Didula : biographie, vie personnelle (photo). Didula : biographie, famille du musicien Biographie du guitariste Didula

01.12.2021

29 novembre 2017

Valery Didyulya est un guitariste, compositeur, arrangeur de premier ordre, un showman époustouflant qui sait charger le public de ses émotions. Il est désormais célèbre dans le monde entier. Le doit-il au talent ou à de nombreuses années de travail titanesque ? Quelles informations intéressantes la biographie de Didyulya contient-elle ? Famille, photo de l'artiste - tout cela sera présenté à votre attention dans l'article.

Enfance

Le célèbre artiste est né le 24 janvier 1969 (48 ans) dans la ville de Grodno, en République biélorusse (qui faisait alors encore partie de l'URSS). Les parents Mikhail Antonovich et Galina Petrovna n'avaient rien à voir avec l'activité musicale. Maman était comptable dans la restauration, papa était mécanicien hautement qualifié. Peu importe ce qui intéressait le petit Valera, il trouvait toujours du soutien dans la famille. C’est probablement pourquoi, voyant l’intérêt de son fils pour la musique, sa mère lui a offert pour son cinquième anniversaire une guitare jouet, qui ressemblait beaucoup à une vraie. En plus de la guitare, Valéry s'intéressait aux échecs, à la radio et à la natation. Mais il était surtout attiré par la musique. C'est le soutien de ses parents, selon Didyulya, qui est devenu le moteur de ses réalisations musicales.

Premiers pas vers le succès

Adolescent, Valéry a reçu une vraie guitare de ses parents. A cette époque, son passe-temps était devenu sérieux. Il a appris à jouer de la guitare et a expérimenté les sons à la maison. Puis j'ai commencé à essayer différents appareils : capteurs, pads, amplificateurs de son. Il était très assidu dans son passe-temps, perfectionnant constamment ses compétences en jouant de la guitare. Même ses professeurs en furent surpris. Les amis du futur musicien étaient également friands de cet instrument, ils avaient donc toujours une compétition tacite : qui jouerait le mieux, qui jouerait de manière plus intéressante. Cela a duré plusieurs années.

Démarrage du transporteur

En BSSR, il y avait le VIA « Scarlet Dawns », qui était très populaire à l'époque soviétique. Travailler comme guitariste dans un ensemble est devenu le premier lieu de réalisation de Didyulya en tant que musicien. Ils ont parcouru toute la république avec des concerts. Ce travail a appris à Valéry à se comporter avec dignité devant le public. De nombreuses heures de performances ont perfectionné les compétences et développé l'endurance. Mais avec l’effondrement de l’URSS, l’équipe créative s’est également désintégrée. Les gars sont partis à la recherche d'un travail plus prometteur et seul Valéry a continué à jouer de la guitare.

La prochaine expérience musicale de Didyulya fut l’ensemble de danse « White Dews ». Cette équipe était célèbre et prospère. Les gars dansaient principalement des danses folkloriques polonaises, biélorusses, ukrainiennes et tsiganes. Ici, Valéry a travaillé à la fois comme guitariste et ingénieur du son. Il aimait la musique folklorique, et plus tard ses motifs pouvaient être entendus dans les propres œuvres du musicien. Le travail d'ingénierie du son était très responsable. Il fallait comprendre à quoi ressemble non seulement une guitare, mais aussi tout l'arsenal d'instruments de musique utilisés lors des concerts. Il a également fallu ajuster le son pour qu'il soit présenté favorablement au spectateur et se fonde harmonieusement dans la danse. Lors des représentations, Didula a observé la réaction du public : ce qui s'est bien passé et ce qui devait être amélioré. Il a donc vu les préférences du public et s'y est adapté. Cette expérience sera également très utile au musicien dans son développement créatif.

Valéry a effectué de nombreuses tournées avec l'ensemble. Il a visité les pays européens : Espagne, Italie, Pologne, Suisse, France, Allemagne. Et chacun a laissé une impression forte et indélébile. Mais il est surtout tombé amoureux de l’Espagne et de son style flamenco.

Travaillant dans un ensemble et communiquant avec des musiciens professionnels, Didulya découvre pour la première fois son talent de compositeur et pense même à des performances en solo. L'atmosphère même de l'ensemble - beaucoup de gens talentueux, jeunes et brillants, l'amour du public, les tournées - a inspiré la jeune Valera Didyulya à se développer et à réussir.

À travers les épreuves jusqu'aux étoiles

Alors qu'il travaillait dans l'ensemble White Dew, Valéry est tombé sur une publicité pour un concours organisé pour les jeunes interprètes. La publicité promettait de grandes perspectives aux participants qui se qualifieraient pour la finale. Il a pris un risque en allant tenter sa chance dans une autre ville où se déroulait le tournage. Et à ma grande surprise, Pas seulement a passé le tour de qualification, mais a également assisté au concert de gala. Les rêves d'une carrière solo ont commencé à se réaliser. Le concours lui a donné de nombreux contacts utiles. Des réalisateurs, monteurs et producteurs professionnels ont partagé leurs expériences et donné des conseils pratiques.

L'homme d'affaires et musicien de Minsk, Igor Bruskin, après avoir découvert le travail de Didyuli, lui donne un emploi dans son salon où sont vendus des instruments de musique. De fréquents voyages d'affaires à Moscou dans le but de vendre des instruments à diverses maisons de disques offrent au guitariste Didula une nouvelle expérience inestimable. De plus, il donne de petits concerts à Minsk. Sa musique est une combinaison de motifs folkloriques, de style flamenco espagnol avec l'ajout de traitement électronique. Le style d’interprétation des compositions de Didyuli est déjà devenu définitif. Il se dirige lentement mais sûrement vers son rêve d’enregistrer un album.

De manière inattendue, le destin donne à Valery une chance très réussie et qui changera sa vie. Les participants au concours télévisé auquel Didyulya a participé ont été à nouveau invités à participer au festival à grande échelle du Bazar slave. Ce fut une excellente occasion d’exprimer votre créativité et vous-même. Après la représentation, il a été invité à travailler à Moscou et il a accepté. La vie à Moscou est devenue une épreuve difficile pour le guitariste. Les producteurs l'ont rejeté, invoquant le fait que jouer de la guitare n'était pas demandé par le public et n'apporterait pas de succès. Didula devait gagner sa vie grâce à des spectacles de rue. Seule la connaissance du Moscovite alors influent Sergei Kulishenko a aidé Valery Didyula à rester à Moscou. Sergei a demandé au musicien de lui donner des cours de guitare contre de l'argent. Il a également sponsorisé la sortie du premier album du guitariste au studio d'enregistrement Mei Liana. Ce célèbre guitariste a rapidement aidé Valéry à organiser son home studio. Ainsi commença le véritable travail du compositeur et guitariste virtuose Valery Didyulya.

