Pojav impresionizma. Splošne značilnosti ustvarjalnosti. Glavne značilnosti impresionizma Impresionizem v različnih vrstah umetnosti
"Razstava impresionistov", ki temelji na naslovu slike Clauda Moneta "Vtis. Vzhajajoče sonce« (fr. Impression, soleil levant). Sprva je bil ta izraz nekoliko zaničujoč, kar je kazalo na ustrezen odnos do umetnikov, ki so pisali na nov "brezskrben" način.
Impresionizem v slikarstvu
Izvori
Do sredine 1880-ih je impresionizem postopoma prenehal obstajati kot ena sama smer in se je razpadel, kar je dalo opazen zagon razvoju umetnosti. Do začetka 20. stoletja so se težnje zavračanja realizma okrepile in nova generacija umetnikov je obrnila hrbet impresionizmu.
Pojav imena
Desetletja so minila. In nova generacija umetnikov bo prišla do pravega zloma oblik in vsebinskega siromašenja. Potem so tako kritika kot javnost v obsojenih impresionistih videli - realiste, malo kasneje pa še klasike francoske umetnosti.
Posebnosti filozofije impresionizma
Francoski impresionizem ni postavljal filozofskih problemov in niti ni poskušal prodreti v obarvano površino vsakdanjega življenja. Namesto tega se impresionizem, ki je umetnost v določeni meri kampistična in maniristična, osredotoča na površnost, pretočnost trenutka, razpoloženje, osvetlitev ali zorni kot.
Tako kot umetnost renesanse (renesanse) je impresionizem zgrajen na značilnostih in spretnostih zaznavanja perspektive. Hkrati renesančna vizija eksplodira z dokazano subjektivnostjo in relativnostjo človeške percepcije, zaradi česar so barve in oblika avtonomne sestavine podobe. Za impresionizem ni tako pomembno, kaj je prikazano na sliki, pomembno pa je, kako je prikazano.
Impresionistične slike ne nosijo družbene kritike, se ne dotikajo družbenih problemov, kot so lakota, bolezni, smrt, predstavljajo le pozitivne vidike življenja. To je pozneje privedlo do razkola med samimi impresionisti.
Impresionizem in družba
Demokratizem je neločljivo povezan z impresionizmom. Po inerciji je umetnost v 19. stoletju veljala za monopol aristokratov, višjih slojev prebivalstva. Bili so glavni kupci slik, spomenikov, bili so glavni kupci slik in skulptur. Spletke s trdim delom kmetov, tragične strani našega časa, sramotne strani vojn, revščina, socialne težave so bile obsojene, neodobrene, niso kupljene. Kritika bogokletne morale družbe na slikah Theodoreja Gericaulta, Francois Millet je našla odziv le pri podpornikih umetnikov in nekaj strokovnjakov.
Impresionisti so v tej zadevi zavzeli precej kompromisno, vmesno stališče. Svetopisemski, literarni, mitološki, zgodovinski zapleti, ki so del uradnega akademizma, so bili zavrženi. Po drugi strani pa so si goreče želeli priznanja, spoštovanje, celo nagrade. Indikativno je delovanje Edouarda Maneta, ki že leta išče priznanja in nagrade uradnega Salona in njegove uprave.
Namesto tega se je pojavila vizija vsakdanjega življenja in sodobnosti. Umetniki so pogosto slikali ljudi v gibanju, med zabavo ali počitkom, predstavljali pogled na določen prostor pod določeno osvetlitvijo, narava je bila tudi motiv njihovega dela. Udeležili so se spogledovanja, plesa, bivanja v kavarnah in gledališčih, izletov z ladjo, na plažah in vrtovih. Sodeč po slikah impresionistov, potem je življenje vrsta majhnih počitnic, zabav, prijetne zabave zunaj mesta ali v prijateljskem okolju (številne slike Renoirja, Maneta in Clauda Moneta). Impresionisti so bili eni prvih, ki so slikali v zraku, ne da bi dokončali svoje delo v ateljeju.
Tehnika
Novo gibanje se je od akademskega slikarstva razlikovalo tako tehnično kot ideološko. Najprej so impresionisti opustili konturo in jo nadomestili z majhnimi ločenimi in kontrastnimi potezami, ki so jih uporabili v skladu z barvnimi teorijami Chevreula, Helmholtza in Ruda. Sončni žarek se razdeli na svoje komponente: vijolično, modro, modro, zeleno, rumeno, oranžno, rdečo, a ker je modra modra, se njihovo število zmanjša na šest. Dve barvi, nameščeni drug ob drugem, se medsebojno krepita in, nasprotno, med mešanjem izgubita svojo intenzivnost. Poleg tega so vse barve razdeljene na primarne ali osnovne in podvojene ali derivate, medtem ko je vsaka podvojena barva komplementarna prvi:
- Modra - oranžna
- Rdeča zelena
- Rumena - vijolična
Tako je postalo mogoče ne mešati barv na paleti in dobiti želeno barvo s pravilnim nanosom na platno. To je kasneje postalo razlog za zavrnitev črne barve.
Potem impresionisti prenehajo osredotočati vse delo na platna v delavnicah, zdaj imajo raje plenarne, kjer je bolj priročno dojeti bežen vtis videnega, kar je postalo mogoče zahvaljujoč izumu jeklenih cevi za barve, ki so za razliko od usnjene vrečke, se je dalo zapreti, da se barva ne bi posušila.
Umetniki so uporabljali tudi neprozorne barve, ki slabo prepuščajo svetlobo in so neprimerne za mešanje, ker hitro postanejo sive, kar jim je omogočilo ustvarjanje slik ne z " notranji", a" zunanji»Svetloba, ki se odbija od površine.
Tehnične razlike so prispevale k doseganju drugih ciljev, najprej so impresionisti poskušali ujeti bežen vtis, najmanjše spremembe v vsaki temi, odvisno od osvetlitve in časa dneva, najvišje utelešenje so bili Monetovi cikli slik "Kozolci", "Rouenska katedrala" in "Londonski parlament".
Na splošno so številni umetniki delali v slogu impresionizma, vendar je gibanje temeljilo na Edouardu Manetu, Claudu Monetu, Augustu Renoirju, Edgarju Degasu, Alfredu Sisleyju, Camille Pissarro, Fredericu Bazillu in Berthe Morisot. Vendar se je Manet vedno imenoval "neodvisni umetnik" in nikoli ni sodeloval na razstavah, in čeprav je Degas sodeloval, svojih del nikoli ni slikal na prostem.
Časovnica izvajalca
Impresionisti
razstave
- Prva razstava(15. april - 15. maj)
- Druga razstava(april)
Naslov: st. Lepeletier, 11 (Galerija Durand-Ruel). Udeleženci: Basil (posthumno, umetnik umrl leta 1870), Beliard, Bureau, Debutin, Degas, Caillebotte, Kals, Lever, Legros, Lepic, Millet, Monet, Morisot, L. Otten, Pissarro, Renoir, Roir, Sisley, Tillot, François
- Tretja razstava(april)
Naslov: st. Lepeletier, 6. Udeleženci: Guillaumene, Degas, Caillebotte, Kals, Corday, Lever, Liami, Monet, Morisot, Alphonse Moreau, Piette, Pissarro, Renoir, Roir, Cezanne, Sisley, Tillot, François.
- Četrta razstava(10. april - 11. maj)
Naslov: Avenue Opera, 28. Udeleženci: Bracquemont, Madame Braquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Kals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Ruar, Somme, Tillo, Foren.
- Peta razstava(1. april - 30. april)
Naslov: st. Piramide, 10. Udeleženci: Braquemont, Madame Braquemont, Vidal, Vignon, Guillaume, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cassatt, Lebourg, Lever, Morisot, Pissarro, Rafaelli, Ruar, Tillot, Foren.
- Šesta razstava(2. april - 1. maj)
Naslov: Boulevard Kapucinok, 35 (atelje fotografa Nadarja). Udeleženci: Vidal, Vignon, Guillaume, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassatt, Morisot, Pissarro, Rafaelli, Ruar, Tillot, Foren.
- Sedma razstava(marec)
Naslov: Foburg-Saint-Honoré, 251 (Pri Durand-Ruelu). Udeleženci: Vignon, Guillaume, Gauguin, Caillebotte, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley.
- Osma razstava(15. maj - 15. junij)
Naslov: st. Laffitt, 1. Udeleženci: Madame Braquemont, Vignon, Guillaumene, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassette, Morisot, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Ruar, Seurat, Signac, Tillot, Foren, Schuffenecker.
Impresionizem v literaturi
V literaturi se impresionizem ni razvil kot ločena smer, ampak so se njegove značilnosti odražale v naturalizmu in simbolizmu.
