Pop glasba zavzema pomembno mesto v ruski množični kulturi in dogodki zadnjih desetletij kažejo, da pop glasba kot najbolj priljubljena oblika umetnosti igra pomembno vlogo v javnem življenju in postaja priljubljeno sredstvo izražanja kulturnih potreb in vrednote različnih segmentov družbe. Ker je pop glasba ena najbolj družbeno odzivnih in mobilnih oblik umetnosti, bo preučevanje tega fenomena pripomoglo k boljšemu razumevanju duhovnih procesov, ki se dogajajo v družbi.

V začetku prejšnjega stoletja se je gramofonski posel v Rusiji krepil - število tovarn in tovarn, ki proizvajajo plošče, se je povečalo, njihova kakovost se je izboljšala, repertoar pa se je razširil. V bistvu je nastajala nova industrija, ki ni bila podobna nobeni drugi znani industriji. Tesno prepleta probleme tehnične in ustvarjalne, komercialne in pravne narave. Pri snemanju plošč, ki so ga organizirali trgovci z gramofoni, so sodelovali skladatelji, pesniki, pevci, orkestri in zbori, kupisti in pripovedovalci. Atmosfera studiev je spominjala na gledališko zakulisje z vsemi gledališkimi atributi. Znanim pevcem - ponosnim in nedostopnim, ki se zavedajo svoje vrednosti - so bile ponujene pogodbe z vljudnostjo, značilno za vsakega proizvajalca-podjetnika, v pričakovanju uspeha pri javnosti in dobre zbirke. Zvezde druge velikosti in napol sestradane gostujoče izvajalce so pozdravljali drugače. Okoli roga so vrele strasti in spletale se spletke - to je bila spodnja plat gramofonskega posla.
Zbirateljstvo je začelo postajati modno: v domovih premožnih meščanov so bile gramofonske knjižnice s sto in več sobami.

Najpogostejši izraz, ki se je pojavil že dolgo pred pojmom zabavne glasbe, je bil »raznovrstna predstava«, vendar ne kot ime koncertne ustanove, temveč kot označba cele vrste umetnosti. Če se obrnemo na zgodovino nastanka pojma "variety show", potem lahko njegov izvor najdemo v programih zabavnih dejanj, prikazanih v kavarnah in restavracijah v industrijskih območjih Anglije konec 18. stoletja. Sama beseda "raznolikost" v prevodu iz francoščine pomeni pestrost, raznolikost. Ta izraz je začel združevati vse umetniške in zabavne oblike. Raznolikost je namreč tista, ki je značilna za nastope umetnikov na sejmih, v glasbenih dvoranah, v koncertnih kavarnah, v kabaretih, čeprav, kot je mogoče ugotoviti z nadaljnjo analizo, to sploh ni glavno in značilno. to področje umetnosti.

V začetku 20. stoletja so se v Rusiji odprle vse vrste majhnih gledališč in na tem ozadju se je začel uporabljati drug koncept - varietejski oder, ki je označeval zabavne koncertne predstave na odprtih površinah. Danes bi morali kot splošen pojem, ki združuje vse zvrsti umetnosti zlahka dojemljivih žanrov, sprejeti pojem »varietetska umetnost« (ali krajše varietejska umetnost), ki se v ruski umetnostni zgodovini uporablja že sto let.
Že v prvem desetletju 20. stol. izraz "raznolikost" začne utripati v tisku ne samo v takrat splošno sprejetem pomenu - "odriščad, vzpetina, na primer za glasbo" - ampak tudi v razširjeni obliki, vključno z vsemi, igralci, pisatelji, pesniki, ki se pojavljajo na tej »platformi«. Na straneh avtoritativne revije "Golden Fleece" za leto 1908 je bil objavljen članek "Estrada". Njen avtor je premeteno videl antinomijo, ki se poraja pred vsakim, ki stopi na oder:

a) oder je nujen za razvoj in ohranjanje sposobnosti ter za oblikovanje umetnikove osebnosti;

b) oder škoduje obema.

Avtor je »pogubnost« videl v želji igralcev po uspehu za vsako ceno, prilagajanju okusom množične javnosti in spreminjanju umetnosti v sredstvo obogatitve, vir življenjskih dobrin. Podobni pojavi so namreč značilni za sodobno pop glasbo, zato v našem delu uvajamo tak pojem, kot je »varietetski nastop«, to je igranje »za javnost«, želja, da bi za vsako ceno pritegnili pozornost gledalca, kar v odsotnost izvajalcev pravega talenta, okusa in občutka za mero, pogosto vodi v pogubnost, o kateri je govoril avtor omenjenega članka. Pojavili so se drugi članki, ki so obravnavali oder kot fenomen nove urbane kulture. Navsezadnje mesto v tem obdobju postopoma slabi človeško odvisnost od naravnih danosti (predvsem od menjave letnih časov), kar vodi v pozabo koledarske in obredne folklore, v časovni premik praznikov, njihovo desemantizacijo in deritualizacije, do njihovega prehoda v "ceremonialno" obliko, po P.G. Bogatyreva, do odločilne prevlade besednih oblik nad neverbalnimi. V teh istih letih (1980-1890) se je v Rusiji pojavila množična kultura, ki posledično reproducira številne generične lastnosti tradicionalne folklore, za katere je značilen socialno-prilagodljivi pomen del, njihov prevladujoč anonimnost in prevlada stereotipa v njihovi poetiki; sekundarne zapletne motivacije v pripovednih besedilih itd. Vendar pa se množična kultura močno razlikuje od tradicionalne folklore po svoji ideološki »policentričnosti«, povečani zmožnosti tematske in estetske internacionalizacije svojih izdelkov in »on-line« reprodukcije v obliki identičnih kopij, nepredstavljivih za ustno ustvarjalnost.
Na splošno je v Rusiji za urbano sceno poznega 19. in zgodnjega 20. stoletja značilna odvisnost od občinstva, ki mu je namenjena. V skladu s tem je razpon pop oblik - od "salonskih" do najbolj "demokratičnih" - izjemno širok in se razlikuje tako po naravi "odra" kot vrsti izvajalcev, da ne omenjam repertoarja. In vendar lahko sklepamo, da se je izraz »varieteta« na začetku 20. stoletja še vedno uporabljal zgolj funkcionalno: kot »estradni repertoar«, »pop petje« itd., torej ne le kot definicija platforma, kjer se dogaja dogajanje, pa tudi kot element glasbeno zabavnega spektakla.

