एक के बजाय नीदरलैंड के दो राज्यों का गठन - हॉलैंड के उत्तर में, दक्षिण में - फ़्लैंडर्स। 16 वीं शताब्दी के नीदरलैंड्स की कलात्मक परंपराएं 17 वीं शताब्दी में फ़्लैंडर्स और हॉलैंड की कला में विकसित होती रहीं, जो पेंटिंग के फ्लेमिश और डच स्कूलों का आधार बनती हैं। देश के विभाजन का कारण सुधार आन्दोलन था। प्रोटेस्टेंटों को चर्च कला की आवश्यकता नहीं थी, वे इसे अतिश्योक्तिपूर्ण मानते थे। नीदरलैंड का नियंत्रण क्रूर स्पेनिश राजा फिलिप द्वितीय के हाथों में था, जिसने बलपूर्वक कैथोलिक चर्च की शक्ति को लागू किया। निराश होकर लोगों ने सशस्त्र विद्रोह खड़ा कर दिया। देश के उत्तर में, जहां प्रोटेस्टेंट बहुमत में थे, जीत गए, और एक नए राज्य की घोषणा की गई - संयुक्त प्रांत गणराज्य, जहां प्रमुख भूमिका हॉलैंड की थी, और जल्द ही पूरे देश को कहा जाने लगा .

नीदरलैंड के दक्षिण में, स्पेनियों ने जीत हासिल की। फिलिप द्वितीय ने इन क्षेत्रों को अपनी प्यारी बेटी इन्फेंटा इसाबेला को दे दिया। राज्य को फ़्लैंडर्स कहा जाने लगा, यह उस समय के स्पेन पर पूरी तरह से निर्भर था। देश के सार्वजनिक जीवन में अभिजात वर्ग और धनी देशभक्त, चर्च की भूमिका का संरक्षण। 17 वीं शताब्दी में बारोक फ़्लैंडर्स की दृश्य कलाओं में प्रमुख प्रवृत्ति बन गई। उसी समय, फ्लेमिश पेंटिंग की विशिष्ट विशेषताएं दिखाई दीं - उज्ज्वल उत्साह, यथार्थवाद, राष्ट्रीयता, छवियों का पवित्र उत्सव।

फ्लेमिश पेंटिंग के सबसे बड़े मास्टर पीटर पॉल रूबेन्स थे, जिन्हें फ़्लैंडर्स के शासक स्पैनिश इन्फेंटा इसाबेला ने खुद संरक्षण दिया था।

पीटर पॉल रूबेन्स(1577-1640) - मानवतावादी, कलाकार, राजनयिक, फ्लेमिश पेंटिंग के प्रमुख और यूरोप में 17वीं शताब्दी के सबसे बड़े मास्टर। उनका जन्म जर्मनी में हुआ था, क्योंकि उनके प्रोटेस्टेंट पिता विदेश में स्पेनियों के उत्पीड़न से परिवार लाए थे, जहां उन्होंने कई कठिनाइयों का अनुभव किया था। अपने पिता की मृत्यु के बाद, इसके लिए कैथोलिक धर्म में परिवर्तित होने के बाद, अपनी मातृभूमि फ़्लैंडर्स में घर लौटने का निर्णय लिया गया।

रुचियों की एक विस्तृत श्रृंखला और कलाकार के चित्रों के विविध विषय। रोम में सांता मारिया वैलिसेला के चर्च के लिए वेदी पेंटिंग (1608): "मैडोना एंड चाइल्ड विद सेंट ग्रेगरी द ग्रेट एंड सेंट्स" 1606-07, कैनवास पर तेल, 477 x 288 सेमी (1)

धार्मिक चित्र: त्रिपिटक "राइज़िंग द क्रॉस" 1610-1611 (2) - युवा कलाकार के लिए प्रसिद्धि लाया। "मैगी की आराधना" (1625)।

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सजावटी मेहराबों के रेखाचित्रों की एक श्रृंखला। पौराणिक चित्र: "बच्चनलिया" (1615), "पर्सियस एंड एंड्रोमेडा" 1620-1621 (1)। शिकार के दृश्यों वाली पेंटिंग: "शेरों का शिकार" 1621 (2), आदि।

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रूबेन्स की प्रसिद्धि ने फ़्लैंडर्स की सीमाओं को पार कर लिया, फ्रांसीसी रानी मैरी डे मेडिसी ने उन्हें 24 बड़े चित्रों का एक चक्र बनाने के लिए पेरिस में आमंत्रित किया, जिसमें दिवंगत राजा हेनरी चतुर्थ, उनके पति और खुद मैरी डे मेडिसी के जीवन और शासन के एपिसोड थे। . अनुबंध की शर्तों के तहत "मैरी डे मेडिसी और हेनरी चतुर्थ का इतिहास" (1622-1625) के सभी चित्रों को दो साल में अकेले रूबेंस के हाथ से लिखा जाना था। आदेश भव्य था और रूबेन्स के जीवन में सबसे कठिन था। इसके अलावा, मारिया मेडिसी सुंदरता से नहीं चमकती थी और एक झगड़ालू चरित्र से प्रतिष्ठित थी और अपने ही बेटे लुई XIII के खिलाफ सत्ता के संघर्ष में साज़िशों का निर्माण किया। चित्रों का चक्र समय पर पूरा हुआ। मैरी डे मेडिसी बहुत खुश थीं। उनमें से प्रत्येक पर, वास्तविक नायकों के अलावा, कई पात्र हैं व्यंजनापूर्ण, जो कुछ सद्गुणों और गुणों को व्यक्त करते हैं। "हेनरी चतुर्थ को एक चित्र प्रस्तुत करना" (1) में, केवल राजा स्वयं एक वास्तविक व्यक्ति है, वह अपनी दुल्हन से एक चित्र से मिलता है (शाही पति-पत्नी की शादी से पहले व्यक्तिगत परिचित स्वीकार नहीं किया गया था), और ज़ीउस और हेरा बैठे थे बादल एक मजबूत पारिवारिक मिलन का रूपक हैं, हाइमन, एक चित्र लाते हैं - जो विवाहित हैं, उनके विवाह बंधन का एक रूपक; कामदेव, प्रेम के देवता, दुल्हन के दृश्यमान गुणों की ओर इशारा करते हैं, और एक सैन्य हेलमेट (फ्रांस का एक रूपक) में एक महिला आकृति उसके कान में अनुमोदन के शब्दों को फुसफुसाती है। "मैरी मेडिसी का राज्याभिषेक" (2)

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रूबेंस द्वारा चित्र: "इसाबेला ब्रांट के साथ स्व-चित्र" - कलाकार की पहली पत्नी, जो बाद में अपनी बेटी के साथ प्लेग से मर गई। रेबेंस ने इस नुकसान को बहुत मुश्किल से अनुभव किया (1) कई सालों तक वह पेंट नहीं कर सका, और यहां तक ​​कि एंटवर्प में भी रहा, जहां सब कुछ उसे अपने प्यारे परिवार की याद दिलाता था। लेकिन इन वर्षों में रूबेंस की कूटनीतिक गतिविधि का उत्कर्ष देखा गया। एक राजनयिक के रूप में, उन्होंने हॉलैंड और स्पेन का दौरा किया, शानदार ढंग से अंग्रेजी राजा चार्ल्स प्रथम के साथ बातचीत की।

"ड्यूक ऑफ लेर्मा का पोर्ट्रेट" 1603 (2), "चैम्बरमिड आर्कड्यूचेस इसाबेला का पोर्ट्रेट" 1625 (3), "बच्चों के साथ एलेना फोरमैन का पोर्ट्रेट" - दूसरी पत्नी जिसने कलाकार को जीवन का आनंद लौटाया, 1636- 1638 (4)

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रुबेन्स एक धनी कलाकार थे, जिन्हें उनके जीवनकाल में सफलता मिली। उन्होंने एंटवर्प के आसपास के क्षेत्र में हासिल किए गए स्टेन महल में अपने आखिरी साल बिताए, वहां सेवानिवृत्त हुए और चित्रों को बेचने की कोशिश न करते हुए परिदृश्य और किसान दृश्यों को चित्रित किया। शैली की पेंटिंग: "विलेज हॉलिडे" - "केर्मेसा" 1630 (1), "किसान नृत्य" 1636-1640 (2) ..

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रूबेन्स के काम में मनुष्य और प्रकृति। उन्होंने यथार्थवादी परिदृश्य चित्रित करना शुरू किया। उनमें से एक परिदृश्य था: "पत्थर के वाहक" 1620 (1)। व्यापक रूप से उनके "लैंडस्केप विथ ए रेनबो" 1630 (2) के लिए जाना जाता है।

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रूबेन्स की ग्राफिक विरासत, कार्डबोर्ड टेपेस्ट्री। रूबेन्स के छात्र भी सफल रहे, वे प्रसिद्ध कलाकार बन गए। 17 वीं शताब्दी की फ्लेमिश कला के बड़े नाम: एंटोनिस्वाड डाइक, जैकब जोर्डेन्स और फ्रैंस स्नाइडर्स - ये सभी रूबेन्स कार्यशाला से बाहर आए।

17वीं शताब्दी में फ्लेमिश कला के विकास में रूबेन्स कार्यशाला का केंद्रीय महत्व।

एंटोनिसवन डाइक(1599-1641) - एक नए पैन-यूरोपीय प्रकार के प्रतिनिधि कुलीन चित्र के निर्माता। कलाकार के काम में इतालवी, एंटवर्प, अंग्रेजी काल। धार्मिक चित्र: "सेंट। मार्टिन" (1620-1621)। पोर्ट्रेट्स: "सेल्फ-पोर्ट्रेट" 1620-1630 - वर्ष (1), "फैमिली पोर्ट्रेट" 1621 (2), "पोर्ट्रेट ऑफ़ द मार्कीज़ ब्रिग्नोला-सेल" 1622-1627, "आर्चड्यूचेस इसाबेला का पोर्ट्रेट" 1628, "पोर्ट्रेट ऑफ़ द मार्कीज़ ब्रिग्नोला-सेल" चार्ल्स I ऑन द हंट" 1635 (3), "पोर्ट्रेट ऑफ़ जॉर्ज डिग्बी एंड विलियम रसेल" 1637(4)।