Zanj je predvsem značilno izražanje avtorjevega zasebnega vtisa, zavračanje objektivne slike realnosti, upodobitev vsakega trenutka, ki naj bi pomenil odsotnost zapleta, zgodovine in zamenjavo misli z zaznavo, in razum po instinktu. Glavne značilnosti impresionističnega sloga so oblikovali brata Goncourt v svojem delu "Dnevnik", kjer je slavni stavek " Videti, čutiti, izražati - to je vsa umetnost"Postal je osrednji položaj za številne pisatelje.
V naturalizmu je bilo glavno načelo resnicoljubnost, zvestoba naravi, vendar je podvržena vtisu, zato je videz resničnosti odvisen od vsake posamezne osebe in njenega temperamenta. To je najbolj polno izraženo v romanih Emila Zole, njegovih natančnih opisih vonjav, zvokov in vizualnih zaznav.
Simbolizem je nasprotno zahteval zavrnitev materialnega sveta in vrnitev k idealu, vendar je prehod možen le z bežnimi vtisi, ki razkrivajo skrivno bistvo v vidnih stvareh. Osupljiv primer pesniškega impresionizma - zbirka
Impresionizem impresionizem
(francosko impressionnisme, od impression - vtis), smer v umetnosti zadnje tretjine XIX - začetka XX stoletja. V francoskem slikarstvu se je oblikoval v poznih 1860-ih - zgodnjih 70-ih letih. Ime "Impresionizem" je nastalo po razstavi leta 1874, na kateri je bila razstavljena slika C. Moneta "Impression. Rising Sun" ("Impression. Soleil levant", 1872, zdaj v muzeju Marmottan, Pariz). V času zrelosti impresionizma (70. - prva polovica 80. let) ga je zastopala skupina umetnikov (Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro, A. Sisley, B. Morisot itd.). ), ki se je združil za boj za obnovo umetnosti in premagovanje uradnega salonskega akademizma in v ta namen v letih 1874-86 organiziral 8 razstav. Eden od ustanoviteljev impresionizma je bil E. Manet, ki ni bil član te skupine, ampak že v 60. - zgodnjih 70. letih. izvajal z žanrskimi deli, v katerih je na novo premislil kompozicijske in slikovne tehnike mojstrov 16.-18. v zvezi s sodobnim življenjem, pa tudi prizori državljanske vojne 1861-65 v Združenih državah Amerike, streljanje pariških komunarjev, ki jim daje akutno politično usmeritev.
Impresionizem nadaljuje delo, ki ga je začela realistična umetnost 40-60-ih. osvoboditev od konvencij klasicizma, romantike in akademizma, uveljavlja lepoto vsakdanje realnosti, preprostih, demokratičnih motivov, dosega živo pristnost podobe. Estetsko pomembno naredi pristno, sodobno življenje v njegovi naravnosti, v vsem bogastvu in bleščici njegovih barv, pri čemer ujame vidni svet v njegovi lastni nenehni spremembi, poustvari enotnost človeka in njegovega okolja. Na številnih slikah impresionistov (zlasti v pokrajinah in tihožitjih, v številnih večfiguralnih kompozicijah) je poudarjen prehodni trenutek neprekinjenega toka življenja, kot da bi ga po naključju ujel pogled, nepristranskost, moč in svežina. prvega vtisa so ohranjeni, kar omogoča ujeti edinstvenost in značilnost v tem, kar vidijo. Dela impresionistov odlikujejo veselje, navdušenje nad čutno lepoto sveta, vendar so v številnih delih Maneta in Degasa grenke, sarkastične note.
Impresionisti so prvič ustvarili večplastno sliko vsakdanjega življenja sodobnega mesta, ujeli izvirnost njegove pokrajine in videza ljudi, ki ga naseljujejo, njihov način življenja, dela in zabave. V pokrajini so (zlasti Sisley in Pissarro) razvili plenarna iskanja J. Constablea, šolo Barbizon, C. Corota in drugih, razvili celoten pleneristični sistem. V impresionističnih pokrajinah se preprost, vsakdanji motiv pogosto preoblikuje s premično sončno svetlobo, ki se giblje skozi vse, kar v sliko vnese občutek prazničnosti. Delo na sliki neposredno na prostem je omogočilo reproduciranje narave v vsej njeni trepetajoči resnični živahnosti, subtilno analiziranje in zajemanje njenih prehodnih stanj, ulov najmanjših barvnih sprememb, ki se pojavijo pod vplivom vibrirajočega in tekočega svetlobnega zraka. okolje (organsko združuje človeka in naravo), ki postane v impresionizmu samostojen predmet slike (predvsem v delih Moneta). Da bi ohranili svežino in raznolikost barv narave na slikah, so impresionisti (z izjemo Degasa) ustvarili slikovni sistem, ki ga odlikuje razgradnja kompleksnih tonov v čiste barve in medsebojno prepletanje jasnih ločenih potez. čista barva, kot bi se mešala v gledalčevem očesu, svetle in svetle barve, bogastvo valerjev in refleksov, barvne sence. Volumetrične oblike se tako rekoč raztopijo v ovojni svetlo-zračni lupini, dematerializirajo, pridobijo krhkost obrisov: igra različnih potez, pastoznih in tekočih, daje barvitemu sloju vznemirjenje, olajšanje; tako se ustvari nekakšen vtis nepopolnosti, oblikovanja podobe pred osebo, ki razmišlja o platnu. Tako pride do zbliževanja etide in slike, pogosto pa do zlitja večih. faze dela v enem neprekinjenem procesu. Slika postane ločen okvir, delček premikajočega se sveta. To pojasnjuje po eni strani enakovrednost vseh delov slike, ki se hkrati rojevajo pod umetnikovim čopičem in enakopravno sodelujejo pri figurativni konstrukciji del, po drugi strani pa navidezno naključnost in neravnovesje, asimetričnost kompozicije, drzni rezi figur, nepričakovani pogledi in kompleksni koti, ki aktivirajo prostorsko konstrukcijo.
Pri določenih metodah gradnje kompozicije in prostora v impresionizmu je opazen vpliv japonske gravure in deloma fotografije.
K portretu in žanru so se usmerili tudi impresionisti (Renoir, B. Morisot, deloma Degas). Žanr vsakdanjega življenja in akta v impresionizmu sta se pogosto prepletala s pokrajino (zlasti pri Renoirju); figure ljudi, osvetljene z naravno svetlobo, so bile običajno upodobljene pri odprtem oknu, v gazebu itd. Za impresionizem je značilna mešanica žanrske zvrsti s portretom, težnja po brisanju jasnih meja med žanri. Od začetka 80. let. nekateri mojstri impresionizma v Franciji so skušali spremeniti njegova ustvarjalna načela. Pozni impresionizem (sredina 80-ih - 90-ih) se je razvil med oblikovanjem "modernega" sloga, različnih smeri postimpresionizma. Za pozni impresionizem je značilen nastanek občutka za intrinzično vrednost umetnikove subjektivne umetniške manire, rast dekorativnih teženj. Igra odtenkov in dodatnih tonov v delu impresionizma postaja vse bolj prefinjena, pojavlja se težnja po večji barvni nasičenosti slik oziroma k tonski enotnosti; pokrajine so združene v niz.
Slikarski način impresionizma je imel velik vpliv na francosko slikarstvo. Nekatere značilnosti impresionizma je prevzelo salonsko-akademsko slikarstvo. Za številne umetnike je bil študij metode impresionizma začetna stopnja v oblikovanju lastnega umetniškega sistema (P. Cezanne, P. Gauguin, V. van Gogh, J. Seurat).
Ustvarjalni poziv k impresionizmu, preučevanje njegovih načel je bil pomemben korak v razvoju številnih nacionalnih evropskih umetniških šol. Na delo M. Liebermana, L. Corintha v Nemčiji, K. A. Korovina, V. A. Serova, I. E. Grabarja in zgodnjega M. F. Larionova v Rusiji, M. Prendergasta in M. Cassatta je vplival francoski impresionizem. v ZDA, L. Vychulkovsky na Poljskem , slovenskih impresionistov itd. Hkrati pa so se zunaj Francije prevzeli in razvili le nekateri vidiki impresionizma: nagovarjanje k modernim temam, pleneristični slikarski učinki, poudarjanje palete, skiciranje slikarskega sloga itd. Impresionizem" se uporablja tudi za kiparstvo 1880-1910, ki ima nekaj lastnosti, podobnih slikarstvu impresionizma - željo po prenosu trenutnega gibanja, pretočnosti in mehkobe oblik, namerno plastično nepopolnost. Impresionizem v kiparstvu se je najbolj nazorno pokazal v delih M. Rossa v Italiji, O. Rodina in Degasa v Franciji, P.P. Trubetskoya in A.S. Impresionizem v likovni umetnosti je vplival na razvoj izraznih sredstev v literaturi, glasbi in gledališču.