Zaradi potrebe, ki se je pojavila po oktobru po podržavljenju »vseh vrst varietej« in majhnih zasebnih podjetij, številnih posameznih igralcev, pa tudi majhnih, pogosto družinskih skupin ipd., se je pojem estrade uveljavil kot oznaka za ločena umetnost. Skozi desetletja se bodo v Sovjetski Rusiji in nato v ZSSR razvijali in spreminjali sistemi upravljanja te umetnosti, ustvarjala se bodo različna združenja in zapletene večstopenjske oblike neodvisne podrejenosti. V sovjetski estetiki je vprašanje neodvisnosti pop umetnosti ostalo sporno. Vrstno prakso so urejali različni predpisi in podjetja. »Boj« s satiro, rusko in romsko romantiko, z jazzom, rockom, stepom ipd. je umetno poravnal linijo razvoja odra, vplival na razvoj žanrov in na usodo posameznih umetnikov.

V Veliki sovjetski enciklopediji za leto 1934 je bil objavljen članek, posvečen dejstvu, da je pop glasba področje malih oblik umetnosti, vendar se ni dotaknil vprašanja žanrske sestave pop glasbe. Pozornost torej ni bila posvečena toliko estetski kot morfološki vsebini tega izraza. Te formulacije niso naključne, odsevajo sliko iskanj 30-ih in 40-ih let, ko se je obseg odra skoraj brezmejno razširil. V teh letih, kot piše E. Gershuni, je »pop oder glasno potegoval za enakost z »veliko« umetnostjo ...«. Prvič, to je posledica pojava v sovjetski Rusiji predhodnika sodobne umetnosti PR - družbene tehnologije upravljanja z množicami. V bistvu je množični zabavljač (običajno lokalni sindikalni aktivist) prevzel ideološki nadzor ne le nad prazniki, ampak tudi nad vsakdanjikom. Seveda niti en praznik ni minil brez pop koncerta. Treba je opozoriti, da je sam množični zabavljač v vsakdanjem življenju praviloma imel smisel za raznolikost. Navsezadnje mora biti vedno v središču pozornosti, zabavati in zabavati občinstvo.

V procesu razvoja sovjetske umetnosti se je vsebina izraza "varieteta" še naprej spreminjala. Pojavil se je koncept pop arta, ki je bil opredeljen kot »zvrst umetnosti, ki združuje t.i. male oblike dramaturgije, dramska in vokalna umetnost, glasba, koreografija, cirkus.«

Ruska glasbena industrija se je začela razvijati leta 1901. Pravzaprav ni šlo za povsem rusko, temveč za francosko industrijo v Rusiji: podjetje Pathé Marconi je odprlo svojo podružnico v Rusiji in začelo tiskati plošče. Tako kot je bil v Evropi prvi posneti pevec Enrique Caruso, je bil v Rusiji prvi tudi svetovno znani operni pevec - Fjodor Šaljapin. In prve ruske plošče so bile, tako kot v Evropi, s klasično glasbo.

Glasbena slika predrevolucionarne Rusije je bila celostna. Akademska glasba in zabavna glasba sta organsko sobivali v enem kulturnem prostoru, kjer se je pop glasba razvijala v splošnem prevladujočem toku romanskih besedil (ki odražajo njeno raznolikost in razvoj) in plesne kulture svojega časa. Posebno mesto je zavzel folklorni del odra - zbor Pyatnitsky, izvajalci ljudskih pesmi - L. Dolina, ljudske pesmi - Krivopolenova in Prozorovskaya. Po porazu prve revolucije (1905) so bile priljubljene pesmi iz zapora, težkega dela in izgnanstva. V žanru aktualnih verzov in glasbene parodije so umetniki nastopali v različnih vlogah: "fraki" - za modno publiko, "lapotniki" - za kmete, "umetniki raztrganega žanra" - za mestno dno. Popularni plesni ritmi so prodrli v zavest ljudi s pomočjo salonskih in mestnih godb na pihala, specializiranih za izvajanje plesne glasbe. V salonih in studiih so se učili tangi, fokstroti, šimiji in dvostepi. Prve predstave A. Vertinskega v žanru glasbenih in pesniških kratkih zgodb segajo v leto 1915.

Razcvet ruskega odra je potekal v ozadju brez primere rasti novega sredstva "množičnega obveščanja", kot so gramofonske plošče. Med letoma 1900 in 1907 je bilo prodanih 500 tisoč gramofonov, letna naklada plošč pa je dosegla 20 milijonov kosov. Poleg lahke glasbe so predstavili tudi veliko klasike (Chaliapin, Caruso).
S solisti so tekmovali priljubljeni zbori D. Agrenev-Slavyansky, I. Yukhov in drugi, ki so izvajali pesmi v "ruskem slogu" ("Sonce vzhaja in zahaja", "Ukhar the Merchant" itd.). tekmovali z ruskimi zbori balalajki, rogisti, guslarji.

V 10. letih prejšnjega stoletja so zasloveli prvi resnično folklorni izvajalci, kot je ansambel M. Pjatnickega. V gledališčih in kabaretih v Sankt Peterburgu in Moskvi nastopajo umetniki z »intimnim« slogom francoskih šansonjerjev (A. Vertinsky). Do konca 19. stoletja je prišlo do jasne delitve pesmi na »filharmonično« (klasična romanca) in »variete« (ciganska romanca, stara romanca, razpoloženjske pesmi). V začetku 20. stoletja so se začele širiti množične pesmi, ki so jih prepevali na političnih shodih in demonstracijah. Ta pesem naj bi več desetletij postala vodilna vrsta sovjetske pop pesmi.

Po letu 1917 so se razmere začele spreminjati. Ideološka država je fenomen, ki še ni povsem spoznan in ne do konca raziskan. Revolucija je duhovno temeljila na ideji, ki je bila na silo vcepljena v družbo in je ljudem odvzela pravico do izbire, ki je to izbirala namesto njih. A človek je tako zgrajen, da se njegova zavest vsemu navkljub upira temu, kar se mu vsiljuje, tudi z najboljšimi nameni. Država se je odločila, da »potrebuje« klasiko, »potrebuje« sovjetsko pesem, »potrebuje« folkloro. In nezavedno so tudi mojstrovine klasične glasbe začele dojemati kot del državnega ideološkega stroja, katerega cilj je nevtralizacija posameznika, raztapljanje individualnega "jaza" v monolitni "mi".

