शास्त्रीय नृत्य आज किसी भी नृत्य निर्देशन की नींव है। इसके तत्व वर्षों से और दुनिया के बैले स्कूलों के सर्वश्रेष्ठ शिक्षकों द्वारा बनाए गए हैं। नृत्य की अद्भुत दुनिया में प्रवेश करने वाले सभी शुरुआती इस दिशा से शुरू होते हैं।

शास्त्रीय नृत्य, सबसे पहले, मनोरंजन, सौंदर्य और किसी भी नृत्य आंदोलन के लिए सही आधार है। इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि नर्तक किस दिशा में विकसित होगा, उसे उसके साथ पाठ शुरू करना चाहिए।

शास्त्रीय नृत्य ऐसे आंदोलन हैं जो एक एकल प्रणाली में एकजुट हो गए हैं। लेकिन इस प्रणाली के काम करने के लिए इसे पुनर्जीवित करना होगा। यह एक बात है जब नृत्य ठीक उसी तरह मौजूद होता है, दूसरा जब यह भावनाओं को प्रकट करने में मदद करता है और एक छोटी सी कहानी, जैसे "स्वान लेक"।

रूस में विकास का इतिहास

शास्त्रीय नृत्य के रूप में ऐसी दिशा रूस में पीटर आई की बदौलत दिखाई दी। 1718 की बैठकों के फरमान में नृत्यों की अनिवार्य पकड़ शामिल थी। थोड़ी देर बाद, मुखौटे और प्रदर्शन में नृत्य मौजूद थे। और 1773 में रूस में पहला बैले स्कूल मास्को में खोला गया था।

उस समय से लेकर आज तक, ये स्कूल अपनी प्रतिभा से अपनी मातृभूमि को गौरवान्वित करने वाले विश्व नर्तकियों को देते हैं।

नृत्यकला में शास्त्रीय नृत्य की कला का उच्चतम रूप है जिसे बैले कहा जाता है। यह एक ऐसी कहानी है जो संगीत की बदौलत पैदा हुई थी, लेकिन कोरियोग्राफी में सामने आई। इसे 2 भागों में बांटा गया है: विशेषता और शास्त्रीय नृत्य। इसे निम्नलिखित शैलियों में भी विभाजित किया गया है:

कॉमेडी;

सिम्फनी;

त्रासदी।

मामले

हर नर्तक को शास्त्रीय नृत्य की शर्तें पता होनी चाहिए। उनमें से बड़ी संख्या में हैं, लेकिन नीचे केवल मुख्य हैं।

अडागियो का इतालवी में अर्थ है "धीरे-धीरे"। इस अभ्यास में पोज़, टिल्ट, रोटेशन और टर्न शामिल हैं, जो धीमी गति से किए जाते हैं। एडैगियो का मुख्य कार्य नर्तकियों को एक आंदोलन से दूसरे आंदोलन में आसानी से जाना, संगीत सुनना और स्थिरता विकसित करना सिखाना है।

एलेग्रो - इतालवी से "हर्षित" के रूप में अनुवादित। वार्म-अप के अंत में की जाने वाली छोटी छलांग का प्रतिनिधित्व करता है।

अंतराशा - फ्रेंच से इसका अर्थ है "पार किया हुआ"। यह एक ऐसी एक्सरसाइज है जिसमें कूदते समय नर्तक के पैर अलग-अलग फैल जाते हैं और तेज गति से कई बार पार किए जाते हैं। यह तकनीक दर्शाती है कि कलाकार कितना गुणी होता है।

पास दे बुरे - आंदोलन छोटे कदम है।

फ्रेंच में ग्रैन का मतलब "बड़ा" होता है। उदाहरण के लिए, ग्रैंड बैटमैन जेट जैसा एक आंदोलन है, जिसमें नर्तक के लिए पैर को अधिकतम ऊंचाई तक फेंक दिया जाता है।

पार टेरर - "जमीन पर"। ऐसे नामों वाले आंदोलनों का मतलब है कि वे केवल फर्श पर ही किए जाते हैं।

तैयारी - फ्रेंच से इसका अनुवाद "खाना पकाने" के रूप में किया जाता है। कोई भी हलचल, कूद या घुमाव तैयारी से शुरू होता है।

कोर डी बैले कलाकार हैं जो सामूहिक संख्या में नृत्य करते हैं।

फोंड्यू एक चिकनी गति है जिसमें पैर झुकते हैं और बिना झुके होते हैं।

बुनियादी आसन

शास्त्रीय नृत्य की कोई भी मुद्रा एक कार्य करती है। लेकिन वे एक लक्ष्य से एकजुट हैं - आंदोलनों के समन्वय का विकास। सबसे बुनियादी पोज़ जो नर्तक अपने प्रशिक्षण के पहले वर्ष में सीखते हैं, वे हैं:

• एपलमैन क्रूज आगे। हाथों को I स्थिति में उठाया जाता है, जबकि सिर बाएं कान की ओर थोड़ा झुका हुआ होता है, और टकटकी दाहिने हाथ की ओर होती है। फिर दाहिने पैर को पैर के अंगूठे के साथ धीरे-धीरे आगे बढ़ाया जाता है। हाथ पैर के साथ एक साथ काम करते हैं: बाएं को III स्थिति में वापस ले लिया जाता है, दाएं - II को। आइए दाहिने हाथ को देखें।
• एपलमैन क्रूज वापस। आंदोलन का सिद्धांत पहले संस्करण के समान है, केवल यहां बाएं पैर को धीरे-धीरे वापस ले लिया जाता है, जबकि I स्थिति से बायां हाथ आसानी से III में गुजरता है, और दायां - II में। सिर दाहिने हाथ की गति का अनुसरण करता है।
• आगे प्रयास करें। फर्श से उठे बिना हम दाहिने पैर को आगे की ओर ले जाते हैं। बायां हाथ आसानी से स्थिति I से III तक चलता है, और दाहिना हाथ स्थिति को II में बदलता है। जब हाथ पहली स्थिति में हों, तो सिर सीधा दिखना चाहिए, और टकटकी हाथों पर टिकी हुई है।
• वापस प्रयास करें। बायां पैर धीरे-धीरे पीछे की ओर खींचा जाता है। उसी समय, हाथ सभी आंदोलनों को करते हैं, जैसा कि आगे के संस्करण में होता है।

अरबी (अरबी) के रूप में शास्त्रीय नृत्य की ऐसी मुद्रा भी है। लेकिन चूंकि यह अधिक कठिन है, शुरुआती लोग इसे पहले दिखाए गए पोज़ को अच्छी तरह से सीखने के बाद करते हैं।

लोक नृत्य

लोक शास्त्रीय नृत्य एक हंसमुख, उज्ज्वल और उत्सवपूर्ण कला है। इस तरह के नृत्य को सर्वश्रेष्ठ कोरियोग्राफरों के लिए धन्यवाद नहीं बनाया गया था, जैसा कि बैले के मामले में, लेकिन हमारे आस-पास की हर चीज से।

एक प्राचीन कला होने के नाते, लोक शास्त्रीय नृत्य नर्तक को कुछ ही मिनटों में एक भावुक स्पेनिश मर्दाना से एक स्वतंत्रता-प्रेमी जिप्सी में बदलने की अनुमति देता है। लोक नृत्यों का अध्ययन, एक व्यक्ति प्रत्येक राष्ट्रीयता की संस्कृति को समझता है, और व्यापक रूसी आत्मा और आयरलैंड के लोगों के आंदोलन की आसानी, यूक्रेनी हॉपक की उत्तेजना और जापान के ज्ञान के बीच अंतर भी करता है।

लोक नृत्य नर्तक को डांस हॉल की दीवारों को छोड़े बिना किसी भी देश की यात्रा करने का एक शानदार अवसर देता है।

शास्त्रीय लोक नृत्य के सबसे लोकप्रिय प्रकार:

होपक (यूक्रेन);

सिर्ताकी (ग्रीस);