K. Pissarro. "Poštna kočija v Louveciennesu". Okoli 1870. Muzej impresionizma. Pariz.
(Vir: "Popular Art Encyclopedia."
impresionizem(francosko impressionnisme, iz impression - vtis), smer v umetnosti kon. 1860 - zgodaj. 1880 Najbolj jasno se kaže v slikarstvu. Vodilni predstavniki: K. Monet, O. Renoir, TO. Pissarro, A. Guillaumene, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte in J. F. Basil. Skupaj z njimi je E. Manet in E. Degas, čeprav sloga njihovih del ne moremo imenovati povsem impresionističnega. Ime "impresionisti" je skupina mladih umetnikov dobila po prvi skupni razstavi v Parizu (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley itd.), ki je povzročila hudo ogorčenje javnosti in kritikov. Ena od predstavljenih slik C. Moneta (1872) se je imenovala »Vtis. Sončni vzhod "(" L'impression. Soleil levant "), recenzent pa je umetnike posmehljivo imenoval" impresionisti "-" impresionirani ". Pod tem naslovom so slikarji nastopili na tretji skupni razstavi (1877). Nato so začeli izdajati revijo Impresionist, katere vsaka številka je bila posvečena delu enega od članov skupine.
Impresionisti so si prizadevali zajeti svet okoli sebe v njegovi nenehni spremenljivosti, pretočnosti, da bi svoje neposredne vtise izrazili odprto. Impresionizem je temeljil na najnovejših odkritjih optike in barvne teorije (spektralna razgradnja sončnega žarka na sedem barv mavrice); v tem je skladen z duhom znanstvene analize, značilnim za kon. 19. stoletje Vendar pa sami impresionisti niso poskušali opredeliti teoretičnih osnov svoje umetnosti, vztrajali so pri spontanosti, intuitivnosti umetnikovega dela. Umetniška načela impresionistov niso bila enotna. Monet je slikal pokrajine le v neposrednem stiku z naravo, na prostem (v plener) in celo zgradil delavnico za čolne. Degas je v delavnici delal po spominih ali s fotografijami. Za razliko od predstavnikov poznejših radikalnih gibanj umetniki niso presegli renesančnega iluzorno-prostorskega sistema, ki temelji na uporabi neposrednih perspektive... Trdno so se držali metode dela iz narave, ki so jo povzdignili v glavno načelo ustvarjalnosti. Umetniki so si prizadevali "slikati, kar vidiš" in "kot vidiš". Dosledna uporaba te metode je povzročila preoblikovanje vseh temeljev obstoječega slikovnega sistema: barva, sestava, prostorska gradnja. Čiste barve so bile na platno nanesene z majhnimi ločenimi potezami: večbarvne "pike" so ležale ena ob drugi in se mešale v pisan spektakel ne na paleti ali na platnu, ampak v očeh gledalca. Impresionisti so dosegli izjemno zvočnost barv, neprecenljivo bogastvo odtenkov. Razmaz je postal samostojno izrazno sredstvo, ki je napolnilo površino slike z živahno lesketajočo vibracijo barvnih delcev. Platno je bilo primerjano z mozaikom, ki se blešči v dragocenih barvah. V nekdanji poslikavi so prevladovali črni, sivi, rjavi odtenki; na platnih impresionistov so močno sijale barve. Impresionisti se niso prijavili chiaroscuro za prenos volumna so opustili temne sence, obarvane so postale tudi sence na njihovih slikah. Umetniki so pogosto uporabljali dodatne tone (rdeče in zelene, rumene in vijolične), katerih kontrast je povečal intenzivnost zvoka barve. Na Monetovih slikah so se barve posvetlile in raztopile v sijaju sončnih žarkov, lokalne barve so dobile številne odtenke.
Impresionisti so svet okoli sebe upodabljali v večnem gibanju, prehod iz enega stanja v drugo. Začeli so slikati serijo slik, ki so želeli prikazati, kako se isti motiv spreminja glede na čas dneva, osvetlitev, vremenske razmere itd. (cikli "Boulevard Montmartre" C. Pissarra, 1897; "Rouenska katedrala", 1893 - 95, in Londonski parlament, 1903-04, C. Monet). Umetniki so našli načine, kako na svojih slikah odsevajo gibanje oblakov (A. Sisley. "Louan pri Saint-Mamme", 1882), igro bleščanja sončne svetlobe (O. Renoir. "Swing", 1876), sunke vetra ( C. Monet. "Terasa v Saint-Adresse", 1866), potoki dežja (G. Caillebotte." Jer. Učinek dežja", 1875), padajoči sneg (C. Pissarro. Operni odlomek. Učinek snega ", 1898), hitri tek konj (E. Manet . "Horse Racing at Longchamp", 1865).
Impresionisti so razvili nova načela gradnje kompozicije. Prej so prostor slike primerjali z odrskim mestom, zdaj so ujeti prizori spominjali na posnetek, fotookvir. Izumljeno v 19. stoletju. fotografija je pomembno vplivala na kompozicijo impresionističnega slikarstva, zlasti v delu E. Degasa, ki je bil tudi sam strasten fotograf in je po lastnih besedah skušal ujeti balerine, ki jih je upodabljal, presenetiti, jih videti "kot če skozi ključavnico", ko so njihove poze, telesne linije naravne, ekspresivne in pristne. Nastajanje slik na prostem, želja po zajemanju hitro spreminjajoče se svetlobe so umetnike prisilili, da so pospešili svoje delo, napisali "alla prima" (v enem koraku), brez predhodnih skic. Razdrobljenost, »naključnost« kompozicije in dinamičen slog slikanja so v slikah impresionistov ustvarili občutek posebne svežine.
Najljubša impresionistična zvrst je bila pokrajina; portret je predstavljal tudi nekakšno »pokrajino obraza« (O. Renoir. »Portret igralke J. Samary«, 1877). Poleg tega so umetniki znatno razširili nabor zapletov v slikarstvu in se obračali na teme, ki so prej veljale za nevredne pozornosti: praznovanja, konjske dirke, pikniki umetniške boemije, zakulisje gledališkega življenja itd. Vendar pa so njihove slike nimajo podrobnega zapleta, podrobne pripovedi; človeško življenje je raztopljeno v naravi ali v ozračju mesta. Impresionisti niso pisali dogodkov, ampak razpoloženja, odtenke občutkov. Umetniki so v osnovi zavračali zgodovinske in literarne teme, izogibali so se upodabljanju dramatičnih, temnih plati življenja (vojne, katastrofe itd.). Umetnost so skušali osvoboditi izpolnjevanja družbenih, političnih in moralnih nalog, obveznosti ocenjevanja upodobljenih pojavov. Umetniki so poveličevali lepoto sveta, saj so lahko najbolj vsakdanji motiv (prenova sobe, siva londonska megla, dim parne lokomotive itd.) preoblikovali v očarljiv spektakel (G. Caillebotte. "Parket", 1875; C. Monet. "Postaja Saint-Lazare", 1877).
Leta 1886 je bila zadnja razstava impresionistov (O. Renoir in C. Monet nista sodelovala). Do takrat so se pokazala pomembna nesoglasja med člani skupine. Možnosti impresionistične metode so bile izčrpane in vsak od umetnikov je začel iskati svojo pot v umetnosti.
Impresionizem kot celostna ustvarjalna metoda je bil fenomen pretežno francoske umetnosti, vendar je delo impresionistov vplivalo na celotno evropsko slikarstvo. Želja po posodobitvi umetniškega jezika, poudarjanju barvite palete, izpostavljanju slikovnih tehnik je zdaj trdno vstopila v arzenal umetnikov. V drugih državah so bili impresionizmu blizu J. Whistler (Anglija in ZDA), M. Lieberman, L. Corinth (Nemčija), H. Sorolla (Španija). Vpliv impresionizma so doživeli številni ruski umetniki (V.A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar in itd.).
Poleg slikarstva je bil impresionizem utelešen v delu nekaterih kiparjev (E. Degas in O. Rodin v Franciji, M. Rosso v Italiji, P.P. Trubetskoy v Rusiji) v živem prostem modeliranju tekočih mehkih oblik, ki ustvarja kompleksno igro svetlobe na površini materiala in občutek nepopolnosti dela; poze ujamejo trenutek gibanja, razvoja. V glasbi dela C. Debussyja ("Jadra", "Meglice", "Odsevi v vodi" itd.) razkrivajo bližino impresionizma.
