Už v umení 17. storočia, najmä v jeho druhej polovici, boli pozorované trendy, ktoré pripravili pôdu pre prudký rozvoj svetského realistického umenia 18. storočia. Ikonografická konvencia ustupuje realistickej reprodukcii ľudí, krajiny a historických udalostí. Tradičný kvetinový ornament, interpretovaný skôr konvenčne, je nahradený reprodukciou realisticky stvárnených kvetov, plodov, listov, girlandy a mušlí. Na dielach úžitkového umenia nadobúda maľba s náboženskými námetmi takmer svetský charakter, niekedy až dôrazne dekoratívny a divadelný. Tvary predmetov sa stávajú veľkolepými, slávnostnými, so širokou škálou dekorácií. Mnoho starodávnych druhov domácich potrieb mizne, ako napríklad šálky s plochými policami a rúčkami a strieborné mince. Tradičné starodávne naberačky sa menia na čisto dekoratívne odmenové predmety, ktoré stratili svoj praktický význam. Objavili sa nové druhy náčinia: poháre zdobené barokovými ornamentmi, každodenné výjavy a svetské nápisy, poháre v tvare orla, poháre z rohoviny na stojanoch a mnohé iné. Cirkevné náčinie a domáce potreby duchovenstva sa teraz štýlom nelíšili od čisto svetských vecí a niekedy ich dokonca prevyšovali väčšou okázalosťou a materiálnou hodnotou.

Po sekularizácii územia v roku 1764 Trinity-Sergius Lavra stratila svoje majetky, ale jej bohatstvo bolo v tom čase také veľké, že táto reforma neovplyvnila rozsah stavebných prác v kláštore, ani bohatú výzdobu interiérov kostola. osobné komnaty miestodržiteľa a metropolitu, ktorí v kláštore sídlili, ako aj z bohatstva jeho sakristie a pokladnice. Kláštor naďalej dostával príspevky od cisárovných a vysokých dvorných hodnostárov, moskovského metropolitu a iných duchovných. Spravidla to boli diela najlepších majstrov Moskvy, Petrohradu, Veľkého Usťuga, Rostova-Jaroslavľa a ďalších centier úžitkového umenia. Preto zbierka úžitkového umenia Lavra 18. storočia. predstavuje najrozmanitejšie druhy šperkárskych techník tejto doby.

Umenie strieborných mincí nadobudlo jedinečný vzhľad najmä od polovice 18. storočia. Väčšinou ide o veľké barokové zvitky majstrovsky prevedené v pomerne vysokom reliéfe v kombinácii s obrazmi ovocia, košíkov kvetov, amorov, girlandami kvetov a listov. Razba bola často prelamovaná a v tomto prípade mala ďalšie pozadie, ktoré osvetľovalo vzor.

Klasickým príkladom takéhoto razenia mincí je masívne prostredie evanjelia vyrobeného v Moskve v roku 1754, ku ktorému prispela cisárovná Alžbeta1. Strieborné taniere s maľovanými smaltovanými obrazmi Najsvätejšej Trojice, evanjelistov a výjavmi z Kristovho života sú umiestnené vo vysokých lemovaných rámoch a štvorcoch. Vyznačujú sa svetským charakterom.

Moskovský majster P. Vorobey vyrobil v roku 1768 striebornú misu (používanú v kláštore ako svätú misu). Zdobí ju vynikajúci štepovaný ornament zo svojráznych stočených kartuší a širokých listov na pozlátenom podklade. Nohy misky sú levie labky, v pazúroch držia hladké guľôčky. Soľnička vyrobená v roku 1787, zdobená razením a niellom, bola vyrobená moskovským majstrom, darom Kataríny II metropolitovi Platónovi3.

Nové centrum šperkárstva - Petrohrad - v zbierke múzea reprezentuje strieborný násadec s výlevkou v tvare hlavy orla, vyrobený v roku 1768 majstrom Claesom Johannom Ehlersom4. Ten istý majster zhotovil na poli honenú striebornú misku s barokovým ornamentom a vyobrazením biblického výjavu: veľryba vyplavuje Jonáša5. Majster tu zároveň zobrazil pobrežie Petrohradu s Petropavlovskou pevnosťou a vežou katedrály. Ruka a miska sú príspevkom Metropolitana Platóna.

Predmety na rituálne účely nadobudli aj svetský, dekoratívny charakter a ich slávnosť bola zdôraznená ich nevídane veľkými rozmermi. Typické pre 18. storočie. súborom liturgických nádob (kalich, paténa, hviezda a dva taniere) prispel v roku 1789 A. V. Šeremetějev6. Vysoká prijímacia misa tu má veľký tepaný zvonovitý podstavec, prelamovaný strieborný obal na tele misy a zvon s maľovaným smaltom. Veľkopriemerové patény a taniere, špeciálne vyrobené pre tento kalich, sú zdobené rytinami zobrazujúcimi tradičné ikonografické výjavy.

Umenie filigránu nadobúda úplne iný charakter. Namiesto plochej kučery s konármi vlniacimi sa na hladkom povrchu kovu v antických dielach filigránska kresba 18. storočia. komplikujú to ďalšie dekorácie umiestnené na vrchu, niekedy v kombinácii so smaltom a drahými kameňmi. V niektorých prípadoch je filigrán vyrobený ako prelamovaný a položený na ďalšie pozadie. Niekedy bol predmet vyrobený z filigránových nití.

Výnimočným filigránskym dielom je tabernákulum z roku 1789, na ktorom sa podieľal metropolita Platón7. Tu sú prelamované filigrány, filigrány kombinované so smaltom a filigrány prekryté na hladkom striebornom pozadí. Svätostánok má vzhľad svetskej schránky, o čom svedčí jeho úplne necirkevný tvar, elegantná výzdoba a kvety vysadené v rohoch z tenkých kovových častí so smaltom.

Príkladom zručného reliéfneho filigránu môže byť obálka knihy „Dôstojník biskupskej služby“, tiež príspevok metropolitu Platona z roku 17898.

Veľký rozvoj nastal v 18. storočí. Smalty Solvychegodsk a Veliky Ustyug s ich jednofarebným (modrým alebo bielym) pozadím, na ktorom sú ľudské postavy, kvety a iné obrazy, niekedy dodatočne farbené smaltom, prekryté vo forme samostatných kovových dosiek. Múzeum má veľkú zbierku domácich predmetov zo Solvychegodsk a Ustyug.