हवा नगीला (इज़राइल);

कालिंका (रूस);

ज़ारदास (हंगरी)।

पैर की स्थिति

नर्तक का मुख्य हथियार उसके पैर हैं। शास्त्रीय नृत्य की कोई भी स्थिति पैरों को मोड़ने के लिए मौजूद होती है। बात अलग-अलग दिशाओं में मोजे को खूबसूरती से इंगित करने के लिए नहीं है, बल्कि यह सुनिश्चित करने के लिए है कि कूल्हे से शुरू होकर पैर की उंगलियों तक समाप्त होने वाला पूरा पैर सही ढंग से चालू हो। और इसे हासिल करने के लिए आपको रोजाना अभ्यास करने की जरूरत है।

5 पद हैं:

1. एड़ी एक साथ और पैर की उंगलियां बाहर निकलीं ताकि पैर फर्श पर एक सीधी रेखा बना सकें।

2. 1 के समान, लेकिन एड़ी के बीच की दूरी लगभग 30 सेमी होनी चाहिए।

3. एक पैर की एड़ी दूसरे पैर के पैर के बीच से छूनी चाहिए। इस पोजीशन का प्रयोग किया जाता है और नृत्य जगत में बहुत कम देखा जाता है।

4. पैर एक दूसरे के समानांतर निकले। इस प्रकार, नर्तक का वजन बिल्कुल केंद्र में होता है, अर्थात वह किसी एक पैर पर आराम नहीं करता है।

5. यह पोजीशन 4 के समान है, केवल यहां पैरों को एक दूसरे से कसकर दबाना चाहिए।

हाथ की स्थिति

1 पद। हाथ थोड़े गोल होते हैं और डायाफ्राम के स्तर पर होते हैं। हथेलियाँ अंदर की ओर, कंधे नीचे। हाथ और कोहनी एक अंडाकार बनाना चाहिए।

2 स्थिति। भुजाओं की ओर खुले हाथ कंधे से थोड़ा नीचे के स्तर पर होने चाहिए। कोहनियाँ थोड़ी मुड़ी हुई हैं, उँगलियाँ एकत्रित हैं, और हथेलियाँ और सिर आगे की ओर देखते हैं।

3 स्थिति। बाहों को थोड़ा गोल और सिर के ऊपर उठाया जाता है। ब्रश करीब होना चाहिए, लेकिन एक दूसरे को छूना नहीं चाहिए। हथेलियाँ नीचे देखती हैं, और सिर सीधा होता है।

आधुनिक नृत्य की दिशाएँ

आधुनिक शास्त्रीय नृत्य, इस क्षेत्र की किसी भी अन्य शैली की तरह, कई प्रकार और दिशाएं हैं। इसे कोरियोग्राफी में सबसे बड़ा खंड माना जाता है। आधुनिक नृत्य की प्रत्येक दिशा की अपनी विशेषताएं और तौर-तरीके होते हैं। यह इसे और भी रोचक और आकर्षक बनाता है।

जैज़ एक नृत्य शैली है जो 19वीं शताब्दी की है। इसकी अपनी शाखाएँ हैं, जिनके अपने तौर-तरीके और चाल-चलन हैं। स्टेप, फ्रीस्टाइल, एफ्रो-जैज, क्लासिकल जैज, फंक, ब्रॉडवे जैज, सोल - यह कुल प्रकारों का एक छोटा सा हिस्सा है। आत्मा को सबसे अधिक गुणी माना जाता है। यह बॉलरूम नृत्य के समान है और इसमें बड़ी मात्रा में जटिल चालें और चालें शामिल हैं।

आधुनिक - शास्त्रीय नृत्य के सिद्धांतों को पूरी तरह से त्याग दिया और प्रत्येक आंदोलन के लिए अपना दार्शनिक दृष्टिकोण है। यहां नर्तक का ताल और संगीत से संबंध महत्वपूर्ण है।

बॉलरूम नृत्य

यह दिशा विशेष ध्यान देने योग्य है। यह केवल संगीत के लिए आंदोलनों का एक सेट नहीं है - यह खेल, इतिहास, प्रेम और जुनून को एक साथ रखा गया है।

पार्टनर एक-दूसरे के साथ आंदोलनों, स्पर्शों और नज़रों के माध्यम से संवाद करते हैं। बॉलरूम कार्यक्रम में 10 नृत्य शामिल हैं, जो बदले में, 2 समूहों में विभाजित हैं: यूरोपीय और लैटिन अमेरिकी।

वाल्ट्ज सभी नृत्यों में सबसे महान और एकमात्र ऐसा नृत्य है जो नृत्य क्रांति के दौरान नहीं बदला है।

टैंगो एक कामुक नृत्य है जिसमें मुख्य भूमिका साथी द्वारा निभाई जाती है। जोश से भरा एक नृत्य और तेज, तेज और सहज आंदोलनों का सामंजस्यपूर्ण संयोजन।

रूंबा टैंगो की तरह एक रोमांचक नृत्य है, लेकिन साथ ही साथ बहुत ही कोमल और शांत भी है।

चा-चा-चा एक अद्भुत नृत्य है जो कूल्हों और पैरों की गति पर आधारित होता है। इसकी लय को किसी अन्य (1,2, चा-चा-चा) के साथ भ्रमित नहीं किया जा सकता है।

प्लैटोनोव महोत्सव का समापन एक प्रदर्शन द्वारा चिह्नित किया जाएगा "आधुनिक नृत्यकला की उत्कृष्ट कृतियाँ",जोर्मा एलो द्वारा एक-एक्ट बैले शार्पनिंग टू ए शार्पनेस, इन द फॉरेस्ट बाय नाचो डुआटो, ए लिटिल डेथ एंड सिक्स डांस बाय जिरी किलियन।

"शार्पनिंग टू शार्पनेस" (स्लाइस टू शार्प)

संगीत - ए. विवाल्डी, जी. बीबर

कोरियोग्राफर - जोर्मा एलोस

प्रकाश डिजाइनर - मार्क स्टेनली
कॉस्ट्यूम डिज़ाइनर - होली हाइन्स
कंडक्टर - फेलिक्स कोरोबोव

"ना फ्लोरस्टा" (जंगल में)

संगीत - ई. विला-लोबोस, वी. टिसो
कोरियोग्राफर - नाचो डुआतो
कलाकार - वाल्टर नोब्बे
कॉस्ट्यूम डिज़ाइनर - Nacho Duato

"थोड़ा मौत"(छोटा मौत) "छह नृत्य"(सेक्श तंज़े)

अप्रैल 2011 में, इस प्रदर्शन को सीजन के सर्वश्रेष्ठ बैले प्रदर्शन के रूप में गोल्डन मास्क नेशनल थिएटर अवार्ड से सम्मानित किया गया था।

संगीत - डब्ल्यू ए मोजार्ट

कोरियोग्राफर - जिरी किलियान

सेट डिज़ाइनर - जिरी किलियन
कॉस्टयूम डिजाइनर - जिरी किलियन, जौक विसेरो
प्रोडक्शन और कंडक्टर के संगीत निर्देशक - फेलिक्स कोरोबोव

बैले "बिंदु तक तेज करना" 17वीं-18वीं सदी के संगीतकार एंटोनियो विवाल्डी और हेनरिक बीबर द्वारा संगीत के लिए सेट। कलाप्रवीण व्यक्ति नृत्य का एक चक्करदार झरना, संभव के कगार पर एक जोखिम भरा खेल - इस तरह फिनिश कोरियोग्राफर जोर्मा एलो नृत्य में बारोक की दुनिया का प्रतीक है।

