अमेरिकी कलाकार, मूर्तिकार, दार्शनिक और प्रचारक बार्नेट न्यूमैन (बार्नेट न्यूमैन, 1 9 05-19 70) मैंने सोचा कि "रचनात्मकता न केवल उच्चतम है, बल्कि मानव चेतना की प्राथमिक स्थिति भी है".

लेकिन इसे दुनिया में साबित करने के लिए, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के प्रतिनिधि को आलोचकों से असंतोष और गलतफहमी की एक स्क्वल से बचना पड़ा, 40 वर्षों में बनाए गए अपने कार्यों को नष्ट करना, आठ साल का विराम लेना और केवल सब कुछ होने के बाद ही अनुभव किया जाता है उच्च आधुनिकता का नमूना।

और अब सब कुछ के बारे में।

न्यूयॉर्क, यूएसए। 2 9 जनवरी, 1 9 05। भविष्य कलाकार बार्नेट न्यूमैन का जन्म पोलैंड से यहूदी प्रवासियों के परिवार में हुआ था। पेंटिंग में रुचि अभी भी स्कूल में दिखाई दी। धीरे-धीरे, वह जीवन के मामले में ढंका हुआ, और दार्शनिक डिग्री प्राप्त की, केवल दुनिया को साबित करने की इच्छा को मजबूत किया "पहला व्यक्ति एक कलाकार था!", चूंकि "आदम, ज्ञान के पेड़ से स्वाद, भगवान की तरह होने के लिए एक रचनात्मक जीवन खोजने की मांग की -" दुनिया के निर्माता ".

चित्रकार के शुरुआती कार्य मुक्त संघ, सपने, या, दूसरे शब्दों में, स्वचालितता के तरीके हैं। जैक्सन पोलॉक की शैली में, 1 944-19 45 में न्यूमैन, सुलेखिक-अवास्तविक चित्रों की एक श्रृंखला तैयार की गई ("शीर्षक रहित"), ब्लसिंग ("आशीर्वाद")।

1 9 50 में व्यक्तिगत प्रदर्शनी में प्रस्तुत कैनवास को गठबंधन के उपयोग और रूपों के विरोधाभासी संयोजन के उपयोग से प्रतिष्ठित किया गया है। बहुत कुछ नहीं है या कुछ भी नहीं जानना - अतियथार्थवाद का सिद्धांत, इसलिए हर कोई शुरुआती न्यूमैन को अपने तरीके से समझता है। कलाकार ने खुद कहा कि उनका काम भावनात्मक सामग्री में समृद्ध था। उन्होंने अपने लिए एक उच्च लक्ष्य रखा - युग योग्य अवधारणाओं को संदर्भित करने के लिए: पुरुष, प्रकृति, जीवन, मृत्यु।

न्यूमैन की पेंटिंग्स के नामों को भावनाओं और भावनाओं का कारण बनने के लिए डिज़ाइन किया गया है कि लेखक एक मुफ्त दुनिया में एक रंग प्रसारित करता है। दुर्भाग्यवश, आलोचकों ने अपने काम को खालीपन में आरोप लगाया। बदले में, गैर-उपयोगी समीक्षा ने कला क्षेत्र को छोड़ने के लिए कुछ समय के लिए न्यूमैन को मजबूर किया, लेकिन, जैसा कि यह निकला, दूर जाने के लिए, लेकिन छिपाने के लिए। आठ साल के ब्रेक ने कलाकार को अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का नेतृत्व किया।

अभिव्यक्तिवादी की रचनात्मकता के नए मोड़ के संदर्भ का बिंदु उनके काम का पूर्वदर्शी था। 1858 में जनता द्वारा प्रतिनिधित्व किए गए बार्नेट न्यूमैन के कार्यों को पूरी तरह से नए तरीके से किया गया था। इसका कैनवास अधिक प्रारूप बन गया है और उज्ज्वल रंगों में प्रदर्शन किया गया था। वे तथाकथित "जिपर" या एक ऊर्ध्वाधर पट्टी दिखाई देते हैं - न्यूमैन का एक व्यापार कार्ड।

पेंटिंग श्रृंखला ("प्रायोजन"), जिसमें छह चित्र शामिल हैं, सद्भाव और जीवन की पूर्णता को दर्शाते हैं। कलाकार दार्शनिक मूल्यों से प्रेरणा चिल्लाता है, इसलिए सभी कार्यों को प्रतीकात्मक माना जा सकता है, और उनका नाम रूपरेखा है। उन पर टन की सीमाएं वास्तव में विभाजित नहीं हैं, लेकिन मुख्य अमेरिकी सिद्धांतों में से एक घोषित किया जाता है - स्वतंत्रता। अमेरिकन आर्ट क्रिटिक क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने लिखा:

"न्यूमैन के बड़े कैनवस की सीमाएं रूपों की आंतरिक रेखाओं के समान भूमिका निभाती हैं। वे विभाजित होते हैं, लेकिन वे कुछ भी साझा नहीं करते हैं, बंद नहीं करते हैं और अलग नहीं करते हैं। वे सीमाओं को सेट करते हैं, लेकिन कुछ भी सीमित नहीं करते हैं। "

पेंटिंग के अलावा, न्यूमैन ने मूर्तिकला पर काम किया। टूटा हुआ ओबिलिस्क ("टूटा ओबिलिस्क") अपनी संसार के साथ प्रभावशाली है। यह एक उलटा ओबिलिस्क है, जो अब तक हवा में लगता है। पिरामिड और ओबिलिस्की को लंबे समय से मौत का प्रतीक माना जाता है, लेकिन कलाकार इस अवधारणा को पुनर्विचार करता है, मौत को अंतहीन जीवन में बदल देता है।

