डच पेंटिंग ब्लैक पेंट्स। पेंटिंग का डच स्कूल। सुरम्य व्यंजन और बर्तन
डच पेंटिंग - 17वीं सदी की पेंटिंग
डच कला की एक महत्वपूर्ण विशेषता इसकी सभी प्रकार की पेंटिंग में महत्वपूर्ण प्रसार थी। सत्ता के उच्चतम सोपानों के प्रतिनिधियों, गरीब बर्गर, कारीगरों और किसानों ने अपने घरों को चित्रों से सजाया। वे नीलामियों और मेलों में बेचे जाते थे; कलाकार कभी-कभी उन्हें बिलों का भुगतान करने के साधन के रूप में भी इस्तेमाल करते थे।
जंगल में सड़क, मेइंडर्ट होबेमा, 1670
बहुत सारे चित्रकार थे, और काफी कड़ी प्रतिस्पर्धा थी, क्योंकि कलाकार का पेशा आम था। बहुत से लोग पेंटिंग करके जीविकोपार्जन नहीं कर सकते थे। अधिकांश कलाकारों को कई तरह के काम करने पड़ते थे: जैकब वैन रुइसडेल एक डॉक्टर थे, मेन्डर्ट हॉबेमा एक आबकारी अधिकारी के रूप में काम करते थे, और जान स्टीन एक नौकर थे।
17 वीं शताब्दी में, डच पेंटिंग तेजी से विकसित हुई, न केवल उन लोगों की बढ़ती मांग के कारण जो अपने घरों को पेंटिंग के साथ सजाने की इच्छा रखते हैं, बल्कि इस तथ्य के कारण भी कि उन्हें एक वस्तु, अटकलों का एक साधन और एक स्रोत के रूप में देखा जाने लगा। फायदा। कलाकार पूरी तरह से बाजार के रुझानों पर निर्भर था, खुद को ऐसे प्रत्यक्ष ग्राहकों से प्रभावशाली संरक्षक (सामंती प्रभु) और कैथोलिक चर्च के रूप में मुक्त कर रहा था। डच समाज के विकास के मार्ग निर्धारित किए गए, और जिन कलाकारों ने उनका विरोध किया और रचनात्मकता के मामले में अपनी स्वतंत्रता का बचाव किया, वे अलग-थलग पड़ गए और अकेलेपन और गरीबी में समय से पहले मर गए। ज्यादातर मामलों में, ये सिर्फ सबसे प्रतिभाशाली कलाकार थे, जैसे कि रेम्ब्रांट और फ्रैंस हल्स।
डच चित्रकारों ने मुख्य रूप से आसपास की वास्तविकता को चित्रित किया, जिसे पेंटिंग के अन्य स्कूलों के कलाकारों ने पूरी तरह से प्रदर्शित नहीं किया। यथार्थवादी प्रवृत्तियों को मजबूत करने में मुख्य स्थान पर चित्र, रोजमर्रा की शैली, अभी भी जीवन और परिदृश्य का कब्जा था, क्योंकि कलाकारों ने जीवन के विभिन्न पहलुओं की ओर रुख किया। उन्होंने इतनी गहराई से और सच्चाई से वास्तविक दुनिया को चित्रित किया जो उनके सामने खुल गई, उनके काम इतने प्रभावशाली थे।
जान स्टीन, मौज-मस्ती करने वालों के साथ मुठभेड़, 1679
प्रत्येक शैली की अपनी धाराएँ थीं। परिदृश्य का चित्रण करने वालों में समुद्री चित्रकार और चित्रकार थे जो मैदानी इलाकों या जंगलों को पसंद करते थे, सर्दियों के परिदृश्य और चांदनी को दर्शाने वाले दृश्यों के स्वामी भी थे। शैली के चित्रकारों में, जो शहरवासियों और किसानों, घरेलू जीवन और पार्टियों, बाजारों और शिकार के दृश्यों को चित्रित करते थे, वे बाहर खड़े थे। ऐसे कलाकार भी थे जो चर्च के अंदरूनी हिस्सों और विभिन्न प्रकार के स्थिर जीवन में विशेषज्ञता रखते थे, जैसे कि "दुकान", "मिठाई", "नाश्ता", आदि। प्रदर्शन किए गए कार्यों की संख्या सीमितता के रूप में डच पेंटिंग की इस तरह की विशेषता से प्रभावित थी। हालांकि, चित्रकार के गुण को इस तथ्य से सुगम बनाया गया था कि प्रत्येक कलाकार एक विशेष शैली पर ध्यान केंद्रित करता था। विभिन्न शैलियों में चित्रित केवल सबसे महत्वपूर्ण डच कलाकार।
यथार्थवादी डच पेंटिंग का विकास व्यवहारवाद और इतालवी शास्त्रीय कला की नकल करने वाली दिशा के साथ संघर्ष में हुआ। औपचारिक रूप से इतालवी कलाकारों, इन प्रवृत्तियों के प्रतिनिधियों से उधार लिया गया, तकनीकें राष्ट्रीय डच चित्रकला की परंपराओं के लिए बेहद अप्राकृतिक थीं। डच पेंटिंग के विकास के दौरान रोज़मर्रा की शैली और चित्रों में यथार्थवादी धाराएँ अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट हुईं, जिसमें 1609-1640 शामिल हैं।
जैकब वैन रुइसडेल(1628-1682) परिदृश्य शैली में एक उत्कृष्ट मास्टर थे (उन्होंने क्लासिक डच परिदृश्य को चित्रित किया - रेगिस्तान के टीले, प्रसिद्ध पवनचक्की, नहर की नावें, स्केटर्स, और सामान्य रूप से प्रकृति नहीं), असीम कल्पना के कलाकार ("झरना", " वन दलदल ", "यहूदी कब्रिस्तान")। प्रकृति की नकल करते हुए, Ruisdael एक ही समय में स्मारकीयता प्राप्त करता है।
विज्क बी डर्स्टेड में पवनचक्की। 1670. रिज्क्सम्यूजियम। एम्सटर्डम, जैकब वैन रुइसडेल
इस युग के सबसे प्रतिभाशाली चित्रकारों में से एक कहा जा सकता है फ़्रांसिस हल्स(लगभग 1585-1666)। उन्होंने कई समूह चित्र बनाए, जैसे राइफल गिल्ड (शहरों और रक्षा की सुरक्षा के लिए अधिकारियों का एक संघ) की छवियां। बर्गर खुद को पकड़ना चाहते थे, और कलाकार को प्रत्येक मॉडल के प्रति सम्मानजनक रवैये के बारे में नहीं भूलना चाहिए। इन चित्रों में युवा गणतंत्र के आदर्शों का प्रदर्शन, सौहार्द, समानता और स्वतंत्रता की भावना आकर्षित करती है। जो लोग अपने आप में और भविष्य में, ऊर्जा से भरे हुए हैं, वे दर्शक को कैनवस ("सेंट जॉर्ज तीरंदाजी गिल्ड", "सेंट जॉर्ज") से देख रहे हैं। स्वाभाविक रूप से, उन्हें एक दोस्ताना दावत में चित्रित किया गया है। कलाकार की व्यक्तिगत शैली के लिए धन्यवाद - विस्तृत, आत्मविश्वास, समृद्ध, चमकीले रंगों (लाल, पीला, नीला, आदि) के साथ - ये व्यक्ति युग का एक कलात्मक दस्तावेज बनाते हैं।
स्टीफन गेराड्स का पोर्ट्रेट, 1652, रॉयल संग्रहालय, एंटवर्पी
एक शैली चित्रकला की रूपरेखा के साथ व्यक्तिगत चित्रों में बहुत अधिक लापरवाह उत्साह, दबाव, अपरिवर्तनीय ऊर्जा है। यह बाद के चित्रों में गायब हो जाता है। उदाहरण के लिए, हर्मिटेज पुरुष चित्र में नायक खल की उदासी और थकान को उसकी सारी प्रभावशालीता और यहां तक कि अकड़ के साथ देखा जा सकता है। इन विशेषताओं को एक अन्य चित्र (चौड़ी-चौड़ी टोपी में एक आदमी की छवि) में और बढ़ाया गया है। इस देर की अवधि के दौरान, हल्स महारत के ऊपरी चरण में पहुंच जाते हैं, उनके काम में स्वर मोनोक्रोमैटिक हो जाते हैं (आमतौर पर काले, काले कपड़े, एक सफेद कॉलर और कफ के साथ, और एक गहरा जैतून पृष्ठभूमि रंग)। सचित्र पैलेट की सभी संक्षिप्तता के लिए, यह अत्यंत सूक्ष्म उन्नयन पर आधारित है।
सृष्टि रेम्ब्रांट वैन रिजनो(1606-1669) 17वीं सदी की डच कला की अंतिम उपलब्धि थी और इसके यथार्थवाद की पराकाष्ठा थी।
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हॉलैंड के पेंटिंग और प्रतिष्ठित चित्रकारों के मुख्य रुझान, विकास के चरण।
डच पेंटिंग
परिचय
17 वीं शताब्दी की डच पेंटिंग को कभी-कभी गलती से मध्य वर्ग के लिए कला माना जाता है, इस अवधि की फ्लेमिश पेंटिंग के सामने झुकना और इसे दरबारी, कुलीन कहना। कोई कम गलत राय नहीं है कि डच कलाकार केवल इस उद्देश्य के लिए परिदृश्य, शहरों, समुद्र, लोगों के जीवन का उपयोग करते हुए तत्काल मानव पर्यावरण को चित्रित करने में लगे हुए हैं, जबकि फ्लेमिश कला ऐतिहासिक पेंटिंग के लिए समर्पित है, जिसे कला सिद्धांत में अधिक माना जाता है। उन्नत शैली। इसके विपरीत, हॉलैंड में सार्वजनिक इमारतों, जिनकी भव्य उपस्थिति थी, साथ ही धनी आगंतुकों, जो भी उनके धार्मिक विश्वास या मूल थे, को एक अलंकारिक या पौराणिक विषय के साथ चित्रों की आवश्यकता थी।
17वीं शताब्दी की शुरुआत तक फ्लेमिश और डच शाखाओं में पेंटिंग के नीदरलैंडिश स्कूल का कोई भी विभाजन। क्षेत्रों के बीच निरंतर रचनात्मक आदान-प्रदान को देखते हुए, यह कृत्रिम होगा। उदाहरण के लिए, एम्स्टर्डम में पैदा हुए पीटर आर्ट्सन ने 1557 में अपने गृहनगर लौटने से पहले एंटवर्प में काम किया, जबकि उनके छात्र और भतीजे जोआचिम बुकेलेर ने अपना पूरा जीवन एंटवर्प में बिताया। यूट्रेक्ट संघ पर हस्ताक्षर करने और सात उत्तरी प्रांतों को अलग करने के संबंध में, 1579-1581 के बाद कई निवासी। कृत्रिम रूप से विभाजित देश के उत्तरी नीदरलैंड से प्रोटेस्टेंट भाग में चले गए।
"कसाई की दुकान"। कलासेन।
कला का विकास
डच पेंटिंग के स्वतंत्र विकास के लिए फ्लेमिश कलाकारों से प्रेरणा मिली। एंटवर्प में पैदा हुए और रोम में शिक्षित बार्थोलोमियस स्पैंजर, एक कलाप्रवीण व्यक्ति, दरबारी, कृत्रिम शैली के संस्थापक बने, जो वियना और प्राग में स्पैंजर के अस्थायी निवास के परिणामस्वरूप एक अंतरराष्ट्रीय "भाषा" बन गया। 1583 में, चित्रकार और कला सिद्धांतकार कारेल वैन मंडेर ने इस शैली को हार्लेम में लाया। इस हार्लेम या यूट्रेक्ट तरीके के मुख्य स्वामी में से एक अब्राहम ब्लूमार्ट थे।
फिर इसायाह वैन डे वेल्डे, हॉलैंड में फ़्लैंडर्स के प्रवासियों के एक परिवार में पैदा हुए, और चित्रकारों के एक मंडली में अध्ययन कर रहे थे, जिसके केंद्र में फ्लेमिश कलाकार डेविड विंकबन्स और गिलिस कोनिनक्स्लो थे, जिन्होंने अपने शुरुआती चित्रों में पेंटिंग की एक यथार्थवादी शैली विकसित की थी। कलात्मक योजनाओं के चमकीले रंग उन्नयन के साथ, जन ब्रूघेल द एल्डर को संदर्भित किया गया। 1630 के आसपास, हॉलैंड में, कलात्मक स्थान के एकीकरण और विभिन्न परतों से रंगों के संलयन की दिशा में एक प्रवृत्ति स्थापित की गई थी। तब से, चित्रित चीजों की बहुमुखी प्रकृति ने अंतरिक्ष और हवादार वातावरण की भावना को जन्म दिया है, जिसे रंग के धीरे-धीरे बढ़ते मोनोक्रोम उपयोग के साथ व्यक्त किया गया था। यशायाह वैन डे वेल्डे ने अपने छात्र जान वैन गोयन के साथ मिलकर कला में इस शैलीगत मोड़ को मूर्त रूप दिया।
शीतकालीन परिदृश्य। वेल्डे।
