1. Magas reneszánsz.
2. Leonardo da Vinci, Tizianus, Raphael, Michelangelo művei.
3. Északi reneszánsz: Hollandia és Németország művészete.

Magas reneszánsz

A magas reneszánsz művészete a 15. század végét és a 16. század első három évtizedét öleli fel. Az olasz művészet "aranykora" időrendileg nagyon rövid volt, és csak Velencében tartott tovább, egészen a század közepéig. De ebben az időben születtek a reneszánsz titánjainak csodálatos alkotásai.

A kultúra legnagyobb felemelkedése Olaszország életének legnehezebb történelmi időszakában ment végbe, az olasz államok éles gazdasági és politikai meggyengülése körülményei között. A keleti török ​​hódítások, Amerika felfedezése és az Indiába vezető új tengeri útvonal megfosztja az olasz városokat a legfontosabb kereskedelmi központok szerepétől; a széthúzás és az állandó egymás közötti ellenségeskedés könnyű prédává teszi őket az egyre inkább központosított északnyugati államoknak. Az országon belüli tőkemozgás a kereskedelemből és az iparból a mezőgazdaságba, valamint a burzsoázia fokozatos átalakulása földbirtokosok osztályává hozzájárult a feudális reakció elterjedéséhez. A francia csapatok 1494-es inváziója, a 16. század első évtizedeinek pusztító háborúi és Róma veresége nagymértékben meggyengítette Itáliát. Ebben az időben, amikor az országra az idegen hódítók általi teljes rabszolgasorba kerülésének veszélye fenyegetett, akkor mutatkozott meg a nép ereje, amely a nemzeti függetlenségért, a köztársasági államformáért, annak növekedéséért folytatott harcba lép. Nemzeti identitás. Ezt bizonyítják a 16. század eleji népmozgalmak sokakban olasz városok, és különösen Firenzében, ahol a köztársasági uralom kétszer jött létre: 1494 és 1512 között, valamint 1527 és 1530 között. Hatalmas társadalmi fellendülés szolgált a magas reneszánsz erőteljes kultúrájának kivirágzásának alapjául. A 16. század első évtizedeinek nehéz körülményei között egy új stílus művelődési és művészeti alapelvei alakultak ki.
A magas reneszánsz kultúrájának jellegzetessége volt alkotói társadalmi látókörének rendkívüli bővülése, világról és térről alkotott elképzeléseik léptéke. Megváltozik az ember nézete és a világhoz való hozzáállása. Maga a művésztípus, világnézete és a társadalomban elfoglalt helyzete határozottan különbözik a 15. századi mesterekétől, akik még nagyrészt a kézművesek osztályához kötődnek. A magas reneszánsz művészei nemcsak nagy kultúrájú emberek voltak, hanem alkotó egyéniségek, akik mentesek a céhes keretektől, és arra kényszerítették az uralkodó osztályok képviselőit, hogy figyelembe vegyék terveiket.
Művészetük középpontjában, összefoglalva: művészi nyelv, egy ideálisan szép ember képe, testileg és lelkileg tökéletes, nem elvonatkoztatva a valóságtól, hanem tele van élettel, belső erővel és jelentőséggel, az önigazolás titáni erejével. A 16. század eleji új művészet legfontosabb központja Firenzével együtt a pápai Róma és a patrícius Velence volt. Az 1530-as évektől Közép-Olaszországban erősödik a feudális-katolikus reakció, és ezzel együtt terjed a művészetben egy dekadens mozgalom, az úgynevezett modorosság. És már a 16. század második felében megjelentek az antimanierista művészet irányzatai.
Ebben a késői időszakban, amikor a reneszánsz kultúra csak egyes központjai őrzik meg szerepüket, ők alkotják a legjelentősebb művészeti alkotásokat. Ezek Michelangelo, Palladio és a nagy velenceiek késői alkotásai.

Leonardo da Vinci művei

A magas reneszánsz művészetének bizonyos irányzatait előrevetítették a munkáiban kiemelkedő művészek században, és a fenség, a monumentalizálás és a kép általánosítása iránti vágyban fejeződött ki. A magas reneszánsz stílus igazi megalapítója azonban Leonardo da Vinci volt, egy zseni, akinek munkássága grandiózus minőségi váltást jelentett a művészetben. Átfogó, tudományos és művészeti tevékenységének jelentősége csak Leonardo szétszórt kéziratainak vizsgálatakor vált világossá. Jegyzetei és rajzai ragyogó betekintést nyújtanak a tudomány és a technika különböző területeire. Engels megfogalmazása szerint „nemcsak nagyszerű festő volt, hanem nagyszerű matematikus, mechanikus és mérnök is, akinek a fizika legkülönfélébb ágai fontos felfedezéseket köszönhetnek”.

A művészet Leonardo számára a világ megértésének eszköze volt. Számos vázlata a tudományos munka illusztrációjaként szolgál, és egyben mű is magas művészet. Leonardo megtestesült új típusú művész - tudós, gondolkodó, feltűnő nézeteinek szélességében és tehetségének sokoldalúságában.
Leonardo Anchiano faluban született, Vinci városa közelében. Egy közjegyző és egy egyszerű parasztasszony törvénytelen fia volt. Firenzében tanult, Andrea Verrocchio szobrász és festő műtermében. Leonardo egyik korai alkotása - az angyal alakja Verrocchio „Keresztelés” című festményén (Firenze, Uffizi) – finom lelkiségével kiemelkedik a megdermedt szereplők közül, és alkotója érettségéről tanúskodik.
Leonardo korai alkotásai közé tartozik a „Madonna virággal” (az úgynevezett „Benois Madonna”, 1478 körül), amelyet az Ermitázsban őriztek, és amely határozottan különbözik a 15. századi Madonnáktól. A kora reneszánsz mesterek munkáiban rejlő műfajt és gondos részletezést megtagadva Leonardo elmélyíti a jellegzetességeket és általánosítja a formákat. Fiatal anya és csecsemő figurái, oldalfénnyel finoman megmintázva, szinte a kép teljes terét betöltik. A figurák egymáshoz szervesen kapcsolódó mozgása természetes, plasztikus. Tisztán kiemelkednek a fal sötét hátteréből. Az ablakon megnyíló tiszta kék ég a természettel, az ember által uralt hatalmas világgal kapcsolja össze az alakokat. A kompozíció kiegyensúlyozott felépítésében belső mintázat érződik. De nem zárja ki az életben megfigyelhető melegséget, naiv bájt.
1480-ban Leonardonak már volt saját műhelye, és megrendeléseket kapott. A tudomány iránti szenvedélye azonban gyakran elvonta a figyelmét művészeti tanulmányairól. Befejezetlen maradt a „Magusok imádása” (Firenze, Uffizi) és a „Szent Jeromos” (Róma, Vatikáni Pinacoteca) nagyoltárkompozíció. Az elsőben a művész az oltárkép összetett monumentális kompozícióját igyekezett piramis alakú, jól látható csoporttá alakítani, átadni az emberi érzések mélységét. A másodikban - az emberi test összetett szögeinek, a táj terének igaz ábrázolására.
Nem talált tehetségének kellő megbecsülését Lorenzo de' Medici udvarában, kifinomultság kultuszával Leonardo Milánó hercege, Lodovico Moro szolgálatába lépett. Leonardo munkásságának milánói időszaka (1482-1499) bizonyult a legtermékenyebbnek. Itt teljes erővel feltárult tudósi, feltalálói és művészi tehetségének sokoldalúsága.
Tevékenységét egy szobrászati ​​emlékmű – Ludovico Moro herceg atyjának, Francesco Sforza lovas szobrának – kivitelezésével kezdte. Az emlékmű nagy makettjét, amelyet a kortársak egyöntetűen dicsértek, Milánó franciák 1499-es elfoglalásakor semmisítették meg. Csak rajzok és vázlatok maradtak fenn különféle lehetőségeket emlékmű, akár egy nevelő ló képe, tele dinamikával, vagy egy ünnepélyesen teljesítő ló, amely Donatello és Verrocchio kompozíciós megoldásait idézi. Úgy tűnik, ez az utolsó lehetőség a szobor modelljévé vált. Mérete lényegesen nagyobb volt, mint a Gattamelata és Colleoni emlékművei, ami okot adott a kortársaknak és magának Leonardonak is, hogy „a nagy kolosszusnak” nevezzék az emlékművet. Ez a munka lehetővé teszi, hogy Leonardot az akkori idők egyik legnagyobb szobrászának tekintsük.
Egyetlen befejezett Leonardo építészeti projekt sem jutott el hozzánk. Pedig rajzai és épülettervei, az ideális város megteremtésének tervei kiemelkedő építészként mutatják be ajándékát.
NAK NEK Milánói időszak viszonyul festményekérett stílus - „Madonna a barlangban” és „Az utolsó vacsora”. A „Madonna a barlangban” (1483-1494, Párizs, Louvre) a magas reneszánsz első monumentális oltárkompozíciója. Szereplői Mária, János, Krisztus és az angyal a nagyság, a költői szellemiség és az életteljes kifejezőképesség vonásait sajátították el. Az átgondoltság és a cselekvés hangulata egyesítve – a csecsemő Krisztus megáldja Jánost – egy harmonikus piramiscsoportban, mintha a chiaroscuro könnyed homálya legyezné meg, az evangéliumi legenda szereplői a megtestesülésnek tűnnek. ideális képek békés boldogság.

