(अव्य। अमूर्त - निष्कासन, व्याकुलता) - गैर-उद्देश्य, गैर-आलंकारिक कला - दृश्य गतिविधि का एक रूप जिसका उद्देश्य नेत्रहीन वास्तविकता की नकल या प्रदर्शित करना नहीं है। अमूर्त पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला पहचानने योग्य वस्तुओं के साथ जुड़ाव को बाहर करता है।

अमूर्त पेंटिंग की उत्पत्ति और पहली अमूर्त पेंटिंग के निर्माण का समय स्थापित नहीं किया गया है। हम केवल निश्चित रूप से कह सकते हैं कि 1910 और 1915 के बीच, कई यूरोपीय कलाकारों ने गैर-वस्तुनिष्ठ, गैर-आलंकारिक रचनाओं (पेंटिंग, ड्राइंग, मूर्तिकला) में अपना हाथ आजमाया। उनमें से: आर। डेलोन, एम। एफ। लारियोनोव, एफ। पिकाबिया, एफ। कुप्का, पी। क्ले, एफ। मार्क, ए। जी। यवलेंस्की, यू। बोचियोनी, एफ। मारिनेटी और अन्य। सबसे मूल और प्रसिद्ध - वीवी कैंडिंस्की, पी। मोंड्रियन, केएस मालेविच। अमूर्तता के "आविष्कारक" को आमतौर पर कैंडिंस्की कहा जाता है, जो 1910-1912 के उनके जलरंगों और उनके सैद्धांतिक कार्यों का जिक्र करते हैं, जो कला की आत्मनिर्भरता की गवाही देते हैं, अपने स्वयं के माध्यम से कुछ नई वास्तविकता बनाने की उनकी क्षमता की ओर इशारा करते हैं। व्यवहार और सिद्धांत दोनों में, कैंडिंस्की उन लोगों में सबसे दृढ़ और सुसंगत थे, जो उस समय आलंकारिकता को अमूर्तता से अलग करने वाली रेखा से संपर्क करते थे। 20वीं शताब्दी के शुरुआती वर्षों में इस अनुत्तरित प्रश्न का कोई मौलिक महत्व नहीं है कि इस रेखा को सबसे पहले किसने पार किया। यूरोपीय कला में नवीनतम रुझान इस सीमा के करीब आए, और हर चीज ने संकेत दिया कि इसे उलट दिया जाएगा।

अमूर्त, लोकप्रिय धारणाओं के विपरीत, शैलीगत श्रेणी नहीं है। ललित कला का यह विशिष्ट रूप कई दिशाओं में आता है। जियोमेट्रिकल एब्स्ट्रैक्शन, गेयिकल एब्स्ट्रैक्शन, जेस्चरल एब्स्ट्रैक्शन, एनालिटिकल एब्स्ट्रैक्शन और अधिक विशेष धाराएं जैसे कि सुपरमैटिज्म, अरनफॉर्मेल, नुआजिज्म आदि।

अमूर्त कला शैलियाँ आलंकारिक कला शैलियों के समान शैली बनाने वाले तत्वों से बनी होती हैं। यह इस बात का सबूत है, विशेष रूप से, इस तथ्य से कि मोनोक्रोम पेंटिंग - एक स्वर में चित्रित एक कैनवास - बिल्कुल प्राकृतिक आलंकारिक छवि के रूप में शैली के समान तटस्थ संबंध में है। एब्सट्रैक्ट पेंटिंग है एक विशेष प्रकार की दृश्य गतिविधि, जिनके कार्यों की तुलना ऑडियो स्पेस में संगीत के कार्यों से की जाती है।

कला में सौन्दर्यात्मक अभिवृत्तियों का त्वरित परिवर्तन 20वीं शताब्दी की संस्कृति, विज्ञान और प्रौद्योगिकी में क्रांतिकारी परिवर्तनों से उत्पन्न होता है। कला में, 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में नए रुझान पहले से ही ध्यान देने योग्य हो गए हैं। इस समय, यूरोपीय चित्रकला में, कोई भी प्राकृतिक तकनीक (जे। इंग्रेस, जे.-एल। डेविड, टी। चेसेरियो) के सुधार और पारंपरिकता की ओर बढ़ती प्रवृत्ति (सी। कोरोट, ई। डेलाक्रोइक्स, एफ। गोया); उत्तरार्द्ध को विशेष रूप से अंग्रेजी चित्रकला में तेज किया गया है - आरओ बोनिंगटन द्वारा और विशेष रूप से डब्ल्यू टर्नर द्वारा, जिनकी पेंटिंग धुंध में उगता सूरज(1806) संगीत संध्या(1829-1839) और कुछ अन्य रचनाएँ अमूर्तता की सीमा पर सबसे साहसी सामान्यीकरणों का प्रतिनिधित्व करती हैं। आइए फॉर्म पर ध्यान दें, लेकिन उनके नवीनतम कार्यों में से एक के विषय पर भी - बारिश, भाप, गति, जो कोहरे और बारिश के घूंघट के बीच भागते हुए भाप इंजन को दर्शाता है। 1848 में चित्रित यह चित्र, 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध की कला में परंपरा का उच्चतम माप है।

XIX सदी के मध्य से। पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला से तात्पर्य है जो प्रत्यक्ष छवि के लिए दुर्गम है। नए सचित्र साधनों, टंकण के तरीकों, बढ़ी हुई अभिव्यक्ति, सार्वभौमिक प्रतीकों और संकुचित प्लास्टिक सूत्रों की खोज अधिक से अधिक गहन रूप से विकसित की जा रही है। एक ओर, इसका उद्देश्य किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया - उसकी भावनात्मक मनोवैज्ञानिक अवस्थाओं को प्रदर्शित करना है, दूसरी ओर - वस्तुनिष्ठ दुनिया की दृष्टि को अद्यतन करना। 1900 के दशक में, खोज - पहले स्पेन में, और फिर फ्रांस में - आदिम और थोड़ी देर बाद पारंपरिक ("आदिम") कला ने दृश्य कला में सशर्त रूपों के महत्व के विचार को निर्णायक रूप से बदल दिया।

इस समय कला जिस अवस्था में है, उसे स्थायी सौंदर्य क्रांति कहा जा सकता है; मुख्य कार्यक्रम फ्रांस में होते हैं। निकोलस II के एवेन्यू पर पेरिस में 1900 की यूनिवर्सल इंटरनेशनल प्रदर्शनी, पहली आधिकारिक प्रदर्शनी थी, जिसमें उन कलाकारों के काम शामिल थे जो उस समय भी "निंदनीय" थे: ई। मैनेट, सी। मोनेट, ओ। रेनॉयर और अन्य प्रभाववादी, साथ ही पी। गौगिन और पी। सीज़ेन। 1904 में, जर्मनी में दिखाई गई नवीनतम फ्रांसीसी पेंटिंग ने जर्मन कलाकारों पर एक आश्चर्यजनक छाप छोड़ी और युवा संघ के निर्माण के लिए एक प्रेरणा के रूप में कार्य किया, जिसमें भविष्य के प्रसिद्ध अभिव्यक्तिवादी शामिल थे: ई। एल। किरचनर, के। श्मिट-रोटलफ और अन्य।

1905 से 1910 तक पश्चिमी यूरोपीय कला में शास्त्रीय सचित्र प्रणाली का एक सुसंगत "विघटन" था, सौंदर्यवादी दृष्टिकोण में एक आमूल-चूल परिवर्तन। प्रभाववाद के बाद - कला के इतिहास में पहली बार - पेंटिंग में संरचनात्मक (गैर-शैलीगत) परिवर्तन पेश किए गए, फ्रांसीसी फाउविस्ट और जर्मन अभिव्यक्तिवादियों ने रंग, ड्राइंग के प्रति अपना दृष्टिकोण बदल दिया, जो अंततः प्रकृति की अधीनता से परे हो गया। तब क्यूबिज्म पेंटिंग को कथा कथानक की कथा से मुक्त करता है।

यदि पेंटिंग, अन्य कलाओं की तरह, कौशल का इतना प्रदर्शन नहीं है - एक कार्य का निर्माण, आत्म-अभिव्यक्ति के तरीके के रूप में, तो अमूर्त कला को ललित कला के सबसे उन्नत चरण के रूप में पहचाना जाना चाहिए। यह "उदगम" अमूर्तवाद के अग्रदूत - कैंडिंस्की के रचनात्मक विकास को प्रदर्शित करता है, जो रंग और रेखा के मुक्त स्थान में प्रवेश करने से पहले अकादमिक ड्राइंग और यथार्थवादी परिदृश्य पेंटिंग सहित कई चरणों से गुजरता है। सार रचना अंतिम, आणविक स्तर है जिस पर पेंटिंग अभी भी पेंटिंग कर रही है। अगला क्षय है।

"मेरे अस्तित्व का प्रमाण," समकालीन कलाकारों में से एक कहता है, "मेरा नाम नहीं है, मेरा शरीर - वे समय के सागर में गायब हो जाएंगे, लेकिन कल्पना, दिखावे का निर्माण" (फ्रैंक्लिन सी। जीन ले गाक। उद्धृत से: बाजरा के। . मिन्स्क, 1995, पी। 235)।

रचनात्मकता सबसे अंतरंग, प्रामाणिक तरीका है आत्म-पुष्टि,जिसकी लोगों को सख्त जरूरत है। यह आवश्यकता लोगों के बड़े पैमाने पर लोगों को गले लगाती है (जो, विशेष रूप से, किसी की प्रामाणिकता के सामूहिक और व्यक्तिगत दावे के तेजी से हिंसक तरीकों से प्रमाणित होती है)।

अमूर्त कला एक व्यक्तिगत प्राणी को पकड़ने का सबसे सुलभ और महान तरीका है, और एक प्रतिकृति प्रिंट के समान है। साथ ही यह स्वतंत्रता का प्रत्यक्ष अहसास है।

संयुक्त राज्य अमेरिका में, अमूर्तवाद का उदय 1940 के दशक के मध्य से ही शुरू हो जाता है। उस समय के पहले उल्लेखनीय व्यक्ति, पी. मोंड्रियन के छात्र जे. पोलक के अलावा, बी. डिलर, एम. टोबी, बी. डब्ल्यू. टॉमलिन, ए. गोर्की थे। जिन लोगों के काम ने बाद में यूरोपीय चित्रकला को प्रभावित किया, उनमें बी। न्यूमैन, एम। रोथको, एफ। क्लिन, आर। रोसचेनबर्ग, डब्ल्यू। कुनिंग, ए। रेनहार्ड्ट शामिल हैं।

युद्ध के बाद के पहले फ्रांसीसी अमूर्त कलाकारों में से एक, जिन्होंने अमेरिकी चित्रकला का पाठ लिया, वे थे पी. सोलेजेस। उनकी सबसे अच्छी रचनाएँ एफ। क्लिन के अभिव्यंजक सार की याद नहीं दिलाती हैं। जी। हार्टुंग की रचनाएँ यूरोपीय अमूर्तता के मूल स्रोत - कैंडिंस्की के करीब हैं। युद्ध के बाद के वर्षों में स्वतंत्र रूप से अमूर्ततावाद में आने वाले यूरोपीय कलाकारों में जे। फॉटियर, जे। मैथ्यू, जे.-पी। रियोपेल, जे। कैपोग्रोसी, एम। एस्टेव, ए। लैंसकोय, एस। पॉलाकोव, आर। बिसिएरे हैं। और जे. बाज़िन। युद्ध के बाद के वर्षों में फ्रांस में विशेष रूप से प्रभावशाली जे। बाज़िन और आर। बिस्सियर थे। पूरी तरह से अमूर्त और आलंकारिकता के संकेत के बीच, बिस्सियर और आंशिक रूप से बाज़िन की पेंटिंग की तरह, उतार-चढ़ाव, एन डी स्टेल की पेंटिंग की कीमत और लोकप्रियता में वृद्धि जारी है।

1950 में, पेरिस में पहली कार्यशाला दिखाई दी, जिसमें कलाकारों जे। देवन और ई। पिलेट ने युवा लोगों को यथार्थवादी दृष्टि से छुटकारा पाने के लिए सिखाया, विशेष रूप से सचित्र माध्यमों से एक चित्र बनाया और रचना में तीन टन से अधिक का उपयोग नहीं किया, क्योंकि "रंग रूप निर्धारित करता है" (किसी को सटीक रंग खोजने के लिए प्रयास करना चाहिए)। 50 के दशक की शुरुआत में, ए। मैटिस ने अमूर्त रचनाएँ बनाईं। दीवान द्वारा अमूर्त पेंटिंग मराटे का एपोथोसिस(1951) बड़े उत्साह के साथ प्राप्त किया गया था। आलोचकों ने लिखा है कि यह न केवल एक उग्र ट्रिब्यून का एक बौद्धिक चित्र है, बल्कि, इसके अलावा, "शुद्ध रंग का उत्सव, घटता और सीधी रेखाओं का एक गतिशील नाटक", "यह बात इस बात का प्रमाण है कि अमूर्तता न केवल आध्यात्मिक मूल्यों को व्यक्त करती है, लेकिन आलंकारिक कला भी ऐतिहासिक और राजनीतिक घटनाओं का उल्लेख कर सकती है।

1950 के दशक की शुरुआत में, जे. मैथ्यू का "गीतात्मक अमूर्तन" फ्रांस में लोकप्रिय हो गया। वह एक बयान का मालिक है जो कला के लिए एक नया दृष्टिकोण दर्शाता है: "अर्थशास्त्र के नियम उलटा के सिद्धांत पर काम करते हैं: चूंकि एक चीज दी जाती है, उसके लिए एक संकेत मांगा जाता है, अगर कोई संकेत दिया जाता है, तो यह खुद को दावा करता है कि यह एक पाता है एक अवतार लिया। ” यानी पहले एक चिन्ह बनाया जाता है, फिर उसका अर्थ खोजा जाता है। शास्त्रीय कला में, अर्थ अवतार लेना चाहता है (मुख्य रूप से संकेतित)।

1950 के दशक की शुरुआत में, न्यूयॉर्क की बेट्टी पार्सन गैलरी, जहां हैंस हॉफमैन और जे. पोलक की कृतियों को 1940 के दशक के अंत में पहली बार प्रदर्शित किया गया था, में नए नाम सामने आए - बार्नेट न्यूमैन और रॉबर्ट रोसचेनबर्ग।

50 के दशक के अमेरिकी अमूर्तन की शैली अलग है आयताकार ज्यामिति: बी। डिलर, ए। रेनहार्ड्ट, डब्ल्यू। कुनिंग, एफ। क्लिन, एम। रोथको, बी। न्यूमैन, आर। रोसचेनबर्ग (अपवाद ए। गोर्की, आंशिक रूप से एम। टोबी और ए। गॉटलिब)। यह शैली न्यूयॉर्क स्कूल से जुड़ी हुई है, जो अचानक अंतरराष्ट्रीय ख्याति प्राप्त कर रही है।

कला हमेशा से ही किसी न किसी रूप में आत्म-अभिव्यक्ति का माध्यम रही है। व्यक्तित्व, परोक्ष रूप से महान शैलियों की नियामक संरचनाओं में खुद को छापता है, आधुनिक समय में अपने लिए ऐसी संरचनाएं बनाता है।

