॉन 20 से अधिक वर्षों से अपने संग्रह का संग्रह कर रहा है, इसमें कला के 850 कार्य शामिल हैं, जो अनुमानित रूप से $ 450 मिलियन का अनुमान है।
• 30.01.2020 दिसंबर 2019 में गेटी म्यूजियम से मूर्तिकला की स्थिति को बदलकर "एक अज्ञात कलाकार का काम" कर दिया गया।
• 29.01.2020 पाठ्यक्रम को यूरोपीय "कला के श्वेत इतिहास" और पुरुष कलाकारों के अध्ययन पर बहुत अधिक ध्यान केंद्रित करने की शिकायतों के बाद रद्द करना पड़ा।
• 29.01.2020 साल्वाडोर डाली के काम के सबसे व्यापक पूर्वव्यापी के आयोजक जनता को कलाकार के दो सौ काम और एक समृद्ध शैक्षिक कार्यक्रम प्रदान करते हैं

• 31.01.2020 कुल राजस्व लगभग 2.5 मिलियन रूबल था। खरीदार - मास्को से मगदान तक
• 24.01.2020 कैटलॉग के 50% से अधिक हथौड़े के नीचे चला गया, खरीदार - पर्म से मिन्स्क . तक
• 23.01.2020 कैटलॉग में तीस लॉट हैं: ग्यारह पेंटिंग, मूल की पंद्रह शीट और एक - मुद्रित ग्राफिक्स, मिश्रित मीडिया में एक काम, एक चीनी मिट्टी के बरतन प्लेट और एक फोटो एलबम
• 20.01.2020 2020 में पहली कला और ललित कला नीलामी की सूची में 547 लॉट शामिल थे - पेंटिंग और ग्राफिक्स, कांच, चीनी मिट्टी के बरतन, चीनी मिट्टी की चीज़ें, चांदी, तामचीनी, गहने, आदि।
• 17.01.2020 सभी कैटलॉग लॉट के आधे से थोड़ा कम नए हाथों में चला गया। खरीदारों में - मास्को, ओडिंटसोवो, मिन्स्क और पर्म

• 31.01.2020 बातचीत के विषय के इतिहास में, कुछ भोला लग सकता है, दूसरा - बाजार सहभागियों के अभ्यास में आवेदन खोजने के लिए। एक बात निश्चित है: किसी भी पेशे में, प्रत्येक सफल व्यक्ति का ज्ञान उसके पूर्ववर्तियों की सफलताओं और गलतियों पर आधारित होना चाहिए।
• 03.12.2019 "रूसी सप्ताह" की तीन मुख्य नीलामियों के मुख्य आंकड़े, और हमारे पूर्वानुमान कैसे सच हुए, इसके बारे में थोड़ा
• 03.12.2019 इस साल सैलून एक नए स्थान पर आयोजित किया गया, गोस्टिनी ड्वोर में, और सामान्य से एक महीने बाद
• 28.11.2019 कलाकार के स्टूडियो की यात्रा एक ऐसी घटना है जो स्टूडियो के मालिक और उसके अतिथि दोनों के जीवन को संभावित रूप से बदल सकती है। बिल्कुल एक व्यापार बैठक नहीं, लेकिन निश्चित रूप से एक सामान्य मैत्रीपूर्ण यात्रा नहीं। कुछ सरल नियमों का पालन करने से आपको इस स्थिति में परेशानी से बचने में मदद मिलेगी।
• 26.11.2019 चौथी बार, शिक्षाविद आई.ई. ग्रैबर के नाम पर वीकेएचएनआरटीएस के सुझाव पर, हम एक नकली विशेषज्ञ राय प्रकाशित करते हैं, जिसे कथित तौर पर केंद्र के विशेषज्ञों द्वारा जारी किया गया है। सावधान रहें!
• 17.12.2019 प्रदर्शनी, जो 19 दिसंबर को संग्रहालय के मुख्य भवन में 25 पेत्रोव्का में खुलती है, रूसी कला के विशाल संग्रहालय संग्रह पर एक नया नज़र डालने का एक प्रयास है: विभिन्न पेशेवर क्षेत्रों के 20 प्रसिद्ध व्यक्ति क्यूरेटर बने परियोजना
• 12.12.2019 6 अप्रैल, 2020 को पुनर्जागरण के महानतम कलाकारों में से एक की मृत्यु की 500वीं वर्षगांठ है। अगले साल होने वाले बड़े पैमाने की घटनाओं की प्रत्याशा में, बर्लिन आर्ट गैलरी राफेल सैंटी द्वारा मैडोनास की एक प्रदर्शनी खोलती है

शब्द "पुनर्जागरण" (पुनर्जागरण) XIV से XVI सदी की समय अवधि को संदर्भित करता है। ऐतिहासिक दस्तावेज इस बात की गवाही देते हैं कि उस समय तक यूरोप धार्मिक रूढ़िवाद और अज्ञानता में डूबा हुआ था, जिसने तदनुसार, कला को विकसित नहीं होने दिया। लेकिन अब समय आ गया है, धर्मनिरपेक्ष जीवन धीरे-धीरे पुनर्जीवित होने लगा, जिसने विज्ञान और संस्कृति के विकास को गति दी, प्रोटो-पुनर्जागरण का युग शुरू हुआ। दुनिया को इतालवी पुनर्जागरण के कलाकारों को दिखाया गया था।

14 वीं शताब्दी के इटली में, नवीन चित्रकार दिखाई दिए, जिन्होंने नई रचनात्मक तकनीकों (गियोटो डि बॉन्डोन, सिमाबु, निकोलो पिसानो, अर्नोल्फ़ो डि कैम्बियो, सिमोन मार्टीन) की तलाश शुरू की। उनका काम विश्व कला के टाइटन्स के आने वाले जन्म का अग्रदूत बन गया। पेंटिंग के इन उस्तादों में सबसे प्रसिद्ध, शायद, गियोटो है, जिसे इतालवी चित्रकला का वास्तविक सुधारक कहा जा सकता है। उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग द जूडस किस है।

प्रारंभिक पुनर्जागरण के इतालवी चित्रकार

गियोटो के बाद सैंड्रो बोथिसेली, मासासिओ, डोनाटेलो, फिलिपो ब्रुनेलेस्ची, फिलिपो लिप्पी, जियोवानी बेलिनी, लुका सिग्नोरेली, एंड्रिया मेन्टेग्ना, कार्लो क्रिवेली जैसे चित्रकार आए। उन सभी ने दुनिया को खूबसूरत पेंटिंग दिखाईं जो कई आधुनिक संग्रहालयों में देखी जा सकती हैं। वे सभी प्रारंभिक पुनर्जागरण के महान इतालवी कलाकार हैं, और उनमें से प्रत्येक के काम के बारे में बहुत लंबे समय तक बात की जा सकती है। लेकिन इस लेख के ढांचे के भीतर, हम केवल उसी पर अधिक विस्तार से बात करेंगे जिसका नाम सबसे अधिक सुना जाता है - नायाब सैंड्रो बॉटलिकेली।

यहां उनके सबसे प्रसिद्ध चित्रों के नाम दिए गए हैं: "द बर्थ ऑफ वीनस", "स्प्रिंग", "पोर्ट्रेट ऑफ सिमोनेटा वेस्पुची", "पोर्ट्रेट ऑफ गिउलिआनो मेडिसी", "वीनस एंड मार्स", "मैडोना मैग्निफिट"। यह गुरु 1446 से 1510 तक फ्लोरेंस में रहा और काम किया। बॉटलिकली मेडिसी परिवार के दरबारी चित्रकार थे, यही कारण है कि उनकी रचनात्मक विरासत न केवल धार्मिक विषयों पर चित्रों से परिपूर्ण है (उनके काम में ऐसे कई थे) ), लेकिन धर्मनिरपेक्ष चित्रकला के कई उदाहरण भी हैं।

उच्च पुनर्जागरण कलाकार

उच्च पुनर्जागरण का युग - 15 वीं का अंत और 16 वीं शताब्दी की शुरुआत - वह समय जब लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो, टिटियन, जियोर्जियोन जैसे इतालवी कलाकारों ने अपनी उत्कृष्ट कृतियों का निर्माण किया ... क्या नाम, क्या प्रतिभा!

विशेष रूप से प्रभावशाली महान त्रिमूर्ति की विरासत है - माइकल एंजेलो, राफेल और दा विंची। उनके चित्रों को दुनिया के सर्वश्रेष्ठ संग्रहालयों में रखा गया है, उनकी रचनात्मक विरासत प्रसन्नता और विस्मयकारी है। शायद, सभ्य आधुनिक दुनिया में ऐसा कोई व्यक्ति नहीं है जो यह नहीं जानता होगा कि महान लियोनार्डो द्वारा "श्रीमती लिसा जिओकोंडो का चित्र" कैसा दिखता है, राफेल द्वारा "सिस्टिन मैडोना" या डेविड की सुंदर संगमरमर की मूर्ति, द्वारा बनाई गई उन्मत्त माइकल एंजेलो के हाथ।

देर से पुनर्जागरण के चित्रकला और मूर्तिकला के इतालवी स्वामी

देर से पुनर्जागरण (16 वीं शताब्दी के मध्य) ने दुनिया को कई उत्कृष्ट चित्रकार और मूर्तिकार दिए। यहां उनके नाम और सबसे प्रसिद्ध कार्यों की एक संक्षिप्त सूची दी गई है: बेनवेनुटो सेलिनी (मेडुसा गोरगन के सिर के साथ पर्सियस की मूर्ति), पाओलो वेरोनीज़ (पेंटिंग्स "ट्राइंफ ऑफ वीनस", "एराडने एंड बैचस", "मार्स एंड वीनस", आदि), टिंटोरेटो (पेंटिंग्स "क्राइस्ट इन पिलेट, "द मिरेकल ऑफ सेंट मार्क", आदि), एंड्रिया पल्लाडियो-वास्तुकार (विला "रोटोंडा"), पार्मिगियनिनो ("मैडोना विद चाइल्ड इन हर हैंड्स"), जैकोपो पोंटोर्मो ("यार्न के लिए टोकरी के साथ एक महिला का पोर्ट्रेट")। और यद्यपि इन सभी इतालवी कलाकारों ने पुनर्जागरण के पतन के दौरान काम किया, उनके कार्यों ने विश्व कला के स्वर्ण कोष में प्रवेश किया।

पुनर्जागरण मानव जीवन का एक अनूठा और अनुपम काल बन गया है। अब से, कोई भी उन महान इटालियंस की महारत के रहस्यों को उजागर करने में सक्षम नहीं होगा, या कम से कम दुनिया की सुंदरता और सद्भाव की उनकी समझ और कैनवास पर पूर्णता को स्थानांतरित करने की क्षमता के करीब आ जाएगा। पेंट।

पुनर्जागरण की समाप्ति के बाद, सनी इटली ने मानवता को कला के प्रतिभाशाली स्वामी देना जारी रखा। कारासी भाइयों - एगोस्टिनो और एनीबेल (16 वीं शताब्दी के अंत), कारवागियो (17 वीं शताब्दी) या निकोलस पॉसिन जैसे प्रसिद्ध रचनाकारों के नामों का उल्लेख करना असंभव नहीं है, जो 17 वीं शताब्दी में इटली में रहते थे।

और आज, रचनात्मक जीवन एपिनेन प्रायद्वीप पर नहीं रुकता है, हालांकि, इतालवी समकालीन कलाकार अभी तक उस कौशल और प्रसिद्धि के स्तर तक नहीं पहुंचे हैं जो उनके शानदार पूर्ववर्तियों के पास था। लेकिन, कौन जानता है, शायद पुनर्जागरण फिर से हमारी प्रतीक्षा कर रहा है, और फिर इटली दुनिया को कला के नए टाइटन्स दिखाने में सक्षम होगा।

इटली एक ऐसा देश है जो हमेशा से ही अपने कलाकारों के लिए मशहूर रहा है। कभी इटली में रहने वाले महान आचार्यों ने पूरी दुनिया में कला का महिमामंडन किया। हम निश्चित रूप से कह सकते हैं कि अगर यह इतालवी कलाकारों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों के लिए नहीं होता, तो आज दुनिया बहुत अलग दिखती। बेशक, इतालवी कला में सबसे महत्वपूर्ण माना जाता है। पुनर्जागरण या पुनर्जागरण में इटली एक अभूतपूर्व वृद्धि और समृद्धि तक पहुँच गया। प्रतिभाशाली कलाकार, मूर्तिकार, आविष्कारक, वास्तविक प्रतिभाएँ जो उन दिनों दिखाई दीं, वे आज भी हर स्कूली बच्चे के लिए जानी जाती हैं। उनकी कला, रचनात्मकता, विचार, विकास आज क्लासिक्स माने जाते हैं, जिस पर विश्व कला और संस्कृति का निर्माण होता है।

इतालवी पुनर्जागरण के सबसे प्रसिद्ध प्रतिभाओं में से एक, निश्चित रूप से, महान है लियोनार्डो दा विंसी(1452-1519)। दा विंची इतने प्रतिभाशाली थे कि उन्होंने दृश्य कला और विज्ञान सहित गतिविधि के कई क्षेत्रों में बड़ी सफलता हासिल की। एक अन्य प्रसिद्ध कलाकार जो एक मान्यता प्राप्त गुरु हैं सैंड्रो बॉटलिकली(1445-1510)। बॉटलिकली की पेंटिंग मानव जाति के लिए एक वास्तविक उपहार हैं। आज, उनके घने दुनिया के सबसे प्रसिद्ध संग्रहालयों में हैं और वास्तव में अमूल्य हैं। लियोनार्डो दा विंची और बॉटलिकली से कम प्रसिद्ध नहीं है राफेल सैंटिया(1483-1520), जो 38 वर्षों तक जीवित रहे, और इस दौरान आश्चर्यजनक पेंटिंग की एक पूरी परत बनाने में कामयाब रहे, जो प्रारंभिक पुनर्जागरण के सबसे चमकीले उदाहरणों में से एक बन गया। इतालवी पुनर्जागरण की एक और महान प्रतिभा निस्संदेह है माइकल एंजेलो बुओनारोटी(1475-1564)। पेंटिंग के अलावा, माइकल एंजेलो मूर्तिकला, वास्तुकला और कविता में लगे हुए थे, और उन्होंने इन कलाओं में शानदार परिणाम हासिल किए। "डेविड" नामक माइकल एंजेलो की मूर्ति को एक नायाब कृति माना जाता है, जो मूर्तिकला की कला की सर्वोच्च उपलब्धि का एक उदाहरण है।

ऊपर वर्णित कलाकारों के अलावा, पुनर्जागरण के इटली के महानतम कलाकार एंटोनेलो दा मेसिना, जियोवानी बेलिनी, जियोर्जियोन, टिटियन, पाओलो वेरोनीज़, जैकोपो टिंटोरेटो, डोमेनिको फेट्टी, बर्नार्डो स्ट्रोज़ी, जियोवानी बतिस्ता टाईपोलो, फ्रांसेस्को गार्डी और जैसे स्वामी थे। अन्य .. वे सभी पेंटिंग के रमणीय विनीशियन स्कूल का एक प्रमुख उदाहरण थे। इतालवी चित्रकला के फ्लोरेंटाइन स्कूल में इस तरह के कलाकार शामिल हैं: मासासिओ, एंड्रिया डेल वेरोकियो, पाओलो उकेलो, एंड्रिया डेल कास्टाग्नो, बेनोज़ो गोज़ोली, सैंड्रो बोथिसेली, फ्रा एंजेलिको, फिलिपो लिप्पी, पिएरो डी कोसिमो, लियोनार्डो दा विंची, माइकल एंजेलो, फ्रा बार्टोलोमेओ, एंड्रिया डेल सार्टो।

पुनर्जागरण के दौरान, साथ ही देर से पुनर्जागरण के दौरान, और सदियों बाद काम करने वाले सभी कलाकारों को सूचीबद्ध करने के लिए, जो पूरी दुनिया के लिए जाने जाते हैं और चित्रकला की कला का महिमामंडन करते हैं, बुनियादी सिद्धांतों और कानूनों को विकसित करते हैं जो सभी प्रकार और शैलियों को रेखांकित करते हैं। ललित कला, शायद इसे लिखने में कई खंड लगेंगे, लेकिन यह सूची यह समझने के लिए पर्याप्त है कि महान इतालवी कलाकार वही कला हैं जिन्हें हम जानते हैं, कि हम प्यार करते हैं और हम हमेशा के लिए सराहना करेंगे!