Leonardo monumentális festményei közül a legjelentősebb, az „Utolsó vacsora”, amelyet 1495-1497-ben a milánói Santa Maria della Grazie kolostor számára készítettek, a valódi szenvedélyek és drámai érzések világába kalauzol el. Leonardo az evangéliumi epizód hagyományos értelmezésétől eltérve innovatív megoldást ad a témára, az emberi érzéseket és élményeket mélyen feltáró kompozíciót. A refektórium berendezésének körvonalait minimalizálva, az asztal méretét szándékosan lecsökkentve és előtérbe tolva az esemény drámai csúcspontjára, a különböző vérmérsékletű emberek kontrasztos tulajdonságaira, a komplex tartomány megnyilvánulására összpontosítja a figyelmet. arckifejezésekben és gesztusokban kifejezett érzések, amelyekkel az apostolok válaszolnak Krisztus szavaira: „Egy közületek elárul engem.” Az apostolokhoz képest döntő kontrasztot adnak a kompozíció közepén elhelyezkedő, külsőleg nyugodt, de szomorúan töprengő Krisztus és az asztal szélére támaszkodó áruló Júdás képei, akinek durva, ragadozó profilja belemerül. árnyék. A zavarodottság, amelyet a pénztárcáját eszeveszetten szorongató kézmozdulat emel ki, és komor külseje különbözteti meg a többi apostoltól, akiknek kivilágosodott arcáról meglepetés, együttérzés és felháborodás olvasható ki. Leonardo nem választja el Júdás alakját a többi apostoltól, ahogy a korai reneszánsz mesterek tették. Júdás visszataszító megjelenése mégis élesebben és mélyebben fedi fel az árulás gondolatát. Krisztus mind a tizenkét tanítványa hármas csoportokban helyezkedik el, a tanító mindkét oldalán. Néhányan közülük izgatottan felpattannak a helyükről, és Krisztushoz fordulnak. A művész az apostolok különféle belső mozgásait szigorú rendnek rendeli alá. A freskó kompozíciója ámulatba ejt egységével, integritásával, szigorúan kiegyensúlyozott, konstrukciós centrikus. A képek monumentalizálása és a festmény léptéke hozzájárul a kép mély jelentőségének benyomásához, alárendelve a refektórium teljes nagy terét. Leonardo zseniálisan megoldja a festészet és az építészet szintézisének problémáját. Azzal, hogy az asztalt párhuzamosan helyezi a falra, amelyet a freskó díszít, érvényesíti annak síkját. A freskón ábrázolt oldalfalak perspektivikus kicsinyítése a refektórium valódi terét látszik folytatni.
A freskó súlyosan megsérült. Leonardo új anyagokkal végzett kísérletei nem állták ki az idő próbáját a későbbi felvételek és restaurálások szinte elrejtették az eredetit, amelyet csak 1954-ben töröltek. De a fennmaradt metszetek és előkészítő rajzok lehetővé teszik a kompozíció minden részletének kitöltését.
Miután Milánót francia csapatok elfoglalták, Leonardo elhagyta a várost. Évekig tartó vándorlás kezdődött. A Firenzei Köztársaság megbízásából kartont készített az „Anghiari csata” freskóhoz, amely a Palazzo Vecchio (városi önkormányzat épülete) tanácstermének egyik falát díszítette. A karton elkészítésekor Leonardo versenybe szállt az ifjú Michelangelóval, aki a „Cascinai csata” freskó megrendelését teljesítette ugyanannak a teremnek egy másik falára. Ezek a kartonok, amelyek kortársaiktól egyetemes elismerésben részesültek, azonban a mai napig nem maradtak fenn. Csak a régi másolatok és metszetek teszik lehetővé, hogy megítéljük a magas reneszánsz géniuszainak újítását a harci festészet terén.
Leonardo drámával és dinamikával teli kompozíciójában a zászlóért vívott csata epizódja, a harcolók erői legnagyobb feszültségének pillanata adott, feltárul a háború kegyetlen igazsága. A világfestészet egyik leghíresebb alkotása, Mona Lisa („La Gioconda”, 1504 körül, Párizs, Louvre) portréjának megalkotása ebből az időből származik. Rendkívüli a megalkotott kép mélysége és jelentősége, melyben az egyéni vonások nagy általánosítással ötvöződnek. Leonardo újítása a reneszánsz portréművészet fejlődésében is megmutatkozott.
Plasztikusan részletezett, sziluettbe zárt fiatal nő fenséges alakja uralja a távoli, kékes ködbe burkolt tájat, sziklák és vízcsatornák között kanyarognak. Az összetett, félig fantasztikus táj finoman harmonizál az ábrázolt személy karakterével és intelligenciájával. Úgy tűnik, maga az élet bizonytalan változékonysága érződik finom mosollyal megelevenített arckifejezésén, nyugodtan magabiztos, átható tekintetén. A patrícius arca és karcsú kezei elképesztő gondossággal és gyengédséggel vannak megfestve. A chiaroscuro (ún. sfumato) legvékonyabb, mintegy olvadó homálya, amely beborítja az alakot, lágyítja a kontúrokat és az árnyékokat; A képen egyetlen éles vonás vagy szögletes kontúr sincs.
Élete utolsó éveiben Leonardo ideje nagy részét tudományos kutatásnak szentelte. Franciaországban halt meg, ahová I. Ferenc francia király meghívására érkezett, és ahol mindössze két évig élt.
Művészeti, tudományos és elméleti kutatásai, valamint személyisége óriási hatással volt a világkultúra fejlődésére. Kéziratai számtalan feljegyzést és rajzot tartalmaznak, amelyek Leonardo zsenialitásának egyetemességéről tanúskodnak. Gondosan megrajzolt virágok és fák, ismeretlen eszközök, gépek és készülékek vázlatai láthatók. Az analitikusan pontos képek mellett vannak olyan rajzok, amelyek rendkívüli terjedelmükkel, epikusságukkal vagy finom líraiságukkal tűnnek ki. A kísérleti tudás szenvedélyes csodálója, Leonardo törekedett annak kritikai megértésére és az általánosító törvények keresésére. „A tapasztalat az egyetlen tudásforrás” – mondta a művész. A „Festészet könyve” a realista művészet teoretikusaként tárja fel nézeteit, akinek a festészet egyszerre „tudomány és a természet törvényes leánya”. A dolgozat tartalmazza Leonardo kijelentéseit az anatómiáról és a perspektíváról, mintákat keres a harmonikus emberi alak felépítésében, ír a színek és a reflexek kölcsönhatásáról. Leonardo követői és tanítványai között azonban egyetlen egy sem közeledett a tanárhoz tehetség tekintetében; megfosztva az önálló művészetszemlélettől, csak külsőleg asszimilálták művészi stílusát.

Tiziano Vecellio festményei és életrajza

Tiziano Urbinói Vénusz, 1538 Uffizi Galéria, Firenze Vénusz és Adonisz, 1550-es évek Getty Múzeum, Los Angeles.

Violanta (Beauty Gatta)
Bűnbánó Mária Magdolna

Világi szerelem (A földiek hiúsága) 1515	Fiatalok szakadt kesztyűvel, 1515-1520	Növényvilág 1515	Francesco della Rovere 1538	Fiatal nő portréja, 1536

Szerelem földi és mennyei, 1515

Pietro Aretino portréja 1545	V. Károly portréja 1548	Danae 1554	Sziszifusz 1549	Vénusz tükörrel 1555

Mária mennybemenetele, (Assunta), 1518	Tarquin és Lucretia 1568-1571	Elföldelés 1524-1526	Szent Sebestyén 1570	Krisztus siralma 1576

Madonna a Pesaro családból, 1519-1526	Bacchus és Ariadné 1522	Bevezetés a templomba 1534-1538	, 1546	Az idő allegóriája 1565

Tizianus (valójában Tiziano Veccellio) (körülbelül 1488/1490 - 1576), a magas és a késő reneszánsz olasz festője. Velencében tanult Giovanni Bellininél, akinek műhelyében került közel Giorgionéhez; dolgozott Velencében, valamint Padovában, Ferrarában, Mantovában, Urbinóban, Rómában és Augsburgban. A velencei művészeti körökhöz (Giorgione, Jacopo Sansovino építész, Pietro Aretino író), a velencei festőiskola kiemelkedő mestereként szorosan kötődő Tizian a reneszánsz humanista eszméit testesítette meg munkáiban. Életigenlő művészetét a sokoldalúság, a valóság szélessége, a korszak mély drámai konfliktusainak feltárása jellemzi. A táj iránti érdeklődés, a költészet, a lírai elmélkedés, a finom színezés hasonló Tizian korai műveihez (az ún. „Cigány Madonna”, Kunsthistorisches Museum, Bécs; „Krisztus és a bűnös”, Művészeti Galéria, Glasgow) Giorgione munkájával; A művész az 1510-es évek közepén kezdett önálló stílust kialakítani, miután megismerkedett Raffael és Michelangelo munkáival. Festményeinek nyugodt és örömteli képeit ebben az időszakban az élet teljessége, az érzések fényessége, a belső megvilágosodás fémjelzi, a fő színezés a mély, tiszta színek összhangjára épül ("Földi és mennyei szerelem", 1514 körül -1516, Galleria Borghese, Róma, 1515 körül, Uffizi, 1518, Műcsarnok, Drezda; Ugyanakkor Tizian számos portrét festett, szigorú és nyugodt kompozíciójú, és finoman pszichológiailag („Fiatal férfi kesztyűvel”, Louvre, Párizs; „Ember portréja”, National Gallery, London). Új időszak Tizian kreativitása (1510-es évek vége – 1530-as évek) Velence társadalmi és kulturális felemelkedéséhez kapcsolódik, amely ebben a korszakban a humanizmus és a városi szabadságjogok egyik fő fellegvárává vált Olaszországban. Ebben az időben Tizianus monumentális, fenséges pátosszal teli oltárképeket készített („Mária mennybemenetele”, kb. 1516-1518, Santa Maria Gloriosa dei Frari-templom, Velence), amelyek kompozícióját áthatja a mozgás, festmények a Evangélium és Urbinói Vénusz, 1538 Uffizi Galéria, Firenze Vénusz és Adonisz, 1550-es évek Getty Múzeum, Los Angeles.

Violanta (Beauty Gatta)
1514, Kunsthistorisches Museum, Bécs Bűnbánó Mária Magdolna
1560-as évek, Ermitázs, Szentpétervár

mitológiai témák („Vénusz Fesztiválja”, 1518, Prado, Madrid; „Temetkezés”, 1520-as évek, Louvre; „Bevezetés a templomba”, 1538, Galleria dell’Accademia, Velence; „Urbinói Vénusz”, 1538, Uffizi), a kék és piros színfoltok intenzív kontrasztjain alapuló hangzatos színséma, gazdag építészeti háttér, amelyben a művész apró műfaji jeleneteket és hétköznapi részleteket foglalt magában. Az 1530-as évek vége Tizian portréművészetének virágkora. A művész elképesztő éleslátással ábrázolta kortársait, megragadva szereplőik különböző, olykor egymásnak ellentmondó vonásait: képmutatást és gyanakvást, magabiztosságot és méltóságot („Ippolito de' Medici”, 1532, „La Bella”, 1538, mindez a Palatinus Galleryben , Firenze). A mély tragédiával teli Tizianus késői vallásos festményeit a karakter integritása és a sztoikus bátorság jellemzi („Bűnbánó Mária Magdolna”, 1560-as évek, Ermitázs, Szentpétervár; „Töviskorona”, 1570-es évek, Alte Pinakothek, München; „Krisztus siralma” ” , 1575 és „Pieta”, 1576, mindkettő – Galleria dell’Accademia, Velence). Tizian későbbi munkáinak színvilága a legfinomabb színes kromatikára épül: az általában az aranytónusnak alárendelt színvilág az finom árnyalatok barna, acélkék, rózsaszín-piros, kifakult zöld.