Succès

Le premier album de Didyulya n'a pas suscité l'enthousiasme des grandes maisons de disques et il n'y avait pas d'argent pour un concert solo. Mais cela n'a pas arrêté le musicien. Lors de ses performances dans les clubs, Didulya a ajusté sa musique en tenant compte des préférences du public. Valery a été aidé dans son travail par le talentueux musicien Sergei Migachev. Lors d'une des représentations, des représentants de la société Global Music se sont approchés de Didula et l'ont invité à une interview. C'est ainsi qu'est apparu le premier contrat.

Mais la collaboration n’a porté aucun fruit créatif et le contrat a été rapidement résilié. Mais de nouvelles connaissances utiles sont apparues. Une série d'événements a réuni le musicien avec Prigozhin, qui a proposé à Didula un emploi dans sa société, Knox Music. Après la signature du contrat, un travail à grande échelle a commencé pour promouvoir le jeune guitariste : sortie d'un premier album, tournage d'une vidéo avec la participation du ballet d'Alla Dukhova, publicité et participation à des programmes télévisés. Tout cela a contribué à la croissance de la popularité de Valery Didyulya. Les albums commencent à disparaître rapidement des rayons des magasins. Travailler en équipe avec Migachev et Prigozhin a été très productif.

Après la sortie réussie de son premier album, le cercle de connaissances du musicien ne cesse de s’élargir. Les pop stars russes commencent à collaborer avec lui. Kristina Orbakaite, Abraham Russo, Dmitry Malikov - voici une liste incomplète d'artistes qui se sont tournés vers Didula en tant que compositeur.

Les albums suivants « Road to Baghdad » et « Satin Shores » ne laissent plus aucun doute sur le professionnalisme et le talent du guitariste et lui apportent la renommée.

La créativité de Didyuli maintenant

Après avoir parcouru un chemin difficile et perfectionné ses compétences en guitare, Valéry cherche de nouvelles façons d'exprimer son talent. La création de compositions « son dans le son », lorsqu’un son de fond est ajouté au son principal, a marqué le début de l’écriture de musique qui a un effet bénéfique sur la santé psychologique d’une personne. Ce fait a été confirmé par des psychologues experts.

Aujourd'hui, Valery Didyulya donne plus de 120 concerts par an, sort de nouveaux albums et produit d'autres artistes. Sa créativité est recherchée.
En plus de la musique, Didyulya s'est essayé en tant qu'acteur de cinéma. Il a joué le rôle d'un guitariste dans le film "House of Fools" de A. Konchalovsky.

Caractère du guitariste

Le talentueux musicien dit de lui-même qu'il est une personne calme et équilibrée. Il n'aime pas les scandales et les aventures. Et son énergie éclate lors des représentations. Lors de ses concerts, Didula laisse libre cours à ses sentiments et à ses émotions, créant un spectacle vibrant combiné à une musique d'une qualité inégalée.

Apparence

Valery Didyulya est petit (170 cm), élancé, blond aux yeux bleus. Le charme et l'équilibre complètent l'image.

Biographie de Didyulya: famille, épouse, enfants

Comment s'est déroulée la vie personnelle de ce merveilleux artiste ? Biographie de Didyulya, femme, enfants - tout cela intéresse les fans dans les moindres détails. L'interprète n'aime pas parler de sa vie personnelle. Mais l’artiste est toujours en vue, et certaines informations fuitent encore. Bien qu'il y ait probablement beaucoup de spéculations à ce sujet.

Selon certaines informations, Didyulya était mariée à une femme tadjike, Leila Khamrabaeva. Le mariage a produit un fils et une fille. Le musicien a rompu avec Leila, mais le ressentiment hante son ex-femme. Elle se bat constamment pour obtenir une pension alimentaire pour ses enfants, répandant des rumeurs selon lesquelles son ex-mari et père de ses enfants ne leur verse pas un centime. L'avocat de Didyulya réfute ces rumeurs, affirmant que l'ex-femme reçoit régulièrement une pension alimentaire et qu'elle n'a aucune dette.

Nouvel amour

Comme en témoigne la biographie de Didyulya, l'artiste a aujourd'hui une famille et une femme (photo dans l'article). Sa femme est une jeune chanteuse talentueuse nommée Evgenia, qui travaille dans son groupe. Didulya parle d'elle très chaleureusement, appelant Evgenia sa muse, l'inspirant pour de nouvelles œuvres. De cet heureux mariage naquit une fille. Ce sont toutes les rares informations sur la vie personnelle du musicien.

Valery Didulya n'est pas seulement compositeur, interprète, arrangeur, ingénieur du son, mais aussi producteur de son groupe appelé « DiDyuLya ». Cela donne au travail de l’artiste intégrité et harmonie. Le projet DiDuLa est une combinaison de talent, d’expérience, de travail énorme, de détermination et, bien sûr, de confiance en sa propre force.

Valery Didulya est un guitariste, compositeur, arrangeur de premier ordre, un showman époustouflant qui sait charger le public de ses émotions. Il est désormais célèbre dans le monde entier. Le doit-il au talent ou à de nombreuses années de travail titanesque ? Quelles informations intéressantes la biographie de Didyulya contient-elle ? Famille, photo de l'artiste - tout cela sera présenté à votre attention dans l'article.

Didyulya – Le chemin du retour
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Didula – Enfance
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Enfance

Premiers pas vers le succès

Démarrage du transporteur

À travers les épreuves jusqu'aux étoiles

Succès

Les albums suivants « Road to Baghdad » et « Satin Shores » ne laissent plus aucun doute sur le professionnalisme et le talent du guitariste et lui apportent la renommée.

La créativité de Didyuli maintenant

Caractère du guitariste

Apparence

Valery Didyulya est petit (170 cm), élancé, blond aux yeux bleus. Le charme et l'équilibre complètent l'image.

Biographie de Didyulya: famille, épouse, enfants

Nouvel amour

Date de publication : 12 octobre 2009

Si vous demandez à la première personne que vous rencontrez dans la rue de nommer le guitariste russe le plus célèbre, alors la réponse « DiDuLa » prévaudra probablement sur les autres réponses. De nombreux concerts, émissions de télévision, albums et DVD ont fait de DiDyuLyu l'un des artistes les plus populaires de Russie. Le plus surprenant est que DiDuLya joue exclusivement de la musique instrumentale - un genre qui n'est pas particulièrement populaire par rapport à la forme chanson. Le style des œuvres interprétées a peut-être joué un rôle important : du flamenco, de la musique latino-américaine et simplement de la guitare acoustique dans des arrangements modernes et à la mode.

Dans une interview exclusive et extrêmement intéressante pour le site, le guitariste DiDuLya partage ses réflexions sur les talents d'interprète, le travail en studio, la musique instrumentale et sa promotion.

Pourquoi as-tu commencé à apprendre à jouer de la guitare ? Tes parents t'ont forcé ?

