Joue "Photo de famille".
1849 – la comédie « Notre peuple - Soyons numérotés ! » est écrite.
1853 - première représentation de la comédie « Ne montez pas dans votre propre traîneau » sur la scène du Théâtre Maly.
1856, février - l'accord est donné à une coopération permanente au magazine Sovremennik.
1856, avril - participation à une expédition littéraire le long de la Volga.
1859 - drame « L'Orage » ; publication d'une édition en deux volumes d'ouvrages A. N. Ostrovski.
1873 - conte de fées printanier « La Fille des Neiges ».
1879 - drame "Dot".
1882 - 35e anniversaire de l'activité littéraire de A. N. Ostrovsky.
1886, 2 juin (14 juin) - décès du dramaturge.

Essai sur la vie et le travail

"Le jour le plus mémorable...".

Dans l'une des ruelles de Zamoskvorechye, dans laquelle la classe marchande avait depuis longtemps établi son axe, le 31 mars 1823, Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky, qui devint plus tard un dramaturge russe exceptionnel, est né dans la famille d'un fonctionnaire. Le cadre de vie des habitants de Zamoskvorechye portait l'empreinte de l'Antiquité et présentait un matériel d'observation vaste et intéressant. Cette zone située au-delà de la rivière Moscou est devenue le théâtre d'actions pour de nombreuses personnes. comédies Ostrovsky et le dramaturge lui-même ont commencé à être appelés « Colomb de Zamoskvorechye ».

Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, Alexandre, sur les conseils de son père, entre à la faculté de droit de Moscou. université. Cependant, les sciences juridiques ne sont pas devenues sa vocation et il décide de se consacrer à l'activité littéraire. L'amour pour la littérature et le théâtre s'est réveillé chez le futur dramaturge alors qu'il étudiait encore au gymnase. Ostrovsky a décidé de quitter l'université, mais son père a insisté pour qu'il devienne greffier au tribunal de conscience de Moscou, qui examinait « consciencieusement » les affaires pénales et civiles entre parents et enfants. Le service dans un tribunal consciencieux, et plus tard dans un tribunal de commerce, m'a donné l'occasion de me familiariser avec un grand nombre d'affaires civiles - concernant des faillis malveillants (débiteurs insolvables), des arnaques avec les créanciers. Ostrovsky a rencontré ici les héros de ses futures comédies. Même si le service présentait peu d'intérêt pour l'avenir dramaturge, mais elle lui fut utile dans la mesure où elle lui fit découvrir de près la vie et les coutumes des marchands, des citadins et des fonctionnaires.

Le 14 février 1847, A. N. Ostrovsky termina sa première comédie en un acte « Photo de famille » et la lut le même jour dans la maison du professeur S. P. Shevyrev en présence d'écrivains. La pièce a fait une grande impression sur le public. Shevyrev a félicité les personnes présentes pour « une nouvelle sommité de la littérature russe ». En souvenir de ce jour, Ostrovski a écrit : « Le jour le plus mémorable de ma vie a été le 14 février 1847. À partir de ce jour, j’ai commencé à me considérer comme un écrivain russe et, sans aucun doute ni hésitation, j’ai cru en ma vocation.

La pièce a été publiée en mars de la même année dans le journal Moscou City Listok, mais sa production a été interdite. La pièce du dramaturge qui suivit, « Notre peuple : soyons comptés ! » connut le même sort. À l'automne 1849, la comédie fut soumise à la censure dramatique. Le censeur de Gideon, en révélant le contenu, a spécifiquement souligné que tous les personnages sont des « canailles notoires », et que toute la pièce est « une insulte aux marchands russes ».

"Jeux de la vie".

En 1853, la comédie « Ne montez pas dans votre propre traîneau » de A. N. Ostrovsky est montée pour la première fois sur la scène du Théâtre Malygo, suivie d'une autre « La pauvreté n'est pas un vice ». A partir de cette époque, il devient le dramaturge du Petit théâtre. Ostrovsky consacre toutes ses forces à ce théâtre, à son œuvre, à sa vocation non seulement de dramaturge, mais aussi de théoricien des arts du spectacle.

Les œuvres dramatiques de A. N. Ostrovsky entrent progressivement dans le répertoire du théâtre russe. Chaque année, il écrit une, parfois deux nouvelles pièces. Le travail réaliste du dramaturge a relancé la scène russe.

Dans la seconde moitié des années 50, pendant les années d'essor social, A. N. Ostrovsky devient employé du magazine Sovremennik. Des relations amicales le liaient avec N. A. Nekrasov, I. S. Tourgueniev, L. N. Tolstoï. Même après la scission de Sovremennik et le départ d'un certain nombre d'écrivains célèbres, A. N. Ostrovsky reste fidèle à ce magazine. Après son interdiction en 1866, le dramaturge, avec N.A. Nekrassov et M.E. Saltykov-Shchedrin déménage à Otechestvennye zapiski.

En 1859, un recueil en deux volumes des œuvres de A. N. Ostrovsky fut publié. La même année, un article de N. A. Dobrolyubov « Le Royaume des Ténèbres » parut dans le magazine Sovremennik. Il a fourni une analyse de toutes les pièces incluses dans cette publication. Dans l’article, le critique écrit qu’Ostrovsky possède une profonde compréhension de la vie russe et « une grande capacité à en décrire les aspects les plus significatifs de manière nette et vivante ». Dobrolyubov a théoriquement compris les modèles du monde découverts par le dramaturge et l'a appelé le « royaume des ténèbres », et ses pièces - « les pièces de la vie ».

L’article « Le Royaume des Ténèbres » a non seulement révélé l’importance d’Ostrovsky pour la littérature russe, mais a également eu une grande influence sur le dramaturge lui-même.

"Pour être un écrivain du peuple", lit-on dans un article d'Ostrovsky, "il ne suffit pas d'aimer sa patrie... il faut aussi bien connaître son peuple". C'est pourquoi, lorsqu'on lui proposa de participer à une expédition littéraire organisée par le ministère de la Mer..... dans des lieux situés dans le cours supérieur de la Volga, Ostrovsky accepta immédiatement. En avril 1856, il quitte Moscou et visite les provinces de Tver, Kostroma, Yaroslavl et une partie des provinces de Nijni Novgorod. Ostrovsky a étudié la vie et les coutumes des habitants des villes de la Volga avec les soins d'un chercheur. Les riches matériaux qu'il a rassemblés lui ont fourni de nouveaux thèmes pour ses futurs drames, comédies et chroniques historiques.

Au cours de l'expédition, Ostrovsky a étudié les monuments anciens et enregistré des chansons et des histoires folkloriques. C'est alors que le dramaturge conçoit des idées de pièces de théâtre sur des thèmes historiques : « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky », « Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk ». Reproduisant un passé lointain, Ostrovsky a soulevé pour la Russie un problème important de pouvoir et de peuple. Au cours de l'expédition littéraire, les travaux sur le drame «L'Orage» (terminé en 1859) et l'idée du Printemps ont commencé. contes de fées"The Snow Maiden", écrit en 1873.

Définissant les types d'œuvres dramatiques sans lesquelles le répertoire ne peut exister, Ostrovsky, en plus des drames et des comédies illustrant la vie russe moderne, des chroniques historiques, a jugé nécessaire de créer une pièce de conte de fées, accompagnée de musique et de chansons folkloriques, sur scène, elle devrait apparaître comme un spectacle folklorique haut en couleur. Le conte de fées printanier « La Fille des neiges » était exactement une de ces pièces, dans laquelle « la fantaisie poétique et le décor pittoresque se combinent avec un contenu lyrique et philosophique profond » (L. Lotman).

"La Fille des Neiges" occupe une place particulière dans l'œuvre d'Ostrovsky et dans tout le drame russe. L'écrivain a étudié en profondeur l'art populaire, à l'origine duquel est né le conte de fées du printemps. Il a conservé le charme de la fantaisie populaire et s’est en même temps enrichi du talent poétique d’Ostrovsky et de sa magnifique langue russe.

Le rédacteur en chef du magazine « Bulletin de l'Europe » M. M. Stasyulevich a écrit au dramaturge à propos de l'impression faite en lisant « La Fille des neiges » : « … Vous avez excellemment étudié notre monde de conte de fées et l'avez reproduit si habilement que vous voyez et entendre une sorte de monde réel.

Ce merveilleux conte de fées est rempli du mystère de la forêt, du parfum des fleurs printanières et de l'ampleur et de la puissance de chansons russes tantôt joyeuses, tantôt réfléchies. Il n’est pas étonnant qu’il ait attiré l’attention de compositeurs tels que P. I. Tchaïkovski et N. A. Rimsky-Korsakov, qui, selon lui, étaient « amoureux du conte de fées d’Ostrovsky » et ont créé l’opéra sur la base d’un livret approuvé par le dramaturge lui-même.

"Dot."

Dans ses œuvres écrites dans les années 70 et 80 du XIXe siècle, Ostrovsky reflète les nouveaux phénomènes survenus dans la vie de la Russie post-réforme. Il est l'un des premiers écrivains russes à créer des images d'hommes d'affaires bourgeois, dans la vie et les actions desquels il joue un rôle décisif. capital monétaire, des héros à la poigne de loup. Il s'agit de Berkutov (« Loups et moutons »), Knurov et Vozhevatov (« Dot »).

Le thème du cœur chaleureux résonne encore dans les œuvres d’Ostrovsky. Il crée des personnages féminins vifs : Dunya (« Pauvre Mariée »), Nadya (« L'Élève »), Katerina (« L'Orage »), Paracha (« Cœur Chaud »), Snegurochka (« Fille des Neiges ») et Larisa (« Dot »).

"Je vais essayer de terminer le drame de la manière la plus soignée, car ce sera ma quarantième œuvre", a écrit A. N. Ostrovsky à son ami l'acteur Burdin à propos de la pièce "Dowry", que de nombreux contemporains ont reconnue comme la meilleure œuvre du dramaturge.

La dévaluation de la personnalité, la transformation d'une personne en objet d'achat et de vente, en une « chose » est l'idée principale du drame « Dot », qui a un profond contenu social et philosophique. « La chose… oui, la chose ! », dit Larissa dans le dernier acte du drame, résumant sa vie. "Ils ont raison, je suis une chose, pas une personne."

"Mokiy Parmenych Knurov, l'un des grands hommes d'affaires de ces derniers temps, un homme âgé avec une immense fortune." Le mot KNUR, selon le dictionnaire de V.I. Dahl, désigne un porc, un sanglier ou un sanglier qui reste à l'écart du troupeau. Cette caractéristique, cachée dans le nom de famille, se confirme dès le premier acte.

"Sergei Sergeich Paratov, un gentleman brillant, l'un des armateurs du navire..." Dans le vocabulaire des chasseurs, un paratov est un animal prédateur et adroit. Ostrovsky souligne que derrière l'apparence brillante de « l'homme idéal », comme le caractérise Larisa, se cache une personne insensible et sans âme. « Je ne sais pas ce que signifie « désolé », dit-il à Knurov et Vozhevatov. Moi, Mokiy Parmenych, je n'ai rien de précieux ; Si je trouve un profit, je vendrai tout, n’importe quoi.

L'action se déroule "actuellement dans la grande ville de Briakhimov, sur la Volga". À l’heure actuelle, cela signifie dans les années 70 du 19e siècle.

La fin des années 70 et 80 du XIXe siècle fut une période de croissance rapide de la bourgeoisie russe. Les descendants d'anciens marchands sont devenus de grands hommes d'affaires, la plupart d'entre eux ont reçu une bonne éducation et parlaient des langues étrangères. Ils ont depuis longtemps cessé de se livrer au petit commerce ; leurs capitaux sont investis dans des usines, des manufactures, des compagnies maritimes et ils sont membres de diverses sociétés par actions. Knurov ne ressemble en rien aux marchands des premières pièces d’Ostrovsky. Il apparaît sur scène avec un journal français et s'apprête à se rendre à Paris pour une exposition industrielle. Que devrait faire un homme d’affaires comme Knurov à Briakhimov ? Cette « idole », comme l’appelle le barman Gavrila, est souvent « silencieuse » et « va à Moscou, à Saint-Pétersbourg et à l’étranger pour parler ».

Dans la remarque introductive, l'auteur donne une description de la scène : « un boulevard urbain sur la haute rive de la Volga ; avec une estrade devant le café... une grille basse en fonte, derrière elle une vue sur la Volga, sur un grand espace : forêts, villages, etc. La « grille en fonte » est un détail important pour l'auteur. la ville de Briakhimov contraste avec l'espace environnant (forêt, villages), que les habitants de Briakhimov regardent « à travers un treillis en fonte » lorsqu'ils arrivent sur le boulevard. Larisa vient ici aussi. Les premiers mots qu'elle prononce dans la pièce : « Tout à l'heure je regardais la Volga, comme c'est bon là-bas, de l'autre côté ! - Mais Larisa ne parvient jamais à s'échapper de « l'autre côté » : la « grille en fonte » l'en empêche.

Au début de la pièce, Ostrovsky crée une atmosphère de calme endormi et serein : un après-midi d'été étouffant, une étendue de rivière gelée, un café tranquille et vide. Cependant, derrière le calme extérieur se cachent de fortes passions et des drames profonds.

Déjà dans le premier acte, un motif de mélancolie surgit, qui commence à résonner dans le drame avec l'apparition de Larisa. Le personnage principal est également directement lié au motif d'achat et de vente, qui trouve également son origine dans le premier acte (Knurov : « Ce serait bien d'aller à Paris avec une si jeune femme pour une exposition. » Vozhevatov : « Tout le monde là-bas est un prix pour le produit... Même si je suis jeune, je n'irai pas trop loin, je ne donnerai pas trop de choses »). Dans le dernier acte du drame, ils incarneront Larisa et ne dissimuleront même pas leur accord avec un masque de décence. Larisa s'est rendue chez Knurov, ce à quoi Vozhevatov répond : "Je ne suis pas perdu, il y a moins de dépenses."

C'est ainsi qu'Ostrovsky révèle la véritable essence des meilleurs représentants du « public pur » de Briakhimov, capables de tout vendre et d'acheter avec profit ; pour eux, « rien n'est impossible », et les personnes inférieures à eux en termes de situation financière ne sont que un objet de leur « amusement » ou de leur achat et de leur vente.

La première apparition de Larissa sur scène est accompagnée de la remarque de l'auteur : "... Dans les profondeurs, elle s'assoit sur un banc près de la grille et regarde la Volga avec des jumelles." Les étendues majestueuses de la Volga, les chênaies vertes et les marécages ne sont pas seulement
dans un cadre magnifique drames"Dot", ils font partie de l'âme de Larisa, symbole de beauté, de bonté, qui est utilisée
elle vivait dans un monde d'égoïsme et de mal. Plusieurs fois au cours des deux premiers actes, elle se tourne vers Karandyshev pour lui demander de « l'emmener d'ici », elle veut tellement « reposer son âme », elle est envahie par de lourds pressentiments.

K. S. Stanislavsky a jugé très important de commencer l'analyse de la pièce en identifiant les événements majeurs, car l'événement est la clé pour comprendre le secret de l'analyse de la pièce. Un événement est quelque chose qui « change tout, évoque de nouveaux sentiments, de nouvelles pensées, fait regarder la vie différemment, change son cours ». Les événements ont déferlé sur le destin des gens comme un tourbillon, bouleversant le cours normal de la vie et sème l'anxiété dans les cœurs humains. Le premier événement du drame "Dowry" est l'arrivée de Paratov dans la ville de Bryakhimov. Son arrivée excite les sentiments cachés de Larisa, et la première conversation avec lui fait naître l'espoir d'un bonheur possible, de changements dans sa vie, qui prédéterminent les actions futures de l'héroïne. Larisa croit chaque mot de Paratov, et un plan surgit dans sa tête : lors du dîner auquel Karandyshev l'invite, humilier et détruire le marié aux yeux de Larisa. Et personne ne pense à Larisa elle-même. Dans le dernier acte, elle parlera avec désespoir et douleur : « Personne n'a jamais essayé de regarder dans mon âme, je n'ai vu de sympathie de personne, je n'ai pas entendu une parole chaleureuse et sincère. Mais il fait froid de vivre comme ça.

Le point culminant du drame est le déjeuner chez Karandyshev. C'est l'événement central de la pièce. Le comportement de tous les personnages constitue un tournant dans le destin de Larisa.