Pop glasba je pri nas najmanj ideološki del glasbenega procesa. Nehote je postala edini izhod za sovjetske ljudi, nekaj podobnega dihu svobode. Ta glasba v glavah navadnega človeka ni nosila ničesar poučnega, privlačnega za naravne občutke, ne zatiranja, ne moraliziranja, ampak preprosto komuniciranje s človekom v njegovem jeziku.

Če je na sedežu pred menoj kakšen previsok moški, se mi začne zdeti, kot da imam težave s sluhom. Vsekakor pa taka glasba zame ni več pop. Zgodi pa se tudi, da je dogajanje na odru jasno vidno, a kljub temu ne postane dejstvo poparta; navsezadnje nekateri umetniki in režiserji vse svoje napore osredotočajo na ugajanje naših ušes, malo pa jim je mar za naše oči. Še posebej pogosto naletite na podcenjevanje spektakularne plati pop arta v glasbenih zvrsteh, vendar simptome iste bolezni lahko opazite pri umetniškem branju in pri zabavljačih.

»No,« pravite, »spet govorimo o že davno znanih stvareh, da mnogim pop izvajalcem manjka odrske kulture, da so njihove številke včasih brez plastične izraznosti in vizualno enolične.«

Dejansko se vse te resne pomanjkljivosti, ki jih umetnost raznolikosti še ni premagala, pogosto pojavljajo v ocenah, v problematičnih člankih in v ustvarjalnih razpravah. Do neke mere se jih bomo dotaknili v tem članku. Vendar pa bi rad zastavil vprašanje širše. Bistvo tukaj očitno ni samo pomanjkanje spretnosti kot take. Ta pomanjkljivost vpliva tudi na tiste pop zvrsti, ki nagovarjajo le vizijo. Akrobati, žonglerji, iluzionisti (tudi najboljši med njimi, veliki mojstri svoje obrti) največkrat grešijo z enako vizualno monotonostjo, pomanjkanjem plastične kulture. Vse sorte žanra se praviloma zmanjšajo na menjavo znotraj dejanja približno enega kroga izvedenih trikov in tehnik. Klišeji, ki se razvijajo leto za letom (na primer akrobatski moški par, visok in nizek, ki dela v počasnem tempu, izvaja gibe moči, ali melanholični žongler, oblečen v smoking s cigaro in klobukom itd.), samo utrjujejo in legitimirajo. spektakularne poverty pop zvrsti. Tradicije, ki so nekoč živele, postanejo okovi za razvoj umetnosti.

Navedel bom primer dveh žonglerjev - zmagovalcev nedavnega 3. vseruskega tekmovanja pop umetnikov. I. Koževnikov, nagrajen z drugo nagrado, razstavlja pravkar opisani tip žonglera: kegljad, cigara, palica sestavljajo paleto predstave, izvedene z brezhibno spretnostjo. E. Shatov, dobitnik prve nagrade, dela s cirkuškim aparatom - ostrižem. Na koncu je ozka prozorna cev s premerom teniške žogice. Shatov z ravnotežjem na glavi vrže žoge v cev. Vsakič, ko ostriž raste, postopoma doseže skoraj deset metrov višine. Z vsakim novim odsekom predstave postane izvedba številke vizualno ostrejša in izrazitejša. Končno postane dolžina ostriža tolikšna, da se ne prilega višini odra (tudi tako visoko kot v Varieteju). Žongler pride na sprednji del odra in balansira nad glavami gledalcev v prvih vrstah. Žoga poleti navzgor, se skoraj izgubi na ozadju stropa in konča v cevi. Ta številka je poleg izredne čistosti, s katero je izvedena, izjemna v tem, da vizualno lestvico, ki se od časa do časa spreminja, tisti, ki sedijo v dvorani, zaznavajo v popolni enotnosti. Zaradi tega je spektakularen učinek izjemen. Poleg tega gre za specifično pop zabavo. Predstavljajte si Shatovovo številko na televiziji ali v filmih! Da ne omenjamo dejstva, da je v vnaprej posnetem televizijskem ali filmskem pripetljaju izključen element nepredvidenosti (zaradi tega oder in cirkus ne bosta nikoli organska na platnu!), konstantnost obsega, ki jo narekuje nespremenljivost velikosti platna in oddaljenosti našega gledalca do njega bo prikrajšala Shatovovo sobo in njene čare.

Šatovljeva umetnost (v veliko večji meri kot recimo dejanje Koževnikova) izgubi, če se prenese v sfero druge umetnosti. To je prvi dokaz njegove prave raznolikosti. Če je tak prenos mogoče zlahka opraviti brez očitnih izgub, lahko mirno rečemo, da delo in njegov avtor grešita proti zakonom pop arta. Posebej razkriva glasbene in govorne zvrsti pop radia. Številne naše pop pevce je najbolje poslušati na radiu, kjer jim ni treba iskati plastičnega ekvivalenta izvajane melodije. Pred radijskim mikrofonom se pevka, za katero je oder prava muka, počuti odlično. Nasprotno, pop pevec po naravi doživlja določene neprijetnosti na radiu: omejuje ga ne le pomanjkanje stika z občinstvom, ampak tudi dejstvo, da je veliko odtenkov izvajanja, ki so prisotni v vizualni plati glasbe. slika bo odsotna v zvoku. To seveda pomeni izčrpanost učinka. Spominjam se prvih posnetkov pesmi Yvesa Montanda, ki jih je Sergej Obrazcov prinesel iz Pariza. Koliko globlji in pomenljivejši se je izkazal umetnik sam, ko smo ga videli med petjem na odru: čaru glasbe in besed se je dodal čar igralca, ki ustvarja najbolj ekspresivno plastičnost človeške podobe. Stanislavski je rad ponavljal: gledalec gre v gledališče zaradi podteksta, besedilo lahko bere doma. Nekaj ​​podobnega lahko rečemo za oder: gledalec želi videti predstavo z odra, lahko se nauči besedila (in celo glasbe), medtem ko ostane doma. Vsaj ob poslušanju radia. Se na primer splača iti na koncert, da bi slišal Jurija Fedorishcheva, ki se na vso moč trudi obnoviti izvedbo pesmi Mississippi Paula Robesona? Mislim, da bi bil Fedorishchev veliko bolj uspešen pri doseganju cilja na radiu. Ob poslušanju »Misisipija« na radiu bi se lahko čudili, kako natančno so bile ujete glasbene intonacije črnskega pevca, hkrati pa ne bi imeli priložnosti opaziti popolne plastične vztrajnosti Fedorishcheva, ki je v nasprotju z izvirnikom.

