Holland festészet, képzőművészetben

A 16-os asztal körülbelül fele. A holland festők körében a hazai művészet hiányosságaitól - gótikus szögletességétől, szárazságától - a reneszánsz olasz művészek tanulmányozásával, illetve saját iskolájuk legjobb hagyományaival ötvözve kívánnak megszabadulni. Ez a vágy már az említett Mostert műveiben is látható; de az új mozgalom fő terjesztőjének Jan Schorelt (1495-1562) kell tekinteni, aki sokáig Olaszországban élt, majd iskolát alapított Utrechtben, ahonnan számos művész érkezett, akiket megfertőzött a vágy, hogy holland Raphaelekké váljanak. és Michelangelosz. Nyomában Maarten van Van, becenevén Gemskerk (1498-1574), Henryk Goltzius (1558-1616), Peter Montford, becenevén. Blokhorst (1532-83), Cornelis v. Haarlem (1562-1638) és mások az olasz iskola következő korszakához tartozók, mint például Abraham Bloemaert (1564-1651), Gerard Gonthorst (1592-1662) túlléptek az Alpokon, hogy átitatják a tökéletességeket. az itáliai festészet fényesei közül, de nagyrészt e festészet akkoriban kezdődő hanyatlásának képviselőinek hatása alá kerültek, és manieristákként tértek vissza hazájukba, azt képzelve, hogy a művészet egész lényege a az izmok eltúlzása, a szögek igényességében és a konvencionális színek tündöklésében. Az olaszok festészet iránti szenvedélye, amely Grúzia átmeneti korszakában gyakran a végletekig terjedt, azonban egyfajta hasznot hozott, hiszen jobb, tanultabb rajzot, szabadabb és merészebb kompozíciókezelési képességet hozott ebbe a festészetbe. A régi holland tradícióval és a határtalan természetszeretettel együtt az itálizmus lett az egyik elem, amelyből a virágzó korszak eredeti, magasan fejlett művészete kialakult. Ennek a korszaknak a kezdetét, mint már mondtuk, a 17. század elejére kell datálni, amikor a függetlenséget kivívva Hollandia új életet kezdett élni. Egy elnyomott és szegény ország tegnapi drámai átalakulása politikailag fontos, kényelmes és gazdag államunióvá, művészetében hasonlóan drámai forradalom kísérte. Minden oldalról, szinte egyszerre, számtalan számban bukkannak fel csodálatos művészek, akiket a nemzeti szellem térnyerése és a társadalomban kialakult munkásságigénye hív tevékenységre. Az eredeti művészeti központokhoz, Haarlemhez és Leidenhez újak egészülnek ki - Delft, Utrecht, Dortrecht, Hága, Amszterdam stb. A festészet régi feladatai mindenütt új módon fejlődnek a változó igények és nézetek hatására. , illetve új ágai, melyek kezdete az előző időszakban alig volt észrevehető. A reformáció kiűzte a templomokból a vallásos festményeket; nem volt szükség a paloták és nemesi kamrák díszítésére az ókori istenek és hősök képeivel, ezért a gazdag burzsoázia ízlését kielégítő történelmi festészet elvetette az idealizmust, és a valóság pontos reprodukciója felé fordult: elkezdte értelmezni a régmúlt eseményeket. mint a nap eseményei, amelyek Hollandiában zajlottak, és különösen a portréművészetet vette át, megörökítve benne az akkori ember vonásait, akár egyalakokban, akár kiterjedt, többalakú, puskás társaságokat (schutterstuke) ábrázoló kompozíciókban. kiemelkedő szerepet játszott az ország felszabadításáért vívott harcban - jótékonysági intézményeinek vezetői (regentenstuke), üzletvezetők és különféle társaságok tagjai. Ha úgy döntöttünk, hogy Gallia virágzó korszakának minden tehetséges portréfestőjéről beszélünk. művészet, akkor a nevük felsorolása a legjobb munkáik megjelölésével sok sorba kerülne; Ezért korlátozzuk magunkat arra, hogy csak azokat a művészeket említsük meg, akik az általános rangokból különösen kiemelkedőek. Ezek: Michiel Mierevelt (1567-1641), tanítványa, Paulus Morelse (1571-1638), Thomas de Keyser (1596-1667) Jan van Ravesteyn (1572? - 1657), Hollandia három legnagyobb portréfestőjének elődei. Chiaroscuro Rembrandt van Rijn (1606-69) varázslója, egy páratlan rajzoló, akinek csodálatos művészete volt a világos, de kissé hideg karakterű és színvilágú figurák megformálása, Bartholomew van der Gelst (1611 vagy 1612-70) és a fúga feltűnő. ecsetjéről Frans Gols the Elder (1581-1666). Ezek közül Rembrandt neve különösen fényesen tündököl a történelemben, kortársai eleinte nagy becsben tartották, majd elfelejtették, az utókor kevéssé méltányolta, és csak a jelen században emelte, méltányosan, a világ szintjére. zseni. Jellegzetes művészi személyiségében G. festészetének minden legjobb tulajdonsága összpontosul, mintegy fókuszban, hatása minden típusában megmutatkozott - portrékon, történelmi festményeken, hétköznapi jeleneteken és tájakon. Rembrandt tanítványai és követői közül a leghíresebbek: Ferdinand Bol (1616-80), Govert Flinck (1615-60), Gerbrand van den Eckhout (1621-74), Nicholas Mas (1632-93), Art de Gelder (1645- 1727), Jacob Backer (1608 vagy 1609-51), Jan Victors (1621-74), Carel Fabricius (kb. 1620-54), Salomon és Philips Koning (1609-56, 1619-88), Pieter de Grebber, Willem de Porter († később 1645), Gerard Dou (1613-75) és Samuel van Googstraten (1626-78). E művészek mellett, hogy teljes legyen a vizsgált időszak legjobb portré- és történelmi festőinek névsora, meg kell említeni Jan Lievenst (1607-30), Rembrandt barátját a P.-vel folytatott tanulmányaiban. Lastman, Abraham van Tempel (1622-72) és Peter Nason (1612-91), akik nyilvánvalóan V. befolyása alatt dolgoztak. D. Gelsta, Hals Johannes Verspronck (1597-1662), Jan és Jacob de Braev († 1664, † 1697), Cornelis van Zeulen (1594-1664) és Nicholas de Gelta-Stokade (1614-69) utánzója. A háztartási festészet, amelynek első kísérletei a régi holland iskolában jelentek meg, a XVII. különösen termékeny talaj a protestáns, szabad, polgári, önelégült Hollandiában. A helyi társadalom különböző osztályainak szokásait és életét művészet nélkül ábrázoló kis képek elég sok ember számára szórakoztatóbbnak tűntek, mint a komoly festmények nagy alkotásai, és a tájképekkel együtt kényelmesebb otthonok díszítésére. Művészek egész hordája elégíti ki az ilyen képek iránti igényt, anélkül, hogy hosszasan gondolkodna a témaválasztáson, hanem lelkiismeretesen reprodukálna mindent, ami a valóságban találkozik, egyúttal szeretetet mutatva saját, kedves, jópofa humora iránt, pontosan jellemzi az ábrázolt pozíciókat és arcokat, és kifinomult a technika elsajátításában. Míg egyeseket az egyszerű emberek élete, a paraszti boldogság és bánat jelenetei, kocsmák és kocsmák ivászata, út menti fogadók előtti összejövetelek, vidéki nyaralások, játékok és korcsolyázás a befagyott folyók és csatornák jegén stb. foglalnak el, addig mások. alkotásaik tartalma egy elegánsabb körből - kecses hölgyeket festenek meghitt környezetükben, dögös urak udvarlása, cselédeknek parancsoló háziasszonyok, zenei és énekes szalongyakorlatok, aranyifjúság mulatozása örömházakban stb. Az első kategória művészeinek hosszú sorozatában kiemelkednek Adrian és Izak v. Ostade (1610-85, 1621-49), Adrian Brouwer (1605 vagy 1606-38), Jan Stan (kb. 1626-79), Cornelis Bega (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), P. v. Lahr, becenevén Bambocchio Olaszországban (1590-1658), Cornelis Dusart (1660-1704), Egbert van der Poel (1621-64), Cornelis Drohslot (1586-1666), Egbert v. Gemskerk (1610-80), Henrik Roques, becenevén Sorg (1621-82), Claes Molenaar (korábban 1630-76), Jan Minse-Molenar (kb. 1610-68), Cornelis Saftleven (1606-81) és néhányan. stb. Az ugyanilyen jelentős számú festő közül, akik a közép- és felső, általában elégséges osztály életét reprodukálták, Gerard Terborch (1617-81), Gerard Dou (1613-75), Gabriel Metsu (1630-67), Peter de Gogh (1630-66), Caspar Netscher (1639-84), Franciaország c. Idősebb Miris (1635-81), Eglon van der Naer (1643-1703), Gottfried Schalcken (1643-1706), Jan van der Meer delfti (1632-73), Johannes Vercollier (1650-93), Quiring Brekelenkamp ( †1668). Jacob Ochtervelt († 1670), Dirk Hals (1589-1656), Anthony és Palamedes Palamedes (1601-73, 1607-38) stb. A műfaji festők kategóriába azok a művészek tartoznak, akik katonai élet jeleneteit, katonák tétlenségét festették az őrházakban , táborhelyek , lovassági összecsapások és egész csaták, díjlovaglás, valamint a csatajelenetekhez hasonló solymász- és vadászvadászat jelenetek. A festészet ezen ágának fő képviselője a híres és rendkívül termékeny Philips Wouwerman (1619-68). Rajta kívül ennek a mesternek a testvére, Péter (1623-82), Jan Asselein (1610-52), akivel hamarosan a tájfestők között is találkozhatunk, az említett Palamedes, Jacob Leduc (1600 - később 1660), Henrik. Verschuring (1627-90), Dirk Stop (1610-80), Dirk Mas (1656-1717) stb. Sok ilyen művész számára a táj ugyanolyan fontos szerepet játszik, mint az emberi alakok; de velük párhuzamosan festők tömege dolgozik, ezt tűzve ki fő vagy kizárólagos feladatának. Általánosságban elmondható, hogy a hollandoknak elidegeníthetetlen joguk van büszkének lenni arra, hogy szülőföldjük nemcsak a legújabb műfaj, hanem a mai értelemben vett táj szülőföldje is. Sőt, más országokban, pl. Olaszországban és Franciaországban a művészet kevéssé érdekelte az élettelen természetet, nem talált benne sem egyedi életet, sem különleges szépséget: a festő csak mellékelemként, dekorációként vitte be festményeibe a tájképet, amelyek között emberi drámai ill. komédiát játsszák, és ezért alárendelik a jelenet feltételeit, festői vonalakat és foltokat találnak ki, amelyek számára előnyösek, de a természet másolása nélkül, anélkül, hogy átitatnák az általa inspirált benyomást. Ugyanígy „komponálta” a természetet azokban a ritka esetekben, amikor tisztán tájképet próbált festeni. A hollandok értették meg először, hogy az élettelen természetben is minden életet lehel, minden vonzó, minden képes gondolatébresztőre és a szív mozgására. És ez teljesen természetes volt, mert a hollandok úgymond saját kezükkel hozták létre a körülöttük lévő természetet, becsülték és csodálták, mint egy apa, aki kincse és csodálja saját agyszüleményeit. Ráadásul ez a természet formáinak és színeinek szerénysége ellenére az ország éghajlati adottságai miatt bőséges anyaggal látta el a színezőket, például a hollandokat a világítási motívumok és a légi perspektíva kidolgozásához - gőzzel telített levegője, lágyította a körvonalakat. objektumok, különböző tervrajzú tónusok gradációját produkálva, és a távolságot ezüstös vagy aranyszínű ködköd borítja, valamint a területek megjelenésének változékonyságát az évszak, a nap óra és az időjárási viszonyok határozzák meg. A virágkorszak tájfestői közül a hollandok. különösen tisztelik azokat az iskolákat, amelyek hazai természetük tolmácsolói voltak: Jan V. Goyen (1595-1656), aki Esaias van de Veldével (kb. 1590-1630) és Pieter Moleyn idősebb. (1595-1661), a Goll alapítójának tartják. tájkép; majd ez a mesterhallgató, Salomon. Ruisdael († 1623), Simon de Vlieger (1601-59), Jan Wijnants (kb. 1600 - később 1679), a jobb világítás hatásainak kedvelője Art. d. Nair (1603-77), költő Jacob v. Ruisdael (1628 vagy 1629-82), Meinert Gobbema (1638-1709) és Cornelis Dekker († 1678). A hollandok között sok volt az utazásra induló tájfestő is, aki idegen természet motívumait reprodukálta, ami azonban nem akadályozta meg őket abban, hogy festészetükben nemzeti jelleget őrizzenek meg. Albert V. Everdingen (1621-75) Norvégia nézeteit ábrázolta; Jan Both (1610-52), Dirk v. Bergen († később 1690) és Jan Lingelbach (1623-74) - Olaszország; Ian V. d) ifjabb polgármester (1656-1705), Hermann Saftleven (1610-85) és Jan Griffir (1656-1720) – Reina; Jan Hackart (1629-99?) - Németország és Svájc; Cornelis Pulenenburg (1586-1667) és követőinek egy csoportja az olasz természet ihlette tájképeket festette, ősi épületek romjaival, fürdő nimfákkal és egy képzeletbeli Árkádia jeleneteivel. Speciális kategóriában kiemelhetjük azokat a mestereket, akik festményeiken a tájat állatképekkel ötvözték, előnyben részesítve az elsőt vagy a másodikat, vagy mindkét részhez egyforma odafigyeléssel foglalkoztak. A falusi idill ilyen festői közül a leghíresebb Paulus Potter (1625-54); Rajta kívül még Adriant is ide kell sorolni. d. Velde (1635 vagy 1636-72), Albert Cuyp (1620-91), Abraham Gondius († 1692) és számos olyan művész, akik lehetőleg vagy kizárólag Olaszország felé fordultak, mint például: Willem Romain († később 1693), Adam Peinaker (1622-73), Jan-Baptiste Vanix (1621-60), Jan Asselein, Claes Berchem (1620-83), Karel Dujardin (1622-78), Thomas Wieck (1616?-77) Frederic de Moucheron (1633 ill. 1634 -86) stb. A tájfestészethez szorosan kapcsolódik az építészeti nézetek festészete, amellyel a holland művészek csak a 17. század felétől kezdtek önálló művészeti ágként foglalkozni. Néhányan azok közül, akik azóta ezen a területen dolgoznak, kifinomultan ábrázolták a város utcáit és tereit épületeikkel; ezek többek között kevésbé jelentősek, Johannes Bärestraten (1622-66), Job és Gerrit Werk-Heide (1630-93, 1638-98), Jan v. d. Heyden (1647-1712) és Jacob v. falu Yulft (1627-88). Mások, akik közül a legkiemelkedőbbek Pieter Sanredan († 1666), Dirk v. Delen (1605-71), Emmanuel de Witte (1616 vagy 1617-92) templomok és paloták belső képeit festette. A tenger olyan jelentőséggel bírt Hollandia életében, hogy művészete csak a legnagyobb figyelemmel kezelhette. Sok tájképekkel, műfajokkal, sőt portrékkal foglalkozó művészei egy időre elszakadva megszokott témáitól tengerfestővé váltak, és ha úgy döntöttünk, hogy felsoroljuk az összes holland festőt. nyugodt vagy háborgó tengert ábrázoló iskolák, azon ringató hajók, hajókkal zsúfolt kikötők, tengeri csaták stb., akkor egy igen hosszú listát kapnánk, amiben Ya nevei is szerepelnének. Goyen, S. de Vlieger, S. and J. Ruisdael, A. Cuyp és az előző sorokban már említettek. Csak arra szorítkozva, hogy megmutassuk azokat, akiknek a tengeri fajok festése szakterület volt, meg kell neveznünk Willem v. Idősebb de Velde (1611 vagy 1612-93), híres fia V. v. de Velde ifjabb (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), Jan V. de Cappelle († 1679) és Julius Parcellis († később 1634). Végül a holland iskola reális irányvonala volt az oka annak, hogy kialakult és kialakult benne egy olyan festészetfajta, amelyet más iskolákban addig nem műveltek külön, önálló ágként, nevezetesen a virágok, gyümölcsök, zöldségek festészete, élőlények, konyhai edények, étkészletek stb. - egyszóval az, amit ma „halott természetnek” neveznek (nature morte, Stilleben). Ezen a területen a A virágzó korszak leghíresebb művészei Jan-Davids de Gem (1606-83), fia Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630) voltak. -93) , Willem V. Aalst (1626-83), Willem Geda (1594 - később 1678), Willem Kalf (1621 vagy 1622-93) és Jan Waenix (1640-1719).

