Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

). Однако в рамках этой статьи мы будем рассматривать только предметное искусство.

Исторически сложилось, что все жанры делили на высокие и низкие. К высокому жанру или исторической живописи относили произведения монументального характера, несущие в себе какую-либо мораль, значимую идею, демонстрирующую исторические, военные события, связанные с религией, мифологией или художественным вымыслом.

К низкому жанру относили все, что связано с обыденностью. Это натюрморты, портреты, бытовая живопись, пейзажи, анимализм, изображение обнаженных людей и прочее.

Анимализм (лат. animal - животное)

Анималистический жанр возник еще в древности, когда первые люди рисовали на скалах хищных животных. Постепенно это направление переросло в самостоятельный жанр, подразумевающий выразительное изображение любых животных. Анималисты обычно проявляют большой интерес к животному миру, например, могут быть превосходными наездниками, держать домашних животных или просто длительно изучать их повадки. В результате замысла живописца животные могут представать реалистичными или в виде художественных образов.

Среди русских художников многие отлично разбирались в лошадях, например, и . Так, на известной картине Васнецова «Богатыри» богатырские кони изображены с величайшим мастерством: тщательно продуманы масти, поведение животных, уздечки и их связь с наездниками. Серов недолюбливал людей и считал лошадь во многих смыслах лучше человека, из-за чего часто изображал ее в самых разных сценах. хотя и рисовал животных, анималистом себя не считал, поэтому медведей на его знаменитой картине «Утро в сосновом лесу» создавал анималист К. Савицкий.

В царское время особо популярными стали портреты с домашними животными, которые были дороги человеку. Например, на картине императрица Екатерина II предстала с любимой собакой. Животные присутствовали также на портретах , и других русских художников.

Примеры картин известных русских художников в бытовом жанре

Историческая живопись

Этот жанр подразумевает монументальные картины, которые призваны передать обществу грандиозный замысел, какую-либо истину, мораль или продемонстрировать значимые события. В него входят работы на историческую, мифологическую, религиозную тематику, фольклор, а также военные сцены.

В древних государствах мифы и легенды долгое время считались событиями прошлого, поэтому их часто изображали на фресках или вазах. Позже художники начали отделять произошедшие события от вымысла, что выразилось в первую очередь в изображении батальных сцен. В Древнем Риме, Египте и Греции на щитах воинов-победителей часто изображали сцены героических сражений с целью демонстрации их торжества над врагом.

В эпоху Средневековья из-за засилья церковных догм преобладала религиозная тематика, в эпоху Возрождения общество обратилось к прошлому в основном с целью прославления своих государств и правителей, а с XVIII века к этому жанру часто обращались с целью воспитания молодежи. В России жанр получил массовое распространение в XIX веке, когда художники нередко пытались проанализировать жизнь русского общества.

В работах русских художников батальная живопись была представлена, например, и . Мифологические и религиозные сюжеты в своих картинах затрагивал , . Историческая живопись преобладала у , фольклор - у .

Примеры картин известных русских художников в жанре исторической живописи

Натюрморт (фр. nature - природа и morte - мертвая)

Этот жанр живописи связан с изображением неодушевленных предметов. Ими могут быть цветы, фрукты, блюда, дичь, кухонные принадлежности и иные предметы, из которых художник часто составляет композицию согласно своему замыслу.

Первые натюрморты появились еще в древних странах. В Древнем Египте было принято изображать подношения богам в виде разных кушаний. При этом на первом месте была узнаваемость предмета, поэтому древние художники особо не заботились о светотени или фактуре предметов натюрморта. В Древней Греции и Риме цветы и фрукты встречались на картинах и в домах для украшения интерьера, так что изображались уже более достоверно и живописно. Становление и расцвет этого жанра приходится на XVI и XVII века, когда натюрморты стали содержать скрытые религиозные и иные смыслы. Тогда же появилось и их множество разновидностей в зависимости от предмета изображения (цветочный, фруктовый, ученый и т.д.).

В России расцвет натюрморта приходится только на XX век, так как до этого его использовали в основном в учебных целях. Зато развитие это было стремительным и захватило , включая абстракционизм со всеми его направлениями. Например, создавал прекрасные композиции цветов в , предпочитала , работал в и нередко «оживлял» свои натюрморты, создавая у зрителя впечатление, что посуда вот-вот упадет со стола или все предметы сейчас начнут вращаться.