महान इतालवी कलाकारों की पेंटिंग

Andrea Mantegna - फ्रेस्को इन द कैमरा डिगली स्पोसी

जियोर्जियोन - तीन दार्शनिक

लियोनार्डो दा विंची - मोना लिसा

एन.ए. बेलौसोवा

18वीं शताब्दी की कला (इतालवी में सेटेसेंटो) इटली की महान शास्त्रीय कला के सदियों पुराने विकास के अंतिम चरण का प्रतिनिधित्व करती है। यह इतालवी कलाकारों की अखिल यूरोपीय लोकप्रियता का समय है। सेंट पीटर्सबर्ग, मैड्रिड, पेरिस, लंदन, वियना, वारसॉ - एक भी यूरोपीय राजधानी नहीं थी जहाँ इतालवी स्वामी को आमंत्रित नहीं किया गया था, जहाँ भी वे शाही दरबारों और कुलीनों के आदेशों को पूरा करते हुए आर्किटेक्ट और मूर्तिकारों, भित्तिचित्रों या थिएटर सज्जाकारों के रूप में काम नहीं करते थे। लैंडस्केप पेंटर या पोर्ट्रेट पेंटर।

इस अवधि में इतालवी कलात्मक संस्कृति की इतनी व्यापक प्रतिध्वनि की व्याख्या इस तथ्य से करना गलत होगा कि इसके स्वामी मौलिक रूप से नई कलात्मक खोजों के मार्ग पर चल पड़े, जैसा कि पुनर्जागरण और 17 वीं शताब्दी में हुआ था। बल्कि, यह कहा जा सकता है कि फ्रांस और इंग्लैंड जैसे अन्य देशों के कलाकारों के लिए उनकी उपलब्धियों के ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य के मामले में इतालवी स्वामी कभी-कभी कमतर थे। इसके अलावा, इतालवी आर्किटेक्ट और चित्रकार अन्य राष्ट्रीय स्कूलों के कलाकारों की तुलना में आलंकारिक सोच की प्रकृति और पिछली, 17 वीं शताब्दी के उस्तादों के रूपों की भाषा के साथ अधिक निकटता से जुड़े थे। इटालियंस की अखिल-यूरोपीय सफलता को सबसे पहले उनकी कला के अत्यंत उच्च सामान्य स्तर द्वारा बढ़ावा दिया गया, जिसने महान पिछले युगों की सदियों पुरानी फलदायी परंपराओं को अवशोषित किया, फिर सभी प्रकार की प्लास्टिक कलाओं के समान रूप से उच्च विकास और बड़ी संख्या में प्रतिभाशाली उस्तादों की इटली में उपस्थिति।

18वीं सदी की इतालवी कला की सबसे मूल्यवान उपलब्धियां। न केवल वास्तुकला और स्मारकीय और सजावटी पेंटिंग के साथ जुड़े हुए हैं, जहां टाईपोलो जैसे महान गुरु ने निर्णायक भूमिका निभाई, बल्कि चित्रफलक पेंटिंग की विभिन्न शैलियों (मुख्य रूप से स्थापत्य परिदृश्य के साथ), नाटकीय और सजावटी कला और ग्राफिक्स के साथ। वैचारिक सामग्री पहलुओं के अलावा, युग का एक विशद और आलंकारिक प्रतिबिंब, इसके मुख्य लाभ इसकी असाधारण उच्च कलात्मक गुणवत्ता, कलाप्रवीण व्यक्ति चित्रकला कौशल थे, जिसकी बदौलत शानदार इतालवी उस्ताद की प्रतिष्ठा अत्यधिक बनी रही।

पूरे यूरोप में इतालवी आचार्यों के व्यापक वितरण का एक कारण यह भी था कि वे अपनी मातृभूमि में अपने लिए पूरी तरह से आवेदन नहीं पा सके। युद्धों से थककर इटली 17वीं सदी के अंत से 18वीं सदी की शुरुआत में बदल गया। न केवल राजनीतिक रूप से खंडित देश के लिए, बल्कि लगभग बर्बाद हो चुके देश के लिए भी। इसका दक्षिणी भाग स्पेनिश बॉर्बन्स के अधीन था; टस्कनी पर हाउस ऑफ हैब्सबर्ग के सदस्यों का शासन था, लोम्बार्डी ऑस्ट्रिया के हाथों में था। सामंती व्यवस्था जो पादरियों और अभिजात वर्ग की भूमि पर हावी थी, बढ़ती कीमतों, कारखानों में कार्यरत श्रमिकों के लिए कम मजदूरी - सभी ने जनता में असंतोष और अशांति पैदा की, जिसके परिणामस्वरूप गरीबों का असंगठित विद्रोह हुआ, जो सफल नहीं हो सका। देश के विदेशियों के अधीन होने और उसके आर्थिक पिछड़ेपन के कारण। केवल वेनिस गणराज्य और पोप राज्यों ने अपनी राजधानी रोम के साथ अपने राज्य की स्वतंत्रता को बरकरार रखा। यह वेनिस और रोम थे जिन्होंने 18वीं शताब्दी में इटली के आध्यात्मिक और कलात्मक जीवन में सबसे प्रमुख भूमिका निभाई थी।

यद्यपि, 17वीं शताब्दी के शानदार सुनहरे दिनों की तुलना में, 18वीं शताब्दी की इतालवी वास्तुकला एक निश्चित गिरावट दिखाती है, फिर भी इसने कई दिलचस्प समाधान प्रदान किए। इस सदी की कठिन आर्थिक परिस्थितियों में भी, इटालियंस ने विशाल राजसी संरचनाओं के निर्माण के साथ-साथ स्थापत्य रूपों की स्मारकीय भाषा, उनकी विशेषता के लिए अपने जुनून को बरकरार रखा। और फिर भी, इस समय के अलग-अलग शानदार स्मारकों की चमक में, वास्तविकता की स्थितियों के लिए एक जैविक पत्राचार के बजाय, निर्माण गतिविधि के पूर्व भव्य दायरे की एक तरह की जड़ता महसूस होती है। अतीत पर यह निर्भरता, यूरोप में कई अन्य राष्ट्रीय कला विद्यालयों की तुलना में इटली में अधिक स्पष्ट थी, विशेष रूप से, बारोक शैली की प्रमुख भूमिका में, जो एक नए क्लासिकिस्ट वास्तुकला के अंकुरित होने से पहले बहुत धीरे-धीरे कम हो गई थी।

करीब, संक्षेप में, 17 वीं शताब्दी की वास्तुकला के साथ अविभाज्य संबंध। रोम के स्मारकों में विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है। 18 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के रोमन आर्किटेक्ट। उनकी सोच के एक बड़े शहरी पैमाने को बरकरार रखा। पहले की तुलना में अधिक विनम्र, उनके द्वारा आर्थिक अवसरों का उपयोग अलग-अलग बड़ी संरचनाओं को बनाने के लिए किया गया था जो कि कई प्रसिद्ध वास्तुशिल्प परिसरों और पहनावाओं को पर्याप्त रूप से पूरा करते थे।

18 वीं शताब्दी में, रोम में दो प्रसिद्ध प्रारंभिक ईसाई बेसिलिका, लेटरानो में सैन जियोवानी (1736) और सांता मारिया मैगीगोर (1734-1750) के अग्रभाग बनाए गए थे, जो आस-पास के क्षेत्रों की वास्तुकला पर हावी थे। लेटरन बेसिलिका, एलेसेंड्रो गैलीली (1691-1736) के मुखौटे के निर्माता ने सेंट पीटर्सबर्ग के रोमन कैथेड्रल के मुखौटे को चुना। पीटर, कार्लो मदेरना द्वारा बनाया गया। लेकिन, बाद के विपरीत, उन्होंने एक समान विषय के लिए अधिक कलात्मक समाधान दिया। विशाल आयताकार और धनुषाकार उद्घाटन और अर्ध-स्तंभों और स्तम्भों के एक विशाल क्रम के साथ इसके दो मंजिला अग्रभाग में, विशाल स्थापत्य रूपों की गंभीरता और स्पष्टता मदेरणा की तुलना में अधिक गंभीर है, जो विशाल मूर्तियों के बेचैन आंदोलन द्वारा तीव्र रूप से स्थापित है। मुखौटा मुकुट। चर्च ऑफ साइट मारिया मैगीगोर की बाहरी उपस्थिति, जिसका मुखौटा फर्डिनेंडो फुगा (1699-1781) की परियोजना के अनुसार बनाया गया था, बारोक वास्तुशिल्प रूपों की राहत और शांतता की गवाही देता है। फुग्यू सुरुचिपूर्ण पलाज्जो डेल कंसल्टा (1737) का निर्माता भी था - 18 वीं शताब्दी के रोमन महल वास्तुकला का एक उदाहरण। अंत में, Gerusalemme में सांता क्रॉस के चर्च का मुखौटा एक पहलू में बारोक चर्च के अग्रभाग के एक आश्चर्यजनक व्यक्तिगत समाधान का एक उदाहरण प्रदान करता है जिसने गेसू के समय से कई इतालवी आर्किटेक्ट्स को आकर्षित किया है।

इस समय के रोमन वास्तुकला में, एक वर्ग का एक उदाहरण भी मिल सकता है, जो कि चर्च की इमारत के सामने एक प्रकार का खुला वेस्टिब्यूल है। यह बहुत छोटा पियाज़ा संत'इग्नाज़ियो है, जहां, इसके चारों ओर ईंट के अग्रभागों की घुमावदार रूपरेखा के विपरीत, इसके रूपों की सनकी लालित्य, जो बारोक की तुलना में रोकोको के करीब हैं, के मुखौटे के प्रभावशाली पत्थर के पुंजक पिछली शताब्दी में बनाया गया चर्च ऑफ सेंट इग्नाजियो शानदार ढंग से खड़ा है।

रोम में सबसे लुभावने स्मारकों में प्रसिद्ध स्पेनिश स्टेप्स हैं, जो आर्किटेक्ट एलेसेंड्रो स्पीची (1668-1729) और फ्रांसेस्को डी सैंक्टिस (सी। 1623-1740) द्वारा निर्मित हैं। महल और पार्क पहनावा बनाते समय बारोक आर्किटेक्ट्स द्वारा विकसित सुरम्य छत संरचना का सिद्धांत, शहरी विकास की स्थितियों में पहली बार यहां इस्तेमाल किया गया था। एक खड़ी ढलान के साथ टूटी हुई, एक विस्तृत सीढ़ी पहाड़ी की तलहटी में स्थित पियाज़ा डि स्पागना को जोड़ती है, जिसमें हाईवे इस पहाड़ी की चोटी पर स्थित वर्ग से होकर गुजरते हैं, जो सैन ट्रिनिटा देई मोंटी के चर्च के दो टावरों के सामने है। . चरणों का भव्य झरना, या तो एक तेज धारा में विलीन हो जाता है, या एक जटिल वक्रतापूर्ण चैनल के साथ ऊपर से नीचे तक चलने वाले अलग-अलग मार्चों में बंट जाता है, असाधारण सुरम्यता और स्थानिक पहलुओं की एक संपत्ति द्वारा प्रतिष्ठित है।

आर्किटेक्ट निकोलो साल्वी (सी। 1697-1751) द्वारा डिजाइन किए गए प्रसिद्ध ट्रेवी फाउंटेन (1732-1762) में स्वर्गीय बारोक सजावटी प्रवृत्तियों की जीत। पलाज्जो पोली का भव्य अग्रभाग यहां एक विशाल दीवार फव्वारे की पृष्ठभूमि के रूप में उपयोग किया जाता है और इसे एक प्रकार की स्थापत्य सजावट के रूप में माना जाता है, जो मूर्तिकला और हिंसक रूप से पानी की धाराओं से जुड़ा हुआ है।

इटली के दक्षिणी क्षेत्रों में सबसे दिलचस्प इमारतों में से एक के रूप में, लुइगी वानविटेली (1700-1773) द्वारा निर्मित नेपल्स के पास कैसर्टा में शाही महल का नाम होना चाहिए। यह बहु-मंजिला इमारत, अपने पैमाने में भव्य, एक विशाल वर्ग की योजना है जिसके अंदर इमारतें क्रॉसवर्ड हैं, जो चार बड़े आंगन बनाती हैं। इमारतों के चौराहे पर एक विशाल दो-स्तरीय वेस्टिबुल है जिसमें विभिन्न पक्षों से आने वाली विशाल दीर्घाएँ और राजसी सामने की सीढ़ियाँ मिलती हैं।

अधिक ऐतिहासिक रूप से आशाजनक रूपों में, वास्तुकला इटली के उत्तरी क्षेत्रों में विकसित हुई - पीडमोंट और लोम्बार्डी में, जहां अर्थव्यवस्था और संस्कृति में प्रगतिशील रुझान अधिक स्पष्ट रूप से पाए जाते हैं। यहां के सबसे बड़े वास्तुकार फिलिपो युवारा (1676-1736) थे, जो सिसिली के मूल निवासी थे, जिन्होंने ट्यूरिन, रोम और अन्य शहरों में काम किया और स्पेन में अपना करियर समाप्त किया। युवराज कई विविध इमारतों के लेखक हैं, लेकिन सामान्य तौर पर, उनके काम का विकास शानदार रचनात्मक जटिल संरचनाओं से लेकर स्थापत्य भाषा की अधिक सादगी, संयम और स्पष्टता तक होता है। उनकी प्रारंभिक शैली को ट्यूरिन (1718-1720) में पलाज्जो मदामा के मुखौटे द्वारा दर्शाया गया है। ट्यूरिन (1729-1734) के पास स्टुपिनिगी के तथाकथित शिकार महल में अधिक हल्कापन और स्वतंत्रता - एक विशाल देश महल, इसकी योजना में बेहद जटिल और सनकी (जिसे फ्रांसीसी वास्तुकार ब्यूफ्रान के लिए जिम्मेदार ठहराया गया है)। महल के दृढ़ता से लम्बी कम पंख उनके चौराहे पर स्थापित उच्च केंद्रीय इमारत के विपरीत, एक विचित्र गुंबद के साथ ताज पहनाया गया, जिसके ऊपर एक हिरण की आकृति उगती है। युवरा की एक और प्रसिद्ध इमारत - ट्यूरिन में सुपरगा का मठ और चर्च (1716-1731), असामान्य रूप से एक ऊंची पहाड़ी पर स्थित है - अपने रूपों में क्लासिकवाद की ओर मुड़ता है।

अपने तैयार रूपों में, क्लासिकवाद सबसे स्पष्ट रूप से मिलानी वास्तुकार ग्यूसेप पियरमारिनी (1734-1808) के काम में व्यक्त किया गया है, जिनमें से कई इमारतों में सबसे प्रसिद्ध मिलान में स्काला थियेटर (1778) है। यह यूरोपीय वास्तुकला में पहली थिएटर इमारतों में से एक है जिसे बड़ी संख्या में दर्शकों के लिए डिज़ाइन किया गया है (इसका हॉल साढ़े तीन हजार से अधिक लोगों को समायोजित कर सकता है), जो बाद में अपने वास्तुशिल्प और तकनीकी गुणों के मामले में कई आधुनिक ओपेरा हाउसों के लिए एक मॉडल बन गया। .

