Hollandia. 17. század Az ország soha nem látott jólétet él meg. Az úgynevezett "aranykor". A 16. század végén az ország több tartománya kivívta függetlenségét Spanyolországtól.

Most a protestáns Hollandia a saját útját járta. A katolikus Flandria (ma Belgium) pedig Spanyolország szárnya alatt – a sajátja.

A független Hollandiában szinte senkinek sem volt szüksége vallásos festészetre. A protestáns egyház nem helyeselte a díszítés luxusát. De ez a körülmény a világi festészet "kezére játszott".

Szó szerint az új ország minden lakója felébresztette a szeretetet az ilyen típusú művészet iránt. A hollandok saját életüket akarták látni a képeken. A művészek pedig készségesen mentek találkozni velük.

Soha korábban nem ábrázolták ennyire a környező valóságot. Hétköznapi emberek, hétköznapi szobák és a városlakó leghétköznapibb reggelije.

A realizmus virágzott. A 20. századig méltó vetélytársa lesz az akadémizmusnak nimfáival és görög istennőivel.

Ezeket a művészeket "kis" hollandoknak hívják. Miért? A festmények kis méretűek voltak, mert kis házakhoz készültek. Tehát Jan Vermeer szinte minden festménye nem haladja meg a fél métert.

De a másik verzió jobban tetszik. Hollandiában a 17. században egy nagy mester, egy „nagy” holland élt és dolgozott. És az összes többi "kicsi" volt hozzá képest.

Természetesen Rembrandtról beszélünk. Kezdjük vele.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Önarckép 63 évesen. 1669 Londoni Nemzeti Galéria

Rembrandtnak lehetősége volt élete során az érzelmek legszélesebb skáláját átélni. Ezért korai műveiben annyi móka és bravúr van. És megannyi összetett érzés – a későbbiekben.

Itt fiatal és gondtalan „A tékozló fiú a kocsmában” című festményen. Térden áll Saskia szeretett felesége. Népszerű művész. Zuhannak a megrendelések.

Rembrandt. A tékozló fiú a kocsmában. 1635 Old Masters Gallery, Drezda

De mindez körülbelül 10 éven belül eltűnik. Saskia belehal a fogyasztásba. A népszerűség eltűnik, mint a füst. Egyedi gyűjteményű nagy házat elvisznek tartozásokra.

De ugyanaz a Rembrandt jelenik meg, amely évszázadokig megmarad. A szereplők meztelen érzései. A legtitkosabb gondolataik.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Önarckép. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals minden idők egyik legnagyobb portréfestője. Ezért őt is a "nagy" hollandok közé sorolnám.

Hollandiában akkoriban szokás volt csoportportrékat készíteni. Így sok hasonló munka volt, amelyek együtt dolgozó embereket ábrázoltak: ugyanannak a céhnek a lövészeit, egyazon város orvosait, egy idősek otthonát.

Ebben a műfajban Hals tűnik ki leginkább. Végül is ezeknek a portréknak a többsége kártyapaklinak tűnt. Az emberek ugyanazzal az arckifejezéssel ülnek az asztalnál, és csak néznek. Hals más volt.

Nézze meg csoportportréját „A Szent Péter céh nyilai. György".

Frans Hals. A St. Céh nyilai György. 1627 Frans Hals Múzeum, Haarlem, Hollandia

Itt egyetlen testtartást vagy arckifejezést sem találsz. Ugyanakkor itt nincs káosz. Sok szereplő van, de senki sem tűnik fölöslegesnek. A meglepően helyes figurák elrendezésének köszönhetően.

Igen, és egyetlen portréban Hals sok művészt felülmúlt. Modellei természetesek. Festményein a felsőbb rétegekből származó emberek nélkülözik a távoli nagyszerűséget, és az alsó modellek nem tűnnek megalázottnak.

A karakterei pedig nagyon érzelmesek: mosolyognak, nevetnek, gesztikulálnak. Mint például ez a sunyi tekintetű "cigány".

Frans Hals. Cigány. 1625-1630

Hals, akárcsak Rembrandt, szegénységben vetett véget életének. Ugyan azért az okért. Realizmusa szembement a vásárlók ízlésével. Akik szépíteni akarták megjelenésüket. Hals nem ment a nyílt hízelgésre, és így aláírta saját mondatát – „Oblivion”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerard Terborch. Önarckép. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, Hága, Hollandia

Terborch a hazai műfaj mestere volt. A gazdag és nem túl polgárok lassan beszélnek, a hölgyek leveleket olvasnak, és egy kereskedő figyeli az udvarlást. Két vagy három egymáshoz közel álló figura.

Ez a mester volt az, aki kidolgozta a hazai műfaj kánonjait. Amit aztán Jan Vermeer, Pieter de Hooch és sok más "kis" holland kölcsönvesz majd.

Gerard Terborch. Egy pohár limonádét. 1660-as évek. Állami Ermitázs Múzeum, Szentpétervár

A pohár limonádé Terborch egyik híres alkotása. Ez a művész másik előnyét mutatja. Hihetetlenül valósághű kép a ruha anyagáról.

Terborchnak is vannak szokatlan munkái. Ami arról beszél, hogy túl akar lépni az ügyfelek követelményein.

"Grinder"-je Hollandia legszegényebb lakóinak életét mutatja be. Hangulatos udvarokat, tiszta szobákat szoktunk látni a „kis” hollandok képein. De Terborch meg merte mutatni a nem vonzó Hollandiát.

Gerard Terborch. Őrlőgép. 1653-1655 Berlini Állami Múzeumok

Mint érti, az ilyen munkákra nem volt kereslet. És még Terborchban is ritka előfordulások.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Művész műhely. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Bécs

Hogy nézett ki Jan Vermeer, nem tudni biztosan. Nyilvánvaló, hogy a „Művész műhelye” című képen önmagát ábrázolta. Hátulról igaz.

Ezért meglepő, hogy a közelmúltban egy új tény vált ismertté a mester életéből. A Delft utcája című remekművéhez kötődik.

Jan Vermeer. Delft utca. 1657 Rijksmuseum Amszterdamban

Kiderült, hogy Vermeer gyermekkorát ebben az utcában töltötte. A képen látható ház a nagynénjé volt. Ott nevelte fel öt gyermekét. Lehet, hogy a küszöbön ül és varr, miközben két gyermeke a járdán játszik. Maga Vermeer a szemközti házban lakott.

De gyakrabban ábrázolta e házak belsejét és lakóikat. Úgy tűnik, hogy a festmények cselekményei nagyon egyszerűek. Itt van egy csinos hölgy, egy gazdag városlakó, és a mérlege munkáját ellenőrzi.

Jan Vermeer. Nő súlyokkal. 1662-1663 National Gallery of Art, Washington

Hogyan tűnt ki Vermeer több ezer másik "kis" holland közül?

A fény felülmúlhatatlan mestere volt. A „Mérleges nő” festményen a fény gyengéden beborítja a hősnő arcát, a szöveteket és a falakat. Ismeretlen szellemiséget adva a képnek.

Vermeer festményeinek kompozícióit pedig gondosan ellenőrzik. Egyetlen extra részletet sem fog találni. Elég eltávolítani az egyiket, a kép „összeomlik”, és a varázslat eltűnik.

Vermeernek mindez nem volt könnyű. Ez a csodálatos minőség alapos munkát igényelt. Évente csak 2-3 festmény. Ennek eredményeként képtelenség táplálni a családot. Vermeer műkereskedőként is dolgozott, más művészek műveit árusítva.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Peter de Hooch. Önarckép. 1648-1649 Rijksmuseum, Amszterdam

Hochot gyakran Vermeerhez hasonlítják. Egyszerre dolgoztak, még egy városban is volt időszak. És egy műfajban - háztartás. Hochban is látunk egy-két figurát hangulatos holland udvarokban vagy szobákban.