A holland festészet ragyogó időszaka nem tartott sokáig - csak egy évszázad. A 18. század eleje óta. hanyatlása közeleg, nem azért, mert a Zuiderzee-part már nem termel veleszületett tehetségeket, hanem azért, mert A társadalomban egyre inkább gyengül a nemzeti öntudat, elpárolog a nemzeti szellem, és gyökeret ver a francia ízlés és nézet a pompás XIV. Lajos korszakáról. A művészetben ezt a kulturális fordulatot fejezi ki az, hogy a művész feledte azokat az alapelveket, amelyeken az előző generációk festőinek eredetisége függött, és a szomszédos országból hozott esztétikai elvekre való apelláció. A természethez való közvetlen kapcsolat helyett a bennszülött szeretete és az őszinteség, az előzetes elméletek dominanciája, a konvenció és Poussin, Lebrun, Cl. utánzása. Lorrain és a francia iskola más fényesei. Ennek a sajnálatos irányzatnak a fő terjesztője a flamand Gerard de Leresse (1641-1711) volt, aki Amszterdamban telepedett le, a maga idejében igen tehetséges és művelt művész volt, aki modoros álnevével egyaránt óriási hatást gyakorolt ​​kortársaira és a közvetlen utókorra. -történelmi festmények és saját toll alkotásai, amelyek közül az egyik - "A festő nagy könyve" ("t groot schilderboec") - ötven éven át szolgált kódként a fiatal művészek számára. Az iskola hanyatlása is hozzájárult az A híres Adrian V. de Werff (1659-1722), akinek elegáns festészete hideg, mintha kivágott elefántcsont figurákkal, unalmas, erőtlen színezéssel egykor a tökéletesség csúcsának tűnt. E művész követői közül V. Henrik . Limborg (1680-1758) és Philip V.-Dyck (1669-1729), becenevén „Kis V.” történelmi festőként örvendett. de megfertőzve az idő szellemével, meg kell jegyezni Willem és Franciaország v. Ifjabb Miris (1662-1747, 1689-1763), Nicholas Vercollier (1673-1746), Constantine Netscher (1668-1722), Isaac de Moucheron (1670-1744) és Carel de Maur (1656-1738). Némi fényt adott a haldokló iskolának Cornelis Trost (1697-1750), elsősorban karikaturista, becenevén holland. Gogarth, Jan Quincgard portréfestő (1688-1772), Jacob de Wit dekoratív és történelmi festő (1695-1754) és a holt természet festői Jan V. Geysum (1682-1749) és Rachel Reisch (1664-1750).

