Rzeźba starożytnej Grecji zajmowała ważne miejsce w sztuce starożytnej Grecji i była najwyższym osiągnięciem kultury starożytnego świata.

Rzeźba starożytna grecka we wszystkich swoich przejawach zawsze pozostawała głęboko antropocentryczna, wyrażająca religijność i duchowy świat osoby lub sakralny akt, który rzeźbiarz starał się uchwycić i przekazać.

Większość rzeźb została wykonana jako ofiary do sanktuariów lub jako pomniki nagrobne. Osobliwością sztuki greckiej było to, że mistrz, tworząc dzieła, starał się przekazać piękno i doskonałość ludzkiego ciała.

W formach pierwszych posągów podejmuje się próbę zrównoważenia bóstwa i osoby w wyrażaniu ich emocji. Najwyższy rozkwit rzeźby starożytnej Grecji osiągnięto w V wieku p.n.e. e, podczas gdy narodziny rzeźby w starożytnej Grecji można przypisać XII-VIII wieku pne. NS.

Początkowo greccy rzemieślnicy wykorzystywali w swojej pracy miękkie materiały – drewno i porowaty wapień, później marmur. Odlewy z brązu jako pierwsi wykorzystali rzemieślnicy z wyspy Samos.

Statuetki z okresu homeryckiego przedstawiały bogów lub bohaterów, w pracach mistrzów zainteresowanie plastyką ciała jest tylko zarysowane.

W okresie archaicznym rzeźba starożytnej Grecji, nabiera archaicznego uśmiechu przekształcając twarze rzeźb coraz bardziej w obraz człowieka, ciało nabiera harmonijnej równowagi form. Mężczyźni byli przedstawiani nago, a kobiety ubrane.

W tym czasie w sztuce rzeźbiarskiej starożytnej Grecji rozpowszechnione były kuro - młodzi młodzieńcy, stworzeni głównie do rytuałów pamięci. Mistrzowie przedstawiali kuro jako powściągliwego, o dobrej postawie, uśmiechu, z zaciśniętymi pięściami, fryzura kurosa przypominała perukę. Jedną z najsłynniejszych rzeźb kurosa jest „Kouros cienia” (κούρος της Τενέας). Rzeźba została znaleziona niedaleko Koryntu, w Cieniu, w Świątyni Apolla. Obecnie jest przechowywany w Muzeum w Monachium.

Młode dziewczęta lub kor, Grecy przedstawiani w tradycyjnych strojach, w chitonie lub peplos. Kora (κόρη) to specyficzny rodzaj posągu z żeńskimi formami z czasów archaicznych, a mianowicie z drugiej połowy VII wieku p.n.e. Bogata fryzura, modna biżuteria i kolorowe ozdoby odzieży – tak przedstawiali je rzeźbiarze starożytnej Grecji.

Epoka klasyczna, jak nazywamy okres, który rozpoczyna się w 480 r. p.n.e. a kończy się w 323 rpne, czyli od zakończenia wojen grecko-perskich do śmierci Aleksandra Wielkiego. Podczas tego okresu w rzeźbie starożytnej Grecji miały miejsce ważne zmiany społeczne i równoległe innowacje... Starożytni Grecy skupili swoją uwagę na przekazywaniu ducha i pasji. Artyści studiują mowę ciała, aby ujawnić swoje najskrytsze myśli, pokazać ruch ciała: ułożenie kończyn, głowy i klatki piersiowej.

Pierwszy posąg, który zasadniczo przedstawia koniec jednej epoki i początek drugiej, to „chłopiec z Krety” (Κριτίου παίς), przechowywany w Muzeum Akropolu. Ten posąg nagiego nastolatka o wysokości 1,67 m jest jednym z najpiękniejszych i najdoskonalszych przykładów sztuki wczesnoklasycznej. Rzeźba łączy w sobie ruch, plastyczność, powagę pojawia się w wyrazie twarzy.

Słynna rzeźba woźnicy (woźnicy rydwanu), przechowywana w Muzeum Delphi, pochodzi z wczesnej klasyki. Posąg młodzieńca wykonany jest z brązu, ma wysokość 1,8 m, nosi tunikę z rękawami, przedstawia muskularne ramię młodzieńca, w ręku trzyma strzępy wodzy. Draperia fałd na ubraniach, które odpowiadają ruchom, jest dobrze przeniesiona.

W 450-420. pne NS. w okresie klasycznym rzeźba starożytnej Grecji jest modyfikowana. Teraz rzeźby mają więcej miękkości, plastyczności i dojrzałości. Fidiasz reprezentował cechy sztuki klasycznej w rzeźbach Partenonu.

W tym czasie pojawili się inni godni rzeźbiarze: Agorakritos, Alkamen, Kolot, którzy byli specjalistami w produkcji posągów ze złota i kości słoniowej. Kallimach był jednym z wynalazców porządku korynckiego, Polikletus, który portretował sportowców, jako pierwszy napisał tekst teoretyczny na temat rzeźby i innych.

W okresie późnego klasycyzmu w rzeźbie starożytnej Grecji pojawiły się tendencje w badaniu ludzkiej postaci w przestrzeni trójwymiarowej, pojawiło się bardziej zmysłowe piękno i dramaturgia.

Wielcy rzeźbiarze tego czasu to: Kefisodotus („Eirena z dzieckiem na rękach”), Πρaxitel, który stworzył młodość Maratonu oraz Afrodyta z Knidus, Efranor, Silanion, Leohar, Skopas i Lysippus, ostatni rzeźbiarze późnego klasycyzmu okres, który otworzył drogę do epoki sztuki hellenistycznej.

Epoka hellenistyczna w rzeźbie starożytnej Grecji znalazła odzwierciedlenie w bardziej zróżnicowanej interpretacji form plastycznych, komplikacji kątów i najdrobniejszych szczegółów. Rozwija się monumentalna plastyka, pojawiają się ogromne płaskorzeźby, pojawiają się wielopostaciowe grupy, płaskorzeźby, które są integralną częścią wyrazu sztuki rzeźbiarskiej, drobną plastykę komplikuje witalność obrazów.

Najsłynniejsze dzieła tego czasu: „Nika z Samotraki” Pifokryt o wysokości 3,28 m, „Wenus z Milo”, o wysokości 2,02 m, wykonane przez rzeźbiarza Aleksandra z Antiochii, znajdują się w Luwrze, „Laokoona i jego synów” autorstwa rzeźbiarzy rodyjskich Agesander z Rodos, Polidoros i Atenodor, znajduje się w Watykanie.

Temat: Wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji.

Cel: Studium głównych etapów rozwoju rzeźby antycznej Grecji.

Nowe słowa:

"MIMESIS"- podobieństwo.

Kalokagacja (Grecki. kalo- piękny + Agatos uprzejmy).

Kuros i szczeka - stworzony w epoce archaicznych mężczyzn. i kobiety. figurki (do 3 m.) Mimesis - podobieństwo. Kariatyda - (gr. karyatis) - rzeźbiarski wizerunek stojącej postaci kobiecej, który służy jako podpora dla belki w budynku (lub w przenośni wyraża tę funkcję).

zarazki - złóg pylony z „rękami”, umieszczonymi przy frontowym wejściu do domu.

Pytania.

Rzeźbiarskie kanony Polikleta i Myrona.

Dzieła rzeźbiarskie Skopasa i Praksytelesa.

Lysippos i Leochares.

Rzeźba hellenizmu.

Podczas zajęć.

1. Aktualizacja wiedzy studentów o architekturze starożytnej Grecji.

2. Komunikacja tematu, cel lekcji.

Grecy zawsze wierzyli że tylko w pięknym ciele może żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała, zewnętrzna doskonałość - niezbędny warunek i podstawa idealnej osoby. Grecki ideał określa się terminem kalokagatiya(Grecki. kalo- piękny + Agatos uprzejmy). Ponieważ kalokagatya obejmuje doskonałość zarówno cielesnej budowy, jak i duchowo moralnego usposobienia, jednocześnie z pięknem i siłą, ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i racjonalność. To właśnie sprawia, że ​​greccy bogowie, wyrzeźbieni przez starożytnych rzeźbiarzy, są wyjątkowo piękni.

Z całym podobieństwem rzeźb z VI i V wieku. BC mają również charakterystyczne różnice:

Nie ma już odrętwienia, schematyzmu archaicznych rzeźb;

Posągi stają się bardziej realistyczne.

Rzeźbiarskie kanony Polikleta i Myrona .