1680 के दशक से विनीशियन गणराज्य, युद्धों से थक गया, तुर्कों के साथ संघर्ष में भूमध्य सागर में अपना प्रभुत्व खो दिया, एक-एक करके पूर्व में अपनी संपत्ति खोना शुरू कर दिया, और इसकी आर्थिक गिरावट स्पष्ट और अपरिहार्य हो गई। इसके अलावा, राज्य तंत्र के रूपों के अभिजात वर्ग और कठोरता ने तीव्र सामाजिक विरोधाभासों को जन्म दिया और विनीशियन समाज के बुर्जुआ-लोकतांत्रिक हिस्से की ओर से इसके पुनर्गठन के लिए कट्टरपंथी परियोजनाओं के माध्यम से इस शासन को बदलने के लिए बार-बार प्रयास किए। लेकिन यद्यपि इन प्रयासों को महत्वपूर्ण सफलता नहीं मिली, फिर भी किसी को यह नहीं सोचना चाहिए कि वेनिस ने अपनी संभावनाओं को पूरी तरह से समाप्त कर दिया है। यहां नया पूंजीपति वर्ग मजबूत हुआ, बुद्धिजीवियों की एक परत बढ़ी, जिसके कारण विनीशियन सेटेसेंटो की संस्कृति जटिल और विरोधाभासी घटनाओं से ओत-प्रोत थी। इस संबंध में एक विशेष रूप से हड़ताली उदाहरण उस समय के साहित्य और नाटक के रूप में इतना अधिक चित्रकला नहीं है।

वेनिस ने जीवन की अपनी विशेष प्रतिभा को बरकरार रखा है, जो 18वीं शताब्दी में था। यहां तक ​​​​कि एक बुखारदार चरित्र भी हासिल कर लिया। छुट्टियां, कार्निवाल, बहाना, जब शहर में सभी वर्गों को बराबर किया गया था और मुखौटे के नीचे एक पेट्रीशियन को एक प्लेबीयन से अलग करना असंभव था, लगभग पूरे वर्ष जारी रहा और यात्रियों की भीड़ को वेनिस में आकर्षित किया, जिनमें राजा, प्रतिनिधि थे बड़प्पन, संगीतकार, कलाकार, कलाकार, लेखक और सिर्फ साहसी।

पेरिस के साथ, वेनिस ने 18वीं शताब्दी के साहित्यिक, नाट्य और संगीतमय जीवन के लिए स्वर निर्धारित किया। 16वीं शताब्दी की तरह अब भी यह पुस्तक छपाई का एक महत्वपूर्ण केंद्र बना हुआ है। सत्रह नाटक और ओपेरा थिएटर, संगीत अकादमियाँ, चार महिला अनाथालय - "संरक्षक", उत्कृष्ट संगीत और मुखर स्कूलों में बदल गए। अपनी संगीतमय जीत के साथ, वेनिस ने नेपल्स और रोम को पीछे छोड़ दिया, अंग और वायलिन वादन के नायाब स्कूलों का निर्माण किया, अपने अद्भुत गायकों के साथ उस समय के अंतर्राष्ट्रीय संगीत जगत में बाढ़ आ गई। उत्कृष्ट संगीतकार और संगीतकार यहाँ रहते थे और काम करते थे। वेनिस के सिनेमाघरों में भीड़भाड़ थी, चर्च की सेवाएं, जहां मठ के गायक मंडली और नन गाते थे, थिएटर के रूप में जाते थे। वेनिस और नेपल्स में, नाटकीय रंगमंच के साथ, यथार्थवादी हास्य ओपेरा, जो शहरी जीवन और रीति-रिवाजों को दर्शाता है, भी विकसित हुआ। इस शैली के उत्कृष्ट गुरु, गलुप्पी, अपने काम की भावना में 18 वीं शताब्दी के महानतम नाटककार के करीब थे। कार्लो गोल्डोनी, जिनका नाम यूरोपीय रंगमंच के इतिहास में एक नए चरण के साथ जुड़ा था।

गोल्डोनी ने मुखौटों की कॉमेडी को मौलिक रूप से बदल दिया, इसमें नई सामग्री डाली, इसे एक नया मंच डिजाइन दिया, दो मुख्य नाटकीय शैलियों को विकसित किया: बुर्जुआ महान जीवन से शिष्टाचार की कॉमेडी और लोक जीवन से कॉमेडी। इस तथ्य के बावजूद कि गोल्डोनी ने अभिजात वर्ग के दुश्मन के रूप में काम किया, उनके नाटक एक समय में वेनिस में एक बड़ी सफलता थी, जब तक कि उन्हें उनके वैचारिक प्रतिद्वंद्वी, नाटककार और कवि, विनीशियन काउंट कार्लो गोज़ी द्वारा वेनिस के मंच से बाहर नहीं किया गया था। उत्तरार्द्ध फिर से अपने नाटकीय-रोमांटिक नाटकों ("फियाबाह") - "द लव फॉर थ्री ऑरेंज", "प्रिंसेस टरंडोट", "किंग डियर" में बदल गया - मुखौटे की तात्कालिक कॉमेडी की विरासत के लिए। हालाँकि, इतालवी नाटकीयता के विकास में मुख्य भूमिका उनकी नहीं थी, बल्कि गोल्डोनी की कॉमेडी की थी, जिसका यथार्थवादी काम नए शैक्षिक विचारों से जुड़ा था।

वेनिस की नाट्य कला भी इसकी वास्तुकला की प्रकृति और विशेष रूप से सजावटी पेंटिंग में परिलक्षित होती थी। उत्तरार्द्ध का विकास काफी हद तक चर्चों और विशेष रूप से महलों के शानदार नाटकीय और सजावटी चित्रों की भारी मांग से जुड़ा था, न केवल वेनिस के कुलीनों के बीच, बल्कि इटली के बाहर भी। लेकिन विनीशियन पेंटिंग में इस दिशा के साथ, कई अन्य शैलियों का भी विकास हुआ: रोजमर्रा की शैली, शहरी परिदृश्य और चित्र। गलुप्पी के ओपेरा और गोल्डोनी के हास्य की तरह, वे वेनिस के जीवन की रोजमर्रा की जिंदगी और छुट्टियों को दर्शाते हैं।

वेनिस में 17वीं और 18वीं शताब्दी की कला के बीच की कड़ी सेबस्टियानो रिक्की (1659-1734) का काम है। कई स्मारकीय और चित्रफलक रचनाओं के लेखक, वह काफी हद तक पाओलो वेरोनीज़ की परंपराओं पर निर्भर थे, जैसा कि उनके कार्यों जैसे मैडोना और चाइल्ड विद सेंट्स (1708; वेनिस, चर्च ऑफ सैन जॉर्ज मैगीगोर) और स्किपियो की उदारता (पर्मा, विश्वविद्यालय) द्वारा अनुकरणीय है। , यहां तक ​​कि प्रतीकात्मक रूप से 16वीं शताब्दी में वापस डेटिंग। यद्यपि उन्होंने बैरोक के आधिकारिक मार्ग को श्रद्धांजलि अर्पित की, इस दिशा के अधिकांश इतालवी चित्रकारों की तुलना में उनकी रचनाओं में अधिक जीवंतता और आकर्षण है। टेम्परामेंटल पेंटिंग शैली, चमकीले रंग, छवियों की बढ़ी हुई नाटकीयता के साथ मिलकर उन्हें न केवल वेनिस में, बल्कि विदेशों में भी, विशेष रूप से इंग्लैंड में लोकप्रिय बना दिया, जहां उन्होंने अपने भतीजे और छात्र, लैंडस्केप पेंटर मार्को रिक्की (1679-1729) के साथ काम किया।

उत्तरार्द्ध ने आमतौर पर सेबस्टियानो रिक्की की रचनाओं में परिदृश्य चित्रित किए, और दोनों उस्तादों का ऐसा संयुक्त काम एक बड़ी पेंटिंग "द एलेगॉरिकल टॉम्ब ऑफ द ड्यूक ऑफ डेवोनपंगर" (बर्मिंघम, बारबरा इंस्टीट्यूट) था, जो एक शानदार बैकस्टेज नाट्य दृश्यों की याद दिलाता है। मार्को रिक्की की परिदृश्य रचनाएँ स्वयं रचनाएँ हैं, जो मूड में रोमांटिक हैं, एक व्यापक सचित्र तरीके से निष्पादित हैं; उनमें साल्वेटर रोजा और मैग्नास्को के परिदृश्य के साथ समानता की कुछ विशेषताओं को देखा जा सकता है।

18वीं शताब्दी की विनीशियन पेंटिंग का प्रारंभिक चरण। जियोवानी बतिस्ता पियाजेट्टा (1683-1754) के काम का प्रतिनिधित्व करता है। उन्होंने बोलोग्नीज़ चित्रकार ग्यूसेप मारिया क्रेस्पी के साथ अध्ययन किया, जिसमें चिरोस्कोरो के व्यापक उपयोग के साथ पेंटिंग की अपनी जीवंत मूल शैली को अपनाया। कारवागियो के यथार्थवाद का ताजा और मजबूत प्रभाव उनके चित्रों में भी परिलक्षित होता था। पियाजेट्टा अपने पैलेट में संयमित और परिष्कृत है, जो गहरे से हावी है, कभी-कभी मानो भीतर से चमक रहा हो, रंग - शाहबलूत लाल, भूरा, काला, सफेद और ग्रे। वेनिस में गेसुआती चर्च में उनकी वेदी में - "सेंट। विंसेंट, जलकुंभी और लोरेंजो बर्ट्रैंडो ”(सी। 1730), संतों की तीन आकृतियों के साथ तिरछे ऊपर की ओर व्यवस्थित होते हैं - उनके पात्रों के काले, सफेद और भूरे रंग के चिटोन एक रंग योजना बनाते हैं जो इसके सामंजस्य और सूक्ष्म मोनोक्रोम में हड़ताली है।

धार्मिक विषयों पर अन्य रचनाएँ - "सेंट। जैकब ने निष्पादन का नेतृत्व किया ”और सैन जियोवानी ई पाओलो (1725-1727) के वेनिस चर्च में प्लाफॉन्ड को भी कलाकार द्वारा व्यापक चित्रमय तरीके से निष्पादित किया जाता है। पियाजेट्टा संक्रमणकालीन काल के कलाकार हैं; धार्मिक विषयों पर उनके चित्रों का मार्ग और एक ही समय में पूर्ण यथार्थवाद और छवियों की जीवन शक्ति, गहरी चिरोस्कोरो, आध्यात्मिकता और संपूर्ण सचित्र कपड़े की गतिशीलता, रसदार गर्म रंग, और कभी-कभी उत्तम रंग संयोजन - यह सब आंशिक रूप से उनकी कला लाता है 17वीं शताब्दी के इतालवी स्कूल की उस दिशा के करीब। , जिसे फेट्टी, लिस और स्ट्रोज़ी द्वारा प्रस्तुत किया गया था।

कई शैली के चित्र पियाजेट्टा के ब्रश से संबंधित हैं, हालांकि, रोजमर्रा की शुरुआत उनमें खराब रूप से व्यक्त की गई है, उनकी छवियां हमेशा एक रोमांटिक धुंध में डूबी हुई हैं और एक सूक्ष्म काव्यात्मक भावना के साथ फैली हुई हैं। यहां तक ​​​​कि बाइबिल की कहानी की इस तरह की विशुद्ध रूप से शैली की व्याख्या, उदाहरण के लिए, उनके "रेबेका एट द वेल" (मिलान, ब्रेरा) में, पियाजेट्टा से एक गेय-रोमांटिक अर्थ प्राप्त करता है। पत्थर के कुंड के किनारे पर डर के मारे पीछे की ओर झुकी हुई, एक चमकदार तांबे के जग को अपनी छाती से पकड़े हुए, रिबका इब्राहीम के सेवक को डर के साथ देखती है, जो उसे मोती का धागा देता है। उनकी छायांकित शाहबलूत-भूरे रंग की आकृति चमकदार सोने, सुनहरे गुलाबी और सफेद स्वरों के विपरीत है जो रिबका की आकृति के रंगीन सिल्हूट का निर्माण करते हैं। चित्र के बाईं ओर गायों, एक कुत्ते और एक ऊंट के सिर के फ्रेम से काटे गए, रिबका (उनमें से एक चरवाहे के कर्मचारियों के साथ) के पीछे किसान महिलाओं की सुरम्य आकृतियाँ चित्र में देहाती का स्पर्श लाती हैं।

पियाजेटा की सबसे प्रसिद्ध शैली की रचनाओं में "द फॉर्च्यून टेलर" (वेनिस, अकादमी) शामिल हैं। उनके पास कई पोर्ट्रेट भी हैं।

हालाँकि, पियाज़ेटा का काम उनके चित्रों तक सीमित नहीं है। वह शानदार चित्रों के लेखक हैं, जिनमें पेंसिल और चाक में तैयार किए गए प्रारंभिक रेखाचित्र और तैयार रचनाएँ हैं। उनमें से अधिकांश महिला और पुरुष प्रमुख हैं, जिन्हें या तो सामने दिखाया गया है, फिर प्रोफ़ाइल में या तीन-चौथाई मोड़ में, त्रि-आयामी काइरोस्कोरो तरीके से व्याख्या की गई है, जो कैप्चर की गई छवि की असाधारण जीवन शक्ति और तात्कालिक सटीकता में हड़ताली है ("एक दौर में आदमी" टोपी", "मानक-वाहक और ड्रमर", वेनिस, अकादमी, चित्र देखें)।

सेटेसेंटो की स्मारकीय और सजावटी कला का भव्य पैमाना मुख्य रूप से जियोवानी बतिस्ता टाईपोलो (1696-1770) के नाम से जुड़ा है, जिसकी शैली उनके शिक्षक पियाज़ेटा और सेबेस्टियानो रिक्की के प्रभाव में बनाई गई थी। महान आजीवन प्रसिद्धि का आनंद लेते हुए, टाईपोलो ने न केवल इटली में, बल्कि जर्मनी और स्पेन में भी काम किया। उनकी रचनाओं ने 18वीं शताब्दी में रूस के शाही महलों और सम्पदाओं को भी सुशोभित किया। पुनर्जागरण और 17 वीं शताब्दी की सजावटी पेंटिंग की सर्वोत्तम परंपराओं का उपयोग करते हुए, टाईपोलो ने अपने काम में नाटकीय और शानदार पक्ष को बहुत मजबूत किया, जबकि इसे वास्तविकता की जीवंत धारणा के साथ जोड़ा। अपनी भावना को कभी नहीं खोते हुए, टाईपोलो ने पारंपरिकता के उन सिद्धांतों के साथ वास्तविक घटनाओं की गहरी भावना को जोड़ा जो स्मारकीय और सजावटी पेंटिंग की विशेषता है। इन परस्पर जुड़े सिद्धांतों ने उनकी कलात्मक भाषा की मौलिकता को निर्धारित किया। हालांकि, व्यक्तिगत घटनाओं और पात्रों के चित्रण में जीवन की सच्चाई की विशेषताएं टाईपोलो के काम में कलात्मक छवियों के गहन मनोवैज्ञानिक प्रकटीकरण के साथ गठबंधन नहीं करती थीं, जिसके कारण आम तौर पर व्यक्तिगत तकनीकों की एक निश्चित पुनरावृत्ति होती थी और उनकी कला का एक सीमित पक्ष होता था। .