(Vir: "Umetnost. Moderna ilustrirana enciklopedija." Uredil prof. AP Gorkin; Moskva: Rosmen; 2007.)
Sopomenke:
Poglejte, kaj je "impresionizem" v drugih slovarjih:
IMPRESIONIZEM. I. v literaturi in umetnosti je opredeljena kot kategorija pasivnosti, kontemplacije in vtisljivosti, ki se v takšni ali drugačni meri nanaša na umetniško ustvarjanje ves čas ali periodično, v takšni ali drugačni obliki ... ... Literarna enciklopedija
impresionizem- a, m. impresionizem m. Nauk impresionističnih slikarjev. Bulgakov Hood. enz. Trend v umetnosti, katerega cilj je prenesti neposredne, subjektivne vtise realnosti. Ush. 1934. Zakaj npr. veliki ... ... Zgodovinski slovar ruskih galicizmov
- [fr. impressionnisme Slovar tujih besed ruskega jezika
Impresionizem- IPRESIONIZEM. Konec 19. stoletja je povezan z razcvetom impresionizma na vseh področjih umetnosti, zlasti v slikarstvu in književnosti. Sam izraz impresionizem izvira iz francoske besede impression, kar pomeni vtis. Pod tem ... ... Slovar literarnih izrazov
- (iz francoskega impression impression), smer v umetnosti zadnje tretjine 19. in začetka 20. stoletja. V francoskem slikarstvu se je oblikoval v 1860-ih in zgodnjih 70-ih letih. (E. Manet, C. Monet, E. Degas, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley). Impresionizem je trdil ... ... Sodobna enciklopedija
- (iz francoskega impression impression) smer v umetnosti zadnje tretjine 19. stoletja. 20. stoletja, katerega predstavniki so si prizadevali ujeti resnični svet v njegovi mobilnosti in spremenljivosti na najbolj naraven in nepristranski način, prenesti njihovo minljivost ... ... Veliki enciklopedični slovar
Na prelomu iz 18. v 19. stoletje se je v večini zahodne Evrope zgodil nov preskok v razvoju znanosti in tehnologije. Industrijska kultura je opravila ogromno delo pri krepitvi duhovnih temeljev družbe, premagovanju racionalističnih smernic in kultiviranju človeškega v človeku. Zelo močno je čutila potrebo po lepoti, po uveljavitvi estetsko razvite osebnosti, po poglabljanju resničnega humanizma, izvajanju praktičnih korakov za utelešenje svobode, enakosti in usklajevanja družbenih odnosov.
V tem obdobju je Francija preživljala težko obdobje. Francosko-pruska vojna, kratka krvava vstaja in padec Pariške komune so zaznamovali konec drugega cesarstva.
Po čiščenju ruševin, ki so ostale po strašnih pruskih bombnih napadih in silovite državljanske vojne, se je Pariz ponovno razglasil za središče evropske umetnosti.
Navsezadnje je postala prestolnica evropskega umetniškega življenja že v časih kralja Ludvika XIV, ko so bile ustanovljene Akademija in letne umetniške razstave, ki so dobile imena Salons - po tako imenovanem Square Salonu v Louvru, kjer je bil nov vsako leto so bila razstavljena dela slikarjev in kiparjev. V 19. stoletju bodo prav Saloni, kjer se bo odvijal oster umetniški boj, odkrili nove tokove v umetnosti.
Sprejem slike na razstavo, odobritev njene žirije na Salonu je bil prvi korak k javnemu priznanju umetnika. Od petdesetih let 19. stoletja so se saloni vse bolj spreminjali v veličastne recenzije del, izbranih zaradi uradnih okusov, kar je povzročilo celo izraz "salonska umetnost". Slike, ki v ničemer niso ustrezale temu nikjer predpisanemu, a strogi "standard" je žirija preprosto zavrnila. Tisk je na vse načine razpravljal o tem, kateri umetniki so bili sprejeti v Salon in kateri ne, tako da so skoraj vsako od teh letnih razstav spremenili v javni škandal.
Med letoma 1800 in 1830 so nizozemski in angleški krajinski slikarji začeli vplivati na francosko krajinsko slikarstvo in vizualno umetnost nasploh. Eugene Delacroix, predstavnik romantike, je v svoje slike vnesel novo svetlost barv in virtuoznost pisanja. Bil je občudovalec Constablea, ki si je prizadeval za nov naturalizem. Delacroixov radikalni pristop k barvi in njegovo tehniko nanašanja velikih potez barve za krepitev oblike so kasneje razvili impresionisti.
Za Delacroixa in njegove sodobnike so bile še posebej zanimive Constableove skice. Delacroix je s poskusom ujeti neskončno spremenljive lastnosti svetlobe in barve opazil, da v naravi »nikoli ne ostanejo negibni«. Zato so se francoskim romantikom navadili slikati v olju in akvarelu hitreje, nikakor pa ne površne skice posameznih prizorov.
Do sredine stoletja so bili najpomembnejši pojav v slikarstvu realisti, ki jih je vodil Gustave Courbet. Po letu 1850 je v francoski umetnosti desetletje prihajalo do neprimerljive razdrobljenosti stilov, ki so bili delno sprejemljivi, vendar jih oblasti nikoli niso odobrile. Ti eksperimenti so mlade umetnike potisnili na pot, ki je bila logično nadaljevanje že nastajajočih trendov, a se je javnosti in sodnikom Salona zdela izjemno revolucionarna.
Umetnost, ki je prevladovala v salonih, je praviloma odlikovala zunanja obrt in tehnična virtuoznost, zanimanje za anekdotne, zabavno pripovedane zgodbe sentimentalne, vsakdanje, lažne zgodovinske narave in obilo mitoloških zgodb, ki opravičujejo vse vrste. slik golega telesa. Bila je eklektična in zabavna, nenačelna umetnost. Zadevne kadre so pod okriljem Akademije usposabljali na Visoki šoli za likovno umetnost, kjer so celotno dejavnost vodili mojstri poznega akademizma, kot so Couture, Cabanel in drugi. Salonsko umetnost je odlikovala izjemna vitalnost, umetniška vulgarizacija, ki je duhovno združevala in prilagajala ravni filističnih okusov javnosti dosežke glavnih ustvarjalnih iskanj svojega časa.
Umetnosti Salona so nasprotovali različni realistični smeri. Njihovi predstavniki so bili najboljši mojstri francoske umetniške kulture tistih desetletij. Povezani so z delom realističnih umetnikov, ki v novih razmerah nadaljujejo tematske tradicije realizma v 40-50-ih letih. 19. stoletje - Bastien-Lepage, Lermitte in drugi. Pionirska realistična iskanja Edouarda Maneta in Augusta Rodina, akutno ekspresivna umetnost Edgarja Degasa in končno delo skupine umetnikov, ki so najbolj dosledno utelešali načela impresionistične umetnosti: Claude Monet, Pissarro, Sisley in Renoir. Prav njihovo delo je pomenilo začetek hitrega razvoja obdobja impresionizma.
Impresionizem (iz francoskega impression-impression), trend v umetnosti zadnje tretjine XIX - začetka XX stoletja, katerega predstavniki so skušali najbolj naravno in nepristransko ujeti resnični svet v njegovi mobilnosti in spremenljivosti, prenesti svoje bežne vtise. .
Impresionizem je predstavljal obdobje v francoski umetnosti v drugi polovici 19. stoletja in se nato razširil v vse evropske države. Preoblikoval je umetniške okuse, obnovil vizualno percepcijo. V bistvu je bil naravni nadaljevanje in razvoj realistične metode. Umetnost impresionistov je tako demokratična kot umetnost njihovih neposrednih predhodnikov, ne razlikuje med "visoko" in "nizko" naravo in popolnoma zaupa pričevanju očesa. Način »gledanja« se spreminja – postaja vse bolj nameren in hkrati bolj liričen. Povezava z romantiko se ruši - impresionisti se, tako kot realisti starejše generacije, želijo ukvarjati le s sodobnostjo, izogibajo se zgodovinskim, mitološkim in literarnim temam. Za velika estetska odkritja so imeli dovolj najpreprostejših, dnevno opazovanih motivov: pariške kavarne, ulice, skromni vrtovi, bregovi Sene, okoliške vasi.
Impresionisti so živeli v dobi boja med sodobnostjo in tradicijo. V njihovih delih vidimo radikalen in za tisti čas osupljiv prelom s tradicionalnimi načeli umetnosti, vrhunec, ne pa tudi konca iskanja nove podobe. Abstrakcionizem 20. stoletja se je rodil iz eksperimentov s takratno umetnostjo, tako kot so inovacije impresionistov zrasle iz dela Courbeta, Corota, Delacroixa, Constablea, pa tudi starih mojstrov, ki so bili pred njimi.