A 19. század 20-as éveiig idegen hatás nehezedett a holland festészetre, amely többé-kevésbé tükrözte a művészet Franciaországban végbement változásait, kezdve a Napkirály korának parókakészítésétől és a pszeudo-klasszicizmusig. David. Amikor ez utóbbiak stílusa elavult, és Nyugat-Európában mindenütt az ókori görögök és rómaiak iránti rajongás helyett romantikus vágy ébredt, a költészet és a figuratív művészetek elsajátítása, a hollandok, mint más népek, tekintetüket a másik felé fordították. ókorukra, tehát dicső múltú festészetükre. Az a vágy, hogy újra a 17. században tündöklő fényt adjon neki, inspirálni kezdte a legújabb művészeket, és visszavezette őket az ősi nemzeti mesterek alapelveihez - a természet szigorú megfigyeléséhez és a feladatokhoz való találékony, őszinte hozzáálláshoz. kéz. Ugyanakkor nem igyekeztek teljesen kiiktatni magukat az idegen befolyás alól, de amikor Párizsba vagy Düsseldorfba és más németországi művészeti központokba mentek tanulni, csak a modern technika sikereinek megismerését vitték haza. Mindezeknek köszönhetően az újjáéledt holland iskola ismét eredeti, vonzó fiziognómiát kapott, és ma halad a további fejlődés felé vezető úton. Legújabb figuráit könnyedén szembeállíthatja más országok 19. századi legjobb festőivel. A szó szoros értelmében vett történelmi festészetet művelik benne, mint régen, nagyon mérsékelten, és nincsenek kiemelkedő képviselői; De a történelmi műfajt tekintve Hollandia több jelentős újabb mesterre is büszke lehet, mint például: Jacob Ekgout (1793-1861), Ari Lamme (szül. 1812), Peter V. Schendel (1806-70), David Bles (szül. 1821), Hermann ten-Cate (1822-1891) és a rendkívül tehetséges Lawrence Alma-Tadema (szül. 1836), aki Angliába dezertált. A hétköznapi műfajt tekintve, amely szintén e művészek tevékenységi körébe tartozott (Alma-Tadema kivételével), számos kiváló festőt lehet kiemelni, élükön Joseph Israels (szül. 1824) és Christoffellel. Biszkóp (szül. 1828); rajtuk kívül Michiel Verseg (1756-1843), Elhanon Vervaer (szül. 1826), Teresa Schwarze (szül. 1852) és Valli Mus (szül. 1857) méltó a névre. A legújabb gól különösen gazdag. tájfestők festészete, akik sokrétűen dolgoztak és dolgoznak, hol gondos befejezéssel, hol az impresszionisták széles technikájával, de hű és költői tolmácsolói bennszülött természetüknek. Ezek közé tartozik Andreas Schelfgout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-62), Johannes Wilders (1811-90), Willem Roelofs (sz. 1822), Hendrich v. de Sande-Bockhuisen (sz. 1826), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (sz. 1837), Lodewijk Apol (sz. 1850) és még sokan mások. stb. Ya közvetlen örökösei. Megjelentek D. Heyden és E. de Witte, ígéretes nézetű festők, Jan Verheiden (1778-1846), Bartholomews v. Gove (1790-1888), Salomon Vervaer (1813-76), Cornelis Springer (1817-91), Johannes Bosbohm (1817-91), Johannes Weissenbruch (1822-1880) stb. Hollandia legújabb tengerfestői közül a pálma Joghoz tartozik. Schotel (1787-1838), Ari Plaisir (szül. 1809), Hermann Koekkoek (1815-82) és Henrik Mesdag (szül. 1831). Végül Wouters Verschoor (1812-74) és Johann Gas (szül. 1832) nagy jártasságot mutatott az állatfestésben.

Házasodik. Van Eyden u. van der Willigen, "Geschiedenis der vaderlandische schilderkunst, sedert de helft des 18-de eeuw" (4 kötet, 1866) A. Woltman u. K. Woermann, "Geschichte der Malerei" (2. és 3. kötet, 1882-1883); Waagen, "Handbuch der deutschen und niderländischen Malerschulen" (1862); Bode, "Studien zur Geschichte der holländischen Malerei" (1883); Havard, "La peinture hollandaise" (1880); E. Fromentin, "Les maîtres d"autrefois. Belgique, Hollande" (1876); A. Bredius, „Die Meisterwerke des Rijksmuseum zu Amsterdam" (1890); P. P. Semenov: „Tanulmányok a holland festészet történetéről Szentpéterváron található mintái alapján." (speciális melléklet a folyóirat "Vestn. Fine Arts", 1885-90).

A 17. században a holland festőiskola Európa egyik vezető festőiskolája lett. A világművészet történetében először itt bizonyult a környező valóság tárgyai alkotói inspiráció és művészi szándék forrásának. Az akkori holland művészetben a reneszánsz korban megkezdődött egy egész műfajrendszer kialakulása teljesedett ki. Portrékon, hétköznapi festményeken, tájképeken és csendéletekben a ritka ügyességgel és melegséggel rendelkező művészek a környező természetről és az egyszerű életről alkotott benyomásaikat közvetítették. Hollandia kollektív képét tükrözték – egy fiatal köztársaság, amely megvédte függetlenségét a Spanyolországgal vívott háborúban.

– Fiatal hölgy reggele. 1660 Franciaország Miris idősebb. Fa, olaj. Állami Ermitázs Múzeum

A művészek hétköznapi témájú festményei (vagy műfaji festmények), amelyek egy személyt ismerős, hétköznapi környezetben ábrázolnak, a holland társadalom különböző osztályaihoz tartozó emberek kialakult életformáit, viselkedését és kommunikációját tükrözték. A kereskedők, kézművesek vagy gazdag parasztok házainak belső tereinek díszítésére szánt holland művészek festményei kis méretűek voltak. A művészek pénzt kerestek azáltal, hogy olyan festményeket adtak el, amelyeket úgy festettek, hogy szem előtt tartva a közvetlen közeli megtekintés lehetőségét. Ez pedig egy különösen óvatos, finom írásmódot eredményezett.

"Társadalom a teraszon" 1620 Esais Van De Velde. Fa, olaj. Állami Ermitázs Múzeum

A 17. század során a holland zsánerfestészet jelentős fejlődésen ment keresztül. Megalakulásakor, a század elején gyakoriak voltak a szabadidő témájú cselekmények, a gazdag hollandok fiataljai szórakoztatása, vagy a tisztek életéből vett jelenetek. Az ilyen festményeket „banketteknek”, „társaságoknak”, „koncerteknek” nevezték. Festményüket a színek sokszínűsége és rendkívül örömteli tónusa jellemezte. Az ilyen jellegű alkotások közé tartozik Esaias van de Velde „Társadalom a teraszon” című festménye.

A 30-as évek elejére befejeződött a holland műfaji festészet kialakulása. A zsúfolt „társadalmak” átadták a teret a kisfigurás kompozícióknak. Az embert körülvevő környezet képe nagy szerepet kezdett játszani. A festészet zsáner-megoszlása ​​társadalmi szempontok szerint történt: témák a polgárság életéből, jelenetek a parasztok és a városi szegények életéből. Mindkét festmény a belső teret díszítette.

"Harc". 1637 Adrian Van Ostade. Fa, olaj. Állami Ermitázs Múzeum

Az egyik leghíresebb művész, aki a „paraszt műfajban” dolgozott, Adrian van Ostade volt. Munkásságának korai szakaszában a parasztábrázolást festményein hangsúlyos komikusság jellemezte, olykor a karikatúráig is eljutott. Így a „Harc” című festményen a durva fénnyel megvilágított harcolók nem élő embereknek, hanem báboknak tűnnek, akiknek arca maszkszerű, harag fintoraitól eltorzulva. A hideg és meleg színek szembeállítása, a fény és árnyék éles kontrasztja tovább erősíti a groteszk benyomást a jelenetben.

