XIX-XX सदियों के मोड़ पर, यूरोपीय संस्कृति में विभिन्न कलात्मक रुझान सह-अस्तित्व में थे। कुछ ने XIX सदी की परंपराओं को विकसित किया, अन्य आधुनिक स्वामी की रचनात्मक खोजों के परिणामस्वरूप उत्पन्न हुए। संगीत कला की सबसे महत्वपूर्ण घटना देर से रूमानियत थी। इसके प्रतिनिधियों को सिम्फोनिक संगीत और रचनाओं के भव्य पैमाने में बढ़ती रुचि से प्रतिष्ठित किया गया था। संगीतकारों ने अपने कार्यों के लिए जटिल दार्शनिक कार्यक्रम बनाए। कई संगीतकारों ने अपने काम में अतीत की रोमांटिक परंपराओं को जारी रखने की मांग की, उदाहरण के लिए, एस.वी. राचमानिनोव (1873-1943), रिचर्ड स्ट्रॉस (1864-1949)। मैं देर से रूमानियत की शैली के इन दो प्रतिनिधियों पर ध्यान देना चाहूंगा।

सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोव

सर्गेई वासिलीविच राचमानिनोव एक रूसी संगीतकार, पियानोवादक और कंडक्टर हैं।

4 कंसर्ट, "पगनिनी की एक थीम पर रैप्सोडी" (1934) पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए, प्रस्तावना, एट्यूड-चित्र पियानो के लिए, 3 सिम्फनी (1895-1936), फंतासी "क्लिफ" (1893), कविता "आइल ऑफ द डेड" (1909), ऑर्केस्ट्रा के लिए सिम्फोनिक डांस (1940), गाना बजानेवालों और ऑर्केस्ट्रा के लिए कंटाटा स्प्रिंग (1902), कविता बेल्स (1913), ओपेरा अलेको (1892), द मिस्टरली नाइट, फ्रांसेस्का दा रिमिनी (दोनों 1904), रोमांस।

संगीतकार और गुणी पियानोवादक सर्गेई वासिलीविच राचमानिनोव के काम ने सामंजस्यपूर्ण रूप से रूसी और यूरोपीय कला की परंपराओं को जोड़ा। अधिकांश संगीतकारों और श्रोताओं के लिए, राचमानिनॉफ की रचनाएँ रूस का एक कलात्मक प्रतीक हैं। सर्गेई राचमानिनॉफ के काम में मातृभूमि का विषय विशेष बल के साथ सन्निहित है। रोमांटिक पाथोस उनके संगीत में गेय-चिंतनशील मनोदशाओं, अटूट मधुर समृद्धि, चौड़ाई और सांस की स्वतंत्रता - लयबद्ध ऊर्जा के साथ संयुक्त है। राचमानिनोव का संगीत यूरोप के बाद के रूमानियत का एक महत्वपूर्ण हिस्सा है। 1917 के बाद, Rachmaninoff को विदेश में रहने के लिए मजबूर किया गया - स्विट्जरलैंड और संयुक्त राज्य अमेरिका में। उनकी रचना और विशेष रूप से प्रदर्शन करने वाली गतिविधियाँ एक ऐसी घटना बन गईं जिसके बिना 20-40 के दशक में पश्चिम के सांस्कृतिक जीवन की कल्पना करना असंभव है। XX सदी।

Rachmaninoff की विरासत में ओपेरा और सिम्फनी, चैम्बर वोकल और कोरल संगीत शामिल हैं, लेकिन अधिकांश संगीतकार ने पियानो के लिए लिखा है। वह एक शक्तिशाली, स्मारकीय गुणों की ओर आकर्षित हुआ, जिसने पियानो को एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के रंगों की समृद्धि के साथ तुलना करने की कोशिश की।

राचमानिनोव का काम विभिन्न युगों और संस्कृतियों को जोड़ता है। यह रूसी संगीतकारों को यूरोपीय परंपराओं के साथ अपने गहरे संबंध को महसूस करने की अनुमति देता है, और पश्चिमी संगीतकारों के लिए, राचमानिनॉफ रूस को खोलता है - उसका सच्चा आध्यात्मिक धन दिखाता है।

रिचर्ड स्ट्रॉस

रिचर्ड स्ट्रॉस स्वर्गीय रोमांटिक युग के एक जर्मन संगीतकार हैं, जो विशेष रूप से अपनी सिम्फोनिक कविताओं और ओपेरा के लिए प्रसिद्ध हैं। वह एक उत्कृष्ट कंडक्टर भी थे।

रिचर्ड स्ट्रॉस की शैली चोपिन, शुमान, मेंडेलसोहन के कार्यों से गंभीर रूप से प्रभावित थी। रिचर्ड वैगनर के संगीत से प्रभावित होकर स्ट्रॉस ने ओपेरा की ओर रुख किया। इस तरह का पहला काम गुंट्रम (1893) है। यह एक रोमांटिक पीस है; उनकी संगीत की भाषा सरल है, धुनें सुंदर और मधुर हैं।

1900 के बाद से, रिचर्ड स्ट्रॉस के काम में ओपेरा अग्रणी शैली बन गया है। संगीतकार की रचनाएँ संगीत की भाषा की सरलता और स्पष्टता से प्रतिष्ठित हैं, जिसमें लेखक ने रोज़मर्रा की नृत्य शैलियों का इस्तेमाल किया।

स्ट्रॉस की रचनात्मक गतिविधि सत्तर से अधिक वर्षों तक चली। संगीतकार देर से रोमांटिक के रूप में शुरू हुआ, फिर इक्सप्रेस्सियुनिज़म में आया और अंत में, नवशास्त्रवाद में बदल गया।

अलेक्जेंडर निकोलाइविच स्क्रीबिन

बचपन से ही वह पियानो की आवाज के प्रति आकर्षित था। और तीन साल की उम्र में वह पहले से ही यंत्र पर घंटों बैठा रहा, उसे एक जीवित प्राणी की तरह माना। मॉस्को कंज़र्वेटरी से स्नातक होने के बाद, अलेक्जेंडर ने संगीत कार्यक्रम देना और पढ़ाना शुरू किया, लेकिन रचना की इच्छा प्रबल थी। वह रचना करना शुरू कर देता है और उसकी रचनाएँ तुरंत अन्य पियानोवादकों के प्रदर्शनों की सूची में प्रवेश कर जाती हैं।

"कला को उत्सवपूर्ण होना चाहिए," उन्होंने कहा, "उत्थान करना चाहिए, मंत्रमुग्ध करना चाहिए।" लेकिन वास्तव में, उनका संगीत इतना साहसिक, नया और असामान्य निकला कि 21 मार्च, 1903 को मास्को में उनकी "दूसरी सिम्फनी" का प्रदर्शन एक प्राकृतिक घोटाले में बदल गया। किसी ने प्रशंसा की, किसी ने पेट भरा और सीटी बजाई ... लेकिन स्क्रिपियन शर्मिंदा नहीं था: वह एक मसीहा की तरह महसूस करता था, जो एक नए धर्म - कला का अग्रदूत था। वह इसकी परिवर्तनकारी शक्ति में विश्वास करता था। उन्होंने तब फैशनेबल को ग्रहों के पैमाने पर सोचा था। स्क्रिपियन का रहस्यमय दर्शन उनकी संगीत भाषा में परिलक्षित होता था, विशेष रूप से नवीन सामंजस्य में, पारंपरिक रागिनी की सीमाओं से परे।

स्क्रिपबिन ने एक नई सिंथेटिक शैली का सपना देखा, जहां न केवल ध्वनि और रंग विलीन हो जाएंगे, बल्कि गंध और नृत्य की प्लास्टिकता भी होगी। लेकिन विचार अधूरा रह गया। स्क्रिपबिन की मृत्यु 14 अप्रैल (27), 1915 को मास्को में हुई थी। उनका जीवन, एक प्रतिभा का जीवन, छोटा और उज्ज्वल था।

सर्गेई प्रोकोफिव

सर्गेई प्रोकोफिव एक रूसी और सोवियत संगीतकार हैं, जो 20वीं शताब्दी के सबसे प्रसिद्ध संगीतकारों में से एक हैं।

"संगीतकार" की परिभाषा प्रोकोफ़िएव के लिए "आदमी" के रूप में स्वाभाविक थी।

प्रोकोफ़िएव के संगीत में, आम तौर पर प्रोकोफ़िएव के तीखे असंगत सामंजस्य, वसंत की लय, जानबूझकर शुष्क, दिलेर गतिशीलता को सुना जा सकता है। आलोचना ने तुरंत प्रतिक्रिया व्यक्त की: "युवा लेखक, जिसने अभी तक अपनी कला शिक्षा पूरी नहीं की है, आधुनिकतावादियों की चरम दिशा से संबंधित है, आधुनिक फ्रेंच की तुलना में अपने साहस में बहुत आगे जाता है।"

युवा प्रोकोफ़िएव के कई समकालीनों और यहां तक ​​​​कि उनके काम के शोधकर्ताओं ने उनके संगीत में एक "गीतात्मक धारा" देखी, जिसने जानबूझकर किसी न किसी, भारी लय के माध्यम से तीखे व्यंग्य, भड़काऊ, व्यंग्यात्मक छवियों के माध्यम से अपना रास्ता बनाया। और उनमें से कई हैं, पियानो चक्र "फ्लीटिंग" और "सरकस्म" में ये गेय, शर्मीले स्वर, दूसरे सोनाटा के पहले भाग के साइड थीम में, बालमोंट, अपुख्तिन, अख्मातोवा की कविताओं पर आधारित रोमांस में।

प्रोकोफ़िएव के बारे में कोई कह सकता है: महान संगीतकार ने जीवन के महान परिवर्तकों के बीच अपना स्थान पाया।

मिली बालाकिरेव

मिली बालाकिरेव - रूसी संगीतकार, पियानोवादक, कंडक्टर (1836/37-1910)

एक "माइटी हैंडफुल" का गठन किया गया था - समान विचारधारा वाले लोगों का एक समुदाय जिसने रूसी संगीत को बहुत कुछ दिया।

मंडली में बलकिरेव के नेतृत्व को उनके त्रुटिहीन स्वाद, स्पष्ट विश्लेषणात्मक दिमाग और भारी मात्रा में संगीत सामग्री के ज्ञान से सुगम बनाया गया था। मूड सर्कल में शासन करता था, जिसे उस समय के आलोचकों में से एक ने व्यक्त किया था: "संगीत पहाड़ों को स्थानांतरित कर सकता है।" बलकिरेव का स्वभाव अत्यंत ऊर्जावान और आकर्षक था। मंडली में, उन्होंने जल्दी से आयोजक की भूमिका निभाई।

उन्होंने सर्कल को एक तरह की रचनात्मकता के रूप में माना: उन्होंने युवा संगीतकारों को "प्रभावित" किया। उनसे उन्होंने रूस के भविष्य के संगीतमय पैलेट की रचना की।

धीरे-धीरे, बालाकिरेव को एक मुफ्त संगीत विद्यालय का विचार आया।

1862 में फ्री स्कूल ऑफ म्यूजिक खोला और अपना पहला संगीत कार्यक्रम दिया। बालाकिरेव ने सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के कंडक्टर के रूप में प्रदर्शन किया।

उन्होंने स्वयं बहुत कुछ लिखा, लेकिन उन्होंने जो कुछ भी बनाया उससे उन्हें रचनात्मक संतुष्टि का अनुभव नहीं हुआ। जैसा कि सीज़र कुई ने लिखा है, "अपनी मृत्यु तक उन्होंने कहा कि केवल वही जो हमने उनके पंखों के नीचे लिखा था वह अच्छा था।"

ग्लेज़ुनोव अलेक्जेंडर कोन्स्टेंटिनोविच

अलेक्जेंडर ग्लेज़ुनोव - रूसी और सोवियत संगीतकार (1865-1936)

ग्लेज़ुनोव 19वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत के सबसे महान रूसी संगीतकारों में से एक हैं। माइटी हैंडफुल और त्चिकोवस्की की परंपराओं के उत्तराधिकारी, उन्होंने अपने काम में रूसी संगीत की गेय-महाकाव्य और गीत-नाटकीय शाखाओं को जोड़ा। ग्लेज़ुनोव की रचनात्मक विरासत में, मुख्य स्थानों में से एक विभिन्न शैलियों के सिम्फ़ोनिक संगीत से संबंधित है। यह रूसी महाकाव्य, मूल प्रकृति की तस्वीरें, रूसी वास्तविकता, स्लाविक और पूर्वी लोगों के गीत की वीर छवियों को दर्शाता है। ग्लेज़ुनोव की रचनाएँ संगीत विषयों की राहत, ऑर्केस्ट्रा की पूर्ण और स्पष्ट ध्वनि, पॉलीफोनिक तकनीक के व्यापक उपयोग (उन्होंने विभिन्न विषयों की एक साथ ध्वनि, नकल और परिवर्तनशील विकास के संयोजन का उपयोग किया) से प्रतिष्ठित हैं। ग्लेज़ुनोव के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में वायलिन और ऑर्केस्ट्रा (1904) के लिए एक संगीत कार्यक्रम भी है।