A nyitott ajtók és ablakok sokrétűvé, szórakoztatóvá teszik festményeinek terét. A figurák pedig nagyon harmonikusan illeszkednek ebbe a térbe. Mint például a "Szolga egy lánnyal az udvaron" című festményén.

Peter de Hooch. Szobalány egy lánnyal az udvaron. 1658 London National Gallery

A 20. századig Hoch nagyra értékelték. De kevesen vették észre versenytársa, Vermeer néhány alkotását.

De a 20. században minden megváltozott. Hoch dicsősége elhalványult. A festészetben elért eredményeit azonban nehéz nem elismerni. Kevés ember tudja ilyen hozzáértően egyesíteni a környezetet és az embereket.

Peter de Hooch. Kártyajátékosok a napozószobában. 1658 Royal Art Collection, London

Kérjük, vegye figyelembe, hogy egy szerény házban a „Kártyajátékosok” vásznon drága keretben van egy kép.

Ez ismét arról beszél, hogy a festészet mennyire népszerű volt a hétköznapi hollandok körében. Minden házat képek díszítettek: egy gazdag polgár, egy szerény városlakó, sőt egy paraszt házát is.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Stan. Önarckép lanttal. 1670-es évek Thyssen-Bornemisza Múzeum, Madrid

Jan Steen talán a legvidámabb "kis" holland. De szereti a moralizálást. Gyakran ábrázolt kocsmákat vagy szegényházakat, amelyekben bűnt találtak.

Főszereplői mulatozók és könnyű erényű hölgyek. Szórakoztatni akarta a nézőt, de hallgatólagosan óva intette a gonosz élettől.

Jan Stan. Káosz. 1663 Művészettörténeti Múzeum, Bécs

Stannek is vannak halkabb munkái. Mint például a „Reggeli WC”. De a művész itt is túl őszinte részletekkel lepi meg a nézőt. Harisnyagumi nyomai vannak rajta, és nem egy üres kamrás edény. És valahogy egyáltalán nem úgy van, ahogy a kutya közvetlenül a párnán fekszik.

Jan Stan. Reggeli WC. 1661-1665 Rijksmuseum, Amszterdam

De minden komolytalanság ellenére Stan színsémái nagyon professzionálisak. Ebben sokakat felülmúlt a „kis hollandok” közül. Nézze meg, hogyan passzol a piros harisnya tökéletesen a kék kabáthoz és az élénk bézs színű szőnyeghez.

7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1882)

Ruisdael portréja. Litográfia egy 19. századi könyvből.

Miután győzelmet aratott a Spanyolország elleni függetlenségi harcban, a polgári Hollandia Nyugat-Európa gazdaságilag legfejlettebb államává vált. A fő holland város Amszterdam Európa egyik legnagyobb bevásárlóközpontja.

A gazdasággal együtt a holland festészet is fejlődik. Más nyugat-európai országokkal ellentétben a paloták és kastélyok barokk festményei Hollandiában nem voltak népszerűek - a nemesség gyengesége akadályt jelentett a dekoratív művészet fejlődésében. A holland református egyház sem törekedett festményekkel díszíteni templomait.

Ennek ellenére a festészet virágzott Hollandiában: a művészek számos megbízást kaptak magánszemélyektől. Még a holland parasztok is kiakasztottak egy kis képet az otthonukban – ezek a művészek alkotásai olyan olcsók voltak.

A 17. században több mint kétezer művész dolgozott a kis Hollandiában. Beindították a festmények gyártását, teljes tételben gyártották a vászonokat és adták át az eladóknak. Szinte minden mester hetente két-öt szerzeményt adott elő.

A festmények előállítása gyakran meghaladta a keresletet, ezért a művészeknek egyidejűleg más munkát is kellett végezniük, hogy táplálkozhassanak. Az olyan ismert mesterek, mint J. Sten, M. Gobbema, J. van Goyen és még sokan mások, egyszerre voltak alkalmazottak, kertészek és kocsmárosok.

A festők általában egy adott témára specializálódtak. Például H. Averkamp téli kilátásokat, E. van der Poel éjszakai tüzeket, G. Terborch és G. Metsu hétköznapi jeleneteket, P. Klas és V. K. Heda reggeli csendéleteket.

Nagyon gyakran a művészek közösen dolgoztak egy képen: az egyik az eget, a másik a füvet és a fákat, a harmadik pedig emberi alakokat festett. A legsikeresebb, a közönség körében sikeres alkotásokat lemásolták, és számtalan lehetőség létrehozásához szolgáltak mintául.

Bár a tehetséges festők művészete alárendelt volt a kereskedelmi céloknak, a mestereknek általában sikerült elkerülniük a hamisságot. Ezeknek a vásznaknak a többségét a valósághűség, a kompozíció integritása és tisztasága, a színek frissessége és a kiváló technika jellemzi.

A portré műfaja széles körben elterjedt a holland festészetben. Az ország életében nagy szerepet játszottak a különféle szervezetek (lövőtársaságok, orvosi társaságok képviselői csoportok és kereskedelmi üzletek), amelyek hozzájárultak egy csoportos nyilvános arckép megjelenéséhez.

A spanyol gyarmatosítókkal vívott hosszan tartó küzdelem kiélezte a nemzeti identitástudatot, így a festészetben a realizmus mellett a jellegzetes nemzeti vonások ábrázolása is különösen örvendetes volt. A művészek a tengert és a hajókat, szarvasmarhákat, virágokat festették. A portré mellett olyan műfajok fejlődtek ki, mint a tájkép és a csendélet. Volt vallásos festészet is, de nem volt benne semmi miszticizmus; bibliai történeteket mutattak be
a művész inkább hazai jelenetekként.

Frans Hals

Frans Hals 1581 körül született Antwerpenben, takács családban. Fiatalkorában Haarlembe érkezett, ahol szinte szünet nélkül élt haláláig (1616-ban Antwerpenbe, az 1630-as évek közepén pedig Amszterdamba látogatott). Hals életéről keveset tudunk. 1610-ben belépett a Szent Lukács Céhbe, 1616-ban pedig a szónok kamarába (amatőr színészek).

Hals hamar az egyik leghíresebb portréfestővé vált Haarlemben. A XV-XVI. században. Hollandia festészetében az volt a hagyomány, hogy csak az uralkodó körök képviselőiről, híres emberekről és művészekről festettek portrékat. Khals művészete mélyen demokratikus: portréin arisztokratát, tehetős polgárt, kézművest, sőt egészen alulról is láthatunk. A művész nem próbálja idealizálni az ábrázolottakat, számára a legfontosabb a természetesség és az eredetiség. Nemesei éppoly gátlástalanul viselkednek, mint a társadalom alsóbb rétegeinek képviselői, akiket Hals képein vidám, önbecsülést nem nélkülöző emberekként ábrázolnak.

A festő munkáiban nagy helyet foglal el egy csoportportré. Ennek a műfajnak a legjobb alkotásai a Szent György-féle lövészszázad (1627) és a Szent Adrian-puskásszázad (1633) tiszteinek portréi voltak. A festmények minden szereplőjének megvan a maga fényes személyisége, és ugyanakkor ezek a művek megkülönböztethetők integritásukkal.

Hals egyedi készítésű portrékat is festett, amelyeken a gazdag polgárok és családjaik laza pózokba helyezkednek (Izsák Massa portréja, 1626; Hethuisen portréja, 1637). Hals képei élénkek, lendületesek, úgy tűnik, hogy a portrékon szereplő emberek egy láthatatlan beszélgetőtárshoz beszélnek, vagy a nézőhöz szólnak.

A népi környezet képviselőit Hals portréin élénk kifejezőkészség és közvetlenség jellemzi. Utcafiúk, halászok, zenészek, vendéglők képein érezhető a szerző rokonszenve és tisztelete. Figyelemre méltó az ő "cigánya". Meglepően elevennek tűnik egy mosolygós fiatal nő, akinek sunyi pillantása a közönség számára láthatatlan beszélgetőtársra irányul. Hals nem idealizálja modelljét, de egy vidám, kócos cigány képe gyönyörködtet hetyke bájjával.