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17वीं शताब्दी की शुरुआत में, राष्ट्रीय मुक्ति क्रांति के बाद, नीदरलैंड, जो स्पेन के शासन के अधीन था, दो भागों में विभाजित हो गया। उत्तरी भाग - स्वयं नीदरलैंड, जिसे हॉलैंड के नाम से भी जाना जाता है - ने स्वतंत्रता प्राप्त की, प्रोटेस्टेंटवाद वहाँ जीता। नीदरलैंड अभी भी सुरक्षित रूप से मौजूद है। दक्षिणी भाग, जिसे कभी फ़्लैंडर्स कहा जाता था, स्पेन के शासन के अधीन रहा। यह आधिकारिक तौर पर कैथोलिक नीदरलैंड के रूप में जाना जाने लगा। देश में कैथोलिक धर्म को जबरन संरक्षित किया गया था। फ़्लैंडर्स आधुनिक बेल्जियम के क्षेत्र में स्थित था, जो इसके उत्तर-पश्चिमी भाग पर कब्जा कर रहा था।

यह वह देश है जिसमें उन्होंने काम किया। रूबेन्स को उस समय कलाकारों का राजा और राजाओं का कलाकार कहा जाता था। मास्टर को भारी मात्रा में आदेश प्राप्त हुए, क्योंकि सभी यूरोपीय राजाओं ने शाब्दिक रूप से प्रतिस्पर्धा की कि संग्रह में रूबेन्स द्वारा अधिक पेंटिंग किसके पास होगी। नतीजतन, शानदार मास्टर ने चित्रों के उत्पादन के लिए एक कंपनी की तरह कुछ का आयोजन किया। उन्होंने एक रेखाचित्र बनाया, मुख्य रचना को रेखांकित किया। इसके अलावा, उनके सहायक, जिनमें चित्रकार चित्रकार, परिदृश्य चित्रकार, पशु चित्रकार, अभी भी जीवन चित्रकार थे, ने एक साथ एक चित्र चित्रित किया। फिर रुबेन्स अपने ब्रश के साथ शीर्ष पर चले गए, चित्र की एकता की एक निश्चित भावना पैदा की, अपना हस्ताक्षर किया और कैनवास को एक प्रभावशाली राशि के लिए किसी राजा को बेच दिया गया, पैसा एक कार्यशाला में विभाजित हो गया और सभी जीत गए . और अगर आप रुबेन्स की एक दीवार के आकार के लगभग आधे आकार की एक पेंटिंग देखते हैं, तो वह उस तरह से लिखी गई थी।

एक और बात यह है कि, निश्चित रूप से, उन्होंने अपने दम पर चित्र बनाए। पुश्किन संग्रहालय अपने संग्रह में प्रसिद्ध मास्टर द्वारा कई मूल चित्रों के लिए भाग्यशाली था। सभी बहाली और रेडियोग्राफिक दस्तावेज़ इस बात की पुष्टि करते हैं कि कैनवास को शुरू से अंत तक रूबेंस ने खुद चित्रित किया था।

लेखक ने भगवान Bacchus के उत्सव से जुड़े एक कथानक का चित्रण किया - जंगल के व्यंग्य, बकरी के पैर वाली आत्माएं, जो Bacchus के रेटिन्यू का हिस्सा थीं। सिलीनस सहित हर कोई खुशी के नशे में है। वास्तव में, यह तस्वीर पूरी तरह से अलग विषय को समर्पित है। यह उर्वरता, पृथ्वी की शक्ति, प्रकृति की शक्ति का विषय है। हम सोते हुए व्यंग्य देखते हैं, फिर आंख रचना के ऊपरी दाएं कोने में जाग्रत व्यंग्य की ओर जाती है, फिर व्यंग्य की ओर, जो अपनी गतिविधि के चरम पर है, और अंत में, सिलीनस सोते हुए। परिणाम ऋतुओं का एक चक्र है - सर्दी, वसंत, ग्रीष्म और शरद ऋतु। रचना एक एकल अंडाकार में फिट होती है और यह सब अग्रभूमि में शानदार रूपों द्वारा जोर दिया जाता है - गर्भवती व्यंग्य, अंगूर। यानी हम पृथ्वी की उर्वरता के बारे में बात कर रहे हैं, सर्दियों के बाद प्रकृति के शाश्वत पुनरुत्थान के बारे में। यह, अधिकांश शोधकर्ताओं के अनुसार, इस चित्र का विषय है।

रूबेन्स का एक और वास्तविक काम द एपोथोसिस ऑफ द इन्फेंटा इसाबेला है।

यह एक विजयी गेट के लिए एक स्केच है। जब फ़्लैंडर्स के गवर्नर, इन्फैंट फर्डिनेंड, स्पेन से आते हैं, लकड़ी के, शायद प्लाईवुड के गेट भी शासक की गंभीर बैठक के लिए स्थापित किए जाते हैं और पत्थर की तरह चित्रित किए जाते हैं। नया शासक ऐसे विजयी द्वारों से शहर में प्रवेश करता है। यह परंपरा पूरे नए समय में अस्तित्व में थी, कम से कम XVII-XVIII सदियों में, विजयी द्वार अक्सर स्थापित किए गए थे।

ट्रम्पल गेट बनाते समय, रूबेन्स ने प्रशिक्षुओं के साथ काम किया, वास्तव में चित्रकारों के साथ। कलाकार को उन्हें यह दिखाना था कि इन द्वारों को कैसे रंगा जाता है। देखिए, स्तंभों में से एक लगभग बिना रंग का है। इसके बाद, उसने थोड़ी और छाया लगाई, फिर और, और अंत में अंतिम संस्करण पूरा किया। दाईं ओर, एक बमुश्किल उल्लिखित छाया भी दिखाई देती है, फिर एक छाया मोटी हो जाती है, और अंत में, समाप्त संस्करण।

वास्तव में, मास्टर ने अपने सहायकों को काम के विभिन्न चरण दिखाए, उन्होंने ट्रम्पल गेट की स्थापना के लिए कुछ दृश्य निर्देश बनाए।

रूबेन्स ने अपनी कार्यशाला में केंद्रीय छवि को चित्रित किया। स्केच में, चित्रकार ने मृतक इन्फेंटा इसाबेला की विजय को दर्शाया। उसे बादलों में चित्रित किया गया है। उसके बगल में तीन बच्चों वाली एक महिला है, यह दया का प्रतीक है, इस बात का प्रतीक है कि इसाबेला फ़्लैंडर्स की दयालु शासक थी। फ़्लैंडर्स - उसके घुटनों पर एक महिला उसे प्रार्थना में संबोधित करती है, और वह उनका जवाब देती है, फर्डिनेंड की ओर इशारा करती है और कहती है: "यहाँ आपका नया वायसराय है।"

दाईं ओर आप देख सकते हैं कि कैसे स्पेनिश राजा फ़्लैंडर्स को एक नया वायसराय भेजता है। "वह मेरे जैसा ही दयालु और दयालु शासक होगा" - इसाबेला के इशारे में यह विचार पढ़ा जाता है। फर्डिनेंड के इस चित्रण की प्रशंसा की गई, चापलूसी की गई और संकेत दिया गया कि उससे क्या उम्मीद की जा रही थी। द्वार अद्भुत थे। यह रूपक ड्यूक को दिखाने वाला था कि वह फ़्लैंडर्स के लिए किस प्रकार का शासक होगा।

रूबेन्स की कार्यशाला में उन्होंने काम किया और। रूबेंस वर्कशॉप के नाम से काम किया, फिर अपने नाम से। रूबेन्स की मृत्यु के बाद, जैकब जोर्डेन्स पेंटिंग के फ्लेमिश स्कूल के प्रमुख बने। संग्रहालय के संग्रह में जॉर्डन के कई कार्य हैं।

- एक प्राचीन किंवदंती की एक छवि, ईसप की कथा, कैसे एक शीतकालीन सतीर वहाँ रहने वाले किसानों से परिचित होने के लिए एक पड़ोसी गाँव में गया। सर्दियों में, ग्रीस के पहाड़ों में काफी ठंड होती है, किसान जम जाता है और अपने हाथों को गर्म करने के लिए उन पर फूंक मारता है। व्यंग्यकार ने पूछा, "तुम अपने हाथों पर क्यों फूंक मार रहे हो?" किसान ने समझाया कि इस तरह वह अपने हाथ गर्म करता है। तब किसान ने सतीर को साधारण खाने के लिए घर पर आमंत्रित किया। स्टू गर्म निकला और किसान उस पर फूंक मारने लगा। तब सतीर ने पूछा: "अब तुम स्टू पर क्यों उड़ रहे हो, तुम इसे और भी कहाँ गर्म कर सकते हो, क्या यह पहले से ही गर्म है?" किसान हैरान था और बोला: "अब मैं इसे ठंडा करने के लिए फूंक मारता हूं।" और सतीर ने फैसला किया कि चूंकि ठंड और गर्मी दोनों एक व्यक्ति के मुंह से आ सकते हैं, तो एक व्यक्ति अविश्वसनीय रूप से दो-मुंह वाला प्राणी है, यह उसके साथ दोस्ती करने के लायक नहीं है, और इससे पहले कि बहुत देर हो जाए वह जंगल में घर चला गया।

यहाँ हम इतिहास के उस पल को देखते हैं जब सतीर, अविश्वसनीय रूप से शर्मिंदा होकर, अपने दिमाग को उड़ा देने वाले निष्कर्ष निकालता है, और किसान बहुत स्पष्ट रूप से प्रतिक्रिया करते हैं। आदमी आश्चर्य में स्टू पर घुट गया, उसकी पत्नी ने कहा: "आप किस बारे में बात कर रहे हैं!"। बच्चे ने आश्चर्य से अपना मुँह खोला। पड़ोसी हंसता है, और पड़ोसी उसे अपने जीवन के अनुभव की ऊंचाई से विडंबना से देखता है।

सामान्य तौर पर, दृश्य अविश्वसनीय रूप से यथार्थवादी दिखता है। जॉर्डन प्राचीन पौराणिक चरित्रों को आधुनिक कपड़ों में पहनाता है और वास्तव में, 17 वीं शताब्दी के फ्लेमिश किसानों के सतीर की यात्रा को दर्शाता है। कलाकार इस दृश्य को और अधिक जीवंत बनाने के लिए ऐसा करता है, ताकि दर्शक और भी अधिक प्रभावित हो और इस कहानी की भावना से प्रभावित हो, ताकि दर्शक और अधिक प्रभावित हो सके।

इस हॉल में कलाकारों की कृतियों को भी प्रस्तुत किया जाता है। एक मास्टर हैं जिन्होंने रूबेन्स की कार्यशाला में भी काम किया था और वे एक स्थिर जीवन चित्रकार थे। संग्रहालय में खेल और सभी प्रकार की मछलियों - "मछली की दुकान" का चित्रण करने वाले शानदार अभी भी जीवित हैं।