На изображаемые художниками объекты, безусловно, влияли и их теоретические воззрения или мировоззрение, душевное состояние. Так, у это были предметы, изображенные согласно открытому им принципу сферической перспективы, а экспрессионистские натюрморты поражали своим драматизмом.

Многие русские художники использовали натюрморт в основном в учебных целях. Так, не только оттачивал художественное мастерство, но и проводил множество экспериментов, по-разному раскладывая предметы, работая со светом и цветом. экспериментировал с формой и цветом линии, то уходя от реализма в чистый примитивизм, то смешивая оба стиля.

Иные художники соединяли в натюрмортах то, что изобразили ранее и свои излюбленные вещи. Например, на картинах можно встретить его любимую вазу, ноты и созданный им до этого портрет его супруги, а изображал любимые с детства цветы.

В этом же жанре работали и многие другие русские художники, например , и прочие.

Примеры картин известных русских художников в жанре натюрморта

Ню (фр. nudite - нагота, сокращенно nu)

Этот жанр призван изображать красоту обнаженного тела и появился еще до нашей эры. В древнем мире большое внимание уделяли физическому развитию, так как от этого зависело выживание всего человеческого рода. Так, в Древней Греции атлеты по традиции состязались обнаженными, чтобы мальчики и юноши лицезрели их отлично развитые тела и стремились к такому же физическому совершенству. Примерно в VII-VI вв. до н. э. появились и обнаженные мужские статуи, олицетворявшие физическую мощь мужчины. Женские же фигуры, напротив, всегда представали перед зрителями в одеяниях, так как обнажать женское тело было не принято.

В последующие эпохи отношение к обнаженным телам менялись. Так, во времена эллинизма (с конца VI века до н.э.) выносливость отошла на второй план, уступив место любованию мужской фигурой. В это же время стали появляться и первые женские обнаженные фигуры. В эпоху барокко идеальными считались женщины с пышными формами, во времена рококо первоочередной стала чувственность, а в XIX-XX веках картины или скульптуры с обнаженными телами (особенно мужскими) часто оказывались под запретом.

Русские художники неоднократно обращались в своих работах к жанру ню. Так, у это танцовщицы с театральными атрибутами, у это позирующие девушки или женщины в центре монументальных сюжетов. У это множество чувственных женщин, в том числе в парах, у это целая серия картин, изображающих обнаженных женщин за разными занятиями, а у - девушки, полные невинности. Некоторые, например, изображали и полностью нагих мужчин, хотя такие картины и не приветствовались обществом своего времени.

Примеры картин известных русских художников в жанре ню

Пейзаж (фр. Paysage, от pays - местность)

В этом жанре приоритетным является изображение естественной или созданной человеком окружающей среды: природных уголков, видов городов, сел, памятников и т.д. В зависимости от выбранного объекта выделяют природный, индустриальный, морской, сельский, лирический и иные пейзажи.

Первые пейзажи древних художников были обнаружены в наскальной живописи эпохи неолита и представляли собой изображения деревьев, рек или озер. Позже природный мотив использовали при украшении домой. В эпоху Средневековья пейзаж практически полностью вытеснила религиозная тематика, а в эпоху Возрождения, напротив, на первый план выступили гармоничные отношения человека и природы.

В России пейзажная живопись развивалась с XVIII века и первоначально ограничивалась (в этом стиле создавали пейзажи, например, и ), однако позднее целая плеяда талантливых русских художников обогатила этот жанр приемами из разных стилей и направлений. создал так называемый неброский пейзаж, то есть вместо погони за эффектными видами он изображал в русской природе самые сокровенные моменты. и пришли к лирическому пейзажу, поражавшего публику тонко передаваемым настроением.

У и это эпический пейзаж, когда зрителю демонстрируется вся грандиозность окружающего мира. бесконечно обращался к старине, Е. Волков умел любой неброский пейзаж превратить в поэтическую картину, поражал зрителя своим дивным светом в пейзажах, а мог бесконечно любоваться лесными уголками, парками, закатами и передавать эту любовь зрителю.