जैकब वैन रुइसडेल द्वारा सबसे स्मारकीय उच्च बारोक परिदृश्यों में से एक, द ग्रेट फ़ॉरेस्ट, डच पेंटिंग के विकास में अगली अवधि से संबंधित है। दर्शकों को अब कुछ आकर्षक रूपांकनों के साथ एक विशाल भूरे-भूरे रंग के स्थान के बजाय अनाकार दृश्य का अनुभव नहीं करना है; अब से, छाप एक निश्चित, ऊर्जावान रूप से उच्चारित संरचना द्वारा बनाई गई है।
शैली पेंटिग
डच शैली की पेंटिंग, जिसे वास्तव में, शायद ही रोजमर्रा की जिंदगी का एक चित्र कहा जा सकता है, अक्सर एक नैतिक संदेश ले जाता है, वियना में इसके सभी मुख्य स्वामी के कार्यों द्वारा दर्शाया गया है। इसका केंद्र लीडेन था, जहां रेम्ब्रांट के पहले छात्र जेरार्ड डू ने एक स्कूल की स्थापना की, जिसे "लीडेन स्कूल ऑफ फाइन पेंटिंग (फिजन्सचाइल्डर्स)" के रूप में जाना जाता है।
आलंकारिक पेंटिंग
कंपनी के अधिकारियों की बैठक। फ़्रांसिस हल्स।
आलंकारिक चित्रकला के तीन महानतम डच स्वामी, फ्रैंस हल्स, रेम्ब्रांट और डेल्फ़्ट के जान वर्मीर, लगभग पूरी पीढ़ी के अंतराल पर एक-दूसरे का अनुसरण करते थे। हल्स का जन्म एंटवर्प में हुआ था और उन्होंने मुख्य रूप से एक चित्रकार के रूप में हार्लेम में काम किया था। कई लोगों के लिए, वह एक खुले, हंसमुख और सहज गुणी चित्रकार की पहचान बन गया है, जबकि रेम्ब्रांट की कला, एक विचारक - जैसा कि क्लिच कहते हैं - मानव भाग्य की उत्पत्ति को प्रकट करता है। यह एक ही समय में सही और गलत दोनों है। हल्स द्वारा किसी चित्र या समूह के चित्र को देखते समय जो तुरंत ध्यान आकर्षित करता है, वह एक ऐसे व्यक्ति को व्यक्त करने की क्षमता है जो गति में भावनाओं से अभिभूत है। मायावी क्षण को चित्रित करने के लिए, हल्स खुले, स्पष्ट रूप से अनियमित ब्रशस्ट्रोक, ज़िगज़ैग में क्रॉस-क्रॉसिंग या हैचिंग पैटर्न का उपयोग करता है। यह एक स्केच की तरह लगातार झिलमिलाती सतह का प्रभाव पैदा करता है, जो एक निश्चित दूरी से देखने पर ही एक छवि में विलीन हो जाता है। रोथ्सचाइल्ड के "उपहार" की वापसी के बाद - काले रंग में एक आदमी का एक अभिव्यंजक चित्र लिकटेंस्टीन के राजकुमार के संग्रह के लिए खरीदा गया था और इस तरह वियना लौट आया। Kunsthistorisches संग्रहालय फ्रांज हल्स द्वारा केवल एक पेंटिंग का मालिक है, जो एक युवा व्यक्ति का चित्र है जो पहले से ही चार्ल्स VI के संग्रह में हॉलैंड में "प्रोटेस्टेंट" कला के कुछ उदाहरणों में से एक के रूप में दिखाई देता है। हल्स के काम की देर की अवधि में चित्रित चित्र मनोवैज्ञानिक अंतर्दृष्टि और आसन की कमी के मामले में रेम्ब्रांट के कार्यों के करीब हैं।
रंगों और काइरोस्कोरो के क्षेत्रों के सूक्ष्म संक्रमणों के लिए धन्यवाद, रेम्ब्रांट एक ध्वनि स्थान के साथ आंकड़ों को ढँकते हैं जिसमें मनोदशा, वातावरण, कुछ अमूर्त और यहां तक कि अदृश्य, रहते हैं। वियना आर्ट गैलरी में रेम्ब्रांट का काम केवल चित्रों द्वारा दर्शाया गया है, हालांकि द आर्टिस्ट्स मदर और द आर्टिस्ट्स सन को भी एक-आंकड़ा ऐतिहासिक पेंटिंग माना जा सकता है। 1652 के तथाकथित "लार्ज सेल्फ-पोर्ट्रेट" में, कलाकार हमारे सामने एक भूरे रंग के ब्लाउज में दिखाई देता है, जिसमें उसके चेहरे का तीन-चौथाई मोड़ होता है। उनकी टकटकी आत्मविश्वासी है और उद्दंड भी।
वर्मीर
जैन वर्मीर की नाटकीय कला, जो पूरी तरह से चिंतन पर केंद्रित थी, को डच मध्यम वर्ग के प्रतिबिंब के रूप में देखा गया था, जो अब स्वतंत्र है और जो उनके पास है उससे संतुष्ट है। हालांकि, वर्मीर की कलात्मक अवधारणाओं की सादगी भ्रामक है। उनकी स्पष्टता और शांति सटीक विश्लेषण का परिणाम है, जिसमें नवीनतम तकनीकी आविष्कार जैसे कि कैमरा अस्पष्ट का उपयोग शामिल है। 1665-1666 के आसपास बनाई गई "पेंटिंग का रूपक", रंग के साथ काम करने के मामले में वर्मीर के शिखर काम को उनकी सबसे महत्वाकांक्षी पेंटिंग कहा जा सकता है। उत्तरी नीदरलैंड के मूल निवासी जान वैन आइक द्वारा शुरू की गई प्रक्रिया, अचल दुनिया का निष्क्रिय, अलग चिंतन, हमेशा डच पेंटिंग का मुख्य विषय रहा है और वर्मीर के कार्यों में एक रूपक और साथ ही वास्तविक एपोथोसिस तक पहुंच गया है। .
अपडेट किया गया: 16 सितंबर, 2017 द्वारा: ग्लेब
ध्यान दें। सूची में नीदरलैंड के कलाकारों के अलावा फ़्लैंडर्स के चित्रकार भी शामिल हैं।
15वीं सदी की डच कला
नीदरलैंड में पुनर्जागरण कला की पहली अभिव्यक्ति 15 वीं शताब्दी की शुरुआत में हुई। पहली पेंटिंग जिन्हें पहले से ही प्रारंभिक पुनर्जागरण स्मारकों के रूप में वर्गीकृत किया जा सकता है, भाइयों ह्यूबर्ट और जान वैन आइक द्वारा बनाई गई थीं। उन दोनों - ह्यूबर्ट (1426 में मृत्यु हो गई) और जान (लगभग 1390-1441) - ने डच पुनर्जागरण के गठन में निर्णायक भूमिका निभाई। ह्यूबर्ट के बारे में लगभग कुछ भी ज्ञात नहीं है। जान, जाहिरा तौर पर, एक बहुत ही शिक्षित व्यक्ति था, जिसने ज्यामिति, रसायन विज्ञान, कार्टोग्राफी का अध्ययन किया, ड्यूक ऑफ बरगंडी फिलिप द गुड के कुछ राजनयिक मिशनों को अंजाम दिया, जिनकी सेवा में, उन्होंने पुर्तगाल की यात्रा की। नीदरलैंड में पुनर्जागरण के पहले चरणों का अंदाजा भाइयों के चित्रात्मक कार्यों से लगाया जा सकता है, जो 15वीं शताब्दी के 20 के दशक में बनाए गए थे, और उनमें से जैसे "मिर्र-बेयरिंग वूमेन एट द टॉम्ब" (संभवतः एक पॉलीप्टिक का हिस्सा; रॉटरडैम, संग्रहालय Boijmans-van Beiningen), " चर्च में मैडोना" (बर्लिन), "सेंट जेरोम" (डेट्रायट, कला संस्थान)।
वैन आइक बंधु समकालीन कला में एक असाधारण स्थान रखते हैं। लेकिन वे अकेले नहीं थे। उसी समय, अन्य चित्रकारों ने उनके साथ शैलीगत रूप से और उनसे संबंधित समस्याग्रस्त तरीके से काम किया। उनमें से, पहला स्थान निस्संदेह तथाकथित फ्लेमल मास्टर का है। उसका असली नाम और मूल निर्धारित करने के लिए कई सरल प्रयास किए गए हैं। इनमें से सबसे ठोस संस्करण है, जिसके अनुसार इस कलाकार को रॉबर्ट कैंपिन नाम और काफी विकसित जीवनी मिलती है। पूर्व में मास्टर ऑफ द वेदी (या "घोषणा") मेरोड कहा जाता है। युवा रोजियर वैन डेर वेयडेन को उनके द्वारा किए गए कार्यों को जिम्मेदार ठहराने का एक असंबद्ध दृष्टिकोण भी है। कम्पिन के बारे में यह ज्ञात है कि उनका जन्म 1378 या 1379 में वालेंसिएनेस में हुआ था, 1406 में टूरनाई में मास्टर की उपाधि प्राप्त की, वहाँ रहते थे, चित्रों के अलावा कई सजावटी कार्य करते थे, कई चित्रकारों के शिक्षक थे (रोजियर वैन सहित) डेर वेयडेन, जिस पर नीचे चर्चा की जाएगी, 1426 से, और जैक्स डेयर 1427 से) और 1444 में मृत्यु हो गई। कम्पिन की कला ने सामान्य "पंथीवादी" योजना में रोजमर्रा की विशेषताओं को बरकरार रखा और इस तरह नीदरलैंड के चित्रकारों की अगली पीढ़ी के बहुत करीब हो गई। रोजियर वैन डेर वेयडेन और जैक्स डेयर के शुरुआती काम, एक लेखक जो कैंपिन पर बेहद निर्भर थे (उदाहरण के लिए, उनकी आराधना और मैरी और एलिजाबेथ की बैठक, 1434-1435; बर्लिन), स्पष्ट रूप से कला में रुचि प्रकट करते हैं इस गुरु की, जो निश्चित रूप से समय की प्रवृत्ति प्रकट होती है।
एक युवा महिला का पोर्ट्रेट, 1445, आर्ट गैलरी, बर्लिन
सेंट इवो, 1450, नेशनल गैलरी, लंदन
सेंट ल्यूक पेंटिंग द इमेज ऑफ़ द मैडोना, 1450, ग्रोनिंगन संग्रहालय, ब्रुग्स
रोजियर वैन डेर वेयडेन का जन्म 1399 या 1400 में हुआ था; और 1464 में उनकी मृत्यु हो गई। डच पुनर्जागरण के कुछ सबसे बड़े कलाकारों (उदाहरण के लिए, मेमलिंग) ने उनके साथ अध्ययन किया, और वह न केवल अपनी मातृभूमि में, बल्कि इटली में भी व्यापक रूप से जाने जाते थे। (कुसा के प्रसिद्ध वैज्ञानिक और दार्शनिक निकोलस ने उन्हें सबसे महान कलाकार कहा; बाद में ड्यूरर ने उनके काम को नोट किया)। रोजियर वैन डेर वेयडेन का काम अगली पीढ़ी के विभिन्न प्रकार के चित्रकारों के लिए एक पौष्टिक आधार के रूप में कार्य करता है। यह कहने के लिए पर्याप्त है कि उनकी कार्यशाला - नीदरलैंड में इस तरह की पहली व्यापक रूप से आयोजित कार्यशाला - का एक मास्टर की शैली के प्रसार पर एक मजबूत प्रभाव था, जो 15 वीं शताब्दी के लिए अभूतपूर्व था, अंततः इस शैली को स्टैंसिल तकनीकों के योग तक पहुंचा दिया और यहां तक कि सदी के अंत में पेंटिंग पर ब्रेक की भूमिका भी निभाई। और फिर भी 15वीं शताब्दी के मध्य की कला को रोजियर परंपरा तक कम नहीं किया जा सकता है, हालांकि यह इसके साथ निकटता से जुड़ा हुआ है। दूसरा तरीका मुख्य रूप से डिरिक बाउट्स और अल्बर्ट औवाटर के काम में सन्निहित है। वे, रोजियर की तरह, जीवन के लिए सर्वेश्वरवादी प्रशंसा के लिए कुछ हद तक अलग हैं, और उनके लिए एक व्यक्ति की छवि तेजी से ब्रह्मांड के सवालों के साथ संपर्क खो रही है - दार्शनिक, धार्मिक और कलात्मक प्रश्न, अधिक से अधिक संक्षिप्तता और मनोवैज्ञानिक निश्चितता प्राप्त कर रहे हैं। लेकिन रोजियर वैन डेर वेयडेन, उच्च नाटकीय ध्वनि के एक मास्टर, एक कलाकार जो व्यक्तिगत और एक ही समय में उत्कृष्ट छवियों के लिए प्रयास करते थे, मुख्य रूप से मानव आध्यात्मिक गुणों के क्षेत्र में रुचि रखते थे। बाउट्स और ओवाटर की उपलब्धियां छवि की रोजमर्रा की प्रामाणिकता को बढ़ाने के क्षेत्र में निहित हैं। औपचारिक समस्याओं के बीच, वे दृश्य समस्याओं के रूप में इतना अभिव्यंजक नहीं हल करने से संबंधित मुद्दों में अधिक रुचि रखते थे (चित्र की तीक्ष्णता और रंग की अभिव्यक्ति नहीं, बल्कि चित्र का स्थानिक संगठन और स्वाभाविकता, प्रकाश की स्वाभाविकता और वायु पर्यावरण)।