Világi szerelem (A földiek hiúsága) 1515	Fiatalok szakadt kesztyűvel, 1515-1520	Növényvilág 1515	Francesco della Rovere 1538	Fiatal nő portréja, 1536

Munkásságának késői szakaszában Tizian a csúcsra jutott mind festőkészségében, mind a vallási és mitológiai témák érzelmi és pszichológiai értelmezésében. Az emberi test életigenlő szépsége, a környező világ sokasága lett a művész ókori mitológiából merített alkotásainak vezérmotívuma („Danae”, 1554 körül, Prado, Madrid és Ermitázs, Szentpétervár; „Vénusz” a tükör előtt”, 1550-es évek, National Gallery of Art, Washington, „Diana és Actaeon”, 1556 és „Diana és Callisto”, 1556-1559, mindkét festmény a Skót Nemzeti Galériában, Edinburghban).

Szerelem földi és mennyei, 1515

Pietro Aretino portréja 1545	V. Károly portréja 1548	Danae 1554	Sziszifusz 1549	Vénusz tükörrel 1555

A művész ecsetmunkája rendkívül szabaddá válik, a merész plasztikus modellezés segítségével a festékeket nem csak ecsettel, hanem spatulával, sőt ujjakkal is felviszik a vászonra. Az átlátszó mázak nem rejtik el az aláfestést, de helyenként felfedik a vászon szemcsés textúráját. A rugalmas vonások kombinációjából lendületes életerővel és drámával teli képek születnek. Az 1550-es években Tizian munkásságának jellege megváltozott, vallásos kompozícióiban felerősödött a drámai kezdet („Szent Lőrinc mártíromsága”, 1555, Gesuiti templom, Velence; „Temetkezés”, 1559, Prado). Ugyanakkor ismét a mitológiai témák felé fordul, a virágzó női szépség motívumához („Sisyphus”, 1549-1550; „Danae”, 1554; „Vénusz és Adonisz”, 1554, mind - Prado, Madrid; „Perseus és Andromeda”, 1556, Wallace Collection, London). Ezekhez a képekhez közel áll a keservesen síró Mária Magdolna is az azonos című festményen.

Mária mennybemenetele, (Assunta), 1518	Tarquin és Lucretia 1568-1571	Elföldelés 1524-1526	Szent Sebestyén 1570	Krisztus siralma 1576

A művész munkásságában jelentős fordulópont az 1550-1560-as évek fordulóján következik be. A világ tele van dinamikával, zűrzavarral, erős indulatokkal az Ovidius Metamorfózisainak cselekményein alapuló mitológiai kompozíciókban, amelyeket Tizian írt II. Fülöp számára: „Diana és Actaeon” és „Diana és Callisto” (1559, Nemzeti Galéria , Edinburgh), „Európa megerőszakolása” (1562, Isabella Stewart Gardner Múzeum, Boston), „Diana vadászata” (1565 körül, National Gallery, London). Ezeken a gyors mozgással és színvibrációval átitatott vásznakon már Tizianus utolsó műveire jellemző, úgynevezett „késői modor” eleme („Szent Sebestyén”, 1565-1570, Ermitázs; „Pásztor és nimfa” , 1570, Művészettörténeti Múzeum, Bécs, „Marsyas büntetése”, 1570-es évek, „Krisztus siralma”, 1576, Accademia Galéria, Velence;

Madonna a Pesaro családból, 1519-1526	Bacchus és Ariadné 1522	Bevezetés a templomba 1534-1538	Pál pápa Farnese unokáival, 1546	Az idő allegóriája 1565

Ezeket a vásznakat összetett képi szerkezet, a formák és a háttér elmosódott határai különböztetik meg; a vászon felülete széles ecsettel felvitt, olykor ujjakkal bedörzsölt vonásokból szövöttnek látszik. Az egymást kiegészítő, egymást átható vagy kontrasztos tónusok árnyalatai egyfajta egységet alkotnak, amelyből formák vagy tompa csillogó színek születnek. A „késői modor” újítását a kortársak nem értették, és csak később értékelték. Tizian művészete, amely a legteljesebben feltárta a velencei iskola eredetiségét, nagy hatással volt a 17. század legnagyobb művészeinek megalakulására Rubenstől és Velazqueztől Poussinig. Tizianus festészeti technikája egészen a XX. századig kivételes hatással volt a világ képzőművészetének további fejlődésére.

Rafael Santi művei

A reneszánsz humanizmus legfényesebb és legmagasztosabb eszméinek gondolatát Raphael Santi (1483-1520) munkája testesítette meg legteljesebben. Leonardo fiatalabb kortársa, aki rövid, rendkívül eseménydús életet élt, Raphael szintetizálta elődei vívmányait, és megalkotta eszményét egy gyönyörű, harmonikusan fejlett emberről, akit fenséges építészet vagy táj veszi körül. Raphael Urbinóban született, egy festő családjában, aki első tanára volt. Később Timoteo della Vitinél és Peruginonál tanult, utóbbi stílusát tökéletesre elsajátítva. Peruginóból Raphael átvette a vonalak simaságát, azt a szabadságot, hogy egy alakot elhelyezzen a térben, ami kiforrott kompozícióira jellemzővé vált. Tizenhét éves fiúként igazi alkotói érettségről árulkodik, harmóniával és lelki tisztasággal teli képsorokat hoz létre.

Gyengéd líra és kifinomult spiritualitás különbözteti meg egyik korai művét - a „Madonna Conestabile”-t (1502, Szentpétervár, Ermitázs), egy fiatal anya megvilágosodott képe, amelyet átlátszó umbriai táj hátterében ábrázoltak. Az alakok térbeli szabad elrendezésének, egymással és a környezettel való összekapcsolásának képessége a „Mária eljegyzése” (1504, Milánó, Brera Galéria) című kompozícióban is megnyilvánul. A táj felépítésének tágassága, az építészeti formák harmóniája, a kompozíció minden részének kiegyensúlyozottsága és integritása Raphaelnek a magas reneszánsz mestereként való megjelenéséről tanúskodnak.
Firenzébe érkezésekor Raphael könnyen magába szívta a firenzei iskola művészeinek legfontosabb eredményeit annak markáns plasztikus kezdetével és széles valóságterével. Művészetének tartalma továbbra is a fény lírai témája anyai szeretet, amelynek különös jelentőséget tulajdonít. Érettebb kifejezést kap az olyan művekben, mint a „Madonna a zöldekben” (1505, Bécs, Kunsthistorisches Museum), „Madonna az aranypintyvel” (Firenze, Uffizi), „A gyönyörű kertész” (1507, Párizs, Louvre). Lényegében mindegyik ugyanazt a kompozíciótípust variálja, Mária, a csecsemő Krisztus és a Keresztelő figuráiból áll, piramisszerű csoportokat alkotva egy gyönyörű vidéki táj hátterében, Leonardo által korábban megtalált kompozíciós technikák jegyében. A mozdulatok természetessége, a formák lágy plaszticitása, a dallamos vonalak simasága, a Madonna ideális típusának szépsége, a táji hátterek letisztultsága, tisztasága segít feltárni e kompozíciók figurális szerkezetének magasztos költészetét.
1508-ban Raffaelt Rómába, II. Julius pápa udvarába hívták munkára. Ő egy hatalmas, ambiciózus és energikus ember, aki arra törekedett, hogy fővárosa művészeti kincseit gyarapítsa, és szolgálatába vonzza az akkori kor legtehetségesebb kulturális személyiségeit. A 16. század elején Róma reményt keltett az ország nemzeti egyesítésében. A nemzeti rend eszméi teremtették meg a terepet az alkotó növekedéshez, a művészetben a haladó törekvések megtestesüléséhez. Itt, az ókor örökségének közvetlen közelében Raphael tehetsége kivirágzik és érlelődik, és a nyugodt nagyszerűség új hatókörét és vonásait sajátítja el.
Raphael megbízást kap a Vatikáni Palota dísztermeinek (úgynevezett strófáinak) kifestésére. Ez a munka, amely 1509-től 1517-ig szakaszosan folytatódott, Raphaelt az olasz monumentális művészet legnagyobb mesterei közé sorolta, aki magabiztosan oldotta meg a reneszánsz építészet és festészet szintetizálásának problémáját. Raphael monumentalista és dekoratőr ajándéka teljes pompájában tárult fel a Stanzi della Segnatura (nyomda) festésekor. Ennek a teremnek a vitorlás boltozatokkal borított hosszú falain a „Disputation” és az „Athéni Iskola” kompozíciók, a keskeny falakon pedig „Parnasszus” és „Bölcsesség, mértékletesség és erő” találhatók, megszemélyesítve az emberiség négy területét. spirituális tevékenység: teológia, filozófia, költészet és jogtudomány . A négy részre osztott boltozatot allegorikus alakzatok díszítik, amelyek falfestményekkel egységes dekorációs rendszert alkotnak. Így a helyiség teljes terét festés töltötte be.

