चित्र।

रूबेन्स।पीटर पॉल (1577-1640)। सीजेन (जर्मनी) में पैदा हुआ था। प्रारंभिक कार्य (1611-1613 तक) वेनेटियन और कारवागियो की छाप रखते हैं। एंटवर्प काल के पहले चित्रों में से एक "द एक्साल्टेशन ऑफ क्राइस्ट" (सी। 1610 - 1611, एंटवर्प, कैथेड्रल) दिखाता है कि फ्लेमिश चित्रकार इटालियंस के अनुभव को कैसे दोहराता है।

सबसे महत्वपूर्ण कार्य: "क्रॉस से वंश" (1611 - 1614), "बच्चनलिया" (1615 - 1620, मॉस्को, पुश्किन संग्रहालय), "ल्यूसिपस की बेटियों का अपहरण" (1619 - 1620, म्यूनिख, ओल्ड पिनाकोथेक)

1622-25 तक। "द लाइफ ऑफ मैरी डे मेडिसी" विषय पर रचनाओं की एक श्रृंखला शामिल है। "इन्फेंटा इसाबेला की नौकरानी का पोर्ट्रेट" (हर्मिटेज)।

30s: "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए डॉटर", "फर कोट", "किसान डांस", "सेल्फ-पोर्ट्रेट"

वैन डाइक।एंथनी वैन डाइक (1599 - 1641) के काम का विकास 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्लेमिश स्कूल के विकास के पथ को पार कर गया। अभिजात वर्ग और धर्मनिरपेक्षता की दिशा में। अपने सर्वश्रेष्ठ कार्यों में, वैन डिज्क यथार्थवाद के लिए प्रतिबद्ध है और अपने समय के लोगों की विशिष्ट छवियों को कैप्चर करके, यूरोपीय इतिहास में एक पूरे युग का विचार देता है।

वैन डाइक ने फ्लेमिश बर्गर के सख्त चित्रों के साथ अपनी गतिविधि शुरू की: "फैमिली पोर्ट्रेट" (हर्मिटेज), "पोर्ट्रेट ऑफ ए मैन"। बाद में उन्होंने जेनोआ में काम किया, जहां वे अभिजात वर्ग के एक लोकप्रिय चित्रकार बन गए।

"चार्ल्स I का औपचारिक चित्र" (सी। 1635, पेरिस, लौवर) उनके बाद के काम से संबंधित है।

जोर्डेन्स... वैन डाइक की कला के कुलीन परिष्कार का विरोध जैकब जोर्डेन्स (1593-1678) की कला द्वारा किया जाता है, जो फ्लेमिश समाज में लोकतांत्रिक हलकों के करीब है, जो प्लीबियन अशिष्टता और ताकत से भरा है, जिसने विशिष्ट लोक प्रकारों की एक गैलरी बनाई। प्रसिद्ध कैनवस: "ए सैटियर विजिटिंग ए किसान", "फेस्टिवल ऑफ द बीन किंग"।

फ्लेमिश अभी भी जीवन। स्नाइडर्स।रूबेन्स के मित्र फ्रैंस स्नाइडर्स (1579-1657) स्मारकीय और सजावटी स्थिर जीवन के एक महान गुरु थे। स्नाइडर्स द्वारा निष्पादित श्रृंखला "ब्रुग्स शहर में एक डाइनिंग पैलेस के लिए बेंच" (1618 - 1621, लेनिनग्राद, हर्मिटेज), स्पष्ट रूप से उनके काम की विशेषता है।

शैली पेंटिग। ब्राउनर। 17वीं शताब्दी की फ्लेमिश पेंटिंग की सबसे लोकतांत्रिक रेखा। एड्रिन ब्रौवर (16056 - 1638) के काम का प्रतिनिधित्व किया, जिन्होंने ज्यादातर किसान जीवन से छोटे चित्रों को चित्रित किया, उनमें ब्रेइल से आने वाली राष्ट्रीय चित्रकला की विचित्र-विनोदी रेखा को जारी रखा। 30 के दशक के मध्य में। कड़वाहट और उदासी के साथ संयुक्त, तीखे व्यंग्य को ब्राउनर में एक सौम्य हास्य द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है। यह नायकों के चरित्र में गहराई से प्रवेश करता है। उनके चित्रों में धूम्रपान करने वालों के बीच एक सपने देखने वाले की छवि दिखाई देती है। सोच - विचार में खो जाना।

टेनियर्स।शैली चित्रकला के क्षेत्र में, डेविड टेनियर्स (1610 - 1690) ने काम किया, जिनकी शैली की पेंटिंग बाहरी मनोरंजक और मनोरंजक विषयों ("विलेज हॉलिडे", 1648, लेनिनग्राद, हर्मिटेज) की ओर बढ़ती हैं। उनकी कला में विकसित हो रहे आदर्शीकरण की रेखाएं 17 वीं शताब्दी के अंत तक फ्लेमिश समाज के कुलीन अभिजात वर्ग के अनुरूप थीं।

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17वीं शताब्दी की शुरुआत में, राष्ट्रीय मुक्ति क्रांति के बाद, नीदरलैंड, जो स्पेनिश शासन के अधीन था, दो भागों में विभाजित हो गया। उत्तरी भाग - नीदरलैंड उचित, जिसे हॉलैंड भी कहा जाता है - ने स्वतंत्रता प्राप्त की, प्रोटेस्टेंटवाद वहां जीता। नीदरलैंड अभी भी अच्छी तरह से रहता है। दक्षिणी भाग, जिसे कभी फ़्लैंडर्स कहा जाता था, स्पेनिश शासन के अधीन रहा। इसे आधिकारिक तौर पर कैथोलिक नीदरलैंड कहा जाता था। देश में कैथोलिक धर्म को जबरन संरक्षित किया गया था। फ़्लैंडर्स आधुनिक बेल्जियम के क्षेत्र में स्थित था, जो इसके उत्तर-पश्चिमी भाग पर कब्जा कर रहा था।

यह वह देश है जिसमें उन्होंने काम किया। रूबेन्स को उस समय कलाकारों का राजा और राजाओं का कलाकार कहा जाता था। मास्टर को बहुत सारे आदेश मिले, क्योंकि सभी यूरोपीय राजाओं ने सचमुच यह देखने के लिए प्रतिस्पर्धा की थी कि उनके संग्रह में किसके पास अधिक रूबेन्स पेंटिंग होंगे। नतीजतन, प्रसिद्ध मास्टर ने एक पेंटिंग कंपनी की तरह कुछ संगठित किया। उन्होंने एक स्केच बनाया, मुख्य रचना को रेखांकित किया। इसके अलावा, उनके सहायकों, जिनमें से चित्रकार, परिदृश्य चित्रकार, पशु चित्रकार, स्थिर जीवन चित्रकार थे, ने चित्र को एक साथ चित्रित किया। फिर रूबेन्स अपने ब्रश के साथ ऊपर से गुजरे, चित्र की एकता की एक निश्चित भावना पैदा की, अपना हस्ताक्षर किया और कैनवास किसी राजा को प्रभावशाली राशि के लिए बेचा गया, पैसा कार्यशाला में विभाजित किया गया और सभी जीत गए। और यदि आप रूबेन्स द्वारा एक दीवार के आकार के बारे में एक पेंटिंग देखते हैं, तो यह बिल्कुल वैसा ही था जैसा इसे चित्रित किया गया था।

एक और बात यह है कि, निश्चित रूप से, उन्होंने अपने दम पर चित्र बनाए। पुश्किन संग्रहालय भाग्यशाली था कि उसके संग्रह में प्रसिद्ध मास्टर द्वारा कई मूल चित्र थे। सभी बहाली और रेडियोग्राफिक दस्तावेज़ इस बात की पुष्टि करते हैं कि कैनवास को शुरू से अंत तक रूबेन्स द्वारा स्वयं चित्रित किया गया था।

लेखक ने भगवान बैकस के उत्सव से जुड़े एक कथानक को चित्रित किया - व्यंग्य, जंगल की बकरी-पैर वाली आत्माएं, जो बैकस के रेटिन्यू का हिस्सा थीं। सिलेनस समेत हर कोई खुशी के नशे में है। वास्तव में, यह तस्वीर पूरी तरह से अलग विषय के लिए समर्पित है। यह उर्वरता, पृथ्वी की शक्ति, प्रकृति की शक्ति का विषय है। हम सोते हुए व्यंग्य देखते हैं, फिर आंख रचना के ऊपरी दाएं कोने में जाग्रत व्यंग्य पर जाती है, फिर व्यंग्य पर, जो अपनी गतिविधि के चरम पर है, और अंत में, सोए हुए सिलेनस पर। परिणाम ऋतुओं का एक प्रकार का चक्र है - सर्दी, वसंत, ग्रीष्म और शरद ऋतु। रचना एक एकल अंडाकार में फिट होती है और यह सब अग्रभूमि में शानदार रूपों द्वारा जोर दिया जाता है - गर्भवती व्यंग्यकार, अंगूर के गुच्छे। यानी हम बात कर रहे हैं धरती की उर्वरता की, सर्दी के बाद प्रकृति के शाश्वत पुनर्जन्म की। अधिकांश शोधकर्ताओं की राय में, यह इस चित्र का विषय है।

रूबेन्स का एक और वास्तविक काम द एपोथोसिस ऑफ द इन्फेंटा इसाबेला है।

यह एक विजयी द्वार के लिए एक रेखाचित्र है। जब फ़्लैंडर्स के गवर्नर, इन्फैंट फर्डिनेंड, शासक की गंभीर बैठक के लिए स्पेन से आते हैं, तो वे लकड़ी, शायद प्लाईवुड के फाटकों को भी खड़ा करते हैं और उन्हें पत्थर के नीचे पेंट करते हैं। ऐसे विजयी द्वार से नया शासक नगर में प्रवेश करता है। यह परंपरा पूरे आधुनिक समय में मौजूद है, कम से कम 17वीं-18वीं शताब्दी में, विजयी द्वार अक्सर स्थापित किए गए थे।

ट्राइम्फल गेट बनाते समय, रूबेन्स ने प्रशिक्षुओं के साथ काम किया, वास्तव में - चित्रकार। कलाकार को उन्हें यह दिखाना था कि इस गेट को कैसे रंगना है। देखिए, इनमें से एक स्तंभ लगभग अप्रकाशित है। इसके अलावा, उन्होंने थोड़ा और छाया लागू किया, फिर और भी, और अंत में अंतिम संस्करण पूरा किया। दाईं ओर, एक बमुश्किल उल्लिखित छाया भी दिखाई देती है, फिर एक छाया अधिक मोटी होती है, और अंत में, समाप्त संस्करण।

वास्तव में, गुरु ने अपने सहायकों को काम के विभिन्न चरणों को दिखाया, उन्होंने ट्रायम्फल गेट की स्थापना के लिए एक तरह का दृश्य निर्देश बनाया।

रूबेन्स ने अपनी कार्यशाला में केंद्रीय छवि को चित्रित किया था। स्केच पर, चित्रकार ने मृत इन्फंटा इसाबेला की विजय को दर्शाया। उसे बादलों में चित्रित किया गया है। उसके बगल में तीन बच्चों वाली एक महिला है, यह दया की पहचान है, इस बात का प्रतीक है कि इसाबेला फ़्लैंडर्स का दयालु शासक था। फ़्लैंडर्स - अपने घुटनों पर एक महिला, प्रार्थना में उसकी ओर मुड़ती है, और वह उन्हें जवाब देती है, फर्डिनेंड की ओर इशारा करती है और कहती है: "यहाँ आपका नया गवर्नर है।"

दाईं ओर, आप देख सकते हैं कि कैसे स्पैनिश राजा फ़्लैंडर्स में एक नए गवर्नर को भेजता है। "वह मेरे जैसा ही दयालु और दयालु शासक होगा" - यह विचार इसाबेला के हावभाव में पढ़ा जाता है। फर्डिनेंड की इस छवि की प्रशंसा की गई, चापलूसी की गई और संकेत दिया गया कि उससे क्या अपेक्षित था। द्वार महान था। यह रूपक ड्यूक को दिखाने के लिए था कि फ़्लैंडर्स के लिए वह किस तरह का शासक था।

रूबेंस की कार्यशाला में उन्होंने काम किया और। रूबेंस वर्कशॉप के नाम से या अपने नाम से काम किया। रूबेन्स की मृत्यु के बाद, जैकब जोर्डेन्स फ्लेमिश स्कूल ऑफ़ पेंटिंग के प्रमुख बने। संग्रहालय के संग्रह में जॉर्डन के कई काम हैं।

- एक प्राचीन किंवदंती की एक छवि, ईसप की कल्पित कहानी, कि कैसे एक शीतकालीन सतीर एक पड़ोसी गांव में रहने वाले किसानों से परिचित होने के लिए गया था। सर्दियों में, ग्रीस के पहाड़ों में काफी ठंड होती है, किसान जम जाता है और अपने हाथों को गर्म करने के लिए उन पर फूंक मार देता है। व्यंग्यकार ने पूछा: "तुम अपने हाथ क्यों उड़ा रहे हो?" किसान ने समझाया कि इस तरह वह अपने हाथ गर्म करता है। तब किसान ने सतीर को अपने घर साधारण भोजन पर आमंत्रित किया। चावडर गर्म हो गया और किसान ने उस पर वार करना शुरू कर दिया। तब सतीर ने पूछा: "अब आप स्टू पर क्यों फूंक रहे हैं, आप इसे और कहाँ गर्म कर सकते हैं, यह पहले से ही गर्म है?" किसान को आश्चर्य हुआ और उसने कहा: "अब मैं इसे ठंडा करने के लिए इस पर फूंक मारता हूं।" और सतीर ने फैसला किया कि चूंकि किसी व्यक्ति के मुंह से ठंड और गर्मी दोनों आ सकती है, तो एक व्यक्ति अविश्वसनीय रूप से दो-मुंह वाला प्राणी है, आपको उससे दोस्ती नहीं करनी चाहिए, और जब तक बहुत देर हो चुकी थी वह वापस जंगल में चला गया।

यहाँ हम इतिहास में उस क्षण को देखते हैं जब व्यंग्यकार, अविश्वसनीय रूप से शर्मिंदा होकर, अपने दिमाग को उड़ा देने वाले निष्कर्षों की व्याख्या करता है, और किसान बहुत स्पष्ट रूप से प्रतिक्रिया करते हैं। वह आदमी आश्चर्य में सूप पर घुट गया, उसकी पत्नी कह रही थी: "तुम उसके बारे में क्यों बात कर रहे हो!"। बच्चे ने आश्चर्य से मुँह खोला। पड़ोसी हंसता है, और पड़ोसी उसे अपने जीवन के अनुभव की ऊंचाई से विडंबना के साथ देखता है।

कुल मिलाकर, दृश्य अविश्वसनीय रूप से यथार्थवादी लगता है। जॉर्डन ने पौराणिक प्राचीन पात्रों को आधुनिक कपड़े पहनाए और वास्तव में, 17 वीं शताब्दी के फ्लेमिश किसानों के लिए व्यंग्य की यात्रा को दर्शाया। कलाकार इस दृश्य को और अधिक जीवंत बनाने के लिए ऐसा करता है, ताकि दर्शक और भी अधिक प्रभावित हो और दर्शक पर अधिक प्रभाव डालने के लिए इस कहानी की भावना से प्रभावित हो।

इस कमरे में कलाकार की कृतियाँ भी प्रस्तुत की गई हैं। एक मास्टर हैं जिन्होंने रूबेन्स की कार्यशाला में भी काम किया और एक स्थिर जीवन चित्रकार थे। संग्रहालय में खेल और सभी प्रकार की मछलियों - "मछली की दुकान" का चित्रण करने वाली शानदार अभी भी जीवन है।

ये फ्लेमिश अभी भी जीवन बहुतायत, स्वाद की बात करते हैं। वे हमें कुछ हद तक क्रूर लग सकते हैं, लेकिन उस समय के लोगों के लिए यह बहुतायत की एक खुशी की तस्वीर थी।

संग्रह में कलाकार के कैनवस भी हैं, उनके संग्रह में कार्डिनल पल्लविकिनी का एक चित्र था, जिसका श्रेय टिटियन को दिया गया था। पहले उन्होंने रूबेंस की कार्यशाला में काम किया और फिर इंग्लैंड चले गए। कुछ आदेशों को पूरा करने के लिए मास्टर थोड़ी देर के लिए वहां गए, और फिर अच्छे के लिए चले गए और विरोधाभासी, जैसा कि यह लग सकता है, पेंटिंग के अंग्रेजी स्कूल के संस्थापकों में से एक बन गया।

एक उत्कृष्ट चित्रकार, औपचारिक चित्र के संस्थापक। प्रदर्शनी में स्टीवंस, एक फ्लेमिश बुर्जुआ, एक व्यापारी और उनकी पत्नी का एक चित्र है। उन्हें संयमित तरीके से अंजाम दिया जाता है।

XVII सदी में। डच कला को दो स्कूलों में विभाजित किया गया था - फ्लेमिश और डच - दो भागों में क्रांति के परिणामस्वरूप नीदरलैंड के विभाजन के कारण; हॉलैंड के लिए, जैसा कि उन्होंने सात उत्तरी प्रांतों को कॉल करना शुरू किया, स्पेन के शासन से मुक्त, और दक्षिणी भाग में, जो स्पेन के शासन के अधीन रहा, - फ़्लैंडर्स (आधुनिक बेल्जियम)। उनके ऐतिहासिक विकास ने विभिन्न रास्तों के साथ-साथ उनके सांस्कृतिक विकास का अनुसरण किया। फ़्लैंडर्स में, सामंती कुलीनता और उच्च बर्गर, साथ ही कैथोलिक चर्च ने देश के जीवन में एक प्रमुख भूमिका निभाई और कला के मुख्य ग्राहक थे। इसलिए, महल के लिए पेंटिंग, एंटवर्प पेट्रीशियन के शहर के घरों के लिए और धनी कैथोलिक चर्चों के लिए राजसी वेदी के टुकड़े - ये इस समय के फ्लेमिश चित्रकारों के मुख्य प्रकार के काम हैं। 17वीं शताब्दी की फ़्लैंडर्स कला की मुख्य शैलियाँ पवित्र शास्त्रों के भूखंड, प्राचीन पौराणिक दृश्य, प्रसिद्ध ग्राहकों के चित्र, शिकार के दृश्य, विशाल स्थिर जीवन हैं। इसमें डच परंपराओं के साथ स्पेनिश और इतालवी पुनर्जागरण दोनों की मिश्रित विशेषताएं हैं। और परिणामस्वरूप, बैरोक की फ्लेमिश कला विकसित हुई, राष्ट्रीय स्तर पर हंसमुख, भावनात्मक रूप से उत्थान, भौतिक रूप से कामुक, अपने प्रचुर रूपों में शानदार। फ्लेमिश बारोक ने खुद को वास्तुकला में बहुत कम दिखाया, लेकिन उज्ज्वल और स्पष्ट रूप से - सजावटी कला (लकड़ी की नक्काशी, धातु एम्बॉसिंग में), उत्कीर्णन की कला में, लेकिन विशेष रूप से पेंटिंग में।

17वीं शताब्दी की फ्लेमिश कला की केंद्रीय आकृति। पीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640) थे। रूबेंस की प्रतिभा की बहुमुखी प्रतिभा, उनकी अद्भुत रचनात्मक उत्पादकता उन्हें पुनर्जागरण के उस्तादों के समान बनाती है।

जर्मनी में जन्मे, जहां उनके माता-पिता थोड़े समय के लिए रहते थे, रूबेन्स ने घर पर एंटवर्प में शिक्षा प्राप्त की: जेसुइट स्कूल में उन्होंने लैटिन और आधुनिक यूरोपीय भाषाओं का अध्ययन किया, और प्राचीन इतिहास से भी परिचित हुए, बाद में पेंटिंग का अध्ययन किया - पहले एक कलाकार से पुरानी डच परंपरा की, फिर एक मास्टर इतालवी दिशा से। कलाकार, जो रोज़मर्रा की चेतना में मांस के लगभग मूर्तिपूजक क्रोध के गायक के साथ जुड़ा हुआ है, अपने समय के सबसे बुद्धिमान और शिक्षित लोगों में से एक था। 1598 में रूबेन्स को गिल्ड ऑफ सेंट पीटर्सबर्ग के मुक्त स्वामी की सूची में शामिल किया गया था। ल्यूक, और इस तिथि को कलाकार की रचनात्मक स्वतंत्रता की शुरुआत माना जा सकता है। हालांकि, 1600 में वे और सुधार के लिए इटली गए, सबसे पहले वेनिस, "मिलने के लिए" टिटियन, वेरोनीज़ और टिंटोरेटो, फिर रोम गए, जहाँ उन्होंने माइकल एंजेलो का अध्ययन किया। वह 1608 तक इटली में रहे, 1601 से मंटुआ में ड्यूक ऑफ गोंजागा के दरबारी चित्रकार के रूप में। ये वर्ष उनकी कला के निर्माण की अवधि थे। समकालीन कलाकारों में से, रूबेन्स इस अवधि के दौरान कारवागियो द्वारा सबसे अधिक प्रभावित थे। इटली में उन्होंने अध्ययन किया और जीवन भर पुरातनता से प्यार हो गया।