लेकिन इन दो चित्रकारों के काम पर विचार करने के लिए आगे बढ़ने से पहले, एक छोटे पैमाने की घटना पर ध्यान देना जरूरी है, जो दर्शाता है कि सदी के मध्य की कला की खोज, एक ही समय में एक ही समय की निरंतरता है। वैन आइक-काम्पेन परंपराएं और उनसे धर्मत्याग, इन दोनों गुणों में गहराई से उचित थे। अधिक रूढ़िवादी चित्रकार पेट्रस क्राइस्टस इस धर्मत्याग की ऐतिहासिक अनिवार्यता को स्पष्ट रूप से प्रदर्शित करता है, यहां तक कि उन कलाकारों के लिए भी जो कट्टरपंथी खोजों के लिए इच्छुक नहीं हैं। 1444 से, क्राइस्टस ब्रुग्स का नागरिक बन गया (1472/1473 में उसकी मृत्यु हो गई) - यानी, उसने वैन आइक के सर्वश्रेष्ठ कार्यों को देखा और उसकी परंपरा के प्रभाव में बनाया गया था। रोजियर वैन डेर वेयडेन के तीखे कामोत्तेजना का सहारा लिए बिना, क्रिस्टस ने वैन आइक की तुलना में अधिक व्यक्तिगत और विभेदित लक्षण वर्णन हासिल किया। हालाँकि, उनके चित्र (ई। ग्रिमस्टन - 1446, लंदन, नेशनल गैलरी; कार्थुसियन भिक्षु - 1446, न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट) एक ही समय में उनके काम में कल्पना में एक निश्चित कमी की गवाही देते हैं। कला में, कंक्रीट, व्यक्ति और विशेष के लिए लालसा अधिक से अधिक स्पष्ट थी। शायद ये रुझान बाउट्स के काम में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे। रोजियर वैन डेर वेयडेन (1400 और 1410 के बीच पैदा हुए) से छोटे, वह इस मास्टर की नाटकीय और विश्लेषणात्मक प्रकृति से बहुत दूर थे। और फिर भी, शुरुआती मुकाबले कई मायनों में रोजियर से आते हैं। "क्रॉस से वंश" (ग्रेनेडा, कैथेड्रल) और कई अन्य चित्रों के साथ वेदी का टुकड़ा, जैसे "द एंटोम्बमेंट" (लंदन, नेशनल गैलरी), इस कलाकार के काम के गहन अध्ययन की गवाही देता है। लेकिन यहां मौलिकता पहले से ही ध्यान देने योग्य है - बाउट्स अपने पात्रों को अधिक स्थान देते हैं, उन्हें भावनात्मक वातावरण में उतनी दिलचस्पी नहीं है जितनी कि कार्रवाई में, इसकी प्रक्रिया में, उनके पात्र अधिक सक्रिय हैं। पोर्ट्रेट के लिए भी यही सच है। एक आदमी (1462; लंदन, नेशनल गैलरी) के एक शानदार चित्र में, प्रार्थनापूर्वक उठाया गया - हालांकि बिना किसी अतिशयोक्ति के - आँखें, एक विशेष मुंह की रेखा और बड़े करीने से हाथ जोड़कर ऐसा व्यक्तिगत रंग होता है जिसे वैन आइक नहीं जानता था। विवरण में भी आप इस व्यक्तिगत स्पर्श को महसूस कर सकते हैं। कुछ हद तक नीरस, लेकिन सरलता से वास्तविक प्रतिबिंब गुरु के सभी कार्यों पर निहित है। वह अपनी बहुरूपी रचनाओं में सबसे अधिक ध्यान देने योग्य है। और विशेष रूप से उनके सबसे प्रसिद्ध काम में - सेंट पीटर के लौवेन चर्च की वेदी (1464 और 1467 के बीच)। यदि दर्शक हमेशा वैन आइक के काम को रचनात्मकता, सृजन के चमत्कार के रूप में मानता है, तो बाउट्स के कार्यों से पहले अन्य भावनाएं उत्पन्न होती हैं। बाउट्स का रचनात्मक कार्य एक निर्देशक के रूप में उनके बारे में अधिक बताता है। इस तरह की "निर्देशक की" पद्धति की सफलताओं को ध्यान में रखते हुए (अर्थात, एक ऐसी विधि जिसमें कलाकार का कार्य विशिष्ट पात्रों को व्यवस्थित करना है, जैसा कि प्रकृति से लिया गया था, दृश्य को व्यवस्थित करने के लिए) बाद की शताब्दियों में, किसी को ध्यान देना चाहिए डिर्क बाउट्स के काम में यह घटना।
नीदरलैंड की कला में अगला कदम 15वीं शताब्दी के अंतिम तीन या चार दशकों को दर्शाता है - देश के जीवन और इसकी संस्कृति के लिए एक अत्यंत कठिन समय। यह अवधि जोस वैन वासेनहोव (या जोस वैन जेंट; 1435-1440 के बीच - 1476 के बाद) के काम से खुलती है, एक कलाकार जिसने नई पेंटिंग के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, लेकिन जो 1472 में इटली के लिए रवाना हुआ, वहां अभ्यस्त हो गया और इतालवी कला में व्यवस्थित रूप से शामिल। "क्रूसीफिक्सियन" (गेंट, सेंट बावो चर्च) के साथ उनकी वेदी का टुकड़ा कथा के प्रति आकर्षण की गवाही देता है, लेकिन साथ ही साथ ठंडे वैराग्य की कहानी से वंचित करने की इच्छा के बारे में भी। उत्तरार्द्ध वह अनुग्रह और शोभा की मदद से हासिल करना चाहता है। उनकी वेदी प्रकृति में धर्मनिरपेक्ष है, जिसमें उत्कृष्ट इंद्रधनुषी स्वरों पर हल्के रंग की योजना बनाई गई है।
यह अवधि असाधारण प्रतिभा के मास्टर - ह्यूगो वैन डेर गोज़ के काम के साथ जारी है। उनका जन्म 1435 के आसपास हुआ था, 1467 में गेन्ट में मास्टर बने और 1482 में उनकी मृत्यु हो गई। हस के शुरुआती कार्यों में मैडोना और बाल की कई छवियां शामिल हैं, जो छवि के गीतात्मक पहलू (फिलाडेल्फिया, कला संग्रहालय, और ब्रुसेल्स, संग्रहालय) और पेंटिंग "सेंट अन्ना, मैरी विद चाइल्ड एंड ए डोनर" में भिन्न हैं। (ब्रसेल्स, संग्रहालय)। रोजियर वैन डेर वेयडेन के निष्कर्षों को विकसित करते हुए, हस रचना में देखते हैं कि एकाग्रता के साधन के रूप में चित्रित के हार्मोनिक संगठन का इतना अधिक तरीका नहीं है और दृश्य की भावनात्मक सामग्री को प्रकट करता है। एक व्यक्ति अपनी व्यक्तिगत भावनाओं के बल पर ही गस के लिए उल्लेखनीय है। उसी समय, गस दुखद भावनाओं से आकर्षित होता है। हालांकि, सेंट जेनेवीव (विलाप के पीछे) की छवि इस बात की गवाही देती है कि, नग्न भावनाओं की तलाश में, ह्यूगो वैन डेर गोज़ ने इसके नैतिक महत्व पर भी ध्यान देना शुरू किया। पोर्टिनारी वेदी में, हस मनुष्य की आध्यात्मिक क्षमताओं में अपना विश्वास व्यक्त करने का प्रयास करता है। लेकिन उनकी कला नर्वस और तनावपूर्ण हो जाती है। गस की कलात्मक तकनीकें विविध हैं - खासकर जब उन्हें किसी व्यक्ति की आध्यात्मिक दुनिया को फिर से बनाने की आवश्यकता होती है। कभी-कभी, जैसा कि चरवाहों की प्रतिक्रिया को व्यक्त करने में, वह एक निश्चित क्रम में करीबी भावनाओं को जोड़ता है। कभी-कभी, जैसा कि मैरी की छवि में, कलाकार अनुभव की सामान्य विशेषताओं की रूपरेखा तैयार करता है, जिसके अनुसार दर्शक समग्र रूप से भावना को पूरा करता है। कभी-कभी - एक संकीर्ण आंखों वाली परी या मार्गरीटा की छवियों में - वह छवि को रचनात्मक या लयबद्ध तकनीकों के लिए समझने का सहारा लेता है। कभी-कभी मनोवैज्ञानिक अभिव्यक्ति की बहुत मायावी उसके लिए चरित्र चित्रण के साधन में बदल जाती है - ठीक उसी तरह जैसे एक मुस्कान का प्रतिबिंब मारिया बैरोनसेली के सूखे, रंगहीन चेहरे पर खेलता है। और विराम द्वारा एक बड़ी भूमिका निभाई जाती है - स्थानिक समाधान में और कार्रवाई में। वे मानसिक रूप से विकसित करना संभव बनाते हैं, उस भावना को पूरा करने के लिए जिसे कलाकार ने छवि में रेखांकित किया है। ह्यूगो वैन डेर गोज़ की छवियों की प्रकृति हमेशा इस बात पर निर्भर करती है कि उन्हें समग्र रूप से क्या भूमिका निभानी चाहिए। तीसरा चरवाहा वास्तव में स्वाभाविक है, जोसेफ पूरी तरह से मनोवैज्ञानिक है, उसकी दाईं ओर का फरिश्ता लगभग असली है, और मार्गरेट और मैग्डलीन की छवियां जटिल, सिंथेटिक हैं और असाधारण रूप से सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक उन्नयन पर निर्मित हैं।
ह्यूगो वैन डेर गोज़ हमेशा व्यक्त करना चाहते थे, अपनी छवियों में एक व्यक्ति की आध्यात्मिक कोमलता, उसकी आंतरिक गर्मी को शामिल करते हैं। लेकिन संक्षेप में, कलाकार के अंतिम चित्र पति के काम में बढ़ते संकट की गवाही देते हैं, क्योंकि उनकी आध्यात्मिक संरचना व्यक्ति के व्यक्तिगत गुणों के बारे में जागरूकता से नहीं, बल्कि मनुष्य की एकता के दुखद नुकसान से उत्पन्न होती है और कलाकार के लिए दुनिया। आखिरी काम में - "द डेथ ऑफ मैरी" (ब्रुग्स, संग्रहालय) - इस संकट के परिणामस्वरूप कलाकार की सभी रचनात्मक आकांक्षाओं का पतन होता है। प्रेरितों की निराशा निराशाजनक है। उनके इशारे अर्थहीन हैं। क्राइस्ट की चमक में तैरते हुए, उनकी पीड़ा के साथ, यह उनके दुखों को सही ठहराने लगता है, और उनकी छेदी हुई हथेलियाँ दर्शकों के सामने आ जाती हैं, और अनिश्चित आकार की एक आकृति बड़े पैमाने की संरचना और वास्तविकता की भावना का उल्लंघन करती है। प्रेरितों के अनुभव की वास्तविकता को मापना भी असंभव है, क्योंकि उन सभी की भावना समान है। और यह उतना उनका नहीं है जितना कि कलाकार का। लेकिन इसके वाहक अभी भी शारीरिक रूप से वास्तविक और मनोवैज्ञानिक रूप से आश्वस्त हैं। इसी तरह की छवियों को बाद में पुनर्जीवित किया जाएगा, जब 15 वीं शताब्दी के अंत में डच संस्कृति में सदियों पुरानी परंपरा (बॉश के साथ) समाप्त हो जाएगी। एक अजीब ज़िगज़ैग चित्र की रचना का आधार बनाता है और इसे व्यवस्थित करता है: बैठा हुआ प्रेरित, केवल गतिहीन, दर्शक को देख रहा है, बाएं से दाएं झुका हुआ है, साष्टांग मैरी दाएं से बाएं है, क्राइस्ट, तैरता है, से है बाएं से दायां। और रंगों में वही ज़िगज़ैग: बैठे रंग की आकृति मैरी के साथ जुड़ी हुई है, जो एक नीरस नीले कपड़े पर लेटी है, एक बागे में भी नीला है, लेकिन नीला परम, चरम है, फिर मसीह का ईथर, सारहीन नीलापन है . और प्रेरितों के वस्त्रों के रंग के आसपास: पीला, हरा, नीला - असीम रूप से ठंडा, स्पष्ट, अप्राकृतिक। "धारणा" में भावना नग्न है। यह आशा या मानवता के लिए कोई जगह नहीं छोड़ता है। अपने जीवन के अंत में, ह्यूगो वैन डेर गोज़ एक मठ में गए, उनके अंतिम वर्ष मानसिक बीमारी से प्रभावित थे। जाहिरा तौर पर, इन जीवनी तथ्यों में दुखद विरोधाभासों का प्रतिबिंब देखा जा सकता है जिन्होंने गुरु की कला को निर्धारित किया। हस के काम को जाना और सराहा गया, और इसने नीदरलैंड के बाहर भी ध्यान आकर्षित किया। जीन क्लॉएट द एल्डर (मौलिन के मास्टर) उनकी कला से काफी प्रभावित थे, डोमेनिको घिरालैंडियो पोर्टिनारी वेदी के टुकड़े को जानता और उसका अध्ययन करता था। हालाँकि, उनके समकालीनों ने उन्हें नहीं समझा। नीदरलैंड की कला लगातार एक अलग रास्ते की ओर झुक रही थी, और हस के काम के प्रभाव के कुछ निशान ही इन अन्य प्रवृत्तियों की ताकत और व्यापकता को स्थापित करते हैं। उन्होंने हैंस मेमलिंग के कार्यों में सबसे बड़ी पूर्णता और निरंतरता के साथ खुद को प्रकट किया।