1. Hymn o wielkości i duchowej mocy człowieka;

2. Ulubiony obraz - smukły młody człowiek o atletycznej budowie;

3. Duchowy i fizyczny wygląd są harmonijne, nie ma nic zbędnego, „nic ponad miarę”.

Najbardziej znani rzeźbiarze High Classics to Polikletus i Myron.

Polikleta - starożytny grecki rzeźbiarz i teoretyk sztuki, który pracował w Argos w II połowie V wieku p.n.e.

Polycletus uwielbiał przedstawiać sportowców w spoczynku, specjalizując się w portretowaniu sportowców, zwycięzców olimpijskich. „Doryfor”("Włócznik") Polikletus jako pierwszy wpadł na pomysł nadania postaciom takiej oprawy, aby spoczywały na dolnej części tylko jednej nogi. (Wczesnym przykładem klasycznego kontrpostu jest Dorifor.) Polikleta umiał pokazać ludzkie ciało w stanie równowagi – jego postać ludzka w spoczynku lub w wolnym tempie wydaje się ruchliwa i żywa dzięki temu, że osie poziome nie są równoległe. Posągi Polikleta tętnią życiem. Polycletus uwielbiał przedstawiać sportowców w spoczynku. Weź tego samego "Włócznika". Ten potężny mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczna reszta starożytnych egipskich posągów. Jako człowiek umiejętnie i łatwo panujący nad swoim ciałem, włócznik lekko zgiął jedną nogę i przerzucił ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy – ucieleśnienie greckich ideałów. Pracuje: 2. „Diadumen” („Młody mężczyzna wiązany bandażem”). „Zraniona Amazonka” Kolosalny posąg Hery w Argos. Został wykonany w technice chryzo-słonia i był postrzegany jako pandan dla Zeusa Fidiasza Olimpijskiego. Rzeźby zaginęły i są znane z zachowanych starożytnych kopii rzymskich.

1.Z rozkazu kapłanów Świątyni Artemidy w Efezie ok. godz. 440 pne Polikletus stworzył posąg rannej Amazonki, zajmując pierwsze miejsce w konkursie, w którym oprócz niego wzięli udział Fidiasz i Kresilai. Ideę tego dają kopie - płaskorzeźba odkryta w Efezie, a także posągi w Berlinie, Kopenhadze i Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Nogi Amazonki są ustawione w taki sam sposób jak Dorifor, ale wolna ręka nie wisi wzdłuż ciała, ale jest przerzucona przez głowę; druga ręka podtrzymuje ciało, opierając się na filarze. Poza jest harmonijna i zrównoważona, ale Poliklet nie wziął pod uwagę faktu, że jeśli rana rozdziera się pod prawą klatką piersiową osoby, jego prawa ręka nie może być uniesiona wysoko. Najwyraźniej piękna, harmonijna forma interesowała go bardziej niż fabuła czy przekaz uczuć. Ta sama troska jest nasycona starannym rozwojem fałd krótkiego chitonu Amazonki.

2.Potem Poliklet pracował w Atenach, gdzie ok. godz. 420 pne stworzył Diadumena, młodzieńca z opaską na głowie. W tym dziele, które nazwano łagodnym młodzieńcem, w przeciwieństwie do odważnego Dorifora, wyczuwalny jest wpływ szkoły attyckiej. Tutaj ponownie wykorzystywany jest motyw kroku, mimo że obie ręce są uniesione i trzymają bandaż – ruch, który bardziej pasowałby do spokojnej i stabilnej pozycji nóg. Sprzeciw prawej i lewej strony nie jest tak wyraźny. Rysy twarzy i bujne kosmyki włosów są znacznie bardziej miękkie niż w poprzednich pracach. Najlepsze powtórzenia Diadumenos to kopia znaleziona na Delos, a teraz w Atenach, posąg z Vezon we Francji przechowywany w British Museum oraz kopie w Madrycie i Metropolitan Museum of Art. Zachowało się również kilka figurek z terakoty i brązu. Najlepsze kopie głowy Diadumena znajdują się w Dreźnie i Kassel.

3. Około 420 pne Poliklet stworzył dla świątyni w Argos kolosalną chryzo-słoń (zrobiony ze złota i kości słoniowej) siedzącej na tronie Hery. Monety Argos mogą dać pewne wyobrażenie o tym, jak wyglądał ten starożytny posąg. Obok Bohatera znajdowała się Hebe, wyrzeźbiona przez Navkida, ucznia Polikleta. W plastycznym projekcie świątyni można wyczuć wpływ mistrzów szkoły attyckiej i Polikleta; być może jest to dzieło jego uczniów. Twórcom Polikleta brakowało majestatu posągów Fidiasza, ale wielu krytyków uważa, że ​​przewyższają Fidiasza swoją akademicką doskonałością i doskonałą postawą. Polikletos miał wielu uczniów i naśladowców aż do ery Lysipposa (koniec IV wieku pne), który twierdził, że jego nauczycielem w sztuce był Doryfor, chociaż później odszedł od kanonu Polikleita i zastąpił go swoim własnym.

Myron stworzone posągi zwycięskich sportowców, poprawnie i naturalnie oddające ludzką sylwetkę, ujawniły tajemnicę plastycznej koncepcji ruchu. Ale (!!!) jego prace mają tylko jeden punkt widzenia. Do jego najsłynniejszych dzieł należą kompozycja rzeźbiarska

„Atena i Marsjasz” i „Discobolus”.

Myron był starszym współczesnym Fidiasza i Polikleta i był uważany za jednego z największych rzeźbiarzy swoich czasów. Pracował w brązie, ale żadna z jego prac nie zachowała się; znane są głównie z kopii. Najbardziej znanym dziełem Mirona jest Discobolus (miotacz dyskiem). Rzucający dyski jest przedstawiony w trudnej pozie w momencie największego napięcia przed rzutem. Rzeźbiarza interesował kształt i proporcje poruszających się postaci. Myron był mistrzem w przekazywaniu ruchu w punkcie kulminacyjnym, momencie przejściowym. W pochwalnym epigramie poświęconym posągowi atlety Ładasa z brązu podkreśla się, że zdyszany biegacz jest oddany niezwykle plastycznie. Grupa rzeźbiarzy Myron Ateny i Marsjasza, stojąca na Akropolu w Atenach, znana jest z tej samej umiejętności przekazywania ruchu.

2. Rzeźbiarskie kreacje Skopasa i Praksytelesa.

IV wiek. PNE.

1. Dąż do przeniesienia energicznego działania;

2. Przekazali uczucia i doświadczenia osoby:

Pasja

Senność

Miłość

Furia

Rozpacz

Cierpienie

SCOPAS (działalność kwitnąca 375-335 pne), grecki rzeźbiarz i architekt, urodził się na wyspie Paros ok. godz. Prawdopodobnie 420 pne. Pierwszym znanym nam dziełem Skopasa jest świątynia Ateny Alei w Tegei na Peloponezie, która musiała zostać odbudowana, gdyż spłonęła w 395 roku p.n.e. Skopas należał do grupy czterech rzeźbiarzy (a być może był wśród nich najstarszych), którym wdowa z Mavsol Artemisia powierzyła wykonanie części rzeźbiarskiej Mauzoleum (jednego z siedmiu cudów świata) w Halikarnasie, grób jej męża. Pasja tkwiąca w pracach Scopas realizowana jest przede wszystkim za pomocą: nowy zabieg na oczy: są głęboko osadzone i otoczone ciężkimi fałdami powiek.Żywość ruchów i odważne pozycje ciała wyrażają intensywną energię i demonstrują pomysłowość mistrza.

Do najsłynniejszych dzieł Skopasa należały:

- Skopas ... „Amazonomachia”.

- Bitwa Greków z Amazonkami... Fragment fryzu Mauzoleum w Halikarnasie. Marmur. Około 350 pne NS. Londyn. Brytyjskie Muzeum.

Wspaniała jest płaskorzeźba przedstawiająca wojownika pochylającego się ostro do tyłu, próbującego oprzeć się naporowi Amazonki, która jedną ręką chwyciła go za tarczę, a drugą zadała śmiertelny cios. Na lewo od tej grupy galopuje Amazonka na gorącym koniu. Siedzi plecami i najwyraźniej rzuca strzałą w ścigającego ją wroga. Koń prawie przejeżdża nad odchylonym do tyłu wojownikiem. Ostre zderzenie przeciwstawnych ruchów amazonki i wojownika oraz niezwykłe lądowanie Amazonki potęgują dramaturgię kompozycji swoimi kontrastami.

Skopas. Głowa rannego żołnierza z zachodniego frontonu Świątyni Ateny Alei w Tegei. Marmur. Pierwsza połowa IV wieku pne NS. Ateny. Muzeum Narodowe.