बैले "ना फ्लोरस्टा"- एक कोरियोग्राफिक रचना जो अमेजोनियन सेल्वा की सुंदरता को गौरवान्वित करती है। जुनून की ऊर्जा बैले को भर देती है, इसकी कोरियोग्राफी को भौतिक रूप से मूर्त और साथ ही भारहीन बना देती है। 1990 में द हेग में पहली बार नाचो डुआटो द्वारा मंचित नाटक की सफलता अभूतपूर्व थी। हेइटर विला-लोबोस के संगीत के लिए कथानक रहित उत्पादन मानवीय भावनाओं की सूक्ष्मता और प्रकृति की भव्यता के लिए प्रशंसा को जोड़ता है, जिसके साथ हम अटूट संबंधों से जुड़े हुए हैं।

जिरी किलियन द्वारा दोनों बैले ( "लिटिल डेथ", "सिक्स डांस") लंबे समय से उत्कृष्ट कृतियों के रूप में माना जाता रहा है। "लिटिल डेथ" - उच्चतम स्तर के प्रेम गीत। कला की अमरता के बारे में "लिटिल डेथ" कामुकता और कामुकता से कम नहीं कहता है।

"सिक्स डांस" एक तरह का कॉमिक बैले है, जिसका हास्य कथानक टकराव पर नहीं, बल्कि शुद्ध कोरियोग्राफी पर आधारित है। प्रदर्शन थिएटर की भावना के करीब है, जो लंबे समय से अपने कॉमेडी बैले और स्किट के लिए प्रसिद्ध है। हमें क्रिनोलिन, विग और पाउडर के वीरतापूर्ण युग में भेजना, किलियन युद्धाभ्यास प्रहसन और परिष्कृत परिष्कार के बीच गुण के साथ।

जोर्मा एलो- हमारे दिनों के सबसे प्रसिद्ध कोरियोग्राफरों में से एक। न्यू यॉर्क टाइम्स के बैले स्तंभकार अन्ना किसलगोफ ने अपने काम को एक आदर्श मॉडल कहा। बोस्टन बैले के साथ नियमित रूप से, जोर्मा एलो दुनिया भर के कई देशों में भी प्रस्तुतियों का प्रदर्शन करता है।

जोर्मा एलो का जन्म फिनलैंड में हुआ था। उन्होंने फिनिश नेशनल बैले स्कूल और एकेडमी ऑफ रशियन बैले में अध्ययन किया। सेंट पीटर्सबर्ग में वागनोवा। एक बैले मास्टर के रूप में, उन्होंने बेसल बैले, अल्बर्टा बैले, नॉर्वेजियन नेशनल बैले, फ़िनिश नेशनल बैले, नीदरलैंड डांस थिएटर, रॉयल डेनिश बैले के साथ सहयोग किया। वह न्यूयॉर्क सिटी बैले, अमेरिकन बैले थियेटर, हबर्ड स्ट्रीट डांस शिकागो, सैन फ्रांसिस्को बैले और अन्य अमेरिकी नृत्य कंपनियों के साथ भी सक्रिय रूप से सहयोग करता है।

2005 के बाद से, जोर्मा एलो बोस्टन बैले (यूएसए) के निवासी कोरियोग्राफर रहे हैं। यहां उन्होंने "शार्प साइडो एफडार्क" (2002), "प्लांटो बी" (2004), "कारमेन" (2006), "होल्ड योर आइज़" (2008), "इन ऑन ब्लू" (2008), "द राइट" के प्रदर्शनों का मंचन किया। वसंत का" (2009)। जोर्मा एलो खुद अपनी प्रस्तुतियों के लिए वेशभूषा, प्रकाश व्यवस्था, वीडियो बनाता है।

उत्कृष्ट कोरियोग्राफर नाचो डुआतोवालेंसिया (स्पेन) में पैदा हुआ था। उन्होंने लंदन के रामबर्ट स्कूल में नृत्य का अध्ययन किया, फिर ब्रसेल्स में मौरिस बेजार्ट के मुद्रा स्कूल और न्यूयॉर्क में एल्विन ऐली अमेरिकन डांस सेंटर में अपनी पढ़ाई जारी रखी। कोरियोग्राफर "जर्डी टंकट" ("फेंस्ड गार्डन") के रूप में डुआटो के पहले काम ने उन्हें बड़ी सफलता दिलाई और कोलोन में अंतर्राष्ट्रीय कोरियोग्राफिक कार्यशालाओं में प्रथम पुरस्कार जीता। एक नर्तक के रूप में प्रदर्शन करना बंद किए बिना, डुआटो "डांस एंड रिचुअल", "बर्ड्स", "सिनाफाई", "बोलेरो" और अन्य सहित दस से अधिक प्रस्तुतियों का निर्माण करता है। इन सभी कार्यों में कोरियोग्राफर के एक विश्वसनीय सहयोगी कलाकार वाल्टर नोबे थे।

नाचो डुआटो द्वारा कोरियोग्राफिक कार्यों को कुहलबर्ग बैले (स्वीडन), एनडीटी, कनाडा के बोल्शोई बैले, ड्यूश ऑपरेशन बैले कंपनी, फिनिश नेशनल ओपेरा बैले, सैन फ्रांसिस्को बैले, अमेरिकन बैले थियेटर, स्टटगार्ट के प्रदर्शनों की सूची में शामिल किया गया है। बैले, ऑस्ट्रेलियाई बैले और अन्य थिएटर। 1990 में, नाचो डुआटो ने स्पेन के राष्ट्रीय नृत्य रंगमंच का नेतृत्व किया, जहाँ उन्होंने दर्जनों प्रदर्शन किए। 1995 में, नाचो डुआटो को फ्रेंच ऑर्डर ऑफ आर्ट्स एंड लेटर्स के शेवेलियर का खिताब मिला। 1998 में, स्पेनिश सरकार ने उन्हें कला में गोल्ड मेडल ऑफ मेरिट से सम्मानित किया। 2000 में, नाचो डुआटो ने बैले "वैराइटी। फॉर्म्स ऑफ साइलेंस एंड एम्प्टीनेस" के मंचन के लिए वर्ष के सर्वश्रेष्ठ कोरियोग्राफर के रूप में अंतर्राष्ट्रीय बैले पुरस्कार बेनोइस डे ला डान्से प्राप्त किया। 2010 से वह मिखाइलोव्स्की थिएटर (सेंट पीटर्सबर्ग) के बैले मंडली के प्रमुख हैं।

उत्कृष्ट समकालीन कोरियोग्राफर जिरी किलियन- प्राग में नेशनल बैले स्कूल से स्नातक। 1967 में, किलियन को लंदन के रॉयल बैले स्कूल में अध्ययन करने के लिए छात्रवृत्ति मिली, जहाँ उनकी मुलाकात कोरियोग्राफर जॉन क्रैंको से हुई, जिन्होंने उन्हें स्टटगार्ट बैले के साथ एक नर्तक के रूप में अनुबंध की पेशकश की। जल्द ही, किलियन ने विशेष रूप से थिएटर में बनाई गई एक डांस कंपनी का नेतृत्व किया, जो विशेष रूप से आधुनिक कोरियोग्राफी से संबंधित थी। 1974 में, किलियन को नीदरलैंड्स डांस थिएटर (NDT) में आमंत्रित किया गया था। अपने विचारों को लागू करने के लिए, किलियन थिएटर में कोरियोग्राफिक कार्यशालाएँ बनाता है, और दुनिया भर में सक्रिय रूप से मास्टर कक्षाएं भी आयोजित करता है। 80 के दशक के मध्य से, किलियन की शैली अमूर्त और वास्तविक छवियों की ओर बढ़ी है। इस तरह बैले ब्लैक एंड व्हाइट, नो मोर प्ले, लिटिल डेथ, सरबांडे, फॉल ऑफ एंजल्स, आर्किबोल्डो और अन्य दिखाई दिए। किलियन और एनडीटी ने डच नृत्य संस्कृति के उदय की शुरुआत की और समकालीन नृत्य शैली में इसके नेतृत्व को निर्धारित किया।