अमूर्तता के विमोचन के साथ, रचनात्मक व्यक्ति को स्वतंत्रता प्राप्त हुई। किसी और के द्वारा बिना सुधारे, रेखा, रंग, बनावट लेखक की प्रतिकृति बन जाती है। सैद्धांतिक रूप से, प्लास्टिक, ग्राफिक, सचित्र अनुमानों में व्यक्तित्व की छाप को कुछ भी नहीं रोकता है, जिसमें कैसेतथा गुरुओ एक साथ विलय ("मेरा चित्र मेरी भावनाओं का प्रत्यक्ष और शुद्धतम अवतार है," मैटिस कहते हैं। एल "एवेंचर डू एक्सएक्स सिकेल. पेरिस, 1998. पी. 511)।

दूसरी ओर, अमूर्तता द्वारा अनुमत अलगाव की माप पहले से मौजूद हर चीज से आगे निकल जाती है। सर्वोच्चतावाद का सुरम्य निर्माता अपनी संभावनाओं में अभूतपूर्व, सौंदर्य संबंधी जरूरतों की संतुष्टि को मानता है।

एक शैली-निर्माण कारक के रूप में, अमूर्तता दो विपरीत तत्वों - अद्वितीय और सार्वभौमिक को मूर्त रूप देने की संभावनाओं का असीम रूप से विस्तार करती है। ग्रंथ, सभी समय की कला के कार्य इस बात की गवाही देते हैं कि लेखक, कुछ हद तक, हमेशा अपने बारे में बात करता था, लेकिन इतना सचेत, पूरी और स्पष्ट रूप से कभी नहीं, जैसा कि 20वीं शताब्दी में था।

कारकों के योग में (फोटोग्राफी का आविष्कार, रंग और प्रकाश के वैज्ञानिक और अर्ध-वैज्ञानिक सिद्धांत, आदि) जो आधुनिक समय में कला में परिवर्तन के मुख्य वेक्टर को निर्धारित करते हैं - प्रकृतिवाद से अमूर्तता तक की गति, पहला स्थान है रचनात्मकता के वैयक्तिकरण द्वारा कब्जा कर लिया गया - व्यक्तित्व के प्रत्यक्ष प्रक्षेपण में इसका परिवर्तन।

स्वभाव का प्रत्यक्ष प्रक्षेपण - जेस्चरल पेंटिंग - अमेरिका में पैदा हुआ है। अमेरिका में नई कला की जीत अप्रत्याशित लग सकती है, अगर कोई अमेरिकियों के आक्रोश को याद करता है, जिन्होंने पहली बार 1913 में यूरोपीय अवांट-गार्डे की एक बड़ी प्रदर्शनी देखी थी। युद्ध और युद्ध के बाद की अवधि में, अमेरिकियों को आश्वस्त किया जा सकता था कि कला में निवेश विश्वसनीय और लाभदायक था। समय पर समकालीन कला की लाभप्रदता को महसूस करने वाले किसी भी व्यक्ति को शानदार रूप से समृद्ध (पैगी गुगेनहेम, बेट्टी पार्सन, आदि) बनने का मौका मिला। संयुक्त राज्य अमेरिका में युद्ध के दौरान यूरोपीय अवांट-गार्डे के लगभग सभी क्लासिक्स ने खुद को प्रवासियों की स्थिति में पाया। अमेरिकी अमूर्त कलाकारों में सबसे प्रसिद्ध मोंड्रियन के छात्र पोलक हैं, और उनकी सफलता बेट्टी पार्सन गैलरी की सफलता है।

1960 के दशक की शुरुआत में, अमूर्त कला एक नए रूप में अमेरिका से यूरोप लौट आई। "यह एक खोज बन जाती है," के. मिलेट लिखते हैं, "उन लोगों के लिए जिन्होंने अभी तक अपनी कलात्मक साख को पूरी तरह से विकसित नहीं किया है ... सबसे पहले, अमूर्त कला (अक्सर अमेरिकी) का अध्ययन प्रतिकृतियों द्वारा किया जाता है।" "देवद ने हास्य के साथ नोट किया कि, आर्टफोरम पत्रिका की तस्वीरों के माध्यम से केवल अमेरिकी पेंटिंग तक पहुंच होने के कारण, उन्होंने काम के लिए डाक टिकट प्रारूप चुना, जबकि वियाला, इसके विपरीत, यह सोचकर कि जैक्सन पोलक एक बड़े प्रारूप का उपयोग करता है, तेजी से प्रारूप को बढ़ाता है उनके काम! केवल कुछ, जैसे कि देवडे या ब्यूरन और पारमेंटियर, अमेरिकी पेंटिंग को अपनी आंखों से देख पाए थे "(मिल के। फ्रेंच समकालीन कला. मिन्स्क, 1995, पी। 156)।

पेरिस में अमेरिकी पेंटिंग की पहली प्रदर्शनियां 60 के दशक की शुरुआत में आयोजित की गई थीं, सबसे अधिक प्रतिनिधि, द आर्ट ऑफ रियलिटी (1968), ग्रैंड पैलेस में तैनात, पूरी तरह से अमूर्त अमेरिकी कला के लिए समर्पित था। यूरोपीय कला पर अमेरिकी प्रभाव शीत युद्ध के वर्षों से है। इन दशकों के दौरान, क्षैतिज रूप से संगठित लोकतांत्रिक संरचना खड़ी रूप से संगठित कम्युनिस्ट संरचना का कड़ा विरोध करती है। अमूर्त-विरोधी कला - यूएसएसआर में इसकी अस्वीकृति के कारण कोई छोटा हिस्सा नहीं - मुक्त रचनात्मकता का प्रतीक बन जाता है जो आलंकारिक आदर्शवादी "समाजवादी यथार्थवाद" का विरोध करता है। शीत युद्ध के दौरान, एक केंद्रीकृत संरचना- जरूरी नहीं कि बाएं या दाएं-बुद्धिजीवियों के लिए व्यक्ति को दबाने के विचार से जुड़ा हो। राज्य स्तर पर, एक आदर्श रूप से संगठित संरचना का प्रतीक विशाल सैन्य राक्षस हैं जो एक दूसरे का विरोध करते हैं, सभी जीवित चीजों की मृत्यु की धमकी देते हैं। शायद यहाँ अमूर्त कला में नए रुझानों के अवचेतन मूल हैं - अपघटन, विकेंद्रीकरण की ओर रुझान। ये भावनाएँ अमेरिकी पेंटिंग में हर तरफ सन्निहित हैं, जो चित्र के फ्रेम की संरचना को समाप्त कर देती है, पेंटिंग को एक रंगीन क्षेत्र या सिर्फ एक चित्रित सतह (कलर फील्ड, हार्ड एज, मिनिमल आर्ट) में बदल देती है।

कलात्मक स्थान की पॉलीसेंट्रिक अवस्था एक मजबूत रचनात्मक व्यक्तित्व के स्वायत्त अस्तित्व को मानती है जो अपनी व्यक्तिगत शैली, पद्धति, दिशा का दावा करने में सक्षम है (याद रखें कि 50 के दशक में अवंत-गार्डे के पहले सोपान के सबसे बड़े स्वामी अभी भी काम कर रहे थे। - ए। मैटिस, ए। डेरेन, जे। विवाह, पी। पिकासो और अन्य)।

50 के दशक के उत्तरार्ध में, पहली अमूर्त मूर्तिकला दिखाई दी, जो "इलेक्ट्रॉनिक मस्तिष्क" से सुसज्जित थी - Cysp Iनिकोला शेफ़र। अलेक्जेंडर काल्डर, "मोबाइल" जो सफल रहे, के बाद अपना "अस्थिर" बनाता है। अमूर्तवाद के पृथक क्षेत्रों में से एक है - ऑप-आर्ट।

उसी समय, इंग्लैंड और संयुक्त राज्य अमेरिका में लगभग एक साथ, बड़े पैमाने पर उत्पादित लेबल, तस्वीरों, प्रतिकृतियों और नई पॉप कला शैली की इसी तरह की वस्तुओं का उपयोग करते हुए पहला कोलाज दिखाई दिया। इस पृष्ठभूमि के खिलाफ, मामूली अभिव्यक्तिवादी बर्नार्ड बफे की सफलता अप्रत्याशित लगती है। इसकी शैली (रूपों की निश्चितता, संतुलित रचना) इस तरह की घटनाओं से संबंधित है: इकारस का पतनयूनेस्को पैलेस में पिकासो, एफ. हैन्डर्टवासेर की अमूर्त पेंटिंग, के. क्लैपेक की स्मारकीय शैली, एम.ई. द्वारा मोनोक्रोम डिजाइन। वीरा डा सिल्वा।

पोस्टक्लासिकल कलात्मक रचनात्मकता के संरचनात्मक विश्लेषण के पहले प्रयासों में से एक अम्बर्टो इको का है। इको के अनुसार जे. पोलक द्वारा जेस्टिकुलेशन पेंटिंग, दर्शकों को व्याख्या की पूर्ण स्वतंत्रता देती है। "मोबाइल" के साथ इस तरह की पेंटिंग की तुलना करते हुए, 50 के दशक के उत्तरार्ध की कविता और संगीत रचनाओं के शब्दार्थ खेल, इको उनके लिए सामान्य "मुक्त विस्फोट" की संरचना की पहचान करने की कोशिश करता है, जिसमें उनका मानना ​​​​है कि "समान तत्वों का संलयन" है। पारंपरिक कविता द्वारा अपने सर्वोत्तम उपयोग के लिए, जब ध्वनि और अर्थ, ध्वनि और भावनात्मक सामग्री का पारंपरिक अर्थ एक में विलीन हो जाता है। यह संलयन वह है जिसे पश्चिमी संस्कृति कला की एक विशेषता मानती है: एक सौंदर्य तथ्य, "इको (इको यू। एल "ओउवरे ऑवरटे. पेरिस, 1965. ऑप। पर: एल "एवेंचर डी एल" कला या एक्सएक्स-ई सिएकल. पेरिस, 1988, पृष्ठ 597)।

60 के दशक की कला नवाचार का एक विस्फोट है और 50 के दशक में दिखाई देने वाली विभिन्न गैर-पारंपरिक घटनाओं के संग्रहालयों द्वारा अंतिम मान्यता है।

पेंटिंग का प्रसिद्ध न्यूयॉर्क स्कूल, जो 50 के दशक में अपने क्षेत्र में सर्वोच्च अधिकार बन गया, इसके संस्थापकों द्वारा अमूर्तता की अपील के साथ शुरू हुआ: जे। पोलक, एम। रोथको, डब्ल्यू। कूनिंग। 1940 के दशक के उत्तरार्ध तक, अमेरिकी पेंटिंग अचूक बनी रही। उसकी प्रांतीयता और रूढ़िवादिता में एक निश्चित संयम, शीतलता और तपस्या के अलावा कुछ भी विशिष्ट नहीं था। बाद में, शुद्धतावाद की इस विरासत को अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की शैली में एक आउटलेट मिला।

उल्लिखित लोगों के अलावा, 50 के दशक की अमेरिकी पेंटिंग को बी। डिलर, ए। रेनहार्ड्ट, एम। टोबी, बीडब्ल्यू टॉमलिन, के। स्टील, एफ। क्लिन, ए। गॉटलिब, बी। न्यूमैन, जी। के नामों से दर्शाया गया है। हॉफमैन, जे. अल्बर्स, आर. क्रॉफर्ड। दिशाओं और व्यक्तिगत तौर-तरीकों में एक अलग अंतर के साथ, 50 के दशक की अमेरिकी पेंटिंग स्पष्टता, निश्चितता, अस्पष्टता और आत्मविश्वास को प्रदर्शित करती है। कभी-कभी - कुछ अतिरेक के साथ - एक आक्रामक चरित्र ग्रहण करना। इस पीढ़ी के कलाकार जानते हैं कि वे क्या चाहते हैं, अपने आप में आश्वस्त हैं, आत्म-अभिव्यक्ति के अपने अधिकार पर दृढ़ता से जोर देते हैं।

इस अवधि से 60 के दशक की पेंटिंग में, सबसे कम आक्रामक, स्थिर रूप रहता है - अतिसूक्ष्मवाद। अमेरिकी ज्यामितीय अमूर्तता के संस्थापक, बार्नेट न्यूमैन, और इससे भी अधिक स्पष्ट रूप में ए। लिबरमैन, ए। हेल्ड, के। नोलैंड, साथ ही बी। डिलर ने कुछ समय पहले, नियोप्लास्टिकवाद और वर्चस्ववाद के विचारों को सफलतापूर्वक विकसित किया।

अमेरिकी पेंटिंग में एक नया चलन, जिसे "क्रोमैटिक" या "पोस्ट-पेंटरली" एब्स्ट्रैक्शन कहा जाता है, फाउविज़्म और पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म के क्षितिज से आता है। ई. केली, जे. जुंगरमैन, एफ. स्टेला के कार्यों की कठोर शैली, सशक्त रूप से तीक्ष्ण रूपरेखा धीरे-धीरे एक चिंतनशील उदासीन गोदाम की पेंटिंग का मार्ग प्रशस्त कर रही है।

हेलेन फ्रैंकेंथेलर की शैली, मौरिस लुइस को नरम आकृति, सूक्ष्म रंग की बारीकियों, अनिश्चित रूपरेखा द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है। ज्यामितीय अमूर्तन भी गोल आकृतियों (ए. लिबरमैन, ए. हेल्ड) के रजिस्टर में चला जाता है।

70 के दशक की अमेरिकी पेंटिंग आलंकारिकता की ओर लौटती है। ऐसा माना जाता है कि 70 का दशक अमेरिकी पेंटिंग के लिए सच्चाई का क्षण है, जो यूरोपीय परंपरा से मुक्त है जिसने इसे खिलाया और बन गया विशुद्ध रूप से अमेरिकी।जो हो रहा है वह इस तरह दिखता है, अगर हम केवल यह मानते हैं कि अमूर्त अमेरिकी "राष्ट्रीय भावना" से अलग है। यह संकेत है कि अमूर्त कला के खिलाफ भाषण, जो अनिवार्य रूप से महानगरीय है, विश्व सभ्यता से संबंधित है, एक नियम के रूप में, सामूहिकवादी विचारधाराओं से आए हैं और आए हैं जो व्यक्ति को दबाते हैं।

शैली के चल रहे परिवर्तन (कठोर ज्यामिति से बायोमॉर्फिज्म तक) के दृष्टिकोण से, चल रहे परिवर्तनों की व्याख्या की जानी चाहिए, इसके विपरीत, मौलिक प्यूरिटन गुणों से प्रस्थान के रूप में - तप, दृढ़ संकल्प, दृढ़ता, निश्चितता।

ऐसा माना जाता है कि 70 के दशक की अमेरिकी पेंटिंग "आध्यात्मिक" की तुलना में अधिक "भावपूर्ण" है। "सत्तर के दशक की पेंटिंग," बारबरा रोज़ लिखती हैं, "न केवल साठ के दशक की पेंटिंग की तुलना में वास्तव में अधिक विविध, अधिक विषम और बहुलवादी है, बल्कि यह बहुत अधिक अंतरंग, अधिक काव्यात्मक और अधिक व्यक्तिगत भी है। पेंटिंग एक बार फिर अद्वितीय और व्यक्तिपरक सामग्री से भर गई है" (रोज़ बी। ला पिंटूर अमेरिकन ले XX ciecle. पेरिस-ज़्यूरिख, 1992. पी. 126)।

