Holandski umjetnici dali su veliki doprinos radu majstora koji su započeli svoju djelatnost u 17. vijeku i nisu prestali sve do danas. Međutim, oni su uticali ne samo na svoje kolege, već i na profesionalce u književnosti (Valentin Prust, Donna Tartt) i fotografiji (Ellen Kooi, Bill Gekas i drugi).

Početak razvoja

Godine 1648. Holandija je stekla nezavisnost, ali je za formiranje nove države Holandija morala da pretrpi čin osvete Španije, koja je tada u flamanskom gradu Antverpenu ubila oko 10 hiljada ljudi. Kao rezultat masakra, stanovnici Flandrije su emigrirali sa teritorija pod kontrolom španskih vlasti.

Na osnovu toga, logično bi bilo prepoznati da je poticaj za samostalne holandske umjetnike došao upravo iz flamanskog stvaralaštva.

Od 17. stoljeća javljaju se i državne i umjetničke grane, što je dovelo do formiranja dvije umjetničke škole, odvojene po nacionalnosti. Imali su zajedničko porijeklo, ali su se prilično razlikovali po svojim karakteristikama. Dok je Flandrija ostala pod okriljem katolicizma, Holandija je doživjela potpuno novi procvat, počevši od 17. stoljeća.

Holandska kultura

U 17. veku nova država je tek krenula putem svog razvoja, potpuno prekinuvši veze sa umetnošću prošlog vremena.

Borba sa Španijom je postepeno jenjavala. Nacionalno raspoloženje počelo se pratiti u narodnim krugovima kako su se udaljavali od katoličke vjere koju su prethodno nametale vlasti.

Protestantska vladavina imala je kontradiktoran pogled na dekoraciju, što je dovelo do smanjenja radova na vjerske teme, a u budućnosti je samo išlo na ruku sekularnoj umjetnosti.

Nikada do sada stvarna okolna stvarnost nije bila tako često prikazana na slikama. U svojim radovima holandski umjetnici željeli su prikazati običnu svakodnevicu bez uljepšavanja, istančanog ukusa i plemenitosti.

Sekularna umjetnička eksplozija iznjedrila je tako brojne smjerove kao što su pejzaž, portret, svakodnevni žanr i mrtva priroda (čije postojanje nisu znali ni najrazvijeniji centri Italije i Francuske).

Vlastita vizija realizma holandskih umjetnika, izražena u portretima, pejzažima, unutrašnjim radovima i mrtvim prirodama, izazvala je interesovanje za ovu vještinu na svim nivoima društva.

Dakle, Holanđani umjetnost XVII stoljeća prozvano je „Zlatno doba holandskog slikarstva“, čime je osigurao status naj izvanredno doba u slikarstvu u Holandiji.

Važno je znati: postoji zabluda da je holandska škola opisivala samo osrednjost ljudskog postojanja, ali su majstori tog vremena drsko uništili okvir uz pomoć svojih fantastičnih djela (na primjer, „Pejzaž s Ivanom Krstiteljem“ od Bloemaert).

Holandski umetnici 17. veka. Rembrandt

Rembrandt Harmensz van Rijn se smatra jednom od najvećih umjetničkih ličnosti u Holandiji. Osim umjetničkih aktivnosti, bavio se i graviranjem i s pravom se smatrao majstorom chiaroscura.

Njegova zaostavština je bogata individualnom raznolikošću: portreti, žanrovske scene, mrtve prirode, pejzaži, kao i slike na teme iz istorije, religije i mitologije.

Njegova sposobnost da savlada chiaroscuro omogućila mu je da poboljša emocionalnu ekspresivnost i duhovnost osobe.

Radeći na portretima, radio je na ljudskim izrazima lica.

Zbog njegovih srceparajućih tragičnih događaja kasni radovi bili su ispunjeni prigušenim svjetlom koje je razotkrivalo duboka iskustva ljudi, zbog čega briljantna djela nikoga nisu zanimala.

U to vrijeme bili su u modi spoljna lepota bez pokušaja zarona u dubinu, kao i naturalizam, koji je u suprotnosti sa čistim realizmom.

Svaki ruski ljubitelj likovne umjetnosti može svojim očima vidjeti sliku „Povratak izgubljenog sina“, budući da se ovo djelo nalazi u Muzeju Ermitaž u Sankt Peterburgu.

Frans Hals

Frans Hals je veliki holandski umjetnik i veliki slikar portreta koji je pomogao da se žanr slobodnog pisanja uvede u rusku umjetnost.

Djelo koje mu je donijelo slavu je slika pod naslovom „Gozba oficira streljačke čete Svetog Đorđa“, naslikana 1616. godine.

Njegovi portretni radovi bili su previše prirodni za ono vrijeme, što je bilo u suprotnosti sa današnjim danom. Zbog činjenice da je umjetnik ostao neshvaćen, on je, kao veliki Rembrandt, završio je život u siromaštvu. "Ciganin" (1625-1630) jedno je od njegovih najpoznatijih djela.

Jan Steen

Jan Steen je na prvi pogled jedan od najduhovitijih i najveselijih holandskih umjetnika. Rugajući se društvenim porocima, volio je pribjeći umijeću satire društva. On, zabavljajući gledatelja bezazlenim, smiješnim slikama veseljaka i dama laka vrlina, zapravo upozorio na takav stil života.

Umjetnik je imao i mirnije slike, na primjer, rad "Jutarnji toalet", koji je na prvi pogled izgledao kao apsolutno nevina akcija. Ali ako bolje pogledate detalje, možete biti prilično iznenađeni njihovim otkrićima: to su tragovi čarapa koje su prethodno stezale noge, i lonac ispunjen nečim nepristojnim noću, kao i pas koji sebi dozvoljava da bude u pravu. na jastuku vlasnika.

U svojim najboljim radovima umjetnik je bio ispred svojih kolega u elegantno vještoj kombinaciji paleta boja i majstorstvu sjena.

Drugi holandski umjetnici

Ovaj članak navodi samo tri bistre osobe od desetina koji zaslužuju da budu na istoj listi s njima:

Dakle, u ovom članku ste se upoznali sa holandskim umjetnicima 17. stoljeća i njihovim radovima.

Napomena. Pored umetnika iz Holandije, na listi su i slikari iz Flandrije.

Holandska umjetnost 15. stoljeća
Prve manifestacije renesansne umetnosti u Holandiji datiraju iz ranog 15. veka. Prvo slike, koji se već mogu svrstati u ranorenesansne spomenike, stvorili su braća Hubert i Jan van Eyck. Obojica - Hubert (umro 1426) i Jan (oko 1390-1441) - odigrali su odlučujuću ulogu u formiranju holandske renesanse. O Hubertu se gotovo ništa ne zna. Ian je očigledno bio veoma obrazovana osoba, studirao geometriju, hemiju, kartografiju, obavljao neke diplomatske zadatke burgundskog vojvode Filipa Dobrog, u čijoj je službi, inače, bilo njegovo putovanje u Portugal. O prvim koracima renesanse u Holandiji mogu se suditi po slikama braće, izvedenim 20-ih godina 15. veka, a među njima i „Žene smirnonosice na grobu“ (verovatno deo poliptiha; Roterdam, Muzej Boijmans van Beiningen), „Madona u crkvi“ (Berlin), „Sveti Jeronim“ (Detroit, Institut za umjetnost).