Impresionisti so opustili tradicionalno razlikovanje med etudo, skico in sliko. Delo so začeli in končali kar na prostem – na prostem. Tudi če so morali v delavnici kaj dokončati, so se kljub temu trudili ohraniti občutek ujetega trenutka in prenesti lahkotno zračno vzdušje, ki ovija predmete.
Plener je ključ njihove metode. Na tej poti so dosegli izjemno subtilnost zaznavanja; uspeli so v razmerjih svetlobe, zraka in barve razkriti tako očarljive učinke, ki jih prej niso opazili in brez slikanja impresionistov verjetno ne bi opazili. Nič čudnega, rekli so, da je londonske megle izumil Monet, čeprav impresionisti niso izumili ničesar, pri čemer so se zanašali le na pričevanje očesa, ne da bi jih mešali s predhodnim znanjem o upodobljenem.
Dejansko so impresionisti najbolj cenili stik duše z naravo in pripisovali velik pomen neposrednemu vtisu, opazovanju različnih pojavov okoliške resničnosti. Nič čudnega, da so potrpežljivo čakali na jasne, tople dni, da bi pisali na prostem na prostem.
Toda ustvarjalci nove vrste lepote si nikoli niso prizadevali za skrbno posnemanje, kopiranje, objektivno "upodobitev" narave. V njihovih delih ni le virtuozno ravnanje s svetom impresivnih nastopov. Bistvo impresionistične estetike je v neverjetni sposobnosti zgostitve lepote, poudarjanja globine edinstvenega pojava, dejstva in poustvarjanja poetike preoblikovane resničnosti, ogrete s toplino človeške duše. Tako nastane kvalitativno drugačen, estetsko privlačen svet, nasičen z poduhovljenim sijajem.
Zaradi impresionističnega dotika sveta se je vse, na prvi pogled, navadno, prozaično, trivialno, trenutno, preoblikovalo v poetično, privlačno, praznično, ki vse preseneča s prodorno magijo svetlobe, bogastvom barv, trepetajočim bleščanjem, vibracijami. zraka in oseb, ki izžarevajo čistost. V nasprotju z akademsko umetnostjo, ki se je opirala na kanone klasicizma - obvezna umestitev glavnih likov v središče slike, tridimenzionalnost prostora, uporaba zgodovinskega zapleta za namen zelo specifične semantična usmerjenost gledalca - impresionisti so prenehali deliti predmete na glavne in sekundarne, sublimne in nizke. Odslej večbarvne sence predmetov, kozolec, grm lila, množica na pariškem bulvarju, pisano tržno življenje, pralnice, plesalke, prodajalke, luč plinskih svetilk, železniška proga, bikoborbe, galebi, skale, potonike bi lahko utelešali na sliki.
Za impresioniste je značilno veliko zanimanje za vse pojave vsakdanjega življenja. A to ni pomenilo nekakšne vsejedosti, promiskuitete. V običajnih, vsakdanjih pojavih je bil izbran trenutek, ko se je harmonija okoliškega sveta najbolj izrazila. Impresionistični pogled na svet je bil izjemno odziven na najbolj subtilne odtenke iste barve, stanja predmeta ali pojava.
Leta 1841 je ameriški portretist John Goffrand s sedežem v Londonu prvič izumil cev, iz katere je iztisnil barvo, trgovca s barvami Winsor in Newton pa sta hitro skočila na to idejo. Pierre Auguste Renoir je po pričevanju svojega sina dejal: "Brez barv v tubah ne bi bilo Cezanna, Moneta, Sisleyja, Pissarra, ne enega izmed tistih, ki so jih novinarji kasneje poimenovali impresionisti."
Barva v tubah je imela konsistenco svežega olja, idealna za nanašanje na platno z debelimi pastozni potezami čopiča ali celo lopatice; obe metodi so uporabljali impresionisti.
Celotna paleta svetlih stabilnih barv se je začela pojavljati na trgu v novih tubah. Napredek kemije na začetku stoletja je prinesel nove barve, na primer kobalt modro, umetni ultramarin, rumeni krom z oranžno, rdečo, zeleno, nianso, smaragdno zeleno, beli cink, dolgo obstojno beli svinec. Do 1850-ih so imeli umetniki na voljo svetlo, zanesljivo in udobno paleto barv kot še nikoli doslej. .
Impresionisti niso mimo znanstvenih odkritij iz sredine stoletja o optiki, razgradnji barv. Komplementarne barve spektra (rdeča - zelena, modra - oranžna, lila - rumena), ko so sosednje, se medsebojno krepijo, pri mešanju pa zbledijo. Zdi se, da je vsaka barva, postavljena na belo ozadje, obdana z rahlim haloom komplementarne barve; na istem mestu in v sencah, ki jih oddajajo predmeti, ko jih osvetljuje sonce, se pojavi dodatna barva k barvi predmeta. Deloma intuitivno, deloma zavestno so umetniki uporabljali tovrstna znanstvena opažanja. Za impresionistično slikarstvo so se izkazale za še posebej pomembne. Impresionisti so upoštevali zakonitosti zaznavanja barv na daljavo in so, če je bilo mogoče, izognili mešanju barv na paleti, razporedili čisto pisane poteze tako, da se zlijejo v očesu gledalca. Svetle barve sončnega spektra so ena od zapovedi impresionizma. Zavrnili so črne, rjave tone, ker jih sončni spekter nima. Prenesli so sence z barvo, ne s črno, od tod mehka sijoča harmonija njihovih platna .
Na splošno je impresionistična vrsta lepote odražala dejstvo nasprotovanja duhovne osebe procesu urbanizacije, pragmatizma, zasužnjevanja občutkov, kar je privedlo do povečanja potrebe po popolnejšem razkritju čustvenega začetka, aktualizaciji. duhovnih lastnosti posameznika in vzbudil željo po bolj akutnem doživljanju prostorsko-časovnih značilnosti življenja.
test
1. Izvor impresionizma in njegovi utemeljitelji
Oblikovanje impresionizma se je začelo s sliko E. Maneta (1832-1893) "Zajtrk na travi" (1863). Novi slog slikanja ni bil takoj sprejet v javnosti, ki je umetnikom očitala, da ne znajo slikati, na platno so metale barve, strgane s palete. Tako so se Monetove rožnate katedrale v Rouenu - najboljše iz umetnikove serije slik ("Jutro", "S prvimi sončnimi žarki", "Opoldne") zdele neverjetne tako gledalcem kot kolegom umetnikom. Umetnik si katedrale ni želel predstavljati na platnu ob različnih urah dneva - tekmoval je z gotskimi mojstri, da bi gledalca absorbiral z razmišljanjem o čarobnih svetlobnih učinkih. Pročelje katedrale v Rouenu, tako kot večina gotskih katedral, skriva mistični spektakel svetlih barvnih vitražov, ki oživijo od sončne svetlobe. Osvetlitev v katedralah se spreminja glede na to, s katere strani sije sonce, oblačno ali jasno vreme. Ena od Monetovih slik svoj videz dolguje besedi "impresionizem". To platno je bilo res skrajni izraz inovativnosti nastajajoče metode slikanja in se je imenovalo "Sončni vzhod v Le Havru". Sestavljalec kataloga slik za eno od razstav je predlagal, da bi umetnik to poimenoval drugače, Monet pa je z izbrisom "v Le Havru" dal "vtis". In nekaj let po pojavu njegovih del so zapisali, da Monet "razkriva življenje, ki ga nihče ni mogel ujeti pred njim, o katerem ni nihče niti slutil." Monetove slike so začele opažati moteč duh rojstva nove dobe. Tako se je v njegovem delu pojavila »serialnost« kot nov slikarski fenomen. In opozorila je na problem časa. Umetnikova slika, kot je navedeno, iztrga iz življenja en »okvir« z vso svojo nedorečenostjo in nepopolnostjo. In to je dalo zagon razvoju serije kot zaporednih okvirjev. Poleg katedral v Rouenu Monet ustvarja serijo Gare Saint-Lazare, v kateri so slike med seboj povezane in se dopolnjujejo. Vendar je bilo nemogoče združiti "posnetke" življenja v en sam trak vtisov v slikarstvu. To je postala naloga kina. Zgodovinarji kinematografije verjamejo, da razlog za njen nastanek in široko širjenje niso bila le tehnična odkritja, temveč tudi prezgodnja umetniška potreba po gibljivi podobi, slike impresionistov, zlasti Moneta, pa so postale simptom te potrebe. Znano je, da je bil eden od zapletov prvega filmskega srečanja v zgodovini, ki sta ga leta 1895 priredila brata Lumiere, "Prihod vlaka". Lokomotive, železniška postaja in tirnice so bile predmet serije sedmih slik Moneta "Gare de Saint-Lazare", ki je bila razstavljena leta 1877.