80 के दशक की पेंटिंग में वे लगभग पूरी तरह से "यथार्थवादी कला के सौंदर्यशास्त्र में वापसी" देखते हैं। हालांकि, पारंपरिक रूपों की वापसी के बावजूद, चित्रांकन से लेकर ऐतिहासिक और शैली की पेंटिंग तक, पिछले दशकों में दिखाई देने वाली कोई भी चीज़ गायब नहीं होती है। यह अमूर्तता नहीं है जिसे दूर किया गया है, लेकिन इसका विमुद्रीकरण, आलंकारिक कला पर प्रतिबंध, "निम्न" शैलियों पर, और कला के सामाजिक कार्यों पर।

उसी समय, अमूर्त और अमूर्त-आलंकारिक पेंटिंग की शैली पहले से अनुपस्थित कोमलता प्राप्त करती है - सुव्यवस्थित मात्रा, आकृति का धुंधलापन, हाफ़टोन की समृद्धि, सूक्ष्म रंग के रंग (सीएफ। ई। मरे, जी। स्टीफन, एल। नदियाँ, एम। मॉर्ले, एल। चेस, ए। ब्यालोब्रोडा)। पूरी तरह से और कठोर शैली गायब नहीं होती है; यह पृष्ठभूमि में फीका पड़ जाता है और पुरानी पीढ़ी के ज्यामितीय और अभिव्यक्तिवादी कलाकारों (एच। बुचवाल्ड, डी। एशबाग, जे। गैरेथ, आदि) के काम में मौजूद है।

आत्म-अभिव्यक्ति के साधन के रूप में पेंटिंग "अव्यक्त" के अवतार में संगीत से कम नहीं है, और यदि आवश्यक हो, तो शब्द से अधिक विशिष्ट हो सकता है। अपनी संपूर्ण मात्रा में ड्राइंग के साधन और मूर्तिकला की प्लास्टिक संभावनाओं को रखने, वास्तविक और शानदार स्थान के भ्रम को फिर से बनाने, वॉल्यूम में हेरफेर करने की संभावनाओं में मूर्तिकला को पार करने के लिए, पेंटिंग का अपना अनूठा साधन है - रंग।

पेंटिंग को अमूर्तता में जारी करने के साथ फ्रांसीसी प्रभाववादियों द्वारा प्रकट रंग की संभावनाओं को और भी व्यापक रूप से तैनात किया गया था। यह राय कि आज पेंटिंग एक कालानुक्रमिकता है, इसलिए मौजूद है क्योंकि हमारी उम्र संगीत का युग है, और इसलिए भी कि पेंटिंग के बारे में सोचते हुए, हम एक स्ट्रेचर पर फैले एक प्राइमेड कैनवास की कल्पना करते हैं, जो पेंट और वार्निश की एक परत से ढका होता है - एक तरह का संग्रहालय प्रदर्शनी . लेकिन पेंटिंग एक प्रक्रिया है, खुली संभावनाओं की दुनिया - रुके हुए क्षण, लंबे समय तक छवियों की उपस्थिति, रोमांच, टकराव, प्रतिबिंब, अतिरेक से मुक्ति, अपर्याप्तता भरना, यह आत्म-पुष्टि का कार्य है और अंतर्ज्ञान का प्रत्यक्ष प्रक्षेपण है , महारत का प्रदर्शन और खोजों की संभावना। जो लोग अमूर्त पेंटिंग की दुनिया में प्रवेश करने के लिए भाग्यशाली हैं और इस अवसर को स्वतंत्र रूप से महसूस करते हैं, वे इसे विशेष रूप से अच्छी तरह जानते हैं।

वासिली कैंडिंस्की। पत्नी नीना विलम डी कूनिंग का पोर्ट्रेट। मतिहीनता

सेफ़र एम. शब्दकोश डे ला पिंटूर सार. पेरिस, 1957
पोनेंटे एन. पेंटिंग मॉडर्न। रुझान समकालीन. 1940-1960 स्कीरा, 1960
वैलियर डी. एल "कला सार. पेरिस, 1967
कला 1998. नेवी पियर में शिकागो. शिकागो, 1998

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(अक्षांश से। अमूर्त - व्याकुलता), गैर-उद्देश्य कला, 20 वीं शताब्दी के सबसे प्रभावशाली कला आंदोलनों में से एक, जो शुरुआत में उत्पन्न हुआ। 1910 के दशक अमूर्तवाद की रचनात्मक पद्धति के केंद्र में "जीवन-समानता" की पूर्ण अस्वीकृति है, वास्तविकता के रूपों की छवियां।

रंगीन धब्बे, रेखाएं, स्ट्रोक के अनुपात पर एक अमूर्त चित्र बनाया गया है; मूर्तिकला - त्रि-आयामी और सपाट ज्यामितीय रूपों के संयोजन पर। अमूर्त निर्माणों की मदद से, कलाकार दुनिया के आंतरिक पैटर्न और सहज रूप से समझे गए सार को व्यक्त करना चाहते थे, ब्रह्मांड, दृश्यमान रूपों के पीछे छिपा हुआ था।

मालेविच काज़िमिर। सर्वोच्चतावाद

प्राथमिक रंगों में चित्रित ज्यामितीय तत्व कैनवास पर तैरते, तैरते हुए प्रतीत होते हैं। मालेविच ने गहराई और परिप्रेक्ष्य की भावना व्यक्त करने के लिए अतिव्यापी आकृतियों की एक जटिल रचना की। सर्वोच्चतावादी कार्य विषय के हर अंश को मिटा देता है, पूरी तरह से रूप और रंग की परस्पर क्रिया पर निर्भर करता है। मालेविच सर्वोच्चतावाद के संस्थापक थे - एक ऐसी प्रणाली जिसने इन दो सिद्धांतों की पूर्ण शुद्धता प्राप्त करने की मांग की। मालेविच के लिए, सर्वोच्चतावाद का मतलब शुद्ध कलात्मक भावना का अवतार था, जिसे उन्होंने "गैर-उद्देश्य की भावना" कहा। 1918 में, उन्होंने "व्हाइट ऑन व्हाइट" रचनाओं की एक श्रृंखला में गैर-आलंकारिक कला के विकास को अपने तार्किक निष्कर्ष पर लाया, जिसमें एक सफेद पृष्ठभूमि पर सफेद ज्यामितीय आकार शामिल थे - एक प्रकार का अमूर्तता। यह महसूस करते हुए कि अवधारणा को और विकसित करने के लिए कहीं नहीं था, मालेविच आलंकारिक चित्रकला में लौट आए।

केएस मालेविच। "सर्वोच्चतावाद"। 1915 स्टेट ट्रीटीकोव गैलरी। मास्को

मालेविच "गतिशील सर्वोच्चतावाद" "

के.एस. मालेविच। सर्वोच्चतावाद (सुप्रीमस नंबर 56)। 1916. एच।, एम। 80.5x71। राज्य रूसी संग्रहालय। सेंट पीटर्सबर्ग

अमूर्तवाद के जन्म की तारीख 1910 मानी जाती है, जब वी.वी. कैंडिंस्कीम्यूनिख में कला के इतिहास (एक जल रंग) में पहला अमूर्त काम प्रदर्शित किया गया और "ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट" पर एक ग्रंथ लिखा, जिसमें उन्होंने विज्ञान की खोजों के साथ अपनी रचनात्मक पद्धति की पुष्टि की।

वासिली कैंडिंस्की। Cossacks

इस अर्ध-अमूर्त, बेवजह आकर्षक रचना में, पहाड़ियों की रूपरेखा और कृपाण के साथ कोसैक्स की आकृतियाँ अमूर्त रूपों, रेखाओं और रंग के धब्बों की गति में शामिल हैं। इसके निर्माण की सरलता में एक विशेष सौन्दर्य है और स्ट्रोक लगाने के तरीके में एक अद्भुत ढीलापन है। कैंडिंस्की का मानना ​​​​था कि एक सच्चा कलाकार विशेष रूप से आंतरिक, आवश्यक दृष्टि को व्यक्त करने का प्रयास करता है। मूल रूप से कानूनी शिक्षा प्राप्त करने के बाद, कैंडिंस्की ने जल्द ही महसूस किया कि उनका वास्तविक व्यवसाय कला था, और "शुद्ध" अमूर्त पेंटिंग के उत्कृष्ट खोजकर्ताओं में से एक बन गए। म्यूनिख में लंबे समय तक रहने के बाद, वह रूस लौट आया, जहाँ 1914-1922 में वह शिक्षण गतिविधियों में लगा हुआ था, उसने रूसी कला अकादमी की स्थापना की। लोक कला के रूपांकनों के लिए, आइकन पेंटिंग के लिए उनकी अपील में रूसी संस्कृति का प्रभाव परिलक्षित हुआ। कुछ समय के लिए उन्होंने समकालीन डिजाइन के प्रसिद्ध स्कूल बॉहॉस में पढ़ाया। कैंडिंस्की को अमूर्त कला के महत्व का एहसास तब हुआ जब उन्होंने इसमें "एक असाधारण सुंदरता जो एक आंतरिक प्रकाश को विकीर्ण करती है" की खोज की, अभी तक यह महसूस नहीं किया कि यह उनके अपने काम का प्रकाश था, जो अंदर से देखा गया था, विपरीत परिप्रेक्ष्य में। डब्ल्यू. कैंडिंस्की ने अपनी तरह की अमूर्त पेंटिंग बनाई, जिससे प्रभाववादी और "जंगली" धब्बे निष्पक्षता के किसी भी संकेत से मुक्त हो गए।

कैंडिंस्की "रचना संख्या 8"

जल्द ही, अमूर्तवाद एक शक्तिशाली आंदोलन बन जाता है, जिसके भीतर विभिन्न दिशाएँ उत्पन्न होती हैं: गेय एब्स्ट्रैक्शन (कैंडिंस्की द्वारा पेंटिंग और संयोजन के स्वामी) "ब्लू राइडर"उनके तरल पदार्थ, "संगीत" रूपों और रंग की भावनात्मक अभिव्यक्ति) और ज्यामितीय अमूर्तता (के.एस. मालेविच, पी। Mondrian, आंशिक रूप से आर। डेलाउने द्वारा, जिनकी रचनाएँ प्राथमिक ज्यामितीय आकृतियों के संयोजन पर बनी हैं: वर्ग, आयत, क्रॉस, वृत्त)। ब्लू राइडर एसोसिएशन की स्थापना दिसंबर 1911 में म्यूनिख में वासिली कैंडिंस्की और फ्रांज मार्क द्वारा की गई थी। मुख्य लक्ष्य अकादमिक चित्रकला की दयनीय परंपराओं से मुक्ति थी। उनके अलावा, समूह में अगस्त मैके, मारियाना वेरेवकिना, एलेक्सी यावलेंस्की और पॉल क्ले भी शामिल थे। इस कलात्मक समूह के काम में नर्तकियों और संगीतकारों ने भी भाग लिया। वे मध्यकालीन और आदिम कला और उस समय के आंदोलनों - फाउविज़्म और क्यूबिज़्म में रुचि से एकजुट थे।

ऑगस्ट मैके और फ्रांज मार्क का मत था कि प्रत्येक व्यक्ति में वास्तविकता की एक आंतरिक और बाहरी धारणा होती है, जिसे कला के माध्यम से जोड़ा जाना चाहिए। इस विचार को सैद्धांतिक रूप से कैंडिंस्की ने प्रमाणित किया था। समूह ने कला के सभी रूपों में समानता हासिल करने की मांग की।

संघ का मुख्य विचार कला में किसी भी वस्तुनिष्ठता की अस्वीकृति था। कैंडिंस्की ने लिखा: "कला "कुछ भी नहीं करना चाहिए", क्योंकि यह शाश्वत, मुक्त है। कला "चाहिए" से दूर भागती है जैसे दिन से रात"2। अब कलाकार के विचार वस्तुओं के बाहरी स्वरूप के नहीं, बल्कि उनकी आंतरिक सामग्री के चित्रण के माध्यम से व्यक्त किए गए थे। उनकी कला का मुख्य लक्ष्य, "ब्लू राइडर" के प्रतिभागियों ने दर्शकों को तंत्रिका तनाव के हस्तांतरण पर विचार किया जो उन्होंने स्वयं अनुभव किया था।

पीट मोंड्रियन प्रकृति के ज्यामितीय शैलीकरण के माध्यम से अपनी व्यर्थता पर आया, जिसे सीज़ेन और क्यूबिस्ट द्वारा शुरू किया गया था। 20वीं शताब्दी के आधुनिकतावादी रुझान, अमूर्तवाद पर केंद्रित, पारंपरिक सिद्धांतों से पूरी तरह से हट जाते हैं, यथार्थवाद को नकारते हैं, लेकिन साथ ही कला के ढांचे के भीतर रहते हैं। अमूर्तवाद के आगमन के साथ कला के इतिहास में एक क्रांति का अनुभव हुआ। लेकिन यह क्रांति संयोग से नहीं, बल्कि स्वाभाविक रूप से उत्पन्न हुई, और इसकी भविष्यवाणी प्लेटो ने की थी! अपने बाद के काम "फिलेब" में, उन्होंने अपने आप में रेखाओं, सतहों और स्थानिक रूपों की सुंदरता के बारे में लिखा, किसी भी नकल से दृश्य वस्तुओं की किसी भी नकल से स्वतंत्र। इस तरह की ज्यामितीय सुंदरता, प्राकृतिक "अनियमित" की सुंदरता के विपरीत प्लेटो के अनुसार, रूप सापेक्ष नहीं हैं, बल्कि बिना शर्त, निरपेक्ष हैं।

मोंड्रियन पीट। संयोजन

इस ज्यामितीय रचना में, एक काली जाली पृष्ठभूमि के माध्यम से सख्ती से कटती है; इसकी व्यक्तिगत कोशिकाएँ चमकीले प्राथमिक रंगों से भरी होती हैं। मोंड्रियन ने एक शैली प्रणाली विकसित की जिसमें त्रि-आयामी स्थान और वक्रतापूर्ण रूपरेखा शामिल नहीं थी। कलाकार ने अपने चित्रों को सबसे सरल तत्वों - सीधी रेखाओं और प्राथमिक रंगों से बनाया, जिसे उन्होंने कैनवास की सतह के चारों ओर तब तक घुमाया जब तक कि वह पूर्ण संरचना संतुलन तक नहीं पहुंच गए। उनका लक्ष्य एक सख्त, वस्तुनिष्ठ कला का निर्माण करना था, जिसके नियम ब्रह्मांड की संरचना को दर्शाते हैं। शुद्ध रेखाएं और रंग इस पेंटिंग के "शैली" दिशा से संबंधित होने की गवाही देते हैं, जिनमें से मोंड्रियन प्रमुख प्रतिनिधि थे। 1938 में अपने मूल हॉलैंड को छोड़कर, उन्होंने लंदन की यात्रा की, जहाँ उनकी कार्यशाला जल्द ही बम विस्फोटों से नष्ट हो गई। मोंड्रियन दो साल बाद न्यूयॉर्क चले गए। यहाँ ब्रॉडवे और बूगी-वूगी के देश में जीवन की बेचैन लय को दर्शाते हुए उनकी रचनाएँ अधिक रंगीन हो गईं।