Skopas. Bachantka. połowa IV wieku pne NS. Redukcja marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Drezno. Albertinum.

Marmurowa „Menada”, która spłynęła do nas w małej zniszczonej antycznej kopii, uosabia wizerunek człowieka opętanego gwałtownym wybuchem namiętności. Nie ucieleśnienie wizerunku bohatera, który potrafi śmiało panować nad swoimi namiętnościami, ale ujawnienie niezwykłej ekstatycznej pasji, która obejmuje człowieka, jest charakterystyczne dla Maenady. Interesujące jest to, że Menada Scopas, w przeciwieństwie do rzeźb z V wieku, jest przeznaczona do oglądania ze wszystkich stron.

PRXITER (IV wiek p.n.e.),

Praksyteles to starożytny grecki rzeźbiarz, jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy attyckich IV wieku p.n.e. NS. Autor słynnych kompozycji „Hermes z małym Dionizosem”, „Apollo zabija jaszczurkę”. Większość dzieł Praksytelesa znana jest z kopii rzymskich lub z opisów autorów antycznych. Rzeźby Praksytelesa namalował ateński artysta Nikias. Praxitel - pierwszy rzeźbiarz, który jak najbardziej realistycznie przedstawił nagą kobietę: rzeźba Afrodyta z Knidus gdzie naga bogini trzyma w ręku opadłą szatę. Praksytel. Szef Afrodyty z Cnidus (Afrodyta Kaufman). Do 360 pne NS. Kopia z marmuru rzymskiego po zaginionym oryginale. Berlin. Sobr. Kaufmana.

Posąg Afrodyty z Knidos był uważany w starożytności nie tylko za najlepsze dzieło Praksytelesa, ale ogólnie za najlepszy posąg wszechczasów. Jak pisze Pliniusz Starszy, wielu przybyło do Knidos tylko po to, by ją zobaczyć. Był to pierwszy monumentalny wizerunek całkowicie nagiej postaci kobiecej w sztuce greckiej, dlatego został odrzucony przez mieszkańców Kos, dla których był przeznaczony, po czym został kupiony przez mieszczan sąsiedniego Knidus. W czasach rzymskich wizerunek tego posągu Afrodyty był bity na monetach Knidos i wykonano z niego liczne kopie (najlepsza z nich znajduje się obecnie w Watykanie, a najlepsza kopia głowy Afrodyty znajduje się w zbiorach Kaufmana w Berlin). W starożytności twierdzono, że model Praksytelesa to jego ukochana, heteroseksualna Phryne.

Najlepsze zrozumienie stylu Praksytelesa daje posąg Hermesa z dzieckiem Dionizosem (Muzeum w Olimpii), który został znaleziony podczas wykopalisk w Świątyni Hery w Olimpii. Mimo wyrażanych wątpliwości, jest to prawie na pewno oryginał, stworzony przez ok. 3 tys. 340 pne Gibka postać Hermesa opierała się z gracją o pień drzewa. Mistrzowi udało się poprawić interpretację motywu mężczyzny z dzieckiem w ramionach: ruchy obu rąk Hermesa są kompozycyjnie związane z dzieckiem. Zapewne w jego prawej, niezachowanej dłoni znajdowała się kiść winogron, którymi drażnił Dionizosa, dlaczego dziecko wyciąga do niej rękę. Postać Hermesa jest proporcjonalnie poskładana i perfekcyjnie dopracowana, uśmiechnięta twarz pełna życia, profil pełen wdzięku, a gładka powierzchnia skóry ostro kontrastuje ze schematycznie zarysowanymi włosami i wełnianą powierzchnią płaszcza narzuconego na tułów . Pomalowano włosy, draperie, oczy i usta oraz paski sandałów.

Inne posągi Afrodyty przypisywane Praksytelesowi są uboższe. Nie zachowała się kopia posągu wybranego przez mieszkańców Kos. Afrodyta z Arles, nazwana tak od miejsca odkrycia i przechowywana w Luwrze, może nie przedstawiać Afrodyty, ale Fryne. Nogi posągu są zasłonięte draperią, a tułów jest całkowicie nagi; sądząc po jej postawie, w lewej ręce miała lustro. Zachowało się również kilka przepięknych figurek kobiety zakładającej naszyjnik, ale znowu można w nich zobaczyć zarówno Afrodytę, jak i śmiertelną kobietę.

Praksytel. Artemida z Gabii. Około 340-330 pne NS. Kopia z marmuru rzymskiego po zaginionym oryginale. Paryż. Żaluzja.

W posągu Artemidy widzimy przykłady rozwiązania motywu udrapowanej postaci ludzkiej. Artemida ukazana jest tutaj jako patronka kobiet: zarzuca na prawe ramię welon przyniesiony przez kobietę w prezencie za pomyślne rozwiązanie ciężaru.

Praxitel był niezrównanym mistrzem w przekazywaniu wdzięku ciała i subtelnej harmonii ducha. Najczęściej przedstawiał bogów, a nawet satyrów jako młodych; w swojej pracy zastępować majestat i wzniosłość obrazów V wieku. PNE. przychodzą łaska i rozmarzona czułość.

3. Leochares i Lysippos. Sztuka kierunku pseudoklasycznego najbardziej konsekwentnie ujawniała się w twórczości Leocharze, Leochares, z urodzenia Ateńczyk, został nadwornym malarzem Aleksandra Wielkiego. To on stworzył dla Philippeyona szereg chryzo-słoniowych posągów królów dynastii macedońskiej. Zimny ​​i bujny klasycyzujący, czyli zewnętrznie naśladujący formy klasyczne, styl dzieł Leohara zaspokajał potrzeby rodzącej się monarchii Aleksandra. Idea stylu prac Leohara, poświęcony chwale monarchii macedońskiej, daje nam rzymską kopię swojego bohaterskiego portretu Aleksandra Wielkiego. Naga postać Aleksandra miała abstrakcyjny, idealny charakter.

Leohar. Apollo Belvedere ... Około 340 pne NS. Marmurowa rzymska kopia zaginionego oryginału z brązu. Rzym. Watykan.

Najważniejszym z dzieł Leocharesa był posąg Apolla - słynny "Apollo Belvedere" ( „Apollo Belvedere” – nazwa rzymskiej kopii marmurowej, która pochodzi od oryginału z brązu autorstwa Leocharesa, który znajdował się niegdyś w Belwederze Watykańskim (otwarta loggia)).

Jednak wizerunek Apolla jest bardziej skuteczny zewnętrznie niż wewnętrznie. Blask włosów, wyniosły obrót głowy, znana teatralność gestu są głęboko obce prawdziwym tradycjom klasyków.

Słynny posąg „Artemidy Wersalskiej”, pełen zimnej, nieco wyniosłej wielkości, również znajduje się blisko kręgu Leocharów.

Leohar. Artemida Wersalska. Trzecia ćwierć IV wieku pne NS. Kopia z marmuru rzymskiego po zaginionym oryginale. Paryż. Żaluzja.

Lysippos.... W sztuce Lysippos zdecydował: zadanie ujawnienia wewnętrznego świata ludzkich przeżyć i znanej indywidualizacji wizerunku osoby... W tym samym czasie Lysippos wprowadził nowe odcienie w rozwiązaniu tych problemów artystycznych, a co najważniejsze, przestał uważać tworzenie wizerunku idealnej, pięknej osoby za główne zadanie sztuki. Lysippos jako artysta czuł, że nowe warunki życia społecznego pozbawiły ten ideał jakiejkolwiek poważnej podstawy życiowej.

po pierwsze, Lysippus znajduje podstawę dla obrazu typowego wizerunku osoby nie w tych cechach, które charakteryzują człowieka jako członka kolektywu wolnych obywateli polis, jako harmonijnie rozwiniętą osobowość, ale w osobliwościach jego wieku, zawodu, przynależności do tego czy innego makijażu psychologicznego... Szczególnie ważną nowością w twórczości Lysipposa jest zainteresowanie ukazaniem na obrazie charakterystycznie ekspresyjnej, a nie idealnie doskonałej osoby.

Po drugie Lysippos do pewnego stopnia podkreśla w swoich pracach moment osobistej percepcji, stara się przekazać swój emocjonalny stosunek do przedstawianego wydarzenia. Według zeznań Pliniusza, Lizippos powiedział, że jeśli starożytni przedstawiali ludzi takimi, jakimi naprawdę byli, to on, Lizippos, był taki, jakim się wydają. Lysippos. Apoksyomeny. Głowa (zob. il. 215).