„Faluzenészek”. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 Fa, olaj. Állami Ermitázs Múzeum

Az 1650-es években Adrian Ostade festészetében változások következtek be. A művész nyugodtabb témák felé fordult, egy személyt ábrázolt szokásos tevékenységei közben, leggyakrabban a pihenés pillanataiban. Ilyen például a „Faluzenészek” belső festmény. Ostade ügyesen közvetíti a munkájuk iránt szenvedélyes „zenészek” koncentrációját, alig észrevehető humorral ábrázolja az ablakon keresztül őket figyelő gyerekeket. A fény és árnyék játékának változatossága, lágysága, a zöldesbarna színvilág egyetlen egésszé egyesíti az embert és környezetét.

"Téli kilátás". 1640 Isaac Van Ostade. Fa, olaj. Állami Ermitázs Múzeum

Adrian testvére, Isaac van Ostade, aki korán meghalt, szintén a „paraszt műfajban” dolgozott. A vidéki Hollandia életét ábrázolta, amelynek természetében az ember otthon érezte magát. A „Téli kilátás” című festmény egy tipikus holland tájat mutat be, a föld felett erősen lógó szürke égbolttal, egy befagyott folyóval, amelynek partján egy falu található.

– A beteg és az orvos. 1660 Jan Steen. Fa, olaj. Állami Ermitázs Múzeum

Az Ostade fivérek művészetének műfaji témáját Jan Steen, a tehetséges mester folytatta, aki humorral jegyezte meg festményein a szereplők életének, kapcsolatainak jellegzetes részleteit. A „Revelers” című festményen a művész maga néz vidáman és ravaszul a nézőre, aki egy vidám lakoma után elaludt felesége mellett ül. A „Beteg nő és a doktor” című filmben Jan Steen ügyesen tárja fel egy képzeletbeli betegség cselekményét a szereplők arckifejezésein és gesztusain keresztül.

– Szoba egy holland házban. Peter Janssens. Vászon, olaj. Állami Ermitázs Múzeum

A 17. század ötvenes-hatvanas éveiben a zsánerfestészet témái fokozatosan beszűkültek. A festmények figurális szerkezete megváltozik. Nyugodtabbá válnak, bensőségesebbé válnak, megjelenik bennük a lírai elmélkedés, csendes átgondoltság. Ezt a szakaszt olyan művészek munkái képviselik, mint: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Munkáik az egykor jogaiért és függetlenségéért kiharcolt, mára fenntartható jólétet elért holland burzsoázia mindennapi életének költői és kissé idealizált képét testesítették meg. Így Peter Janssens „Szoba egy holland házban” című belső képe egy hangulatos, napfénytől elárasztott szobát ábrázol, a padlón és a falakon napsugarak játszanak, míg Jacob Vrel „Az öreg hölgy a kandalló mellett” képe egy szobát ábrázol lágy szürkületbe merülő kandalló. A kompozícióválasztás mindkét művész alkotásaiban az ember és környezete egységét hangsúlyozza.

– Egy pohár limonádét. 1664 Gerard Terborch. Gazda (transzfer fáról), olaj. Állami Ermitázs Múzeum

Ezekben az években a holland műfajú művészek először próbálták alkotásaikban tükrözni az ember belső életének mélységét. A mindennapi élethelyzetekben megtalálták a lehetőséget, hogy tükrözzék a finom élmények sokszínű világát. De ez csak a kép alapos és alapos vizsgálatával látható. Így Gerard Terborch „Egy pohár limonádé” című festményén a gesztusok, a kézérintések és a szemkontaktus finom nyelve a szereplők közötti érzések és kapcsolatok egész sorát tárja fel.

"Reggeli". 1660 Gabriel Metsu. Fa, olaj. Állami Ermitázs Múzeum

Ennek az időszaknak a műfaji festményeiben az objektív világ kezd nagy szerepet játszani. Már nemcsak az ember életének tárgyi és érzelmi környezetét jellemzi, hanem kifejezi az ember és a külvilág közötti kapcsolatok sokszínűségét is. A tárgyak halmaza, elrendezésük, összetett szimbólumrendszer, valamint a szereplők gesztusai - minden szerepet játszik a kép figurális szerkezetének kialakításában.

– Mulatozók. 1660 Jan Steen. Fa, olaj. Állami Ermitázs Múzeum

A holland műfaji festészetet nem különböztette meg a sokféle téma. A művészek a karakterek és tevékenységeik egy bizonyos körét ábrázolták. De segítségükkel a holland zsánerfestészet megbízható képet tudott közvetíteni a 17. századi emberi élet erkölcseiről, szokásairól és elképzeléseiről.

A kiadvány elkészítésekor nyílt forrásból származó anyagokat használtak fel.

Bevezetés

1. Kis holland

Holland festőiskola

Műfaji festészet

4. Szimbolizmus. Csendélet

Rembrandt van Rijn

Vermeer Delftből jan

Következtetés

Bevezetés

Az ellenőrzési munka célja:

· A kreatív potenciál fejlesztésében;

· A művészet iránti érdeklődés kialakítása;

· Az ismeretek megszilárdítása, feltöltése.

A holland művészet a 17. században született. Ezt a művészetet függetlennek és függetlennek tekintik, bizonyos formái és jellemzői vannak.

A 17. századig Hollandiának nem voltak saját jelentős művészei a művészetben, mert Flandria államhoz tartozott. Ebben az időszakban azonban kevés művészt ünnepelnek. Ez a művész és metsző Luca Leydensky (1494-1533), Dirk Bouts festő (1415-1475), Skorele művész (1495-1562).

Fokozatosan a különböző iskolák keveredtek, a mesterek elvesztették iskoláik jellegzetes vonásait, a megmaradt holland művészekben pedig megszűnt a nemzeti kreativitás szelleme. Sok különböző és új stílus van kialakulóban. A művészek minden műfajban igyekeznek festeni, egyéni stílust keresve. A műfaji módszereket kitörölték: a történetiség már nem annyira szükséges, mint korábban. Egy új műfaj jön létre - csoportos porterek.

A 17. század elején, amikor Hollandia sorsa dőlt el, III. Fülöp fegyverszünetben állapodott meg Spanyolország és Hollandia között. Forradalomra, politikai vagy katonai helyzetre volt szükség. A függetlenségi harc egyesítette a népet. A háború erősítette a nemzeti szellemet. A Spanyolországgal aláírt szerződések szabadságot adtak Hollandiának. Ez késztette saját és különleges művészet létrehozását, kifejezve a hollandok lényegét.

A holland művészek sajátossága az volt, hogy a legapróbb részletekig valódi képet alkossanak - az érzések és gondolatok megnyilvánulását. Ez a holland iskola alapja. Realisztikus művészetté válik, és a 17. század közepére minden téren csúcsra jut.

Hollandiára jellemző, hogy nemcsak műfajokra, hanem számtalan altípusra is osztanak. Egyes mesterek polgárok és tisztek életéből festenek jeleneteket - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), mások - a paraszti életből - Adrian van Ostade (1610-1685). ), harmadik - jelenetek a tudósok és orvosok életéből - Gerrit Dou (1613-1675); tájfestők - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), erdősarkok ábrázolói - Meindert Hobbema (1638-1609), belső mesterek - Pieter Janssens (1623-1682). Egy-egy műfaj időről időre hagyományossá válik a művészeti iskolákban. Például az úgynevezett „reggeli” harlemi csendéletfestői - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).

A művészek az emberi viselkedés erkölcseit és szokásait, etikai és erkölcsi normáit mutatják be. Gyakran ábrázolják a családi eseményeket. A tájfestők és csendéletfestők a szabadban közvetítik a fényt, és mesterien ábrázolják zárt térben a tárgyak textúráját. A háztartási festészet Jan Steen (1626-1679), Gerhard Terborch (1617-1681), Pieter de Hooch (1629-1624) révén a csúcson van.

1. Kis holland

A kis hollandok a 17. századi művészcsoport, amely „egyesíti” a kisméretű tájképek és a hétköznapi zsánerképek festőit (innen a név). Az ilyen festményeket a lakóépületek szerény belsejébe szánták. Városiak és parasztok vásárolták őket. Az ilyen festményeket a kép komfortérzete, a részletek finomsága, az ember és a belső tér közötti közelség jellemzi.

P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. és S. van Ruisdael (1628-1682) és (1602-1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691) stb. Általában mindegyik specializálódott , egy adott műfajban. A „kis hollandok” folytatták a reneszánsz holland mestereinek hagyományait, akik szerint a művészetnek nemcsak örömet kell okoznia, hanem az értékekre is emlékeztetnie kell.

A művészek kreativitása 3 csoportra osztható:

1630-as évek - a realizmus meghonosodása a nemzeti festészetben (a vezető művészeti központ Haarlem volt, fontos tényező F. Hals hatása);

1640-1660-as évek - a művészeti iskola virágzása (a művészet központja Amszterdamba költözik, más városokból vonzza a művészeket, Rembrandt hatása aktuálissá válik<#"justify">2. Holland festőiskola

Háromnegyed évszázadon át folytatódott a művészet felemelkedése Hollandia északi részén, az Egyesült Tartományok köztársaságában, Hollandiában. 1609-ben ez a köztársaság állami státuszt kapott. Itt polgári állam alakult ki.

