Родился в семье ювелира. До нашего времени не дошло достоверных сведений о первых 29 годах жизни Пула. Среди вероятных учителей называют Эсайаса ван де Велде , Арта ван дер Нера . В регистрационном документе Гильдии Св. Луки от 17 октября 1650 года он упоминается как пейзажист. Через год Пул женился. Супруги стали свидетелем порохового взрыва 12 октября 1654 года. Вероятно, одна из их дочерей стала жертвой этой катастрофы (она была похоронена на местном кладбище за два дня, 14 октября 1654 года). Трое дочерей Пула были крещены в Делфте. Ноябрём 1655 года датируется запись о крестинах сына в Роттердаме. Через девять лет после этого мастер умер.

Творчество

В ранних работах обращался к изображению мирных крестьянских дворов, пейзажей. Пороховой взрыв в Делфте в 1654 году повлиял на всё дальнейшее творчество Пула: до наших дней сохранилось около двадцати его работ на этот сюжет.

«Вид Делфта после взрыва», 1654

Изображены обугленные деревья, остатки зданий и грудь щебня. На переднем плане люди помогают раненым, утешают друг друга. Слева на холсте изображены два городских собора, которые также пострадали от взрыва. Справа композиция сбалансирована благодаря широкому открытому пространству. Низкое расположение горизонта подчёркивает опустошённость, глубину пространства. С конца 1640-х применение чётких световых эффектов становится характерной особенностью работ Пула.

Одним из повторяющихся сюжетов становится также изображение ночных пожаров («Взрыв магазина в Делфте», 1654; «Ночной пожар», Эрмитаж). На них одни люди пытаются спасти от огня свои вещи, другие - обокрасть соседей.

Заняв эту нишу в живописи Голландии, Пут прославился в ней и считался лучшим художником, изображавшим огонь.

«Празднование с факелами»

На этой ночной сцене представлены готическое здание XVI века, выходящее на старейший канал в Делфте. Прохожие удивленно смотрят на факелы, которые создавались, вероятно, из бочек, наполненных смолой. Сюжет не объясняется художником. Вероятно, подобное празднование в городе было устроено в честь подписания мирного договора между Нидерландами и Испанией в 1648 году в Мюнстере.

Другой ночной пейзаж, который датируется 1660-ми годами, изображает сцену из жизни рыбаков, которые делят улов после трудового дня.

В 1658 году Пул создает картину, изображающую крестьянский двор: на переднем плане - животные, корзина, бочка, колесо, ремень, разбитый кувшин, старая шляпа. На заднем плане человек поднимается по лестнице в голубятню. Пул не ставит целью изобразить тяжелые будни крестьянина, представляет идеализированную картину крестьянского быта (таким он представлялся городскому населению, которое составляло большинство в Нидерландах и было основными заказчиками картин Эгберта ван дер Пула).

Карел Фабрициус (нидерл. Carel Fabritius; крещён 27 февраля 1622 — 12 октября 1654) — голландский художник, один из самых талантливых учеников Рембрандта. Основоположник делфтской школы живописи. В музеях мира хранится сегодня 17 полотен Фабрициуса, с большей или меньшей вероятностью приписываемых художнику.

Карел Фабрициус (1622-1654) Автопортрет (около 1645, Музей Бойманса-ван Бёнингена, Роттердам)

Карел Питерс родился в 1622 году в Мидден Бемстере близ Гааги в семье учителя и священника Pieter Carelsz (назначенного во вновь созданный польдер Бемстер в 1619 г.). Его дед, родом из Гента, был министром (predikant) в Purmerend. У Карела было два младших брата, также художники: Барент Фабрициус (работал в Амстердаме) и Йоханнес Фабрициус (работал в Horn). По одной из версий псевдоним «Фабрициус» (от лат. faber — «плотник») обусловлен тем, что в юности Карел и его брат Барент обучались соответствующему ремеслу. Имя Фабрициус впервые появляется лишь в 1641 г.. Их отец, Питер Карелс, занимался живописью, о чем свидетельствует документ 1620 г., и, вероятно, был первым наставником своих сыновей.

Карел женился в 1641 г. на Aeltge van Hasselt, богатой соседке, сестре местного пастора, и поселился в Амстердаме на Runstraat. Около 1642 г. (одновременно с ) он стал учеником .