सार कैनवस बनाना, बार्नेट न्यूमैन ने अपने कार्यों को समझने के लिए अपने स्वयं के निर्देश का आविष्कार किया। उन्होंने जोर देकर कहा कि उनके कैनवास, वर्तमान सिद्धांत के विपरीत, वेब की ऊंचाई के बराबर दूरी से विचार करना आवश्यक है, लेकिन पूरी तरह से इसके पास होना आवश्यक है। यह रंगीन क्षेत्रों की दुनिया में एक विसर्जन प्रभाव बनाता है।

थोड़ी देर बाद, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के एक महान प्रतिनिधि ने प्रदर्शनी में निर्देशों के साथ संकेत पोस्ट करना शुरू किया, यह मानते हुए कि उनके काम के पास एक व्यक्ति के बारे में आत्म-जागरूकता के लिए कॉल करने में सक्षम था।

बार्नेट न्यूमैन अमूर्तता के अमेरिकी विभाजन का एक प्रमुख प्रतिनिधि है। उनका जन्म 1 9 05 में न्यूयॉर्क में हुआ था। उनके अंतिम नाम का एक और लेखन भी आम है: न्यूमैन। अंग्रेजी स्रोतों में, उन्हें बार्नेट न्यूमैन के नाम से जाना जाता है।

कितने पेंटिंग्स को संरक्षित किया जाता है

वैसे, कलाकार बार्नेट न्यूमैन ने अपने शुरुआती कैनवास को पूरी तरह से नष्ट कर दिया, लगभग चालीस वर्षों का श्रम पार किया गया और दुर्भाग्यवश, ब्रश के साथ बिल्कुल भी नहीं। इसलिए, आज, न्यूमैन के काम की बात करते हुए, शोधकर्ता 120 टुकड़ों की राशि में देर से अवधि के लिए विशेष रूप से "जीवित" कैनवस को अलग करते हैं, जिन्होंने लगभग पच्चीस वर्षों तक समय सीमा में रखा था।

गठन के चरण

उनके माता-पिता पोलैंड, यहूदी मूल से आप्रवासियों थे। चित्रकारी युवा बार्नेट न्यूमैन ने कला छात्रों लीग में अध्ययन किया, जिसे एक कला छात्र लीग भी कहा जाता है। रचनात्मकता की इस अवधि को जैक्सन पोलॉक ऑटोमैटिज़्म की शैली में प्रयोगों की विशेषता है, फिर बरेटाटा न्यूमैन ने चार्ट को ले लिया है, और वह अतियास्तिक रुझानों के साथ ड्राइंग के विमान में जाता है। यह उल्लेखनीय है कि साथ ही उन्होंने बीसवीं शताब्दी की अमेरिकी पेंटिंग के इस तरह के आंकड़ों के साथ एक कला स्कूल बनाया, जैसे रोट्को, मदरवेल और बेसियोटिस।

यह खोलने का समय है

पहली व्यक्तिगत प्रदर्शनी, जहां बार्नेट न्यूमैन की पेंटिंग्स विशेष रूप से प्रस्तुत की गई थी, यह दर्शनीय स्थलों की यात्रा के लेखों में कलात्मक आलोचकों से हराया गया था। नतीजा विरोधी अवसाद और अनिच्छा से जनता को अपने कार्यों को दिखाने की अनिच्छा थी, कलाकार केवल आठ साल बाद क्या सक्षम था, जब मैंने एक पूर्वव्यापी काम स्थापित करने का फैसला किया। इसके अलावा, उस समय न्यूमैन ने अपने सभी शुरुआती कार्यों को नष्ट कर दिया था, इसलिए यह कहना सुरक्षित है कि वह न केवल ब्रश को मास्टर करने की मांग कर रहा था, बल्कि घायल हो गया।

बार्नेट न्यूमैन - पेंटिंग्स के सबसे प्रसिद्ध काम, 1 9 47 से 1 9 70 की अवधि में लिखे गए। इस सॉफ़्टवेयर कैनवास, दयनीय कुंजी में नामित, विशेष रूप से ब्रश के आंदोलन द्वारा दुनिया की मुक्त दुनिया के बारे में बता रहे हैं। "आज्ञाएं", "एकता", "एनीस यूक्लाइड", "पूर्ण-जन्मे नीला" और एक अमूर्ततावादी के अन्य कार्यों ने आज कलाकार के परिवार के संग्रह सहित निजी संग्रह तैयार किया, और कई अमेरिकी संग्रहालयों में भी प्रदर्शित किया। न्यूयॉर्क में समकालीन कला संग्रहालय में शायद, कलाकार के जीवन की विभिन्न अवधि को कवर करने वाला सबसे पूरा संग्रह है।