Caravaggio (1571-1610) olasz művésznek jelentős szerepe volt a reneszánsz festészetben. Festményeit nagyon valósághűen festette, a tárgyak és figurák magas chiaroscuro technikájúak voltak.

Sok művész volt, és kis városokban éltek: Haarlemben, Delftben, Leidenben. E városok mindegyike saját iskolát alakított ki saját műfaji témáival, de Amszterdam játszotta a legfontosabb szerepet a holland művészet fejlődésében.

3. Műfaji festészet

Hollandiában a táj műfaj népszerűsége mellett újak jelennek meg: marina - tengeri táj, városi táj - veduta, állatképek - állatfestés. Pieter Bruegel munkái jelentős hatást gyakoroltak a tájképre (1525-1529). A hollandok saját maguk festették meg szülőföldjük természetének egyedi szépségét. A 17. században a holland festőiskola Európa egyik vezető festőiskolája lett. Az emberek környezete a művészek ihletforrásává vált. Az akkori művészetben a reneszánszban megkezdődött műfaji rendszer kialakítása befejeződött. A művészek portrékon, hétköznapi festményeken, tájképeken és csendéleteken adták át benyomásaikat a természetről és a mindennapi életről. A mindennapi festészet műfaja új koncepciót kapott - a műfaji festészet. A hétköznapi műfaj két változatban fejlődött ki - paraszti és polgári (városi) műfajban. A zsánerképek egy magánember életét ábrázolták: mulatozók mulatozását, gazdasági tevékenységet, zenélést. A művészek odafigyeltek a megjelenésre, a pózokra és a jelmezekre. A meghittség részévé váltak a tárgyak: mahagóni asztal, gardrób, bőrrel kárpitozott fotel, sötét üveg dekanter és üveg, gyümölcs. Ez a műfaj a különböző osztályokhoz tartozó emberek viselkedését és kommunikációját tükrözte.

Garard Dow munkái akkoriban nagyon népszerűek voltak. Szerény jeleneteket fest a kispolgárság életéből. Gyakran idős nőket ábrázol, akik forgó keréknél ülnek vagy olvasnak. Dow nyilvánvaló tendenciája, hogy kis képein tárgyak felületét írja ki – szövetmintákat, ráncokat a régi arcokon, halpikkelyeket stb.

De a műfaji festészet fejlődésen ment keresztül. Újjáalakulásának időszakában a kikapcsolódás, szórakozás, a tiszti élet jelenetei témájú történeteket terjesztettek. Az ilyen képeket „reggelinek”, „banketnek”, „társaságnak”, „koncertnek” nevezték. Ezt a festményt a színek változatossága és az örömteli tónusok különböztették meg. Az eredeti műfaj a „reggeli” volt. Ez a csendélet egy olyan típusa, amelyben edények és különféle ételek ábrázolásán keresztül közvetítik tulajdonosaik jellemét.

A hétköznapi műfaj a holland iskola legsajátosabb és legeredetibb jelensége, amely a magánember mindennapjait nyitotta meg a világművészet előtt.

Jan Steen a művészet műfaji témájában is írt. Humorral vette tudomásul a mindennapi élet részleteit és az emberek közötti kapcsolatokat. A „Revelers” című festményen a művész maga néz vidáman és ravaszul a nézőre, aki egy vidám lakoma után elaludt felesége mellett ül. A filmben pedig a szereplők arckifejezésein és gesztusain keresztül Jan Steen ügyesen tárja fel egy képzeletbeli betegség cselekményét.

A 30-as évek elejére befejeződött a holland műfaji festészet kialakulása. A műfaji festészet társadalmi szempontok szerint tagolódott: témák a polgárság életéből, jelenetek a parasztok és a városi szegények életéből.

Az egyik híres művész, aki a „paraszt műfajban” festett, Adrian van Ostad volt. A kreativitás korai szakaszában a parasztok ábrázolása komikus volt. Így a képen a kemény fénnyel megvilágított harcosok nem élő embereknek, hanem báboknak tűnnek. A hideg és meleg színek párhuzamba állítása, az éles fénykontrasztok álarcokat hoznak létre haragos érzelmekkel az arcukon.

Később a művész nyugodtabb témájú képeket fest, az embert szokásos tevékenységei közben, leggyakrabban a pihenés pillanataiban ábrázolja. Például a „Faluzenészek” belső festmény. Ostade a „zenészek” koncentrációját közvetíti, finom humorral ábrázolva a gyerekeket, akik az ablakon keresztül figyelik őket. Adrian testvére, Isaac van Ostade, aki korán meghalt, szintén a „paraszt műfajban” dolgozott. A holland vidéki életet ábrázolta. A „Téli kilátás” festmény egy tipikus tájat mutat be, a föld felett szürke égbolttal, egy befagyott folyóval, melynek partján egy falu található.

A 17. század 50-60-as éveiben a zsánerfestmények témái beszűkültek, szerkezetük megváltozott. Nyugodtabbá, líraibbá, megfontoltabbá válnak. Ezt a szakaszt olyan művészek munkái képviselik, mint: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Műveiket a holland burzsoázia életének idealizált képe jellemzi. Így Pieter Janssens „Szoba egy holland házban” című belső festménye egy hangulatos, napfénnyel teli szobát ábrázol, ahol napsugarak játszanak a padlón és a falakon. A kompozícióválasztás az ember és környezete egységét hangsúlyozza.

A holland zsánerfestők az ember belső világát igyekeztek tükrözni műveikben. A rendszeresen előforduló helyzetekben élményvilágot tudtak megmutatni. Így Gerard Terborch az „Egy pohár limonádé” című filmben a gesztusok, kézérintések, szemkontaktus finom nyelvezetét ábrázolta, amely a szereplők közötti érzések és kapcsolatok egész sorát tárja fel.

A valóság újrateremtésében a finomságot és az őszinteséget holland mesterek ötvözték a feltűnő és mindennapi szépséggel. Ez a tulajdonság a csendéletben világosabban megnyilvánult. A hollandok "stilleven"-nek nevezték. Ebben a felfogásban a mesterek az élettelen tárgyakban rejtett életet láttak, amely az ember életéhez, életmódjához, szokásaihoz és ízléséhez kapcsolódik. A holland festők a természetes „rendetlenség” benyomását keltették a dolgok elrendezésében: mutattak egy felvágott lepényt, egy hámozott citromot spirálban lógó héjjal, egy befejezetlen pohár bort, egy égő gyertyát, egy nyitott könyvet - mindig úgy tűnik hogy valaki megérintette ezeket a tárgyakat, csak hogy használták őket, érezhető az ember láthatatlan jelenléte.

A 17. század első felében a holland csendélet vezető mesterei Pieter Claes voltak 1és Willem Hed. Csendéleteik kedvenc témája az úgynevezett „reggeli”. V. Kheda „Reggeli homárral” című művében (melléklet; 16. ábra) a legváltozatosabb formájú és anyagú tárgyak - kávéskanna, pohár, citrom, ezüsttányér. Az objektumok úgy vannak elrendezve, hogy megmutassák mindegyik vonzerejét és különlegességét. Különféle technikák segítségével a Heda tökéletesen átadja az anyagot és a textúra sajátosságait; Így a fény tükröződése eltérően játszik az üveg és a fém felületén. A kompozíció minden elemét a fény és a szín egyesíti. P. Klass „Csendélet gyertyával” című művében nemcsak a tárgyak anyagi tulajdonságainak visszaadásának pontossága figyelemre méltó, hanem a kompozíció és a megvilágítás is nagyszerű érzelmi kifejezőerőt ad nekik. Klass és Kheda csendéletei hasonlóak egymáshoz - a meghittség és a kényelem, a nyugalom hangulata egy polgári ház életében, ahol jólét uralkodik. A csendélet a holland művészet egyik fontos témájának tekinthető - a magánszemély életének témája. Fő döntését egy műfaji filmben hozta meg.

Szimbolizmus. Csendélet

A holland csendéletben minden tárgy szimbolikus. A 18. század folyamán megjelent gyűjtemények<#"justify">o a váza közelében morzsolt szirmok a törékenység jelei;

o az elszáradt virág az érzések eltűnését jelzi;

o az íriszek Szűz Mária jele;

o a piros virágok Krisztus engesztelő áldozatának jelképei;

o A fehér liliom nemcsak gyönyörű virág, hanem Szűz Mária tisztaságának jelképe is;

o szegfű - Krisztus kiontott vérének szimbóluma;

o fehér tulipán - hamis szerelem.

o gránátalma - a feltámadás szimbóluma, a tisztaság szimbóluma;

o alma, őszibarack, narancs a bukásra emlékeztetett;

o a pohárban vagy kancsóban lévő bor Krisztus áldozati vérét képviselte;

o olajbogyó - a béke szimbóluma;

o a rothadt gyümölcsök az öregedés szimbóluma;

o búzakalász, borostyán - az újjászületés és az életciklus szimbóluma.

o az üveg a törékenység szimbóluma;

o porcelán - tisztaság;

o az üveg a bűn és a részegség szimbóluma;

o a törött edények a halál szimbóluma;

o a felfordított vagy üres üveg ürességet jelent;

o kés - az árulás jelképe;

o az ezüst edények a gazdagság megszemélyesítői.

o homokóra - emlékeztető az élet mulandóságára;

o koponya - emlékeztető a halál elkerülhetetlenségére;

o búzakalászok - az újjászületés és az életciklus szimbólumai;

o a kenyér az Úr testének jelképe;

o a fegyverek és a páncélok a hatalom és a hatalom szimbólumai, annak megjelölése, amit nem vihetünk magunkkal a sírba;

o kulcsok - a hatalmat szimbolizálják;

o a füstölgő pipa a mulandó és megfoghatatlan földi örömök jelképe;

o karneváli maszk - egy személy hiányának jele; felelőtlen öröm;

o a tükrök, az üveggolyók a hiúság szimbólumai, a tükröződés, az irrealitás jele.