बैले का इतिहास

बैले बल्कि एक युवा कला है। यह चार सौ साल से थोड़ा अधिक पुराना है, हालांकि प्राचीन काल से ही नृत्य मानव जीवन को सजाता रहा है। बैले का जन्म उत्तरी इटली में पुनर्जागरण के दौरान हुआ था। इतालवी राजकुमारों को शानदार महल उत्सव पसंद थे, जिसमें नृत्य ने एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा कर लिया। दरबारी महिलाओं और सज्जनों के लिए ग्रामीण नृत्य उपयुक्त नहीं थे। उनके वस्त्र, हॉल की तरह जहां वे नृत्य करते थे, असंगठित आंदोलन की अनुमति नहीं देते थे। विशेष शिक्षकों - नृत्य के उस्तादों - ने दरबारी नृत्यों में चीजों को व्यवस्थित करने का प्रयास किया। उन्होंने पहले से रईसों के साथ नृत्य के व्यक्तिगत आंकड़ों और आंदोलनों का पूर्वाभ्यास किया और नर्तकियों के समूहों का नेतृत्व किया। धीरे-धीरे यह नृत्य और अधिक नाटकीय होता गया। शब्द "बैले" 16 वीं शताब्दी के अंत में (इतालवी बैले से - नृत्य तक) दिखाई दिया। लेकिन तब इसका मतलब एक प्रदर्शन नहीं था, बल्कि केवल एक नृत्य एपिसोड था जो एक निश्चित मनोदशा को व्यक्त करता था। इस तरह के "बैले" में आमतौर पर पात्रों के छोटे-से-संबंधित "आउटपुट" शामिल होते हैं - अक्सर ग्रीक मिथकों के नायक। इस तरह के "आउटपुट" के बाद एक आम नृत्य शुरू हुआ - "बिग बैले"। पहला बैले प्रदर्शन क्वीन्स कॉमेडी बैले था, जिसका मंचन फ्रांस में 1581 में इतालवी कोरियोग्राफर बाल्टाज़ारिनी डि बेल्जिओजोसो द्वारा किया गया था। यह फ्रांस में था कि बैले का और विकास हुआ। सबसे पहले, ये बहाना बैले थे, और फिर शिष्ट और शानदार भूखंडों पर धूमधाम से मेलोड्रामैटिक बैले, जहां नृत्य एपिसोड को मुखर अरिया और कविताओं के पाठ द्वारा बदल दिया गया था। हैरान मत होइए, उस समय बैले केवल डांस परफॉर्मेंस ही नहीं था। लुई XIV के शासनकाल के दौरान, कोर्ट बैले का प्रदर्शन एक विशेष भव्यता पर पहुंच गया। लुई खुद बैले में भाग लेना पसंद करते थे, और "बैले ऑफ द नाइट" में सूर्य की भूमिका निभाने के बाद अपना प्रसिद्ध उपनाम "द सन किंग" प्राप्त किया। 1661 में उन्होंने संगीत और नृत्य की रॉयल अकादमी बनाई, जिसमें 13 प्रमुख नृत्य स्वामी शामिल थे। उनका कर्तव्य नृत्य परंपराओं को संरक्षित करना था। अकादमी के निदेशक, शाही नृत्य शिक्षक पियरे ब्यूचैम्प ने शास्त्रीय नृत्य के पांच बुनियादी पदों की पहचान की। जल्द ही पेरिस ओपेरा खोला गया, जिसके कोरियोग्राफर वही ब्यूचैम्प थे। उनके नेतृत्व में, एक बैले मंडली का गठन किया गया था। पहले इसमें केवल पुरुष ही शामिल थे। महिलाएं केवल 1681 में पेरिस ओपेरा के मंच पर दिखाई दीं। थिएटर ने संगीतकार लुली द्वारा ओपेरा-बैले और नाटककार मोलिएरे द्वारा कॉमेडी-बैले का मंचन किया। सबसे पहले, दरबारियों ने उनमें भाग लिया, और प्रदर्शन लगभग महल के प्रदर्शन से अलग नहीं थे। पहले से ही उल्लिखित धीमी गति से चलने वाले मीनू, गावोट्स और पावन नृत्य किए गए थे। मास्क, भारी कपड़े और ऊँची एड़ी के जूतों ने महिलाओं के लिए जटिल हरकतें करना मुश्किल बना दिया। इसलिए, पुरुषों के नृत्यों को तब अधिक अनुग्रह और अनुग्रह से प्रतिष्ठित किया गया था। अठारहवीं शताब्दी के मध्य तक यूरोप में बैले काफी लोकप्रिय हो रहा था। यूरोप के सभी कुलीन न्यायालयों ने फ्रांसीसी शाही दरबार की विलासिता की नकल करने की मांग की। शहरों में ओपेरा हाउस खुले। कई नर्तकियों और नृत्य शिक्षकों को आसानी से काम मिल गया। जल्द ही, फैशन के प्रभाव में, महिलाओं की बैले पोशाक बहुत हल्की और मुक्त हो गई, इसके तहत शरीर की रेखाओं का अनुमान लगाया गया। नर्तकियों ने ऊँची एड़ी के जूते को छोड़ दिया, उन्हें हल्के एड़ी के जूते से बदल दिया। पुरुषों का सूट भी कम भारी हो गया है। प्रत्येक नवाचार ने नृत्य को अधिक सार्थक और नृत्य तकनीक को उच्चतर बना दिया। धीरे-धीरे, बैले ओपेरा से अलग हो गया और एक स्वतंत्र कला में बदल गया। यद्यपि फ्रांसीसी बैले स्कूल अपनी कृपा और प्लास्टिसिटी के लिए प्रसिद्ध था, यह एक निश्चित शीतलता और प्रदर्शन की औपचारिकता की विशेषता थी। इसलिए, कोरियोग्राफर और कलाकार अभिव्यक्ति के अन्य साधनों की तलाश में थे।

18 वीं शताब्दी के अंत में, कला में एक नई प्रवृत्ति का जन्म हुआ - रूमानियत, जिसका बैले पर गहरा प्रभाव था। अपने नृत्य को और अधिक हवादार बनाने की कोशिश करते हुए, कलाकारों ने अपनी उंगलियों पर खड़े होने की कोशिश की, जिससे नुकीले जूते का आविष्कार हुआ। भविष्य में, महिला नृत्य की उंगली तकनीक सक्रिय रूप से विकसित हो रही है। पॉइंट डांस को अभिव्यक्ति के साधन के रूप में इस्तेमाल करने वाले पहले मारिया टैग्लियोनी थे। मारिया टैग्लियोनी(इतालवी। मारिया टैग्लियोनी; 23 अप्रैल, 1804, स्टॉकहोम - 22 अप्रैल, 1884, मार्सिले) - प्रसिद्ध इतालवी बैलेरीना, रोमांटिकतावाद के युग के बैले में केंद्रीय व्यक्ति। मारिया का जन्म कोरियोग्राफर और कोरियोग्राफर फिलिप टैग्लियोनी के परिवार में हुआ था। लड़की के पास न तो बैले फिगर था और न ही कोई विशेष उपस्थिति। इसके बावजूद, उसके पिता ने उसे एक बैलेरीना बनाने का फैसला किया। मारिया ने वियना, स्टॉकहोम और फिर पेरिस में फ्रांस्वा कूलम्ब के साथ अध्ययन किया। बाद में, पिता ने खुद मारिया के साथ अध्ययन किया, 1822 में उन्होंने बैले "रिसेप्शन ऑफ ए यंग अप्सरा टू द पैलेस ऑफ टेरप्सीचोर" का मंचन किया, जिसके साथ मारिया ने वियना में अपनी शुरुआत की। नर्तकी ने बैले, विग और श्रृंगार में निहित भारी पोशाकों को त्याग दिया, केवल एक मामूली हल्की पोशाक में नृत्य किया। मारिया ने 1827 में वेनिस कार्निवल में पेरिस की जनता पर विजय प्राप्त की, तब से वह अक्सर पेरिस ग्रैंड ओपेरा में नृत्य करती हैं। उसी स्थान पर, मार्च 1832 में, बैले सिल्फ़ाइड का प्रीमियर हुआ, जिसने बैले रोमांटिकतावाद के युग की शुरुआत को चिह्नित किया। यह वह थी जिसने तब टूटू और नुकीले जूतों को बैले में पेश किया था। मारिया टैग्लियोनी से पहले, सुंदर बैलेरीना ने अपनी कलाप्रवीण नृत्य तकनीक और स्त्री आकर्षण से दर्शकों को जीत लिया था। टैग्लियोनी, किसी भी तरह से एक सुंदरता नहीं, एक नए प्रकार की बैलेरीना बनाई - आध्यात्मिक और रहस्यमय। ला सिलफाइड में, उसने एक अलौकिक होने की छवि को मूर्त रूप दिया, एक आदर्श, सुंदरता का एक अप्राप्य सपना। एक बहती हुई सफेद पोशाक में, हल्की छलांग लगाते हुए और अपनी उंगलियों पर जमने के बाद, टैग्लियोनी पॉइंट जूते का उपयोग करने वाली पहली बैलेरीना बन गई और उन्हें शास्त्रीय बैले का एक अभिन्न अंग बना दिया। यूरोप की सभी राजधानियों ने उसकी प्रशंसा की। अपने बुढ़ापे में, मारिया टैग्लियोनी, अकेली और गरीब, ने लंदन के रईसों के बच्चों को नृत्य और अच्छे शिष्टाचार सिखाए। शिलान्यास पर निम्नलिखित प्रसंग है: terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi(पृथ्वी, इसे बहुत जोर से न धकेलें, क्योंकि इसने आप पर इतना हल्का कदम रखा है)। इस समय, कई अद्भुत बैले दिखाई दिए, लेकिन, दुर्भाग्य से, रोमांटिक बैले पश्चिम में नृत्य कला का अंतिम उदय था। 19 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से, बैले, अपने पूर्व अर्थ को खो देने के बाद, ओपेरा के एक उपांग में बदल गया। केवल 1930 के दशक में, रूसी बैले के प्रभाव में, यूरोप में इस कला रूप का पुनरुद्धार शुरू हुआ।