1608 में रूबेन्स अपनी मातृभूमि लौट आए, एक अमीर बर्गर परिवार, इसाबेला ब्रांट की एक लड़की से शादी की और एंटवर्प में मजबूती से बस गए। तब से, वह हमेशा एक कलाकार के रूप में सफल रहे हैं। 20 और 30 के दशक रूबेन्स की सबसे गहन रचनात्मक गतिविधि की अवधि है। वह चर्च, अदालत, बर्गर, विदेशी अदालतों से आदेश प्राप्त करता है अपने कार्यों का आदेश देता है। उनकी मातृभूमि में पहला प्रमुख काम प्रसिद्ध एंटवर्प कैथेड्रल के लिए वेदी की छवियां थीं: क्रॉस का उत्थान (1610-1611) और क्रॉस से वंश (1611-1614), जिसमें रूबेन्स ने 17 वीं शताब्दी की एक क्लासिक प्रकार की वेदी छवि बनाई। . यह स्मारकीयता को जोड़ती है (क्योंकि यह एक पेंटिंग है जिसे बड़ी संख्या में लोगों के मूड को व्यक्त करना चाहिए, कुछ बहुत महत्वपूर्ण विचार जिन्हें वे समझते हैं) और अलंकरण (क्योंकि ऐसी तस्वीर आंतरिक पहनावा में एक रंगीन स्थान है)।

रूबेन्स की कला बारोक शैली की एक विशिष्ट अभिव्यक्ति है, जो अपने कार्यों में अपनी राष्ट्रीय विशेषताओं को पाती है। एक विशाल जीवन-पुष्टि की शुरुआत, तर्कसंगतता पर महसूस करने की प्रबलता रूबेन्स के सबसे नाटकीय कार्यों की भी विशेषता है। उनमें रहस्यवाद, जर्मन और यहां तक ​​​​कि इतालवी बारोक में निहित अतिशयोक्ति का पूरी तरह से अभाव है। शारीरिक शक्ति, जुनून, कभी-कभी यहां तक ​​कि बेलगामपन, प्रकृति के साथ परमानंद बर्निन के "टेरेसा" के अध्यात्मवादी, छिपे हुए कामुकता की जगह ले रहे हैं। रूबेन्स राष्ट्रीय प्रकार की सुंदरता का महिमामंडन करते हैं। वर्जिन मैरी, मैग्डलीन की तरह, सुडौल रूपों के साथ एक निष्पक्ष बालों वाली, नीली आंखों वाले ब्रबेंट के रूप में दिखाई देती है। क्रूस पर भी क्राइस्ट एक एथलीट की तरह दिखते हैं। सेबस्टियन तीरों के ढेर के नीचे सक्रिय रहता है।

रूबेंस के चित्र तीव्र गति से भरे हुए हैं। आमतौर पर, गतिशीलता को बढ़ाने के लिए, वह एक निश्चित रचना का सहारा लेता है, जहां विकर्ण दिशा प्रबल होती है। इसलिए, दोनों एंटवर्प छवियों में, उदाहरण के लिए, विकर्ण क्रॉस की रेखा बनाता है। यह गतिशील दिशा एक जटिल स्थानिक वातावरण का निर्माण करते हुए, जटिल पूर्वाभास, परस्पर जुड़े आंकड़ों के पोज़ द्वारा भी बनाई गई है। रूबेन्स की सभी रचनाएँ गति के साथ व्याप्त हैं; यह वास्तव में एक ऐसी दुनिया है जहाँ कोई आराम नहीं है।

रूबेन्स।क्रॉस का उत्थान। एंटवर्प कैथेड्रल

रूबेन्स पुरातनता को समझते थे और प्यार करते थे, उन्होंने अक्सर मिथकों को सुरम्य छवियों में बदल दिया। लेकिन उन्होंने मुख्य रूप से उन भूखंडों को चुना जिन्हें गतिशील रचनाओं में शामिल किया जा सकता है। बृहस्पति अपने प्रिय का अपहरण करता है, अमाजोन लड़ता है, व्यंग्य अप्सराओं पर हमला करता है ... बच्चनलिया, जिसमें आप नशे की मिठास दिखा सकते हैं, शेरों का शिकार, उनकी ऊर्जा, तेज और बेलगाम ताकत के साथ, यह सब एक अवसर देते हैं होने की खुशी व्यक्त करते हैं, जीवन के लिए एक भजन गाते हैं, विशेष रूप से कलाकार को आकर्षित करते हैं। रूबेन्स के ब्रश के नीचे कामुक तत्व काव्यीकरण किया गया है। शास्त्रीय पुरातनता की छवियां बिना आधार के या अपनी उदात्तता खोए बिना एक सांसारिक प्रामाणिकता प्राप्त करती हैं, उदाहरण के लिए, हर्मिटेज मास्टरपीस पर्सियस और एंड्रोमेडा में। एंड्रोमेडा, जो एक गोरा में बदल गया, स्वास्थ्य से भरपूर फ्लेमिश महिला, शक्ति से भरपूर पर्सियस, जिसने सुंदरता को ड्रैगन की कैद से मुक्त किया, उसका पंख वाला घोड़ा पेगासस, कामदेव, नायक की महिमा - सब कुछ कविता और पूर्ण है उल्लास की भावना से। यह विशेष रूप से चित्र के रंग, नीले, लाल, पीले रंग की गंभीर ध्वनि द्वारा सुगम है। एक कंपकंपी, कंपन करने वाला ब्रशस्ट्रोक एंड्रोमेडा के शरीर की सारी सुंदरता को गुलाबी और मोती टोन की बेहतरीन बारीकियों में बताता है। प्रकाश और छाया के संक्रमण अगोचर हैं, स्पष्ट आकृति अनुपस्थित हैं, सभी वस्तुएं प्रकाश और वायु से उत्पन्न होती हैं। रूबेन्स बहुत तरलता से लिखते हैं, कभी-कभी मिट्टी का स्वर पेंट के नीचे से चमकता है। सच है, 20 के दशक के लिए, सामान्य तौर पर, रंग और बहुरंगा की चमक विशेषता होती है, बाद में रूबेन्स एक अधिक मोनोक्रोम पेंटिंग की ओर अग्रसर होंगे।

रूबेन्स।बच्चों के साथ ऐलेना फोरमैन का पोर्ट्रेट। पेरिस, लौवर

रूबेंस हाउस फ़्लैंडर्स के कलात्मक जीवन का केंद्र बनता जा रहा है, यूरोप के कलात्मक और वैज्ञानिक बुद्धिजीवियों के फूल वहाँ आते हैं, सबसे विशेषाधिकार प्राप्त व्यक्ति कलाकार का ध्यान आकर्षित कर रहे हैं। रूबेन्स ने "इसाबेला ब्रांट के साथ आत्म-चित्र" (1609-1610) में पारिवारिक जीवन के माहौल को पूरी तरह से व्यक्त किया, खुद को और अपनी पत्नी को खिलते हुए हनीसकल की छाया में, स्मार्ट, यहां तक ​​​​कि गंभीर वेशभूषा में, किसी भी मुद्रा और ढोंग से रहित, विकीर्ण करते हुए दिखाया। युवा खुशी।

1623-1625 के वर्षों में। रूबेन्स को लक्ज़मबर्ग पैलेस को सजाने के लिए हेनरी चतुर्थ की विधवा फ्रांसीसी रानी मैरी डे मेडिसी से 21 चित्रों के एक चक्र के लिए एक आदेश प्राप्त होता है। विषय जो कम रुचि के हैं और ऐतिहासिक रूप से महत्वहीन हैं (रानी की शादी और रीजेंसी) को रूबेन्स की प्रतिभा द्वारा स्मारकीय और सजावटी कला की शानदार रचना में बदल दिया गया था। मैरी डी मेडिसी के जीवन के दृश्यों को पूर्ण अर्थों में ऐतिहासिक चित्र नहीं कहा जा सकता है, उनमें ऐतिहासिक चेहरे प्राचीन देवताओं के साथ सह-अस्तित्व में हैं, वास्तविक घटनाएं रूपक के साथ सह-अस्तित्व में हैं। लेकिन वह जो कुछ भी चित्रित करता है, उसमें सभी अनर्गल कलात्मक कल्पना के साथ, चित्रित दुनिया की सच्चाई, वास्तविकता और निष्ठा को समझाने का चरित्र होता है।

1626 में रूबेन्स ने अपनी प्यारी पत्नी को खो दिया। उसके जीवन की एक निश्चित अवधि समाप्त होती है। अकेलेपन से तौला, कलाकार नीदरलैंड के शासक इन्फंटा इसाबेला के प्रस्ताव को स्वीकार करता है और स्पेन और इंग्लैंड के लिए एक राजनयिक मिशन पर यात्रा करता है (स्पेन और इंग्लैंड के बीच शांति के लिए बातचीत करने के लिए)। विश्व प्रसिद्ध कलाकार के रूप में अंग्रेजी और स्पेनिश राजाओं द्वारा सम्मान के साथ स्वागत किया गया, वह नए कनेक्शन प्राप्त करता है, रॉयल्टी का संरक्षण, उसे कुलीनता और नाइटहुड तक बढ़ाया जाता है। स्पेन में, रूबेन्स ने वहां बड़े पैमाने पर प्रतिनिधित्व किए गए टिटियन के कैनवस का अध्ययन किया, युवा वेलाज़क्वेज़ से मिलता है।

1630 में रूबेन्स एंटवर्प लौट आए और जल्द ही अपनी पहली पत्नी ऐलेना फोरमेन से एक युवा दूर के रिश्तेदार से शादी कर ली। अपने काम के आखिरी दौर में वह कलाकार की संग्रह बन गईं। ऐलेना फोरमैन कलाकार के आदर्श का एक जीवंत अवतार है, जैसे कि एक छवि उसके कैनवस से उतरी हो। वह उसे अपने साथ टहलने के लिए पेंट करता है, बगीचे में, उसे अपनी संपत्ति दिखाता है, वह उसे बच्चों के साथ चित्रित करता है, उसे कपड़े पहने और नग्न करता है। एक विनीज़ चित्र (फर कोट, 1638) में, ऐलेना नग्न दिखाई देती है, एक लाल कालीन पर खड़ी है, उसके कंधों पर एक फर कोट लिपटा हुआ है। चित्र बेहतरीन रंग की बारीकियों पर बनाया गया है, मख़मली त्वचा के साथ घने भूरे रंग के फर के विपरीत, हल्के हवा में घुसे हुए बाल, चमकदार आँखों की नमी के साथ। महिला का शरीर जबरदस्त यथार्थवादी शक्ति के साथ लिखा गया है, ऐसा लगता है कि आप अपनी नसों में रक्त स्पंदन महसूस कर सकते हैं। यह एक बहुत ही व्यक्तिगत, अंतरंग छवि है, लेकिन, किसी भी महान कार्य की तरह, इसमें एक सामान्य विचार शामिल है: रूबेन्स एक महिला को जीवन के प्रतीक के रूप में महिमामंडित करते हैं।

30 के दशक में, एक बड़े वाणिज्यिक शहर में जीवन के बोझ तले दबे रूबेन्स ने एक पुराने महल स्टेन (स्टीन) के साथ एक संपत्ति खरीदी, इसलिए रूबेन्स के काम की इस अवधि को अक्सर "स्टेनोव्स्की" कहा जाता है। अपने जीवन के इस अंतिम दशक में, रूबेन्स अपने लिए और अधिक लिखते हैं, अपनी पसंद के विषयों द्वारा निर्देशित, लेकिन अनुरोध पर कई काम करते हैं। वह चित्रों को चित्रित करता है, और यद्यपि यह शैली उनके काम में सबसे महत्वपूर्ण नहीं है, फिर भी यह शैली के ढांचे में स्पष्ट रूप से फिट बैठती है। यह एक औपचारिक बारोक चित्र है, जिसमें मॉडल की मुद्रा, और पोशाक, और सेटिंग के सभी प्रकार के सामान द्वारा महानता व्यक्त की जाती है। पहले से ही मध्यम आयु वर्ग के व्यक्ति के जीवन के अनुभव इस चेहरे पर लिखे गए हैं। चरित्र चित्रण में कोई कम सूक्ष्म और रंग में उत्तम नहीं है, यह एक युवा महिला का पहले का चित्र है, जिसे एक नौकरानी के चित्र के रूप में जाना जाता है (सी। 1625)।

रूबेन्स भी प्रकृति के जीवन में बदल जाते हैं। विस्तृत मैदान, मोटे झुंड, शक्तिशाली पेड़, एक शांत विस्तार या, इसके विपरीत, रूबेन्स के ब्रश द्वारा एक उग्र तत्व को यथार्थवाद और अपरिवर्तनीय जीवन पुष्टि की समान भावना के साथ व्यक्त किया जाता है। वास्तव में राष्ट्रीय भावना के अर्थ में, रूबेन्स महान डच कलाकार पीटर ब्रूगल मुज़ित्स्की के उत्तराधिकारी के रूप में कार्य करता है।

पिछले दशक में, रूबेन्स के पेंटिंग कौशल को विशेष गुण और अत्यधिक चौड़ाई से अलग किया गया है। रंग अधिक मोनोक्रोम हो जाता है, अधिक सामान्यीकृत होता है, पूर्व बहुरंगा खो जाता है (बाथशेबा, 1635; युद्ध के परिणाम, 1638)।

रूबेन्स की मृत्यु 1640 में उनके जीवन के प्रमुख समय में हुई थी। उनके पास कई छात्र थे, एक विशाल कार्यशाला, जिसमें उनके छात्रों द्वारा कलाकार के रेखाचित्रों के अनुसार कई काम पूरे किए गए थे। वैन डाइक, स्नाइडर्स, जान ब्रूगल वेलवेट उनमें से थे। लेकिन यह छात्रों की संख्या के बारे में नहीं है। रूबेन्स का ऐतिहासिक महत्व यह है कि उन्होंने फ्लेमिश स्कूल के विकास का मार्ग निर्धारित किया, जिसका पश्चिमी यूरोपीय कला के बाद के विकास पर विशेष रूप से 1 9वीं शताब्दी के विकास पर जबरदस्त प्रभाव पड़ा।

रूबेन्स के सभी छात्रों में सबसे प्रसिद्ध, जिन्होंने उनके साथ लंबे समय तक अध्ययन नहीं किया, लेकिन जल्द ही उनकी कार्यशाला में पहले सहायक बन गए, एंथनी वैन डाइक (1599-1641) थे। वैन डिजक एक कलाकार के रूप में जल्दी विकसित हुआ। एक अमीर एंटवर्प व्यापारी का बेटा, उसने अपना सारा जीवन आदिवासी अभिजात वर्ग में शामिल होने के लिए प्रयास किया, और उसके चित्र और आत्म-चित्र हमेशा मॉडल के अभिजात वर्ग, उसकी नाजुकता और परिष्कार पर जोर देते हैं। यह भाग्य का इतना सुंदर प्रिय है कि हम उसे हर्मिटेज सेल्फ-पोर्ट्रेट में देखते हैं: इस गुलाबी गाल वाले फ्लेमिश चेहरे को एक थका हुआ अभिव्यक्ति जानबूझकर दी गई है, प्रकृति में, स्त्रीत्व की विशेषताओं पर जोर दिया गया है। सुंदर चिकना हाथों को सावधानी से चित्रित किया गया है, पोशाक अभिजात और लापरवाह है, कर्ल रोमांटिक रूप से विकसित हुए हैं। वह खुद को अब रिनाल्डो, अब पेरिस, अब लिखता है। अनुसूचित जनजाति। सेबस्टियन। समृद्ध एंटवर्प बर्गर को चित्रित करते हुए, जो स्वयं इस माहौल से उभरे हैं, वैन डिज्क अभिजात वर्ग के मॉडल के लिए हर संभव तरीके से कोशिश करते हैं, उन्हें एक घबराहट अभिव्यक्ति और रूपों की परिष्कार प्रदान करते हैं।

अपने काम में, पौराणिक और ईसाई भूखंडों ने एक बड़े स्थान पर कब्जा कर लिया है, जिसे वह अंतर्निहित गीतवाद या दुखद रूप से लालित्य ("सुज़ाना एंड द एल्डर्स", 1618-1620; "सेंट जेरोम", 1620; "मैडोना विद पार्ट्रिज", 30 के दशक की शुरुआत में व्याख्या करता है) वर्षों)।

वैन डाइक।शिकार पर चार्ल्स प्रथम का पोर्ट्रेट। पेरिस, लौवर

लेकिन वैन डाइक की मुख्य शैली चित्र है। पहले में, एंटवर्प अवधि (10 के दशक के अंत - 20 के दशक की शुरुआत), जैसा कि उनके काम के इस समय को कहा जाता है, वे अमीर बर्गर या अपने साथी कलाकारों को लिखते हैं, सूक्ष्म मनोविज्ञान के साथ सख्ती से यथार्थवादी तरीके से लिखते हैं। लेकिन इटली पहुंचने पर, इस प्रकार का चित्र दूसरे को रास्ता देता है। स्थानीय जेनोइस बड़प्पन के प्यार को जीतने के बाद, वैन डिजक कई आदेश प्राप्त करता है और एक औपचारिक, प्रतिनिधि चित्र बनाता है, जो सबसे पहले, मॉडल से संबंधित वर्ग को व्यक्त करता है। आकृति को नीचे से थोड़ा सा प्रस्तुत किया गया है, जो इसे और अधिक राजसी, स्मारकीय, समृद्ध पोशाक और साज-सामान के सामान इस छाप को बढ़ाता है। वैन डाइक के चित्र उनकी सभी संरचना में सजावटी हैं: प्लास्टिक और रैखिक लय, कायरोस्कोरो का खेल, जिसे उन्होंने कारवागियो से सीखा, और निश्चित रूप से, रंग, जिसमें सबसे बड़े रंगकर्मी रूबेन्स का प्रभाव विनीशियन रंग के प्रभाव में विलीन हो गया। कलाकार पर स्कूल (पाओला एडोर्नो का चित्र)।

1627 में वैन डिज्क एंटवर्प लौट आए और चूंकि रूबेन्स इस अवधि के दौरान स्पेन और इंग्लैंड के लिए रवाना हुए, कुछ समय के लिए अपने गृहनगर में मुख्य कलात्मक व्यक्ति बन गए। एक फैशनेबल चित्रकार के रूप में उनकी सफलता बहुत बड़ी है। राजनेता, चर्च के पुजारी, अभिजात और धनी बर्गर, स्थानीय सुंदरियाँ, साथी कलाकार एक लंबी गैलरी में दिखाई देते हैं, जिसमें इन वर्षों के वैन डाइक के काम शामिल हैं (स्टीवंस पति-पत्नी के चित्र; कलाकार एफ। स्नाइडर्स, आदि का चित्र) .