Attributed to Carel Fabritius. Bust of Rembrandt (circa 1641, Norton Simon Museum - Pasadena ).

Однако его работа в мастерской Рембрандта была весьма недолгой, поскольку в 1643 году после смерти жены (при рождении третьего ребенка) и, ранее, двух детей он вернулся в Мидден Бемстер, где оставался вплоть до 1650 г., года его второй женитьбы на Agatha van Pruyssen, вдове из Делфта.

Carel Fabritius. Автопортрет (около 1645, Старая пинакотека, Мюнхен) Самый ранний мюнхенский «Автопортрет», написанный около 1645 года, долгие годы имел плавающую атрибуцию. Исследователи не могли определиться, кто изображён на портрете, и кто автор портрета - сам ли Карел или его менее талантливый брат-художник- Барент. Эти сомнения были основаны на плохой сохранности и излишне формальном характере портрета по сравнению с двумя другими автопортретами. В последнем каталоге 2004 года портрет представлен как «Автопортрет» Карела Фабрициуса.

В 1651 г. он перебрался в Делфт и и следующем году стал членом гильдии св. Луки. Постепенно обрёл популярность в качестве мастера стенных росписей (не сохранились), а также портретиста.

Carel Fabritius. Young Man in a Für Cap (Self-portrait) (1654, Национальная галерея, Лондон)

В Делфте, он оторвался от влияния Рембрандта и разработал свой собственный стиль. Его техника стала легче и мягче, цвета ярче.Знаменитый еще при жизни, Фабрициус был если не непосредственным учителем (чему нет подтверждений), то, по крайней мере, главным вдохновителем , что справедливо отметил еще их современник, Арнолд Бон, в одном, часто цитируемом четверостишии. Так, в совершенно "вермеровской" манере написан поздний шедевр Карела, картина "Щегол" (1654, Гаага, Маурицхейс, прежде - собрание Торе Бюргер).

The goldfinch. Щегол (1654, Королевская галерея Маурицхёйс)

Я смущенно наклонился и взглянул на картину. Она была маленькой, самой маленькой на всей выставке и самой простой: желтый щегол на незатейливом бледном фоне прикован к насесту за веточку-ножку.
- Он был учеником Рембрандта и учителем Вермеера, - сказала мама. - И это крошечное полотно - то самое недостающее звено между ними. Ясный чистый дневной свет - сразу видно, откуда взялся у Вермеера свет такого качества. Конечно, в детстве я ни о чем таком и не подозревала, ни о какой исторической важности. Но она тут.
Я отступил назад, чтобы получше разглядеть картину. Птичка была серьезной, деловитой - никакой сентиментальности, - и то, как ловко, ладно вся она подобралась на жердочке, ее яркость и тревожный, настороженный взгляд напомнили мне детские фотографии моей матери - темноголового щегла с внимательными глазами.

Донна Тартт. Щегол

Маленький щегол изображен на насыщенном светом бежевом фоне, что очень отличает это произведение от манеры Рембрандта, с его искусственным освещением, как бы выхватывающем предметы из тени. Близок Вермеру и вкус Фабрициуса к "обманке" и к иллюзионистической перспективе, столь любимой всеми живописцами интерьеров. Об интересе Фабрициуса к этим проблемам свидетельствует и очень необычный "Вид Делфта" ("Продавец музыкальных инструментов", 1652, Лондон, Национальная галерея), с его расходящейся в стороны перспективой и первым планом, помещенным слева.

Carel Fabritius. View of the City of Delft (1652, Национальная галерея, Лондон)

Известно, что Карел Фабрициус погиб, вероятно, 12 октября 1654 г, при взрыве порохового склада, в результате которого был разрушен почти весь город (это происшествие отражено в живописи того времени, в частности, в картинах Восмара и Эгберта ван дер Пула).

Egbert Lievensz. van der Poel. Вид Дельфта после взрыва.Gezicht op Delft na de explosie van 1654 (1654)

Карел во время взрыва находился вместе со своей матерью, учеником Mattias Spoors и Simon Decker, дьяконом из Oude kerk, портрет которого он рисовал, в своем доме на Doelenstraat, неподалеку от пороховых складов. От полученных во время взрыва ранений он скончался через несколько часов в больнице. Предполагается, что в результате взрыва погибла и большая часть картин Карела Фабрициуса.