Ádám és Éva 1510	Athéni iskola 1509	Galatea diadala 1511	Vita 1510	Ésaiás próféta 1512

A keresztény vallás és a pogány mitológia képeinek kombinációja a festményeken arról tanúskodott, hogy az akkori humanisták körében elterjedt a keresztény vallás és az ókori kultúrával való megbékélés gondolata, valamint a világi elv feltétlen győzelme az egyház felett. Az egyházi alakok ábrázolásának szentelt „Disputációban” (egyházatyák vitája a közösségről) a vita résztvevői között is fel lehet ismerni Olaszország költőit és művészeit - Dante, Fra Beato Angelico és más festők. és írók. Az „Athén iskola” című kompozíció a humanista eszmék diadalmenetéről a reneszánsz művészetben és annak az ókorral való kapcsolatáról beszél, dicsőítve egy szép és erős ember elméjét, az ókori tudományt és filozófiát. A festményt a fényes jövőről szóló álom megtestesülésének tekintik. A grandiózus íves ívek enfiládjának mélyéről az ókori gondolkodók csoportja bukkan elő, melynek középpontjában a fenséges, őszszakállú Platón és a magabiztos, ihletett Arisztotelész, földre mutató kézmozdulattal, az idealista, ill. materialista filozófia. Lent, balra a lépcső mellett Pythagoras egy könyv fölé hajolt, körülötte diákok, jobbról Eukleidész, itt, a legszélén pedig Raphael ábrázolta magát Sodoma festő mellett. Ez egy szelíd, vonzó arcú fiatalember. A freskó összes szereplőjét a magas szellemi felemelkedés és a mély gondolatok hangulata egyesíti. Integritásukban és harmóniájukban felbonthatatlan csoportokat alkotnak, ahol minden szereplő pontosan elfoglalja a helyét, és ahol maga az építészet a maga szigorú szabályszerűségében és fenségében segít újrateremteni a kreatív gondolkodás magaslati hangulatát.
A Stanza d’Eliodoro „Eliodorus kiűzése” című freskója kiemelkedik intenzív drámaiságával. A végbemenő csoda - a templomrabló mennyei lovas általi kiűzése - hirtelenségét a főmozgás gyors átlója és a fényhatások alkalmazása közvetíti. II. Julius pápát a nézők között ábrázolják, akik Eliodorosz kiűzését nézik. Ez egy utalás Raphael korabeli eseményeire - a francia csapatok kiűzésére a pápai államokból.
Raphael munkásságának római korszakát a portréművészet terén elért kiemelkedő eredmények jellemezték. A „bolsenai mise” (freskói Stanza d’Eliodoro-ban) élettel teli szereplői megrendítő portrévonásokat kapnak. Raphael a festőállványfestészetben is a portré műfajához fordult, megmutatva itt eredetiségét, feltárva a modellben a legjellemzőbbet és legjelentősebbet. Július pápáról (1511, Firenze, Uffizi), X. Leó pápáról Ludovico dei Rossi bíborossal és Giulio dei Medicivel (1518 körül, uo.) portrékat és más portréfestményeket festett. Fontos hely művészetében továbbra is a Madonna képe foglalja el a képet, amely a nagy nagyszerűség, a monumentalitás, a magabiztosság és az erő vonásait sajátítja el. Ilyen a „Madonna della sedia” („Madonna a fotelben”, 1516, Firenze, Pitti Galéria) harmonikus, körbe zárt kompozíciójával.
Ugyanakkor Raphael megalkotta legnagyobb alkotását, a „The Sixtus Madonna”-t (1515-1519, Drezda, Művészeti Galéria), amelyet a Szent István-templomnak szántak. Sixta Piacenzában. A korábbi, könnyedebb hangulatú, lírai Madonnákkal ellentétben ez egy fenséges kép, tele mély jelentéssel. A felülről oldalra húzott függönyök rávilágítanak arra, hogy Mary könnyedén sétál át a felhőkön, karján egy babával. Tekintete lehetővé teszi, hogy betekintsen élményei világába. Komolyan, szomorúan és aggódva néz valahova a távolba, mintha előre látná fia tragikus sorsát. A Madonnától balra Sixtus pápa, aki lelkesen elmélkedik a csodán, jobbra Szent Borbála, áhítattal lesüti a tekintetét. Lent két angyal látható, akik felnéznek, és mintha visszatérnénk a fő képhez - a Madonnához és gyermekien gondolkodó babájához. A kompozíció kifogástalan harmóniája és dinamikus egyensúlya, a sima lineáris körvonalak finom ritmusa, a természetesség és a mozgásszabadság alkotják ennek a szilárd, gyönyörű képnek az ellenállhatatlan erejét. Az élet igazsága és eszményi vonásai a Sixtus Madonna összetett tragikus karakterének lelki tisztaságával párosulnak. Egyes kutatók a „Fátyolos hölgy” (1513 körül, Firenze, Pitti Galéria) vonásaiban találták meg prototípusát, de maga Raphael barátjának, Castiglionénak írt levelében azt írta, hogy alkotói módszere a válogatás és az összegzés elvén alapul. életmegfigyelések: "Ahhoz, hogy egy szépséget megfesthessek, sok szépséget kell látnom, de a... szép nők hiánya miatt használok néhány ötletet, ami eszembe jut." Így a művész a valóságban olyan vonásokat talál, amelyek megfelelnek a véletlenszerűség és az átmenetiség fölé emelkedő ideáljának.
Raphael harminchét évesen halt meg, befejezetlenül hagyva a Villa Farnesina festményeit, a vatikáni loggiákat és számos más alkotást, amelyet tanítványai kartonokból és rajzokból készítettek. Raphael szabad, kecses, laza rajzai a világ legnagyobb rajzolói közé helyezik alkotójukat. Építészeti és iparművészeti alkotásai a magas reneszánsz sokrétű tehetségéről tanúskodnak, aki nagy hírnévre tett szert kortársai körében. A Raphael neve később az ideális művész általános főnévévé vált.
Számos olasz tanítvány és Raffael követője vitathatatlan dogmává emelte a tanár alkotói módszerét, ami hozzájárult az utánzás elterjedéséhez az olasz művészetben, és előrevetítette a humanizmus kibontakozó válságát.

Michelangelo Buonarroti művei

A magas reneszánsz csúcspontja és egyben a korszak kultúrájában rejlő mély ellentmondások tükröződése az olasz művészet harmadik titánjának, Michelangelo Buonarrotinak (1475-1564) munkája volt. Michelangelót még a sokoldalúságukban feltűnő Leonardo és Raphaellel összehasonlítva is az különbözteti meg, hogy mindegyik területen művészi kreativitás grandiózus léptékű és erejű műveket hagyott hátra, amelyek a korszak legprogresszívebb eszméit testesítik meg. Michelangelo zseniális szobrász, festő, építész, rajzoló, hadmérnök, költő volt, ugyanakkor a magas humanista eszmék harcosa, polgár, aki karral a kézben védte hazája szabadságát és függetlenségét.
A nagy művész és a harcos elválaszthatatlanok Michelangelo ötletében. Egész élete egy állandó hősies küzdelem a szabadsághoz és a kreativitáshoz való emberi jog érvényesítéséért. Hosszú alkotói pályafutása során a művész figyelme egy olyan személyre összpontosított, aki hatékony, aktív, bravúrra kész, és akit elönt a nagy szenvedély. Műveiben késői időszak a reneszánsz eszmék tragikus összeomlását tükrözi.
Michelangelo Caprese-ben (Firenze környékén) született, egy város uralkodójának családjában. Tizenhárom éves fiúként Ghirlandaio műhelyébe, majd egy évvel később a Lorenzo de' Medici, the Magnificent udvarának művészeti iskolájába került. Itt, a San Marco kolostor úgynevezett Medici-kertjében folytatta tanulmányait Bertoldo di Giovanni, az ókor legrégebbi tisztelőjének irányításával. Michelangelo, miután megismerkedett a Medici udvar gazdag, kifinomult kultúrájával, az ókori és modern művészet figyelemre méltó alkotásaival, híres költőkkel és humanistákkal, nem zárkózott el elegáns udvari környezetbe. Már korai önálló munkái is megerősítették a nagy, monumentális, hősiesen és erővel teli képek iránti vonzalmát. A „Kentaurok csatája” (1490-es évek eleje, Firenze, Casa Buonarroti) domborműve feltárja a csata drámaiságát és viharos dinamikáját, a harcosok rettenthetetlenségét és energiáját, az egymáshoz kapcsolódó, erős alakok erőteljes plaszticitását, egyetlen gyors ritmussal átitatva.
Végső formáció köztudat Michelangelo akkor jön, amikor a Medicieket kiűzték Firenzéből, és ott egy köztársasági rendszert hoztak létre. A bolognai és római kirándulások hozzájárulnak a művészeti oktatás befejezéséhez. Az ókor feltárja előtte a szobrászatban rejlő gigantikus lehetőségeket. Rómában létrehozták a „Pieta” márványcsoportot (1498-1501, Róma, Szent Péter-székesegyház) - a mester első nagy eredeti alkotása, amelyet átitat a reneszánsz humanista eszméinek győzelmébe vetett hit. A szobrász Krisztus Istenanya általi gyászának drámai témáját mélylélektanian oldja meg, feje billentésével fejezi ki mérhetetlen gyászát, pontosan a Madonna bal kezének mozdulatában. Erkölcsi tisztaság Mária képei, érzéseinek nemes visszafogottsága a jellem erejét tárja elénk, és klasszikusan letisztult formákban, elképesztő tökéletességgel közvetítik. Mindkét figura felbonthatatlan csoportba rendeződik, amelyben egyetlen részlet sem sérti a zárt sziluettet vagy annak plasztikus kifejezőképességét.

David	Pieta	Madonna és gyermeke	Mózes

A bravúrra törekvő ember mélységes meggyőződését és izgalmát örökíti meg a Dávid-szobor (Firenze, Képzőművészeti Akadémia), amelyet 1501-1504 között végeztek ki, amikor a szobrász visszatér Firenzébe. A polgári bravúr, a bátor vitézség és a hajthatatlanság gondolata a legendás hős képében testesült meg. Michelangelo felhagyott elődei narratív stílusával. Donatellóval és Verrocchióval ellentétben, akik Dávidot az ellenség legyőzése után ábrázolták, Michelangelo bemutatta őt a csata előtt. A hős minden erejének erős akaratú nyugalmára és intenzitására összpontosított, amelyet plasztikus eszközökkel közvetítenek. Ez a kolosszális szobor egyértelműen kifejezi Michelangelo plasztikus nyelvezetének sajátosságait: a hős külsőleg nyugodt pózával, egész alakjával, erőteljes törzsével, remekül megmintázott karjaival és lábaival, gyönyörű, ihletett arca a testi és lelki erők maximális koncentrációját fejezi ki. Úgy tűnik, hogy minden izmot áthat a mozgás. Michelangelo művészete visszaadta a meztelenségnek az ókori szobrászat etikai jelentését. A Dávid-kép is tágabb értelmet nyer, mint a szabad ember teremtő erejének kifejezője. A firenzeiek már akkoriban megértették a szobor polgári pátoszát és jelentőségét, és a belvárosban, a Palazzo Vecchio előtt telepítették a haza védelmére és a tisztességes kormányzásra.
Miután Michelangelo meggyőző formát talált a szobornak (egy lábon támasztva), mesterien megmintázta, elfeledtette vele az anyaggal való munka során felmerülő nehézségeket. A szobrot márványtömbből faragták, amelyről mindenki azt hitte, hogy egy szerencsétlen szobrász tett tönkre. Michelangelónak sikerült úgy beleillesztenie a figurát egy kész márványtömbbe, hogy az rendkívül kompaktan elférjen benne.
A Dávid-szoborral egy időben kartont készítettek a Palazzo Vecchio tanácstermének „A cascinai csata” (metszetről és képmásolatról ismert) festésére. Azzal, hogy az ifjú Michelangelo versenybe szállt Leonardoval, a közvélemény nagyobb elismerést kapott munkájáért; A háború és atrocitásainak leleplezésének témáját szembeállította a trombitaszóra, hősiességre készen a harctérre rohanó firenzei katonák vitézség és hazaszeretet magasztos érzésének dicsőítésével.
Julius pápától kapott parancsot sírkő megépítésére, Michelangelo anélkül, hogy befejezte volna a cascinai csatát, 1505-ben Rómába költözött. Projektet készít egy fenséges mauzóleum számára, amelyet számos szobor és dombormű díszít. Az anyag - márványtömbök - előkészítésére a szobrász Carrarába ment. Távolléte alatt a pápa elvesztette érdeklődését a síremlék építése iránt. Michelangelo megsértve elhagyta Rómát, és csak a pápa kitartó hívása után tért vissza. Ezúttal egy új grandiózus megbízást kapott - a Sixtus-kápolna mennyezetének megfestését, amit nagy vonakodással fogadott el, mivel elsősorban szobrásznak tartotta magát, nem festőnek. Ez a festmény az olasz művészet egyik legnagyobb alkotása lett.