Pierre Auguste Renoir (1841-1919) je skupaj s C. Monetom in A. Sisleyjem ustvaril jedro impresionističnega gibanja. V tem obdobju si je Renoir prizadeval razviti živahen, barvit umetniški slog s pernato potezo čopiča (znan kot Renoirjev mavrični slog); ustvarja različne čutne akte ("Kopalke"). V 80. letih v svojem delu vse bolj gravitira k klasični jasnosti podob. Predvsem je Renoir rad slikal otroške in mladostne podobe ter mirne prizore pariškega življenja ("Cvetje", "Mladič, ki se sprehaja s psi po gozdu Fontainebleau", "Vaza s cvetjem", "Kopanje na Seni", "Lisa z dežnikom", "Dama v čolnu, Jezdeci v Bois de Boulogne, Bal v Le Moulin de la Galette, Portret Jeanne Samary in mnogi drugi). Za njegovo delo so značilne svetle in prosojne pokrajine v slikarstvu, portreti, ki veličajo čutno lepoto in veselje bivanja. Toda Renoir ima naslednjo misel: "Štirideset let sem hodil proti odkritju, da je kraljica vseh barv črna barva." Renoirjevo ime je sinonim za lepoto in mladost, tisti čas v človekovem življenju, ko sta duševna svežina in razcvet telesne moči v popolni harmoniji.
Ameriško oblikovanje za organizacijo prostega časa in zabave na primeru muzejev sodobne umetnosti
Impresionizem
Na grebenu idej francoske revolucije se v francoski umetnosti dogajajo resne spremembe. Za mnoge umetnike realistična smer preneha biti standard in načeloma je zelo realistična vizija sveta zanikana ...
Impresionizem
Slike in platna velikih umetnikov impresionistične dobe so trenutno zelo cenjena in njihove cene na svetovnih dražbah dosegajo več sto tisoč dolarjev (evrov) ...
Impresionizem v ruskem slikarstvu poznega 19. - začetka 20. stoletja
Po V. Filippovu so za ruski impresionizem značilne naslednje značilnosti: manifestiral se je v pogojih "pospešenega razvoja", kar je povzročilo mešanje, zlitje in simbiozo različnih slogovnih trendov in njegovo razširjeno ...
Impresionizem v francoski kulturi 19. stoletja
Impresionizem je v drugi polovici 19. stoletja predstavljal celotno obdobje francoske umetnosti. Toda impresionisti se tudi niso predstavljali kot ustvarjalci nečesa povsem novega, še manj kot rušilci starega ...
Nadaljnji razvoj evropskega slikarstva je povezan z impresionizmom. Zdaj, ko je burna razprava o impresionizmu stvar preteklosti, si le redko kdo upal oporekati ...
Impresionizem in postimpresionizem v vizualni umetnosti
V Rusiji se je razvila zelo posebna situacija z impresionizmom. Na poti, ne da bi se poglabljali v rusko gradivo, si oglejmo to perspektivo ocen, ki je v splošni panorami izjemno uporabna. Lahko bi rekli ...
Impresionizem in postimpresionizem v vizualni umetnosti
V času zrelosti impresionizma (70. - 1. polovica 80. let) so ga zastopali Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, pa tudi Edouard Manet, Edgar Degai, nekateri drugi umetniki, ki so se pridružili njih ...
Impresionizem in postimpresionizem v vizualni umetnosti
V nasprotju z akademiki so »impresionisti opustili tematsko zadajo (filozofsko, moralno, religiozno, družbeno-politično itd.) umetnosti iz premišljenih, premišljenih in jasno začrtanih zapletov, tj.
Impresionizem in postimpresionizem v vizualni umetnosti
Zaradi samega načina dela na prostem je krajina, vključno z mestno pokrajino, ki so jo odkrili, zavzela zelo pomembno mesto v umetnosti impresionistov. Vendar ne bi smeli domnevati ...
Ko se je 15. aprila 1874 v Nadarjevem fotografskem ateljeju na Boulevard des Capucines odprla razstava del skupine mladih umetnikov, ki so se imenovali "Anonimna zadruga slikarjev, kiparjev, graverjev in litografov" ...
Impresionizem, njegove nacionalne značilnosti
Jedro skupine impresionistov, ki je sodelovalo na skupnih razstavah od 1874 do 1886. so bili Claude Monet, Pierre Auguste, Renoir, Camille Pissarro, Olfred Sisley, pridružila sta se jim mojstra starejše generacije Edgar Degas in Edouard Monet ...
Moralni in estetski pomen francoskega impresionističnega slikarstva
Narava je večna tema likovne umetnosti nasploh in slikarstva še posebej. Vendar se ta tematika uresničuje v številnih različicah, impresionisti so izbrali svojo, prav posebno pot ...
Ruska avantgarda kot trend v umetnosti: Malevič, Filonov, Kandinski
Kandinski Vasilij Vasiljevič (1866-1944), ruski in nemški umetnik, umetnostni teoretik in pesnik, eden od voditeljev avantgarde prve polovice 20. stoletja; postal eden od utemeljiteljev abstraktne umetnosti. Rojen v Moskvi 22. novembra (4. decembra) 1866 ...
Ustvarjalnost izjemnih mojstrov impresionizma
Zgodovina impresionizma kot umetniškega gibanja sega le v dve desetletji. Vendar pa je splošno znano, da so se umetniki našli že veliko pred razstavo leta 1874. Združilo jih je zanikanje zamrznjenih načel, ki jih je vsiljevala Akademija ...
Najpomembnejša področja modernizma, ki so vplivala na potek in razvoj umetnosti XX stoletja. povezati kubizem, abstraktna umetnost, dadaizem, nadrealizem, konstruktivizem v arhitekturi, dodekafonija in aleatorika v glasbi. Dela J. Joycea in M. Prousta so odločilno vplivala na razvoj književnosti. Veliko pozornosti namenjamo tudi impresionizmu kot prvi stopnji nastajanja modernizma. Ker sta kubizem in abstraktna umetnost dobro znana, se ne obravnavata posebej.
Že s kratkim opisom glavnih smeri in šol modernizma je mogoče vizualno predstaviti njegovo notranjo heterogenost in hkrati občutiti njegovo notranjo, globoko enotnost.
Seveda je treba upoštevati, da umetniška kultura prejšnjega stoletja ni omejena na modernizem. Ob njej je bila tudi umetnost, ki je nadaljevala tradicije prejšnje kulture, zlasti tradicije realizma, in pojavi vmesnega tipa, ki so združevali modernizem s tradicionalnimi oblikami umetnosti. Do začetka 30-ih let. obstajala je tudi povsem drugačna od modernizma, lahko bi rekli ravno nasprotna, umetnost zaprte družbe.
Impresionizem
Impresionizem je prag modernizma. To je začetek gibanja umetnosti od upodabljanja zunanjih predmetov do upodabljanja človeških občutkov in nato do upodabljanja njegovih idej.
Impresionizem (iz fr. vtis - vtis) je trend v vizualni umetnosti, književnosti in glasbi poznega XIX - začetka XX stoletja. Oblikoval se je v francoskem slikarstvu 60-70-ih let. XIX stoletja. Ime gibanja je nastalo po prvi razstavi umetnikov leta 1874, na kateri je bila razstavljena slika C. Moneta "Impression. Sunrise". Jedro prve skupine impresionistov so bili O. Renoir, C. Monet, C. Pissaro, Sisley, Degas in drugi.
Prevladujoči jod je znak romantike, impresionizem se ni nikoli popolnoma oddaljil od idealov slednjega. Na impresioniste so neposredno ali posredno vplivale takšne predstave o romantiki, kot so zavračanje pravil in zakonov v umetnosti, drzna razglasitev svobode za njen glavni in edini zakon, popolna osvoboditev občutkov, uvedba pojmov časa in gibanja. v umetnost, ideja samostojnosti in individualizma umetnika, romantične ideje o popolnosti umetniškega dela, ideje o osebi, ustvarjalnosti, lepem in grdem itd. Impresionizem je bil bolj trezen od romantike, a za to treznostjo se je še vedno skrivalo romantično ozadje.
Impresionizem je nestabilen in tekoč sistem, kombinacija romantike in »naturalizma«, razuma in občutka, subjektivnega in objektivnega, poezije in znanosti, svobode in strogega zakona, neomejenega impulza in njegovega omejevalnega okvira.