К сожалению, истинная оценка творчества художника затруднена тем, что дошедшие до нас его произведения очень немногочисленны. Реально нам известны только его поздние работы: Часовой (1654, Шверин, Гос. художественный музей), Щегол (Гаага, Маурицхёйс) и внушительный Портрет мужчины в латах, на фоне светлого неба (1654, Лондон, Нац. гал.), интересный тем, что представляет собой свободную вариацию на рембрандтовскую тему. Нередко эта картина рассматривается как автопортрет, однако этому доказательств нет. Сороковыми годами датируется еще несколько произведений, отмеченных влиянием колористических приемов Рембрандта: Воскрешение Лазаря (Варшава, Нац. музей) и Мученичество Иоанна Крестителя (Амстердам, Гос. музей), с элементами, близкими к манере раннего Флинка. По этим картинам можно сделать вывод, что у Рембрандта Фабрициус заимствовал вкус к плотной, богатой по колориту живописи, с акцентированными красочными пятнами, а также свободную фактуру, напоминающую Вермера и нашедшую свое воплощение в таком ключевом для художника произведении, как поразительный по исполнению Автопортрет (ок. 1650 ?, Роттердам, музей Бойманса-ван Бёнингена), одновременно очень рембрандтовский и характерный для самого Фабрициуса. Другие его произведения - главным образом, изображения стариков - излюбленное задание в мастерской Рембрандта (Париж, Лувр; Гаага, Маурицхёйс; Гронинген, музей).

The Beheading of John the Baptist (c. 1640 - c. 1645, Rijksmuseum, Amsterdam)

The Raising of Lazarus. (около 1643, Национальный музей в Варшаве (MNW))

Гера, скрывающаяся у Океана и Тефии (?)Hera verbergt zich tijdens het gevecht van de goden met de giganten (1642-1644, Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Москва)

Hagar and the Angel (1643-1645, Residenzgalerie, Salzburg)

Mercury and Argus (circa 1645-1647, Los Angeles County Museum of Art)

Portrait of a Bearded Man (Walker Art Gallery, Liverpool)

Study of an old man (Mauritshuis Royal Picture Gallery - The Hague)

Scholar at His Table (1644, Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud)

Portrait of a Seated Woman with a Handkerchief (около 1644,Art Gallery of Ontario - Toronto)

Portrait of a Lady (Landesgalerie - Hannover)

Abraham de Potter (1592-1650), silk sheet salesman from Amsterdam (1649, Государственный музей, Амстердам)

Спящий страж (Новая версия после реставрации 2005) (1654, Staatliches Museum Schwerin)

Мужской портрет. (около 1642, Лондон, Частное собрание)

Workshop of Рембрандт (1606-1669) возможно Carel Fabritius Ранее приписывалось Rembrandt
«Женский портрет» Formerly seen as portrait of Adriaantje Hollaer (1610-1693) by Rembrandt. Marriage portrait, which was pictured on the Dutch 100-guilder banknote, printed from 1947-1950. парная к предыдущей картине (около 1642, Англия, Частное собрание)

Приписывается: Карел Фабрициус (1622-1654) автор оригинала — Рембрандт (1606-1669) Saskia van Uylenburgh, Wife of the Painter Rembrandt (Королевский музей изящных искусств, Антверпен)

Приписывается: Карел Фабрициус (1622-1654) Servant presenting Saul"s crown to David. (между 1640 и 1649, Государственный музей, Амстердам)

Christ among the Doctors

Карел Фабрициус. Щегол. 33,5 х 22,8 см. 1654 г. Королевская галерея Маурицхейс, Гаага

«Он (Фабрициус) был учеником Рембрандта и учителем Вермеера… И это крошечное полотно (картина «Щегол») - то самое недостающее звено между ними».

Цитата из романа Донны Тартт «Щегол» (2013)

До выхода в свет романа Донны Тартт мало кто знал такого художника, как Фабрициус (1622-1654). А тем более его маленькую картину «Щегол» (33 х 23 см).