Hals portréi gyakran tartalmaznak a műfaji jelenet elemeit. Ezek éneklő vagy hangszeren játszó gyerekek képei ("Singing Boys", 1624-1625). A híres „Malle Babbe” (1630-as évek eleje) ugyanebben a szellemben hangzott el, bemutatva a haarlemi taverna ismert tulajdonosát, akit a háta mögött a látogatók haarlemi boszorkánynak neveztek. A művész szinte groteszk módon ábrázolt egy nőt egy hatalmas söröskorsóval és egy bagollyal a vállán.

Az 1640-es években Az ország a fordulópont jeleit mutatja. Csak néhány évtized telt el a forradalom győzelme óta, és a burzsoázia már megszűnt a demokratikus hagyományokon alapuló progresszív osztály lenni. Hals festményeinek valódisága már nem vonzza a gazdag ügyfeleket, akik jobban szeretnék látni magukat a portrékon, mint amilyenek valójában. De Hals nem hagyta el a realizmust, és népszerűsége zuhant. A szomorúság és a csalódottság jegyei jelennek meg ennek az időszaknak a festményén ("Férfi portréja széles karimájú kalapban"). A palettája szigorúbbá és nyugodtabbá válik.

Hals 84 évesen elkészíti két remekművét: régensek (megbízottak) csoportportréit és egy idősotthon régensei (1664). A holland mester utolsó munkáit az érzelmesség és a képek fényes egyénisége különbözteti meg. A régensek - öregek és asszonyok - képeiből szomorúságot és halált lehel. Ezt az érzést a fekete, szürke és fehér tónusokban tartós színezés is hangsúlyozza.

Hals 1666-ban halt meg mélyszegénységben. Őszinte, életigenlő művészete nagy hatással volt sok holland művészre.

Rembrandt

Az 1640-1660-as években. A holland festészet virágzott. Ennek az időnek a legjelentősebb művésze Rembrandt volt.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn 1606-ban született Leidenben. Apja gazdag molnár volt. A szülők jó oktatásról álmodoztak fiuk számára, és beosztották egy latin iskolába, majd Rembrandt belépett a Leideni Egyetemre. De a fiatalembert vonzotta a művészet. Otthagyta az egyetemet, és Jacob Swannenburgh festőnél kezdett tanulni. Három évvel később a fiatal művész Amszterdamba ment, ahol Peter Lastmantől kezdett tanulni.

1624-ben Rembrandt visszatért Leidenbe. Itt Jan Lievens festővel együtt bérelt egy műhelyt. A művész sokat dolgozik az életből, nemcsak a műhelyben fest, hanem az utcán és a városi bazárban is.

Az 1620-as évek végén. Rembrandt népszerűségre tett szert Leiden lakosai körében. Sok megrendelést kapott, és az első tanítványa - Gerard Dow, aki később meglehetősen ismert festővé vált.

Rembrandt korai festményeit az aprólékos kompozíció és a lelkiismeretes kivitelezés jellemzi. Ugyanakkor némi merevség jellemzi őket („Szent Sebestyén gyötrelme”, 1625).

1631-ben Rembrandt Amszterdamban telepedett le. Híre nagyon gyorsan elterjedt az egész városban, és megrendelések estek a festőre. Rembrandt magánélete is sikeres volt: 1634-ben feleségül vette Saskia van Uylenburgot, egy jól ismert polgári családból származó lányt. A házasság jelentős vagyont hozott a művésznek, amely kreatív függetlenséget biztosított számára, és lehetővé tette számára, hogy műalkotásokat és régiségeket gyűjtsön.

Rembrandt szeretett felesége társaságában élvezte a boldogságot, akit sokszor ábrázolt portrékon. Saskia gyakran modellként is szolgált a legkülönfélébb témájú festményekhez (Flora, 1634; Önarckép Saskiával térdén, 1639 körül).

Rembrandt munkássága ebben az időszakban sokrétű, történelmi, mitológiai és vallási kompozíciókat, portrékat, hétköznapi jeleneteket, tájképeket, csendéleteket, állatképes festményeket fest. De figyelmének fő tárgya egy személy. A művész nemcsak portréiban, hanem más alkotásaiban is igyekszik átadni szereplői jellemét, belső világát.

A portré műfajának figyelemre méltó mestere, csak az 1630-as években. Rembrandt több mint hatvan megrendelésre készített portrét készített. A festő számára nem a modellhez való külső hasonlóság a legfontosabb, hanem a belső világ mélysége, a lelki mozgások, élmények ereje. A "Dr. Tulp anatómiája" (1632) című csoportportrét kortársai lelkesedéssel fogadták. A művész a klasszikus csoportportré hagyományos kompozícióján változtatott, a figurákat nem a megszokott módon, hanem szabadon rendezte el. Ez a konstrukció elevenséget, természetességet adott a képnek.

Az 1630-as évek végén. Rembrandt lett Hollandia leghíresebb mestere. Ebbe az időszakba tartozik remekműve - a híres "Danae" (1636), amelynek kivitelezési készsége felülmúlja mindazt, amit a kortársak alkottak.
művész. Lenyűgöző a kompozíció tökéletessége és a színskálának az arany árnyalatokban megőrzött gazdagsága. Úgy tűnik, ebben a műben nincs semmi felesleges, minden részletét alaposan átgondolta a szerző. A mester egy szabad és élénk vonással közvetíti az ágytakaró könnyedségét, a nehéz függönyök, drapériák redőit. Feltűnő az ágyon fekvő fiatal nő rugalmas plaszticitása, testének lágy arany árnyalatait lágy fény világítja meg. Bár Danae nem tündököl ideális szépséggel, képe élénk bájjal és frissességgel örvendezteti meg a nézőt.

Az 1630-as években a művész sokat dolgozik rézkarcban is. Hétköznapi indítékok vonzzák ("A patkányméreg eladója", 1632). A műfaji elemek a bibliai témájú művekben is megtalálhatók (A tékozló fiú visszatérése, 1636). Ennek az időszaknak az egyik legjobb rézkarca a Mária halála (1639), érzelmes és mélységes bánattal átitatott. A figyelemreméltó „Krisztus gyógyítja a betegeket” című alkotást (az ún. „Száz guldenes lap” – ez a név jelzi a mű értékét) a kompozíció összetettsége és a képek monumentális nagyszerűsége is megkülönbözteti.

Az 1640-es években Rembrandt lett Amszterdam leghíresebb és legjobban fizetett festője. Portrékat, kompozíciókat rendelnek neki a hágai holland stadtholder palotájába. Sok pályakezdő művész igyekszik a műhelyében tanulni. Rembrandt művészetének hírneve túlmutat Hollandián. A híres mester több festményét őrzik I. Károly angol király palotájában.

Rembrandt tehetsége valósághű és kifejező csendéleteiben (Bika teteme) és tájképeiben (Táj malommal, 1650 körül) nyilvánult meg. A finom líraiság benne rejlik az igénytelen holland tájakban, amelyek szinte kézzelfogható valóságukkal ütik meg a nézőt.

Szeretett feleségének 1642-ben bekövetkezett halála elidegenítette Rembrandtot nemesi családjától. A művész abbahagyta a kommunikációt az arisztokrata társadalomból származó ismerőseivel. A mester életében bekövetkezett változások tükröződtek festészetében, amely egyre mélyebbé és koncentráltabbá válik. Ha Rembrandt korai műveit nyugodt és egyenletes hangulat jellemzi, most a szorongás és a kétség jegyei kezdenek hangzani festményein. A paletta is változik, a vörös és az arany árnyalatok dominálnak.