ग्लेज़ुनोव ने चैंबर वाद्य संगीत के साथ-साथ बैले शैली (रेमोंडा, 1897, आदि) में महत्वपूर्ण योगदान दिया। त्चैकोव्स्की की परंपराओं के बाद, ग्लेज़ुनोव ने बैले में संगीत की भूमिका को गहरा कर दिया, इसकी सामग्री को समृद्ध किया। ग्लेज़ुनोव रूसी, चेक, ग्रीक भजनों और गीतों की व्यवस्था का मालिक है। रिमस्की-कोर्साकोव के साथ मिलकर उन्होंने ओपेरा "प्रिंस इगोर" पूरा किया, स्मृति से उन्होंने बोरोडिन की तीसरी सिम्फनी का पहला भाग रिकॉर्ड किया। एम। आई। ग्लिंका के कार्यों के प्रकाशन की तैयारी में भाग लिया। रूसी और विदेशी संगीतकारों द्वारा कई कार्यों के लिए मार्सिलेज़ (1917) का आयोजन किया गया।

निकोलाई याकोवलेविच मायास्कोवस्की

निकोलाई मायास्कोवस्की - रूसी और सोवियत संगीतकार (1881-1950)।

प्रोकोफ़िएव और स्ट्राविंस्की के साथ, निकोलाई याकोवलेविच मायास्कोवस्की उन संगीतकारों में से थे, जिन्होंने पूर्व-क्रांतिकारी काल में रूस के रचनात्मक बुद्धिजीवियों की मनोदशा को दर्शाया था। उन्होंने अक्टूबर के बाद रूस में पुराने विशेषज्ञों के रूप में प्रवेश किया, और अपने चारों ओर अपनी तरह के खिलाफ निर्देशित आतंक को देखते हुए, वे परिसरों की भावना से छुटकारा नहीं पा सके। फिर भी, उन्होंने ईमानदारी से (या लगभग ईमानदारी से) बनाया, उनके आसपास की वास्तविकता को दर्शाता है।

उस समय के प्रेस ने लिखा: “सत्ताईसवीं सिम्फनी एक सोवियत कलाकार का काम है। इसके बारे में एक मिनट के लिए मत भूलना।" उन्हें सोवियत सिम्फनी स्कूल का प्रमुख माना जाता है। Myaskovsky के संगीत कार्य उनके समय को दर्शाते हैं; कुल मिलाकर, उन्होंने 27 सिम्फनी, 13 चौकड़ी, 9 पियानो सोनाटा और अन्य रचनाएँ लिखीं, जिनमें से कई सोवियत संगीत में मील का पत्थर बन गईं। संगीतकार को बौद्धिक और भावनात्मक सिद्धांतों के संयोजन की विशेषता थी। मायस्कॉव्स्की का संगीत अद्वितीय है, जो विचार की एकाग्रता और एक ही समय में जुनून की तीव्रता से चिह्नित है। हमारे समय में, कोई एन। मायास्कोवस्की के काम से अलग तरह से संबंधित हो सकता है, लेकिन, निस्संदेह, उनकी सत्ताईस सिम्फनी पूरी तरह से सोवियत काल के जीवन को दर्शाती हैं।

निकोलाई रिम्स्की-कोर्साकोव

निकोलाई रिम्स्की-कोर्साकोव - रूसी संगीतकार (1844-1908)

महान संगीतकार एन. रिमस्की-कोर्साकोव का काम, जो लगभग पूरी तरह से 19वीं सदी का था, 20वीं सदी में सुई की तरह चिपक गया: वह इस सदी में आठ साल तक रहे और काम किया। संगीतकार, एक पुल की तरह, दो शताब्दियों के विश्व संगीत को जोड़ता है। रिमस्की-कोर्साकोव का आंकड़ा भी दिलचस्प है क्योंकि वह अनिवार्य रूप से स्व-सिखाया गया था।

जार्ज वासिलिविच स्विरिडोव

जार्ज वासिलिविच स्विरिडोव - सोवियत संगीतकार, पियानोवादक (1915-1998)।

जार्ज स्विरिडोव का संगीत, इसकी सादगी के कारण, अन्य संगीतकारों के कार्यों से अलग करना आसान है। लेकिन यह सरलता संक्षिप्तता के समान है। Sviridov के संगीत में एक स्पष्ट अभिव्यक्ति है, लेकिन यह सार में अभिव्यंजक है, न कि रूप में, सभी प्रकार के तामझाम के साथ रंगा हुआ। उसके पास एक समृद्ध आंतरिक दुनिया है, उसकी वास्तविक भावनाएं संयमित हैं ... स्विरिडोव का संगीत समझना आसान है, जिसका अर्थ है कि यह अंतरराष्ट्रीय है, लेकिन साथ ही साथ देशभक्तिपूर्ण भी है, क्योंकि मातृभूमि का विषय लाल धागे की तरह चलता है। जी। स्विरिडोव, उनके शिक्षक डी। शोस्ताकोविच के अनुसार, "एक नई संगीत भाषा का आविष्कार करते नहीं थकते", "नए दृश्य साधनों" की तलाश में। इसलिए, उन्हें 20वीं शताब्दी के सबसे दिलचस्प लेखकों में से एक माना जाता है।

अक्सर जी। स्विरिडोव को एक संगीतकार के रूप में जाना जाता था, जिनके मुखर कार्यों को करना मुश्किल होता है। उनके रचनात्मक वाल्टों में, संगीत दशकों से जमा हो रहा है, इसके कलाकारों की प्रतीक्षा कर रहा है। स्विरिडोव के संगीत के लिए पारंपरिक प्रदर्शन शैली अक्सर उपयुक्त नहीं थी; संगीतकार ने खुद कहा था कि उनके मुखर संगीत की नवीनता और जटिलता इस तथ्य के कारण है कि भाषण में लगातार सुधार हो रहा है। इस संबंध में, उन्होंने पुराने, एक बार प्रसिद्ध और एक समय में फैशनेबल अभिनेताओं और कवियों को याद किया। "आज," स्विरिडोव ने तर्क दिया, "वे हम पर इतना मजबूत प्रभाव नहीं डालेंगे। उनका भाषण हमें कभी-कभी शिष्ट, कभी-कभी भद्दा, कभी-कभी बहुत सरल लगेगा। कवि इगोर सेवरीनिन कल्पना और शब्दावली दोनों के मामले में अप-टू-डेट थे, और अब उन्हें एक संग्रहालय के रूप में माना जाता है। भाषण की नई विशेषताओं ने अक्सर गायकों के साथ हस्तक्षेप किया, लेकिन यह इस दिशा में था, स्विरिडोव के अनुसार, कि किसी को काम करना चाहिए।

शायद, Sviridov से पहले किसी ने मुखर शैलियों के विकास और संवर्धन के लिए इतना कुछ नहीं किया - oratorio, cantata, choir, रोमांस ... यह G. Sviridov को न केवल रूस में, बल्कि वैश्विक स्तर पर भी अग्रणी संगीतकारों में शामिल करता है।

स्ट्राविंस्की इगोर फेडोरोविच

स्ट्राविंस्की इगोर फेडोरोविच - रूसी संगीतकार, कंडक्टर (1882-1971)।

स्ट्राविंस्की ने अपना अधिकांश जीवन रूस के बाहर बिताया, लेकिन वह कभी भी रूसी संगीतकार नहीं बने। उन्होंने रूसी संस्कृति और रूसी भाषा से प्रेरणा ली। और उन्होंने वास्तव में विश्वव्यापी ख्याति प्राप्त की। स्ट्राविंस्की का नाम उन लोगों के लिए भी जाना जाता था, जिनकी संगीत में बहुत कम रुचि है। उन्होंने 20 वीं शताब्दी की संगीत संस्कृति के विश्व इतिहास में आधुनिकता और प्राचीन पुरातनता की संगीत परंपराओं के संयोजन के एक महान गुरु के रूप में प्रवेश किया।

स्ट्राविंस्की की रचनाओं ने स्थापित ढांचे को तोड़ दिया, लोककथाओं के प्रति दृष्टिकोण बदल दिया। उन्होंने यह समझने में मदद की कि कैसे एक लोक गीत, जिसे आधुनिकता के चश्मे से देखा जाता है, संगीतकार के हाथों में जीवंत हो उठता है। स्ट्राविंस्की जैसे संगीतकारों के लिए धन्यवाद, 20 वीं शताब्दी के अंत में, लोकगीतों की प्रतिष्ठा बढ़ी और एथनो-संगीत का विकास हुआ।

कुल मिलाकर, संगीतकार ने बैले थियेटर के लिए आठ आर्केस्ट्रा स्कोर लिखे: "द फायरबर्ड", "पेत्रुस्का", "द रीट ऑफ स्प्रिंग", "अपोलो मुसागेट", "किस ऑफ द फेयरी", "प्लेइंग कार्ड्स", "ऑर्फ़ियस" , "एगॉन"। उन्होंने गायन के साथ तीन बैले कार्य भी बनाए: "बका", "पुलसिनेला", "वेडिंग"।

तनीव सर्गेई इवानोविच

रूमानियत संगीत प्रभाववाद

तनीव सर्गेई इवानोविच - रूसी संगीतकार, पियानोवादक, शिक्षक (1856-1915)।

इस महान संगीतकार और शिक्षक के नाम का अब शायद ही कभी उल्लेख किया जाता है, लेकिन करीब से देखने पर यह वास्तविक सम्मान का कारण बनता है। वह एक संगीतकार के रूप में प्रसिद्ध नहीं हुए, लेकिन उन्होंने अपना पूरा जीवन मॉस्को कंज़र्वेटरी को समर्पित कर दिया, ऐसे निर्विवाद रूप से उत्कृष्ट संगीतकारों को एस। राचमानिनोव, ए। स्क्रिपबिन, एन। पी. त्चिकोवस्की के एक छात्र, एस. तान्येव ने एक पूरा स्कूल बनाया जिसने रूसी और सोवियत संगीतकारों को दुनिया भर के संगीतकारों से अलग किया। उनके सभी छात्रों ने तनयदेव की सिम्फनी की परंपराओं को जारी रखा। 19वीं और 20वीं शताब्दी के मोड़ के कई प्रसिद्ध लोगों, जैसे कि लियो टॉल्स्टॉय, ने उन्हें अपना मित्र कहा और उनके साथ संवाद करना एक सम्मान की बात मानी।

तनयदेव की तुलना सुकरात से की जा सकती है, जिन्होंने गंभीर दार्शनिक कार्यों को लिखे बिना, कई छात्रों को पीछे छोड़ दिया।

तान्येव ने कई संगीत सिद्धांत विकसित किए, एक अनूठा काम "सख्त लेखन का मोबाइल प्रतिरूप" (1889-1906) और इसकी निरंतरता "कैनन के बारे में शिक्षण" (90 के दशक के अंत में 1915) बनाया। कला को अपना जीवन समर्पित करने वाले हर कलाकार का सपना होता है कि उसका नाम आने वाली पीढ़ियां न भूलें। अपने जीवन के अंतिम वर्षों में, तान्येव बहुत चिंतित थे कि उन्होंने कुछ रचनाएँ लिखीं जो प्रेरणा के रूप में पैदा होंगी, हालाँकि उन्होंने बहुत कुछ और गहनता से लिखा था। 1905 से 1915 तक उन्होंने कई कोरल और वोकल साइकल, चैम्बर और इंस्ट्रुमेंटल वर्क्स लिखे।

दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच

दिमित्री दिमित्रिच शोस्ताकोविच - सोवियत संगीतकार, पियानोवादक (1906-1975)।

शोस्ताकोविच निस्संदेह 20वीं शताब्दी के महानतम संगीतकार थे। उनके समकालीन जो उन्हें करीब से जानते थे, उन्होंने दावा किया कि उन्होंने कुछ इस तरह तर्क दिया: अगर वंशज अभी भी आपके बारे में संगीत के कामों से जानेंगे तो भगदड़ क्यों मचेगी? शोस्ताकोविच ने अधिकारियों के साथ संबंध नहीं बढ़ाए। लेकिन संगीत में उन्होंने व्यक्ति के खिलाफ हिंसा का विरोध किया।

उन्होंने सिम्फनी नंबर 7 (लेनिनग्राद की घेराबंदी के लिए समर्पित) लिखा था।

शोस्ताकोविच ने अपनी आँखों से देखा: लोग कैसे मरते हैं, कैसे विमान, बम उड़ते हैं, उन्होंने अपने काम "सिम्फनी नंबर 7" में उन सभी घटनाओं को प्रतिबिंबित करने की कोशिश की जो लोगों ने अनुभव की।

सिम्फनी का प्रदर्शन लेनिनग्राद रेडियो समिति के बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा द्वारा किया गया था। नाकाबंदी के दिनों में, कई संगीतकार भुखमरी से मर गए। दिसंबर में रिहर्सल रद्द कर दी गई थी। जब उन्होंने मार्च में फिर से शुरू किया, तो केवल 15 कमजोर संगीतकार ही खेल सके। इसके बावजूद, संगीत कार्यक्रम अप्रैल में ही शुरू हो गए थे। मई में, विमान ने घिरे शहर में सिम्फनी का स्कोर दिया। ऑर्केस्ट्रा के आकार को फिर से भरने के लिए, लापता संगीतकारों को सामने से भेजा गया था।