V 18. storočí Pre interiér kostolov Lavra boli vyrobené monumentálne stavby zo striebra podľa kresieb slávnych umelcov Moskvy a Petrohradu. Pre oltár Trojičného chrámu bol na príkaz metropolitu Platóna zhotovený veľký strieborný sedemsvietnik v tvare vavrínového stromu9 striebrom zdobené aj tibla ikonostasu Trojičného chrámu. Moskovský majster David Prif zhotovil strieborný baldachýn nad svätyňou Sergia z Radoneža z kresby Caravacca (na objednávku cisára Anny Ivanovny10). Teda úžitkové umenie 18. stor. zastúpené v zbierkovom fonde múzea najcharakteristickejšími dielami.

Diela umeleckého remesla v zbierke múzea umožňujú sledovať jeho vývoj od raných pamiatok veľkovojvodu Moskvy až do konca 18. storočia. V priebehu tohto dlhého obdobia sa technická zručnosť menila a zdokonaľovala, staré formy predmetov mizli a objavovali sa nové formy, menil sa charakter výzdoby, vždy v závislosti od estetických názorov určovaných vtedajšími spoločensko-ekonomickými a politickými podmienkami, vývojom. na domácom a zahraničnom trhu, rozsah a spôsob výroby.

O dielach XIV-XV storočí. odkrýva sa obraz postupného oživovania umeleckých remesiel po tatársko-mongolskej devastácii ruskej krajiny v 13. storočí. Majstri z Moskvy a iných umeleckých centier starovekej Rusi ovládajú rôzne umelecké techniky a zdokonaľujú svoju remeselnú zručnosť.

V 16. storočí Moskva konečne získava popredné miesto v kultúrnom živote krajiny. Úžitkové umenie tohto obdobia sa vyznačuje rozmanitosťou foriem a umeleckých dekorácií, ako aj veľkou technickou zručnosťou. Zdokonaľuje sa komplexné umenie smaltu, ktoré nadobudlo prevažne ornamentálny charakter, a umenie zlata niello, razba a rytie dosahuje väčšie majstrovstvo.

Diela zo striebra pre domáce a cirkevné účely nadväzujú na tradície ľudového umenia a súvisia so životnými podmienkami ľudí, ich rituálmi a spôsobom života.

Farebnosť a dekoratívnosť výrobkov zo 17. storočia, zložitosť ozdôb, vzhľad maľovaných emailov a použitie veľkého množstva drahých kameňov, perál a farebného skla dodávajú úžitkovému umeniu sekulárnejší charakter.

V 18. storočí boli prijaté nové formy predmetov, realistické vzory a emailová maľba V zbierke Zagorského múzea reprezentujú toto obdobie najlepšie dielne Moskvy a Petrohradu. Ich diela umožňujú posúdiť nové zmeny, ku ktorým dochádza v úžitkovom umení.

Vysoké umelecké majstrovstvo diel úžitkového umenia, prezentované viac ako päť storočí, stavia zbierku Zagorského múzea na popredné miesto v dejinách ruskej umeleckej kultúry.

Rozvoj dekoratívneho a úžitkového umenia prispel k zlepšeniu technológie remeselnej a manufaktúrnej výroby, vzniku umeleckého priemyslu (výroba tapisérií, umeleckého skla, fajansy, kamenárstva, výroba hodvábu a súkna), výrobe módnych predmetov, luxusného tovaru, objaveniu a rozvoj ložísk medi, cínu, striebra, farebného kameňa, vysoko kvalitných ílov.

Významná je úloha Akadémie vied v „prosperite slobodného umenia a manufaktúr“, odrážajúcej nové prírodovedné a technické záujmy v dekoratívnom a úžitkovom umení. V prvej polovici 18. storočia sa v umeleckých manufaktúrach objavujú nové formy výchovy a vzdelávania remeselníkov; v Rusku vznikajú cechové organizácie remeselníkov, čo nepopiera široké uplatnenie zahraničných remeselníkov v rôznych oblastiach dekoratívneho a úžitkového umenia.

V dekoratívnom a úžitkovom umení (interiérové ​​predmety, nábytok, výzdoba) móda aktívne diktuje štýl. V dôsledku toho sa objavujú nové typy predmetov a aktualizujú sa estetické nápady v dekoratívnom a úžitkovom umení. V dekoratívnom a úžitkovom umení v polovici 18. storočia existovala tendencia syntetizovať umenie, kde sa architektúra, sochárstvo, maliarstvo a úžitkové remeslá spájali do dekoratívneho celku.

V dôsledku toho sa umenie interiérového dizajnu stáva osobitným druhom umeleckej činnosti v tvorbe architektov 18. storočia. Tento typ umeleckej činnosti určuje vznik nových typov priestorov (kancelárie, predné izby, spálne, obývačky, „obrazové sály“) a ich obsahovú náplň (Letný palác, Palác A.D. Menshikova, Palác Veľký Peterhof, Monplaisir).

To všetko prispieva k rozvoju výroby nábytku; objavujú sa nové typy a formy nábytku, materiály a spôsoby ich zdobenia. Vplyv anglického a holandského nábytku je tu veľmi silný. Pod vplyvom Európy sa v Rusku rozvíjal dokonca aj barokový a rokokový štýl v nábytku.

Klasicistický nábytok má charakteristický charakter a tvar. Antické motívy možno vo veľkej miere vysledovať v tvaroch a zdobení nábytku. V polovici 18. storočia sa architekti podieľali na vývoji nových typov nábytku, v Rusku sa objavilo nábytkové umenie a dizajnový nábytok (Brenna, Ľvov, Cameron, Voronikhin). V druhej polovici 18. storočia sa objavili prvé nábytkárske dielne (dielňa G. Gambsa a I. Otta). Toto obdobie v nábytkárskom umení charakterizuje Jacob štýl. V druhej polovici 18. storočia sa materiály v nábytkárskom umení zmenili: objavil sa tu mahagón, pozlátené drevo, topoľ, karelská breza; Látky a výšivky sa čoraz viac využívajú pri výrobe nábytku.