सांसारिक घमंड, त्रिपिटक, केंद्रीय पैनल,
नरक, त्रिपिटक "सांसारिक वैनिटी" का बायां पैनल,
1485, ललित कला संग्रहालय, स्ट्रास्टबर्ग
हंस मेमलिंग, जाहिरा तौर पर 1433 में फ्रैंकफर्ट एम मेन के पास सेलिगेंस्टेड में पैदा हुए थे (1494 में मृत्यु हो गई), कलाकार ने रोजियर से उत्कृष्ट प्रशिक्षण प्राप्त किया और ब्रुग्स में स्थानांतरित होने के बाद, वहां व्यापक लोकप्रियता हासिल की। पहले से ही अपेक्षाकृत प्रारंभिक कार्य उनकी खोज की दिशा को प्रकट करते हैं। प्रकाश और उदात्त की शुरुआत ने उनसे बहुत अधिक धर्मनिरपेक्ष और सांसारिक अर्थ प्राप्त किया, और सांसारिक सब कुछ - कुछ आदर्श उत्साह। एक उदाहरण मैडोना, संतों और दाताओं (लंदन, नेशनल गैलरी) के साथ वेदी है। मेमलिंग अपने वास्तविक नायकों की रोजमर्रा की उपस्थिति को संरक्षित करने और आदर्श नायकों को उनके करीब लाने का प्रयास करता है। श्रेष्ठ शुरुआत कुछ सर्वेश्वरवादी रूप से समझी जाने वाली सामान्य विश्व शक्तियों की अभिव्यक्ति नहीं रह जाती है और एक व्यक्ति की प्राकृतिक आध्यात्मिक संपत्ति में बदल जाती है। मेमलिंग के काम के सिद्धांत तथाकथित फ्लोरिन्स-अल्टार (1479; ब्रुग्स, मेमलिंग संग्रहालय) में अधिक स्पष्ट रूप से आते हैं, मुख्य मंच और दक्षिणपंथी, संक्षेप में, रोजियर की म्यूनिख वेदी के संबंधित भागों की मुफ्त प्रतियां हैं। . वह वेदी के आकार को काफी कम कर देता है, रोजियर की रचना के शीर्ष और किनारों को काट देता है, आंकड़ों की संख्या को कम कर देता है और, जैसा कि यह था, कार्रवाई को दर्शक के करीब लाता है। घटना अपने राजसी दायरे को खो देती है। प्रतिभागियों की छवियां प्रतिनिधित्व से वंचित हैं और निजी विशेषताओं का अधिग्रहण करती हैं, रचना नरम सद्भाव की एक छाया है, और रंग, शुद्धता और पारदर्शिता बनाए रखते हुए, रोजियर की ठंड, तेज सोनोरिटी को पूरी तरह से खो देता है। यह हल्के, स्पष्ट रंगों से कांपने लगता है। इससे भी अधिक विशेषता है घोषणा (लगभग 1482; न्यूयॉर्क, लेमन संग्रह), जहां रोजियर की योजना का उपयोग किया जाता है; मैरी की छवि को नरम आदर्शीकरण की विशेषताएं दी गई हैं, परी को महत्वपूर्ण रूप से शैलीबद्ध किया गया है, और आंतरिक वस्तुओं को वैन आइकियन प्रेम के साथ लिखा गया है। उसी समय, इतालवी पुनर्जागरण के रूपांकनों - माला, पुट्टी, आदि - मेमलिंग के काम में तेजी से प्रवेश कर रहे हैं, और संरचना संरचना अधिक से अधिक मापी और स्पष्ट होती जा रही है (मैडोना और चाइल्ड, एंजेल और डोनर, वियना के साथ ट्रिप्टिच) ) कलाकार कंक्रीट, बर्गर जैसी शुरुआत और आदर्श, सामंजस्यपूर्ण एक के बीच की रेखा को धुंधला करने की कोशिश करता है।
मेमलिंग की कला ने उत्तरी प्रांतों के उस्तादों का ध्यान आकर्षित किया। लेकिन वे अन्य विशेषताओं में भी रुचि रखते थे - वे जो हुस के प्रभाव से जुड़े थे। हॉलैंड सहित उत्तरी प्रांत, आर्थिक और आध्यात्मिक दोनों रूप से उस अवधि में दक्षिणी प्रांतों से पिछड़ गए। प्रारंभिक डच पेंटिंग आम तौर पर देर से मध्ययुगीन अभी तक प्रांतीय मोल्ड से आगे नहीं जाती थी, और इसकी शिल्प फ्लेमिश चित्रकारों की कलात्मकता के स्तर तक कभी नहीं बढ़ी। केवल 15वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही से ही हर्टजेन टोट सिंट जेन्स की कला की बदौलत स्थिति में बदलाव आया। वह हार्लेम में रहते थे, सेंट जॉन के भिक्षुओं के साथ (जिसके लिए उनका उपनाम - सिंट जान्स अनुवाद में सेंट जॉन का अर्थ है) और युवा - अट्ठाईस साल की उम्र में (लीडेन (?) में 1460/65 के आसपास पैदा हुए, 1490-1495 में हार्लेम में मृत्यु हो गई)। गर्टगेन ने उस चिंता को अस्पष्ट रूप से महसूस किया जिसने हस को चिंतित किया। लेकिन अपनी दुखद अंतर्दृष्टि के बिना, उन्होंने सरल मानवीय भावना के कोमल आकर्षण की खोज की। वह मनुष्य की आंतरिक, आध्यात्मिक दुनिया में रुचि के साथ गस के करीब है। गर्टजेन के प्रमुख कार्यों में हार्लेम जॉनाइट्स के लिए लिखी गई एक वेदी है। इससे दाहिनी ओर, अब दो तरफा देखा जाने वाला सैश संरक्षित किया गया है। इसका आंतरिक भाग एक बड़ा बहु-आकृति वाला शोक दृश्य है। गर्टजेन समय के अनुसार निर्धारित दोनों लक्ष्यों को प्राप्त करता है: गर्मजोशी, भावनाओं की मानवता और एक महत्वपूर्ण रूप से आश्वस्त कथा का निर्माण करना। उत्तरार्द्ध विशेष रूप से पत्ती के बाहरी हिस्से पर ध्यान देने योग्य है, जिसमें जूलियन द एपोस्टेट द्वारा जॉन द बैपटिस्ट के अवशेषों को जलाने को दर्शाया गया है। कार्रवाई में भाग लेने वालों को एक अतिरंजित विशेषता के साथ संपन्न किया जाता है, और कार्रवाई को कई स्वतंत्र दृश्यों में विभाजित किया जाता है, जिनमें से प्रत्येक को जीवंत अवलोकन के साथ प्रस्तुत किया जाता है। रास्ते में, मास्टर बनाता है, शायद, नए समय की यूरोपीय कला में पहले समूह के चित्रों में से एक: चित्र विशेषताओं के एक सरल संयोजन के सिद्धांत पर बनाया गया, वह 16 वीं शताब्दी के काम का अनुमान लगाता है। गर्टजेन के काम को समझने के लिए, उनका "फैमिली ऑफ क्राइस्ट" (एम्स्टर्डम, रिज्क्सम्यूजियम), एक चर्च इंटीरियर में प्रस्तुत किया गया है, जिसे वास्तविक स्थानिक वातावरण के रूप में व्याख्या किया गया है, बहुत कुछ देता है। अग्रभूमि के आंकड़े महत्वपूर्ण रहते हैं, बिना किसी भावना को दिखाए, शांत गरिमा के साथ अपनी रोजमर्रा की उपस्थिति को बनाए रखते हैं। कलाकार छवियां बनाता है, शायद नीदरलैंड की कला में चरित्र में सबसे अधिक बर्गर। साथ ही, यह महत्वपूर्ण है कि हर्टजेन कोमलता, अच्छे दिखने और एक निश्चित भोलेपन को बाहरी रूप से विशिष्ट संकेतों के रूप में नहीं, बल्कि मानव आध्यात्मिक दुनिया के कुछ गुणों के रूप में समझता है। और गहरी भावनात्मकता के साथ जीवन की बर्गर भावना का यह संलयन हर्टजेन के काम की एक महत्वपूर्ण विशेषता है। यह कोई संयोग नहीं है कि उन्होंने अपने नायकों के आध्यात्मिक आंदोलनों को एक उत्कृष्ट सार्वभौमिक चरित्र नहीं दिया। वह जानबूझकर अपने पात्रों को असाधारण बनने से रोकता है। इस वजह से, वे व्यक्तिगत नहीं लगते हैं। उनमें कोमलता है और कोई अन्य भावना या बाहरी विचार नहीं हैं, उनके अनुभवों की बहुत ही स्पष्टता और पवित्रता उन्हें रोजमर्रा की दिनचर्या से दूर कर देती है। हालाँकि, इससे उत्पन्न छवि की आदर्शता कभी भी अमूर्त या कृत्रिम नहीं लगती है। ये विशेषताएं कलाकार के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में से एक, "नेटिविटी" (लंदन, नेशनल गैलरी) को भी अलग करती हैं, एक छोटी सी तस्वीर, जो उत्साह और आश्चर्य की भावनाओं से भरी होती है।
गर्टजेन की मृत्यु जल्दी हो गई, लेकिन उनकी कला के सिद्धांत अस्पष्ट नहीं रहे। हालांकि, उनके करीब खड़े ब्रौनश्वेग डिप्टीच के मास्टर ("सेंट बावो", ब्राउनश्वेग, संग्रहालय; "क्रिसमस", एम्स्टर्डम, रिज्क्सम्यूजियम) और कुछ अन्य अज्ञात स्वामी ने हर्टजेन के सिद्धांतों को इतना विकसित नहीं किया क्योंकि उन्होंने उन्हें चरित्र दिया एक सामान्य मानक। शायद उनमें से सबसे महत्वपूर्ण है मास्टर कन्या अंतर कुंवारी (एम्स्टर्डम रिजक्सम्यूजियम की पेंटिंग के नाम पर, पवित्र कुंवारी के बीच मैरी का चित्रण), जिन्होंने भावनाओं के मनोवैज्ञानिक औचित्य के लिए इतना अधिक गुरुत्वाकर्षण नहीं किया जितना कि इसकी अभिव्यक्ति की तीक्ष्णता के लिए छोटे में , बल्कि हर रोज और कभी-कभी लगभग जानबूझकर बदसूरत आंकड़े (एंटॉम्बमेंट, सेंट लुइस, संग्रहालय; विलाप, लिवरपूल; घोषणा, रॉटरडैम)। लेकिन। उनका काम इसके विकास की अभिव्यक्ति के बजाय एक सदियों पुरानी परंपरा के समाप्त होने का प्रमाण है।
कलात्मक स्तर में तेज गिरावट दक्षिणी प्रांतों की कला में भी ध्यान देने योग्य है, जिनके स्वामी छोटे-छोटे रोजमर्रा के विवरणों से दूर होने के लिए अधिक से अधिक इच्छुक थे। दूसरों की तुलना में अधिक दिलचस्प सेंट उर्सुला की कथा के बहुत ही कथात्मक मास्टर हैं, जिन्होंने 15 वीं शताब्दी के 80-90 के दशक में ब्रुग्स में काम किया ("द लीजेंड ऑफ सेंट उर्सुला"; ब्रुग्स, द मोनेस्ट्री ऑफ द ब्लैक सिस्टर्स), बैरोनसेली जीवनसाथी (फ्लोरेंस, उफीज़ी) के चित्रों के एक अज्ञात लेखक, जो कौशल से रहित नहीं थे, बल्कि सेंट लूसिया ("सेंट लूसिया की वेदी", 1480, ब्रुग्स, सेंट) की किंवदंती के बहुत पारंपरिक ब्रुग्स मास्टर भी थे। जेम्स चर्च, और एक पॉलीप्टीक, तेलिन, संग्रहालय)। 15वीं शताब्दी के अंत में खाली, क्षुद्र कला का निर्माण हस और हर्टजेन की खोजों का अपरिहार्य विरोध है। मनुष्य ने अपने विश्वदृष्टि के मुख्य स्तंभ को खो दिया है - ब्रह्मांड की सामंजस्यपूर्ण और अनुकूल संरचना में विश्वास। लेकिन अगर इसका व्यापक परिणाम केवल पूर्व अवधारणा की दरिद्रता थी, तो एक करीब से देखने पर दुनिया में खतरनाक और रहस्यमयी विशेषताएं सामने आईं। उस समय के अघुलनशील सवालों के जवाब देने के लिए, देर से मध्ययुगीन रूपक, दानव विज्ञान, और पवित्र शास्त्र की उदास भविष्यवाणियां शामिल थीं। बढ़ते तीव्र सामाजिक अंतर्विरोधों और गंभीर संघर्षों के संदर्भ में बॉश की कला का उदय हुआ।