शोस्ताकोविच ने सिम्फनी नंबर 7 (1941) के साथ फासीवादी आक्रमण का जवाब दिया, लेनिनग्राद शहर को समर्पित और फासीवाद के खिलाफ संघर्ष के प्रतीक के रूप में दुनिया भर में मान्यता प्राप्त की।

प्रभाववाद

19 वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे में, एक नई प्रवृत्ति दिखाई दी - प्रभाववाद (फ्रेंच प्रभाववाद, प्रभाव से - "छाप"), यह मूल रूप से फ्रांसीसी चित्रकला में दिखाई दिया। प्रभाववादी संगीतकारों ने सूक्ष्म और जटिल संवेदनाओं को व्यक्त करने की मांग की, ध्वनि के शोधन और परिष्कार की मांग की। यही कारण है कि वे साहित्यिक प्रतीकवाद (19वीं शताब्दी के 70 - 20वीं शताब्दी के 10 के दशक) के करीब थे, जिसकी उत्पत्ति फ्रांस में भी हुई थी।

प्रतीकवादियों ने अज्ञात और रहस्यमय क्षेत्रों की खोज की, वास्तविकता की आड़ में छिपे "आदर्श दुनिया" को जानने की कोशिश की। प्रभाववादी संगीतकार अक्सर कविता और प्रतीकवाद की नाटकीयता की ओर मुड़े।

संगीत प्रभाववाद के संस्थापक फ्रांसीसी संगीतकार, पियानोवादक और कंडक्टर क्लाउड डेबसी (1862-1918) हैं। उनके काम में, सद्भाव (माधुर्य के बजाय) सामने आया, ऑर्केस्ट्रा की रंगीन ध्वनि को एक महत्वपूर्ण भूमिका सौंपी गई। ध्वनि की बारीकियां मुख्य हो गईं, जो पेंटिंग की तरह, मनोदशाओं, भावनाओं और छापों के रंगों को दर्शाती हैं।

संगीतकारों ने सामंजस्य की स्पष्टता, धुनों और रूपों की सादगी, संगीत की भाषा की सुंदरता और पहुंच की ओर लौटने की मांग की। वे पॉलीफोनी में बदल गए, हार्पसीकोर्ड संगीत को पुनर्जीवित किया।

मैक्स रेगर

जर्मन संगीतकार और कंडक्टर मैक्स रेगर के काम में देर से रूमानियत और नवशास्त्रवाद की विशेषताएं संयुक्त थीं। उन्होंने अंग, ऑर्केस्ट्रा, पियानो, वायलिन, वायोला, चैम्बर पहनावा के लिए लिखा। रेगर ने 18वीं शताब्दी की विरासत, विशेष रूप से जोहान सेबेस्टियन बाख के अनुभव को समझने की कोशिश की, और अपने कामों में उन्होंने बीते युग की संगीतमय छवियों की ओर रुख किया। हालांकि, 19वीं-20वीं शताब्दी के मोड़ पर एक आदमी होने के नाते, रेगर ने संगीत को मूल सामंजस्य और असामान्य लय के साथ संतृप्त किया।

नियोक्लासिज्म

19वीं शताब्दी की रोमांटिक परंपरा के साथ-साथ इससे जुड़ी धाराओं (प्रभाववाद, अभिव्यक्तिवाद, वेरिस्मो, आदि) के विरोध में नियोक्लासिसिज्म एक विरोध बन गया। इसके अलावा, लोककथाओं में रुचि बढ़ी, जिसके कारण एक संपूर्ण अनुशासन - नृवंशविज्ञान का निर्माण हुआ, जो संगीत लोककथाओं के विकास का अध्ययन करता है और दुनिया के विभिन्न लोगों के बीच संगीत और सांस्कृतिक प्रक्रियाओं की तुलना करता है। कुछ प्राचीन संस्कृतियों (कार्ल ओर्फ) की उत्पत्ति की ओर मुड़ते हैं या पूरी तरह से लोक कला (लियोस जनासेक, बेला बार्टोक, ज़ोल्टन कोडली) पर भरोसा करते हैं। साथ ही, संगीतकार सक्रिय रूप से अपनी रचनाओं में प्रयोग करना जारी रखते हैं और हार्मोनिक भाषा, छवियों और संरचनाओं के नए पहलुओं और संभावनाओं की खोज करते हैं।

19 वीं शताब्दी के सौंदर्य सिद्धांतों का पतन, नई सदी की शुरुआत के राजनीतिक और आर्थिक संकट, विचित्र रूप से पर्याप्त, ने एक नए संश्लेषण के निर्माण में योगदान दिया, जिससे संगीत में अन्य प्रकार की कलाओं का प्रवेश हुआ: पेंटिंग , ग्राफिक्स, वास्तुकला, साहित्य और यहां तक ​​कि छायांकन भी। हालाँकि, I.S के समय से संगीतकार अभ्यास पर हावी होने वाले सामान्य कानून। बाख, टूट गए और रूपांतरित हो गए।

XIX-XX सदियों के अंत में, रूसी संगीतकारों द्वारा यूरोपीय संस्कृति की परंपराओं, शैलियों और शैलियों में महारत हासिल करने की एक लंबी और जटिल प्रक्रिया समाप्त हो गई। XIX सदी के अंत तक। सेंट पीटर्सबर्ग और मॉस्को कंज़र्वेटरी ठोस शैक्षणिक संस्थान बन गए हैं। उनकी दीवारों से उस युग के सभी उत्कृष्ट संगीतकार और कई उत्कृष्ट कलाकार निकले। वादकों, गायकों और नर्तकों के स्कूल थे। रूसी ओपेरा और बैले कला ने यूरोपीय जनता को जीत लिया। संगीत थिएटर के विकास में एक महत्वपूर्ण भूमिका सेंट पीटर्सबर्ग में इंपीरियल मरिंस्की थिएटर और रूसी उद्योगपति और परोपकारी सव्वा इवानोविच ममोनतोव (1841 - 1918) द्वारा बनाई गई मॉस्को प्राइवेट रूसी ओपेरा द्वारा निभाई गई थी।

सदी के मोड़ के रूसी संगीत ने देर से रूमानियत और प्रभाववाद की विशेषताओं को आपस में जोड़ा। महान साहित्यिक और कलात्मक प्रवृत्तियों का प्रभाव था, और सबसे बढ़कर प्रतीकवाद। हालाँकि, महान उस्तादों ने अपनी शैली विकसित की। उनके काम को किसी विशेष प्रवृत्ति के लिए श्रेय देना मुश्किल है, और यह रूसी संगीत संस्कृति की परिपक्वता का प्रमाण है।

बीसवीं शताब्दी के संगीत से परिचित होने पर पहली धारणा यह है कि आधुनिक समय की संगीत कला और पिछली सभी शताब्दियों के बीच एक रसातल है - कार्यों की ध्वनि छवि में अंतर इतना महत्वपूर्ण है।

10-30 साल के काम भी। 20वीं शताब्दी ध्वनि में अत्यधिक तनावपूर्ण और कठोर प्रतीत होती है। वास्तव में, 20वीं शताब्दी का संगीत, पिछली शताब्दियों की तरह, लोगों की आध्यात्मिक और भावनात्मक दुनिया को दर्शाता है, क्योंकि मानव जीवन की गति तेज हो गई, अधिक कठोर और तीव्र हो गई।

दुखद घटनाओं और विरोधाभासों - युद्धों, क्रांतियों, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, अधिनायकवाद और लोकतंत्र ने न केवल लोगों में निहित भावनात्मक अनुभवों को बढ़ा दिया, बल्कि मानवता को विनाश के कगार पर खड़ा कर दिया। यही कारण है कि बीसवीं शताब्दी के संगीत में जीवन और मृत्यु के बीच टकराव का विषय एक महत्वपूर्ण विषय बन गया है। कला के लिए कोई कम महत्वपूर्ण व्यक्ति के आत्म-ज्ञान का विषय नहीं था।

बीसवीं शताब्दी को क्रांतियों और विश्व युद्धों के दौरान जनता के मन में विनाशकारी परिवर्तनों से जुड़े कला और साहित्य में कई नवाचारों द्वारा चिह्नित किया गया था। 19 वीं के अंत में और 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में, और विशेष रूप से पूर्व-अक्टूबर दशक में, पुराने, अन्यायपूर्ण सामाजिक व्यवस्था को दूर करने वाले महान परिवर्तनों की अपेक्षा का विषय सभी रूसी कला और संगीत में चलता है। विशिष्ट। सभी संगीतकार अनिवार्यता, क्रांति की आवश्यकता के बारे में नहीं जानते थे और इसके प्रति सहानुभूति रखते थे, लेकिन सभी या लगभग सभी ने पूर्व-तूफान के तनाव को महसूस किया।

नई सामग्री, हमेशा की तरह, नए रूपों की आवश्यकता थी, और कई संगीतकार संगीत भाषा के एक कट्टरपंथी नवीकरण के विचार के साथ आए। सबसे पहले, उन्होंने मोड और चाबियों की पारंपरिक यूरोपीय प्रणाली को त्याग दिया। आटोनल संगीत की अवधारणा प्रकट हुई। यह संगीत है जिसमें चाबियों की एक स्पष्ट प्रणाली कान से निर्धारित नहीं होती है, और कठोर नियमों को देखे बिना तार सामंजस्य (सामंजस्य) एक दूसरे के साथ स्वतंत्र रूप से जुड़े होते हैं। बीसवीं शताब्दी की संगीत भाषा की एक अन्य महत्वपूर्ण विशेषता असामान्य ध्वनियाँ थीं। आधुनिक जीवन की छवियों को व्यक्त करने के लिए, उन्होंने असामान्य ध्वनि प्रभावों (धातु की झंकार और पीसने, मशीन टूल्स की दहाड़ और अन्य "औद्योगिक" ध्वनियों) का इस्तेमाल किया, नए उपकरणों का आविष्कार किया। हालाँकि, दूसरे तरीके ने और अधिक दिलचस्प परिणाम दिए। संगीतकारों ने पारंपरिक वाद्ययंत्रों के साथ प्रयोग किया: उन्होंने टिम्बर्स को मिलाया, असामान्य रजिस्टरों में बजाया, तकनीक बदली। और यह पता चला कि एक शास्त्रीय सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा या ओपेरा रूप एक शहर के जीवन को ध्वनियों और शोरों की जटिल प्रणाली के साथ पूरी तरह से दिखा सकते हैं, और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि विचार के अप्रत्याशित मोड़ और अंत में मानव मानस में "टूट" दूसरी सहस्राब्दी।

हालाँकि, नवीन खोजों ने परंपराओं की अस्वीकृति का नेतृत्व नहीं किया। यह 20वीं शताब्दी थी जिसने बीते युगों की संगीत विरासत को पुनर्जीवित किया। दो सौ तीन सौ वर्षों के गुमनामी के बाद, 17 वीं शताब्दी के जर्मन और फ्रांसीसी स्वामी मोंटेवेर्डी, कोरेली और विवाल्डी के काम फिर से सुनाई देने लगे।

लोककथाओं के प्रति दृष्टिकोण मौलिक रूप से बदल गया। 20 वीं शताब्दी में, एक नई प्रवृत्ति दिखाई दी - नव-लोकवाद (ग्रीक "नियोस" से - "नया" और "लोकगीत")। इसके समर्थकों ने गहरे ग्रामीण क्षेत्रों में दर्ज लोक धुनों के उपयोग का आह्वान किया, न कि शहरी तरीके से "सुचारू"। एक सिम्फनी, सोनाटा या ओपेरा के जटिल ताने-बाने में प्रवेश करने के बाद, इस तरह के गीत ने संगीत में एक अभूतपूर्व जुनून, रंगों की समृद्धि और स्वरों को लाया।

19 वीं -20 वीं शताब्दी के मोड़ पर, यूरोपीय संस्कृति में एक नई कलात्मक दिशा उभरी - अभिव्यक्तिवाद (लैटिन एक्सप्रेसियो से - "अभिव्यक्ति")। इसके प्रतिनिधियों ने अपने कार्यों में प्रथम विश्व युद्ध के युग के एक व्यक्ति के दुखद रवैये को दर्शाया - निराशा, दर्द, अकेलेपन का डर। संगीत में इक्सप्रेस्सियुनिज़म के संस्थापक अर्नोल्ड स्कोनबर्ग (1874-1951) ने लिखा, "कला उन लोगों की मदद के लिए पुकार है जो अपने आप में मानवता के भाग्य का अनुभव करते हैं।"