Non, mes parents ne m’ont pas forcé, je suis arrivé à la guitare tout seul. J'ai aimé la musique, j'ai aimé le son des cordes, j'ai aimé l'instrument lui-même, qui est très populaire. C'était facile à emporter avec soi, on pouvait sortir dans la cour avec une guitare... Tout cela m'a influencé et impressionné. J'ai donc demandé à mes parents de m'acheter une guitare. Ils m'ont acheté une guitare assez simple, et c'est à partir de là que naît ma passion pour cet instrument. J'étais engagé dans une auto-éducation et petit à petit, millimètre par millimètre, j'ai avancé dans l'apprentissage de la guitare.

À ce jour, je me considère comme un étudiant, apprenant encore cet instrument à ce jour. C'est un grand espace, une grande profondeur. Ces six cordes contiennent tant de nuances, tant de couleurs – tout un monde. La guitare est un chemin étonnant, merveilleux et unique que j'ai suivi toute ma vie.

Déjà assez jeune, à 6-7 ans, j'avais des guitares pour enfants. En grandissant, j’ai commencé à disposer d’outils plus sérieux. Il y avait une Crémone classique.

Et dès l'âge de 12-14 ans, je jouais déjà de l'instrument de manière assez consciente, je l'étudiais, j'apprenais des morceaux, j'accompagnais des chansons.

Quand vous avez commencé à apprendre à jouer de la guitare, qui étaient vos idoles ?

Comme cela arrive toujours au début d'un voyage, les premiers professeurs étaient des amis dans la cour qui jouaient des chansons de Vysotsky, Mashina Vremeni, Resurrection, des Beatles - pour moi, ils étaient les premières idoles. Et puis des enregistrements et d’autres informations ont commencé à apparaître. J'ai beaucoup parlé et lu. Et j’ai commencé à en apprendre davantage sur d’autres musiciens célèbres – des artistes classiques, rock, flamenco et jazz. Et différents guitaristes à différentes époques m’ont également influencé de différentes manières.

À une certaine époque, Andres Segovia m'a étonné par son son, Manolo Sanlúcar m'a étonné par sa pensée compositrice et son interprétation de la musique flamenco, puis sont apparus des enregistrements sur lesquels j'ai étudié l'œuvre de Paco de Lucia. Dans la musique rock, j'ai beaucoup aimé Ritchie Blackmore et Angus Young. Dans le domaine du jazz, Django Reinhardt et Luis Salinas ont fait leur marque. En musique classique - Julian Bream. Dans une musique originale intéressante - Tommy Emmanuel. Et ainsi de suite. Il y a beaucoup de noms, et parmi eux il y a non seulement des guitaristes, mais aussi des musiciens en général qui jouent dans n'importe quel style et direction. Ils m’ont tous influencé non seulement en tant que guitariste, mais aussi en tant que personne qui écrit de la musique.

De plus, en tant que compositeur, je suis grandement influencé par tout ce qui m'entoure : la nature, la communication, les gens, les films, un livre intéressant que je lis, des situations amusantes que je remarque quelque part. Et mon hypersensibilité, mon observation et, si on peut appeler cela ainsi, ma perspicacité jouent un grand rôle. Je remarque autour de moi de nombreuses situations intéressantes et différentes, que ce soit dans la vie quotidienne, dans la nature ou dans les fantasmes. Et puis je transforme tout cela en musique.

Ce ne sont donc pas seulement les guitaristes qui m’influencent, ce ne sont pas seulement les gens : toute la vie qui m’entoure m’impressionne et m’influence.

De nombreux guitaristes passent des heures à pratiquer la guitare. Êtes-vous un d'entre eux? Est-ce qu'il y a du temps pour ça ?

Dans ma jeunesse, alors que j'apprenais juste la guitare, le maximalisme juvénile m'a permis de pratiquer la guitare pendant de nombreuses heures, de pratiquer certaines techniques techniques, de chercher comment les combiner avec ma physiologie, de trouver mes limites, mes limites. Je voulais atteindre des sommets non seulement musicaux, mais aussi « sportifs ».

Au fil du temps, j’ai acquis mon propre bagage technique, certaines « astuces » qui m’étaient propres. Mais il est également apparu que des techniques qui, à cause de certaines circonstances, m'étaient inaccessibles étaient apparues. J'ai arrêté de me concentrer sur le jeu sérieux pendant des heures et j'ai commencé à consacrer plus de temps à composer et à jouer des morceaux musicaux. Autrement dit, les exercices, les gammes et certaines techniques de jeu sont passés au second plan pour moi, et le jeu de la musique lui-même est passé au premier plan. Je prends un morceau et le joue petit à petit, en essayant d'en supprimer tout ce qui est inutile. En tant que compositeur, aussi étrange que cela puisse paraître, je souhaite parvenir à une sorte de simplicité dans la musique.

Je n’aime pas vraiment quand un musicien, pour raconter une histoire, transmettre une idée musicale intéressante, doit faire beaucoup d’efforts et jouer des passages et des arpèges à grande vitesse. Je veux que la musique soit extrêmement simple, compréhensible, émouvante et claire. Pour que tout musicien débutant qui ne s'est familiarisé que récemment avec l'instrument puisse en jouer. Pour moi, c'est une super tâche, bien plus difficile que de philosopher longtemps et techniquement sur un instrument avec un grand nombre de notes jouées. J'essaie d'atteindre la simplicité dans ma musique.

Bien entendu, cela n’est pas toujours possible. Le concert contient de nombreuses œuvres assez complexes techniquement et comportant de nombreux moments expérimentaux. Mais tout cela s'inscrit dans le cadre du concert. Quand j’enregistre un album studio, j’essaie de supprimer toutes les notes supplémentaires, toutes les complications inutiles.

Comme l'a montré la pratique, cette voie est intéressante et complexe, car parvenir à la simplicité est très, très difficile.

En fait, c'est pourquoi j'essaie de ne pas m'entraîner pendant des heures, mais de consacrer ce temps à composer. Trouver une consonance unique, une phrase unique s'est avéré être une tâche difficile. C’est là que je consacre la majeure partie de mon temps, tant en répétition qu’en studio.

Dites-moi, le DiDyuLi d'il y a dix ans est-il très différent du DiDyuLi actuel ?

Bien sûr, c'était beaucoup, dix ans n'ont pas été vains. J'ai acquis une certaine expérience, tant dans le domaine de la production que dans le domaine managérial. De nouvelles connaissances sont apparues dans le domaine du studio, dans le travail de composition... Huit albums de guitare instrumentale sont sortis, de nombreux concerts ont été organisés.

Mais en même temps, beaucoup n’a pas encore été fait. Il me reste encore de nombreux sommets que j’ai envie de gravir.

Le chemin que ma merveilleuse équipe et moi suivons est intéressant et lumineux. Nous donnons de la musique à l'auditeur. Il s’agit d’une question complexe et intéressante, et je suis heureux d’en parler.

Quelle star mondiale est la plus proche de vous en esprit ?