Osobitné miesto v dekoratívnom a úžitkovom umení zaujíma keramika a fajansa. K tomu dochádza spočiatku v dôsledku rozšírenia dovozu kameniny z Anglicka a Holandska. Čoskoro sa však v Moskve objavila prvá súkromná manufaktúra A. Grebenshčikova, ktorá vyrábala ruskú jemnú fajansu. Neskôr sa sformoval štýl slávnostného palácového riadu s matným rytím a rozšírila sa móda krištáľu ako interiérového predmetu. To znamená otvorenie prvej súkromnej továrne na sklo a krištáľ v Malcove v okrese Mozhaisk.

V 18. storočí vďaka rastúcej obľube dekoratívneho a úžitkového umenia a výzdoby miestností výrazne vzrástla spotreba skla, z ktorého sa vyrábali rôzne zrkadlá a svietidlá.

Sochárstvo a maliarstvo druhej polovice 18. storočia.

Zohral veľkú úlohu vo vývoji maliarstva v 18. storočí tvorba Vladimír Lukič Borovikovský. Napriek tomu, že umelec nebol oficiálne uvedený ako študent Akadémie, nepochybne využil rady jej učiteľov a predovšetkým Levitského. Prirodzený talent a železná húževnatosť mladého umelca čoskoro viedli k tomu, že Borovikovský sa stal jedným z prvých majstrov konca 18. storočia. Vytvoril sériu vynikajúcich portrétov svojich súčasníkov, medzi ktoré patria G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova a mnohí ďalší. Pre väčšinu Borovikovského diel je charakteristický neustály záujem o emocionálne zážitky človeka, zdôraznená lyrika a kontemplácia, zahalené v opare sentimentality, tak charakteristické pre éru. Umelec nikdy nešiel cestou vonkajšej, povrchnej charakterizácie obrazu, neustále sa snažil sprostredkovať najjemnejšie duchovné pohyby portrétovaných osôb.

V jeho tvorbe prevládajú komorné portréty. Borovikovsky sa snaží potvrdiť sebaúctu a morálnu čistotu človeka (portrét „Lizynky a Dashinky“, portrét E.N. Arsenyeva atď.). Borovikovského na prelome 18. – 19. storočia zaujali silné, energické osobnosti, orientoval sa na občianstvo, šľachtu a dôstojnosť portrétovaných. Vzhľad jeho modelov sa stáva zdržanlivejším, krajinné pozadie je nahradené obrázkami interiéru (portréty A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgoruka atď.).

Borovikovský je tiež uznávaným majstrom portrétnych miniatúr. Zbierka Ruského múzea obsahuje diela patriace do jeho štetca - portréty A.A. Menelasa, V.V. Umelec často používal cín ako základ pre svoje miniatúry.

Ruská portrétna maľba 18. storočia dosahuje svoj skutočný vrchol v kreativite D.G.Levitsky . Už v jednej zo svojich raných prác - portréte architekta A. Kokorinova - Levitsky ukázal vynikajúce schopnosti ako maliar. Portrét veľkého francúzskeho materialistického filozofa D. Diderota, ktorý namaľoval Levitskij v Petrohrade v roku 1773, a séria portrétov študentiek Smolného inštitútu, ktoré vytvorila umelkyňa, sa vyznačujú vysokou umeleckou hodnotou. Obrazy týchto dievčat sú poznačené úprimnosťou a vrúcnosťou a jedinečnosť každej z nich je majstrovsky vyjadrená.

Portréty z nasledujúcich rokov - Ľvova, umelcovho otca, Bakuninovcov, Anny Davie a mnohých ďalších majstrovských diel Levitského - sú jasným dôkazom jeho skvelého talentu.

Levitsky vytvoril rozsiahlu galériu portrétov svojich súčasníkov, zachytávajúc široko a úplne, ako nikto iný, živé obrazy ľudí tej doby. Levitského umenie završuje históriu vývoja ruskej portrétnej maľby v 18. storočí. Treba však poznamenať, že existujú určité historicky podmienené obmedzenia jeho práce: ako iní pozoruhodní umelci svojej doby, Levitsky nedokázal odrážať sociálne rozpory reality. Ľudia, ktorých zobrazuje umelec, v súlade s prevládajúcimi estetickými predstavami vždy tak trochu pózujú, akoby sa snažili ukázať divákovi v tom „najpríjemnejšom“ svetle. V mnohých svojich dielach však umelec dosahuje úžasnú jednoduchosť a vitalitu.

Odkaz Levického je obrovský a dodnes v divákoch vyvoláva pocit bezprostredného estetického potešenia. Profesionálna dokonalosť jeho diel a ich realistické zameranie zaraďuje umelca na jedno z najčestnejších miest v celých dejinách ruského umenia.

Medzi najznámejšie diela D. G. Levitského patria: „Portrét E. A. Voroncovovej“, „Portrét architekta A. F. Kokorinova“, „Portrét N. A. Ľvova“, „Portrét M. A. Dyakovej“, „Portrét Uršuly Mniszechovej“, „Portrét Agashovej dcéry v ruskom kroji“ atď.

V oblasti portrétnej tvorby povedali svoje nové slovo aj ruskí umelci druhej polovice 18. storočia. Ostrosť psychologických charakteristík, ktoré poznačili mnohé portréty tejto doby, je zarážajúca - štetec najlepších ruských majstrov čoraz viac tiahne k pravdivému zobrazeniu obrazu človeka. Je príznačné, že v tejto dobe vznikali portréty nielen šľachty a „mocných tohto sveta“, ale aj množstva pokrokových osobností verejného života. Týmto portrétom úplne chýbajú prvky pompéznosti a vonkajšieho lesku; Umelci venujú pozornosť sprostredkovaniu vnútorného obsahu človeka, odhaľovaniu sily jeho mysle, vznešenosti jeho myšlienok a túžob.

Vývoj ruského portrétovania našiel svoj výraz v diela F. Rokotova.