ये फ्लेमिश अभी भी बहुतायत, स्वाद की बात करते हैं। हमारे लिए, वे थोड़े क्रूर लग सकते हैं, लेकिन उस समय के लोगों के लिए यह बहुतायत की एक आनंदमय तस्वीर थी।

संग्रह में कलाकार के कैनवस हैं, उनके संग्रह में कार्डिनल पल्लविकिनी का एक चित्र था, जिसका श्रेय टिटियन को दिया जाता है। सबसे पहले, उन्होंने रूबेन्स की कार्यशाला में काम किया और फिर इंग्लैंड चले गए। कुछ आदेशों को पूरा करने के लिए मास्टर थोड़े समय के लिए वहां गए, और फिर स्थायी रूप से चले गए और विरोधाभासी रूप से, जैसा कि लगता है, पेंटिंग के अंग्रेजी स्कूल के संस्थापकों में से एक बन गया।

एक उत्कृष्ट चित्रकार, औपचारिक चित्र के संस्थापक। प्रदर्शनी में स्टीवंस का एक चित्र, एक फ्लेमिश बुर्जुआ, व्यापारी और उनकी पत्नी का चित्र है। इन्हें संयमित तरीके से किया जाता है।

पेंटिंग का फ्लेमिश स्कूल। पी। रूबेन्स के काम में धार्मिक और पौराणिक विषय। प्रकृति और मनुष्य के धन के लिए एक भजन - अभी भी Fr. स्नाइडर्स। ए वैन डाइक द्वारा औपचारिक चित्र।

17वीं शताब्दी की फ्लेमिश कला

17वीं शताब्दी में डच कला को दो भागों में विभाजित किया गया था - फ्लेमिश और डच - दो भागों में क्रांति के परिणामस्वरूप नीदरलैंड के विभाजन के संबंध में। फ़्लैंडर्स में, सामंती बड़प्पन और उच्च बर्गर, साथ ही कैथोलिक चर्च ने देश के जीवन में एक प्रमुख भूमिका निभाई और कला के मुख्य ग्राहक थे। पवित्र शास्त्रों के भूखंड, प्राचीन पौराणिक दृश्य, प्रतिष्ठित ग्राहकों के चित्र, शिकार के दृश्य, विशाल अभी भी जीवन 17 वीं शताब्दी की फ़्लैंडर्स कला की मुख्य शैलियाँ हैं। यह उचित डच परंपराओं के साथ स्पेनिश और इतालवी पुनर्जागरण दोनों की मिश्रित विशेषताएं हैं। और परिणामस्वरूप, फ्लेमिश बैरोक कला विकसित हुई, राष्ट्रीय स्तर पर हंसमुख, भावनात्मक रूप से उत्साहित, भौतिक रूप से कामुक, अपने प्रचुर रूपों में शानदार। फ्लेमिश बैरोक ने वास्तुकला में स्वयं के बहुत कम सबूत दिखाए।

XVII सदी की फ्लेमिश कला का केंद्रीय आंकड़ा। पीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640) थे। रूबेन्स की प्रतिभा की बहुमुखी प्रतिभा, उनकी अद्भुत रचनात्मक उत्पादकता उन्हें पुनर्जागरण के स्वामी से संबंधित बनाती है।

कलाकार, जो रोजमर्रा की चेतना में मांस के लगभग बुतपरस्त भगदड़ के गायक के साथ जुड़ा हुआ है, अपने समय के सबसे बुद्धिमान और शिक्षित लोगों में से एक था। इटली में, उन्होंने अध्ययन किया और जीवन भर प्राचीनता से प्यार करते रहे।

उनकी मातृभूमि में पहला प्रमुख काम प्रसिद्ध एंटवर्प कैथेड्रल के लिए वेदी के टुकड़े थे: "एक्साल्टेशन ऑफ द क्रॉस" (1610-1611) और "डिसेंट फ्रॉम द क्रॉस" (1611-1614), जिसमें रूबेन्स ने क्लासिक प्रकार की वेदी का निर्माण किया। 17 वीं शताब्दी।

यह महानता को जोड़ती है (इसके लिए पेंटिंग है, जो बड़ी संख्या में लोगों के मूड को व्यक्त करती है, कुछ बहुत महत्वपूर्ण विचार जो वे समझते हैं) और सजावट।

रूबेंस की कला बैरोक शैली की एक विशिष्ट अभिव्यक्ति है, जो उनके कार्यों में अपनी राष्ट्रीय विशेषताओं को प्राप्त करती है। एक विशाल जीवन-पुष्टि की शुरुआत, तर्कसंगतता पर भावना की प्रबलता रूबेंस के सबसे नाटकीय कार्यों की भी विशेषता है। उनमें रहस्यवाद, जर्मन और यहां तक ​​​​कि इतालवी बारोक में निहित अतिशयोक्ति का पूरी तरह से अभाव है। रूबेन्स राष्ट्रीय प्रकार की सुंदरता का महिमामंडन करते हैं। वर्जिन मैरी, मैग्डलीन की तरह, शानदार रूपों के साथ एक निष्पक्ष बालों वाली, नीली आंखों वाली ब्राबंट के रूप में दिखाई देती है। क्राइस्ट क्रूस पर भी एक एथलीट की तरह दिखते हैं। सेबस्टियन बाणों की बौछार के नीचे ताकत से भरा रहता है।

रूबेन्स की पेंटिंग तीव्र गति से भरी हैं। आमतौर पर, गतिकी को बढ़ाने के लिए, वह एक निश्चित रचना का सहारा लेता है, जहाँ विकर्ण दिशा प्रबल होती है। तांडव, जिसमें आप नशे की मिठास दिखा सकते हैं, शेरों का शिकार, उनकी ऊर्जा, तेजी और अनर्गल ताकत के साथ - वह सब कुछ जो होने की खुशी को व्यक्त करने का कारण देता है, जीवन का गान गाता है, विशेष रूप से कलाकार को आकर्षित करता है।

1623-1625 में। रूबेन्स को लक्समबर्ग पैलेस को सजाने के लिए हेनरी चतुर्थ की विधवा फ्रांसीसी रानी मैरी डे मेडिसी से 21 चित्रों के एक चक्र के लिए एक कमीशन प्राप्त होता है। मैरी डे मेडिसी के जीवन के दृश्यों को पूर्ण अर्थों में ऐतिहासिक चित्र नहीं कहा जा सकता है, उनमें ऐतिहासिक चेहरे प्राचीन देवताओं के साथ सह-अस्तित्व में हैं, वास्तविक घटनाएं रूपक के साथ सह-अस्तित्व में हैं।

विनीज़ चित्र ("फर कोट", 1638) में, कलाकार की पत्नी, ऐलेना फोरमैन, नग्न दिखाई देती है, एक लाल कालीन पर खड़ी होती है, जिसके कंधों पर एक फर कोट फेंका जाता है।

चित्र बेहतरीन रंग की बारीकियों पर बनाया गया है, त्वचा की मखमली के साथ मोटे भूरे रंग के फर के विपरीत, बालों को हल्के ढंग से हवा के साथ, चमकती आँखों की नमी के साथ बनाया गया है। स्त्री का शरीर अद्भुत यथार्थवादी शक्ति से रंगा हुआ है, ऐसा लगता है कि आप अपनी रगों में दौड़ते हुए रक्त को महसूस करते हैं।

अपने जीवन के इस अंतिम दशक में, रूबेन्स अपने लिए अधिक लिखते हैं, विषयों की अपनी पसंद से निर्देशित होते हैं, लेकिन कमीशन पर कई काम भी करते हैं। वह चित्रों को चित्रित करता है यह एक औपचारिक बारोक चित्र है, जिसमें भव्यता को मॉडल की मुद्रा, और पोशाक, और सभी प्रकार के सामान द्वारा व्यक्त किया जाता है। अंतिम स्व-चित्र में (1638-1639)

रूबेंस, हालांकि, खुद को एक सूक्ष्म मनोवैज्ञानिक दिखाने में कामयाब रहे।

रूबेन्स प्रकृति के जीवन को भी संबोधित करते हैं।

पिछले दशक में, रूबेन्स के चित्रकला कौशल को विशेष गुणों और अत्यधिक चौड़ाई से अलग किया गया है। रंग अधिक मोनोक्रोम, अधिक सामान्यीकृत हो जाता है, पूर्व बहुरंगा खो जाता है ("बतशेबा", 1635; "युद्ध के परिणाम", 1638)।

रूबेंस का ऐतिहासिक महत्व यह है कि उन्होंने फ्लेमिश स्कूल के विकास को निर्धारित किया, जिसका पश्चिमी यूरोपीय कला के बाद के विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा।

रूबेंस के सभी छात्रों में सबसे प्रसिद्ध, जिन्होंने थोड़े समय के लिए उनके साथ अध्ययन किया, लेकिन जल्द ही उनकी कार्यशाला में पहले सहायक बन गए, एंथनी वैन डाइक (1599-1641) थे। उनके चित्रों और स्व-चित्रों में, मॉडल के अभिजात वर्ग, उसकी नाजुकता और परिष्कार पर हमेशा जोर दिया जाता है। अपने काम में, पौराणिक और ईसाई विषय एक बड़े स्थान पर कब्जा कर लेते हैं, जिसे वह अपने विशिष्ट गीतवाद या दुख की बात के साथ व्याख्या करता है। लेकिन वैन डाइक की मुख्य शैली चित्र है। पहले, एंटवर्प काल (10 के दशक के अंत - 20 के दशक की शुरुआत) में, जैसा कि उनके काम के इस समय को कहा जाता है, वे अमीर बर्गर या अपने कला साथियों को चित्रित करते हैं, सूक्ष्म मनोविज्ञान के साथ कड़ाई से यथार्थवादी तरीके से लिखते हैं। लेकिन इटली पहुंचने पर, इस प्रकार का चित्र दूसरे को रास्ता देता है। वैन डाइक कई आदेश प्राप्त करता है और एक औपचारिक, प्रतिनिधि चित्र बनाता है, जो मुख्य रूप से मॉडल की वर्ग संबद्धता को व्यक्त करता है। किंग चार्ल्स I (1632) की सेवा के लिए कलाकार इंग्लैंड के लिए रवाना हुआ। इंग्लैंड के लिए, वैन डाइक चित्र कला के एक महान स्कूल के संस्थापक थे, जो 18वीं शताब्दी में एक असाधारण फूल तक पहुंच गया था। लेकिन महाद्वीप के स्कूलों के लिए, औपचारिक चित्र के मास्टर के रूप में वैन डाइक का बहुत महत्व था।