A legnehezebb körülmények között Michelangelo négy évig (1508-1512) dolgozott, saját kezűleg végezte el a hatalmas mennyezet (600 négyzetméter) teljes festését. A kápolna építészeti felépítésének megfelelően az azt fedő boltozatot több mezőre osztotta, egy széles középső mezőben kilenc kompozíciót helyezett el a Biblia jeleneteiről a világ teremtéséről és az első földi emberek életéről: „A fény elválasztása a sötétségtől”, „Ádám teremtése”, „A bukás”, „Noé mámora” stb. Oldalukon, a boltozat lejtőin próféták és szibillák alakjai láthatók. (jóslók), a mezők sarkában - meztelen fiatalemberek ülnek; a boltíves vitorlákban, az ablakok feletti zsaluzatokon és lunettákon a Bibliából és Krisztus úgynevezett őseiből vett epizódok. A több mint háromszáz figurát magában foglaló grandiózus együttes az ember szépségének, erejének és intelligenciájának ihletett himnuszának tűnik, dicsőíti alkotó zsenialitását és hősi tetteit. Még Isten képében is - egy fenséges, hatalmas öregemberben - mindenekelőtt a keze mozdulataiban megnyilvánuló teremtő impulzus hangsúlyos, mintha valóban képes lenne világokat teremteni és életet adni az embernek. Titáni erő, intelligencia, éleslátó bölcsesség és magasztos szépség jellemzi a próféták képeit: a mélyen gondolkodó, gyászoló Jeremiást, a költői ihletésű Ézsaiást, a hatalmas kumai Szibilla, a gyönyörű fiatal delphoi Szibilla. A Michelangelo által megalkotott karaktereknek óriási általánosító erejük van; minden szereplő számára talál egy különleges pózt, fordulatot, mozdulatot, gesztust.
Ha a tragikus gondolatok a próféták egyéni képeiben öltöttek testet, akkor a meztelen fiatalemberek, az úgynevezett rabszolgák képeiben a lét örömének érzése, az elfojthatatlan erő és energia közvetítik. Bonyolult szögben és mozgásban bemutatott figuráik a leggazdagabb plasztikus fejlődést kapják. A boltozatok síkjának tönkretétele nélkül mindegyik gazdagítja azokat, feltárja a tektonikát, fokozva a harmónia összbenyomását. A grandiózus lépték, a cselekvő erő, a szépség és a színkoncentráció kombinációja a szabadság érzését és az ember diadalába vetett bizalom érzését kelti.

Északi reneszánsz

Az újjáéledés nemzetközi jelenség volt, amely a legerőteljesebben megnyilvánuló Olaszországon kívül Hollandiát, Németországot, Franciaországot és Spanyolországot is magába foglalta. Mára megjelent egy speciális „északi reneszánsz” kifejezés, amely leírja a reneszánsz vonásait más európai országokban. Nemcsak tisztán földrajzi jellemzőt jelent, hanem a reneszánsz egyes jellemzőit is Angliában, Németországban, Spanyolországban, Hollandiában, Svájcban és Franciaországban. Nagyon fontos jellemzője Északi reneszánsz volt, hogy a reformáció idején történt, és az is, hogy ezen országok népeinek kultúrájában, köszönhetően történelmi okokból nem volt olyan sok ókori műemlék, mint Olaszországban.”

Megújulás(a latin reformatio - transzformáció) ugyanolyan erős volt vallási mozgalom, ami ma például fundamentalizmus az iszlám országokban. Mindketten a hit eredeti értékeinek (alapjaihoz) való visszatérést szorgalmazták, és a meglévő vallásgyakorlat komoly megváltoztatását (reformálását) követelték.

A reformáció Luther Márton (1483-1546) németországi beszédével kezdődött 1517-ben, aki 95 tézist terjesztett elő, amelyek elutasítják a katolicizmus alaptételeit. A reformáció ideológusai tagadták a katolikus egyház hierarchiájával és általában a papság szükségességét, az egyház vagyonhoz való jogát, elutasítva a katolikus szenthagyomány egészét. Az 1524-1526-os parasztháborúk a reformáció ideológiai zászlaja alatt zajlottak. Németországban, Hollandiában és az angol forradalomban. A reformáció a protestantizmus kezdetét jelentette (szűk értelemben a reformáció a vallási reformok végrehajtása annak szellemében).

Német reneszánsz egy fél évszázadon át tartó lelki (evangélikus reform) és társadalmi (a parasztság felemelkedése) válság vége volt, és nagymértékben megváltoztatta a középkori Németországot. A német festészet „aranykora” három művész – Grunewald (1470 és 1475-1528 között), Dürer (1471-1528) és Holbein the Younger (1497 vagy 1498-1543) – munkásságához kötődik. Integritás nélkül Olasz reneszánsz, a német reneszánsz időrendileg rövid idő alatt fejlődött ki, és nem volt logikus folytatása.

A németországi reneszánsz kiemelkedő képviselője, akinek munkássága hosszú ideig meghatározta a német művészetet, Dürer festő és metsző volt. Úgy tartják, hogy Dürer festőként, metszőként és rajzolóként egyaránt tehetséges volt; a rajzolás és a metszet nagyon sok idejét lefoglalja, néha még vezető hely. Dürer rajzolói hagyatéka, amely több mint 900 ívet számlál, hatalmasságában és sokszínűségében csak Leonardo da Vinci hagyatékával hasonlítható össze. Ragyogóan elsajátította mindazt, amit akkor ismertek grafikai technikák- ezüst tűtől és nádtollatól az olasz ceruzáig, szénig, akvarellig, ami az olasz mestereket illeti, a rajz lett számára a legfontosabb szakasz kompozíción való munka, beleértve a vázlatokat, a fejek, karok, lábak, drapériák tanulmányozását. Ez egy tanulási eszköz jellemző típusok- parasztok, okos urak, nürnbergi divatosok. Dürer óriási hatással volt az első német művészet fejlődésére fél XVI század. Dürer, Európa legnagyobb metszetmestere, az Apokalipszis témájú műveivel vált híressé (1498).

Sokoldalú tevékenysége a reneszánsz „titanizmusának” egyik megtestesítőjévé vált. Ő az északi reneszánsz egyetlen mestere, aki érdeklődési körének fókuszálásában és sokoldalúságában, a művészet törvényszerűségeinek elsajátításának vágyában, az emberi alak tökéletes arányainak kialakításában és a perspektívaépítés szabályaiban összevethető. val vel a legnagyobb mesterek Olasz reneszánsz. A német reneszánsz művészet virágkorát gyakran „Dürer korszakának” nevezik.

Dürer kortársai a festészet nagy mesterei Hans Holbein ifjabb, Grunewald és Lucas Cranach idősebb (1472-1553).

Az ifjabb Holbein pontos, letisztult portréit (festményeit és rajzait), vallási témájú festményeit, metszeteit a reneszánsz művészet realizmusa, letisztultsága és nagyszerűsége, valamint a kompozíció monumentális integritása jellemzi („Holt Krisztus”, 1521). Grunewald, akinek életét még kevesen tanulmányozzák, a német reneszánsz egy másik irányát képviseli: az iránta érzett érzelmek dominálnak az értelemnél, a szubjektivitás pedig az objektív elemzésnél. A művész zsenialitása a fő műben - az „Isenheim-oltárban” (1512-1515) - testesült meg, ahol a misztikus képek együtt élnek a humanista, felvilágosult képekkel. Az alsóbb osztályok ideológiájához és eretnekségekhez kötődő munkája tele van drámai erővel, feszültséggel és dinamizmussal.

A német reneszánsz tehetséges alkotói között előkelő helyet foglal el az idősebb Lucas Cranach portréművész, Bölcs Frigyes udvari művésze, M. Luther barátja, akinek munkásságának köszönhetően a táj különleges fejlődést kapott. Ő alapozta meg a Duna Iskola néven ismert tájképi iskolát.

Reneszánsz Angliában. ANGOL A reneszánsz nem annyira a festészetről és az építészetről, mint inkább a színházról vált híressé. Fénykorát a 16. század végén - a 17. század elején érte el, csúcspontját William Shakespeare (1564-1616) munkásságában érte el. A 16. század vége az angliai színházi élet példátlan újjáéledésének, a gazdasági növekedés és az ország világhatalommá válásának időszaka volt. Erzsébet-korszaknak is nevezik. A színház presztízse nőtt; színészek, korábban lenézett vándorkomédiások, mindenki figyelme övezte, élvezték a nemesi mecénások pártfogását. 1576-ban megnyílt az első nyilvános színház Londonban a 80-as évek közepén már több ilyen színház volt. Shakespeare társulata, amely 1589-ben kapott királyi rangot, több színpadot is váltott, míg végül 1598-1599-ben. nem építettek rá állandó létesítményt, a Globe Színházat. Shakespeare drámaíró a színház társtulajdonosa lett. Shakespeare drámái (összesen 37 darab van belőlük) a korszak Angliájának politikai és szellemi életét tükrözték.