अर्नोल्ड स्कोनबर्ग

संगीत अभिव्यक्तिवाद ऑस्ट्रिया में विकसित हुआ, अधिक सटीक रूप से, इसकी राजधानी वियना में। इसके निर्माता अर्नोल्ड शॉनबर्ग, अल्बान बर्ग और एंटोन वेबरन हैं। संगीतकारों के रचनात्मक समुदाय ने नए विनीज़ (न्यू विनीज़) स्कूल के नाम से संगीत के इतिहास में प्रवेश किया। प्रत्येक उस्ताद कला में अपने तरीके से चले गए, लेकिन उनके कार्यों में बहुत समानता है। सबसे पहले - संगीत की दुखद भावना, तीव्र अनुभवों और गहरे झटकों की इच्छा। इसके पीछे - एक गहन आध्यात्मिक खोज, हर कीमत पर उन धार्मिक और नैतिक आदर्शों को खोजने की इच्छा जो अधिकांश आधुनिक लोगों द्वारा खो दी गई हैं। अंत में, तीनों संगीतकारों ने संगीत रचना की एक एकीकृत विधि विकसित की - डोडेकैफोनिक प्रणाली, जिसने काम के मोडल और हार्मोनिक संरचना के बारे में पारंपरिक विचारों को काफी हद तक बदल दिया।

स्कोनबर्ग का काम एक मुख्य समस्या को हल करता है - यह संगीत के माध्यम से मानवीय पीड़ा को व्यक्त करता है। भारी, सुस्त पूर्वाभास, सुनसान डरावनी भावना पहले से ही एक प्रारंभिक काम में पूरी तरह से व्यक्त की गई है - ऑर्केस्ट्रा के लिए पांच टुकड़े (1909)। मनोदशा और रूप के संदर्भ में, ये चैम्बर प्रस्तावना हैं, लेकिन वे एक बड़े सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए लिखे गए थे, और उनमें पतली, पारदर्शी ध्वनि रिकॉर्डिंग वैकल्पिक रूप से हवा के उपकरणों और टिमपनी की धड़कन के शक्तिशाली "चिल्लाने" के साथ होती है।

द्वितीय विश्व युद्ध की घटनाओं पर स्कोनबर्ग के प्रतिबिंबों का परिणाम एक पाठक, गाना बजानेवालों और ऑर्केस्ट्रा के लिए कैंटाना "वारसॉ से उत्तरजीवी" (1947) था। पाठ वारसॉ में यहूदी यहूदी बस्ती के निवासियों के नाजी नरसंहार के प्रामाणिक प्रत्यक्षदर्शी खातों पर आधारित है। एक श्रृंखला पर निर्मित इस बड़े पैमाने की रचना का संगीत अभिव्यक्तिवाद की सर्वश्रेष्ठ परंपराओं में कायम है - यह जटिल, दुखद और भावनात्मक रूप से उत्तेजित है। ऐसा लगता है कि संगीतकार अपने नायकों को भगवान और अनंत काल के सामने पेश करने की कोशिश कर रहा है और इस तरह दिखाता है कि उनकी पीड़ा व्यर्थ नहीं थी। कैंटटा एक प्रार्थना के गायन के साथ समाप्त होता है, और इसका संगीत, उसी श्रृंखला की ध्वनियों के आधार पर, पिछले भागों के दुखद अंधेरे से व्यवस्थित रूप से बढ़ता है।

हरावल

सामाजिक वास्तविकता की नई स्थितियों का समग्र रूप से संपूर्ण कलात्मक संस्कृति पर प्रभाव पड़ा, एक ओर, शास्त्रीय परंपरा को एक नई सांस दी गई, और दूसरी ओर, एक नई कला को जन्म दिया - अवांट-गार्डे (से) फ्रांसीसी "अवांट-गार्डे" - आगे बढ़ना), या आधुनिकतावाद (लैटिन "मॉडर्नस" से - नया, आधुनिक), सबसे पूरी तरह से समय के चेहरे को दर्शाता है। संक्षेप में, "आधुनिकतावाद" शब्द कलात्मक प्रवृत्तियों, धाराओं, स्कूलों और बीसवीं शताब्दी के व्यक्तिगत स्वामी की गतिविधियों को संदर्भित करता है, जिन्होंने अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता को अपनी रचनात्मक पद्धति के आधार के रूप में घोषित किया।

संगीतमय अवांट-गार्डे आंदोलन 50-90 के दशक को कवर करता है। XX सदी। यह द्वितीय विश्व युद्ध के बाद संयोग से उत्पन्न हुआ: युद्धकालीन उथल-पुथल, और फिर जीवन के तरीके में तेज बदलाव, पिछले युगों के नैतिक और सांस्कृतिक मूल्यों में निराशा का कारण बना। 50-60 के दशक की पीढ़ी के प्रतिनिधि। मैं अपनी खुद की कलात्मक भाषा बनाने के लिए परंपराओं से मुक्त महसूस करना चाहता था।

म्यूजिकल अवांट-गार्डिज़्म आमतौर पर तथाकथित ठोस संगीत को संदर्भित करता है, जो टोनल व्यंजन की स्वतंत्रता पर आधारित होता है, न कि हार्मोनिक श्रृंखला पर: सोनोरिज़्म आधुनिक रचना तकनीक के प्रकारों में से एक है जो मुख्य रूप से रंगीन ध्वनियों (लैटिन "सोनोरस" - का उपयोग करता है) शोरगुल, शोर) और व्यावहारिक रूप से सटीक पिच संचार, इलेक्ट्रॉनिक संगीत की उपेक्षा करता है। अवांट-गार्डे की दिशा में पहली खोज 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी संगीतकार ए.एन. स्क्रिपबिन। कुछ श्रोता उनकी प्रेरित शक्ति से मुग्ध थे, जबकि अन्य इसकी असामान्यता से नाराज थे।

एक। स्क्रिपबिन

रचनात्मकता के नए तरीकों की खोज ने कई असामान्य शैलियों को जीवंत किया। "शास्त्रीय" उपकरणों के रूप में संगीतकार इलेक्ट्रॉनिक ध्वनि रिकॉर्डिंग और पुनरुत्पादन उपकरण - एक टेप रिकॉर्डर, एक सिंथेसाइज़र, और हाल के वर्षों में - एक कंप्यूटर का उपयोग करते हैं। इलेक्ट्रॉनिक संगीत की उपस्थिति लाखों पॉप और रॉक प्रेमियों (जहां इलेक्ट्रॉनिक उपकरणों का प्रमुख स्थान है) के "क्लासिक्स" पर ध्यान आकर्षित करने की इच्छा के कारण हुआ। हालाँकि, इस क्षेत्र में काम करने वाले संगीतकार एक और लक्ष्य का भी पीछा करते हैं। वे तकनीक की दुनिया के साथ मनुष्य के जटिल संबंधों का पता लगाने की कोशिश कर रहे हैं, जो लोगों की चेतना को तेजी से अधीन कर रहा है। सबसे प्रतिभाशाली कार्यों में अपने इलेक्ट्रॉनिक "डबल" के साथ संगीतकार का "लाइव" संवाद गहरा प्रतीकात्मक अर्थ प्राप्त करता है।

हो रहा

50 के दशक से। संगीत में, जैसा कि अन्य प्रकार की कलाओं में होता है (उदाहरण के लिए, थिएटर में), ऐसी दिशा होती है जैसे हो रहा है (अंग्रेजी से, हो रहा है - "हो रहा है", "हो रहा है")। इसके स्रोत को अमेरिकी संगीतकार जॉन केज (1912 में जन्म) द्वारा काम "4" 33 "(1954) माना जा सकता है। एक पियानोवादक मंच पर प्रवेश करता है, जो चार मिनट और तैंतीस सेकंड के लिए चुपचाप पियानो पर बैठता है, फिर मिलता है ऊपर और छोड़ देता है प्रीमियर एक घोटाले के साथ हुआ: प्रबुद्ध जनता ने फैसला किया कि वे बस इसका मजाक उड़ा रहे थे, और आम आदमी को कृपालु टिप्पणी करने का अवसर मिला: "तो मैं कर सकता हूं।" जनता को झटका देने का इरादा, ज़ाहिर है, हिस्सा था लेखक की योजनाओं के बारे में, लेकिन यह अपने आप में एक अंत नहीं था। शोधकर्ताओं के अनुसार, केज ने आसपास की वास्तविकता की घटना को एक संगीतमय काम में बदल दिया: खेल की शुरुआत की प्रत्याशा में मौन, श्रोताओं द्वारा उत्पन्न ध्वनियाँ (खाँसी, फुसफुसाहट) , कुर्सियों की चरमराहट, आदि।) दर्शकों और संगीतकार ने इस प्रकार कलाकारों और सहज लेखकों दोनों के रूप में काम किया। वास्तव में, एक मूक मूकाभिनय। जॉन केज

20वीं शताब्दी की संगीत कला नवीन विचारों से भरी हुई है। यह संगीत की भाषा के सभी पहलुओं में एक मूलभूत परिवर्तन का प्रतीक है। 20वीं शताब्दी में, संगीत अक्सर भयानक युगीन ऐतिहासिक घटनाओं के प्रतिबिंब के स्रोत के रूप में कार्य करता था, जिसके गवाह और समकालीन इस युग के अधिकांश महान संगीतकार थे, जो नवप्रवर्तक और सुधारक बन गए।

निष्कर्ष

इस प्रकार, 20वीं सदी संगीत में विविधता की सदी थी। 20वीं शताब्दी का संगीत, पिछली शताब्दियों की तरह, लोगों की आध्यात्मिक और भावनात्मक दुनिया को दर्शाता है, क्योंकि मानव जीवन की गति तेज हो गई, और अधिक कठोर और तीव्र हो गई।

दुखद घटनाओं और विरोधाभासों - युद्धों, क्रांतियों, वैज्ञानिक और तकनीकी प्रगति, अधिनायकवाद और लोकतंत्र ने न केवल लोगों में निहित भावनात्मक अनुभवों को बढ़ा दिया, बल्कि मानवता को विनाश के कगार पर खड़ा कर दिया। यही कारण है कि जीवन और मृत्यु के बीच टकराव का विषय बीसवीं शताब्दी के संगीत में एक महत्वपूर्ण विषय बन गया है।

कला के लिए कोई कम महत्वपूर्ण व्यक्ति के आत्म-ज्ञान का विषय नहीं था। नई पीढ़ियों के प्रतिनिधि अपनी कलात्मक भाषा बनाने के लिए परंपराओं से मुक्त महसूस करना चाहते थे।

बीसवीं शताब्दी की संगीत कला असामान्य रूप से विशाल है। शायद एक भी ऐतिहासिक संगीत शैली नहीं है जो 20 वीं शताब्दी के रंगीन संगीत बहुरूपदर्शक में एक या दूसरे तरीके से परिलक्षित नहीं होगी। इस लिहाज से सदी मील का पत्थर बन गई है। संगीत के विकास की पिछली शताब्दियों में जो कुछ भी जमा हुआ था, और राष्ट्रीय संगीत संस्कृतियों की सभी मौलिकता अचानक सार्वजनिक संपत्ति बन गई।

हर बार युग ने हमें अपनी प्रतिभाएँ दी हैं। चाहे वे 19वीं या 20वीं सदी के संगीतकार हों, उनकी रचनाएँ पहले ही मानव जाति के इतिहास में एक मील का पत्थर बन चुकी हैं और न केवल संगीत में सभी पीढ़ियों के लिए एक आदर्श बन गई हैं, और सृजन की उम्र के बावजूद, उन्हें सेवा करने के लिए कहा जाता है। लोगों की खुशी।

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शास्त्रीय संगीत आज भी उतना लोकप्रिय नहीं है, जितना 17वीं सदी से लेकर 20वीं सदी की शुरुआत तक अपने स्वर्ण युग में था, लेकिन यह अभी भी प्रभावशाली है और कई लोगों के लिए प्रेरणा है। इन महान कार्यों को बनाने वाले प्रसिद्ध संगीतकार भले ही सैकड़ों साल पहले रहे हों, लेकिन उनकी उत्कृष्ट कृतियाँ अभी भी नायाब हैं।

उल्लेखनीय जर्मन संगीतकार

लुडविग वान बीथोवेन

लुडविग वैन बीथोवेन शास्त्रीय संगीत के इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण नामों में से एक है। वह अपने युग के एक प्रर्वतक थे, उन्होंने सिम्फनी, सोनाटा, कंसर्टो, चौकड़ी के दायरे का विस्तार किया और नए तरीकों से स्वर और वाद्ययंत्रों का संयोजन किया, हालांकि उन्हें मुखर शैली में इतनी दिलचस्पी नहीं थी। जनता ने उनके अभिनव विचारों को तुरंत स्वीकार नहीं किया, लेकिन प्रसिद्धि को इंतजार करने में देर नहीं लगी, इसलिए बीथोवेन के जीवन के दौरान भी उनके काम की विधिवत सराहना की गई।

बीथोवेन के पूरे जीवन को स्वस्थ सुनवाई के लिए संघर्ष से चिह्नित किया गया था, लेकिन फिर भी वह बहरेपन से आगे निकल गया: महान संगीतकार के कुछ सबसे महत्वपूर्ण कार्यों को उनके जीवन के अंतिम दस वर्षों के दौरान बनाया गया था, जब वह अब सुनने में सक्षम नहीं थे। बीथोवेन की सबसे प्रसिद्ध रचनाओं में से कुछ हैं "मूनलाइट सोनाटा" (नंबर 14), नाटक "फॉर एलिस", सिम्फनी नंबर 9, सिम्फनी नंबर 5।