Hieronymus van Aken, उपनाम बॉश, का जन्म हर्टोजेनबोश में हुआ था (उनकी मृत्यु 1516 में हुई थी), यानी नीदरलैंड के मुख्य कला केंद्रों से दूर। उनकी प्रारंभिक रचनाएँ कुछ प्रधानता के स्पर्श से रहित नहीं हैं। लेकिन पहले से ही वे अजीब तरह से लोगों के चित्रण में प्रकृति के जीवन की एक तीखी और परेशान करने वाली भावना को ठंडे कर्कशता के साथ जोड़ते हैं। बॉश आधुनिक कला की प्रवृत्ति का जवाब देता है - वास्तविक के लिए अपनी लालसा के साथ, किसी व्यक्ति की छवि के अपने ठोसकरण के साथ, और फिर - इसकी भूमिका और महत्व में कमी। वह इस प्रवृत्ति को एक निश्चित सीमा तक ले जाता है। बॉश की कला में, मानव जाति की व्यंग्यपूर्ण या बेहतर, व्यंग्यात्मक छवियां दिखाई देती हैं। यह उनका "मूर्खता के पत्थरों को निकालने का ऑपरेशन" (मैड्रिड, प्राडो) है। ऑपरेशन एक भिक्षु द्वारा किया जाता है - और यहां पादरी पर एक बुरी मुस्कराहट दिखाई देती है। लेकिन जिसके लिए इसे बनाया गया है, वह देखने वाले को गौर से देखता है, यह नज़र हमें कार्रवाई में शामिल कर लेती है। बॉश के काम में व्यंग्य बढ़ता है, वह लोगों को मूर्खों के जहाज पर यात्रियों के रूप में प्रस्तुत करता है (लौवर में इसके लिए एक पेंटिंग और एक चित्र)। वह लोक हास्य की ओर मुड़ता है - और यह उसके हाथ के नीचे एक उदास और कड़वी छाया लेता है।
बॉश जीवन की उदास, तर्कहीन और आधार प्रकृति की पुष्टि के लिए आता है। वह न केवल अपने विश्वदृष्टि, अपने जीवन की भावना को व्यक्त करता है, बल्कि इसे एक नैतिक और नैतिक मूल्यांकन भी देता है। हेस्टैक बॉश के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक है। इस वेदी में, वास्तविकता की एक नग्न भावना रूपक के साथ जुड़ी हुई है। घास का ढेर पुरानी फ्लेमिश कहावत की ओर इशारा करता है: "दुनिया एक घास का ढेर है: और हर कोई इससे वह लेता है जिसे वह पकड़ सकता है"; एक परी और कुछ शैतानी प्राणी के बीच सादे दृष्टि में लोग चुंबन और संगीत बजाते हैं; शानदार जीव वैगन खींचते हैं, और पोप, सम्राट, सामान्य लोग खुशी और आज्ञाकारी रूप से इसका पालन करते हैं: कुछ आगे दौड़ते हैं, पहियों के बीच दौड़ते हैं और मर जाते हैं, कुचल जाते हैं। दूरी में परिदृश्य न तो शानदार है और न ही शानदार। और सब से ऊपर - एक बादल पर - उठे हुए हाथों वाला एक छोटा सा मसीह। हालाँकि, यह सोचना गलत होगा कि बॉश अलंकारिक उपमाओं की पद्धति की ओर अग्रसर है। इसके विपरीत, वह यह सुनिश्चित करने का प्रयास करता है कि उसका विचार कलात्मक निर्णयों के सार में सन्निहित हो, ताकि यह दर्शकों के सामने एक एन्क्रिप्टेड कहावत या दृष्टांत के रूप में न हो, बल्कि जीवन के एक सामान्यीकरण के बिना शर्त के रूप में प्रकट हो। मध्य युग से अपरिचित फंतासी के परिष्कार के साथ, बॉश अपने चित्रों को ऐसे जीवों से भर देता है जो अलग-अलग जानवरों के रूपों, या जानवरों के रूपों को निर्जीव दुनिया की वस्तुओं के साथ जोड़ते हैं, उन्हें स्पष्ट रूप से असंभव संबंधों में डालते हैं। आकाश लाल हो जाता है, पाल वाले पक्षी हवा में उड़ते हैं, राक्षसी जीव पृथ्वी के चेहरे पर रेंगते हैं। घोड़े की टांगों वाली मछलियाँ अपना मुँह खोलती हैं, और चूहे उनके बगल में होते हैं, अपनी पीठ पर लकड़ी के घोंघे को ले जाते हैं जिनसे लोग निकलते हैं। घोड़े का समूह एक विशाल जग में बदल जाता है, और एक पूंछ वाला सिर पतले नंगे पैरों पर कहीं छिप जाता है। सब कुछ रेंगता है और सब कुछ तेज, खरोंच रूपों से संपन्न होता है। और सब कुछ ऊर्जा से संक्रमित है: प्रत्येक प्राणी - छोटा, धोखेबाज, दृढ़ - एक बुराई और जल्दबाजी के साथ जब्त किया जाता है। बॉश इन काल्पनिक दृश्यों को सबसे अधिक प्रेरकता प्रदान करता है। वह अग्रभूमि में प्रकट होने वाली क्रिया की छवि को त्याग देता है और उसे पूरी दुनिया में फैला देता है। वह अपने बहुरूपी नाटकीय नाटकों को इसकी व्यापकता में एक भयानक रंग प्रदान करता है। कभी-कभी वह चित्र में एक कहावत का नाटकीयकरण प्रस्तुत करता है - लेकिन उसमें कोई हास्य नहीं बचा है। और केंद्र में वह सेंट एंथोनी की एक छोटी रक्षाहीन आकृति रखता है। उदाहरण के लिए, लिस्बन संग्रहालय से केंद्रीय सैश पर "सेंट एंथनी के प्रलोभन" के साथ वेदी है। लेकिन यहां बॉश वास्तविकता का एक अभूतपूर्व तेज, नग्न भाव दिखाता है (विशेषकर उल्लिखित वेदी के बाहरी दरवाजों के दृश्यों में)। बॉश के परिपक्व कार्यों में, दुनिया असीम है, लेकिन इसकी स्थानिकता अलग है - कम तेज। हवा साफ और नम लगती है। इस प्रकार "जॉन ऑन पेटमोस" लिखा गया है। इस चित्र के पीछे, जहाँ मसीह की शहादत के दृश्यों को एक चक्र में चित्रित किया गया है, अद्भुत परिदृश्य प्रस्तुत किए गए हैं: पारदर्शी, स्वच्छ, नदी के विस्तृत खुले स्थानों के साथ, एक ऊँचा आकाश, और अन्य - दुखद और तीव्र (" क्रूसीफिकेशन")। लेकिन बॉश जितना जोर से लोगों के बारे में सोचते हैं। वह उनके जीवन की पर्याप्त अभिव्यक्ति खोजने की कोशिश करता है। वह एक बड़ी वेदी के रूप का सहारा लेता है और लोगों के पापी जीवन का एक अजीब, प्रेत-भव्य भव्य तमाशा बनाता है - "गार्डन ऑफ डिलाइट्स"।
कलाकार की नवीनतम रचनाएँ उसके पिछले कार्यों की कल्पना और वास्तविकता को अजीब तरह से जोड़ती हैं, लेकिन साथ ही उनमें दुखद सामंजस्य की भावना होती है। दुष्ट प्राणियों के समूह बिखरे हुए हैं, जो पहले विजयी रूप से चित्र के पूरे क्षेत्र में फैल रहे थे। अलग, छोटे, वे अभी भी एक पेड़ के नीचे छिपते हैं, शांत नदी जेट से दिखाई देते हैं या घास के साथ उगने वाली सुनसान पहाड़ियों से गुजरते हैं। लेकिन वे आकार में कम हो गए, गतिविधि खो दी। वे अब मनुष्यों पर हमला नहीं करते हैं। और वह (अभी भी यह सेंट एंथोनी है) उनके बीच बैठता है - पढ़ता है, सोचता है ("सेंट एंथोनी", प्राडो)। बॉश को दुनिया में एक व्यक्ति की स्थिति में कोई दिलचस्पी नहीं थी। संत एंथोनी अपने पिछले कार्यों में रक्षाहीन, दयनीय हैं, लेकिन अकेले नहीं - वास्तव में, वह स्वतंत्रता के उस हिस्से से वंचित हैं जो उन्हें अकेलापन महसूस करने की अनुमति देगा। अब परिदृश्य सिर्फ एक व्यक्ति के साथ जुड़ा हुआ है, और दुनिया में मानव अकेलेपन का विषय बॉश के काम में आता है। बॉश के साथ 15वीं सदी की कला समाप्त हो जाती है। बॉश का काम शुद्ध अंतर्दृष्टि के इस चरण को पूरा करता है, फिर गहन खोजों और दुखद निराशाओं को पूरा करता है।
लेकिन उनकी कला द्वारा व्यक्त की गई प्रवृत्ति केवल एक ही नहीं थी। कोई कम रोगसूचक एक और प्रवृत्ति नहीं है जो एक छोटे पैमाने के मास्टर के काम से जुड़ी है - जेरार्ड डेविड। उनकी मृत्यु देर से हुई - 1523 में (1460 के आसपास पैदा हुए)। लेकिन, बॉश की तरह, उन्होंने 15वीं सदी को बंद कर दिया। पहले से ही उनके शुरुआती काम (द एनाउंसमेंट; डेट्रॉइट) एक पेशेवर-वास्तविक गोदाम के हैं; 1480 के दशक के अंत के काम (कैम्बिस के कोर्ट की साजिश पर दो पेंटिंग; ब्रुग्स, संग्रहालय) बाउट्स के साथ घनिष्ठ संबंध प्रकट करते हैं; एक विकसित, सक्रिय परिदृश्य वातावरण ("मिस्र में उड़ान पर आराम"; वाशिंगटन, नेशनल गैलरी) के साथ एक गीतात्मक प्रकृति की अन्य रचनाओं से बेहतर। लेकिन सबसे प्रमुख रूप से, गुरु के लिए सदी से आगे जाने की असंभवता उनके ट्रिप्टिच में क्राइस्ट के बपतिस्मा (16 वीं शताब्दी की शुरुआत; ब्रुग्स, संग्रहालय) के साथ दिखाई देती है। पेंटिंग की निकटता, लघुकरण चित्र के बड़े पैमाने के साथ सीधे संघर्ष में प्रतीत होता है। उनकी दृष्टि में वास्तविकता जीवन से रहित है, क्षीण है। रंग की तीव्रता के पीछे न तो आध्यात्मिक तनाव है और न ही ब्रह्मांड की अनमोलता का आभास। पेंटिंग शैली का इनेमल ठंडा, आत्म-निहित और भावनात्मक ध्यान से रहित है।
नीदरलैंड में 15वीं शताब्दी महान कला का समय था। सदी के अंत तक, यह अपने आप समाप्त हो गया था। नई ऐतिहासिक परिस्थितियों, समाज के विकास के दूसरे चरण में संक्रमण ने कला के विकास में एक नया चरण पैदा किया। इसकी उत्पत्ति 16वीं शताब्दी की शुरुआत में हुई थी। लेकिन नीदरलैंड में, धर्मनिरपेक्ष सिद्धांत के मौलिक संयोजन के साथ, जो अभी भी वैन आइक्स से है, उनकी कला की विशेषता, जीवन की घटनाओं का आकलन करने में धार्मिक मानदंडों के साथ, किसी व्यक्ति को उसकी आत्मनिर्भर महानता में देखने में असमर्थता के साथ, बाहर दुनिया के साथ या भगवान के साथ आध्यात्मिक संवाद के सवाल, नीदरलैंड में एक नया युग अनिवार्य रूप से पूरे पिछले विश्वदृष्टि के सबसे मजबूत और सबसे गंभीर संकट के बाद ही आना था। यदि इटली में उच्च पुनर्जागरण क्वाट्रोसेंटो कला का तार्किक परिणाम था, तो नीदरलैंड में ऐसा कोई संबंध नहीं था। एक नए युग में संक्रमण विशेष रूप से दर्दनाक निकला, क्योंकि कई मायनों में यह पिछली कला से वंचित था। इटली में, मध्ययुगीन परंपराओं के साथ एक विराम 14 वीं शताब्दी की शुरुआत में हुआ, और इतालवी पुनर्जागरण की कला ने पूरे पुनर्जागरण के दौरान इसके विकास की अखंडता को बरकरार रखा। नीदरलैंड में, स्थिति अलग है। 15वीं शताब्दी में मध्ययुगीन विरासत के उपयोग ने 16वीं शताब्दी में स्थापित परंपराओं को लागू करना मुश्किल बना दिया। डच चित्रकारों के लिए, 15वीं और 16वीं शताब्दी के बीच की रेखा विश्वदृष्टि में आमूल-चूल परिवर्तन से जुड़ी थी।
16वीं शताब्दी में नीदरलैंड की कला
हमारे लेख में हम दो कलाकारों के बारे में बात करेंगे: जान वैन गोयेनतथा जैकब वैन रुइसडेल.