La tâche principale du dramaturge, selon les mots d'Ostrovsky lui-même, est de «montrer sur la base de quelles données psychologiques un événement s'est produit et pourquoi exactement de cette manière et pas autrement». Qu’est-ce qui a motivé la décision de Larisa de quitter la maison de son fiancé et de quitter le dîner en son honneur avec Paratov et toute la compagnie pour un pique-nique à travers la Volga ?

Larisa et sa mère ont honte de ce misérable dîner chez le marié. « Quel déjeuner, quel déjeuner ! Et il appelle aussi Mokiya Parmenych ! - Larisa s'exclame. ... J'ai honte, j'ai honte, je pourrais m'enfuir quelque part.

Pendant le déjeuner, la conspiration de Paratov et Vozhevatov se réalise en relation avec le vain et triomphant Karandyshev «... roulez-le bien et voyez ce qui se passe. Par leurs propos et leur comportement, les «personnes notables» de la ville humilient Karandyshev, se moquent de lui et font en sorte qu'aux yeux de Larisa, il devienne une «non-entité», incapable de se défendre ou de répondre aux insultes.

Larisa, fière et fière, ne supporte pas d'assister à la scène de moquerie de l'homme qui devrait devenir son mari. Plus tard, elle dira : « Si je n’aime pas mon mari, je dois au moins le respecter ; Mais comment respecter une personne qui supporte indifféremment le ridicule et toutes sortes d'insultes !

Knurov, Vozhevatov et Paratov ont une nouvelle idée : persuader Larisa de les accompagner au-delà de la Volga. Dans la scène qui suit l'interprétation de la romance par Larisa, Paratov, avec passion dans les yeux, lui dit qu'il se méprise pour son départ rapide, sa fuite, il assure que « des sentiments nobles s'agitent encore en lui », que l'essentiel pour lui c'est « écouter sa voix charmante et oublier le monde entier ».

Larisa est vaincue, il lui semble qu'à côté de « l'insignifiance » se trouve « l'homme idéal », un homme courageux, décisif avec estime de soi, noble, prêt à tomber à ses pieds (« comment ne pas être sûr de lui » ). Avec toute la situation dans la maison de Karandyshev, Larisa est déjà psychologiquement prête à s'échapper de la maison du marié, et les paroles de son bien-aimé - "Maintenant ou jamais" - confirment sa décision. C'est le point culminant du drame.

Les derniers phénomènes révèlent la situation tragique de Karandyshev, qui est revenu dans une pièce vide. Cette scène finale d’humiliation humaine révèle la cruauté et la pauvreté spirituelle des « gens nobles ». Des villes pour lesquelles piétiner une personne dans la boue et lui gâcher la vie ne signifie rien - «c'est plus drôle ainsi». Le dernier monologue de Karandyshev immédiatement dégrisé sonne comme une accusation : « Oui, c'est drôle... Mais un homme drôle... Je suis drôle - eh bien, riez de moi, riez dans mes yeux !.. Mais pour rompre la poitrine d'un drôle d'homme, arrache-lui le cœur, jette-le sous les pieds et piétine-le !.. Comment puis-je vivre !.

« Cruel, inhumainement cruel ! - ces paroles de Karandyshev trouveront écho dans le quatrième acte par les paroles de Larisa, qui apprit de Paratov qu'il était fiancé : « Pourquoi as-tu gardé le silence ? Impie, impie !

Le quatrième acte nous ramène au décor du premier acte : la même estrade devant le café, le même banc près des bars sur lequel est assise Larisa, revenue avec tout le monde d'outre-Volga.

Karandyshev, qui considérait qu'il était de son devoir d'être le protecteur de Larisa, devient son assassin (« Alors ne laisse personne t'attraper ! »). Larisa reçoit la balle de Karandyshev avec gratitude : « Le pistolet est ici, ici, sur la table ! C'est moi... moi-même. Oh, quelle bénédiction..." En mourant, Larisa ne se plaint de personne : « …Je ne veux gêner personne ! Vivez, vivez tout ! Tu dois vivre, mais j'ai besoin... de mourir... »

Larisa ne meurt pas à cause d'une histoire d'amour, mais en vertu des lois du sombre royaume de Bryakhimov, où l'argent règne sur tout. C'est Karandyshev qui trouve les mots qui définissent ce qu'était Larisa pour la compagnie des Knurov et des Vojevat : elle est une « chose ».

"Nous sommes des artistes".

Dans les années 70 et 80, Ostrovsky a créé un certain nombre de pièces de théâtre dans lesquelles il dépeint le monde des acteurs provinciaux, bien connu du dramaturge. Les pièces présentent des images d'acteurs russes talentueux : le tragédien différent du Malchanceux et le comédien de Schastlivtsev, qui sont unis par leur dégoût pour la vie bourgeoise en apparence décente et leur amour de l'art (« Forêt ») ; Sasha Negina, une actrice talentueuse au destin tragique, puisqu'elle est pauvre et sans défense, sa vie est une scène et, pour ne pas s'en séparer, l'actrice est obligée d'accepter le patronage du millionnaire Velikatov (« Talents et admirateurs » ); Kruchinina forte et noble - « À la fois une artiste extraordinaire et une femme extraordinaire », qui a inculqué à Neznamov la foi en ses pouvoirs créatifs (« Coupable sans culpabilité »).

La comédie « La Forêt » (1871) a été particulièrement appréciée. Typgenev a écrit au dramaturge : « … quel délice c'est ! Le personnage du « Tragique » est l’un de vos plus réussis. Nekrassov a qualifié la comédie de « chose magnifique ».

Alexander Nikolaevich Ostrovsky est un dramaturge et une figure du théâtre. Il est né le 31 mars (12 avril) 1823 dans le quartier marchand de Moscou - Zamoskvorechye. Son père était le fils d'un prêtre qui, après avoir obtenu son diplôme de l'académie théologique, était dans la fonction publique, pour laquelle il reçut plus tard la noblesse. La mère de l'écrivain, une belle femme à l'âme merveilleuse, était issue de la famille d'un pauvre prêtre. Elle mourut prématurément (1831) et le père d'Alexandre se remaria une seconde fois. La belle-mère appartenait à une vieille famille noble de Suédois russifiés. Elle a changé le mode de vie patriarcal de la famille Zamoskvoretsky en un mode de vie noble et s'est efforcée de donner à ses enfants (les siens et ses beaux-enfants) une bonne éducation. La prospérité régnait dans la famille, car le père de l’écrivain exerçait avec succès un cabinet privé. Depuis 1841, il était avocat juré au tribunal de commerce de Moscou. L'écrivain a reçu une bonne éducation. Il a étudié dans l'un des meilleurs établissements d'enseignement secondaire en sciences humaines - le premier gymnase de Moscou, dont il a obtenu son diplôme en 1840. De 1840 à 1843, Ostrovsky étudie à la Faculté de droit de l'Université de Moscou. Ici, à cette époque, les sentiments anti-servage prédominaient et il y avait d'excellents professeurs.

Ostrovsky a commencé à écrire alors qu'il était encore au lycée. Durant ses années d'étudiant, il continue d'étudier la littérature et passe beaucoup de temps au théâtre. Les grands acteurs de l'époque P. S. Mochalov et M. S. Shchepkin étaient des idoles de la jeunesse. Bientôt, sa passion pour la littérature et la scène amène Ostrovsky à décider de quitter l’université. Cédant à l’insistance de son père, il entre au service du Tribunal de Conscience de Moscou. Les conflits de propriété et les délits juvéniles y étaient traités. En 1845, Ostrovsky partit travailler au tribunal de commerce de Moscou, mais il n'y servit que jusqu'en 1851. Le jeune Ostrovsky quitte ce métier pour se consacrer à la littérature. Il compose de la poésie, écrit des essais et s'essaye au théâtre. Le 14 février 1847, Ostrovsky lut avec succès sa pièce « Image de famille » dans la maison de l'écrivain S.P. Shevyrev. L'écrivain considérait cet événement comme le début de son activité professionnelle. En 1849, le dramaturge écrit la pièce « Notre peuple - Soyons numérotés ! », publiée dans la revue « Moskvityanin ». Cette pièce a rendu célèbre Ostrovsky, mais la censure a interdit sa production. L'auteur s'est retrouvé sous surveillance policière secrète.

Dans les années 50, il collabore activement avec le magazine Moskvityanin, édité par M. N. Pogodin. Avec L. L. Grigoriev, E. N. Edelson, B. N. Almazov, Ostrovsky fait partie de la « jeune équipe éditoriale », prônant un art réaliste, adressé à la vie populaire et au folklore. C'était un cercle de personnes et d'amis partageant les mêmes idées ; il comprenait des acteurs, des musiciens, des artistes et des sculpteurs. Grâce à l'amitié avec des interprètes de chansons folkloriques, l'écrivain a pu élargir ses connaissances dans le domaine du folklore et du discours vivant du peuple urbain.

Dans les années quarante, Ostrovsky a contracté un mariage civil avec la bourgeoise Agafya Ivanova. C'était une femme intelligente et pleine de tact qui a joué un rôle important dans la vie du dramaturge. En 1867, Ivanova mourut et deux ans plus tard, Ostrovsky épousa l'actrice du Théâtre Maly Maria Vasilyevna Vasilyeva. A cette époque, ils avaient déjà des enfants. Vasilyeva menait une vie laïque, ce qui compliquait sa relation avec son mari. La situation financière d'Ostrovsky était très difficile. Étant le leader reconnu parmi les dramaturges russes, travaillant dur tout le temps, il en avait grand besoin. Mais cela n'a pas empêché Ostrovsky de devenir l'un des fondateurs et un membre actif du « Fonds littéraire » (1859), destiné à aider l'intelligentsia ouvrière. Il crée le « Cercle artistique » (1865) pour aider les aspirants acteurs, la « Société des écrivains dramatiques et compositeurs d'opéra russes » (1874), qui protège leurs droits d'auteur. La « Société » promouvait les œuvres des dramaturges russes, publiait des pièces de théâtre lithographiées et organisait des représentations publiques. Ostrovsky travaillait tout le temps avec des acteurs et des dramaturges en herbe, essayant de compenser le manque de soutien du gouvernement au théâtre russe.

L'écrivain vivait en permanence à Moscou. Il aimait cette ville, la considérait comme le cœur de la Russie.

Ostrovsky vivait souvent dans le domaine Shchelykovo à Kostroma, que son père avait acheté en 1847. L'écrivain s'y rend pour la première fois en 1848. En chemin, il a visité les anciennes villes russes de Pereslavl-Zalessky, Rostov, Yaroslavl et Kostroma. Après la mort de son père, le domaine devint la possession d'Ostrovsky et de son frère. L'écrivain aimait visiter ce domaine et y écrivit de nombreuses pièces de théâtre. À Chtchelykovo, il mourut alors qu'il travaillait sur une traduction de la pièce de Shakespeare Antoine et Cléopâtre le 2 (14) juin 1886.

Le parcours créatif d'Ostrovsky peut être divisé en les périodes suivantes : début 1847-1851 - la recherche de son propre chemin, qui s'est terminée par le triomphe de la comédie "Notre peuple - Soyons numérotés !", les œuvres de cette période peuvent être attribuées à « l’école naturelle » ; Période moscovite, 1852-1854 - collaboration à la revue « Moskvityanin », participation à sa « jeune » rédaction, influencée par les opinions des slavophiles (pièces « Ne montez pas sur votre propre traîneau », « La pauvreté n'est pas une vice", "Ne vis pas comme ça", comme tu veux"); période pré-réforme, 1855-1860 - rapprochement avec le camp révolutionnaire-démocrate (pièces de théâtre « Au festin de quelqu'un d'autre, il y a une gueule de bois », « Un endroit rentable », « Le jardin d'enfants », « L'orage ») ; la dernière période post-réforme a commencé en 1861.

Jusqu'en 1861, Ostrovsky était à la recherche : il cherchait sa propre voie dans la créativité. Au moment de la création de « L’Orage » (1859), la vision du monde et les principes créatifs de base d’Ostrovsky étaient déjà déterminés. Cette pièce est devenue le summum de la créativité du dramaturge. L'écrivain y montrait le caractère héroïque du peuple. Ainsi, Dobrolyubov appelle le personnage principal de « L'Orage » « un rayon de lumière dans un royaume sombre » (« Rayon de lumière dans un royaume sombre »).

Dobrolyubov souligne l'importance du fait que Katerina a grandi dans le même Kalinov patriarcal, qui a façonné les autres héros du drame. Dans le personnage de cette femme, malgré sa subordination apparente au mode de vie patriarcal, vit un amour indéracinable pour la « volonté », qui transparaît même dans son histoire sur son enfance. Katerina se sent comme un individu, son amour est loin du désir de plaisirs interdits. C'est un sentiment spirituel et fort. Cependant, Katerina a été élevée de telle manière qu'elle considère son amour comme un terrible péché. Katerina est très seule. Tout ce dans lequel elle tente de trouver un appui s'effondre et se révèle n'être qu'une coquille vide sans contenu. Le monde de la structure familiale patriarcale est en train de mourir, il n'y a pas de place pour l'humanité, l'hypocrisie et l'hypocrisie y règnent. Ainsi, le drame social et quotidien de la vie des marchands d'Ostrovsky devient une tragédie. Katerina vit à une époque de tournant historique, et c'est pourquoi sa tragédie « personnelle » devient si à grande échelle et symbolique. Dans l'article « Un rayon de lumière dans le royaume des ténèbres », Dobrolyubov donne une interprétation révolutionnaire-démocratique de ce drame.

L'importance de l'œuvre d'Ostrovsky pour la littérature russe est énorme. C'est lui qui a créé le Théâtre national russe. Le problème de la création d'un tel théâtre est devenu particulièrement aigu au milieu du XIXe siècle. Le public voulait voir leur vie sur scène. Ostrovsky a créé un théâtre pour les nouvelles couches démocratiques du public du théâtre. Son théâtre prêchait des idéaux humains proches de tous les spectateurs du théâtre. Les pièces d'Ostrovsky répondaient avec une précision et une sensibilité surprenantes aux phénomènes de la vie sociale de ses contemporains. Il défendait l’illumination démocratique et s’opposait à la voie révolutionnaire de transformation de la société. Ses pièces traduisent toujours l’attitude de l’auteur à l’égard de ce qui est représenté ; la vie y est vue à travers les yeux de ceux qui travaillent. Leurs critères moraux servent de norme au dramaturge.

Ostrovsky a créé des œuvres de différents genres, mais il a surtout écrit des comédies. Cela s'explique par la tradition de la comédie russe, qui permet de critiquer les carences sociales et comporte des éléments de drame.

L'innovation d'Ostrovsky réside dans le fait que dans ses pièces, l'action se développe lentement, rappelant un roman. D'autre part, ils contiennent des éléments du théâtre antique - spectacle, représentation rituelle. Sa dramaturgie exprime clairement sa volonté de préserver le genre, le rôle et le type des personnages. Il a montré l’influence des problèmes urgents de notre époque sur la vie d’un « homme de conscience simple ». Tout comme le théâtre de Shakespeare en Angleterre ou le théâtre de Molière en France sont ancrés dans la culture populaire, le théâtre d'Ostrovsky en Russie est devenu une version nationale du drame européen.

L’œuvre d’Ostrovsky est désormais inscrite au programme scolaire ; beaucoup de nos compatriotes le connaissent et l’aiment. Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky est un dramaturge originaire de Moscou, fils d'un avocat et petit-fils d'un prêtre orthodoxe. Il a étudié à l'Université de Moscou, à la Faculté de droit (n'a pas obtenu son diplôme), a servi dans les tribunaux de Moscou, puis est devenu une figure de théâtre professionnelle et un écrivain-dramaturge.

En comparaison avec les pièces de Tourgueniev ou d'A.K. Tolstoï, qui sont avant tout des œuvres littéraires, la dramaturgie d’Ostrovsky a une nature différente. Il n'est pas tant destiné à la lecture qu'à la représentation scénique, et doit être étudié en premier lieu dans le cadre de l'histoire du théâtre. Cependant, l’histoire de la littérature ne peut sous-estimer l’œuvre du plus grand dramaturge russe du deuxième tiers du XIXe siècle.