अपनी मातृभूमि पर लौटने पर, महान गुरु के साथ प्रतिस्पर्धा नहीं करना चाहते, महत्वाकांक्षी कलाकार किंग चार्ल्स I (1632) की सेवा में सेवा करने के लिए इंग्लैंड के लिए रवाना हो जाते हैं। इंग्लिश नेशनल स्कूल ऑफ पेंटिंग बस आकार ले रहा था, और वैन डिज्क का स्वागत खुशी से किया गया और तुरंत सचमुच आदेशों से भर गया। चार्ल्स प्रथम ने उन्हें राजा के मुख्य चित्रकार की उपाधि प्रदान की, उन्हें नाइटहुड की गरिमा तक पहुँचाया। वैन डाइक अंग्रेजी दरबार के अभिजात वर्ग के औपचारिक चित्रों की एक गैलरी बनाकर हर चीज के लिए "भुगतान" करता है। वह अपने मॉडलों को समृद्ध आंतरिक सज्जा में या प्रकृति की गोद में, सबसे अधिक बार पूर्ण लंबाई में, एक शानदार मुद्रा में, रंगीन कपड़ों में, स्पष्ट रूप से अलंकृत में प्रस्तुत करता है। लेकिन प्रत्येक व्यक्तिगत मामले में सूक्ष्मता से कब्जा कर लिया गया, मॉडल की व्यक्तिगत विशेषताएं, वैन डाइक के अनुपात की अंतर्निहित भावना और निश्चित रूप से, कलाकार का शानदार कौशल - यह सब एक साथ उसे सकल चापलूसी से बचाता है (थॉमस व्हार्टन का चित्र; फिलिप व्हार्टन का चित्र; शिकार पर चार्ल्स प्रथम का चित्र, सी. 1635)।

इंग्लैंड के लिए, वैन डाइक चित्रांकन के एक बड़े स्कूल के संस्थापक थे, जो 18 वीं शताब्दी में एक असाधारण उत्कर्ष तक पहुंच गया। लेकिन महाद्वीप के स्कूलों के लिए, औपचारिक चित्र के एक मास्टर के रूप में वैन डिजक का बहुत महत्व था।

एफ स्नाइडर्स।फल की दुकान। सेंट पीटर्सबर्ग, हर्मिटेज

वैन डिजक कई मायनों में रूबेन्स से बहुत दूर था। रूबेन्स की मृत्यु के बाद फ्लेमिश स्कूल के सच्चे अनुयायी और प्रमुख 17 वीं शताब्दी में फ्लैंडर्स के सबसे महान चित्रकार जैकब इओर्डन (1593-1678) थे। अपने स्टूडियो में रूबेन्स के सर्वश्रेष्ठ सहायकों में से एक, उन्होंने महान चित्रकार से बहुत कुछ सीखा, लेकिन अपनी व्यक्तिगत विशेषताओं को नहीं खोने में कामयाब रहे। वैन डिज्क की तरह, वह एक बर्गर बैकग्राउंड से आया था। उन्होंने जो भी विषय उठाए - पौराणिक, ईसाई, अलंकारिक - वे हमेशा एक शांत यथार्थवादी बने रहे जो एक स्वस्थ लोक सिद्धांत को बनाए रखने में कामयाब रहे। उनकी पसंदीदा शैली रोजमर्रा की जिंदगी है। यह राष्ट्रीय "बीन किंग की छुट्टी" है - परिवार के रहस्योद्घाटन, जॉर्डनियों द्वारा कई बार दोहराया गया: भोजन के साथ टेबल फट रहे हैं, संतोष के साथ चेहरे चमक रहे हैं, मुस्कान में फैल गए हैं। कलाकार लोगों की भीड़ में, किसान परिवेश में अपनी छवियों की तलाश कर रहा था। एक अन्य व्यापक कथानक में - "एक व्यंग्यकार एक किसान का दौरा करता है" (ईसप की कल्पित कहानी के विषय पर; इस चित्र के संस्करण कई यूरोपीय संग्रहालयों में उपलब्ध हैं), प्राचीन कथा राष्ट्रीय फ्लेमिश विशेषताओं को प्राप्त करती है। जॉर्डन की कला का पुरानी डच परंपरा से गहरा संबंध है। यूरोपीय आकाओं के प्रारंभिक वर्षों में वे कवाराजो ("द एडोरेशन ऑफ द शेफर्ड्स") से बहुत प्रभावित थे। बाद में, वह काले और सफेद विरोधाभासों के प्रभावों में कम दिलचस्पी लेता है। रंग की संतृप्ति एक उत्सव की रचना बनाती है, जो हमेशा मस्ती से छलकती है। जोर्डेन्स की पेंटिंग रसदार, मुक्त, विशाल रूप से शक्तिशाली है, जो कलाकार की महान सजावटी संभावनाओं को दर्शाती है। जॉर्डन के कार्यों में राष्ट्रीय स्वाद, राष्ट्रीय प्रकार को सबसे बड़ी पूर्णता और सीधेपन के साथ व्यक्त किया गया है।

17वीं शताब्दी की फ्लेमिश कला में एक विशेष शैली। एक स्थिर जीवन था, जिसके प्रसिद्ध गुरु फ्रैंस स्नाइडर्स (1579-1657) थे। उनके चित्रों में, जमीन और पानी के सुंदर चित्रित उपहारों के ढेर टेबल पर पड़े हैं: मछली, मांस, फल, पीटा खेल। एक नियम के रूप में, इस तरह के अभी भी जीवन बड़े समृद्ध अंदरूनी हिस्सों के सजावटी अलंकरण के रूप में कार्य करते हैं, इसलिए फ्लेमिश अभी भी जीवन आमतौर पर आकार में बड़ा होता है, डच के विपरीत (उदाहरण के लिए, प्रसिद्ध स्नाइडर्स स्टॉल, 1618-1621: द फिश शॉप, फल की दुकान, एपिस्कोपल पैलेस के लिए निष्पादित)।

असाधारण रूप से प्रतिभाशाली कलाकार एड्रियन ब्रौवर (ब्राउवर, 1601-1638) द्वारा फ़्लैंडर्स की कला में शैली की पेंटिंग का प्रतिनिधित्व किया जाता है। कई वर्षों तक हॉलैंड में रहने के बाद, ब्रॉवर ने रोजमर्रा के विषयों पर छोटे आकार के चित्रों को चित्रित किया। इसके नायक किसान और शहरी जन हैं, वे ताश खेलते हैं, पीते हैं, लड़ाई करते हैं, गीत गाते हैं। ब्राउनर के कार्यों में फ्लेमिश स्कूल की कोई व्यापक सजावट नहीं है, वे डच यथार्थवाद की भावना में बने हैं और करीबी परीक्षा ("द विलेज डॉक्टर") के लिए डिज़ाइन किए गए हैं। भूखंड कभी-कभी नाटकीय होते हैं, चेहरे, चेहरे के भाव, मुद्राएं, इशारे असामान्य रूप से अभिव्यंजक होते हैं, विडंबना कड़वाहट से जुड़ी होती है, और इस अर्थ में, ब्रौवर ब्रूगल ("द फाइट") की परंपराओं को जारी रखता है। उनका लेखन उत्कृष्ट, कलात्मक, सूक्ष्म रंग संबंधों से भरा है। भाषा की संक्षिप्तता, न्यूनतम साधनों के साथ मुख्य बात को व्यक्त करने की क्षमता, बुद्धिमान आत्म-संयम पूरी तरह से ब्रॉवर के चित्र में प्रकट होता है, उनकी लैपिडारिटी में समकालीन कला के बहुत करीब है।

ब्रॉवर के अनुयायी डेविड टेनियर्स द यंगर (1610-1690) के कार्यों में, किसान विषय की व्याख्या ग्रामीण उत्सव के रूप में की जाती है। बड़ी, लेकिन छोटी-छोटी रचनाओं में, वह खुली हवा में नृत्य, भोजन, शांतिपूर्ण बातचीत के साथ उत्सव की मस्ती का प्रतिनिधित्व करता है ... 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। फ्लेमिश पेंटिंग में कोई प्रमुख स्वामी नहीं हैं, लेकिन फ़्लैंडर्स ने पहले ही यूरोपीय कला में योगदान दिया है।

अध्याय "द आर्ट ऑफ़ फ़्लैंडर्स"। खंड "17 वीं शताब्दी की कला"। कला का सामान्य इतिहास। वॉल्यूम IV। 17 वीं -18 वीं शताब्दी की कला। लेखक: यू.डी. कोलपिंस्की (रूबेंस पर परिचय और अनुभाग) और टी.पी. कैप्टेरेवा; यू.डी. द्वारा संपादित कोलपिंस्की और ई.आई. रोटेनबर्ग (मास्को, स्टेट पब्लिशिंग हाउस "आर्ट", 1963)

फ़्लैंडर्स में नीदरलैंड का विभाजन (17वीं शताब्दी से फ़्लैंडर्स के तहत न केवल फ़्लैंडर्स उचित, दक्षिणी नीदरलैंड का सबसे अमीर क्षेत्र था, बल्कि संपूर्ण दक्षिणी नीदरलैंड्स था।) और हॉलैंड डच बुर्जुआ के विकास के कारण था। क्रांति। फ़्लैंडर्स के सामंती बड़प्पन, स्थानीय बड़े पूंजीपतियों के साथ, लोकप्रिय क्रांतिकारी आंदोलन के पैमाने से भयभीत होकर, स्पेनिश हैब्सबर्ग के साथ समझौता किया और क्रांति को धोखा दिया। 1579 का अरास संघ इस समझौते की अभिव्यक्ति था; उसने दक्षिणी प्रांतों पर स्पेनिश राजशाही की रक्षा की। स्पैनिश गवर्नरों के आसपास, फ़्लैंडर्स के कुलीनता और कैथोलिक पादरियों को समूहीकृत किया गया था। राष्ट्रीय हितों को धोखा देने की कीमत पर, बड़प्पन अपने कई संपत्ति विशेषाधिकारों को बनाए रखने में कामयाब रहे, और फ्लेमिश बड़े पूंजीपति, जमीन खरीदने और कुलीनता के खिताब हासिल करने के लिए, खुद को एक प्रकार के भूस्वामी अभिजात वर्ग में बदल गया। कैथोलिक धर्म ने देश में अपना प्रमुख स्थान बरकरार रखा।

बुर्जुआ संबंधों का विकास, यदि पूरी तरह से निलंबित नहीं किया गया है, तो भी काफी धीमा हो गया है। कई महत्वपूर्ण उद्योगों को महत्वपूर्ण नुकसान हुआ। फ़्लैंडर्स का सबसे बड़ा शहर, एंटवर्प, 1576 में स्पेनिश सैनिकों द्वारा अपनी हार के बाद, विश्व व्यापार और मुद्रा बाजार के केंद्र के रूप में अपना पूर्व महत्व खो दिया। फिर भी 17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के दौरान। सैन्य तबाही से उबरे देश ने कुछ आर्थिक सुधार का अनुभव किया।

निरंकुश-कुलीन ताकतों की जीत की शर्तों के तहत, पूंजीपति वर्ग को पूंजी के एक हिस्से में निवेश करने के लिए मजबूर होना पड़ा, जिसे उद्योग के क्षेत्र में आवेदन नहीं मिला। कृषि के साथ-साथ उद्योग की कुछ नई शाखाओं (रेशम-बुनाई, फीता, कांच) का भी कुछ हद तक विकास हुआ। इस तथ्य के बावजूद कि यह उभार सीमित और अस्थायी था और राष्ट्र की राजनीतिक गतिविधि में गिरावट के माहौल में हुआ था, फिर भी यह संस्कृति के विकास पर अपना प्रभाव डालने में मदद नहीं कर सका। लेकिन बाद के लिए और भी महत्वपूर्ण यह तथ्य था कि डच क्रांति ने फ़्लैंडर्स में पराजित होने के बाद भी, लोगों के बीच अटूट ताकतों को जगाया, जिसका प्रभाव फ्लेमिश कलात्मक संस्कृति में स्पष्ट रूप से महसूस किया जाता है।

17वीं सदी में। फ़्लैंडर्स में प्रगतिशील सामाजिक रुझान मुख्य रूप से कला के क्षेत्र में सन्निहित थे, जहाँ उन्हें प्रमुख प्रणाली और प्रमुख विचारधारा के साथ खुले विरोधाभास में प्रवेश किए बिना व्यक्त किया गया था।

फ्लेमिश कला के सुनहरे दिनों में 17 वीं शताब्दी का पहला भाग शामिल है। यह इस समय था कि एक अद्भुत फ्लेमिश कला विद्यालय का गठन किया गया था, जिसने यूरोपीय संस्कृति के इतिहास में एक उत्कृष्ट स्थान लिया और रूबेन्स, वैन डाइक, जॉर्डन, स्नाइडर्स, ब्राउनर जैसे स्वामी दिए।

महलों, मंदिरों और विभिन्न निगमों के लिए आदेश, विशेष रूप से सदी के पूर्वार्द्ध में, चित्रकला में स्मारकीय और सजावटी प्रवृत्तियों के व्यापक प्रसार में योगदान दिया। यह पेंटिंग में था कि फ़्लैंडर्स संस्कृति की प्रगतिशील विशेषताओं को पूरी तरह से व्यक्त किया गया था: यथार्थवाद, राष्ट्रीयता, उज्ज्वल हंसमुखता, छवियों का गंभीर उत्सव।

फ़्लैंडर्स की स्थितियों में, आधिकारिक प्रमुख कला बारोक थी। इसके अलावा, यह इटली के साथ फ़्लैंडर्स था, जो 17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में दिखाई दिया। कला में बारोक दिशा के गठन के मुख्य केंद्रों में से एक। हालांकि, फ्लेमिश बारोक कई मायनों में इतालवी से काफी अलग था। रूबेन्स, जॉर्डेन्स, स्नाइडर्स और अन्य उस्तादों की कला, उत्थान और गंभीर रूपों में, फ्लेमिश समाज की महत्वपूर्ण शक्तियों द्वारा उत्पन्न जीवन-पुष्टि आशावाद की भावना को दर्शाती है। रूबेन्स की कला में व्यक्त फ़्लैंडर्स में बारोक के विकास की यह विशेषता थी, जिसने बारोक प्रणाली के ढांचे के भीतर यथार्थवादी विशेषताओं को विकसित करना संभव बना दिया, और इसके अलावा, जितना संभव था उससे कहीं अधिक हद तक इटली।

फ़्लैंडर्स में सापेक्ष उभार की अवधि 17वीं शताब्दी के मध्य में समाप्त होती है। स्पेनिश निरपेक्षता के जुए के तहत, फ्लेमिश अर्थव्यवस्था गिरावट में है। फ़्लैंडर्स का सामाजिक और सांस्कृतिक जीवन अधिक से अधिक स्थिर और रूढ़िवादी होता जा रहा है।

17 वीं शताब्दी के फ्लेमिश धार्मिक वास्तुकला में प्रमुख धर्म के रूप में स्पेनिश संरक्षक की स्थापना और कैथोलिक धर्म के संरक्षण के बारे में बताया गया। जेसुइट्स द्वारा प्रचारित रोमन बारोक के रूपों का प्रसार। कुछ प्रारंभिक फ्लेमिश चर्च भवनों का प्रोटोटाइप रोम में गेसू चर्च (ब्रसेल्स में जेसुइट चर्च, जे। फ्रैंकर्ड द्वारा 1606-1616 का जेसुइट चर्च था, जो आज तक नहीं बचा है, एंटवर्प में सेंट चार्ल्स बोर्रोमियस का चर्च पी। हेसेंस , 1614-1621)। हालांकि, जल्द ही फ़्लैंडर्स के आर्किटेक्ट स्थानीय परंपराओं के आधार पर बारोक का एक मूल संस्करण बनाने में सक्षम थे। यह योजना और वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक समाधानों के परिष्कार और मौलिकता से इतना अलग नहीं है, बल्कि गंभीर और उत्सव की सजावट की सामान्य भावना से है, जिसने इमारतों के पहलुओं में अपनी पूर्ण अभिव्यक्ति पाई। सदी के उत्तरार्ध के सर्वश्रेष्ठ स्थापत्य कार्यों में सेंट पीटर्सबर्ग का चर्च है। माइकल इन लौवेन (1650-1666) जी. जीसस एंड द ब्रुसेल्स चर्च ऑफ जॉन द बैपटिस्ट ऑफ द ऑर्डर ऑफ द बेगुइन्स (1657-1676)। इसके लेखक लुकास फेदरबे ऑफ मालिंस (1617-1697), 17 वीं शताब्दी के सबसे प्रसिद्ध फ्लेमिश वास्तुकारों और मूर्तिकारों में से एक, ने यहां तीन पेडिमेंट के रूप में मुखौटा का मूल समाधान लागू किया, जिनमें से केंद्रीय पार्श्व वाले पर हावी है . ट्रिपल और डबल पायलट, कॉलम, विलेय, फटे पेडिमेंट और विभिन्न सजावटी उद्देश्यों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। Faidherbe इस सुंदर इमारत के अलग-अलग तत्वों को एक साथ जोड़ने में कामयाब रहा है, जो एक जटिल और सनकी सिल्हूट द्वारा प्रतिष्ठित है।

17वीं शताब्दी के फ़्लैंडर्स की वास्तुकला में सबसे बड़ी रुचि। हालांकि, एक पंथ नहीं, बल्कि एक धर्मनिरपेक्ष इमारत का प्रतिनिधित्व करता है, जिसमें सदियों से विकसित स्थानीय परंपराएं अधिक पूर्ण और स्पष्ट रूप से प्रकट हो सकती हैं। वे इतने मजबूत और महत्वपूर्ण थे कि रूबेन्स का अधिकार भी, जिसका प्रभाव फ़्लैंडर्स के कलात्मक जीवन के कई क्षेत्रों में निर्णायक था, उनके सामने शक्तिहीन हो गया। इटली में अपने प्रवास के दौरान, रूबेन्स ने जेनोआ का दौरा किया, जहां उन्हें 16वीं शताब्दी की वास्तुकला के शानदार कार्यों से प्रभावित किया गया था। अपने घर लौटने पर उनके द्वारा बनाए गए स्थापत्य रेखाचित्रों को निकोलस रेकेमन्स द्वारा उकेरा गया था और 1622 में एंटवर्प में प्रकाशित जेनोआ के दो-खंड महलों को बनाया गया था। रूबेन्स के लिए जेनोइस वास्तुकला का अध्ययन न केवल संज्ञानात्मक रुचि का था। महान रचनात्मक गतिविधि के व्यक्ति, उन्होंने फ्लेमिश वास्तुकला के एक क्रांतिकारी परिवर्तन का सपना देखा। जेनोइस पलाज़ो, उनकी राय में, फ़्लैंडर्स के नए धर्मनिरपेक्ष वास्तुकला के लिए एक मॉडल बनना था।

हालांकि, फ्लेमिश मिट्टी पर स्मारकीय महल का प्रकार विकसित नहीं हुआ। इसे 1611-1618 के वर्षों में इतालवी भावना में बनाया गया था। केवल एक टुकड़ा एंटवर्प में रूबेन्स का अपना घर है। छोटे कलाकारों की टुकड़ी, जिसमें चित्रित अग्रभाग, प्रवेश द्वार और एक मंडप के साथ एक बगीचे के साथ कई इमारतें शामिल हैं, जो मालिक से मालिक के पास जाती हैं, का महत्वपूर्ण पुनर्गठन हुआ है। 1937 से, इसकी बहाली पर पूंजी का काम शुरू हुआ, 1947 में पूरा हुआ।

अब भी, इस तथ्य के बावजूद कि रूबेन्स का घर अपने वर्तमान स्वरूप में काफी हद तक पुनर्निर्माण का परिणाम है, कोई भी महान कलाकार के घर की रोमांचक अपील को महसूस कर सकता है, जिसमें डच अंदरूनी के घरेलू आराम को महानता के साथ जोड़ा जाता है। इटैलियन पलाज़ो की वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक रचना। रूबेन्स को प्रेरित करने वाले वास्तुशिल्प आदर्शों को सबसे अच्छे संरक्षित भागों के समाधान में अजीबोगरीब रूप से अपवर्तित किया गया था - तीन-स्पैन विजयी मेहराब के रूप में सामने का प्रवेश द्वार, बड़े पैमाने पर देहाती सामग्री, मूर्तिकला सजावट के साथ सजाया गया और एक सुंदर कटघरा के साथ ताज पहनाया गया। एक छोटे से सुरुचिपूर्ण उद्यान मंडप के रूप में।

रूबेन्स की सभा 17वीं शताब्दी के फ्लेमिश धर्मनिरपेक्ष वास्तुकला के विकास की सामान्य तस्वीर में एक प्रकार का अपवाद है। पिछली शताब्दियों की तरह, फ़्लैंडर्स पर बहु-मंजिला (पांच मंजिल तक) घरों का प्रभुत्व था, जो मध्य युग में नीदरलैंड में उभरा, जिसमें तीन या चार कुल्हाड़ियों का एक संकीर्ण मुखौटा और एक उच्च पेडिमेंट था। बगल की खाली दीवारों से सटे, इमारतों का सामना गली से होता है, जो एक सतत सड़क की इमारत बनाते हैं।

17वीं शताब्दी में आवासीय स्थापत्य का विकास फ़्लैंडर्स में, वह मुख्य रूप से युग के अनुरूप स्थापत्य और सजावटी पहलुओं के नए रूपों को बनाने के मार्ग पर चली गईं। त्रिकोणीय या चरणबद्ध पेडिमेंट्स की सख्त रेखाओं को अधिक जटिल और विचित्र बारोक रूपरेखाओं द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, अग्रभाग की सतह को पायलटों, स्तंभों, कैरेटिड्स, मूर्तियों, आधार-राहत और गहनों से बहुतायत से सजाया गया था।

दुर्भाग्य से, 17वीं शताब्दी के फ्लेमिश वास्तुकला के सभी खूबसूरत स्मारक एक ही नाम के नहीं हैं। आज तक बचे हैं। 1695 में फ्रांसीसी सैनिकों द्वारा बार-बार की जाने वाली आग और विशेष रूप से ब्रुसेल्स की भयंकर गोलाबारी ने उनमें से कई को नष्ट कर दिया। गोलाबारी के बाद, 1696-1720 में। आर्किटेक्ट गिलाउम डी ब्रुजन (1649-1719) के मार्गदर्शन में, ब्रुसेल्स ग्रैंड प्लेस को बहाल किया गया था - यूरोप में सबसे उल्लेखनीय वर्गों में से एक, जो फ़्लैंडर्स में विकसित शहरी पहनावा की प्रकृति का न्याय करने की अनुमति देता है।