वे दोनों एक विदेशी जुए से हॉलैंड की मुक्ति के युग में रहते थे, और यह डच चित्रकला का स्वर्ण युग था। यह हॉलैंड की कला में था कि निम्नलिखित शैलियों का विकास शुरू हुआ: चित्र, परिदृश्य, रोजमर्रा की शैली, स्थिर जीवन। यह तब नहीं देखा गया था, यहां तक कि कला के उत्कृष्ट केंद्रों में - इटली या फ्रांस में। 17 वीं शताब्दी में हॉलैंड की कला। 17वीं शताब्दी में यूरोप की कलात्मक दुनिया में एक अजीबोगरीब घटना बन गई। डच मास्टर्स ने अन्य राष्ट्रीय यूरोपीय कला स्कूलों के कलाकारों के लिए मार्ग प्रशस्त किया।
जान वैन गोयन (1596-1656)
टेरबोर्च "पोर्ट्रेट ऑफ़ वैन गोयन" (सी. 1560)
जान वैन गोयन उन पहले कलाकारों में से एक हैं जिन्होंने बिना अलंकरण के प्राकृतिक रूप से प्रकृति का चित्रण किया है। वह राष्ट्रीय डच परिदृश्य के निर्माता हैं। उनके देश की प्रकृति ने उन्हें जीवन भर पर्याप्त प्रजा दी।
जान वैन गोयन का जन्म 1596 में लीडेन में एक थानेदार के परिवार में हुआ था।
हालाँकि जान वैन गोयन ने अपनी युवावस्था में कुछ समय पेरिस में बिताया, लेकिन फ्रांस में एक साधारण परिदृश्य के लिए प्यार अज्ञात था, इसलिए उनके काम पर फ्रांसीसी चित्रकला के प्रतिनिधियों के किसी भी प्रभाव के बारे में बात करने लायक नहीं है।
अपने ही देश में, उनके पास कई पेंटिंग शिक्षक थे, लेकिन केवल यशायाह वैन डे वेल्डे के स्टूडियो में ही उन्होंने एक साल बिताया, और उन्होंने बाकी आकाओं के साथ भी कम संवाद किया।
जान वैन गोयन "लैंडस्केप विद ड्यून्स" (1630-1635)। Kunsthistorisches संग्रहालय (वियना)
सृष्टि
सबसे पहले, गोयन ने डच गांवों या परिवेश को अपनी वनस्पतियों से चित्रित किया, फिर उनके चित्रों में तटीय दृश्य प्रमुखता से दिखाई देने लगे, जहाँ अधिकांश चित्रों पर आकाश और पानी का कब्जा था।
जान वैन गोयन "नदी का दृश्य" (1655)। मॉरीशस (द हेग)
पेड़, झोपड़ी या शहर की इमारतें उनके चित्रों में एक माध्यमिक भूमिका निभाती हैं, लेकिन एक बहुत ही सुरम्य रूप है, साथ ही साथ मछुआरों, पतवारों और यात्रियों के आंकड़ों के साथ छोटे नौकायन और रोइंग जहाज भी हैं।
गोयन की पेंटिंग मुख्य रूप से नीरस हैं। कलाकार को रंग की सादगी पसंद थी, लेकिन साथ ही उसके रंग सामंजस्यपूर्ण भी थे। उन्होंने हल्की परत के साथ पेंट लगाया।
डॉर्ड्रेक्ट के पास मेरवेडे का जन वैन गोयन व्यू (सी। 1645)। रिज्क्सम्यूजियम (एम्स्टर्डम)
कलाकार के देर से काम लगभग मोनोक्रोम पैलेट द्वारा प्रतिष्ठित होते हैं, और पारभासी जमीन उन्हें एक विशेष गहराई और अद्वितीय आकर्षण देती है।
दो ओक्स के साथ जन वैन गोयन लैंडस्केप (1641)। रिज्क्सम्यूजियम (एम्स्टर्डम)
उनकी पेंटिंग उनकी सादगी और यथार्थवाद के लिए सुखद हैं। कलाकार ने बहुत सारे कला कैनवस बनाए, लेकिन उनके काम को हमेशा एक योग्य तरीके से पुरस्कृत नहीं किया गया। इसलिए, गोयन को अन्य तरीकों से अतिरिक्त पैसा कमाना पड़ा: उन्होंने ट्यूलिप का कारोबार किया, कला, अचल संपत्ति और भूमि के कार्यों के मूल्यांकन और बिक्री में लगे हुए थे। लेकिन उद्यमिता के प्रयासों से आमतौर पर सफलता नहीं मिली।
जान वैन गोयन "बर्फ पर शीतकालीन दृश्य"
अब उनके काम की सराहना की जाती है, और कोई भी संग्रहालय उनके चित्रों को मूल्यवान प्रदर्शन मानता है।
जन वैन गोयन की कई पेंटिंग भी हर्मिटेज में हैं: “नदी का दृश्य। मेयूज, डॉर्ट्रेक्ट के पास", "शेवेनिंगेन तट, हेग के पास", "शीतकालीन परिदृश्य", "नदी का दृश्य। मीयूज", "ग्रामीण दृश्य", "लैंडस्केप विद ओक", आदि।
जान वैन गोयन "ओक के साथ लैंडस्केप"
पेंटिंग के अलावा, गोयन नक़्क़ाशी (धातु पर उत्कीर्णन का एक प्रकार) और ड्राइंग में लगे हुए थे।
1632 में, गोयन अपने परिवार के साथ हेग चले गए, जहां वे अपने जीवन के अंत तक - 1656 तक रहे।
जैकब वैन रुइसडेल (1628/1629-1682)
जैकब इसहाक वैन रुइसडेल का जन्म और मृत्यु हार्लेम (नीदरलैंड) में हुई थी। उसके कोई सटीक चित्र नहीं हैं। यह चित्र केवल सट्टा है।
वर्तमान में, Ruisdael को सबसे महत्वपूर्ण डच परिदृश्य चित्रकार माना जाता है, लेकिन उनके जीवनकाल के दौरान उनकी प्रतिभा की उचित मात्रा में सराहना नहीं की गई थी। उनके शिक्षक उनके अपने चाचा हो सकते हैं - कलाकार सोलोमन वैन रुइसडेल।
Ruisdael एम्स्टर्डम में स्थित एक अभ्यास करने वाला सर्जन भी था।
सृष्टि
कलाकार ने परिदृश्य के माध्यम से मानवीय भावनाओं को कुशलता से व्यक्त किया। और उसके लिए, परिदृश्य का कोई भी घटक महत्वपूर्ण था: हवा के झोंके से झुकी हुई एक पेड़ की शाखा, घास का एक कुचल ब्लेड, एक गड़गड़ाहट, एक रौंदा पथ ... और इन सभी घटकों को उनके चित्रों में एक ही में सामंजस्यपूर्ण रूप से जोड़ा गया था प्रकृति।
उन्होंने छोटे स्ट्रोक में लिखा। उन्हें जंगल के घने इलाकों, दलदलों, झरनों, छोटे डच शहरों या गांवों को चित्रित करना पसंद था, और इन सबसे ऊपर - एक विजयी आकाश। Ruisdael के परिदृश्य किसी भी राष्ट्रीयता के किसी भी व्यक्ति के लिए समझ में आते हैं, क्योंकि वे सभी लोगों के लिए प्रकृति के साथ एक सामान्य एकता व्यक्त करते हैं।
रुइसडेल ने लगभग 450 पेंटिंग बनाईं। अन्य स्रोत संख्या को 600 के रूप में देते हैं। उनके अधिकांश परिदृश्य उनके मूल नीदरलैंड की प्रकृति को समर्पित हैं, लेकिन उन्होंने जर्मनी के ओक के जंगलों और नॉर्वे के झरनों को भी चित्रित किया है।
17वीं शताब्दी के पहले वर्षों को डच स्कूल के जन्म का समय माना जाता है। यह विद्यालय चित्रकला के महान विद्यालयों से संबंधित है और अद्वितीय और अद्वितीय विशेषताओं और पहचान के साथ एक स्वतंत्र और स्वतंत्र विद्यालय है।
इसकी काफी हद तक ऐतिहासिक व्याख्या है - कला में एक नई प्रवृत्ति और यूरोप के नक्शे पर एक नया राज्य एक साथ उत्पन्न हुआ।
17 वीं शताब्दी तक हॉलैंड राष्ट्रीय कलाकारों की एक बहुतायत से प्रतिष्ठित नहीं था। शायद इसीलिए भविष्य में इस देश में आप इतनी बड़ी संख्या में कलाकारों की गिनती कर सकते हैं, और यह ठीक डच कलाकार हैं। जबकि यह देश फ़्लैंडर्स वाला एक राज्य था, मूल सचित्र धाराओं को मुख्य रूप से फ़्लैंडर्स में बनाया और विकसित किया गया था। उत्कृष्ट चित्रकार वैन आइक, मेमलिंग, रोजियर वैन डेर वेयडेन ने फ़्लैंडर्स में काम किया, जिनमें से पसंद हॉलैंड में नहीं थे। पेंटिंग में प्रतिभा के केवल व्यक्तिगत विस्फोटों को 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में नोट किया जा सकता है, यह लीडेन के कलाकार और उत्कीर्णक ल्यूक हैं, जो ब्रुग्स स्कूल के अनुयायी हैं। लेकिन लीडेन के ल्यूक ने कोई स्कूल नहीं बनाया। हार्लेम के चित्रकार डिर्क बाउट्स के बारे में भी यही कहा जा सकता है, जिनकी रचनाएँ फ्लेमिश स्कूल की उत्पत्ति की शैली और तरीके की पृष्ठभूमि के खिलाफ लगभग खड़ी नहीं होती हैं, कलाकारों मोस्टर्ट, स्कोरल और हेमस्कर्क के बारे में, जो अपने सभी के बावजूद महत्व, व्यक्तिगत प्रतिभा नहीं हैं जो उनकी मौलिकता देश की विशेषता है।
फिर एंटवर्प से हार्लेम तक - ब्रश के साथ बनाने वाले सभी लोगों के लिए इतालवी प्रभाव फैल गया। यह एक कारण था कि सीमाएँ धुंधली थीं, स्कूल मिश्रित थे, कलाकार अपनी राष्ट्रीय पहचान खो रहे थे। जन स्कोरल का एक भी छात्र नहीं बचा। अंतिम, सबसे प्रसिद्ध, महानतम चित्रकार, जो रेम्ब्रांट के साथ, हॉलैंड का गौरव है, एक कलाकार शक्तिशाली प्रतिभा के साथ संपन्न, अच्छी तरह से शिक्षित, शैली में विविध, साहसी और स्वभाव से लचीला, एक महानगरीय जिसने अपने सभी निशान खो दिए हैं मूल और यहां तक कि उसका नाम - एंटोनिस मोरो, (वह स्पेनिश राजा का आधिकारिक चित्रकार था) की मृत्यु 1588 के बाद हुई।