Je ne pense pas aux stars mondiales, aux artistes célèbres... J'aime un grand nombre de musiciens et de styles complètement différents. Si je puis dire, j'ai un large éventail d'acceptabilités - cela inclut la musique académique, classique, folk, électronique de club moderne, guitare expérimentale et avant-gardiste.

Si je ne comprends pas un style ou une direction, j’essaie de le comprendre. Si, disons, une sorte de musique de percussion des îles polynésiennes apparaît, je commence à me demander de quel genre de musique il s'agit et pourquoi elle est telle que je ne l'apprécie pas. J'essaie de le comprendre, de comprendre comment il est construit, quel est son point fort. Je comprends que tout est construit sur des rythmes, sur des sons de percussions, qu'il y a de la polyrythmie - plusieurs motifs rythmiques qui se croisent, se complètent. Et après un certain temps, je commence à apprécier ce genre de musique.

Si de nouvelles tendances apparaissent dans la musique trance, dans la culture club, je commence à m'y plonger. Ce n’est pas si difficile, et quelques heures me suffisent pour écouter, comprendre, étudier puis profiter des expériences les plus intéressantes et les plus vivantes dans ce domaine.

Cela s’applique à n’importe quel style, n’importe quelle direction. Je ne m'éloigne pas de la musique que je n'aime pas, j'essaie de la comprendre et de la comprendre. Et cela m’aide beaucoup dans mes activités de composition, de production et professionnelles.

Voilà donc mon approche de la musique et de la culture mondiale. Pour ma part, je divise toute la musique en deux catégories : la bonne musique et la mauvaise musique. Celui qui m’accroche, et celui qui ne m’accroche pas.

Le processus de composition musicale est-il facile pour vous ? Ou êtes-vous angoissé par chaque note ?

Eh bien, vous savez, cela se produit de différentes manières. Certaines œuvres s’écrivent immédiatement, instantanément. Maintenant, je vais dire quelque chose d'unique. J'ai des situations où il faut cinq ou six heures entre la composition de la musique et le mastering d'un morceau fini. C'est incroyable, mais c'est vrai. C'est-à-dire que je prends l'instrument, une idée me vient tout de suite en tête, j'appelle tout de suite l'ingénieur du son, il vient dans mon home studio, on installe tout de suite les micros, on enregistre, je joue la deuxième partie, la troisième, puis tout est mixé et prêt par la piste principale du soir. Ça y est, la pièce est prête !

Il y a parfois des travaux qui prennent des années. Vous voyez, parfois pendant quelques heures, parfois pendant plusieurs années. Parce que mes sentiments intérieurs changent.

J'ai beaucoup de développements, de fragments, de phrases musicales. Certaines choses ont été jouées, certaines choses ont été mises dans un tiroir. Ce processus est imprévisible et n’a pas de limites clairement définies.

Tout est très individuel. Parfois, le processus de composition est pénible, et parfois l’œuvre sort facilement de la plume.

Pouvez-vous composer de la musique simplement parce que cela doit être fait d’ici lundi ?

Vous savez, si vous le faites par intérêt sportif, alors, bien sûr, c’est possible. Il n'y a aucun problème ici, car lorsque vous écrivez, enregistrez toute votre vie, maîtrisez les technologies de studio, connaissez toutes les méthodes et techniques, alors vous pouvez tout faire. Mais le travail qui en résultera ne sera pas lié à moi en interne. Et on ne sait pas si cette musique trouvera une résonance dans le cœur des auditeurs.

Mais techniquement, une telle tâche est réalisable. Disons que s’ils me disent de faire une belle ballade lyrique d’ici lundi, je vais m’asseoir tout de suite, la composer en quelques minutes, l’enregistrer et la mixer en quelques heures. Il n'y a pas de problème. Mais est-il vraiment nécessaire de faire cela ?

Je n’écris pas sur commande et je ne travaille jamais comme ça. Lorsque des réalisateurs et des producteurs de films me posent la question, en tant que compositeur, de savoir s'il est possible ou non d'écrire tel ou tel thème, je dis non, je n'écrirai pas sur commande. Cette musique n'aura pas le degré de sincérité auquel je suis habitué dans ma vie et dans mon travail. Et donc, les gars, si vous voulez prendre ma musique, prenez-la, écoutez mes albums - à la fois avec un orchestre symphonique, avec un groupe et avec une guitare solo. Et puis choisissez. Si vous proposez quelque chose pour votre film, je n'en serai qu'heureux. C'est généralement ce qui se produit : la musique des films, des théâtres, des pièces de théâtre et des sports provient d'albums enregistrés. Mais je n’ai pas écrit sur commande et je n’ai pas l’intention d’écrire.

Connaissez-vous bien les technologies d’enregistrement modernes ?

Dans ma musique, j'ai trouvé mon style, mes techniques de jeu, mes instruments et, bien sûr, j'ai développé ma propre technologie d'enregistrement. J'ai mon propre principe d'enregistrement de musique, contrairement à quiconque. Certains micros, guitares, méthodes de travail. C'est en quelque sorte un secret, mon secret professionnel, technique, musical, appelez-le comme vous voulez. Depuis que je travaille dans l'enregistrement en studio depuis de nombreuses années, bien sûr, je comprends les technologies d'enregistrement modernes, mais je le répète : ma technologie est un peu différente de celle généralement acceptée. Mon algorithme de travail est très confortable et efficace pour moi, il me permet de réaliser n'importe lequel de mes fantasmes.

Utilisez-vous un ordinateur pour composer et arranger ? Quels programmes utilisez-vous?

Bien sûr, j'utilise les technologies informatiques modernes, les séquenceurs, les bibliothèques de sons et les modules - tous les avantages que la civilisation nous a apportés au maximum. Tout est activement utilisé : les équipements analogiques et numériques, les appareils à tubes et toutes sortes de méthodes d'enregistrement sonore. L'âge d'or de l'enregistrement sonore, qui a eu lieu dans les années 1960-1970, a apporté de nombreuses découvertes dans ce domaine, et je les ai étudiées de très près. Comment placer les microphones lors de l'enregistrement, quelles techniques sont utilisées pour compresser et égaliser un signal - j'ai étudié tout cela dans ma jeunesse, puis j'ai commencé à l'appliquer dans la pratique, dans mon travail. Bien entendu, les technologies modernes sont largement utilisées.