पुराने शहर का केंद्र - ग्रैंड प्लेस - एक आयताकार वर्ग है जिसकी भुजाएँ 110 X 68 मीटर हैं। निरंतर परिधि इमारत, केवल संकरी और विनीत सड़कों के वर्ग की ओर जाने वाले निकास द्वारा बाधित, पहनावा को सख्त अलगाव का आभास देता है। स्क्वायर के दक्षिण की ओर स्थित प्रसिद्ध 15वीं शताब्दी का टाउन हॉल, अपने पैमाने और अपने रूपों की सुंदरता के लिए खड़ा है, बड़े पैमाने पर अन्य इमारतों के सभी प्रकार के स्थापत्य रूपों के अधीन है, इसके साथ एक कलात्मक एकता बनाने के बावजूद, तथ्य यह है कि वर्ग का स्थापत्य परिसर कभी-कभी विषम इमारतों से बना होता है। तो, इसके पूरे पूर्वी हिस्से पर ड्यूक ऑफ ब्रेबेंट के महल का कब्जा था - 1698 में गुइल्यूम डी ब्रेजन द्वारा बनाई गई एक इमारत, जिसने अपने विशाल मुखौटे के साथ छह पुराने गिल्ड हाउसों को एकजुट किया। लेकिन अपने रूपों में लगभग शास्त्रीय, यह संरचना भी यहां पर विदेशी नहीं लगती है। पहनावा की भावना ने उन मास्टर्स को प्रेरित किया जिन्होंने ग्रैंड प्लेस को स्क्वायर के उत्तरी किनारे पर टाउन हॉल का विरोध करने के लिए एक ओपनवर्क आर्केड के साथ ब्रेड मार्केट की सुंदर इमारत के साथ, व्यंजन रूपों में कुशलता से शैलीबद्ध किया, जिसे हाउस ऑफ हाउस के रूप में जाना जाता है। राजा। लेकिन कार्यशालाओं और निगमों की ऊंची इमारतों की तरह वर्ग को जीवन में कुछ भी नहीं लाता है, जिनमें से सबसे अच्छा पश्चिमी तरफ बनाया गया है। आश्चर्यजनक सरलता के साथ, इन बहु-मंजिला संकीर्ण पहलुओं को रसीला पेडिमेंट्स के साथ ताज पहनाया जाता है, जिसमें फूलों की माला (फॉक्स का घर) के साथ विलेय को जोड़ा जाता है या जहाज के स्टर्न के लिए एक असामान्य मकसद का उपयोग किया जाता है, जैसा कि हाउस ऑफ द हाउस में होता है। नाविक निगम। पोशाक में एक गहना की छाप गिल्डिंग के उपयोग से बढ़ जाती है, जो वर्ग में सभी इमारतों के सजावटी विवरण को कवर करती है और समय के साथ काले पड़ने वाले पहलुओं पर मंद टिमटिमाती है।

17वीं शताब्दी की फ्लेमिश मूर्तिकला बारोक कला की मुख्यधारा की वास्तुकला के साथ सामान्य रूप से विकसित। उसने न केवल इमारतों के अग्रभागों को बहुतायत से सजाया, बल्कि उनके अंदरूनी हिस्सों में विभिन्न तरीकों से उनका प्रतिनिधित्व किया। फ़्लैंडर्स में गॉथिक और बारोक चर्च इस प्लास्टिक के उत्कृष्ट उदाहरण रखते हैं: मृतकों की मूर्तियों के साथ मकबरे की सरकोफेगी, संगमरमर की वेदियां, आभूषणों से ढके नक्काशीदार प्यूज़, मूर्तिकला की सजावट के साथ संतृप्त लकड़ी के उपदेश पल्पिट, वास्तुशिल्प संरचनाओं के समान कन्फेशनल और कैरेटिड्स से सजाए गए, बेस -राहत और पदक। सामान्य तौर पर, मकबरे के पत्थरों के अपवाद के साथ जिसमें चित्र बनाए गए थे, फ्लेमिश मूर्तिकला में एक स्पष्ट सजावटी चरित्र था। उनकी कलात्मक भाषा की विशेषताओं के अलावा, दो शक्तिशाली स्रोत विलीन हो गए। एक ओर, यह बर्निनी के नेतृत्व में इतालवी मूर्तिकला थी, जिसका प्रभाव इस तथ्य से बढ़ गया था कि अधिकांश फ्लेमिश स्वामी इटली गए थे और उनमें से कुछ ने लंबे समय तक वहां काम किया था। दूसरी ओर, स्थानीय कलात्मक परंपरा और सबसे पहले रूबेन्स की कला का प्रभाव अधिक शक्तिशाली था। बारोक रूपों में विकसित, मूर्तिकला ने लोक शिल्प के सदियों पुराने अनुभव, पत्थर और लकड़ी की नक्काशी की प्राचीन परंपराओं को अवशोषित किया।

17वीं शताब्दी के फ़्लैंडर्स में मूर्तिकला के क्षेत्र में। एक भी महान गुरु नहीं दिया। फिर भी, यहाँ सृजित कृतियों का समग्र कलात्मक स्तर बहुत ऊँचा था। हम प्रतिभाशाली मूर्तिकारों की एक पूरी आकाशगंगा के बारे में बात कर सकते हैं जिन्होंने उस समय सफलतापूर्वक काम किया था, जो अक्सर शिल्पकारों के पारिवारिक राजवंशों, ब्रुसेल्स, एंटवर्प, मालिन और अन्य शहरों के मूल निवासियों द्वारा प्रतिनिधित्व करते थे।

मूर्तिकारों के ड्यूक्सनोय परिवार की गतिविधियाँ 17 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध की हैं। इसका सिर, जेरोम डुक्स्नॉय (1570-1641 तक), ब्रुसेल्स के ग्रैंड प्लेस के पास एक फव्वारे के लिए बेहद लोकप्रिय मूर्ति के लेखक थे, जिसमें एक शरारती बच्चा दिखाया गया है जिसे मैननेक्विन पाई के नाम से जाना जाता है, जो पानी की एक चाल फेंकता है। पुतला (फ्लेमिश में - एक आदमी) लंबे समय से शहर के निवासियों का एक वास्तविक पसंदीदा बन गया है, जो उसे "ब्रसेल्स का सबसे प्राचीन नागरिक" कहते हैं। जेरोम के सबसे बड़े बेटे, फ्रेंकोइस ड्यूक्सनोय (1594 - 1643), 1618 में आर्कड्यूक अल्बर्ट द्वारा रोम भेजे गए, मुख्य रूप से इटली में काम करते थे, सेंट पीटर के कैथेड्रल को सजाने में बर्निनी के साथ सहयोग करते थे। पीटर. रोम के कलात्मक वातावरण के प्रभाव ने काफी हद तक उनकी रचनात्मक उपस्थिति को निर्धारित किया, जिसके कारण उनकी कला फ़्लैंडर्स की तुलना में इटली से अधिक संबंधित है। उनके दूसरे बेटे, जेरोम डुक्स्नॉय द यंगर (1602-1654) के काम में, राष्ट्रीय पहचान की विशेषताएं अधिक स्पष्ट थीं।

मूल रूप से फ्रेंकोइस द्वारा कमीशन किया गया था, लेकिन अनिवार्य रूप से जेरोम द्वारा बनाया गया था, सेंट लुइस में आर्कबिशप ट्रिस्ट का मकबरा। गेन्ट में बवोना (1643-1654) उनके सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक है। सफेद और काले संगमरमर से बना मकबरा, स्तंभों और पायलटों से सजा हुआ एक ढांचा है, जहां आर्कबिशप की झुकी हुई आकृति के साथ ताबूत के किनारों पर भगवान की माँ और मसीह की मूर्तियों द्वारा निचे में स्थित है।

एंटवर्प मास्टर्स के क्वेलिन परिवार की कला द्वारा एक पूरे स्कूल का निर्माण किया गया था, जिसके संस्थापक फ्रांकोइस ड्यूक्सनोय के छात्र आर्ट क्वेलिन द एल्डर (1609-1668) थे। एम्स्टर्डम में 1650 से काम करते हुए, वह सिटी हॉल के शानदार बाहरी और आंतरिक सजावट के निर्माता थे। विशेष रूप से प्रसिद्ध हॉल में से एक में इसकी दीवार की सजावट है जिसमें कैरेटिड्स के विशाल आंकड़े और स्वतंत्र रूप से निष्पादित बहु-आंकड़ा बेस-रिलीफ हैं। 1654 में एंटवर्प लौटने पर, गुरु ने शहर के चर्चों के लिए कई मूर्तियां बनाईं।

सदी के उत्तरार्ध में, पहले से ही उल्लेखित लुकास फेदरबे की रचनात्मकता विकसित हुई, जिन्होंने शुरू में मूर्तिकला के क्षेत्र में काम किया था। मालिन मूर्तिकारों के परिवार के प्रतिनिधि, लुकास फेदरबे को कार्यशाला में प्रशिक्षित किया गया था

रूबेन्स, जो उसे अपने सभी छात्रों से ज्यादा प्यार करता था। Faidherbe के मुख्य कार्य उनके द्वारा मालिन में बनाए गए थे और सेंट पीटर्सबर्ग के कैथेड्रल में हैं। रोमुअल्ड। यह काले और सफेद संगमरमर की एक विशाल भव्य वेदी (1665-1666) है, जिसमें सोने का पानी चढ़ा हुआ स्तंभ टोपी है, जिसे बेस-रिलीफ से सजाया गया है और सेंट पीटर की एक विशाल (3.75 मीटर) प्रतिमा के साथ शीर्ष पर है। रोमुअल्ड। आर्कबिशप क्रुसेन (1669) की समाधि का भी बड़ी कुशलता के साथ प्रदर्शन किया गया था। फ्लेमिश प्लास्टिक की परंपराओं को बाहरी रूप से अधिक शानदार की तुलना में यहां अधिक दृढ़ता से व्यक्त किया गया है, लेकिन लीज मास्टर जीन डेलकोर्ट द्वारा बिशप डी "एलोमोन (1673 के बाद; गेन्ट, सेंट बावो के कैथेड्रल) के मकबरे के इतालवी नमूनों की स्पष्ट रूप से नकल की गई है। , बर्नीनी का एक छात्र। इस मूर्तिकार का काम, ब्रवुरा के लक्षणों और रूपों की तीव्र गतिशीलता द्वारा चिह्नित, यह एक अधिक पारंपरिक बारोक चरित्र का था। साथ ही, डेलकोर्ट के कार्यों ने फ्लेमिश प्लास्टिक कला में तेजी से धूमधाम की बढ़ती प्रवृत्ति को दर्शाया। और कलात्मक छवि की जटिलता।

17 वीं शताब्दी की शुरुआत में। फ़्लैंडर्स की पेंटिंग में, एक कारवागिस्ट दिशा विकसित हो रही है, हालांकि, अन्य यूरोपीय देशों की तरह यहां इतना महत्व नहीं था। यदि फ्लेमिश कारवागिस्ट थियोडोर रॉम्बाउट्स (1597-1637) और जेरार्ड सेगर्स (1591-1651) ने अपने कार्यों में एक स्थापित टेम्पलेट का पालन किया, तो अब्राहम जेन्सेंस (1575-1632) का काम अधिक मौलिकता और ताजगी की विशेषताओं से चिह्नित है। उनकी लोक-प्रकार की छवियों की पूर्ण-रक्तता और रूपक और पौराणिक रचनाओं की स्पष्ट शोभा में, राष्ट्रीय चित्रकला की परंपराओं के साथ सीधा संबंध है। 1630 के दशक से। फ्लेमिश कारवागिज़्म के स्वामी रूबेन्स की कला से प्रभावित हैं।

फ़्लैंडर्स के महानतम चित्रकार और 17वीं शताब्दी के यूरोपीय चित्रकला के उल्लेखनीय उस्तादों में से एक। पीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640) का जन्म जर्मनी के सीजेन में हुआ था, जहां रूबेन्स के पिता, एक वकील, जिन्होंने फ़्लैंडर्स के सामाजिक जीवन में भूमिका निभाई थी, डच गृहयुद्ध के दौरान प्रवास कर गए थे। अपने पिता की मृत्यु के तुरंत बाद, माँ और उनका बेटा एंटवर्प लौट आए, जहाँ भविष्य के कलाकार ने उस समय एक उत्कृष्ट शिक्षा प्राप्त की।

व्यापक रूप से उपहार में दिया गया, मानव ज्ञान के सभी धन में महारत हासिल करने का प्रयास करते हुए, रूबेन्स ने बहुत पहले ही पेंटिंग में अपना मुख्य व्यवसाय पाया। पहले से ही 1591 में, उन्होंने पहली बार छोटे कलाकारों टोबियास वेरहाचट और एडम वैन नॉर्ट के तहत अध्ययन किया। उसके बाद वह ओटो वैन वेन (वीनस) चले गए, जो देर से डच रोमनवाद के एक प्रमुख प्रतिनिधि थे। लेकिन उपन्यासकारों की पेंटिंग की भावना रूबेन्स की प्रतिभा के लिए विदेशी बनी रही।

रूबेन्स द्वारा इतालवी पुनर्जागरण और समकालीन इतालवी कला की कला का प्रत्यक्ष अध्ययन रूबेन्स के चित्रकला कौशल के निर्माण के लिए बहुत महत्वपूर्ण था। 1600 से 1608 तक रूबेन्स इटली में रहते थे, ड्यूक ऑफ मंटुआ, विन्सेन्ज़ो गोंजागा के दरबारी चित्रकार का पद संभालते हुए। पुनर्जागरण के महान उस्तादों के कार्यों की कई प्रतियां, इटली के कलात्मक जीवन के साथ घनिष्ठ परिचित ने रूबेन्स के कलात्मक क्षितिज का विस्तार किया। उच्च पुनर्जागरण के महान उस्तादों के काम का अध्ययन करते हुए, उन्हें उस समय कारवागियो द्वारा इटली में नेतृत्व की गई मैनरिज्म पर काबू पाने के संघर्ष के अनुभव को ध्यान में रखने का अवसर मिला। कारवागियो "द एंटोम्बमेंट" द्वारा पेंटिंग की रूबेन्स द्वारा मुफ्त व्यवस्था इस मास्टर के काम में रूबेन्स की रुचि को स्पष्ट रूप से प्रमाणित करती है। उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों में, रूबेन्स ने विशेष रूप से लियोनार्डो दा विंची, माइकल एंजेलो और टिटियन के काम की सराहना की। लेकिन इसकी सचित्र विशेषताओं और जीवन की भावना के संदर्भ में, रूबेन्स की कला, इतालवी पुनर्जागरण के साथ अपने सभी संबंधों के साथ, शुरू से ही एक स्पष्ट फ्लेमिश चरित्र था। यह उल्लेखनीय है कि रूबेन्स का काम वास्तव में फ़्लैंडर्स में उनकी वापसी पर और उन कलात्मक कार्यों को हल करने की प्रक्रिया में सामने आया, जो उनके मूल देश के सामाजिक जीवन की स्थितियों ने उनके लिए प्रस्तुत किए थे।

आदेशों से अभिभूत, रूबेन्स ने एक विशाल कार्यशाला बनाई जिसने प्रतिभाशाली फ्लेमिश कलाकारों के एक पूरे समूह को एक साथ लाया। यहाँ बड़ी संख्या में बड़े कैनवस बनाए गए थे, जो कई यूरोपीय राजधानियों के महलों और मंदिरों को सुशोभित करते थे। स्केच आमतौर पर रूबेंस द्वारा स्वयं बनाया गया था, जबकि ज्यादातर मामलों में पेंटिंग उनके सहायकों और छात्रों द्वारा की गई थी। जब चित्र तैयार हो गया, रूबेन्स ने इसे अपने ब्रश से पारित किया, इसे पुनर्जीवित किया और मौजूदा दोषों को दूर किया। लेकिन रूबेन्स की सबसे अच्छी पेंटिंग शुरू से अंत तक खुद मास्टर ने लिखी थी। रूबेन्स की रचनात्मक उपलब्धियों और अपने समय के सबसे शिक्षित लोगों में से एक के रूप में उनका अधिकार, आखिरकार, उनके व्यक्तित्व के आकर्षण ने फ़्लैंडर्स के सामाजिक जीवन में उच्च स्थान पर कब्जा कर लिया। उन्होंने अक्सर फ़्लैंडर्स के शासकों के महत्वपूर्ण राजनयिक कार्यों को अपने हाथ में ले लिया, पश्चिमी यूरोप के देशों में बड़े पैमाने पर यात्रा की। उस समय के राजनेताओं और विशेष रूप से संस्कृति के उन्नत प्रतिनिधियों के साथ उनका पत्राचार, उनके क्षितिज की चौड़ाई, उनके विचारों की समृद्धि से चकित करता है। उनके पत्रों में कला के बारे में कई दिलचस्प निर्णय हैं जो रूबेन्स की प्रगतिशील कलात्मक स्थिति को स्पष्ट रूप से दर्शाते हैं।

सामान्य तौर पर, रूबेन्स के काम को निम्नलिखित तीन चरणों में विभाजित किया जा सकता है: प्रारंभिक - 1620 तक, परिपक्व - 1620 से 1630 तक, और देर से, अपने जीवन के अंतिम दशक को कवर करते हुए। रूबेन्स के रचनात्मक विकास की एक विशेषता यह थी कि एक चरण से दूसरे चरण में संक्रमण बिना तेज छलांग के धीरे-धीरे हुआ। उनकी कला जीवन के व्यापक दायरे में यथार्थवाद के और अधिक गहन होने के लिए विकसित हुई है और बाहरी रूप से नाटकीय बारोक प्रभाव को दूर करने के लिए, जिनमें से विशेषताएं उनके काम की प्रारंभिक अवधि में रूबेन्स की अधिक विशेषता हैं।

रूबेन्स के काम में प्रारंभिक काल की शुरुआत में (लगभग 1611-1613 तक), कारवागियो का प्रभाव अभी भी खुद को महसूस करता है, विशेष रूप से वेदी और पौराणिक रचनाओं में, और चित्रों में - व्यवहारवाद की अंतिम गूँज। सच है, इन प्रभावों को छवि की समझ की तुलना में तकनीक में, रूप की कुछ विशेषताओं में महसूस किए जाने की अधिक संभावना है। इस प्रकार, उनकी पहली पत्नी, इसाबेला ब्रंट (1609-1610; म्यूनिख) के साथ एक आत्म-चित्र कुछ कठोर तरीके से बनाया गया था। रूबेन्स शानदार वेशभूषा के सभी विवरण लिखते हैं, एक कलाप्रवीण व्यक्ति और सटीक पैटर्न दिखाते हैं। रूबेन्स खुद और उनकी पत्नी उनके चरणों में बैठे हैं, जो बाहरी धर्मनिरपेक्ष अनुग्रह से भरे हुए हैं। और फिर भी, उनके आपस में गुंथे हाथों की गति के सच्चे प्रसारण में, औपचारिक चित्र की पारंपरिकता दूर हो जाती है। कलाकार ने दर्शकों को अपने प्यारे पति के लिए पत्नी की भरोसेमंद कोमलता और युवा रूबेन्स के चरित्र की शांत प्रसन्नता दोनों को महसूस कराया। निष्पादन समय और ललित कला संग्रहालय में "एक युवा महिला का चित्र" के संदर्भ में इस काम के करीब। मास्को में ए.एस. पुश्किन।

द एक्साल्टेशन ऑफ द क्रॉस (सी। 1610-1611; एंटवर्प, कैथेड्रल) में, यह स्पष्ट रूप से देखा गया है कि कैसे रूबेन्स ने कारवागियो और वेनेटियन की विरासत का अध्ययन करते हुए प्राप्त अनुभव की पुनर्व्याख्या की। कारवागियो ने रूबेन्स को प्रकृति को उसके सभी उद्देश्यपूर्ण भौतिकता और महत्वपूर्ण चरित्र में देखने में मदद की। इसी समय, रूबेन्स के अभिव्यंजक आंकड़े बलों के ऐसे दयनीय परिश्रम से प्रभावित होते हैं, ऐसी गतिशीलता जो कारवागियो की कला के लिए विदेशी थे। हवा के झोंके से झुका हुआ एक पेड़, क्रूस पर चढ़ाए गए मसीह के साथ क्रूस को ऊपर उठाने के लोगों के कठिन प्रयास, आकृतियों की तीक्ष्णता, प्रकाश और छाया के बेचैन प्रतिबिंब, तनाव से कांपती हुई मांसपेशियों पर फिसलते हुए - सब कुछ तेज गति से भरा है। रूबेन्स अपनी सभी विविध एकता में संपूर्णता को पकड़ लेता है। प्रत्येक व्यक्ति अपने वास्तविक चरित्र को अन्य पात्रों के साथ बातचीत के माध्यम से ही प्रकट करता है।

सामान्य तौर पर, इस अवधि के रूबेन्स के चित्रों को स्मारकीय अलंकरण, तेज और प्रभावी विरोधाभासों द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है। यह निर्णय आंशिक रूप से रूबेन्स के कार्यों के उद्देश्य से निर्धारित किया गया था। वे वेदी रचनाएँ हैं जो चर्च के इंटीरियर में एक निश्चित स्थान पर कब्जा कर लेती हैं। रूबेन्स की वेदी रचनाओं को उनकी प्राकृतिक सेटिंग से हटाकर संग्रहालयों की दीवारों में स्थानांतरित कर दिया गया है, जो अब कभी-कभी कुछ हद तक कृत्रिम प्रभाव पैदा करती हैं। हावभाव अतिरंजित लगते हैं, पात्रों का संयोजन बहुत कठोर और अधिक सरल है, रंग राग, हालांकि समग्र, बहुत मजबूत है।

उसी समय, रूबेन्स अपनी सर्वश्रेष्ठ रचनाओं में केवल बाहरी प्रभावों तक ही सीमित नहीं थे। यह उनके एंटवर्प "क्रॉस से वंश" (1611-1614) द्वारा प्रमाणित है। क्राइस्ट का भारी और मजबूत शरीर अपने शरीर को निलंबित रखने की कोशिश करने वाली ताकतों के जबरदस्त परिश्रम के साथ भारी पड़ जाता है; घुटना टेककर मगदलीनी मसीह की ओर उत्साह से हाथ बढ़ाकर; दुखी परमानंद में, वह अपने बेटे मैरी के शरीर को गले लगाने की कोशिश करती है। इशारे तूफानी और तेज हैं, लेकिन समग्र की सामान्य अतिरंजित अभिव्यक्ति की सीमा के भीतर, भावनाओं और अनुभवों का क्रम महान सत्यता के साथ सन्निहित है। मरियम के चेहरे पर गहरी उदासी छा जाती है, मगदलीनी की निराशा वास्तविक है।