डेलाउने रॉबर्ट। ब्लेरियोटा को श्रद्धांजलि

इस रचना में, जो पहली नज़र में अमूर्त लगती है, घूमते हुए सर्पिल और घूर्णन रंग डिस्क कागज की एक शीट की सतह पर एक प्रकार का गीतात्मक पैटर्न बनाते हैं। करीब से देखने पर, हम दाईं ओर एफिल टॉवर और बाईं ओर एक हवाई जहाज के पंख और प्रोपेलर को देखते हैं। ये तत्व, आकाश-तैरती आकृतियों के साथ, 1909 में लुई ब्लेरियट द्वारा किए गए इंग्लिश चैनल में पहली उड़ान का जश्न मनाने के लिए हैं। कलाकार अक्सर अपने विचारों की रूपरेखा तैयार करने और रचना विकसित करने के लिए कागज का सहारा लेते थे। यह जल रंग उसी नाम के एक बड़े कोलाज का प्रारंभिक स्केच है, जो बेसल में कला संग्रहालय में है। Delaunay ने विशुद्ध रूप से अमूर्त चित्रों को बनाने के लिए रंग का उपयोग किया: उनमें रूप और चित्र कल्पना द्वारा उत्पन्न किए गए थे और उनका दृश्य दुनिया से कोई लेना-देना नहीं था। पेंटिंग की इस शैली, संगीत के साथ निकटता से जुड़ी हुई थी, जिसे कवि गिलाउम अपोलिनायर द्वारा गढ़ा गया शब्द ऑर्फ़िज़्म कहा जाता था।

मालेविच का प्रोग्रामेटिक काम उनका प्रसिद्ध ब्लैक स्क्वायर (1915) था। कलाकार ने अपनी पद्धति को सर्वोच्चतावाद (लैटिन सर्वोच्च से - उच्चतम) कहा। सांसारिक वास्तविकता से दूर होने की इच्छा ने उन्हें अंतरिक्ष के लिए एक जुनून के लिए प्रेरित किया (मालेविच प्रसिद्ध नाटक "विजय ओवर द सन" के लेखकों में से एक थे)। कलाकार ने अपनी अमूर्त रचनाओं को "प्लैनाइट्स" और "आर्किटेक्टोन" कहा, जो "सार्वभौमिक गतिशीलता के विचार" का प्रतीक है।

एफ मार्क। "फाइटिंग फॉर्म"। 1914 न्यू पिनाकोथेक। म्यूनिख

शुरुआत में। 20 वीं सदी अमूर्त कला कई पश्चिमी देशों में फैल गई है। 1912 में हॉलैंड में नियोप्लास्टिकवाद का जन्म हुआ। नियोप्लास्टिकवाद के निर्माता, पी। मोंड्रियन ने टी। वैन डोसबर्ग के साथ मिलकर डी स्टिजल समूह (1917) और इसी नाम से एक पत्रिका (1922 तक प्रकाशित) की स्थापना की।

वैन डोसबर्ग थियो। अंकगणितीय रचना

आंदोलन और परिप्रेक्ष्य की भावना एक सफेद पृष्ठभूमि पर काले वर्गों को छेदने की एक श्रृंखला द्वारा बनाई गई है। वास्तव में, कलाकार ने एक साधारण गणितीय गणना का उपयोग किया - प्रत्येक वर्ग की भुजाएँ और उनके बीच की दूरी पिछले वर्ग के आधे माप के बराबर है। कलाकार ने अपने परिष्कार में परिपूर्ण अंतरिक्ष का एक रूपक बनाया है। सटीक विज्ञान से उधार लिए गए कानूनों का उपयोग वास्तुकला के लिए उनके विशेष आकर्षण के अनुरूप था। वैन डोज़बर्ग कलाकार पीट मोंड्रियन के काम से बहुत प्रभावित थे, जिनके साथ उन्होंने 1917 में "स्टाइल" ("डी स्टाइल") पत्रिका बनाई, जिसने इसी नाम के रचनात्मक संघ के स्वामी के विचारों और कार्यों को पेश किया। "स्टाइल" समूह की औपचारिक पेंटिंग तकनीकों में शुद्ध रंगों के साथ एक तटस्थ विमान पर रखी गई ज्यामितीय आकृतियों की स्थानीय फिलिंग है, जो स्पेक्ट्रम का आधार बनती है। "स्टाइल" की अवधारणा को वैन डोसबर्ग द्वारा कई लेखों और व्याख्यानों में विकसित और वर्णित किया गया था, और इस कला के शैलीगत उपकरणों का व्यापक रूप से 20 वीं शताब्दी की वास्तुकला में उपयोग किया गया था।

"मानव सिद्धांत" को उनकी कला से पूरी तरह से निष्कासित कर दिया गया था। डी स्टिजल समूह के सदस्यों ने कैनवस बनाया जहां रेखाओं के ग्रिड के साथ खींची गई सतहों ने शुद्ध समान रंगों से भरी आयताकार कोशिकाओं का निर्माण किया, जो मोंड्रियन के अनुसार, शुद्ध प्लास्टिक सौंदर्य के विचार को व्यक्त करता है। वह "व्यक्तित्व से रहित" पेंटिंग बनाना चाहता था और इस वजह से, "विश्व महत्व" रखता था।

1918-20 में। रूस में सर्वोच्चतावाद के विचारों के आधार पर उत्पन्न हुआ रचनावाद, जो संयुक्त आर्किटेक्ट्स (के.एस. मेलनिकोव, ए। ए। वेस्निन और अन्य), मूर्तिकार (वी। ई। टैटलिन, एन। गाबो, ए। पेवज़नर), रेखांकन ( एल लिसित्ज़की, पूर्वाह्न। रोडचेंको).

व्लादिमीर टैटलिन। III इंटरनेशनल के लिए स्मारक

राजनीतिक उत्साह की अवधि के दौरान बनाया गया, यह झुका हुआ सर्पिल न्यूयॉर्क के एम्पायर स्टेट बिल्डिंग की ऊंचाई से दोगुना होने के लिए डिज़ाइन किया गया था और इसमें बारी-बारी से केंद्रीय वर्गों को घुमाया गया था। अंतरिक्ष को अलग-अलग डिब्बों में विभाजित किया गया है, औपचारिक रूप से एक दूसरे से संबंधित हैं, जैसे गणितीय समीकरण में भाग। टैटलिन रचनावाद के संस्थापक थे, रूसी अवंत-गार्डे में एक प्रवृत्ति जो अमूर्तता के साथ कलात्मक प्रयोगों से बढ़ी, लेकिन बाद में उपयोगितावादी कार्यों में बदल गई। वे "कलाकार-इंजीनियर" के विचार के समर्थक थे और सामाजिक आवश्यकताओं की पूर्ति में कला की मुख्य भूमिका देखते थे। टैटलिन ने विशेष रूप से ज्यामितीय रूपों का उपयोग करके और लकड़ी, धातु, कांच और तार जैसे विभिन्न प्रकार की सामग्रियों का उपयोग करके निलंबित राहत संरचनाओं की एक श्रृंखला भी बनाई। टैटलिन की उत्कृष्ट कृति, रचनावादी आदर्शों का प्रतीक, मूर्तिकला और वास्तुकला को जोड़ती है। थर्ड इंटरनेशनल का स्मारक कभी नहीं बनाया गया था। प्रतिकृति मूल मॉडल की एक आधुनिक प्रतिकृति से बनाई गई है।

गाबो नाम। अंतरिक्ष में रैखिक निर्माण #2

अवतल और उत्तल सिलवटों का एक जटिल 3D पैटर्न बनाने के लिए एक नायलॉन स्ट्रिंग घुमावदार plexiglass की दो प्रतिच्छेदन शीटों के चारों ओर घाव है। ये भाग, एक-दूसरे में बहते हुए, अपनी धुरी के चारों ओर इसके अंतहीन घूमने का भ्रम पैदा करते हैं, निरपेक्ष स्थान में तैरते हैं, जहाँ समय रुक गया है। इस टुकड़े की कल्पना तीन मीटर के हिस्से के रूप में की गई थी, जिसे गैबो ने 1949 में न्यूयॉर्क में एसो बिल्डिंग के लिए कमीशन किया था। गैबो रचनावादी आंदोलन से संबंधित था और अंतरिक्ष के रूपक के रूप में माना जाता था। 1922 में उन्होंने अपना मूल रूस छोड़ दिया, बर्लिन और पेरिस में रहे, और बाद में अमेरिकी नागरिक बन गए। 1952 में, उन्होंने रॉटरडैम में एक शॉपिंग सेंटर के लिए एक विशाल मूर्तिकला रचना बनाई, जहाँ उनकी स्थापत्य प्रतिभा भी प्रकट हुई।

लिसित्स्की एल। संयोजन

नाजुक रंगों में चित्रित ज्यामितीय वस्तुएं हवा में तैरती हुई प्रतीत होती हैं, जिससे गहराई और अंतरिक्ष का भ्रम पैदा होता है। कुछ रूपों को तीन आयामों में दिया गया है, और वास्तुशिल्प संस्करणों के लिए यह संकेत लिसित्स्की के बाद के कार्यों में विकसित किया गया है। इस काम में, शुद्ध रूप और रंग की एकाग्रता में, काज़िमिर मालेविच द्वारा आविष्कार की गई अमूर्त कला की दिशा का प्रभाव प्रकट होता है - शुद्ध ज्यामितीय आंकड़ों के आधार पर सर्वोच्चतावाद। लिसित्स्की ने इंजीनियरिंग और वास्तुकला की शिक्षा प्राप्त की। मार्क चागल ने उन्हें विटेबस्क के एक कला विद्यालय में वास्तुकला और ग्राफिक्स सिखाने के लिए आमंत्रित किया; यहाँ वह मालेविच के प्रभाव में आया। लिसित्स्की द्वारा "प्रॉन्स" की श्रृंखला सर्वविदित है - सीधी रेखाओं द्वारा बनाए गए अमूर्त कार्यों के चक्र। गहराई के एक भी संकेत के बिना, इन कार्यों को शानदार गुणों और एक सर्वव्यापी समतलता की विशेषता है। लिसित्स्की का काम बहुआयामी था: उन्होंने पोस्टर, पोशाक डिजाइन, प्रदर्शनी और पुस्तक डिजाइन पर भी काम किया।

रोडचेंको अलेक्जेंडर। रचना (विजय लाल)

त्रिकोणीय आकार मंडलियों के विरुद्ध संतुलन बनाते हुए त्रि-आयामी भ्रम पैदा करते हैं। जो त्रिभुजों के बाएँ विकर्ण की छायांकन द्वारा बढ़ाया जाता है। चपटी आकृतियाँ रंग द्वारा एक दूसरे से अलग होती हैं। एक कंपास और शासक के साथ तैयार किए गए कड़ाई से ज्यामितीय डिजाइनों से युक्त, पेंटिंग शुद्ध प्राथमिक रंगों के साथ प्राथमिक रूपों को बनाने की कलाकार की इच्छा को दर्शाती है। उसी वर्ष इस काम के रूप में, रॉडचेंको ने अपने प्रसिद्ध काम ब्लैक ऑन ब्लैक का प्रदर्शन किया, जो मालेविच की व्हाइट ऑन व्हाइट श्रृंखला की प्रतिक्रिया थी। रॉडचेंको की पेंटिंग को अपने अमूर्त, ज्यामितीय सार में कम करने की इच्छा ने उन्हें रचनावादी आंदोलन में आकर्षित किया। बाद में, समूह के अन्य सदस्यों के साथ, उन्होंने डिजाइन और अनुप्रयुक्त कला के लिए चित्रफलक पेंटिंग छोड़ दी। वह औद्योगिक डिजाइन, पुस्तक डिजाइन और फोटोग्राफी के क्षेत्र में विशेष रूप से सक्रिय थे, अक्सर बाद में असामान्य दृष्टिकोण और कोणों का उपयोग करते थे।

दिशा का सार वेसिन द्वारा उल्लिखित किया गया था: "समकालीन कलाकारों द्वारा बनाई गई चीजें आलंकारिकता की गिट्टी के बिना शुद्ध निर्माण होनी चाहिए।" रचनावाद के विकास में एक महत्वपूर्ण भूमिका बॉहॉस द्वारा निभाई गई थी, जो 1919 में जर्मनी में वास्तुकार डब्ल्यू। ग्रोपियस (पी। क्ले; वी। वी। कैंडिंस्की, एल लिसित्स्की और अन्य) द्वारा स्थापित एक कला संघ था।

क्ले पॉल। Senecio

मानव चेहरे की सरलीकृत छवि रंगीन चतुष्कोणों में विभाजित है। सपाट वर्गाकार आकृतियाँ चेहरे के मुखौटे का प्रतिनिधित्व करने वाले एक सर्कल में खुदी हुई हैं और बहुरंगी हार्लेक्विन पोशाक की याद दिलाती हैं। कॉमेडियन सेनेशियो का चित्र होने के कारण, पेंटिंग की व्याख्या कला, भ्रम और रंगमंच के बीच बदलते संबंधों के प्रतीक के रूप में भी की जा सकती है। पेंटिंग क्ली की पेंटिंग के सिद्धांतों को प्रदर्शित करती है, जिसमें कलाकार की बुद्धि की ऊर्जा से ड्राइंग की रेखाएं, रंग और स्थान के विमान गति में सेट होते हैं। अपनी कल्पना से प्रेरित इन डैश और स्क्विगल्स के साथ, क्ली, अपनी भाषा में, "लाइन को टहलने के लिए आमंत्रित करता है।" 1921 से 1931 तक, क्ले बॉहॉस स्कूल ऑफ़ डिज़ाइन के सबसे शानदार शिक्षकों में से एक थे और उन्होंने कला सिद्धांत पर कई रचनाएँ प्रकाशित कीं। दो साल बाद, नाजियों ने उन्हें जर्मनी से निष्कासित कर दिया, और क्ली के सौ से अधिक कार्यों को जर्मन संग्रहालयों से "पतित" के रूप में हटा दिया गया।

1930 में, फ्रांसीसी आलोचक एम. सेफ़ोर ने पेरिस में सर्कल और स्क्वायर समूह बनाया। 1931 में, पेरिस में "एब्स्ट्रक्शन - क्रिएटिविटी" एसोसिएशन की स्थापना की गई थी, जिसकी स्थापना रूस के एन। गैबो और ए। पेवज़नर के प्रवासियों ने की थी। तचिस्म (फ्रांसीसी टैचे - स्पॉट से) एक विशेष रूप से कट्टरपंथी प्रवृत्ति थी। ताशिस्ट (पी। सोलेज, एच। हार्टुंग, जे। मैथ्यू और अन्य) बिना ब्रश के करते थे। उन्होंने कैनवास पर पेंट बिखेर दिया, छींटे डाले, फिर उसे सूंघा या रौंद दिया। उन्होंने पेंट के साथ कालिख, टार, कोयला, रेत, टूटे कांच को मिलाया, यह मानते हुए कि गंदगी का रंग आकाश के रंग से कम सुंदर नहीं है।