जोहान सेबेस्टियन बाच

एक अन्य विश्व प्रसिद्ध जर्मन संगीतकार जोहान सेबेस्टियन बाख हैं - एक शानदार लेखक, जिनकी 19 वीं शताब्दी में कृतियाँ उन लोगों में भी रुचि जगाती हैं, जिन्हें गंभीर, शास्त्रीय संगीत में कोई दिलचस्पी नहीं थी। उन्होंने अन्य वाद्ययंत्रों और वाद्य यंत्रों के लिए अंग संगीत, और मुखर-वाद्य, और संगीत दोनों लिखे, हालांकि वे अभी भी ऑपरेटिव शैली को बायपास करने में कामयाब रहे। सबसे अधिक बार, वह कैंटटा, फ्यूग्यू, प्रस्तावना और वक्तृत्व, साथ ही कोरल व्यवस्था लिखने में लगे हुए थे। यह जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल के साथ बाख थे, जो बैरोक युग के अंतिम संगीतकार थे।

अपने पूरे जीवन में, उन्होंने एक हजार से अधिक संगीत रचनाएँ कीं। बाख की सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ: डी माइनर BWV 565, देहाती BWV 590, "ब्रांडेनबर्ग कॉन्सर्टोस", "किसान" और "कॉफ़ी" कैंटाटस, मास "मैथ्यू पैशन" में टोकाटा और फ्यूग्यू।

रिचर्ड वैगनर

वैगनर न केवल पूरी दुनिया में सबसे प्रभावशाली संगीतकारों में से एक थे, बल्कि सबसे विवादास्पद में से एक भी थे - अपने यहूदी-विरोधी विश्वदृष्टि के कारण। वह ओपेरा के एक नए रूप के समर्थक थे, जिसे उन्होंने "म्यूजिकल ड्रामा" कहा - इसमें सभी संगीत और नाटकीय तत्व एक साथ विलीन हो गए। यह अंत करने के लिए, उन्होंने एक रचना शैली विकसित की जिसमें ऑर्केस्ट्रा प्रदर्शन करने वाले गायकों के रूप में एक नाटकीय भूमिका निभाता है।

वैगनर ने खुद अपना लिबरेटो लिखा, जिसे उन्होंने "कविता" कहा। वैगनर के अधिकांश प्लॉट यूरोपीय मिथकों और किंवदंतियों पर आधारित थे। वह डेर रिंग डेस निबेलुंगेन, ओपेरा ट्रिस्टन अंड इसोल्डे, और संगीत नाटक पारसीफाल नामक चार भागों में महाकाव्य ओपेरा के अपने अठारह घंटे के चक्र के लिए सबसे अच्छी तरह से जाना जाता है।

प्रसिद्ध रूसी संगीतकार

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका

ग्लिंका को आमतौर पर संगीत में रूसी राष्ट्रीय परंपरा के संस्थापक के रूप में जाना जाता है, लेकिन उनके रूसी ओपेरा ने रूसी धुनों के साथ पश्चिमी संगीत के संश्लेषण की पेशकश की। ग्लिंका का पहला ओपेरा ए लाइफ फॉर द ज़ार था, जिसे 1836 में इसके पहले प्रोडक्शन में अच्छी तरह से प्राप्त किया गया था, लेकिन दूसरा ओपेरा, रुस्लान और ल्यूडमिला, पुश्किन द्वारा लिखित लिब्रेटो के साथ, इतना लोकप्रिय नहीं था। फिर भी, यह एक नए प्रकार का नाटक था - वीर-ऐतिहासिक ओपेरा, या महाकाव्य।

ग्लिंका रूसी संगीतकारों में से पहली बनीं जिन्होंने विश्व स्तर पर पहचान हासिल की। मिखाइल इवानोविच की सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ: ओपेरा "इवान सुसैनिन", एक सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के लिए एक फंतासी वाल्ट्ज और एक परिपत्र रूसी विषय पर एक ओवरचर-सिम्फनी।

पीटर इलिच शाइकोवस्की

त्चिकोवस्की दुनिया के सबसे लोकप्रिय और प्रसिद्ध संगीतकारों में से एक हैं। कई लोगों के लिए, वह सबसे प्रिय रूसी संगीतकार भी हैं। त्चिकोवस्की का काम, हालांकि, उनके समकालीनों के अन्य संगीतकारों द्वारा लिखे गए कार्यों की तुलना में बहुत अधिक पश्चिमी है, क्योंकि उन्होंने दोनों लोक रूसी धुनों का इस्तेमाल किया था और जर्मन और ऑस्ट्रियाई संगीतकारों की विरासत द्वारा निर्देशित किया गया था। Tchaikovsky खुद न केवल एक संगीतकार थे, बल्कि एक कंडक्टर, संगीत शिक्षक और आलोचक भी थे।

कोई अन्य नहीं प्रसिद्ध संगीतकाररूस, शायद, उस तरह से बैले प्रस्तुतियों को बनाने के लिए प्रसिद्ध नहीं है, जिसके लिए शाइकोवस्की प्रसिद्ध है। त्चिकोवस्की के सबसे प्रसिद्ध बैले द नटक्रैकर, स्वान लेक और द स्लीपिंग ब्यूटी हैं। उन्होंने ओपेरा भी लिखे; सबसे प्रसिद्ध द क्वीन ऑफ स्पेड्स, यूजीन वनगिन हैं।

सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोव

सर्गेई वासिलीविच के काम ने रोमांटिकतावाद के बाद की परंपराओं को अवशोषित किया और 20 वीं शताब्दी की संगीत संस्कृति में दुनिया में किसी भी अन्य के विपरीत एक अनूठी शैली में आकार लिया। उन्होंने हमेशा बड़े संगीत रूपों की ओर रुख किया। मूल रूप से, उनकी रचनाएँ उदासी, नाटक, शक्ति और विद्रोह से भरी हैं; वे अक्सर लोक महाकाव्य की छवियों को प्रदर्शित करते थे।

Rachmaninov को न केवल एक संगीतकार के रूप में जाना जाता था, बल्कि एक पियानोवादक के रूप में भी जाना जाता था, इसलिए पियानो का काम उनके काम में महत्वपूर्ण स्थान रखता है। उन्होंने चार साल की उम्र में पियानो संगीत सीखना शुरू किया था। राचमानिनोव की परिभाषित शैली पियानो कंसर्टो और ऑर्केस्ट्रा थी। Rachmaninoff की सबसे प्रसिद्ध कृतियाँ Paganini की एक थीम पर रैप्सोडी और पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए चार संगीत कार्यक्रम हैं।

विश्व के प्रसिद्ध संगीतकार

ग्यूसेप फ्रांसेस्को वर्डी

इतालवी संगीत संस्कृति के क्लासिक्स में से एक, ग्यूसेप वर्डी के संगीत के बिना 19वीं शताब्दी की कल्पना करना मुश्किल है। सबसे बढ़कर, वर्डी ने ओपेरा प्रोडक्शन में संगीतमय यथार्थवाद लाने की मांग की, उन्होंने हमेशा गायकों और कामेच्छावादियों के साथ सीधे काम किया, कंडक्टरों के काम में हस्तक्षेप किया और झूठे प्रदर्शन को बर्दाश्त नहीं किया। उन्होंने कहा कि उन्हें वह सब कुछ पसंद है जो कला में सुंदर है।

कई संगीतकारों की तरह, वर्डी ने ओपेरा के निर्माण के लिए सबसे बड़ी लोकप्रियता हासिल की। उनमें से सबसे प्रसिद्ध ओपेरा ओथेलो, ऐडा, रिगोलेटो हैं।

फ़्रेडरिक चॉपिन

सबसे प्रसिद्ध पोलिश संगीतकार फ्रेडरिक चोपिन ने हमेशा अपनी रचनाओं में अपनी जन्मभूमि की सुंदरता को रोशन किया और भविष्य में इसकी महानता में विश्वास किया। उनका नाम पोलिश लोगों का गौरव है। चोपिन शास्त्रीय संगीत के क्षेत्र में इस मायने में अलग हैं कि उन्होंने दूसरों की तुलना में केवल पियानो प्रदर्शन के लिए रचनाएँ लिखीं। प्रसिद्ध संगीतकारउनकी विभिन्न प्रकार की सिम्फनी और ओपेरा के साथ; अब चोपिन की रचनाएँ आज के पियानोवादकों के काम का आधार बन गई हैं।

चोपिन पियानो के टुकड़े, निशाचर, मज़ाकुरस, एट्यूड्स, वाल्ट्ज, पोलोनेस और अन्य रूपों को लिखने में लगे हुए थे, और उनमें से सबसे प्रसिद्ध हैं ऑटम वाल्ट्ज, सी शार्प माइनर में नॉक्टर्न, स्प्रिंग रैप्सोडी, इंप्रोमेप्टू फैंटेसी इन सी शार्प माइनर।

एडवर्ड ग्रिग

प्रसिद्ध नार्वेजियन संगीतकार और संगीतकार एडवर्ड ग्रिग चैम्बर वोकल और पियानो संगीत में विशिष्ट हैं। ग्रिग का काम स्पष्ट रूप से जर्मन रूमानियत की विरासत से प्रभावित था। ग्रिग की उज्ज्वल और पहचानने योग्य शैली को संगीत प्रभाववाद जैसी दिशा की विशेषता हो सकती है।

अक्सर, अपनी रचनाएँ बनाते समय, ग्रिग लोक कथाओं, धुनों और किंवदंतियों से प्रेरित थे। उनके काम का नार्वेजियन संगीत संस्कृति और सामान्य रूप से कला के विकास पर भारी प्रभाव पड़ा। संगीतकार की सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ ओवरचर "इन ऑटम", 1868 के पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत कार्यक्रम, "पीयर गाइन्ट" नाटक के लिए संगीत, सूट "होल्बर्ग के समय से" हैं।

वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट

और, ज़ाहिर है, अब तक के सबसे प्रसिद्ध संगीतकार इस नाम के बिना नहीं कर सकते, जो कि शास्त्रीय संगीत से दूर रहने वाले लोग भी जानते हैं। एक ऑस्ट्रियाई संगीतकार और गुणी कलाकार, मोजार्ट ने कई ओपेरा, संगीत कार्यक्रम, सोनटास और सिम्फनी बनाईं, जिनका शास्त्रीय संगीत पर बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा और वास्तव में, इसे आकार दिया।

वह एक विलक्षण बच्चे के रूप में बड़ा हुआ: उसने तीन साल की उम्र में पियानो बजाना सीखा, और पाँच साल की उम्र में वह पहले से ही संगीत की छोटी-छोटी कृतियाँ बना रहा था। पहला सिम्फनी उनके द्वारा आठ साल की उम्र में, पहला ओपेरा बारह साल की उम्र में लिखा गया था। मोजार्ट के पास संगीत के लिए एक असाधारण कान था और कई संगीत वाद्ययंत्र बजाने और सुधार करने की अद्भुत क्षमता थी।

अपने जीवन के दौरान, मोजार्ट ने छह सौ से अधिक संगीत रचनाएँ बनाईं, जिनमें से कुछ सबसे प्रसिद्ध हैं ओपेरा ले नोज़े डि फिगारो, सिम्फनी नंबर 41 ज्यूपिटर, सोनाटा नंबर 11 तुर्की मार्च का तीसरा भाग, के लिए संगीत कार्यक्रम ऑर्केस्ट्रा के साथ बांसुरी और वीणा और डी माइनर में "Requiem", K.626।

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क्या आपने कभी कहीं एक अच्छा गाना सुना है और सोचा: "इसे बजाना कितना अच्छा होगा!"। और वास्तव में, संगीत संकेतन की मूल बातें जानने के बाद, कोई भी संगीत की अंतहीन संभावनाओं की खोज कर सकता है। नोट्स कैसे सीखें - हमारे लेख में जानें।

इन धुनों में किसी भी मनोदशा का एक मकसद है: रोमांटिक, सकारात्मक या सुनसान, आराम करने के लिए और कुछ भी नहीं सोचने के लिए, या, इसके विपरीत, अपने विचारों को इकट्ठा करने के लिए।

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इतालवी संगीतकार और पियानोवादक अतिसूक्ष्मवाद की दिशा में काम करते हैं, अक्सर परिवेश की ओर मुड़ते हैं और कुशलता से शास्त्रीय संगीत को अन्य संगीत शैलियों के साथ जोड़ते हैं। उन्हें वायुमंडलीय रचनाओं के लिए एक विस्तृत दायरे में जाना जाता है जो फिल्मों के लिए साउंडट्रैक बन गए हैं। उदाहरण के लिए, आप निश्चित रूप से ईनाउदी द्वारा लिखित फ्रेंच टेप "1 + 1" के संगीत को पहचान लेंगे।

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ग्लास आधुनिक क्लासिक्स की दुनिया में सबसे विवादास्पद व्यक्तित्वों में से एक है, जिसकी या तो आकाश में प्रशंसा की जाती है या नाइनों की आलोचना की जाती है। वह आधी सदी से अपने फिलिप ग्लास एनसेंबल के साथ हैं और उन्होंने द ट्रूमैन शो, द इल्यूजनिस्ट, टेस्ट ऑफ लाइफ और द फैंटास्टिक फोर सहित 50 से अधिक फिल्मों के लिए संगीत लिखा है। अमेरिकी न्यूनतम संगीतकार की धुन शास्त्रीय और लोकप्रिय संगीत के बीच की रेखा को धुंधला कर देती है।