कलाकार की उर्वरता अटूट थी; उनकी शानदार रचनात्मक गतिविधि आधी सदी से अधिक समय तक चली। टाईपोलो का ब्रश बड़ी संख्या में भित्तिचित्रों, वेदी के टुकड़ों, चित्रफलक चित्रों, कई चित्रों से संबंधित है; वह नक़्क़ाशी के सबसे उल्लेखनीय उस्तादों में से एक थे।

टाईपोलो की गतिविधि की प्रारंभिक अवधि का एक उदाहरण, जो 1716 के आसपास काम करना शुरू कर दिया, डिगली स्काल्ज़ी के वेनिस चर्च में भित्तिचित्र हैं -

"सेंट का एपोथोसिस। टेरेसा (1720-1725), जहां उन्होंने पहली बार अपने नए स्थानिक और सजावटी समाधान पेश किए, पौराणिक विषयों पर कई चित्रफलक चित्र (उनमें से बड़े कैनवास द रेप ऑफ द सबाइन वुमन, सी। 1720; हर्मिटेज) और विशेष रूप से वेनिस के पेट्रीशियन डॉल्फ़िनो (सी। 1725) के महल को सजाने के लिए कलाकार द्वारा चित्रित दस विशाल सजावटी पैनल।

इस श्रृंखला के पांच कैनवस - द ट्रायम्फ ऑफ द एम्परर, मुजियो स्केवोला इन द कैंप ऑफ पोर्सेना, कोरिओलानस अंडर द वॉल्स ऑफ रोम और अन्य - हरमिटेज संग्रह में हैं। वीर विषयों का मजबूत और अभिव्यंजक संचरण, प्लास्टिक, आंकड़ों की महत्वपूर्ण रूप से समझाने वाली व्याख्या, स्थानिक सचित्र रचना, प्रकाश और छाया प्रभावों के उपयोग के साथ चमकीले रंगीन विरोधाभासों पर निर्मित, टाईपोलो के शुरुआती पकने के कौशल की गवाही देते हैं।

1726 तक, उडीन में आर्कबिशप के महल में भित्ति चित्र हैं, जो मुख्य रूप से बाइबिल के विषयों पर चित्रित हैं। तीस वर्षीय टाईपोलो उनमें पहले से ही उल्लेखनीय रंगीन कौशल के साथ एक अनुभवी कलाकार के रूप में दिखाई देते हैं, जैसा कि "सारा को देवदूत की उपस्थिति", "अब्राहम के लिए तीन स्वर्गदूतों की उपस्थिति" और विशेष रूप से भित्तिचित्र "अब्राहम का बलिदान" द्वारा उदाहरण दिया गया है। "; बाइबिल के पात्रों की मुद्राओं और इशारों से, वे एक शानदार प्रदर्शन से मिलते जुलते हैं।

चित्रफलक पेंटिंग की ओर मुड़ते हुए, टाईपोलो कोई कम प्रभावशाली सजावटी रचनाएँ नहीं बनाता है, जैसे कि 1730 के दशक के अंत में चित्रित। वेनिस में सैन एल्विस के चर्च के लिए एक बड़ी तीन-भाग वाली पेंटिंग - "द वे टू कलवारी", "द फ्लैगेलेशन ऑफ क्राइस्ट" और "द क्राउनिंग विद थॉर्न्स", जहां चमकीले और शानदार रंगों को उदास और गहरे रंग से बदल दिया जाता है, रचना अधिक स्थानिक और गतिशील हो जाती है, और उनकी छवियों की जीवन शक्ति भित्तिचित्रों की तुलना में और भी अधिक मजबूत होती है।

टाईपोलो की सजावटी प्रतिभा का शानदार फूल 1740 के दशक की शुरुआत से आता है, जब उन्होंने कई पौराणिक चित्रों को चित्रित किया, उनमें से "द ट्रायम्फ ऑफ एम्फीट्राइट" (ड्रेस्डेन) - समुद्र की देवी, एक के आकार में रथ पर आराम से बैठती है खोल, जो घोड़े और समुद्री देवता फ़िरोज़ा हरी लहरों के साथ तेजी से दौड़ते हैं। सामान्य उत्तम रंगीन रेंज में, एम्फीट्राइट का लाल लबादा, हवा द्वारा फैला हुआ, एक पाल की तरह, एक उज्ज्वल स्थान के रूप में खड़ा होता है।

1740-1750 के दशक में। टाईपोलो एक के बाद एक, अद्भुत सजावटी चक्र, वेदी के टुकड़े और छोटे चित्रफलक चित्र बनाता है। विनीशियन पेट्रीशियन के परिवार, साथ ही मठ और चर्च, उसके ब्रश के कार्यों को प्राप्त करने के प्रयास में एक दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा करते हैं।

कलाकार ने चक्करदार ऊंचे चर्च के तख्तों को घूमते हुए बादलों के साथ अथाह स्वर्गीय स्थानों में बदल दिया, जहां प्रकाश-पंख वाले स्वर्गदूत और संत प्रार्थना करने वालों के सिर पर मंडराते थे। धार्मिक और पौराणिक विषयों की जगह भव्य उत्सवों, विवाहों, दावतों और विजयों ने ले ली। अपनी रचनाओं में, कलाकार ने हल्के नीले और भूरे रंग के रंगों के साथ सफेद स्वरों के संयोजन से "दिन के उजाले" प्रकाश के अद्भुत प्रभाव प्राप्त किए, और एक दूसरे से मानव आकृतियों के वास्तुशिल्प रूपों और धाराओं को अलग करने वाले गहरे स्थानिक विरामों ने हवादार हल्कापन और भारहीनता की भावना पैदा की। उनके रंगों का सूक्ष्म, नाजुक सामंजस्य, रंग की विशद भावना, रचनाओं की गतिशीलता, अटूट चित्रमय कल्पना, सबसे जटिल दीर्घकालिक कार्यों का साहसिक समाधान - यह सब टाईपोलो के समकालीनों को उसी हद तक चकित करता है कि यह हमें आश्चर्यचकित करता है अभी व।

1740-1743 के बीच उन्होंने गेसुआती, डिगली स्काल्ज़ी, स्कूओला डेल कारमाइन और अन्य के वेनिस चर्चों के लिए विशाल प्लाफॉन्ड रचनाओं को चित्रित किया। यह चर्च डिगली स्काल्ज़ी के भित्ति चित्र पर रुकने लायक है - आकार में सबसे भव्य और सबसे राजसी फ्रेस्को, इन वर्षों के दौरान टाईपोलो द्वारा कलाकार मेंगोज़ी कोलोना के साथ मिलकर निष्पादित किया गया था, जो एक चतुर्भुज था, जो एक चित्रकार था जिसने सजावटी प्रदर्शन किया था। टाईपोलो की रचनाओं में भागों और स्थापत्य चित्रकला। 17 वीं शताब्दी में लोंगेना द्वारा निर्मित चर्च के इंटीरियर को शुद्ध बारोक वैभव द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, समान रूप से एक विशाल रचना "लोरेटो में मैडोना हाउस का स्थानांतरण" के साथ शानदार टाईपोलो छत द्वारा पूरा किया गया था (यह छत 1918 में नष्ट हो गई थी)। छत की पेंटिंग, जैसे कि चर्च की दीवारों की वास्तविक स्थापत्य सजावट को जारी रखते हुए, विभिन्न तीव्रता और गहराई की प्रकाश योजनाओं की तुलना पर निर्मित एक विशाल भित्ति चित्र तैयार किया, जिसने प्रकाश द्वारा प्रकाशित एक अंतहीन स्वर्गीय स्थान का भ्रम पैदा किया। छवि छत के तल के लगभग समानांतर थी, और इसकी गहराई में नहीं, जैसा कि 17 वीं शताब्दी के सज्जाकारों ने किया था। "स्थानांतरण" के मुख्य दृश्य को छत के केंद्र में नहीं, बल्कि उसके किनारे पर रखकर और शेष स्थान को लगभग खाली छोड़ कर, टाईपोलो मानव आकृतियों के द्रव्यमान की तेज हवा की उड़ान के पूर्ण भ्रम को प्राप्त करता है। कुछ आकृतियों को केंद्रीय दृश्य से अलग किया जाता है और फ़्रेस्को के फ़्रेम की पृष्ठभूमि के विरुद्ध रखा जाता है, जैसे, उदाहरण के लिए, विधर्म को व्यक्त करने वाला और दर्शक के सामने सिर झुकाने वाला चित्र। इन प्रभावों के साथ, कलाकार, जैसा कि यह था, चर्च के वास्तविक इंटीरियर के साथ स्वर्गीय दृश्य को जोड़ता है। इस तरह के सुरम्य ऑप्टिकल भ्रम 18 वीं शताब्दी की विनीशियन पूजा सेवा के चरित्र के अनुरूप थे, जो एक प्रकार का औपचारिक चर्च प्रदर्शन था, जो धार्मिक मनोदशा से अधिक धर्मनिरपेक्ष था।

1745 के बाद तक, विनीशियन पलाज्जो लेबिया में टाईपोलो के उल्लेखनीय भित्तिचित्र हैं, जहां कलाकार वेरोनीज़ के सजावटी सिद्धांतों के साथ निकटतम संपर्क में आता है। ग्रेट हॉल की विपरीत दीवारों पर स्थित दो भित्तिचित्रों में "द फ़ेस्ट ऑफ़ एंथोनी एंड क्लियोपेट्रा" और "द मीटिंग ऑफ़ एंथोनी एंड क्लियोपेट्रा" को दर्शाया गया है। छत में अलंकारिक आकृतियों की एक श्रृंखला है।

पलाज़ो लेबिया के विशाल बॉलरूम में प्रवेश करते हुए, दर्शक एक वास्तविक वास्तुशिल्प स्थान की भावना खो देता है, क्योंकि इसकी सीमाएं एक सुरम्य दृश्यों से अलग हो जाती हैं, जिसने वेनिस के पलाज़ो की दीवारों को एक शानदार नाटकीय तमाशा में बदल दिया। टाईपोलो ने कुशलता से दो दरवाजों और उनके ऊपर की दो खिड़कियों के बीच की दीवार के स्थान का उपयोग किया, इस प्रकार वास्तविक वास्तुकला को एक भ्रामक के साथ जोड़ा। "दावत" दृश्य में, कदम, जिस पर एक बौना को दर्शक की पीठ के साथ चित्रित किया जाता है, एक कोरिंथियन-शैली के उपनिवेश और गायक मंडलियों के साथ एक विस्तृत संगमरमर की छत की ओर ले जाता है, जिसकी छतरी के नीचे एक मिस्र की रानी और एक रोमन कमांडर दावत कर रहे हैं। क्लियोपेट्रा, एंटनी को धन के लिए अपनी अवमानना ​​​​साबित करना चाहती है, एक अनमोल मोती को एक गिलास सिरका में फेंक देती है, जहां इसे बिना किसी निशान के भंग करना चाहिए। दृश्य के परिप्रेक्ष्य निर्माण के साथ मानव आकृतियों का सहसंबंध त्रुटिपूर्ण रूप से व्यक्त किया गया है। रचना, प्रकाश और हवा से संतृप्त, दो प्रतिच्छेदन विकर्णों के साथ बनाई गई है, जो दर्शकों की टकटकी को गहराई तक ले जाती है; दर्शक ऐसा है जैसे छत में प्रवेश करने और दावत में भाग लेने के लिए आमंत्रित किया गया हो। यह दिलचस्प है कि फ्रेस्को के बीच में आंकड़े भरे नहीं हैं - यहां का कलाकार एक प्रभावी स्थानिक विराम देता है।

जहां तक ​​यह भित्तिचित्र शांत से भरा है, तो "एंथोनी और क्लियोपेट्रा की बैठक" में सभी आंकड़े आंदोलन में शामिल हैं। ऐतिहासिक सत्य के प्रति वफादार होने के लक्ष्य का पीछा नहीं करते हुए, टाईपोलो ने अपने नायकों को अभिनेताओं के रूप में बदल दिया, इसके अलावा 16 वीं शताब्दी के विनीशियन फैशन में कपड़े पहने। एंटनी और क्लियोपेट्रा के इतिहास के ये एपिसोड टाईपोलो की रचनात्मक कल्पना के लिए इतनी आभारी सामग्री थे कि उन्होंने अपने स्मारकीय और चित्रफलक कैनवस में उनके कई रूपों को छोड़ दिया। ये मेलबर्न, स्टॉकहोम और लंदन के संग्रहालयों में "एंथोनी और क्लियोपेट्रा का पर्व", एडिनबर्ग और पेरिस में "एंथोनी और क्लियोपेट्रा की बैठक" हैं।

1950 और 1960 के दशक में टाईपोलो का चित्रकला कौशल काफी ऊंचाई पर पहुंच गया। इसका रंग असाधारण रूप से परिष्कृत हो जाता है और क्रीम, सोना, हल्का भूरा, गुलाबी और बकाइन के नाजुक रंगों पर ले जाता है।

वुर्जबर्ग में एपिस्कोपल महल में उनके भित्तिचित्र इस अवधि के हैं (जर्मनी की कला देखें)। तीन साल तक वहां काम करते हुए, 1751-1753 के बीच, टाईपोलो शानदार सजावटी पेंटिंग बनाता है, जो महल के स्थापत्य डिजाइन के साथ पूरी तरह से समन्वय करता है। उनका भव्य नाट्य चरित्र शाही हॉल के शानदार और कुछ हद तक दिखावटी स्थापत्य और मूर्तिकला सजावट से मेल खाता है। छत में अपोलो को एक रथ में दिखाया गया है, जो बादलों के माध्यम से बरगंडी के बीट्राइस से अपने मंगेतर फ्रेडरिक बारबारोसा तक दौड़ रहा है। 17 वीं शताब्दी के सज्जाकारों के बीच एक समान आकृति का एक से अधिक बार सामना किया गया था। (ग्वेर्सिनो, लुका जिओर्डानो और अन्य के साथ), लेकिन कहीं भी उन्होंने इस तरह के स्थानिक कवरेज, वातावरण की इतनी उज्ज्वल अथाहता, बढ़ते आंकड़ों के आंदोलन को व्यक्त करने में ऐसी प्रतिभा हासिल नहीं की।

हॉल की छोटी दीवार के कंगनी के ऊपर, कुशलता से प्रकाश व्यवस्था का उपयोग करते हुए, टाईपोलो बारब्रोसा के विवाह को दर्शाते हुए एक भित्ति चित्र रखता है। वेरोनीज़ की भावना में रूपांकनों के साथ एक जटिल आंतरिक रचना में, वह एक भीड़ भरे विवाह समारोह को प्रस्तुत करता है, जिसे सोनोरस और हर्षित रंगों में चित्रित किया जाता है - नीला-नीला, क्रिमसन, पीला, हरा, सिल्वर-ग्रे।

इन भित्तिचित्रों के अलावा, टाईपोलो ने एक विशाल, लगभग 650 वर्ग फुट में चित्रित किया। मी, महल की सीढ़ियों के ऊपर की छत, जहाँ उन्होंने ओलिंप को चित्रित किया। ऐसा लग रहा था कि वह छत की अविभाजित सतह को एक असीम स्वर्गीय स्थान में बदलकर और उसके माध्यम से "तोड़" रहा था। भागते बादलों के बीच अपोलो को रखने के बाद, उन्होंने दीवारों के चारों ओर कंगनी के साथ दुनिया के विभिन्न हिस्सों के व्यक्तित्वों को चित्रित किया - यूरोप विज्ञान और कला के रूपक आंकड़ों से घिरी एक महिला के रूप में (व्यक्तिगत पात्रों को एक चित्र चरित्र दिया गया था; के बीच) उन्हें उन्होंने खुद को, उनके बेटे जियोवानी डोमेनिको और सहायकों), अमेरिका, एशिया और अफ्रीका को जानवरों की छवियों और अजीबोगरीब वास्तुशिल्प रूपांकनों के साथ चित्रित किया। यह प्लाफॉन्ड 18वीं शताब्दी की सजावटी कलाओं के शिखरों में से एक है।

वेनिस लौटने पर, टाईपोलो, जो अपनी प्रसिद्धि के चरम पर था, वेनिस अकादमी ऑफ़ पेंटिंग का अध्यक्ष बन जाता है और दो साल के लिए इसकी गतिविधियों का निर्देशन करता है।

टाईपोलो की सजावटी प्रतिभा की सबसे अच्छी रचनाएँ विला वाल्माराना में विसेंज़ा में उनके भित्तिचित्र हैं, जो 1757 में वापस आए, जहाँ कलाकार ने अपने छात्रों और उनके बेटे जियोवानी डोमेनिको टाईपोलो (1727-1804) के साथ काम किया। इस विला के भित्ति चित्रों में, जहां टाईपोलो नए सजावटी समाधानों की ओर मुड़ता है, उसकी शैली एक विशेष परिष्कार और वैभव प्राप्त करती है। कलाकार अब अपनी रचनाओं को दीवार के समतल के समानांतर बनाता है, फिर से वेरोनीज़ की परंपराओं की ओर लौट रहा है। दीवार का विमान एक प्राचीन पेरिस्टाइल में बदल जाता है, जिसके स्तंभों के माध्यम से एक सुंदर परिदृश्य का दृश्य खुलता है। आकृतियों के बीच बड़े स्थानिक विराम, उनके पैलेट के हल्के, सफेद, नींबू पीले, हल्के गुलाबी, हल्के बैंगनी, हल्के भूरे, पन्ना हरे रंग की एक बहुतायत विला वलमाराना के सुरम्य पहनावा को एक स्पष्ट और हर्षित चरित्र देते हैं, जो एक जीवंत जीवन के साथ प्रभावित होता है। प्राचीन और पुनर्जागरण कविता की छवियों की भावना।