En considérant l’œuvre d’Ostrovsky, nous notons que parmi ses expériences de jeunesse figurent des essais et des poèmes. La comédie « Débiteur insolvable » qui l’a rendu célèbre, rebaptisée « Faillite » (puis rebaptisée « Faillite ») Notre peuple - comptons! »), parut dans la revue « Moskvitianin » (1850), même si sa représentation n'était pas autorisée à cette époque. La fausse faillite que déclare le marchand Bolchov dans cette pièce est une collision basée sur des faits de la vie réelle (une vague de faillites qui a déferlé sur les milieux d'affaires à la veille de l'écriture de la comédie). Cependant, la base de l'intrigue de la comédie, proche de l'anecdote, n'épuise en aucun cas son contenu. L'intrigue prend une tournure presque tragique : le faux failli se retrouve abandonné dans une prison pour dettes par son gendre Podkhalyuzin et sa propre fille Lipochka, qui refusent de le racheter. Les allusions de Shakespeare (au sort du roi Lear) ont été comprises par de nombreux contemporains.

Après le succès littéraire de "Le Faillite" dans l'œuvre d'Ostrovsky dans les années 1850, une intéressante période "slavophile" commença, qui donna naissance à une merveilleuse comédie intitulée " Ne monte pas dans ton propre traîneau"(1853) - sa première pièce, mise en scène immédiatement et avec un grand succès - ainsi que le drame " Ne vis pas comme tu veux"(1855) et l'une des meilleures pièces du dramaturge" La pauvreté n'est pas un vice" (créé en 1854). Le vice (les images de Vikhorev, Korshunov) y est invariablement vaincu par une haute moralité, basée sur les vérités chrétiennes orthodoxes et les fondements patriarcaux nationaux (les images de Borodkin, Rusakov, Malomalsky). Un personnage littéraire magnifiquement écrit - Nous aimons Tortsov de "La pauvreté n'est pas un vice", qui a réussi à amener son frère Gordey au repentir et à unir les amants - le commis Mitya et Lyubov Gordeevna (le renouveau spirituel instantané de Gordey Tortsov a été qualifié d'"invraisemblable » à plusieurs reprises, mais l'auteur n'a clairement pas recherché la plausibilité dans un sens naïf et réaliste - décrivant la repentance chrétienne, qui est précisément capable de faire immédiatement du pécheur une « personne différente »). L'action de « La pauvreté n'est pas un vice » se déroule au moment de Noël, l'action de « Ne vis pas comme tu veux » a lieu à Maslenitsa, et un divertissement joyeux, une atmosphère festive entonne les deux pièces (cependant, dans « Don' "Je ne vis pas comme tu veux", il y a aussi un motif de tentation diabolique, dans lequel le bouffon Eremka a impliqué Peter).

Se tient quelque peu à l’écart dans l’escroquerie. 1850 - début années 1860 la trilogie dite « Balzamin », consacrée aux collisions de la vie de la province : « Dormir pendant les vacances - avant le déjeuner"(1857)," Vos propres chiens mordent - ne harcelez pas les autres" (écrit en 1861) et " Ce que vous recherchez, c'est ce que vous trouverez", mieux connu comme " Le mariage de Balzaminov" (1861).

Le rapprochement d'A.N. Ostrovsky, dans le camp des auteurs du Sovremennik de Nekrasov, a été marqué par une aggravation immédiate des motifs socialement accusateurs dans son œuvre. Cela devrait inclure, tout d'abord, la comédie « Profitable Place » (1857), le drame « Jardin d'enfants" (1859) et " Tempête" (1859). Collision complexe " Des orages", où au centre l'adultère de l'héroïne, survenu dans une famille marchande patriarcale caractérisée par une extrême rigueur des règles morales, dirigée par une belle-mère despotique, était perçu unilatéralement dans l'esprit du " » thèses du journalisme « démocratique » de l’époque. Le suicide du personnage principal (du point de vue de l'Orthodoxie, un péché terrible) a été interprété comme un acte de « noble fierté », de « protestation » et une sorte de victoire spirituelle sur le « domostroevski » « inerte » moral et social. (comme cela était sous-entendu, les normes religieuses chrétiennes). Lorsque le très talentueux critique démocrate N.A. Dobrolyubov, dans un article du même nom, a déclaré le personnage principal « un rayon de lumière dans un royaume sombre » ; cette métaphore s'est rapidement transformée en un modèle selon lequel, un siècle plus tard, cette pièce d'Ostrovsky a été interprétée en russe. lyceés. Dans le même temps, un élément tout aussi important de la problématique de « L’Orage » a été négligé, et l’est encore aujourd’hui souvent : le thème « éternel » de la littérature sur le choc de l’amour et du devoir. Entre-temps, c'est en grande partie grâce à la présence de ce thème dans l'œuvre que la pièce conserve encore sa vivacité dramatique (cependant, elle a toujours été rarement mise en scène par des théâtres en dehors de la Russie).

Le milieu marchand, que le dramaturge dépeint à l'époque des loisirs slafianophiles comme l'une des composantes les plus moralement stables et spirituellement pures de l'organisme social russe, a été présenté dans « L'Orage » comme un terrible « royaume des ténèbres », opprimant la jeunesse, basé sur sur la tyrannie insensée des aînés, méchants et ignorants. Katerina se sent tellement persécutée qu'elle parle à plusieurs reprises tout au long de la pièce du suicide comme seule issue. En revanche, ce drame d'Ostrovsky, sorti environ deux ans plus tôt que Fathers and Sons d'I.S. Tourgueniev nous amène à affirmer : le thème des « pères et fils », dans sa tournure sociale aiguë, semblait accroché dans l'atmosphère littéraire de cette époque. Les jeunes des milieux marchands représentés dans "L'Orage" (Katerina et Boris, Varvara et Kudryash) ne comprennent et n'acceptent pas plus les valeurs de la vie, en général, la vérité quotidienne de la génération plus âgée, qu'Evgeny Bazarov et Arkady Kirsanov.

Le personnage principal, Katerina Kabanova, a été écrit par le dramaturge avec une grande sympathie pour elle. C’est l’image d’une jeune femme poétique, sentimentale et profondément religieuse qui ne s’est pas mariée par amour. Le mari est gentil, mais timide et est subordonné à sa mère-veuve dominatrice Marfa Kabanova (Kabanikha). Il est significatif, cependant, que Katerina, au gré de l'auteur, tombe amoureuse non pas d'une personne intérieurement forte, d'un « vrai homme » (ce qui serait psychologiquement naturel), mais du fils du marchand Boris, qui à bien des égards est aussi semblable à son mari comme une goutte d'eau à une autre (Boris est timide et complètement soumis à son oncle dominateur Dikiy - cependant, il est visiblement plus intelligent que Tikhon Kabanov et n'est pas dénué d'éducation).

Au début des années 1860. Ostrovsky a créé une sorte de trilogie dramatique sur le Temps des Troubles, composée de « chroniques » poétiques » Kozma Zakharyich Minin, Soukhoruk"(en 1862)," Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky"(année de création - 1867) et " Touchino" (1867). Vers cette époque au XVIIIe siècle. écrit par A.P. Sumarokov (« Dimitri le prétendant »), et dans la première moitié du XIXe siècle. COMME. Pouchkine (« Boris Godounov »), qui a suscité de nombreuses imitations parmi ses contemporains en prose, en poésie et en théâtre. L’œuvre centrale de la tragédie d’Ostrovsky (« Dmitri le prétendant et Vasily Shuisky ») est consacrée chronologiquement peu avant laquelle se termine l’intrigue de « Boris Godounov » de Pouchkine. Ostrovsky semblait souligner leur lien en choisissant une forme poétique pour son œuvre – d’ailleurs un pentamètre iambique blanc, comme dans « Boris Godounov ». Malheureusement, le grand dramaturge ne s'est pas révélé être un maître du vers. Prendre un tournant « historique » dans la créativité ; Ostrovsky a également écrit la comédie " Voïvode"(1865) et le drame psychologique" Vasilisa Melentieva" (1868), et quelques années plus tard la comédie " comédien du 17ème siècle».

Ostrovsky est fermement revenu sur la voie du drame socialement accusateur dans les années 1860, créant l'une après l'autre des comédies qui restent encore aujourd'hui dans le répertoire théâtral, telles que « La simplicité suffit à tout sage"(année de création - 1868), " Coeur chaud"(1869)," Argent fou"(1870)," Forêt"(1871)," Loups et moutons" (1875), etc. On a longtemps noté qu'il n'y avait des héros positifs que dans une seule des pièces répertoriées - dans " Lesya"(Aksyusha et l'acteur Gennady Neschastlivtsev) - c'est-à-dire que ce sont des œuvres fortement satiriques. Ostrovsky y a agi comme un innovateur, en utilisant les techniques conventionnelles de la dramaturgie dite du vaudeville dans de grandes formes dramatiques, pour lesquelles il a été critiqué par des critiques qui n'ont pas compris le sens de ses efforts. Il tente également de renouer avec la créativité dans l'esprit de ses comédies, publiées dans les années 1850 par le slavophile « Moskvityanin ». Il s'agit par exemple de pièces de théâtre telles que « Maslenitsa n'est pas pour tout le monde » (écrite en 1871), « La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur » (créée en 1876), etc. Mais les motifs « folkloriques » acquièrent ici un aspect extérieurement ornemental. , quelque peu artificiel.

Outre « La Forêt », certaines des meilleures œuvres d’Ostrovsky réfractent le thème des destinées difficiles des gens de théâtre. Ce sont ses derniers drames" Talents et fans" (1882) et " Coupable sans culpabilité"(écrit en 1884), au centre de chacun d'eux se trouve l'image d'une actrice talentueuse qui est obligée à un certain moment de sa vie d'enjamber quelque chose de personnel, d'humain (dans la première pièce, Negina rompt avec son fiancé bien-aimé Meluzov, dans le deuxième Otradina-Kruchinina donne l'enfant à élever par Galchikha). Bon nombre des problèmes posés dans ces pièces n’ont malheureusement pas grand-chose à voir avec une structure sociale particulière, même si le public du XIXe siècle pourrait paraître d’actualité. Mais, d’un autre côté, leur caractère éternel aide les intrigues mêmes des pièces à rester vivantes et pertinentes jusqu’à ce jour.

Ce dernier peut aussi être attribué au drame d’Ostrovsky « Sans dot"(année de création - 1878) - l'un des sommets incontestables de la créativité d'A.N. Ostrovski. C'est peut-être sa meilleure œuvre. Larisa est une belle fille qui, cependant, n'a pas de dot (c'est-à-dire que l'épouser, du point de vue des personnes d'une certaine psychologie, n'était pas économiquement « rentable », et selon les concepts de l'époque, c'était simplement "pas prestigieux" - d'ailleurs, elle était aussi sans dot. Otradina sera réalisée dans "Sans la culpabilité du coupable"). En même temps, Larisa ne fait clairement pas partie de celles qui ont résolu ce problème en allant dans un monastère. De ce fait, elle suscite un intérêt purement charnel et cynique envers les hommes qui tournent autour d’elle et lui font concurrence. Cependant, elle-même méprise ouvertement le pauvre et pas brillant Karandyshev, qui est prêt à l'épouser et est considéré comme son fiancé. Mais Larisa, comme une fille, considère depuis longtemps avec naïveté et enthousiasme les effets primitifs de Paratov avec ses « gestes larges » comme « l'homme idéal » et le croit sacrément. Lorsqu'il l'a grossièrement trompée, elle perd du terrain sous ses pieds. Partant pour une excursion en bateau scandaleuse avec Paratov, Larisa dit au revoir à la maison : « Soit tu es heureuse, maman, soit tu me cherches dans la Volga. Larisa, cependant, n'a pas eu la chance de se noyer - elle, qui avait tardivement déçu par « l'homme idéal », a été abattue par son époux finalement rejeté, le pitoyable Karandyshev, afin qu'elle « n'aille vers personne ». »

Ce qui constitue un changement radical par rapport aux questions d’actualité « modernes », ce sont les écrits d’A.N. Le conte de fées d'Ostrovsky joue " Fille des neiges"(1873) - conçu comme une extravagance, mais plein de symbolisme élevé (Ostrovsky a également écrit la pièce de conte de fées " Ivan Tsarévitch"). L’envie de symboles est généralement caractéristique du style d’Ostrovsky. Même les titres de ses œuvres ressemblent soit à des proverbes (« Ne vis pas comme tu veux », « La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur », etc.) soit à des symboles significatifs (« Orage », « Forêt », « Loups et moutons » et etc.). "The Snow Maiden" représente le royaume conventionnellement féerique des Berendey - une sorte de fantaisie sur les thèmes de la mythologie slave. L'intrigue du conte populaire a subi une tournure complexe sous la plume du maître. Condamnée à fondre avec l'arrivée de l'été, la Snow Maiden a réussi à reconnaître l'amour, et sa mort s'avère être une sorte de « tragédie optimiste ».

"La Fille des Neiges" témoigne, bien sûr, non pas tant de la profonde connaissance factuelle de l'auteur de la mythologie slave, des rituels anciens et du folklore, mais plutôt d'une compréhension intuitive et perspicace de leur esprit. Ostrovsky a créé une magnifique image artistique de l'antiquité des contes de fées slaves, qui a rapidement inspiré N.A. Rimski-Korsakov sur son célèbre opéra et a ensuite donné à plusieurs reprises une impulsion à l'imagination artistique d'autres auteurs (par exemple, le ballet « Le Sacre du printemps » de I.F. Stravinsky). Dans "The Snow Maiden", comme dans beaucoup d'autres pièces ("La pauvreté n'est pas un vice", "L'Orage", "Dowry", etc.), des chansons sont entendues sur scène - de véritables chansons folkloriques ou écrites dans "l'esprit folklorique" .

L'énorme importance d'A.N. Ostrovsky a ajouté de la couleur au discours, se montrant partisan de ce que Dostoïevski appelait l’écriture des « essences ». Ses personnages parlent généralement, diffusant une abondance de mots et d'expressions conçus pour décrire le langage d'un certain environnement social, ainsi que pour caractériser le niveau culturel et éducatif personnel de ce personnage particulier, les caractéristiques de sa psychologie et sa sphère d'intérêts de vie. Ainsi, le langage de l'héroïne prétentieuse et ignorante de « Bankrut » Lipochka, qui reproche par exemple à sa mère : « Pourquoi as-tu refusé le marié ? Qu'est-ce qui n'est pas une fête incomparable ? Pourquoi pas le Capidon ? Elle appelle la mantille « mantella », la proportion « porportia », etc. et ainsi de suite. Podkhalyuzin, que la jeune fille épouse, est à la hauteur d'elle. Lorsqu’elle lui demande timidement : « Pourquoi, Lazar Elizarych, tu ne parles pas français ? », il répond sans ambages : « Et parce que nous n’avons aucune raison. » Dans d'autres comédies, le saint fou est appelé « laid », la conséquence « moyen », le quadrille « quadrille », etc.

UN. Ostrovsky est le plus grand dramaturge russe du XIXe siècle, qui a donné au théâtre national un répertoire de premier ordre et a donné à la littérature russe des œuvres classiques qui conservent une énorme importance artistique pour nos temps modernes.

Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky

Ostrovsky Alexander Nikolaevich (1823, Moscou - 1886, domaine Shchelykovo, province de Kostroma) - dramaturge. Genre. dans la famille d'un fonctionnaire judiciaire. Après avoir reçu une éducation sérieuse à la maison, il obtient son diplôme d'études secondaires et entre en 1840 à la faculté de droit de Moscou. Université, d'où il quitta sans terminer ses cours en 1843. Il entra au service des institutions judiciaires, ce qui permit à O. de rassembler du matériel vivant pour ses pièces de théâtre. Malgré des difficultés sans fin avec la censure, Ostrovsky a écrit une cinquantaine de pièces de théâtre (les plus célèbres sont « Lieux rentables », « Loups et moutons », « Orage », « Forêt », « Dot »), créant une toile artistique grandiose illustrant la vie de divers classes de Russie au IIe siècle. XIXème siècle Il a été l'un des organisateurs du Cercle Artistique, Society -Rus. auteurs dramatiques et compositeurs d'opéra, ont fait beaucoup pour améliorer la situation du théâtre en Russie. En 1866, peu avant sa mort, Ostrovsky dirigea la partie répertoire des éviers. théâtres L’importance des activités d’Ostrovsky fut reconnue par ses contemporains. I.A. Gontcharov lui écrivit : " Vous seul avez achevé l'édifice dont les fondations ont été posées par Fonvizine, Griboïedov, Gogol. Mais seulement après vous, nous, les Russes, pouvons dire avec fierté : " Nous avons notre propre théâtre national russe. " Lui, en en toute honnêteté, , devrait s'appeler « Théâtre Ostrovsky ».