Но именно благодаря писательнице мир вспомнил мастера. И заинтересовался его картиной.

Фабрициус жил в Нидерландах в XVII веке. В . При этом был очень талантлив.

Но о нем забыли. Это искусствоведы считают его вехой в развитии искусства и пылинки сдувают с «Щегла». А обычные люди, даже любители живописи, мало что о нем знают.

Почему же так произошло? И что особенного в этом маленьком «Щегле»?

В чем необычность «Щегла»

К светлой, голой стене прикреплен птичий насест. На верхней перекладине сидит щегленок. Он - птичка невольная. К его лапке прикреплена цепочка, которая не даёт ему как следует взлететь.

Щеглы были излюбленными питомцами в Голландии в XVII веке. Так как их можно было обучить пить воду, которую они зачерпывали маленьким ковшиком. Это развлекало скучающих хозяев.

«Щегол» Фабрициуса принадлежит к так называемым картинам-обманкам. Они были очень популярны в то время в Голландии. Это было тоже развлечением для владельцев картины. Поражать ее 3D-эффектом своих гостей.

Но в отличие от многих других обманок того времени, у работы Фабрициуса есть одно существенное отличие.

Посмотрите на птичку в приближении. Что необычного вы в ней видите?

Карел Фабрициус. Щегол (фрагмент). 1654 г. Королевская галерея Маурицхёйс, Гаага

Широкие, небрежные мазки. Они как бы не до конца прорисованы, что создаёт иллюзию оперения.

В некоторых местах краска слегка растушевана пальцем, а на головке и грудке лежат еле различимые пятна сиреневатой краски. Все это создаёт эффект расфокусировки.

Ведь птичка по идее живая, и почему-то Фабрициус решил написать ее не в фокусе. Как будто птичка шевелится, и от этого изображение слегка размазывается. Чем Вам не ?

Но о фотокамере тогда не знали и о таком эффекте снимка тоже. Однако художник интуитивно почувствовал, что это сделает изображение более живым.

Это очень отличает Фабрициуса от его современников. Особенно специализировавшихся на обманках. Они, наоборот, были уверены, что реалистичное - значит четкое.

Посмотрите на типичную обманку художника Ван Хогстратена.

Сэмюэл Ван Хогстратен. Натюрморт-обманка. 1664 г. Художественный музей Дордрехта, Нидерланды

Если мы приблизим изображение, четкость останется. Все мазки спрятаны, все предметы выписаны тонко и очень аккуратно.

Ван Хогстратен. Натюрморт-обманка (деталь). 1664 г. Художественный музей Дордрехта, Нидерланды

В чем особенность Фабрициуса

Фабрициус учился в Амстердаме у 3 года. Но быстро выработал собственную манеру письма.

Если Рембрандт предпочитал писать светлое на темном, то Фабрициус писал темное на светлом. «Щегол» в этом плане - типичная для него картина.

Особенно эта разница между учителем и учеником заметна в портретах, по качеству которых Фабрициус не уступал Рембрандту.

Слева: Карел Фабрициус. Автопортрет. 1654 г. Национальная лондонская галерея. Справа: Рембрандт. Автопортрет. 1669 г. Там же.

Если даже Вермеер не был официальным учеником Фабрициуса, он однозначно попал под его влияние. Перенял некоторые его приемы. Умение передавать жизнь с помощью трепета мазков. А ещё потрясающий дневной свет, который так мягко обволакивает предметы и людей.

Да и светлые стены мы встречаем у Вермеера. На их фоне фигуры становятся ещё объемнее, а цвета ярче.

Ян Вермеер. . 1658-1660. Государственный музей, Амстердам

Трагическая гибель Фабрициуса

Фабрициус трагически погиб в 32 года. Это произошло по совершенно независящим от него причинам.

На случай внезапного вторжения в каждом голландском городе находился пороховой склад. В октябре 1654 года произошёл несчастный случай. Этот склад взлетел на воздух. А вместе с ним и треть города.