Fjodor Stepanovič Rokotov- jeden z najlepších ruských portrétistov. Po získaní výtvarného vzdelania pod vedením L.-J. Le Lorrain a gróf Pietro Rotari pracovali na spôsob druhého menovaného, ​​ale ponorili sa do prírody viac ako on a usilovne vykonávali. V roku 1762 bol prijatý ako adjunkt do novozaloženého Petrohradu. Akadémia umení za obraz „Venuša“, ktorý jej bol odovzdaný, a za portrét cisára Petra III.

Portréty tohto umelca odlišuje jemná obrazová zručnosť. Rokotov prináša intímnu spiritualitu obrazu, najmä v ženských portrétoch, do veľkej expresivity a sily. Vysoko technická dokonalosť umelcových diel - z hľadiska povahy kresby a obrazovej zručnosti sa s ním dá porovnávať iba Levitsky. Portréty vytvorené Rokotovom sa vyznačujú prepracovanosťou dizajnu a eleganciou farieb.

Medzi najznámejšie diela Rokotova patria: „Portrét neznámej ženy v ružových šatách“, „Portrét A.I. Vorontsova“, „Portrét G. G. Orlova v brnení“, „Korunovačný portrét Kataríny II“, „Portrét A.P. Struyskaya“. , „Portrét básnika V.I. Maykova“, „Portrét Surovtseva“ atď.

V druhej polovici 18. stor. sa začala rozvíjať v ruskej maľbe každodenný žáner. Žánrová maľba však bola vedením Akadémie umení a privilegovanými vrstvami spoločnosti považovaná za niečo základne, nehodné umelcovho štetca. Napriek tomu po roľníckej vojne pod vedením E. Pugačeva v literatúre, divadle a hudbe, ako aj v maliarstve 70. – 80. rokov 18. storočia. sa začal objavovať záujem o roľníctvo, jeho spôsob života a spôsob života. Často to boli sentimentálne obrazy idylických pastierov a pastierok, ktoré so skutočným sedliackym životom nemali nič spoločné. Boli však aj výnimky.

Jedným z prvých v ruskom maliarstve, ktorý rozvinul roľnícku tému, bol nevolník kniežaťa G. A. Potemkina Michail Šibanov . Maľoval obrazy „Sedliacky obed“, „Oslava svadobnej dohody“ atď. V Šibanovových obrazoch nie je výpoveď poddanstva, v týchto obrazoch však nie je žiadna idealizácia sedliackeho života. Umelec sa vyznačuje znalosťami a chápaním života a charakteru ruského roľníka.

Roľnícka téma sa premietla do tvorby umelca I. M. Tankova (1739 - 1799), autora obrazu „Dovolenka na dedine“ a I. A. Ermeneva (1746 - po roku 1792), ktorý namaľoval akvarely „Sedliacky obed“, „ Žobráci speváci“ a pod.). Po prvýkrát v histórii ruského umenia umelec sprostredkoval pochmúrne aspekty života ľudí, biedu chudoby.

V druhej polovici 18. stor. začína skutočný rozkvet ruského sochárstva. Rozvíjalo sa pomaly, ale ruské vzdelávacie myslenie a ruský klasicizmus boli najväčšími podnetmi pre rozvoj umenia veľkých občianskych myšlienok a rozsiahlych problémov, ktoré determinovali záujem o sochárstvo v tomto období. Shubin, Gordeev, Kozlovský, Shchedrin, Prokofiev, Martos - každý bol sám o sebe bystrým jedincom a zanechal svoju stopu v umení. Všetkých však spájali spoločné tvorivé princípy, ktoré sa naučili od profesora Nicolasa Gilleta, ktorý v rokoch 1758 až 1777 viedol triedu sochárstva na Akadémii, všeobecné myšlienky občianstva a vlastenectva a vysoké ideály staroveku.

Hľadanie všeobecne krásneho nevylučuje plnú hĺbku pochopenia ľudského charakteru, túžbu sprostredkovať jeho všestrannosť. Táto túžba je citeľná v monumentálnej dekoratívnej plastike a stojanovej plastike druhej polovice storočia, ale najmä v žánri portrétu.

Jeho najvyššie úspechy sú spojené predovšetkým s kreativitou Fedot Ivanovič Šubin (1740-1805), krajan Lomonosov, ktorý prišiel do Petrohradu už ako umelec ovládajúci zložitosť vyrezávania kostí. Šubinovým prvým dielom v jeho domovine je busta A.M. Golitsyn už svedčí o plnej zrelosti majstra. Všetka všestrannosť charakteristík modelu sa ukáže pri jeho skúmaní dookola, aj keď nepochybne existuje hlavný uhol pohľadu na sochu.

Šubin pôsobil nielen ako maliar portrétov, ale aj ako dekoratér. Zhotovil 58 oválnych mramorových historických portrétov pre palác Chesme (nachádza sa v zbrojnici), plastiky pre Mramorový palác a pre Peterhof sochu Kataríny II. - zákonodarkyne (1789-1790). Niet pochýb, že Shubin je najväčším fenoménom ruskej umeleckej kultúry 18. storočia. Spolu s domácimi majstrami pôsobil v Rusku francúzsky sochár Etienne-Maurice Falconet, ktorý v pamätníku Petra I. na Senátnom námestí v Petrohrade vyjadril pochopenie osobnosti Petra a jej historickej úlohy v osudoch Ruska.

Fedor Fedorovič Ščedrin(1751-1825). Prešiel rovnakými fázami školenia na akadémii a odchodom do dôchodku v Taliansku a Francúzsku ako Shubin. „Marsyas“, ktorý predviedol v roku 1776, je plný násilného pohybu a tragického postoja. Ako všetci sochári éry klasicizmu, aj Shchedrin je fascinovaný starovekými obrazmi („Spiaci Endymion“; „Venuša“), ktoré ukazujú mimoriadne poetický pohľad do ich sveta.

V druhej polovici 18. storočia dosiahlo ruské úžitkové umenie výrazný vzostup. Napomáhal tomu rozvoj hospodárstva, obchodu, vedy a techniky a do značnej miery aj úzke väzby s architektúrou a výtvarným umením. Rástol počet veľkých a malých tovární, tovární, dielní vyrábajúcich látky, sklo, porcelán, nábytok. Majitelia pôdy si na svojich panstvách zriaďovali rôzne dielne založené na poddanskej práci.