रूस में पहला बैले प्रदर्शन - "द बैले ऑफ़ ऑर्फ़ियस एंड यूरीडाइस" - का मंचन 8 फरवरी, 1673 को मॉस्को के पास प्रीओब्राज़ेंस्कॉय गाँव में ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के दरबार में किया गया था। इसे एक विदेशी निकोलाई लीमा (या लिम) द्वारा तैयार किया गया था। यह वास्तव में ज्ञात नहीं है कि वह मूल रूप से कौन था - सबसे अधिक संभावना एक स्कॉट जो फ्रांस में आ गया, और फिर एक इंजीनियर अधिकारी के रूप में रूस आया। हालाँकि, यह पूरी तरह से विश्वसनीय तथ्य है कि बैले का उनका ज्ञान बहुत अच्छा था। वह नवजात बैले मंडली के नेता, उसके शिक्षक, कोरियोग्राफर और पहले नर्तक बने। लीमा को प्रशिक्षण के लिए दस "पेटी-बुर्जुआ बच्चे" दिए गए, और एक साल बाद उनकी संख्या दोगुनी हो गई। 1673 में, क्रेमलिन थिएटर के मंच पर, लीमा ने "बैले ऑफ़ ऑर्फ़ियस एंड यूरीडाइस" में "फ़्रेंच नृत्य" का प्रदर्शन किया। यह चलते पिरामिडों के बीच एक फ्रांसीसी शैली का बैले सेट था और रूसी मंच पर पहले पेशेवर बैले प्रदर्शन का मंचन किया गया था। बाद में, सम्राट पीटर द ग्रेट के विशेष फरमान से, नृत्य दरबारी शिष्टाचार का एक अभिन्न अंग बन गया। 1730 के दशक में सेंट पीटर्सबर्ग में, अन्ना इवानोव्ना के दरबार में, ओपेरा और बैले प्रदर्शन के नियमित प्रदर्शन की व्यवस्था की गई थी। ओपेरा में नृत्य दृश्यों को जे.बी. लांडे और ए. रिनाल्डी (उपनाम फोसानो) द्वारा कोरियोग्राफ किया गया था। महान युवा नृत्य सीखने के लिए बाध्य थे, इसलिए सेंट पीटर्सबर्ग में, जेंट्री कैडेट कोर में बॉलरूम नृत्य एक अनिवार्य अनुशासन बन गया। समर गार्डन में समर थिएटर के उद्घाटन के साथ, विंटर पैलेस के विंग में विंटर थिएटर, कैडेट बैले नृत्य में भाग लेने लगते हैं। इमारत में नृत्य प्रशिक्षक जीन-बैप्टिस्ट लैंडेट थे। वह अच्छी तरह से जानता था कि रईस भविष्य में खुद को बैले कला के लिए समर्पित नहीं करेंगे, हालांकि वे पेशेवरों के साथ बैले में नृत्य करते थे। लांडे ने, किसी और की तरह, रूसी बैले थियेटर की आवश्यकता नहीं देखी। सितंबर 1737 में, उन्होंने एक याचिका दायर की जिसमें वह एक नया विशेष स्कूल बनाने की आवश्यकता को सही ठहराने में कामयाब रहे, जहां साधारण मूल की लड़कियां और लड़के कोरियोग्राफिक कला का अध्ययन करेंगे। जल्द ही ऐसी अनुमति दे दी गई। इसलिए 1738 में रूस में पहला बैले डांस स्कूल खोला गया (अब रूसी बैले की ए. या। वागनोवा अकादमी)। महल के नौकरों में से बारह लड़कियों और बारह दुबले-पतले युवकों को चुना गया, जिन्हें लांडे ने पढ़ाना शुरू किया। दैनिक कार्य परिणाम लाए, दर्शकों ने जो देखा उससे प्रसन्न हुए। 1743 से, लांडे के पूर्व छात्रों को बैले डांसर के रूप में वेतन दिया जाने लगा। स्कूल बहुत जल्दी रूसी मंच को उत्कृष्ट कोर डी बैले नर्तक और उत्कृष्ट एकल कलाकार देने में कामयाब रहा। पहले सेट के सर्वश्रेष्ठ छात्रों के नाम इतिहास में बने रहे: अक्षिन्या सर्गेवा, अवदोत्या टिमोफीवा, एलिसैवेटा ज़ोरिना, अफानसी टोपोरकोव, एंड्री नेस्टरोव। 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में, रूसी बैले कला अपनी रचनात्मक परिपक्वता पर पहुंच गई। रूसी नर्तकियों ने नृत्य में अभिव्यक्ति और आध्यात्मिकता लाई। इसे बहुत सटीक रूप से महसूस करते हुए, ए.एस. पुश्किन ने निम्नलिखित पंक्तियों को अपनी समकालीन रूसी बैलेरीना अवदोत्या इस्तोमिना को समर्पित किया:

शानदार, आधी हवा,
जादुई धनुष के आज्ञाकारी,
अप्सराओं की भीड़ से घिरा हुआ
इस्तोमिन के लायक; वह,
एक पैर फर्श को छू रहा है
एक और धीरे-धीरे सर्कल
और अचानक एक छलांग, और अचानक उड़ जाती है,
वह एओल के मुंह से फूल की तरह उड़ता है;
अब छावनी सोवियत करेगी, तब विकास करेगी
और वह अपने पैर को तेज पैर से पीटता है।