Režiserji programa, v katerem sem slišal Fedoriščeva, so poskušali popestriti vizualno monotonost njegovega petja. Med izvedbo francoske pesmi Alone at Night, pred verzom, v katerem se začne civilna tema - tema boja za mir, luči v dvorani nenadoma ugasnejo in ostane le rdeča osvetlitev ozadja. V najbolj patetičnem delu pesmi, ki zahteva svetle igralske prijeme, se gledalec znajde prisiljen postati le poslušalec, saj vidi le črno negibno silhueto na temno rdečem ozadju. Tako režija, ki skuša predstavo popestriti za občinstvo, dela resnično »medvedjo uslugo« izvajalcu in delu kot celoti. Osupljiva pomanjkljivost svetlobne tehnike, ki je v zgoraj opisanem primeru povzročila premik poudarkov, je ena od bolezni našega odra. Sistem svetlobnih učinkov je zgrajen bodisi na preprostem ilustrativnem principu (z rdečo barvo je zagotovo povezana tema boja za mir, nič manj!) ali na principu salonske lepote (želja po »predstavitvi« izvajalca). ne glede na umetniško vsebino dejanja, njegov slog) . Posledično še vedno niso izkoriščene najbolj zanimive možnosti osvetlitve. Enako velja za kostum: le redkokdaj služi za popestritev vizualne podobe. Če obstajajo dobre tradicije pri uporabi kostuma kot sredstva za poudarjanje izvora vloge (recimo žametni suknjič z lokom N. Smirnova-Sokolskega ali mimičen kostum L. Engibarova), potem je preprosta in hkrati pomaga razkriti sliko kostum je izjemno redek Pred kratkim sem imel priložnost biti priča, kako je neuspešno izbran kostum močno oslabil vtis, ki ga je naredila številka. Govorimo o Kapigolini Lazarenko: svetlo rdeča obleka z velikimi vrvi je omejila pevko in očitno ni ustrezala nežni, lirični pesmi »Vrni se«.

Osvetlitev, kostum in mizanscena so trije stebri, na katerih sloni spektakularna plat varieteje. Vsaka od teh tem je vredna posebne razprave, česar pa moj članek seveda ne more zahtevati. Tu se bom dotaknil le tiste plati specifične pop mizanscene, ki je ni mogoče ustrezno poustvariti na TV in kino platnih. Oder ima svoje zakone prostora in časa: bližnji plan, kot kamere, montaža v kinu (in na televiziji), ki kršijo enotnost teh kategorij oziroma njihovo celovitost, ustvarjajo nov prostor in nov čas, ne v vsakem primeru. način, primeren za oder. Na odru gre za konstanten kader, saj se razdalja od nastopajočega do vsakega od gledalcev nekoliko razlikuje, le toliko, kolikor se igralec lahko pomakne globoko v oder. Enako velja o montaži: nastaja na odru (če se le pojavlja) znotraj celote, ki je na odru nenehno prisotna. Ta montaža se lahko ustvari z osvetlitvijo (tehnika, ki se uspešno uporablja v predstavah estradnega studia Moskovske državne univerze), ali pa se zgodi v umu gledalca. Preprosto povedano, v svojem dojemanju vizualne podobe izloči določene dele, celoto pa še naprej ohranja v svojem vidnem polju.

Da ne bom videti neutemeljen, bom navedel primer. Predstava "Naš dom je vaš dom" estradnega studia Moskovske državne univerze. Ta skupina izvaja zelo zanimivo iskanje ekspresivnosti spektakla. Hkrati se lirična poezija ali alegorija, ki temelji na asociativnih povezavah, pogosto izkaže za glavni element zgodbe. Pomembno pa je poudariti, da tako poezija kot alegorija v studiskih predstavah prehajata v obliko figurativnega, vizualnega pripovedovanja zgodb (na primer naslikani geometrijski liki v eni od številk pomagajo razkriti satirični pomen mnogih pomembnih pojmov). V prizoru, ki pripoveduje o organiziranju prostega časa za mladino (»Mladinski klub«), štirje demagogi-kričači, sedeči kot na tribuni, na štirih masivnih podstavkih, izmenoma izgovarjajo drobce fraz, ki skupaj sestavljajo neverjetno abrakadabro prazno klepetanje in birokracija. Gledalčeva pozornost se v hipu prenese z enega kričača na drugega: govorec svoje besede pospremi s kretnjo (včasih v zapletenem kontrapunktu z besedo), ostali pa ostanejo negibni. Predstavljam si ta prizor posnet v filmu. Zdi se, da njeno besedilo in mizanscena nespremenljivo napovedujeta prihodnjo montažo. Vsaka vrstica je posnetek od blizu. Mitralješki rafal bližnjih posnetkov, pripomb, gest. Toda potem sta dve pomembni izgubi. Prvič, pomanjkanje spremljave za vsako vrstico: zamrznjene poze drugih likov. In drugi je, da vse vrstice spremenimo v izmenjujoče se fraze, ne da bi svojo pozornost preusmerili z enega znaka na drugega. Kontrapunkt, ki v tem prizoru postane avtorjevo najmočnejše orožje, v filmu neizogibno izgine.

Napačno bi bilo reči, da je neskladje, kontrapunkt med besedo in podobo lastnost samo poparta. Poznan je tako na gledališkem odru kot na platnu. Toda načini za dosego tega učinka so povsod različni. In na odru so zelo pomembni. Tu se izpostavi kontrapunkt, prikazan je kot premišljen spopad nasprotij, z namenom sprožiti iskrico smeha. Navedel bom primer izvajalcev, ki nenehno, leto za letom, izpopolnjujejo svoje obvladovanje tega vrstnega orožja. Mislim na vokalni kvartet "Yur" (Yu. Osintsev, Yu. Makoveenko, Yu. Bronstein, Yu. Diktovich; režiser Boris Sichkin). V pesmi Poslovna potovanja poje kvartet, medtem pa se roke umetnikov spreminjajo v potne liste (odprta dlan) in institucionalne znamke (stisnjena pest), lepijo se znamke, deli denar itd. Vse to se ne zgodi. v obliki iluzije besedila, vendar vzporedne z njo, včasih le sovpadajoče, večinoma pa v kontrapunktnem nizu. Posledično iz nepričakovanega trka besed in kretenj nastane nov, nepričakovan pomen. Na primer, poslovni potniki, ki potujejo v različne smeri, nimajo kaj početi, razen da igrajo domine na vlaku. Roke, ki mešajo domine, »prekrivajo« besedilo, ki pravi, da se denar ljudi nepremišljeno troši za službena potovanja. Zaradi tega je gesta rok, ki v zraku mešajo namišljene kosti, zelo zgovorna.