विला के मुख्य हॉल के भित्ति चित्र - तथाकथित पलाज़ो - दृश्य को कैप्चर करते हैं, "इफिजेनिया का बलिदान" और संबंधित एपिसोड। तीन अन्य कमरों में होमर के इलियड, वर्जिल की एनीड और पुनर्जागरण की कविताओं - एरियोस्टो के फ्यूरियस रोलैंड और टोरक्वेटो टैसो के जेरूसलम डिलीवर से उधार ली गई थीम के साथ फ्रेस्को किया गया था। इन सभी दृश्यों में टाईपोलो द्वारा चुने गए साहित्यिक विषयों के नाटक से प्रेरित बहुत अधिक गति, हल्कापन, अनुग्रह और भावुकता है।

दिलचस्प बात यह है कि इस विला का दौरा करने वाले महान जर्मन कवि गोएथे ने तुरंत इसमें दो शैलियों की उपस्थिति का उल्लेख किया - "परिष्कृत" और "प्राकृतिक"। उत्तरार्द्ध को विशेष रूप से जियोवानी डोमेनिको टाईपोलो के काम में उच्चारित किया गया है, जिन्होंने 1757 में विला (तथाकथित फॉरेस्टिएरी) से सटे गेस्ट हाउस में कई कमरों को चित्रित किया था। लंबे समय तक, पिता और पुत्र टाईपोलो का काम एक ही नाम से चला; अब युवा टाईपोलो की रचनात्मक छवि की विशेषताओं को अधिक स्पष्ट रूप से परिभाषित किया गया था। इसलिए, विला वलमाराना के उनके भित्तिचित्रों में, उनके पिता की शैली के विपरीत, शैली-घरेलू सिद्धांत अधिक स्पष्ट है। इस तरह की उनकी पेंटिंग "किसान दोपहर का भोजन" या "छुट्टियों पर किसान" विस्तृत परिदृश्य पृष्ठभूमि के साथ या एक सुंदर "शीतकालीन लैंडस्केप" है जिसमें दो शानदार कपड़े पहने हुए वेनेटियन हैं। दूसरी दीवारों पर कार्निवाल एपिसोड हैं जो 18वीं शताब्दी में विनीशियन जीवन के रीति-रिवाजों के एक विशद चित्रण के रूप में काम करते हैं। टाईपोलो द यंगर के पास वेनिस में पलाज्जो रेज़ोनिको में शैली की पेंटिंग भी हैं। हालाँकि, उनकी कुछ शैली के कार्यों को उनके पिता के साथ संयुक्त रूप से किया जाता है। उनकी सर्वश्रेष्ठ उपलब्धियों में नक़्क़ाशी की एक श्रृंखला शामिल है, तकनीक में शानदार, जिनमें से प्रत्येक शीट में बच्चे के साथ मिस्र के लिए जोसेफ और मैरी की उड़ान के एक एपिसोड को दर्शाया गया है।

Giovanni Battista Tiepolo खुद को एक पोर्ट्रेट पेंटर के रूप में भी जाना जाता है। एंटोनियो रिकोबोनो (सी। 1745; रोविगो, कॉनकॉर्डी अकादमी), जियोवानी क्वेरिनी (सी। 1749; वेनिस, क्वेरिनी-स्टैम्पग्लिया संग्रहालय) के उनके चित्र चरित्र चित्रण में बहुत उज्ज्वल और अभिव्यंजक हैं।

1759 के आसपास, टाईपोलो ने एक बड़ी वेदी के टुकड़े "सेंट" को चित्रित किया। थेक्ला एस्टे शहर को प्लेग से बचाता है ”(एस्टे में कैथेड्रल), उनकी धर्मनिरपेक्ष रचनाओं की तुलना में एक अलग रंगीन कुंजी में बनाया गया है। गहरे गहरे रंग के स्वर इस दृश्य की नाटकीय तीव्रता पर जोर देते हैं, जिसके चित्र 16 वीं शताब्दी के महान विनीशियन चित्रकार के प्रभाव में बनाए गए थे। टिंटोरेटो।

टाईपोलो अपने जीवन के अंतिम वर्ष मैड्रिड में बिताते हैं, जिसे स्पेनिश राजा चार्ल्स III ने अपने महल की छत को चित्रित किया था। सिंहासन कक्ष की छत पर विशाल भित्ति चित्र "द ट्रायम्फ्स ऑफ द स्पैनिश मोनार्की" (1764-1766) चित्रित किया गया है। वुर्जबर्ग की तरह, प्लाफॉन्ड को एक स्वर्गीय स्थान में बदल दिया गया है, जिसे स्पेनिश उपनिवेशों और प्रांतों का प्रतिनिधित्व करने वाली रचनाओं द्वारा तैयार किया गया है। हालांकि, इसे शुरुआती सजावटी चक्रों की तुलना में अधिक सपाट तरीके से निष्पादित किया जाता है।

टाईपोलो के काम का एक विशेष क्षेत्र उनके चित्र हैं, उनकी कलात्मकता में शानदार। धोने के साथ संगीन या कलम में निष्पादित, वे अपने रूपों के सामान्यीकरण, तीव्र गतिशीलता और - ग्राफिक तरीके के सभी स्केची प्रवाह के लिए - महान नाटकीय अभिव्यक्ति द्वारा प्रतिष्ठित हैं। अक्सर वे उनकी बड़ी रचनाओं के अलग-अलग हिस्सों के लिए प्रारंभिक रेखाचित्र के रूप में काम करते हैं, कभी-कभी उनका एक स्वतंत्र अर्थ होता है। असामान्य रूप से प्लास्टिक के तरीके से व्यक्त किए गए पुरुष सिर के उनके चित्र, जीवन में सच्चाई की भावना और अवलोकन की दुर्लभ शक्तियों द्वारा चिह्नित हैं। उनके पास मुखौटों की कॉमेडी के पात्रों के पादरियों, वेनिस के डांडीज के तीखे और अभिव्यंजक कैरिकेचर भी हैं।

नक़्क़ाशी की तकनीक में, टाईपोलो ने विभिन्न पौराणिक, रूपक और रोमांटिक दृश्यों का प्रदर्शन किया, जिसका अर्थ लगभग अशोभनीय है। इनमें ज्योतिषियों, प्राच्य वस्त्र पहने लोगों, जिप्सियों और योद्धाओं के चित्र हैं। एक अत्यंत सुरम्य काइरोस्कोरो तरीके से प्रतिष्ठित, इन नक़्क़ाशी का 18 वीं और 19 वीं शताब्दी के अंत के सबसे महान स्पेनिश चित्रकार के ग्राफिक्स पर एक निश्चित प्रभाव था। फ्रांसिस्को गोया।

अपने समय से बंधे हुए, टाईपोलो अपने काम में मानवता, गहराई और अखंडता के उस उच्च माप तक नहीं बढ़ सके जो पुनर्जागरण के महान स्वामी की विशेषता थी। उनके कई नायकों की उपस्थिति जीवन टिप्पणियों पर आधारित है, जिसका एक उदाहरण उनकी कई महिला पात्र हैं - क्लियोपेट्रा, आर्मिडा, एम्फीट्राइट - लगभग हमेशा एक ही वास्तविक प्रोटोटाइप पर चढ़ते हुए - विनीशियन गोंडोलियर क्रिस्टीना की बेटी, लेकिन नहीं वास्तविक आंतरिक महत्व से प्रतिष्ठित। उनकी उज्ज्वल और उत्सवपूर्ण कला का सामग्री पक्ष व्यक्तिगत छवियों और पात्रों की अभिव्यक्ति में नहीं, बल्कि चित्रात्मक और प्लास्टिक रूपांकनों के पूरे परिसर में, उनकी अद्भुत समृद्धि और परिष्कार में सन्निहित है।

19वीं शताब्दी में टाईपोलो की पेंटिंग की ठीक से सराहना नहीं की गई थी, क्योंकि यह इस सदी की कला में हल किए गए कलात्मक कार्यों से बहुत दूर थी। केवल बाद में टाईपोलो ने कला के इतिहास में 18 वीं शताब्दी के शानदार उस्तादों में से एक के रूप में एक योग्य स्थान लिया, जिन्होंने अपनी शैली और सचित्र और सजावटी प्रणाली बनाई, जिसने शास्त्रीय कलात्मक युग की स्मारकीय पेंटिंग के सदियों पुराने विकास को पूरा किया।

18 वीं शताब्दी की इतालवी पेंटिंग के लिए। शैलियों में इसके विभाजन की विशेषता थी। रोजमर्रा की शैली, परिदृश्य, चित्र इसमें व्यापक रूप से फैले हुए थे, और कलाकार प्रत्येक कला के अपने रूप में विशिष्ट थे। इस प्रकार, विनीशियन कलाकार पिएत्रो लोंगी (1702-1785) ने अपनी विशेषता के रूप में छोटे वीर दृश्यों, यात्राओं, मुखौटे, संगीत समारोहों, जुआ घरों, नृत्य पाठों, लोक मनोरंजन, चार्लटन और दुर्लभ जानवरों के चित्रण को चुना। ड्राइंग में हमेशा सही नहीं, कभी-कभी रंग में काफी प्राथमिक, लोंगी द्वारा छोटे आकार के चित्र - "नृत्य पाठ" (वेनिस, अकादमी), "शौचालय के पीछे" (वेनिस, पलाज्जो रेज़ोनिको), "गैंडा" (ibid।) - प्रयुक्त महत्वपूर्ण सफलता। उनकी कथात्मक पेंटिंग, जिसे गोल्डोनी ने अपने संग्रह की बहन कहा, ने हमें "मुखौटा की उम्र", लापरवाह सड़क जीवन, साज़िश, तुच्छता और मनोरंजन, इस समय के वेनिस की विशेषता की अजीबोगरीब और काव्यात्मक भावना से अवगत कराया।

इतालवी चित्र कई आचार्यों द्वारा प्रस्तुत किया गया था, जिनमें से सबसे महत्वपूर्ण ग्यूसेप घिसलैंडी था, जिसे तब (एक भिक्षु बनने के बाद) फ्रा गैल्गारियो (1655-1743) कहा जाता था। बर्गामो के मूल निवासी, उन्होंने लंबे समय तक वेनिस में काम किया, जहां उन्होंने जियोर्जियोन, टिटियन और वेरोनीज़ के काम का अध्ययन किया। कई, ज्यादातर पुरुष चित्र उनके ब्रश से संबंधित हैं, जो 18 वीं शताब्दी की कृपा, अनुग्रह और लालित्य विशेषता के साथ बारोक चित्रों में निहित बाहरी प्रतिनिधित्व और मनोवैज्ञानिक लक्षण वर्णन के तरीकों को जोड़ते हैं। विनीशियन पेंटिंग की सर्वश्रेष्ठ परंपराओं में महारत हासिल करने वाले एक उल्लेखनीय रंगकर्मी, गिस्लैंडी ने अपनी पेंटिंग में चमकीले क्रिमसन, बैंगनी, हरे और पीले रंग के स्वरों का उपयोग करते हुए, विग्स, विशाल त्रिकोणीय टोपी और सोने के साथ कशीदाकारी समृद्ध कैमिसोल में उनके लिए प्रस्तुत किए गए रईसों को चित्रित किया। लेकिन उन्होंने चित्र छवि के यथार्थवादी सार के इस वैभव को कभी अस्पष्ट नहीं किया। उनका प्रत्येक चित्र गहरा व्यक्तिगत है, चाहे वह एक पुरुष चित्र हो, जहां एक मॉडल को बहुत स्पष्ट रूप से चित्रित किया गया हो - एक अभिमानी चेहरे वाला एक घुड़सवार, पूर्ण कामुक होंठ और एक बड़ी नाक (मिलान, पोल्डी पेज़ोली संग्रहालय), या काउंट वायलेटी का एक सुंदर पूर्ण-लंबाई वाला चित्र, या गहरे "रेम्ब्रांटियन" रंगों में चित्रित एक स्व-चित्र, या एक लड़के का आकर्षक चित्र (1732; हर्मिटेज)।

एलेसेंड्रो लोंगी (1733-1813) - पिएत्रो लोंगी के पुत्र - मुख्य रूप से एक चित्रकार के रूप में जाने जाते हैं। अपने मॉडलों को एक औपचारिक, उत्सवपूर्ण रूप देते हुए, वह उन्हें आसपास के साज-सामान के माध्यम से चित्रित करना चाहते हैं। यह प्रसिद्ध संगीतकार डोमेनिको सिमरोसा (वियना, लिकटेंस्टीन गैलरी) का चित्र है। उन्हें एक शानदार साटन लबादे में चित्रित किया गया है, जिसके हाथों में एक अंक है, जो दर्शकों को एक अभिमानी और सुंदर बनाता है, लेकिन एक सफेद विग द्वारा तैयार किए गए गहरे अभिव्यंजक युवा चेहरे से रहित है। उसके बगल में मेज पर एक वायोला डी "अमोर, एक वायलिन, एक बांसुरी, एक सींग और एक कलम के साथ एक स्याही है। गोल्डोनी का चित्र (वेनिस, कोरर संग्रहालय) उसी भावना में लिखा गया है: प्रसिद्ध नाटककार को पूर्ण रूप से दर्शाया गया है पोशाक, अपने पेशे की विशेषताओं से घिरा हुआ।

विनीशियन कलाकार रोसाल्बा कैरिएरा (1675-1757) ने एक लघु चित्रकार के रूप में अपना करियर शुरू किया, लेकिन अपने कई पेस्टल चित्रों के लिए व्यापक रूप से जाना जाने लगा। उसका रंग महान कोमलता और स्वर के कुछ लुप्त होती द्वारा प्रतिष्ठित था, जिसे पेस्टल तकनीक की विशिष्टता द्वारा समझाया गया था। अपने पूरे जीवन में उन्होंने चित्र और काव्य रूपक चित्रित किए। पूर्ण समानता प्राप्त करने के लक्ष्यों का पीछा नहीं करते हुए, उसने अपने मॉडलों की बेहद चापलूसी की, कभी-कभी उन्हें एक भावुक-अभिजात वर्ग का चरित्र दिया, जिसकी बदौलत उन्होंने 18 वीं शताब्दी के यूरोपीय कुलीनों के बीच बड़ी सफलता हासिल की। और उन्हें फ्रेंच और विनीशियन अकादमियों का सदस्य चुना गया।

लेकिन अठारहवीं शताब्दी की विनीशियन पेंटिंग की विभिन्न शैलियों में सबसे महत्वपूर्ण घटना शहरी परिदृश्य, तथाकथित वेदुता (अर्थात, दृश्य) थी, जो स्थापत्य चित्र और स्वयं परिदृश्य के तत्वों को जोड़ती थी।

विनीशियन लैंडस्केप पेंटिंग मुख्य रूप से एक परिप्रेक्ष्य पेंटिंग थी, जो शहरी परिदृश्य के वास्तविक रूपांकनों को पुन: प्रस्तुत करती थी। हालाँकि, प्रत्येक वेदुतवादियों की अपनी कलात्मक भाषा और अपनी चित्रात्मक दृष्टि थी, इसलिए, प्रसिद्ध दोहराव और एक दूसरे से रूपांकनों को उधार लेने के बावजूद, वे कभी भी उबाऊ और समान नहीं थे। वेनिस की सुंदरता के प्यार में, वे उसके सच्चे जीवनी लेखक और चित्रकार बन गए, उसकी उपस्थिति के सूक्ष्म काव्यात्मक आकर्षण को व्यक्त करते हुए, गोंडोल, तटबंधों, महलों, उत्सव के उत्सवों और अनगिनत चित्रों, चित्रों और नक्काशी में खराब क्वार्टरों पर कब्जा कर लिया। .