बचे हुए चित्रकारों ने अपने काम की भावना से लगभग डच बनना बंद कर दिया, उनके पास संगठन और राष्ट्रीय स्कूल को नवीनीकृत करने की क्षमता की कमी थी। ये डच तरीके के प्रतिनिधि थे: उत्कीर्णक हेंड्रिक गोल्ट्ज़ियस, हार्लेम के कॉर्नेलिस, जिन्होंने माइकल एंजेलो की नकल की, अब्राहम ब्लूमार्ट, कोर्रेगियो के अनुयायी, मिचेल मिरेवेल्ट, एक अच्छे चित्रकार, कुशल, सटीक, संक्षिप्त, थोड़ा ठंडा, अपने समय के लिए आधुनिक , लेकिन राष्ट्रीय नहीं। यह दिलचस्प है कि केवल वह इतालवी प्रभाव के आगे नहीं झुके, जिसने उस समय के हॉलैंड की पेंटिंग में अधिकांश अभिव्यक्तियों को अपने अधीन कर लिया।
16वीं शताब्दी के अंत तक, जब चित्रकारों ने पहले ही एक स्कूल बना लिया था, अन्य कलाकार प्रकट होने और बनने लगे। 16वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, बड़ी संख्या में चित्रकारों का जन्म हुआ जो चित्रकला में एक घटना बन गए, यह लगभग डच राष्ट्रीय विद्यालय का जागरण है। विभिन्न प्रकार की प्रतिभाएँ चित्रकला के विकास के लिए कई अलग-अलग दिशाओं और रास्तों की ओर ले जाती हैं। कलाकार सभी शैलियों में, अलग-अलग रंग योजनाओं में खुद का परीक्षण करते हैं: कुछ हल्के तरीके से काम करते हैं, अन्य अंधेरे में (इतालवी कलाकार कारवागियो का प्रभाव यहां प्रभावित होता है)। प्रकाश - ड्राफ्ट्समैन के अनुयायी, अंधेरे - रंगकर्मी। सुरम्य तरीके की खोज शुरू होती है, चिरोस्कोरो को चित्रित करने के नियम विकसित किए जा रहे हैं। पैलेट अधिक आराम और मुक्त हो जाता है, चित्रित की रेखाएं और प्लास्टिसिटी - भी। रेम्ब्रांट के प्रत्यक्ष पूर्ववर्ती दिखाई देते हैं - उनके शिक्षक जान पीस और पीटर लास्टमैन। शैली के तरीके भी अधिक मुक्त होते जा रहे हैं - ऐतिहासिकता पहले की तरह अनिवार्य नहीं है। एक विशेष, गहरी राष्ट्रीय और लगभग ऐतिहासिक शैली बनाई जा रही है - सार्वजनिक स्थानों के लिए समूह चित्र - सिटी हॉल, निगम, कार्यशालाएं और समुदाय। इस घटना पर, रूप में सबसे उत्तम, 16वीं शताब्दी समाप्त होती है और 17वीं शताब्दी शुरू होती है।
यह तो केवल शुरुआत है, स्कूल का भ्रूण, स्कूल ही अभी तक अस्तित्व में नहीं है। कई प्रतिभाशाली कलाकार हैं। इनमें कुशल कारीगर, कई महान चित्रकार हैं। मोरेलसे, जान रेवेस्टीन, लास्टमैन, फ्रैंस हल्स, पोलेनबर्ग, वैन शोटेन, वैन डे वेने, थॉमस डी कीसर, होन्थोर्स्ट, केप द एल्डर, और अंत में एसैस वैन डे वेल्डे और वैन गोयन - वे सभी 16 वीं शताब्दी के अंत में पैदा हुए थे। . इस सूची में ऐसे कलाकार भी शामिल हैं जिनके नाम इतिहास द्वारा संरक्षित किए गए हैं, जो केवल महारत हासिल करने के व्यक्तिगत प्रयासों का प्रतिनिधित्व करते हैं, और जो भविष्य के स्वामी के शिक्षक और पूर्ववर्ती बन गए हैं।
डच चित्रकला के विकास में यह एक महत्वपूर्ण क्षण था। एक अस्थिर राजनीतिक संतुलन के साथ, सब कुछ केवल संयोग पर निर्भर था। फ़्लैंडर्स में, जहां एक समान जागृति थी, इसके विपरीत, पहले से ही आत्मविश्वास और स्थिरता की भावना थी, जो अभी तक हॉलैंड में नहीं मिली थी। फ़्लैंडर्स में पहले से ही ऐसे कलाकार थे जो परिपक्व हो चुके थे या उसके करीब थे। इस देश में राजनीतिक और सामाजिक-ऐतिहासिक परिस्थितियाँ अधिक अनुकूल थीं। अधिक लचीली और सहिष्णु सरकार, परंपराएं और समाज था। विलासिता की आवश्यकता ने कला की निरंतर आवश्यकता को जन्म दिया। सामान्य तौर पर, फ़्लैंडर्स के दूसरी बार कला का एक महान केंद्र बनने के अच्छे कारण थे। इसके लिए केवल दो चीजें गायब थीं: कुछ वर्षों की शांति और एक गुरु जो स्कूल का निर्माता होगा।
1609 में, जब हॉलैंड के भाग्य का फैसला किया जा रहा था - फिलिप III स्पेन और नीदरलैंड के बीच एक संघर्ष विराम पर सहमत हुआ - बस रूबेन्स प्रकट होता है।
सब कुछ राजनीतिक या सैन्य मौके पर निर्भर था। पराजित और वशीभूत, हॉलैंड को अपनी स्वतंत्रता पूरी तरह से खो देनी चाहिए थी। तब, ज़ाहिर है, दो स्वतंत्र स्कूल नहीं हो सकते थे - हॉलैंड में और फ़्लैंडर्स में। इटालियन-फ्लेमिश प्रभाव पर निर्भर देश में, ऐसा स्कूल और प्रतिभाशाली मूल कलाकार विकसित नहीं हो सके।
डच लोगों के जन्म के लिए, और डच कला को उनके साथ प्रकाश देखने के लिए, एक क्रांति की आवश्यकता थी, गहरी और विजयी। यह विशेष रूप से महत्वपूर्ण था कि क्रांति न्याय, कारण, आवश्यकता पर आधारित हो, कि लोग जो हासिल करना चाहते थे उसके लायक हों, कि वे दृढ़ हों, अपने अधिकार के प्रति आश्वस्त हों, मेहनती, धैर्यवान, संयमित, वीर, बुद्धिमान। इन सभी ऐतिहासिक विशेषताओं को बाद में पेंटिंग के डच स्कूल के गठन में परिलक्षित किया गया था।
स्थिति इस तरह विकसित हुई कि युद्ध ने डचों को बर्बाद नहीं किया, बल्कि उन्हें समृद्ध किया, स्वतंत्रता के संघर्ष ने उनकी ताकत को समाप्त नहीं किया, बल्कि उन्हें मजबूत और प्रेरित किया। आक्रमणकारियों पर विजय में लोगों ने उतना ही साहस दिखाया जितना कि तत्वों के विरुद्ध संघर्ष में, समुद्र के ऊपर, भूमि की बाढ़ पर, जलवायु पर। जो लोगों को नष्ट करने वाला था, वह उसकी अच्छी तरह से सेवा करता था। स्पेन के साथ हस्ताक्षरित संधियों ने हॉलैंड को अपनी स्वतंत्रता दी और अपनी स्थिति को मजबूत किया। यह सब उनकी अपनी कला के निर्माण की ओर ले गया, जिसने डच लोगों के आंतरिक सार को महिमामंडित, आध्यात्मिक और व्यक्त किया।
1609 की संधि और संयुक्त प्रांत की औपचारिक मान्यता के बाद, एक तत्काल खामोशी थी। यह ऐसा था जैसे एक लाभकारी, गर्म हवा ने मानव आत्माओं को छुआ, मिट्टी को पुनर्जीवित किया, पाया और अंकुरित अंकुरित जो पहले से ही खिलने के लिए तैयार थे। यह आश्चर्यजनक है कि कैसे अप्रत्याशित रूप से, और कितने कम समय में - तीस साल से अधिक नहीं - एक छोटी सी जगह में, कृतघ्न रेगिस्तानी मिट्टी पर, जीवन की कठोर परिस्थितियों में, चित्रकारों की एक अद्भुत आकाशगंगा, और इसके अलावा, महान चित्रकार दिखाई दिया।
वे तुरंत और हर जगह दिखाई दिए: एम्स्टर्डम, डॉर्ड्रेक्ट, लीडेन, डेल्फ़्ट, यूट्रेक्ट, रॉटरडैम, हार्लेम, यहां तक कि विदेशों में भी - जैसे कि मैदान के बाहर गिरे बीजों से। सबसे पहले जन वैन गोयन और वेनेंट्स हैं, जो सदी के अंत में पैदा हुए थे। और आगे, सदी की शुरुआत से इसके पहले तीसरे के अंत तक के अंतराल में - केप, टेरबोर्च, ब्रौवर, रेम्ब्रांट, एड्रियन वैन ओस्टेड, फर्डिनेंड बोल, जेरार्ड डॉव, मेत्सु, वेनिक्स, वाउरमैन, बेरकेम, पॉटर, जान स्टीन , जैकब रुइसडेल.
लेकिन इससे रचनात्मक रस समाप्त नहीं हुआ। फिर पीटर डी हूच, होबेमा का जन्म हुआ। अंतिम महान, वैन डेर हेडन और एड्रियन वैन डी वेल्डे, 1636 और 1637 में पैदा हुए थे। इस समय रेम्ब्रांट तीस वर्ष के थे। लगभग इन वर्षों को डच स्कूल के पहले फूल का समय माना जा सकता है।
उस समय की ऐतिहासिक घटनाओं को ध्यान में रखते हुए, कोई भी कल्पना कर सकता है कि चित्रकला के नए स्कूल की आकांक्षाएं, चरित्र और भाग्य क्या होना चाहिए। हॉलैंड जैसे देश में ये कलाकार क्या लिख सकते थे?