नया आदमी

आलोचकों को अमेरिकी इस तरह के एक प्रमुख सिद्धांतकार के प्रतिनिधियों को क्लेमेंट ग्रीनबर्ग के रूप में गिना जाता है, ने इस पेंटिंग को सचमुच फील्ड पेंटिंग की परिभाषा से चिपका दिया, जो स्पष्ट रूप से स्वचालित लेन तरीके और रोट्को और न्यूमैन के उज्ज्वल रंगों के चमकदार रंगों को चमकदार रंगों के बीच अंतर दिखाता है। पादरी परिदृश्य के लिए "फील्ड पेंटिंग" संकेत देता है, लेकिन दो स्वामी के प्यार को अपने कामों में एक मोनोफोनिक बड़े क्षैतिज विमान में चित्रित करता है। शोधकर्ताओं ने माना कि इस शैली विज्ञान में एक स्पष्ट दार्शनिक सबटेक्स्ट है, और कैनवास पर प्रस्तुत सीमाएं वास्तव में कुछ भी साझा नहीं करती हैं, जिसका अर्थ यह है कि यह एक चित्रकला है, मुख्य अमेरिकी सिद्धांतों में से एक की घोषणा - स्वतंत्रता।

प्रेरणा स्त्रोत

प्रेरणा बरनेट न्यूमैन (कलाकार) दार्शनिक मूल्यों से चिल्ला रहा है। 1 9 47 में, उन्होंने किसी भी कला का एक उच्च लक्ष्य घोषित किया - क्षणिक अवधारणाओं का जिक्र नहीं: जीवन, मृत्यु, पुरुष और प्रकृति। परिष्कृत नाम, इन कैनवास ने भावनाओं और भावनाओं के पैलेट पर जोर दिया कि कलाकार ने एक स्पष्ट दुनिया में अकेले व्यक्त करने की कोशिश की। दुर्भाग्यवश, कलात्मक आलोचकों को बहुत पहले एक समान दृष्टिकोण की सराहना करने में सक्षम थे।

न्यूमैन के कैनवास को कैसे देखें

कलाकारों और कला प्रेमियों के पर्यावरण में, एक गैरकानूनी नियम है: कैनवास की सामान्य छाप खींचने के लिए, इसे अपनी ऊंचाई के बराबर दूरी तक पहुंचाना आवश्यक है। एक समान सिद्धांत मध्य युग से पुनर्जागरण तक कार्यरत है और हालांकि, बार्नेट न्यूमैन ने जोर देकर कहा कि उनके कैनवास को विशेष रूप से करीबी सीमा पर माना जाना चाहिए। यह दृष्टिकोण क्या देता है? रंगीन क्षेत्रों की दुनिया में दर्शक के विसर्जन का प्रभाव। बाद में, न्यूयॉर्क मास्टर ने भी प्रदर्शनी में अपने कैनवस को देखने के तरीके पर निर्देश देना शुरू कर दिया।

प्रिय खरीद

उनके काम की देर से समकालीन लोगों द्वारा क्या नहीं लिया गया था, उन्होंने बाद में और विशेष रूप से हमारे समय में रेट किया। अमूर्ततावाद के अमेरिकी परास्नातक का वेब समय-समय पर प्रमुख व्यापार में पॉप अप करता है, जिसमें सबसे प्रसिद्ध सोथबी की नीलामी शामिल है। हाल ही में हथौड़ा छोड़ने वाले उनमें से एक को $ 30 मिलियन रेट किया गया था।

और साथ ही, कलाकार की रचनात्मकता न केवल असाधारण सकारात्मक भावनाओं के साथ है। बार्नेट न्यूमैन ऑनमेंट वीआई का काम बोली लगाने के लिए कभी भी सबसे अच्छी और घृणित कला वस्तुओं द्वारा नामित किया गया है। सोथबी पर 2013 में आखिरी बिक्री पर तस्वीर के लिए कीमत 43 मिलियन डॉलर से अधिक की राशि थी, यह काम एक बड़े पैमाने पर कपड़ा था, जो एक ऊर्ध्वाधर, काफी सपाट पट्टी के साथ नीले रंग के रंग से भरा था।

सृजन काउंटरवेट क्षैतिज "फ़ील्ड" में तथाकथित ज़िप्पर से संबंधित है। सामान्य कार्य आयाम - 2.6 x 3 मीटर।

बार्नेट न्यूमैन "द लाइट अन्ना" अपनी अनुचित मां को समर्पित है। कड़ाई से बोलते हुए, यह बात प्रभावशाली आकारों का एक क्षैतिज कैनवास है, जो कारमाइन-लाल रंग से बाढ़ है। 2013 में, "उत्कृष्ट कृति" को नीलामी में भी प्रदर्शित किया गया था और 106 (!) मिलियन डॉलर की राशि के लिए हथौड़ा छोड़ दिया गया था।

तकनीकी पक्ष से, कपड़ा उल्लेखनीय है कि न्यूमैन को लाल रंग की हल्की ताकत से लड़ना पड़ा, एक पारदर्शी सफेद प्राइम कैनवास से अतिरिक्त चमक लेना। लाल रंग की कई परतों ने इस गुणवत्ता के रंग को वंचित कर दिया और कलाकार के अनुसार, "बधिर" और "दुखी" बना दिया, जैसे कि वह इस स्थिति में होना चाहिए।

बार्नेट न्यूमैन, न्यूमैन (अंग्रेजी बार्नेट न्यूमैन; 2 9 जनवरी, 1 9 05, न्यूयॉर्क - 4 जुलाई, 1 9 70, न्यूयॉर्क) - अमेरिकी कलाकार, अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के प्रमुख प्रतिनिधि।

कलाकार की जीवनी

न्यूमैन का जन्म पोलैंड से यहूदी प्रवासियों के परिवार में हुआ था। आर्ट स्टूडेंट लीग (आर्ट स्टूडेंट्स लीग) में पेंटिंग में प्रशिक्षण के बाद, डंकन स्मिथ ने पूरी तरह से कला के लिए खुद को समर्पित करने के लिए केवल 1 9 37 से ही प्रबंधित किया।