Braća Van Eyck zauzimaju izuzetno mjesto u savremenoj umjetnosti. Ali nisu bili sami. Istovremeno, s njima su radili i drugi slikari koji su bili stilski i problematično vezani za njih. Među njima, prvo mjesto nesumnjivo pripada takozvanom Flemal majstoru. Učinjeno je mnogo genijalnih pokušaja da se utvrdi njegovo pravo ime i porijeklo. Od njih je najuvjerljivija verzija da ovaj umjetnik dobiva ime Robert Campin i prilično razvijenu biografiju. Ranije se zvao Majstor oltara (ili "Navještenje") Merode. Postoji i neuvjerljivo gledište koje pripisuje djela koja mu se pripisuju mladom Rogieru van der Weydenu. Za Campina se zna da je rođen 1378. ili 1379. godine u Valenciennesu, dobio titulu majstora 1406. u Tournaiu, tamo živio, obavljao, osim slikarstva, mnoge dekorativne radove, bio učitelj niza slikara (uključujući Rogier van der Weyden, o kojem će biti riječi u nastavku - od 1426. i Jacques Darais - od 1427.) i umro je 1444. Kampenova umjetnost je sačuvana svakodnevne karakteristike u opštoj „panteističkoj“ šemi i tako se pokazao veoma blizak sledećoj generaciji holandskih slikara. Rani radovi Rogiera van der Weydena i Jacquesa Daraisa, autora koji je bio izuzetno ovisan o Campinu (na primjer, njegova “Obožavanje magova” i “Susret Marije i Elizabete”, 1434–1435; Berlin), jasno otkrivaju zanimanje za umjetnost ovog majstora, u kojem se nesumnjivo pojavljuje trend vremena.

Portret mlade žene, 1445, Umjetnička galerija, Berlin

Sveti Ivo, 1450, Nacionalna galerija, London

Sveti Luka slika lik Madone, 1450, Muzej Groningen, Briž

Rogier van der Weyden rođen je 1399. ili 1400. godine, školovan kod Campina (tj. u Tournaiju), dobio je titulu majstora 1432., a 1435. preselio se u Brisel, gdje je bio službeni slikar grada: 1449.– 1450. putovao je u Italiju i umro 1464. Kod njega su studirali neki od najvećih umjetnika holandske renesanse (npr. Memling), a uživao je široku slavu ne samo u svojoj domovini, već i u Italiji (poznati naučnik i filozof Zvao ga je Nikola Kuzanski najveći umetnik; kasnije je njegov rad zapazio Dürer). Rad Rogiera van der Weydena poslužio je kao hranjiva osnova za širok spektar slikara sljedeće generacije. Dovoljno je reći da je njegova radionica - prva tako široko organizovana radionica u Holandiji - imala snažan uticaj na neviđeno širenje stila jednog majstora u 15. veku, na kraju svela ovaj stil na zbir tehnika šablona i čak svirala. uloga kočnice slikarstva na kraju veka. Pa ipak, umjetnost sredine 15. stoljeća ne može se svesti na tradiciju Rohira, iako je s njom usko povezana. Drugi put oličenje je prvenstveno u radovima Dirika Boutsa i Alberta Ouwatera. Njima je, poput Rogiera, pomalo strano panteističko divljenje životu, a njihova slika čovjeka sve više gubi dodir s pitanjima svemira – filozofskim, teološkim i umjetničkim pitanjima, poprimajući sve više konkretnosti i psihološku sigurnost. Ali Rogier van der Weyden, majstor pojačanog dramskog zvuka, umjetnik koji je težio individualnim i istovremeno uzvišenim slikama, uglavnom je bio zainteresiran za sferu ljudskih duhovnih svojstava. Dostignuća Boutsa i Ouwatera leže u području povećanja svakodnevne autentičnosti slike. Od formalnih problema, više su ih zanimala pitanja koja se odnose na rješavanje ne toliko ekspresivnih koliko vizualnih problema (ne oštrine crteža i izraza boje, već prostorne organizacije slike i prirodnosti svjetlosno-zračnog okruženja) .

Ali prije nego što pređemo na razmatranje djela ova dva slikara, treba se zadržati na fenomenu manjeg razmjera, koji pokazuje da su otkrića umjetnosti srednjeg vijeka, kao nastavak tradicije van Eyck-Kampen-a i odmak od bili su u oba ova svojstva duboko opravdana. Konzervativniji slikar Petrus Christus jasno pokazuje istorijsku neizbježnost ovog otpadništva, čak i za umjetnike koji nisu skloni radikalnim otkrićima. Od 1444. godine Christus je postao građanin Briža (tamo je umro 1472/1473.) - to jest, vidio je najbolja van Eyckova djela i bio je pod utjecajem njegove tradicije. Ne pribjegavajući oštrom aforizmu Rogiera van der Weydena, Christus je postigao individualiziraniju i diferenciraniju karakterizaciju nego van Eyck. Međutim, njegovi portreti (E. Grimston - 1446, London, Nacionalna galerija; kartuzijanski monah - 1446, New York, Metropolitan Museum of Art) u isto vrijeme ukazuju na izvjestan pad slikovitosti u njegovom radu. U umjetnosti je žudnja za konkretnim, individualnim i posebnim postajala sve očiglednija. Možda su se ove tendencije najjasnije manifestovale u Boutsovom radu. Mlađi od Rogiera van der Weydena (rođen između 1400. i 1410.), bio je daleko od dramatičnosti i analitičnosti ovog majstora. Ipak, rani mečevi uglavnom dolaze od Rogiera. Oltar sa “Silazak s križa” (Granada, Katedrala) i niz drugih slika, na primjer “Pogreb” (London, Nacionalna galerija), ukazuju na duboko proučavanje rada ovog umjetnika. Ali originalnost je već tu uočljiva - Bouts svojim likovima daje više prostora, zanima ga ne toliko emocionalno okruženje koliko radnja, sam proces, njegovi likovi su aktivniji. Isto važi i za portrete. U odličnom portret muškarca(1462; London, Nacionalna galerija) molitveno podignute - iako bez ikakve egzaltacije - oči, posebna usta i uredno sklopljene ruke imaju tako individualnu boju koju van Eyck nije poznavao. Čak iu detaljima možete osjetiti ovaj lični dodir. Pomalo prozaičan, ali nevino stvaran odraz leži u svim radovima majstora. To je najuočljivije u njegovim višefiguralnim kompozicijama. A posebno u njegovom najpoznatijem djelu - oltaru luvenske crkve sv. Petra (između 1464. i 1467.). Ako gledalac uvijek doživljava van Eyckov rad kao čudo kreativnosti, kreacije, onda se pred Boutsovim djelima javljaju različiti osjećaji. Boutsov kompozitorski rad dovoljno govori o njemu kao režiseru. Imajući na umu uspjehe takve „rediteljske“ metode (odnosno metode u kojoj je zadatak umjetnika da rasporedi karakteristične crte, kao da su izvučene iz prirode, karaktera, organizovati scenu) u narednim vekovima treba obratiti pažnju na ovaj fenomen u delu Dirka Boutsa.