Matériel de livre utilisé : Shikman A.P. Personnages de l'histoire russe. Ouvrage de référence biographique. Moscou, 1997.

Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky (1823-1886) est une figure exceptionnelle de la littérature du XIXe siècle. En Occident, avant l'apparition d'Ibsen, il n'y avait pas un seul dramaturge qui puisse être mis à égalité avec lui. Dans la vie des marchands, sombres et ignorants, empêtrés dans les préjugés, enclins à la tyrannie, aux caprices absurdes et drôles, il trouve un matériau original pour ses œuvres scéniques. Les images de la vie des marchands ont donné à Ostrovsky l'occasion de montrer un aspect important de la vie russe dans son ensemble, le « royaume des ténèbres » de l'ancienne Russie.

Ostrovsky est un dramaturge populaire au sens vrai et profond du terme. Sa nationalité se manifeste dans le lien direct de son art avec le folklore - chansons folkloriques, proverbes et dictons, qui constituent même les titres de ses pièces, et dans une représentation véridique de la vie des gens, imprégnée d'une tendance démocratique, et dans l'extraordinaire convexité et relief des images qu'il a créées, revêtues d'une forme accessible et démocratique et adressées au public.

Extrait de : Histoire mondiale. Tome VI. M., 1959, p. 670.

OSTROVSKY Alexandre Nikolaïevitch (1823 - 1886), dramaturge. Né le 31 mars (12 avril n.s.) à Moscou dans la famille d'un fonctionnaire noble. Ses années d'enfance se sont déroulées à Zamoskvorechye, un quartier commerçant et bourgeois de Moscou. Il a reçu une bonne éducation à la maison, étudiant les langues étrangères depuis son enfance. Par la suite, il connut le grec, le français, l'allemand et plus tard l'anglais, l'italien et l'espagnol.

À l'âge de 12 ans, il fut envoyé au 1er gymnase de Moscou, dont il sortit diplômé en 1840 et entra à la Faculté de droit de l'Université de Moscou (1840 - 43). J'ai écouté les conférences de professeurs aussi avancés que T. Granovsky, M. Pogodin. Le désir de créativité littéraire coïncide avec une passion pour le théâtre, sur les scènes duquel se produisaient à cette époque les grands acteurs M. Shchepkin et P. Mochalov.

Ostrovsky quitte l'université - il ne s'intéresse plus aux sciences juridiques et décide d'étudier sérieusement la littérature. Mais, sur l'insistance de son père, il entra au service du Tribunal de Conscience de Moscou. Le travail au tribunal a donné au futur dramaturge un riche matériel pour ses pièces.

En 1849, la comédie "Notre peuple - Soyons numérotés!" est écrite, ce qui fait la reconnaissance de l'auteur, même si elle n'apparaît sur scène que 11 ans plus tard (elle est interdite par Nicolas 1er et Ostrovsky est placé sous surveillance policière). Inspiré par le succès et la reconnaissance, Ostrovsky a écrit une, et parfois plusieurs pièces de théâtre chaque année, créant ainsi tout un « Théâtre Ostrovsky », comprenant 47 pièces de genres différents.

En 1850, il devient employé de la revue « Moskvityanin » et entre dans le cercle des écrivains, acteurs, musiciens et artistes. Ces années ont donné au dramaturge beaucoup de créativité. A cette époque, « Le matin d'un jeune homme » et « Un incident inattendu » (1850) sont écrits.

En 1851, Ostrovsky quitte le service pour consacrer tout son temps et son énergie à la créativité littéraire. Poursuivant les traditions accusatrices de Gogol, il écrit les comédies « La pauvre mariée » (1851), « Les personnages ne correspondent pas » (1857).

Mais en 1853, abandonnant la vision « dure » de la vie russe, il écrit à Pogodine : « Il vaut mieux pour un Russe se réjouir lorsqu'il se voit sur scène que d'être triste. On trouvera des correcteurs même sans nous. » Suivent les comédies : « Ne monte pas dans ton propre traîneau » (1852), « La pauvreté n'est pas un vice » (1853), « Ne vis pas comme tu veux » (1854). N. Chernyshevsky a reproché au dramaturge la fausseté idéologique et artistique de sa nouvelle position.

Les travaux ultérieurs d'Ostrovsky furent influencés par sa participation à une expédition organisée par le ministère de la Marine pour étudier la vie et les métiers de la population associés aux rivières et à la navigation (1856). Il fit un voyage le long de la Volga, depuis ses sources jusqu'à Nijni Novgorod, au cours duquel il prit des notes détaillées et étudia la vie de la population locale.

En 1855-60, dans la période précédant la réforme, il se rapproche des démocrates révolutionnaires, parvient à une sorte de « synthèse », revenant à la dénonciation des « dirigeants » et à l'opposition de son « petit peuple » avec eux. Les pièces suivantes parurent : « Il y a une gueule de bois au festin de quelqu'un d'autre » (1855), « Un endroit rentable » (1856), « Le jardin d'enfants » (1858), « L'orage » (1859). Dobrolyubov a apprécié avec enthousiasme le drame «L'Orage», lui consacrant l'article «Un rayon de lumière dans le royaume des ténèbres» (1860).

Dans les années 1860, Ostrovsky se tourna vers le drame historique, considérant de telles pièces nécessaires dans le répertoire du théâtre : les chroniques « Touchino » (1867), « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky », le drame psychologique « Vasilisa Melentyeva » (1868).

Dans les années 1870, il dépeint la vie de la noblesse post-réforme : « La simplicité suffit à tout sage », « L'argent fou » (1870), « La Forêt » (1871), « Les loups et les moutons » (1875). Une place particulière est occupée par la pièce «La Fille des neiges» (1873), qui exprime le début lyrique de la dramaturgie d'Ostrovsky.

Au cours de la dernière période de créativité, toute une série de pièces de théâtre ont été écrites consacrées au sort des femmes dans les conditions de la Russie entrepreneuriale 1870-80 : « La dernière victime », « La dot », « Le cœur n'est pas une pierre », « Les talents et admirateurs », « Coupables sans culpabilité », etc.

Matériaux utilisés du livre : écrivains et poètes russes. Bref dictionnaire biographique. Moscou, 2000.

Vassili Perov. Portrait de A. N. Ostrovsky. 1871

Ostrovsky Alexander Nikolaevich (31.03.1823-2.06.1886), dramaturge, figure de théâtre. Né à Moscou à Zamoskvorechye - un quartier marchand et philistin-bureaucratique de Moscou. Le père est un fonctionnaire, fils d'un prêtre, diplômé de l'académie de théologie, entré dans la fonction publique et reçu plus tard la noblesse. Mère - issue du clergé pauvre, se distinguait, outre la beauté, par de hautes qualités spirituelles, mourut prématurément (1831) ; La belle-mère d'Ostrovsky, issue d'une vieille famille noble de Suédois russifiés, a transformé la vie patriarcale de la famille Zamoskvoretsky en une voie noble, s'est occupée de la bonne éducation à domicile de ses enfants et de ses beaux-enfants, pour laquelle la famille disposait des revenus nécessaires. Mon père, en plus de la fonction publique, exerçait une pratique privée et, en 1841, après avoir pris sa retraite, il devint avocat avec succès au tribunal de commerce de Moscou. En 1840, Ostrovsky est diplômé du 1er gymnase de Moscou, qui était à l'époque un établissement d'enseignement secondaire exemplaire à vocation humanitaire. En 1840-43, il étudia à la Faculté de droit de l'Université de Moscou, où enseignaient à cette époque M. P. Pogodin, T. N. Granovsky et P. G. Redkin. Alors qu'il était encore au gymnase, Ostrovsky s'est intéressé à la créativité littéraire et, au cours de ses années d'études, il est devenu un passionné de théâtre. Les grands acteurs P. S. Mochalov et M. S. Shchepkin, qui ont eu une grande influence sur les jeunes, ont brillé sur la scène moscovite au cours de ces années. Dès que les cours dans des disciplines juridiques spéciales ont commencé à interférer avec les aspirations créatives d'Ostrovsky, il a quitté l'université et, sur l'insistance de son père, en 1843, il est devenu greffier au tribunal de conscience de Moscou, où se sont prononcés les conflits de propriété, les délits juvéniles, etc. ont été traités ; en 1845, il fut transféré au tribunal de commerce de Moscou, d'où il quitta en 1851 pour devenir écrivain professionnel. Le travail dans les tribunaux a considérablement enrichi l’expérience de vie d’Ostrovsky, lui donnant une connaissance de la langue, de la vie et de la psychologie de la « troisième classe » marchande petite-bourgeoise de Moscou et de la bureaucratie. A cette époque, Ostrovsky s'essaye à divers domaines de la littérature, continue de composer de la poésie, écrit des essais et des pièces de théâtre. Ostrovsky considérait la pièce « Photo de famille » comme le début de son activité littéraire professionnelle, publiée le 14 février. 1847 a été lu avec succès dans la maison du professeur d'université et écrivain S.P. Shevyrev. C'est à cette époque que remontent les "Notes d'un habitant de Zamoskvoretsky" (pour eux, en 1843, une nouvelle a été écrite, "L'histoire de la façon dont le gardien trimestriel a commencé à danser, ou du grand au ridicule, un seul pas". ). La pièce suivante est « Notre propre peuple - nous serons comptés ! » (titre original « Faillite ») a été écrit en 1849, publié dans la revue « Moskvityanin » (n° 6) en 1850, mais n'a pas été autorisé sur scène. Pour cette pièce, qui a fait connaître le nom d'Ostrovsky dans toute la lecture de la Russie, il a été placé sous surveillance policière secrète.

Sn. Dans les années 50, Ostrovsky est devenu un collaborateur actif de "Moskvityanin", publié par M. P. Pogodin, et bientôt, avec A. A. Grigoriev, E. N. Edelson, B. N. Almazov et d'autres, il a formé ce qu'on appelle. les « jeunes rédacteurs » qui ont tenté de relancer le magazine en promouvant l'art réaliste et l'intérêt pour la vie populaire et le folklore. Le cercle des jeunes employés de « Moskvityanin » comprenait non seulement des écrivains, mais aussi des acteurs (P. M. Sadovsky, I. F. Gorbunov), des musiciens (A. I. Dyubuk), des artistes et des sculpteurs (P. M. Boklevsky, N. A. Ramazanov) ; Les Moscovites avaient des amis parmi les « gens ordinaires » - interprètes et amateurs de chansons folkloriques. Ostrovsky et ses camarades de « Moskvitianin » ne formaient pas seulement un groupe de personnes partageant les mêmes idées, mais aussi un cercle amical. Ces années ont donné à Ostrovsky beaucoup de créativité et surtout une connaissance approfondie du folklore « vivant », non académique, de la parole et de la vie des gens ordinaires urbains.

Tout R. Dans les années 40, Ostrovsky a contracté un mariage civil avec la fille bourgeoise A. Ivanova, qui est restée avec lui jusqu'à sa mort en 1867. Peu instruite, elle avait de l'intelligence et du tact, une excellente connaissance de la vie du peuple et chantait à merveille. ; son rôle dans la vie créatrice du dramaturge a été sans aucun doute important. En 1869, Ostrovsky épousa l'actrice du Théâtre Maly M.V. Vasilyeva (avec qui il avait déjà eu des enfants à cette époque), qui était encline à des formes de vie nobles et « laïques », ce qui compliquait sa vie. Pendant de nombreuses années, Ostrovsky a vécu au bord de la pauvreté. En tant que leader reconnu des dramaturges russes, il était constamment dans le besoin, même dans ses années de déclin, gagnant sa vie grâce à un travail littéraire infatigable. Malgré cela, il se distinguait par son hospitalité et sa volonté constante d'aider toute personne dans le besoin.

Toute la vie d'Ostrovsky est liée à Moscou, qu'il considérait comme le cœur de la Russie. Parmi les voyages relativement peu nombreux d'Ostrovsky (1860 - un voyage avec A.E. Martynov, qui était en tournée, à Voronej, Kharkov, Odessa, Sébastopol, au cours duquel le grand acteur mourut ; un voyage à l'étranger en 1862 en Allemagne, en Autriche, en Italie avec une visite à Paris et Londres ; un voyage avec I F. Gorbunov le long de la Volga en 1865 et avec son frère M. N. Ostrovsky en Transcaucasie en 1883), la plus grande influence sur son œuvre fut exercée par une expédition organisée par le ministère maritime, qui envoya des écrivains étudier la vie et les métiers de la population liés au fleuve et à la navigation. Ostrovsky a fait un voyage le long de la Volga, depuis ses sources jusqu'à N. Novgorod (1856), au cours duquel il a pris des notes détaillées et compilé un dictionnaire des termes de navigation, de construction navale et de pêche de la région de la Haute Volga. Pour lui, la vie dans son domaine bien-aimé de Kostroma, Chtchelykov, que le père de l'écrivain a acheté en 1847. Le tout premier voyage là-bas (1848, en cours de route, Ostrovsky a examiné les anciennes villes russes de Pereslavl Zalessky, Rostov, Yaroslavl, Kostroma ) a fait une énorme impression sur Ostrovsky (est resté une entrée enthousiaste dans le journal). Après la mort de son père, Ostrovsky et son frère M. N. Ostrovsky achetèrent le domaine à leur belle-mère (1867). L'histoire de la création de nombreuses pièces de théâtre est liée à Shchelykov.

En général, la concentration passionnée d’Ostrovsky sur la créativité et les affaires théâtrales, rendant sa vie pauvre en événements extérieurs, la liait inextricablement au sort du théâtre russe. L'écrivain est décédé dans son bureau à Chtchelykovo, alors qu'il travaillait sur une traduction de la pièce de Shakespeare Antoine et Cléopâtre.

Dans le parcours créatif d'Ostrovsky, on peut distinguer les périodes suivantes : début 1847-51 - une épreuve de force, la recherche de sa propre voie, qui s'est terminée par une entrée triomphale dans la grande littérature avec la comédie "Notre peuple - soyons numérotés !" Cette première période se déroule sous l'influence de « l'école naturelle ». La période suivante, Moskvityanin, 1852-54 - participation active au cercle des jeunes employés de Moskvityanin, qui cherchaient à faire du magazine un organe du courant de la pensée sociale, apparenté au slavophilisme (les pièces « Ne vous lancez pas dans votre propre Sleigh », « La pauvreté n'est pas un vice », « Ne vis pas comme ça »), comme tu veux »). La vision du monde d'Ostrovsky dans la période précédant la réforme, 1855-1860, est enfin déterminée ; Il y a un rapprochement avec les populistes (« Dans le festin de quelqu'un d'autre, il y a une gueule de bois », « Lieu rentable », « Gardien », « Orage »). Et la dernière période post-réforme - 1861-86.

La pièce « Notre peuple - nous serons comptés ! » a une structure de composition assez complexe qui combine la description morale avec une intrigue intense, et en même temps la lenteur du déroulement des événements caractéristique d'Ostrovsky. La vaste exposition au ralenti s’explique par le fait que l’action dramatique d’Ostrovsky ne se limite pas à l’intrigue. Il comprend également des épisodes moralement descriptifs avec des conflits potentiels (les disputes de Lipochka avec sa mère, les visites de l'entremetteuse, les scènes avec Tishka). Les conversations des personnages sont également particulièrement dynamiques, ne conduisant à aucun résultat immédiat, mais ayant leur propre « microaction », que l’on peut appeler un mouvement de parole. La parole, la manière même de raisonner, est si importante et intéressante que le spectateur suit tous les détours d'un bavardage apparemment vide. Chez Ostrovsky, le discours des personnages lui-même est presque un objet indépendant de représentation artistique.