Каждый из пейзажистов концентрировал внимание на таком пейзаже, который увлекал его особенно сильно. Многие художники не могли пройти мимо масштабных строек и рисовали много индустриальных и городских пейзажей. Среди них работы ,

Каждый год с молотка в частные коллекции уходят сотни картин. Коллекционеры тратят миллионы долларов, для пополнения своих частных коллекций. Не всегда самые известные картины – самые дорогие картины. Наиболее известные картины мира принадлежат всемирно известным музеям, и в буквальном смысле слова, они бесценны. Давайте заглянем в разные музеи мира, и посмотрим на эти знаменитейшие произведения.

«Рождение Венеры»

Эта картина была написана великим флорентийским художником Сандро Боттичелли в 1485-1487годах. На ней изображена богиня Венера (в греческой мифологии – Афродита), вышедшая из морской пены. Сегодня эта картина представлена в музее Уффици во Флоренции.

«Водяные лилии»

43 года своей жизни Моне прожил в Живерни (небольшое местечко в 80 км, от Парижа), Он арендовал дом у нормандского помещика, а соседний участок земли, на котором располагался пруд – купил. Впоследствии на этом участке художник разбил два сада, один из которых был на воде. Мотивы водного сада занимают весомое место в творчестве художника. Работы из этой серии разлетелись по музеям всего мира, однако, приличная группа работ, представлена в музее Метрополитен в Нью-Йорке. Одна из самых известных картин в мире.

«Ночной Дозор»

Завершенная в 1642 году, на пике голландского Золотого Века, картина «Ночной дозор» является одной из самых известных картин голландского художника Рембрандта ван Рейна. На картине представлено Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга. Картина представлена в Государственном музее в Амстердаме.

«Крик»

Эта картина из серии работ норвежского художника – экспрессиониста Эдварда Мунка. На картина изображена страдающая фигура, на фоне кроваво-красного неба. Эдвард Мунк создал несколько вариаций «Крика». Представленная картина была написана в 1893 году и находилась в Национальной галерее Норвегии. Однако, в 1994 году работа была похищена, но через несколько месяцев найдена и возвращена в музей.

«Девушка с жемчужной сережкой»

Иногда эту картину называют "голландской Моной Лизой". «Девушка с жемчужной сережкой» была написана приблизительно в 1665 году нидерландским художником Яном Вермеером.

«Звездная ночь»

«Звездная ночь» была написана голландским художником Винсентом ван Гогом. Не смотря на то, что за всю жизнь художник продал лишь одну свою работу, поле его творческой деятельности очень богато. «Звездная ночь» - одна из его самых известных работ. На ней изображена деревня Сен-Реми. С 1941 года картина находится в музее современного искусства в Нью-Йорке.

«Мона Лиза»

Наиболее известной картиной мира до сих пор считается «Мона Лиза», которая была написана Леонардо да Винчи в эпоху Возрождения во Флоренции. Он начал писать этот шедевр в1503 (1504) году и закончил ее незадолго до своей смерти в 1519 году. В 1911 году «Мона Лиза» была похищена сотрудником Лувра Винченцо Перуджио, итальянским патриотом, который считал, что «Мона Лиза» должна быть возвращена в Италию. После 2-х летнего хранения картины у себя дома, Перуджио был пойман, при попытке продать картину директору галереи Уффици во Флоренции. Сегодня «Мона Лиза» висит снова в Лувре в Париже, где 6 миллионов человек видят картину каждый год.

Достояние мировой коллекции живописи исчисляется несколькими десятками тысяч полотен, из которых не одна сотня признана величайшими мировыми шедеврами. Считается, что если человек знаком с творчеством хотя бы десяти–пятнадцати художников, чьей руке принадлежат эти многочисленные работы, то его уже можно назвать культурным и образованным (хотя бы в сфере живописи). Но суть заключается не в пафосном проглатывании «отметки об успеваемости» – на этих полотнах изображены мудрость, тонкость, индивидуальность, успех, величие, труд… В картинах великих художников заключен сакральный смысл, и поистине образован и мудр тот, кто способен его рассмотреть. Далее речь пойдет о десятке самых известных картин в мире. Этот список не является рейтингом или его подобием – лишь малой толикой той вселенной, имя которой – Искусство.