Szczególnie wyraziste rozumienie obrazu człowieka przez Lysippos było zawarte w jego słynnym brązie w starożytności posąg „Apoksyomenos”. Lysippos wcielił się w postać młodego mężczyzny, który za pomocą skrobaka zeskrobuje z areny piasek, który przywarł do jego ciała podczas zawodów sportowych. W tym posągu artysta jest bardzo: ekspresyjnie oddał stan zmęczenia, który ogarnął młodego człowieka po stresie walki, której doświadczył.

W Apoxyomenos Lysippos chce pokazać nie wewnętrzny spokój i stabilną równowagę, ale złożoną i sprzeczną zmianę odcieni nastroju.

Lysippos. Odpoczywający Hermes ... Trzecia ćwierć IV wieku pne NS. Brązowa rzymska kopia zaginionego oryginału. Neapol. Muzeum Narodowe.

Hermes jakby na chwilę usiadł na krawędzi urwiska. Artysta przekazywał tu spokój, lekkie zmęczenie, a jednocześnie gotowość Hermesa do dalszego szybkiego, szybkiego lotu.

W tej samej serii znalazła się też grupa przedstawiająca zmagania Herkulesa z lwem nemejski, która również trafiła do nas w rzymskiej kopii przechowywanej w Ermitażu.

Lysippos. Herkules z lwem ... Druga połowa IV wieku pne NS. Zredukowana marmurowa kopia z okresu rzymskiego z zagubionego oryginału z brązu. Leningrad. Pustelnia.

Dzieło Lysipposa miało szczególne znaczenie dla dalszej ewolucji portretu greckiego.

Szef Aleksandra Wielkiego z wyspy Kos. Marmur Najbardziej wyraziście oryginalność i siła umiejętności portretowych Lysipposa była zawarta w jego portretach Aleksandra Wielkiego.

Silny, energiczny obrót głowy, ostro odrzucone do tyłu kosmyki włosów tworzą ogólne wrażenie żałosnego impulsu. Z drugiej strony żałobne fałdy na czole, cierpiące spojrzenie, zakrzywione usta nadają wizerunkowi Aleksandra rysy tragicznego zamętu. W tym portrecie po raz pierwszy w historii sztuki z taką siłą wyrażane jest napięcie namiętności i ich wewnętrzna walka.

4. Rzeźba hellenizmu.

1. Podniecenie i napięcie osób;

2. Wir uczuć i doświadczeń w obrazach;

3. Senność obrazów;

4. Harmonijna doskonałość i powaga

Sztuka hellenistyczna pełna jest kontrastów – gigantycznych i miniaturowych, ceremonialnych i codziennych, alegorycznych i naturalnych. Główny trend - odejście od uogólnionego typu ludzkiegodo rozumienia osoby jako konkretnej, indywidualnej istoty, i stąd rosnąca dbałość o jego psychologię, l zainteresowanie burzliwością i nową czujnością wobec narodowych, wiekowych, społecznych i innych oznak osobowości.

Wszystko to w żaden sposób nie oznacza, że ​​epoka hellenizmu nie pozostawiła wielkich rzeźbiarzy i ich pomników sztuki. Ponadto stworzyła prace, które naszym zdaniem syntetyzują najwyższe osiągnięcia antycznego plastiku, są jego niedostępnymi próbkami -

Afrodyta z Melosskiej,

Nika z Samotraki , ołtarz Zeusa w Pergamonie. Te znakomite rzeźby powstały w epoce hellenistycznej. Ich autorzy, o których nic lub prawie nic nie wiadomo, pracowali zgodnie z tradycją klasyczną, rozwijając ją prawdziwie twórczo.

Wśród rzeźbiarzy tej epoki można wymienić nazwiska: Apoloniusz, Tawrisk („byk farneński”), Atenodor, Polydor, Agesander („Afrodyta z Melos”, „Laokoon”).

Moralność i formy życia, a także formy religii zaczęły się mieszać w epoce hellenizmu, ale przyjaźń nie zapanowała i pokój nie nadszedł, walki i wojny nie ustały.

5.Wniosek. Jedno łączyło wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: to szczególne zamiłowanie do sztuk plastycznych, do sztuk przestrzennych.

Zbadaliśmy dzieła największych rzeźbiarzy starożytnej Grecji przez cały okres starożytności. Widzieliśmy cały proces powstawania, rozkwitu i upadku stylów rzeźbiarskich - całe przejście od surowych, statycznych i wyidealizowanych form archaicznych, poprzez zrównoważoną harmonię rzeźby klasycznej, do dramatycznej psychologii posągów hellenistycznych. Twórczość rzeźbiarzy starożytnej Grecji przez wiele stuleci słusznie uważana była za wzór, ideał, kanon, a teraz nie przestaje być uznawana za arcydzieło światowej klasyki. Nic takiego nie zostało osiągnięte ani wcześniej, ani później. Wszystkie współczesne rzeźby można uznać, w takim czy innym stopniu, za kontynuację tradycji starożytnej Grecji. Rzeźba starożytnej Grecji w swoim rozwoju przeszła trudną drogę, torując drogę do rozwoju tworzyw sztucznych kolejnych epok w różnych krajach.

Wiadomo, że większość starożytnych mistrzów plastyki nie rzeźbiła w kamieniu, ale odlana była z brązu. W wiekach, które nastąpiły po epoce cywilizacji greckiej, wolono konserwować arcydzieła z brązu niż przetapiać je na kopuły lub monety, a później na armaty. W późniejszym czasie tradycje ustanowione przez starożytne greckie rzeźby zostały wzbogacone o nowe osiągnięcia i osiągnięcia, a antyczne kanony stanowiły niezbędną podstawę, podstawę rozwoju sztuki plastycznej we wszystkich późniejszych epokach.

6. Dom. zadanie: rozdział 8, artykuły 84-91., zadanie artykuł 91.

LISTA WYKORZYSTYWANYCH ŹRÓDEŁ

1. Kultura antyczna. Słownik-odniesienie / pod ogólnym. wyd. V.N. Jarcho - M., 2002

2. Bystrova A. N. „Świat kultury, podstawy kulturoznawstwa”
Polikarpow V.S. Wykłady z kulturoznawstwa - M.: "Gardarika", "Biuro Ekspertów", 1997

3. Wycieraczka B.R. Sztuka starożytnej Grecji. - M., 1972

4. Gnedich P.P. Światowa historia sztuki - M., 2000

5. Gribunina N.G. Historia światowej kultury artystycznej w 4 częściach. Części 1, 2. - Twer, 1993

6. Dmitrieva, Akimova. Sztuka antyczna. Eseje. - M., 1988

Dziś chciałabym poruszyć temat, który z doświadczenia czasem wywołuje trudną i daleką od dwuznacznych reakcję – poruszyć temat antycznej rzeźby, a konkretniej o ukazaniu w niej ludzkiego ciała.

Próby przybliżenia dzieciom antycznych rzeźb napotykają czasem na nieprzewidziane trudności, gdy rodzice po prostu nie odważą się pokazać dziecku nagich posągów, uznając takie obrazy za niemal pornografię. Nie ośmielam się twierdzić o uniwersalności metody, ale w moim dzieciństwie taki problem nawet się nie pojawił, bo – dzięki mojej mądrej matce – doskonałe wydanie legend i mitów starożytnej Grecji Kuna, obficie ilustrowane fotografiami dzieła starożytnych mistrzów pojawiły się w moim życiu w wieku pięciu lub sześciu lat, potem minęło dużo czasu, zanim dziewczyna zaczęła interesować się wszelkiego rodzaju specyficznymi problemami płci.

Tak więc walka olimpijczyków z tytanami i wyczyny Herkulesa osiadły w mojej głowie gdzieś na tej samej półce z Królową Śniegu i dzikimi łabędziami i zostały zapamiętane nie tylko jako dziwaczne historie, ale natychmiast nabrały wizualnego wcielenia, przywiązały się - być może nie całkiem świadomie w tym czasie - do konkretnych póz, gestów, twarzy - plastyczności ludzkiej i mimiki. W tym samym czasie matka natychmiast znalazła proste i zrozumiałe odpowiedzi na wszystkie pojawiające się pytania dzieci - po pierwsze, w starożytnej Grecji było gorąco, a po drugie, posągi nie są ludźmi, a teraz wcale nie są zimne.

Jeśli chodzi o pytania dorosłych, należy pamiętać, że idea rozdzielenia osoby na duszę i ciało, co w antropologii chrześcijańskiej doprowadziło w końcu do idei podporządkowania ciała dusza (a nawet później, w niektórych protestanckich odgałęzieniach, nawet - do sztywnego tabu cielesnego) została po raz pierwszy jasno sformułowana, być może tylko przez Platona. A wcześniej Grecy, przez co najmniej kilka stuleci, doszli do wniosku, że dusza to nie tylko duch, oddech, ale coś indywidualnie osobistego i niejako „stacjonarnego”, stopniowo odchodząc od pojęcia θυμός do pojęcia . Tak więc, zwłaszcza od czasu, gdy bogowie stali się antropomorficzni, greccy mistrzowie po prostu nie mieli innego sposobu, aby opowiedzieć o różnych aspektach życia, poza przedstawieniem ludzkiego ciała.