La comédie d'Ostrovsky, décrivant la vie apparemment exotique du monde marchand fermé, reflétait en fait à sa manière les processus et les changements dans toute la Russie. Ici aussi, il y a un conflit entre « pères » et « enfants ». Ici, ils parlent d’illumination et d’émancipation, sans bien sûr connaître ces mots ; mais dans un monde dont la base même est la tromperie et la violence, tous ces concepts élevés et l'esprit libérateur de la vie sont déformés, comme dans un miroir déformant. L'antagonisme entre riches et pauvres, dépendants, « jeunes » et « seniors » se déploie et se manifeste dans le domaine de la lutte non pour l'égalité ou la liberté des sentiments personnels, mais pour des intérêts égoïstes, le désir de s'enrichir et de « vivre selon ses propres intérêts ». propre volonté. » Les valeurs élevées ont été remplacées par leurs homologues parodiques. L'éducation n'est rien d'autre qu'un désir de suivre la mode, un mépris des coutumes et une préférence pour les messieurs « nobles » plutôt que pour les palefreniers « barbus ».

Dans la comédie d'Ostrovsky, il y a une guerre de tous contre tous, et dans l'antagonisme même, le dramaturge révèle la profonde unité des personnages : ce qui a été obtenu par la tromperie n'est retenu que par la violence, la grossièreté des sentiments est un produit naturel de la grossièreté de morale et contrainte. La sévérité de la critique sociale n'interfère pas avec l'objectivité dans la représentation des personnages, particulièrement visible à l'image de Bolchov. Sa tyrannie brutale se conjugue avec franchise et simplicité, avec une souffrance sincère dans les scènes finales. En introduisant dans la pièce, pour ainsi dire, 3 étapes de la biographie d'un marchand (mention du passé de Bolchov, l'image de Tishka avec sa thésaurisation naïve, le « dévoué » Podkhalyuzin, volant le propriétaire), Ostrovsky atteint une profondeur épique, montrant les origines de caractère et la « crise ». L’histoire de la maison marchande Zamoskvoretsky n’apparaît pas comme une « anecdote », le résultat de vices personnels, mais comme une manifestation des schémas de vie.

Après qu'Ostrovsky ait créé la comédie "Notre peuple - Soyons numérotés!" Face à un tableau si sombre de la vie intérieure d'une maison de marchand, il avait besoin de trouver des principes positifs capables de résister à l'immoralisme et à la cruauté de sa société contemporaine. L’orientation de la recherche a été déterminée par la participation du dramaturge à la « jeune rédaction » de « Moskvityanin ». A la toute fin du règne de l'Empereur. Nicolas Ier Ostrovsky crée une sorte d'utopie patriarcale dans les pièces de théâtre de la période moscovite.

Les Moscovites se caractérisaient par l'accent mis sur l'idée d'identité nationale, qu'ils développèrent principalement dans le domaine de la théorie de l'art, se manifestant particulièrement par leur intérêt pour les chansons folkloriques, ainsi que pour les formes pré-pétrines de la vie russe, qui étaient encore préservé parmi la paysannerie et les marchands patriarcaux. La famille patriarcale a été présentée aux Moscovites comme un modèle de structure sociale idéale, où les relations entre les personnes seraient harmonieuses et où la hiérarchie serait basée non sur la coercition et la violence, mais sur la reconnaissance de l'autorité de l'ancienneté et de l'expérience quotidienne. Les Moscovites n’avaient pas de théorie formulée de manière cohérente ni, surtout, de programme. Cependant, dans la critique littéraire, ils défendaient invariablement les formes patriarcales et les opposaient aux normes d’une société noble « européanisée », non seulement comme étant fondamentalement nationales, mais aussi comme plus démocratiques.

Même pendant cette période, Ostrovsky voit le conflit social dans la vie qu'il dépeint et montre que l'idylle d'une famille patriarcale est pleine de drames. Il est vrai que dans la première pièce moscovite « Ne montez pas dans votre propre traîneau », le drame des relations intra-familiales est catégoriquement dénué de connotations sociales. Les motivations sociales ici ne sont liées qu'à l'image du noble meneur de jeu Vikhorev. Mais la pièce suivante, la meilleure de cette période, « La pauvreté n'est pas un vice », amène le conflit social dans la famille Tortsov à une haute tension. Le pouvoir des « aînés » sur les « jeunes » est ici clairement de nature monétaire. Dans cette pièce, pour la première fois, Ostrovsky mêle très étroitement la comédie et le drame, qui constitueront plus tard un trait distinctif de son œuvre. Le lien avec les idées moscovites se manifeste ici non pas dans l'aplanissement des contradictions de la vie, mais dans la compréhension de cette contradiction comme une « tentation » de la civilisation moderne, résultant de l'invasion d'étrangers, intérieurement étrangers au monde patriarcal, personnifiés. dans la figure du fabricant Korshunov. Pour Ostrovsky, le tyran Gordey, confondu par Korshunov, n'est en aucun cas un véritable porteur de la morale patriarcale, mais un homme qui l'a trahie, mais est capable d'y revenir sous l'influence du choc vécu dans le final. L'image poétique du monde de la culture populaire et de la morale créée par Ostrovsky (scènes de Noël et surtout chansons folkloriques, servant de commentaire lyrique au sort des jeunes héros), avec son charme et sa pureté, résiste à la tyrannie, mais elle a cependant besoin de soutien , elle est fragile et sans défense face aux assauts du « moderne ». Ce n'est pas un hasard si dans les pièces de théâtre de la période moscovite, le seul héros qui a influencé activement le cours des événements était Lyubim Tortsov, un homme qui a « éclaté » de la vie patriarcale, a acquis une expérience de vie amère en dehors d'elle et a donc pu regarder les événements de sa famille de l'extérieur, les évaluer sobrement et orienter leur cours vers le bien-être général. La plus grande réussite d’Ostrovsky réside précisément dans la création de l’image de Lyubim Tortsov, à la fois poétique et très réaliste.

En explorant les formes de vie archaïques dans les relations familiales des marchands de la période moscovite, Ostrovsky crée une utopie artistique, un monde où, en s'appuyant sur des idées populaires (paysannes à l'origine) sur la moralité, il s'avère possible de surmonter la discorde. et un individualisme féroce, qui se répand de plus en plus dans la société moderne, pour réaliser l'unité perdue, détruite par l'histoire, des peuples. Mais le changement dans toute l'atmosphère de la vie russe à la veille de l'abolition du servage conduit Ostrovsky à comprendre l'utopisme et l'irréalisabilité de cet idéal. Une nouvelle étape de son voyage commence avec la pièce « Au festin de quelqu'un d'autre, une gueule de bois » (1855-56), où l'image la plus brillante du marchand-tyran Tit Titych Bruskov, devenu un nom familier, a été créée. Ostrovsky couvre plus largement la vie de la société, se tournant vers des thèmes traditionnels de la littérature russe et les développant de manière tout à fait originale. Abordant le sujet largement débattu de la bureaucratie dans « Place rentable » (1856), Ostrovsky dénonce non seulement l'extorsion et l'arbitraire, mais révèle les racines historiques et sociales de la « philosophie cléricale » (l'image de Yusov), le caractère illusoire des espoirs. pour une nouvelle génération de fonctionnaires instruits : la vie elle-même les pousse au compromis (Zhadov). Dans « L’Élève » (1858), Ostrovsky dépeint la vie de « tyran » d’un domaine foncier sans le moindre lyrisme, si courant chez les écrivains de la noblesse lorsqu’ils évoquent la vie locale.

Mais la plus grande réalisation artistique d’Ostrovsky dans les années précédant la réforme fut « L’Orage » (1859), dans laquelle il découvrit le caractère héroïque du peuple. La pièce montre comment une violation de l'harmonie idyllique de la vie familiale patriarcale peut conduire à une tragédie. Le personnage principal de la pièce, Katerina, vit à une époque où l'esprit même est détruit - l'harmonie entre un individu et les idées morales de l'environnement. Dans l'âme de l'héroïne naît une attitude envers le monde, un nouveau sentiment, encore flou pour elle, - un sentiment de personnalité éveillé qui, conformément à sa position et à son expérience de vie, prend la forme d'un amour individuel et personnel. . La passion naît et grandit chez Katerina, mais cette passion est hautement spirituelle, loin d'être un désir irréfléchi de joies cachées. Le sentiment d'amour éveillé est perçu par Katerina comme un péché terrible et indélébile, car l'amour pour un étranger pour elle, une femme mariée, est une violation du devoir moral. Pour Katerina, les commandements moraux du monde patriarcal sont pleins de sens et de signification primordiale. Ayant déjà réalisé son amour pour Boris, elle s'efforce d'y résister de toutes ses forces, mais ne trouve pas de soutien dans cette lutte : tout autour d'elle s'effondre déjà, et tout ce sur quoi elle essaie de s'appuyer s'avère être une coquille vide, dépourvu de véritable contenu moral. Pour Katerina, la forme et le rituel en eux-mêmes n'ont pas d'importance - l'essence humaine des relations est importante pour elle. Katerina ne doute pas de la valeur morale de ses idées morales, elle voit seulement que personne au monde ne se soucie de la véritable essence de ces valeurs et qu'elle est seule dans sa lutte. Le monde des relations patriarcales est en train de mourir et l’âme de ce monde meurt dans la douleur et la souffrance. Sous la plume d'Ostrovsky, le drame social et quotidien planifié de la vie des marchands s'est transformé en tragédie. Il a montré le caractère du peuple à un tournant historique brutal - d'où l'ampleur de « l'histoire familiale », le symbolisme puissant de « l'Orage ».

Bien que le drame social moderne constitue l’essentiel de l’héritage d’Ostrovsky, dans les années 60, il s’est tourné vers le drame historique, partageant l’intérêt général de la culture russe de cette période du passé. En ce qui concerne la compréhension éducative des tâches du théâtre, Ostrovsky considérait les pièces sur des thèmes de l'histoire nationale comme nécessaires au répertoire, estimant que les drames et les chroniques historiques «développent la connaissance de soi et cultivent l'amour conscient pour la patrie». Pour Ostrovsky, l'histoire est la sphère la plus élevée de l'existence nationale (cela a déterminé l'appel à la forme poétique). Les pièces historiques d'Ostrovsky sont de genre hétérogène. Parmi eux, il y a des chroniques (« Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk », 1862 ; « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky », 1867 ; « Touchino », 1867), des comédies historiques et quotidiennes (« Voevoda », 1865 ; « Comédien du 17e siècle", 1873), drame psychologique "Vasilisa Melentyeva" (co-écrit avec S. A. Gedeonov, 1868). La préférence pour la chronique par rapport au genre traditionnel de la tragédie historique, ainsi que l'appel au Temps des Troubles, ont été déterminés par le caractère folklorique du théâtre d'Ostrovsky, son intérêt pour les actes historiques du peuple russe.

Dans la période post-réforme en Russie, l’isolement des groupes de classe et des groupes culturels et quotidiens de la société s’effondre ; Le mode de vie « européanisé », qui était auparavant le privilège de la noblesse, devient la norme. La diversité sociale caractérise également l'image de la vie créée par Ostrovsky dans la période post-réforme. L'éventail thématique et temporel de son drame est extrêmement large : des événements historiques à la vie privée du XVIIe siècle. au sujet le plus brûlant du jour ; des habitants de l’outback, des banlieues pauvres de la classe moyenne aux magnats des affaires « civilisés » modernes ; des salons nobles perturbés par les réformes à la route forestière sur laquelle se rencontrent les acteurs Schastlivtsev et Neschastlivtsev (« Forêt »).

Au début, Ostrovsky n’avait pas le héros intellectuel, le noble « homme superflu » caractéristique de la plupart des écrivains classiques russes. À la fin des années 60, il s'est tourné vers le type de noble héros-intellectuel. La comédie « Assez de simplicité pour chaque sage » (1868) est le début d'une sorte de cycle anti-noble. Bien qu'il y ait des critiques sociales dans toutes les pièces d'Ostrovsky, il a peu de véritables comédies satiriques : « La simplicité suffit à chaque homme sage », « L'argent fou » (1870), « La Forêt » (1871), « Les loups et les moutons » ( 1875). Ici, la sphère de la représentation satirique n'implique pas des personnages ou des intrigues individuelles, mais la vie entière représentée, non pas tant de personnes, de personnalités, mais le mode de vie dans son ensemble, le cours des choses. Les pièces ne sont pas liées par l'intrigue, mais c'est précisément le cycle, qui fournit généralement une large toile de la vie de la noblesse post-réforme. Selon les principes de la poétique, ces pièces diffèrent considérablement du genre principal de la créativité d'avant la réforme - le type de comédie populaire créée par Ostrovsky.

Ostrovsky, dans la comédie « Chaque homme sage a assez de simplicité », avec l'acuité satirique et l'objectivité caractéristique de sa manière, a capturé un type particulier d'évolution de « l'homme superflu ». Le chemin de Glumov est un chemin de trahison envers sa propre personnalité, de division morale, menant au cynisme et à l'immoralité. Le noble héros du drame post-réforme d’Ostrovsky s’avère n’être pas un noble noble, mais un pauvre acteur Neschastlivtsev. Et ce noble déclassé parcourt son « chemin vers l'héroïsme » devant le public, jouant d'abord le rôle d'un gentleman revenu se reposer dans son pays natal, et dans le final il rompt brusquement et de manière décisive avec le monde du domaine. , prononçant un jugement sur ses habitants en tant que serviteur d'un art élevé et humain.

Le tableau général des processus sociaux complexes qui se déroulent en Russie après une décennie de réformes rapproche La Forêt des grands romans russes des années 70. Comme L. N. Tolstoï, F. M. Dostoïevski, M. E. Saltykov-Shchedrin (c'est à cette époque qu'il a créé son « roman familial immobilier » « Les Golovlev »), Ostrovsky a compris avec sensibilité qu'en Russie « tout a basculé et cela ne fait que se préparer ». (comme indiqué dans « Anna Karénine »). Et cette nouvelle réalité se reflète dans le miroir de la famille. À travers le conflit familial de la comédie d'Ostrovsky, les énormes changements qui se produisent dans la vie russe transparaissent.

Le domaine noble, son propriétaire, ses invités respectables et ses voisins sont représentés par Ostrovsky avec toute la force de la dénonciation satirique. Badaev et Milonov, avec leurs conversations sur « l’époque actuelle », ressemblent aux personnages de Shchedrin. N'étant pas participants à l'intrigue, ils sont cependant nécessaires non seulement pour caractériser l'environnement, mais également pour participer à l'action en tant que spectateurs nécessaires de la performance jouée par les principaux antagonistes de la pièce - Gurmyzhskaya et Neschastlivtsev. Chacun d’eux réalise sa propre performance. Le chemin de Neschastlivtsev dans la pièce est une percée d'un mélodrame farfelu vers de véritables sommets de la vie, la défaite du héros dans la « comédie » et une victoire morale dans la vraie vie. Dans le même temps, et sortant du rôle mélodramatique, Neschastlivtsev se révèle être un acteur. Son dernier monologue se transforme imperceptiblement en monologue de Karl More tiré des « Voleurs » de F. Schiller, comme si Schiller jugeait les habitants de cette « forêt ». Le mélodrame est abandonné, le grand art véritable vient en aide à l'acteur. Gurmyzhskaya a refusé le rôle coûteux de chef d'une famille noble patriarcale, s'occupant de ses parents les moins fortunés. L'élève Aksyusha, qui a reçu une dot d'un pauvre acteur, quitte le domaine de Penka pour la maison d'un marchand. Le dernier Gurmyzhsky, l'acteur ambulant Neschastlivtsev, part à pied par les routes de campagne, un sac à dos sur les épaules. La famille disparaît, s'effondre ; Une « famille aléatoire » apparaît (selon l’expression de Dostoïevski) : un couple marié composé d’un propriétaire terrien de plus de cinquante ans et d’un lycéen décrocheur.

Dans son travail sur les comédies satiriques de la vie moderne, une nouvelle manière stylistique d'Ostrovsky a pris forme, qui n'a cependant pas remplacé l'ancienne, mais a interagi avec elle de manière complexe. Son arrivée dans la littérature a été marquée par la création d'un style théâtral distinctif à l'échelle nationale, basé en poétique sur la tradition folklorique (qui était déterminée par la nature de l'environnement « prépersonnel » représenté par les premiers Ostrovsky). Le nouveau style est associé à la tradition littéraire générale du XIXe siècle, aux découvertes de la prose narrative, à l'étude du héros-contemporain personnel. Cette nouvelle tâche a ouvert la voie au développement du psychologisme dans l’art d’Ostrovsky.