विनीशियन वेदुता की उत्पत्ति 15 वीं शताब्दी की पेंटिंग में, जेंटाइल बेलिनी और विटोर कार्पेस्को के कार्यों में की जानी चाहिए, लेकिन तब शहरी परिदृश्य ने एक स्वतंत्र भूमिका नहीं निभाई और कलाकार को केवल उत्सव के इतिहास के लिए पृष्ठभूमि के रूप में सेवा दी और कथात्मक रचनाएँ।

18वीं शताब्दी की शुरुआत में लुका कार्लेवारिस एक प्रकार का विनीशियन शहरी परिदृश्य बनाता है, हालांकि, बाद के वेदुतवादियों के कार्यों की तुलना में, एक आदिम चरित्र था। इस क्षेत्र में सच्चे गुरु एंटोनियो कैनाले थे, जिनका नाम कैनालेटो (1697-1768) था।

थिएटर कलाकार बर्नार्डो कैनाले के बेटे और छात्र, एंटोनियो ने रोम के लिए वेनिस छोड़ दिया और वहां रोमन परिदृश्य चित्रकारों और थिएटर सज्जाकारों के काम से परिचित हुए, मुख्य रूप से पन्निनी और बिब्बीना परिवार। उनकी शैली बहुत पहले बन गई थी और इसके विकास के रास्ते में कोई स्पष्ट परिवर्तन नहीं हुआ था। पहले से ही कैयालेटो के शुरुआती काम, स्कोला डेल कैरिता (1726) में, उनकी कलात्मक धारणा के सिद्धांत स्पष्ट रूप से व्यक्त किए गए थे। उनके शहरी परिदृश्य में बहुत कम हलचल है, उनमें भ्रमपूर्ण, परिवर्तनशील और अस्थायी कुछ भी नहीं है, फिर भी वे बहुत स्थानिक हैं; रंगीन स्वर अलग-अलग तीव्रता की योजनाएँ बनाते हैं, उनके विपरीत chiaroscuro द्वारा नरम। कैनालेटो ने लैगून, संगमरमर के विनीशियन महलों, मेहराबों के पत्थर के फीते और लॉगगिआस, घरों की रस्टी-लाल और भूरे-गुलाबी दीवारों के दृश्यों को चित्रित किया है, जो नहरों के समृद्ध हरे या नीले पानी में परिलक्षित होते हैं, जिसके साथ सोने की स्लाइड और मछली पकड़ने वाली नौकाओं से सजाए गए गोंडोल हैं। , और तटबंधों पर लोगों की भीड़, सफेद विगों में बेकार रईसों, कसाकों में भिक्षुओं, विदेशियों और कामकाजी लोगों को देखा जा सकता है। सटीक, लगभग निर्देशकीय गणना के साथ, कैनालेटो छोटे शैली के दृश्यों को समूहित करता है; उनमें वह अत्यंत विश्वसनीय है, कभी-कभी अभियोगी भी होता है और विवरण देने में अत्यंत निपुण होता है।

वेनिस में ग्रांड कैनाल (फ्लोरेंस, उफीजी), वेनिस में चर्च ऑफ सैन जियोवानी ई पाओलो के सामने का स्क्वायर (ड्रेस्डेन), द स्टोनमेसन यार्ड (1729-1730; लंदन, नेशनल गैलरी) कैनालेटो के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से हैं। सोवियत संग्रहालयों में उनके चित्रों में से, किसी को वेनिस (हर्मिटेज) में फ्रांसीसी दूतावास के रिसेप्शन और एड्रियाटिक सागर के लिए बेट्रोथल के लिए डोगे के प्रस्थान (ए.एस. पुश्किन म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स) का उल्लेख करना चाहिए।

30 के दशक से व्यापक लोकप्रियता हासिल की है। एक कलाकार के रूप में जो अपनी शैली में कोई समान नहीं जानता, कैनालेटो को 1746 में लंदन में आमंत्रित किया गया था, जहां, अंग्रेजी संरक्षकों के आदेश से, उन्होंने कई शहरी परिदृश्यों को चित्रित किया जिसमें उनका रंग, उज्ज्वल और प्लास्टिक की रोशनी और छाया प्रकाश से रहित, खो देता है इसकी पूर्व सोनोरिटी और विविधता, अधिक वश में और स्थानीयकृत होती जा रही है। इस तरह के "व्हाइटहॉल का दृश्य", "वेस्टमिंस्टर ब्रिज के आर्च के नीचे लंदन का शहर", "टेम्स पर पर्व" और कई अन्य हैं।

पेंटिंग के अलावा, कैनालेटो ने उत्कीर्णन पर बहुत ध्यान दिया, जो कि 1740-1750 के बीच था। वेनिस में एक शानदार विकास प्राप्त किया। लगभग सभी विनीशियन परिदृश्य चित्रकार - मार्को रिक्की, लुका कार्लेवारिस, कैनालेटो, बेलोट्टो - नक़्क़ाशी के महान स्वामी थे। कैनालेटो के बड़े कैनवस में कभी-कभी क्या कमी थी - आंदोलन, संपूर्ण सचित्र ताने-बाने की आध्यात्मिकता - पूरी तरह से उनके नक़्क़ाशी में प्रकट हुई, एक वास्तविक काव्यात्मक भावना के साथ। उनमें एक उत्कृष्ट रेखीय तकनीक का उपयोग करते हुए, अलग-अलग तीव्रता के पतले समानांतर हैचिंग के माध्यम से गहरे और नरम कायरोस्कोरो संक्रमण को प्राप्त करते हुए, कैनालेटो ने एक ही समय में कागज को "काम" किया, हल्के ऊर्ध्वाधर या उनके साथ हल्के स्थानों को छायांकित करते हुए थोड़ा लहराती क्षैतिज स्ट्रोक को बाधित किया। और आकाश, और उन पर तैरते बादल, मानो हल्की हवा से चल रहे हों, और पानी, और पेड़ उसकी नक्काशी में जीवंत हो उठे। त्वरित और बोल्ड कंट्रोवर्सी, सरसरी स्ट्रोक उनके "पोर्टो इन डोलो" को जीवन को प्रामाणिकता और वास्तविकता देते हैं - एक पानी के बेसिन के किनारे पर एक छोटा वर्ग, जिसके साथ एक युवा जोड़ा चलता है - एक विग में एक सज्जन और एक महिला, एक महिला का नेतृत्व करती है हाथ से एक शानदार शौचालय में, अनैच्छिक रूप से दर्शकों को एबे प्रीवोस्ट की कहानी से मैनन लेस्कॉट और शेवेलियर डी ग्रिएक्स की रोमांटिक छवियों को उजागर करना।

बर्नार्डो बेलोट्टो (1720-1780) - कैनालेटो के भतीजे और छात्र - भी 18 वीं शताब्दी के प्रमुख वेदुतवादियों में से एक थे। योजनाओं का एक स्पष्ट परिप्रेक्ष्य वितरण, प्रकृति के पुनरुत्पादन में एक अत्यंत उच्च, लगभग फोटोग्राफिक सटीकता, उनके चित्रों की कुछ चिकनी सतह उन्हें एक निश्चित निर्जीवता देती है, इस तथ्य के कारण कुछ हद तक बेलोटो ने व्यापक रूप से अपने में कैमरा अस्पष्ट प्रतिबिंबों का उपयोग किया। काम करता है। उनके शहर के वेद कलात्मक सामान्यीकरण की चौड़ाई से अलग नहीं हैं, उनके पास थोड़ा मूड, आंदोलन, हवादारता है, लेकिन वे महान कलात्मक और दस्तावेजी मूल्य के हैं। इटली के अलावा, 1746 से 1766 तक उन्होंने वियना और ड्रेसडेन में अदालतों में काम किया, और 1768 से वे पोलैंड में एक दरबारी चित्रकार थे, जहाँ उन्होंने वारसॉ के कई विचार बनाए। चित्रित विवरणों की पूर्णता से, कोई यह मान सकता है कि ये वेदुत उस समय की वास्तुकला, शहरी परिदृश्य और जीवन का कमोबेश सही विचार देते हैं।

विनीशियन सेटेसेंटो पेंटिंग एक और नाम से जगमगा उठी - फ्रांसेस्को गार्डी (1712-1793), एक उत्कृष्ट कलाकार जिसने लगभग 19 वीं शताब्दी में विनीशियन पेंटिंग की महान रंगीन परंपराओं को लाया।

वह अपने बड़े भाई, जियोवानी एंटोनियो गार्डी (1698/99-1760) के छात्र थे, जो एक प्रतिभाशाली चित्रकार थे, जिनके स्टूडियो में उन्होंने अपने जीवन के लगभग आधे हिस्से में काम किया। सीनियर गार्डी, जिन्होंने कई वेदी के टुकड़े बनाए: "सेंट की मौत। जोसेफ" (बर्लिन); "मैडोना एंड चाइल्ड विद सेंट्स" (विगो डी'अनौनिया में चर्च), जाहिर तौर पर अपने छोटे भाई की भागीदारी के साथ, अपने तरीके से सेबस्टियानो रिक्की और पियाजेटा के संपर्क में आया।

फ्रांसेस्को गार्डी के शुरुआती कार्यों में कई वेदी के टुकड़े शामिल हैं - "क्रूसीफिक्सियन" (वेनिस, निजी संग्रह), "विलाप" (म्यूनिख)। हालांकि, इस अवधि का सबसे महत्वपूर्ण काम वेनिस में आर्कान्जेलो राफेल के चर्च में अंग की तेल चित्रकला है जो टोबियास (सी। 1753) के जीवन के दृश्यों को दर्शाती है। इस पेंटिंग के लिए कई कथानक और रचनात्मक रूपांकनों को कलाकार ने अन्य इतालवी चित्रकारों से उधार लिया था, लेकिन एक साहसिक और असामान्य रंगीन निर्णय इसे पूरी तरह से मूल काम में बदल देता है। दूर, झिलमिलाते परिदृश्य की तरह, चमकदार गुलाबी, बैंगनी, लाल, नींबू, सुनहरा-नारंगी, ग्रे और नीले रंग के स्वर, छाया की नाजुकता और कंपन, सनकी, लगभग मकर रंग की तुलना उसकी सुरम्य संरचना को अलग करती है। सभी वेनिस के उस्तादों के बीच, गार्डी सबसे अधिक हवा के वातावरण, सूक्ष्म वायुमंडलीय परिवर्तनों, सूरज की रोशनी के हल्के खेल, लैगून की नम वुर्स हवा, बेहतरीन रंग रंगों में चित्रित करने के लिए एक प्रवृत्ति दिखाता है। प्रकाश के साथ, जैसे कि ब्रश के फड़फड़ाते हुए, गार्डी ने न केवल रूप को तराशा, बल्कि चित्र की संपूर्ण चित्रमय सतह की असाधारण गतिशीलता और आध्यात्मिकता को भी प्राप्त किया।

पेंटिंग "डेरियस के शरीर के सामने सिकंदर" (द पुश्किन स्टेट म्यूजियम ऑफ फाइन आर्ट्स) उसी वर्ष की है, जो 17 वीं शताब्दी के एक इतालवी चित्रकार की पेंटिंग की एक मुफ्त प्रति है। लैंगेटी। प्राचीन कहानी की अधिक गैर-शास्त्रीय व्याख्या की कल्पना करना कठिन है। हालांकि, गार्डी की सुरम्यता और उसके हल्के नीले, लाल, गहरे भूरे, हरे रंग के रंगीन धब्बों का वास्तविक बवंडर एक दीर्घवृत्त के रूप में चित्र के स्पष्ट रचनात्मक निर्माण को अस्पष्ट नहीं करता है, जो कि तिरछे स्थित शरीर द्वारा प्रतिच्छेद किया जाता है। डेरियस - रचना का शब्दार्थ केंद्र।

लेकिन गार्डी के काम का सबसे महत्वपूर्ण पक्ष लैंडस्केप पेंटिंग के विकास से जुड़ा है, जब उन्होंने 1740 के दशक से पेंट करना शुरू किया था। Marischi और Canaletto के प्रभाव में, जिनके चित्र उन्होंने लंबे समय तक कॉपी किए, उन्होंने वास्तुशिल्प परिदृश्य के क्षेत्र में काम करना शुरू किया। कैनालेटो के बाद, गार्डी ने उसी समय अपने नेतृत्व के रैखिक-परिप्रेक्ष्य निर्माण को दूर करने की मांग की।

1763 में, नए डोगे एल्विस IV मोकेनिगो के शासनकाल की शुरुआत के अवसर पर, शानदार उत्सवों की एक श्रृंखला द्वारा चिह्नित, गार्डी ने बारह बड़े विनीशियन लीड्स को चित्रित किया, लगभग अपने चित्रों के लिए ब्रस्टोलन द्वारा उत्कीर्ण कैनालेटो की रचनाओं का उपयोग करते हुए। इस तरह के उधार, जैसा कि हम देख सकते हैं, गार्डी के पेंटिंग अभ्यास में बार-बार हुआ, लेकिन इससे उनके चित्रों की गरिमा कम नहीं हुई; गार्डी की हवादार-रंग की व्याख्या ने शुष्क-विश्वसनीय लीड को विस्मय, गति और जीवन से भरे वेनिस की छवियों में बदल दिया।

गार्डी चित्रकारी के बड़े उस्ताद थे। उनकी मुख्य तकनीक पेन ड्रॉइंग है, जिसे कभी-कभी पानी के रंग से रंगा जाता है। उनमें, उन्होंने मुख्य रूप से आंदोलन और तात्कालिक छापों की तलाश की। पहले के चित्र रोकेले रूपांकनों द्वारा चिह्नित किए जाते हैं, रेखाएँ गोल, सनकी और लचीली होती हैं, गति अतिरंजित होती है, बाद के लोगों में बहुत अधिक सामान्यीकरण दिखाई देता है; स्याही धोने और बिस्त्रे उन्हें अतुलनीय सुरम्यता देते हैं। उनमें से कई सीधे प्रकृति से बने हैं - वे चलते बादलों, पानी की गति, गोंडोल के फिसलने, उनके गलत प्रतिबिंबों, आंकड़ों के मनमौजी और बोल्ड मोड़ पर कब्जा कर लेते हैं। इमारतें, सीढ़ियाँ, लॉगगिआ, कॉलोनडेड अधूरे, ब्रावुरा, एक दूसरे को पार करते हुए अचानक स्ट्रोक से चिह्नित हैं। और विनीशियन वास्तुकला की हवादार लालित्य और इसकी रचनात्मकता को कलाकार ने एक अद्भुत लाइन की भावना के साथ व्यक्त किया, दोनों आंतरायिक और सामान्यीकृत।

उनकी पेंटिंग में गार्डी की सबसे विशिष्ट कलात्मक तकनीकें एक ही पसंदीदा विषय, तथाकथित कैप्रिसिओस पर मुक्त विविधताएं हैं। वह अपने निरंतर "मॉडल" के लिए अधिक से अधिक उद्देश्यों को ढूंढता है, वह वेनिस को चित्रित करता है, जिसे उसने अपना सारा जीवन नहीं छोड़ा है, दिन के अलग-अलग घंटों में, नई रंगीन बारीकियों की खोज करता है, अपने परिदृश्य को या तो एक रोमांटिक रूप देता है या उन्हें उदास रूप से चित्रित करता है गेय ध्यान के स्वर ..