रूबेंस की मृत्यु के बाद फ्लेमिश स्कूल के अनुयायी और प्रमुख फ्लैंडर्स XVII के सबसे महान कलाकार जैकब जॉर्डन (1593-1678) थे। उनकी पसंदीदा शैली घरेलू है। यह राष्ट्रीय "बीन राजा का पर्व" है।

कलाकार किसान परिवेश में, भीड़ में अपनी छवियों की तलाश कर रहा था। एक अन्य सामान्य कथानक में - "एक व्यंग्य एक किसान का दौरा"

(ईसपियन कथा के विषय पर; इस चित्र के संस्करण कई यूरोपीय संग्रहालयों में उपलब्ध हैं) प्राचीन किंवदंती राष्ट्रीय फ्लेमिश विशेषताओं को प्राप्त करती है। जॉर्डन की पेंटिंग रसदार, मुक्त, बहुतायत से शक्तिशाली है, जो कलाकार की महान सजावटी संभावनाओं को दर्शाती है।

XVII सदी की फ्लेमिश कला में एक विशेष शैली। एक स्थिर जीवन था, जिसके प्रसिद्ध गुरु फ्रैंस स्नाइडर्स (1579-1657) थे। उनके चित्रों में, पृथ्वी और पानी के सुंदर चित्रित उपहार टेबल पर ढेर में पड़े हैं: मछली, मांस, फल, मृत खेल।

असाधारण रूप से प्रतिभाशाली कलाकार एड्रियन ब्रोवर (ब्रूवर, 1601-1638) द्वारा फ़्लैंडर्स की कला में शैली चित्रकला का प्रतिनिधित्व किया जाता है। कई वर्षों तक हॉलैंड में रहने के बाद, ब्रोवर ने रोजमर्रा के विषयों पर छोटे आकार के चित्र बनाए।

फ़्लैंडर्स की कला प्रमुख प्रवृत्ति बैरोक है।
फ्लेमिश बैरोक से काफी अलग है
इतालवी: बारोक फॉर्म भरे जाते हैं
बुदबुदाती जिंदगी और रंगीन दौलत का अहसास
शांति, विकास की ताकत की सहजता की भावना
आदमी और प्रकृति।
कलात्मक संस्कृति का आधार यथार्थवाद है,
राष्ट्रीयता, उज्ज्वल उत्साह,
गंभीरता।
पेंटिंग में, एक शक्तिशाली
सजावटवाद रंगीन पर आधारित है
प्रभाव

चित्रकारी

पीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640)

फ्लेमिश स्कूल के प्रमुख
चित्रकारी।
रूपों, शक्ति की गतिशीलता
प्लास्टिक कल्पना,
सजावटी शुरुआत की विजय -
रूबेन्स की रचनात्मकता का आधार।
अपने कैनवस में अथक
प्राचीन काल के नायक रहते हैं
मिथक, ईसाई किंवदंतियाँ,
ऐतिहासिक आंकड़े और लोग
लोग।
पीपी रूबेंस सेल्फ-पोर्ट्रेट, 1638

"क्रॉस का उत्थान" सी। 1610-1611

"क्रॉस से उतरना" 1611-1614

"बचनालिया" 1615-1620

"ल्यूसिपस की बेटी का अपहरण" बोअर हंट "1619-1620। 1615-1620

"बेटी का अपहरण"
ल्यूसिप्पे"
1619-1620
"सूअर का शिकार"
1615-1620

"पर्सियस और एंड्रोमेडा" 1620-1621

चक्र "मैरी डे मेडिसी का जीवन" (1622-1625)

20 साल की उम्र में रूबेंस बनाता है
20 बड़ी रचनाएँ
विषय पर
"मैरी मेडिसी का जीवन"
किस्मत
सजावट के लिए
लक्ज़मबर्ग पैलेस।
यह इस प्रकार का है
सुरम्य स्तोत्र
शासक के सम्मान में
फ्रांस
"मैरी मेडिसी का जन्म"
"चित्र प्रस्तुति"

"प्रॉक्सी द्वारा शादी"
"मैरी डे मेडिसी का आगमन
मार्सिले"
"ल्योन में बैठक"

"मैरी मेडिसी का राज्याभिषेक"

"नौकरानी का चित्र" बेटी "इन्फंटा इसाबेला" का चित्र,

"एक नौकरानी का चित्र
इन्फेंटा इसाबेला,
ठीक है। 1625
"एक बेटी का चित्र"
1616

"किसान नृत्य" 1636-1640

एंथोनी वैन डाइक (1599-1641)

12 साल की उम्र से रूबेंस का छात्र।
एक प्रकार का चमकदार बनाया
कुलीन चित्र,
परिष्कृत छवि,
बौद्धिक, कुलीन
व्यक्ति। हीरोज वैन डाइक - लोग
नाजुक विशेषताओं के साथ,
उदासी से सराबोर,
दिवास्वप्न। वे कृपालु हैं
शिक्षित, शांत से भरा हुआ
आत्मविश्वास।
ए। वैन डाइक सेल्फ-पोर्ट्रेट, 1622-1623

“Family Portrait”, “Portrait of vvvvvvvvvvvvvvvvvvvvvvvv Maria Louise de Tasgis” 1618-1626 1630

"पोर्ट्रेट ऑफ़ ए मैन", "पोर्ट्रेट ऑफ़ चार्ल्स I" 1620 ठीक है। 1635

"एक आदमी का चित्र"
1620
"चार्ल्स प्रथम का चित्र"
ठीक है। 1635

जैकब जॉर्डन (1593-1678)

कला करीब
लोकतांत्रिक हलकों
फ्लेमिश समाज,
हर्षित, भरा हुआ
सर्वसाधारण अशिष्टता और बल।
उन्होंने वेदीपीठियों, चित्रों को चित्रित किया
पौराणिक विषयों पर।
मैंने चित्रों के नायकों को घने में पाया
भीड़, गाँवों में,
शिल्प क्वार्टर।
बड़े, अनाड़ी आंकड़े
अजीबोगरीब आदतें और रीति-रिवाज
आम आदमी।
जे। जॉर्डन का सेल्फ-पोर्ट्रेट, 1640

व्यंग्य एक किसान का दौरा, सी। 1620

"बीन किंग का पर्व" सीए। 1638

रूबेंस फ्रैंस स्नाइडर्स (1579-1657)

स्मारकीय सजावटी अभी भी जीवन के प्रमुख स्वामी
उनका अभी भी जीवन बहुतायत है
विभिन्न भोजन: रसीले फल,
सब्जियां, मृत मुर्गे, हिरण, जंगली सूअर,
समुद्र और नदी की मछली
मेजों पर ढेर
पेंट्री और दुकानें, से लटक रही हैं
फर्श पर ओक काउंटर,
दीवारों को लटकाओ।
चमकीले विपरीत रंग
अतिशयोक्ति देता है
असाधारण शक्ति की वस्तुएं,
बेचैन रेखाएँ प्रजनन करती हैं
गतिशील तूफानी ताल।
ए वैन डाइक, एक चित्र का विवरण
फ्रैंस स्नाइडर्स अपनी पत्नी के साथ

यू.डी. कोल्पिंस्की (रूबेंस पर परिचय और अनुभाग); टी.पी. कपटेरेवा

फ़्लैंडर्स में नीदरलैंड्स का विभाजन ( 17वीं शताब्दी से फ़्लैंडर्स का अर्थ न केवल फ़्लैंडर्स उचित, दक्षिणी नीदरलैंड का सबसे समृद्ध क्षेत्र है, बल्कि पूरे दक्षिणी नीदरलैंड का है।) और हॉलैंड डच बुर्जुआ क्रांति के विकास के कारण था। फ़्लैंडर्स के सामंती बड़प्पन ने, स्थानीय बड़े बुर्जुआ वर्ग के साथ, लोकप्रिय क्रांतिकारी आंदोलन के दायरे से भयभीत होकर, स्पेनिश हैब्सबर्ग के साथ समझौता किया और क्रांति को धोखा दिया। 1579 का अरास संघ इस समझौते की अभिव्यक्ति था; इसने दक्षिणी प्रांतों पर स्पेनिश राजशाही का संरक्षण हासिल कर लिया। फ़्लैंडर्स के बड़प्पन और कैथोलिक पादरियों ने स्पेनिश गवर्नरों के आसपास समूह बनाया। राष्ट्रीय हितों के साथ विश्वासघात करने की कीमत पर, बड़प्पन अपने कई वर्ग विशेषाधिकारों को बनाए रखने में कामयाब रहा, और फ्लेमिश बड़े पूंजीपति, भूमि खरीदकर और बड़प्पन की उपाधि प्राप्त करते हुए, स्वयं एक प्रकार का भूस्वामी अभिजात वर्ग बन गया। कैथोलिक धर्म ने देश में अपना प्रमुख स्थान बनाए रखा।

बुर्जुआ संबंधों का विकास, अगर पूरी तरह से निलंबित नहीं हुआ है, फिर भी काफी धीमा हो गया है। कई महत्वपूर्ण उद्योगों को काफी नुकसान हुआ। फ़्लैंडर्स का सबसे बड़ा शहर, एंटवर्प, 1576 में स्पेनिश सैनिकों द्वारा अपनी हार के बाद, विश्व व्यापार और मुद्रा बाजार के केंद्र के रूप में अपना पूर्व महत्व खो दिया। हालांकि, XVII सदी की पहली छमाही के दौरान। सैन्य तबाही से उबरने वाले देश में कुछ आर्थिक सुधार हुआ।

निरंकुश-महान ताकतों की जीत की शर्तों के तहत, पूंजीपति वर्ग को पूंजी के भूमि भाग में निवेश करने के लिए मजबूर होना पड़ा, जो उद्योग के क्षेत्र में आवेदन नहीं मिला। कृषि के साथ-साथ उद्योग की कुछ नई शाखाओं (रेशम की बुनाई, फीता और कांच) ने भी कुछ विकास प्राप्त किया। इस तथ्य के बावजूद कि यह वृद्धि सीमित और अस्थायी थी और राष्ट्र की राजनीतिक गतिविधियों में गिरावट के माहौल में हुई, यह अभी भी संस्कृति के विकास पर अपना प्रभाव डाले बिना नहीं रह सका। लेकिन बाद के लिए और भी महत्वपूर्ण तथ्य यह था कि डच क्रांति, फ़्लैंडर्स में हार का सामना करने के बाद भी, लोगों में अटूट ताकतों को जगाया, जिसका प्रभाव फ्लेमिश कलात्मक संस्कृति में स्पष्ट रूप से महसूस किया गया।