उस समय बैले ने अन्य प्रकार की नाट्य कलाओं के बीच एक विशेषाधिकार प्राप्त स्थान प्राप्त किया। अधिकारियों ने इस पर बहुत ध्यान दिया, राज्य सब्सिडी प्रदान की। मॉस्को और सेंट पीटर्सबर्ग बैले मंडलों ने अच्छी तरह से सुसज्जित थिएटरों में प्रदर्शन किया, और थिएटर स्कूलों के स्नातकों ने सालाना नर्तकियों, संगीतकारों और सज्जाकारों के कर्मचारियों की भरपाई की। हमारे बैले थियेटर के इतिहास में, अक्सर विदेशी उस्तादों के नामों का सामना करना पड़ता है जिन्होंने रूसी बैले के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। सबसे पहले, ये चार्ल्स डिडेलॉट, आर्थर सेंट-लियोन और मारियस पेटिपा हैं। उन्होंने रूसी बैले स्कूल बनाने में मदद की। लेकिन प्रतिभाशाली रूसी कलाकारों ने भी अपने शिक्षकों की प्रतिभा को प्रकट करना संभव बना दिया। इसने हमेशा यूरोप के सबसे बड़े कोरियोग्राफरों को मॉस्को और सेंट पीटर्सबर्ग की ओर आकर्षित किया। दुनिया में कहीं भी वे रूस में इतने बड़े, प्रतिभाशाली और अच्छी तरह से प्रशिक्षित मंडली से नहीं मिल सकते थे। 19वीं सदी के मध्य में रूसी साहित्य और कला में यथार्थवाद का आगमन हुआ। कोरियोग्राफरों ने उत्साहपूर्वक, लेकिन कोई फायदा नहीं हुआ, यथार्थवादी प्रदर्शन बनाने की कोशिश की। उन्होंने इस बात पर ध्यान नहीं दिया कि बैले एक सशर्त कला है और बैले में यथार्थवाद चित्रकला और साहित्य में यथार्थवाद से काफी अलग है। बैले कला का संकट शुरू हुआ। प्रदर्शन की सामग्री आदिम थी, जटिल भूखंडों ने केवल शानदार नृत्यों के बहाने के रूप में काम किया जिसमें कलाकारों ने अपने कौशल का प्रदर्शन किया। नर्तकियों के लिए, मुख्य बात शास्त्रीय नृत्य के रूप और तकनीक का परिशोधन था, और इसमें उन्होंने गुण प्राप्त किया। रूसी बैले के इतिहास में एक नया चरण शुरू हुआ जब महान रूसी संगीतकार पी। त्चिकोवस्की ने पहली बार बैले के लिए संगीत तैयार किया। स्वान लेक थी। इससे पहले, बैले संगीत को गंभीरता से नहीं लिया गया था। उन्हें संगीत रचनात्मकता का निम्नतम रूप माना जाता था, जो नृत्य की संगत थी। त्चिकोवस्की के लिए धन्यवाद, ओपेरा और सिम्फनी संगीत के साथ-साथ बैले संगीत एक गंभीर कला बन गया। पहले संगीत पूरी तरह से नृत्य पर निर्भर था, अब नृत्य को संगीत का पालन करना पड़ता है। अभिव्यक्ति के नए साधन और प्रदर्शन बनाने के लिए एक नए दृष्टिकोण की आवश्यकता थी। रूसी बैले का आगे का विकास मॉस्को कोरियोग्राफर ए। गोर्स्की के नाम के साथ जुड़ा हुआ है, जिन्होंने पैंटोमाइम की पुरानी तकनीकों को छोड़कर बैले प्रदर्शन में आधुनिक निर्देशन की तकनीकों का इस्तेमाल किया। प्रदर्शन के सचित्र डिजाइन को बहुत महत्व देते हुए, उन्होंने सर्वश्रेष्ठ कलाकारों को काम करने के लिए आकर्षित किया। लेकिन बैले कला के सच्चे सुधारक मिखाइल फॉकिन हैं, जिन्होंने बैले प्रदर्शन के पारंपरिक निर्माण के खिलाफ विद्रोह किया था। उन्होंने तर्क दिया कि प्रदर्शन का विषय, उसका संगीत, जिस युग में कार्रवाई होती है, हर बार अलग-अलग नृत्य आंदोलनों, एक अलग नृत्य पैटर्न की आवश्यकता होती है। बैले "मिस्र की रातों" का मंचन करते समय फोकिन वी। ब्रायसोव की कविता और प्राचीन मिस्र के चित्र से प्रेरित थे, और बैले "पेट्रुस्का" की छवियां ए। ब्लोक की कविता से प्रेरित थीं। बैले डैफनिस और क्लो में, उन्होंने पॉइंट डांसिंग को छोड़ दिया और, मुक्त, प्लास्टिक आंदोलनों में, प्राचीन भित्तिचित्रों को पुनर्जीवित किया। उनके "चोपिनियाना" ने रोमांटिक बैले के माहौल को पुनर्जीवित किया। फॉकिन ने लिखा है कि वह "बैले-मज़ा से एक बैले-नाटक बनाने का सपना देखता है, नृत्य से - एक समझने योग्य, बोलने वाली भाषा।" और वह सफल हुआ।

1908 में, पेरिस में रूसी बैले नर्तकियों का वार्षिक प्रदर्शन शुरू हुआ, जिसका आयोजन थिएटर फिगर एस। पी। डायगिलेव ने किया था। रूसी मौसम एक बैले कंपनी है जिसकी स्थापना 1911 में रूसी नाट्य कलाकार और कला इतिहासकार सर्गेई डायगिलेव ने की थी। यह 1909 में "रूसी मौसम" से विकसित हुआ, 1929 में दिगिलेव की मृत्यु तक 20 सीज़न के लिए कार्य किया और विदेशों में विशेष रूप से फ्रांस और ग्रेट ब्रिटेन में बड़ी सफलता मिली। दिगिलेव के उद्यम का न केवल रूसी बैले के विकास पर, बल्कि सामान्य रूप से विश्व नृत्य कला पर भी बहुत प्रभाव पड़ा। एक प्रतिभाशाली आयोजक होने के नाते, दिगिलेव में प्रतिभाओं के लिए एक स्वभाव था, प्रतिभाशाली नर्तकियों और कोरियोग्राफरों की एक पूरी आकाशगंगा का पोषण करना - वास्लाव निजिंस्की, लियोनिद मायसिन, मिखाइल फॉकिन, सर्ज लिफ़र, जॉर्ज बालानचाइन - और पहले से ही मान्यता प्राप्त कलाकारों को सुधार करने का अवसर प्रदान करना। दीघिलेव की प्रस्तुतियों के लिए दृश्यों और वेशभूषा को उनके सहयोगियों ने द वर्ल्ड ऑफ आर्ट, लियोन बैकस्ट और एलेक्जेंडर बेनोइस से बनाया था। बाद में, दिगिलेव ने नवाचार के अपने जुनून के साथ, प्रमुख यूरोपीय कलाकारों - पाब्लो पिकासो, आंद्रे डेरेन, कोको चैनल, हेनरी मैटिस और कई अन्य - और रूसी अवंत-गार्डे कलाकारों - नतालिया गोंचारोवा, मिखाइल लारियोनोव, नौम गाबो, एंटोनी पेवज़नर को आकर्षित किया। सज्जाकार। उन वर्षों के प्रसिद्ध संगीतकारों - रिचर्ड स्ट्रॉस, एरिक सैटी, मौरिस रवेल, सर्गेई प्रोकोफिव, क्लाउड डेब्यू - और विशेष रूप से उनके द्वारा खोजे गए इगोर स्ट्राविंस्की के साथ दिगिलेव का सहयोग कोई कम फलदायी नहीं था। शुरू से ही, उनके सीज़न की कोरियोग्राफी की मुख्य दिशा शास्त्रीय बैले की सीमाओं को आगे बढ़ाने की इच्छा थी। निजिंस्की के नृत्य रूपों के साथ प्रयोग अपने समय से आगे थे और इसलिए दर्शकों द्वारा तुरंत स्वीकार नहीं किया गया था। फॉकिन ने आंदोलनों में "समृद्ध प्लास्टिसिटी" जोड़ा, और उनके द्वारा निर्धारित सिद्धांतों के उत्तराधिकारी, मायसिन ने कोरियोग्राफी को "टूटे और दिखावा रूपों" से समृद्ध किया। Balanchine अंततः अकादमिक नृत्य के नियमों से विदा हो गया, जिससे उनके बैले को अधिक शैलीगत और अभिव्यक्तिवादी ध्वनि मिली। दिगिलेव के सीज़न - विशेष रूप से पहले सीज़न, जिसमें बैले "द फायरबर्ड", "पेट्रुस्का" और "द रीट ऑफ़ स्प्रिंग" शामिल थे - ने यूरोप में रूसी संस्कृति को लोकप्रिय बनाने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई और रूसी सब कुछ के लिए एक फैशन की स्थापना में योगदान दिया। उदाहरण के लिए, अंग्रेजी नर्तक पैट्रिक हीली-के, एलिस मार्क्स और हिल्डा मुन्निंग्स ने रूसी छद्म शब्द (क्रमशः एंटोन डोलिन, एलिसिया मार्कोवा और लिडिया सोकोलोवा) लिए, जिसके तहत उन्होंने डायगिलेव मंडली में प्रदर्शन किया। उनके सीज़न की लोकप्रियता ने यूरोपीय लोगों के पारंपरिक रूसी पोशाक के जुनून को जन्म दिया और एक नए फैशन को जन्म दिया - यहां तक ​​​​कि ग्रेट ब्रिटेन के राजा जॉर्ज VI की पत्नी ने "रूसी लोककथाओं की परंपराओं के लिए एक पोशाक" में शादी की।