प्रारंभ में, उन्होंने 1 944-19 45 में कॉलिग्राफिकली-अवास्तविक चित्रों की एक श्रृंखला बनाने और विलियम बाजियोटिस और रॉबर्ट मदरवेल आर्ट स्कूल के साथ 3 साल बाद मिलकर एक साथ स्वचालित तरीके से काम किया। इस समय, कलाकार अपने सार अभिव्यक्तिवादी कपड़े लिखता है।

केवल 1 9 50 में बार्नेट न्यूमैन ने अपनी पहली व्यक्तिगत प्रदर्शनी आयोजित की, जिसे आलोचना को नष्ट करके पूरा किया गया था। उसके बाद, कलाकार 8 वर्षीय विराम बनाता है, जिसे उन्होंने अपने कौशल के विकास के लिए समर्पित किया। नतीजा 1 9 58 में उनके काम का पूर्वदर्शी था, जिसे उन्होंने जनता को प्रस्तुत किया था। इसकी पेंटिंग्स अधिकांश मोनोक्रोम सतहों में हैं, जैसे कि रंगीन रेखाओं के साथ मुख्य स्वर के विपरीत "सिलाई"।

1 9 66 में, लॉरेंस एलोने ने न्यू यॉर्क में "द क्रॉस वे" नामक सोलोमन गुगेनहेम संग्रहालय में एक प्रदर्शनी का आयोजन किया। इसने उन कलाकारों से भी आखिरी संदेहों को दूर किया जिन्होंने न्यूमैन तकनीकी गुणवत्ता (रंग की चमक, बड़े प्रारूप) में सराहना की, और उनकी रचनात्मकता का एक सत्य, आध्यात्मिक अर्थ नहीं।

कलाकार ने कहा, "कार्यशाला एक अभयारण्य है।"

न्यूमैन के हाल के काम - एक समान त्रिभुज के आकार में रचनाएं। न्यू यमन के कार्यों की पूर्ववर्ती प्रदर्शनी 1 9 72 में न्यूयॉर्क में और फिर लंदन, एम्स्टर्डम और पेरिस में आयोजित की गई थी। उनकी पेंटिंग्स न्यूयॉर्क (समकालीन कला संग्रहालय (समकालीन कला संग्रहालय), लॉस एंजिल्स ("ओनमेंट वी", 1 9 53, वीज़न मीटिंग) में कई निजी और सार्वजनिक बैठकों में प्रस्तुत की जाती हैं, बासेल ("दिन पहले एक", 1 9 51), लंदन (एडम ", 1 9 51- 1 9 52, गैल। टेट), स्टॉकहोम ("टेरेशन", 1 9 64, एनएसी। संग्रहालय) और ह्यूस्टन (मीटिंग मेनिल)। नाट में। समकालीन कला का संग्रहालय। पेरिस में पोम्पिडो सेंटर एक तस्वीर को "चमकती हुई" (1 9 61) और उत्कीर्णन की असेंबली संग्रहीत है।

सृजन के

क्लेमेंट ग्रीनबर्ग ने लिखा: "न्यूमैन के बड़े कैनवस की सीमाएं रूपों की भीतरी रेखाओं के समान भूमिका निभाती हैं। वे विभाजित होते हैं, लेकिन वे कुछ भी साझा नहीं करते हैं, बंद नहीं करते हैं और अलग नहीं करते हैं। वे सीमाओं को सेट करते हैं, लेकिन कुछ भी सीमित नहीं करते हैं। "

न्यूमैन को उच्च आधुनिकतावाद का नमूना कहा जाता था, जो न्यूनतमता का एक पूर्ववर्ती, एक अस्तित्ववादी और आध्यात्मिक कलाकार, यहूदी रहस्यवाद में प्रेरणा खींच रहा था। न्यूमैन ने खुद 1 9 47 में कहा था, जब वह परिपक्व शैली में आया था कि किसी भी कला को अपनी ओर से योग्य "जीवन", "मनुष्य", "प्रकृति", "मृत्यु" और "त्रासदी" से संपर्क करना चाहिए। न्यूमैन ने हमेशा अपने काम की समृद्ध भावनात्मक सामग्री पर जोर दिया, हालांकि अपने जीवन के दौरान, उनके काम ने गलतफहमी और "खालीपन" के आरोपों का कारण बना दिया।

न्यूमैन अमेरिकी पोस्ट-वार आर्ट के प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक है। रोट्को और स्टिले के साथ, यह न्यूयॉर्क स्कूल के एक हिस्से का प्रतिनिधित्व करता है, कार्रवाई की पेंटिंग के लिए शत्रुतापूर्ण। 1 9 60 तक, उन्होंने एक मामूली भूमिका निभाई। हालांकि, न्यूमैन की सख्त रूप और विस्तृत सतहों पर विशेष रूप से ध्यान देने योग्य प्रभाव पड़ता था और विशेष रूप से मुख्य समस्या अंतरिक्ष में लंबवत रंग और उनका स्थान था।