17वीं शताब्दी में फ़्लैंडर्स में प्रगतिशील सामाजिक प्रवृत्तियों को मुख्य रूप से कला के क्षेत्र में सन्निहित किया गया था, जहाँ उन्होंने शासक प्रणाली और शासक विचारधारा के साथ खुले विरोधाभास में प्रवेश किए बिना खुद को अभिव्यक्त किया।

फ्लेमिश कला का उत्कर्ष सत्रहवीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में शामिल है। यह इस समय था कि एक अद्भुत फ्लेमिश कला विद्यालय ने आकार लिया, जिसने यूरोपीय संस्कृति के इतिहास में एक उत्कृष्ट स्थान प्राप्त किया और रूबेन्स, वैन डाइक, जॉर्डन, स्नाइडर्स, ब्रोवर जैसे उस्तादों का उत्पादन किया।

महलों, मंदिरों और विभिन्न निगमों के लिए आदेश, विशेष रूप से सदी के पहले छमाही में, चित्रकला में स्मारकीय और सजावटी प्रवृत्तियों के व्यापक उपयोग में योगदान दिया। यह पेंटिंग में था कि फ़्लैंडर्स की संस्कृति की प्रगतिशील विशेषताओं को पूरी तरह से व्यक्त किया गया था: यथार्थवाद, लोक, उज्ज्वल उत्साह, छवियों का पवित्र उत्सव।

फ़्लैंडर्स की स्थितियों में, आधिकारिक तौर पर प्रमुख कला बैरोक थी। इसके अलावा, यह फ़्लैंडर्स था, इटली के साथ, जो 17 वीं शताब्दी के पहले भाग में दिखाई दिया। कला में बैरोक प्रवृत्ति के गठन के मुख्य केंद्रों में से एक। हालांकि, फ्लेमिश बारोक कई मायनों में इटालियन से काफी अलग था। रूबेन्स, जॉर्डन, स्नाइडर्स और अन्य मास्टर्स की कला ने उन्नत और गंभीर रूपों में फ्लेमिश समाज की महत्वपूर्ण ताकतों द्वारा उत्पन्न जीवन-पुष्टि आशावाद की भावना को प्रतिबिंबित किया। रूबेन्स की कला में व्यक्त फ़्लैंडर्स में बैरोक के विकास की यह विशेषता थी, जिसने बैरोक प्रणाली के भीतर ही यथार्थवादी विशेषताओं को विकसित करना संभव बना दिया था, और इसके अलावा, इटली में जितना संभव था, उससे कहीं अधिक हद तक।

फ़्लैंडर्स में सापेक्ष उत्थान की अवधि 17वीं शताब्दी के मध्य के आसपास समाप्त होती है। स्पेनिश निरपेक्षता के जुए के तहत, फ्लेमिश अर्थव्यवस्था गिरावट में है। फ़्लैंडर्स का सामाजिक और सांस्कृतिक जीवन अधिक से अधिक स्थिर और रूढ़िवादी होता जा रहा है।

17 वीं शताब्दी के फ्लेमिश धार्मिक वास्तुकला में स्पैनिश संरक्षक की स्थापना और प्रमुख धर्म के रूप में कैथोलिक धर्म का संरक्षण। जेसुइट्स द्वारा प्रचारित रोमन बारोक रूपों का प्रसार। कुछ प्रारंभिक फ्लेमिश चर्च भवनों का प्रोटोटाइप रोम में गेसु का चर्च था (जे। फ्रैंकार्ड द्वारा ब्रसेल्स में 1606-1616 का जेसुइट चर्च, जो हमारे समय तक नहीं बचा है, एंटवर्प में सेंट चार्ल्स बोर्रोमस का चर्च पी। हेसेन्स, 1614-1621)। हालांकि, जल्द ही फ़्लैंडर्स के आर्किटेक्ट स्थानीय परंपराओं के आधार पर बैरोक का एक मूल संस्करण बनाने में कामयाब रहे। यह नियोजन और अंतरिक्ष-स्थानिक समाधानों के परिष्कार और मौलिकता से इतना अलग नहीं है, बल्कि सामान्य और उत्सव की सजावट की सामान्य भावना से है, जिसने इमारतों के पहलुओं में सबसे पूर्ण अभिव्यक्ति पाई। सदी के उत्तरार्ध की वास्तुकला के सर्वोत्तम कार्यों में सेंट पीटर का चर्च कहा जा सकता है। लौवेन में माइकल (1650-1666) जी. हेसियस और ब्रसेल्स चर्च ऑफ सेंट जॉन द बैपटिस्ट ऑफ द बेगुइन ऑर्डर (1657-1676)। मालिन (1617-1697) से इसके लेखक लुकास फेदर्बे, 17 वीं शताब्दी के सबसे प्रसिद्ध फ्लेमिश आर्किटेक्ट्स और मूर्तिकारों में से एक थे, यहां तीन पैडिमेंट के रूप में मुखौटा का मूल समाधान इस्तेमाल किया गया था, जिनमें से केंद्रीय पार्श्व पर हावी है . ट्रिपल और डबल पायलट, कॉलम, विलेय, टूटे पेडिमेंट्स और विभिन्न सजावटी रूपांकनों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। Faidherbe इस सुरुचिपूर्ण इमारत के अलग-अलग तत्वों को एक साथ जोड़ने में कामयाब रहा, जो एक जटिल और सनकी सिल्हूट द्वारा प्रतिष्ठित है।

17 वीं शताब्दी में फ़्लैंडर्स की वास्तुकला में सबसे बड़ी रुचि। हालांकि, धार्मिक नहीं, बल्कि धर्मनिरपेक्ष निर्माण का प्रतिनिधित्व करता है, जिसमें स्थानीय परंपराएं जो सदियों से विकसित हुई हैं, अधिक पूर्ण और उज्ज्वल रूप से प्रकट हो सकती हैं। वे इतने मजबूत और महत्वपूर्ण थे कि रूबेन्स का अधिकार भी, जिसका फ़्लैंडर्स के कलात्मक जीवन के कई क्षेत्रों में प्रभाव निर्णायक था, उनके सामने शक्तिहीन हो गया। इटली में अपने प्रवास के दौरान, रूबेंस ने जेनोआ का दौरा किया, जहां वह 16वीं शताब्दी की वास्तुकला के शानदार कार्यों से मोहित हो गए। अपनी मातृभूमि में लौटने पर, उनके वास्तुशिल्प रेखाचित्रों को निकोलस रेइकमैन्स द्वारा उकेरा गया और 1622 में एंटवर्प में प्रकाशित दो-खंड "पैलेस ऑफ जेनोआ" बनाया गया। रूबेन्स के लिए जेनोइस आर्किटेक्चर का अध्ययन न केवल संज्ञानात्मक रुचि का था। महान रचनात्मक गतिविधि के व्यक्ति, उन्होंने फ्लेमिश वास्तुकला के एक क्रांतिकारी परिवर्तन का सपना देखा। जेनोइस पलाज़ो, उनकी राय में, फ़्लैंडर्स के नए धर्मनिरपेक्ष वास्तुकला के लिए एक मॉडल बनना था।

हालांकि, फ्लेमिश मिट्टी पर स्मारकीय महल का प्रकार विकसित नहीं हुआ था। इतालवी भावना में इसे 1611-1618 में बनाया गया था। केवल एक काम - एंटवर्प में रूबेंस का अपना घर। एक छोटा सा पहनावा, जिसमें चित्रित अग्रभाग, प्रवेश द्वार और एक मंडप के साथ एक बगीचे के साथ कई इमारतें शामिल हैं, जो भविष्य में मालिक से मालिक के पास गए, महत्वपूर्ण पुनर्गठन किया गया। 1937 से, इसकी बहाली पर पूंजीगत कार्य शुरू हुआ, जो 1947 में पूरा हुआ।

अब भी, इस तथ्य के बावजूद कि रूबेन्स का घर अपने वर्तमान स्वरूप में काफी हद तक पुनर्निर्माण का परिणाम है, महान कलाकार के घर की रोमांचक अपील को महसूस किया जा सकता है, जिसमें डच अंदरूनी के घरेलू आराम को गंभीरता के साथ जोड़ा गया है। इतालवी पलाज़ो की त्रि-आयामी रचना। रूबेंस को प्रेरित करने वाले वास्तुशिल्प आदर्शों को सबसे अच्छे संरक्षित भागों के समाधान में एक अजीबोगरीब तरीके से अपवर्तित किया गया था - तीन-स्पैन विजयी मेहराब के रूप में मुख्य प्रवेश द्वार, बड़े पैमाने पर जंग से सजाया गया, मूर्तिकला की सजावट और एक सुरुचिपूर्ण कटघरा के साथ ताज पहनाया गया। साथ ही एक छोटे से सुंदर उद्यान मंडप में।

रूबेन्स हाउस 17वीं शताब्दी के फ्लेमिश धर्मनिरपेक्ष वास्तुकला के विकास की सामान्य तस्वीर में एक प्रकार के अपवाद का प्रतिनिधित्व करता है। पिछली शताब्दियों की तरह, फ़्लैंडर्स में बहु-मंजिला (पाँच मंजिल तक) घर का प्रभुत्व था, जो मध्य युग में नीदरलैंड में तीन या चार कुल्हाड़ियों के एक संकीर्ण अग्रभाग और एक उच्च पेडिमेंट के साथ उत्पन्न हुआ, जो नीदरलैंड में उत्पन्न हुआ। वापस मध्य युग में। साइड ब्लाइंड दीवारों को छूते हुए, इमारतों ने सड़क का सामना किया, जिसके अग्रभाग एक सतत सड़क इमारत बनाते थे।

सत्रहवीं शताब्दी में आवासीय वास्तुकला का विकास फ़्लैंडर्स में, यह मुख्य रूप से युग के अनुरूप वास्तुशिल्प और सजावटी डिजाइन के नए रूपों के निर्माण के मार्ग के साथ चला गया। त्रिकोणीय या स्टेप्ड पेडिमेंट्स की सख्त रेखाओं को अधिक जटिल और विचित्र बारोक रूपरेखाओं द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, अग्रभागों की सतह को बड़े पैमाने पर पायलटों, स्तंभों, कैराटिड्स, मूर्तियों, आधार-राहत और गहनों से सजाया गया था।

दुर्भाग्य से, 17 वीं शताब्दी के फ्लेमिश वास्तुकला के सभी सुंदर स्मारक नहीं हैं। हमारे दिनों के लिए नीचे आ गए हैं। 1695 में फ्रांसीसी सैनिकों द्वारा ब्रसेल्स में लगातार आग और विशेष रूप से भयंकर गोलाबारी ने उनमें से कई को नष्ट कर दिया। गोलाबारी के बाद, 1696-1720 में। आर्किटेक्ट गिलियूम डी ब्रुइन (1649-1719) के मार्गदर्शन में, ब्रसेल्स में ग्रैंड प्लेस को बहाल किया गया था - यूरोप में सबसे उल्लेखनीय वर्गों में से एक, जो फ़्लैंडर्स में विकसित शहरी पहनावा के चरित्र का न्याय करना संभव बनाता है।