1. Мона Лиза (Леонардо да Винчи)

Пожалуй, найдется мало цивилизованных людей в мире (если не говорить о диких племенах в первозданных местах планеты), которые не знают, как выглядит Мона Лиза кисти Леонардо да Вични, и уж тем более – тех, кто не слышал об этой известнейшей картине. Сегодня располагается она в Лувре (Париж). Своей известностью Мона Лиза обязана роковому событию – в начале прошлого века картина была похищена одним из сотрудников этого музея. В течение двух лет вся мировая пресса неустанно говорила об этом случае. Еще одним интересным моментом, достойным многолетних всемирных обсуждений, является улыбка Джоконды. Помимо этого, существуют даже высказывания, что на картине изображен юноша.

2. Тайная вечеря (Леонардо да Винчи)

Тайная вечеря – одна из лучших картин мирового искусства. Если предыдущее полотно было похищено из музея и на два года пропало из поля зрения общественности, то эта картина имеет поистине трагичное прошлое. Она представляет собой фреску, расположенную в одном из миланских монастырей. Тайная вечеря была украшением здания даже в то время, когда оно выполняло роль оружейной, тюрьмы, подвергалось бомбардировкам. Фреску реставрировали по меньшей мере пять раз. На ней изображен Иисус со своими двенадцатью учениками, расположенными за столом. Картина имеет огромное значение не только для мирового искусства, но и для религии – православия в частности.

3. Сикстинская Мадонна (Рафаэль Санти)

Современником Леонардо да Вични был Рафаэль Санти, который написал одну из известнейших картин — Сикстинскую Мадонну. Примечательно то, что в качестве «платформы» для картины использовалась не древесная доска, как в подавляющем большинстве случаев в живописи того времени, а полотно. Второй момент – его размер: 265х196 сантиметров. Огромная картина, ручная работа, тончайшие детали (например, задний фон картины сложен из лиц ангелов, которые первоначально многие принимают за облака) – это же гигантский труд! На полотне изображена Мадонна с младенцем, в окружении Святого Сикста и Святой Варвары. Известно, что натурщиками для Сикстинской Мадонны стали его возлюбленная (для главной героини), папа Юлий и племянница художника (для двух других персонажей соответственно).

4. Ночной дозор (Рембрандт)

«Ночной дозор» — одна из самых известных картин Рембрандта. Изначально это произведение называлось совершенно иначе. Однако, искусствоведческие деятели, обнаружившие его около двух веков назад подумали, будто действие происходит ночью, и полотно получило свое нынешнее название. В действительности же действо происходит днем, а его темнота – следствие копоти. Но мир узнал картину как «Ночной дозор», и поныне это название осталось неизменным. Среди величайших картин мира, это – тот немногочисленный случай, когда имя произведения не сохранилось первозданным, а было практически придумано «на абум».

5. Звездная ночь (Винсент Ван Гог)

Достоянием современного искусства стала и картина Ван Гога «Звездная ночь». Интересен тот факт, что художник написал эту работу по памяти, хотя и он, и многие другие художники преимущественно пишут с натуры – чего-то или кого-то. Также интересно, что в это время художник находился в психиатрической лечебнице, потому как страдал приступами безумия. Вот так безумец-художник написал мировой шедевр, так он практически создал новое направление в изобразительном искусстве, так он увековечил свое имя. И свет видел не мало сумасшедших и безумных, что оказывались гениями. А мир и дальше продолжает смеяться над безумцами!

6. Постоянство памяти (Сальвадор Дали)

«Постоянство памяти» — одно из самых известных произведений Сальвадора Дали. Находится картина в нью-йоркском Музее современного искусства. В продолжении о сумасшедших и гениях, стоит сказать, что идея для написания работы у художника появилась при… виде плавленого сыра! Ассоциации, которые продукт вызвал у Дали, побудили художника изложить на полотно свои идеи именно в таком виде. В этом общественности Дали признался лично, даже и не пытаясь скрыть своеобразной странности, подтолкнувшей его к написанию картины. А, вернувшаяся вечером в день написания полотна с кино, возлюбленная Сальвадора, пророчески заявила, что любой, кто единожды увидит «Постоянство памяти», уже никогда не способен будет забыть его.