Humanistické myšlienky osvietenstva sa jedinečne premietli do úžitkového umenia konca 18. storočia. Remeselníci tejto doby sa vyznačovali pozornosťou k osobnému vkusu a ľudským potrebám a hľadaním pohodlia v prostredí.

Vo všetkých druhoch úžitkového umenia sa na prelome 70. – 80. rokov 18. storočia etabloval nový štýl – ruský klasicizmus. Architekti M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin vytvorili interiéry v duchu ušľachtilej jednoduchosti a zdržanlivosti s jasným delením dielov, s konštruktívne opodstatneným usporiadaním plastickej aj malebnej architektonickej výzdoby.

Nábytok, svietniky a lustre boli navrhnuté podľa rovnakých princípov pre palácové priestory. Vo výzdobe nábytku, riadu a tkanín, postavených v jasnom rytme, sa objavili antické motívy - akant, meander, iónika, živo interpretované kvety, girlandy, obrazy amorov, sfingy. Pozlátenie a farby sa stali jemnejšími a zdržanlivejšími ako v polovici 18. storočia.

Na konci 18. storočia vášeň pre starovek prinútila ľudí opustiť aj zložitý a veľkolepý kostým. Do módy prišli ľahké, voľné šaty so splývavými záhybmi a vysokým opaskom v antickom štýle (V.L. Borovikovsky. „Portrét M.I. Lopukhina.“ 1797).

Syntéza umenia v ruskom klasicizme je založená na princípe harmonickej kombinácie všetkých druhov umenia.

Nábytok. V období klasicizmu sú jeho formy jednoduché, vyvážené, prehľadne postavené, rytmy pokojné. Obrysy si ešte zachovali určitú jemnosť a zaoblenie, no vertikálne a horizontálne línie už vynikli. Dekorácie (nízke rezby, maľby, bronzové a mosadzné platne) zdôrazňovali výraznosť štruktúr. Bol tam väčší záujem o pohodlie. Suity boli navrhnuté do predných izieb na rôzne účely: obývačka, pracovňa, predsieň, predsieň. Objavili sa nové formy nábytku: stoly na kartové hry, ručné práce, ľahké prenosné fazuľové stolíky (s vekom v tvare fazule) a rôzne typy komôd. Rozšírili sa pohovky av kancelárskom nábytku, kancelárie-sekretári, kancelárie s valcovým zrolovacím vekom.

Rovnako ako v predchádzajúcich obdobiach je ruský nábytok v porovnaní so západným nábytkom masívnejší, zovšeobecnenejší a v detailoch jednoduchší. Materiálom na to boli miestne dreviny - lipa, breza (pozlátená a maľovaná vo svetlých farbách), orech, dub, topoľ, jaseň, hruška, bažinatý dub. Koncom 18. storočia sa začala používať karelská breza a dovážané farebné drevo mahagón, amarant, palisander a iné druhy. Remeselníci vedeli ukázať ich krásu, štruktúru, farbu, lesk, umne zdôraznený leštením.

Ruskí majstri dosiahli veľké úspechy v technike typografie (intarzie). Jeho podstatou je skladanie ornamentov a celých Obrazov (väčšinou na základe rytín) z kúskov farebného dreva na povrch drevených predmetov. Tento druh práce je známy nielen od dvorných nábytkárov hlavného mesta, ale aj od bývalých nevoľníkov, ktorí pôsobili v Moskve a Moskovskej oblasti: Nikifor Vasiliev (ochor. 78), Matvey Veretennikov a bezmenní páni z Tveru a Archangeľska, ktorí predstavili mrož slonovina do súpravy. Príklady vysokého umenia rezbárskeho nábytku v paláci Ostankino patria nevoľníkom Ivanovi Mochalinovi, Gavrile Nemkovovej a ďalším. V Petrohrade sa preslávil nábytok a rezbárske práce majstrov z Okhty, ktorí boli za Petra I. prenesení do hlavného mesta z rôznych miest. Umelecký vzhľad nábytku dotváralo čalúnenie vzorovaným hodvábom, zamatom, tlačeným chintzom, ľanom. tkaniny, čo bolo v súlade s výzdobou stien.

Tkaniny. Zo všetkých priemyselných odvetví sa v druhej polovici 18. storočia najúspešnejšie rozvíjal textil (Moskva, Ivanovo, Jaroslavľ, gubernia Vladimir). Jeho vzostup určovali nielen veľké manufaktúry, ale aj malé roľnícke podniky. Špeciálnu dokonalosť remeselníci dosiahli v nových vzorovaných ľanových látkach so zložitými väzbami, s hrou prírodných strieborno-bielych odtieňov ľanu. Odrážali sa tu tradície sedliackeho tkáčstva a hlboké porozumenie materiálu. Vyrábal sa aj lacný a sériovo vyrábaný pestrý a farbený tovar. Dekoratívne vlastnosti farebných látok a vlnených látok sa výrazne zlepšili.

Prudko sa rozvíjala výroba hodvábnych tkanín na šaty a dekoračné látky, šatky a stuhy (obr. 80). Do konca 18. storočia neboli kvalitou nižšie ako francúzske – najlepšie v Európe. Ruskí tkáči sa naučili používať rôzne nite a zložité vzory tkania pripomínajúce vyšívanie. Na dosiahnutie prenosu priestoru, jemnosti tónových prechodov a precíznosti kresby kvetov, vtákov a krajiny boli použité kompozičné techniky a bohatá paleta dekoračných látok. Takéto látky sa používali pri výzdobe palácov a posielali sa do zahraničia ako dary.

V tkaninách na šaty, najmä v tkaninách na slnečné šaty, sa až do 80. - 90. rokov 18. storočia používali vzory zložitých, vlnitých kvetinových girland, stužiek a korálikov. Postupne však boli girlandy nahradené pruhmi, vzory sa zjednodušili, ich rytmy sa zjemnili, farby zosvetlili a zjemnili.

V rokoch 1750-1760 v Petrohrade a neskôr v Moskve, v obci. Ivanovo (dnes mesto Ivanovo) rozvinulo výrobu kaliko (bavlnená tkanina s tlačeným vzorom pomocou infúznych, neblednúcich farbív a následným leštením). V kaliko vzoroch remeselníci, najmä tí z Ivanova, jedinečne spracovali motívy hodvábnych látok. Na základe ľudovej tlačenej hmoty kombinovali bohatý obrazový bod a grafický rez (kontúry vzoru, mriežky, bodky na pozadí). Kaliko boli spočiatku veľmi drahé. Koncom 18. storočia sa začali vyrábať lacné odrody.