Zadnje delo kvarteta Televizija je nedvomno njegov največji ustvarjalni uspeh v uporabi likovno-izpovednih sredstev na odru. Pri tem člani kvarteta nastopajo enako kot parodisti, kot bralci, mimiki in kot dramski igralci. Poleg tega izkazujejo izjemno koreografsko spretnost: z eno besedo, priča smo sintetični zvrsti, v kateri se beseda, glasba tesno prepletajo s pantomimo, plesom itd. Še več, svoboda kombiniranja in hipni prehodi iz enega medija v simpatijo drugega. je tako velik, kot je lahko samo v pop artu. Med potekom številke v parodiji prehajajo skoraj vsi žanri, ki obstajajo na svetu.
televizija. Njihova menjava, pa tudi sprememba sredstev, ki jih uporabljajo umetniki, ustvarja zelo slikovit spektakel. Raznovrstnost nedvomno sodi med spektakularne oblike umetnosti. Obstaja pa veliko uprizoritvenih umetnosti: gledališče, kino, cirkus in zdaj tudi televizija, ki razkrivajo velik estetski potencial. Kakšna so razmerja znotraj te skupine umetnosti? Zdi se, da pop teater še vedno ostaja v okvirih gledališke umetnosti, čeprav ima veliko podobnosti z nekaterimi drugimi oblikami. Seveda gledališče (razumljeno v širšem pomenu besede) nenehno spreminja svoje meje, ki na nek način postajajo pretesne za oder. Vendar nekatere lastnosti pop arta kljub pomembnemu razvoju ostajajo nespremenjene. Sem spadajo predvsem načela vizualne organizacije oblike varieteja. In če govorimo o obliki, potem glavna stvar v sodobni pop glasbi (vključno z nekaterimi glasbenimi žanri) ostaja podoba.

V tem članku ni bilo mogoče obravnavati vseh vidikov teme. Moja naloga je bila skromnejša: opozoriti na nekatere teoretske probleme pop umetnosti, ki v veliki meri določajo njen položaj med drugimi umetnostmi in pojasnjujejo naravo ustvarjalnih iskanj naših pop mojstrov. Teoretična pravila, kot vemo, ostajajo pravila, ki so zavezujoča za vse do dneva, ko pride bister inovativni umetnik in podira meje, ki so se še včeraj zdele nepremostljive. Danes smo priča sintetičnim žanrom zabavne umetnosti: kanoni preteklosti ne vzdržijo pritiska novih odkritij. Pomembno je opozoriti, da spremembe, ki se dogajajo, temeljijo na nenehno spreminjajočem se, a v osnovi neomajnem principu odra kot spektakla.

A. VARTANOV, kandidat umetnostne zgodovine

Revija Sovjetski cirkus. marec 1964

Vstopnica številka 30. Variteje. Moderne značilnosti in trendi.

Pokaži – to je poseben očarljiv spektakel, katerega semantična in zapletna stran izgine v korist spektakularne predstavitve vtisov (zaplet je v učinkih "zabrisan", program predstave mora biti zgrajen na nenehnem spreminjanju vtisov in svetlem spektaklu tehnike izraznih sredstev.

Šovbiznis kot izraz se v strokovni literaturi pojavlja od sredine 80. let. XX stoletje in nadomestil prej obstoječi koncept "sovjetskega odra". Izraz "varieteta" se je pojavil v ruski umetnostni zgodovini v začetku prejšnjega stoletja in je združil vse vrste umetnosti zlahka zaznavnih žanrov.

Za varietejsko umetnost je značilno odprtost, lakonizem,

improvizacija, prazničnost, izvirnost, zabava. Pop glasba, ki se je razvijala kot umetnost prazničnega preživljanja prostega časa, je vedno težila k izvirnosti in raznolikosti. Občutek prazničnosti je bil ustvarjen zaradi zunanje zabave, igre svetlobe, menjave slikovite kulise, preobrazbe odrskega prostora itd.

V kontekstu prehoda v odprto demokratično družbo ima potrošnik možnost izbire. Trend sodobna predstava je naslednja: hitro spreminjajoči se okusi javnosti zahtevajo trdo delo menedžerjev, umetnikov in producentov.

Produkt kulturne dejavnosti je že predmet »nakupa in prodaje«, tj. nastanejo ekonomsko upravičena razmerja in odkar stopi oder v svet posla, za to potrebuje profesionalce, ljudi, ki znajo organizirati posel tako, da prinaša dobiček ne samo umetniku, skupini, podjetju, ampak tudi državi ( v obliki davkov). Trenutno se šovbiznis razvija po zakonih trga. Reševanje vprašanj, povezanih z upravljanjem osebja in uporabo njegovega potenciala, ki vnaprej določa uspeh pri doseganju cilja, je zelo pomembno.

Torej, sodobna predstava je veličasten odrski spektakel, v katerem sodelujejo pop zvezde, cirkuški, športni, jazz orkester, balet na ledu itd. Poudarek predstave se premakne k zunanjim učinkom, namenjenim polepšanju vsebine dogajanja.

Pri upravljanju šovbiznisa se uporablja veliko različnih metod, pristopov in tehnik, namenjenih ustvarjanju pogojev za učinkovito delo. Tako lahko izpostavimo značilnosti sodobne oddaje:

1. Prisotnost "zvezde".

Koncept "zvezde" je nastal v dobi kinematografije, ko so bili filmski igralci brez imena, gledalci pa so like, ki so jim bili všeč, klicali po imenih filmov, pa tudi po njihovih zunanjih značilnostih ("človek z žalostnimi očmi", " dekle s kodri« itd.). Gledalci so začeli napadati filmske produkcijske hiše in jih spraševati po priimkih, imenih in raznih biografskih podatkih igralcev, ki so jim všeč. Vodja ameriškega podjetja IMP Carl Laemmle je bil prvi, ki je priljubljenost igralke Florence Lawrence izkoristil za privabljanje občinstva v kinematografe s širjenjem govoric o njeni smrti. Tako je vzbudil veliko zanimanje javnosti in igralko čez noč spremenil v ameriško filmsko zvezdo.