La pièce « La Fille des neiges » (1873) occupe une place très particulière dans l’héritage d’Ostrovsky et dans le drame russe en général. Conçue comme une extravagance, un spectacle joyeux pour des spectacles festifs, écrite sur l'intrigue de contes populaires et utilisant largement d'autres formes de folklore, principalement la poésie calendaire, la pièce a dépassé son concept au cours du processus de création. En termes de genre, il est comparable au drame philosophique et symbolique européen, par exemple. avec Peer Gynt d'Ibsen. Dans « La Fille des neiges », le début lyrique de la dramaturgie d’Ostrovsky s’exprime avec une grande force. Parfois, « La Fille des Neiges » est qualifiée d’utopie sans raison suffisante. Pendant ce temps, l'utopie contient l'idée d'une structure de société idéalement juste, du point de vue de ses créateurs ; elle doit être absolument optimiste ; le genre lui-même est, pour ainsi dire, conçu pour surmonter les contradictions tragiques de la vie, les résoudre dans une harmonie fantastique. Cependant, la vie décrite dans The Snow Maiden, belle et poétique, est loin d'être idylle. Les Berendey sont extrêmement proches de la nature, ils ne connaissent ni le mal ni la tromperie, tout comme la nature ne le sait pas. Mais tout ce qui, par sa propre volonté ou par la force des circonstances, sort de ce cycle de la vie naturelle doit inévitablement périr ici. Et cette catastrophe tragique de tout ce qui dépasse les limites de la vie « organique » est incarnée par le sort de Snow Maiden ; Ce n'est pas un hasard si elle meurt précisément au moment où elle accepte la loi de la vie des Berendey et est prête à traduire son amour éveillé dans des formes quotidiennes. Ceci est inaccessible ni à elle ni à Mizgir, dont la passion, inconnue des Berendey, le pousse hors du cercle de la vie paisible. Une interprétation sans ambiguïté optimiste de la fin crée une contradiction avec la sympathie immédiate du public pour les héros déchus, elle est donc incorrecte. "The Snow Maiden" ne rentre pas dans le genre d'un conte de fées, il se rapproche d'une action mystérieuse. Une intrigue mythologique ne peut pas avoir une fin imprévisible. L'arrivée de l'été est inévitable et la Snow Maiden ne peut s'empêcher de fondre. Tout cela ne dévalorise cependant pas son choix et son sacrifice. Les personnages ne sont pas du tout passifs et soumis - l'action n'annule en rien l'action habituelle. L’action mystérieuse est à chaque fois une nouvelle incarnation des fondements essentiels de la vie. La libre expression de Snow Maiden et Mizgir à Ostrovsky est incluse dans ce cycle de vie. La tragédie de Snow Maiden et Mizgir non seulement ne secoue pas le monde, mais contribue même au flux normal de la vie et sauve même le royaume de Berendey du « froid ». Le monde d’Ostrovsky est peut-être tragique, mais pas catastrophique. D’où la combinaison inhabituelle et inattendue de tragédie et d’optimisme dans le final.

Dans "The Snow Maiden", l'image la plus généralisée du "monde d'Ostrovsky" est créée, reproduisant sous forme folklorique et symbolique l'idée profondément lyrique de l'auteur sur l'essence de la vie nationale, surmontant, mais non annulant, la tragédie de l'existence personnelle individuelle. .

Dans le système artistique d’Ostrovsky, le drame se formait au plus profond de la comédie. L'écrivain développe un type de comédie dans lequel, à côté des personnages négatifs, leurs victimes sont certainement présentes, évoquant notre sympathie et notre compassion. Cela a prédéterminé le potentiel dramatique de son monde comique. Le drame des situations individuelles, parfois des destins, s'accroît avec le temps et, pour ainsi dire, ébranle et détruit la structure comique, sans pour autant priver la pièce des traits de la « grande comédie ». "Jokers" (1864), "The Abyss" (1866), "Il n'y avait pas un sou, mais tout à coup c'était altyn" (1872) sont des preuves évidentes de ce processus. Ici s'accumulent progressivement les qualités nécessaires à l'émergence du drame au sens étroit du terme. C'est avant tout la conscience personnelle. Jusqu'à ce que le héros se sente spirituellement opposé à l'environnement et ne s'en sépare pas du tout, il, même en suscitant une sympathie totale, ne peut pas encore devenir le héros du drame. Dans « Jokers », le vieil avocat Obroshenov défend ardemment son droit d'être un « bouffon », car cela lui donne l'occasion de nourrir sa famille. Le « drame fort » de son monologue naît du travail spirituel du spectateur, mais reste en dehors de la sphère de conscience du héros lui-même. Du point de vue du développement du genre dramatique, « The Deep » est très important.

La formation de la dignité morale personnelle des travailleurs pauvres, des masses urbaines, la conscience dans cet environnement de la valeur extra-classe de l'individu suscite le vif intérêt d'Ostrovsky. La montée du sentiment d’individualité provoquée par la réforme, qui a conquis des pans assez larges de la population russe, fournit matière à création dramatique. Dans le monde artistique d’Ostrovsky, ce conflit, de nature dramatique, continue cependant souvent à s’incarner dans une structure comique. L'un des exemples les plus expressifs de la lutte entre le dramatique et le comique est « La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur » (1876).

La formation du drame était associée à la recherche d'un héros capable, d'une part, de se lancer dans une lutte dramatique et, d'autre part, de susciter la sympathie du spectateur, ayant un objectif louable. L’intérêt d’un tel drame doit être porté sur l’action elle-même, sur les vicissitudes de cette lutte. Dans les conditions de la réalité russe post-réforme, Ostrovsky n'a cependant pas trouvé de héros qui puisse à la fois se révéler être un homme d'action, capable de s'engager dans une lutte sérieuse pour la vie et de susciter la sympathie du public avec sa moralité. qualités. Tous les héros des drames d'Ostrovsky sont soit des hommes d'affaires insensibles et prospères, des gaspilleurs de vie vulgaires et cyniques, soit des idéalistes au beau cœur, dont l'impuissance devant « l'homme d'affaires » est prédéterminée. Ils ne pouvaient pas devenir le centre de l'action dramatique - une femme devient le centre, ce qui s'explique par sa position même dans la société moderne d'Ostrovsky.

Le drame d'Ostrovsky est familial et quotidien. Il sait montrer la structure de la vie moderne, son visage social, tout en restant dans ces cadres d'intrigue, puisque lui, en tant qu'artiste, s'intéresse à réfracter tous les problèmes de notre temps dans la sphère morale. Mettre la femme au centre déplace naturellement l'accent de l'action au sens propre vers le ressenti des personnages, ce qui crée les conditions du développement d'un drame psychologique. Le plus parfait d'entre eux est à juste titre considéré comme la « Dot » (1879).

Dans cette pièce, il n'y a pas de confrontation absolue entre l'héroïne et l'environnement : contrairement à l'héroïne de « L'Orage », Larisa est dépourvue d'intégrité. Un désir spontané de pureté morale, de véracité - tout ce qui vient de sa nature richement douée élève l'héroïne bien au-dessus de son entourage. Mais le drame quotidien de Larissa lui-même est le résultat du fait que les idées bourgeoises sur la vie ont du pouvoir sur elle. Après tout, Paratova est tombée amoureuse non pas inconsciemment, mais, selon ses propres mots, parce que « Sergei Sergeich est... l'idéal d'un homme ». Pendant ce temps, le motif du marchandage, qui traverse toute la pièce et se concentre dans l'action principale de l'intrigue - le marchandage pour Larisa - couvre tous les héros masculins, parmi lesquels Larisa doit faire son choix de vie. Et Paratov non seulement ne fait pas exception ici, mais il s'avère qu'il est le participant le plus cruel et le plus malhonnête des négociations. La complexité des personnages (l'incohérence de leur monde intérieur, comme celui de Larisa ; la divergence entre l'essence intérieure et le modèle externe du comportement du héros, comme Paratov) nécessite la solution de genre choisie par Ostrovsky - la forme du drame psychologique. La réputation de Paratov est celle d'un grand gentleman, d'une nature généreuse et d'un homme courageux et téméraire. Et Ostrovsky lui laisse toutes ces couleurs et ces gestes. Mais, d’un autre côté, il accumule subtilement et avec désinvolture les touches et les indices qui révèlent son vrai visage. Dans la toute première scène de l’apparition de Paratov, le spectateur entend sa confession : « Qu’est-ce que la « pitié », je ne le sais pas. Moi, Mokiy Parmenych, je n'ai rien de précieux ; Si je trouve un profit, je vendrai tout, n’importe quoi. Et immédiatement après, il s'avère que Paratov vend non seulement "Swallow" à Vozhevatov, mais aussi lui-même à une épouse possédant des mines d'or. En fin de compte, la scène dans la maison de Karandyshev compromet Paratov, car la décoration de l’appartement du fiancé malheureux de Larisa et la tentative d’organiser un dîner luxueux sont une caricature du style et du style de vie de Paratov. Et toute la différence se mesure aux sommes que chacun des héros peut y consacrer.

Les moyens des caractéristiques psychologiques chez Ostrovsky ne sont pas l'auto-reconnaissance des héros, ni le raisonnement sur leurs sentiments et leurs propriétés, mais principalement leurs actions et leur dialogue quotidien et non analytique. Comme c'est généralement le cas dans le drame classique, les personnages ne changent pas au cours de l'action dramatique, mais ne sont révélés que progressivement au public. On peut dire la même chose de Larisa : elle commence à voir la lumière, apprend la vérité sur les gens qui l’entourent et prend la terrible décision de devenir « une chose très coûteuse ». Et seule la mort la libère de tout ce que l'expérience quotidienne lui a doté. A ce moment, elle semble revenir à la beauté naturelle de sa nature. Le final puissant du drame - la mort de l'héroïne au milieu du bruit festif, accompagné du chant des gitans - étonne par son audace artistique. L’état d’esprit de Larisa est montré par Ostrovsky dans le style « dramatique fort » caractéristique de son théâtre et en même temps avec une précision psychologique impeccable. Elle est adoucie et calmée, pardonne à tout le monde, car elle est heureuse d'avoir enfin provoqué une explosion de sentiments humains - l'acte imprudent et suicidaire de Karandyshev, qui l'a libérée de la terrible vie de femme gardée. Ostrovsky construit l’effet artistique rare de cette scène sur une collision aiguë d’émotions multidirectionnelles : plus l’héroïne est douce et indulgente, plus le jugement du spectateur est strict.

Dans l'œuvre d'Ostrovsky, le drame psychologique était donc un genre émergent, avec des pièces aussi importantes que « La dernière victime » (1878), « Talents et admirateurs » (1882), « Coupable sans culpabilité » (1884), un chef-d'œuvre tel que "Dot", dans ce genre, l'écrivain a également connu des échecs relatifs. Cependant, les meilleures œuvres d'Ostrovsky ont jeté les bases du développement ultérieur du drame psychologique. Après avoir créé tout un répertoire pour le théâtre russe (environ 50 pièces originales), Ostrovsky a également cherché à le reconstituer à la fois avec des classiques mondiaux et des pièces d'auteurs dramatiques russes et européens modernes. Il a traduit 22 pièces de théâtre, dont La Mégère apprivoisée de Shakespeare, Le Café de Goldoni, les Interludes de Cervantes et bien d'autres. Le Dr Ostrovsky a lu de nombreux manuscrits d'aspirants dramaturges, les a aidés en leur donnant des conseils et, dans les années 70 et 80, il a écrit plusieurs pièces en collaboration avec N. Ya. Solovyov (« Happy Day », 1877 ; « Le Mariage de Belugin », 1878 ; « Femme sauvage ») », 1880 ; « Il brille, mais ne réchauffe pas », 1881) et P. M. Nevezhin (« Caprice », 1881 ; « Vieux d'une manière nouvelle », 1882).

Zhuravleva A.

Matériaux utilisés du site Grande Encyclopédie du peuple russe - http://www.rusinst.ru