कलाकार ने तब एक बड़े प्रारूप में और उज्ज्वल रंगों में काम करना शुरू कर दिया, ताकि ऊर्ध्वाधर रंग क्षेत्रों में राहत हासिल की गई और अंतरिक्ष में उनकी लंबाई पूरी तरह से दर्शकों ("अब्राहम", 1 9 4 9, न्यूयॉर्क, समकालीन कला संग्रहालय) का ध्यान केंद्रित हो। तो आदिम आयताकार चित्रकला टूट गया था। एक आयताकार लंबवत विभाजन में अंकित भागों के बीच निम्नलिखित कारक बन गया; यह विमान के अंदर प्रारंभिक योजना की पुष्टि करता है: चित्र का प्रत्येक भाग औपचारिक समानता के रिश्ते में दूसरे स्थान पर है, साथ ही पूरी तस्वीर दीवार के साथ सहसंबंधी है ("लाल, पीले, नीले रंग से कौन डरता है?", 1 9 66 -1967, एम्स्टर्डम, पहाड़। संग्रहालय)।

लेकिन इस दिशा को पूरी तरह से औपचारिक दृष्टिकोण से विचार करना असंभव है। कलाकार स्वयं अपने काम को लगभग प्रतीकात्मक मानता है। उस पीढ़ी के अन्य स्वामी के साथ, उनके चित्रों के नाम अक्सर रूपरेखा और बहुभुज होते हैं, साथ ही बौद्धिक और काव्यात्मक।

श्रृंखला "Onement"

"Onement" (छह पेंटिंग्स इस नाम को ले जा रहे हैं) सद्भाव, एक कुलता, पूर्णता को दर्शाता है। कलाकार थॉमस हेस नोटिस के जीवनीकार कि अंग्रेजी में कोई शब्द "एक" नहीं है, यह "प्रायश्चित" से आता है, जिसका अर्थ है "प्रायोजन"।

श्रृंखला "Onement" - न्यूमैन की रचनात्मकता की मौलिक परियोजनाओं में से एक। इस श्रृंखला के कैनवास, सबलेटियों में जाने के बिना, कलाकार की कार्यकर्ता की एक रचनात्मक रचनात्मक विधि का प्रदर्शन करते हैं: लंबवत पट्टियों के साथ बहु रंगीन या सजातीय फ्लैट पृष्ठभूमि। उनके कलाकार ने खुद को लाइटनिंग (ज़िप) कहा। उन्होंने कहा, यह शब्द अधिक उपयुक्त है - आंदोलन और अक्षमता से जुड़ा हुआ है। "समाप्त काम" वाक्यांश ने शारलटनियन को माना। "Onement1" (1 9 48) पहला सुरम्य काम है, जो स्पष्ट रूप से खोजों की दिशा व्यक्त करता है: तस्वीर के केंद्र में गुजरने वाला एक बड़ा नारंगी टेप, निरंतर गतिशीलता का प्रभाव बनाता है।

इसके अलावा, कलाकार ने मुख्य रूप से इस्पात ("यहां 1", 1 9 62; "द्वितीय", 1 9 65; "यहां III", "यहां III", 1 963-19 67; "zamj, 1962)," यहां III "पर काम किया। सिगगॉग लेआउट (1 9 63) और लिथोग्राफ ("कंटोस", 1 963-19 64, पेरिस, एनएटीएस। समकालीन कला संग्रहालय। Pompidou केंद्र)। इस मूल कलाकार का काम, जो कभी-कभी वास्तविक गहराई तक पहुंचा और शायद ही कभी सतहीता और छिड़काव में गिर गया, लंबे समय तक स्मृति में रहेगा।

कला 2013 के दस सबसे महंगे काम

1. पाब्लो पिकासो। नींद - $ 155 मिलियन

इस काम के मास्टर ने पेरिस से 63 किमी दूर स्थित अपने महल बुगेल में 1 9 32 में लिखा था। मैंने उन्हें मारिया टेरेसा वाल्टर, पूर्व में एकमात्र मॉडल, नायिका और संगीत तैयार किया। "नींद" को तथाकथित "अवास्तविक" अवधि "में बनाया गया था, जो पिकासो के काम में सबसे जटिल और असमान अवधि में से एक था। मध्यम आकार के कैनवास (130x97 सेमी) 11 सितंबर, 1 99 7 को क्रिस्टी नीलामी में बिक्री के लिए पहली बार था और हथौड़ा को 48.4 मिलियन डॉलर के लिए छोड़ दिया। 9 साल बाद, तस्वीर फिर से कला बाजार में दिखाई दी, लेकिन $ 13 9 मिलियन की लागत पर। हालांकि, बिक्री से पहले, एक अप्रत्याशित घटना हुई। स्टीव विन्न के मालिक ने पहले से ही फटकार राशि के आदान-प्रदान के एक दिन पहले चित्रकला के मालिक, तस्वीर के लिए वापस खड़े होने के बाद, कलाकार के जीवन के बारे में अपने मेहमानों को बताया । वह अपनी कहानी के बारे में बहुत भावुक था और उस भावनात्मक रूप से चार्ज किया कि वह हर समय संग्रहीत करता था। और यहां, अगले आवेग में, स्टीव विन्न तस्वीर में अप्रत्याशित रूप से सही कोहनी थी और इसे तोड़ दिया। स्वाभाविक रूप से, सौदा समाप्त हो गया था, और चित्र बहाली के लिए चला गया। मार्च 2013 के अंत में, यह ज्ञात हो गया कि फिल्म स्टीफन कोहेन के लिए पूर्व आवेदक, वही, जो "क्षति» के बाद कैनवास ने इसे खरीदने से इनकार कर दिया, फिर से एक पुनर्निर्मित कृति खरीदने की अपनी इच्छा घोषित की। इस बार मैं आसानी से चला गया, और इसके लिए रिकॉर्ड पेंटिंग के लिए "नींद" पिकासो बेचा गया था। एससीसीए $ 155 मिलियन है (स्टीफन कोहेन ने राय व्यक्त की कि बहाली के बाद, तस्वीर बेहतर हो गई, और उसने ऊपर से $ 16 मिलियन फेंक दिया)। अधिक महंगा पिकासो कोई और खरीदा नहीं।