पियरे आत्माओं। पेंटिंग 16

एक विस्तृत ब्रश के साथ ऊर्जावान रूप से रखे गए काले स्ट्रोक, घने राहत रूपों में विलीन हो जाते हैं। सफेद रंग की छोटी झलकों से प्रकाशित बधिर काली जनता, पेंटिंग को एक शांत स्मारकीयता प्रदान करती है। चित्र की अनूठी मौलिकता स्पष्ट रूप से विच्छेदित रूपों की मूर्तिकला प्रकृति और प्रकाश प्रभावों के उत्कृष्ट प्रतिपादन से निर्धारित होती है। एक मुक्त ब्रशस्ट्रोक का गहन दायरा, एक शक्तिशाली अमूर्त रचना बनाना, कला अनौपचारिक आंदोलन की एक विशिष्ट विशेषता है। फ्रांस के दक्षिण पश्चिम में पैदा हुए। 1946 में सोलेज पेरिस चले गए, जहां उन्होंने प्रागैतिहासिक डोलमेन्स की यादों और अपने मूल औवेर्गने की रोमनस्क्यू मूर्तिकला से भरे अमूर्त चित्रों पर काम करना शुरू किया। सोलेज की कई रचनाएँ चौड़ी धारियों के जालीदार चौराहों पर बनी हैं, जिसमें काला रंग चमकता है और चमकदार पृष्ठभूमि के खिलाफ झिलमिलाता है, जैसा कि अच्छी तरह से तैयार चमड़े में होता है। उनके अंतिम चित्रों में, पेंट के खांचे एक राहत सतह बनाते हैं।

हरटुंग हंस। टी 1956/7

एक नरम और पीली पृष्ठभूमि पर, तेज और नाटकीय काली रेखाओं को चित्रित किया गया है, एक दूसरे को काटते हुए और एक बन में बंधा हुआ है। हार्टुंग द्वारा बनाई गई यह अभिव्यंजक सुलेख छवि "अनौपचारिक" के रूप में जानी जाने वाली सहज कला का एक उदाहरण है। इसका सार इस तथ्य में निहित है कि हार्टुंग एक खाली कैनवास पर काम शुरू करता है, अभी तक एक समाप्त काम की अवधारणा नहीं है। जर्मनी में जन्मे हार्टुंग 1955 में पेरिस में बस गए और बाद में उन्होंने फ्रांस की नागरिकता ले ली। वह सबसे प्रसिद्ध फ्रांसीसी अमूर्त चित्रकारों में से एक बन गया। उनकी सुंदर और विशिष्ट रचनाएँ, जिनमें आमतौर पर सुलेख शामिल हैं, जैसा कि चीनी कला में है, आमतौर पर कोई शीर्षक नहीं होता है और केवल संख्याओं द्वारा प्रतिष्ठित होते हैं। युद्ध की शुरुआत में, हार्टुंग ने फ्रांसीसी विदेशी सेना में प्रवेश किया।

द्वितीय विश्व युद्ध के फैलने के साथ, अमूर्त कला का केंद्र संयुक्त राज्य अमेरिका में चला गया (जे। पोलक, ए। गोर्की, वी। कूनिंग, फादर क्लेन, एम। टोबी, एम। रोथको)। 1960 के दशक में अमूर्तवाद का एक नया उदय शुरू हुआ। कला में यह प्रवृत्ति आज भी प्रासंगिक बनी हुई है, लेकिन अब यह एक प्रमुख स्थान पर नहीं है, जैसा कि शुरुआत में था। 20 वीं सदी

जैक्सन पोलक। नंबर 1ए, 1948

पोलक के तेज तेज प्रहारों के साथ कैनवास पर छींटे और स्मियर पेंट के उन्मत्त तरीके से इस कैनवास में अद्भुत स्पष्टता के साथ प्रकट हुआ। एक चाकू और स्पैटुला का उपयोग करते हुए, कलाकार ने पेंट को दबाया और उन्हें दीवार के पार या फर्श पर फैले हुए कैनवास पर फैला दिया। वह कैनवास के चारों ओर चला गया और खुद पेंटिंग का हिस्सा बन गया। पोलक की गहरी मौलिक तकनीक को एक्शन पेंटिंग कहा जाता था। चित्रफलक पर कैनवास के परित्याग और पारंपरिक परिप्रेक्ष्य की अनुपस्थिति जैसे कट्टरपंथी नवाचार अंतरराष्ट्रीय युद्ध के बाद की कला में एक मील का पत्थर बन गए। अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की पेंटिंग के साथ, पोलक ऊर्जा और अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता से जुड़ा हुआ है। पोलक का तरीका उतना सहज नहीं है जितना पहली नज़र में लग सकता है। कलाकार ने कहा: "मैं अपनी भावनाओं को व्यक्त करना चाहता हूं, उनके बारे में बात नहीं करना चाहता ... मैं पेंट के फैलाव को नियंत्रित कर सकता हूं: इसमें कोई दुर्घटना नहीं है, जैसे कोई शुरुआत या अंत नहीं है।" 1956 में एक कार दुर्घटना में पोलक की मृत्यु हो गई।

अर्शील गोर्की। झरना

इसके केंद्र में, पहली नज़र में, अमूर्त चित्र जंगल में एक छोटे से झरने की छवि है। यह पेड़ों की शाखाओं और वनस्पतियों से घिरी चट्टानों पर पानी की एक धारा का विशद प्रतिनिधित्व करता है। जीवंत रंग शांत तेज धूप और गिरते पानी की आवाज का आभास देते हैं। कैनवास की सुंदरता जंगल और पानी की छवियों के माध्यम से मन की शांति की भावना व्यक्त करने की कलाकार की क्षमता में निहित है। चित्र अतियथार्थवादी आंदोलन की विशेषता जादुई, स्वप्न-समान रूपांकनों से भरा है, जिसके इस समय कलाकार करीब था, और इसमें अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के सहज तरीके का प्रभाव भी महसूस होता है। अर्मेनिया में जन्मे गोर्की 1920 में संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए। आलोचकों में से एक ने उन्हें निर्वासन में एक कलाकार के रूप में बताया, जिनके लिए कला एक मातृभूमि बन गई है। गोर्की अक्सर अपने चित्रों में अपनी मातृभूमि की छवियों की ओर रुख करते थे। कई वर्षों की गरीबी के बाद, उन्होंने अल्पकालिक पहचान हासिल की, लेकिन गंभीर मनोवैज्ञानिक आघात से पीड़ित होने के बाद खुद को फांसी लगा ली।

डी कूनिंग विलेम। मैरिलिन मुनरो

इस तस्वीर में एक हॉलीवुड स्टार की आकर्षक, आकर्षक सुंदरता का सार - प्रदर्शन पर सुंदरता - कैद है। पेंट को व्यापक रूप से मजबूत स्ट्रोक, परत दर परत छवि बनाने में लगाया जाता है। "महिला" श्रृंखला की यह पेंटिंग डी कूनिंग के गैर-अमूर्त, आलंकारिक अवधियों में से एक को संदर्भित करती है। मर्लिन मुनरो, अन्य सेक्स प्रतीकों की तरह, एक व्यक्ति की तुलना में एक वस्तु की तरह दिखती हैं। कलाकार अपनी नायिका की तुलना एक दुकान की खिड़की में एक पुतले से करता है, जो उसे पूरी तरह से कामुक अपील से वंचित करता है। डी कूनिंग न्यूयॉर्क एब्सट्रैक्ट एक्सप्रेशनिस्ट समूह से जुड़े थे। इन कलाकारों ने स्वतःस्फूर्त पेंटिंग को बहुत महत्व दिया - वह इशारा जिसके द्वारा पेंट कैनवास की सतह पर बिखर जाता है। हालांकि, समूह के अधिकांश अन्य सदस्यों के विपरीत, डी कूनिंग ने खुद को शुद्ध अमूर्तता तक सीमित नहीं रखा: उनका पसंदीदा विषय मानव आकृति था, विशेष रूप से महिला एक। अपने रचनात्मक विकास में, वे विभिन्न चरणों से गुज़रे और 1970 के दशक में उन्होंने आलंकारिक मूर्तिकला की ओर रुख किया।

मार्क टोबी। सफेद यात्रा

सबसे छोटे अमूर्त चिह्नों का अराजक झुंड, डैश कागज की सतह को भर देता है। मकड़ी के जाले की बुनाई की कंपकंपी लय टोबी के तरीके की एक विशिष्ट विशेषता है। तेजी से घुमावदार लेखन के परिष्कृत कौशल ने उन्हें कलेक्टरों के बीच व्यापक लोकप्रियता दिलाई। यह रचना अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की पेंटिंग के करीब है, विशेष रूप से - जैक्सन पोलक, लेकिन यह स्पष्ट है कि टोबी एक स्वतंत्र, समानांतर पथ पर चला गया। वह सुदूर पूर्वी संस्कृति, चीनी सुलेख से बहुत प्रभावित थे; अमेरिकी बुद्धिजीवियों में से एक, वह ज़ेन बौद्ध धर्म में रुचि रखने लगे। 1950 के दशक में, टोबी ने सबसे नवीन अमेरिकी कलाकारों में से एक के रूप में अंतर्राष्ट्रीय ख्याति प्राप्त की। यूरोप में इसकी लगातार उच्च प्रतिष्ठा को सफल और प्रभावशाली स्विस डीलर अर्न्स्ट बीस्लर द्वारा बनाए रखा गया था।

रोथको मार्क। शीर्षकहीन

संतृप्त रंग के आयताकार द्रव्यमान चित्र के स्थान में तैरते प्रतीत होते हैं। उनकी धुंधली आकृति रहस्यमय जादुई शक्ति से भरा एक कंपन पैदा करती है। अस्पष्ट रूप से प्रकाश कैनवास में प्रवेश करता है, इसकी आंतरिक चमक के साथ रूपों और रंग विरोधाभासों के तनाव को भंग कर देता है। संयमित और एक ही समय में छिपे हुए अर्थ से भरे हुए, रोथको के कार्यों में एक निश्चित सच्चाई है, लंबे और कठिन प्रतिबिंबों का फल। रूस के मूल निवासी, रोथको 1913 में अपने माता-पिता के साथ संयुक्त राज्य अमेरिका चले गए। एक स्व-सिखाया कलाकार, उन्होंने ज्यादातर बड़े आकार के चित्रों को चित्रित किया। उन्होंने निरपेक्ष रंग के अनुभव में दर्शक को भागीदार बनाने की कोशिश की। उन्होंने कहा: “मैं बड़ी तस्वीरें खींचता हूं क्योंकि मैं अंतरंगता हासिल करना चाहता हूं। बड़ी तस्वीर एक त्वरित कनेक्शन है; यह आपको पूरी तरह से पकड़ लेता है।" रोथको अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के प्रमुख प्रतिपादक थे। उनकी निराकार रचनाएँ इस आंदोलन की आत्मा को पुनर्जीवित करती हैं, जिसने मानव आत्मा के अप्राप्य रहस्यों को भेदने की कोशिश की।

बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, कला में एक नई प्रवृत्ति दिखाई दी - आधुनिकतावाद। नई धारणाओं में कुछ परंपराओं की अस्वीकृति निहित है। यह शब्द "अतीत में भीड़ है" फैशनेबल बन गया और काफी कम समय में कई प्रशंसकों को प्राप्त हुआ। चल रहे परिवर्तनों में अग्रणी भूमिका अमूर्तवाद की थी, जिसने आधुनिकतावाद, जैसे कि भविष्यवाद, घनवाद, अभिव्यक्तिवाद, अतियथार्थवाद और अन्य के आधार पर कई प्रवृत्तियों को एकजुट किया। चित्रकला में अमूर्तता को समाज द्वारा तुरंत स्वीकार नहीं किया गया था, लेकिन जल्द ही नई शैली ने कला से संबंधित साबित कर दिया।

विकास

बीसवीं सदी के तीसवें दशक तक, अमूर्तवाद की धारा ने गति पकड़ ली। चित्रकला की कला में एक नई दिशा के संस्थापक वासिली कैंडिंस्की थे, जो उस समय के सबसे प्रगतिशील कलाकारों में से एक थे। गुरु के चारों ओर अनुयायियों की एक पूरी आकाशगंगा बनी, जिसके लिए आत्मा की स्थिति और आंतरिक सहज संवेदनाओं के अध्ययन की प्रक्रिया रचनात्मकता का आधार बनी। कलाकारों ने अपने आसपास की दुनिया की वास्तविकता को नजरअंदाज किया और अमूर्त कला में अपनी भावनाओं को व्यक्त किया। नई शैली के शुरुआती अनुयायियों के कुछ कैनवस को समझना असंभव था। अमूर्त कला के चित्रों में आमतौर पर कोई जानकारी नहीं होती थी, और प्रदर्शनियों और उद्घाटन के लिए अप्रस्तुत आगंतुकों को अक्सर नुकसान होता था। उस समय चित्रों में एनोटेशन संलग्न करना स्वीकार नहीं किया गया था, और चित्रात्मक रचनात्मकता का प्रत्येक पारखी केवल अपनी दृष्टि पर भरोसा कर सकता था।

परास्नातक और संस्थापक

नई प्रवृत्ति के सबसे प्रमुख अनुयायियों में प्रसिद्ध अमूर्त कलाकार वासिली कैंडिंस्की, नतालिया गोंचारोवा, पीटर मोंड्रियन, काज़िमिर मालेविच, मिखाइल लारियोनोव थे। उनमें से प्रत्येक ने अपने-अपने निर्देश का पालन किया। प्रसिद्ध कलाकारों के सार चित्र धीरे-धीरे पहचानने योग्य हो गए, और इसने एक नए कला रूप को बढ़ावा देने में योगदान दिया।

काज़िमिर मालेविच ने सर्वोच्चतावाद के अनुरूप काम किया, आत्म-अभिव्यक्ति के लिए एक ज्यामितीय आधार को प्राथमिकता दी। कैनवास पर उनकी रचनाओं की गतिशीलता आयतों, वर्गों और वृत्तों के प्रतीत होने वाले अराजक संयोजन से आई है। कैनवास पर आंकड़ों की व्यवस्था ने किसी भी तर्क को खारिज कर दिया, और साथ ही, चित्र ने कड़ाई से सत्यापित आदेश की छाप दी। अमूर्तन की कला में ऐसे पर्याप्त उदाहरण हैं जो मौलिक रूप से एक दूसरे के विपरीत हैं। चित्र के साथ परिचित होने पर पहली छाप एक व्यक्ति को उदासीन छोड़ सकती है, और थोड़ी देर बाद कैनवास पहले से ही दिलचस्प लगेगा।

और मिखाइल लारियोनोव ने किरणवाद की दिशा का अनुसरण किया, जिसकी तकनीक में विभिन्न रंगों और रंगों की सीधी किरण जैसी रेखाओं का अप्रत्याशित प्रतिच्छेदन शामिल था। चित्र में रंगीन नाटक आकर्षक था, अंतहीन संयोजनों में बारी-बारी से प्रतिच्छेद करने वाली किरणों का शानदार संयोजन, और कैनवास ऊर्जा की एक धारा को विकीर्ण करता था।