1770 के दशक में, गार्डी अपने शिल्प के शिखर पर पहुंच गया। पतले और मुक्त स्ट्रोक के साथ, वह चौकों, नहरों, सड़कों, जीर्ण-शीर्ण इमारतों, वेनिस के बाहरी इलाकों और गरीब क्वार्टरों, इसके एकांत आंगनों, सुनसान लैगून, शांत गलियों, अप्रत्याशित रूप से एक विस्तृत छायांकित मेहराब में समाप्त होता है, जिसकी तिजोरी से, जैसे एक विशाल पारदर्शी बूंद, एक कांच की लालटेन लटकी हुई है, मानो गुलाबी शाम की हवा में पिघल रही हो ("शहरी दृश्य"; हर्मिटेज संग्रहालय)। संक्षेप में, क्या गार्डी ने सजावटी मंच वेदुता के प्रकार को बदल दिया? जो 18वीं सदी के मध्य की विनीशियन पेंटिंग पर हावी थी, बेहतरीन गीतात्मक ध्वनि के परिदृश्य में, एक गहरे व्यक्तिगत अनुभव से प्रभावित।

1782 तक, आधिकारिक आदेश पर गार्डी द्वारा किए गए "समारोह" की दो बड़ी श्रृंखलाएं हैं। उनमें से पहले में वेनिस गणराज्य में पोप पायस VI के प्रवास के लिए समर्पित चार पेंटिंग शामिल थीं, दूसरी को रूसी सिंहासन के उत्तराधिकारी, ग्रैंड ड्यूक पावेल पेट्रोविच की वेनिस की यात्रा के सम्मान में लिखा गया था और इसमें पांच पेंटिंग शामिल थीं। उनमें से चार बच गए हैं - "बॉल एट द सैन बेनेडेटो थिएटर" (पेरिस), "गाला कॉन्सर्ट" (म्यूनिख), "बैंक्वेट" (पेरिस), "फीस्ट ऑन सेंट। मार्क (वेनिस)।

"द गाला कॉन्सर्ट" कलाकार की सबसे शानदार कृतियों में से एक है। यह तस्वीर उस मायावी चीज को कैद करती है जो विशेष रूप से गार्डी के कौशल में निहित थी - 18 वीं शताब्दी के वीरतापूर्ण उत्सव की भावना को व्यक्त किया गया है। यहां संगीत स्वयं श्रव्य प्रतीत होता है, एक वायलिन महिला ऑर्केस्ट्रा के प्रकाश धनुष से उड़ रहा है। उच्च बॉलरूम को रोशन करने वाली मोमबत्तियों की नरम झिलमिलाहट में, गर्म हवा लहरों में बहती प्रतीत होती है; नीले, लाल, पीले, भूरे, चांदी-ग्रे टोन शानदार महिला शौचालयों को चमकते हैं, जो चमकीले चमकीले रंगीन स्ट्रोक के बवंडर में लिखे गए हैं। ब्रश के हल्के स्ट्रोक के साथ, गार्डी चेहरे, विग और टोपी की रूपरेखा तैयार करता है, फिर पारदर्शी के साथ, फिर पेस्टी स्पॉट के साथ वह आंकड़े चिह्नित करता है।

1784 में, गार्डी, गणतंत्र के अभियोजक के आधिकारिक आदेश को पूरा करते हुए, पेंटिंग "द राइज़ ऑफ़ द बैलून इन वेनिस" (बर्लिन) को चित्रित करता है, जो उस समय के लिए एक असामान्य घटना का चित्रण करता है। एक परिचित रूपांकन का उपयोग करते हुए, गार्डी अग्रभूमि में एक छायांकित पत्थर की छतरी रखता है, जिसके नीचे जिज्ञासु दर्शकों की भीड़ होती है, और स्तंभों के फ्रेम में एक झूलते हुए गुब्बारे के साथ एक गुलाबी बादल वाला आकाश दिखाई देता है।

अपने बाद के कार्यों में, गार्डी सचित्र साधनों के सबसे बड़े सामान्यीकरण और संक्षिप्तता के लिए आए। कलाकार के अंतिम उत्कृष्ट चित्रों में से एक, "द विनीशियन लैगून" (सी। 1790; मिलान, पोल्डी पेज़ोली संग्रहालय), रंगों में संयमित, लेकिन रंगीन रेंज के रंगों में समृद्ध, एक निर्जन खाड़ी के अलावा कुछ भी चित्रित नहीं किया गया है। कई गोंडोल और बहती नम हवा के साथ, जिसमें दूर से दिखाई देने वाले चर्चों और महलों की रूपरेखा पिघलती हुई प्रतीत होती है।

मामूली, बाहरी प्रभाव से रहित, गार्डी द्वारा छोटे चित्रों को उनके समय में पर्याप्त रूप से सराहा नहीं गया था और वे टायपोलो के कामों के बगल में छाया और भव्यता से भरे हुए थे। यह कई दशकों बाद तक नहीं था कि उनके कार्यों का वास्तविक महत्व प्रकट हुआ, जो न केवल सेसेटेंटो के उत्कृष्ट स्मारक हैं, बल्कि 1 9वीं शताब्दी की कला में यथार्थवादी परिदृश्य की कई उपलब्धियों के अग्रदूत भी हैं।

इसके साथ ही विनीशियन स्कूल के साथ, जिसने सेटेचेंटो की कला में अग्रणी स्थान पर कब्जा कर लिया, इटली के अन्य स्कूल भी विकसित हुए।

नियति स्कूल के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि फ्रांसेस्को सोलिमेना (1657-1747) थे, उनकी शैली में 17 वीं शताब्दी की देर से बरोक पेंटिंग से जुड़ी थी। लैनफ्रेंको, लुका जिओर्डानो, पिएत्रो दा कॉर्टोना और प्रीति के प्रभाव का अनुभव करने के बाद, सोलिमेना ने मुख्य रूप से डेकोरेटिव पेंटिंग के क्षेत्र में काम किया, नियति चर्चों (सैन पाओलो मैगीगोर, सैन डोमेन्को मैगीगोर, गेसु नुवो) को फ्रेस्को किया। वेदी के चित्र, धार्मिक और अलंकारिक विषयों पर चित्र और चित्र भी उनके ब्रश के हैं।

अपने गहरे भूरे रंग के धब्बों के साथ सोलिमेना की शानदार पेंटिंग शैली, पीले और बकाइन स्वरों और लाल रंग के स्ट्रोक के विपरीत, उनकी गतिशील रचनाएँ एक ही समय में एक प्रकार की सर्द की छाप धारण करती हैं जैसे कि पात्रों के चित्रण में, जिनमें से आवेग हैं पिछली शताब्दी के बारोक मास्टर्स की छवियों को अलग करने वाले भावुक पथों से रहित, और रंग में, जहां एक सामान्य बकाइन-ग्रे टोन फिसल जाता है।

उनके छात्रों में, ग्यूसेप बोनिटो (1707-1789) पर ध्यान दिया जाना चाहिए। पहले सोलिमेना की भावना में काम करते हुए, बोनिटो बाद में उनसे घरेलू शैली की ओर चले गए, लेकिन सजावटी शैली के सिद्धांतों को पूरी तरह से तोड़ नहीं सके। उनके चित्रों के विषय, उज्ज्वल, लेकिन कुछ हद तक ठंडे रंग, मुख्य रूप से कार्निवल दृश्य हैं।

18वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में इटली में विभिन्न कलात्मक प्रवृत्तियों के बीच, एक स्पष्ट रूप से परिभाषित शैली, सामग्री में लोकतांत्रिक, उत्पन्न हुई। इस दिशा ने, जिसे शोधकर्ताओं से पिटुरा डेला रियलिता (वास्तविक दुनिया की पेंटिंग) नाम मिला, ने कई उस्तादों को एकजुट किया, जिन्होंने रोजमर्रा की जिंदगी के चित्रण की ओर रुख किया और अपने चित्रों के भूखंडों के रूप में विभिन्न रोजमर्रा और सामान्य लोक दृश्यों को चुना। इसके साथ ही बोनिटो के साथ, नीपोलिटन गैस्पारो ट्रैवर्सी ने काम किया (1732 और 1769 के बीच काम किया), एक उज्ज्वल और दिलचस्प कलाकार जो कारवागियो की कला से प्रभावित था। यह तेज काइरोस्कोरो, रूप की राहत मोल्डिंग, जीवंत, तेज रचना, आंकड़ों के मनमौजी मोड़ से प्रतिष्ठित है। उनकी सर्वश्रेष्ठ कृतियों में "घायल" (वेनिस, पीतल संग्रह), "गुप्त पत्र" (नेपल्स, कैपोडिमोन्टे संग्रहालय), "ड्राइंग लेसन" (वियना) हैं।

हम लोम्बार्डी में इस दिशा के स्वामी भी पाते हैं, जिनमें बर्गामो और ब्रेशिया शामिल हैं। उनमें से गियाकोमो फ्रांसेस्को चिप्पर, या टोडेचिनी, मूल रूप से एक जर्मन हैं, लेकिन जिन्होंने अपना सारा जीवन इटली में काम किया, और लकोपो सेरुती (18 वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही में काम किया)। पहला असमान गुणवत्ता के कई शैली के चित्रों के लेखक हैं, जो शोमेकर्स, संगीतकारों, कार्ड खिलाड़ियों, काम पर महिलाओं को दर्शाते हैं। जैकोपो सेरुती इस प्रवृत्ति के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि थे। उनके चित्रों के पात्र लगभग हमेशा काम करने वाले लोग होते हैं। उनकी सबसे अच्छी कृतियों में "लौंड्रेस" है, जो एक पत्थर के कुंड में कपड़े धोती एक युवती है; विशाल उदास आँखों से उसका चेहरा दर्शक (ब्रेशिया, पिनाकोटेका) की ओर मुड़ा हुआ है। "द भिखारी नीग्रो", "यंग मैन विद ए पाइप", "वुमन वीविंग ए बास्केट" - इन सभी छवियों को जीवंत अवलोकन के साथ व्यक्त किया गया है, जो महान शक्ति और कलात्मक सत्य की भावना से प्रतिष्ठित हैं। अन्य लोम्बार्ड चित्रकारों में, मिलान में काम करने वाले फ्रांसेस्को लंदनियो का उल्लेख किया जा सकता है। रोम में 18वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में। आम लोगों के जीवन के दृश्यों के लेखक एंटोनियो अमोरोसी हैं।

सामान्य तौर पर, हालांकि, इटली में इस प्रवृत्ति का विकास अल्पकालिक था - इसकी लोकतांत्रिक प्रवृत्तियों को उस समय के सामाजिक और कलात्मक वातावरण में उचित प्रतिक्रिया और समर्थन नहीं मिला।

रोम का कलात्मक जीवन अपने तरीके से वेनिस से कम घटनापूर्ण नहीं था। 18वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद से, रोम एक सच्चा अंतरराष्ट्रीय कला केंद्र बन गया है, जहां न केवल कला के लोग आते थे, बल्कि उस समय के वैज्ञानिक, पुरातत्वविद, प्रमुख इतिहासकार और लेखक भी आते थे।

प्राचीन रोम, हरकुलेनियम, पोम्पेई, दक्षिणी इटली में पेस्टम के मंदिरों की खुदाई ने उस समय के लोगों की आंखों के सामने प्राचीन कला के खजाने खोल दिए, जो देखने के लिए उपलब्ध हो गए। रोमांटिक खोजों और आश्चर्यों की भावना से आच्छादित, इटली ने सभी देशों और राष्ट्रीयताओं के युवा कलाकारों को अथक रूप से आकर्षित किया, जिनके लिए रोम की यात्रा एक पोषित सपना बन गई, और रोम पुरस्कार प्राप्त करना दीवारों के भीतर बिताए गए प्रशिक्षुता के वर्षों के बाद सर्वोच्च पुरस्कार था। अकादमियों। प्राचीन कला के इतिहास से परिचित होने में एक बहुत ही महत्वपूर्ण भूमिका प्रसिद्ध जर्मन कला इतिहासकार विंकेलमैन, प्राचीन संस्कृति के उत्साही उत्साही, महान पुरातात्विक खोजों के एक प्रत्यक्षदर्शी के कार्यों द्वारा निभाई गई थी, जिसके विवरण के लिए उन्होंने एक नंबर समर्पित किया था उसके कार्यों का। उनमें से सबसे सामान्यीकरण उनकी पुस्तक "हिस्ट्री ऑफ द आर्ट ऑफ एंटीक्विटी" (1764) थी, जहां पहली बार ग्रीक कला के विकास के सामान्य पाठ्यक्रम का पता लगाया गया था, जिसकी प्रकृति विंकेलमैन ने "महान सादगी और शांतता" के संदर्भ में परिभाषित की थी। भव्यता।" ग्रीक कला के सामाजिक और वैचारिक सार की कई त्रुटियों और गलत आकलन के बावजूद, जो विंकेलमैन को मुख्य रूप से ग्रीक मूल की रोमन प्रतियों से एक विचार मिल सकता था, उनकी पुस्तक 18 वीं शताब्दी के लोगों के लिए एक वास्तविक खोज थी।

इसलिए, यह आश्चर्य की बात नहीं थी कि रोमन स्कूल के इतालवी कलाकार अपने काम में प्राचीन रूपांकनों को पारित नहीं कर सके। उनमें से एक पोम्पेओ बटोनी (1708-1787) थे, जिन्होंने पौराणिक और धार्मिक विषयों पर कई रचनाएँ लिखीं, जो कुछ शर्करा छवियों और ठंडे रंग से प्रतिष्ठित थीं - "थेटिस अकिलीज़ को चिरोन द्वारा उठाया जाना" (1771), " चौराहे पर हरक्यूलिस" (1765) (दोनों - हरमिटेज), "द पेनिटेंट मैग्डलीन" (ड्रेस्डेन, आर्ट गैलरी)।

फ्रांसीसी अकादमी ने रोम के कलात्मक जीवन में भी एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, अपने चारों ओर युवा चित्रकारों को इकट्ठा किया, जिनकी कलात्मक गतिविधि जर्मन चित्रकार राफेल मेंग्स के नेतृत्व में रोमन नियोक्लासिसिस्टों के बेजान, कृत्रिम रूप से प्रोग्रामेटिक काम से अधिक जीवंत और फलदायी थी। फ्रांसीसी आचार्यों में से, चित्रकार विएन, ह्यूबर्ट रॉबर्ट, फ्रैगोनार्ड, सुबलीरा, डेविड, मूर्तिकार पजौ, वास्तुकार सौफ्लोट और कई अन्य लोगों ने रोम में काम किया। इसके अलावा, जर्मन कलाकारों का एक उपनिवेश था। कई फ्रांसीसी आचार्यों ने पहले से ही 17 वीं शताब्दी में शास्त्रीय परिदृश्य के रूपांकनों को विकसित किया। इटली में रहने वाले सबसे बड़े फ्रांसीसी चित्रकारों का प्रतिनिधित्व करते हैं - पॉसिन और क्लाउड लोरेन। इस शैली में, विनीशियन फ्रांसेस्को ज़ुकेरेली (1702-1788), रमणीय परिदृश्य के लेखक, साथ ही रोमन स्कूल के एक प्रतिनिधि, प्रसिद्ध "बर्बाद चित्रकार" जियोवानी पाओलो पन्निनी (1697-1764), जिन्होंने न केवल रोमन को चित्रित किया वेद्यूट्स, बल्कि अपने समय की विभिन्न उत्कृष्ट घटनाओं के साथ-साथ चर्चों के अंदरूनी भाग भी।

कोलोसियम के राजसी खंडहर, पोम्पेई और पेस्टम में जीर्ण-शीर्ण उपनिवेश, मकबरे, ओबिलिस्क, राहतें, मूर्तियों ने कलात्मक कल्पना के लिए असीमित गुंजाइश दी और चित्रकारों, ड्राफ्ट्समैन और उत्कीर्णकों को आकर्षित किया, जिन्होंने प्राचीन रूपांकनों के आधार पर मुक्त रचनाएँ कीं, जो दृश्यों के चित्रण के साथ संयुक्त थीं। रोजमर्रा की जिंदगी से। "रोम, नष्ट होने पर भी सिखाता है," ह्यूबर्ट रॉबर्ट ने अपनी एक पेंटिंग पर लिखा है। ये परिदृश्य रोमन और फ्रांसीसी कुलीनों के बीच एक बड़ी सफलता थी और, विनीशियन वेदत की तरह, 18 वीं शताब्दी की कला में व्यापक रूप से उपयोग किए गए थे।

लेकिन इस शैली के क्षेत्र में सबसे उत्कृष्ट घटना स्थापत्य ड्राइंग के प्रसिद्ध मास्टर, पुरातत्वविद् और उत्कीर्णक जियोवानी बतिस्ता पिरानेसी (1720-1778) का काम था, जिन्होंने अपनी स्थापत्य कल्पनाओं से कलाकारों और वास्तुकारों की पूरी पीढ़ियों को प्रेरित किया। जन्म से एक विनीशियन, उन्होंने अपना लगभग सारा जीवन रोम में बिताया, जहाँ उन्हें "उन प्रसिद्ध शहरों का अध्ययन करने और देखने की एक अथक इच्छा थी जहाँ बहुत सारे महान काम किए गए थे, और उनके स्मारकों को आकर्षित करने के लिए - एक महान अतीत के गवाह, "उनके जीवनी लेखक लिखते हैं।