रूस के नर्तकियों के नाम - वास्लाव निजिंस्की, तमारा कार्सविना, एडॉल्फ बोल्म - पूरी दुनिया में जाने गए। लेकिन इस पंक्ति में पहला नाम अतुलनीय अन्ना पावलोवा का है। पावलोवा - गेय, नाजुक, लम्बी शरीर की रेखाओं के साथ, विशाल आँखें - रोमांटिक बैलेरिना का चित्रण करते हुए उत्कीर्णन। उनकी नायिकाओं ने एक सामंजस्यपूर्ण, आध्यात्मिक जीवन या एक अधूरे जीवन की लालसा और उदासी के विशुद्ध रूप से रूसी सपने को व्यक्त किया। महान बैलेरीना पावलोवा द्वारा बनाई गई द डाइंग स्वान, 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी बैले का एक काव्यात्मक प्रतीक है। यह तब था, जब रूसी कलाकारों के कौशल के प्रभाव में, पश्चिमी बैले ने खुद को हिलाकर रख दिया और दूसरी हवा प्राप्त की।

1917 की अक्टूबर क्रांति के बाद, बैले थियेटर के कई आंकड़े रूस छोड़ गए, लेकिन इसके बावजूद, रूसी बैले का स्कूल बच गया। एक नए जीवन, क्रांतिकारी विषयों और सबसे महत्वपूर्ण रूप से रचनात्मक प्रयोग की गुंजाइश की दिशा में आंदोलन के मार्ग ने बैले मास्टर्स को प्रेरित किया। उनका काम कोरियोग्राफिक कला को लोगों के करीब लाना, इसे और अधिक महत्वपूर्ण और सुलभ बनाना था। इस प्रकार नाटकीय बैले की शैली उत्पन्न हुई। ये प्रदर्शन थे, जो आमतौर पर प्रसिद्ध साहित्यिक कार्यों के भूखंडों पर आधारित थे, जो एक नाटकीय प्रदर्शन के नियमों के अनुसार बनाए गए थे। उनमें सामग्री को पैंटोमाइम और चित्रात्मक नृत्य की मदद से प्रस्तुत किया गया था। रूस में, प्रथम विश्व युद्ध के बाद के वर्षों में और सोवियत शासन के तहत बैले ने अपना महत्व नहीं खोया, तब भी जब राजनीतिक और आर्थिक स्थिति बोल्शोई और मरिंस्की थिएटर के अस्तित्व को खतरे में डाल रही थी (जो अक्टूबर क्रांति के बाद, स्टेट ओपेरा और बैले थिएटर, GOTOB, और 1934 से - S.M. Kirov) थिएटर कहा जाता है। 1920 का दशक बैले प्रदर्शन के रूप और सामग्री दोनों में गहन प्रयोग की अवधि है। राजनीतिक और सामाजिक विषयों पर प्रोलेटकल्ट की प्रस्तुतियां भी हैं, और मॉस्को में कसान गोलेइज़ोव्स्की (1892-1970) की रचनाएँ, और पेत्रोग्राद में (1924 में लेनिनग्राद का नाम बदलकर) फ्योडोर लोपुखोव (1886-1973) की विभिन्न प्रस्तुतियाँ, जिनमें उनकी "महानता" भी शामिल है। बीथोवेन की चौथी सिम्फनी के संगीत के लिए ब्रह्मांड का" (1922)।
आरएम ग्लियर के संगीत के लिए "रेड पोपी", मॉस्को में वसीली तिखोमीरोव (1876-1956) और लेव लैशचिलिन (1888-1955) द्वारा 1927 में मंचित एक बैले, बाद के कई सोवियत बैले के लिए प्रोटोटाइप के रूप में कार्य किया: यह एक बहु- अभिनय प्रदर्शन, जिसका विषय महान जुनून और वीर कर्म है, और विशेष रूप से लिखित संगीत प्रकृति में सिम्फोनिक है। वैसिली वेनोनन (1901-1964) द्वारा 1932 में "द फ्लेम्स ऑफ पेरिस" और 1934 में रोस्टिस्लाव ज़खारोव (1907-1984) द्वारा "द फाउंटेन ऑफ बखचिसराय" के रूप में इस तरह के बैले - दोनों बोरिस असफीव के संगीत के साथ, 1939 में "लॉरेंसिया" " (अलेक्जेंडर क्रेइन द्वारा संगीत) वख्तंग चाबुकियानी (1910-1992) और 1940 में लियोनिद लावरोव्स्की (1905-1967) (प्रोकोफिव द्वारा संगीत) द्वारा "रोमियो एंड जूलियट", उन सौंदर्य सिद्धांतों के उदाहरण के रूप में काम कर सकते हैं जिनका पालन न केवल किया गया था मुख्य मंडलियों द्वारा - रंगमंच। लेनिनग्राद में एस.एम. किरोव और मॉस्को में बोल्शोई थिएटर - लेकिन देश में काम करने वाले लगभग 50 थिएटर भी।

हालांकि 1920 के दशक की कुछ खोजों को संरक्षित किया गया था, सोवियत राजनीतिक विचारधारा पर केंद्रित प्रदर्शन प्रबल थे, और प्रदर्शन के तरीके को आंदोलनों और लचीलेपन (हाथों और पीठ में विशेषताएं) के प्रदर्शन में ब्रैकट द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, साथ ही साथ उच्च कूद, कलाबाजी लिफ्टों को विकसित करना (उदाहरण के लिए, सज्जन के एक हाथ पर उच्च भारोत्तोलन) और तेजी से कताई, जिसने सोवियत बैले को एक विशेष नाटकीय अभिव्यक्ति दी।