तचिस्मे

सार कलाकार डेलाउने और कुप्का ने अपनी कला प्रस्तुत की। उन्होंने रंगीन विमानों के लयबद्ध चौराहे के माध्यम से अधिकतम प्रभाव प्राप्त करने का प्रयास किया। टैचिसमे के प्रतिनिधि, एक प्लॉट घटक की पूर्ण अनुपस्थिति में बड़े स्ट्रोक के अराजक अनुप्रयोग के परिणामस्वरूप प्राप्त एक सचित्र चित्र, इस तरह से अपनी कलात्मक साख व्यक्त की। टैचिस्म की शैली में तेल अमूर्त सबसे कठिन है, इस शैली में पेंटिंग को अनंत व्याख्याओं में माना जा सकता है, और प्रत्येक को सही माना जाएगा। हालांकि, अंतिम शब्द अभी भी आलोचकों और कला इतिहासकारों के पास है। साथ ही, अमूर्तवाद की शैली स्वयं किसी ढांचे या सम्मेलनों तक सीमित नहीं है।

नियोप्लास्टिकवाद

और अगर पेंटिंग अर्थहीनता का एक उदाहरण थे, तो डच अमूर्त चित्रकार पीटर मोंड्रियन ने समकोण के साथ बड़े आंकड़ों की बातचीत की एक सख्त प्रणाली पेश की, जो कैनवास पर एक दूसरे के साथ विपरीत थी और एक ही समय में, कुछ समझ से बाहर, एकजुट एक पूरे में। रचनात्मकता मोंड्रियन को "नियोप्लास्टिकवाद" कहा जाता है। यह पिछली सदी के बीसवें दशक में सबसे लोकप्रिय हो गया।

चेक फ्रांटिसेक कुप्का ने गोल और गोल आकृतियों, एक तरफ कटे हुए घेरे और वृत्तों के वर्चस्व वाले चित्रों का निर्माण किया, जो अचानक काली टूटी हुई रेखाओं के साथ जारी रहा, जिससे चिंता और चिंता पैदा हुई। कुप्का के कैनवस को घंटों तक देखा जा सकता था और उनमें नई बारीकियां पाई जा सकती थीं।

अपने चित्रों का निर्माण करते हुए, अमूर्त कलाकार सामान्य छवियों से दूर जाने की कोशिश करता है। सबसे पहले, कैंडिंस्की, मालेविच, मोंडियन और अन्य के गैर-मान्यता प्राप्त अतियथार्थवादी कार्यों ने बाद में नई कला के विरोधियों और प्रशंसकों के बीच गर्म बहस का कारण बना।

अभिव्यक्ति

पेंटिंग में एक और अभिव्यक्तिवाद है, व्यापक बांसुरी ब्रश के साथ लागू जोरदार गैर-ज्यामितीय स्ट्रोक का उपयोग करके बड़े कैनवास पर जल्दी से चित्रित करने का तरीका, जबकि पेंट की बड़ी बूंदें फैल कैनवास पर यादृच्छिक रूप से गिर सकती हैं। इस पद्धति की अभिव्यक्ति कला से संबंधित होने का मुख्य और एकमात्र संकेत है।

Orphism फ्रांसीसी चित्रकला की दिशाओं में से एक है, जिसे पिछली शताब्दी के बिसवां दशा में विकसित किया गया था। इस प्रवृत्ति का पालन करने वाले कलाकारों ने लयबद्ध आंदोलन और सशर्त संगीत के माध्यम से अपनी आकांक्षाओं को व्यक्त करने की कोशिश की, जबकि उन्होंने व्यापक रूप से रंगों के पारस्परिक प्रवेश और आकृति के प्रतिच्छेदन की तकनीक का इस्तेमाल किया।

पब्लो पिकासो

पेंटिंग में अमूर्तता के प्रतिबिंब के रूप में क्यूबिज्म को ज्यामितीय रूपों के उपयोग की विशेषता है, स्पष्ट रूप से नहीं, बल्कि कुछ हद तक पारंपरिकता के साथ। अनियमित वृत्त, टूटी हुई रेखाएं, कोण और किंक - यह सब एक निश्चित तार्किक पैटर्न के अनुसार और एक ही समय में स्पष्ट यादृच्छिकता के साथ व्यवस्थित किया जा सकता है। क्यूबिज़्म का सबसे चमकीला प्रतिनिधि स्पेनिश कलाकार पाब्लो पिकासो (1881 - 1973) था, जिसे पेंटिंग में इस प्रवृत्ति का संस्थापक माना जाता है।

रंग (नीली अवधि, गुलाबी अवधि) के साथ प्रयोग सुचारू रूप से रूपों में परिवर्तन, जानबूझकर विरूपण और प्रकृति के विनाश में बदल गए। इस तरह के चित्रों का एक उदाहरण 1907 में चित्रित एक कैनवास माना जा सकता है, जब पेंटिंग में अमूर्तता ने ताकत हासिल करना शुरू कर दिया था। इस प्रकार, पिकासो के काम ने उस समय के कुछ कलाकारों को पूरी तरह से नई शैली की ओर अग्रसर किया, जिसने प्रकृतिवाद की परंपराओं और ललित कला के संज्ञानात्मक मूल्य को पूरी तरह से खारिज कर दिया।

सुदूर अतीत

बीसवीं शताब्दी की शुरुआत के अमूर्त कलाकारों के चित्रों ने उस दौर की पेंटिंग में एक क्रांति ला दी, कलात्मक रचनात्मकता के कई रुझानों और दिशाओं के मद्देनजर, ब्रश के स्वामी दिखाई दिए जो यह साबित करने में कामयाब रहे कि अमूर्तता एक पूरी तरह से स्वतंत्र प्रकार का ठीक है कला, संस्कृति का हिस्सा।

आधुनिक अमूर्त कला

वर्तमान में, अमूर्तवाद ने कई अन्य रूप ले लिए हैं, जो उन लोगों से अलग हैं जो इस बल्कि विवादास्पद प्रकार की ललित कला के उत्तराधिकार के दौरान थे। अमूर्तता की आधुनिक भाषा आज एंड्री पेलेख, वालेरी ओर्लोव, मरीना कस्तलस्काया, एंड्री क्रासुलिन जैसे प्रसिद्ध कलाकार हैं, जिन्होंने इसमें आध्यात्मिकता के स्तर पर आध्यात्मिक विचारों को रखा, और सफेद रंगों के पैलेट में ऑप्टिकल कानूनों का भी उपयोग किया।

रंग का उच्चतम तनाव केवल सफेद अवतार में ही संभव है, यह रंग सभी नींवों का आधार है। रंग पहलू के अलावा, आधुनिक अमूर्तता में एक सिमेंटिक लोड फैक्टर भी होता है। चेतना की गहराई से निकलने वाले चिन्ह और प्रतीक पुरातनता के संकेत देते हैं। आधुनिक अमूर्त कलाकार वैलेन्टिन गेरासिमेंको अपने चित्रों में प्राचीन पांडुलिपियों और पांडुलिपियों की छवियों का उपयोग करते हैं, जो सुदूर अतीत के विषय की व्यापक व्याख्या की अनुमति देते हैं।

अमूर्तवाद (अव्य। सार- हटाना, व्याकुलता) या गैर-आलंकारिक कला- कला की एक दिशा जिसने पेंटिंग और मूर्तिकला में वास्तविकता के अनुमानित रूपों के प्रतिनिधित्व को त्याग दिया। अमूर्तवाद के लक्ष्यों में से एक कुछ रंग संयोजनों और ज्यामितीय आकृतियों को चित्रित करके "सामंजस्य" प्राप्त करना है, जिससे दर्शक रचना की पूर्णता और पूर्णता को महसूस कर सके। प्रमुख हस्तियां: वासिली कैंडिंस्की, काज़िमिर मालेविच, नतालिया गोंचारोवा और मिखाइल लारियोनोव, पीट मोंड्रियन।

कहानी

अमूर्तवाद("शून्य रूपों", गैर-उद्देश्य कला के संकेत के तहत कला) - एक कलात्मक दिशा जो 20 वीं शताब्दी की पहली छमाही की कला में बनाई गई थी, जो वास्तविक दृश्य दुनिया के रूपों को पुन: पेश करने से पूरी तरह से इनकार करती है। अमूर्तवाद के संस्थापक वी. कैंडिंस्की माने जाते हैं , पी. मोंड्रियन तथाके मालेविच।

वी। कैंडिंस्की ने अपने स्वयं के प्रकार की अमूर्त पेंटिंग बनाई, निष्पक्षता के किसी भी संकेत से प्रभाववादियों और "जंगली" के धब्बे को मुक्त किया। पीट मोंड्रियन प्रकृति के ज्यामितीय शैलीकरण के माध्यम से अपनी व्यर्थता पर आया, जिसे सीज़ेन और क्यूबिस्ट द्वारा शुरू किया गया था। 20वीं शताब्दी के आधुनिकतावादी रुझान, अमूर्तवाद पर केंद्रित, पारंपरिक सिद्धांतों से पूरी तरह से हट जाते हैं, यथार्थवाद को नकारते हैं, लेकिन साथ ही कला के ढांचे के भीतर रहते हैं। अमूर्तवाद के आगमन के साथ कला के इतिहास में एक क्रांति का अनुभव हुआ। लेकिन यह क्रांति संयोग से नहीं, बल्कि स्वाभाविक रूप से उत्पन्न हुई, और इसकी भविष्यवाणी प्लेटो ने की थी! अपने बाद के काम फिलेबस में, उन्होंने अपने आप में रेखाओं, सतहों और स्थानिक रूपों की सुंदरता के बारे में लिखा, किसी भी नकल के दृश्य वस्तुओं की किसी भी नकल से स्वतंत्र। प्लेटो के अनुसार, इस तरह की ज्यामितीय सुंदरता, प्राकृतिक "अनियमित" रूपों की सुंदरता के विपरीत, सापेक्ष नहीं है, लेकिन बिना शर्त, निरपेक्ष है।

20वीं सदी और वर्तमान

1914-18 के प्रथम विश्व युद्ध के बाद, अमूर्त कला की प्रवृत्ति अक्सर दादावाद और अतियथार्थवाद के प्रतिनिधियों द्वारा व्यक्तिगत कार्यों में प्रकट हुई; उसी समय, वास्तुकला, सजावटी कला और डिजाइन में गैर-सचित्र रूपों के लिए आवेदन खोजने की इच्छा निर्धारित की गई थी (शैली समूह और बॉहॉस के प्रयोग)। अमूर्त कला के कई समूह ("कंक्रीट आर्ट", 1930; "सर्कल एंड स्क्वायर", 1930; "एब्स्ट्रक्शन एंड क्रिएटिविटी", 1931), विभिन्न राष्ट्रीयताओं और प्रवृत्तियों के कलाकारों को एकजुट करते हुए, 30 के दशक की शुरुआत में मुख्य रूप से फ्रांस में उत्पन्न हुए। हालांकि, उस समय और 30 के दशक के मध्य तक अमूर्त कला व्यापक नहीं थी। समूह टूट गए। द्वितीय विश्व युद्ध (1939-45) के वर्षों के दौरान, संयुक्त राज्य अमेरिका में तथाकथित अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का एक स्कूल उत्पन्न हुआ (चित्रकार) जे. पोलक, एम. टोबीआदि), जो कई देशों में युद्ध के बाद विकसित हुआ (ताचिस्म या "निराकार कला" के नाम से) और इसकी विधि "शुद्ध मानसिक स्वचालितता" और रचनात्मकता के व्यक्तिपरक अवचेतन आवेग, अप्रत्याशित रंग और बनावट संयोजनों के पंथ के रूप में घोषित किया गया।

50 के दशक के उत्तरार्ध में, स्थापना की कला, पॉप कला, का जन्म संयुक्त राज्य अमेरिका में हुआ था, जिसने कुछ समय बाद एंडी वारहोल को मर्लिन मुनरो के चित्रों और कुत्ते के भोजन के डिब्बे - कोलाज एब्स्ट्रैक्शनिज़्म के अपने अंतहीन प्रतिकृति के साथ महिमामंडित किया। 60 के दशक की दृश्य कलाओं में, अमूर्तता का सबसे कम आक्रामक, स्थिर रूप, अतिसूक्ष्मवाद लोकप्रिय हो गया। एक ही समय पर बार्नेट न्यूमैन, अमेरिकी ज्यामितीय अमूर्तवाद के संस्थापक के साथ-साथ ए लिबरमैन, ए हेल्डोतथा के. नोलैंडडच नियोप्लास्टिकवाद और रूसी सर्वोच्चतावाद के विचारों के आगे विकास में सफलतापूर्वक लगे हुए हैं।

अमेरिकी चित्रकला में एक और प्रवृत्ति को "रंगीन" या "पेंटिंग के बाद" अमूर्तवाद कहा जाता था। इसके प्रतिनिधियों ने कुछ हद तक फाउविज्म और पोस्ट-इंप्रेशनवाद को खारिज कर दिया। कठोर शैली, कार्यों की तेज रूपरेखा पर जोर दिया ई. केली, जे. जुंगरमैन, एफ. स्टेलाधीरे-धीरे एक चिंतनशील उदासीन गोदाम की पेंटिंग को रास्ता दिया। 1970 और 1980 के दशक में, अमेरिकी पेंटिंग आलंकारिक कला में लौट आई। इसके अलावा, फोटोरिअलिज्म के रूप में इसकी ऐसी चरम अभिव्यक्ति व्यापक हो गई है। अधिकांश कला इतिहासकार इस बात से सहमत हैं कि 70 का दशक अमेरिकी कला के लिए सच्चाई का क्षण है, क्योंकि इस अवधि के दौरान इसने अंततः खुद को यूरोपीय प्रभाव से मुक्त कर लिया और विशुद्ध रूप से अमेरिकी बन गया। हालांकि, पारंपरिक रूपों और शैलियों की वापसी के बावजूद, चित्रांकन से लेकर ऐतिहासिक चित्रकला तक, अमूर्त कला भी गायब नहीं हुई है।

पेंटिंग, "नॉन-फाइन" कला के कार्यों को पहले की तरह बनाया गया था, क्योंकि संयुक्त राज्य अमेरिका में यथार्थवाद की वापसी इस तरह से अमूर्तवाद से नहीं, बल्कि इसके विमुद्रीकरण से, आलंकारिक कला पर प्रतिबंध से हुई थी, जिसे मुख्य रूप से हमारे सामाजिक यथार्थवाद के साथ पहचाना गया था। , और इसलिए कला के सामाजिक कार्यों पर "निम्न" शैलियों पर प्रतिबंध, "मुक्त लोकतांत्रिक" समाज में घृणित नहीं माना जा सकता है। उसी समय, अमूर्त पेंटिंग की शैली ने एक निश्चित कोमलता हासिल कर ली, जिसकी पहले कमी थी - वॉल्यूम का सुव्यवस्थित होना, आकृति का धुंधला होना, हाफ़टोन की समृद्धि, सूक्ष्म रंग समाधान ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