Quant aux programmes utilisés, il en existe plusieurs. En règle générale, il s'agit de Cubase et Nuendo pour PC. En général, tel ou tel travail nécessite une approche « programmatique » différente. J'aime beaucoup la synchronisation spécifique des échantillons dans le programme ACID. Il s'agit d'un algorithme unique, grâce auquel vous pouvez obtenir des résultats intéressants. Il existe plusieurs autres programmes avec différentes « astuces » qui sont utilisés dans différentes situations. Une merveilleuse équipe d’ingénieurs du son m’aide dans ce domaine, mais encore une fois, j’y approfondis moi-même. J'ai besoin de connaître toute la nature du son - à partir du moment où je l'extrait, jusqu'à ce qu'il soit numérisé à une profondeur de bits donnée et finisse sur une bande analogique. Chaque enregistrement, chaque morceau et chaque note jouée passe par mon contrôle personnel minutieux. Si je puis dire – l’acceptation de l’état. Écoutez, mes amis, mes compositions, et vous le ressentirez dans chaque note. Vous entendrez non seulement les solutions du compositeur, mais également les points d'arrangement et les techniques d'enregistrement.

Dans l'un des derniers albums, réalisé avec un orchestre symphonique, un travail titanesque a été réalisé. Mais le résultat était magnifique. Je suis content que cet album soit sorti.

Comment enregistrer de la guitare en studio ?

Différemment. S'il s'agit d'une guitare solo avec un son clair et spécifique, un ensemble spécifique de microphones est utilisé. Si la guitare a un son sourd, faible et profond et qu'elle est utilisée dans les parties d'accompagnement, d'autres microphones sont utilisés. Parfois, un enregistrement stéréophonique du son de la guitare est utilisé. Parfois, vous pouvez expérimenter avec un micro piézoélectrique. Vous pouvez essayer de vous inscrire avec un combo, ou vous pouvez le faire en ligne. Une double piste est également utilisée. Autrement dit, tout est déterminé par une tâche spécifique. Il existe tellement de techniques d’enregistrement ! Heureusement, en tant qu'arrangeur, compositeur et personne connaissant les technologies de studio, je connais déjà à l'avance le son final d'une œuvre particulière. C'est-à-dire que lorsque je compose, je sais déjà quel doit être le son, comment telle ou telle guitare sera enregistrée et quelles cordes doivent y être installées. Je connais la clé, je connais le tempo. Le rythme est très important ! Il est important de savoir si la carte du tempo sera écrite ou si tout sera enregistré ad libitum. Tout cela est connu à l'avance et le résultat de l'enregistrement est un morceau de musique de bonne qualité. Bien sûr, il y a des échecs, mais dans tous les cas, une compréhension claire de la manière dont l'enregistrement sera effectué et le bon choix des microphones garantissent le succès.

Envisagez-vous de publier des tutoriels, notamment des écoles vidéo, sur la guitare ?

Le fait est que je suis un mauvais professeur. Et il y a encore une fonctionnalité. J'ai trouvé mon propre style, comme personne d'autre, mes propres techniques de jeu, qui ne sont pas très acceptées dans l'école de guitare classique. Je ne prends donc pas vraiment le risque d’en parler, et encore moins d’enseigner. Il n’est donc pas prévu d’écoles vidéo.

Mais ce que j'envisage, c'est sûr, c'est de raconter et de montrer comment je joue tel ou tel morceau, du moins parmi ceux qui sont joués dans un programme de concert live. Beaucoup d’entre eux causent des difficultés aux musiciens lorsqu’ils jouent. Ils disent parfois : « vous savez, c’est joué de telle manière qu’il n’est pas toujours possible de distinguer quelle note est jouée ni quelle technique de production sonore est utilisée ». C’est pourquoi je souhaite trier certaines œuvres et montrer comment elles ont été jouées. De plus, je souhaite préparer un album de « pistes d'accompagnement » - des bandes sonores sans guitare ni autres parties solo.

Mais je n'ai aucune envie particulière de publier des supports pédagogiques. Je ne pense pas que ce soit nécessaire. Il y a des concerts, il y a des DVD... Venez au concert, vous pourrez y apprendre et voir qui est DiDyuLa, comparer les œuvres en studio et en concert.

80 pour cent de ma musique est constituée de morceaux assez simples qui peuvent être joués par n’importe quel musicien plus ou moins formé. Une autre question est de savoir s'il sera capable de les jouer de manière métro-rythmique de la même manière, sera-t-il capable de ressentir le sustain, la dynamique sonore et l'accent de la même manière ? Il existe de nombreuses nuances dans les microrythmes. C'est-à-dire qu'il semble être joué simplement, mais certaines notes sonnent un centième de seconde plus tôt, d'autres plus tard. Il semble que seules trois notes aient été jouées, mais elles ont été jouées d'une manière que seul DiDuLya pouvait jouer. Je dis cela parce que d'autres musiciens qui jouent ma musique m'envoient des enregistrements. Et je vois qu'ils jouent complètement différemment. Ils jouent les mêmes notes, ils semblent tout jouer correctement, mais... ce n'est pas le cas. Parce que j'ai ma propre vision stylistique du son. C'est le mystère de la mélodie, le mystère de la musique elle-même, qui de l'extérieur semble très simple. Et derrière chaque note se cachent des expériences, des sentiments.

Pensez-vous que la technique de jeu joue un rôle majeur ou secondaire dans la musique flamenco ?

Oui, en effet, ces dernières années, la musique flamenco est, pour une raison quelconque, associée à la technique, à la vitesse de jeu. Et si vous écoutez des enregistrements des années 1950 et 1960, lorsqu'un grand-père ordinaire s'assoit et joue de la musique, vous remarquerez qu'il n'a pas les mêmes vitesses que, disons, Paco de Lucia ou Gerard Nunez. Mais dans la musique flamenco, comme dans toute autre musique, l’essentiel est l’émotion, l’énergie et la sincérité. Et toute la technologie va quelque part sur le dixième plan. C’est bien quand un musicien a une technique, mais l’essentiel est qu’il y ait un bon équilibre entre cette technique et tous les autres bagages musicaux. Bien sûr, un musicien veut toujours montrer sa technique, et il la montre partout, dans chaque morceau, en perdant la musique elle-même. Il vaut donc mieux ne pas oublier la musique.

Naturellement, la technique est nécessaire dans le flamenco, comme dans tout autre domaine. Mais elle n’est pas la principale. Si vous n'avez pas la capacité physiologique de jouer rapidement, vous ne pouvez pas apprendre un passage rapide - ne vous découragez pas, utilisez ce que vous pouvez et plongez dans les émotions, dans l'âme, dans les expériences. Ceci est bien plus important et a un effet bien plus fort sur l’auditeur que toutes les plus belles techniques réunies. Vous pouvez écouter une technologie rapide pendant exactement cinq minutes, puis l'auditeur se pose une question : où est exactement la musique ? Où est la mélodie ?

Mais pour exprimer vos émotions dans la musique, vous devez avoir beaucoup de choses - une certaine position dans la vie, une vision large, comprendre exactement ce que vous voulez exprimer dans le travail, et c'est déjà un travail interne et spirituel. La tâche principale de tout enseignant est d'enseigner à l'élève un jeu spirituel et empathique. Et puis il y a la technologie.