इस शैली के विकास में योगदान देने वाले शिक्षकों में से एक अग्रिप्पीना वागनोवा (1879-1951) थे। मरिंस्की थिएटर में एक पूर्व नर्तकी, उसने अपने प्रदर्शन करियर के अंत में पढ़ाना शुरू किया। लेनिनग्राद कोरियोग्राफिक स्कूल में एक शिक्षक बनने के बाद, वागनोवा ने एक कार्यक्रम और शास्त्रीय नृत्य की एक पाठ्यपुस्तक विकसित की और अपने छात्रों को तैयार किया ताकि वे अपनी कलाप्रवीण तकनीक के साथ अतीत और नए सोवियत दोनों के महान रोमांटिक बैले का प्रदर्शन कर सकें। पूरे सोवियत संघ के साथ-साथ पूर्वी यूरोप में, वागनोवा प्रणाली को प्रशिक्षण के आधार के रूप में रखा गया था।
पश्चिमी यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में दर्शक 1950 के दशक के मध्य तक सोवियत बैले से व्यावहारिक रूप से अपरिचित थे, जब थिएटर की बैले कंपनियां। किरोव और बोल्शोई थिएटर पहली बार पश्चिम के दौरे पर गए। बोल्शोई थिएटर गैलिना उलानोवा (1910-1998) के बैलेरिनाओं के अद्भुत कौशल से उनमें रुचि पैदा हुई, जिन्होंने मर्मज्ञ गीतवाद के साथ गिजेल और जूलियट की भावनाओं को व्यक्त किया, और माया प्लिस्त्स्काया, जिन्होंने अपनी शानदार तकनीक की भूमिका में प्रहार किया। स्वान झील में ओडेट-ओडिले। जबकि बोल्शोई थिएटर ने सोवियत शैली की सबसे शानदार विशेषताओं को मूर्त रूप दिया, किरोव थिएटर के नर्तकियों की शास्त्रीय शुद्धता ने नताल्या डुडिंस्काया और कॉन्स्टेंटिन सर्गेव जैसे कलाकारों में अभिव्यक्ति पाई, जिन्होंने पेटिपा परंपरा के पुनरुद्धार में योगदान दिया। कलाकारों की निम्नलिखित पीढ़ियों ने बड़ी सफलता हासिल की: बोल्शोई थिएटर में एकातेरिना मक्सिमोवा, व्लादिमीर वासिलिव, नताल्या बेसमर्टनोवा और व्याचेस्लाव गोर्डीव, किरोव थिएटर में इरिना कोलपाकोवा, अल्ला सिज़ोवा और यूरी सोलोविओव। 1961 में, किरोव थिएटर के प्रमुख नर्तकियों में से एक, नुरेयेव, फ्रांस की मंडली के दौरे के दौरान पश्चिम में रहे। उसी थिएटर के दो अन्य प्रमुख कलाकारों - नतालिया मकारोवा और मिखाइल बेरिशनिकोव - ने भी ऐसा ही किया (मकारोवा - 1970 में लंदन में, बैरिशनिकोव - 1974 में कनाडा में)।
1980 के दशक में, सोवियत संघ में कला पर प्रशासनिक और राजनीतिक दबाव कम हो गया, ओलेग विनोग्रादोव, जिन्होंने थिएटर के बैले मंडली का नेतृत्व किया। 1977 से किरोव ने बैलेंचाइन, ट्यूडर, मौरिस बेजार्ट और रॉबिंस के बैले को प्रदर्शनों की सूची में पेश करना शुरू किया। नवाचार के लिए कम प्रवण यूरी ग्रिगोरोविच थे, जो 1964 से बोल्शोई बैले के प्रमुख थे। उनकी प्रारंभिक प्रस्तुतियों - "स्टोन फ्लावर" (प्रोकोफिव द्वारा संगीत, 1957) और "स्पार्टाकस" (ए.आई. खाचटुरियन द्वारा संगीत, 1968) - आमतौर पर सोवियत प्रदर्शन हैं। ग्रिगोरोविच शानदार प्रभावों पर निर्भर करता है, आत्मविश्वास से ऊर्जावान नर्तकियों के एक बड़े समूह का प्रबंधन करता है, व्यापक रूप से लोक नृत्य का उपयोग करता है, वीर भूखंडों को पसंद करता है।

कई वर्षों तक, बोल्शोई थिएटर के मंच में ग्रिगोरोविच के बैले या स्वान लेक जैसे पुराने नाटकों के उनके रूपांतरणों को लगभग विशेष रूप से दिखाया गया था। 1980 के दशक के अंत तक, बोल्शोई थिएटर से Irek Mukhamedov और Nina Ananiashvili, साथ ही थिएटर से Altynai Asylmuratova और Farukh Ruzimatov। किरोव को पश्चिम में प्रमुख बैले मंडलियों के साथ प्रदर्शन करने की अनुमति मिली, फिर इन समूहों का हिस्सा बन गए। यहां तक ​​​​कि विनोग्रादोव और ग्रिगोरोविच ने रूस के बाहर अपनी प्रतिभा दिखाने के अवसरों की तलाश शुरू कर दी, जहां 1991 में यूएसएसआर के पतन के बाद थिएटरों के लिए राज्य के वित्त पोषण में काफी कमी आई थी। 1995 में, ग्रिगोरोविच को व्लादिमीर वासिलिव द्वारा बोल्शोई बैले के निदेशक के रूप में बदल दिया गया था।
सेंट पीटर्सबर्ग में अन्य मंडली ओपेरा और बैले के माली थिएटर के बैले हैं। एमपी मुसॉर्स्की (1991 तक इसे ओपेरा और बैले का माली थिएटर कहा जाता था), सेंट पीटर्सबर्ग "बोरिस एफ़मैन बैले थिएटर", जिसका नेतृत्व कोरियोग्राफर बोरिस एफ़मैन (बी। 1946) करते हैं, लियोनिद याकोबसन द्वारा बनाई गई कोरियोग्राफ़िक लघुचित्र मंडली ( 1904-1975), जिन्होंने थिएटर में काम किया। 1942-1969 में किरोव, जिनका काम पश्चिम में प्रसिद्ध हुआ। म्यूजिकल थिएटर की मंडली इम। के.एस. स्टानिस्लावस्की और वी.आई. नेमीरोविच-डैनचेंको, शास्त्रीय बैले का रंगमंच। एवगेनी पैनफिलोव द्वारा पर्म में बनाई गई मंडली "प्रयोग" ध्यान देने योग्य है।
सोवियत संघ के पतन और आने वाले आर्थिक संकट ने बैले कंपनियों के लिए बहुत मुश्किलें खड़ी कीं, जिन्हें तब तक राज्य द्वारा उदारतापूर्वक सब्सिडी दी जाती थी। कई नर्तक और शिक्षक संयुक्त राज्य अमेरिका, इंग्लैंड, जर्मनी और अन्य पश्चिमी देशों में बसने के लिए देश छोड़कर चले गए।

आधुनिक नृत्य

आधुनिक नृत्य नृत्य कला में एक दिशा है जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में कोरियोग्राफरों की रचनात्मक स्वतंत्रता के पक्ष में बैले के सख्त मानदंडों से प्रस्थान के परिणामस्वरूप दिखाई दी।
बैले से, मुक्त नृत्य को निरस्त कर दिया गया था, जिसके रचनाकारों को एक नई नृत्य तकनीक या नृत्यकला में उतनी दिलचस्पी नहीं थी, जितनी कि नृत्य में एक विशेष दर्शन के रूप में थी जो जीवन को बदल सकती थी। यह आंदोलन, जो 20वीं शताब्दी की शुरुआत में उत्पन्न हुआ (इसाडोरा डंकन को इसका पूर्वज माना जाता है) ने आधुनिक नृत्य में कई प्रवृत्तियों के स्रोत के रूप में कार्य किया और बैले के सुधार को गति दी।

अंत में, मैं हमारी उत्कृष्ट बैलेरीना माया प्लिसेत्सकाया के शब्दों को उद्धृत करना चाहूंगा, जिसे उन्होंने अपने एक साक्षात्कार में कहा था: "मुझे लगता है कि बैले एक महान और रोमांचक भविष्य के साथ एक कला है। वह निश्चित रूप से जीवित रहेगा, तलाश करेगा, विकास करेगा। वह जरूर बदलेगा। लेकिन यह कैसे, किस दिशा में जाएगा, पूरी सटीकता के साथ भविष्यवाणी करना मुश्किल है। मालूम नहीं। मैं एक बात जानता हूं: हम सभी - कलाकार और कोरियोग्राफर - दोनों को - खुद को बख्शते हुए, बहुत कड़ी मेहनत, गंभीरता से काम करना है। लोग, कला में उनकी आस्था, रंगमंच के प्रति उनकी भक्ति चमत्कार कर सकती है। और भविष्य के बैले के ये "चमत्कार" क्या होंगे, यह जीवन स्वयं तय करेगा।"

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