Tak więc znaczna część rzeźby greckiej jest ilustracją do mitów, które w starożytności były nie tylko „bajkami bogów”, ale także środkiem przekazującym najważniejsze informacje o budowie świata, zasadach życia, które powinny i nie powinien. Oznacza to, że takie „ilustracje 3D” były o wiele ważniejsze dla starożytnych ludzi niż dla mnie w dzieciństwie. Jednak, być może o wiele ważniejsza od zrozumienia mitów, jest dla nas jeszcze jedna okazja, jaką grecka rzeźba dała swoim twórcom – poznanie i poznanie samej osoby. A jeśli głównymi bohaterami sztuki prymitywnej były różne zwierzęta, to od czasów paleolitu i przez całą starożytność niewątpliwie takim stał się człowiek.

Wszystkie wysiłki artystów tego dość długiego okresu mają na celu najpierw uchwycenie i przekazanie najbardziej ogólnych cech anatomicznych budowy ludzkiego ciała, a następnie jego bardziej złożone przejawy dynamiczne - ruchy, gesty, mimikę. W ten sposób sztuka europejska rozpoczęła swoją długą podróż od prymitywnych i tylko trochę humanoidalnych „paleolitycznych Wenus” do doskonałych w proporcjach dzieł Myrona i dalej od nich; drogę, którą można by nazwać umownie drogą do człowieka – najpierw do jego ciała, a potem do duszy – choć nadal w psychologicznym sensie tego słowa. Przejdźmy przez niektóre jego etapy i my.

Wenus z paleolitu. Około 30 tysięcy lat temu

Najwcześniejszymi obrazami humanoidalnymi w Europie, jak wspomniano powyżej, były „Wenus paleolityczne” – maleńkie figurki wykonane z kłów mamuta lub miękkich skał. Cechy ich wizerunku - prawie całkowity brak rąk, a czasem nawet nóg i głowy, przerośnięta środkowa część ciała - sugerują, że wciąż mamy do czynienia, najprawdopodobniej, nie z obrazem ludzkiego ciała w całości, ale tylko próba przekazania jednej z jego funkcji - rodzenie dzieci. Związek „Wenus” z kultem płodności sugeruje bezwzględna większość badaczy; potrzebujemy ich tylko jako punktu wyjścia naszej podróży.

Następnym przystankiem będą kuro i szczekanie (dosłownie - chłopcy i dziewczęta) - ludzkie wizerunki wyrzeźbione w starożytnych miastach-państwie w VII-VI wieku p.n.e.

Kuros, archaiczny uśmiech. Kuros i kora

Jak widać, takie posągi, używane np. jako pomniki słynnych sportowców, znacznie bardziej szczegółowo oddają wygląd ludzkiego ciała, są jednak rodzajem „ludzkiego schematu”. I tak na przykład wszyscy liczni kuro, z jakiegoś niewytłumaczalnego powodu, stoją w tej samej pozycji - przyciskając ręce do ciała, wypychając lewą nogę do przodu; ostatnie podejrzenia dotyczące portretowania zostają ostatecznie rozwiane, gdy spojrzy się na ich twarze - z równie nieobecnym wyrazem i ustami rozciągniętymi w upiornie - tzw. archaiczny - uśmiech.

Następny przystanek. V wiek pne, grecki archaiczny. Rzeźby Myrona i Polikleta, uderzające perfekcją proporcji.

Myronie. Dyskobola 455 pne, Polikletus. Doryphoros (włócznik) (450-440 pne) i ranna Amazonka (430 pne)

Czy to naprawdę, pytasz, że to znowu schemat? I wyobraź sobie, odpowiedź brzmi: tak. Mamy na to co najmniej dwa dowody. Po pierwsze fragmenty tzw. „Kanon Polikleta”. W tym matematycznym traktacie rzeźbiarz, który był zwolennikiem ruchu pitagorejskiego, próbował obliczyć idealne proporcje męskiego ciała. Najwyraźniej ilustracją takich obliczeń stał się później posąg. A drugim dowodem będzie… ogromna literatura grecka tamtych czasów. Z tego możemy wydobyć na przykład następujące wiersze Safony:

Ten, kto jest piękny, jest miły.

A ten, kto jest miły, wkrótce stanie się piękny.

Co więcej, spośród wszystkich bohaterów Iliady Homera tylko „bezczynny” Tersite odmawia bezwarunkowo udziału w niekończącej się wojnie, do której bogowie prowadzą bohaterów. Autor nie żałuje czarnej farby dla tej postaci, która swoimi przemówieniami oburza wojsko i nienawidzi dosłownie wszystkich; ale to nie przypadek, że ten sam Tersite okazuje się strasznym dziwakiem na polecenie autora:

Najbrzydszy mąż przybył do Ilionu wśród Duńczyków;
Był zezowaty, kulawy; całkowicie garbaty od tyłu
Perskie ramiona zbiegły się; jego głowa się podniosła
W górę z grotem włóczni i tylko skąpo pokryty puchem.

Możemy zatem powiedzieć, że Grecy okresu archaicznego byli zwolennikami idei, że piękno zewnętrzne jest nieodzownym przejawem wewnętrznego piękna i harmonii, a zatem skrupulatnie obliczając parametry idealnego ludzkiego ciała, starali się przedstawić, nie mniej doskonała dusza, tak doskonała, że ​​wydaje się nawet martwa.

Rzeczywiście, odpowiedz mi tylko na jedno proste pytanie: gdzie dysk wyrzucony przez rzucającego dyskotekę odleci za chwilę? Im dłużej patrzysz na posąg, tym wyraźniej zrozumiesz, że dysk nie zostanie nigdzie rzucony, ponieważ pozycja uprowadzonej ręki sportowca wcale nie oznacza huśtawki do rzutu, mięśnie jego klatki piersiowej nie poddają się jakiekolwiek szczególne napięcie, jego twarz jest całkowicie spokojna; ponadto przedstawiona pozycja nóg nie pozwala na wykonanie nie tylko niezbędnego do rzucenia skoku z obrotem, ale nawet prostego kroku. Oznacza to, że okazuje się, że rzucający dyskotekę, mimo pozornej złożoności jego postawy, jest absolutnie statyczny, doskonały, martwy. Jak zraniona Amazonka, w swoim cierpieniu, z wdziękiem wsparta na stolicy, która pojawiła się tak w porę.

Wreszcie IV wiek. PNE. wprowadza nowe nastroje do greckiej rzeźby. W tym czasie greckie miasta-państwa podupadają - można przypuszczać, że mały wszechświat starożytnego człowieka stopniowo kończy swoje istnienie. Filozofia grecka zdecydowanie zwraca się ku poszukiwaniu nowych podstaw ludzkiego szczęścia, proponując wybór między cynizmem Antystenesa a hedonizmem Arystypa; w taki czy inny sposób, ale odtąd człowiek będzie musiał sam radzić sobie z problemami głębokiego sensu swojego życia. Ten sam odrębny ludzki charakter wysuwa się na pierwszy plan w rzeźbie, w której po raz pierwszy pojawiają się zarówno wyraziste mimiki, jak i rzeczywisty ruch.

Lysippus Odpoczywający Hermes IV wpne, Menad Skopas, IV wpne BC, Artemida z Gabii 345 BC

Ból i napięcie wyraża się w pozie Maenady Skopas, a jej twarz z szeroko otwartymi oczami jest zwrócona ku niebu. Zamyślony, eleganckim i znajomym gestem Artemida z Gaby Praksyteles mocuje strzałkę na jego ramieniu. Odpoczywający Hermes Lysippa jest również wyraźnie w głębokiej zamyśleniu, a nadmiernie wydłużone, zupełnie nieklasyczne proporcje jego ciała sprawiają, że postać jest lekka, nadając nawet tej niemal statycznej pozie pewnej dynamiki. Wydaje się, że trochę więcej, a młody człowiek podejmie jakąś ważną decyzję i pobiegnie dalej. Tak więc po raz pierwszy dusza zaczyna zaglądać przez zarysy pięknych ciał z marmuru i brązu.

Nawiasem mówiąc, większość posągów, które dzisiaj zbadaliśmy, jest naga. Ale czy ktoś to zauważył?