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कई साउंडट्रैक के लेखक, यूरोपीय फिल्म अकादमी के अनुसार 2008 के सर्वश्रेष्ठ फिल्म संगीतकार और पोस्ट-मिनिमलिस्ट। पहले एल्बम मेमोरीहाउस से आलोचकों को आकर्षित किया, जिसमें रिक्टर का संगीत कविता पाठों पर आरोपित किया गया था, और बाद के एल्बमों में भी काल्पनिक गद्य का उपयोग किया गया था। अपनी स्वयं की परिवेशी रचनाएँ लिखने के अलावा, वह शास्त्रीय कार्यों की व्यवस्था करता है: विवाल्डी की द फोर सीज़न्स ने अपनी व्यवस्था में आईट्यून्स शास्त्रीय संगीत चार्ट में शीर्ष स्थान हासिल किया।

इटली के वाद्य संगीत का यह निर्माता सनसनीखेज सिनेमा से जुड़ा नहीं है, लेकिन पहले से ही एक संगीतकार, गुणी और अनुभवी पियानो शिक्षक के रूप में जाना जाता है। मारराडी के संगीत का दो शब्दों में वर्णन करें तो ये शब्द होंगे "कामुक" और "जादुई"। जो लोग रेट्रो क्लासिक्स से प्यार करते हैं, वे उनकी रचनाओं और कवर को पसंद करेंगे: पिछली शताब्दी के नोट्स को उद्देश्यों में देखा जाता है।

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प्रसिद्ध फिल्म संगीतकार ने ग्लेडिएटर, पर्ल हार्बर, इंसेप्शन, शर्लक होम्स, इंटरस्टेलर, मेडागास्कर, द लायन किंग सहित कई उच्च कमाई वाली फिल्मों और कार्टून के लिए संगीत संगत तैयार की है। उनका सितारा हॉलीवुड वॉक ऑफ़ फ़ेम पर है, और उनकी शेल्फ पर ऑस्कर, ग्रैमी और गोल्डन ग्लोब हैं। जिमर का संगीत इन फिल्मों की तरह ही विविध है, लेकिन स्वर कोई भी हो, यह एक राग अलापता है।

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हिसाइशी सबसे प्रसिद्ध जापानी संगीतकारों में से एक हैं, जिन्होंने सर्वश्रेष्ठ फिल्म स्कोर के लिए चार जापानी अकादमी फिल्म पुरस्कार जीते हैं। वह हयाओ मियाज़ाकी की एनीमे नौसिका ऑफ़ द वैली ऑफ़ द विंड के लिए साउंडट्रैक लिखने के लिए प्रसिद्ध हुए। यदि आप स्टूडियो घिबली या ताकेशी किटानो के टेप के प्रशंसक हैं, तो आप निश्चित रूप से हिसैशी के संगीत की प्रशंसा करेंगे। यह ज्यादातर हल्का और हल्का होता है।

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यह आइसलैंडिक मल्टी-इंस्ट्रूमेंटलिस्ट सूचीबद्ध मास्टर्स की तुलना में सिर्फ एक लड़का है, लेकिन अपने 30 के दशक तक वह एक मान्यता प्राप्त नियोक्लासिसिस्ट बनने में कामयाब रहा। उन्होंने एक बैले के साथ संगत दर्ज की, ब्रिटिश टीवी श्रृंखला "मर्डर ऑन द बीच" के साउंडट्रैक के लिए बाफ्टा पुरस्कार जीता और 10 स्टूडियो एल्बम जारी किए। अर्नाल्ड्स का संगीत एक सुनसान समुद्र तट पर एक कठोर हवा की याद दिलाता है।

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ली रू मा की सबसे प्रसिद्ध कृतियां किस द रेन एंड रिवर फ्लो इन यू हैं। कोरियाई नए युग के संगीतकार और पियानोवादक लोकप्रिय क्लासिक्स लिखते हैं जो किसी भी महाद्वीप के श्रोताओं के लिए किसी भी संगीत स्वाद और शिक्षा के साथ समझ में आते हैं। कई लोगों के लिए उनकी हल्की और कामुक धुन पियानो संगीत के लिए प्यार की शुरुआत बन गई।

डस्टिन ओहलोरन

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अमेरिकी संगीतकार दिलचस्प है कि उसके पास संगीत की शिक्षा नहीं है, लेकिन साथ ही वह सबसे सुखद और काफी लोकप्रिय संगीत लिखता है। ओ'हैलोरन की धुनों का उपयोग टॉप गियर और कई फिल्मों में किया गया है। शायद सबसे सफल साउंडट्रैक एल्बम मेलोड्रामा लाइक क्रेज़ी के लिए था। यह संगीतकार और पियानोवादक संचालन की कला और इलेक्ट्रॉनिक संगीत बनाने के तरीके के बारे में बहुत कुछ जानता है। लेकिन उनका मुख्य क्षेत्र आधुनिक क्लासिक्स है। कच्छपल्ला ने कई एल्बम रिकॉर्ड किए हैं, जिनमें से तीन रॉयल फिलहारमोनिक ऑर्केस्ट्रा के साथ हैं। उनका संगीत पानी की तरह बहता है, इसके नीचे आराम करना बहुत अच्छा है।

अन्य आधुनिक संगीतकार क्या सुनने लायक हैं

यदि आप महाकाव्य से प्यार करते हैं, तो क्लाउस बैडेल्ट को अपनी प्लेलिस्ट में जोड़ें, जिन्होंने पाइरेट्स ऑफ द कैरेबियन पर जिमर के साथ काम किया था। इसके अलावा, जान काज़मारेक, एलेक्जेंडर डेसप्लेट, हॉवर्ड शोर और जॉन विलियम्स को याद नहीं किया जाना चाहिए - आपको उनके सभी कार्यों, योग्यताओं और पुरस्कारों को सूचीबद्ध करने के लिए एक अलग लेख लिखने की आवश्यकता है।

यदि आप अधिक स्वादिष्ट नियोक्लासिज्म चाहते हैं, तो नील्स फ्रैम और सिल्वेन चौवेउ पर ध्यान दें।

यदि आपके पास पर्याप्त नहीं है, तो "एमिली" जेन टियर्सन के साउंडट्रैक के निर्माता को याद रखें या जापानी संगीतकार टैमन की खोज करें: वह हवादार, स्वप्निल धुन लिखता है।

आपको किस संगीतकार का संगीत पसंद है और कौन सा नहीं? आप इस सूची में और किसे जोड़ेंगे?

क्लासिक्स से कुछ सुनें - इससे बेहतर क्या हो सकता है?! विशेष रूप से सप्ताहांत पर, जब आप आराम करना चाहते हैं, दिन की चिंताओं को भूल जाएं, काम के सप्ताह की चिंताएं, सुंदर के बारे में सपने देखें, और बस अपने आप को खुश करें। ज़रा सोचिए, क्लासिक्स को शानदार लेखकों द्वारा इतने लंबे समय पहले बनाया गया था कि यह विश्वास करना कठिन है कि कोई चीज़ इतने सालों तक जीवित रह सकती है। और ये काम अभी भी पसंद किए जाते हैं और सुने जाते हैं, वे व्यवस्था और आधुनिक व्याख्याएं बनाते हैं। आधुनिक प्रसंस्करण में भी, शानदार संगीतकारों की रचनाएँ शास्त्रीय संगीत बनी हुई हैं। जैसा कि वह मानते हैं, शास्त्रीय कार्य सरल हैं, और सभी सरल उबाऊ नहीं हो सकते।

संभवतः, सभी महान संगीतकारों के पास एक विशेष कान, स्वर और माधुर्य के प्रति एक विशेष संवेदनशीलता होती है, जिसने उन्हें ऐसा संगीत बनाने की अनुमति दी, जिसका न केवल उनके हमवतन, बल्कि दुनिया भर के शास्त्रीय संगीत के प्रशंसक दर्जनों पीढ़ियों द्वारा आनंद लेते हैं। यदि आपको अभी भी संदेह है कि क्या आपको शास्त्रीय संगीत पसंद है, तो आपको मिलने की जरूरत है, और आप देखेंगे कि, वास्तव में, आप पहले से ही सुंदर संगीत के लंबे समय से प्रशंसक हैं।

और आज हम दुनिया के 10 सबसे प्रसिद्ध संगीतकारों के बारे में बात करेंगे।

जोहान सेबेस्टियन बाच

पहला स्थान योग्य स्वामित्व का है। जर्मनी में एक जीनियस का जन्म हुआ। सबसे प्रतिभाशाली संगीतकार ने हार्पसीकोर्ड और अंग के लिए संगीत लिखा। संगीतकार ने संगीत में कोई नई शैली नहीं बनाई। लेकिन वह अपने समय की सभी शैलियों में पूर्णता पैदा करने में सक्षम थे। वह 1000 से अधिक निबंधों के लेखक हैं। उनके कार्यों में बाखविभिन्न संगीत शैलियों को जोड़ा, जिसके साथ वह जीवन भर मिले। अक्सर संगीतमय रूमानियत को बारोक शैली के साथ जोड़ा जाता था। ज़िन्दगी में जोहान बाखएक संगीतकार के रूप में उन्हें वह पहचान नहीं मिली जिसके वे हकदार थे, उनकी मृत्यु के लगभग 100 साल बाद उनके संगीत में रुचि पैदा हुई। आज उन्हें पृथ्वी पर रहने वाले सबसे महान संगीतकारों में से एक कहा जाता है। एक व्यक्ति, शिक्षक और संगीतकार के रूप में उनकी विशिष्टता उनके संगीत में झलकती थी। बाखसंगीत के इतिहास को पूर्व-बाख और उत्तर-बाख में विभाजित करते हुए आधुनिक और समकालीन संगीत की नींव रखी। ऐसा माना जाता है कि संगीत बाखउदास और उदास। उनका संगीत बल्कि मौलिक और ठोस, संयमित और केंद्रित है। एक परिपक्व, बुद्धिमान व्यक्ति के प्रतिबिंबों की तरह। सृष्टि बाखकई संगीतकारों को प्रभावित किया। उनमें से कुछ ने उनके कार्यों से एक उदाहरण लिया या उनसे थीम का इस्तेमाल किया। और दुनिया भर के संगीतकार संगीत बजाते हैं बाखउसकी सुंदरता और पूर्णता की प्रशंसा करना। सबसे कुख्यात कार्यों में से एक "ब्रांडेनबर्ग संगीत कार्यक्रम"उत्कृष्ट प्रमाण है कि संगीत बाखबहुत उदास नहीं माना जा सकता:

वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट

सही मायने में एक प्रतिभाशाली माना जाता है। 4 साल की उम्र में उन्होंने पहले से ही स्वतंत्र रूप से वायलिन और हार्पसीकोर्ड बजाया, 6 साल की उम्र में उन्होंने संगीत रचना शुरू की, और 7 साल की उम्र में उन्होंने पहले से ही प्रसिद्ध संगीतकारों के साथ प्रतिस्पर्धा करते हुए हार्पसीकोर्ड, वायलिन और अंग पर कुशलता से काम किया। पहले से ही 14 साल की उम्र में मोजार्ट- एक मान्यता प्राप्त संगीतकार, और 15 साल की उम्र में - बोलोग्ना और वेरोना की संगीत अकादमियों के सदस्य। स्वभाव से, उनके पास संगीत, स्मृति और सुधार करने की क्षमता के लिए एक असाधारण कान था। उन्होंने कई अद्भुत रचनाएँ बनाईं - 23 ओपेरा, 18 सोनटास, 23 पियानो संगीत कार्यक्रम, 41 सिम्फनी और बहुत कुछ। संगीतकार नकल नहीं करना चाहता था, उसने संगीत के नए व्यक्तित्व को दर्शाते हुए एक नया मॉडल बनाने की कोशिश की। यह कोई संयोग नहीं है कि जर्मनी में संगीत मोजार्ट"आत्मा का संगीत" कहा जाता है, अपने कामों में संगीतकार ने अपने ईमानदार, प्रेमपूर्ण स्वभाव की विशेषताएं दिखाईं। महानतम मेलोडिस्ट ने ओपेरा को विशेष महत्व दिया। ओपेरा मोजार्ट- इस प्रकार की संगीत कला के विकास का युग। मोजार्टव्यापक रूप से सबसे महान संगीतकारों में से एक के रूप में पहचाना जाता है: उनकी विशिष्टता इस तथ्य में निहित है कि उन्होंने अपने समय के सभी संगीत रूपों में काम किया और सभी में सर्वोच्च सफलता हासिल की। सबसे पहचानने योग्य कार्यों में से एक "तुर्की मार्च":