रूबेन्स की इस पेंटिंग की वाक्पटुता का पैमाना आश्वस्त करने वाला है क्योंकि यह चित्रित घटना के एक ईमानदार अनुभव पर आधारित है - मृतक नायक के लिए दोस्तों और परिवार का दुःख। दरअसल, साजिश के धार्मिक और रहस्यमय पक्ष में रूबेन्स की दिलचस्पी नहीं है। इंजील मिथक में, वह जुनून और अनुभवों से आकर्षित होता है - महत्वपूर्ण, उनके मूल में मानव। रूबेंस आसानी से धार्मिक साजिश की पारंपरिकता पर काबू पा लेते हैं, हालांकि औपचारिक रूप से यह पेंटिंग के आधिकारिक पंथ उद्देश्य के साथ संघर्ष नहीं करता है। इसलिए, हालांकि कई यूरोपीय देशों में बारोक पेंटिंग रूबेन्स की विरासत पर निर्भर थी, उनकी कला की सामग्री, उनके काम का मुख्य यथार्थवादी अभिविन्यास आधिकारिक बारोक द्वारा नहीं माना गया था, जो सजावटी नाटकीयता और जानबूझकर विरोध की प्रवृत्तियों से प्रभावित था। निम्न और उदात्त का। रूबेन्स द्वारा 1610 के दशक में बनाई गई मौलिक रूप से सत्य रचनाओं में, होने की शक्तिशाली शक्ति की भावना, इसकी शाश्वत गति हमेशा स्पष्ट रूप से व्यक्त की जाती है। "द यूनियन ऑफ अर्थ एंड वॉटर" (1612 और 1615 के बीच; लेनिनग्राद, हर्मिटेज), "डिसेंट फ्रॉम द क्रॉस" की नाटकीय शक्ति, "लायन हंट" या "सूअर हंट" में एक भयंकर संघर्ष की खुशी की गंभीरता इस तरह है। " (ड्रेस्डेन), "अंतिम निर्णय" (म्यूनिख) में दुनिया की तबाही, सेनानियों की उग्रता, "अमेज़ॅन की लड़ाई" (म्यूनिख) में जीवन और मृत्यु के लिए एक भयंकर लड़ाई में उलझी हुई है।

"लुसीपस की बेटियों का अपहरण" (1619-1620; म्यूनिख) पौराणिक विषय के लिए रूबेन्स की अपील का एक उदाहरण है। युवतियों का अपहरण करने के लिए सवारों की हरकतें साहसी दृढ़ संकल्प और ऊर्जा से भरी होती हैं। महिलाओं के शानदार शरीर, व्यर्थ में दया के लिए रोते हुए, चमकीले फड़फड़ाते कपड़ों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, काले और सुनहरे-लाल घोड़ों को पालने, अपहरणकर्ताओं के गहरे शरीर के खिलाफ शानदार ढंग से खड़े होते हैं। रंगों की सुरीली धुन, तूफानी हावभाव, फटे हुए, पूरे समूह के बेचैन सिल्हूट जीवन के जुनून के आवेग की शक्ति को स्पष्ट रूप से व्यक्त करते हैं। "बच्चनलिया" (1615-1620; पुश्किन म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स) सहित कई "बच्चनलिया", लगभग उसी समय से हैं।

"ल्यूसीपस की बेटियों का अपहरण" और "बच्चनलिया" एक सचित्र अर्थ में रूबेन्स (1620-1630) के काम में परिपक्व अवधि के लिए संक्रमण का निर्माण करते हैं। चक्र "लाइफ ऑफ मैरी डे मेडिसी" (1622-1625; लौवर), जो रूबेन्स द्वारा अन्य स्मारकीय और सजावटी रचनाओं के बीच एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है, इस अवधि की शुरुआत से संबंधित है। यह चक्र ऐतिहासिक शैली की उनकी समझ की बहुत विशेषता है। रूबेन्स ने अपने काम में न केवल प्राचीन ऐतिहासिक नायकों और उनके कार्यों को, बल्कि समकालीन इतिहास को भी संदर्भित किया है। इस मामले में, रूबेन्स सम्राटों या सैन्य नेताओं के व्यक्तित्व और कार्यों की प्रशंसा करने में ऐतिहासिक तस्वीर का कार्य देखते हैं। उनके शानदार और गंभीर ऐतिहासिक कैनवस 17 वीं शताब्दी के कई दरबारी चित्रकारों की नकल के लिए एक उदाहरण बन गए। चक्र "द लाइफ ऑफ मैरी डे मेडिसी" में बीस बड़ी रचनाएँ शामिल हैं जिन्हें लक्ज़मबर्ग पैलेस के एक हॉल को सजाने के लिए डिज़ाइन किया गया है। इन कैनवस ने हेनरी चतुर्थ की पत्नी के जीवन के मुख्य प्रसंगों को पुन: प्रस्तुत किया, जो उनकी मृत्यु के बाद फ्रांस के शासक बने। चक्र में सभी पेंटिंग फ्रैंक की भावना से बनाई गई थीं। मारिया डी मेडिसी की प्रशंसा करता है और रूपक और पौराणिक पात्रों से सुसज्जित है। प्रशंसा के इस मूल चित्रमय स्तोत्र को बड़ी प्रतिभा के साथ प्रदर्शित किया गया था और इसके दायरे में उन लोगों के लिए भी एक असाधारण घटना का प्रतिनिधित्व किया गया था जो 17 वीं शताब्दी की बारोक कला की बड़ी स्मारकीय और सजावटी रचनाओं के आदी थे। पूरी श्रृंखला के लिए एक विशिष्ट टुकड़ा मार्सिले में मैरी डे मेडिसी का आगमन है। मखमल से ढके गैंगवे के साथ, शानदार ढंग से तैयार मैरी डे मेडिसी एक शानदार गैली के बोर्ड से फ्रांस की भूमि पर उतरती है। झंडे फड़फड़ाते हैं, गिल्डिंग और ब्रोकेड चमकते हैं। स्वर्ग में, तुरही पंखों वाला ग्लोरी एक महान घटना की शुरुआत करता है। समुद्र के देवता, सामान्य उत्साह से अभिभूत, मैरी को नमस्कार करते हैं। जहाज के साथ जाने वाले नायड़ जहाज से फेंकी गई रस्सियों को घाट के ढेर में बाँध देते हैं। तस्वीर में बहुत उत्सव का शोर और एकमुश्त अदालती चापलूसी है। लेकिन समग्र की सभी नाटकीयता के लिए, रचना में आंकड़े स्वाभाविक रूप से और स्वतंत्र रूप से स्थित हैं।

चूँकि इस चक्र के चित्र मुख्य रूप से रूबेंस के विद्यार्थियों द्वारा बनाए गए थे, रूबेंस द्वारा स्वयं लिखे गए रेखाचित्र, जिसके अनुसार रचनाएँ स्वयं उनकी कार्यशाला में की गई थीं, सबसे बड़ी कलात्मक रुचि के हैं। हर्मिटेज में रखा गया मारिया डी मेडिसी के राज्याभिषेक के लिए स्केच, एक अंडरपेंटिंग है, जिसे शीशे के कुछ स्ट्रोक से थोड़ा छुआ गया है। यह छवि की अत्यंत अभिव्यक्ति के साथ असाधारण संक्षिप्तता के संयोजन के साथ प्रहार करता है। समग्रता की एक गहरी समझ, चित्रित घटना में मुख्य बात की हाइलाइटिंग, मिसे-एन-सीन का अद्भुत कौशल, चित्र की रंगीन एकता की गहरी समझ, स्वर और घनत्व का अनुपात और उन्नयन ब्रशस्ट्रोक रूबेन्स को सबसे मितव्ययी साधनों के साथ, महत्वपूर्ण सहजता से भरी घटना की एक विशद तस्वीर देने की अनुमति देता है। स्मीयर न केवल सटीक बल्कि भावनात्मक रूप से अभिव्यंजक भी बन जाता है। तस्वीर के केंद्र में एक युवा दरबारी की आकृति को कई तेज, रसीले स्ट्रोक के साथ चित्रित किया गया है जो एक पेशी आकृति की कोमलता, और उसकी प्रकृति की तनावपूर्ण रूप से संयमित युवा ऊर्जा, और उसके आंदोलन की तेजता दोनों को व्यक्त करता है, जिससे उत्साह पैदा होता है। मुद्रा का। उसका फहराता हुआ लबादा शानदार है, जो लाल रंग के गुलाबी और गहरे भूरे, छाया में काले रंग के कई स्ट्रोक द्वारा व्यक्त किया गया है। अप्रतिबंधित स्वतंत्रता, रूबेन्स की चित्रमय लिखावट की तीखी अभिव्यक्ति का व्यक्तिपरक मनमानी, जानबूझकर लापरवाही से कोई लेना-देना नहीं है।

अपनी ऐतिहासिक रचनाओं में, रूबेन्स हमेशा खुद को शासकों की प्रशंसा के एक शानदार गीत की रचना करने तक ही सीमित नहीं रखते हैं, जो अक्सर इसके योग्य नहीं होते हैं। पुरातनता की ऐतिहासिक घटनाओं को समर्पित कुछ रचनाओं में, उन्होंने एक ऐतिहासिक नायक के अपने विचार पर जोर दिया - अपने आदर्शों के लिए एक साहसी सेनानी। 17 वीं शताब्दी के क्लासिकिस्टों के विपरीत। उसी समय, रूबेन्स ने भावना और जुनून पर कर्तव्य और तर्क की जीत की इतनी प्रशंसा नहीं की, क्योंकि उन्होंने नायक की भावना और विचार की प्रत्यक्ष एकता की सुंदरता को प्रकट किया, लड़ने के लिए एक भावुक आवेग से जब्त कर लिया। रूबेन्स द्वारा इस तरह की ऐतिहासिक रचनाओं का एक उदाहरण ललित कला संग्रहालय में स्थित है। मृतक म्यूनिख पेंटिंग "मुज़ियो स्कसेवोला" के लिए अलेक्जेंडर पुश्किन स्केच।

मनुष्य के लिए प्रशंसा, उसकी ज्वलंत भावनाओं और अनुभवों के धन के लिए द एडोरेशन ऑफ द मैगी (1624; एंटवर्प, संग्रहालय) और पर्सियस और एंड्रोमेडा (1620-1621; हर्मिटेज) में अभिव्यक्ति मिली। मागी की आराधना में, रूबेन्स अपनी पहले की वेदी रचनाओं में निहित उच्च नाटकीयता के क्षणों से खुद को मुक्त करते हैं। यह कैनवास उत्सव, छवियों की प्राकृतिक जीवन शक्ति और पात्रों की अभिव्यक्ति के संयोजन से अलग है। इस अवधि की विशेषताओं को पर्सियस और एंड्रोमेडा में पूरी तरह से प्रकट किया गया था। रूबेन्स ने उस क्षण का चित्रण किया जब पर्सियस, जिसने समुद्री राक्षस को मारा, पेगासस से उतरा और एंड्रोमेडा से संपर्क किया, जो चट्टान से जंजीर में जकड़ा हुआ था, जिसका इरादा प्राचीन मिथक के अनुसार, राक्षस के लिए एक बलिदान के रूप में था। उत्सव के बैनर की तरह, पर्सियस के लाल रंग के लबादे की तह और नायक की ताजपोशी का नीला लबादा फड़फड़ाता है। हालांकि, चित्र की सामग्री विजयी नायक के एपोथोसिस तक सीमित नहीं है। एक भारी खोल में तैयार, पर्सियस नग्न के पास पहुंचता है, खुशी से शर्मिंदा एंड्रोमेडा और उसके हाथ को अत्यधिक कोमलता से छूता है। एंड्रोमेडा एक हल्की सुनहरी चमक से घिरा हुआ है जो बाकी पेंटिंग की अधिक सामग्री-घने ​​रंग योजना का विरोध करता है। एंड्रोमेडा की शानदार नग्नता को ढँकने वाली सुनहरी-शहद की चमक, जैसे वह थी, एक सुनहरे ब्रोकेड घूंघट में भौतिक होती है जो उसके शरीर को फ्रेम करती है। रूबेन्स से पहले किसी ने भी प्रेम की सुंदरता और महान आनंद को इतनी गहराई से महिमामंडित नहीं किया था, जिसने अपने रास्ते की सभी बाधाओं को हरा दिया। वहीं, इस तस्वीर में रूबेन्स का मानव शरीर को चित्रित करने का कौशल विशेष रूप से पूरी तरह से प्रकट होता है। ऐसा लगता है कि यह जीवन के रोमांच से संतृप्त है - निगाहों की नमी, शरमाना का हल्का खेल, नाजुक त्वचा की मखमली नीरसता इतने मनोरम रूप से व्यक्त की जाती है।

रूबेन्स ड्राइंग के एक उल्लेखनीय उस्ताद थे। चित्रों के लिए उनके प्रारंभिक चित्र छवि की सामान्य भावनात्मक स्थिति को व्यक्त करने के लिए गतिशीलता से भरे कुछ स्ट्रोक और स्पॉट में अपने आंदोलन में लिए गए रूप के चरित्र को समझने की उनकी क्षमता में हड़ताली हैं। रूबेन्स के चित्र चौड़ाई और निष्पादन की स्वतंत्रता की विशेषता है: या तो कागज पर पेंसिल के दबाव को मजबूत करना या कमजोर करना, वह आकृति के विशिष्ट सिल्हूट को पकड़ लेता है, मांसपेशियों के तनावपूर्ण खेल ("क्रॉस के उत्थान" के लिए अध्ययन) को बताता है। "जंगली सूअर के लिए शिकार" के लिए एक प्रारंभिक चित्र में, रूबेन्स आत्मविश्वास से प्रकाश और छाया के रसदार रस के साथ एक रूप को गढ़ते हैं, गांठदार, तनावपूर्ण रूप से घुमावदार पेड़ की चड्डी और टिमटिमाती रोशनी के साथ अनुमत पत्ते के एक मामूली झटके के विरोधाभासों को व्यक्त करते हैं। सुरम्य अभिव्यंजना, बढ़ी हुई भावुकता, गतिशीलता की एक उत्कृष्ट भावना, तकनीक का कलात्मक लचीलापन रूबेन्स की ड्राइंग की महारत की विशिष्ट विशेषताएं हैं।

रूबेन्स की सचित्र भाषा का आकर्षण परिपक्व काल के उनके चित्रों में प्रकट होता है। रूबेन्स के काम में चित्र का वही अर्थ नहीं था जैसा कि हल्स, रेम्ब्रांट या वेलाज़क्वेज़ के काम में था। और फिर भी रूबेन्स के चित्र 17वीं शताब्दी की कला में एक अजीबोगरीब और महत्वपूर्ण स्थान रखते हैं। कुछ हद तक, रूबेन्स का चित्र नई ऐतिहासिक परिस्थितियों में उच्च पुनर्जागरण चित्र की मानवतावादी परंपराओं को जारी रखता है। इतालवी पुनर्जागरण के उस्तादों के विपरीत, रूबेन्स संयम से लेकिन स्पष्ट रूप से विषय के प्रति अपने प्रत्यक्ष व्यक्तिगत दृष्टिकोण को व्यक्त करते हैं। उनके चित्र मॉडल के लिए सहानुभूति, विनम्र सम्मान या हर्षित प्रशंसा की भावनाओं से भरे हुए हैं। इन सबके लिए, रूबेन्स के अपने मॉडलों के साथ व्यक्तिगत संबंधों में एक महत्वपूर्ण बात समान है। यह परोपकार है, छवि के नायक का एक सामान्य सकारात्मक मूल्यांकन। एक ओर, किसी व्यक्ति की छवि की ऐसी समझ आधिकारिक बारोक चित्र के लक्ष्यों के अनुरूप थी, जो "योग्य", "महत्वपूर्ण" व्यक्तियों के चित्रण के लिए समर्पित थी; दूसरी ओर, रूबेन्स के जीवन-पुष्टि आशावाद और मानवतावाद ने स्वयं मनुष्य के प्रति इस तरह के दृष्टिकोण में अभिव्यक्ति पाई। इसलिए, रूबेन्स, सामान्य रूप से, रेम्ब्रांट और वेलाज़क्वेज़ के विपरीत, मॉडल के साथ समानता की विशेषताओं को सही ढंग से और आश्वस्त रूप से व्यक्त करते हुए, अपनी शारीरिक और मनोवैज्ञानिक उपस्थिति की सभी व्यक्तिगत विशिष्टता के हस्तांतरण में बहुत गहराई तक नहीं जाते हैं। किसी व्यक्ति के नैतिक जीवन में जटिल आंतरिक अंतर्विरोध उसकी दृष्टि के क्षेत्र से बाहर रहते हैं। प्रत्येक चित्र में, रूबेन्स, व्यक्तिगत लक्षणों की विशेषताओं को तोड़े बिना, मॉडल की सामाजिक स्थिति की सामान्य, विशेषता पर जोर देते हैं। सच है, शासकों के चित्रों में, उदाहरण के लिए, मारिया डी मेडिसी (1622-1625; प्राडो) के चित्र में, चरित्र चित्रण की सच्चाई और जीवन शक्ति केवल औपचारिक बारोक चित्र के सम्मेलनों के माध्यम से मुश्किल से टूटती है; इसलिए, ऐसे व्यक्तियों के चित्र जो या तो कलाकार के करीब हैं या जो सामाजिक पदानुक्रम के शीर्ष पर नहीं हैं, हमारे लिए बहुत अधिक कलात्मक मूल्य के हैं। डॉ टुल्डेन (सी। 1615 - 1618; म्यूनिख) के चित्रों में, एक नौकरानी (सी। 1625; हर्मिटेज)? सुज़ाना फ़ोरमैन (1620; लंदन) और कुछ स्व-चित्रों में, रूबेंस चित्र का यह यथार्थवादी आधार सबसे लगातार प्रकट होता है।

नौकरानी के चित्र में रूबेन्स ने एक हंसमुख युवती के आकर्षण को व्यक्त किया। उसका चेहरा, कॉलर के मोती-सफेद फोम से घिरा हुआ है, गर्म पृष्ठभूमि के खिलाफ खड़ा है; सुनहरे बालों की शराबी किस्में उसके मंदिरों और माथे को ढँक देती हैं। हल्के सुनहरे प्रतिबिंब, गर्म पारदर्शी छाया, स्वतंत्र रूप से रखी गई ठंडी हाइलाइट्स के साथ, जीवन के रोमांच को व्यक्त करते हैं। दासी ने अपना सिर थोड़ा घुमाया, और उसके चेहरे पर प्रकाश और छाया चमक रही थी, उसकी आँखों में प्रकाश की चमक चमक रही थी, बालों के तार कांप रहे थे और मोती की बाली छाया में टिमटिमा रही थी।

देर से अवधि के रूबेन्स के चित्रों में, उनका आत्म-चित्र उल्लेखनीय है, जिसे वियना संग्रहालय (सी। 1638) में रखा गया है। यद्यपि एक औपचारिक चित्र की विशेषताएं रचना में खुद को महसूस करती हैं, रूबेन्स की शांत मुद्रा में अभी भी बहुत अधिक स्वतंत्रता और सहजता है। दर्शक को ध्यान से और उदारता से देखने वाले कलाकार का चेहरा जीवन से भरा होता है। इस चित्र में, रूबेन्स एक प्रमुख स्थान पर एक व्यक्ति के अपने आदर्श की पुष्टि करते हैं, समृद्ध रूप से प्रतिभाशाली, बुद्धिमान, अपनी क्षमताओं में विश्वास करते हैं।

मास्टर के बाद के चित्रों में, कलाकार की दूसरी पत्नी, युवा ऐलेना फ़ोरमेन के चित्र विशेष रूप से आकर्षक हैं। उनमें से सबसे अच्छा बच्चों के साथ (1636 के बाद) हेलेना फोरमैन का लौवर चित्र है। इस चित्र में, एक बारोक औपचारिक चित्र के सिद्धांतों का प्रभाव लगभग महसूस नहीं किया गया है, शानदार सामान और रसीले कपड़े त्याग दिए गए हैं। पूरी तस्वीर शांत और निर्मल खुशी की भावना से ओत-प्रोत है। माँ और बच्चों की छवि प्राकृतिक सहजता और साथ ही विशेष आकर्षण से भरी होती है। एक युवा माँ ने अपने सबसे छोटे बेटे को अपनी गोद में रखा और गहन कोमलता के साथ अपना चेहरा उसकी ओर झुका लिया। एक नाजुक सुनहरी चमक एक हल्की धुंध में सभी रूपों को ढँक देती है, लाल धब्बों की उज्ज्वल ध्वनि को नरम कर देती है, एक शांत और गंभीर आनंद का वातावरण बनाती है। इस सांसारिक मैडोना में स्त्री - माँ और प्रिय का भजन भव्य रूप से सन्निहित है।