Et il y a un autre moment. Tout le monde n’a pas la capacité physique de jouer rapidement, techniquement et clairement. Les mains de chacun sont structurées différemment, il existe certaines déficiences musculaires et de réaction. Si nous admirons tous Paco de Lucia et le regardons jouer vite, nous penserons que nous ne réussirons jamais... Et nous abandonnerons. Ce sera une grosse erreur. Paco de Lucia est avant tout un musicien profond, même s'il a autrefois consacré beaucoup de temps à sa technique de jeu. Et, malheureusement, il est devenu l’otage de sa technique. Dans une plus large mesure, les musiciens le regardent et attendent qu'il joue un passage technique. Et quand il l’a joué vite, ils ont soupiré de soulagement : « Oh, Paco a joué vite, ça veut dire qu’il est toujours en forme, tout va bien ! Et sa forme n'est précisément pas dans la vitesse, ni dans la fluidité, mais précisément dans la profondeur de la musique. Mais la technologie ne lui importe pas, il ne la prend pas du tout au sérieux, pour lui ce n’est qu’un élément secondaire de la créativité.

Il faut donc être très prudent avec la technologie, c’est une chose insidieuse et dangereuse.

Est-ce qu'il vous arrive de jouer avec un médiator ?

Je peux jouer avec un médiator. Mais j'ai ma propre technique de jeu : jouer avec mon index comme médiator. J'ai littéralement toujours ce choix sous la main. Ma production sonore, le placement et la position de ma main droite me permettent de jouer de manière flexible avec cinq doigts ou un doigt comme médiator. Dans chaque pièce, dans chaque cas spécifique, j'utilise des techniques de jeu différentes. Mais je n’utilise pas de médiator lors d’un concert.

Êtes-vous doué pour jouer du piano ?

Très superficiel, très mauvais. Bien sûr, je ferai quelques constructions d’accords, mais je ne pourrai rien jouer de plus ou moins complexe. Malheureusement, je ne joue pas du piano.

Combien d’instruments devez-vous emporter avec vous en tournée ? Avez-vous une guitare principale parmi vos guitares ?

Mon groupe est composé de six musiciens et chacun dispose d’un large éventail d’instruments différents. Nous transportons une grosse pile de fûts. En règle générale, il s'agit de deux caisses claires, d'une grosse caisse... Des déclencheurs sont placés qui ajoutent des sons électroniques du module MIDI au son acoustique de la batterie. Vous devez emporter un gros set de percussions - congas, bongos, cajons, cymbales, rototoms, crashs...

Bien sûr, nous prenons des instruments à clavier, en grand nombre. Nous utilisons la lecture lorsque certaines phrases, échantillons sont activés, parfois un rythme ou des pistes supplémentaires sont joués. Autrement dit, absolument toutes les technologies modernes utilisées dans les concerts en direct sont utilisées.

Nous réalisons des instruments à vent, des instruments à vent MIDI, toutes sortes de trompettes : nais, cors, duduks, buses, buzzers. Nous proposons des guitares basses, frettées et sans fret, à quatre, cinq et six cordes. Toutes sortes de processeurs d'effets, traitement de guitare basse.

En tant que chef de groupe, j'ai cinq instruments principaux. Il s'agit d'une guitare électro-acoustique Godin Grand Concert à cordes nylon, d'une excellente guitare Taylor à cordes métal, de deux guitares acoustiques du maître Alexander Kozyrev, plus une bouzouka grecque. C'est mon set d'instruments qui m'accompagne à tous les concerts.

Je ne peux appeler aucun outil le principal - ils sont tous basiques. Les cinq timbres, les cinq sons sont uniques.

J'utilise également un système radio. Le traitement du signal est réalisé par l'ingénieur du son. La vérification du son prend beaucoup de temps. Dans un concert instrumental, tout est construit sur le son, sur des solutions d'arrangement. Et lors d'un concert qui dure 2,5 à 3 heures, la qualité sonore des guitares et de toute l'équipe dans son ensemble est prise très au sérieux. Notre programme technique est l'un des plus difficiles de Russie, mais, en règle générale, nos promoteurs et nos tour managers parviennent à le remplir. Nous ne rencontrons donc pas de problèmes particuliers avec le son. Nos concerts sont très lumineux, intéressants et spectaculaires. Je suis heureux d'en parler, car ils ont été interprétés à un niveau mondial, ce que confirment nos collègues américains et allemands qui étaient présents à nos concerts. En fait, tout cela se reflète dans nos DVD que nous publions périodiquement.

Où achetez-vous vos guitares ?

Cela se passe différemment. Parfois, je peux les acheter en tournée, par hasard. Parfois, ils sont réalisés par un maître, Alexandre Kozyrev, mentionné précédemment. Parfois, j'achète des guitares sur eBay, à l'aveugle. Si je vois un outil unique chez mes collègues, je peux l'acheter chez eux.

Aujourd'hui, ma collection de guitares comprend 25 instruments. Ce sont des instruments à la fois acoustiques et électro-acoustiques, dotés de cordes en nylon et en métal. Il existe des bouzoukis et des dutars grecs, ainsi que des guitares fretless. La collection est vaste, mais ce n'est pas une collection de musée, ni une exposition. Ce sont de véritables instruments de travail en studio et en concert qui sont activement utilisés.

Avez-vous des guitares électriques dans votre collection ?

Je n'ai pas de guitares électriques. Il se trouve que je me suis lié d'amitié avec plusieurs très bons musiciens qui jouent de la guitare électrique. Par conséquent, lorsque je travaille en studio, la question se pose de l'enregistrement d'une guitare électrique - et c'est rare, mais cela arrive - je les invite simplement. Ils apportent leurs propres combos, gadgets, instruments et jouent ce qui est nécessaire.

J'ai envie d'acheter une bonne guitare électrique, comme la Gibson SG que joue Angus Young. Je l’aime bien, ça vient de ma jeunesse, de mon enfance, c’est pour ça que je veux une telle guitare. Mais je veux acheter un instrument vraiment rare de cette époque avec un bon corps bien construit, un bon sustain et un excellent son. Par conséquent, si je tombe sur une telle guitare, je l'achèterai avec plaisir, je me souviendrai de ma jeunesse, j'en jouerai et j'expérimenterai. Il est peu probable que j'utilise cette guitare lors de concerts, mais dans certains croquis en studio, c'est tout à fait possible. C'est le modèle Gibson que j'aime beaucoup et il me convient, il est confortable pour moi au niveau du manche et de la forme.

N'est-il pas difficile de « faire le show » sur scène et de jouer des choses techniques en même temps ?

Je ne « fais pas de spectacle », je joue juste de la musique, et l'énergie interne, la conduite me vomit en quelque sorte, et dans certaines œuvres, elle commence à me porter, à me jeter, à me vomir sur scène. Je ne fais rien de spécial, c'est juste de la musique... La musique est en moi. Et je le donne simplement au public.