Porcelán. Do konca 18. storočia sa ruský porcelán stal jedným z najlepších v Európe. Štátna továreň na porcelán v Petrohrade úspešne fungovala. Jeho výrobky sa vyznačovali mierne teplou belosťou, lesklou glazúrou a vysokou technickou kvalitou. Tvary riadu, váz a ich maľba neboli nižšie ako tie západné.

Vzniká najvýznamnejšia zo služieb - Arabeska pre súdne recepcie (1784, ill. 77). Stolová výzdoba tejto bohoslužby deviatich alegorických sôch oslavuje anexiu Gruzínska a Krymu, „cnosť“ Kataríny II. (sochár J. D. Rashet). Dominujú v ňom pokojné pózy charakteristické pre klasicizmus konca 18. storočia, svetlé pozlátenie, prísne proporcie podávania jedál s arabeskami podľa antických ornamentov.

V 80. rokoch 18. storočia vznikla séria sôch „Ruský ľud“ (tvorivé spracovanie rytín) - žiarivo dekoratívne, s charakteristickými obrazmi - predstaviteľmi jednotlivých národností (Jakut, Samojed, Tatar). Vyrábali sa sochárske postavy pouličných predavačov a remeselníkov, zobrazované v pohybe a pri práci. Porcelánová socha sa po mnoho desaťročí stala obľúbenou dekoráciou noblesných interiérov.

Zo súkromných porcelániek sa ako najživotaschopnejšia ukazuje továreň Franza Gardnera (1765) (dedina Verbilki pri Moskve). Už koncom 18. storočia zhotovil kulisy pre kráľovský dom s originálnym využitím ruských rádových motívov na obrazoch. Pomerne lacný Gardner porcelán, vyznačujúci sa jednoduchosťou formy, sviežou kvetinovou maľbou, blízkou ľudovým tradíciám, mal úspech v hlavnom meste aj v provinciách (obr. 79).

Sklo. Farebné sklo prinieslo pravú slávu ruskému sklu v poslednej tretine 18. storočia. M.V Lomonosov svojou prácou o teórii farby a technológii farebného skla otvoril nové cesty ruskému sklárstvu, obohatil paletu skla a oživil ruské mozaiky. Zorganizoval továreň na výrobu smaltu, korálikov a skla v dedine Ust-Ruditsa v provincii Petrohrad. Majstri Štátnej továrne v Petrohrade Družinin a Kirillov boli vyškolení v tavení farebného skla Lomonosovom. Závod ovláda výrobu skla v hlbokých a čistých tónoch - modrá, fialová, ružovo-červená, smaragdovo zelená. Teraz v jeho výrobe už nedominuje gravírovaný krištáľ, ale tenké farebné a bezfarebné sklo. Poháre, poháre a karafy dostávajú hladké tvary, v ktorých telo plynulo prechádza do stopky a vytvára jemné, elegantné kontúry. Zlaté a strieborné maľby girlandy, mašle, hviezdy a monogramy sú pokojné v rytme a zdôrazňujú plastické objemy nádob.

Vyrába sa aj takzvané mliečne biele sklo (hrnčeky, karafy, cirkevné predmety), ktoré svojím vzhľadom a charakterom pripomína maľby drahšieho porcelánu.

Koncom 18. storočia sa súkromné ​​sklárne Bakhmetyev v provincii Penza, Malcevovci v provinciách Vladimir a Oryol a mnohé ďalšie rozvíjali a dosahovali veľké úspechy. Ich bezfarebné a farebné sklo a krištáľ sú široko distribuované po celom Rusku.

Umelecké spracovanie kovov. Rozkvet šperkového umenia v Rusku začal v polovici 18. storočia a pokračoval počas celého storočia. Má umelecké materiály mimoriadnej krásy: diamanty, smaragdy, zafíry a iné drahokamy a polodrahokamy, maľované smalty, farebné kovy (zlato, striebro, platina, zliatiny). Umenie rezania kameňov dosahuje vysoký stupeň dokonalosti. Na zlepšenie hry kameňa nachádzajú klenotníci rôzne umelecké a technické techniky na montáž a pohyblivé upevnenie dielov. Šperkárski umelci vytvárajú zložito tvarované, viacfarebné šperky: náušnice, prstene, tabatierky, spony na topánky, gombíky na luxusné obleky pre mužov aj ženy.

V poslednej tretine 18. storočia sa tvary šperkov vyrovnali, farebnosť drahých kameňov sa sprísnila.

V tomto období dosiahli striebrotepci veľké úspechy. V súlade s novým vkusom sú tvary strieborných služieb jednoduché a jasné. Zdobia ich flauty a starožitné ornamenty. Na strieborných pohároch a tabatierkach remeselníci Veliky Ustyug reprodukujú obrazy starodávnych scén a víťazstiev ruských vojsk z rytín.

Výnimočným fenoménom v úžitkovom umení 18. storočia sú oceľové umelecké výrobky tulských majstrov: nábytok, škatule, svietniky, gombíky, spony, tabatierky. Dekoratívny efekt svojich diel stavajú na spojení hladkej ľahkej ocele a dekorácií v podobe fazetovaných kúskov, ktoré sa lesknú ako diamanty. Remeselníci používajú modranie (tepelné spracovanie v kováčskej dielni pri rôznych teplotách) kovu, ktoré dáva rôzne odtiene - zelenú, modrú, fialovú, od hrubých až po zosvetlené. Tradície ľudového umenia sa odrážajú v láske k jasným farbám a hlbokom pochopení materiálu.

Farebný kameň. V druhej polovici 18. storočia boli objavené náleziská mramorov, čerešňovo-ružových orletov na Urale, pestrofarebných jaspisov, pestrých brekcií, altajských porfýrov a modrých bajkalských lapis lazuli. Okrem Peterhofu (1722-1723) a Jekaterinburgu (začiatok 30. rokov 18. storočia) začala v roku 1787 v samom srdci Altaja fungovať továreň Loktev (od roku 1802 ju nahradila továreň Kolyvan). Možnosti využitia farebného kameňa pri dokončovaní a zdobení monumentálnych a dekoratívnych diel palácových interiérov sú široké.