एक नग्न ऐलेना फोरमैन का एक पूर्ण-लंबाई वाला चित्र उसके कंधों पर लिपटा हुआ फर कोट के साथ, मोटी फर के साथ छंटनी (फर कोट, 1638-1639; वियना) चित्र शैली से परे है। अपनी युवा पत्नी के कामुक आकर्षण को पकड़ते हुए, रूबेन्स स्त्री सौंदर्य के अपने आदर्श का प्रतीक हैं। अद्भुत कौशल के साथ, रूबेन्स गहरे रंग के शराबी फर और नग्न शरीर के बीच, गुलाबी त्वचा के कोमल टिंट्स और चेहरे को फ्रेम करने वाले कर्ल की चमक के बीच विरोधाभासों का उपयोग करते हैं।

रूबेंस ने ऐलेना फोरमैन को न केवल चित्रों में दर्शाया है। हम एंड्रोमेडा (1638-1640; बर्लिन) और बाथशेबा (सी। 1635; ड्रेसडेन) में इसकी विशेषताओं को पहचानते हैं। रूबेन्स के लिए एक पेंटिंग आंख के लिए एक दावत है, जो कि होने के उत्सव के धन के लिए उसके लालची प्रेम की शमन है। ड्रेसडेन कैनवास में, सीट पर फेंके गए बेडस्प्रेड के लाल रंग की आवाज और फेंके गए फर कोट के काले-भूरे रंग के मोटे रंग, एक नीग्रो लड़के के हरे-नीले कपड़े, जैतून-काले अंधेरे के साथ जुड़ा हुआ है। उसके शरीर को एक सोनोरस कॉर्ड बनाने के लिए डिज़ाइन किया गया है जिसके खिलाफ एक नग्न शरीर के रंगों की सारी समृद्धि बतशेबा से अलग है। इसी समय, रूबेन्स रूप और रंग की सबसे सूक्ष्म बारीकियों को बताते हैं। नीग्रो की आंखों के गोरों की चमक और बतशेबा के सामने उनके लेखन के सफेद धब्बे का ऐसा ही मेल है।

जीवन की कामुक समृद्धि का विषय, इसका शाश्वत आंदोलन, रूबेन्स के बेचनल्स में इसकी सबसे प्रत्यक्ष अभिव्यक्ति पाता है। एक हिंसक भीड़ पर शराब के नशे में धुत लोग, व्यंग्यकार, व्यंग्यकार आक्रमण करते हैं। कभी-कभी (द ट्रायम्फ ऑफ सिलेनस में, 1620 के दशक के अंत में; लंदन), भीड़ एक अंतहीन जुलूस का हिस्सा प्रतीत होती है, जिसे एक चित्र द्वारा तैयार किया गया है।

इस प्रकार के सबसे उल्लेखनीय कार्यों में से एक हर्मिटेज बैचस (1635 और 1640 के बीच) है। Bacchus Rubens सामंजस्यपूर्ण रूप से सुंदर Bacchus Titian ("Bacchus and Ariadne") से बहुत दूर है। वाइन बैरल पर बैठे एक हंसमुख ग्लूटन की मोटी आकृति कुछ हद तक लम्मे गूज़ाक की छवि के समान है, फ्लैंडर्स का गर्भ, डी कॉस्टर द्वारा बनाई गई। "बाकस" की पूरी रचना को होने के शारीरिक आनंद के लिए एक स्पष्ट भजन के रूप में माना जाता है।

1610 के दशक में रूबेंस के काम में इतना महत्वपूर्ण स्थान हासिल करना। सामान्य तौर पर बारोक, वेदी की रचनाएँ बाद की अवधि में पृष्ठभूमि में फीकी पड़ जाती हैं और आमतौर पर कलाकार की भागीदारी के बिना लगभग एक कार्यशाला में प्रदर्शन किया जाता है। जब एक गुरु स्वयं इस तरह के कार्यों की ओर मुड़ता है, तो वह यथार्थवादी अभिव्यक्ति से भरे कार्यों का निर्माण करता है। उनकी वेदी का टुकड़ा "द विजन ऑफ सेंट। Ildefons "(1630-1632; ब्रुसेल्स, हर्मिटेज में स्केच) इस संबंध में बहुत ही सांकेतिक है। यह उल्लेखनीय है कि स्केच को वेदी के चित्र की तुलना में रचना के बहुत अधिक यथार्थवाद से अलग किया जाता है। तीन पंखों में कोई सशर्त विभाजन नहीं है, बढ़ते स्वर्गदूतों को चित्रित नहीं किया गया है, आदि। पात्रों की मुद्राएं अधिक प्राकृतिक और सरल हैं। प्रकाश की एकता, वायु पर्यावरण का संचरण रंग विरोधाभासों की कठोरता को नरम करता है। रचनात्मक निर्माण की स्पष्टता में सुधार करते हुए, रूबेन्स एक ही समय में प्रारंभिक वेदी रचनाओं की अत्यधिक शोभा से इनकार करते हैं, उनके अक्सर कई पात्रों के साथ अत्यधिक अधिभार से। कलाकार की यथार्थवादी आकांक्षाओं की बढ़ती परिपक्वता और निरंतरता ने उन्हें बाइबिल और प्राचीन विषयों से परे जाने के लिए प्रेरित किया होगा। यह आंशिक रूप से 1620 और 1630 के दशक में उनके काम में चित्र और परिदृश्य के फलने-फूलने के कारण था।

रूबेन्स का परिदृश्य डच परंपराओं को विकसित करता है, जिससे उन्हें एक नया वैचारिक अर्थ और कलात्मक महत्व मिलता है। वह मुख्य रूप से समग्र रूप से प्रकृति के सामान्यीकृत चित्रण की समस्या को हल करता है; दुनिया के अस्तित्व की राजसी तस्वीर, मनुष्य और प्रकृति के स्पष्ट सामंजस्य की, उससे उसकी उत्कृष्ट काव्यात्मक और साथ ही कामुक रूप से पूर्ण अवतार प्राप्त होती है। दुनिया एक संपूर्ण है, और एक व्यक्ति शांति और खुशी से इसके साथ अपनी एकता महसूस करता है। रूबेन्स के पहले के परिदृश्य, जैसे कि कैरियर्स ऑफ़ स्टोन्स (सी। 1620; हर्मिटेज), कुछ अधिक नाटकीय रचना द्वारा प्रतिष्ठित हैं। अग्रभूमि की चट्टानें मानो तनाव के साथ पृथ्वी की आंतों से उठती हैं, इसके आवरण को एक दुर्घटना के साथ फाड़ देती हैं। भारी प्रयास से, घोड़े और लोग भारी लदी गाड़ी को पहाड़ की सड़क के रिज के ऊपर से गुजरते हैं। रूबेंस के बाद के परिदृश्य शांत और अधिक गंभीर हैं। विशेष रूप से पूरी तरह से एक सामान्यीकृत और एक ही समय में प्रकृति की महत्वपूर्ण रूप से आश्वस्त छवि बनाने की उनकी क्षमता द फार्म एट लेकेन (1633; लंदन, बकिंघम पैलेस) में प्रकट हुई है। नदी का बैकवाटर, दूर के मैदानों की राजसी स्पष्टता, अपनी शाखाओं को आकाश तक फैलाते हुए पेड़, बादलों का दौड़ना लय का एक स्पष्ट सामंजस्य है जो दुनिया की शक्तिशाली सांस को व्यक्त करता है। मोटे झुंड, एक ग्रामीण जो एक जग के साथ रास्ते में धीरे-धीरे चल रहा है, एक किसान जो एक घोड़े को पानी के गड्ढे में ले गया, जीवन के आलीशान सामंजस्य की समग्र तस्वीर को पूरा करता है। "वोडोपोए" में, आंख रसदार रंग से प्रसन्न होती है, और चांदी-नीली रोशनी जो चित्र को ढकती है, और पत्ते के झटके और नमी की झिलमिलाहट के सूक्ष्म संचरण के साथ व्यापक सजावटी प्रभावों का संयोजन।

हाल के दशकों में, रूबेन्स ने लोक जीवन का चित्रण किया है। वह मुख्य रूप से उत्सव की ओर से उसकी रुचि रखती है। Kermesse में (सी। 1635 -1636; लौवर) और विशेष रूप से किसान नृत्य में (1636 और 1640 के बीच; प्राडो) रूबेन्स, 16वीं शताब्दी के डच यथार्थवादियों की परंपराओं से शुरू होकर, की ताकत और महानता की एक सामान्यीकृत छवि तक बढ़ जाता है। लोग। रूबेन्स के वीर आशावाद का लोकप्रिय आधार यहां इसकी सबसे प्रत्यक्ष अभिव्यक्ति पाता है। एक तेज नृत्य में, गोल नृत्य की गति सामने आती है, फिर मुड़ जाती है। युवा किसान और किसान महिलाएं अपने स्वास्थ्य, अपनी उमंग भरी खुशी से अद्भुत हैं। शांत आलीशान परिदृश्य एक उपजाऊ और शक्तिशाली भूमि की छवि को फिर से बनाता है। एक शक्तिशाली शाखित ओक नर्तकियों को अपने पत्ते के साथ छोड़ देता है। शाखाओं के बीच घोंसला बनाने वाले एक बांसुरी वादक की आकृति ओक के साथ गहराई से निकलती प्रतीत होती है। भूमि। उनकी बांसुरी का संगीत स्वयं प्रकृति का एक आनंदमय और मुक्त गीत है। रूबेन्स के किसानों की छवियां रोजमर्रा की प्रामाणिकता से रहित हैं, लेकिन उनकी उपस्थिति की स्वस्थ सादगी, उनके उत्साह के लिए प्रशंसा उन्हें फ़्लैंडर्स और उसके लोगों की अटूट शक्ति और महानता के प्रतीक में बदल देती है।

रूबेन्स की कार्यशाला न केवल कई सबसे बड़े फ्लेमिश चित्रकारों के निर्माण के लिए एक केंद्र थी - प्रजनन उत्कीर्णन के मास्टर्स का एक नया एंटवर्प स्कूल भी था, जो मुख्य रूप से रूबेन्स के मूल चित्रों के साथ-साथ उनके सर्कल के कलाकारों को पुन: पेश करता था। एक नियम के रूप में, उत्कीर्णन मूल से नहीं, बल्कि विशेष रूप से तैयार किए गए - रूबेन्स के छात्रों द्वारा - ग्रिसैल चित्र द्वारा किए गए थे। इस प्रकार, एक पेंटिंग की रंगीन छवि का एक तानवाला-ग्राफिक छवि में अनुवाद किया गया था; बदले में बड़े पैमाने पर कमी ने उत्कीर्णक के कार्य को आसान बना दिया। भाग में, इस प्रारंभिक कार्य ने उस विशेष डिग्री के कलात्मक सामान्यीकरण को जन्म दिया जो 17 वीं शताब्दी के फ्लेमिश उत्कीर्णन को अलग करता है। अन्य पश्चिमी यूरोपीय स्कूलों में। रूबेन्स ने अपने सभी चरणों में सक्रिय रूप से उकेरक के काम का पालन किया और अक्सर खुद इसमें हस्तक्षेप किया, प्रूफ प्रिंट में बदलाव किया। प्रतिभाशाली उत्कीर्णकों की आकाशगंगा में सबसे पहले नाम लुकास वोर्स्टरमैन (1595-1675) है। हालांकि रूबेंस के साथ उनका रचनात्मक सहयोग लंबे समय तक नहीं चला, लेकिन यह बनाई गई नक्काशी की संख्या और कलात्मक परिणामों दोनों में बेहद उपयोगी था। रूबेंस के रचनात्मक विचार के बाद, वोरस्टरमैन केवल काले और सफेद रंग के माध्यम से रूबेंस की रचनाओं के रंगीन लहजे की तीव्रता की भावना को व्यक्त करने में सक्षम था, चमकदार रोशनी से समृद्ध मखमली छाया तक शानदार संक्रमण के साथ चादरों को संतृप्त करता है, समृद्ध करता है और कभी-कभी कोमल और सूक्ष्म, कभी-कभी मजबूत और ऊर्जावान, स्ट्रोक के साथ अभिव्यक्ति में विविधता लाते हैं। अतीत में छाया में इतनी आम नीरस और शुष्क क्रॉस-हैचिंग तकनीक से परहेज करते हुए और समोच्च रेखा के तेज रूपरेखा रूप और विवरणों के अच्छे चित्रण को छोड़कर, मास्टर ने बड़े पैमाने पर, समृद्ध काले और सफेद विरोधाभासों पर अपनी नक्काशी का निर्माण किया, पूरी तरह से रूबेन्स की कला की गतिशील और गंभीर भावना को पकड़ना। वोर्स्टरमैन द्वारा रखी गई इस नई शैली की नींव उनके छात्रों और अनुयायियों द्वारा जारी रखी गई और विकसित की गई, जो अभी भी वोरस्टरमैन की चौड़ाई और स्वतंत्रता प्राप्त नहीं कर सके, हालांकि उनमें से पॉल पोंजियस (1603-1658) जैसे प्रतिभाशाली स्वामी थे, जिन्हें विशेष रूप से जाना जाता था। एक प्रथम श्रेणी के चित्रकार। भाई बोल्सवर्ट - बोथियस (सी। 1580-सी। 1634) और शेल्टे एडमे (1581 - 1659), जिनकी सर्वश्रेष्ठ कृतियाँ रूबेन्स द्वारा परिदृश्य से प्रिंट हैं।

नक्काशी फ़्लैंडर्स में उत्कीर्णन का प्रमुख प्रकार थी, जो नक़्क़ाशी को पृष्ठभूमि में दर्शाती है। एंटवर्प स्कूल की नई शैली रूबेन्स सर्कल में एकमात्र मास्टर वुडकटर क्रिस्टोफर जेगर (1596 - सी। 1652) के काम में भी प्रकट हुई।

रूबेन्स के बाद फ़्लैंडर्स के सबसे महान चित्रकार उनके प्रतिभाशाली छात्र और युवा समकालीन एंथनी वैन डाइक (1599-1641) थे। वैन डाइक के व्यक्तिगत भाग्य में, जो पूंजीपति वर्ग के धनी तबके से आए थे, जिन्होंने अपने पूरे जीवन में बड़प्पन के चुने हुए सर्कल में प्रवेश करने का प्रयास किया, और अपने काम के विकास में, जिसमें लोकतांत्रिक परंपराओं से एक प्रस्थान राष्ट्रीय चित्रकला की योजना बनाई गई है, समकालीन फ्लेमिश समाज के अभिजात वर्ग की सामान्य प्रक्रिया स्पष्ट रूप से परिलक्षित होती है। लेकिन वैन डाइक के सर्वोत्तम कार्यों में, एक स्वस्थ यथार्थवादी सिद्धांत संरक्षित है, अपने समय के लोगों की गहरी, सार्थक छवियां बनाई गई हैं।

वैन डिजक ने अपनी प्राथमिक कला शिक्षा एंटवर्प में चित्रकार वैन बालेन से प्राप्त की। उन्नीस साल के लड़के के रूप में, वह रूबेन्स की कार्यशाला में आए। एक साल बाद, युवा कलाकार को एंटवर्प कॉरपोरेशन ऑफ पेंटर्स का सदस्य चुना गया। रूबेन्स ने अपने छात्र की बहुत सराहना की, और जल्द ही वैन डिजक विभिन्न आदेशों के निष्पादन में उनके सहायक बन गए। इस अवधि के दौरान, गुरु धार्मिक विषयों पर चित्र बनाता है जो रचना में गतिशील होते हैं। उनमें से कई रूबेन्स ("सेंट जेरोम", "शराबी सिलेनस"; ड्रेसडेन) का एक मजबूत प्रभाव दिखाते हैं। हालांकि, रूबेन्स की तुलना में, वैन डाइक की छवियां भावनाओं की सहज परिपूर्णता खो देती हैं, अधिक सुस्त, कम महत्वपूर्ण लगती हैं। मास्टर अक्सर उनके बढ़े हुए और आमतौर पर बाहरी रूप से समझी जाने वाली अभिव्यंजना के लिए प्रयास करते हैं, जो उनके कुछ कैनवस को दूर की कौड़ी की छाया देता है, जैसे, उदाहरण के लिए, म्यूनिख "सेंट पीटर्सबर्ग की शहादत"। सेबस्टियन ”(1618-1621)। वैन डाइक अधिक दिलचस्प है जहां वह अपने काम के करीब कल्पनाशील समाधान ढूंढता है ("सेंट मार्टिन और भिखारी।" लेकिन यह विषय पेंटिंग नहीं थी जो वैन डाइक का असली पेशा था। उनकी प्रतिभा की सभी मौलिकता क्षेत्र में प्रकट हुई थी चित्रांकन का।

वैन डाइक को जन्मजात चित्रकार कहा जा सकता है। उन्होंने चित्रांकन की अपनी शैली बनाई, जिसने कई यूरोपीय देशों के उच्चतम हलकों में व्यापक लोकप्रियता हासिल की। ग्राहक न केवल वैन डाइक के बहुत ही प्रकार के औपचारिक अभिजात चित्र के समाधान के शानदार कौशल से आकर्षित हुए थे। वैन डाइक की कला की आकर्षक शक्ति मानव व्यक्ति का अंतर्निहित आदर्श था, जिसका उन्होंने अपने कार्यों में पालन किया।

वैन डाइक का आदमी, जैसा कि वह था, रोजमर्रा की जिंदगी से ऊपर उठा हुआ है; आंतरिक रूप से समृद्ध, यह सामान्यता की छाप से रहित है। कलाकार मुख्य रूप से अपने आध्यात्मिक परिष्कार को दिखाना चाहता है। अपने सर्वश्रेष्ठ चित्रों में, वैन डाइक ने सतही आदर्शीकरण में पड़े बिना, जीवन जैसी और विशिष्ट छवियों का निर्माण किया, जिसमें एक ही समय में एक प्रकार की काव्य अपील होती है।

वैन डाइक के प्रारंभिक एंटवर्प चित्र उनके गृहनगर, उनके परिवारों, उनकी पत्नियों और बच्चों के साथ कलाकारों के महान नगरवासियों का प्रतिनिधित्व करते हैं। ये काम फ्लेमिश पेंटिंग की परंपराओं से निकटता से संबंधित हैं (फैमिली पोर्ट्रेट, 1618 और 1620 के बीच, हर्मिटेज; कॉर्नेलिस वैन डेर गेस्ट का चित्र)।

1620 में वैन डाइक इंग्लैंड और फिर इटली गए। रोम में, उन्होंने वैज्ञानिक और राजनयिक कार्डिनल गुइडो बेंटिवोग्लियो (फ्लोरेंस, पिट्टी) का एक चित्र चित्रित किया। यहां पहले से ही वैन डाइक की कला के सिद्धांत स्पष्ट रूप से व्यक्त किए गए हैं। एक लाल पर्दे की पृष्ठभूमि के खिलाफ एक कुर्सी पर बैठे कार्डिनल की छवि एक जोरदार औपचारिक चरित्र है। लेकिन बाहरी प्रतिनिधित्व को व्यक्ति के समृद्ध आंतरिक जीवन के प्रकटीकरण के साथ जोड़ा जाता है। विचार के गहन कार्य को व्यक्त करते हुए, बेंटिवोग्लियो के गहन, भावपूर्ण चेहरे पर प्रकाश पड़ता है। यह महत्वपूर्ण है कि उनके बौद्धिक चरित्र चित्रण में वैन डाइक इस व्यक्ति की विशिष्टता पर जोर देते हैं, छवि में उत्साह का रंग लाते हैं।

वैन डाइक जेनोआ में बसता है, जो एक कुलीन गणराज्य है जो व्यापार संबंधों द्वारा फ़्लैंडर्स से निकटता से जुड़ा हुआ है। वह शहर के सबसे बड़े कुलीन परिवारों के लोकप्रिय चित्रकार बन गए। वेनेटियन की पेंटिंग से परिचित होना मास्टर की रचनात्मक तकनीकों, उनके पैलेट को समृद्ध करता है। वह इतालवी कुलीनता के प्रतिनिधियों के राजसी, अक्सर पूर्ण-लंबाई वाले चित्र बनाता है। अभिमानी बुजुर्ग, कुलीन सज्जन, भारी, लंबी ट्रेनों के साथ पतली महिलाओं को जेनोआ के शानदार महलों के बैंगनी ड्रेपरियों और विशाल स्तंभों की पृष्ठभूमि के खिलाफ प्रस्तुत किया जाता है। ये शानदार सेटिंग पोर्ट्रेट-पेंटिंग हैं।

जेनोइस काल के सभी कार्य समान नहीं हैं - उनमें से कुछ में एक निश्चित धर्मनिरपेक्ष अवैयक्तिकता प्रबल होती है। लेकिन इस समय के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में, जैसे कि बेंटिवोग्लियो के चित्र में, छवियों के एक प्रकार के उन्नयन का आभास होता है। न्यू यॉर्क मेट्रोपॉलिटन संग्रहालय के चित्र में मार्क्विस कैथरीना दुराज़ो एक असाधारण व्यक्तित्व के रूप में दिखाई देता है। छवि की आध्यात्मिकता इस अधिक अंतरंग और कुछ हद तक रोमांटिक चित्र के बहुत प्रकार के अनुरूप है। लेकिन एक अधिक पारंपरिक औपचारिक छवि के दायरे में भी, वैन डाइक छवियों को जीवन के रोमांच से भर देता है। युवा मार्क्विस बलबियानी (न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम) के चित्र में, सब कुछ असामान्य लगता है, एक विशेष परिष्कृत सुंदरता की मुहर के साथ चिह्नित: लम्बी अनुपात, चेहरे का पीलापन और लाड़-प्यार वाले निष्क्रिय हाथ, गहरे रंग के कपड़ों की भव्यता। झिलमिलाता सोने का फीता का बेहतरीन पैटर्न। लेकिन शायद सबसे अधिक आनंद की उस भावना, आंतरिक पुनरुत्थान द्वारा कब्जा कर लिया जाता है, जो छवि में व्याप्त है।