इन सभी प्रवृत्तियों ने आधुनिक अमूर्तवाद के विकास की नींव रखी। रचनात्मकता में कुछ भी जमे हुए, अंतिम नहीं हो सकता, क्योंकि यह उसके लिए मृत्यु होगी। लेकिन कोई फर्क नहीं पड़ता कि अमूर्तवाद किस रास्ते पर ले जाता है, चाहे वह कितने भी परिवर्तनों से गुजरे, इसका सार हमेशा अपरिवर्तित रहता है। यह इस तथ्य में निहित है कि ललित कला में अमूर्तवाद व्यक्तिगत अस्तित्व को पकड़ने का सबसे सुलभ और महान तरीका है, और सबसे पर्याप्त रूप में, एक प्रतिकृति प्रिंट की तरह। साथ ही, अमूर्तवाद स्वतंत्रता की प्रत्यक्ष प्राप्ति है।

दिशा-निर्देश

अमूर्तवाद में, दो स्पष्ट दिशाओं को प्रतिष्ठित किया जा सकता है: ज्यामितीय अमूर्तता, मुख्य रूप से स्पष्ट रूप से परिभाषित विन्यास (मालेविच, मोंड्रियन), और गीतात्मक अमूर्तता पर आधारित है, जिसमें रचना स्वतंत्र रूप से बहने वाले रूपों (कैंडिंस्की) से आयोजित की जाती है। अमूर्तवाद में भी कई अन्य प्रमुख स्वतंत्र रुझान हैं।

क्यूबिज्म

दृश्य कलाओं में एक अवंत-गार्डे प्रवृत्ति जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में उत्पन्न हुई और सशक्त रूप से सशर्त ज्यामितीय रूपों के उपयोग की विशेषता है, वास्तविक वस्तुओं को स्टीरियोमेट्रिक प्राइमेटिव में "विभाजित" करने की इच्छा।

रेयोनिस्म (लुचिज़्म)

1910 के दशक की अमूर्त कला में दिशा, प्रकाश स्पेक्ट्रा और प्रकाश संचरण की पारी के आधार पर। "विभिन्न वस्तुओं की परावर्तित किरणों के पार" से रूपों के उद्भव का विचार विशेषता है, क्योंकि एक व्यक्ति वास्तव में वस्तु को नहीं मानता है, लेकिन "प्रकाश स्रोत से आने वाली किरणों का योग, से परिलक्षित होता है वस्तु।"

नियोप्लास्टिकवाद

1917-1928 में मौजूद अमूर्त कला की दिशा का पदनाम। हॉलैंड में और संयुक्त कलाकारों ने "डी स्टाइल" ("स्टाइल") पत्रिका के आसपास समूह बनाया। स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों में चित्रित बड़े आयताकार विमानों के लेआउट में वास्तुकला और अमूर्त पेंटिंग में स्पष्ट आयताकार आकृतियों द्वारा विशेषता।

ऑर्फिज्म

1910 के फ्रांसीसी चित्रकला में निर्देशन। कलाकारों-ऑर्फ़िस्टों ने स्पेक्ट्रम के प्राथमिक रंगों के अंतर्विरोध और वक्रतापूर्ण सतहों के प्रतिच्छेदन की "नियमितताओं" की मदद से आंदोलन की गतिशीलता और लय की संगीतमयता को व्यक्त करने की मांग की।

सर्वोच्चतावाद

अवंत-गार्डे कला में निर्देशन, 1910 के दशक में स्थापित। मालेविच। यह सबसे सरल ज्यामितीय रूपरेखा के बहु-रंगीन विमानों के संयोजन में व्यक्त किया गया था। बहु-रंगीन ज्यामितीय आकृतियों के संयोजन से संतुलित असममित सर्वोच्चतावादी रचनाएँ बनती हैं जो आंतरिक गति के साथ व्याप्त होती हैं।

तचिस्मे

1950 और 60 के दशक के पश्चिमी यूरोपीय अमूर्तवाद में प्रवृत्ति, जो संयुक्त राज्य अमेरिका में सबसे व्यापक थी। यह धब्बों वाली एक पेंटिंग है जो वास्तविकता की छवियों को फिर से नहीं बनाती है, बल्कि कलाकार की अचेतन गतिविधि को व्यक्त करती है। टैचिसमे में स्ट्रोक, रेखाएं और धब्बे बिना किसी पूर्व-निर्धारित योजना के त्वरित हाथ आंदोलनों के साथ कैनवास पर लागू होते हैं।

अमूर्त अभिव्यंजनावाद

भावनाओं को पूरी तरह से बाहर लाने के लिए, गैर-ज्यामितीय स्ट्रोक, बड़े ब्रश, कभी-कभी कैनवास पर टपकने वाले पेंट का उपयोग करके जल्दी और बड़े कैनवस पर पेंट करने वाले कलाकारों का आंदोलन। यहां पेंटिंग की अभिव्यंजक विधि अक्सर पेंटिंग जितनी ही महत्वपूर्ण होती है।

इंटीरियर में अमूर्तवाद

हाल ही में, अमूर्त कला ने कलाकारों के चित्रों से घर के आरामदायक इंटीरियर में स्थानांतरित करना शुरू कर दिया है, इसे अनुकूल रूप से अद्यतन किया है। स्पष्ट रूपों के उपयोग के साथ न्यूनतम शैली, कभी-कभी काफी असामान्य, कमरे को असामान्य और रोचक बनाती है। लेकिन रंग के साथ ओवरबोर्ड जाना आसान है। ऐसी आंतरिक शैली में नारंगी के संयोजन पर विचार करें।

सफेद सबसे अच्छा अमीर नारंगी को पतला करता है, और, जैसा कि यह था, इसे ठंडा करता है। नारंगी रंग कमरे को गर्म बनाता है, इसलिए ज्यादा नहीं; रोकथाम नहीं। फर्नीचर या उसके डिजाइन पर जोर दिया जाना चाहिए, उदाहरण के लिए, एक नारंगी बेडस्प्रेड। इस मामले में, सफेद दीवारें रंग की चमक को खत्म कर देंगी, लेकिन कमरे को रंगीन छोड़ दें। इस मामले में, एक ही श्रेणी के चित्र एक उत्कृष्ट जोड़ के रूप में काम करेंगे - मुख्य बात यह ज़्यादा नहीं है, अन्यथा नींद की समस्या होगी।

नारंगी और नीले रंग का संयोजन किसी भी कमरे के लिए हानिकारक है, अगर यह नर्सरी पर लागू नहीं होता है। यदि आप उज्ज्वल रंगों का चयन नहीं करते हैं, तो वे सफलतापूर्वक एक-दूसरे के साथ सामंजस्य स्थापित करेंगे, मूड जोड़ेंगे, और अतिसक्रिय बच्चों पर भी प्रतिकूल प्रभाव नहीं डालेंगे।

नारंगी हरे रंग के साथ अच्छी तरह से चला जाता है, एक कीनू के पेड़ और एक चॉकलेट टिंट का प्रभाव पैदा करता है। भूरा एक रंग है जो गर्म से ठंडे में भिन्न होता है, इसलिए यह कमरे के समग्र तापमान को पूरी तरह से सामान्य करता है। इसके अलावा, रंगों का यह संयोजन रसोई और रहने वाले कमरे के लिए उपयुक्त है, जहां आपको माहौल बनाने की जरूरत है, लेकिन इंटीरियर को अधिभारित नहीं करना चाहिए। सफेद और चॉकलेट रंगों में दीवारों को सजाकर, आप सुरक्षित रूप से एक नारंगी कुर्सी रख सकते हैं या एक समृद्ध कीनू रंग के साथ एक उज्ज्वल तस्वीर लटका सकते हैं। जब आप ऐसे कमरे में होते हैं, तो आपका मूड बहुत अच्छा होगा और जितना संभव हो उतना काम करने की इच्छा होगी।

प्रसिद्ध अमूर्त कलाकारों की पेंटिंग

कैंडिंस्की अमूर्त कला के अग्रदूतों में से एक थे। उन्होंने प्रभाववाद में अपनी खोज शुरू की, और उसके बाद ही अमूर्तवाद की शैली में आए। अपने काम में, उन्होंने एक सौंदर्य अनुभव बनाने के लिए रंग और रूप के बीच संबंधों का शोषण किया, जिसने दर्शकों की दृष्टि और भावनाओं दोनों को गले लगा लिया। उनका मानना ​​​​था कि पूर्ण अमूर्तता गहरी, पारलौकिक अभिव्यक्ति के लिए जगह देती है, और वास्तविकता की नकल करना ही इस प्रक्रिया में हस्तक्षेप करता है।

कैंडिंस्की के लिए पेंटिंग गहरी आध्यात्मिक थी। उन्होंने अमूर्त आकृतियों और रंगों की एक सार्वभौमिक दृश्य भाषा के माध्यम से मानवीय भावनाओं की गहराई को व्यक्त करने की मांग की जो भौतिक और सांस्कृतिक सीमाओं को पार कर जाए। उसने देखा अमूर्तवादएक आदर्श दृश्य विधा के रूप में जो कलाकार की "आंतरिक आवश्यकता" को व्यक्त कर सकती है और मानवीय विचारों और भावनाओं को व्यक्त कर सकती है। वह खुद को एक नबी मानते थे जिनका मिशन समाज के लाभ के लिए इन आदर्शों को दुनिया के साथ साझा करना है।

चमकीले रंगों में छिपी हुई और स्पष्ट काली रेखाएं भाले के साथ कई Cossacks, साथ ही नावों, आकृतियों और एक पहाड़ी की चोटी पर एक महल को दर्शाती हैं। जैसा कि इस अवधि के कई चित्रों में है, यह एक सर्वनाश युद्ध का प्रतिनिधित्व करता है जो अनन्त शांति की ओर ले जाएगा।

पेंटिंग की एक गैर-उद्देश्य शैली के विकास की सुविधा के लिए, जैसा कि उनके ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट (1912) में वर्णित है, कैंडिंस्की वस्तुओं को चित्रात्मक प्रतीकों में कम कर देता है। बाहरी दुनिया के अधिकांश संदर्भों को हटाकर, कैंडिंस्की ने अपनी दृष्टि को अधिक सार्वभौमिक तरीके से व्यक्त किया, इन सभी रूपों के माध्यम से विषय के आध्यात्मिक सार को एक दृश्य भाषा में अनुवादित किया। इन प्रतीकात्मक आकृतियों में से कई को उनके बाद के काम में दोहराया और परिष्कृत किया गया, और भी अधिक सारगर्भित हो गया।

काज़िमिर मालेविच

कला में रूप और अर्थ के बारे में मालेविच के विचार किसी तरह शैली के अमूर्तवाद के सिद्धांत पर एकाग्रता की ओर ले जाते हैं। मालेविच ने पेंटिंग में विभिन्न शैलियों के साथ काम किया, लेकिन सबसे अधिक वह शुद्ध ज्यामितीय आकृतियों (वर्गों, त्रिकोणों, वृत्तों) के अध्ययन और सचित्र अंतरिक्ष में एक दूसरे से उनके संबंधों पर केंद्रित था। पश्चिम में अपने संपर्कों के माध्यम से, मालेविच यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में कलाकार मित्रों को पेंटिंग के बारे में अपने विचारों को व्यक्त करने में सक्षम थे, और इस प्रकार समकालीन कला के विकास को गहराई से प्रभावित करते थे।

"ब्लैक स्क्वायर" (1915)

प्रतिष्ठित पेंटिंग "ब्लैक स्क्वायर" को पहली बार मालेविच ने 1915 में पेत्रोग्राद में एक प्रदर्शनी में दिखाया था। यह काम मालेविच द्वारा अपने निबंध "क्यूबिज्म एंड फ्यूचरिज्म टू सुपरमैटिज्म: न्यू रियलिज्म इन पेंटिंग" में विकसित सर्वोच्चतावाद के सैद्धांतिक सिद्धांतों का प्रतीक है।

कैनवास पर दर्शक के सामने एक सफेद पृष्ठभूमि पर एक काले वर्ग के रूप में खींचा गया एक अमूर्त रूप है - यह रचना का एकमात्र तत्व है। हालांकि पेंटिंग सरल लगती है, फिर भी पेंट की काली परतों के माध्यम से उंगलियों के निशान, ब्रश स्ट्रोक जैसे तत्व दिखाई देते हैं।

मालेविच के लिए, वर्ग का अर्थ है भावनाएं, और सफेद का अर्थ है खालीपन, कुछ भी नहीं। उन्होंने काले वर्ग को एक ईश्वरीय उपस्थिति के रूप में देखा, एक प्रतीक के रूप में, जैसे कि यह गैर-उद्देश्य कला के लिए एक नई पवित्र छवि बन सकता है। प्रदर्शनी में भी, इस चित्र को उस स्थान पर रखा गया था जहाँ आमतौर पर एक रूसी घर में एक आइकन रखा जाता है।

पीट मोंड्रियन

डच डी स्टिजल आंदोलन के संस्थापकों में से एक, पीट मोंड्रियन को अमूर्तता और पद्धतिगत अभ्यास की शुद्धता के लिए पहचाना जाता है। उन्होंने अपने चित्रों के तत्वों को मौलिक रूप से सरल बनाया ताकि उन्होंने सीधे नहीं, बल्कि आलंकारिक रूप से जो देखा, उसे प्रदर्शित करने और अपने कैनवस में एक स्पष्ट और सार्वभौमिक सौंदर्य भाषा बनाने के लिए। 1920 के दशक के अपने सबसे प्रसिद्ध चित्रों में, मोंड्रियन ने रूपों को रेखाओं और आयतों में और पैलेट को सरलतम तक कम कर दिया। असममित संतुलन का उपयोग आधुनिक कला के विकास के लिए मौलिक बन गया, और उनके प्रतिष्ठित अमूर्त कार्य डिजाइन में प्रभावशाली बने हुए हैं और आज तक लोकप्रिय संस्कृति से परिचित हैं।

"ग्रे ट्री" मोंड्रियन की शैली में प्रारंभिक संक्रमण का एक उदाहरण है अमूर्तवाद. केवल ग्रे और काले रंग का उपयोग करके 3D ट्री को सरलतम रेखाओं और समतलों में घटाया जाता है।

यह पेंटिंग मोंड्रियन द्वारा किए गए कार्यों की एक श्रृंखला में से एक है जिसने अधिक यथार्थवादी दृष्टिकोण लिया, जहां, उदाहरण के लिए, पेड़ों को प्राकृतिक तरीके से प्रस्तुत किया जाता है। जबकि बाद के टुकड़े तेजी से सारगर्भित हो गए, उदाहरण के लिए, पेड़ की रेखाएँ तब तक कम हो जाती हैं जब तक कि पेड़ का आकार मुश्किल से दिखाई नहीं देता और ऊर्ध्वाधर और क्षैतिज रेखाओं की समग्र संरचना के लिए गौण हो जाता है। यहां आप अभी भी लाइनों के संरचित संगठन को छोड़ने में मोंड्रियन की रुचि देख सकते हैं। मोंड्रियन के शुद्ध अमूर्तन के विकास के लिए यह कदम महत्वपूर्ण था।

रॉबर्ट Delaunay

डेलाउने अमूर्त शैली के शुरुआती कलाकारों में से एक थे। उनके काम ने रचनात्मक तनाव के आधार पर इस दिशा के विकास को प्रभावित किया, जो रंगों के विपरीत होने के कारण था। वह जल्दी से नव-प्रभाववादी रंग प्रभाव में आ गया और अमूर्तवाद की शैली में काम की रंग प्रणाली का बहुत बारीकी से पालन किया। उन्होंने रंग और प्रकाश को मुख्य उपकरण माना जिसके साथ कोई भी दुनिया की निष्पक्षता को प्रभावित कर सकता है।