पुराने शहर का केंद्र - ग्रैंड प्लेस - 110 X 68 मीटर की भुजाओं वाला एक आयताकार वर्ग है। 15 वीं शताब्दी का प्रसिद्ध टाउन हॉल, वर्ग के दक्षिण की ओर स्थित है, जो अपने पैमाने और अपने रूपों की सुंदरता के लिए खड़ा है, काफी हद तक अन्य इमारतों के स्थापत्य रूपों की सभी विविधता को अधीनस्थ करता है, जो एक कलात्मक रूप बनाते हैं। इसके साथ एकता, इस तथ्य के बावजूद कि वर्ग के स्थापत्य परिसर में कभी-कभी काफी विषम इमारतें होती हैं। इसलिए, इसके पूरे पूर्वी हिस्से पर ड्यूक ऑफ ब्रेबेंट के महल का कब्जा था - 1698 में गिलियूम डी ब्रुइन द्वारा बनाई गई एक इमारत, जिसने छह पुराने वर्कशॉप हाउसों को अपने व्यापक मोहरे के साथ एकजुट किया था। लेकिन यह संरचना, अपने रूपों में लगभग शास्त्रीय, यहाँ विदेशी नहीं लगती। कलाकारों की टुकड़ी की भावना ने उस्तादों को सुझाव दिया, जिन्होंने ग्रैंड प्लेस का निर्माण किया, एक ओपनवर्क आर्केड के साथ रोटी बाजार की सुरुचिपूर्ण इमारत के साथ स्क्वायर के उत्तरी किनारे पर टाउन हॉल का विरोध करने की आवश्यकता थी, एक ओपनवर्क के साथ व्यंजन रूपों में कुशलता से शैलीबद्ध आर्केड, जिसे किंग्स हाउस के नाम से जाना जाता है। लेकिन कुछ भी कार्यशालाओं और निगमों की ऊंची इमारतों की तरह वर्ग को जीवंत नहीं करता है, जिनमें से सबसे अच्छे पश्चिमी हिस्से में बने हैं। अद्भुत सरलता के साथ, इन बहु-मंजिला संकीर्ण अग्रभागों को शानदार पेडिमेंट्स के साथ ताज पहनाया जाता है, जिसमें फूलों की माला (फॉक्स हाउस) के साथ विलेय को आपस में जोड़ा जाता है या बोटमैन कॉर्पोरेशन हाउस की तरह एक असामान्य जहाज के स्टर्न मोटिफ का उपयोग किया जाता है। सुरुचिपूर्ण पोशाक के एक गहना की छाप गिल्डिंग के उपयोग से बढ़ जाती है, जो वर्ग की सभी इमारतों के सजावटी विवरण को कवर करती है और समय के साथ अंधेरा हो गया है।

फ्लेमिश मूर्तिकला, 17 वीं शताब्दी वास्तुकला के साथ बारोक कला के सामान्य वंश में विकसित। उसने न केवल इमारतों के अग्रभागों को बड़े पैमाने पर सजाया, बल्कि उनके अंदरूनी हिस्सों में भी विविध रूप से प्रतिनिधित्व किया। फ़्लैंडर्स के गॉथिक और बैरोक मंदिर इस प्लास्टिसिटी के उत्कृष्ट उदाहरणों को संग्रहीत करते हैं: मृतकों की मूर्तियों के साथ समाधि का सरकोफेगी, संगमरमर की वेदियाँ, आभूषणों से ढके उपासकों के लिए नक्काशीदार बेंच, मूर्तिकला की सजावट से भरे लकड़ी के उपदेशात्मक मंच, वास्तुशिल्प संरचनाओं के समान इकबालिया और कैरिएटिड्स से सजाए गए , आधार-राहत और पदक। सामान्य तौर पर, मकबरे की मूर्तियों के अपवाद के साथ, जिसमें चित्र चित्र बनाए गए थे, फ्लेमिश मूर्तिकला में एक स्पष्ट सजावटी चरित्र था। उनकी कलात्मक भाषा की ख़ासियत के अलावा, दो शक्तिशाली स्रोत विलय हो गए। एक ओर, यह बर्निनी के नेतृत्व में इतालवी मूर्तिकला थी, जिसका प्रभाव इस तथ्य से बढ़ा था कि अधिकांश फ्लेमिश स्वामी इटली का दौरा करते थे और उनमें से कुछ ने लंबे समय तक वहां काम किया था। दूसरी ओर, स्थानीय कलात्मक परंपरा और विशेष रूप से रूबेन्स की कला का प्रभाव अधिक शक्तिशाली था। बैरोक रूपों में विकसित, मूर्तिकला ने लोक शिल्प के सदियों पुराने अनुभव, पत्थर और लकड़ी की नक्काशी की प्राचीन परंपराओं को भी आत्मसात कर लिया।

मूर्तिकला के क्षेत्र में, 17वीं शताब्दी के फ़्लैंडर्स। एक भी महान गुरु नहीं दिया। फिर भी, यहाँ निर्मित कार्यों का सामान्य कलात्मक स्तर बहुत ऊँचा था। हम प्रतिभाशाली मूर्तिकारों की एक पूरी आकाशगंगा के बारे में बात कर सकते हैं जिन्होंने उस समय सफलतापूर्वक काम किया था, जो अक्सर ब्रसेल्स, एंटवर्प, मालिन और अन्य शहरों के स्वामी के परिवार के राजवंशों द्वारा प्रतिनिधित्व किया जाता था।

मूर्तिकारों Duquesnoy के परिवार की गतिविधियाँ 17 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध की हैं। इसका प्रमुख, जेरोम डुक्सनॉय (1570-1641 से पहले), ब्रसेल्स में ग्रैंड प्लेस के पास बने एक फव्वारे के लिए एक बेहद लोकप्रिय मूर्ति के लेखक थे, जिसमें एक शरारती छोटे लड़के को दर्शाया गया है, जो पानी की एक बूंद को मारता है, जिसे मन्नकेन पिस के नाम से जाना जाता है। मन्नकेन (फ्लेमिश में - छोटा आदमी) लंबे समय से शहर के निवासियों का एक वास्तविक पसंदीदा रहा है, उसे "ब्रसेल्स का सबसे पुराना नागरिक" कहा जाता है। जेरोम के सबसे बड़े बेटे, फ्रेंकोइस डुक्सनॉय (1594 - 1643), 1618 में आर्कड्यूक अल्बर्ट द्वारा रोम भेजे गए, मुख्य रूप से इटली में काम करते थे, सेंट के कैथेड्रल को सजाने में बर्निनी के साथ सहयोग करते थे। पीटर। रोम के कलात्मक वातावरण के प्रभाव ने काफी हद तक इसकी रचनात्मक उपस्थिति को निर्धारित किया, जिसके कारण इसकी कला फ़्लैंडर्स की तुलना में इटली से अधिक संबंधित है। उनके दूसरे बेटे, जेरोम डुक्सनॉय द यंगर (1602-1654) के काम में, राष्ट्रीय पहचान की विशेषताएं अधिक स्पष्ट थीं।

मूल रूप से फ्रांकोइस द्वारा कमीशन किया गया था, लेकिन अनिवार्य रूप से जेरोम द्वारा डिजाइन किया गया था, जो सेंट पीटर के कैथेड्रल में ट्रिस्ट के आर्कबिशप का मकबरा है। गेन्ट में बावो (1643-1654) उनके सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक है। सफेद और काले संगमरमर से बना मकबरा, स्तंभों और पायलटों से सजी एक संरचना है, जहां आर्चबिशप की झुकी हुई आकृति के साथ सरकोफैगस को भगवान की माता और निचे में स्थित ईसा मसीह की मूर्तियों द्वारा फहराया जाता है।

एंटवर्प मास्टर्स के क्वेलिन परिवार की कला से एक पूरे स्कूल का जन्म हुआ, जिसके संस्थापक फ्रांस्वा ड्यूक्वेसनॉय के छात्र आर्ट क्वेलिन द एल्डर (1609-1668) थे। एम्स्टर्डम में 1650 से काम करते हुए, वह सिटी हॉल की शानदार बाहरी और आंतरिक सजावट के निर्माता थे। हॉल में से एक में उनकी दीवार की सजावट विशेष रूप से प्रसिद्ध है जिसमें कैराटिड्स के बड़े पैमाने पर आंकड़े और स्वतंत्र रूप से निष्पादित बहु-चित्रित आधार-राहतें हैं। 1654 में एंटवर्प लौटने पर, मास्टर ने शहर के चर्चों के लिए कई मूर्तियां बनाईं।

शताब्दी के उत्तरार्ध में, पहले से ही उल्लेखित लुकास फेदरबे का काम विकसित हुआ, जिन्होंने शुरुआत में मूर्तिकला के क्षेत्र में काम किया। कार्यशाला में मालिन मूर्तिकारों के परिवार के प्रतिनिधि लुकास फेदरबे को प्रशिक्षित किया गया था

रूबेन्स, जो उन्हें अपने सभी छात्रों से ज्यादा प्यार करते थे। फेदर्बे की मुख्य रचनाएँ उनके द्वारा मालिन में बनाई गई थीं और सेंट पीटर्सबर्ग के कैथेड्रल में स्थित हैं। रोमुअलड। यह एक विशाल भव्य वेदी (1665-1666) है, जो काले और सफेद संगमरमर से बनी है, जिसमें स्तंभों की सोने की राजधानियाँ हैं, जिन्हें आधार-राहत से सजाया गया है और सेंट पीटर की एक विशाल (3.75 मीटर) प्रतिमा के साथ ताज पहनाया गया है। रोमुअलड। आर्कबिशप क्रुज़ेन (1669) के मकबरे को भी बड़ी कुशलता से क्रियान्वित किया गया था। फ्लेमिश प्लास्टिक कला की परंपराएं बाहरी रूप से अधिक शानदार, लेकिन स्पष्ट रूप से इतालवी मॉडल की नकल करते हुए, लीज मास्टर जीन डेलकोर्ट द्वारा बिशप डी "एलोमोंट (1673 के बाद; गेन्ट, सेंट बावो के कैथेड्रल) के मकबरे की तुलना में यहां अधिक स्पष्ट हैं। बर्नीनी के छात्र। इस मूर्तिकार का काम, ब्रावुरा की विशेषताओं और रूपों की गतिशीलता पर जोर देने के द्वारा चिह्नित किया गया था, जिसमें एक अधिक पारंपरिक बारोक चरित्र था। इसी समय, डेल्कोर के कार्यों ने फ्लेमिश प्लास्टिक कला में कभी भी अधिक धूमधाम और जटिलता की बढ़ती प्रवृत्ति को दर्शाया। कलात्मक छवि।