Shakespeare első vígjátékai, különösen a Sok lázadás a semmiről (1598) optimizmussal hatnak. A 16–17. század fordulóján azonban. világnézete megváltozott. Erzsébet uralkodásának utolsó éveit a népi nyugtalanság és a gazdasági hanyatlás jellemezte. Az állam és az egyház tekintélye alábbhagyott. A „Rómeó és Júlia” (1595), „Hamlet” (1601), „Othello” (1604) és „Lear király” (1605) tragédiák az egyetemes emberi értékek és erkölcsök válságát mutatják be. Shakespeare hősei gondolkodó, érző és szenvedő egyének, akik megtapasztalják az életútvonalak elvesztését, és az őket körülvevő világ nem tudja segíteni őket önmaguk megtalálásában.

Reneszánsz (Renaissance). Olaszország. század 15-16. A korai kapitalizmus. Az országot gazdag bankárok irányítják. Érdekli őket a művészet és a tudomány.

A gazdagok és hatalmasok maguk köré gyűjtik a tehetségeseket és a bölcseket. Költők, filozófusok, művészek és szobrászok naponta beszélgetnek pártfogóikkal. Egy pillanatra úgy tűnt, hogy a népet bölcsek irányítják, ahogy Platón akarta.

Emlékeztek az ókori rómaiakra és görögökre. Aki a szabad polgárok társadalmát is felépítette. Ahol fő érték- egy személy (természetesen a rabszolgákat nem számítva).

A reneszánsz nem csupán az ókori civilizációk művészetének másolása. Ez egy keverék. Mitológia és kereszténység. A természet realizmusa és a képek őszintesége. Testi szépség és lelki szépség.

Csak egy villanás volt. A reneszánsz korszak körülbelül 30 éves! Az 1490-es évektől 1527-ig Leonardo kreativitása virágkorának kezdetétől. Róma kifosztása előtt.

Az ideális világ délibábja gyorsan elhalványult. Olaszország túlságosan törékenynek bizonyult. Hamarosan egy másik diktátor rabszolgájává tette.

Ez a 30 év azonban meghatározta az európai festészet főbb vonásait az elkövetkező 500 évre! -ig.

A kép realizmusa. Antropocentrizmus (amikor egy személy a főszereplő és hős). Lineáris perspektíva. Olajfestmények. Portré. Látvány…

Hihetetlen, hogy ez alatt a 30 év alatt több zseniális mester dolgozott egyszerre. Amelyek máskor 1000 évente egyszer születnek.

Leonardo, Michelangelo, Raphael és Tizianus a reneszánsz titánjai. De nem hagyhatjuk figyelmen kívül két elődjüket sem. Giotto és Masaccio. Ami nélkül nem lenne reneszánsz.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. „A firenzei reneszánsz öt mestere” című festmény töredéke. 16. század eleje. .

14. század Proto-reneszánsz. Főszereplője Giotto. Ez egy mester, aki egymaga forradalmasította a művészetet. 200 évvel a magas reneszánsz előtt. Ha ő nem lett volna, aligha jött volna el az a korszak, amelyre az emberiség oly büszke.

Giotto előtt ikonok és freskók voltak. Bizánci kánonok szerint hozták létre. Arcok helyett arcok. Lapos figurák. Az arányok be nem tartása. A táj helyett egy arany háttér van. Mint például ezen az ikonon.

Guido da Siena. A mágusok imádása. 1275-1280 Altenburg, Lindenau Múzeum, Németország.

És hirtelen Giotto freskói jelennek meg. Terjedelmes figuráik vannak. Nemes emberek arca. Szomorú. Gyászos. Meglepődött. Idős és fiatal. Különböző.

Giotto freskói a padovai Scrovegni templomban (1302-1305). Balra: Krisztus siralma. Közép: Júdás csókja (töredék). Jobb oldalon: Szent Anna Angyali üdvözlet (Mária Anya), töredék.

Giotto fő munkája a padovai Scrovegni-kápolna freskóinak ciklusa. Amikor ez a templom megnyílt a plébánosok előtt, emberek tömegei özönlöttek be. Mert ilyet még nem láttak.

Hiszen Giotto példátlan dolgot művelt. Mintha a bibliai történeteket fordította volna le egyszerű, érthető nyelvre. És sokkal elérhetőbbé váltak a hétköznapi emberek számára.

Giotto. A mágusok imádása. 1303-1305 Freskó a Scrovegni-kápolnában, Padovában, Olaszországban.

Pontosan ez lesz az, ami sok reneszánsz mesterre jellemző lesz. Lakonikus képek. A szereplők élénk érzelmei. Realizmus.

A mester freskóiról bővebben a cikkben olvashat.

Giottót csodálták. Újításait azonban nem fejlesztették tovább. A nemzetközi gótika divatja Olaszországba jött.

Csak 100 év múlva jelenik meg egy mester, Giotto méltó utódja.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Önarckép (a „Szent Péter a szószéken” freskó töredéke). 1425-1427 Brancacci kápolna a Santa Maria del Carmine templomban, Firenze, Olaszország.

15. század eleje. A korai reneszánsz ún. Újabb újító lép a színre.

Masaccio volt az első művész, aki lineáris perspektívát használt. Barátja, Brunelleschi építész tervezte. Most az ábrázolt világ a valóságoshoz hasonlított. A játéképítészet a múlté.

Masaccio. Szent Péter az árnyékával gyógyít. 1425-1427 Brancacci kápolna a Santa Maria del Carmine templomban, Firenze, Olaszország.

Átvette Giotto realizmusát. Elődjével ellentétben azonban már jól ismerte az anatómiát.

A kockás karakterek helyett Giotto gyönyörűen felépített embereket. Akárcsak az ókori görögök.

Masaccio. Újoncok keresztelése. 1426-1427 Brancacci kápolna, Santa Maria del Carmine templom Firenzében, Olaszországban.
Masaccio. Kiűzetés a Paradicsomból. 1426-1427 Freskó a Brancacci-kápolnában, a Santa Maria del Carmine-templom, Firenze, Olaszország.

Masaccio nem élt hosszú élet. Ő is, akárcsak az apja, váratlanul meghalt. 27 évesen.

Ennek ellenére sok követője volt. A következő generációk mesterei a Brancacci-kápolnába mentek, hogy a freskóiról tanuljanak.

Így Masaccio újításait a magas reneszánsz összes nagy titánja átvette.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Önarckép. 1512 Királyi Könyvtár Torinóban, Olaszországban.

Leonardo da Vinci a reneszánsz egyik titánja. Ami óriási hatással volt a festészet fejlődésére.

Ő maga emelte fel a művész státuszát. Neki köszönhetően ennek a szakmának a képviselői már nem csak kézművesek. Ezek a szellem alkotói és arisztokratái.

Leonardo elsősorban a portrékészítésben ért el áttörést.

Úgy vélte, semmi sem vonhatja el a figyelmet a főképről. A tekintetnek nem szabad egyik részletről a másikra vándorolnia. Így jelentek meg híres portréi. Lakonikus. Harmonikus.

Leonardo da Vinci. Hölgy hermelinnel. 1489-1490 Czertoryski Múzeum, Krakkó.

Leonardo fő újítása, hogy megtalálta a módját, hogy képeket... élővé tegye.

Előtte a portrék szereplői manökennek tűntek. A vonalak egyértelműek voltak. Minden részlet gondosan megrajzolt. A festett rajz nem lehetett élő.

De aztán Leonardo feltalálta a sfumato módszert. Árnyékolta a vonalakat. Nagyon puhává tette a fényből az árnyékba való átmenetet. Szereplőit mintha alig észrevehető köd borítja. A szereplők életre keltek.

. 1503-1519 Louvre, Párizs.

Azóta a sfumato a jövő összes nagy művészének aktív szókincsében szerepel majd.

Gyakran van olyan vélemény, hogy Leonardo természetesen zseni. De nem tudta, hogyan fejezzen be semmit. És gyakran nem fejeztem be a festményeket. Sok projektje pedig papíron maradt (egyébként 24 kötetben). És általában vagy az orvostudományba, vagy a zenébe vetették. És egy időben még a tálalás művészete is érdekelt.

Azonban gondold meg magad. 19 festmény. És ő minden idők legnagyobb művésze. És néhányan meg sem közelítik a nagyszerűséget. Ugyanakkor életében 6000 vásznat festett. Nyilvánvaló, hogy kinek a hatékonysága nagyobb.

Olvasson a cikkben a mester leghíresebb festményéről.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (töredék). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo szobrásznak tartotta magát. De ő volt univerzális mester. Mint a többi reneszánsz kollégája. Ezért képi öröksége sem kevésbé grandiózus.

Elsősorban fizikailag fejlett karaktereiről lehet felismerni. Mert tökéletes férfit ábrázolt. Amiben a testi szépség lelki szépséget jelent.

Ezért minden hőse olyan izmos és kitartó. Még nők és idősek is.

Michelangelo. A freskó töredékei" Utolsó ítélet” a vatikáni Sixtus-kápolnában.

Michelangelo gyakran meztelenre festette a karaktert. Aztán ruhákat rakott a tetejére. Hogy a test a lehető legfaraghatóbb legyen.

A Sixtus-kápolna mennyezetét maga festette. Bár ezek több száz szám! Még azt sem engedte meg senkinek, hogy festéket dörzsöljön. Igen, magányos volt. Menő és veszekedő karakter birtokában. De leginkább elégedetlen volt... önmagával.

Michelangelo. „Ádám teremtése” freskó töredéke. 1511 Sixtus-kápolna, Vatikán.

Michelangelo hosszú életet élt. Túlélve a reneszánsz hanyatlását. Számára ez személyes tragédia volt. Későbbi művei tele vannak szomorúsággal és bánattal.

Általában véve Michelangelo kreatív útja egyedülálló. Korai művei az emberi hős dicsérete. Szabad és bátor. A legjobb hagyományok szerint ókori Görögország. Hogy hívják David?

Az élet utolsó éveiben ezek tragikus képek. Szándékosan durván faragott kő. Mintha a 20. századi fasizmus áldozatainak emlékműveit néznénk. Nézd meg a Pietà-ját.

Michelangelo szobrai a Firenzei Képzőművészeti Akadémián. Balra: David. 1504 Jobb oldalon: Palestrina Pietà. 1555

Hogyan lehetséges ez? Egy művész egy életben végigment a művészet minden szakaszán a reneszánsztól a 20. századig. Mit kell tenniük a következő generációknak? Nos, menj a magad útján. Felismerve, hogy a léc nagyon magasra van téve.