Sljedeća faza holandske umjetnosti pokriva posljednje tri ili četiri decenije 15. vijeka - izuzetno teško vrijeme za život zemlje i njene kulture. Ovaj period otvara rad Jos van Wassenhovea (ili Jos van Genta; između 1435.–1440. - poslije 1476.), umjetnika koji je odigrao značajnu ulogu u razvoju novog slikarstva, ali koji je otišao u Italiju 1472., tamo se aklimatizirao i organski se uključio u italijansku umjetnost. Njegov oltar sa “Raspećem” (Gent, crkva Sv. Bava) ukazuje na želju za naracijom, ali istovremeno i na želju da se priča liši hladne bestrasnosti. Ovo drugo želi postići uz pomoć gracioznosti i dekorativnosti. Njegov oltar je svjetovno djelo u prirodi sa svijetlom shemom boja zasnovanom na prefinjenim prelivim tonovima.
Ovaj period se nastavlja radom majstora izuzetnog talenta - Huga van der Goesa. Rođen je oko 1435. godine, postao je majstor u Gentu 1467. i umro 1482. Husovi najraniji radovi uključuju nekoliko slika Madone s Djetetom, koje se izdvajaju po lirskom aspektu slike (Philadelphia, Muzej umjetnosti, i Brisel, Muzej), te sliku „Sv , Muzej). Razvijajući otkrića Rogiera van der Weydena, Hus u kompoziciji vidi ne toliko način da se harmonično organizira ono što je prikazano, koliko sredstvo za koncentriranje i identifikaciju emocionalnog sadržaja scene. Osoba je za Husa izuzetna samo po snazi ​​svojih ličnih osjećanja. Istovremeno, Gusa privlače tragična osjećanja. Međutim, slika svete Ženevijeve (na poleđini Lamentacije) ukazuje da je Hugo van der Goes, u potrazi za golom emocijom, počeo obraćati pažnju na njen etički značaj. U oltaru Portinari Hus pokušava izraziti svoju vjeru u duhovne sposobnosti čovjeka. Ali njegova umjetnost postaje nervozna i napeta. Husove umjetničke tehnike su raznolike – posebno kada treba da rekreira duhovni svijet osobe. Ponekad, kao u prenošenju reakcije pastira, on upoređuje bliska osjećanja u određenom nizu. Ponekad, kao na slici Marije, umjetnik ocrtava opća obilježja doživljaja, prema kojima gledalac upotpunjuje osjećaj u cjelini. Ponekad - u slikama anđela uskog oka ili Margarite - pribjegava kompozicijskim ili ritmičkim tehnikama da bi dešifrirao sliku. Ponekad se sama neuhvatljivost psihološkog izraza za njega pretvori u sredstvo karakterizacije - tako odsjaj osmijeha igra na suhom, bezbojnom licu Marije Baroncelli. I pauze igraju ogromnu ulogu - u prostornoj odluci iu akciji. Pružaju priliku da se mentalno razvije i upotpuni osjećaj koji je umjetnik ocrtao na slici. Karakter slika Huga van der Goesa uvijek zavisi od uloge koju u cjelini treba da imaju. Treći pastir je zaista prirodan, Josip je potpuno psihološki, anđeo s njegove desne strane je gotovo nestvaran, a slike Margarete i Magdalene su složene, sintetičke i izgrađene na izuzetno suptilnim psihološkim gradacijama.

Hugo van der Goes je oduvijek želio izraziti i utjeloviti u svojim slikama duhovnu blagost osobe, njegovu unutrašnju toplinu. Ali u suštini, najnoviji umetnikovi portreti ukazuju na rastuću krizu u Husovom stvaralaštvu, jer njegovu duhovnu strukturu nije generisala svest individualnih kvaliteta ličnosti, koliko i tragični gubitak jedinstva čoveka i sveta za umetnika. IN zadnji posao– „Marijina smrt“ (Briž, Muzej) – ova kriza rezultira krahom svih umetnikovih stvaralačkih težnji. Očaj apostola je beznadežan. Njihovi gestovi su besmisleni. Lebdeći u sjaju, Hristos svojom patnjom kao da opravdava njihovu patnju, a njegovi probodeni dlanovi okrenuti su prema posmatraču, a lik neodređene veličine narušava strukturu velikih razmera i osećaj stvarnosti. Takođe je nemoguće razumjeti obim stvarnosti iskustva apostola, jer su svi imali isti osjećaj. I nije toliko njihov koliko umjetnikov. Ali njegovi nosioci su još uvijek fizički stvarni i psihički uvjerljivi. Slične slike će biti oživljene kasnije, kada je krajem 15. veka u holandskoj kulturi došla do kraja stogodišnja tradicija (u Boschu). Čudan cik-cak čini osnovu kompozicije slike i organizira je: sjedi apostol, jedini nepomičan, gleda u promatrača, nagnut s lijeva na desno, prostrta Marija s desna na lijevo, Krist lebdi s lijeva na desno . I isti cik-cak u shemi boja: lik osobe koja sjedi asocira na Mariju u boji, onu koja leži na zagasito plavoj tkanini, u haljini također plave, ali krajnje, ekstremno plave, zatim - eterične, nematerijalno plavo Hristovo. A svuda okolo su boje apostolskih haljina: žuta, zelena, plava - beskrajno hladne, jasne, neprirodne. Osjećaj u “Uznesenju” je ogoljen. Ne ostavlja mjesta nadi ili ljudskosti. Na kraju svog života, Hugo van der Goes je ušao u samostan. Očigledno u ovim biografske činjenice vidi se odraz tragičnih kontradikcija koje su definirale majstorovu umjetnost. Husov rad bio je poznat i cijenjen, a privlačio je pažnju i izvan Holandije. Jean Clouet Stariji (majstor iz Moulinsa) bio je pod velikim utjecajem njegove umjetnosti, Domenico Ghirlandaio je poznavao i proučavao oltarnu sliku Portinari. Međutim, savremenici ga nisu razumeli. Holandska umjetnost je stalno naginjala drugom putu, a izolirani tragovi utjecaja Husovog rada samo naglašavaju snagu i rasprostranjenost ovih drugih trendova. Najpotpunije i najdosljednije su se pojavljivali u djelima Hansa Memlinga.

Zemaljska taština, triptih, centralni panel,

Pakao, lijevi panel triptiha "Zemaljske taštine",
1485, Muzej likovne umjetnosti, Strazbur

Hans Memling, navodno rođen u Seligenstadtu, blizu Frankfurta na Majni, 1433. (umro 1494.), umjetnik je dobio odličnu obuku od Rogiera i, preselivši se u Briž, tamo je stekao široku slavu. Već relativno rani radovi otkrivaju smjer njegove potrage. Načela svjetlosti i uzvišenog od njega su dobila mnogo svjetovnije i zemaljsko značenje, a sve zemaljsko - određeno idealno ushićenje. Primjer je oltar s Bogorodicom, svecima i donatorima (London, Nacionalna galerija). Memling nastoji da sačuva svoj svakodnevni izgled pravi heroji i približi im idealne heroje. Uzvišeno načelo prestaje biti izraz određenih panteistički shvaćenih općih svjetskih sila i pretvara se u prirodno duhovno svojstvo čovjeka. Principi Memlingovog rada jasnije se pojavljuju u takozvanom Floreins-Altar (1479; Briž, Memlingov muzej), glavna pozornica a čije su desno krilo, u suštini, slobodne kopije odgovarajućih dijelova minhenskog oltara od Rogiera. On odlučno smanjuje veličinu oltara, odsijeca gornji i bočni dio Rogierove kompozicije, smanjuje broj figura i, takoreći, približava radnju gledaocu. Događaj gubi svoj veličanstveni obim. Slike učesnika gube svoju reprezentativnost i dobijaju privatne crte, kompozicija je nijansa mekog sklada, a boja, zadržavajući čistoću i prozirnost, potpuno gubi Rogirovljevu hladnu, oštru zvučnost. Čini se da treperi laganim, jasnim nijansama. Još karakterističnije je Blagovijesti (oko 1482; New York, Lehman zbirka), gdje se koristi Rogierova shema; Liku Marije date su crte meke idealizacije, anđeo je značajno žanrovski odjeven, a predmeti interijera oslikani su ljubavlju poput Van Eycka. Istovremeno, u Memlingovo stvaralaštvo sve više prodiru motivi italijanske renesanse - vijenci, puti itd. kompozicionu strukturu postaje sve odmjereniji i jasniji (triptih sa “Madonom s djetetom, anđelom i donatorom”, Beč). Umjetnik nastoji da izbriše granicu između konkretnog, građanskog svjetovnog principa i idealizirajućeg, harmoničnog.