Az arany-rózsaszín és arany-kék tónusokkal kivitelezett „Dávid és Jonatán” (1642, Ermitázs, Szentpétervár) vászon élénk kifejezőképességével tűnik ki.

Rembrandt festészetének mindezen új vonásai nem találtak megértést kortársai körében. Az elégedetlenséget az „Éjszakai őrség” (1642) nagy monumentális kompozíció okozta. Ez a festmény a 19. században kapta a nevét. Valójában az akció nem éjszaka, hanem nappal, napfényben játszódik, ami megerősíti az árnyékok természetét.

Az idő múlásával a színek elsötétültek, és csak az 1946-1947-ben végzett restaurálás mutatta, hogy ennek a műnek a színvilága valamikor sokkal világosabb volt.

A festmény Banning Cock kapitány társaságának puskásait ábrázolja. A megrendelő hagyományos ünnepi portrét várt (lakoma jelenete, vagy egy parancsnok bemutatja beosztottjait a nézőnek). Rembrandt létrehozta a
Roico-történelmi vászon, amely a lövészek teljesítményét ábrázolja a kapitány utasítására. A karakterek izgatottak és dinamikusak; a parancsnok parancsol, a zászlóvivő felemeli a zászlót, a dobos veri a dobot, a nyilak megtöltik a fegyvert. Itt nem derül ki, hol pörög a derekán kakasos kislány.

Ezekben az években Hendrikje Stoffels tűnt fel Rembrandt életében, először szobalány, majd felesége, aki hűséges barátja és asszisztense lett. A művész még mindig keményen dolgozik. Megalkotja híres "Szent Családját" (1645), amelyben a vallási témát műfajként kezelik. A festő a bibliai kompozíciók mellett valósághű tájképeket ad elő a falu képeivel ("Téli kilátás", 1646). Erről az időszakról készült portréit a modellek egyéni vonásainak bemutatása jellemzi.

Az 1650-es években a megrendelések száma jelentősen csökken. Rembrandt nagy pénzügyi nehézségekkel küzd. Teljes tönkretétel fenyegeti, mert még nem fizették ki az első felesége, Saskia életében történt házvásárlással járó tartozást. 1656-ban a művészt csődbe mentették, műgyűjteményét és minden vagyonát árverésen értékesítették. A Rembrandt családnak Amszterdam szegényes zsidónegyedébe kellett költöznie.

A nagy festő tehetsége minden nehézség ellenére sem szárad ki. De most már teljesen más a készsége. Rembrandt későbbi munkáiban a színes vonások élesen jelennek meg a vászon felületén. A festmények színei már nemcsak a szereplők külső megjelenését és a belső arculat közvetítését szolgálják, hanem a szín az, amely átveszi a mű szemantikai terhelését. Így az Assur, Hámán és Esther (1660) című festmény intenzív drámai érzetét egy összetett tónustartomány és különleges fényhatások teremtik meg.

A megrendelésektől megfosztott, mélyszegénységben élő Rembrandt nem hagyja abba az írást. Kifejező és spirituális portrékat készít, amelyeknek modelljei rokonok és barátok („A művész bátyja feleségének portréja”, 1654; „Vörös ruhás öregember portréja”, 1652-1654; „Olvasó Titusz fiának portréja”). 1657; „Hendrikje Stoffels portréja az ablakoknál”, 1659 körül).

Titus fia, aki végül megkapta elhunyt édesanyja vagyonát, igyekszik megvédeni apját az anyagi nélkülözéstől, és megteremteni a nyugodt munkavégzés feltételeit. De a szerencsétlenségek továbbra is kísértik a művészt: 1663-ban Hendrikje meghal, néhány évvel később Titus követte őt.

Ebben a tragikus időben alkotja meg az öreg magányos művész remekműveit, melyeket monumentális nagyszerűségük és szellemiségük jellemez ("Dávid és Uriah", 1665-1666; "A tékozló fiú visszatérése", kb. 1668-1669).

Rembrandt 1669-ben halt meg, mindenki elfelejtette. Csak a XVIII. művészetét végre megértették és megbecsülték.

Az 1640-1660-as években. a holland festészet vezető műfaja a hazai műfaj volt. A valóság leghétköznapibb pillanatait ábrázoló képek meglepően költőiek és líraiak. A festők figyelmének fő tárgya egy személy és az őt körülvevő világ. A legtöbb műfaji kompozíciót a nyugodt narratíva és a drámaiság hiánya jellemzi. Mesélnek a ház úrnője házimunkáiról (élelmiszerek beszerzése, gyermekgondozás, kézimunka), a holland polgár szórakoztatásáról (kártyázás, vendégfogadás, koncertek). A művészek mindent ábrázolnak, ami egy gazdag városlakó házában történik, figyelmen kívül hagyva az ember életének társadalmi oldalát.

Nagyon népszerűek voltak a műfaji festők: G. Dow, akinek festményeit nagyon drágán adták el, A. van Ostade, aki a paraszti élet jeleneteit festette („Country Concert”), J. Sten, akinek kedvenc témái a mulatság és a szórakoztató jelenetek voltak. ünnepek („Merry Society”), G. Terborch, akinek elegáns festménye egy gazdag polgári család életét ábrázolta („Egy pohár limonádét”), G. Metsu zseniális elbeszélésével („Beteg gyerek”), P. de Hooch , aki kontemplatív-lírai vásznakat készített ("Az úrnő és a szolga").

A rövid életet élő K. Fabritius (egy lőporraktár robbanásában halt meg Delftben) a mindennapi műfaj hatókörének bővítésére törekedett. Egyik legjobb műve a Lázár feltámadása (1643 körül), amely drámaiságával és már-már monumentális terjedelmével figyelemreméltó. Portréi és önarcképei is figyelemre méltóak, a művészt F. Halsszal és Rembrandttal helyezik egy szintre.

Tragikus sorsa E. de Fabritiusnak, a hétköznapi jelenetek és a templombelsőt ábrázoló művek tehetséges mesterének („Piac a kikötőben”, „Belső nővel a csembalónál”). A művész nem törekedett a polgári közönség ízlésének hódolni, ezért a kortársainál nem aratott alkotásait fillérekért adták el. Fabritius gyakran kénytelen volt odaadni őket a lakástulajdonosok adósságaiért. 1692 egy téli éjszakáján a hetvenöt éves művész, akit ura kidobott házából, felakasztotta magát a híd korlátjára. Hasonló sors volt sok holland festőre is, akik nem akarták feladni a realista hagyományokat a nyilvánosság javára.

Jan Wermeer Delftből

A holland festészeti műfaj kiemelkedő képviselője Jan Vermeer, akit születési helyéről és tevékenységéről Delftskynek becéztek. A festő 1623-ban született egy festmény- és selyemkereskedő családjában. Vermeer életéről keveset tudunk. Talán K. Fabricius volt a tanára. 1653-ban a művész a Szent Lukács Céh tagja lett, és feleségül vette egy gazdag polgár lányát, Katherine Bolnes-t. Delftben tiszteletnek és hírnévnek örvendett, egy nagy házban lakott a piactéren.

Vermeer nagyon lassan és részletesen dolgozott festményein, minden részletet gondosan leírt. A festészet nem tudta kényelmes életet biztosítani a művész családjának, bár vásznai nagy sikert arattak. Valószínűleg ezért kezdett Vermeer festményekkel kereskedni, folytatva apja munkáját.

Már Vermeer első műveiben megjelenik a munkásságára jellemző realizmus és a képek bizonyos mértékű idealizálásának kombinációja ("Diana a nimfákkal", "Krisztus Mártával és Máriával" - mindkettő 1656 előtt). A következő alkotás - egy nagy figurás vászon "A párkeresőnél" (1656), amelyet sok festő által használt cselekményre írtak - az előadás eredetisége jellemzi. A művész hétköznapi jelenete szinte monumentális jelentőséggel bír. A festmény a hasonló témájú alkotások közül kiemelkedik merész, tiszta sárga, piros, fekete és fehér színekben megőrzött színvilágával, valamint a képek élénk expresszivitásával.