2. फ्रांसिस बेकन। तीन etudes चित्र Lucien Freud - $ 142.4 मिलियन

यह काम 1 9 6 9 में लंदन कॉलेज में रॉयल कॉलेज ऑफ आर्ट्स में कलाकार द्वारा लिखा गया था। उस समय एक और ब्रिटिश चित्रकार उस पर चित्रित किया गया है और उस समय बेकन लुसीन फ्रायड के मित्र के करीब है। ट्रिपीच के प्रत्येक हिस्से में 1 9 8x147.5 सेमी का आकार होता है। पहली बार, यह गैलेरिया डी 'आर्टे गैलाटिया में ट्यूरिन में प्रदर्शनी में दिखाया गया था। 1 9 70 के दशक के मध्य में, ग्रैंड पैलेस में प्रदर्शनी के बाद ट्रिपीच के तीन हिस्सों को अलग-अलग दिशाओं में चलाया गया - रोम, पेरिस और जापान, और केवल 80 के दशक के उत्तरार्ध में रोम फ्रांसेस्को डी साइमन निक्स के इतालवी कलेक्टर के प्रयासों को फिर से फिर से मिल गया और 1 999 में अमेरिकी येल सेंटर फॉर ब्रिटिश कला में दिखाया गया है। 12 नवंबर, 2013 को, 6 मिनट के लिए, ट्रिपीच को क्रिस्टी की नीलामी में खुली शाखा के लिए रिकॉर्ड के लिए बेचा गया था - $ 142.4 मिलियन। प्रारंभ में, खरीदार का नाम रिपोर्ट नहीं किया गया था, लेकिन थोड़ी देर के बाद यह अभी भी ज्ञात हो गया। कथित तौर पर अफवाहें जिसके लिए अंग्रेजी कलाकार के काम ने अमीर कतर अल-मेस्सा-बिंट हमद-बिन-खलीफा अल-बिन्ट-हमद-बिन-खलीफा अल-तांग की बहन खरीदी और वास्तव में, ट्रिपीच फ्रांसिस बेकन के खुश मालिक " लुसीन फ्रायड का तीन एटुडी पोर्ट्रेट पोर्ट्रेट "अमेरिकी मैग्नेट स्टीव विन्ना की पूर्व पत्नी 70 वर्षीय इलेन विन्न था, जो कि कोहनी पिकासो को धक्का दिया गया था।

3. बार्नेट न्यूमैन। अन्ना लाइट - $ 106 मिलियन

बार्नेट न्यूमैन की केवल नौ सार्वजनिक बिक्री होती है (उसी पिकासो के विपरीत, जो पहले से ही 35 9 हो चुकी है), जो इस अमेरिकी को सबसे महंगे कलाकारों के अभिजात वर्ग विभाजन में शामिल नहीं करती है। असल में, बार्नेट न्यूमैन इतना नहीं है और बिक्री के लिए काम करता है - केवल 120, क्योंकि उनके सभी शुरुआती कार्यों के बाद, उन्होंने 1 9 40 में हटा दिया। 1 9 68 में न्यूमैन में लिखा गया प्रकाश "लाइट अन्ना" और 1 9 65 में मृतक की याद में अपनी मां की याद में कहा गया था, कलाकार की पूरी रचनात्मक विरासत का सबसे बड़ा है। इसके आयाम वास्तव में प्रभावशाली हैं - 610,5x275 सेमी। न्यूमैन के लिए, यह बहुत महत्वपूर्ण था, उन्होंने विशेष महत्व का आकार दृश्य अनुभव के मुख्य घटक के रूप में दिया। और निश्चित रूप से आप लाल द्रव्यमान के बारे में नहीं भूल सकते हैं, जो वांछित संतृप्ति को प्राप्त करने के लिए कलाकार द्वारा कई परतों में लुढ़का और इसे दर्शकों के लिए शारीरिक रूप से मूर्त रूप से मूर्तिकला बना देता है। वह व्यक्ति एक अदृश्य रंग की लहर के साथ एक कलाकार में आया, जो उनकी राय में, और नई दुनिया की रचनात्मक शुरुआत बनना चाहिए, क्योंकि, न्यूमैन के अनुसार, "व्यक्ति दुखद है, और इस त्रासदी का सार है भाग और पूरे की आध्यात्मिक समस्या में निहित है। "