5. Raphael (1483-1520)

. 1506 Uffizi Galéria, Firenze, Olaszország.

Raphaelt soha nem felejtették el. Zseniálisságát mindig is elismerték. És az élet során. És a halál után.

Karaktereit érzéki, lírai szépséggel ruházták fel. Ő az, akit joggal tekintenek a legszebbnek női képek valaha létrejött. Az övék külső szépség a hősnők lelki szépségét tükrözi. A szelídségük. Az ő áldozatuk.

Raphael. . 1513 Old Masters Gallery, Drezda, Németország.

Híres szavak„A szépség megmenti a világot” – mondta pontosan Fjodor Dosztojevszkij. Ez volt a kedvenc festménye.

Az érzéki képek azonban nem Raphael egyetlen erőssége. Nagyon alaposan átgondolta festményeinek kompozícióit. Festészetben felülmúlhatatlan építész volt. Sőt, mindig megtalálta a legegyszerűbb és legharmonikusabb megoldást a térrendezésben. Úgy tűnik, ez nem is lehet másképp.

Raphael. Athéni Iskola. 1509-1511 Freskó az Apostoli Palota strófáiban, Vatikánban.

Raphael mindössze 37 évet élt. Hirtelen meghalt. Megfázástól és orvosi hiba. De örökségét nehéz túlbecsülni. Sok művész bálványozta ezt a mestert. Érzéki képeit megsokszorozva több ezer vászonban...

Tizian felülmúlhatatlan színművész volt. A kompozícióval is sokat kísérletezett. Általában merész és zseniális újító volt.

Mindenki szerette tehetségének ilyen ragyogásáért. „A festők királyának és a királyok festőjének” hívják.

A Tizianról szólva minden mondat után felkiáltójelet szeretnék tenni. Végül is ő vitte dinamikát a festészetbe. Pátosz. Lelkesedés. Világos szín. A színek ragyogása.

Tiziano. Mária mennybemenetele. 1515-1518 Santa Maria Gloriosi dei Frari templom, Velence.

Élete végére fejlődött szokatlan technika leveleket. Az ütések gyorsak. Vastag. Tésztás. A festéket vagy ecsettel, vagy ujjaimmal vittem fel. Ettől a képek még élőbbé és lélegzőbbé válnak. A cselekmények pedig még dinamikusabbak és drámaibbak.

Tiziano. Tarquin és Lucretia. 1571 Fitzwilliam Múzeum, Cambridge, Anglia.

Nem emlékeztet ez semmire? Természetesen ez a technológia. És a 19. századi művészek technikája: Barbizonians ill. Tizian, akárcsak Michelangelo, egy élet alatt 500 év festészeten megy keresztül. Ezért zseni.

Olvassa el a mester híres remekművét a cikkben.

A reneszánsz művészek művészek nagy tudás. Ahhoz, hogy ilyen örökséget hagyjunk, sokat kellett tudni. A történelem, az asztrológia, a fizika és így tovább.

Ezért minden róluk készült kép elgondolkodtat. Miért van ez ábrázolva? Mi itt a titkosított üzenet?

Ezért szinte soha nem hibáztak. Mert alaposan átgondolták jövőbeli munkájukat. Minden tudását felhasználva.

Többek voltak, mint művészek. Filozófusok voltak. Megmagyarázni nekünk a világot a festészeten keresztül.

Ezért mindig nagyon érdekesek lesznek számunkra.

A reneszánsznak van globális jelentőségű Nyugat- és Kelet-Európa országainak kultúra kialakulásának és fejlődésének történetében. Az ideológiai és kulturális fejlődés korszaka a 14-16. századra nyúlik vissza, amikor a vallási uralom és a vazallusrendszer helyén világi kultúra jelent meg. Megújult az érdeklődés, amely a reneszánsz korszak nevét kapta.

Eredettörténet

A korszak kezdetének első jelei a 13-14. Olaszországban, de csak a 14. század 20-as éveiben jött létre. A középkor rendíthetetlen feudális rendszere meginog - a kereskedővárosok harcba kezdenek az önkormányzati jogokért és saját függetlenségükért.

Ekkor jelent meg a „humanizmusnak” nevezett társadalomfilozófiai mozgalom.

Az embert ma már egyénnek tekintik, felvetődik a szabadság és a személyes tevékenység kérdése. A nagyvárosokban világi művészeti és tudományos központok jelennek meg, amelyek az egyház teljes ellenőrzésén kívül működnek. Az ókor aktív újjáéledése zajlik - megszemélyesíti ragyogó példa nem aszkéta humanizmus. A 15. század közepén feltalálták a nyomdászatot, melynek köszönhetően az új világkép és az ősi örökség széles körben elterjedt Európa-szerte. A reneszánsz a 15. század végén tetőzött, de alig egy évszázaddal később ideológiai válság kezdett kialakulni. Ez alapozta meg két stílusirányzat kialakulását: és.

Időszakok

Proto-reneszánsz

A proto-reneszánsz a 13. század 2. felében kezdődött és a 14. század végén ért véget.

Ez az úgynevezett első lépés a reneszánsz megjelenésére való felkészülésben. 1337-ig a híres építész és művész, Giotto di Bondone új megközelítést dolgozott ki a térbeli alakok ábrázolására. A vallásos kompozíciókat világi tartalommal töltötte meg, felvázolta az átmenetet a laposról a domborművesre, és a belső teret is festészetben ábrázolta. A 13. század végén felépült a Santa Maria del Fiore (Firenze) katedrális. Ennek a fő templomszerkezetnek a szerzője Arnoldo di Cambio. Giotto megtervezte a firenzei dóm kampóniáját, ezzel folytatva Arnoldo munkáját.

Giotto di Bondone halála után pestisjárvány sújtja Olaszországot, és az időszak aktív fejlődése véget ér.

Kora reneszánsz

A kora reneszánsz időszak időtartama nem haladta meg a 80 évet (1420-1500). Ebben a szakaszban a művészet területén nem történt jelentős változás, a klasszikus ókorból csak néhány elem egészítette ki az akkori művészek munkásságát. De a 15. század végére a középkori alapokat teljesen felváltották az ókori kultúra példái, ami mind a festmények koncepciójában, mind az apró részletekben megfigyelhető.

Magas reneszánsz

A reneszánsz legrövidebb, de egyben legcsodálatosabb korszaka a harmadik szakasz, az úgynevezett magas reneszánsz volt. Mindössze 27 évig tartott (1500-1527). II. Julius trónra lépése után az olasz művészet hatásközpontja Rómába költözött. Az új pápa a legtehetségesebb olasz művészeket vonzotta az udvarba, ami a kultúra és a művészet aktív fejlődéséhez vezetett:

• Luxus műemlék épületek épülnek.
• Festményeket, freskókat festenek.
• Egyedi szobrászati ​​alkotások születnek.

Az egyes művészeti ágak szorosan összefonódnak egymással, harmonizálnak és egységesen fejlődnek. Az ókor alaposabb tanulmányozása folyamatban van.

Késő reneszánsz

A reneszánsz utolsó korszaka hozzávetőleg 1590-1620-ig terjed. Különlegessége a kultúra és a művészet sokszínűsége. Az ellenreformáció aktívan előretört Dél-Európában. Ez a mozgalom nem üdvözölte a szabad gondolkodást, és tiltakozott az ókornak a kultúrában és a művészetben való újjáéledése, valamint az emberi test dicsőítése ellen.

Az ellenreformáció egy katolikus mozgalom volt, amelynek célja a keresztény és a római katolikus hit helyreállítása volt. A fejlődés kezdete Kálvin, Zwingli, Luther és más európai reformátorok gondolatainak kifejezése után következett be.

Firenzében az ellentmondások a modorizmusnak nevezett mozgalom kialakulásához vezettek.

A manierizmus nyugat-európai művészeti és irodalmi stílus századból származik. A modorosság jellemzői: a lelki és a testi, az ember és a természet harmóniájának elvesztése.

A késői szakasznak mint olyannak nincs pontos dátuma. Az Encyclopedia Britannica szerint a reneszánsz Róma bukása (1527) után ért véget.

„Manierizmus” stílusú épületek

belső

A belső tér új felfogását Filippo Brunelleschi egyszerű és letisztult belső terei mélyen befolyásolták. Ez megfigyelhető a Pazzi-kápolna (Church of Santa Croce, Franciaország) példáján. A tehetséges szobrász és építész használt világos árnyalatok vakolattal színezett falak befejezéséhez, szürke kőből készült építészeti domborzati felosztások hozzáadásához. A gazdag házakban és palotákban különös figyelmet fordítottak az előcsarnokokra, ahol a vendégeket fogadták. Hatalmas helyiségeket osztottak ki a könyvtárak számára. A nyomtatás megjelenése azonnal felkeltette az európai gazdagok figyelmét. Nem voltak étkezők, és az étkezőasztalok többnyire összecsukhatóak voltak. Akik játszottak fontos szerep vidéki és városi házakban. A bútorok képei árnyalatok nélkül, szinte monokrómok voltak. A leggyakoribb dekorációs kompozíciók:

• Akantusz levél.
• Csendélet.
• Városi tájak.
• Göndör szárú.
• Hangszerek.

A faragott tálalószekrények, szekrények és egyéb bútoralkatrészek ajtaján pozitív-negatív mintát alkalmaztak. A termék technológiája így nézett ki:

• Két rétegelt lemez lapot festettek különböző színekés egymásra helyezték.
• Egy bizonyos minta töredékét kivágták.
• A kész mintát az alapra ragasztottuk.
• Különböző színű, de kivitelben azonos töredékek helyet cseréltek.

Változtak, bővültek a bútorfelület díszítésének motívumai, technikái: festett fát használtak, megjelentek a figuratív kompozíciók, groteszkek, elsajátították a forró homokkal való színezés technikáját.

Művészet

A 14. századi Olaszországban kezdtek megjelenni a reneszánsz művészet hírnökei. Vallási témájú vásznak készítésekor a művészek a nemzetközi gótikát vették alapul. A nemzetközi gótika az egyik stíluslehetőség, amely Észak-Olaszországban, Burgundiában és Csehországban (1380-1430) alakult ki. Megkülönböztető jellemzők: formakifinomultság, színesség, igényesség, dekoratív karakter. A modorosság jelei is vannak: groteszk, élénk formák élessége és kifejezőképessége, grafika. Festményeiket új művészi technikákkal egészítették ki:

• Volumetrikus kompozíciók használata.
• Tájkép a háttérben.