Ostrovsky, Alexander Nikolaevich - célèbre écrivain dramatique. Né le 31 mars 1823 à Moscou, où son père siégeait à la chambre civile puis exerçait le droit privé. Ostrovsky a perdu sa mère alors qu'il était enfant et n'a reçu aucune éducation systématique. Toute son enfance et une partie de sa jeunesse se sont déroulées au centre même de Zamoskvorechye, qui à cette époque, selon les conditions de sa vie, était un monde tout à fait spécial. Ce monde a peuplé son imagination avec ces idées et ces types qu'il reproduira plus tard dans ses comédies. Grâce à la grande bibliothèque de son père, Ostrovsky se familiarise très tôt avec la littérature russe et ressent un penchant pour l'écriture ; mais son père voulait certainement en faire un avocat. Après avoir terminé ses études au gymnase, Ostrovsky est entré à la faculté de droit de l'Université de Moscou. Il n'a pas réussi à terminer le cours en raison d'une sorte de collision avec l'un des professeurs. A la demande de son père, il entre au service comme scribe, d'abord au tribunal consciencieux, puis au tribunal de commerce. Cela détermina la nature de ses premières expériences littéraires ; au tribunal, il a continué à observer les types particuliers de Zamoskvoretsky qui lui étaient familiers depuis son enfance, qui imploraient un traitement littéraire. En 1846, il avait déjà écrit de nombreuses scènes de la vie d'un marchand et conçu une comédie : « Le débiteur insolvable » (plus tard - « Notre peuple - nous serons numérotés »). Un court extrait de cette comédie fut publié dans le n° 7 du Listok de Moscou en 1847 ; Sous le passage se trouvent les lettres : « A. O. » et "D.G.", c'est-à-dire A. Ostrovsky et Dmitry Gorev. Ce dernier était un acteur provincial (de son vrai nom Tarasenkov), auteur de deux ou trois pièces déjà jouées sur scène, qui rencontra accidentellement Ostrovsky et lui proposa sa coopération. Cela ne dépassa pas une scène et fut par la suite une source de gros ennuis pour Ostrovsky, car cela donnait à ses méchants une raison de l'accuser de s'approprier l'œuvre littéraire de quelqu'un d'autre. Dans les numéros 60 et 61 du même journal, est paru un autre ouvrage déjà totalement indépendant d'Ostrovsky, sans signature - "Images de la vie à Moscou. Une image du bonheur familial". Ces scènes ont été réimprimées, sous une forme corrigée et avec le nom de l'auteur, sous le titre : « Tableau de famille », dans Sovremennik, 1856, n° 4. Ostrovsky lui-même considérait le « Tableau de famille » comme sa première œuvre imprimée et c'est à partir de là qu'il commença son activité littéraire. Il a reconnu le 14 février 1847 comme le jour le plus mémorable et le plus cher de sa vie. : ce jour-là, il a rendu visite à S.P. Shevyrev et, en présence d'A.S. Khomyakov, professeurs, écrivains et employés du Listok de la ville de Moscou, ont lu cette pièce, parue sous forme imprimée un mois plus tard. Shevyrev et Khomyakov, serrant le jeune écrivain dans leurs bras, saluèrent son talent dramatique. "À partir de ce jour", dit Ostrovsky, "j'ai commencé à me considérer comme un écrivain russe et, sans doute ni hésitation, j'ai cru en ma vocation." Il s'est également essayé au genre narratif, dans des feuilletons sur la vie à Zamoskvoretsk. Dans la même « Liste des villes de Moscou » (n° 119 - 121), l'une de ces histoires a été publiée : « Ivan Erofeich », avec le titre général : « Notes d'un habitant de Zamoskvoretsky » ; deux autres récits de la même série : « L'histoire de la façon dont le directeur trimestriel commença à danser, ou du grand au ridicule » et « Deux biographies » restèrent inédits, et cette dernière n'était même pas terminée. À la fin de 1849, une comédie intitulée « La faillite » était déjà écrite. Ostrovsky l'a lu à son ami d'université A.F. Pisemski ; en même temps il rencontre le célèbre artiste P.M. Sadovsky, qui a vu dans sa comédie une révélation littéraire et a commencé à la lire dans divers cercles moscovites, entre autres avec la comtesse E.P. Rostopchina, qui accueillait habituellement de jeunes écrivains qui venaient de commencer leur carrière littéraire (B.N. Almazov, N.V. Berg, L.A. Mei, T.I. Filippov, N.I. Shapovalov, E.N. . Edelson). Tous entretenaient des relations étroites et amicales avec Ostrovsky depuis ses années d'étudiant et tous ont accepté l'offre de Pogodine de travailler dans le Moskvityanin actualisé, formant ainsi la soi-disant « jeune rédaction » de ce magazine. Bientôt, Apollo Grigoriev occupa une position importante dans ce cercle, agissant comme un héraut de l'originalité dans la littérature et devenant un ardent défenseur et loueur d'Ostrovsky, en tant que représentant de cette originalité. La comédie d'Ostrovsky, sous le titre modifié : "Notre peuple - nous serons comptés", après bien des ennuis avec la censure, qui en arriva au point de faire appel aux plus hautes autorités, fut publiée dans le livre du 2 mars de "Moskvitianin" en 1850, mais n'a pas été autorisé à être présenté; la censure n'a même pas permis de parler de cette pièce sous forme imprimée. Il n'est apparu sur scène qu'en 1861, avec une fin différente de celle imprimée. Suite à cette première comédie d'Ostrovsky, ses autres pièces commencèrent à paraître chaque année dans "Moskvityanin" et dans d'autres magazines : en 1850 - "Le Matin d'un jeune homme", en 1851 - "Un cas inattendu", en 1852 - "Poor Bride", en 1853 - "Ne vous asseyez pas dans votre propre traîneau" (la première des pièces d'Ostrovsky à apparaître sur la scène du Théâtre Maly de Moscou, le 14 janvier 1853) , en 1854 - "La pauvreté n'est pas un vice", en 1855 - "Ne vis pas comme tu veux", en 1856 - "Il y a une gueule de bois au festin de quelqu'un d'autre". Dans toutes ces pièces, Ostrovsky a dépeint des aspects de la vie russe qui, avant lui, n'étaient presque pas abordés dans la littérature et n'étaient pas du tout reproduits sur scène. Une connaissance approfondie de la vie de l'environnement représenté, la vitalité lumineuse et la vérité de l'image, un langage unique, vivant et coloré, reflétant clairement le véritable discours russe des « soutiens de famille de Moscou », que Pouchkine a conseillé aux écrivains russes d'apprendre - tout cela le réalisme artistique avec toute la simplicité et la sincérité, auquel même Gogol n'a pas élevé, a été accueilli dans notre critique par certains avec un plaisir orageux, par d'autres avec perplexité, déni et ridicule. Tandis qu'A. Grigoriev, se proclamant « prophète d'Ostrovsky », insistait inlassablement sur le fait que dans les œuvres du jeune dramaturge le « mot nouveau » de notre littérature, à savoir « nationalité », trouvait son expression, les critiques du courant progressiste reprochaient à Ostrovsky son attirance pour l'antiquité pré-pétrinienne, pour le « slavophilisme » au sens de Pogostin, ils voyaient même dans ses comédies l'idéalisation de la tyrannie, ils l'appelaient « Gostinodvorsky Kotzebue ». Chernyshevsky avait une attitude très négative envers la pièce « La pauvreté n'est pas un vice », y voyant une sorte de douceur sentimentale dans la représentation d'une vie désespérée, prétendument « patriarcale » ; d'autres critiques se sont indignés contre Ostrovsky pour avoir élevé certaines sensibilités et des bottes avec des bouteilles au rang de « héros ». Le public du théâtre, libre de tout préjugé esthétique et politique, a irrévocablement tranché en faveur d'Ostrovsky. Les acteurs et actrices moscovites les plus talentueux - Sadovsky, S. Vasiliev, Stepanov, Nikulina-Kositskaya, Borozdina et d'autres - étaient jusqu'alors contraints de se produire, à quelques exceptions près, soit dans des vaudevilles vulgaires, soit dans des mélodrames guindés convertis du français, écrits en En outre, dans un langage barbare, ils ont immédiatement ressenti dans les pièces d’Ostrovsky l’esprit d’une vie russe vivante, proche et native et ont consacré toutes leurs forces à sa représentation véridique sur scène. Et le public du théâtre a vu dans la performance de ces artistes un véritable « nouveau mot » de l'art scénique - simplicité et naturel, ils ont vu des gens vivre sur scène sans aucune prétention. Avec ses œuvres, Ostrovsky a créé une école de véritable art dramatique russe, simple et réel, aussi étrangère à la prétention et à l'affectation que toutes les grandes œuvres de notre littérature lui sont étrangères. Ce mérite était surtout compris et apprécié dans le milieu théâtral, le plus libre de théories préconçues. Lorsqu'en 1856, selon les pensées du grand-duc Konstantin Nikolaïevitch, un voyage d'affaires d'écrivains exceptionnels eut lieu pour étudier et décrire diverses régions de la Russie dans les relations industrielles et domestiques, Ostrovsky entreprit d'étudier la Volga depuis le cours supérieur jusqu'à le plus bas. Un bref rapport sur ce voyage parut dans la « Sea Collection » en 1859, le rapport complet resta dans les papiers de l'auteur et fut ensuite (1890) traité par S.V. Maksimov, mais reste toujours inédit. Plusieurs mois passés à proximité de la population locale ont donné à Ostrovsky de nombreuses impressions vives, élargi et approfondi sa connaissance de la vie russe dans son expression artistique - dans un mot bien ciblé, une chanson, un conte de fées, une légende historique, dans les mœurs et coutumes de antiquité encore préservée dans les bois. Tout cela se reflétait dans les œuvres ultérieures d’Ostrovsky et renforçait encore leur importance nationale. Ne se limitant pas à la vie des marchands Zamoskvoretsky, Ostrovsky introduit dans le cercle des personnages le monde des grands et petits fonctionnaires, puis des propriétaires fonciers. En 1857, « Un endroit rentable » et « Un sommeil festif avant le déjeuner » ont été écrits (la première partie de la « trilogie » sur Balzaminov ; deux autres parties - « Vos chiens mordent, ne harcelez pas celui des autres » et « Quoi vous allez, c'est ce que vous trouverez » - paru en 1861), en 1858 - « Ils ne s'entendent pas » (écrit à l'origine sous forme d'histoire), en 1859 - « L'élève ». La même année paraissent deux volumes des œuvres d'Ostrovsky, publiés par le comte G.A. Kucheleva-Bezborodko. Cette publication a été à l’origine de l’évaluation brillante que Dobrolyubov a donnée à Ostrovsky et qui a assuré sa renommée en tant qu’artiste du « royaume des ténèbres ». En lisant aujourd’hui, après un demi-siècle, les articles de Dobrolyubov, on ne peut s’empêcher de constater leur caractère journalistique. Ostrovsky lui-même, par nature, n'était pas du tout un satiriste, et presque même pas un humoriste ; avec une objectivité véritablement épique, ne se souciant que de la vérité et de la vitalité de l'image, il « regardait calmement les justes et les coupables, ne connaissant ni pitié ni colère » et ne cachant pas du tout son amour pour la simple « petite sirène », en qui , même parmi les vilaines manifestations de la vie quotidienne, il a toujours su trouver certains traits attractifs. Ostrovsky lui-même était un « petit Russe » et tout ce qui était russe trouvait un écho sympathique dans son cœur. Selon ses propres mots, il se souciait avant tout de montrer un Russe sur scène : "laissez-le se voir et se réjouir. Des correcteurs seront trouvés même sans nous. Pour avoir le droit de corriger les gens, il faut montrez-leur que vous savez ce qui est bon chez eux. Dobrolyubov, cependant, n'a pas pensé à imposer certaines tendances à Ostrovsky, mais a simplement utilisé ses pièces comme une représentation fidèle de la vie russe, pour ses propres conclusions totalement indépendantes. En 1860, « L’Orage » parut sous forme imprimée, ce qui donna lieu au deuxième article remarquable de Dobrolyubov (« Un rayon de lumière dans le royaume des ténèbres »). Cette pièce reflète les impressions d’un voyage sur la Volga et, en particulier, de la visite de l’auteur à Torjok. Un reflet encore plus frappant des impressions de la Volga est la chronique dramatique publiée dans le numéro 1 du Sovremennik en 1862 : « Kozma Zakharyitch Minin-Sukhoruk ». Dans cette pièce, Ostrovsky aborde pour la première fois le traitement d'un thème historique, qui lui est suggéré à la fois par les légendes de Nijni Novgorod et par une étude minutieuse de notre histoire du XVIIe siècle. L'artiste sensible a réussi à remarquer les traits vivants de la vie populaire dans les monuments morts et à maîtriser parfaitement la langue de l'époque qu'il étudiait, dans laquelle il écrivit plus tard, pour s'amuser, des lettres entières. "Minin", qui a reçu l'aval du souverain, a cependant été interdit par une censure dramatique et n'a pu apparaître sur scène que 4 ans plus tard. Sur scène, la pièce n'a pas eu de succès en raison de sa prolixité et de son lyrisme pas toujours réussi, mais les critiques n'ont pu s'empêcher de remarquer la haute dignité des scènes et des personnages individuels. En 1863, Ostrovsky publie un drame de la vie populaire : « Le péché et le malheur ne vivent de personne », puis revient aux images de Zamoskvorechye dans des comédies : « Hard Days » (1863) et « Jokers » (1864). Parallèlement, il s'occupe de traiter une grande pièce en vers, commencée lors d'un voyage dans la Volga, de la vie du XVIIe siècle. Il parut dans le n° 1 du Sovremennik de 1865 sous le titre : « La Voevoda ou un rêve sur la Volga ». Cette excellente fantaisie poétique, quelque chose comme une épopée dramatisée, contient un certain nombre d'images quotidiennes vivantes d'un passé lointain, à travers la brume desquelles on ressent en de nombreux endroits une proximité avec la vie quotidienne, qui à ce jour n'est pas encore complètement passée dans le passé. Les impressions de la Volga ont également inspiré la comédie « Sur un lieu animé », publiée dans le numéro 9 du Sovremennik en 1865. À partir du milieu des années 60, Ostrovsky a repris avec diligence l'histoire du Temps des Troubles et a noué une correspondance animée avec Kostomarov, qui étudiait à la même époque à cette époque. Le résultat de ce travail fut deux chroniques dramatiques publiées en 1867 : « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky » et « Touchino ». Dans le numéro 1 du "Bulletin de l'Europe" de 1868 parut un autre drame historique, de l'époque d'Ivan le Terrible, "Vasilisa Melentyev", écrit en collaboration avec le metteur en scène Gedeonov. À partir de cette époque commença une série de pièces d’Ostrovsky, écrites, comme il le dit, d’une « manière nouvelle ». Leur sujet n'est plus l'image des commerçants et des bourgeois, mais de la vie noble : « La simplicité suffit à tout sage », 1868 ; "L'argent fou", 1870 ; "Forêt", 1871. Entrecoupées d'elles se trouvent des comédies quotidiennes du "style ancien": "Cœur chaud" (1869), "Ce n'est pas que Maslenitsa pour le chat" (1871), "Il n'y avait pas un sou, mais tout à coup c'était Altyn » (1872). En 1873, deux pièces de théâtre occupent une place particulière parmi les œuvres d'Ostrovsky : « Le comédien du XVIIe siècle » (pour le 200e anniversaire du théâtre russe) et le conte de fées dramatique en vers « La Fille des neiges », l'un des plus célèbres. créations les plus remarquables de la poésie russe. Dans ses œuvres ultérieures des années 70 et 80, Ostrovsky se tourne vers la vie de diverses couches de la société - la noblesse, les bureaucrates et les marchands, et dans ces derniers il note les changements de points de vue et de conditions provoqués par les exigences du nouveau russe. vie. Cette période d'activité d'Ostrovsky comprend : « L'amour tardif » et « Le pain du travail » (1874), « Les loups et les moutons » (1875), « Les épouses riches » (1876), « La vérité est bonne, mais le bonheur est meilleur » (1877) , « La dernière victime » (1878), « La dot » et « Le bon maître » (1879), « Le cœur n'est pas une pierre » (1880), « Femmes esclaves » (1881), « Talents et admirateurs » ( 1882), « Bel homme » (1883), « Coupable sans culpabilité » (1884) et, enfin, la dernière pièce, faible dans sa conception et son exécution : « Pas de ce monde » (1885). De plus, plusieurs pièces ont été écrites par Ostrovsky en collaboration avec d'autres personnes : avec N.Ya. Soloviev - « Le Mariage de Belugin » (1878), « Sauvage » (1880) et « Il brille mais ne réchauffe pas » (1881) ; avec P.M. Nevezhin - "Caprice" (1881). Ostrovsky possède également un certain nombre de traductions de pièces de théâtre étrangères : « Pacification of the Wayward » de Shakespeare (1865), « Le Grand Banquier » d'Italo Franchi (1871), « Le mouton perdu » de Teobaldo Ciconi (1872), « Le Café " de Goldoni (1872), " La famille d'un criminel " de Giacometti (1872), une adaptation du français de " L'esclavage des maris " et, enfin, une traduction de 10 intermèdes de Cervantes, publiée séparément en 1886. Il n'a écrit que 49 pièces originales. Toutes ces pièces offrent une galerie des types russes les plus divers, remarquables par leur vitalité et leur véracité, avec toutes les particularités de leurs mœurs, de leur langage et de leur caractère. Par rapport à la technique dramatique et à la composition réelles, les pièces d'Ostrovsky sont souvent faibles : l'artiste, profondément véridique par nature, était lui-même conscient de son impuissance à inventer une intrigue, à en arranger le début et la fin ; il disait même que « le dramaturge ne doit pas inventer ce qui s’est passé ; son travail est d’écrire comment cela s’est produit ou aurait pu se produire ; c’est tout son travail ; lorsqu’il tourne son attention dans cette direction, des êtres vivants apparaissent et parlent eux-mêmes ». Parlant de ses pièces de ce point de vue, Ostrovsky a admis que sa tâche la plus difficile est la « fiction », car tout mensonge lui dégoûte ; mais il est impossible à un écrivain dramatique de se passer de ce mensonge conventionnel. Ce « nouveau mot » d’Ostrovsky, si ardemment défendu par Apollo Grigoriev, ne réside pas tant dans la « nationalité » que dans la véracité, dans le rapport direct de l’artiste à la vie qui l’entoure en vue de sa reproduction très réelle sur scène. Dans cette direction, Ostrovsky a fait un pas en avant par rapport à Griboïedov et Gogol et a longtemps établi sur notre scène cette « école naturelle », qui au début de son activité dominait déjà dans d'autres départements de notre littérature. Un dramaturge talentueux, soutenu par des artistes tout aussi talentueux, a provoqué une concurrence entre ses pairs qui ont suivi le même chemin : les dramaturges d'un courant homogène étaient Pisemsky, A. Potekhin et d'autres écrivains, moins remarquables, mais qui ont connu à leur époque un succès mérité. Consacré de toute son âme au théâtre et à ses intérêts, Ostrovsky a également consacré beaucoup de temps et de travail aux préoccupations pratiques concernant le développement et l'amélioration de l'art dramatique et l'amélioration de la situation financière des auteurs dramatiques. Il rêvait de l'opportunité de transformer le goût artistique des artistes et du public et de créer une école de théâtre, également utile à la fois pour l'éducation esthétique de la société et pour la formation d'artistes de scène dignes. Au milieu de toutes sortes de chagrins et de déceptions, il resta fidèle jusqu'à la fin de sa vie à ce rêve chéri, dont la réalisation fut en partie le Cercle Artistique qu'il créa en 1866 à Moscou, qui donna plus tard de nombreuses figures talentueuses sur la scène moscovite. Dans le même temps, Ostrovsky souhaitait améliorer la situation financière des dramaturges russes : grâce à ses œuvres, la Société des écrivains dramatiques et compositeurs d'opéra russes fut créée (1874), dont il resta le président permanent jusqu'à sa mort. En général, au début des années 80, Ostrovsky a fermement pris la place du leader et professeur du théâtre et de la scène russes. En travaillant dur au sein de la commission créée en 1881 sous la direction des Théâtres impériaux « pour réviser les règlements sur toutes les parties de la gestion théâtrale », il a réalisé de nombreux changements qui ont considérablement amélioré la situation des artistes et ont permis d'organiser plus efficacement l'enseignement théâtral. En 1885, Ostrovsky est nommé chef du département de répertoire des théâtres de Moscou et directeur de l'école de théâtre. Sa santé, déjà affaiblie à cette époque, ne correspondait pas aux grands plans d'activité qu'il s'était fixés. Le travail intense épuisait vite le corps ; Le 2 juin 1886, Ostrovsky mourut dans son domaine de Kostroma à Shchelykovo, sans avoir le temps de mettre en œuvre ses hypothèses transformatrices.