17 वीं शताब्दी की शुरुआत में। फ़्लैंडर्स की पेंटिंग में, एक कारवागिस्ट प्रवृत्ति विकसित होती है, जो कि अन्य यूरोपीय देशों की तरह यहाँ महत्व नहीं रखती थी। यदि फ्लेमिश कारवागिस्ट थिओडोर रोम्बाउट्स (1597-1637) और जेरार्ड सेगर्स (1591-1651) ने अपने कार्यों में स्थापित पैटर्न का पालन किया, तो अब्राहम जेन्सेंस (1575-1632) का काम अधिक मौलिकता और ताजगी की विशेषताओं से चिह्नित है। लोक प्रकार की उनकी छवियों की पूर्णता और अलंकारिक और पौराणिक रचनाओं की स्पष्ट सजावट में, राष्ट्रीय चित्रकला की परंपराओं के साथ सीधा संबंध है। 1630 के बाद से रूबेंस की कला के प्रभाव में फ्लेमिश कारवागिज़्म के स्वामी आते हैं।

फ़्लैंडर्स के महानतम कलाकार और 17वीं शताब्दी की यूरोपीय चित्रकला के महान आचार्यों में से एक। पीटर पॉल रूबेन्स (1577-1640) का जन्म जर्मनी के सीजेन शहर में हुआ था, जहाँ रूबेन्स के पिता नीदरलैंड में गृहयुद्ध के दौरान प्रवासित हो गए थे, एक वकील जिन्होंने फ़्लैंडर्स के सार्वजनिक जीवन में एक निश्चित भूमिका निभाई थी। अपने पिता की मृत्यु के तुरंत बाद, उनकी माँ और उनका बेटा एंटवर्प लौट आए, जहाँ भविष्य के कलाकार ने उस समय एक उत्कृष्ट शिक्षा प्राप्त की।

व्यापक रूप से उपहार में दिया गया, मानव ज्ञान के संपूर्ण धन में महारत हासिल करने का प्रयास करते हुए, रूबेन्स ने बहुत पहले ही अपने मुख्य जीवन को पेंटिंग में बुला लिया। 1591 की शुरुआत में, उन्होंने सबसे पहले छोटे कलाकारों टोबियास वेरहाचट और एडम वैन नोर्ट के साथ अध्ययन किया। फिर वह ओटो वैन वेन (वीनस) पर चले गए - स्वर्गीय नीदरलैंड के रोमनवाद के एक प्रमुख प्रतिनिधि। लेकिन उपन्यासकारों की पेंटिंग की भावना रूबेन्स की प्रतिभा के लिए अलग-थलग रही।

रूबेंस के पेंटिंग कौशल के निर्माण के लिए बहुत महत्व था, रूबेंस के लिए इतालवी पुनर्जागरण और समकालीन इतालवी कला की कला का प्रत्यक्ष अध्ययन था। 1600 से 1608 तक, रूबेंस इटली में रहते थे, मंटुआ के ड्यूक, विन्सेन्ज़ो गोंजागा को अदालत के चित्रकार की स्थिति में रखते थे। पुनर्जागरण के महान स्वामी के कार्यों से कई प्रतियाँ, इटली के कलात्मक जीवन के साथ घनिष्ठ परिचित ने रूबेन्स के कलात्मक क्षितिज का विस्तार किया। उच्च पुनर्जागरण के महान उस्तादों के काम का अध्ययन करते हुए, उन्हें व्यवहारवाद पर काबू पाने के संघर्ष के अनुभव को ध्यान में रखने का अवसर मिला, जिसका नेतृत्व उस समय इटली में कारवागियो ने किया था। कारवागियो की पेंटिंग "द एंटोम्बमेंट" के रूबेन्स द्वारा मुफ्त व्यवस्था इस मास्टर के काम में रूबेंस की रुचि को स्पष्ट रूप से प्रमाणित करती है। उच्च पुनर्जागरण के उस्तादों में से, रूबेंस ने विशेष रूप से लियोनार्डो दा विंची, माइकल एंजेलो और टिटियन के काम की सराहना की। लेकिन इसकी सुरम्य विशेषताओं और जीवन की भावना के संदर्भ में, रूबेंस की कला, इतालवी पुनर्जागरण के साथ अपने सभी संबंधों के साथ, शुरुआत से ही एक स्पष्ट फ्लेमिश चरित्र थी। यह उल्लेखनीय है कि रूबेन्स का काम वास्तव में फ़्लैंडर्स में उनकी वापसी पर और उन कलात्मक कार्यों को हल करने की प्रक्रिया में सामने आया, जो उनके मूल देश के सामाजिक जीवन की परिस्थितियाँ उनके सामने थीं।

आदेशों से अभिभूत, रूबेंस ने एक विशाल कार्यशाला बनाई जिसमें प्रतिभाशाली फ्लेमिश कलाकारों के एक पूरे समूह को एक साथ लाया गया। यहां बड़ी संख्या में बड़े चित्र बनाए गए थे जो कई यूरोपीय राजधानियों के महलों और मंदिरों को सुशोभित करते थे। स्केच आमतौर पर रूबेन्स द्वारा स्वयं बनाया गया था, जबकि पेंटिंग ज्यादातर मामलों में उनके सहायकों और छात्रों द्वारा की गई थी। जब चित्र तैयार हो गया, तो रूबेंस ने अपने ब्रश के साथ इसे पुनर्जीवित किया, इसे पुनर्जीवित किया और मौजूदा कमियों को दूर किया। लेकिन रूबेंस की सबसे अच्छी पेंटिंग शुरू से अंत तक खुद मास्टर द्वारा चित्रित की जाती हैं। रूबेन्स की रचनात्मक उपलब्धियों और उनके समय के सबसे शिक्षित लोगों में से एक के रूप में उनके अधिकार, अंत में, उनके व्यक्तित्व के बहुत ही आकर्षण ने फ़्लैंडर्स के सामाजिक जीवन में उच्च स्थान निर्धारित किया। उन्होंने फ़्लैंडर्स के शासकों के लिए अक्सर महत्वपूर्ण राजनयिक मिशनों को संभाला और पूरे पश्चिमी यूरोप में बड़े पैमाने पर यात्रा की। उस समय के राजनेताओं और विशेष रूप से संस्कृति के प्रमुख प्रतिनिधियों के साथ उनका पत्राचार, उनके दृष्टिकोण की चौड़ाई, उनके विचारों की समृद्धि के साथ प्रहार करता है। उनके पत्रों में कला के बारे में कई दिलचस्प निर्णय हैं जो रूबेन्स की प्रगतिशील कलात्मक स्थिति को स्पष्ट रूप से चित्रित करते हैं।

सामान्य तौर पर, रूबेंस के काम को निम्नलिखित तीन चरणों में विभाजित किया जा सकता है: प्रारंभिक - 1620 से पहले, परिपक्व - 1620 से 1630 तक और बाद में, अपने जीवन के आखिरी दशक को कवर करते हुए। रूबेंस के रचनात्मक विकास की ख़ासियत यह थी कि एक चरण से दूसरे चरण में संक्रमण अचानक छलांग के बिना धीरे-धीरे हुआ। उनकी कला यथार्थवाद की अधिक से अधिक गहराई की ओर, जीवन के व्यापक दायरे की ओर और बाहरी रूप से नाटकीय बारोक प्रभाव पर काबू पाने के लिए विकसित हुई, जिनमें से विशेषताएं उनके काम के शुरुआती दौर में रूबेंस की अधिक विशेषता थीं।

रूबेन्स के काम में शुरुआती अवधि (लगभग 1611-1613 तक) की शुरुआत में, कारवागियो का प्रभाव अभी भी खुद को महसूस करता है, विशेष रूप से वेदी और पौराणिक रचनाओं में, और चित्रों में - रीतिवाद की अंतिम गूँज। सच है, इन प्रभावों को छवि की समझ की तुलना में, रूप की कुछ विशेषताओं में, तकनीक में अधिक महसूस किया जाता है। तो, उनकी पहली पत्नी - इसाबेला ब्रैंट (1609-1610; म्यूनिख) के साथ एक स्व-चित्र कुछ कठोर तरीके से बनाया गया है। रूबेन्स शानदार परिधानों के सभी विवरणों को लिखते हैं, गुणी और सटीक ड्राइंग दिखाते हैं। रुबेंस स्वयं और उनकी पत्नी अपने पैरों पर बैठे हुए बाहरी धर्मनिरपेक्ष अनुग्रह से भरे पोज में चित्रित किए गए हैं। और फिर भी, उनके आपस में जुड़े हुए हाथों की गति के सच्चे प्रसारण में, एक औपचारिक चित्र की पारंपरिकता दूर हो जाती है। कलाकार ने दर्शकों को अपने प्यारे पति के लिए पत्नी की भरोसेमंद कोमलता और युवा रूबेन्स के चरित्र की शांत प्रफुल्लता दोनों को महसूस करने के लिए दिया। यह काम निष्पादन के समय के करीब है और ललित कला संग्रहालय में "एक युवा महिला का चित्र" है। मॉस्को में ए.एस. पुश्किन।

द एक्साल्टेशन ऑफ द क्रॉस (सी। 1610-1611; एंटवर्प, कैथेड्रल) में यह स्पष्ट रूप से देखा गया है कि कैसे रुबेंस ने कारवागियो और वेनेशियन की विरासत का अध्ययन करते हुए प्राप्त अनुभव पर पुनर्विचार किया। कारवागियो ने रूबेन्स को प्रकृति को उसकी सभी वस्तुगत भौतिकता और जीवन विशिष्टता में देखने में मदद की। उसी समय, रूबेंस के अभिव्यंजक आंकड़े बलों के ऐसे दयनीय तनाव, ऐसी गतिशीलता से प्रभावित होते हैं, जो कारवागियो की कला के लिए विदेशी थे। हवा के झोंके से झुका हुआ एक पेड़, क्रूस पर चढ़ाए गए मसीह के साथ क्रॉस को उठाने वाले लोगों के ज़ोरदार प्रयास, आकृतियों की तेज पूर्वाभास, प्रकाश की बेचैन चकाचौंध और तनाव से कांपती मांसपेशियों पर छाया - सब कुछ तेजी से गति से भरा है। रूबेंस संपूर्ण को उसकी विविध एकता में समाहित करता है। प्रत्येक व्यक्तित्व अपने वास्तविक चरित्र को अन्य पात्रों के साथ बातचीत के माध्यम से ही प्रकट करता है।