Memlingova umjetnost privukla je veliku pažnju majstora sjevernih provincija. Ali su ih zanimale i druge karakteristike - one koje su bile povezane s utjecajem Husa. Sjeverne pokrajine, uključujući Holandiju, zaostajale su za južnim u tom periodu kako ekonomski tako i god. duhovno. Rano holandsko slikarstvo obično nije išlo dalje od kasnog srednjeg vijeka i provincijskog predloška, ​​a nivo njegovog zanata nikada se nije popeo do umjetnosti flamanskih umjetnika. Tek u posljednjoj četvrtini 15. stoljeća situacija se promijenila zahvaljujući umjetnosti Hertgen tot sint Jans. Živeo je u Harlemu, sa monasima Johanita (kojima duguje svoj nadimak - sint Jans znači Sveti Jovan) i umro je mlad - dvadeset osam godina (rođen u Leidenu (?) oko 1460/65, umro u Harlemu 1490- 1495 ). Hertgen je nejasno osjetio tjeskobu koja je zabrinjavala Husa. Ali, ne dižući se do svojih tragičnih uvida, otkrio je meki šarm jednostavnog ljudski osećaj. On je blizak Husu po interesovanju za unutrašnji, duhovni svet čoveka. Na broj glavni radovi Hertgen uključuje oltar napisan za Harlem Johannites. Od nje je preživjelo desno krilo, sada izrezano s obje strane. Njegova unutrašnja strana predstavlja veliku višefiguralnu scenu žalosti. Gertgen ostvaruje oba zadatka postavljena vremenom: prenošenje topline, humanosti osjećaja i stvaranje vitalno uvjerljivog narativa. Ovo posljednje je posebno uočljivo na vanjskoj strani vrata, gdje je prikazano spaljivanje posmrtnih ostataka Ivana Krstitelja Julijana Otpadnika. Učesnici radnje su obdareni prenaglašenim karakterom, a radnja je podeljena na više nezavisnih scena, od kojih je svaka prikazana živopisno. Usput, majstor stvara, možda, jedan od prvih grupnih portreta u evropskoj umjetnosti modernog doba: izgrađen na principu jednostavne kombinacije portretne karakteristike, anticipira rad iz 16. vijeka. Njegova „Porodica Hristova“ (Amsterdam, Rijksmuseum), predstavljena u unutrašnjosti crkve, interpretirana kao realno prostorno okruženje, pruža mnogo za razumevanje Geertgenovog dela. Figure u prvom planu ostaju značajne, ne pokazuju nikakva osećanja, održavajući svoj svakodnevni izgled sa smirenim dostojanstvom. Umjetnik stvara slike koje su možda i najgrađanskije prirode u umjetnosti Holandije. Istovremeno, značajno je da Gertgen shvaća nježnost, slatkoću i neku naivnost ne kao vanjske karakteristične znakove, već kao određena svojstva mir uma osoba. I ovo stapanje građanskog smisla za život sa dubokom emocionalnošću - važna karakteristika kreativnost Gertgena. Nije slučajno što duhovnim pokretima svojih junaka nije dao uzvišen, univerzalan karakter. Kao da namjerno sprečava svoje heroje da postanu izuzetni. Zbog toga ne izgledaju individualno. Oni imaju nježnost i nemaju drugih osjećaja ili stranih misli, sama jasnoća i čistoća njihovih iskustava čini ih daleko od svakodnevnog života. Međutim, rezultirajuća idealnost slike nikada se ne čini apstraktnom ili umjetnom. Ove karakteristike izdvajaju i jedno od najboljih umjetnikovih djela, “Božić” (London, Nacionalna galerija), malu sliku koja krije osjećaj uzbuđenja i iznenađenja.
Gertgen je rano umro, ali principi njegove umjetnosti nisu ostali u mraku. Međutim, majstor Braunšvajškog diptiha (“Sveti Bavo”, Braunšvajg, Muzej; “Božić”, Amsterdam, Rijksmuseum) i neki drugi njemu najbliži, njemu najbliži anonimni majstori, nisu toliko razvijali Hertgenove principe. jer im daju karakter široko rasprostranjenog standarda. Možda najznačajniji među njima je Gospodar Virgo inter virgines (nazvan po slici u amsterdamskom Rijksmuseumu koja prikazuje Mariju među svetim djevicama), koji je težio ne toliko psihološkom opravdanju emocija, koliko oštrini njihovog izražavanja u male, prilično svakodnevne i ponekad gotovo namjerno ružne figure ("Entombment", St. Louis, Muzej; "Lamentation", Liverpool; "Anunciation", Rotterdam). Ali isto tako. njegov rad je više dokaz iscrpljenosti stoljetne tradicije nego izraz njenog razvoja.

Oštar pad umjetničkom nivou primetno i u umetnosti južnih provincija, čiji su majstori sve više bili skloni da se zanose sitnim svakodnevnim detaljima. Zanimljiviji od ostalih je sam narativni Majstor legende o sv. Uršuli, koji je radio u Brižu 80-90-ih godina 15. veka („Legenda o sv. Uršuli“; Briž, samostan crnih sestara), nepoznati autor portreta supružnika Baroncelli koji nisu lišeni vještina (Firenca, Uffizi), a također i vrlo tradicionalni brižski majstor legende o Svetoj Luci (oltar Sv. Lucije, 1480, Briž, crkva sv. James, također poliptih, Talin, Muzej). Formiranje prazne, sitne umjetnosti na kraju 15. stoljeća neizbježna je antiteza traganja Husa i Hertgena. Čovek je izgubio glavna podrška njegov pogled na svet - vera u skladan i povoljan poredak univerzuma. Ali ako je zajednička posljedica ovoga bila samo osiromašenje prethodnog koncepta, onda je pažljiviji pogled otkrio prijeteće i misteriozne karakteristike svijeta. Da bi se odgovorilo na nerješiva ​​pitanja tog vremena, korištene su kasnosrednjovjekovne alegorije, demonologija i sumorna predviđanja. Sveto pismo. U uslovima rastućih akutnih društvenih kontradikcija i teških sukoba, Boschova umjetnost je nastala.