A holland realista táj alapjai a 17. század elején alakultak ki. A művészek kedvenc természetüket dűnékkel és csatornákkal, házakkal és falvakkal ábrázolták. Igyekeztek ábrázolni a táj nemzetiségét, a levegő hangulatát és az évszak jellegzetességeit. A mesterek egyre inkább alárendelték a kép minden összetevőjét egyetlen hangnak. Élénk színérzékük volt, és ügyesen közvetítették az átmeneteket a fényről az árnyékra, a tónusról a tónusra.

A holland realista táj legnagyobb képviselője Jan van Goyen (1596-1656). Leidenben és Hágában dolgozott. A művész előszeretettel ábrázolta a völgyeket és a folyók vízfelületét kis méretű vásznakon. Goyen sok helyet hagyott az égnek a felhőkkel. Ez a „Kilátás a Waal folyóra Nijmegen közelében” című festmény, amelyet finom barna-szürke színskálával terveztek.

Később megváltozik a tájak jellegzetes lényege. Kicsit szélesebbé, érzelmesebbé válik. A sajátosság ugyanaz marad - visszafogott, de a hangok mélységet szereznek.

A tájstílus minden új vonása Jacob van Ruisdael (1629-1682) festményein testesült meg. A fák és bokrok terjedelmesnek ábrázolása azt az érzést keltette, hogy előtérbe kerülnek és egyre erősebbek lesznek. Ruisdael kiváló perspektíva érzékkel, ügyesen közvetítette Hollandia széles síkságait és környékét. A hangszín és a világítás megválasztása a fókuszt idézi. Ruisdael is szerette a romokat mint dekorációs részleteket, amelyek a pusztulásról és a földi lét gyarlóságáról beszélnek. A "zsidó temető" egy elhanyagolt terület. Ruisdael nem járt sikerrel a maga idejében. Festményeinek realizmusa nem felelt meg a társadalom ízlésének. A ma már méltán világhírnévnek örvendő művész szegény emberként halt meg egy harlemi alamizsnában.

Portréfestés. Frans Hals

Az egyik nagy holland művész Frans Hals volt (1580-1666 körül). A 17. században született Antwerpenben. Nagyon fiatal művészként Haarlembe került, ahol felnőtt, és Karel Van Mander iskolájának stílusában alakult. Haarlem büszke volt művészére, és kiváló vendégeket hoztak műtermébe - Rubenst és Van Dycket.

Hals szinte kizárólag portréfestő volt, de művészete nemcsak a holland portréművészetnek, hanem más műfajok kialakulásának is sokat jelentett. Hals munkáiban a portrékompozíciók három típusa különböztethető meg: csoportportré, megrendelt egyéni portré és speciális, a műfajfestészethez hasonló jellegű portréképek.

Hals 1616-ban megfestette „A Szent György Lövészezred százada tiszteinek lakomáját”, amelyben teljesen szakított a csoportos portás hagyományos mintájával. Azzal, hogy egy nagyon eleven alkotást alkotott, a szereplőket csoportokba egyesítette, és különféle pózokat adott nekik, úgy tűnt, a portréművészetet egyesítette a zsánerfestészettel. A munka sikeres volt, a művészt elárasztották a megrendelések.

Szereplői természetesen és szabadon állnak a portrén, testtartásuk, gesztusaik instabilnak tűnnek, arckifejezésük hamarosan megváltozik. Hals kreatív modorának legfigyelemreméltóbb jellemzője az a képesség, hogy egyéni arckifejezésekkel és gesztusokkal karaktert közvetítsen, mintha repülés közben elkapták volna - „Vidám ivótárs”, „Mulatto”, „Mosolygó tiszt”. A művész szerette a dinamikus érzelmi állapotokat. De ebben a pillanatban, amikor Hals megörökítette, a leglényegesebb, a „cigány”-kép magja, a „Malle Baba” mindig megragad.

A 30-as, 40-es évek legvégéről készült Hals képein azonban feltűnik a Willem Heythuisen-portré szereplőitől idegen megfontoltság és szomorúság, s olykor enyhe irónia is átsiklik a művész hozzáállásán. Az élet és az ember ujjongó elfogadása fokozatosan eltűnik a khalsa művészetből.

Fordulópontok jöttek a Khalsa festészetben. Hals 50-es, 60-as években festett portréin a karakterisztika elmélyült elsajátítása új belső jelentéssel párosul. A néhai Hals egyik legerősebb alkotása egy férfi portréja a New York-i Metropolitan Museum of Artból (1650-1652). A portré kompozíciója a figura generációs képe, tiszta frontba állítása, közvetlenül a nézőre irányuló tekintet, a személyiség jelentősége érződik. A férfi testtartása hideg tekintélyről és arrogáns megvetésről árulkodik mindenki iránt. Az önbecsülés hatalmas ambícióval párosul benne. Ugyanakkor a tekintetben váratlanul megakad a csalódottság árnyalata, mintha ebben az emberben a múlt miatti sajnálkozás lappangna - fiatalsága és nemzedékének fiatalsága miatt, akiknek eszméi feledésbe merültek, életösztönzői elhalványultak.

Hals 50-es és 60-as évekbeli portréi sokat elárulnak az akkori holland valóságról. A művész hosszú életet élt, és tanúja volt a holland társadalom elfajulásának és demokratikus szellemének eltűnésének. Nem véletlen, hogy a khalsa művészet most kimegy a divatból. Hals kései munkái érzékenyen tükrözik a mestertől oly idegen korszellemet, de kihallani bennük saját csalódottságát is a környező valóságban. Ezeknek az éveknek egyes alkotásaiban az egykori dicsőségét vesztett, életútja végét már látott idős művész személyes érzéseinek visszhangja ragadja meg.

Hals két évvel halála előtt, 1664-ben portrékat festett a haarlemi idősek otthona régenseiről és régenseiről (vagyonkezelőiről).

A "Regentsek portréjában" mindenkit a csalódás és a végzet érzése egyesít. A régensekben nincs életerő, mint a Hals korai csoportportréiban. Mindenki magányos, mindenki önmagában létezik. A fekete tónusok vöröses-rózsaszín foltokkal tragikus hangulatot teremtenek.

„A régensek portréja” más érzelmi kulcsban dől el. Az érzéketlen, együttérzést nem ismerő öregasszonyok szinte mozdulatlan pózában érezhető a mester tekintélye, ugyanakkor mély depresszió él mindannyiukban, a tehetetlenség és a kétségbeesés érzése a közelgő halállal szemben.

Hals élete végéig megőrizte tudásának tévedhetetlenségét, és a nyolcvanéves festő művészete belátásra és erőre kapott.

6. Rembrandt van Rijn

Rembrandt (1606-1669) a holland festészet aranykorának legnagyobb képviselője. Leidenben született 1606-ban. A művész Amszterdamba költözött, ahol Pieter Lastman műhelyébe költözött, majd visszatért Leidenbe, ahol 1625-ben önálló alkotói életet kezdett. 1631-ben Rembrandt végül Amszterdamba költözött, és a mester élete hátralévő része ehhez a városhoz kötődött.

Rembrandt munkásságát áthatja az élet és az ember belső világának filozófiai megértése. Ez a 17. századi holland művészet fejlődésének csúcsa. Rembrandt művészeti örökségét számos műfaj jellemzi. Festett portrékat, csendéleteket, tájképeket, műfaji jeleneteket, történelmi, bibliai és mitológiai témájú festményeket. De a művész munkássága élete utolsó éveiben érte el legnagyobb mélységét. Az Uffiziben három műve található a nagy mestertől. Ez egy fiatalkori önarckép, egy időskori önarckép, egy idős ember (rabbi) portréja. Sok későbbi munkájában a művész a vászon teljes felületét sötétségbe borítja, ezzel a néző figyelmét összpontosítva. az arcon.

Rembrandt így ábrázolta magát 23 évesen.

Az Amszterdamba költözés időszakát Rembrandt kreatív életrajzában számos férfi és női vázlat megalkotása fémjelezte. . Ezekben feltárja az egyes modellek egyediségét, arckifejezéseit. Ezek a kis alkotások később Rembrandt arcképfestő igazi iskolájává váltak. Pontosan portré Az akkori festészet lehetővé tette a művész számára, hogy megrendeléseket vonzzon a gazdag amszterdami polgároktól és ezzel kereskedelmi sikereket érjenek el.