Eden od virov, ki je spodbudil impresionizem, je bila japonska barvna gravura, ki je bila široko prikazana leta 1867 v Parizu. V tem ni nič čudnega: celo romantika je znova (po rokokoju) pritegnila Evropejce na Vzhod. Strast do japonske umetnosti je bila tako moda kot eden od znakov tistega časa, ki se je odražal v okusu dobe. Baudelaire, Goncourt, Manet, Degas, Whistler so bili prvi poznavalci in zbiralci japonskih grafik, kimonov, lepil in porcelana. Kot piše J. Tugendhold, japonski grafiki niso imeli linearne geometrijske perspektive, ki jo je učila evropska akademija, ampak so imeli zračno perspektivo, v njih so se prebijali sončni žarki, jutranja megla se je vrtinčila in nežni oblaki pare in dima. plapolala. Japonci so prvi po svojem velikem instinktu razumeli, da narava ni skupek teles, ampak neskončna veriga večno spreminjajočih se pojavov. Bili so prvi, ki so upodobili cele serije iste pokrajine v različnih svetlobnih pogojih in v različnih letnih časih. To so bili "100 pogledov na goro Fuji" Hokusaija, "53 pogledov na postajo Tokaido" Hiroshigeja. Akademija je učila graditi kompozicijo, kot da bi umetnik razmišljal o prizoru, ki ga upodablja, sedel en obraz na balkonu gledališča in ga videl v vodoravnih linijah. Japonci pa so kompozicijo interpretirali, kot da bi bil umetnik protagonist upodobljene scene. Zato poševne črte prevladujejo nad vodoravnimi; zato imajo pogosto v ospredju cvetočo vejo ali drug detajl, ki zakriva celoto, čeprav je z njo harmonično povezan. Na primer z Japonci so francoski umetniki razumeli vso lepoto asimetrije, ves čar presenečenja, vso čarobnost podcenjevanja. Na zgledu Japoncev so se prepričali v čar svetlobnih skic, utrinkov, narejenih z več črtami in nekaj pikami.
Vpliv japonske umetnosti na impresionizem pa ne smemo pretiravati. Japonci za razliko od impresionistov nikoli niso slikali neposredno iz življenja. Vtisi impresionistov so izhajali iz neposrednega čutnega zaznavanja, pri Japoncih pa iz čustvenega doživetja v kombinaciji s stalnim upoštevanjem tradicionalnih metod.
T. Mann je impresionistično slikarstvo poimenoval "začarani vrt", s čimer je poudaril svojo predanost idealom zemeljskega življenja. Za estetska odkritja so imeli impresionisti dovolj skromnih kotičkov narave, bregov Sene, pariških ulic. Verjeli so, da je vsakdanje življenje lepo in umetnik ni potreboval prefinjenega ali izjemnega.
Impresionisti so svojo umetnost nasprotovali salonu in uradništvu, lepoto vsakdanje realnosti pompozni in pretenciozni lepoti salonskega slikarstva, ki temelji na akademskih načelih. Zavrnili so pisanje mitoloških zapletov, izogibali so se "literarnosti" (takrat je ta beseda prvič prišla v uporabo), zanje je bila povezana z lažnostjo salona, kjer so bile po G. de Maupassantu stene napolnjene s sentimentalnimi in romantičnimi, zgodovinskimi in neskromne slike, ki pripovedujejo, recitirajo, učijo in moralizirajo ali celo pokvarijo. Impresionisti so se izogibali sentimentalnosti, pretencioznosti, kakršnemu koli namernemu dvigovanju podobe. Z uveljavitvijo nove vizije sveta so demokratizirali idejo lepote.
Če primerjamo impresioniste z ruskimi popotniki, ki so se borili tudi proti salonsko-akademski umetnosti, lahko rečemo, da so bili rezultati povsem drugačni. Ruski popotniki so poleg lepote salona in lepote slikarstva nasploh zavračali vztrajnost predvsem pri moralnem in revolucionarnem pomenu umetnosti. Impresionisti, ki so zavračali sladkobno, sočno lepoto salona, niso opustili iskanja lepote kot take, temveč v drugih oblikah.
Pred impresionisti so umetniki, tudi tisti najbolj »slikoviti«, kar je bilo vidno na platnu, vedno dopolnjevali z znanim. Impresionisti pa so skušali ujeti trenutek letenja in se približevati čisti vidljivosti. Znanje se je umaknilo vtisu. Impresionizem je najprej sprememba in gibanje. Da bi predstavili trenutne preobrazbe sveta, so impresionisti skrajšali čas za ustvarjanje slike in jo čim bolj približali realnemu času upodobljenega naravnega pojava. Zahteve glede stopnje njegove popolnosti so bile povezane tudi s konceptom hitrosti nastanka dela.
Impresionizem je spremenil idejo ne samo o predmet slikanje, ampak tudi o slika.
Impresionistični slikarji si niso zadali posebnega cilja kot nepopolnost, skicirnost slike in goloto slikarske tehnike. Hkrati pa lahko z vidika zahtev po stopnji dodelave govorimo o dvojni nepopolnosti dela impresionistov. Prvič, to je zunanja ostrina zaključka, ki je pogosto vzbujala nezadovoljstvo sodobnikov. Drugič, nepopolnost kot odprtost celotnega slikovnega sistema, stalna zadržanost, časovna dolžina, tako rekoč elipsa na koncu fraze. Zaradi svojevrstne podcenjenosti slik impresionistov ga je težko nedvoumno opisati, vendar je v tem njihova vznemirljiva privlačnost. Če bi bilo treba izpeljati preprosto formulo impresionizma, bi lahko bila: "spremenljivost, dvojnost, reverzibilnost, podcenjevanje."
Ko je spremenil idejo o slikanju, je impresionizem dosegel posebno stopnjo aktiviranje gledalca (tudi tako, da ga draži z "nepopolnostjo"). Gledalec je postal tako rekoč sostorilec pri ustvarjanju podobe in umetnikov soavtor.
Sredi 80. let. XIX stoletja. začela se je kriza impresionizma. Številnim umetnikom, ki so se prej držali toka, se je njen obseg zdel preozek. Govorili so o tem, da načela impresionizma sliko prikrajšajo za intelektualno in moralno komponento. In čeprav v 90. impresionizem je pridobil široko priznanje, sovpadal je z začetkom njegovega razpada kot integralnega trenda in nastajanjem drugih smeri v njem. Nekateri so želeli nekako posodobiti impresionizem, drugi so na splošno iskali nove poti. Poetično slikarstvo impresionistov, njihovo živahno, svetlo dojemanje vsakdanjega življenja, sposobnost dajanja lirične barve njegovim spremenljivim, bežnim manifestacijam so začeli umikati drugim težnjam in razpoloženjem.
Tokovi, ki so poskušali modernizirati impresionizem, so pripadali zlasti neoimpresionizem (ali pointilizem). J. Seurat je razvil nenavadno tehniko, P. Signac pa je skušal teoretično utemeljiti nov trend. Razlike med neoimpresionizmom in impresionizmom so bile pomembne. Ločeni potezi čopiča, značilni za impresioniste, so se zmanjšali na pike; bilo je treba opustiti fiksacijo trenutka, saj slikarstvo, ki želi fiksirati trenutek, komajda ne more govoriti o večnem; zbledela v ozadje spontanost in naravnost vizije in podob, zanimanje za skrbno grajeno in premišljeno, enakomerno statično kompozicijo, prednost barve pred svetlobo. Umetnik pointilista, ki ustvarja kakršno koli obliko ali senco s pomočjo velikega števila točkovnih potez, ne potrebuje črt ali kontur. Globina slike je dosežena zaradi dejstva, da so predmeti spredaj večji in se postopoma zmanjšujejo, ko se odmikajo v perspektivo. Na daljavo se barvne pike optično združijo, kar daje presenetljivo naraven vtis svetlobe, sence, prehoda iz enega tona v drugega. Po Seuratu bi moral ne umetnik s svojim čopičem, ampak gledalčevo oko mešati barvne točke v živo optično lestvico.
Neoimpresionizem ni trajal dolgo. Izkazalo se je, da je nova tehnika polna negativnih vidikov. Nevtralizirala je umetnikovo osebnost. Poleg tega je neoimpresionizem oznanjal umetnikovo brezskrbnost in zavračal spontanost, značilno za impresionizem. Delo umetnikov pointilističnega dela je težko ločiti drug od drugega. Ko je to občutil, je C. Pissarro, ki ga je ta sistem sprva zanesel, nato uničil vsa svoja platna, narejena na ta način.
Obdobje, ki je trajalo od približno 1886 do 1906, se običajno imenuje postimpresionizem. Ta precej konvencionalen izraz označuje časovno obdobje, katerega meje določa na eni strani zadnja razstava impresionistov, na drugi strani pa čas pojava prvih pravih modernističnih gibanj, kot je fauvizem. in kubizem.