Hijeronim van Aken, zvani Bosch, rođen je u Hertogenbošu (tamo je umro 1516.), odnosno daleko od glavnih umetničkih centara Holandije. Njegovi rani radovi nisu bez nagoveštaja primitivnosti. Ali oni već na čudan način spajaju oštar i uznemirujući osjećaj za život prirode s hladnom grotesknošću u prikazu ljudi. Bosch odgovara na trend savremena umetnost- sa svojom žudnjom za stvarnim, sa svojom konkretizacijom slike o ličnosti, a zatim - smanjenjem njene uloge i značaja. On ovu tendenciju dovodi do određene granice. U Boschevoj umjetnosti pojavljuju se satirične ili, bolje rečeno, sarkastične slike ljudskog roda. Ovo je njegova “Operacija uklanjanja kamenja gluposti” (Madrid, Prado). Operaciju izvodi monah - i ovdje se pojavljuje zao osmeh sveštenstvu. Ali onaj kome se to radi, pozorno gleda u gledaoca i taj pogled nas čini uključenim u radnju. Sarkazam raste u Boschovom radu, on zamišlja ljude kao putnike na brodu budala (slika i crtež za njega su u Luvru). Okreće se narodnom humoru - i pod njegovim rukama poprima tamnu i gorku nijansu.
Bosch dolazi da afirmiše sumornu, iracionalnu i nisku prirodu života. On ne samo da izražava svoj pogled na svijet, svoj smisao za život, već mu daje moralnu i etičku ocjenu. "Pog sijena" jedno je od Boschovih najznačajnijih djela. U ovom oltaru ogoljeni osjećaj stvarnosti spojen je s alegorijom. Plast sijena aludira na staru flamansku poslovicu: “Svijet je plast sijena: i svako uzima iz njega ono što može zgrabiti”; ljudi se ljube naočigled i puštaju muziku između anđela i nekog đavolskog stvorenja; fantastična stvorenja vuku kola, a tata, car, radosno i poslušno ih prati obični ljudi: neki trče naprijed, jure između kotača i umiru, zgnječeni. Pejzaž u daljini nije fantastičan ili nevjerojatan. A iznad svega - na oblaku - je mali Hristos sa podignutim rukama. Međutim, bilo bi pogrešno misliti da Bosch gravitira metodi alegorijskih usporedbi. Naprotiv, on nastoji osigurati da njegova ideja bude utjelovljena u samoj suštini umjetničkih odluka, tako da se pred gledateljem ne pojavi kao šifrirana poslovica ili parabola, već kao generalizirajući bezuvjetni način života. Sa sofisticiranošću mašte nepoznatom srednjem vijeku, Bosch svoje slike naseljava stvorenjima koja bizarno kombinuju različite životinjske forme, ili životinjske oblike s predmetima neživog svijeta, stavljajući ih u očigledno nevjerovatne odnose. Nebo postaje crveno, ptice opremljene jedrima lete kroz vazduh, monstruozna stvorenja puze po licu zemlje. Ribe s konjskim nogama otvaraju usta, a pored njih su pacovi, koji na leđima nose žive drvene čamce iz kojih se izlegu ljudi. Sapi konja pretvaraju se u džinovski vrč, a repana glava se šunja negdje na tanke bose noge. Sve puzi i sve je obdareno oštrim, grebućim oblicima. I sve je zaraženo energijom: svako stvorenje - malo, varljivo, uporno - obuzima se ljutitim i ishitrenim pokretom. Bosch ovim fantazmagoričnim prizorima daje najveću uvjerljivost. Odbija da prikaže radnju koja se dalje odvija prednji plan, i širi ga na cijeli svijet. On svojim višefiguralnim dramskim ekstravagancijama daje jeziv ton u njihovoj univerzalnosti. Ponekad u sliku unese dramatizaciju neke poslovice - ali u njoj nema više humora. A u centar postavlja malu bespomoćnu figuricu sv. Antuna. Takav je, na primjer, oltar sa “Iskušenjem svetog Antuna” na centralnim vratima iz lisabonskog muzeja. Ali tada Bosch pokazuje neviđeno oštar, ogoljen osjećaj stvarnosti (posebno u scenama na vanjskim vratima spomenutog oltara). U Boschovim zrelim radovima svijet je neograničen, ali je njegova prostornost drugačija - manje brza. Vazduh se čini čistijim i vlažnijim. Ovako je napisan “Jovan na Patmosu”. Na poleđini ove slike, gde su u krugu prikazane scene Hristovog mučeništva, predstavljeni su zadivljujući pejzaži: prozirni, čisti, sa širokim rečnim prostorima, visokim nebom i drugim - tragični i intenzivni („Raspeće“). Ali što upornije Bosch razmišlja o ljudima. Pokušava da nađe adekvatan izraz njihovog života. On pribjegava obliku velikog oltara i stvara čudan, fantazmagoričan grandiozan spektakl grešnog života ljudi - „Vrt naslada“.

Najnoviji umjetnikovi radovi na čudan način spajaju fantaziju i stvarnost njegovih prethodnih radova, ali ih istovremeno karakteriše osjećaj tužnog pomirenja. Razbacani su ugrušci zlih stvorenja koja su se prije trijumfalno širila po cijelom polju slike. Pojedinačne, male, još se kriju ispod drveta, pojavljuju se iz tihih riječnih potoka ili trče duž pustih travnatih brda. Ali smanjile su se u veličini i izgubile aktivnost. Više ne napadaju ljude. A on (još sveti Antun) sjedi između njih - čita, razmišlja („Sveti Antun“, Prado). Boscha nije zanimala pomisao o položaju jedne osobe u svijetu. Sveti Antun u svojoj prethodni poslovi bespomoćan, jadan, ali ne i usamljen – u stvari, on je lišen onog dela nezavisnosti koji bi mu omogućio da se oseća usamljeno. Sada se pejzaž posebno odnosi na jednu osobu, a u Boschovom radu javlja se tema čovjekove usamljenosti u svijetu. Bosch završava umjetnost 15. stoljeća. Boschov rad dovršava ovu fazu čistih uvida, zatim intenzivnih traganja i tragičnih razočaranja.
Ali trend koji je personificirala njegova umjetnost nije bio jedini. Ništa manje simptomatičan nije još jedan trend povezan s radom majstora nemjerljivo manjeg obima - Gerarda Davida. Umro je kasno - 1523. godine (rođen oko 1460. godine). Ali, kao i Bosch, zatvorio je 15. vek. Već su njegova rana djela („Navještenje“; Detroit) prozaično realistična; djela sa samog kraja 1480-ih (dvije slike o zapletu suđenja Kambizu; Briž, Muzej) otkrivaju blisku vezu s Boutsom; bolje od ostalih kompozicija lirske prirode sa razvijenim, aktivnim pejzažnim okruženjem („Odmor na letu za Egipat“; Washington, Nacionalna galerija). Ali nemogućnost da majstor izađe van granica veka najjasnije se vidi u njegovom triptihu sa „Krštenjem Hristovim“ (početak 16. veka; Briž, Muzej). Čini se da je bliskost i minijaturnost slike u direktnom sukobu s velikim razmjerom slike. Realnost u njegovoj viziji je lišena života, opasna. Iza intenziteta boja nema ni duhovne napetosti ni osjećaja dragocjenosti univerzuma. Stil emajla slike je hladan, samostalan i lišen emocionalne svrhe.

15. vijek u Holandiji bio je vrijeme velike umjetnosti. Do kraja vijeka se iscrpio. Novi istorijski uslovi, prelazak društva u drugu fazu razvoja prouzrokovali su nova faza u evoluciji umetnosti. Nastao je s početka 16. vijeka. Ali u Holandiji, sa originalnom kombinacijom sekularnog principa sa religioznim kriterijumima u proceni životnih pojava, karakterističnim za njihovu umetnost, koja dolazi od van Eycksa, sa nemogućnošću da se sagleda osoba u njenoj samodovoljnoj veličini, van pitanja duhovnog zajedništva sa svijetom ili sa Bogom - u Holandiji je nova era neminovno morala nastupiti tek nakon najjače i najteže krize cjelokupnog dosadašnjeg pogleda na svijet. Ako u Italiji Visoka renesansa je bila logična posljedica Quattrocento umjetnosti, u Holandiji nije bilo takve veze. Idi na nova era pokazao se posebno bolnim, jer je u mnogome značio negiranje prethodne umjetnosti. U Italiji se raskid sa srednjovjekovnom tradicijom dogodio već u 14. stoljeću, a umjetnost italijanske renesanse zadržala je cjelovitost svog razvoja kroz cijelu renesansu. U Holandiji je situacija bila drugačija. Korišćenje srednjovekovnog nasleđa u 15. veku otežavalo je primenu ustaljenih tradicija u 16. veku. Za holandske slikare ispostavilo se da je linija između 15. i 16. stoljeća povezana s radikalnom promjenom njihovog pogleda na svijet.
Holandska umetnost 16. veka

U međuvremenu, ovo je posebno područje evropske kulture vrijedno detaljnijeg proučavanja, koje odražava izvorni život naroda Holandije u to vrijeme.

Istorija izgleda

Istaknuti predstavnici umjetničke umjetnosti počeo se pojavljivati ​​u zemlji u sedamnaestom vijeku. Francuski kulturolozi su im dali uobičajeno ime - "mali Holanđani", što nije vezano za skalu talenata i označava privrženost određenim temama iz svakodnevni život, nasuprot “velikom” stilu sa velikim platnima na istorijskim ili mitološke priče. Istorija nastanka holandskog slikarstva detaljno je opisana u devetnaestom veku, a autori radova o njemu su takođe koristili ovaj termin. “Mali Holanđani” su se odlikovali sekularnim realizmom, okrenuti okolnom svijetu i ljudima, koristili su se slikarstvom bogatim tonovima.