Реставратор из Чикаго обнаружил на картине голландского художника Эгберта ван дер Пула изображение освежеванной свиной туши, которое позднее было закрашено

Два года назад собрание мичиганского Calvin College пополнилось работой голландского художника Эгберта ван дер Пула (Egbert van der Poel, 1621-1664), подаренной одним из выпускников. На этой картине, написанной маслом на дубовой доске, автор изобразил мало примечательную жанровую сценку: внутри сарая женщина мешает что-то в миске, рядом играют двое детей, а на дальнем плане справа виднеются две мужские фигуры.

Вряд ли кто-то мог предположить, что это произведение станет поводом для интересного открытия. Летом прошлого года директор выставок в Calvin College Джоэл Цварт (Joel Zwart) поручил консерватору из Чикаго Барри Бауману (Barry Bauman) расчистить картину. Тот заметил, что лестница в левой части написана очень густо, и краска в этом месте даже начала отслаиваться. Удалив ее, консерватор обнаружил то, что первоначально хотел изобразить художник - свиную тушу, растянутую и подвешенную на лестнице.

«Она была закрашена, и вот вопрос: почему это было сделано? Скорее всего, это сделал не сам художник, - пояснил Джоэл Цварт. - Вероятно, картину купил состоятельный клиент». Можно предположить, что ему не понравился вид разделанной свиной туши и он нанял другого художника, который ее закрасил. По словам Цварта, после реставрации картина стала выглядеть совсем иначе, и, несомненно, лучше, чем прежде.

Кроме того, в результате реставрации выяснилось, что картина имеет пару. Вторая работа Эгберта ван дер Пула на аналогичную тему хранится сейчас в амстердамском Rijksmuseum.

Освежеванная свиная туша

Свиная туша является важной частью композиции картины Эгберта ван дер Пула - на нее падает больше всего света из полуоткрытой двери. Это свидетельствует о том, что автор хотел сфокусировать внимание зрителя именно на этом предмете.

Жанровые аспекты

Прежде всего, мясную тушу можно рассматривать как то, что она есть на самом деле. Ведь в те времена разделанные туши свиней и быков можно было увидеть в Нидерландах довольно часто. После забоя животное подвешивали вертикально на деревянной основе для того, чтобы мясо остыло и его было легче разрезать и приготовить. Вниз ставили емкость, куда стекала кровь, которую потом использовали для приготовления кровяной колбасы.

Ниже можно увидеть две картины середины XVII века на эту тему. Внизу слева - картина Исаака ван Остаде (Isaac van Ostade, 1621–1649) «Крестьяне около дома, забивающие свинью» (1641). Художник заостряет внимание зрителя на забое, изобразив темный топор на фоне более светлой стены дома. Но при этом сцена представлена как обычное событие в жизни семьи. Дети совершенно спокойно наблюдают за происходящим. Один из них (второй справа) держит на руках своего младшего братика (или сестричку), а другие дети (слева) вообще не обращают внимания на то, что происходит. Рядом с людьми - собака, по-видимому, подбирающая объедки.

Внизу справа представлен офорт 1645 года, выполненный братом Исаака, Адрианом ван Остаде (Adriaen van Ostade, 1610–1685). Здесь, как и в первом случае, забой свиньи изображен как явление повседневное, привычное для каждой семьи, и в том числе для детей. Это, несомненно, повлияло на композицию произведения - кажется, что свет, напоминающий отблески костра, исходит от самого животного.

Что же касается картины Эгберта ван дер Пула, то размещение свиньи у полуоткрытой двери могло быть связано с торговлей: части туши продавали через нее покупателям.

Исторические аспекты

Изображение освежеванной свиной туши встречается не только в произведениях XVII века. Оно также появляется в работах голландских художников XVI века. Подтверждением тому служит композиция Йоахима Бёккелара (Joachim Beuckelaer, 1530–1574) «Забитая свинья» (1563). В ней заметно влияние его учителя Питера Артсена (Pieter Aertsen, 1508–1575), писавшего рыночные сценки с мясными тушами. Но, в отличие от своего наставника, Бёккелар вынес изображение освежеванной туши на первый план, а человека переместил в сторону, в тень. Разделанная туша становится самостоятельной темой в живописи.