Később Vermeer a holland festészet számára hagyományos kamarakompozíciók felé fordult. Más holland mesterekhez hasonlóan gazdag polgárházakban zajló eseményeket ábrázol. A művész kedvenc képe egy lány, aki levelet olvas, vagy nyakláncot próbál fel. Vászonai ötletes hétköznapi jeleneteket ábrázolnak: egy szobalány levelet ad úrnőjének, egy úriember egy pohár bort hoz a hölgynek. De ezek az egyszerű kompozíciós festmények épséggel, harmóniával és líraisággal ámulatba ejtenek, képeik természetességgel és nyugodt költészettel vonzanak.

Az 1650-es évek második felében. a művész alkotta művei közül a legfigyelemreméltóbbakat. A mélyen lírai "Alvó lány", "Pohár bor", "Lány betűvel" meleg érzés jellemzi. Sok korabeli holland festő munkával elfoglalt szolgákat ábrázolt festményein, de csak Vermeernél a népből származó nő képében van az igazi szépség és nagyszerűség ("Szolga tejeskancsóval").

Vermeer igazi virtuóz abban, hogy vizuális eszközökkel közvetítse a dolgok világának lényegét. Festményein a csendéletek nagy szakértelemmel készültek. Az almával és szilvával készült edény elképesztően szépnek és természetesnek tűnik, mintás terítővel letakart asztalon állva a „Lány betűvel” vászonban.

A szolga tejeskannával című festményen a kancsóból sűrű folyamban ömlő kenyér és tej gyönyörködtet frissességével.

A fény fontos szerepet játszik Vermeer műveiben. Kitölti a vásznak terét, rendkívüli légies benyomást keltve; modellezi a formákat és áthatol a festékeken, belülről ragyogva. Ennek a fény- és levegőmennyiségnek köszönhető, hogy Vermeer legtöbb művében különleges érzelmi felemelkedés jön létre.

A festő figyelemre méltó készsége a tájfestészetben nyilvánult meg. A felhős nap nyirkos légkörébe burkolt város egy kis szegletét az „Utca” (1658 körül) tiszta és egyszerű kompozíciója adja vissza. Az eső által mosott város tisztának és frissnek tűnik a „Delft látképe” című festményen (1658 és 1660 között). A napsugarak áttörnek a halvány ezüstös felhőkön, sok fényes tükröződést hozva létre a víz felszínén. A hangzatos színezés finom színátmeneteivel kifejezőt és harmóniát kölcsönöz a képnek.

Az 1660-as években Vermeer festészete kifinomultabbá és elegánsabbá válik. Változik a paletta is, amelyet most a hideg színes árnyalatok uralnak („Girl with a Pearl”). A vásznak főszereplői gazdag hölgyek és urak, fényűző tárgyakkal körülvéve („Szerelmes levél”, 1670 körül).

Jan Wermeer Delftből. Szobalány egy kancsó tejjel. 1657 és 1660 között
Jan Wermeer Delftből. Festőműhely. RENDBEN. 1665

Vermeer életének utolsó szakaszában művei felületessé és kissé távolivá válnak ("A hit allegóriája"), a paletta elveszti a telítettségét és a hangzatát. De még ezekben az években is ámulatba ejtik a művész egyes munkái korábbi kifejezőerejükkel. Ilyen a "Festőműhely" (1665), amelyen Vermeer saját magát ábrázolta munka közben, valamint a tudósokat ábrázoló "Asztronómus" és "Földrajztudós" festmények.

Vermeer sorsa sok más holland mesterhez hasonlóan tragikus. A beteg művész élete végén, aki elvesztette korábbi vásárlóinak nagy részét, kénytelen volt népes családját egykori otthonából egy olcsóbb lakásba költöztetni. Az elmúlt öt évben egyetlen képet sem festett. A festő 1675-ben halt meg. Művészete sokáig feledésbe merült, és csak a 19. század közepén. Vermeert nagyra értékelték, és olyan holland mesterekkel került egy szintre, mint Rembrandt és F. Hals.

A holland művészek nagyban hozzájárultak azoknak a mestereknek a munkásságához, akik a 17. században kezdték munkájukat, és máig nem álltak le. Azonban nemcsak kollégáikra voltak hatással, hanem az irodalom (Valentin Proust, Donna Tartt) és a fotográfia (Ellen Cooy, Bill Gekas és mások) szakembereire is.

A fejlesztés kezdete

1648-ban Hollandia elnyerte függetlenségét, de egy új állam megalakulásához Hollandiának kellett elviselnie egy spanyol bosszútételt, amely akkoriban mintegy 10 ezer embert pusztított el a flamand Antwerpen városában. A mészárlás következtében Flandria lakói kivándoroltak a spanyol hatóságok által ellenőrzött területekről.

Ez alapján logikus lenne beismerni, hogy a független holland művészek lendületét éppen a flamand kreativitás adta.

A 17. századtól kezdve mind az állami, mind a művészeti ág kialakult, ami két, nemzetiségileg körülhatárolt művészeti iskola kialakulásához vezet. Közös származásúak voltak, de jeleikben nagyon eltértek egymástól. Míg Flandria a katolicizmus szárnyai alatt maradt, Hollandia a 17. századtól teljesen új virágzást élt át.

holland kultúra

A 17. században az új állam csak fejlődésének útjára lépett, teljesen megszakítva a kapcsolatot egy letűnt kor művészetével.

A Spanyolországgal folytatott küzdelem fokozatosan alábbhagyott. A nemzeti hangulat népi körökben a hatalom által korábban erőltetett katolikus vallástól való elszakadáskor kezdett nyomon követni.

A protestáns dominancia ellentmondásos megítélése volt a díszítésnek, ami a vallási témájú alkotások számának csökkenéséhez vezetett, és később csak a világi művészet kezébe került.

Soha azelőtt a valódi környező valóságot nem ábrázolták ilyen gyakran a képek. A holland művészek alkotásaikban a hétköznapi hétköznapokat akarták bemutatni díszítés, kifinomult ízlés és nemesség nélkül.

A világi művészeti robbanás számos irányzatot eredményezett, mint a tájkép, portré, hétköznapi műfaj és csendélet (amelynek létezéséről még Olaszország és Franciaország legfejlettebb központjai sem tudtak).

A holland realizmus művészeinek saját elképzelése, amely portrékban, tájképekben, belső alkotásokban és csendéletfestményekben fejeződik ki, a társadalom minden rétegében felkeltette az érdeklődést e képesség iránt.

Így a 17. századi holland művészetet a "holland festészet aranykorának" nevezték, ezzel biztosítva a holland festészet legkiemelkedőbb korszakának státuszát.

Fontos tudni: van egy téves vélemény, hogy a holland iskola csak az emberi létezés középszerűségét ábrázolta, de az akkori mesterek pimaszul lerombolták a keretet fantasztikus műveik segítségével (például "Táj Keresztelő Jánossal " írta Bloomart).

A 17. századi holland művészek. Rembrandt

Rembrandt Harmensz van Rijnt Hollandia egyik legnagyobb művészeti alakjának tartják. A művész tevékenysége mellett gravírozással is foglalkozott, és joggal tartották a chiaroscuro mesterének.

Hagyatéka gazdag egyéni sokszínűségben: portrék, műfaji jelenetek, csendéletek, tájképek, valamint történelmi, vallási és mitológiai témájú festmények.

A chiaroscuro elsajátításának képessége lehetővé tette az ember érzelmi kifejezőkészségének és spiritualitásának fokozását.

Miközben portrékon dolgozott, az emberi arckifejezéseken dolgozott.

A szívszorító tragikus események kapcsán későbbi munkáit az emberek mély érzelmeit felfedő félhomály töltötte meg, aminek következtében a briliáns alkotások senkit nem érdekeltek.