Et je ne pense tout simplement pas à jouer des passages techniques. Pour moi, tout cela est organique et naturel : lors d'un concert, bouger, sauter, approcher d'autres musiciens. Mais quelque part, je peux m'asseoir confortablement sur une chaise et ne pas bouger. Parce que certaines musiques m'apaisent tellement que je me dissout dans cet espace musical.

Ainsi, un concert live de trois heures est complètement différent en termes de musique, de dynamique et d’émotions. Il y a tout : des explosions, des élévations, de la joie, de la déception, des rires et des larmes. Et c’est pour ça que je suis aussi différent pendant le concert.

Aimeriez-vous écrire quelques choses avec le chant ?

En fait, le chant est activement présent dans mes travaux en studio et lors des concerts, il résonne sous forme d'échantillons. Mais ici, vous savez, comment les étoiles vont coïncider. Si je trouve un timbre intéressant et que j'aime le chanteur, alors je peux utiliser sa voix comme un instrument, apportant une certaine coloration de timbre à un morceau particulier. Presque tous les albums contiennent un tel morceau.

Je considère donc toujours la voix comme un instrument de musique doté d’un timbre intéressant. Mais on ne veut pas toujours qu’il y ait des mots pour que les chansons aient un sens. Parce que ce n'est pas toujours nécessaire. Je fais de la musique instrumentale, je l'aime, je l'adore, c'est dans cela que je me perds et que j'éprouve un plaisir et un bonheur incroyables.

Et quelle est la popularité de cette musique instrumentale ?

Très demandé ! C'est un genre en constante évolution. Et pas seulement la guitare, mais aussi le violon, le piano, l'électronique, l'ethnique. Peut-être que dans notre pays ce développement est en retard, ou plutôt avec un retard gigantesque, mais le problème ici est que nous n'avons pas d'institut de production. Il y a de bons musiciens, mais il n’existe pas de label spécialisé qui ne s’occupe que de la musique instrumentale. En particulier – la musique instrumentale pour guitare. Dans tout pays occidental développé, il existe un label qui ne s'occupe que d'instrumental, uniquement de guitare, et uniquement de musique acoustique, vous comprenez ! Mais un tel label n’existe pas pour l’ensemble de notre immense pays ! Il n’y a pas de producteurs, pas de centres de production dans ce domaine de la musique. Autrement dit, le problème est purement économique et dépasse la créativité. C'est pourquoi j'ai commencé à produire moi-même. Quand je suis arrivé à Moscou en 1998, j’ai réalisé que tout ici était assez compliqué. Et il a commencé à étudier lui-même les principes de production - comment communiquer avec les gens, comment communiquer avec les maisons de disques, comment convaincre, comment rechercher des opportunités de tourner une vidéo, d'enregistrer. Comment présenter correctement la musique, la positionner, trouver votre public cible, travailler avec la promotion, avec les relations publiques. Une énorme quantité de travail a été accomplie et j'apprends encore à bien comprendre le mécanisme du travail - non pas musical, mais organisationnel. C'est un travail incroyablement difficile, mais aussi intéressant, et je dois le faire. Maintenant, il se peut que ce soit dans une moindre mesure qu’auparavant. Mais à cette époque, je devais beaucoup travailler. C'était très difficile pour moi. Je suis venu d'une petite ville biélorusse à Moscou, cette ville immense, dynamique et difficile, où j'ai dû tout recommencer à zéro. Il y avait des idées, de belles mélodies, de la musique. Il y avait un vecteur : où se déplacer. Et les gens m'ont cru, m'ont suivi, une équipe s'est organisée, les premières vidéos ont été tournées, les premiers albums ont été enregistrés, les premiers pas ont été faits dans le domaine de la publicité. Et c’est ainsi que ce bateau appelé « DiDyuLa » a progressivement basculé.

Que devez-vous faire spécifiquement pour votre promotion ? Ne soyez pas paresseux pour vous lever tôt, aller rencontrer les bonnes personnes, envoyer votre proposition, rencontrer, discuter, se revoir... Soyez en mouvement constant, et pas seulement en mouvement musical. Il n'y a pas de secrets ici, tout est simple. Et une position de vie active vous aidera.

Mais je le répète : c’est difficile dans notre pays. Et je veux aider les jeunes musiciens en herbe. Ils m'envoient beaucoup d'enregistrements de démonstration, il y a des noms intéressants, et j'ai déjà fait quelques pas dans ce sens. J'ai produit et sorti un album de Denis Asimovich, un formidable guitariste classique. L'album est phénoménal en termes de son, de qualité, de performance et d'apparence. C'est une musique avec une ambiance qui a trouvé un écho en Occident et est rééditée en Europe. Mais c'est de la musique académique.

Il y a une idée de travailler dans un genre moderne, dans un style moderne, il y a des noms intéressants, donc certaines mesures sont prises dans cette direction.

J’accepte donc avec plaisir tous les enregistrements de démonstration, le matériel photo et vidéo qui me vient, je vais sur les sites des musiciens et je me familiarise avec leur travail. C'est-à-dire qu'un travail actif est en cours dans ce sens.

Vous considérez-vous comme un guitariste à succès ?

Eh bien, je ne me considère pas comme un guitariste à succès, je me considère simplement comme un musicien, un compositeur qui fait de la musique, et le principal instrument de transmission de cette musique est la guitare. Pour une raison quelconque, nous avons une division très claire : guitariste et musicien. Cela ne devrait pas arriver. Il n’y a qu’un seul concept : celui de musicien. Il peut jouer de la guitare, ou il peut jouer d'un autre instrument... Je n'aime pas cette division.

Le succès ou l’échec est également un concept abstrait. Tout est relatif. Je me positionne comme une personne qui travaille dur, qui aime jouer, composer de la musique et le processus même de jouer de la musique. Et le concept de réussite pour moi est absolument vague et ne veut rien dire. Et cela ne m’affecte pas en tant que compositeur ou personne. Et même en quelque sorte ennuyeux. Maintenant, vous me posez cette question, et cela me dérange même un peu. Je suis juste un musicien qui joue et écrit.

Valery Didulya (né le 24 janvier 1969 à Grodno) est un guitariste et compositeur biélorusse, solo, leader du groupe « DiDyuLya ». Joue de la musique folk et fusion.

Après l'effondrement de l'ensemble, Didyulya a entrepris des travaux d'ingénierie sonore dans l'ensemble de danse et de danse de Grodno « White Dews », où diverses musiques étaient jouées, chantées et dansées, principalement des danses folkloriques polonaises, biélorusses, ukrainiennes et tsiganes. Au sein de ce groupe, Didyulya a effectué pour la première fois une tournée en Europe - Espagne, Italie, Pologne, Suisse, France, Allemagne. En Espagne, il s'est familiarisé avec le style flamenco, un style de musique et de danse traditionnelle espagnole.
Valéry a reçu sa première guitare à l'âge de cinq ans comme cadeau de sa mère. À partir de ce moment, il commence à « expérimenter le son et la guitare » : il installe un micro et un capteur sur la guitare et connecte l'instrument à un amplificateur fait maison. J'ai assisté à des concerts avec des amis et je les ai regardés jouer lors de mariages. Plus tard, il a été accepté comme troisième guitariste de l'ensemble vocal et instrumental « Scarlet Dawns » sous la direction de Nikolai Khitrik. Des concerts ont eu lieu dans différentes villes, dans des fermes collectives et d'État, et plus tard dans un restaurant coopératif.