वैन डाइक के अपने देश लौटने पर, उनके काम की दूसरी एंटवर्प अवधि (1627-1632) शुरू होती है। इस समय, रूबेन्स एक लंबी राजनयिक यात्रा पर गए, और वैन डाइक, वास्तव में, फ़्लैंडर्स के पहले चित्रकार बन गए। 1630 से - वह आर्कड्यूक के दरबार के दरबारी चित्रकार हैं। वैन डाइक ने इस समय विभिन्न फ्लेमिश चर्चों के साथ-साथ पौराणिक विषयों पर चित्रों के लिए कई वेदी छवियों को चित्रित किया। लेकिन, पहले की तरह, उनका मुख्य पेशा चित्र है। गणमान्य व्यक्तियों और रईसों, सैन्य नेताओं और धर्माध्यक्षों, धनी फ्लेमिश व्यापारियों की छवियों के साथ, औपचारिक चित्रांकन की परंपरा में चित्रित, वह वकीलों, डॉक्टरों और उनके साथी फ्लेमिश कलाकारों के चित्र बनाता है। रचनात्मकता की इस अवधि के दौरान वैन डाइक का जीवंत स्वभाव, फ़्लैंडर्स कला की यथार्थवादी परंपराओं के साथ उनका संबंध, विशेष रूप से स्पष्ट रूप से प्रकट हुआ था। कलाकारों के चित्र विशेषताओं की सटीकता और सार्थकता से प्रतिष्ठित हैं: थके हुए, कठोर स्नाइडर्स (वियना, संग्रहालय), बहादुर स्नेयर्स (म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक), अच्छे स्वभाव वाले क्रायर (वियना, लिकटेंस्टीन गैलरी), डॉक्टर लाजर महरकाज़स (1622-1630; हर्मिटेज), भाषाशास्त्री और प्रकाशक जान वैन डेन वाउवर (द पुश्किन स्टेट म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स)। इन वर्षों के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक युवा सौंदर्य मारिया लुईस डी टैसिस (वियना, लिकटेंस्टीन गैलरी) का चित्र है। यह चित्र प्रतिनिधित्व की डिग्री को बरकरार रखता है जिसने वैन डाइक के जेनोइस कार्यों को प्रतिष्ठित किया, और साथ ही यह जीवन शक्ति और शांत स्वाभाविकता से भरा एक छवि है।

विशेषताओं की तीक्ष्णता वैन डाइक के नक़्क़ाशी कार्यों में भी निहित है, जिसने 1627 में प्रकाशित आइकॉनोग्राफी को बनाया - प्रसिद्ध समकालीनों के नक़्क़ाशी-चित्रों का एक संग्रह (सौ छवियों में से, मास्टर ने अपने हाथ से सोलह बनाए, बाकी के लिए उन्होंने प्रारंभिक रेखाचित्र दिए)।

1632 में वे इंग्लैंड के लिए रवाना हुए और चार्ल्स प्रथम के दरबारी चित्रकार बने। इंग्लैंड में, महत्वाकांक्षी वैन डाइक ने कुलीनता और शूरवीर की स्वर्ण श्रृंखला की उपाधि प्राप्त की। मैरी रासवेन से उनकी शादी के लिए धन्यवाद, जो एक बहुत ही प्राचीन लेकिन गरीब परिवार के नाम से आया था, कलाकार प्रमुख अंग्रेजी अभिजात वर्ग के रैंक में प्रवेश करता है। वह राजा, रानी और उनके बच्चों के कई चित्र बनाता है; उनके लिए पोज़ देने का सम्मान पूरे उच्च अंग्रेजी समाज द्वारा मांगा जाता है।

कुछ में, विशेष रूप से इस अवधि के शुरुआती कार्यों में, वैन डाइक अभी भी अपनी प्रतिभा की ताकत को बरकरार रखता है। छवियों के स्पष्ट अभिजात वर्ग को उनमें भावनात्मक और मनोवैज्ञानिक परिष्कार के साथ जोड़ा गया है: फिलिप व्हार्टन (1632; न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूजियम), मैरी रासवेन (सी। 1640; म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक), थॉमस व्हार्टन (1630 के दशक के अंत में) के चित्र। ; हर्मिटेज ) अंग्रेजी काल के वैन डाइक के उत्कृष्ट कार्यों में किंग चार्ल्स I (सी। 1635; लौवर) का चित्र है। पारंपरिक तकनीकों में मास्टर द्वारा चित्रित चार्ल्स प्रथम के कई चित्रों में से, यह कैनवास डिजाइन की अपनी विशेष मौलिकता के लिए खड़ा है। औपचारिक छवि के सिद्धांतों को यहां जबरन प्रकट नहीं किया गया है, जैसा कि कई अन्य वैंडेक चित्रों में है, बल्कि अधिक अंतरंग व्याख्या में नरम है, जो, हालांकि, कलाकार के शानदार कौशल के लिए धन्यवाद, मॉडल की प्रतिनिधित्वशीलता को बिल्कुल भी प्रभावित नहीं करता है। . राजा को एक सुंदर आकस्मिक मुद्रा में एक परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित किया गया है; उसके पीछे एक उत्तम घोडा पकड़े हुए एक सेवक है। पारदर्शी चांदी-ग्रे और सुस्त सुनहरे रंगों से संतृप्त चित्र का रंग, इसकी उत्कृष्ट सुंदरता से अलग है। चार्ल्स I की छवि - लालित्य और अभिजात वर्ग का बहुत अवतार - वैन डाइक द्वारा काव्यात्मक था, और साथ ही इस आदमी का आंतरिक सार, अभिमानी और कमजोर, तुच्छ और आत्मविश्वासी, आकर्षक सज्जन और अदूरदर्शी सम्राट, यहाँ बहुत सूक्ष्मता से व्यक्त किया गया है।

लेकिन इससे पहले कभी भी वैन डाइक के काम में विरोधाभास इतना स्पष्ट नहीं था जितना कि अंग्रेजी काल में। नामित कार्यों के साथ, जो उनके उच्च कौशल की गवाही देता है, वैन डाइक, आज्ञाकारी रूप से अपने महान ग्राहकों की इच्छाओं का पालन करते हुए, कई खाली आदर्श चित्र बनाता है। उनकी रचनाओं के चित्रात्मक गुण भी कम होते जा रहे हैं। इस समय उनके काम करने का तरीका सांकेतिक है। आदेशों से अभिभूत, वह, रूबेन्स की तरह, खुद को छात्र सहायकों से घेर लेता है। वैन डिजक ने एक दिन के दौरान कई चित्रों पर काम किया। मॉडल के स्केच में एक घंटे से अधिक समय नहीं लगा, बाकी, विशेष रूप से कपड़े और हाथ, विशेष मॉडल के छात्रों द्वारा कार्यशाला में पूरे किए गए। पहले से ही दूसरे सत्र में, वैन डिजक ने चित्र को उतनी ही जल्दी समाप्त कर दिया। इस पद्धति ने उनमें एक निश्चित स्टाम्प की प्रधानता को जन्म दिया।

वैन डाइक की कलात्मक भूमिका अत्यंत महत्वपूर्ण थी और मुख्य रूप से अपनी मातृभूमि के बाहर ही प्रकट हुई। अंग्रेजी चित्रकारों ने उनकी कला की परंपराओं पर भरोसा किया। दूसरी ओर, स्वर्गीय वैन डाइक के आदर्श औपचारिक चित्र का प्रकार 17-18 शताब्दियों के कई पश्चिमी यूरोपीय चित्रकारों के लिए एक मॉडल बन गया।

फ्लेमिश पेंटिंग का तीसरा सबसे बड़ा प्रतिनिधि जैकब जॉर्डन (1593-1678) था। एक अमीर एंटवर्प व्यापारी के बेटे, उन्होंने अपना पूरा जीवन अपने गृहनगर में बिताया। एडम वैन नूर्ट के साथ शिक्षा (1607 से) का जॉर्डन के कलात्मक विकास पर ज्यादा प्रभाव नहीं पड़ा। दूसरों की तुलना में अधिक निकटता से, वह पुराने डच चित्रकला की यथार्थवादी परंपरा से जुड़ा था। समकालीन इतालवी उस्तादों में से, उन्होंने कारवागियो की कला की सबसे अधिक सराहना की। युवा कलाकार को जल्द ही पहचान मिली। पहले से ही 1615 में उन्हें एंटवर्प पेंटर्स गिल्ड के सदस्य का खिताब मिला, और 1621 में उन्हें इसका डीन चुना गया।

शायद, किसी भी उस्ताद ने फ्लेमिश कला के मिट्टी के सिद्धांत को इतनी ताकत के साथ व्यक्त नहीं किया कि कभी-कभी जॉर्डन की तरह मोटे कामुकता की छाया भी हो। यह इस तथ्य से सुगम था कि उन्होंने इटली का दौरा नहीं किया और इसके अलावा, इतालवी मॉडलों के अनुकूल होने का प्रयास नहीं किया। धार्मिक और पौराणिक विषयों पर भी जोर्डन की कृतियों की व्याख्या शैली के रूप में की जाती है, पात्र, जो अक्सर घरेलू वातावरण में दिए जाते हैं और हमेशा प्रकृति से लिखे जाते हैं, कभी-कभी बहुत भारी लगते हैं। उसी समय, उनका काम रोजमर्रा के अभियोग की विशेषताओं से रहित है - इसमें एक विशेष उत्सव का तमाशा और आनंद का अटूट भंडार है। दुनिया की आशावादी धारणा की यह पूर्णता जॉर्डन को रूबेन्स के करीब लाती है। लेकिन, बाद वाले के विपरीत, Iordan में कलात्मक सामान्यीकरण की इतनी ताकत, इतना विशाल रचनात्मक दायरा और ऐसी अटूट कल्पना नहीं है। एक हद तक उनकी कला एकतरफा है।

जोर्डेन्स का कलात्मक व्यक्तित्व उनके प्रारंभिक कार्यों में पहले से ही स्पष्ट है। द एडोरेशन ऑफ द शेफर्ड्स (1618; स्टॉकहोम, संग्रहालय) में, मार्मिक सादगी से भरे हुए, किसानों ने एक बदसूरत युवा फ्लेमिश महिला को उसकी बाहों में एक बच्चे के साथ घेर लिया। बड़े आंकड़े अंतरिक्ष को घनी रूप से भरते हैं, कलाकार उन्हें एक मजबूत, विषम चिरोस्कोरो के साथ गढ़ता है, जो आंकड़ों और वस्तुओं की स्पर्शनीय भौतिकता पर जोर देता है। कॉम्पैक्ट रचना की सादगी, बड़े सुरम्य स्थानों पर बने रंगों की मधुरता, छवियों की जीवंतता इस स्पष्ट दृश्य को महत्व देती है। पौराणिक विषयों पर जॉर्डन के चित्रों की भी यही विशेषताएं हैं (द एजुकेशन ऑफ जुपिटर, लौवर; मेलिएजर और अटलंता, एंटवर्प)। और उनमें हम जीवन से छीने हुए वही पूर्ण, बलवान, लोक प्रकार पाते हैं। गुरु के कार्य कम सफल होते हैं, जिसमें वह अमूर्त अलंकारिक चित्र बनाने का प्रयास करता है। इस प्रकार, ब्रुसेल्स पेंटिंग "एलेगॉरी ऑफ फर्टिलिटी" (सी। 1625-1628; ब्रुसेल्स), जिसमें कई सुंदर विवरण हैं, कुल मिलाकर बड़े पैमाने पर आंकड़ों के साथ अतिभारित, दूर की कौड़ी लगती है। जाहिर है, 1630 से पहले, एक बोल्ड और मूल रचनात्मक डिजाइन पेंटिंग "मूसा कार्विंग वॉटर फ्रॉम ए रॉक" (कार्लज़ूए, संग्रहालय) को निष्पादित किया गया था।

जॉर्डन की रचनात्मकता की मौलिकता उन कैनवस में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होती है जिनमें शैली के उद्देश्य प्रबल होते हैं। उन्होंने स्वेच्छा से लोक कहावतों, दंतकथाओं, कहावतों, सुविचारित और धूर्त जोश से भरे भूखंडों को चित्रित किया। गुरु के काम में कई पसंदीदा विषय थे, जिन पर वह बार-बार लौटते थे। तो, म्यूनिख, कैसल, बुडापेस्ट, मॉस्को के संग्रहालयों में ईसप की कहानी के कथानक पर लिखी गई पेंटिंग "सैटिर विजिटिंग ए किसान" के कई संस्करण हैं। वे एक बकरी-पैर वाले व्यंग्य में भाग लेने वाले एक किसान परिवार के भोजन का प्रतिनिधित्व करते हैं। ललित कला के मास्को संग्रहालय की सबसे सफल पेंटिंग। कल्पित के अनुसार, व्यंग्य लोगों के दोहरेपन से हैरान है - एक किसान का व्यवहार जो इसे ठंडा करने के लिए दलिया पर उड़ाता है, जबकि इससे पहले कि वह उन्हें गर्म करने के लिए अपने हाथों पर फूंक दे। जॉर्डन के लिए, व्यंग्यकार और किसान दोनों एक ही प्रकृति के बच्चे हैं, शारीरिक रूप से मजबूत, सरल दिमाग वाले, किसी न किसी जीवन शक्ति से भरे हुए हैं। अपने असामान्य अतिथि के साथ भोजन और बातचीत में लीन, जिसकी मंडली में उपस्थिति पूरी तरह से स्वाभाविक लगती है, किसानों ने मेज के चारों ओर भीड़ लगा दी। उनके भारी शरीर, लाल गाल वाले चेहरे, खुरदुरे पैर, अग्रभूमि में एक मिट्टी का जग एक प्लास्टिक स्पर्श के साथ प्रस्तुत किया गया है। एक विस्तृत घने ब्रशस्ट्रोक, सोनोरस नीले, लाल, पीले, सुनहरे भूरे रंग के बड़े रंगीन धब्बे, रंगों से संतृप्त, मास्को चित्र की पेंटिंग को अलग करते हैं।

जॉर्डन विशेष रूप से बर्गर परिवारों को चित्रित करना पसंद करते थे, या तो उत्सव की मेज पर लापरवाह दावत, या एक परिवार के संगीत कार्यक्रम के लिए एक साथ एकत्र हुए। इन दृश्यों के चित्रण पारंपरिक लोक उत्सवों की हर्षित भावना को दर्शाते हैं। यदि रूबेंस के कार्यों में, समान प्रकृति के विषयों और छवियों को उच्च कलात्मक सामान्यीकरण की विशेषताओं द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है, तो जॉर्डन के चित्रों में शैली के तत्व अधिक स्पष्ट होते हैं। जिन विषयों पर वह बार-बार लौटते थे, उनमें "बीन किंग" के त्योहार की छवि थी। छुट्टी उस दिन मनाई जाती थी, जब किंवदंती के अनुसार, राजा शिशु मसीह की पूजा करने आए थे। दावत में उपस्थित लोगों में से एक, जिसके पास सेम के साथ केक का एक टुकड़ा था, छुट्टी का राजा बन गया।

द हर्मिटेज पेंटिंग द बीन किंग (सी। 1648) एक फ्लेमिश बर्गर के शोर परिवार को दर्शाती है। आदरणीय बूढ़ा - परिवार का पिता - खुद "राजा", एक कागज़ के मुकुट के साथ ताज पहनाया, एक गिलास से शराब पीता है, और पूरी कंपनी उसे उत्साही शराबी रोती है। यह स्थान अधिक वजन वाले आंकड़ों से भरा हुआ है, जो भोजन से भरी हुई मेज को घेरे हुए है। हिंसक आंदोलन जो इस बेचैन समूह में व्याप्त है, बेलगाम मनोरंजन की छाप देता है। प्रत्येक चरित्र उज्ज्वल और वाक्पटुता से रेखांकित किया गया है। मास्टर की पेंटिंग शैली एक विशेष चौड़ाई तक पहुँचती है। जॉर्डन पहले से ही यहां तीखे श्वेत-श्याम विरोधाभासों से बचता है। पेंटिंग को सुनहरे गुलाबी से सुनहरे भूरे रंग के कई रंगों के साथ गर्म रंगों में डिजाइन किया गया है। मास्टर कठोर हास्य से भरे रोजमर्रा के दृश्य के लिए स्मारकीय महत्व की विशेषताएं प्रदान करता है। Iordan कई चित्रों के लेखक भी थे। उनका लक्ष्य गहरी मनोवैज्ञानिक छवियां बनाना नहीं था। कुछ चित्र उनके चित्रों के करीब हैं (फैमिली पोर्ट्रेट, सी। 1615; हर्मिटेज)। अधिक परेड जॉर्डन परिवार (मैड्रिड, प्राडो) का चित्र है।

1630 के दशक से। Iordan एंटवर्प में रूबेन्स के साथ मिलकर कई सजावटी कार्य करता है। पहले से ही इस समय, और विशेष रूप से रूबेन्स की मृत्यु के बाद, जब इओर्डन निकला, जैसा कि यह था, फ्लेमिश स्कूल के प्रमुख और कई सजावटी अलंकारिक और पौराणिक रचनाओं के लेखक जो अभिजात ग्राहकों के स्वाद से मिले, एक अवधि उसके काम में गिरावट शुरू हो जाती है। रचना और आकृतियों का भारीपन, जो पहले कलाकार की विशेषता थी, अत्यधिक हो जाता है। कलाकार के बाद के काम, कभी-कभी व्यक्तिगत विवरणों के चित्रण में प्रतिभा और कौशल को बनाए रखते हुए, आम तौर पर झूठे बारोक पाथोस से भरे होते हैं।

17वीं शताब्दी की फ्लेमिश पेंटिंग के सबसे विशिष्ट क्षेत्रों में से एक। एक स्थिर जीवन था, जिसने उस समय एक स्वतंत्र अर्थ प्राप्त कर लिया था। स्टिल लाइफ, जो अक्सर विशाल अनुपात तक पहुंचती थी, फ्लेमिश कुलीनता के विशाल महलों की दीवारों को सुशोभित करती थी। अंतरंग डच अभी भी जीवन के विपरीत, फ्लेमिश अभी भी विषय रचना पर जीवन की सीमाएँ हैं। दुकानों और रसोई में रोजमर्रा की जिंदगी के करीब के दृश्यों को दर्शाया गया है; मानव आकृतियाँ वस्तुओं की अंतहीन बहुतायत के बीच खो जाती हैं। फ़्लैंडर्स की कला का हंसमुख चरित्र विशेष बल के साथ स्थिर जीवन में प्रकट हुआ; वस्तुनिष्ठ दुनिया के विविध रूपों को व्यक्त करने में फ्लेमिश कलाकारों ने अपना शानदार कौशल दिखाया।

17वीं सदी के फ़्लैंडर्स में सबसे बड़ा स्टिल लाइफ़ चित्रकार। रूबेन्स फ्रैंस स्नाइडर्स (1579-1657) का सहयोगी था। स्नाइडर्स के विशाल कैनवस पर, मांस के शव, एक मारे गए डो, झींगा मछली, एक सूअर का सिर, विभिन्न प्रकार की रसदार, पकी सब्जियां और फल, मृत पक्षियों के ढेर, समुद्र और नदी की मछलियों को काल्पनिक रूप से टेबल पर ढेर किया जाता है, और ऐसा लगता है कि केवल चित्रों के फ्रेम प्रकृति के उपहारों की इस अंतहीन बहुतायत को सीमित करते हैं। सामान्य जैतून के स्वर से, सफेद, नीले, विशेष रूप से लाल (झींगा, मांस, जामुन, एक दुकानदार या दुकानदार के कपड़े) के गुंजयमान धब्बे बाहर खड़े होते हैं। स्नाइडर्स के स्थिर जीवन के निर्माण में एक निश्चित यादृच्छिकता एक ही रंग संरचना का पालन करती है, जो एक पूर्ण सजावटी पूरे की छाप पैदा करती है।

रचनात्मकता की अपनी परिपक्व अवधि में, अभी भी जीवन (1618-1621) की प्रसिद्ध श्रृंखला में, कला के संरक्षक आर्कबिशप ट्रिस्ट के महल के लिए, अब हर्मिटेज के हॉल को सजाते हुए, स्नाइडर्स ने "मछली", "फल" बनाया "और" सब्जी "की दुकानें।

कलाकार प्रत्येक वस्तु को अत्यंत सावधानी से चित्रित करता है, लेकिन सबसे बढ़कर वह शांत जीवन को समग्र रूप से देखता है, प्रकृति की समृद्धि के व्यापक चित्रण के लिए प्रयास करता है। स्नाइडर्स के उज्ज्वल, सुरुचिपूर्ण अभी भी जीवन उत्साहपूर्ण उत्साह से भरे हुए हैं और कम से कम "मृत प्रकृति" कहा जा सकता है - वे बहुत उत्साही जीवन से भरे हुए हैं। इस गतिशीलता को इस तथ्य से बढ़ाया जाता है कि कलाकार जीवित प्राणियों को अपने स्थिर जीवन में पेश करता है (एक छोटा बंदर फल चुराता है, एक कुत्ता बिल्ली पर दौड़ता है, एक घोड़ा जो सब्जियां खाता है, आदि)।