A művész 1653-ban, anyagi nehézségekkel küzdve, szinte teljes vagyonát fiára, Titusra ruházta, majd 1656-ban csődöt jelentett. Házának és ingatlanának eladása után a művész Amszterdam külvárosába, a zsidó negyedbe költözött, ahol élete hátralévő részét töltötte. Azokban az években a legközelebb álló személy nyilván Titus volt, mert képei vannak a legtöbben. Titus 1668-ban bekövetkezett halála a sors egyik utolsó csapása volt a művész számára; ő maga egy év múlva meghalt. "Máté és az angyal" (1661). Talán Titus volt az angyal mintája.

Rembrandt életének utolsó két évtizede portréfestői készségeinek csúcsává vált. A modellek a művész társai (Nicholas Breuning , 1652; Gerard de Lairesse , 1665; Jeremias de Dekker , 1666), katonák, öregek és asszonyok – mindazok, akik a szerzőhöz hasonlóan évekig tartó fájdalmas megpróbáltatásokon mentek keresztül. Arcukat és kezüket belső lelki fény világítja meg. A művész belső fejlődését önarcképek sorozata közvetíti, legbensőbb élményeinek világát tárva a néző elé. Az önarcképsorozatot bölcs apostolok képei kísérik . Az apostol arcán magának a művésznek a vonásai is felismerhetők.

7. Vermeer delfti jan

Holland művészeti festészet csendélet

Vermeer of Delft Jan (1632-1675) - holland festő, a holland műfaj és tájfestészet legnagyobb mestere. Vermeer Delftben dolgozott. Művészként Karel Fabritius hatása alatt fejlődött, aki tragikusan meghalt egy lőporraktár felrobbanásakor.

Vermeer korai festményeinek fenséges képei vannak ( Krisztus Mártával és Máriával ). Vermeer munkásságát erősen befolyásolta a műfajfestészet mesterének, Pieter de Hoochnak a munkája. A festő stílusát Vermeer festményei továbbfejlesztették.

Az 50-es évek második felétől Vermeer kis festményeket festett egy vagy több figurával egy házbelső ezüstös fényében ( Lány levéllel Szobalány egy kancsó tejjel ). Az 50-es évek végén Vermeer a tájfestészet két remekművét alkotta meg: egy lelkes festményt utca csillogó, friss, tiszta, színekkel és festményekkel Kilátás Delft városára . A 60-as években Vermeer munkája kifinomultabbá vált, festészete hidegebbé vált. ( Lány gyöngy fülbevalóval).

A 60-as évek végén a művész gyakran ábrázolt gazdagon berendezett szobákat, ahol hölgyek és urak zenéltek és gáláns beszélgetéseket folytattak.

Vermeer életének utolsó éveiben anyagi helyzete nagyon megromlott. A festmények iránti kereslet erősen visszaesett, a festő kénytelen volt hitelt felvenni tizenegy gyermek és más családtagok étkeztetésére. Ez valószínűleg felgyorsította a halál közeledtét. Nem ismert, hogy mi történt – heveny betegség, vagy pénzügyi eredetű depresszió, de Vermeert 1675-ben temették el a családi kriptában Delftben.

Vermeer halála utáni egyéni művészetét kortársai nem értékelték. Az iránta való érdeklődés csak a 19. században éledt meg, köszönhetően Etienne Théophile Thoré művészetkritikus és művészettörténész munkásságának, aki Vermeert „felfedezte” a nagyközönség számára.

Következtetés

A valósághoz való vonzódás hozzájárult a holland művészet művészi lehetőségeinek bővítéséhez, és gazdagította műfaji témáját. Ha a 17. századig az európai képzőművészetben nagy jelentőséggel bírtak a bibliai és mitológiai témák, más műfajok pedig gyengén fejlődtek, akkor a holland művészetben drámaian megváltozik a műfajok viszonya. Emelkedett az olyan műfajok száma, mint: hétköznapi élet, portré, tájkép, csendélet. Maguk a bibliai és mitológiai témák a holland művészetben nagyrészt elveszítik korábbi megtestesülési formáikat, és mára mindennapi festményekként értelmezik őket.

Minden vívmánya ellenére a holland művészet bizonyos korlátoltságokat is hordozott – a témák és motívumok szűk körét. Egy másik hátrány: csak néhány mester kereste mély alapját a jelenségekben.

De sok kompozíciós festményen és portrén a képek a legmélyebb természetűek, a tájak pedig az igazi és valóságos természetet mutatják. Ez a holland művészet sajátos jellemzője lett. Így a festők nagy áttörést értek el a művészetben azáltal, hogy elsajátították az ember belső világáról és élményeiről alkotott képfestés nehéz és összetett készségeit.

A teszt alkalmat adott arra, hogy próbára tegyem kreatív képességeimet, kiegészítsem elméleti tudásomat, és többet megtudjak holland művészekről és műveikről.

Korrepetálás

Segítségre van szüksége egy téma tanulmányozásához?

Szakértőink tanácsot adnak vagy oktatói szolgáltatásokat nyújtanak az Önt érdeklő témákban.
Nyújtsa be jelentkezését a téma megjelölésével, hogy tájékozódjon a konzultáció lehetőségéről.

Mindeközben ez az európai kultúra egy speciális, részletesebb tanulmányozásra érdemes területe, amely a hollandok akkori eredeti életét tükrözi.

Megjelenés története

A művészeti művészetek kiemelkedő képviselői a XVII. században kezdtek megjelenni az országban. A francia kulturológusok közös nevet adtak nekik - „kis holland”, amely nem kapcsolódik a tehetség mértékéhez, és a mindennapi élet bizonyos témáihoz való kötődést jelzi, szemben a „nagy” stílussal, nagy vásznakkal történelmi vagy mitológiai témákról. A holland festészet kialakulásának történetét a tizenkilencedik században írták le részletesen, és a róla szóló művek szerzői is használták ezt a kifejezést. A „kis hollandokat” a világi realizmus jellemezte, a környező világ és az emberek felé fordultak, és tónusokban gazdag festészetet használtak.

A fejlődés fő szakaszai

A holland festészet története több korszakra osztható. Az első körülbelül 1620-tól 1630-ig tartott, amikor a realizmus meghonosodott a nemzeti művészetben. A holland festészet 1640-1660 között élte meg második korszakát. Ekkor virágzott igazán a helyi művészeti iskola. Végül a harmadik időszak, amikor a holland festészet hanyatlásnak indult - 1670-től a XVIII. század elejéig.

Érdemes megjegyezni, hogy ez idő alatt a kulturális központok megváltoztak. Az első időszakban vezető művészek dolgoztak Haarlemben, és a fő képviselő Khalsa volt. Ezután a központ Amszterdamba került, ahol a legjelentősebb munkákat Rembrandt és Vermeer végezte.

A mindennapi élet jelenetei

A holland festészet legfontosabb műfajainak felsorolásakor feltétlenül a mindennapi élettel kell kezdeni - a történelem legélénkebb és legeredetibb életével. A flamandok voltak azok, akik hétköznapi emberek, parasztok és városlakók vagy polgárok mindennapi életéből tártak a világ elé. Az úttörők Ostade és követői Audenrogge, Bega és Dusart voltak. Ostade korai festményein az emberek kártyáznak, veszekednek, sőt még a kocsmában is verekednek. Mindegyik festményt dinamikus, kissé brutális karakter jellemzi. A korabeli holland festészet is békés jelenetekről beszél: néhány alkotáson parasztok beszélgetnek egy pipa és egy pohár sör mellett, vásáron vagy családjukkal töltik az időt. Rembrandt befolyása a puha, arany színű chiaroscuro széles körű elterjedéséhez vezetett. A városi jelenetek olyan művészeket inspiráltak, mint Hals, Leicester, Molenaar és Codde. A tizenhetedik század közepén a mesterek orvosokat, tudósokat ábrázoltak munka közben, saját műhelyeiket, ház körüli munkákat, vagy Minden cselekménynek szórakoztatónak, néha groteszken didaktikusnak kellett lennie. Egyes mesterek hajlamosak voltak a mindennapi élet poetizálására, például Terborch zenélés vagy flörtölés jeleneteit ábrázolta. A Metsu élénk színeket használt, ünneppé varázsolva a mindennapokat, míg de Hooch-ot a szórt nappali fényben fürdő családi élet egyszerűsége ihlette. A műfaj későbbi képviselői, köztük olyan holland festészeti mesterek, mint Van der Werff és Van der Neer, az elegáns ábrázolás iránti törekvésükben gyakran alkottak némileg igényes témákat.

Természet és tájak

Emellett a holland festészet széles körben képviselteti magát a tájkép műfajában. Először olyan haarlemi mesterek munkáiban tűnt fel, mint van Goyen, de Moleyn és van Ruisdael. Ők kezdték el a vidéki területeket bizonyos ezüstös fényben ábrázolni. Műveiben a természet anyagi egysége került előtérbe. A tengeri tájakat külön érdemes megemlíteni. A 17. századi marinisták közé tartozott Porsellis, de Vlieger és van de Capelle. Nem annyira bizonyos tengeri jelenetek közvetítésére törekedtek, mint inkább magát a vizet, a fényjátékot rajta és az égen.