Valery Didyulya était le producteur du guitariste classique Denis Asimovich, qui a perdu la vue très jeune.

Valery Didyulya est un légendaire guitariste biélorusse dont le travail n'a pas d'analogue dans l'espace post-soviétique. Les compositions qu'il interprète allient subtilement le charme de la musique instrumentale à des arrangements modernes et à une sonorité insolite. Une telle symbiose donne aux morceaux de ce guitariste une saveur particulière, et il est donc très, très difficile de ne pas admirer son travail.

Petites années, enfance et famille de Valery Didyuli

Le futur guitariste virtuose est né dans la ville de Grodno, située à l'ouest de la Biélorussie moderne. Ici, il a fréquenté l'école secondaire. C'est ici qu'il a commencé à apprendre les bases de la musique à la guitare.

Didyulya a reçu sa première guitare à l'âge de cinq ans, en cadeau de sa mère. À partir de ce moment, il développe systématiquement ses talents innés, choisissant méthodiquement les cordes et réarrangeant les accords les uns après les autres. Ses professeurs admiraient sa capacité de travail et lui, sans prêter attention à rien, a simplement amélioré son jeu en regardant les grands guitaristes de son temps.

Adolescent, Valéry découvre pour la première fois l'existence de divers appareils auxiliaires qui lui permettent de travailler le son de sa guitare. A partir de ce moment, les expérimentations avec les gadgets, capteurs, micros et autres éléments similaires deviennent une véritable obsession pour le jeune musicien.

Il développe ses compétences, et travaille en parallèle à la création d'un son de guitare original. Très vite, ces efforts portèrent leurs fruits. Les compositions de Didyulya ont commencé à acquérir pour la première fois leur son inhabituel. Cependant, les véritables sommets étaient encore loin.

Quelque temps plus tard, en tant que troisième guitariste, le héros de notre aujourd'hui a obtenu un emploi dans le groupe vocal-instrumental "Scarlet Dawns", qui était alors très populaire dans la BSSR. Les concerts du groupe ont eu lieu presque partout - dans les villes, villages, fermes collectives, etc. L'ensemble a été promu par le succès, mais à un moment donné, "Scarlet Dawns" a néanmoins commencé à se désintégrer. La raison en était l’effondrement de l’URSS, ainsi que le grand nombre d’opportunités qui s’ouvraient. Certains musiciens sont allés à l'ouest, certains ont ouvert leur propre entreprise et seul le héros de notre aujourd'hui a continué à travailler systématiquement sur sa créativité.

DiDyuLya - Le chemin du retour

Au début des années 90, il rejoint le groupe de Grodno « Belye Rosy », au sein duquel il travaille longtemps non seulement comme guitariste, mais aussi comme ingénieur du son. À cette époque, le groupe nommé se consacrait principalement à l'interprétation de chansons folkloriques biélorusses, polonaises et ukrainiennes. Valery Didyula aimait tellement le style « folk » que par la suite des notes de musique folklorique résonnaient constamment dans toutes ses compositions ultérieures.

En outre, il convient également de noter que c'est dans le cadre de l'ensemble « White Dews » que le héros de notre aujourd'hui est parti pour la première fois en tournée dans les pays d'Europe occidentale - Pologne, Allemagne, France, Suisse, Italie, Espagne et quelques autres pays. .

Le jeune musicien a été particulièrement impressionné par l’Espagne, ou plus précisément par sa musique caractéristique de guitare flamenco. Après la fin de la tournée, Valery Didyulya est resté encore plusieurs années dans cet état pyrénéen, étudiant pendant ce temps les passages de guitare et les rythmes.

Ainsi, à la fin des années 2000, le style du musicien biélorusse s'est enfin formé. La musique flamenco était subtilement mêlée aux motifs folkloriques biélorusses-polonais, et tout cela était complété par des arrangements modernes de style house.

Star Trek du guitariste Valery Didyuli

À la fin des années 90, Valery Didyulya a rassemblé autour de lui une bonne équipe de personnes partageant les mêmes idées, avec lesquelles il a commencé à voyager en Biélorussie, en Pologne, en Ukraine et en Espagne.

Durant cette période, l'homme d'affaires de Minsk Igor Bruskin et le compositeur Oleg Eliseenko ont activement contribué à la promotion du jeune musicien. Sur leurs conseils, le musicien s'installe à Minsk et participe à plusieurs grands concerts et concours. La musique de Didyulya a fait sensation partout et c'est pourquoi très vite le héros de notre aujourd'hui a reçu une offre pour se produire au festival international « Slavic Bazaar ».

Banques de satin Didyulya

La participation à un si grand forum musical a ouvert de nombreuses portes à Valery Didyulya. Il a été invité à travailler à Moscou et là, le héros de notre aujourd'hui a commencé à travailler sur son premier album studio. L'album Flamenco est sorti en 2000. Suite à cela, la première vidéo de l’artiste a été publiée. Bientôt, de nombreux musiciens russes célèbres ont commencé à se tourner vers le talentueux natif de Grodno pour obtenir de l'aide. Ainsi, au fil des années, Didyulya a travaillé avec Abraham Russo, Kristina Orbakaite, Dmitry Malikov et de nombreux autres artistes populaires.

En 2002, la renommée du guitariste est renforcée par un nouvel album studio, « Road to Baghdad », suivi de l'album « Satin Shores ». À ce jour, la discographie du musicien comprend déjà neuf albums studio. Au sein du groupe Didyulya, le Biélorusse effectue une tournée dans les pays de la CEI, donnant environ 120 concerts par an.

S'étant fait un nom dans le monde du show business, Valery Didyulya a également commencé à travailler comme producteur. Avec son soutien, un album du musicien biélorusse Igor Dedusenko est sorti. Et aussi un disque d'un autre compatriote - le guitariste Denis Asimovich, qui a perdu la vue dans la petite enfance.

Son dans le son : Expériences de Valery Didyulya

À la fin des années 2000, Valery Didulya a entamé une nouvelle expérience, qu'il a appelée « son dans le son » ou « 25e image musicale ». Selon lui, cette technologie permet de créer un arrière-plan supplémentaire pour la composition, ainsi que de la rendre plus profonde et plus riche.

Didulya est convaincue qu'une telle musique a un effet absolument spécial sur les auditeurs, leur donnant un regain d'énergie supplémentaire. Ce fait a même été confirmé plus tard par des médecins et des psychologues. C'est pourquoi la musique du musicien de Grodno est souvent appelée guérison.