4. एंडी वारहोल। सिल्वर ऑटो कैटलिन (डबल दुर्घटना) - $ 105.4 मिलियन

1 9 63 दिनांकित पॉप आर्ट के राजा का यह काम, एक कैनवास 250x400 सेमी है, जो सस्कोग्राफी (वॉरहोल की पसंदीदा तकनीक) द्वारा किया जाता है और समाचार पत्र से गुणा किया जाता है, एक कार की एक तस्वीर एक पेड़ में दुर्घटनाग्रस्त हो जाती है। इस काम के लिए, वॉरहोल ने चांदी प्रतिबिंबित पेंट का इस्तेमाल किया। यह 1 9 63 में एक ऑटोकाता दुर्घटना छवि के साथ वॉरहोल के चार डुप्लेक्स कार्यों में से एक है, जहां सड़क दुर्घटना एक आधे पर कब्जा कर लिया जाता है, और दूसरा एक मोनोक्रोम चांदी की सतह है। सामान्य नाम "मौत और आपदा" के तहत श्रृंखला के शेष तीन कार्यों को अमेरिकी संग्रहालय संग्रह, स्विट्जरलैंड और ऑस्ट्रिया में संग्रहीत किया जाता है। मेरी राय में, वॉरहोल में जीवन और मृत्यु का एक उत्कृष्ट रूपक था जब त्रासदी एक व्यापक खालीपन के निकट होती है। यह तस्वीर पहले ही गुंटर जैक्स, चार्ल्स साची और थॉमस अम्मान के संग्रह के माध्यम से पारित हो चुकी है, जो केवल एक संग्रह वजन जोड़ती है और कीमत बढ़ जाती है।

5. जेफ कुन्स। गुब्बारा कुत्ता - $ 58.4 मिलियन

डुज़ेन के वारिस और समकालीन कला में सिमुलेशनवाद का एक उज्ज्वल प्रतिनिधि, जेफ कुन्स ने 1 99 0 के दशक में मूर्तियों की एक पूरी श्रृंखला बनाई, जो ब्लाँग गुब्बारे से खिलौनों का अनुकरण कर रही थी। कुत्तों को पांच प्रतियां डाली गईं। वे सभी चमकदार, मिरर ग्लिटर स्टील के लिए पॉलिश किए जाते हैं और केवल एक दूसरे से अलग होते हैं। $ 58.4 मिलियन नारंगी "एक गुब्बारा कुत्ता" के लिए बेचने के अलावा, अभी भी बैंगनी, लाल, पीला और नीला है। विशाल कुत्तों की ऊंचाई तीन मीटर तक पहुंचती है, और प्रत्येक का वजन एक टन पर होता है। इस श्रृंखला से मूर्तियों को प्रसिद्ध संग्राहक स्टीफन कोहेन, एली ब्रौदा और फ्रैंकोइस पिनोट की असेंबली में शामिल किया गया है। 2013 की बिक्री के बाद, जेफ कुन्स ने अब जीवित कलाकारों से सबसे महंगी की स्थिति हासिल की।

6. जैक्सन पोलॉक। संख्या 19 - $ 58.4 मिलियन

जैक्सन पोलॉक, जिन्होंने एक ही शेड्यूलिंग तकनीक (स्पलैशिंग) में काम किया, 1 9 48 में "नंबर 1 9" बनाया, जब अमेरिका में अमूर्त अभिव्यक्ति केवल उत्पन्न हुई। यह समझा जाना चाहिए कि सार अभिव्यंजिकता इसकी शैलीगत सुविधाओं के साथ कुछ एकल दिशा नहीं थी, बल्कि कला की प्रकृति पर एक आम दृष्टिकोण - आंतरिक दुनिया की एक सहज अभिव्यक्ति, अवचेतन के व्यक्तिपरक संघों सारणीबद्ध तार्किक सोच में सारणीबद्ध तार्किक सोच में रूपों। और प्लोकॉक के इस अर्थ में, इस आंदोलन के प्रभावशाली उपदेशक और पूर्ण क्लासिक। उनके "चित्रकारी कार्य" ने उभरती हुई नई कला को एक शक्तिशाली प्रोत्साहन दिया। एक छोटा सा आकार (78.4x57.4 सेमी) होने के नाते, जैक्सन पोलॉक की तस्वीर "नंबर 1" की तस्वीर मास्टर के जीवन की सबसे उत्पादक अवधि में लिखी गई थी, जो बेटी पार्सन्स गैलरी में अपनी पहली व्यक्तिगत प्रदर्शनी से कुछ ही समय पहले, जो एक सनसनी बन गई और वित्तीय सफलता थी। जैसा कि अब देखा जा सकता है, यह सफलता इस दिन पोलॉक के काम के साथ है।

7. एंडी वारहोल। कोका कोला (3) - $ 57.3 मिलियन

और फिर सूची में, एक आदमी जिसने डिस्को दर्पण गेंद - एंडी वॉरहोल का आविष्कार किया। इस बार कोका-कोला की बोतल की मूल काले और सफेद छवि के साथ मानव विकास (176.2x137.2 सेमी) में बनाया गया, 1 9 62 में बनाया गया। ऐसा माना जाता है कि इस काम से ठीक है और ग्रह पर पॉप कला का जुलूस शुरू किया। कई लोग कहते हैं कि वॉरहोल ने कैनवास पर अपनी छवि के लिए सार्वभौमिक प्रतीक चुनकर "पीढ़ी का चित्र" बनाया। मास्टर स्वयं अपनी पसंद को निम्नानुसार समझाता है: "अमेरिका क्या बनाता है, इसलिए यह है कि सबसे अमीर लोग वास्तव में समान उत्पाद खरीदते हैं। आप जानते हैं कि राष्ट्रपति कोका-कोला पीता है, लिज़ टेलर कोका-कोला से प्रसन्न है और आप कल्पना करते हैं, आप कोका-कोला भी पी सकते हैं! कोका-कोला हमेशा एक ही कोका कोला बना रहता है, इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि आप कितना पैसा देते हैं। " निष्पक्षता में मुझे कहना होगा कि एंडी वॉरहोल पहला कलाकार नहीं था जिसने "कोला" की बोतल को प्रेरित किया था। यह ज्ञात है कि साल्वाडोर दली और मारिसोल एस्कोबार ने भी उसके लिए निविदा भावनाओं का अनुभव किया, लेकिन यह वारहोल था जो उससे अंतिम उत्कृष्ट कृति बनाने में कामयाब रहा।