То же самое можно сказать об аналогичной работе Мартина ван Клеве (Martin van Cleve, 1520–1570) 1566 года. Туша животного вынесена вперед, в центр, а люди находятся на втором плане. Слева что-то готовит женщина, рядом с ней мужчина, пьющий из бутылки, а справа у открытой двери играют двое детей. Так же, как и у Бёккелара, у Ван Клеве мясная туша доминирует в плоскости картины, а все остальное лишь обрамляет ее.

Уже упоминавшийся выше Исаак ван Остаде, современник Эгберта ван дер Пула, создал множество картин с освежеванными свиными тушами. Две из них, представленные ниже, несомненно, были написаны под влиянием более ранних произведений XVI века. В обоих случаях центром композиции становится сама туша, окружающий ее интерьер аскетичен и темен. А свет, падающий из неопределенного источника на тушу животного, привлекает внимание зрителя именно к ней, и только к ней.

Символические интерпретации

Так почему же голландские художники посвящали целые полотна освежеванным тушам животных? Что они хотели этим сказать? Какой смысл они вкладывали в эти композиции? Все это рассматривается далее на примере произведений выдающегося голландского мастера Рембрандта ван Рейна (Rembrandt van Rijn, 1606–1669)

Рембрандт оказал огромное влияние на голландское искусство XVII века. Это касается портретной, пейзажной, религиозной и аллегорической живописи. Портреты этого великого мастера всегда проникают вглубь, они передают не только физическую оболочку модели, но и ее душу. Именно эта взаимосвязь физического и духовного получила отражение в двух его картинах с разделанными бычьими тушами, которые приведены ниже.

И в первой, и во второй работе зрителя поражает размер освежеванной и разрезанной туши, доминирующей в центре на переднем плане обеих композиций. Так же, как и в двух картинах Исаака ван Остаде, туша изображена на затемненном фоне, а освещение падает на нее из неопределенного источника. Более тонкий красочный слой в темных областях подчеркивает густоту и богатство красок в центре полотна. Люди присутствуют на обоих полотнах, но они оказываются в тени.

Рембрандт очень тщательно выписал подсыхающее мясо, вскрытую грудную клетку и округлые комья жира и запекшейся крови. С физической точки зрения это просто изображение убитого животного, предназначенного в пищу для людей. Но Рембрандт смог превратить этот образ в визуальную метафору духовной красоты. Эта мясная туша служит символом скоротечности земной жизни. Но при этом она также напоминает зрителю о духовности и святости. Ноги быка, подвешенного к деревянной перекладине, напоминают раскинутые руки, прибитые к кресту. А убиение теленка в XIII веке в изобразительном искусстве было символом распятия.

В картине 1655 года эти ощущения усиливает присутствие женщины. Она выглядывает из-за двери на втором плане, и кажется, что она испытывает волнение и смирение при виде этой сцены. Она как будто столкнулась со священнодействием, в котором правда и смысл жизни открыты, обнажены на показ всем. Фигура животного в этом случае становится одновременно знаком смерти и символом непрерывного цикла жизни.

Образы Эгберта Ван дер Пула

Понимание жанрового, исторического и символического значения освежеванной мясной туши в искусстве помогает лучше разобраться в том, что изображено в других частях картины.

Дети

Эгберт ван дер Пул изобразил двух детей. На первый взгляд кажется, что стоящий мальчик что-то пьет из какой-то фляги или бутылки. Однако открытие, которое было сделано в ходе реставрации, позволяет правильно истолковать позу ребенка. Для этого достаточно рассмотреть другие работы на аналогичную тему.

Например, на уже упоминавшейся выше картине Мартина ван Клеве в правой части композиции можно увидеть двух детей в дверном проеме. Стоящий малыш не отрывает взгляд от своего младшего братика, надувающего шарик. Но, если учесть контекст произведения, становится понятно, что ребенок надувает мочевой пузырь разделанного животного. Такие вещи в то время часто служили детям игрушкой.

Эта тема также повторяется в творчестве Исаака ван Остаде, в работах 1642 и 1645 года, которые приведены ниже. В обоих случаях на картине изображены дети, играющие с надутым мочевым пузырем свиньи. Сидящий мальчик в работе 1642 года очень похож на сидящего ребенка на картине Ван дер Пула. Это говорит о том, что художник, возможно, был знаком с этим более ранним произведением. Теперь становится понятно, что стоящий мальчик на картине Пула не пьет что-то, а надувает мочевой пузырь забитого животного.