Tako je bil položen začetek "zvezdnega sistema". Zgledu IMP-ja so sledile tudi druge filmske hiše. Število "zvezd" je začelo hitro naraščati. Postanejo blagajniška vaba tako za kinematografijo kot za glasbeno industrijo, gledališče, manekenske oddaje itd.

Bistvo pojma "zvezda" je v tem, da izvajalec, ki jim je všeč, vzbuja simpatije med občinstvom in ga zato želijo videti, želijo mu biti podobni. Potrošnik (gledalec, poslušalec) ni omejen le na ogled idola, želi vedeti vse o njem, vključno s podrobnostmi iz njegovega osebnega življenja. Ta vidik je v veliko pomoč pri ustvarjanju "zvezd", saj velja za znak velike priljubljenosti, kar pomeni, da se honorarji "zvezdnikov" povečujejo. Privabljanje »zvezde« k sodelovanju v šovu, manekenski oddaji, filmu, muzikalu, gledališki produkciji ali snemanju albuma je zagotovilo za povpraševanje in polno dvorano.

Prve gledališke predstave so nekoč uprizarjali kar na ulici. V bistvu so predstave uprizarjali potujoči umetniki. Znali so peti, plesati, se oblačiti v različne kostume, upodabljati živali. Vsak je delal tisto, kar je najbolje znal. Nova oblika umetnosti se je postopoma razvijala, igralci so izpopolnjevali svoje sposobnosti.

Prvo gledališče na svetu

Beseda gledališče v prevodu iz grščine pomeni prostor za uprizarjanje spektaklov in spektakel sam. Prva tovrstna kulturna ustanova naj bi nastala v Grčiji. To se je zgodilo v V-IV stoletju pred našim štetjem. e. To obdobje je bilo imenovano "klasično". Zanj je značilna harmonija in ravnovesje v vseh elementih in komponentah. Starogrško gledališče je nastalo iz čaščenja različnih bogov.

Dionizovo gledališče je najstarejša gledališka zgradba. Boga vina, vegetacije in narave so stari Grki zelo častili. Dionizu so bili posvečeni kultni obredi, ki so se postopoma razvili v prave tragedije in komedije. Obredna praznovanja so se spremenila v prave gledališke predstave. Struktura je bila prostor na prostem. Gledalci so sprva sedeli na lesenih sedežih. je bil v stari Grčiji tako cenjen, da so oblasti dajale denar revnim državljanom za predstave. Poročenim ženskam je bilo prepovedano gledati produkcije.

Prvi tempelj umetnosti je imel tri glavne dele:

• orkester - nastopili so plesalci in pevski zbor;
• avditorij - nahaja se okoli orkestra;
• Skena, kjer so bili prostori za umetnike.

Ni bilo zavese ali običajnega odra, vse ženske vloge pa so igrali moški. Igralci so med eno predstavo večkrat zamenjali vloge, zato so morali odlično plesati in peti. Videz igralcev je bil spremenjen z uporabo mask. Poleg stavbe je bil Dionizov tempelj.

Antično gledališče je postavilo temelje in bistvo sodobnega. Najbližjo zvrst lahko imenujemo dramsko gledališče. Sčasoma se je pojavilo vse več različnih žanrov.

Gledališke zvrsti

Gledališke zvrsti v sodobnem svetu so tako raznolike. Ta umetnost združuje literaturo, glasbo, koreografijo, vokal in vizualno umetnost. Izražajo različna čustva in situacije. Človeštvo se nenehno razvija. V zvezi s tem se pojavljajo različni žanri. Odvisni so od države, iz katere izvirajo, od kulturnega razvoja prebivalstva, od razpoloženja občinstva in njegovih potreb.

Naštejmo nekaj vrst žanrov: drama, komedija, monodrama, vodvilj, ekstravaganca, parodija, mimika, farsa, moralna igra, pastorala, muzikal, tragikomedija, melodrama in druge.

Zvrsti gledališke umetnosti med seboj ne morejo tekmovati. Vsaka na svoj način sta zanimiva. Gledalci, ki obožujejo operno gledališče, z nič manjšim veseljem obiščejo gledališče komedije.

Najbolj priljubljene vrste gledaliških žanrov so drama, komedija, tragikomedija, muzikal, parodija in vodvilj.

V drami lahko vidite tako tragične kot komične trenutke. Vedno je zelo zanimivo opazovati igralce, ki delajo tukaj. Vloge tega žanra so težke in zlahka vključijo gledalca v empatijo in analizo.

Komične predstave imajo glavni cilj nasmejati občinstvo. Za norčevanje iz določenih situacij se morajo tudi igralci potruditi. Konec koncev jim mora gledalec verjeti! Komedijske vloge je prav tako težko igrati kot dramske. Element satire olajša gledanje predstave.

Tragedija je vedno povezana s konfliktno situacijo, o čemer govori produkcija. Ta žanr je bil eden prvih, ki se je pojavil v stari Grčiji. Tako kot komedija.

Muzikal ima veliko oboževalcev. To je vedno svetla akcija s plesom, pesmimi, zanimivim zapletom in dozo humorja. Drugo ime tega žanra je glasbena komedija. V ZDA se je pojavil konec 19. stoletja.

Sorte

Vrste gledališč so neposredno povezane z žanri, ki so v njih predstavljeni. Čeprav ne izražajo toliko žanra kot oblike igranja. Naštejmo jih nekaj:

• operno;
• dramatičen;
• otroški;
• avtorsko;
• gledališče enega človeka;
• gledališče svetlobe;
• glasbena komedija;
• gledališče satire;
• pesniško gledališče;
• plesno gledališče;
• pop;
• robotsko gledališče;
• balet;
• živalsko gledališče;
• gledališče za invalide;
• podložnik;
• igra senc;
• gledališče pantomime;
• pevsko gledališče;
• ulica.

Gledališče Opera in balet

Opera in balet sta se v Italiji pojavila v času renesanse. Prvi se je pojavil v Benetkah leta 1637. Balet se je v Franciji pojavil kot posebna gledališka zvrst, ki se je preoblikovala iz plesov na dvorih. Zelo pogosto so te vrste gledališč združene na enem mestu.