A tizenhetedik század második felére érzelmesebb, filozófiai gondolatokat tartalmazó művek jelentek meg a műfajban. Jan van Ruisdael maximálisan feltárta a holland táj szépségét, teljes drámaiságában, dinamikájában és monumentalitásában ábrázolva azt. A napos tájakat kedvelő Hobbem folytatta hagyományait. Koninck panorámákat festett, van der Neer pedig éjszakai tájakat, és holdfényt, napkeltét és napnyugtát ábrázolt. Számos művészre jellemző még az állatok táji ábrázolása, például legelő tehenek és lovak, valamint a vadászat és a lovas katonákkal való jelenetek. Később a művészek érdeklődni kezdtek az idegen természet iránt – Van Laar, Wenix, Berchem és Hackert egyaránt a déli nap sugaraiban fürdőző Olaszországot ábrázolták. A műfaj alapítója Sanredam volt, akinek legjobb követői a Berkheide fivérek és Jan van der Heijden.

A belső terek képe

Külön műfaj, amely fénykorában a holland festészetet megkülönböztette, nevezhetjük a templomi, palotai és otthoni jeleneteknek. Az enteriőrök a tizenhetedik század második felének festményein jelentek meg Delft mesterei - Haukgeest, van der Vliet és de Witte - festményein, akik a mozgalom fő képviselőjévé váltak. A művészek Vermeer technikáival napfényben fürdő jeleneteket ábrázoltak, tele érzelmekkel és hangerővel.

Festői ételek és ételek

Végül a holland festészet másik jellegzetes műfaja a csendélet, különösen a reggelik ábrázolása. Először Claes és Heda haarlemi lakosok vették kezükbe, akik terített asztalokat festettek fényűző edényekkel. A hangulatos belső tér festői rendetlensége és különleges közvetítése az ezüstre és az ónra jellemző ezüstszürke fénnyel van tele. Az utrechti művészek buja virágcsendéleteket festettek, Hágában pedig a művészek különösen jók voltak a halak és tengeri hüllők ábrázolásában. Leidenben a műfaj filozófiai irányvonala alakult ki, amelyben a koponyák és a homokórák együtt élnek az érzéki élvezet vagy a földi dicsőség szimbólumaival, amelyek az idő mulandóságára emlékeztetnek. A demokratikus konyhai csendéletek a rotterdami művészeti iskola jellemzőivé váltak.

A festészet fő irányzatai, fejlődési szakaszai és Hollandia ikonikus festői.

holland festészet

Bevezetés

A 17. századi holland festészetet néha tévesen a középosztály művészetének tekintik, csodálva az e korszak flamand festészetét, és udvariasnak, arisztokratikusnak nevezik. Nem kevésbé téves az a vélemény sem, hogy a holland művészek csak a közvetlen emberi környezet ábrázolásával foglalkoznak, tájakat, városokat, tengereket, emberek életét használva erre a célra, míg a flamand művészet a történeti festészet elkötelezettje, amely művészetelméletileg magasztosabbnak számít. műfaj. Ezzel szemben Hollandiában a középületek, amelyektől impozáns megjelenést vártak, valamint a gazdag látogatók – vallási meggyőződésüktől vagy származásuktól függetlenül – allegorikus vagy mitológiai témájú festményeket igényeltek.

A holland festőiskola bármilyen felosztása flamand és holland ágra a 17. század elejéig. a területek közötti folyamatos alkotócsere miatt mesterséges lenne. Például az amszterdami születésű Pieter Aertsen Antwerpenben dolgozott, mielőtt 1557-ben visszatért szülővárosába, tanítványa és unokaöccse, Joachim Bukelaer pedig egész életét Antwerpenben töltötte. Az Utrechti Unió aláírása és a hét északi tartomány szétválása kapcsán sok lakos 1579–1581 után. Észak-Hollandiából emigrált a mesterségesen kettéosztott ország protestáns részébe.

"Hentesbolt". Artsen.

A művészet fejlődése

A holland festészet önálló fejlődésének lendületét a flamand művészek adták. Az antwerpeni születésű, Rómában tanult Bartholomeus Spranger egy virtuóz, udvarias, mesterkélt stílus megalapítója lett, amely Spranger ideiglenes bécsi és prágai tartózkodása következtében nemzetközi „nyelvvé” vált. 1583-ban Karel van Mander festő és művészetteoretikus hozta ezt a stílust Haarlembe. Ennek a haarlemi vagy utrechti modornak az egyik fő mestere Abraham Bloemaert volt.

Aztán Isaiah van de Velde, aki Hollandiában született egy flandriai emigráns családban, és egy festői körben tanult, amelynek középpontjában a flamand művészek, David Vinkboons és Gillies Koninksloe állt, korai festményein realista festészeti stílust alakított ki, amely Jan Bruegelre utalt. az idősebb, művészi tervek élénk színátmeneteivel. 1630 körül Hollandiában meghonosodott a művészi tér egységesítése és a különböző rétegekből származó színek egyesítésének irányzata. Azóta az ábrázolt dolgok sokrétűsége átadta helyét a térérzetnek és a légies köd atmoszférájának, amit fokozatosan erősödő monokróm színhasználattal közvetítettek. Isaiah van de Velde tanítványával, Jan van Goennel együtt testesítette meg a művészet e stilisztikai forradalmát.

Téli táj. Velde.

A magas barokk egyik legmonumentálisabb tájképe, Jacob van Ruisdael "A Nagy Erdő" a holland festészet következő fejlődési időszakához tartozik. A nézőnek már nem kell megtapasztalnia a szürkésbarna tónusokban, néhány markáns motívummal burjánzó tér meglehetősen amorf megjelenését; ezentúl a benyomást egy rögzített, energikusan hangsúlyos szerkezet alkotja.

Műfaji festészet

A holland zsánerfestészetet, amely valójában aligha nevezhető csupán a mindennapi élet portréinak, sokszor moralista üzenetet hordozva, Bécsben minden fő mesterének alkotásaival képviselteti magát. Központja Leiden volt, ahol Gerard Doux, Rembrandt első tanítványa megalapította a Leiden School of Fine Painting (fijnschilders) néven ismert iskolát.

Figurális festészet

A társaság tisztségviselőinek találkozója. Frans Hals.

A figuratív festészet három legnagyobb holland mestere, a delfti Frans Hals, Rembrandt és Johannes Vermeer csaknem egy generációnyi időközönként követte egymást. Hals Antwerpenben született, és Haarlemben főként portréfestőként dolgozott. Sokak számára a nyitott, vidám és spontán virtuóz festő megszemélyesítője lett, míg Rembrandt gondolkodó művészete - ahogy a közhely tartja - az emberi sors eredetét tárja fel. Ez egyszerre igazságos és helytelen. Ha Hals portréját vagy csoportportréját nézi, azonnal megragadja a tekintetét az a képesség, hogy egy olyan személyt közvetítsen, akit mozgás közben elárasztanak az érzelmek. Egy múló pillanat ábrázolására Hals nyitott, észrevehetően szabálytalan vonásokat használ, amelyek cikcakkokban vagy keresztben metszik egymást. Ez egy állandóan csillogó felület hatását kelti, mint egy vázlat, amely csak bizonyos távolságból nézve olvad össze egyetlen képpé. Rothschild „ajándékainak” visszaadása után a liechtensteini herceg gyűjteményébe beszereztek egy kifejező feketeruhás portrét, és így visszakerült Bécsbe. A Kunsthistorisches Museumnak csak egy festménye van Franz Halstól, egy fiatal férfi portréja, aki már VI. Károly gyűjteményében volt a hollandiai „protestáns” művészet néhány példájaként. A Hals munkásságának késői korszakában festett portrék pszichológiai behatolásuk és pózolás hiánya tekintetében közelebb állnak Rembrandt alkotásaihoz.

A chiaroscuro árnyalatainak és területeinek finom átmeneteinek köszönhetően úgy tűnik, hogy Rembrandt chiaroscuro egy rezonáns térbe burkolja a figurákat, amelyben hangulat, atmoszféra, valami megfoghatatlan, sőt láthatatlan is lakozik. Rembrandt életművét a Bécsi Képcsarnokban csak portrék képviselik, bár A művész anyja és A művész fia is egyalakos történelmi festményeknek tekinthetők. Az 1652-es, úgynevezett „nagy önarcképen” a művész barna blúzban, háromnegyed felé fordított arccal jelenik meg előttünk. Tekintete magabiztos, sőt dacos.

Vermeer

Vermeer drámai művészetét, amely teljes mértékben a szemlélődésre összpontosította, a holland középosztály tükörképének tekintették, amely immár független és elégedett azzal, amije volt. Vermeer művészi koncepcióinak egyszerűsége azonban megtévesztő. Tisztaságuk és nyugodtságuk precíz elemzés eredménye, beleértve a legújabb technikai találmányok, például a camera obscura használatát. Az 1665-1666 körül készült "A festészet allegóriája", Vermeer csúcsműve a színekkel való munka szempontjából, legambiciózusabb festményének nevezhető. Az észak-holland származású Jan van Eyck által elindított folyamat, a mozdulatlan világ passzív, elszakadt szemlélődése mindig is a holland festészet fő témája maradt, Vermeer munkáiban pedig allegorikus és egyben valóságos apoteózisig jutott.

Frissítve: 2017. szeptember 16-án: Gleb