Glavne faze razvoja

Istorija holandskog slikarstva može se podijeliti na nekoliko perioda. Prvi je trajao otprilike od 1620. do 1630. godine, kada je realizam uspostavljen u nacionalnoj umjetnosti. Holandsko slikarstvo doživljava svoj drugi period 1640-1660. Ovo je vrijeme kada je lokalni procvat umetnička škola. Konačno, treći period, vreme kada je holandsko slikarstvo počelo da opada - od 1670. do početka osamnaestog veka.

Vrijedi to napomenuti kulturnim centrima promijenio za to vrijeme. U prvom periodu u Harlemu su radili vodeći umjetnici, a glavni predstavnik je bio Khalsa. Zatim se centar pomjerio u Amsterdam, gdje su najznačajnije radove izveli Rembrandt i Vermeer.

Scene iz svakodnevnog života

Prilikom nabrajanja najvažnijih žanrova holandskog slikarstva, imperativ je početi od svakodnevnog – najživopisnijeg i najoriginalnijeg u istoriji. Flamanci su bili ti koji su svijetu otkrili scene iz svakodnevni život obični ljudi, seljaci i građani ili građani. Pioniri su bili Ostade i njegovi sljedbenici Audenrogge, Bega i Dusart. Na Ostadeovim ranim slikama ljudi igraju karte, svađaju se, pa čak i svađaju u kafani. Svaku sliku odlikuje dinamičan, pomalo brutalan karakter. Holandsko slikarstvo tog vremena govori i o mirnim scenama: na nekim radovima seljaci razgovaraju uz lulu i čašu piva, provode vrijeme na vašaru ili sa svojim porodicama. Rembrandtov utjecaj doveo je do široke upotrebe mekog, zlatno obojenog chiaroscura. Urbane scene inspirisale su umjetnike kao što su Hals, Leicester, Molenaar i Codde. Sredinom sedamnaestog veka majstori su prikazivali doktore, naučnike u procesu rada, sopstvene radionice, kućne poslove, ili je svaki zaplet trebao biti zabavan, ponekad groteskno didaktičan. Neki majstori su bili skloni poetizaciji svakodnevnog života, na primjer, Terborch je prikazivao scene sviranja ili flerta. Metsu je koristio jarke boje, pretvarajući svakodnevni život u praznik, a de Hooch je bio inspirisan jednostavnošću porodični život, preplavljena difuznom dnevnom svetlošću. Kasniji predstavnici žanra, koji uključuju takve holandske majstore slikarstva kao što su Van der Werff i Van der Neer, u potrazi za elegantnim prikazom, često su stvarali pomalo pretenciozne subjekte.

Priroda i pejzaži

Osim toga, holandsko slikarstvo je široko zastupljeno u žanru pejzaža. Prvi put se pojavio u djelima takvih majstora iz Harlema ​​kao što su van Goyen, de Moleyn i van Ruisdael. Upravo su oni počeli da prikazuju ruralna područja u određenom srebrnastom svjetlu. Materijalno jedinstvo prirode došlo je do izražaja u njegovim djelima. Posebno vredi pomenuti seascapes. Marinisti iz 17. stoljeća uključivali su Porsellisa, de Vliegera i van de Capellea. Nisu se toliko trudili da prenesu određene morske prizore koliko su pokušavali da dočaraju samu vodu, igru ​​svetlosti na njoj i na nebu.

Do druge polovine sedamnaestog veka, u žanru su se pojavila emotivnija dela sa filozofskim idejama. Jan van Ruisdael je do maksimuma razotkrio ljepotu holandskog pejzaža, oslikavajući ga u svoj njegovoj dramatičnosti, dinamici i monumentalnosti. Hobbem, koji je više volio sunčane krajolike, nastavio je svoju tradiciju. Koninck je slikao panorame, a van der Neer je kreirao noćne pejzaže i prikazivao mjesečinu, izlazak i zalazak sunca. Određeni broj umjetnika karakterizira i prikaz životinja u pejzažima, na primjer, krave i konji koji pasu, kao i lov i scene s konjanicima. Kasniji umjetnici Počeli su da se zanimaju i za stranu prirodu - Bot, van Laer, Wenix, Berchem i Hackert su prikazali Italiju kako se kupa u zracima južnog sunca. Osnivač žanra bio je Sanredam, čiji se najbolji sljedbenici mogu nazvati braća Berkheide i Jan van der Heijden.

Slika enterijera

Zasebni žanr koji je odlikovao holandsko slikarstvo u vrijeme njegovog procvata može se nazvati prizorima s crkvom, palačom i kućnim prostorijama. Interijeri su se pojavili na slikama druge polovine sedamnaestog veka majstora Delfta - Haukgeesta, van der Vlieta i de Wittea, koji je postao glavni predstavnik pokreta. Koristeći Vermeerove tehnike, umjetnici su prikazivali prizore okupane sunčevom svjetlošću, puna emocija i volumen.

Slikovita jela i jela

Konačno, još jedan karakterističan žanr holandskog slikarstva je mrtva priroda, posebno prikaz doručka. Prvi su ga preuzeli stanovnici Harlema ​​Claes i Heda, koji su oslikali postavljene stolove s luksuznim posuđem. Pitoreskni haos i posebna dočaranost ugodnog interijera ispunjeni su srebrno-sivim svjetlom, karakterističnim za srebro i kositar. Utrehtski umjetnici slikali su bujne cvjetne mrtve prirode, a u Hagu su umjetnici bili posebno dobri u prikazivanju riba i morskih gmizavaca. U Leidenu je nastao filozofski pravac žanra, u kojem lobanje i pješčani sat koegzistiraju sa simbolima senzualnog užitka ili zemaljske slave, dizajnirani da podsjećaju na prolaznost vremena. Demokratske kuhinjske mrtve prirode karakteristična karakteristika umetnička škola u Roterdamu.

Glavni trendovi, faze razvoja slikarstva i holandski ikonski slikari.

Holandsko slikarstvo

Uvod

Holandsko slikarstvo 17. stoljeća ponekad se pogrešno smatra umjetnošću za srednju klasu, obožavanje Flamansko slikarstvo ovog perioda i nazivajući ga dvorskim, aristokratskim. Ništa manje pogrešno nije mišljenje da se holandski umjetnici bave samo oslikavanjem neposrednog čovjekovog okruženja, koristeći u tu svrhu pejzaže, gradove, mora i ljudske živote, dok je flamanska umjetnost posvećena istorijskom slikarstvu, koje se u teoriji umjetnosti smatra uzvišenijom. žanr. Nasuprot tome, javne zgrade u Holandiji, za koje se očekivalo da imaju impozantan izgled, kao i bogati posjetioci, bez obzira na njihova vjerska uvjerenja ili porijeklo, zahtijevali su slike s alegorijskim ili mitološkim temama.

Svaka podjela holandske slikarske škole na flamansku i holandsku granu do početka 17. stoljeća. zbog stalne kreativne razmjene između područja, to bi bilo umjetno. Na primjer, Pieter Aertsen, rođen u Amsterdamu, radio je u Antwerpenu prije nego što se vratio u svoj rodni grad 1557. godine, a njegov učenik i nećak Joachim Bukelaer proveo je cijeli život u Antwerpenu. U vezi sa potpisivanjem Utrehtske unije i odvajanjem sedam sjevernih provincija, mnogi stanovnici nakon 1579–1581. emigrirao iz sjeverne Holandije u protestantski dio umjetno podijeljene zemlje.

"mesnica" Artsen.