1910 तक, Delaunay ने कैथेड्रल और एफिल टॉवर को चित्रित करने वाली पेंटिंग की दो श्रृंखलाओं के रूप में क्यूबिज़्म में अपना योगदान दिया था, जो क्यूबिक रूपों, आंदोलन की गतिशीलता और जीवंत रंगों को जोड़ती थी। रंग सामंजस्य का उपयोग करने के इस नए तरीके ने शैली को रूढ़िवादी क्यूबिज़्म से अलग करने में मदद की, जिसे ऑर्फ़िज़्म कहा जाता है, और तुरंत यूरोपीय कलाकारों को प्रभावित किया। डेलाउने की पत्नी, कलाकार सोनिया तुर्क-डेलाउने ने उसी शैली में पेंटिंग करना जारी रखा।

Delaunay का मुख्य कार्य एफिल टॉवर को समर्पित है - फ्रांस का प्रसिद्ध प्रतीक। यह 1909 और 1911 के बीच एफिल टॉवर को समर्पित ग्यारह चित्रों की श्रृंखला में सबसे प्रभावशाली में से एक है। इसे चमकीले लाल रंग से रंगा गया है, जो इसे तुरंत आसपास के शहर की नीरसता से अलग करता है। कैनवास का प्रभावशाली आकार इस इमारत की भव्यता को और बढ़ाता है। एक भूत की तरह, टॉवर आसपास के घरों से ऊपर उठता है, लाक्षणिक रूप से पुरानी व्यवस्था की नींव को हिला देता है। Delaunay की पेंटिंग उस समय की असीम आशावाद, मासूमियत और ताजगी की भावना को व्यक्त करती है जिसने अभी तक दो विश्व युद्ध नहीं देखे हैं।

फ्रांटिसेक कुपक

फ्रांटिसेक कुप्का एक चेकोस्लोवाक कलाकार है जो शैली में पेंट करता है अमूर्तवादप्राग कला अकादमी से स्नातक किया। एक छात्र के रूप में, उन्होंने मुख्य रूप से देशभक्ति विषयों पर पेंटिंग की और ऐतिहासिक रचनाएँ लिखीं। उनकी प्रारंभिक रचनाएँ अधिक अकादमिक थीं, हालाँकि, उनकी शैली वर्षों में विकसित हुई और अंततः अमूर्त कला में विकसित हुई। बहुत यथार्थवादी तरीके से लिखे गए, यहां तक ​​​​कि उनके शुरुआती कार्यों में रहस्यमय अतियथार्थवादी विषय और प्रतीक शामिल थे, जिन्हें अमूर्त लिखते समय संरक्षित किया गया था। कुप्का का मानना ​​​​था कि कलाकार और उसका काम एक निरंतर रचनात्मक गतिविधि में भाग लेते हैं, जिसकी प्रकृति एक निरपेक्ष की तरह सीमित नहीं है।

"अमोर्फा। दो रंगों में फ्यूग्यू" (1907-1908)

1907-1908 की शुरुआत में, कुप्का ने हाथ में गेंद पकड़े हुए एक लड़की के चित्रों की एक श्रृंखला को चित्रित करना शुरू किया, जैसे कि वह उसके साथ खेलने या नृत्य करने वाली थी। उसके बाद उन्होंने उसके अधिक से अधिक योजनाबद्ध प्रतिनिधित्व विकसित किए, और अंततः पूरी तरह से अमूर्त चित्रों की एक श्रृंखला तैयार की। वे लाल, नीले, काले और सफेद रंग के सीमित पैलेट में बने थे। 1912 में, सैलून डी ऑटोमने में, इन अमूर्त कार्यों में से एक को पहली बार पेरिस में सार्वजनिक रूप से प्रदर्शित किया गया था।

आधुनिक अमूर्तवादी

बीसवीं शताब्दी की शुरुआत से, पाब्लो पिकासो, सल्वाडोर डाली, काज़ेमिर मालेविच, वासिली कैंडिंस्की सहित कलाकार, वस्तुओं के रूपों और उनकी धारणा के साथ प्रयोग कर रहे हैं, और कला में मौजूद सिद्धांतों पर भी सवाल उठा रहे हैं। हमने सबसे प्रसिद्ध आधुनिक अमूर्त कलाकारों का चयन तैयार किया है जिन्होंने अपने ज्ञान की सीमाओं को आगे बढ़ाने और अपनी वास्तविकता बनाने का फैसला किया है।

जर्मन कलाकार डेविड श्नेल(डेविड श्नेल) उन जगहों पर घूमना पसंद करते हैं जो पहले प्रकृति के प्रभुत्व में थे, और अब वे लोगों की इमारतों से भरे हुए हैं - खेल के मैदानों से लेकर कारखानों और कारखानों तक। इन सैर की यादें उनके उज्ज्वल अमूर्त परिदृश्य को जन्म देती हैं। तस्वीरों और वीडियो के बजाय, अपनी कल्पना और स्मृति पर पूरी तरह से लगाम देते हुए, डेविड श्नेल ऐसी पेंटिंग बनाते हैं जो कंप्यूटर की आभासी वास्तविकता से मिलती-जुलती हैं या विज्ञान कथा पुस्तकों के लिए चित्र हैं।

अपने बड़े पैमाने पर अमूर्त चित्रों का निर्माण करते हुए, अमेरिकी कलाकार क्रिस्टीन बेकर(क्रिस्टिन बेकर) कला के इतिहास और रेसिंग नस्कर और फॉर्मूला 1 से प्रेरणा लेती हैं। सबसे पहले, वह सिल्हूट पर ऐक्रेलिक पेंट और टेप की कई परतें लगाकर अपने काम को वॉल्यूम देती हैं। फिर क्रिस्टिन इसे सावधानी से छीलती है, जो पेंट की अंतर्निहित परतों को प्रकट करती है और उसके चित्रों की सतह को बहु-स्तरित, बहु-रंगीन कोलाज की तरह दिखती है। काम के अंतिम चरण में, वह सभी धक्कों को हटा देती है, जिससे उसकी पेंटिंग्स ऐसी दिखती हैं जैसे वे एक्स-रे की तरह महसूस करते हैं।

अपने काम में, ब्रुकलिन, न्यूयॉर्क के ग्रीक मूल के कलाकार, ऐलेना एनाग्नोस(एलेना एनाग्नोस) रोजमर्रा की जिंदगी के उन पहलुओं की पड़ताल करती है जिन्हें अक्सर लोग अनदेखा कर देते हैं। उसके "कैनवास के साथ संवाद" के दौरान, सामान्य अवधारणाएं नए अर्थ और पहलू प्राप्त करती हैं: नकारात्मक स्थान सकारात्मक हो जाता है और छोटे आकार आकार में बढ़ जाते हैं। इस तरह से अपने चित्रों में जान फूंकने की कोशिश करते हुए, ऐलेना मानव मन को जगाने की कोशिश करती है, जिसने सवाल पूछना और कुछ नया करने के लिए खुला होना बंद कर दिया है।

एक अमेरिकी कलाकार, कैनवास पर चमकीले छींटे और पेंट के धब्बों को जन्म देते हुए सारा स्पिटलर(सारा स्पिटलर) अपने काम में अराजकता, आपदा, असंतुलन और अव्यवस्था को प्रतिबिंबित करना चाहती है। वह इन अवधारणाओं से आकर्षित होती है, क्योंकि वे किसी व्यक्ति के नियंत्रण से बाहर हैं। इसलिए उनकी विनाशकारी शक्ति सारा स्पिटलर के अमूर्त कार्यों को शक्तिशाली, ऊर्जावान और रोमांचक बनाती है। इसके अलावा। स्याही, ऐक्रेलिक पेंट, ग्रेफाइट पेंसिल और तामचीनी के कैनवास पर परिणामी छवि जो कुछ भी हो रहा है उसकी क्षणिक प्रकृति और सापेक्षता पर जोर देती है।

वास्तुकला के क्षेत्र से प्रेरणा लेते हुए, वैंकूवर, कनाडा के कलाकार, जेफ डापनेर(जेफ डेपनर) ज्यामितीय आकृतियों से बनी स्तरित अमूर्त पेंटिंग बनाता है। कलात्मक "अराजकता" में उन्होंने बनाया, जेफ रंग, रूप और संरचना में सद्भाव चाहता है। उनके चित्रों में से प्रत्येक तत्व एक दूसरे से जुड़े हुए हैं और निम्नलिखित की ओर ले जाते हैं: "मेरा काम एक चुने हुए पैलेट में रंगों के संबंध के माध्यम से रचनात्मक संरचना [एक पेंटिंग की] की खोज करता है ..."। कलाकार के अनुसार, उनके चित्र "अमूर्त संकेत" हैं जो दर्शकों को एक नए, अचेतन स्तर पर ले जाना चाहिए।

अमूर्तवाद, जो अक्षांश से है। अमूर्तता का अर्थ है व्याकुलता, हटाना एक गैर-आलंकारिक, गैर-उद्देश्यपूर्ण कला है। चित्रात्मक गतिविधि का एक अजीबोगरीब रूप, जिसका उद्देश्य किसी नेत्रहीन वास्तविकता की नकल या प्रदर्शित करना नहीं है। अमूर्त मूर्तिकला, पेंटिंग और ग्राफिक्स एक पहचानने योग्य वस्तु के साथ जुड़ाव को बाहर करते हैं।

पहले की घटना का समय अमूर्त चित्रकारीसाथ ही अमूर्त पेंटिंग की उत्पत्ति स्थापित नहीं की गई है। यह हम पक्के तौर पर ही कह सकते हैं कि 1910 और 1915 के मध्य में। कई यूरोपीय कलाकारों ने गैर-आलंकारिक और गैर-उद्देश्य रचनाओं (मूर्तिकला, ड्राइंग और पेंटिंग में) में कोशिश की।

ये हैं: एमएफ लारियोनोव, एफ। कुप्का, आर। डेलोन, पी। क्ले, एफ। पिकाबिया, यू। बोचियोनी, एफ। मार्क, एफ। मारिनेटी, ए। जी। यवलेंस्की और कई अन्य।

सबसे प्रसिद्ध और मूल पी. मोंड्रियन, वी.वी. कैंडिंस्की और के.एस. मालेविच हैं।

ग्रे, गुलाबी, पी। मोड्रियन रचना संख्या 217 ग्रे अंडाकार में रचना, वी। वी। कैंडिंस्की मैं अंतरिक्ष के लिए जा रहा हूं, के.एस. मालेविच

कैंडिंस्की को आमतौर पर अमूर्तता का "आविष्कारक" कहा जाता है, जिससे उनके 1910-1912 के जल रंग, साथ ही साथ उनके सैद्धांतिक कार्यों, कला की आत्मनिर्भरता की गवाही देते हैं और अपने स्वयं के साधनों के साथ कुछ नई वास्तविकता बनाने की उनकी क्षमता की ओर इशारा करते हैं। . कैंडिंस्की, सिद्धांत और व्यवहार दोनों में, उन लोगों में अधिक सुसंगत और निर्णायक थे, जो उस समय उस रेखा से संपर्क करते थे जो आलंकारिकता को अमूर्तता से अलग करती है। इस रेखा को सबसे पहले किसने पार किया, यह प्रश्न अनुत्तरित रहा। हालाँकि, इससे कोई फर्क नहीं पड़ता, क्योंकि बीसवीं शताब्दी के शुरुआती वर्षों में, यूरोपीय कला में नवीनतम रुझान इस सीमा के करीब आए, और सब कुछ ने दिखाया कि इसे उलट दिया जाएगा।

सार कलाकार

प्रचलित धारणाओं के बावजूद, मतिहीनताशैलीगत श्रेणी नहीं थी। ललित कला का यह अनोखा रूप कई धाराओं में आता है। लिरिकल एब्स्ट्रैक्शन, जियोमेट्रिक एब्स्ट्रैक्शन, एनालिटिकल एब्स्ट्रैक्शन, जेस्चरल एब्स्ट्रैक्शन और अधिक निजी धाराएं, उदाहरण के लिए, अरनफॉर्मेल, सुपरमैटिज्म, न्यूजिज्म और इसी तरह।

अमूर्त कला शैलियाँआलंकारिक शैलियों के समान शैली बनाने वाले कणों से विकसित होते हैं। यह इस तथ्य की पुष्टि करता है कि मोनोक्रोम पेंटिंग - एक कैनवास जिसे एक स्वर में चित्रित किया गया है - शैली के समान मध्यवर्ती संबंध में पूरी तरह से प्राकृतिक आलंकारिक छवि के रूप में है। एब्सट्रैक्ट पेंटिंग एक विशेष प्रकार की ललित कला है, जिसमें कार्यों की तुलना ऑडियो स्पेस में संगीत के कार्यों से की जाती है।

कला में सौन्दर्यात्मक दृष्टिकोण में बढ़ता परिवर्तन 20वीं शताब्दी के विज्ञान, संस्कृति और प्रौद्योगिकी में क्रांतिकारी सुधारों से शुरू होता है। 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में ही कला में नई प्रवृत्तियाँ दिखाई देने लगीं। उस समय, यूरोप की पेंटिंग में, एक ही समय में सम्मेलन की ओर बढ़ती प्रवृत्ति (एफ। गोया, ई। डेलाक्रोइक्स, के। कोरोट,) और प्राकृतिक तकनीक में सुधार (टी। चेसरियो, जे.- एल. डेविड, जे. इंग्रेस)। पहला विशेष रूप से अंग्रेजी चित्रकला में इंगित किया गया है - आरओ बोनिंगटन, साथ ही डब्ल्यू टर्नर द्वारा। उनकी पेंटिंग्स - "द सन राइजिंग इन द फॉग ..." (1806), "म्यूजिकल इवनिंग" (1829-1839) और कुछ अन्य कार्य सबसे साहसी सामान्यीकरणों को व्यक्त करते हैं जो अमूर्तता पर सीमा रखते हैं।

हम उनके अंतिम कार्यों में से एक के रूप के साथ-साथ कथानक पर भी ध्यान केंद्रित करेंगे - "बारिश, भाप, गति", एक भाप इंजन का चित्रण जो कोहरे और बारिश के घूंघट के बीच भागता है। यह चित्र 1848 में चित्रित किया गया था - 19वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध की कला में पारंपरिकता का उच्चतम माप।

19वीं शताब्दी के मध्य से शुरू होकर, मूर्तिकला और ग्राफिक्स ने प्रत्यक्ष चित्रण के लिए समझ से बाहर हो गया। नए दृश्य साधनों, टंकण विधियों, सार्वभौमिक प्रतीकों, बढ़ी हुई अभिव्यक्ति और संकुचित प्लास्टिक सूत्रों पर सबसे गहन शोध किया जा रहा है। एक ओर, यह किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की छवि, उसकी भावनात्मक मनोवैज्ञानिक अवस्थाओं को संदर्भित करता है, दूसरी ओर, उद्देश्य दुनिया की दृष्टि के विकास के लिए।