लुडविग वान बीथोवेन

एक और महान जर्मन रोमांटिक-शास्त्रीय काल का एक महत्वपूर्ण व्यक्ति था। शास्त्रीय संगीत के बारे में कुछ न जानने वाले भी उनके बारे में जानते हैं। बीथोवेनदुनिया में सबसे अधिक प्रदर्शन और सम्मानित संगीतकारों में से एक है। महान संगीतकार ने यूरोप में हुई भव्य उथल-पुथल को देखा और इसके नक्शे को फिर से तैयार किया। ये महान तख्तापलट, क्रांतियाँ और सैन्य टकराव संगीतकार के काम में परिलक्षित होते हैं, विशेष रूप से सिम्फोनिक। उन्होंने वीरतापूर्ण संघर्ष के संगीत चित्रों में अवतार लिया। अमर कार्यों में बीथोवेनआप स्वतंत्रता और लोगों के भाईचारे के लिए संघर्ष, अंधकार पर प्रकाश की जीत में अटूट विश्वास, साथ ही मानव जाति की स्वतंत्रता और खुशी के सपने सुनेंगे। उनके जीवन के सबसे प्रसिद्ध और आश्चर्यजनक तथ्यों में से एक यह है कि कान की बीमारी पूर्ण बहरेपन में विकसित हो गई, लेकिन इसके बावजूद संगीतकार ने संगीत लिखना जारी रखा। उन्हें सर्वश्रेष्ठ पियानोवादकों में से एक माना जाता था। संगीत बीथोवेनश्रोताओं की विस्तृत श्रृंखला की समझ के लिए आश्चर्यजनक रूप से सरल और सुलभ। पीढ़ियां बदलती हैं, और युग भी, और संगीत भी बीथोवेनअभी भी उत्तेजित करता है और लोगों के दिलों को प्रसन्न करता है। उनकी सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक- "चांदनी सोनाटा":

रिचर्ड वैगनर

एक महान के नाम से रिचर्ड वैगनरसबसे अधिक बार उनकी उत्कृष्ट कृतियों से जुड़ा हुआ है "वेडिंग कोरस"या "वैलकिरीस की सवारी". लेकिन उन्हें न केवल एक संगीतकार बल्कि एक दार्शनिक के रूप में भी जाना जाता है। वैगनरउनके संगीत कार्यों को एक निश्चित दार्शनिक अवधारणा को व्यक्त करने के तरीके के रूप में माना जाता है। से वैगनरओपेरा का एक नया संगीत युग शुरू हुआ। संगीतकार ने ओपेरा को जीवन के करीब लाने की कोशिश की, संगीत उसके लिए सिर्फ एक साधन है। रिचर्ड वैगनर- संगीत नाटक के निर्माता, ओपेरा के सुधारक और संचालन की कला, संगीत की सुरीली और मधुर भाषा के प्रर्वतक, संगीत अभिव्यक्ति के नए रूपों के निर्माता। वैगनर- दुनिया के सबसे लंबे एकल आरिया (14 मिनट 46 सेकंड) और दुनिया के सबसे लंबे शास्त्रीय ओपेरा (5 घंटे और 15 मिनट) के लेखक। ज़िन्दगी में रिचर्ड वैगनरएक विवादास्पद व्यक्ति माना जाता था जिसे या तो पसंद किया जाता था या नफरत की जाती थी। और अक्सर दोनों एक ही समय में। रहस्यमय प्रतीकवाद और यहूदी-विरोधी ने उन्हें हिटलर का पसंदीदा संगीतकार बना दिया, लेकिन उनके संगीत के लिए इज़राइल का रास्ता अवरुद्ध कर दिया। हालाँकि, संगीतकार के न तो समर्थक और न ही विरोधी संगीतकार के रूप में उनकी महानता से इनकार करते हैं। शुरू से ही शानदार संगीत रिचर्ड वैगनरविवाद और असहमति के लिए कोई जगह नहीं छोड़ते हुए आपको बिना किसी निशान के अवशोषित करता है:

फ्रांज शुबर्ट

ऑस्ट्रियाई संगीतकार एक संगीत प्रतिभा है, जो सर्वश्रेष्ठ गीत संगीतकारों में से एक है। वह केवल 17 वर्ष के थे जब उन्होंने अपना पहला गीत लिखा था। एक दिन में वह 8 गीत लिख सकता था। अपने रचनात्मक जीवन के दौरान, उन्होंने गोएथे, शिलर और शेक्सपियर सहित 100 से अधिक महान कवियों की कविताओं पर आधारित 600 से अधिक रचनाएँ बनाईं। इसीलिए फ्रांज शुबर्टशीर्ष 10 में। हालांकि रचनात्मकता शूबर्टबहुत विविध, शैलियों, विचारों और पुनर्जन्मों के उपयोग के संदर्भ में, मुखर-गीत के बोल उनके संगीत में प्रबल और निर्धारित होते हैं। पहले शूबर्टगीत को एक महत्वहीन शैली माना जाता था, और यह वह था जिसने इसे कलात्मक पूर्णता की डिग्री तक बढ़ाया। इसके अलावा, उन्होंने प्रतीत होता है असंबद्ध गीत और चैम्बर-सिम्फोनिक संगीत को संयुक्त किया, जिसने गेय-रोमांटिक सिम्फनी की एक नई दिशा को जन्म दिया। स्वर-गीत के बोल सरल और गहरे, सूक्ष्म और यहाँ तक कि अंतरंग मानवीय अनुभवों की दुनिया हैं, जिन्हें शब्दों द्वारा नहीं, बल्कि ध्वनि द्वारा व्यक्त किया जाता है। फ्रांज शुबर्टबहुत छोटा जीवन जिया, केवल 31 वर्ष की उम्र में। संगीतकार की रचनाओं का भाग्य उनके जीवन से कम दुखद नहीं है। मृत्यु के बाद शूबर्टकई अप्रकाशित पांडुलिपियाँ बनी रहीं, जो रिश्तेदारों और दोस्तों के बुककेस और दराज में संग्रहीत थीं। यहां तक ​​​​कि उनके सबसे करीबी लोग भी उनके द्वारा लिखी गई हर चीज को नहीं जानते थे, और कई सालों तक उन्हें मुख्य रूप से केवल गीतों के राजा के रूप में पहचाना जाता था। संगीतकार की कुछ रचनाएँ उनकी मृत्यु के आधी सदी बाद ही प्रकाशित हुई थीं। सबसे प्रिय और प्रसिद्ध कार्यों में से एक फ्रांज शुबर्ट – "शाम सेरेनेड":

रॉबर्ट शुमान

कम दुखद भाग्य के साथ, जर्मन संगीतकार रोमांटिक युग के सर्वश्रेष्ठ संगीतकारों में से एक है। उन्होंने अद्भुत सुंदर संगीत की रचना की। 19वीं सदी के जर्मन स्वच्छंदतावाद का अंदाजा लगाने के लिए, बस सुनें "कार्निवल" रॉबर्ट शुमान. वह रोमांटिक शैली की अपनी व्याख्या बनाते हुए, शास्त्रीय युग की संगीत परंपराओं से बाहर निकलने में सक्षम थे। रॉबर्ट शुमानकई प्रतिभाओं के साथ उपहार में दिया गया था, और यहां तक ​​​​कि लंबे समय तक संगीत, कविता, पत्रकारिता और भाषाशास्त्र के बीच फैसला नहीं कर सका (वह एक बहुभाषाविद था और अंग्रेजी, फ्रेंच और इतालवी से स्वतंत्र रूप से अनुवादित था)। वह एक अद्भुत पियानोवादक भी थे। और फिर भी मुख्य व्यवसाय और जुनून शुमानसंगीत था। उनका काव्यात्मक और गहरा मनोवैज्ञानिक संगीत काफी हद तक संगीतकार की प्रकृति के द्वंद्व, जुनून के प्रकोप और सपनों की दुनिया में वापसी, अशिष्ट वास्तविकता के बारे में जागरूकता और आदर्श के लिए प्रयास को दर्शाता है। उत्कृष्ट कृतियों में से एक रॉबर्ट शुमानजिसे सभी को सुनना चाहिए:

फ़्रेडरिक चॉपिन

संगीत की दुनिया में शायद सबसे प्रसिद्ध ध्रुव। संगीतकार के पहले या बाद में पोलैंड में पैदा हुए इस स्तर के संगीत प्रतिभा नहीं थे। डंडे अपने महान हमवतन पर अविश्वसनीय रूप से गर्व करते हैं, और अपने काम में संगीतकार अक्सर अपनी मातृभूमि के बारे में गाते हैं, परिदृश्य की सुंदरता की प्रशंसा करते हैं, दुखद अतीत पर विलाप करते हैं और एक महान भविष्य के सपने देखते हैं। फ़्रेडरिक चॉपिन- उन कुछ संगीतकारों में से एक जिन्होंने विशेष रूप से पियानो के लिए संगीत लिखा था। उनकी रचनात्मक विरासत में कोई ओपेरा या सिम्फनी नहीं हैं, लेकिन पियानो के टुकड़े उनकी सभी विविधता में प्रस्तुत किए जाते हैं। उनकी रचनाएँ कई प्रसिद्ध पियानोवादकों के प्रदर्शनों की सूची का आधार बनती हैं। फ़्रेडरिक चॉपिनएक पोलिश संगीतकार हैं जिन्हें एक प्रतिभाशाली पियानोवादक के रूप में भी जाना जाता है। वह केवल 39 वर्ष जीवित रहे, लेकिन कई उत्कृष्ट कृतियों को बनाने में कामयाब रहे: गाथागीत, प्रस्तावना, वाल्ट्ज, मज़ाकुरस, निशाचर, पोलोनेस, रेखाचित्र, सोनटास और बहुत कुछ। उनमें से एक - "बैलाड नंबर 1, जी माइनर में".

फ्रांज़ लिज़्ज़त

वह दुनिया के महानतम संगीतकारों में से एक हैं। उन्होंने अपेक्षाकृत लंबा और आश्चर्यजनक रूप से समृद्ध जीवन जिया, गरीबी और धन को जानते थे, प्यार से मिले और तिरस्कार का सामना किया। उनमें जन्म से ही प्रतिभा के अलावा काम करने की भी गजब की क्षमता थी। फ्रांज़ लिज़्ज़तन केवल पारखी और संगीत के प्रशंसकों की प्रशंसा के पात्र हैं। संगीतकार और पियानोवादक दोनों के रूप में, उन्हें 19वीं शताब्दी के यूरोपीय आलोचकों से सार्वभौमिक स्वीकृति मिली। उन्होंने 1300 से अधिक कृतियों और पसंद का निर्माण किया फ़्रेडरिक चॉपिनपियानो के लिए पसंदीदा काम करता है। शानदार पियानोवादक, फ्रांज़ लिज़्ज़तवह जानता था कि पियानो पर एक पूरे ऑर्केस्ट्रा की आवाज़ को कैसे पुन: पेश करना है, उत्कृष्ट रूप से कामचलाऊ, संगीत रचनाओं की एक शानदार स्मृति थी, एक शीट से नोट्स पढ़ने में उसकी कोई बराबरी नहीं थी। उनके प्रदर्शन की एक दयनीय शैली थी, जो उनके संगीत में भी परिलक्षित होती थी, भावनात्मक रूप से भावुक और वीरतापूर्ण रूप से उत्साहित, रंगीन संगीत चित्र बनाते हुए और श्रोताओं पर एक अमिट छाप छोड़ते थे। संगीतकार की पहचान पियानो संगीत कार्यक्रम हैं। इनमें से एक काम करता है। सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक लिज्त – "प्यार के सपने":

जोहान्स ब्राह्म्स

संगीत में रोमांटिक काल में एक महत्वपूर्ण व्यक्ति है जोहान्स ब्राह्म्स. संगीत सुनें और प्यार करें ब्रह्मसयह अच्छा स्वाद और रोमांटिक प्रकृति का एक विशिष्ट संकेत माना जाता है। ब्रह्मसउन्होंने एक भी ओपेरा नहीं लिखा, लेकिन उन्होंने अन्य सभी विधाओं में काम किया। विशेष महिमा ब्रह्मसअपनी सिम्फनी लाया। पहले से ही पहले कार्यों में, संगीतकार की मौलिकता प्रकट होती है, जो अंततः अपनी शैली में परिवर्तित हो जाती है। सभी कार्यों पर विचार कर रहा है ब्रह्मस, यह नहीं कहा जा सकता है कि संगीतकार अपने पूर्ववर्तियों या समकालीनों के काम से बहुत प्रभावित था। और रचनात्मकता के मामले में ब्रह्मसअक्सर तुलना की जाती है बाखतथा बीथोवेन. शायद यह तुलना इस मायने में उचित है कि तीन महान जर्मनों का काम संगीत के इतिहास में एक पूरे युग की परिणति का प्रतिनिधित्व करता है। भिन्न फ्रांज़ लिज़्ज़तजिंदगी जोहान्स ब्राह्म्सअशांत घटनाओं से रहित था। उन्होंने शांत रचनात्मकता को प्राथमिकता दी, अपने जीवनकाल के दौरान उन्होंने अपनी प्रतिभा और सार्वभौमिक सम्मान की पहचान अर्जित की, और उन्हें काफी सम्मान भी मिला। सबसे उत्कृष्ट संगीत जिसमें रचनात्मक शक्ति है ब्रह्मसविशेष रूप से विशद और मूल प्रभाव था, उसका है "जर्मन Requiem", एक ऐसा काम जिसे लेखक ने 10 साल तक बनाया और अपनी माँ को समर्पित किया। आपके संगीत में ब्रह्मसमानव जीवन के शाश्वत मूल्यों के गीत गाते हैं, जो प्रकृति की सुंदरता, अतीत की महान प्रतिभाओं की कला, उनकी मातृभूमि की संस्कृति में निहित हैं।