Schopnosť identifikovať estetické vlastnosti materiálu vždy odlišovala ruských remeselníkov, ale bola obzvlášť jasne vyjadrená v umení rezania kameňa. Kamenári pracujúci podľa návrhov architektov umelecky odhaľujú rozprávkovú krásu kameňa, jeho prirodzenú kresbu, mimoriadne farebné odtiene, lesk a zvýrazňujú ich vynikajúcim leštením. Pozlátený bronz v podobe rúčok, hlavica len dopĺňa a zvýrazňuje tvar. Projekty pre kamenné rezbárske práce, obelisky, vázy, založené na starovekých formách, vytvorili Quarenghi a Voronikhin.

Rozkvet ruského úžitkového umenia v 18. storočí bol spojený s tvorbou architektov Kazakova, Starova, Quarenghiho, Camerona, Voronikhina a množstva vyškolených ľudových umelcov. Jeho pravú slávu však vytvorili najmä poddaní remeselníci, ktorí zostali neznámi - nábytkári, rezbári, tkáči, kamenári, šperkári, sklári, keramikári.

Štýl polovice storočia ovplyvňuje aj umenie a remeslá. Výrobky vyrobené z porcelánu, napríklad služba „Vlastná“ Elizavety Petrovna a ďalšie materiály, sa vyznačujú zakrivenými tvarmi, ako aj bohatými tvarovanými ozdobami, ktoré sa svojím dizajnom vracajú k škrupine a pružným výhonkom rastlín. Náladová silueta predmetov je organicky kombinovaná s jasnými farbami, množstvom pozlátenia a leskom zrkadlových plôch, ktoré dopĺňajú slávnostný obraz interiéru.

Maliarstvo prvej polovice 18. storočia

Od éry Petra Veľkého prešla maľba obrovskými zmenami. Formuje sa umenie maľby na stojane s jeho sémantickými a kompozičnými vlastnosťami. Reverzná perspektíva je nahradená priamym a súvisiacim prenášaním hĺbky priestoru. Najdôležitejším znakom je zobrazenie postavy v súlade so zásadami anatomickej správnosti. Objavujú sa nové spôsoby prenosu hlasitosti. Najdôležitejšou kvalitou je šerosvit, ktorý nahradil konvenčne symbolickú obrysovú líniu. Samotná technika olejomaľby so svojimi charakteristickými špecifickými technikami a systémom farebných vzťahov pevne, aj keď nie hneď, vstupuje do umeleckého využitia. Pocit textúry je zvýšený. Umelec získava schopnosť sprostredkovať špecifické vlastnosti jemného zamatu, drsnej kožušiny z hranostaja, ťažkého zlatého brokátu a jemnej čipky. V dejovom obrázku možno vysledovať nové princípy prepojenia figúr. Zobrazenie nahého tela predstavuje novú a náročnú úlohu. Samotná štruktúra maľby sa rozvetvuje. Od začiatku 18. storočia svetské umenie pestovalo rôzne druhy stojanových diel, monumentálnu maľbu vo forme panelov a tienidiel a miniatúrne písmo. Portrét zahŕňa všetky známe odrody - predné, komorové, pravidelné a kostýmové, dvojité a párové. Umelci ovládajú alegorické a mytologické predmety. Prítomnosť týchto čŕt, aj keď sa najprv odhaľuje v kompromisnej forme, nám umožňuje hovoriť o vzniku nového typu maľby.

Prvé kroky k rozvoju portrétu sú spojené s činnosťou maliarskej dielne Zbrojnice. Diela od ruských a zahraničných majstrov majú tendenciu mať parsunový charakter. Zo všetkých typologických možností dáva parsuna prednosť slávnostnému portrétu a nachádza sa v tejto funkcii v niekoľkých variantoch. Medzi nimi je „téza portrétu“ najarchaickejšia. Kombinuje portréty a početné vysvetľujúce nápisy v rámci konvenčného priestoru ikon. Môžeme hovoriť aj o „portréte apoteózy“. Ide o portrétne maľby symbolizujúce vojenské činy Petra I. Bežné sú aj bežné celovečerné portréty Petra, Menšikova, Šeremeteva a na koni.

S priestorom sa všade zaobchádza veľmi stereotypne a celkové usporiadanie predmetov slúži skôr ako symbolické označenie skutočných priestorových vzťahov. Problém vnútorného a vonkajšieho priestoru je riešený rovnako konvenčne z hľadiska významu a mierky. Parsuna sa trochu odchyľuje od bohatosti farieb charakteristickej pre ikonopiseckú maľbu 17. storočia. Dôkladné stvárnenie zdobenia rúch a rôznych detailov však dodáva plátnam zvýšenú dekoratívnosť.

Majster ešte úplne neovláda nové princípy prenosu objemu, kombinovania dôrazne vypuklých maľovaných tvárí a plochého vzorovaného oblečenia. Veľký rozmer plátien, ich impozantný duch, bohatosť zariadenia a vystavenie šperkov majú ilustrovať spoločenský význam zobrazovaného. Obraz je autonómny, je zameraný na seba a je ľahostajný k ostatným. Maľba, ktorá ešte nedozrela na to, aby sprostredkovala jednotlivca, sa svojím spôsobom snaží všimnúť si črty vlastné danej postave. Všeobecné a individuálne sa však ešte nezlúčili do organickej jednoty a špecifické vlastnosti sa pod kombinovanou typizačnou maskou sotva objavujú.

Línia Parsuna, ktorá existovala pomerne krátko, hlavne v 80. a najmä v 90. rokoch 17. storočia, následne narazila na veľmi silný prúd tvorby cudzincov a umelcov na dôchodku, ktorí ju prakticky nahradili. Zároveň by sme si nemali myslieť, že sa to ukázalo ako náhodná epizóda vo všeobecnom procese vývoja ruského portrétovania. Po zatlačení zo svojich hlavných pozícií Parsuna naďalej existovala. Okrem toho sa jeho črty objavili v tvorbe mnohých vyspelých umelcov ako dôkaz neúplného prechodu od stredovekého písma k novému spôsobu. V tejto funkcii ho možno nájsť v dielach I. Nikitina, I. Višňakova a A. Antropova.