Opera in balet spremljata simfonični orkester. Glasba postane sestavni del teh produkcij. Prenaša razpoloženje in vzdušje vsega, kar se dogaja na odru, in poudarja predstave igralcev. Operni pevci delujejo z glasom in čustvi, baletni plesalci pa vse prenašajo skozi gib. Opera in balet sta vedno najlepši gledališki ustanovi. Nahajajo se v najbogatejših mestnih stavbah z edinstveno arhitekturo. Razkošna oprema, lepa zavesa, velike jame za orkestre - tako je videti od znotraj.

Dramsko gledališče

Tu je glavno mesto namenjeno igralcem in režiserju. Oni so tisti, ki ustvarjajo osebnost likov in se spreminjajo v potrebne podobe. Direktor posreduje svojo vizijo in vodi ekipo. Dramsko gledališče imenujemo gledališče »doživetij«. K. S. Stanislavsky je svoja dela pisal med študijem dela dramskih igralcev. Uprizarjajo ne samo predstave - igre s kompleksnimi zapleti. Dramsko gledališče ima na repertoarju komedije, muzikale in druge glasbene predstave. Vse produkcije temeljijo samo na dramski literaturi.

Gledališče za vsak okus

Glasbeno gledališče je kraj, kjer si lahko ogledate katero koli od gledaliških dejanj. Gosti opere, komedije, operete, muzikale in vse tiste predstave, ki vsebujejo veliko glasbe. Tu delajo baletni plesalci, glasbeniki in igralci. Glasbeno gledališče združuje operno, baletno in operetno gledališče. Vsaka vrsta gledališke umetnosti, povezana s pop ali klasično glasbo, lahko najde svoje oboževalce v tem gledališču.

Lutkovna predstava

To je posebno mesto. Tu se potopite v svet otroštva in veselja. Dekoracija tukaj je vedno barvita in pritegne pozornost najmlajših gledalcev. Lutkovno gledališče je pogosto prvo gledališče, ki ga otroci obiščejo. In od tega, kakšen vtis naredi na neizkušenega gledalca, je odvisen otrokov prihodnji odnos do gledališča. Različne gledališke akcije temeljijo na uporabi različnih vrst lutk.

Igralci lutkarji se v zadnjem času ne skrivajo za paravani, temveč komunicirajo z lutkami na odru. Ta ideja pripada slavnemu S.V. Obraztsovu. Na roko si je nadel rokavično lutko z imenom Tyapa in na odru vrhunsko igral miniature v vlogi svojega očeta.

Začetki tovrstnega gledališča segajo daleč nazaj v staro Grčijo. Pri ustvarjanju lutk za obrede ljudje niso vedeli, da se bo to razvilo v pravo umetnost. Lutkovno gledališče ni le uvod v umetnost, ampak tudi metoda psihološke korekcije za najmlajše.

Gledališče Komedija

Združeni igralci, ki znajo peti in plesati. Z lahkoto se morajo navaditi na komične like in se ne bati biti smešni. Zelo pogosto lahko vidite »Gledališča drame in komedije«, »Gledališča glasbene komedije«. Združevanje več žanrov v enem gledališču ne moti ohranjanja njegovega okusa. Repertoar lahko vključuje operete, satirične komedije, muzikale, drame in glasbene produkcije za otroke. Ljudje z veseljem hodijo v gledališče komedije. Dvorana je vedno polna.

Varitejsko gledališče

Dopolnjevanje vrst gledališč relativno nedavno. In občinstvo ga je takoj vzljubilo. Prvo pop gledališče se je pojavilo sredi prejšnjega stoletja. Postalo je gledališče v Leningradu, ki se je odprlo leta 1939. Leta 2002 so ga poimenovali »Estradno gledališče po imenu. A. I. Raikin." Med varieteje spadajo sodobni pevci, plesalci in voditelji. Estradni umetniki so zvezde šovbiznisa, plesalci in showmani, kot se jim zdaj reče.

Variteje pogosto prirejajo samostojne koncerte, koncerte, posvečene nekaterim nepozabnim datumom, in predstave sodobnih avtorjev. Humoristi tukaj prirejajo koncerte, uprizarjajo komične igre in izvajajo klasična dela. Glasbeno gledališče lahko ponudi podobne predstave.

Satirično gledališče

Občinstvo imamo zelo radi! Od svojega videza odraža življenje meščanov, prikazuje vse pomanjkljivosti in se jim posmehuje. Igralci so bili vedno znani na pogled, igrali so odlične komične vloge ne samo na odru, ampak tudi v filmih. Satirična gledališča so bila vedno v ospredju tistih, ki jim je bilo prepovedano uprizarjati določene produkcije. To je bila posledica cenzure. Z zasmehovanjem negativnih plati človeškega vedenja je bilo pogosto mogoče prestopiti mejo dovoljenega. Prepovedi so pritegnile samo še več gledalcev. Veličastni gledališki igralci satire, ki so znani: A. A. Mironov, Olga Aroseva, Spartak Mishulin, Mikhail Deržavin, Alexander Shirvindt. Zahvaljujoč tem ljudem so gledališča vzljubila satirična gledališča.

Sčasoma se pojavijo vrste gledališč, ki so ali že zdavnaj pozabljene ali popolnoma drugačne od vsega, kar obstaja.

Novi trendi

Nove vrste umetniških templjev presenetijo najbolj prefinjenega gledalca. Pred kratkim se je na Poljskem pojavilo prvo robotsko gledališče. V njem nastopajo igralci roboti, ki svoja čustva izražajo z očmi in gestami. Uprizoritve so trenutno namenjene otroškemu občinstvu, vendar nameravajo nosilci projekta repertoar nenehno širiti.

Poleti gledališke predstave potekajo zunaj. To je postalo že tradicija. Letos so številni festivali potekali na prostem. Tik ob gledališčih so bili zgrajeni mali odri, na katerih so se predstave v celoti izvajale. Tudi operni in baletni umetniki že presegajo gledališče, da bi pritegnili čim več gledalcev.

Stopnja- vrsta odrske umetnosti, ki vključuje tako ločen žanr kot sintezo žanrov: petje, ples, izvirna predstava, cirkuška umetnost, iluzije.

POP glasba- vrsta zabavne glasbene umetnosti, namenjena najširšemu poslušalstvu.

Največji razvoj je ta zvrst glasbe doživela v 20. stoletju. Običajno vključuje plesno glasbo, različne pesmi, dela za pop-simfonične orkestre in vokalno-instrumentalne zasedbe.