Abban az időben a külső szépség a mélységbe merülési kísérletek nélkül volt divatban, csakúgy, mint a naturalizmus, amely ellentétben állt a nyílt realizmussal.

A "A tékozló fiú visszatérése" című festményt minden orosz képzőművészet-kedvelő láthatja, mivel ez a mű a szentpétervári Ermitázsban található.

Frans Hals

Frans Hals nagyszerű holland művész és jelentős portréfestő, aki segített bevezetni a szabad írás műfaját az orosz művészetbe.

Az alkotás, amely hírnevet hozott neki, az 1616-ban írt "A Szent György Puskás Társaság tiszteinek bankettje" című festmény volt.

Az akkori portrémunkája túlságosan természetes volt, ami nem volt lépés a mai korral. Mivel a művész félreérthetetlen maradt, a nagy Rembrandthoz hasonlóan szegénységben fejezte be életét. A cigányasszony (1625-1630) az egyik leghíresebb műve.

Jan Steen

Jan Steen első látásra az egyik legszellemesebb és legvidámabb holland művész. A társadalmi visszásságokat nevetségessé téve szeretett a szociális szatíra készségéhez folyamodni. Ő, aki ártalmatlan, vicces képekkel szórakoztatta a nézőt mulatozókról és könnyed erényű hölgyekről, valójában óva intett az ilyen életmódtól.

A művésznek voltak nyugodtabb képei is, például a Reggeli vécé című alkotás, amely első pillantásra teljesen ártatlan akciónak tűnt. De ha alaposan megnézzük a részleteket, egészen meglepődhetnek a kinyilatkoztatásaik: ezek a harisnyák nyomai, amelyek korábban összeszorították a lábát, és egy edény, amely éjszaka megtöltött valami illetlennel, valamint egy kutya, amely megengedi magának, hogy igaza legyen. a háziasszony párnáján.

A művész saját munkáinak legjobbjaiban megelőzte kollégáit a színpaletták elegánsan ügyes kombinációjában és az árnyékok elsajátításában.

Más holland művészek

Ebben a cikkben a tucatnyi közül csak három okos ember szerepel, akik méltóak arra, hogy egy szinten álljanak velük ugyanazon a listán:

Tehát ebben a cikkben megismerkedtél a 17. századi holland művészekkel és munkásságukkal.

"Burger" barokk a holland festészetbenA XVII ban ben. - a mindennapi élet képe (P. de Hoch, Vermeer). "Luxus" csendélet Kalf. Csoportportré és jellemzői Halsban és Rembrandtban. Rembrandt mitológiai és bibliai témák értelmezése.

A 17. századi holland művészet

A 17. században Hollandia kapitalista mintaországgá vált. Kiterjedt gyarmati kereskedelmet folytatott, erős flottája volt, a hajógyártás az egyik vezető iparág volt. A protestantizmus (legsúlyosabb formája a kálvinizmus), amely teljesen felváltotta a katolikus egyház befolyását, oda vezetett, hogy Hollandiában a papság nem volt olyan hatással a művészetre, mint Flandriában, és még inkább Spanyolországban vagy Olaszországban. Hollandiában a templom nem töltötte be a műalkotások megrendelőjének szerepét: a templomokat nem díszítették oltárképekkel, a kálvinizmus ugyanis elutasított mindenféle luxust; A protestáns templomok építészetileg egyszerűek voltak, és belülről nem volt díszítve.

A XVIII. századi holland művészet fő vívmánya. - festőállványfestésben. Az ember és a természet a holland művészek megfigyelésének és ábrázolásának tárgya volt. A mindennapi festészet az egyik vezető műfaj lesz, amelynek alkotói a történelemben a "kis holland" nevet kapták. Az evangéliumi és bibliai jelenetekről készült festmények is megjelennek, de nem olyan mértékben, mint más országokban. Hollandiának soha nem volt kapcsolata Olaszországgal, és a klasszikus művészet nem játszotta azt a szerepet, mint Flandriában.

A realista irányzatok elsajátítása, a témakör kialakítása, a műfaji differenciálódás egységes folyamatként a 17. század 20-as éveire teljesedett ki. A 17. századi holland festészet története. tökéletesen bemutatja Hollandia egyik legnagyobb portréfestőjének, Frans Halsnak (kb. 1580-1666) munkásságának alakulását. A 10-30-as években Hals sokat dolgozott a csoportportrék műfajában. Ezeknek az éveknek a vásznairól derűs, lendületes, vállalkozó kedvű, képességeikben és a jövőbe vetett emberek tűnnek ki („Szent Adrián lövészcéh”, 1627 és 1633;

A Lövész céh a St. György", 1627).

A khalok egyéni portréit a kép speciális sajátossága miatt a kutatók néha műfajportréknak is nevezik. Hulse vázlatos stílusa, merész írása, amikor egy ecsetvonás formát és hangerőt egyaránt farag, és színt közvetít.

A késői korszak (50-60-as évek) Khals portréin eltűnik az ábrázolt személyek karakteréből a gondtalan bravúr, energia, nyomás. Hals azonban a kreativitás késői időszakában éri el a mesteri tudás csúcsát, és alkotja meg a legmélyebb műveket. Festményeinek színe szinte monokrómmá válik. Hals két évvel halála előtt, 1664-ben ismét visszatért a csoportportréhoz. Két portrét fest - régensek és idősek otthonának régensei, amelyek közül az egyikben ő maga is menedéket talált élete végén. A régensek portréján nem látszik a korábbi kompozíciók bajtársiassága, a modellek szétesnek, tehetetlenek, szemük homályos, arcukra pusztulás íródott.

Hals művészete nagy jelentőséggel bírt a maga korában, nemcsak a portré, hanem a mindennapi élet műfajának, tájképének, csendéletének alakulására is hatással volt.

Különösen érdekes a 17. századi holland táj műfaja. Hollandiát Jan van Goyen (1596-1656) és Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670) alakítja.

A tájfestészet virágkora a holland iskolában a 17. század közepére nyúlik vissza. A realisztikus tájkép legnagyobb mestere Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), művei rendszerint mély drámai hatást keltenek, akár erdei bozótokat ábrázol („Erdei mocsár”),

tájak vízesésekkel („Waterfall”) vagy romantikus táj temetővel („Zsidó temető”).

A ruisdaeli természet dinamikában, örök megújulásban jelenik meg.

A holland tájjal szorosan összefügg az állatias műfaj. Albert Cuyp kedvenc motívuma a tehenek itatóhelyen ("Naplemente a folyón", "Tehenek a patak partján").

A ragyogó fejlődés eléri a csendéletet. A holland csendélet a flamanddal ellentétben méretében és motívumaiban szerény az intim jellegű festményekhez. Pieter Claesz (kb. 1597-1661), Billem Head (1594-1680/82) leggyakrabban az úgynevezett reggeliket ábrázolta: sonkás vagy lepényes ételeket egy viszonylag szerényen felszolgált asztalon. Kheda "reggelije" átadja helyét Kalf pazar "desszertjeinek". Az egyszerű edényeket márványasztalok, szőnyegterítők, ezüst serlegek, gyöngyház kagylók és kristálypoharak váltják fel. A Kalf elképesztő virtuozitást ér el az őszibarack, a szőlő és a kristályfelületek textúrájának közvetítésében.

A XVII. század 20-30-as éveiben. a hollandok a kisméretű, kisfigurás festészet speciális típusát alkották meg. 40-60-as évek - a festészet virágkora, Hollandia nyugodt polgári életét, a kimért mindennapi létet dicsőítő festészet.

Adrian van Ostade (1610-1685) eleinte a parasztság életének árnyas oldalait ábrázolja ("A harc").

Munkásságában az 1940-es évektől a szatirikus jegyzeteket egyre inkább felváltják a humorosak ("Falusi kocsmában", 1660).