Razvoj umjetnosti

Podsticaj za samostalan razvoj holandskog slikarstva došao je od flamanskih umjetnika. Bartholomeus Spranger, rođen u Antwerpenu, a školovan u Rimu, postao je osnivač virtuoznog, dvorskog, umjetnog stila, koji je, kao rezultat Šprangerovog privremenog boravka u Beču i Pragu, postao međunarodni "jezik". Godine 1583., slikar i teoretičar umjetnosti Karel van Mander donio je ovaj stil u Harlem. Jedan od glavnih majstora ovog manirizma iz Harlema ​​ili Utrechta bio je Abraham Bloemaert.

Tada Isaiah van de Velde, rođen u Holandiji u porodici emigranata iz Flandrije, i studirajući u krugu slikara u čijem su središtu flamanski umjetnici David Vinkboons i Gillies Koninksloe, razvio je realistički stil slikanja u svojim ranim slikama, koji se odnosio na Jana Bruegela. Stariji, sa jarkim gradacijama boja umetničkih planova. Oko 1630. godine u Holandiji se uspostavio trend ujedinjavanja umjetničkog prostora i spajanja boja iz različitih slojeva. Od tada je višestruka priroda prikazanih stvari ustupila mjesto osjećaju prostora i atmosferi prozračne izmaglice, koji su se prenosili postupno sve većom monohromatskom upotrebom boja. Isaiah van de Velde utjelovio je ovu stilsku revoluciju u umjetnosti zajedno sa svojim učenikom Janom van Goenom.

Zimski pejzaž. Velde.

Jedan od najmonumentalnijih pejzaža visokog baroka, "Velika šuma", Jacoba van Ruisdaela, pripada narednom periodu razvoja holandskog slikarstva. Gledalac više ne mora da doživljava prilično amorfan izgled prostranog prostora u sivo-smeđim tonovima sa nekoliko upečatljivih motiva; od sada se stvara utisak fiksne, energetski naglašene strukture.

Žanrovsko slikarstvo

Holandsko žanrovsko slikarstvo, koje se, zapravo, teško može nazvati samo portretima svakodnevnog života, često noseći moralističku poruku, predstavljeno je u Beču radovima svih njegovih glavnih majstora. Njegov centar bio je Lajden, gdje je Gerard Doux, prvi Rembrandtov učenik, osnovao školu poznatu kao Lajdenska škola lijepog slikarstva (fijnschilders).

Figurativno slikarstvo

Sastanak službenika kompanije. Frans Hals.

Three Greatest Holandski majstori figurativno slikarstvo, Frans Hals, Rembrandt i Jan Vermeer iz Delfta, pratili su jedno drugo u intervalu od gotovo cijele generacije. Hals je rođen u Antverpenu i radio je u Harlemu uglavnom kao slikar portreta. Za mnoge je on personificirao otvorenog, veselog i spontanog virtuoznog slikara, dok umjetnost Rembrandta, mislioca - kako kliše kaže - otkriva porijeklo ljudska sudbina. Ovo je i pošteno i pogrešno. Ono što vam odmah upada u oči kada gledate Halsov portret ili grupni portret je sposobnost da u pokretu prenesete osobu koja je preplavljena emocijama. Da bi prikazao prolazni trenutak, Hals koristi otvorene, primjetno nepravilne poteze, koji se ukrštaju u cik-cak ili šrafuru. Ovo stvara efekat površine koja neprestano svetluca, poput skice, koja se spaja u jednu sliku samo kada se gleda sa određene udaljenosti. Nakon povratka Rothschildovih "darova", ekspresivan portret čovjeka u crnom nabavljen je za kolekciju princa od Lihtenštajna i tako vraćen u Beč. Kunsthistorisches Museum posjeduje samo jednu sliku Franza Halsa, portret mladića koji je već bio u kolekciji Karla VI kao jedan od rijetkih primjera “protestantske” umjetnosti u Holandiji. Oslikani portreti kasni period Halsova djela, bliža djelima Rembranta po psihološkom prodoru i nedostatku poziranja.

Zahvaljujući suptilnim prijelazima nijansi i područja chiaroscura, Rembrandtov chiaroscuro kao da obavija figure u rezonantnom prostoru u kojem borave raspoloženje, atmosfera, nešto nematerijalno, pa čak i nevidljivo. Rembrantov rad u bečkoj galeriji slika predstavljen je samo portretima, iako se "Umjetnikova majka" i "Umjetnikov sin" mogu smatrati i jednofigurama. istorijske slike. U takozvanom „Velikom autoportretu“ iz 1652. godine umetnik se pojavljuje pred nama u smeđoj bluzi, sa licem okrenutim na tri četvrtine. Pogled mu je samouvjeren, pa čak i prkosan.

Vermeer

Vermeerova nedramatična umjetnost, u potpunosti fokusirana na kontemplaciju, smatrana je odrazom holandske srednje klase, sada neovisne i zadovoljne onim što je imala. Međutim, jednostavnost umjetnički koncepti Vermeer je varljiv. Njihova jasnoća i smirenost rezultat su precizne analize, uključujući korištenje najnovijih tehničkih izuma kao što je camera obscura. „Alegorija slike“, nastala oko 1665–1666. pinnacle piece Vermeera, u smislu rada sa bojom, možemo nazvati njegovom najambicioznijim slikarstvom. Proces koji je pokrenuo Jan van Eyck, rodom iz sjeverne Nizozemske, pasivno, odvojeno promišljanje nepokretnog svijeta, oduvijek je ostao glavna tema holandskog slikarstva i u Vermeerovim djelima dosegao je alegorijsku i istovremeno stvarnu apoteozu.

Ažurirano: 16. septembra 2017. od: Gleb

Holland. 17. vek Zemlja doživljava neviđeni prosperitet. Takozvano "zlatno doba". Krajem 16. vijeka, nekoliko provincija zemlje steklo je nezavisnost od Španije.

Sada je protestantska Holandija krenula svojim putem. I katolička Flandrija (današnja Belgija) pod okriljem Španije je svoja.

U nezavisnoj Holandiji gotovo nikome nije bilo potrebno religiozno slikarstvo. Protestantska crkva nije odobravala luksuzno ukrašavanje. Ali ova je okolnost "išla na ruku" sekularnom slikarstvu.

Bukvalno svaki stanovnik nove zemlje probudio je ljubav prema ovoj vrsti umjetnosti. Holanđani su hteli da vide na slikama sopstveni život. A umjetnici su ih rado dočekali na pola puta.

Nikada ranije okolna stvarnost nije bila toliko oslikana. Obični ljudi, obične sobe i najobičniji doručak gradskog stanovnika.

Realizam je procvjetao. Sve do 20. vijeka biće dostojna konkurencija akademizmu sa svojim nimfama i grčkim boginjama.

Ovi umjetnici se zovu "mali" Holanđani. Zašto? Slike su bile male veličine, jer su stvorene za male kuće. Dakle, gotovo sve slike Jana Vermeera nisu veće od pola metra.

Ali druga verzija mi se više sviđa. Živeo je i radio u Holandiji u 17. veku veliki majstor, “veliki” Holanđanin. A svi ostali su bili “mali” u odnosu na njega.

Govorimo, naravno, o Rembrantu. Počnimo s njim.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoportret u 63. godini. 1669 Nacionalna galerija London

Rembrandt je tokom svog života iskusio širok spektar emocija. Zato u njegovom ranom radu ima toliko zabave i hrabrosti. I toliko je kompleksnih osećanja - u kasnijim.

Evo ga mlad i bezbrižan na slici” Prometni sin u kafani." Na koljenima je njegova voljena supruga Saskia. on - popularni umjetnik. Narudžbe stižu.

Rembrandt. Razmetni sin u kafani. 1635. Galerija starih majstora, Drezden

Ali sve ovo će nestati za otprilike 10 godina. Saskia će umrijeti od konzumacije. Popularnost će nestati kao dim. Velika kuća sa jedinstvena kolekcija uzeti će te za dugove.