Pogosto se pop glasba identificira z obstoječim konceptom »lahke glasbe«, torej lahko razumljive, dostopne javnosti. V zgodovinskem smislu lahka glasba vključuje klasična dela, ki so preprosta po vsebini in so pridobila univerzalno priljubljenost, na primer igre F. Schuberta in J. Brahmsa, F. Lehárja in J. Offenbacha, valčki J. Straussa in A. K. Glazunova, "Mala nočna serenada" W. A. ​​Mozarta.

Na tem obsežnem in tudi značajsko in estetsko izjemno raznolikem področju glasbene ustvarjalnosti se na eni strani uporabljajo enaka izrazna sredstva kot v resni glasbi, na drugi pa svoja, specifična.

Izraz "pop orkester" je predlagal L. O. Utesov v poznih 40. letih, kar je omogočilo ločitev dveh pojmov:
sama pop in jazz glasba.

Sodobna pop glasba in jazz imata številne skupne značilnosti: prisotnost stalnega ritmičnega utripanja, ki ga izvaja ritemska sekcija; pretežno plesni značaj del, ki jih izvajajo pop in jazz skupine. Toda če je za jazzovsko glasbo značilna improvizacija, posebna ritmična lastnost je swing in so oblike sodobnega jazza včasih precej težko zaznavne, potem pop glasbo odlikuje dostopnost glasbenega jezika, melodije in izjemna ritmična preprostost.

Ena najpogostejših vrst pop instrumentalnih skladb je pop simfonični orkester (ESO) ali simfonični jazz. V naši državi je nastanek in razvoj ESO povezan z imeni V. N. Knushevitsky, N. G. Minkha, Yu V. Silantyev. Repertoar pop simfoničnih orkestrov je izjemno obsežen: od izvirnih orkestrskih iger in fantazij na znane teme do spremljave popevk in operet.

Poleg nepogrešljive ritem sekcije in polne trobilne sestave big banda (skupina saksofonov in skupina trobil) ESO vključuje tradicionalne skupine glasbil simfoničnega orkestra – pihala, rogove in godala (violine, viole, violončela). Razmerje skupin v ESO je blizu simfoničnega orkestra: prevladuje godalna skupina, kar je posledica pretežno melodičnosti glasbe za ESO; Veliko vlogo imajo pihala; Sam princip orkestracije je zelo podoben tistemu, ki je sprejet v simfoničnem orkestru, čeprav prisotnost nenehno utripajoče ritem sekcije in aktivnejša vloga trobilne sekcije (in včasih saksofonov) včasih spominjata na zvok jazzovskega orkestra. Pomembno koloristično vlogo v ESO imajo harfa, vibrafon in timpani.

ESO so pri nas zelo priljubljeni. Njihovi nastopi so predvajani na radiu in televiziji, največkrat izvajajo filmsko glasbo in sodelujejo na velikih pop koncertih in festivalih. Mnogi sovjetski skladatelji pišejo glasbo posebej za ESO. To so A. Ya. Eshpai, I. V. Yakushenko, V. N. Chromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter-letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubashevsky, A. V. Kalvarsky in drugi.

Žanr zabavne glasbe vključuje različne vrste pop pesmi: tradicionalno romanco, sodobno lirično pesem, pesem v plesnih ritmih z razvito instrumentalno spremljavo. Glavna stvar, ki združuje številne vrste pop pesmi, je želja njihovih avtorjev po čim večji dostopnosti in zapomnljivosti melodije. Korenine takšne demokracije so v starodavni romantiki in sodobni urbani folklori.

Pop skladba ni omejena na čisto zabavo. Tako sovjetske pop pesmi vsebujejo teme državljanstva, patriotizma, boja za mir itd. Ne brez razloga so pesmi I. O. Dunajevskega, V. P. Solovjova-Sedoja, M. I. Blanterja, A. N. Pahmutove, D. F. Tuhmanova in drugih sovjetskih skladateljev ne ljubijo le pri nas, ampak tudi daleč zunaj njenih meja. Pesem Solovyov-Sedoy "Moscow Evenings" je prejela resnično svetovno priznanje. V 20. stoletju Zamenjevale so se različne zvrsti plesne glasbe. Tako je tango, rumbo, foxtrot zamenjal rock and roll, zamenjal jih je twist and shake, zelo priljubljeni so bili ritmi sambe in bossa nove. Vrsto let je bil disko slog razširjen v pop in dance glasbi. Nastala je iz spoja črnske instrumentalne glasbe z elementi petja in plastičnosti, značilne za pop pevce iz Latinske Amerike, zlasti z otoka Jamajke. Tesno povezana v zahodni Evropi in ZDA s snemalno industrijo in prakso diskotek se je disko glasba izkazala za enega od hitro razvijajočih se trendov v pop in plesni glasbi druge polovice 20. stoletja.

Med sovjetskimi skladatelji, ki so postavili domače tradicije v žanru plesne glasbe, so A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky in drugi.

Sodobno rock glasbo lahko uvrstimo med pop glasbo. V glasbeni kulturi zahodne Evrope in ZDA je to gibanje, ki je po idejni in umetniški ravni ter estetskih načelih zelo raznoliko. Predstavljajo ga tako dela, ki izražajo protest proti družbeni nepravičnosti, militarizmu, vojni, kot dela, ki pridigajo o anarhizmu, nemoralnosti in nasilju. Glasbeni slog zasedb, ki predstavljajo to gibanje, je enako heterogen. Vendar pa imajo skupno osnovo in nekatere posebnosti.

Ena od teh značilnosti je uporaba petja, sola in ansambla, in posledično besedila, ki nosi samostojno vsebino, ter človeškega glasu kot posebnega tembrskega kolorita. Člani ansamblov ali skupin pogosto združujejo funkcije instrumentalistov in vokalistov. Vodilna glasbila so kitare, pa tudi različne klaviature, redkeje pihala. Zvok inštrumentov ojačajo različni pretvorniki zvoka in elektronski ojačevalci. Rock glasba se od jazza razlikuje po svoji bolj razdeljeni metro-ritmični strukturi.

Pri nas se elementi rock glasbe odražajo v delovanju vokalno instrumentalnih zasedb (VIA).

Sovjetska pop glasba je zaradi svoje množičnosti in široke priljubljenosti igrala pomembno vlogo pri estetski vzgoji mlajše generacije.