Néha remek lírai érzéssel színesítik ezeket a kis képeket. Igaz, Ostade festői remekének tekintik a „Festő a műteremben” című művét (1663), amelyben a művész az alkotómunkát dicsőíti.

De a "kis hollandok" fő témája továbbra sem a paraszti, hanem a polgári élet. Általában ezek a képek minden lenyűgöző cselekmény nélkül. Az ilyen jellegű festmények legszórakoztatóbb mesemondója Jan Stan (1626-1679) volt ("Revelers", "The backgammon game"). Gerard Terborch (1617-1681) még nagyobb jártasságot ért el ebben.

A belső tér a "kis hollandok" körében különösen költőivé válik. Ennek a témának az igazi énekese Pieter de Hooch (1629-1689) volt. Félig nyitott ablakú szobáit, véletlenül eldobott cipőket vagy otthagyott seprűt sokszor emberi alak nélkül ábrázolják.

A műfajfestészet új szakasza az 50-es években kezdődik, és az úgynevezett delfti iskolához kötődik, olyan művészek nevével, mint Karel Fabritius, Emmanuel de Witte és Jan Vermeer, akit a művészettörténet delfti Vermeer (1632-1675) néven ismer. ). Úgy tűnik, Vermeer festményei egyáltalán nem eredetiek. Ugyanazok a képek a megfagyott polgári életről: levelet olvas, egy úriember és egy hölgy beszélget, egyszerű háztartást folytató szobalányok, Amszterdam vagy Delft kilátásai. Ezek a képek, amelyek működése egyszerű: „Lány levelet olvas”,

"A lovag és a hölgy a spineten"

„A tiszt és a nevető lány” stb. tele vannak lelki tisztasággal, békével és csenddel.

Vermeer fő előnye művészként a fény és a levegő áteresztésében rejlik. A tárgyak fény-levegő környezetben való feloldódása, ennek az illúziónak a megteremtésének képessége mindenekelőtt pontosan a XIX.

Wermeer azt tette, amit senki más a 17. században: tájképeket festett a természetből („Utca”, „Delft látképe”).

A plein air festészet első példáinak nevezhetők.

A holland realizmus csúcsa, a 17. századi holland kultúra képi vívmányainak eredménye, Rembrandt munkája. Harmensz van Rijn Rembrandt (1606-1669) Leidenben született. 1632-ben Rembrandt Amszterdamba, Hollandia művészeti kultúrájának központjába indult, ami természetesen vonzotta a fiatal művészt. Az 1930-as évek a legnagyobb dicsőség időszaka, amelyhez a festő előtt egy nagy megrendelésre készült 1632-es festmény nyitotta meg az utat - egy csoportos portré, más néven "Dr. Tulp anatómiája", vagy "Anatómialecke".

1634-ben Rembrandt feleségül vesz egy jómódú családból származó lányt - Saskia van Uylenborch-ot. Élete legboldogabb időszaka kezdődik. Híres és divatos művész lesz.

Ezt az egész időszakot romantika borítja. Rembrandt hozzáállását ezekben az években a híres „Önarckép Saskiával a térdén” (1636 körül) közvetíti a legvilágosabban. Az egész vásznat áthatja az őszinte életöröm, ujjongás.

A barokk nyelv áll a legközelebb a magas hangulat kifejezéséhez. Rembrandtot ebben az időszakban nagymértékben az olasz barokk hatotta át.

Összetett rövidítésekben az 1635-ös Ábrahám áldozata című festmény szereplői bukkannak fel előttünk. A kompozíció rendkívül dinamikus, a barokk minden szabálya szerint felépített.

Ugyanebben a 30-as években Rembrandt először kezdett komolyan foglalkozni a grafikával, különösen a rézkarcokkal. Rembrandt rézkarcai többnyire bibliai és evangéliumi témák, de a rajzban igazi holland művészként gyakran hivatkozik a műfajra is. A művész munkásságának korai időszakának és alkotói érettségének fordulóján kerül elénk egyik leghíresebb festménye, az Éjjeli őrség (1642) néven ismertté vált festménye, amely Banning Cock kapitány puskásszázadának csoportképe.

Kibővítette a műfaj körét, meglehetősen történelmi képet mutatott be: vészjelzésre Banning Cock különítménye hadjáratra indul. Vannak, akik nyugodtak, magabiztosak, mások izgatottan várják, hogy mi lesz, de mindegyikben megnyilvánul a közös energia, a hazafias lelkesedés, a polgári szellem diadala.

A Rembrandt ecsetje alatt készült csoportportré a kor és a társadalom hősi képévé nőtte ki magát.

A festmény már annyira elsötétült, hogy éjszakai jelenet képének tartották, innen ered a helytelen elnevezés. A kapitány alakjáról a hadnagy világos ruháján fekvő árnyék bizonyítja, hogy nem éjszaka van, hanem nappal.

Ugyanebben az évben, 1642-ben Saskia halálával bekövetkezik Rembrandt természetes szakítása a számára idegen patrícius körökkel.

A 40-50-es évek a kreatív érettség időszaka. Ebben az időszakban gyakran fordul a régi művekhez, hogy új módon készítse újra azokat. Ilyen volt például a Danae, amelyet még 1636-ban festett. Az 1940-es években a festmény felé fordulva a művész felerősítette érzelmi állapotát.

A központi részt átírta a hősnővel és a szobalánnyal. Danae-nak egy új, felemelt kézmozdulatot adott, nagy izgalmat, örömöt, reményt és vonzerőt mondott neki.

Az 1940-es és 1950-es években Rembrandt mesterségbeli tudása folyamatosan nőtt. Az emberi lét leglíraibb, költőibb aspektusait választja értelmezésre, azt az emberit, ami örök, egyetemes: az anyai szeretetet, az együttérzést. A Szentírás adja neki a legnagyobb anyagot, és ebből - a szent család életének jeleneteiből - Rembrandt egyszerű életet, hétköznapi embereket ábrázol, mint a „Szent család” festményen.

Az elmúlt 16 év Rembrandt életének legtragikusabb éve; tönkrement, nincs parancsa. De ezek az évek tele vannak elképesztő alkotó tevékenységgel, melynek eredményeként a karakterek monumentalitása és spiritualitása szempontjából kivételes képi képek születnek, mélyen filozófiai alkotások. Rembrandt ezekből az évekből származó kis méretű alkotásai is rendkívüli nagyság és valódi monumentalitás benyomását keltik. A szín hangosságot és intenzitást nyer. Színei mintha fényt sugároznának. A néhai Rembrandt portréi nagyon eltérnek a 30-as, sőt a 40-es évek portréitól. Ezek rendkívül egyszerű (félalakos vagy generációs) képek olyan emberekről, akik belső felépítésükben közel állnak a művészhez. Rembrandt az önarcképekben érte el a jellegzetességek legnagyobb finomságát, amelyek közül körülbelül száz jutott el hozzánk. A csoportportré történetének döntője a Rembrandt által a posztóműhely véneinek – az úgynevezett „Sindiki” – ábrázolása (1662), ahol Rembrandt fukar eszközökkel élő és egyben különböző embertípusokat alkotott, de a legtöbbet. ami fontos, hogy sikerült átadnia a spirituális egyesülés, a kölcsönös megértés és az emberek kapcsolatait.

Az érettség éveiben (főleg az 50-es években) Rembrandt készítette legjobb rézkarcait. Rézkarcként nem ismer párat a világművészetben. Mindegyikben mély filozófiai jelentéssel bírnak a képek; a lét titkairól, az emberi élet tragédiájáról mesélnek.

Sokat rajzol. Rembrandt 2000 rajzot hagyott hátra. Ezek természetrajzi vázlatok, festmények vázlatai és rézkarcok előkészületei.

A XVII. század utolsó negyedében. megkezdődik a holland festőiskola hanyatlása, nemzeti identitásának elvesztése, és a 18. század elejétől kezdődik a holland realizmus nagy korszakának vége.