Stopy parsunizmu nachádzame aj v druhej polovici 18. storočia, najmä v dielach nevoľníkov alebo provinčných umelcov, ktorí sa k novému umeniu dostávali samostatne, spravidla počnúc ikonopisnou maľbou. Všimnime si, že parsunizmus ako umelecký fenomén existuje nielen v ruskej škole, ale aj na Ukrajine a v Poľsku. Nachádza sa aj v Bulharsku, Juhoslávii a dokonca aj v krajinách Blízkeho východu, teda tam, kde maliarstvo v podobnej historickej situácii zažíva zásadne podobný úvod do umenia modernej doby a svetského umenia.

Zmeny v každodennom živote a ich vplyv na umenie a remeslá. Vlastnosti ornamentu a dekorácie umeleckých štýlov baroka, rokoka, klasicizmu.

Výroba striebra a zlata: Petrohradská škola, moskovskí remeselníci a manufaktúry, niello striebro Veliky Ustyug. Nové druhy riadu z drahých a neželezných kovov: čajníky, kanvice na kávu, bujóny, samovary. Domáce a cirkevné náčinie. Štátne klenoty. Rády a medaily. Smalty. Smaltovaní umelci A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky.

Vznik ruského porcelánu. D.I.Vinogradov. Cisárske a súkromné ​​porcelánky. Majolika, fajansa. Umelecké sklo. Dekoratívne látky a tapisérie. Novinka v oblečení. Skriňový a typový nábytok. Intarzie. Drevorezby v civilných a kostolných interiéroch. Posádky. Dekoratívny kameň. Cameos.

Umelecké ľudové remeslá. Vyrezávané a vykladané dno Gorodets. Vyrezávanie kostí Kholmogory. Zlatá výšivka provincie Tver. Čipka Galicha a Vologda. Keramika Gzhel.

Hudba a divadlo v 18. storočí

Polyfónny zborový spev. Hrany. Inštrumentálna hudba a orchestre. Operné umenie. balet. Hudba na dvore, v meste a v sedliackom živote. Vznik národnej skladateľskej školy. E.I.Fomin. I.E. Khandoshkin. D.S. Bortňansky. M.S.Berezovský. A.O.

Pokusy o vytvorenie prístupného verejného divadla za Petra Veľkého. Amatérske vystúpenia na súde. Školské divadlá v náboženských a svetských vzdelávacích inštitúciách. Profesionálne telesá zahraničných hercov.

Dramaturgia ruského klasicizmu: tragédie a komédie. Vplyv sentimentalizmu na divadelný repertoár. Vznik činohry a komickej opery na ruskej scéne. A.P. Sumarokov je dramatik a divadelná osobnosť. Tvorca ruského profesionálneho divadla, herec a režisér F.G. Jeho priateľ a nasledovník I.A. Hromadné divadelné predstavenia.

Pevnostné divadlo. Skupina grófa P.B. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova a ďalší umelci. Divadlo Palace v Ostankine. Ľudové divadlo.

SKRATKY NÁZVOV HLAVNÝCH MÚZEOVÝCH ZBIEROK UVEDENÝCH V ZOZNAME KULTÚRNYCH PAMIATKOV

BAN - Knižnica Ruskej akadémie vied (St. Petersburg)

VMDPNI - Celoruské múzeum dekoratívneho, úžitkového a ľudového umenia (Moskva)

Štátne historické múzeum – Štátne historické múzeum (Moskva)

HMGS – Štátne múzeum mestskej plastiky (St. Petersburg)

GMMK - Štátne múzeá moskovského Kremľa (Moskva)

GNIMA – Štátne vedecké výskumné múzeum architektúry (Moskva)

GOP – Štátna zbrojnica (Moskva)

Štátne ruské múzeum - Štátne ruské múzeum (Petrohrad)

Tretiakovská galéria - Štátna Treťjakovská galéria (Moskva)

Štátna Ermitáž - Štátne múzeum Ermitáž (St. Petersburg)

ZIKHMZ - bývalá Zagorskij (teraz Sergiev Posad) historické a umelecké múzeum-rezervácia (Sergiev Posad, Moskovská oblasť)

MIFA - Múzeum historických pokladov Ukrajiny (Kyjev)

MPIB - Múzeum úžitkového umenia a života 17. storočia "Katedrála dvanástich apoštolov a patriarchálne komnaty v moskovskom Kremli" (Moskva)

GPS – Novgorod United State Museum-Reserve (Novgorod)

NGP – novgorodská fazetová komora (Novgorod)

SHM – Múzeum umenia Samara (Samara)

PAMIATKY RUSKEJ KULTÚRY

ODDIEL I. DEJINY RUSKEJ KULTÚRY V STAROVEKU A STREDOVEKU

(AŽ DO KONCA 17. STOROČIA)

ĽUDOVÁ DREVENÁ ARCHITEKTÚRA

KULTOVÉ STAVBY

1. Kletsky kostoly: Kostol Lazarus z kláštora Murom (14-16 storočia) - prírodná rezervácia Kizhi; Kostol uloženia rúcha z obce Borodavy (15. storočie) - Kirillo-Belozersky Museum-Reserve; Kostol Premenenia Pána z dediny Spas-Vezhi (17. storočie) - Múzeum-rezervácia Kostroma; Kostol sv. Mikuláša z obce Tukholya (17. storočie) - Novgorodské múzeum-rezervácia "Vitoslavlitsy"; Kaplnka Michala Archanjela z dediny Lelikozero (18. storočie) - Kizhi Museum-Reserve; Kostol sv. Mikuláša z obce Glotova (18. storočie) - Múzeum-rezervácia Suzdal.

2. Stanové kostoly: Kostol sv. Mikuláša v obci Lyavlya (16. storočie); Kostol sv. Juraja z dediny Vershina (17. storočie) - Archangeľské múzeum-rezervácia "Malye Korely"; Kostol vzkriesenia z dediny Patakino (18. storočie) - Suzdal Museum-Reserve; Kostol Nanebovzatia Panny Márie (18. storočie) v meste Kondopoga.