स्नाइडर्स जानवरों का चित्रण करने में एक महान उस्ताद थे, जबकि उनके चित्रों में मानव आकृतियाँ सबसे कम अभिव्यंजक हैं; उन्हें अक्सर अन्य कलाकारों द्वारा चित्रित किया जाता था। यह कुछ भी नहीं है कि स्नाइडर्स के कई अभी भी जीवन उनकी साजिश रचनाओं के करीब हैं - तेज शिकार के दृश्य या शोर पक्षी घर। शिकार के दृश्यों की एक अजीबोगरीब शैली, जिसमें चित्रकार पॉल डी वो (1596-1678), जो स्नाइडर्स के करीबी थे, ने भी काम किया, फ्लेमिश कला में व्यापक हो गए, क्योंकि जंगली जानवरों की भीषण लड़ाई के लुभावने तमाशे की छवि जहरीली थी कुत्तों द्वारा फ्लेमिश स्वामी द्वारा प्रिय प्रभावों के लिए विशेष रूप से अनुकूल अवसर खोले।

फ्लेमिश स्टिल लाइफ के एक और उत्कृष्ट गुरु, जेन फेथ (1611-1661) का काम अधिक संयमित और परिष्कृत है। स्नाइडर्स के विपरीत, विश्वास शक्तिशाली स्मारकीय और सजावटी दायरे के कार्यों को बनाने का प्रयास नहीं करता है। उनके अभी भी जीवन बंद चित्रफलक पेंटिंग हैं, अधिक अंतरंग, वस्तुओं की पसंद में अधिक सख्त, एक स्पष्ट और कॉम्पैक्ट रचना और रंग की दुर्लभ सुंदरता के साथ। ग्रे, नीले, नीले, लाल, बकाइन-ग्रे, पीले-गुलाबी स्वरों के सूक्ष्म रूप से सामंजस्यपूर्ण संक्रमणों में, उन्होंने अटूट रंगीन विविधताएँ बनाईं। विशेष गुण के साथ, आस्था चित्रित वस्तुओं की बनावट बताती है: पक्षियों के नाजुक इंद्रधनुषी मोती-ग्रे पंख, एक खरगोश के नरम नरम फर, गहनों की तरह चमकते नम अंगूर ("मृत खेल", ललित कला के पुश्किन संग्रहालय; "फल और तोता ", 1645, हर्मिटेज;" फल और फूल ", ब्रुसेल्स, ललित कला संग्रहालय)।

रूबेन्स, जोर्डेन्स, स्नाइडर्स और 17 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के अन्य फ्लेमिश चित्रकारों के कार्यों के आगे, उनके समकालीन एड्रियन ब्राउनर (1605 / 06-1638) के काम असामान्य लगते हैं। हालाँकि, इस मूल गुरु की कला किसी प्रकार की ऐतिहासिक दुर्घटना नहीं थी। ब्रॉवर का काम, जो 16वीं शताब्दी के चित्रकला और साहित्य में मौजूद थे, उन्हें विकसित करना। एक व्यक्ति के अजीबोगरीब हास्य चित्रण की परंपरा, फ्लेमिश समाज के निचले वर्गों के जीवन के छाया पक्षों को दर्शाती है। उन्होंने छोटी शैली की रचनाएँ लिखीं जिनमें दृश्यों को धुँधले, धुएँ के रंग के सराय में कैद किया गया था, जहाँ किसान, गरीब लोग और आवारा इकट्ठा हुए थे। उनके चित्रों में अक्सर शराब पीने के मुकाबलों, हिंसक झगड़ों, ताश के खेल, धूम्रपान करने वालों और क्रूर घरेलू दवाओं में बदल जाने का चित्रण किया गया है। बोहेमियन शरारत की एक साहसी भावना ब्रोवर के कार्यों में व्याप्त है, जो उस समय फ्लेमिश कला में प्रचलित कलात्मक प्रवृत्तियों के विपरीत है।

एड्रियन ब्रौवर का जन्म औडेनार्ड में कारीगरों के परिवार में हुआ था। एक युवा के रूप में, वे हॉलैंड गए, जहां उन्होंने फ्रैंस हल्स के साथ हार्लेम में अध्ययन किया होगा; हार्लेम और एम्स्टर्डम में काम किया। पेंटिंग के डच स्कूल ने युवा कलाकार को बहुत कुछ दिया, लेकिन वह अपनी मातृभूमि में एक स्वतंत्र मास्टर के रूप में विकसित हुआ, जहां वह 1631 में लौट आया। ब्राउनर के शुरुआती चित्रों में (उदाहरण के लिए, हॉलैंड में चित्रित बर्लिन स्कूल), स्पष्ट कार्टून की विशेषताएं प्रबल होती हैं। सुस्त, विकृत चेहरे के साथ सूक्ति-जैसे शैतानों का एक प्रकार का डंप प्रस्तुत किया जाता है। लेकिन उनके अचानक आंदोलनों और इशारों के संचरण में, कोई भी उस पथ का अनुमान लगा सकता है जिसके साथ ब्रॉवर का काम, गतिशील रचनाओं के एक मास्टर, तत्काल परिवर्तनशील पोज और पात्रों की जोरदार अभिव्यक्ति भविष्य में विकसित होती है। ये गुण बेहूदा गुस्से (ड्रेसडेन, मॉस्को, लेनिनग्राद में संग्रहालयों में पेंटिंग) या जुए के खेल (किसानों के ताश के पत्तों, 1630 के दशक; म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक) से भरे हुए शराबी झगड़े की छवि में प्रकट होते हैं। गरीबी और नशे से कुचले हुए ब्रॉवर के नायक, असभ्य लोग, अक्सर द्वेष और शून्यता की भावना से ओत-प्रोत होते हैं। लेकिन इन वर्षों में, उनकी कला, विचित्र के कुछ तत्वों को बनाए रखते हुए, गहरी और अधिक सार्थक हो जाती है। सराय में दृश्य कम अशांत हो जाते हैं, जैसे कि आवारा और जुआरी को चिंतित करने वाली नीच जुनून कम होने लगती है। ब्राउनर का काम एक अधिक चिंतनशील चरित्र लेता है, जो एक सौम्य हास्य से रंगा होता है। वह धूम्रपान करने वालों की एक कंपनी को दर्शाता है, शांति से एक-दूसरे से बात कर रहा है, या "किसान चौकड़ी" (म्यूनिख) जैसी तस्वीर बनाता है। इस बाद की पेंटिंग में चार निस्वार्थ रूप से गाते हुए किसान और एक मोटी फ्लेमिश महिला को एक बच्चे के साथ जलती हुई चूल्हा दिखाया गया है। हमेशा की तरह, ब्राउनर की कल्पना जानबूझकर अलंकृत है; इसमें किसानों को खुले मुंह से गाते हुए दिखाया गया है, जो उनके बदसूरत चेहरों को एक अजीब अभिव्यक्ति देता है। और साथ ही तस्वीर में मानवीय गर्मजोशी और जीवन की सच्चाई की भावना भी है। वह स्वेच्छा से लोगों की एकल आकृतियों को चित्रित करता है, जो अब उनके उदास विचारों में डूबे हुए हैं, अब गिटार बजा रहे हैं, अब जानवरों के साथ प्यार से बात कर रहे हैं ("मैन विद ए डॉग", ओस्टरबेक, हेल्ड्रिंग संग्रह; "इनकीपर", म्यूनिख)। इन छवियों को आम आदमी के लिए ब्राउन की सहानुभूति से गर्म किया जाता है और स्वयं कलाकार के व्यक्तित्व की छाप होती है। दरअसल, अपने जीवन के अंतिम वर्षों में लिखे गए कथित स्व-चित्र (द हेग, माय्रिट्ज़ुइस) में, वह एक ऐसी छवि बनाता है जो अपने समय के लिए अद्भुत है। हमारे सामने बोहेमिया का एक विशिष्ट प्रतिनिधि है: मैला, सभी बाहरी शालीनता के प्रति उदासीन, और साथ ही, एक जटिल आंतरिक जीवन एक बुद्धिमान, आक्रामक चेहरे में परिलक्षित होता है।

अपने कलात्मक कौशल में, ब्राउनर अपने समय की उत्कृष्ट उपलब्धियों के स्तर पर खड़ा है। मुख्य और गौण दोनों पात्रों का वर्णन करते हुए वह विशेष तीक्ष्णता तक पहुँचता है। आंकड़े हमेशा गति में चित्रित होते हैं, उनके इशारों को अद्भुत सटीकता के साथ देखा जाता है; चेहरे के भावों पर जोर दिया जाता है, लेकिन साथ ही वास्तविकता की भावना को कभी नहीं खोता है ("बिटर मेडिसिन"; फ्रैंकफर्ट एम मेन, शेटेल इंस्टीट्यूट)।

उनके चित्रों की रचना में, दो योजनाओं को आमतौर पर उजागर किया जाता है: सामने पात्रों का मुख्य और बहुत कॉम्पैक्ट समूह होता है, पीछे एक अर्ध-अंधेरा स्थान होता है। एक सराय या मधुशाला, जिसमें आगंतुकों के आंकड़े अस्पष्ट रूप से अलग-अलग होते हैं और, जैसा कि यह था, इसका अपना दैनिक जीवन चलता रहता है। प्रकाश और छाया के संक्रमण की मदद से, अंतरिक्ष की गहराई की भावना और एकल

वायु पर्यावरण। ब्रॉवर एक उत्कृष्ट रंगकर्मी है, उत्कृष्ट रंग संयोजनों का उस्ताद है। उनके कैनवस आमतौर पर भूरे-जैतून के रंगों में होते हैं; पृष्ठभूमि को हवादार धूसर और पीले रंग के स्वर में चित्रित किया गया है, और अग्रभूमि में चित्रित लोगों के कपड़ों में फीके नीले, क्रीम, गुलाबी, पीले रंगों के बारीक सामंजस्यपूर्ण रंगीन धब्बे हैं। ब्रौवर की पेंटिंग तकनीक स्वतंत्रता और कलात्मकता की विशेषता है।

ब्राउनर की भू-दृश्य रचनाएँ उनके जीवन के अंतिम वर्षों की हैं। उनमें, उनके काम का गीतवाद सबसे शुद्ध और प्रत्यक्ष रूप से व्यक्त किया गया है, जो उनकी शैली के चित्रों में एक अव्यक्त रूप में प्रकट होता है। उनके परिदृश्य में, व्यक्तिगत अनुभव की छाया महसूस की जा सकती है। उनमें से कुछ विशेष अंतरंगता की भावना से ओत-प्रोत हैं - उदाहरण के लिए, बर्लिन के लैंडस्केप विद ए शेफर्ड में, कलाकार एक हल्के धूप वाले दिन को दर्शाता है; सड़क के किनारे बैठा चरवाहा बांसुरी बजाता है, बेचारे किसान झोंपड़ियाँ फैलते पेड़ों की गहरी छाँव में छिप जाते हैं; प्रकृति शांति और शांति से भरी है। ब्राउनर के अन्य परिदृश्य नाटकीय भावनाओं से ओत-प्रोत हैं। सबसे अधिक बार, वह रात के परिदृश्यों को चित्रित करता है, जो चंद्रमा की असमान रोशनी से प्रकाशित होता है, जो फटे हुए बादलों और हवा से सरसराहट वाले पेड़ों पर फिसलता है ("ड्यून लैंडस्केप विद ए राइजिंग मून"; बर्लिन)। स्टाफेज (डकैती के दृश्य, हमले, आवारा लोगों के अकेले अशुभ आंकड़े) भी परिदृश्य के मूड के अनुसार हैं। इन चित्रों में धब्बा एक तीव्र, बेचैन लय लेता है। प्रकृति की मर्मज्ञ व्यक्तिगत धारणा की प्रकृति से, ब्रौवर फ्लेमिश कला में अकेले खड़े हैं, और उनके परिदृश्य रेम्ब्रांट के परिदृश्य के बजाय इस संबंध में गूंजते हैं।

ब्रॉवर की कला, अपने श्रृंगार में गहराई से विशिष्ट, एक ही समय में अन्य राष्ट्रीय विद्यालयों की कला में समान घटनाओं से जुड़ी हुई थी, विशेष रूप से डच शैली के साथ। हालाँकि, फ्लेमिश मास्टर की कृतियाँ डच शैली के चित्रकारों के कार्यों से काफी भिन्न हैं। ब्राउनर ने उन्हें आलंकारिक डिजाइन की निर्भीकता, कलाकार के जीवंत स्वभाव के साथ पीछे छोड़ दिया। उनके कैनवस बुर्जुआ संकीर्णता की भावना से रहित हैं, रोजमर्रा की जिंदगी के छोटे-छोटे विवरण और डच मास्टर्स में निहित सतही मनोरंजन से रहित हैं। वह उज्ज्वल और विशद रूप से देखता है, उसके काम की बहुत सीमा, जिसमें छवियों के विचित्र और गीतात्मक रंग दोनों शामिल हैं, बहुत व्यापक है।

ब्रॉवर के लेखन, जिसने दिखावटी शालीनता और पाखंडी नैतिकता की उपेक्षा की, ने "अच्छे समाज" के स्वाद को झकझोर दिया। रेम्ब्रांट और रूबेन्स सहित उस समय के प्रमुख कलाकारों द्वारा ब्राउनर की कला की सराहना की गई थी। लेकिन ब्राउनर के काम का कोई योग्य उत्तराधिकारी नहीं था। 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, देश के पतन के दौरान, विभिन्न परिस्थितियों में कला का विकास हुआ। 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्लेमिश पेंटिंग के विशिष्ट मास्टर डेविड टेनियर्स (1610-1690) थे। 1630 के दशक में काम करना। ब्राउनर के साथ, उन्होंने आंशिक रूप से शैली चित्रों के निर्माण में उनका अनुकरण किया। लेकिन छोटी-छोटी मूर्तियों से आबाद नरम चांदी के स्वरों में चित्रित उनकी सुरुचिपूर्ण पेंटिंग प्रकृति में मनोरंजक हैं। कई "केर्मेसस" अच्छी तरह से तैयार किए गए दावतों और मनोरंजन को दर्शाते हैं, हालांकि कुछ हद तक अश्लील, ग्रामीण जो एक-दूसरे के समान हैं। कभी-कभी उच्च वर्गों के प्रतिनिधियों द्वारा उन पर कृपालु नजर रखी जाती है। फ्लेमिश समाज के अभिजात वर्ग में टेनियर्स के चित्रों को बड़ी सफलता मिली। कलाकार ने फैशन, ग्राहकों की आवश्यकताओं का पालन किया। 1640 के दशक में। उनकी "लोकतांत्रिक" शैली को शानदार छवियों द्वारा बदल दिया गया था - उनके चित्रों में शैतान, चुड़ैलों, शैतान दिखाई देते हैं ("सेंट एंथोनी का प्रलोभन") - या अजीब छोटी चीजों की छवियां - ऐसे दृश्य जिनमें बंदरों को रसोई में विभिन्न कार्य करते हुए दर्शाया गया है या नाई ("रसोई में बंदर"; आश्रम)। नाजुक ढंग से चित्रित, रंग में सुखद, ऐसे चित्र भी उपाख्यानात्मक मनोरंजन से भरे हुए हैं। बाद में, जब टेनियर्स आर्कड्यूक लियोपोल्ड की स्टैडथोल्डर आर्ट गैलरी के क्यूरेटर बने, तो उन्होंने जिज्ञासाओं और कला दीर्घाओं के कैबिनेट के अंदरूनी हिस्सों को चित्रित करने के लिए स्विच किया। ये उबाऊ, शुष्क कार्य केवल ऐतिहासिक और कलात्मक दस्तावेजों के रूप में दिलचस्प हैं, क्योंकि वे पांडित्य सटीकता के साथ कई अद्भुत कार्यों का प्रतिनिधित्व करते हैं जो गैलरी में थे। अपने जीवन के अंत में, फिर से किसान शैली की ओर मुड़ते हुए, टेनियर्स पूरी तरह से फ्लेमिश कला की यथार्थवादी परंपराओं से हट जाते हैं, 18 वीं शताब्दी के देहाती और वीर उत्सव की भावना में दृश्य बनाते हैं।

17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। फ्लेमिश कला में, रचनात्मक सुस्ती, ढहती छवियों, विदेशी मॉडलों की गैर-आलोचनात्मक नकल, विशेष रूप से फ्रांस और हॉलैंड के कला विद्यालयों का समय आ रहा है। बाद के फ्लेमिश आचार्यों में, केवल जान साइबेरेग्स (1627 - सी। 1703) ध्यान देने योग्य हैं। उनकी रचनाएँ बहुत नीरस हैं। ये बदसूरत, देहाती फ्लेमिश किसान महिलाओं के हरे-भरे लॉन पर झुंड की रखवाली या सड़क के किनारे आराम करने की छवियां हैं (लैंडस्केप विद स्लीपिंग पीजेंट वुमन; म्यूनिख)। कलाकार अक्सर हल्की वन नदियों के छायादार जंगलों को चित्रित करता है, जिसके माध्यम से महिलाएं गुजरती हैं, अपनी स्कर्ट बांधती हैं, किसान झुंड चलाते हैं या गाड़ी चलाते हैं। साइबेरेक्ट्स के कैनवस, आकार में काफी बड़े, ठंडे, चांदी, कुछ हद तक कठोर पेंटिंग तरीके से चित्रित होते हैं। गुरु बार-बार एक ही विषय, प्रकृति के एक ही कोने को बदलता रहता है। उनके चित्रों में सब कुछ सरल, शांत, व्यवसायिक है। लेकिन, समकालीन फ्लेमिश चित्रकारों के विपरीत, जिन्होंने जैक्स डी "आर्टोइस (1613-1686) की तरह, काल्पनिक, विशुद्ध रूप से सजावटी परिदृश्य बनाए या एक आदर्श क्लासिकिस्ट परिदृश्य की ओर अग्रसर हुए, साइबेरेक्ट्स की पेंटिंग उनके मूल देश की प्रकृति की वास्तविक छवि के करीब हैं।

वे 17 वीं शताब्दी में उच्च पूर्णता से प्रतिष्ठित थे। फ़्लैंडर्स में लागू कला के काम: बेहतरीन कारीगरी का फीता, कीमती लकड़ी और हाथीदांत के साथ शानदार फर्नीचर, और विशेष रूप से टेपेस्ट्री। टेपेस्ट्री बनाना 14वीं सदी से देश के कला उद्योग का एक प्रमुख क्षेत्र रहा है। इसका मुख्य केंद्र ब्रुसेल्स था। मंदिरों की सजावट में टेपेस्ट्री का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था, साथ ही फ्लेमिश बड़प्पन और धनी व्यापारियों के औपचारिक अपार्टमेंट भी। उनका उत्पादन चित्रकला के उत्कर्ष के साथ निकटता से जुड़ा था, जिसके प्रमुख स्वामी (रूबेंस और इओर्डन सहित) ने ट्रेलेज़ के लिए कार्डबोर्ड बनाया। फ्लेमिश दीवार कालीन 17वीं सदी बड़े आकार तक पहुँचते हैं, उनकी रचनाएँ अधिक जटिल हो जाती हैं, रंगीन प्रणाली विशेष तीव्रता प्राप्त कर लेती है। वैभव की छाप विस्तृत और विविध सीमाओं की शुरूआत से बढ़ जाती है, जिसमें सजावटी और पौधे के रूपांकन होते हैं। टेपेस्ट्री में, अक्सर पूरी श्रृंखला में प्रदर्शन किया जाता है, जटिल बहु-चित्रित दृश्यों को बाइबिल के भूखंडों, प्राचीन इतिहास, साथ ही साथ रूपक सामग्री की छवियों पर चित्रित किया गया था। 17वीं शताब्दी का पूर्वार्ध फ़्लैंडर्स में टेपेस्ट्री उत्पादन में सबसे अधिक वृद्धि का समय था। सदी के अंत तक, जब यूरोप में फ्रांसीसी कारख़ाना सामने आए, तो फ्रांसीसी स्वाद का प्रभाव ध्यान देने योग्य था, विशेष रूप से 18 वीं शताब्दी के दौरान बढ़ रहा था। फ्लेमिश टेपेस्ट्री की कल्पनाशील संरचना का सजावटी पैमाना खो गया है, वीर उत्सव और देहाती दृश्यों की छवि फैशनेबल होती जा रही है, फीके रंगों का उपयोग किया जाता है। यह महत्वपूर्ण है कि इस समय टेनियर्स की रमणीय ग्रामीण रचनाएँ, जिसके आधार पर न केवल फ़्लैंडर्स में, बल्कि पश्चिमी यूरोप के अन्य देशों में भी कई टेपेस्ट्री बनाई गई हैं, विशेष लोकप्रियता प्राप्त कर रही हैं। अक्सर, टेपेस्ट्री कार्डबोर्ड से बने होते हैं, फ्लेमिश नहीं, बल्कि फ्रांसीसी स्वामी।