Podczas ponownego publikowania materiałów ze strony Matrona.ru wymagany jest bezpośredni aktywny link do tekstu źródłowego materiału.

Skoro tu jesteś...

… Mamy małą prośbę. Portal Matrona aktywnie się rozwija, nasza publiczność rośnie, ale nie mamy wystarczających środków na redakcję. Wiele tematów, które chcielibyśmy poruszyć i które są interesujące dla Was, naszych Czytelników, pozostaje nierozstrzygniętych z powodu ograniczeń finansowych. W przeciwieństwie do wielu mediów, celowo nie dokonujemy płatnej subskrypcji, ponieważ chcemy, aby nasze materiały były dostępne dla wszystkich.

Jednak. Matrony to codzienne artykuły, felietony i wywiady, tłumaczenia najlepszych anglojęzycznych artykułów o rodzinie i rodzicielstwie, są redaktorami, hostingiem i serwerami. Więc możesz zrozumieć, dlaczego prosimy o Twoją pomoc.

Na przykład, czy 50 rubli miesięcznie to dużo czy trochę? Kubek kawy? Niewiele jak na budżet rodzinny. Dla matron - dużo.

Jeśli wszyscy, którzy czytają Matronę, wesprą nas 50 rublami miesięcznie, wniosą ogromny wkład w rozwój publikacji i pojawienie się nowych istotnych i interesujących materiałów o życiu kobiety we współczesnym świecie, rodzinie, wychowaniu dzieci, twórczym ja -realizacja i znaczenia duchowe.

7 wątków komentarzy

5 odpowiedzi na wątki

0 obserwujących

Najczęściej reagowany komentarz

Najgorętszy wątek komentarzy

Nowy stary popularny

0 Musisz być zalogowany, aby głosować

Musisz być zalogowany, aby głosować 0 Musisz być zalogowany, aby głosować

Musisz być zalogowany, aby głosować 0 Musisz być zalogowany, aby głosować

Starożytna Grecja była jednym z największych państw świata. W czasie jego istnienia i na jego terenie położono podwaliny sztuki europejskiej. Zachowane zabytki kultury z tego okresu świadczą o najwyższych osiągnięciach Greków w dziedzinie architektury, myśli filozoficznej, poezji i oczywiście rzeźby. Zachowało się tylko kilka oryginałów: czas nie oszczędza nawet najbardziej wyjątkowych kreacji. Wiele wiemy o umiejętnościach, z których słynęli starożytni rzeźbiarze, dzięki źródłom pisanym, a później kopiom rzymskim. Jednak ta informacja wystarczy, aby zrozumieć znaczenie wkładu mieszkańców Peloponezu w kulturę światową.

Okresy

Rzeźbiarze starożytnej Grecji nie zawsze byli wielkimi twórcami. Rozkwit ich umiejętności poprzedził okres archaiczny (VII-VI wiek p.n.e.). Rzeźby z tamtych czasów, które do nas dotarły, wyróżniają się symetrią i statycznym charakterem. Brakuje im tej witalności i ukrytego wewnętrznego ruchu, który sprawia, że ​​posągi wyglądają jak zamarznięci ludzie. Całe piękno tych wczesnych prac wyraża się poprzez twarz. Nie jest już tak statyczny jak ciało: uśmiech promieniuje radością i spokojem, nadając całej rzeźbie szczególny dźwięk.

Po zakończeniu archaizmu następuje najbardziej owocny czas, w którym starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji stworzyli swoje najsłynniejsze dzieła. Jest podzielony na kilka okresów:

• wczesna klasyka - początek V wieku pne NS.;
• wysoka klasyka - V wiek pne NS.;
• późny klasyk - IV wiek pne NS.;
• Hellenizm - koniec IV wieku pne NS. - I wiek. n. NS.

Czas przejścia

Wczesna klasyka to okres, w którym rzeźbiarze starożytnej Grecji zaczęli odchodzić od statyki w pozycji ciała, w poszukiwaniu nowych sposobów wyrażania swoich idei. Proporcje wypełniają naturalne piękno, pozy stają się bardziej dynamiczne, a twarze wyraziste.

W tym okresie pracował rzeźbiarz starożytnej Grecji Myron. W źródłach pisanych określany jest jako mistrz przekazu anatomicznie poprawnej budowy ciała, zdolny do bardzo dokładnego uchwycenia rzeczywistości. Współcześni Mirona również wskazywali na jego wady: ich zdaniem rzeźbiarz nie umiał dodać piękna i ożywienia twarzom swoich dzieł.

Posągi mistrza uosabiają bohaterów, bogów i zwierzęta. Jednak największą preferencję miał rzeźbiarz starożytnej Grecji Myron, wizerunek sportowców podczas ich osiągnięć w zawodach. Jego dziełem jest słynny „Discobolus”. Rzeźba nie zachowała się do dziś w oryginale, ale istnieje kilka jej kopii. „Discobolt” przedstawia sportowca przygotowującego się do wystrzelenia pocisku. Ciało sportowca jest znakomicie wykonane: napięte mięśnie wskazują na powagę krążka, skręcone ciało przypomina gotową do rozłożenia sprężynę. Wygląda na to, że jeszcze sekunda i sportowiec rzuci pocisk.

Posągi „Atena” i „Marsjasz”, które również spłynęły do ​​nas dopiero w postaci późniejszych kopii, również uważane są za wspaniale wykonane przez Myrona.

Kwitnący

Przez cały okres wysokiej klasyki pracowali wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji. W tym czasie mistrzowie tworzenia płaskorzeźb i posągów rozumieją zarówno sposoby przekazywania ruchu, jak i podstawy harmonii i proporcji. Wysoka klasyka - okres kształtowania się tych podstaw rzeźby greckiej, która później stała się standardem dla wielu pokoleń mistrzów, w tym dla twórców renesansu.

W tym czasie pracował rzeźbiarz starożytnej Grecji Poliklet i genialny Fidiasz. Obie sprawiły, że ludzie podziwiali się za życia i nie zostały zapomniane od wieków.

Spokój i harmonia

Polikletus działał w drugiej połowie V wieku. pne NS. Jest znany jako mistrz rzeźby przedstawiającej sportowców w stanie spoczynku. W przeciwieństwie do „Discoball” Mirona, jego sportowcy nie są spięci, ale zrelaksowani, ale jednocześnie widz nie ma wątpliwości co do ich mocy i możliwości.

Polikletus jako pierwszy zastosował specjalną pozycję ciała: jego bohaterowie często opierali się na piedestale tylko jedną nogą. Taka postawa wytworzyła uczucie naturalnego odprężenia tkwiące w odpoczywającej osobie.

Kanon

Za najsłynniejszą rzeźbę Polikleta uważa się „Dorifor”, czyli „Włócznik”. Dzieło nazywane jest też kanonem mistrza, gdyż zawiera niektóre postanowienia pitagoreizmu i jest przykładem szczególnego sposobu inscenizacji figury, kontrapostu. Kompozycja opiera się na zasadzie krzyżowych nierówności ruchu ciała: lewa strona (ręka trzymająca włócznię i noga wyciągnięta do tyłu) jest rozluźniona, ale jednocześnie w ruchu, w przeciwieństwie do napiętej i statycznej prawej strony ( noga podpierająca i ramię wyciągnięte wzdłuż ciała).

Polikletus później zastosował podobną technikę w wielu swoich pracach. Jej główne zasady są określone w traktacie o estetyce, który do nas nie dotarł, napisanym przez rzeźbiarza i nazwanym przez niego „Kanonem”. Dość duże miejsce w nim zajęła zasada, którą z powodzeniem stosował również w swoich pracach, gdy zasada ta nie była sprzeczna z naturalnymi parametrami ciała.

Uznany geniusz

Wszyscy starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji w czasach wysokiej klasyki pozostawili po sobie godne podziwu dzieła. Jednak najwybitniejszym z nich był Fidiasz, słusznie uważany za twórcę sztuki europejskiej. Niestety większość dzieł mistrza przetrwała do dziś jedynie jako kopie lub opisy na kartach traktatów starożytnych autorów.

Fidiasz pracował nad dekoracją ateńskiego Partenonu. Dziś ideę kunsztu rzeźbiarza można podsumować zachowaną marmurową płaskorzeźbą o długości 1,6 m. Przedstawia ona licznie zabitych pielgrzymów zmierzających do pozostałych dekoracji Partenonu. Ten sam los spotkał posąg Ateny, zainstalowany tutaj i stworzony przez Fidiasza. Bogini wykonana z kości słoniowej i złota symbolizowała samo miasto, jego potęgę i wielkość.