E technikák alkalmazásának köszönhetően a művészek át tudták közvetíteni a kép valósághűségét és elevenségét.

A képzőművészet aktív fejlődése a reneszánsz első szakaszában - a proto-reneszánszban - kezdődik. A történelemben képzőművészet Olaszországban több időszak van:

• 13. század – duncento (kétszáz). Nemzetközi gótika.
• 14. század – trecento (háromszáz). Proto-reneszánsz.
• 15. század – quattrocento (négyszáz). Korai – magas szakasz.
• 16. század – cinquecento (ötszáz). Magas – késő reneszánsz.

A fürdőszoba felújítás minden részlete:

Hogyan jöttek létre a korszakok: A világ Leonardo da Vinci szemével

A reneszánsz kialakulásának egyik kulcsfigurája Leonardo da Vinci volt. Ez egy nagyszerű alkotó, művész, a tudomány fejlődésének megteremtője és megalapítója Firenzében. Ha többet szeretne megtudni munkájáról, tekintse meg ezt a videót. Jó szórakozást!

következtetéseket

A reneszánsz idején valami soha nem látott dolog jött létre, ami a klasszikus ókor empire stílusban való visszatükröződése formájában keletkezett. A reneszánsz kultúrája alapján számos stilisztikai ág alakult ki, amelyeknek köszönhetően új műalkotások jelentek meg a festészet, az építészet és a szobrászat területén. Példaként, ahol a komor Skandinávia világos tónusait veszik alapul. Vagy széles körben használják Amerikában.

Az emberi test volt a reneszánsz művészek fő ihletforrása és kutatási tárgya, és a hangsúly a festészet és szobrászat alkotásainak a valósághoz való hasonlóságán volt.

Ügyes ecsethasználat, összetett kompozíciók, perspektíva (háromdimenziós festészet), szín, fény, kisugárzás, fény-árnyékjáték, érzelmesség és lelkiismeretesség a munkában – ezek voltak a reneszánsz művészet fő jellemzői. A mitológiai és bibliai szereplők központi szerepet játszottak az akkori művészekben.

Ruhahajtások szobra. Leonardo da Vinci "Gyakorlat egy ülő alak rajzolásához". A fotó az Art Renewal Center jóvoltából Az emberi test a reneszánsz művészet egyik fő inspirációs forrása és kutatási tárgya volt. A valósághoz való hasonlóság olyan fokot ért el, hogy a művekben ábrázolt szereplők élőnek tűntek, ellentétben a huszadik század művészetével, ahol például Georges Seurat festményein az emberek inkább kövületnek tűnnek.

A művészek és tudósok számára az emberi test végtelen forrás. Folyamatosan fejlesztik tudásukat és készségeiket az emberi test tanulmányozásával. A fizikai tökéletesség azt az akkori elgondolást tükrözte, hogy az ember Isten képére és hasonlatosságára teremtetett. Az isteneket valóban megszemélyesítették és emberként ábrázolták, a középkori műalkotásokkal ellentétben emberibb jellemzőkkel.

Az istenek a reneszánsz művészet fontos és elsődleges tárgyai voltak. Mi hatott az isteneket ábrázoló művészekre? Hogyan hatott ez a korabeli kultúrára?

Érdekes megjegyezni, hogy a reneszánsz („Renaissance” in Francia- Reneszánsz), a 14. század végétől a 17. századig tartó időszak volt, amikor különböző területeken haladás volt megfigyelhető: Amerika felfedezése, tudományos felfedezések, új anyagok, ásványi anyagok és termékek (például tea és kakaó) kutatása. A táncokban megjelentek a balett kezdeti elemei. A vallás központi láncszem volt a társadalmi rendezésben és Mindennapi élet. Ugyanez a vallás később ürügy lett az atrocitások elkövetésére és az alapvető emberi értékek megsértésére.

A fehér ember más kontinensekre való terjeszkedése, az őslakosok és természeti erőforrásaik gyarmatosítása és rabszolgasorba vonása erkölcsi kérdéseket vet fel. Erős kontraszt látható a rabszolgaság és a spiritualitásba és a szépség imádatába merülő virágzó művészet között.

Magában a művészetben, a rajztechnikában és a festészetben a művészekkel szemben a legfőbb követelmény a legmagasabb szintű mesterség volt. A festők és szobrászok folyamatosan fejlesztették tudásukat. A művészet hivatás volt, és a művészek még azután is fejlesztették tudásukat, hogy híressé váltak.

Az ábrázolási módszerek és a perspektíva fejlesztése a középkor művészetétől a reneszánszig fokozatos átmenethez vezetett.

A természet is nagy figyelmet kapott. A tájak jellemzően gazdag és változatos növényzetet tartalmaznak. A kék-kék égbolt, amelyet a fehér felhőkön áthatoló napsugarak áthatoltak, csodálatos hátteret jelentettek a felszálló isteni lényeknek.

A fény-árnyék megjelenítése, a gyöngyök és fémek (kardok, ékszerek és vázák) ragyogása, a szövetek részletgazdag ábrázolása reneszánsz művészek kecses hajtásaival igazi áttörést jelent a festészetben.

A korabeli művészek imádták az emberi test szépségét, ez a test és az izmok rendkívül precíz részleteiben, motoros képességeik megértésében nyilvánult meg. Komplex pózok, gesztusok és arckifejezések, harmonikus és kifejező színek - mindez jellemző az akkori festők és szobrászok munkáira: Michelangelo, Leonardo da Vinci, Rembrandt, Tizian stb.

A reneszánsz művészete, amelyet a festészet, a szobrászat és az építészet mesterei és halhatatlan műveik képviselnek, az egész emberiség számára a kompromisszumok nélküli kemény munka és a magas spiritualitás, az emberiség legmagasabb értékeire való törekvés példája.

A reneszánsz minden művészet virágkora, így a színház, az irodalom és a zene is, de kétségtelenül a képzőművészet volt köztük a legfontosabb, amely leginkább kifejezte kora szellemét.

Nem véletlen, hogy van egy elmélet, amely szerint a reneszánsz azzal kezdődött, hogy a művészek nem elégedtek meg a domináns „bizánci” stílus kereteivel, és kreativitásukhoz modelleket keresve elsőként fordultak az ókorhoz. Ő volt az elsők között, aki felhagyott a „bizánci modorral”, és Pietro Cavallini figuráit ábrázoló chiaroscuro szobrokat kezdett alkalmazni freskókon. De először kezdett festményeket készíteni ikonok helyett legnagyobb mestere A proto-reneszánsz Giotto elsőként törekedett a keresztény etikai gondolatok közvetítésére a valódi emberi érzések és élmények ábrázolásával, a szimbolikát a valós tér és konkrét tárgyak ábrázolásával. A padovai Chapel del Arena híres Giotto freskóin a szentek egymás mellett láthatók. szokatlan karakterek: pásztorok vagy fonók. Minden egyes személy Giottoban nagyon sajátos élményeket, sajátos karaktert fejez ki.

(((A korai reneszánsz korszakában a művészetben kialakult az ókori művészeti örökség, új etikai eszmék alakultak ki, a művészek a tudomány vívmányai (matematika, geometria, optika, anatómia) felé fordultak.) Firenze játszotta a vezető szerepet a a kora reneszánsz művészet ideológiai és stíluselveinek kialakulása Az olyan mesterek által alkotott képeken, mint Donatello, Verrocchio, a hősi és hazafias elvek dominálnak (Donatelló „Szent György” és „Dávid”, Verrocchio „Dávid”).

A reneszánsz festészet megalapítója Masaccio (a Brancacci-kápolna, „Háromság” festményei) Masaccio tudta, hogyan kell átadni a tér mélységét, egyetlen kompozíciós koncepcióval kapcsolta össze a figurát és a tájat, és portréi kifejezőerőt adott az egyéneknek. Ám a reneszánsz kultúra ember iránti érdeklődését tükröző képes portré kialakulása és fejlődése az umrbiai iskola művészeinek nevéhez fűződik: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Sandro Botticelli művész munkássága a korai reneszánszban kiemelkedik. Az általa alkotott képek lelkiek és költőiek. A kutatók felfigyelnek a művész alkotásaiban az absztrakcióra és a kifinomult intellektualizmusra, arra, hogy bonyolult és titkosított tartalmú mitológiai kompozíciókat hozzon létre („Tavasz”, „Vénusz születése”).

Az olasz reneszánsz eszmei és művészeti alapelvei fejlődésének csúcspontja a magas reneszánsz. Leonardo da Vincit a magas reneszánsz művészet megalapítójának tartják. nagyszerű művészés tudós.

Ő csinálta egész sor remekművek: „Mona Lisa” („La Gioconda”), „Madonna Benois” és „Madonna Litta”, „Hölgy hermelinnel”. Munkásságában Leonardo a reneszánsz ember szellemét igyekezett kifejezni. A művészet tökéletes formáinak forrásait a természetben kereste, de N. Berdjajev őt tartja felelősnek az emberi élet gépesítésének és gépesítésének közelgő folyamatáért, amely elválasztotta az embert a természettől.

A festészet klasszikus harmóniát ér el Raphael műveiben. Művészete a korai hidegen zárkózott umbriai Madonnák ("Madonna Conestabile") képeitől a firenzei és római alkotások "boldog kereszténység" világáig fejlődik. A „Madonna az aranypintyvel” és a „Madonna a fotelben” puhák, humánusak, sőt emberségükben hétköznapiak.)))

A reneszánsz művészet első hírnökei a 14. században jelentek meg Olaszországban. Az akkori művészek, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) és (elsősorban) Giotto (1267-1337), amikor hagyományos vallási témájú festményeket készítettek, a nemzetközi gótika hagyományából indultak ki, de elkezdték. újakat használni művészi technikák: háromdimenziós kompozíció készítése a háttérben fekvő táj használatával, ami lehetővé tette számukra, hogy valósághűbbé és animáltabbá tegyék a képeket. Ez élesen megkülönböztette munkájukat a korábbi ikonográfiai hagyománytól, amely tele van konvenciókkal a képen. A proto-reneszánsz kifejezést használják munkájukra.

Az olasz reneszánsz korszaka hagyományosan több szakaszra oszlik:
Proto-reneszánsz (Ducento) - XII-XIV század.
Kora reneszánsz (tricento és quattrocento) - a 14. - 15. század közepétől.
Magas reneszánsz (cinquecento) - a 16. század második harmadáig.
Késő reneszánsz - 16. második harmada - 17. század első fele.