8. रॉय लिकटेंस्टीन। फूलों के साथ एक टोपी में महिला - $ 56,1 मिलियन

नामांकित चित्र पाब्लो पिकासो 1 9 40 के इस प्रसिद्ध छोटे पॉप आर्ट वर्क (127x101.6 सेमी) के केंद्र में। लिकटेंस्टीन के अनुसार, स्पेनिश मास्टर जीवन के दौरान पॉप संस्कृति का एक उद्देश्य बन गया है और इसलिए इसे अब सभी से संबंधित होना चाहिए। पिकासो, वैसे भी, एकमात्र कलाकार नहीं था जिसे लिकटेंस्टीन "अनुवादित" पॉप संस्कृति की सरलीकृत भाषा पर। अभी भी मोनेट, मैटिस, ली, मोंड्रियन थे। लेकिन यदि पॉप कला का मुख्य विचार माल को कला में बदलना था, तो पूरी विडंबना यहां रिवर्स चाल में थी। इस प्रकार, रॉय लिकटेंस्टीन, जिन्होंने सुरुचिपूर्ण कलाओं के क्षेत्र में शास्त्रीय शिक्षा प्राप्त की, "छुटकारा पा लिया" पूर्ववर्तियों के मस्तूल के प्रभाव से, जो अभी भी युवाओं में था, विडंबनापूर्वक सहायता के साथ रूढ़िवादी द्रव्यमान चेतना के रजिस्टर में उनके काम का अनुवाद करना चिल्लाते हुए रंग, औद्योगिक मुद्रण की नकल और कॉमिक के सौंदर्यशास्त्र। लेकिन जैसा कि यह निकला, उत्कृष्ट कृतियों ने आज "नकली" हाथ में बदल दिया, आज, अमेरिकी नई कृतियों में लौट आए।

9. अल्बर्टो Dzhacometti। बड़ा पतला सिर (बड़ा सिर डिएगो) - $ 50 मिलियन

1 9 55 में बनाई गई अल्बर्टो Dzhacomettty की मूर्तिकला, 65 सेंटीमीटर उच्च का एक बस्ट है, जो मूर्तिकार के छोटे भाई को दर्शाता है, जो अपने जीवन भर में उनका पसंदीदा सिम्युलेटर था। यह न्यूयॉर्क में एक सड़क वर्ग पर स्थापना के लिए था, लेकिन वहां नहीं आया। अपने पौराणिक "चलने वाले व्यक्ति" के साथ, इस मूर्तिकला को जैकटी की रचनात्मकता के लिए भी एक संकेत माना जाता है। "डिएगो का बड़ा प्रमुख" लेखक के सबसे कट्टरपंथी और भावनात्मक कार्यों में से एक है। उनकी अनोखी तकनीक अपूर्णता की छाप बनाती है और दुनिया की अपूर्णता का प्रतीक है, और भेद्यता, कला छवियों में किसी व्यक्ति की एक व्यक्ति की नाजुकता और रक्षाशीलता के विचारों को जोड़ती है - पर्यावरण एसिड की तरह आगे बढ़ता है और शरीर की सतह को विकृत करता है, एक व्यक्ति को अपने जीवन को शाश्वत आंदोलन में अपने जीवन जीने के लिए मजबूर करना और सर्वश्रेष्ठ भाग्य के लिए अनन्त खोज। दुर्भाग्य से, लेखक की मृत्यु के कारण "डिएगो के बड़े प्रमुख" पर काम किया गया था। तो, संक्षेप में, यह जैकेटी के नवीनतम कार्यों में से एक है।

10. जीन-मिशेल बस्का। धुंधला सिर - $ 48.8 मिलियन

यदि न तो मोड़, और नवजात जीन-मिशेल बास्क्विया पर, 80 के दशक की पहली छमाही के न्यूयॉर्क के गायक, जिन्होंने भित्तिचित्र की दुनिया की खोज की और 27 साल की उम्र में हेरोइन के ओवरडोज से मृतक की खोज की, जीवन का उज्ज्वल और छोटा इतिहास काम करता है। अंततः कलाकार "टाइप" और अब एक पंक्ति में एक पंक्ति में डालकर, एक्सएक्स शताब्दी के अमेरिकी कला के दो कॉलिन्स के साथ एक पंक्ति में डाल दिया। यह स्पष्ट रूप से नीलामी बोली-प्रक्रिया की पुष्टि करता है। इस कलाकार की तस्वीरों की बिक्री के लिए अंतिम अधिकतम 28.9 7 मिलियन डॉलर दर्ज किया गया था। अब वह पारित हो गई है और विशेषज्ञों के अनुमानों के आधार पर, यह सीमा नहीं है - कीमत केवल बढ़ेगी। पेंटिंग "ब्लरर्ड हेड्स" (182.8x213.3 सेमी) - 1 9 82 में उनके द्वारा लिखित कलाकार का प्रारंभिक काम, उस समय जब वह अनुष्ठान मास्क, कंकाल और हैतीयन भूखंडों से मोहित हो गया था, और जब उसका और जीवन था एंडी वॉरहोल से मुलाकात की, जिसके साथ, उन्होंने बाद में कई संयुक्त कार्यों का निर्माण किया।