Ali pojaviće se isti Rembrandt koji će ostati vekovima. Ogoljeni osjećaji heroja. Njihove najdublje misli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals je jedan od najveći slikari portreta svih vremena. Stoga bih i njega svrstao u „velike“ Holanđanine.

U Holandiji je u to vrijeme bio običaj naručiti grupne portrete. Tako se pojavilo mnogo sličnih radova na kojima su prikazani ljudi koji rade zajedno: strijelci jednog esnafa, doktori jednog grada, upravnici staračkog doma.

U ovom žanru Hals se najviše ističe. Uostalom, većina ovih portreta izgledala je kao špil karata. Ljudi sjede za stolom sa istim izrazom lica i samo gledaju. Sa Halsom je bilo drugačije.

Pogledajte njegov grupni portret „Strijele ceha sv. Džordž."

Frans Hals. Strijele ceha sv. George. 1627 Muzej Fransa Halsa, Harlem, Holandija

Ovdje nećete naći ni jedno ponavljanje u pozi ili izrazu lica. Istovremeno, ovdje nema haosa. Ima puno likova, ali niko se ne čini suvišnim. Zahvaljujući neverovatno pravilnom rasporedu figura.

Čak i na jednom portretu, Hals je bio superiorniji od mnogih umjetnika. Njegovi uzorci su prirodni. Ljudi iz visoko društvo njegove slike su lišene izmišljene veličine, a modeli iz nižih klasa ne izgledaju poniženo.

I njegovi likovi su takođe veoma emotivni: smeju se, smeju i gestikuliraju. Kao, na primjer, ovaj "Ciganin" lukavog pogleda.

Frans Hals. Gypsy. 1625-1630

Hals je, kao i Rembrandt, završio svoj život u siromaštvu. Iz istog razloga. Njegov realizam bio je u suprotnosti sa ukusima njegovih kupaca. Ko je želeo da im izgled bude ulepšan. Hals nije prihvatio otvoreno laskanje i time je potpisao svoju rečenicu - "Zaborav".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Autoportret. 1668 Kraljevska galerija Mauritshuis, Hag, Holandija

Terborch je bio majstor svakodnevni žanr. Bogati i ne tako bogati građani ležerno razgovaraju, dame čitaju pisma, a kurva gleda udvaranje. Dvije ili tri blisko raspoređene figure.

Upravo je ovaj majstor razvio kanone svakodnevnog žanra. Koje će kasnije posuditi Jan Vermeer, Pieter de Hooch i mnogi drugi “mali” Holanđani.

Gerard Terborch. Čaša limunade. 1660-ih. Državni muzej Ermitaž, Sankt Peterburg

"Čaša limunade" jedno je od poznatih Terborchovih djela. To pokazuje još jednu prednost umjetnika. Nevjerovatno realistična slika tkanine haljine.

Terborch ima i neobične radove. Što dovoljno govori o njegovoj želji da prevaziđe zahtjeve kupaca.

Njegov "Mlinac" prikazuje život najsiromašnijih ljudi u Holandiji. Navikli smo da na slikama “malih” Holanđana vidimo ugodna dvorišta i čiste sobe. Ali Terborch se usudio pokazati neuglednu Holandiju.

Gerard Terborch. Grinder. 1653-1655 Državni muzeji Berlina

Kao što razumijete, takav posao nije bio tražen. I rijetka su pojava čak i među Terborchom.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Umetnička radionica. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Beč

Ne zna se pouzdano kako je Jan Vermer izgledao. Očigledno je samo da je na slici „Umjetnička radionica“ prikazao samog sebe. Istina s leđa.

Stoga je iznenađujuće da je nedavno postalo poznato nova činjenica iz života majstora. Povezuje se sa njegovim remek-djelom “Delft Street”.

Jan Vermeer. Delft street. 1657 Rijksmuseum u Amsterdamu

Ispostavilo se da je Vermer proveo detinjstvo u ovoj ulici. Kuća na slici pripadala je njegovoj tetki. Tamo je podigla petoro djece. Možda ona sjedi na pragu i šije dok se njeno dvoje djece igraju na trotoaru. Sam Vermeer je živio u kući preko puta.

Ali češće je prikazivao unutrašnjost ovih kuća i njihove stanovnike. Čini se da su zapleti slika vrlo jednostavni. Evo jedne lijepe dame, bogate gradske stanovnice, koja provjerava rad svoje vage.

Jan Vermeer. Žena sa vagom. 1662-1663 Nacionalna galerija umjetnosti, Washington

Zašto se Vermer istakao među hiljadama drugih „malih“ Holanđana?

Bio je savršeni majstor Sveta. Na slici "Žena sa vagom" svjetlost nježno obavija lice junakinje, tkanine i zidove. Davanje slici nepoznate duhovnosti.

A kompozicije Vermeerovih slika su pažljivo provjerene. Nećete naći nijedan nepotreban detalj. Dovoljno je ukloniti jedan od njih, slika će se "raspasti", a magija će nestati.

Sve ovo Vermeeru nije bilo lako. Takav neverovatan kvalitet zahtevao je mukotrpan rad. Samo 2-3 slike godišnje. Kao rezultat toga, nemogućnost prehranjivanja porodice. Vermeer je radio i kao trgovac umjetninama, prodajući djela drugih umjetnika.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pieter de Hooch. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoch se često poredi sa Vermerom. Radili su u isto vrijeme, čak je postojao period u istom gradu. I to u jednom žanru - svakodnevnom. U Hochu također vidimo jednu ili dvije figure u ugodnim holandskim dvorištima ili sobama.

Otvori vrata a prozori prostor njegovih slika čine višeslojnim i zabavnim. I figure se vrlo skladno uklapaju u ovaj prostor. Kao, na primjer, na njegovoj slici "Sluškinja s djevojkom u dvorištu".

Pieter de Hooch. Sluškinja sa devojkom u dvorištu. 1658 London National Gallery

Sve do 20. vijeka, Hoch je bio veoma cijenjen. Ali malo ljudi je primijetilo male radove njegovog konkurenta Vermeera.

Ali u 20. veku sve se promenilo. Hochova slava je izbledela. Međutim, teško je ne prepoznati njegova dostignuća u slikarstvu. Malo ko bi mogao tako kompetentno da kombinuje okruženje i ljudi.

Pieter de Hooch. Kartaši u sunčanoj prostoriji. 1658 Royal Art Collection, London

Imajte na umu da u skromnoj kući na platnu „Igrači karata“ visi slika u skupom okviru.

Ovo još jednom pokazuje koliko je slikarstvo bilo popularno među običnim Holanđanima. Slike su ukrašavale svaki dom: kuću bogatog građanina, skromnog gradskog stanovnika, pa čak i seljaka.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoportret sa lutnjom. 1670-ih Muzej Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen je možda najveseliji "mali" Holanđanin. Ali ljubavno moralno učenje. Često je prikazivao kafane ili siromašne kuće u kojima je postojao porok.

Njegovi glavni likovi su veseljaci i dame lake vrline. Hteo je da zabavi gledaoca, ali ga latentno upozori na začarani život.

Jan Steen. To je nered. 1663 Kunsthistorisches Museum, Beč

Sten ima i tiši rad. Kao, na primjer, "Jutarnji toalet". Ali i ovdje umjetnik iznenađuje gledatelja previše otkrivajućim detaljima. Ima tragova elastične čarape, a ne prazne komorne posude. I nekako nikako nije prikladno da pas leži tačno na jastuku.

Jan Steen. Jutarnji toalet. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Ali uprkos svoj neozbiljnosti, rješenja u boji Zid je veoma profesionalan. U tome je bio superioran u odnosu na mnoge “male Holanđane”. Pogledajte kako se crvena čarapa savršeno slaže s plavom jaknom i svijetlim bež tepihom.

7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografija iz knjige iz 19. stoljeća.