7. Рождение Венеры (Сандро Боттичелли)

В числе самых известных картин мира – «Рождение Венеры» Сандро Боттичелли. Полотно располагается в не менее известной галерее Уффици, что находится во Флоренции. На картине художник изобразил мифологию появления на свет богини Афродиты: она плывет по морю к берегу на одной из половин раковины, подгоняемой Зефиром (богом западного ветра), который, находясь в объятиях своей супруги, наполняет потоки ветра цветами. На берегу ее ожидает грация, готовясь укрыть богиню мантией. Боттичелли использовал яичный желток в качестве защитного слоя картины, благодаря чему она отлично сохранилась до наших дней.

8. Девятый вал (Айвазовский)

Выдающаяся работа отечественного художника Ивана Айвазовского «Девятый вал» позволяет поистине гордиться тем, что среди величайших мировых произведений изобразительного искусства есть и наш вклад. Айвазовский известен тем, что его изобразительное пристрастие лежало в сфере изображения моря – этому он посвятил всю свою деятельность художника. «Девятый вал» получил огромное мировое призвание и вошел в число ста величайших картин мира.

9. Впечатление. Восходящее солнце (Клод Моне)

Полотно Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце», хранящееся в парижском музее, положило начало целому направлению живописи – импрессионизму. Это произведение родилось ранним утром на одном из старых французских аванпортов, как понятно, с натуры. Клон Моне, используя все свое мастерство, старался изобразить мимолетное чувство наслаждения от одного единственного момента, в чем и заключается суть импрессионизма, который стал развиваться в последующие годы. А свое название это направление в изобразительном искусстве получило благодаря первому слову в названии картины, которое на французском звучит как «импрессио».

Искусство уже на протяжении нескольких веков считается одним из самых ценных достояний человеческой культуры. Картины известных художников становятся государственным сокровищем, за которым следят неусыпно тысячи специалистов, а стоят они сотни миллионов долларов. В нашей стране искусство ценят значительно меньше, но каждому, пожалуй, знакомы следующие самые известные картины русских художников . Именно о них обязательно знает любой образованный человек.

Явление Христа народу Александр Иванов

«Явление Христа народу» достойно открывает топ самых известных картин русских художников. Русский художник Александр Иванов прославился картиной «Явление Христа народу», которую рисовал целых двадцать лет. Размеры картины поражают, как и ее детализация. Вдохновлялся автор, конечно же, сюжетами из Библии, и она стала далеко не первой работой художника на религиозную тематику – Иванов знал, что понравилось всем в первой картине и воплотил еще раз – в последний раз. Картину назвали современники не просто потрясающей, а самым важным событием в их жизни. По иронии судьбы сам Иванов умер в тот же день, а царь купил картину сразу после смерти автора.

Василий Пукирев

Одной из самых известных картин русских художников считается невероятно глубокое по смыслу полотно Василия Пукирева . Пукирев – ничем не примечательный сельский житель, который прославился только одной картиной – все остальные работы автора остались забытыми. Почему именно «Неравный брак»? Картина описывает сюжет из жизни самого Пукирева – он даже изображен на самой картине. Молодой Пукирев стоит на заднем плане со скрещенными руками, не в силах ничего поделать, ведь его невеста выходит замуж за старого генерала. Сам Костомаров, увидев полотно, взял в жены молодую девушку.

Грачи прилетели Алексей Саврасов

«Грачи прилетели» – самая известная картина русского художника Алексея Саврасова. Популярность картина получила еще во время своей первой выставки, где оценили ее реалистичность и душевность. «Такие пейзажи есть только в «Грачах»», – говорили о картине Саврасова. Интересно, но церковь, которая изображена на заднем плане, существует и стоит в таком же виде по сей день. В этом же селе знаменитый Сусанин совершил свой подвиг.

Охотники на привале Василий Перов

Автором картины «Охотники на привале» является знаменитый автор Василий Григорьевич Перов. Сейчас эту одну из самых известных картин русских художников знают все, а в XIX веке многие отзывались как о неудачной. Были и те, кто восхищался работой Перова. Прежде всего, работой восхитился великий классик Достоевский. Некоторые критиковали картину из-за недостоверности, ведь Перов рисовал охотников со своих друзей, которым был незнаком этот вид занятия.