इटली की स्थापत्य विरासत के अध्ययन से बहुत प्रभावित हुए, पिरानेसी थिएटर आर्किटेक्ट्स और डेकोरेटर्स बिब्बीना के एक बड़े और व्यापक परिवार के काम से भी परिचित हुए - बोलोग्ना के मूल निवासी, लेकिन जिन्होंने इटली के अलावा अधिकांश सेटटेक्निस्ट मास्टर्स के उदाहरण का पालन किया। विभिन्न यूरोपीय शहरों में - बेयरुथ, वियना, प्राग और अन्य। परिप्रेक्ष्य भ्रमवाद के साथ-साथ एंड्रिया पॉज़ो के सजावटी कार्यों पर उनके ग्रंथ और शिक्षाएं,

वेलेरियानी भाइयों, पन्निनी का उन पर बहुत प्रभाव था। पिरानेसी के कार्यों में, देर से रोमन बारोक की शैली लगभग उभरते क्लासिकवाद की शैली के साथ विलीन हो जाती है। नाट्य और सजावटी रचनाओं में रुचि ने अंतरिक्ष के पूर्वाभास और परिप्रेक्ष्य की धारणा और गहरे विपरीत chiaroscuro के अपने कार्यों में निहित करने में योगदान दिया।

1745 और 1760 में प्रकाशित उनके शुरुआती कार्यों में से एक, चौदह बड़े उत्कीर्णन "डंगऑन्स" ("कैर्सरी") का एक सूट है, जिसमें अंतहीन बहु-मंजिला गुंबददार कमरों को दर्शाया गया है, जो बीम, सीढ़ियों, दीर्घाओं, ड्रॉब्रिज द्वारा पार किए गए हैं, जहां अंधेरे के विपरीत और छत, लीवर, रस्सियों, पहियों, जंजीरों से लटके हुए हल्के ब्लॉक प्राचीन स्तंभों, फ्रिज़ और बेस-रिलीफ के टुकड़ों के साथ विचित्र तरीके से परस्पर जुड़े हुए हैं। ये शानदार रचनाएँ, संभवतः समकालीन पिरानेसी नाट्य दृश्यों से प्रेरित हैं, एक विशाल दायरे से प्रतिष्ठित हैं, लेकिन फिर भी उनके विवरण में स्पष्ट रूप से उल्लिखित हैं, एक वास्तुशिल्प रूप से क्रिस्टलीकृत स्थान।

पिरानेसी की स्थापत्य प्रतिभा उस समय इटली के वास्तविक निर्माण में खुद को सक्रिय रूप से व्यक्त नहीं कर सकी। "आधुनिक वास्तुकार के पास अकेले चित्रों के साथ अपने विचारों को व्यक्त करने के अलावा कोई विकल्प नहीं है," पिरानेसी ने अलग-अलग नक़्क़ाशी श्रृंखला में अपनी "काल्पनिक वास्तुकला" बनाते हुए लिखा। इसका मुख्य चक्र प्राचीन ग्रीस और रोम की राजसी इमारतों को समर्पित है।

प्राचीन वास्तुकला के स्मारकों के सटीक पुरातात्विक पुनर्निर्माण के लिए प्रयास नहीं करते हुए, पिरानेसी ने मुफ्त व्याख्या के अलावा, उन्हें एक विशेष रोमांटिक प्रभामंडल से घेर लिया, जिससे समकालीन वैज्ञानिकों और पुरातत्वविदों ने उस पर तीखी फटकार और हमले किए। उनकी नक़्क़ाशी रोम के महान अतीत के स्मारक स्मारक हैं, जिनकी उन्होंने निर्विवाद जुनून के साथ पूजा की।

1747 में, पिरानेसी ने "रोम के दृश्य" नक़्क़ाशी की एक श्रृंखला का निर्माण किया, जिसमें उन्होंने चित्रित इमारतों के अग्रभूमि में अधिकतम सन्निकटन के कारण वास्तुशिल्प छवि की एक असाधारण स्मारकीयता हासिल की, इसके अलावा, बहुत कम दृष्टिकोण से दिखाया गया। . विशाल स्तंभों और मेहराबों की तुलना में लोगों की छोटी आकृतियाँ छोटी और तुच्छ लगती हैं। हमेशा नक़्क़ाशी की तकनीक में काम करते हुए, पिरानेसी ने गहरी काली-मखमली छाया के साथ आकृति को नरम किया, जिससे उनकी सभी रचनाओं को असाधारण सुरम्यता मिली। रोमन पुलों की छवियों में, वह विशेष रूप से प्राचीन रोमन इमारतों की शक्ति पर जोर देते हैं, उनकी गौरवशाली भव्यता को व्यक्त करते हैं। नक़्क़ाशी "सेंट का महल। रोम में देवदूत।

1756 में प्रकाशित स्मारकीय चार-खंड सुइट "रोमन एंटीक्विटीज", सामग्री के दायरे में काफी व्यापक है। पिरानेसी की सबसे उल्लेखनीय कृतियों में पेस्टम में पोसीडॉन के प्राचीन ग्रीक मंदिर के दृश्यों के साथ नक़्क़ाशी का उनका अंतिम सूट शामिल है। पिरानेसी की उत्कीर्णन सुई यहां अद्भुत काम करती है, इन रचनाओं को प्रकाश और मुलायम काले-मखमली छाया के सामंजस्यपूर्ण वितरण के लिए सबसे गहरी सुरम्यता प्रदान करती है। देखने के बिंदुओं की विविधता यहां और भी अधिक आकर्षक है: विशाल उपनिवेश विभिन्न कोणों से दर्शकों के सामने आते हैं, दूर की योजनाएं नरम और गर्म हवा में दबी हुई लगती हैं, अग्रभूमि, मुक्त और हल्की, किसी भी अव्यवस्था से रहित जो कि विशेषता थी पिरानेसी पहले, सफलतापूर्वक स्टाफिंग से भर गया था - जीर्ण-शीर्ण स्तंभों की छाया के नीचे कलाकार बस गए और पुरातनता के प्रेमी घूमते रहे। पिरानेसी की मृत्यु के बाद इस चक्र की अधूरी नक्काशी का एक हिस्सा उनके बेटे फ्रांसेस्को (सी। 1758 / 59-1810) द्वारा पूरा किया गया, जिन्होंने अपने पिता की ग्राफिक शैली को अपनाया।

18वीं शताब्दी में रोमन स्कूल के मास्टर्स द्वारा प्राप्त कलात्मक परिणाम वेनिस की उपलब्धियों की तुलना में कम महत्वपूर्ण थे। लेकिन उनका मुख्य गुण प्राचीन कला के विचारों को बढ़ावा देना था। और बदले में, उन्होंने एक नई सामाजिक तीक्ष्णता प्राप्त की, गहरी सामग्री और उच्च नागरिक पथ के साथ संतृप्त, एक नए युग की पूर्व संध्या पर उन्नत यूरोपीय स्वामी के काम के लिए एक शक्तिशाली प्रोत्साहन के रूप में कार्य किया, जो 1789 की फ्रांसीसी बुर्जुआ क्रांति के साथ शुरू हुआ। .

17वीं शताब्दी में इटली की कला में बैरोक युग कहा जाता है। यह शैली, जो यूरोपीय चित्रकला में प्रमुख बन गई है, दुनिया की एक कामुक पूर्ण-रक्त धारणा, कलात्मक समाधानों की गतिशीलता की विशेषता है। विशेष पूर्णता के साथ, यह बड़े पैमाने पर शहरी नियोजन, स्थापत्य और चित्रमय पहनावा में प्रकट हुआ था। इतालवी कला की विविधता स्थानीय कलात्मक परंपराओं की विविधता से निर्धारित होती है, लेकिन, जैसा कि पुनर्जागरण में, कलाकारों का ध्यान मनुष्य की छवि बना रहता है।

वास्तुकार और कलाकार पिएत्रो दा कॉर्टोना ने कला के इतिहास में रोम और फ्लोरेंस के महलों को सुशोभित करने वाले चित्रों के प्रसिद्ध चक्र के लेखक के रूप में प्रवेश किया। उनकी रचना "द रिटर्न ऑफ हैगर" एक मास्टर द्वारा चित्रफलक पेंटिंग का एक उत्कृष्ट उदाहरण है, जिसने बारोक शैली को समाधान की लगभग शास्त्रीय कठोरता देने की मांग की थी।

बैरोक शैली का उत्तराधिकार नियति लुका जिओर्डानो के काम से जुड़ा है, जिन्होंने इटली के विभिन्न शहरों में काम किया और कई कलाकारों को प्रभावित किया। उनके कार्यों में निहित आंदोलन की गतिशीलता और आंतरिक पथ विशेष रूप से वेदी छवियों में, स्मारकीय और सजावटी कैनवस और दीवार चित्रों के चक्रों में पूरी तरह से प्रकट हुए थे। संग्रहालय के संग्रह में इस उत्कृष्ट मास्टर का ब्रश कई कार्यों का मालिक है जो किसी को उसकी प्रतिभा के पैमाने का न्याय करने की अनुमति देता है। ये रूपक, इंजील और पौराणिक विषयों पर पेंटिंग हैं - "द पनिशमेंट ऑफ मार्सियस", "मैरेज इन काना ऑफ गैलील", "टॉरेंट ऑफ सेंट। लॉरेंस"। उनमें से सबसे अच्छा, एक शक के बिना, रचना "लव एंड वाइस डिसआर्म जस्टिस" है।

विकास की मौलिकता द्वारा चिह्नित कई कार्य नीपोलिटन स्कूल का प्रतिनिधित्व करते हैं। राजनीतिक रूप से, नेपल्स का उप-राज्य स्पेनिश ताज के शासन में था, जिसने कला के विकास पर अपनी छाप छोड़ी। बर्नार्डो कैवेलिनो की पेंटिंग "द एक्प्लिसन ऑफ इलियोडोर फ्रॉम द टेंपल", जिसमें अकादमिक परंपराओं को एक अजीबोगरीब तरीके से अपवर्तित किया गया था, और एंड्रिया वेकारो ("मैरी और मार्था") और डोमेनिको गार्गुलो ("ट्रांसफरिंग द आर्क ऑफ द आर्क" की नाटकीय रचनाएँ। राजा डेविड द्वारा यरुशलम के लिए वाचा") अलग-अलग स्कूलों के अंदर कलात्मक खोजों की विविधता की गवाही देती है।

बैरोक शैली ने अपने अद्वितीय राष्ट्रीय इतालवी संस्करण में परिदृश्य, स्थिर जीवन, शैली चित्रकला के उत्कर्ष को एक शक्तिशाली प्रोत्साहन दिया।

17वीं-18वीं शताब्दी के मोड़ पर, कला को अकादमिकता पर काबू पाने के कार्य का सामना करना पड़ा, जो अमूर्त सूत्रों का एक समूह बन गया था। बोलोग्ना में, अकादमिक परंपरा का यह गढ़, ग्यूसेप मारिया क्रेस्पी, कायरोस्कोरो के नाटक का कुशलता से उपयोग करते हुए, धार्मिक ("पवित्र परिवार") और पौराणिक विषयों ("निम्फ्स डिसर्मिंग क्यूपिड्स") को एक नए तरीके से हल करता है, उन्हें एक जीवित मानव के साथ भरता है। भावना। 17 वीं शताब्दी की चित्रात्मक परंपराओं के आधार पर मिलान, फ्लोरेंस, बोलोग्ना में काम करने वाले जेनोइस एलेसेंड्रो मैग्नास्को ने रोमांटिक प्रवृत्ति विकसित की। भिक्षुओं और भटकने वाले अभिनेताओं ("भिक्षुओं के साथ लैंडस्केप", "नन का भोजन", "शिक्षित मैगपाई") के दृश्यों के साथ एक नर्वस मूविंग ब्रशस्ट्रोक के साथ लिखी गई उनकी असामान्य रचनाओं में विचित्र की विशेषताएं निहित हैं। और यहां तक ​​कि गुरु की व्याख्या में "बच्चनलिया" का जीवन-पुष्टि करने वाला पौराणिक विषय भी गहरी उदासी की भावना से भरा है। कलाकार ने वास्तुशिल्प खंडहर के लेखक क्लेमेंटे स्पेरा के सहयोग से इस कैनवास को निष्पादित किया।

एक नए उत्थान की अवधि 18 वीं शताब्दी में आती है, जब रोकोको शैली को इतालवी धरती पर स्थापित किया गया था, जिसकी विशेषताएं विभिन्न शैलियों के कार्यों को रंग देती हैं - एक चित्र (साग्रेस्तानी "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए मैन", लुइगी क्रेस्पी "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए फूलों की टोकरी वाली लड़की"), रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्यों की एक छवि (लोंगी का एक अनुकरणकर्ता " उसकी पत्नी के साथ अभियोजक की बैठक"), प्राचीन इतिहास और पौराणिक कथाओं के दृश्यों पर पेंटिंग (क्रोसाटो "द फाइंडिंग ऑफ मूसा", पिटोनी "द डेथ ऑफ सोफोनिस्बा", सेबेस्टियानो रिक्की "द सेंचुरियन बिफोर क्राइस्ट")। इतालवी कला के इतिहास में अंतिम उज्ज्वल अवधि वेनिस से जुड़ी हुई है, जिसने 18 वीं शताब्दी में उच्चतम स्तर के चित्रकारों की एक पूरी आकाशगंगा को आगे बढ़ाया। उनमें से एक विशेष स्थान पर अपने समय के एक उत्कृष्ट चित्रकार, स्मारकीय और सजावटी पेंटिंग के एक मान्यता प्राप्त मास्टर, गिआम्बतिस्ता टाईपोलो का अधिकार है, जिन्हें यूरोपीय देशों से कई ऑर्डर मिले थे। उनका ब्रश वेदी रचना "मैडोना एंड चाइल्ड विद सेंट्स" के साथ-साथ स्वतंत्र रूप से निष्पादित स्केच "डेथ ऑफ डिडो" और "टू सेंट्स" से संबंधित है।

18 वीं शताब्दी के खंड में, रोमन चित्रकार पाणिनी ("बेनेडिक्ट XIV ट्रेवी फाउंटेन का दौरा करता है") के काम बहुत रुचि के हैं, जो खंडहर रूपांकनों के साथ परिदृश्य की शैली में, फ्रांसीसी ह्यूबर्ट रॉबर्ट के अग्रदूत थे, रूस में इतना मूल्यवान।

वेनिस में, जिसकी मनमोहक सुंदरता ने किसी को भी उदासीन नहीं छोड़ा, लैंडस्केप पेंटिंग की एक विशेष दिशा बन रही है - शहर की छवि अपने महलों, नहरों, चौकों के साथ एक आकर्षक सुरम्य भीड़ से भरी हुई है। कैनालेटो, बर्नार्डो बेलोट्टो, मारिएस्ची के कैनवस, वास्तुशिल्प वेदुता की शैली से संबंधित हैं, छवि की भ्रामक सटीकता के साथ मोहित करते हैं, जबकि फ्रांसेस्को गार्डी के चैम्बर काम करता है, जिसे कैप्रिसियो परिदृश्य कहा जाता है, वास्तविक विचारों को इतना पुन: पेश नहीं करता है जितना कि दर्शक की पेशकश करते हैं। शहर की एक निश्चित काव्य छवि।

अपने छोटे भाई फ्रांसेस्को के विपरीत, जियानंटोनियो गार्डी ने बाइबिल, पौराणिक और ऐतिहासिक विषयों पर आंकड़ों के साथ रचनाओं के एक मास्टर के रूप में प्रसिद्धि प्राप्त की। प्रदर्शनी में उनकी पेंटिंग "अलेक्जेंडर द ग्रेट एट द बॉडी ऑफ फारसी किंग डेरियस" प्रस्तुत की गई है, जिसे मास्टर की सच्ची कृति के रूप में मान्यता दी गई है। कार्निवाल और संगीत के शानदार उत्कर्ष के युग में, बनावट और रंग की भाषा का उपयोग करते हुए, गार्डी एक अविस्मरणीय सचित्र सिम्फनी बनाता है, जो मानवीय भावनाओं के जीवंत आंदोलन के साथ व्याप्त है। इस उच्च नोट पर, पुनर्जागरण के साथ शुरू हुई इतालवी कला के सबसे बड़े फूल की अवधि समाप्त होती है।

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