Les œuvres d'Ostrovsky ont été publiées à plusieurs reprises ; la publication la plus récente et la plus complète - le Partenariat des Lumières (Saint-Pétersbourg, 1896 - 97, en 10 volumes, édité par M.I. Pisarev et avec une notice biographique par I. Nosov). Les « Traductions dramatiques » (Moscou, 1872), « Interlude de Cervantes » (Saint-Pétersbourg, 1886) et « Œuvres dramatiques de A. Ostrovsky et N. Soloviev » (Saint-Pétersbourg, 1881) ont été publiés séparément. Pour la biographie d'Ostrovsky, l'ouvrage le plus important est le livre du scientifique français J. Patouillet « O. et son théâtre de moeurs russes » (Paris, 1912), qui contient toute la littérature sur Ostrovsky. Voir les mémoires de S.V. Maksimov dans « Russian Thought » 1897 et Kropachev dans « Russian Review » 1897 ; I. Ivanov « A.N. Ostrovsky, sa vie et son activité littéraire » (Saint-Pétersbourg, 1900). Les meilleurs articles critiques sur Ostrovsky ont été écrits par Apollo Grigoriev (dans "Moskvityanin" et "Time"), Edelson ("Bibliothèque pour la lecture", 1864), Dobrolyubov ("Le Royaume des Ténèbres" et "Un rayon de lumière dans le Royaume des Ténèbres ") et Boborykin ("La Parole", 1878). - Mer. également des livres d'A.I. Nezelenova "Ostrovsky dans ses œuvres" (Saint-Pétersbourg, 1888) et Or. F. Miller "Les écrivains russes après Gogol" (Saint-Pétersbourg, 1887).

P. Morozov.

Réimprimé à partir de l'adresse : http://www.rulex.ru/

OSTROVSKY Alexandre Nikolaïevitch (31/03/1823-02/06/1886), un écrivain et dramaturge russe exceptionnel. Fils d'huissier de justice.

Après avoir obtenu son diplôme du 1er gymnase de Moscou (1840), Ostrovsky entre à la Faculté de droit. Université de Moscou, mais un an avant l'obtention de son diplôme, en raison d'un conflit avec les enseignants, il fut contraint d'abandonner ses études et de devenir « serviteur de bureau » - d'abord au tribunal de conscience de Moscou (1843), et deux ans plus tard - au tribunal de commerce de Moscou.

Dès sa jeunesse, Ostrovsky avait une passion pour le théâtre et connaissait étroitement les artistes Théâtre Maly : P. S. Mochalov, M. S. Shchepkin, P. M. Sadovsky. En 1851, il quitte le service et se consacre entièrement aux activités littéraires et théâtrales. Le travail dans les tribunaux de Moscou, l'étude des réclamations des marchands, dont le père d'Ostrovsky s'occupait souvent, ont fourni au futur dramaturge un riche matériel vital lié à la vie et aux coutumes des Russes. les commerçants, et lui a permis de créer par la suite des œuvres dans lesquelles l'éclat artistique des personnages est étroitement lié à leur réalisme.

Le 9 janvier 1847, le journal « Moskovsky Listok » a publié une scène de la comédie d'Ostrovsky « Le débiteur insouciant », intitulée plus tard « Notre peuple - nous serons numérotés ». La même année, la comédie « Picture of Family Happiness » est écrite. Ces œuvres, créées dans l’esprit de « l’école naturelle » N. V. Gogol, a apporté à l'auteur sa première renommée. Les expériences dramatiques suivantes d'Ostrovsky, qui consolidèrent ses premiers succès, furent les pièces de théâtre de 1851-54 : « Pauvre mariée », « Ne vous asseyez pas dans votre propre traîneau », « La pauvreté n'est pas un vice », « Ne vivez pas comme You Want », dont les héros sont des personnes issues de milieux pauvres, agissent comme des porteurs de vérité et d'humanité.

En 1856-59, il publia des pièces de théâtre fortement satiriques : « Il y a une gueule de bois au festin de quelqu'un d'autre », « Un endroit rentable », « La maternelle » et le drame « L'orage », qui provoqua une large réaction du public, pour lequel en 1859 Ostrovsky a reçu le prix Uvarov.

Dans les années 1860, Ostrovsky a créé des comédies et des drames sociaux et quotidiens - « Le péché et le malheur ne vivent de personne », « Les Jokers », « Sur un lieu animé », « Les Profondeurs », ainsi qu'un certain nombre de pièces de théâtre sur des sujets historiques : à propos de l'époque Ivan le Terrible(« Vasilisa Melentyevna ») et à propos de Le temps des troubles(« Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk », « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky », « Touchino »). Dans les années 1870-80, des pièces de théâtre bien connues sont apparues : « Loups et moutons », « Forêt », « Bel homme », « Chaque homme sage a assez de simplicité » - de la vie d'un provincial la noblesse;« Talents et fans », « Coupable sans culpabilité » - sur la vie quotidienne des acteurs ; « La Fille des Neiges » est l'incarnation de motifs de contes de fées et de folklore ; «La dot» est une sorte d'apogée de la créativité d'Ostrovsky, se distinguant parmi d'autres œuvres par sa profonde divulgation socio-psychologique des images.

Au total, Ostrovsky a écrit 47 œuvres littéraires et dramatiques, ainsi que 7 autres pièces écrites en collaboration avec d'autres auteurs. Les pièces d'Ostrovsky occupaient une place prépondérante dans le répertoire du Théâtre de Moscou Théâtre Maly, avec qui l'écrivain était étroitement associé : il a agi à plusieurs reprises en tant que metteur en scène de ses propres pièces et a été le mentor créatif de nombreux merveilleux acteurs de ce théâtre. Un certain nombre d'opéras ont été créés sur la base des œuvres d'Ostrovsky, parmi lesquels les plus célèbres sont « La Fille des Neiges ». N. A. Rimski-Korsakov,« Voïvoda » P.I. Tchaïkovski,"Puissance ennemie" A.N. Serova.

A propos du théâtre. Notes, discours, lettres. L. ; M., 1947 ;

À propos de la littérature et du théâtre / Comp., intro. Art. et commenter. Député Lobanova.

Littérature:

Lotman L.M. UN. Ostrovsky et le drame russe de son temps. M-L. 1961.

Le plus grand dramaturge russe Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky est né le 31 mars (12 avril 1823) à Moscou en Malaisie Ordynka.

Le début du chemin

Le père d’Alexandre Nikolaïevitch est d’abord diplômé du Séminaire théologique de Kostroma, puis de l’Académie théologique de Moscou, mais il a finalement commencé à travailler, en termes modernes, comme avocat. En 1839, il reçut le rang de noblesse.

La mère du futur dramaturge était la fille de jeunes ouvriers de l'église et elle est décédée alors qu'Alexandre n'avait même pas huit ans.

La famille était riche et éclairée. Beaucoup de temps et d’argent ont été consacrés à l’éducation des enfants. Depuis son enfance, Alexandre connaissait plusieurs langues et lisait beaucoup. Dès son plus jeune âge, il ressent le désir d'écrire, mais son père ne le voit dans le futur que comme avocat.

En 1835, Ostrovsky entre au 1er gymnase de Moscou. Après 5 ans, il devient étudiant en droit à l'Université de Moscou. Le futur métier ne l'attire pas, et c'est peut-être pour cela qu'un conflit avec l'un des enseignants devient le motif de quitter l'établissement d'enseignement en 1843.

Sur l'insistance de son père, Ostrovsky servit d'abord comme scribe au tribunal de conscience de Moscou, puis au tribunal de commerce (jusqu'en 1851).

Observer les clients de son père, puis regarder les histoires traitées au tribunal, ont donné à Ostrovsky une richesse de matière pour sa créativité future.

En 1846, Ostrovsky songe pour la première fois à écrire une comédie.

Succès créatif

Ses opinions littéraires se sont formées au cours de ses années d'études sous l'influence de Belinsky et de Gogol - Ostrovsky décide immédiatement et irrévocablement qu'il n'écrira que de manière réaliste.

En 1847, en collaboration avec l'acteur Dmitri Gorev, Ostrovsky écrit sa première pièce « Notes d'un habitant de Zamoskvoretsky ». L'année prochaine, ses proches déménagent pour vivre dans le domaine familial Shchelykovo, dans la province de Kostroma. Alexandre Nikolaïevitch visite également ces lieux et reste sous une impression indélébile de la nature et des étendues de la Volga pour le reste de sa vie.

En 1850, Ostrovsky publie sa première grande comédie « Notre peuple - Soyons numérotés ! dans le magazine "Moskvityanin". La pièce fut un grand succès et reçut des critiques élogieuses de la part des écrivains, mais sa réédition et sa mise en scène furent interdites en raison d'une plainte de marchands envoyée directement à l'empereur. L'auteur a été démis de ses fonctions et placé sous surveillance policière, qui n'a été levée qu'après l'accession au trône d'Alexandre II. La toute première pièce d'Ostrovsky a révélé les principales caractéristiques de ses œuvres dramatiques, caractéristiques de toutes les œuvres ultérieures : la capacité de montrer les problèmes panrusses les plus complexes à travers des conflits personnels et familiaux, de créer des personnages mémorables de tous les personnages et de « exprimer » eux avec un discours familier et animé.

La position du « peu fiable » a aggravé les affaires déjà difficiles d’Ostrovsky. Depuis 1849, sans la bénédiction de son père et sans se marier à l’église, il commença à vivre avec une simple bourgeoise Agafya Ivanovna. Le père a complètement privé son fils de soutien matériel et la situation financière de la jeune famille était difficile.

Ostrovsky entame une collaboration permanente avec le magazine Moskvityanin. En 1851, il publie La Pauvre Mariée.

Sous l'influence du principal idéologue du magazine, A. Grigoriev, les pièces d'Ostrovsky de cette période commencent à sonner non pas tant les motifs de dénonciation de la tyrannie de classe, mais plutôt l'idéalisation des anciennes coutumes et du patriarcat russe (« Ne vous asseyez pas votre propre traîneau », « La pauvreté n'est pas un vice » et d'autres). De tels sentiments diminuent le caractère critique des œuvres d'Ostrovsky.

Néanmoins, la dramaturgie d’Ostrovsky devient le début d’un « nouveau monde » dans tout l’art théâtral. Un quotidien simple avec des personnages « vivants » et un langage familier entre en scène. La plupart des acteurs acceptent avec plaisir les nouvelles pièces d'Ostrovsky, ils en ressentent la nouveauté et la vitalité. Depuis 1853, presque chaque saison, de nouvelles pièces d'Ostrovsky sont apparues au Théâtre Maly de Moscou et au Théâtre Alexandrinsky de Saint-Pétersbourg pendant 30 ans.

En 1855-1860, le dramaturge se rapproche des démocrates révolutionnaires. Il rejoint le magazine Sovremennik. Le principal « événement » des pièces d’Ostrovsky de cette période est le drame d’un homme ordinaire s’opposant aux « puissances de ce monde ». A cette époque, il écrit : « Il y a une gueule de bois lors de la fête de quelqu'un d'autre », « Un endroit rentable », « Un orage » (1860).

En 1856, sur ordre du grand-duc Konstantin Nikolaïevitch, les meilleurs écrivains russes furent envoyés en voyage d'affaires à travers le pays avec pour tâche de décrire la production industrielle et la vie dans diverses régions de Russie. Ostrovsky voyage en bateau à vapeur depuis le cours supérieur de la Volga jusqu'à Nijni Novgorod et prend de nombreuses notes. Ils deviennent de véritables notes encyclopédiques sur la culture et l’économie de la région. Dans le même temps, Ostrovsky reste un artiste des mots - il transfère de nombreuses descriptions de la nature et de la vie quotidienne dans ses œuvres.

En 1859, les premières œuvres rassemblées d'Ostrovsky furent publiées en 2 volumes.

Appel à l'histoire

Maison-musée : A.N. Ostrovsky.

Dans les années 60, Alexandre Nikolaïevitch s'est particulièrement intéressé à l'histoire et a fait la connaissance du célèbre historien Kostomarov. A cette époque, il écrit le drame psychologique « Vasilisa Melentyeva », les chroniques historiques « Touchino », « Dmitry le prétendant et Vasily Shuisky » et d'autres.

Il n'a cessé de créer des comédies et des drames quotidiens (« Hard Days » - 1863, « The Deep » - 1865, etc.), ainsi que des pièces satiriques sur la vie de la noblesse (« La simplicité suffit à tout sage » - 1868, « Mad Money » - 1869 , « Loups et moutons », etc.).

En 1863, Ostrovsky reçut le prix Uvarov, décerné pour ses œuvres historiques, et fut élu membre correspondant de l'Académie des sciences de Saint-Pétersbourg.

L'année suivante lui plaît avec la naissance de son premier fils, Alexandre. Au total, Ostrovsky deviendra père de six enfants.

De 1865 à 1866 (la date exacte n'est pas déterminée), Alexandre Nikolaïevitch crée à Moscou un Cercle artistique, d'où émergeront par la suite de nombreux ouvriers de théâtre talentueux. En 1870 (selon d'autres sources - en 1874), fut organisée en Russie la Société des écrivains dramatiques et compositeurs d'opéra russes, dont le dramaturge restera jusqu'à la fin de sa vie. Durant cette période, toute la fleur de la société culturelle russe séjournait dans la maison d’Ostrovsky. I.S. Tourgueniev, F.M. Dostoïevski, P.M. Sadovsky, M.N. Ermolova, L.N. Tolstoï et bien d'autres personnalités marquantes de notre époque deviendront ses amis et connaissances sincères.

En 1873, Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky et le jeune compositeur Piotr Ilitch Tchaïkovski écrivirent en quelques mois l'opéra «La Fille des neiges», étonnant par son style et son son, basé sur des contes et des coutumes populaires. Le dramaturge et le compositeur seront fiers de leur création toute leur vie.

Avec le théâtre - jusqu'à la fin

Au cours des dernières années de sa vie, Ostrovsky se tourne souvent vers le destin des femmes dans ses œuvres. Il écrit des comédies, mais plus encore - des drames socio-psychologiques profonds sur le sort des femmes spirituellement douées dans le monde de l'aspect pratique et de l'intérêt personnel. « Sans dot », « La dernière victime », « Talents et admirateurs » et d'autres pièces sont publiées.

En 1881, une commission spéciale fut organisée sous la direction des théâtres impériaux pour créer de nouveaux actes législatifs pour le fonctionnement des théâtres dans tout le pays. Ostrovsky participe activement aux travaux de la commission : il rédige de nombreuses « notes », « réflexions » et « projets » sur le thème de l'organisation du travail dans les théâtres. Grâce à lui, de nombreux changements sont adoptés qui améliorent considérablement la rémunération des acteurs.

Depuis 1883, Ostrovsky a reçu de l'empereur Alexandre III le droit à une pension annuelle d'un montant de trois mille roubles. La même année, le dernier chef-d'œuvre littéraire d'Alexandre Nikolaïevitch est publié - la pièce "Coupable sans culpabilité" - un mélodrame classique qui surprend par la force des personnages et une intrigue impressionnante. C'était un nouvel élan de grand talent dramatique sous l'influence d'un voyage mémorable dans le Caucase.

Après 2 ans, Ostrovsky a été nommé chef du département de répertoire des théâtres de Moscou et directeur de l'école de théâtre. Le dramaturge tente de créer une nouvelle école de théâtre réaliste dans le pays, mettant en valeur les acteurs les plus talentueux.

Ostrovsky travaille avec des personnages de théâtre, il a de nombreuses idées et projets en tête, il est occupé à traduire de la littérature dramatique étrangère (y compris ancienne). Mais sa santé lui fait de plus en plus souvent défaut. Le corps est épuisé.

Le 2 (14) juin 1886, dans le domaine de Shchelykovo, Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky décède d'une angine de poitrine.

Il a été enterré dans le cimetière de l'église près de l'église Saint-Nicolas le Wonderworker du village de Nikolo-Berezhki, dans la province de Kostroma.

Les funérailles ont été réalisées grâce aux fonds fournis par Alexandre III. La veuve et les enfants reçurent une pension.

Faits intéressants sur Ostrovsky :

Depuis son enfance, le dramaturge connaissait le grec, le français et l'allemand. Plus tard, il apprit l'anglais, l'italien et l'espagnol.

La pièce « L’Orage » n’a pas été immédiatement autorisée par la censure. Mais cela plaisit à l'impératrice et le censeur fit des concessions à l'auteur.