Paul Cezanne je imel zelo pomemben vpliv na oblikovanje umetnosti modernizma. Kot sodobnik impresionistov je pridigal diametralno nasproten pristop do narave: ne ujeti njenih minljivih stanj, ampak razkriti stabilno bistvo. Cezanne je impresionistični nestabilnosti in impresionističnemu »lepemu trenutku« nasprotoval zgoščeni materialnosti, trajanju stanja in poudarjeni konstruktivnosti. Cezannovo slikarstvo je močne volje, gradi sliko sveta, ko se gradi stavba. Podani so elementi: barva, volumetrična oblika, prostorska globina in ravnina slike. Iz teh preprostih načel Cézanne gradi svoje svetove, v katerih je nekaj impresivno veličastnega, kljub majhnosti njegovih platna in skromnemu naboru tem (gora Saint-Victoire v Aixu, ribnik z mostom, hiše, pečine, jabolka in vrč na prtu).
Cezanne je bil pretežno slikar za slikarje. Nihče od naslednjih umetnikov se ni izognil njegovemu vplivu, čeprav je za večino nepoklicnih gledalcev težko in na prvi pogled dolgočasen v svoji zunanji monotonosti: nima ne zanimivih tem, ne lirike, ne palete, ki boža oko .
V stabilnem, gostem oranžno-zeleno-modrem razponu Cezanne svoje pokrajine klesa z barvami. V njih ni »razpoloženja«, a redka pokrajina drugega umetnika ohranja sosesko z njimi na isti steni. V pokrajinah Cezanne raje visoko obzorje, tako da prostor zemlje sovpada z ravnino platna; spreminja načrte, posplošuje množice. Celo odseve v vodi naredi masivne, arhitektonične. V ničemer ne prepozna amorfnosti in v naravi vidi močne formativne sile. Za Cézanna je slikarstvo plastični koncept vidnega, koncept, ne posnemanje. Koncept izhaja iz razrešitve protislovij med lastnostmi narave in lastnostmi slike. Narava je v nenehnem gibanju in spreminjanju, medtem ko je slika statična, umetnikova naloga pa je, da gibanje pripelje do stabilnosti in ravnovesja. V naravi - neskončna raznolikost muhastih oblik, človeški duh jih nagiba k zmanjšanju na nekaj, enostavnejših. Cezanne svetuje: "... Naravo obravnavaj skozi valj, kroglo, stožec." Cézanneovi zvezki so res nagnjeni k poenostavitvi, saj ne želi iluzorno uničiti letala. Njegov cilj je prevesti naravne pojave v jezik slikovnih kategorij, pri tem pa paziti, da se ohrani občutek ravnine, sintetizira z občutkom volumna in globine. To doseže s posebno organizacijo prostora, včasih se zateče k deformacijam in premikom ter združuje več zornih kotov na upodobljene predmete v eni kompoziciji.
V Cezannovih tihožitjih je površina mize tako rekoč prevrnjena na gledalca, kar potrjuje ravnino slike, sadeži, ki ležijo na mizi, pa so prikazani iz drugega zornega kota. "Prikovani" na ravnino, kot da se nahajajo drug nad drugim, so okrogle količine sadja zaznane z dvojno intenzivnostjo, sami plodovi pa so videti monumentalno, nedotaknjeni. Ob tem umetnik zanemarja teksturo predmetov: njegova jabolka niso ena tistih, ki bi jih radi jedli, zdi se, da so narejena iz neke trde, hladne in goste snovi, tako kot vrč in celo prt. .
Za razliko od impresionistov je Cezanna bolj kot spremenljiva igra svetlobe in sence privlačila materialnost in veličina oblike. Impresionisti so v ospredje postavili zahtevo po dokončanju slike v enem zamahu, da bi imeli čas, da na platnu popravijo "takojšnji" občutek. Cezanne pa se je na izbrano mesto raje večkrat vrnil in ustvaril bolj dodelano in »umetno« podobo. Impresionisti, ki so poskušali "ujeti trenutek", so se zatekli k mehkim, zračnim potezam, Cezanne je uporabil močne samozavestne poteze, zaradi česar so njegova platna postala bolj obsežna. V svojem zavračanju slepega sledenja zakonom linearne perspektive je Cézanne šel še dlje. V prizadevanju, da bi na ravnem platnu upodobil tridimenzionalni svet, je popačil proporce in perspektivo, če je to zahtevalo določeno kompozicijsko načelo.
Cezanne je uspel ustvariti poseben umetniški jezik. Ideja, da slika ni okno, odprto v svet (renesansa), temveč dvodimenzionalna ravnina s svojimi zakoni slikovnega jezika, je postala osrednja v avantgardnem slikarstvu 20. stoletja. Ni naključje, da se je Picasso imenoval "Cézannov vnuk".
V Cezannovem slikarstvu je bila težnja po neskladju med plastičnimi (slikativnimi) in človeškimi vrednotami: po njegovih iskanjih so se gora, jabolko, harlekin, kadilec itd. izkazali za enakovredne v pravicah. Cezanne ni prepoznal umetniških odnosov, ki so bili v nasprotju z njegovimi. Japonska umetnost ga ni niti najmanj zanimala. Dekorativnost, stilizacija, odprta barva, kontura, ki so pritegnile številne njegove sodobnike, so mu povzročile negativen odnos. Pa tudi »literarni duh« in žanr, pod vplivom katerega po Cezannu umetnik »lahko odstopi od svojega resničnega poklica – konkretnega študija narave«. Ni mu bil všeč ne Gauguin ne Van Gogh; zdelo se je, da Toulouse-Lautreca sploh ni opazil.
Delo Toulouse-Lautreca je ironično, a tudi človeško. Ne »stigmatizira razvade«, je pa tudi ne predstavlja kot slano jed: oboje izključuje občutek pripadnosti, umetnikove vpetosti v ta svet – tudi on je podoben njim, »ni slabši ne boljši. " Za Lautrečevo umetniško govorico je značilna živa značilnost podobe, izraza in skrajne lakoničnosti. Radostno je slikal plakate. Njegov dekorativni dar, lapidaren izraz je to zvrst povzdignil na višino prave umetnosti. Med utemeljitelji "uporabne grafike" sodobnega mesta - plakatov, plakatov, oglasov - je Lautrec na prvem mestu.
V samo petih letih dela je V. Van Gogh ustvaril okoli 800 slik in nešteto risb; večina jih je nastala v zadnjih dveh ali treh letih njegovega življenja. Zgodovina slikarstva česa takega ni poznala. Van Gogh ni črpal navdiha le iz idej impresionizma, temveč tudi iz japonske gravure, ki mu je pomagala, da se je od naturalizma oddaljil na bolj ekspresiven in jasen način. Postopoma postaja barva na njegovih slikah vse bolj drzna, način pa - svobodnejši, bolj energičen, ki umetniku pomaga, da na platno prenese občutke, ki ga preplavljajo. Za razliko od simbolistov in P. Gauguina, na katerih delo je vplival simbolizem, Van Gogh nikoli ni napisal izmišljenega sveta: slikanje »neverjetnih bitij« ga preprosto ni zanimalo, njegove slike so imele vedno trdno realistično osnovo. Van Gogh je vedno delal iz narave, nekaj platna, ki jih je napisal po nasvetu Gauguina, po spominu ali domišljiji, se je izkazalo za šibkejše. "Izražati se" je za Van Gogha pomenilo izražanje čustev, misli, asociacij, ki izhajajo iz tega, kar je videl in opazoval: ljudi, naravo, stvari.
Intenzivno iskanje višjega smisla življenja, ki ni nikoli zapustilo Van Gogha, določa tisto redko kombinacijo dramatike in prazničnosti, ki je zaznamovala njegovo zrelo delo. Prežeta je s trpljivim užitkom pred lepoto sveta, polna čustvenih kontrastov. To pride do izraza v slikovnem jeziku, ki temelji na kontrastnih barvnih sozvočjih in je bolj izrazit kot kdaj koli prej. Van Goghov slikoviti rokopis vam omogoča, da pridete v neposreden stik z umetnikom, začutite njegovo strast in visoko intenzivnost duše. K temu pripomore tudi visok tempo dela, ki je jasno izražen na njegovih slikah - potezi s čopičem kot bič, pisani strdki, neskladni cikcaki, ki zvenijo kot ubežni vzklik. Slike pričajo tudi o drastičnih spremembah umetnikovega razpoloženja; kot religiozen človek je nekoč opazil, da je svet, ki ga je ustvaril Bog, le njegova neuspešna skica.
- cm:. Dmitrieva N.A. Kratka zgodovina umetnosti. M., 1993. Št. III. S. 55-56.
- Glej: Ibid. str. 83.