ग्यूसेप वर्डी

बिना शीर्ष दस संगीतकार क्या है ?! इतालवी संगीतकार अपने ओपेरा के लिए सबसे ज्यादा जाने जाते हैं। वह इटली का राष्ट्रीय गौरव बन गया, उसका काम इतालवी ओपेरा के विकास की परिणति है। एक संगीतकार के रूप में उनकी उपलब्धियों और खूबियों को कम करके नहीं आंका जा सकता। अब तक, लेखक की मृत्यु के एक सदी बाद, उनकी रचनाएँ सबसे लोकप्रिय, व्यापक रूप से प्रदर्शित, पारखी और शास्त्रीय संगीत के प्रेमियों दोनों के लिए जानी जाती हैं।

के लिये वर्डीओपेरा में नाटक सबसे महत्वपूर्ण चीज बन गया। संगीतकार द्वारा बनाई गई रिगोलेटो, आइडा, वायलेट्टा, डेसडेमोना की संगीतमय छवियां, उज्ज्वल माधुर्य और पात्रों की गहराई, लोकतांत्रिक और परिष्कृत संगीत विशेषताओं, हिंसक जुनून और उज्ज्वल सपनों को जोड़ती हैं। वर्डीमानव जुनून को समझने में एक वास्तविक मनोवैज्ञानिक थे। उनका संगीत बड़प्पन और शक्ति, अद्भुत सौंदर्य और सद्भाव, अकथनीय रूप से सुंदर धुन, अद्भुत अरिया और युगल हैं। जुनून उबलता है, कॉमेडी और त्रासदी आपस में जुड़ते हैं और एक साथ विलीन हो जाते हैं। ओपेरा के प्लॉट, के अनुसार वर्डी, "मौलिक, दिलचस्प और ... जुनूनी होना चाहिए, बाकी सब से ऊपर जुनून के साथ।" और उनके अधिकांश कार्य गंभीर और दुखद हैं, भावनात्मक नाटकीय स्थितियों और महान संगीत को प्रदर्शित करते हैं वर्डीजो हो रहा है उसे अभिव्यक्ति देता है और स्थिति के उच्चारण पर जोर देता है। इटालियन ओपेरा स्कूल द्वारा हासिल किए गए सभी सर्वश्रेष्ठ को आत्मसात करने के बाद, उन्होंने ऑपरेटिव परंपराओं से इनकार नहीं किया, लेकिन इतालवी ओपेरा में सुधार किया, इसे यथार्थवाद से भर दिया, और इसे संपूर्ण की एकता प्रदान की। उसी समय, उन्होंने अपने सुधार की घोषणा नहीं की, इसके बारे में लेख नहीं लिखे, बल्कि नए तरीके से ओपेरा लिखे। उत्कृष्ट कृतियों में से एक का विजयी जुलूस वर्डी- ओपेरा - इतालवी दृश्यों के माध्यम से बह गया और यूरोप के साथ-साथ रूस और अमेरिका में भी जारी रहा, जिससे महान संगीतकार की प्रतिभा को पहचानने के लिए भी संदेह हुआ।

दुनिया के 10 सबसे प्रसिद्ध संगीतकारअपडेट किया गया: 13 अप्रैल, 2019 द्वारा: ऐलेना

20वीं शताब्दी को महान आविष्कारों का समय माना जाता है जिसने लोगों के जीवन को बहुत बेहतर और कुछ मायनों में आसान बना दिया। हालाँकि, एक राय है कि उस समय संगीत की दुनिया में कुछ भी नया नहीं बनाया गया था, लेकिन पिछली पीढ़ियों के कार्यों का ही उपयोग किया गया था। इस सूची का उद्देश्य इस तरह के एक अनुचित निष्कर्ष का खंडन करना और 1900 के बाद बनाए गए कई संगीत कार्यों के साथ-साथ उनके लेखकों का सम्मान करना है।

एडगर Varèse - आयनीकरण (1933)

Varèse इलेक्ट्रॉनिक संगीत का एक फ्रांसीसी संगीतकार है, जिसने अपने काम में बिजली की लोकप्रियता के आधार पर बनाई गई नई ध्वनियों का इस्तेमाल किया। उन्होंने लय, ताल और गतिकी की खोज की, अक्सर खुरदरी टक्कर ध्वनियों का उपयोग करते हुए। 13 पर्क्यूशन के लिए बनाई गई "आयनीकरण" के रूप में पूरी तरह से कोई भी रचना वर्से के काम का एक विचार नहीं बना पाएगी। वाद्ययंत्रों में सामान्य आर्केस्ट्रा बास ड्रम, स्नेयर ड्रम हैं, और इस टुकड़े में आप शेर की दहाड़ और सायरन की चीख भी सुन सकते हैं।

कार्लहेन्ज़ स्टॉकहौसेन - ज़िक्लस (1959)

स्टॉकहौसेन, Varèse की तरह, कभी-कभी चरम काम करता है। उदाहरण के लिए, Zyklus टक्कर के लिए लिखा गया एक टुकड़ा है। इसका अर्थ है "सर्कल"। इस रचना को यह नाम संयोग से नहीं मिला। इसे किसी भी दिशा में कहीं से भी पढ़ा जा सकता है, और उल्टा भी पढ़ा जा सकता है।

जॉर्ज गेर्शविन - ब्लूज़ रैप्सोडी (1924)

जॉर्ज गेर्शविन वास्तव में एक अमेरिकी संगीतकार हैं। पश्चिमी शास्त्रीय परंपरा के अधिकांश संगीतकारों द्वारा आमतौर पर उपयोग किए जाने वाले डायटोनिक स्केल के बजाय, वह अक्सर अपनी रचनाओं में ब्लूज़ और जैज़ स्केल का उपयोग करते हैं। ब्लूज़ शैली में गेर्शविन का "रैप्सोडी", उनका सबसे बड़ा काम, जिसकी बदौलत आप निश्चित रूप से उन्हें हमेशा याद रखेंगे। यह अक्सर 1920 के दशक की याद दिलाता है, जैज़ युग, धन और विलासिता का समय। यह बीते हुए अच्छे समय की लालसा है।

फिलिप ग्लास - समुद्र तट पर आइंस्टीन (1976)

फिलिप ग्लास एक समकालीन संगीतकार है जो आज बहुतायत में बना रहा है। संगीतकार की शैली अतिसूक्ष्मवाद है, धीरे-धीरे अपने संगीत में ओस्टिनैटो विकसित कर रही है।
ग्लास का सबसे प्रसिद्ध ओपेरा, आइंस्टीन ऑन द बीच, बिना किसी मध्यांतर के 5 घंटे तक चला। यह इतना लंबा था कि दर्शक अपनी मर्जी से आते और जाते थे। यह दिलचस्प है कि इसमें बिल्कुल कोई कथानक नहीं है, लेकिन केवल आइंस्टीन के सिद्धांतों और सामान्य रूप से उनके जीवन का वर्णन करने वाले विभिन्न दृश्यों को दिखाता है।

करज़िस्तोफ Penderecki - पोलिश Requiem (1984)

पेंडेरेकी एक संगीतकार हैं, जो पारंपरिक उपकरणों पर तकनीक और अनूठी खेल शैली के विस्तार के बारे में भावुक थे। वह शायद हिरोशिमा के पीड़ितों के लिए अपने अन्य काम विलाप के लिए बेहतर जाना जाता है, लेकिन इस सूची में सबसे बड़ा शामिल है - पोलिश रिक्विम, जो संगीत के काम के सबसे पुराने रूपों में से एक को जोड़ता है (सबसे पहले रिक्विम के लेखक ओकेघेम थे, जो पुनर्जागरण में रहते थे) और अपरंपरागत प्रदर्शन शैली। यहां पेंडेरेकी गाना बजानेवालों और आवाज से चिल्लाती है, छोटी, तेज रोती है, और अंत में पोलिश पाठ को जोड़ने से वास्तव में अद्वितीय संगीत कला की छवि पूरी हो जाती है।

एल्बन बर्ग - वोज़ज़ेक (1922)

बर्ग लोकप्रिय संस्कृति में धारावाहिकवाद लाने वाले संगीतकार हैं। उनका ओपेरा वोज़ेक, एक आश्चर्यजनक रूप से वीरतापूर्ण कथानक पर आधारित, 20वीं शताब्दी की विशिष्ट साहसिक शैली में पहला ओपेरा बन गया, और इस प्रकार ओपेरा मंच पर अवांट-गार्डे के विकास की शुरुआत हुई।

आरोन कोपलैंड - फैनफेयर फॉर द कॉमन मैन (1942)

कोपलैंड ने अपने अमेरिकी सहयोगी जॉर्ज गेर्शविन से अलग शैली में संगीत तैयार किया। जबकि गेर्शविन के कई कार्य शहरों और क्लबों के अनुकूल हैं, कोपलैंड के ग्रामीण रूपांकनों के उपयोग में वास्तव में अमेरिकी विषय शामिल हैं जैसे काउबॉय।
कोपलैंड की सबसे मशहूर कृति फैनफेयर फॉर द कॉमन मैन है। यह पूछे जाने पर कि वास्तव में यह किसके लिए समर्पित था, हारून ने उत्तर दिया कि यह एक सामान्य व्यक्ति था, क्योंकि यह सामान्य लोग थे जिन्होंने द्वितीय विश्व युद्ध में संयुक्त राज्य की जीत को महत्वपूर्ण रूप से प्रभावित किया था।

जॉन केज - 4'33" (1952)

केज एक क्रांतिकारी थे - उन्होंने सबसे पहले संगीत में गैर-पारंपरिक उपकरणों का उपयोग करना शुरू किया, जैसे चाबियां और कागज। उनका सबसे उल्लेखनीय नवाचार पियानो का संशोधन है, जहां उन्होंने वाशर और कील को वाद्य यंत्र में भर दिया, जिसके परिणामस्वरूप सूखी पर्क्युसिव आवाजें आती हैं।
4'33" मूल रूप से 4 मिनट 33 सेकंड का संगीत है। हालाँकि, जो संगीत आप सुन रहे हैं वह कलाकार द्वारा नहीं बजाया जा रहा है। आप कॉन्सर्ट हॉल में बेतरतीब शोर, एयर कंडीशनिंग का शोर या बाहर कारों की गड़गड़ाहट सुनते हैं। जिसे मौन समझा जाता था, वह मौन नहीं है - ज़ेन स्कूल यही सिखाता है, जो केज की प्रेरणा का स्रोत बना।

Witold Lutosławski - आर्केस्ट्रा के लिए Concerto (1954)

Lutosławski पोलैंड के सबसे महान संगीतकारों में से एक है, जो अलौकिक संगीत में विशेषज्ञता रखता है। वह पोलैंड के सर्वोच्च राज्य पुरस्कार, ऑर्डर ऑफ द व्हाइट ईगल से सम्मानित होने वाले पहले संगीतकार बने।
"कॉन्सर्टो फॉर ऑर्केस्ट्रा" बेला बार्टोक द्वारा "कॉन्सर्टो फॉर ऑर्केस्ट्रा" के काम से संगीतकार की प्रेरणा का परिणाम है। इसमें पोलिश धुनों के साथ गुंथे हुए बैरोक कॉन्सर्टो ग्रोसो शैली की नकल शामिल है। सबसे खास बात यह है कि यह काम आटोनल है, यह किसी बड़ी या छोटी कुंजी के अनुरूप नहीं है।

इगोर स्ट्राविंस्की - द रीट ऑफ़ स्प्रिंग (1913)

स्ट्राविंस्की अब तक के सबसे महान संगीतकारों में से एक हैं। ऐसा लगता है कि उन्होंने बड़ी संख्या में संगीतकारों से थोड़ा बहुत कुछ लिया है। उन्होंने धारावाहिकवाद, नवशास्त्रवाद और नव-बारोक की शैलियों में रचना की।
स्ट्राविंस्की की सबसे प्रसिद्ध रचना द रीट ऑफ स्प्रिंग है, जो एक निंदनीय सफलता थी। प्रीमियर पर, केमिली सेंट-सेन्स शुरुआत में ही हॉल से बाहर भाग गए, बासून के अत्यधिक उच्च रजिस्टर को डांटते हुए, उनकी राय में, उपकरण का गलत इस्तेमाल किया गया था। दर्शकों ने आदिम लय और अश्लील वेशभूषा पर गुस्सा करते हुए प्रदर्शन की सराहना की। भीड़ ने सचमुच कलाकारों पर हमला किया। सच है, बैले ने जल्द ही लोकप्रियता हासिल कर ली और दर्शकों का प्यार जीत लिया, जो महान संगीतकार के सबसे प्रभावशाली कार्यों में से एक बन गया।