С точки зрения жанра все вышеупомянутые художники просто показали одну из сцен повседневной жизни голландцев, в которой дети наверняка простодушно радовались новой игрушке.

Но каков более глубокий смысл присутствия детей? Зачем они написаны на картине? И какую коннотацию в этом случае приобретает пузырь?

Символическое значение пузыря заключено в пословице homo bulla («человек - пузырь»), которая часто употреблялась в XVI веке. Эразм Роттердамский (Erasmus Roterodamus) в своем сборнике «Пословицы» (Adagia, 1500) поясняет смысл этой поговорки так: «Нет ничего более хрупкого, мимолетного и пустого, чем человеческая жизнь. Пузырь - это округлая пустота, образующаяся в воде. Она поднимается и мгновенно исчезает».

Пузырь, как и воздушный шар, служит напоминанием о том, что наш мир может исчезнуть за одно мгновение. Этот образ очень хорошо передан в офорте Карела ван Сихема (Karel van Sichem) «Homo Bulla» (1617). На нем изображен надувающий пузыри ребенок, сидящий на черепе. На одном из пузырей даже имеется надпись «Homo». Значение этого офорта очень тесно связано с образом пузыря в картине ван дер Пула.

Похожая тема затронута и в картине Франса ван Мириса (Frans van Mieris) «Мальчик, пускающий пузыри» (1663). Пузыри сами по себе символизируют быстротечность жизни. Но автор повторяет этот мотив в композиции несколько раз. Картина датирована римскими цифрами, что напоминает зрителю о древней цивилизации, которая долгое время считалась непобедимой, но не устояла перед натиском варваров. Рама окна, из которого выглядывает мальчик, старая и потрескавшаяся. Стоящий на подоконнике подсолнух символизирует движение времени. Интересен и еще один факт: листья подсолнуха первоначально были написаны зеленым цветом с использованием смеси желтого и синего пигментов. Но постепенно непрочный желтый пигмент разрушился, и листья приобрели синюю окраску. Вот так сама картина стала примером недолговечности земного существования.

Намек на быстротечность жизни также содержится в офорте Рембрандта «Спящий боров» (1643). Животное, ничего не подозревающее о своей дальнейшей участи, мирно спит. Но на заднем плане мальчик уже радостно стиснул в руках свою игрушку - надутый пузырь. Похожий мотив можно найти и в уже упоминавшейся картине Мартина ван Клеве. Мальчик справа держит около шара, который надувает его брат, игрушечную стрелу - предзнаменование его будущей судьбы.

Фигуры

Напоминание о краткости бытия имеется в изображениях и других фигур на картине Эгберта ван дер Пула.

Женщина находится рядом с освежеванной свиной тушей. Она держит ложку и, кажется, что-то готовит в миске. Таким способом автор подчеркивает, что животное жизненно необходимо для пропитания семьи, а близость женщины говорит о важности ее роли в этом деле.

Ее образ контрастирует с изображенными справа двумя мужчинами, которые курят длинные глиняные трубки. Этот фрагмент включен в композицию не случайно, ведь трубки и дым связаны с голландской поговоркой des menschen leven gaat al een rook verbij, т. е. «жизнь человеческая уходит как дым». Курящаяся урна в офорте Homo Bulla имеет аналогичный смысл.

Длинные глиняные трубки можно увидеть и на картинах других художников. Например, в работе Дэвида Бэйли (David Bailly, 1584–1657) «Автопортрет с символами мирской суеты» (1651). Помимо трубки, напоминанием о скоротечности жизни служат череп, опрокинутый графин, потухшая свеча, сорванный цветок и песочные часы.

Заключение

Все оговоренные выше намеки скрыты внутри жанровой композиции, созданной Эгбертом ван дер Пулом. Но если найти им объяснение, они приобретают глубокий смысл и становятся крайне важными для всего произведения. Тот факт, что позднее изображение свиной туши было закрашено, скорее всего, объясняется непониманием тех значений, которые автор вложил в эту работу. Поэтому для реставратора было так важно вернуть картине ее первоначальный облик.

Материал подготовила Екатерина Онучина, AI

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов сайт, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. сайт не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.