Cud świata

Być może inni wybitni rzeźbiarze starożytnej Grecji nie ustępowali Fidiaszowi, ale żaden z nich nie mógł się pochwalić stworzeniem cudu świata. Olympic został wykonany przez mistrza dla miasta, w którym odbywały się słynne igrzyska. Uderzająca była wysokość Gromowładcy, siedzącego na złotym tronie (14 metrów). Mimo takiej mocy Bóg nie wyglądał groźnie: Fidiasz stworzył spokojnego, majestatycznego i poważnego Zeusa, nieco surowego, ale jednocześnie życzliwego. Przed śmiercią posąg przez dziewięć wieków przyciągał wielu pielgrzymów szukających pocieszenia.

Późny klasyk

Z końcem V wieku. pne NS. rzeźbiarze starożytnej Grecji nie wyschli. Nazwy Skopas, Praksyteles i Lysippos znane są każdemu, kto interesuje się sztuką antyczną. Pracowali w następnym okresie, zwanym późną klasyką. Dzieła tych mistrzów rozwijają i uzupełniają dorobek poprzedniej epoki. Każdy na swój sposób przekształca rzeźbę, wzbogacając ją o nowe wątki, sposoby pracy z materiałem i możliwości przekazywania emocji.

Gotowanie namiętności

Scopas można nazwać innowatorem z kilku powodów. Wielcy rzeźbiarze starożytnej Grecji, którzy go poprzedzali, woleli używać brązu jako materiału. Skopas tworzył swoje dzieła głównie z marmuru. Zamiast tradycyjnego spokoju i harmonii, które wypełniały jego dzieła starożytnej Grecji, mistrz wybrał ekspresję. Jego kreacje są pełne pasji i doświadczeń, bardziej przypominają prawdziwych ludzi niż niewzruszonych bogów.

Za najsłynniejsze dzieło Skopasa uważa się fryz mauzoleum w Halikarnasie. Przedstawia Amazonomachię - walkę bohaterów greckich mitów z wojowniczymi Amazonkami. Główne cechy stylu tkwiącego w mistrzu są wyraźnie widoczne w zachowanych fragmentach tego dzieła.

Gładkość

Inny rzeźbiarz tego okresu, Praksyteles, uważany jest za najlepszego mistrza greckiego w przekazywaniu łaski ciała i duchowości wewnętrznej. Jedno z jego wybitnych dzieł - Afrodyta z Knidos - zostało uznane przez współczesnych mistrzowi za najlepsze dzieło, jakie kiedykolwiek stworzono. bogini stała się pierwszym monumentalnym przedstawieniem nagiego kobiecego ciała. Oryginał do nas nie dotarł.

Osobliwości stylu Praksytelesa są w pełni widoczne w posągu Hermesa. Mistrzowi udało się stworzyć nieco senny nastrój, dosłownie otulając rzeźbę, specjalną inscenizacją nagiego ciała, gładkością linii i miękkością półtonów marmuru.

Dbałość o szczegóły

Pod koniec epoki klasycznej pracował inny słynny rzeźbiarz grecki, Lysippos. Jego kreacje wyróżniały się szczególnym naturalizmem, starannym badaniem szczegółów, pewnym wydłużeniem proporcji. Lysippos dążył do tworzenia posągów pełnych wdzięku i elegancji. Swoje umiejętności doskonalił, studiując kanon Polikleta. Współcześni zwracali uwagę, że prace Lysippos, w przeciwieństwie do „Dorifor”, sprawiały wrażenie bardziej zwartych i wyważonych. Według legendy mistrz był ulubionym twórcą Aleksandra Wielkiego.

Wpływ Wschodu

Nowy etap w rozwoju rzeźby rozpoczyna się pod koniec IV wieku. pne NS. Za granicę między tymi dwoma okresami uważa się czas podbojów Aleksandra Wielkiego. Od nich właściwie zaczyna się era hellenizmu, który był połączeniem sztuki starożytnej Grecji i krajów wschodnich.

Rzeźby z tego okresu oparte są na dokonaniach mistrzów minionych wieków. Sztuka hellenistyczna dała światu takie dzieła jak Wenus z Milo. W tym samym czasie pojawiły się słynne płaskorzeźby ołtarza pergamońskiego. W niektórych pracach późnego hellenizmu zauważalne jest odwoływanie się do codziennych tematów i detali. Kultura starożytnej Grecji tego czasu miała silny wpływ na kształtowanie się sztuki Cesarstwa Rzymskiego.

Wreszcie

Nie można przecenić znaczenia starożytności jako źródła ideałów duchowych i estetycznych. Starożytni rzeźbiarze w starożytnej Grecji położyli nie tylko podwaliny własnego rzemiosła, ale także standardy zrozumienia piękna ludzkiego ciała. Udało im się rozwiązać problem przedstawiania ruchu poprzez zmianę postawy i przesunięcie środka ciężkości. Starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji nauczyli się przekazywać emocje i uczucia za pomocą przetworzonego kamienia, tworzyć nie tylko posągi, ale praktycznie żywe postacie, gotowe w każdej chwili się poruszać, oddychać, uśmiechać. Wszystkie te osiągnięcia będą stanowić podstawę rozkwitu kultury w okresie renesansu.

Rzeźba archaiczna: o Kuros - nadzy sportowcy. o Zainstalowany w pobliżu świątyń; o Ucieleśniaj ideał męskiej urody; o Podobni do siebie: młody, szczupły, wysoki. Kouros. VI wiek p.n.e. NS.

Rzeźba archaiczna: o Szczeka - dziewczęta w tunikach. o Ucieleśniaj ideał kobiecego piękna; o Podobni do siebie: kręcone włosy, enigmatyczny uśmiech, ucieleśnienie wyrafinowania. Kora. VI wiek p.n.e. NS.

KLASYKA GRECKIEJ RZEŹBY o Koniec V-IV w. pne NS. - okres burzliwego życia duchowego Grecji, ukształtowanie się w filozofii idealistycznych idei Sokratesa i Platona, które rozwinęły się w walce z materialistyczną filozofią Demokratów, czas dodania i nowych form greckich sztuk pięknych. W rzeźbie męskość i surowość obrazów surowej klasyki zastępuje zainteresowanie światem duchowym człowieka, a jego bardziej złożona i mniej jednoznaczna charakterystyka znajduje odzwierciedlenie w plastiku.

Greccy rzeźbiarze okresu klasycznego: o. Polikleta o. Myron o. Skopas o.o. Praksyteles Lysippos o. Leohar

Polikletus Dzieła Polikleta stały się prawdziwym hymnem o wielkości i duchowej mocy Człowieka. Ulubionym obrazem jest szczupły młody mężczyzna o atletycznej budowie. Nie ma w tym nic zbędnego, „nic ponad miarę”, duchowy i fizyczny wygląd jest harmonijny. Polikleta. Dorifor (włócznik). 450-440 pne NS. Kopia rzymska. Muzeum Narodowe. Neapol

Dorifor ma złożoną postawę, odmienną od statycznej postawy starożytnych kuros. Polikletus jako pierwszy wpadł na pomysł nadania postaciom takiej oprawy, aby spoczywały na dolnej części tylko jednej nogi. Ponadto figura sprawia wrażenie ruchliwej i żywej dzięki temu, że osie poziome nie są równoległe (tzw. chiasm). „Dorifo r” (gr. δορυφόρος – „Włócznik”) – jeden z najsłynniejszych posągów starożytności, uosabia tzw. Kanon Polikleta.

Kanon Polikleta z Doryfora nie jest wizerunkiem konkretnego sportowca-zwycięzcy, ale ilustracją kanonów postaci męskiej. o Poliklet postawił sobie za cel dokładne określenie proporcji postaci ludzkiej, zgodnie z jego ideami idealnego piękna. Te proporcje są ze sobą w cyfrowej relacji. o „Zapewniali nawet, że Polikletus wykonał go celowo, aby inni artyści wykorzystali go jako model” – napisał współczesny. o Sama kompozycja „Kanon” wywarła wielki wpływ na kulturę europejską, mimo że z kompozycji teoretycznej zachowały się tylko dwa fragmenty.

Kanon Polikletusa Jeśli przeliczymy proporcje tego Idealnego Człowieka dla wzrostu 178 cm, parametry posągu będą następujące: 1. objętość szyi - 44 cm, 2. klatka piersiowa - 119, 3. biceps - 38, 4. talia - 93, 5. przedramiona - 33 , 6. nadgarstki - 19, 7. pośladki - 108, 8. uda - 60, 9. kolana - 40, 10. goleń - 42, 11. kostki - 25, 12. stopa - 30 cm.