A 17. században a holland festőiskola Európa egyik vezető festőiskolája lett. A világművészet történetében először itt bizonyultak a környező valóság tárgyai a kreatív inspiráció és a művészi tervezés forrásának. Az akkori holland művészetben a műfajok egész rendszerének kialakulása a reneszánsz korban beteljesedett. A művészek portrékon, hétköznapi festményeken, tájképeken és csendéleteken ritka ügyességgel és melegséggel közvetítették benyomásaikat a környező természetről és az igénytelen életről. Hollandia kollektív képét tükrözték – egy fiatal köztársaság, amely megvédte függetlenségét a Spanyolországgal vívott háborúban.

"Egy fiatal hölgy reggele" 1660 Frans Miris idősebb. Fa, olaj. Állami Ermitázs

A művészek hétköznapi témájú festményei (vagy műfaji festmények), amelyek egy embert ismerős, hétköznapi környezetben ábrázolnak, a holland társadalom különböző osztályaihoz tartozó emberek kialakult életformáit, viselkedését és kommunikációját tükrözték. A kereskedők, kézművesek vagy gazdag parasztok házainak belső díszítésére tervezték a holland művészek festményei kis méretűek. A művészek pénzt kerestek olyan festmények eladásával, amelyeket úgy festettek, hogy a közelről részletesen megtekinthetők legyenek. Ez pedig különösen óvatos, finom írásmódot eredményezett.

Terasz Társaság. 1620 Esais Van De Velde. Fa, olaj. Állami Ermitázs

A 17. század során a holland zsánerfestészet jelentős fejlődésen ment keresztül. Megalakulásának időszakában, a század elején gyakoriak voltak a rekreáció, a gazdag hollandok szórakoztatásának témájú cselekmények, vagy a tisztek életéből vett jelenetek. Az ilyen festményeket "banketteknek", "társaságoknak", "koncerteknek" nevezték. Festményüket tarka szín, emelkedett örömteli tónus jellemezte. Esaias van de Velde "Társadalom a teraszon" című festménye az ilyen jellegű művek közé tartozik.

Az 1930-as évek elejére befejeződött a holland zsánerfestészet kialakulása. A zsúfolt „társadalmak” átadták a helyüket a kisfigurás kompozícióknak. Az embert körülvevő környezet képe fontos szerepet kezdett játszani. A festészet zsáner-megoszlása ​​társadalmi szempontok szerint történt: cselekmények a burzsoázia életéből, jelenetek a parasztok és a városi szegények életéből. Mind ezeket, mind más festményeket a belső terek díszítésére szánták.

"Harc". 1637 Adrian van Ostade. Fa, olaj. Állami Ermitázs

Az egyik leghíresebb művész, aki a "paraszt műfajban" dolgozott, Adrian van Ostade volt. A kreativitás korai szakaszában a parasztképet festményein hangsúlyos, olykor karikatúráig terjedő komikusság jellemezte. Tehát az éles fénnyel megvilágított „A harc” című festményen a harcoló emberek nem élő embereknek, hanem báboknak tűnnek, akiknek az arca olyan, mint a rosszindulat fintorától eltorzult álarc. A hideg és meleg színek ellentéte, a fény és árnyék éles kontrasztja tovább fokozza a jelenet groteszkségének benyomását.

Falusi zenészek. 1635 Adrian Van De Ostade 1635 Olaj, fa. Állami Ermitázs

Az 1650-es években változás következett be Adrian Ostade festészetében. A művész nyugodtabb témák felé fordult, egy személyt a megszokott tevékenységek során, leggyakrabban a pihenés pillanataiban ábrázolt. Ilyen például a „Faluzenészek” belső festmény. Ostade ügyesen közvetíti a foglalkozásuktól elragadtatott „zenészek” koncentrációját, és alig észrevehető humorral ábrázolja az ablakon keresztül őket figyelő gyerekeket. A fény és árnyék játékának változatossága, lágysága, a zöldesbarna színvilág egyetlen egésszé egyesíti az embert és környezetét.

"Téli kilátás". 1640 Isaac Van Ostade. Fa, olaj. Állami Ermitázs

Adrian testvére, Isaac van Ostade, aki korán meghalt, szintén a "paraszt műfajban" dolgozott. A vidéki Hollandia életét ábrázolta, amelynek természetében az ember otthon érezte magát. A "Téli kilátás" című festmény egy tipikus holland tájat mutat be, a föld felett erősen lógó szürke égbolttal, egy befagyott folyóval, amelynek partján a falu található.

– A beteg és az orvos. 1660 Jan Steen. Fa, olaj. Állami Ermitázs

Az Ostade fivérek művészetének műfaji témáját Jan Steen, a tehetséges mester folytatta, aki humorérzékkel vette észre festményein a szereplők életének, kapcsolatainak jellegzetes részleteit. A „Revelers” című festményen maga a művész néz vidáman és ravaszul a nézőre, aki a felesége mellett ül, aki egy mulatságos lakoma után elaludt. A „Páciens és az orvos” című filmben a szereplők arckifejezésein és gesztusain keresztül Jan Steen ügyesen feltárja egy képzeletbeli betegség cselekményét.

"Egy szoba egy holland házban". Peter Janssens. Vászon, olaj. Állami Ermitázs

A 17. század ötvenes-hatvanas éveiben a zsánerfestészet témája fokozatosan leszűkült. Változik a festmények figurális szerkezete. Nyugodtabbá, bensőségesebbé válnak, líraibb elmélkedés, csendes gondolat jelenik meg bennük. Ezt a szakaszt olyan művészek munkái képviselik, mint: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Pieter Janssens. Műveik az egykor jogaiért és függetlenségéért küzdő, mára fenntartható jólétet elérő holland burzsoázia mindennapi életének költői és kissé idealizált képét testesítették meg. Tehát Peter Janssens „Szoba egy holland házban” című belső festményén egy hangulatos, napfénytől elárasztott szoba látható, ahol napsugarak játszanak a padlón és a falakon, Jacob „Az öregasszony a kandalló mellett” című festményén. Wrel, lágy félhomályba merülő kandallóval rendelkező szoba van ábrázolva. A kompozícióválasztás mindkét művész alkotásaiban az ember és környezete egységét hangsúlyozza.

– Egy pohár limonádét. 1664 Gerard Terborch. Gazda (fából fordítás), olaj. Állami Ermitázs

Ezekben az években a holland zsánerfestők először igyekeztek alkotásaikban tükrözni az ember belső életének mélységét. A mindennapi élethelyzetekben lehetőséget találtak arra, hogy a legfinomabb élmények sokszínű világát tükrözzék. De ezt csak a kép alapos és alapos vizsgálatával láthatja. Így Gerard Terborch „Egy pohár limonádé” című festményén a gesztusok, a kézérintések és a szemkontaktus finom nyelvezete a szereplők közötti érzések és kapcsolatok egész skáláját tárja fel.

"Reggeli". 1660 Gabriel Metsu. Fa, olaj. Állami Ermitázs

A tárgyi világ kezd nagy szerepet játszani ennek az időszaknak a műfaji festészetében. Nemcsak az ember életének tárgyi és érzelmi környezetét jellemzi, hanem kifejezi az ember külvilággal való kapcsolatának sokszínűségét is. A tárgyak halmaza, elrendezésük, összetett szimbólumrendszer, valamint a szereplők gesztusai - minden szerepet játszik a kép figurális szerkezetének kialakításában.

"Múltatók". 1660 Jan Steen. Fa, olaj. Állami Ermitázs

A holland műfajú festészetet nem különböztette meg a sokféle téma. A művészek a szereplők és foglalkozásaik egy bizonyos körét ábrázolták. De segítségükkel a holland műfaji festészet megbízható képet tudott közvetíteni a 17. századi ember életéről, szokásairól és elképzeléseiről.

A kiadvány elkészítésekor nyílt forrásból származó anyagokat használtak fel.