क्रांति, जिसने डच लोगों को स्वतंत्रता और धन दिया, साथ ही साथ उन्हें उस चीज़ से भी वंचित कर दिया जो हर जगह महान विद्यालयों की जीवनदायिनी है। उसने विश्वासों को बदल दिया, आदतों को बदल दिया, प्राचीन और सुसमाचार दोनों दृश्यों की छवियों को समाप्त कर दिया, बड़े कार्यों - चर्च और सजावटी चित्रों के निर्माण को रोक दिया। वास्तव में, प्रत्येक कलाकार के पास एक विकल्प था - मूल होना या बिल्कुल नहीं होना।
बर्गर के एक राष्ट्र के लिए कला बनाना आवश्यक था जिसे वे पसंद करेंगे, उनका चित्रण करेंगे और उन्हें फिट करेंगे। वे व्यावहारिक, गैर-श्रद्धालु, व्यवसायी, परंपरा से टूटे और इतालवी विरोधी थे। यह कहा जा सकता है कि डच लोगों का एक सरल और साहसी कार्य था - अपना स्वयं का चित्र बनाना।
डच पेंटिंग केवल बाहरी दिखावे की अभिव्यक्ति थी और हो सकती है, हॉलैंड का एक सच्चा, सटीक, समान चित्र। यह लोगों और इलाके, बर्गर रीति-रिवाजों, चौकों, गलियों, खेतों, समुद्र और आकाश का चित्र था। डच स्कूल के मुख्य तत्व चित्र, परिदृश्य, रोजमर्रा के दृश्य थे। यह पेंटिंग अपने अस्तित्व की शुरुआत से लेकर इसके पतन तक थी।
ऐसा लग सकता है कि इस साधारण कला की खोज से आसान कुछ भी नहीं है। वास्तव में, चौड़ाई और नवीनता में इसके बराबर किसी चीज की कल्पना करना असंभव है।
समझने, देखने और प्रसारित करने के तरीके में तुरंत सब कुछ बदल गया: दृष्टिकोण, कलात्मक आदर्श, प्रकृति की पसंद, शैली और पद्धति। इतालवी और फ्लेमिश पेंटिंग अभी भी हमारे लिए समझ में आती है, क्योंकि वे अभी भी आनंदित हैं, लेकिन ये पहले से ही मृत भाषाएं हैं, और अब कोई भी उनका उपयोग नहीं करेगा।
एक समय में ऊँचे-ऊँचे सोचने की आदत थी, सामान्य तौर पर, एक कला थी जिसमें वस्तुओं का कुशल चयन शामिल था। उनकी सजावट में, सुधार। यह प्रकृति को दिखाना पसंद करता था क्योंकि यह वास्तव में मौजूद नहीं है। किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व के साथ अधिक या कम हद तक दर्शाया गया सब कुछ उस पर निर्भर था और उसकी समानता थी। नतीजतन, कला का उदय हुआ, जिसके लिए केंद्र एक व्यक्ति है, और ब्रह्मांड की अन्य सभी छवियों को या तो मानव रूपों में सन्निहित किया गया था, या किसी व्यक्ति के लिए एक माध्यमिक वातावरण के रूप में अस्पष्ट रूप से प्रदर्शित किया गया था। कुछ पैटर्न के अनुसार रचनात्मकता विकसित हुई। प्रत्येक वस्तु को अपने प्लास्टिक रूप को उसी आदर्श से उधार लेना पड़ता था। आदमी को कपड़े पहने, अच्छी तरह से निर्मित और सुंदर की तुलना में अधिक बार नग्न चित्रित किया जाना था, ताकि वह उचित भव्यता के साथ उसे सौंपी गई भूमिका निभा सके।
अब पेंटिंग का काम आसान कर दिया गया है। प्रत्येक वस्तु या घटना को उसका वास्तविक अर्थ देना, व्यक्ति को उसके उचित स्थान पर रखना और यदि आवश्यक हो तो उसके बिना पूरी तरह से करना आवश्यक था।
यह कम सोचने का समय है, जो करीब है उसे करीब से देखें, बेहतर निरीक्षण करें और अलग तरह से लिखें। अब यह एक भीड़, एक नागरिक, एक मेहनतकश आदमी की पेंटिंग है। हर चीज के लिए विनम्र होना जरूरी था, छोटे के लिए छोटा, अगोचर के लिए अगोचर, किसी चीज को अस्वीकार या तिरस्कार किए बिना सब कुछ स्वीकार करना, चीजों के छिपे हुए जीवन में प्रवेश करना, प्यार से अपने अस्तित्व के साथ विलय करना, चौकस होना जरूरी था, जिज्ञासु और धैर्यवान। प्रतिभा अब कोई पूर्वाग्रह नहीं है। कुछ भी अलंकृत, या प्रतिष्ठित, या निंदा करने की आवश्यकता नहीं है: यह सब एक झूठ और बेकार काम है।
डच चित्रकार, उत्तरी देश के किसी कोने में पानी, जंगल, समुद्र के क्षितिज के साथ, पूरे ब्रह्मांड को लघु रूप में प्रतिबिंबित करने में सक्षम थे। एक छोटा सा देश, जो पर्यवेक्षक के स्वाद और वृत्ति के अनुसार ईमानदारी से अध्ययन किया जाता है, एक अटूट खजाने में बदल जाता है, जो स्वयं जीवन के रूप में प्रचुर मात्रा में होता है, संवेदनाओं में समृद्ध होता है क्योंकि मानव हृदय उनमें समृद्ध होता है। डच स्कूल पूरी सदी से इसी तरह विकसित और संचालित हो रहा है।
हॉलैंड के चित्रकारों ने किसी भी मानवीय झुकाव और स्नेह को संतुष्ट करने के लिए भूखंडों और रंगों को पाया, किसी न किसी और नाजुक प्रकृति के लिए, उत्साही और उदास, स्वप्निल और हंसमुख। बादलों के दिनों को हंसमुख धूप वाले दिनों से बदल दिया जाता है, समुद्र या तो शांत होता है और चांदी से जगमगाता है, या तूफानी और उदास होता है। खेतों के साथ बहुत सारे चरागाह और तट के किनारे बहुत सारे जहाजों की भीड़। और लगभग हमेशा उत्तरी सागर से विस्तार और तेज हवाओं के ऊपर हवा की गति होती है, जो बादलों को ढेर करती है, पेड़ों को मोड़ती है, मिलों के पंखों पर विश्वास करती है और प्रकाश और छाया को चलाती है। इसमें शहर, घर और सड़क का जीवन, मेलों में उत्सव, विभिन्न रीति-रिवाजों का चित्रण, गरीबों की गरीबी, सर्दियों की भयावहता, शराब के धुएं के साथ सराय में आलस्य और बीयर के मग को जोड़ा जाना चाहिए। दूसरी ओर - जीवन का एक सुरक्षित तरीका, कर्तव्यनिष्ठ कार्य, घुड़सवार सेना, दोपहर का आराम, शिकार। इसके अलावा - सामाजिक जीवन, नागरिक समारोह, भोज। यह एक नई कला बन गई, लेकिन दुनिया जितनी पुरानी भूखंडों के साथ।
इस प्रकार स्कूल की भावना की सामंजस्यपूर्ण एकता और कला की एक दिशा की सीमाओं के भीतर उत्पन्न होने वाली अब तक की सबसे हड़ताली विविधता का उदय हुआ।
सामान्य तौर पर, डच स्कूल को शैली कहा जाता है। यदि हम इसे इसके घटक तत्वों में विघटित करते हैं, तो हम इसमें परिदृश्य चित्रकार, समूह चित्र के स्वामी, समुद्री चित्रकार, पशु चित्रकार, समूह चित्र चित्रित करने वाले कलाकार या अभी भी जीवन में अंतर कर सकते हैं। यदि आप अधिक विस्तार से देखें, तो आप कई शैलियों की किस्मों को अलग कर सकते हैं - सुरम्य कला के प्रेमियों से लेकर विचारकों तक, प्रकृति के नकल करने वालों से लेकर इसके दुभाषियों तक, रूढ़िवादी प्रवास-घरों से यात्रियों तक, उन कलाकारों से जो प्यार करते हैं और हास्य महसूस करते हैं। कॉमेडी से बचें। आइए हम ओस्टेड के हास्य की पेंटिंग और रुइसडेल की गंभीरता, पॉटर की समभाव और जान स्टीन की मजाक, वैन डे वेल्डे की बुद्धि और महान रेम्ब्रांट की उदास स्वप्नदोष को याद करें।
रेम्ब्रांट के अपवाद के साथ, जिसे अपने देश और सभी समय के लिए एक असाधारण घटना माना जाना चाहिए, फिर अन्य सभी डच कलाकारों को एक निश्चित शैली और पद्धति की विशेषता है। इस शैली के नियम ईमानदारी, पहुंच, स्वाभाविकता, अभिव्यक्ति हैं। यदि आप डच कला से जिसे ईमानदारी कहा जा सकता है, उसे हटा दें, तो आप इसके महत्वपूर्ण आधार को नहीं समझ पाएंगे और न ही आप इसके नैतिक चरित्र या इसकी शैली को निर्धारित कर पाएंगे। इन कलाकारों में, जिन्होंने अधिकांश भाग के लिए अदूरदर्शी प्रतिवादियों की प्रसिद्धि अर्जित की है, आप एक उच्च और दयालु आत्मा, सत्य के प्रति निष्ठा, यथार्थवाद के लिए प्यार महसूस करते हैं। यह सब उनके कार्यों को एक मूल्य देता है कि उन पर चित्रित चीजें अपने आप में नहीं लगती हैं।
इस ईमानदार शैली की शुरुआत और इस ईमानदार दृष्टिकोण का पहला परिणाम एक आदर्श चित्र है। पॉटर में डच चित्रकारों में - सटीक माप में प्रतिभा की अभिव्यक्ति और प्रत्येक पंक्ति के आंदोलन का पता लगाने की क्षमता।
हॉलैंड में, आकाश अक्सर आधा, और कभी-कभी पूरी तस्वीर लेता है। इसलिए, यह आवश्यक है कि चित्र में आकाश हमें ले जाए, आकर्षित करे, हमें साथ ले जाए। दिन, शाम और रात के अंतर को महसूस करने के लिए, गर्मी और ठंड को महसूस करने के लिए, ताकि दर्शक और ठंडा हो, और आनंद लें, और ध्यान केंद्रित करने की आवश्यकता महसूस करें। हालाँकि इस तरह के चित्र को सबसे महान कहना शायद मुश्किल है, लेकिन दुनिया में ऐसे कलाकारों को खोजने की कोशिश करें जो आकाश को रंग दें, जैसे कि रुइसडेल और वैन डेर नीर, और अपने काम के साथ इतना और इतना शानदार ढंग से कहें। हर जगह डचों का एक ही डिजाइन है - संयमित, संक्षिप्त, सटीक, प्राकृतिक और भोला, कुशल, कृत्रिम नहीं।
डचों का पैलेट उनके चित्र के योग्य है, इसलिए उनकी चित्रात्मक पद्धति की पूर्ण एकता है। किसी भी डच पेंटिंग को उसके स्वरूप से आसानी से पहचाना जा सकता है। यह आकार में छोटा है और अपने शक्तिशाली सख्त रंगों से अलग है। दर्शक पर एक केंद्रित प्रभाव प्राप्त करने के लिए कलाकार से बड़ी सटीकता, दृढ़ हाथ और गहरी एकाग्रता की आवश्यकता होती है। चित्रकार के विचार को समझने के लिए कलाकार को अपने विचार, दर्शक - अपने आप में तल्लीन होना चाहिए। यह डच पेंटिंग हैं जो इस छिपी और शाश्वत प्रक्रिया का सबसे स्पष्ट विचार देती हैं: महसूस करना, सोचना और व्यक्त करना। दुनिया में कोई समृद्ध तस्वीर नहीं है, क्योंकि यह डच है जो इतनी छोटी सी जगह में इतनी सामग्री शामिल करता है। इसलिए यहां सब कुछ एक सटीक, संकुचित और संघनित रूप लेता है।
कोई भी डच पेंटिंग अवतल होती है, इसमें एक बिंदु के चारों ओर वर्णित वक्र होते हैं, जो मुख्य प्रकाश स्थान के आसपास स्थित चित्र और छाया के विचार का प्रतीक है। एक ठोस आधार, एक भगोड़ा शीर्ष और केंद्र की ओर झुकाव वाले गोल कोनों को एक सर्कल में रेखांकित, चित्रित और प्रकाशित किया जाता है। नतीजतन, चित्र गहराई प्राप्त करता है, और उस पर चित्रित वस्तुएं दर्शक की आंखों से दूर हो जाती हैं। दर्शक, जैसा कि यह था, पहली योजना से आखिरी तक, फ्रेम से क्षितिज तक ले जाया जाता है। हम चित्र में रहते हैं, चलते हैं, गहराई में देखते हैं, आकाश की गहराई को मापने के लिए अपना सिर उठाते हैं। हवाई परिप्रेक्ष्य की गंभीरता, रंग और रंगों का सही मिलान उस स्थान के साथ होता है जहां वस्तु रहती है।
डच पेंटिंग की अधिक संपूर्ण तस्वीर के लिए, इस प्रवृत्ति के तत्वों, विधियों की विशेषताओं, पैलेट की प्रकृति पर विस्तार से विचार करना चाहिए, यह समझने के लिए कि यह इतना खराब, लगभग मोनोक्रोमैटिक और परिणामों में इतना समृद्ध क्यों है। लेकिन ये सभी प्रश्न, कई अन्य लोगों की तरह, कई कला इतिहासकारों के लिए हमेशा अनुमान का विषय रहे हैं, लेकिन कभी भी पर्याप्त रूप से अध्ययन और स्पष्ट नहीं किया गया है। डच कला की मुख्य विशेषताओं का वर्णन पहले से ही इस स्कूल को दूसरों से अलग करना और इसकी उत्पत्ति का पता लगाना संभव बनाता है। इस स्कूल को दर्शाने वाली एक अभिव्यंजक छवि एम्स्टर्डम संग्रहालय "आर्टिस्ट्स एटेलियर" से एड्रियन वैन ओस्टेड की एक पेंटिंग है। यह प्लॉट डच चित्रकारों के पसंदीदा में से एक था। हम एक चौकस व्यक्ति को देखते हैं, थोड़ा झुके हुए, एक तैयार पैलेट, पतले, साफ ब्रश और साफ तेल के साथ। वह अंधेरे में लिखता है। उसका चेहरा एकाग्र है, उसका हाथ सावधान है। केवल, शायद, ये चित्रकार अधिक साहसी थे और जीवित छवियों से निष्कर्ष निकाला जा सकता है कि कैसे हंसना और जीवन का आनंद लेना अधिक लापरवाही से जानते थे। अन्यथा, पेशेवर परंपराओं के माहौल में उनकी प्रतिभा कैसे प्रकट होगी?
डच स्कूल का आधार वैन गोयन और वेनेंट्स द्वारा 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में पेंटिंग के कुछ कानूनों की स्थापना के लिए रखा गया था। इन कानूनों को शिक्षकों से छात्रों तक पारित किया गया था, और एक पूरी शताब्दी के लिए डच चित्रकार उनके द्वारा एक तरफ विचलित हुए बिना रहते थे।
डच पेंटिंग तरीके