Myron o Myron - grecki rzeźbiarz z połowy V wieku. pne NS. Rzeźbiarz epoki bezpośrednio poprzedzającej najwyższy rozkwit sztuki greckiej (koniec VI - początek V wieku) o Ucieleśniał ideały siły i piękna człowieka. • Był pierwszym mistrzem złożonych odlewów z brązu. Myronie. Miotacz dyskietek. 450 pne NS. Kopia rzymska. Muzeum Narodowe, Rzym

Myronie. „Discobolus” Starożytni charakteryzują Mirona jako największego realistę i znawcę anatomii, który jednak nie potrafił nadać twarzy życia i wyrazu. Portretował bogów, bohaterów i zwierzęta, a ze szczególną miłością reprodukował trudne, przemijające pozy. o Jego najsłynniejsze dzieło „Discobolus”, sportowiec zamierzający umieścić na dysku, to posąg, który przetrwał do naszych czasów w kilku egzemplarzach, z których najlepszy jest wykonany z marmuru i znajduje się w Pałacu Massami w Rzymie.

Rzeźbiarskie dzieła Skopas o Skopas (420 - ok. 355 pne), pochodzące z bogatej w marmur wyspy Paros. W przeciwieństwie do Praksytelesa Skopas kontynuował tradycje wysokiej klasyki, tworząc monumentalne i heroiczne obrazy. Ale z obrazów V wieku. wyróżnia je dramatyczne napięcie wszystkich sił duchowych. o Pasja, patos, mocny ruch to główne cechy sztuki Skopasa. o Znany również jako architekt, brał udział w tworzeniu reliefowego fryzu dla Mauzoleum w Halikarnasie.

Rzeźbiarskie kreacje Skopasa W stanie ekstazy, w burzliwym przypływie namiętności, przedstawia Scopas Menada. Towarzyszka boga Dionizosa ukazana jest w szybkim tańcu, głowa odrzucona do tyłu, włosy opadły na ramiona, ciało pochylone, przedstawione w skomplikowanym skrócie perspektywicznym, fałdy krótkiej tuniki podkreślają szybki ruch. W przeciwieństwie do rzeźby z V wieku. Scopas Menad jest przeznaczony do oglądania ze wszystkich stron. Skopas. Bachantka

Rzeźbiarskie twory Skopasa Znany również jako architekt, brał udział w tworzeniu reliefowego fryzu dla Mauzoleum w Halikarnasie. Skopas. Bitwa z Amazonkami

Praksyteles o Urodzony w Atenach (ok. 390 - 330 pne) o Inspirująca piosenkarka kobiecej urody.

Rzeźbiarskie kreacje Praksytelesa o Posąg Afrodyty z Knidos jest pierwszym przedstawieniem nagiej kobiecej postaci w sztuce greckiej. Posąg stał na wybrzeżu półwyspu Knidus, a współcześni pisali tu o prawdziwych pielgrzymkach, by podziwiać piękno bogini przygotowującej się do wejścia do wody i rzucającej swoje ubrania na stojący obok niej wazon. o Oryginał posągu nie zachował się. Praksytel. Afrodyta z Knidos

Rzeźbiarskie twory Praksytelesa W jedynym marmurowym posągu Hermesa (patrona handlu i podróżników, a także posłańca, „kuriera” bogów), który spłynął do nas w oryginale rzeźbiarza Praksytelesa, mistrz przedstawił piękną młody człowiek w stanie spoczynku i spokoju. W zamyśleniu patrzy na małego Dionizosa, który trzyma w ramionach. Męską urodę sportowca zastępuje nieco kobieca, pełna wdzięku, ale też bardziej uduchowiona. Na posągu Hermesa zachowały się ślady starożytnej rasy: rudobrązowe włosy, srebrna opaska na głowę. Praksytel. Hermesa. Około 330 p.n.e. NS.

Lysippos o Wielki rzeźbiarz IV wieku pne NS. o (370-300 pne). Pracował w brązie, starając się uchwycić obrazy w ulotnym impulsie. Pozostawił po sobie 1500 posągów z brązu, w tym kolosalne figury bogów, bohaterów, sportowców. Cechuje je patos, inspiracja, emocjonalność.Oryginał do nas nie dotarł. Rzeźbiarz nadworny Marmurowa kopia głowy A. Macedońskiego

Rzeźbiarskie twory Lysippos o W tej rzeźbie, z niezwykłą kunsztem, zostaje oddana namiętna intensywność pojedynku Herkulesa z lwem. Lysippos. Herkules walczący z lwem. IV wiek p.n.e. NS. Rzymska kopia Ermitażu, Sankt Petersburg

Rzeźbiarskie kreacje Lysippos o Lysippos starali się jak najbardziej zbliżyć swoje obrazy do rzeczywistości. o Tak więc pokazał sportowcom nie w momencie największego napięcia sił, ale z reguły w momencie ich upadku, po zawodach. Tak prezentuje się jego Apoxyomenos, czyszczący piasek po sportowej walce. Ma zmęczoną twarz, włosy zlepione od potu. Lysippos. Apoksyomeny. Kopia rzymska, 330 pne NS.

Rzeźbiarskie kreacje Lysipposa o Fascynującego Hermesa, zawsze szybkiego i żywego, przedstawia również Lysippos, jakby w stanie skrajnego zmęczenia, przykucnięty na chwilę na kamieniu i gotowy do biegu w następnej sekundzie w swoich skrzydlatych sandałach. Lysippos. „Odpoczywający Hermes”

Rzeźbiarskie kreacje Lysippos o Lysippos stworzył własny kanon proporcji ludzkiego ciała, zgodnie z którym jego postacie są wyższe i smuklejsze niż Polikleta (wielkość głowy to 1/9 figury). Lysippos. „Herkules Farnese”

Leohar Jego praca jest doskonałą próbą uchwycenia klasycznego ideału ludzkiego piękna. W jego pracach nie tylko perfekcja obrazów, ale umiejętności i technika wykonania. Apollo jest uważany za jedno z najwspanialszych dzieł starożytności. Leohar. Apollo Belvedere. IV w p.n.e. NS. Kopia rzymska. Muzea Watykańskie

Rzeźba grecka Tak więc w rzeźbie greckiej wyrazistość obrazu dotyczyła całego ciała człowieka, jego ruchów, a nie tylko jednej twarzy. Pomimo tego, że wiele greckich posągów nie zachowało swojej górnej części (jak np. „Nika z Samotraki” czy „Nike rozwiąż sandały” przyszła do nas bez głowy, zapominamy o tym, patrząc na całościowe plastikowe rozwiązanie obraz i ciało zostało pomyślane przez Greków w niepodzielnej jedności, wtedy ciała greckich posągów są niezwykle uduchowione.

Nike z Samotraki Posąg został wzniesiony z okazji zwycięstwa floty macedońskiej nad Egipcjanami w 306 rpne. NS. Bogini została przedstawiona jakby na dziobie statku, ogłaszając zwycięstwo dźwiękiem trąby. Patos zwycięstwa wyraża się w porywczym ruchu bogini, w szerokim trzepotaniu jej skrzydeł. Nika z Samotraki II wpne NS. Luwr, Paryż Marmur

Nika Untie the Sandal Bogini jest ukazana, aby rozwiązać sandał przed wejściem do Świątyni Marmuru. Ateny

Wenus z Milo Dnia 8 kwietnia 1820 roku grecki chłop z wyspy Melos imieniem Iorgos, kopiąc ziemię, poczuł, że jego łopata z głuchym brzękiem wpadła na coś solidnego. Iorgos kopał obok - ten sam wynik. Cofnął się o krok, ale nawet tutaj łopata nie chciała wbić się w ziemię. Najpierw Iorgos zobaczył kamienną niszę. Miał około czterech do pięciu metrów szerokości. W kamiennej krypcie, ku swemu zdziwieniu, znalazł marmurowy posąg. To była Wenus. Agesander. Wenus z Milo. Żaluzja. 120 pne NS.

Laokoonie i jego synowie Laokoonie, nikogo nie uratowałeś! Ani miasto, ani świat nie są zbawicielem. Umysł jest bezsilny. Upadek dumnej Trójki jest z góry określony; krąg fatalnych wydarzeń zamknął się w duszącej koronie wężowych pierścieni. Przerażenie na twojej twarzy, błaganie i jęki twojego dziecka; drugi syn został uciszony przez truciznę. Twoje omdlenia. Twój świszczący oddech: „Niech to będę ja…” I trucizna. Są silniejsze! W paszczy węża gniew płonie potężnie. ... ... Laokoon, a kto cię słyszał? ! Oto twoi chłopcy. ... ... Oni są. ... ... nie oddychaj. Ale w każdym trzy czekają na swoje konie.