Трех богатырей Виктор Васнецов

Виктор Васнецов создал одну из самых известных картин среди русских авторов – «Трех богатырей» . Васнецов говорил, что вдохновлялся кряжистыми дубами – он был поражен их мощью, а богатыри ему чуть позже просто явились во сне. На картине изображены известные персонажи русских народных сказок. В самом центре нарисован Илья Муромец, в руке которого копье, слева – Добрыня Никитич, вынимающий из ножен меч, а справа – Алеша Попович с луком и стрелами. Известно, что Алешу художник рисовал с сына Мамонтова, в чьем имении и висела картина. А остальные богатыри схожи с членами семейства самого Васнецова.

Девочка с персиками Валентин Серов

Валентин Александрович Серов, в отличие от предыдущих авторов, после написания картины «Девочка с персиками» , стал одним из наиболее значимых художников в империи. Картина настолько поразила общественность и даже царскую семью, что та обратилась к автору с заказом на еще несколько картин, обязанных украсить царские дворцы. «Девочка с персиками» заслужено входит в Топ самых известных картин русских художников благодаря той радости, которую излучает девочка. Критики называют картину «живой». Но представьте себе, как было девочке, которой пришлось позировать для Серова, и он не единственный, кто воплотил эту юную особу на своих полотнах.

Бурлаки на Волге Илья Ефимович

Илья Ефимович – выходец из Украины, в детстве никогда не видел больших кораблей, бурлаков и уж тем более Волги. Впервые Ефимович увидел бурлаков на Неве, где у него и сложился сюжет для будущего шедевра. Сейчас «Бурлаки на Волге» одна из наиболее показательных картин русских художников, которая заслужено входит в топ-10. Картину не однократно описывали великие литературные деятели, в том числе и сам Достоевский. Чтобы написать картину «Бурлаки на Волге» автору потребовалось лишь 200 рублей на путешествие. Затем она была продана всего за 3000 рублей Владимиру Александровичу – великому русском князю. Сейчас же картина – наследие русской культуры и ее стоимость оценить нельзя.

Боярыня Морозова Василий Суриков

«Боярыня Морозова» русского автора Василия Сурикова является одним из наиболее важных экспонатов Третьяковской галереи и по совместительству, одной из самых известных картин русских художников. Картина имеет большие размеры, и посетители поражаются насколько хорошо детализирована жизнь на столь немаленьком полотне. Третьяковская галерея приобрела картину всего лишь за 25 тыс. рублей – деньги, конечно, большие для XIX века, но сейчас ее стоимость невозможно переоценить. Интересно, что покупка картина была риском для галереи, ведь большинство не восприняло полотно.

Незнакомка Иван Крамской

Второй самой известной картиной русских художников по праву является загадочная «Незнакомка» Ивана Крамского. На небольшом полотне изображена молодая женщина, которая одета в дорогие и самые модные одежды конца XIX века. Кто-то утверждает, что на картине изображена Анна Каренина, а некоторые вообще считают, что «Незнакомка» приносит большое несчастье всем, кто посмотрит ей в глаза. «Неизвестная» – самая знаменитая картина из всех работ Крамского, а мир до сих пор не знает, с кого художник рисовал картину. Сам же автор ничего не упомянул.

Утро в сосновом бору Иван Шишкин

«Утро в сосновом бору». Иван Шишкин – художник, который еще в академии ответил, что будет пейзажистом, нарисовал знаменитую картину «Утро в сосновом бору». Даже маленьким детям известно о полотне, правда они называют его «мишками», так как они изображены на шоколадных конфетах с одноименным названием. Среди русских художников картина «Утро в сосновом бору» Шишкина – самая узнаваемая и часто критикуемая в недостатке реализма. Самые приставучие возражают, почему медвежат именно три, ведь у медведицы редко бывает такое потомство. Популярность картина обрела благодаря сказочно красивому лесному пейзажу с добавлением сюжетного анимализма, то есть медвежьего семейства.