सामान्य तौर पर, इस अवधि के रूबेन्स के चित्रों को स्मारकीय सजावट, तेज और शानदार विरोधाभासों द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है। यह निर्णय रूबेंस के कार्यों के उद्देश्य से आंशिक रूप से निर्धारित किया गया था। वे वेदी रचनाएँ हैं जो चर्च के इंटीरियर में एक निश्चित स्थान पर कब्जा कर लेती हैं। अपने प्राकृतिक ढांचे से छीनकर, संग्रहालयों की दीवारों में स्थानांतरित कर दिया गया, रूबेंस की वेदी के टुकड़े अब कभी-कभी कुछ हद तक कृत्रिम प्रभाव पैदा करते हैं। इशारे अतिशयोक्तिपूर्ण लगते हैं, पात्रों का रस बहुत तेज और सरल है, रंग राग, हालांकि समग्र, अत्यधिक मजबूत है।

उसी समय, रूबेंस अपनी सर्वश्रेष्ठ रचनाओं में केवल बाहरी प्रभावों तक ही सीमित नहीं थे। इसका प्रमाण उनके एंटवर्प "डिसेंट फ्रॉम द क्रॉस" (1611-1614) से मिलता है। क्राइस्ट का भारी और मजबूत शरीर भारी ताकत के साथ भारी होता है, उनके करीबी लोग उनके शरीर को वजन पर रखने की कोशिश करते हैं; घुटने टेकने वाली मैग्डलीन उत्साह से अपने हाथों को मसीह तक फैलाती है; शोकाकुल परमानंद में, वह अपने बेटे मरियम के शरीर को गले लगाने की कोशिश करता है। इशारों तूफानी और अभेद्य हैं, लेकिन पूरे की सामान्य अतिशयोक्तिपूर्ण अभिव्यक्ति के भीतर, भावनाओं और अनुभवों के ग्रेडेशन बड़ी सच्चाई के साथ सन्निहित हैं। मरियम का चेहरा गहरी उदासी की सांस लेता है, मैग्डलीन की निराशा वास्तविक है।

रूबेंस द्वारा इस पेंटिंग का वाक्पटुता कायल है क्योंकि यह चित्रित घटना के एक ईमानदार अनुभव पर आधारित है - मृत नायक के लिए दोस्तों और रिश्तेदारों का दुःख। दरअसल रूबेन्स प्लॉट के धार्मिक-रहस्यमय पक्ष में दिलचस्पी नहीं रखते हैं। सुसमाचार के मिथक में, वह जुनून और अनुभवों से आकर्षित होता है - उनके आधार में महत्वपूर्ण, मानव। रूबेन्स आसानी से धार्मिक कथानक की पारंपरिकता पर काबू पा लेते हैं, हालांकि औपचारिक रूप से यह पेंटिंग के आधिकारिक पंथ उद्देश्य के साथ संघर्ष नहीं करता है। इसलिए, हालांकि कई यूरोपीय देशों की बैरोक पेंटिंग रूबेंस की विरासत पर निर्भर थी, उनकी कला की सामग्री, उनके काम का मुख्य यथार्थवादी अभिविन्यास आधिकारिक बारोक द्वारा नहीं माना गया था, जो सजावटी नाटकीय प्रवृत्तियों और जानबूझकर विरोध के साथ था। आधार और उदात्त का। 1610 के दशक में बनाई गई रूबेन्स की मौलिक रूप से सच्ची रचनाएँ, हमेशा होने की शक्तिशाली शक्ति, उसके शाश्वत आंदोलन की भावना को स्पष्ट रूप से व्यक्त करती हैं। इस तरह के रूपक "द यूनियन ऑफ अर्थ एंड वॉटर" (1612 और 1615 के बीच; लेनिनग्राद, द हर्मिटेज), "डिसेंट फ्रॉम द क्रॉस" की नाटकीय शक्ति, "शेर हंट" में भयंकर संघर्ष या "द बोअर हंट" (ड्रेसडेन), "लास्ट जजमेंट" (म्यूनिख) में पथिक विश्व प्रलय, सेनानियों का रोष जीवन के लिए नहीं, बल्कि "बैटल ऑफ़ द अमाज़न्स" (म्यूनिख) में एक उग्र लड़ाई में उलझा हुआ है।

"ल्यूसिपस की बेटियों का बलात्कार" (1619-1620; म्यूनिख) एक पौराणिक विषय के रूबेन्स के उपचार का एक उदाहरण है। युवतियों का अपहरण करने वाले सवारों की चाल साहसी दृढ़ संकल्प और ऊर्जा से भरी होती है। महिलाओं के शानदार शरीर, व्यर्थ ही दया के लिए रोते हुए, चमकीले फड़फड़ाते कपड़ों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, काले और सुनहरे-लाल घोड़ों को पालने और अपहरणकर्ताओं के काले शरीर के खिलाफ प्रभावी रूप से खड़े होते हैं। रंगों की सुरीली राग, हिंसक हावभाव, पूरे समूह का फटा हुआ, बेचैन सिल्हूट जीवन के जुनून के प्रकोप की शक्ति को स्पष्ट रूप से व्यक्त करता है। कई "बच्चनलिया" लगभग उसी समय के हैं, जिनमें "बचनालिया" (1615-1620; पुश्किन म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स) शामिल हैं।

रूबेंस (1620-1630) के काम में एक सुरम्य अर्थ में "ल्यूसिपस की बेटियों का अपहरण" और "बेचनल" एक परिपक्व अवधि के लिए एक संक्रमण है। इस अवधि की शुरुआत तक "लाइफ ऑफ मैरी डे मेडिसी" (1622-1625; लौवर) का चक्र है, जो रूबेन्स द्वारा अन्य स्मारकीय और सजावटी रचनाओं में एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है। यह चक्र ऐतिहासिक शैली की उनकी समझ की बहुत विशेषता है। रूबेंस अपने काम में न केवल प्राचीन ऐतिहासिक नायकों और उनके कार्यों को संदर्भित करता है, बल्कि समकालीन इतिहास को भी संदर्भित करता है। इस मामले में, रुबेन्स ऐतिहासिक चित्र के कार्य को राजाओं या सेनापतियों के व्यक्तित्व और कार्यों की प्रशंसा में देखते हैं। 17 वीं शताब्दी के कई दरबारी कलाकारों के लिए उनका शानदार और पवित्र ऐतिहासिक कैनवस एक उदाहरण बन गया। "लाइफ ऑफ़ मैरी मेडिसी" चक्र में लक्ज़मबर्ग पैलेस के हॉल में से एक को सजाने के उद्देश्य से बीस बड़ी रचनाएँ शामिल हैं। इन कैनवस में, हेनरी चतुर्थ की पत्नी के जीवन के मुख्य एपिसोड, जो उनकी मृत्यु के बाद फ्रांस के शासक बने, को पुन: प्रस्तुत किया गया। चक्र की सभी पेंटिंग फ्रैंक की भावना में बनाई गई थीं। मैरी डी मेडिसी की स्तुतियाँ और अलंकारिक और पौराणिक चरित्रों से सुशोभित हैं। इस अजीबोगरीब सचित्र प्रशंसनीय स्तोत्र को बड़ी प्रतिभा के साथ प्रदर्शित किया गया था और, इसके दायरे में, यह उन लोगों के लिए भी एक असाधारण घटना थी, जो 17 वीं शताब्दी की बारोक कला की बड़ी स्मारकीय और सजावटी रचनाओं के लिए आंशिक थे। पूरी श्रृंखला के लिए विशिष्ट "मार्सिले में मैरी डे मेडिसी का आगमन" है। मखमल से सजे गैंगवे पर, एक शानदार कपड़े पहने मैरी डे मेडिसी एक शानदार गैली की तरफ से फ्रांस की भूमि पर उतरती है। झंडे फड़फड़ाते हैं, सोने का पानी और ब्रोकेड चमकते हैं। स्वर्ग में, तुरही पंखों वाली महिमा एक महान घटना की घोषणा करती है। समुद्र देवता, सामान्य उत्साह से लबरेज, मैरी को नमस्कार करते हैं। जहाज के साथ आने वाले नाइएड्स जहाज से फेंकी गई रस्सियों को घाट के ढेर तक बाँध देते हैं। तस्वीर में बहुत उत्सव का शोर और खुलकर कोर्ट की चापलूसी है। लेकिन संपूर्ण की नाटकीयता के लिए, रचना में आंकड़े स्वाभाविक और स्वतंत्र रूप से व्यवस्थित हैं।

चूँकि इस चक्र के चित्र मुख्य रूप से रूबेन्स के छात्रों द्वारा बनाए गए थे, रूबेंस द्वारा स्वयं लिखे गए रेखाचित्र, जिसके अनुसार रचनाएँ स्वयं उनकी कार्यशाला में की गई थीं, सबसे बड़ी कलात्मक रुचि हैं। द कोरोनेशन ऑफ मैरी मेडिसी के लिए स्केच, हर्मिटेज में रखा गया, एक अंडरपेंटिंग है, जो ग्लेज़िंग के कई स्ट्रोक से थोड़ा सा छुआ हुआ है। यह छवि की अत्यंत अभिव्यंजना के साथ असाधारण संक्षिप्तता के संयोजन से प्रभावित करता है। संपूर्ण की गहरी भावना, चित्रित घटना में मुख्य बात को उजागर करना, मिसे-एन-सीन की अद्भुत महारत, चित्र की रंगवादी एकता की गहरी समझ, टोन के अनुपात और उन्नयन और स्ट्रोक की घनत्व रूबेंस को अनुमति देती है अत्यंत अल्प साधनों द्वारा महत्वपूर्ण तात्कालिकता से भरी घटना की एक सजीव तस्वीर दें। स्ट्रोक न केवल सटीक होता है, बल्कि भावनात्मक रूप से अभिव्यंजक भी होता है। तस्वीर के केंद्र में एक युवा दरबारी की आकृति को कई तेज, रसीले स्ट्रोक में स्केच किया गया है, जो एक मांसपेशियों की आकृति के पतलेपन और उसके स्वभाव की सख्त संयमित युवा ऊर्जा, और उसके आंदोलन की तेज़ी, दोनों को व्यक्त करता है, जिससे लोगों में उत्साह पैदा होता है। मुद्रा। उसका फड़फड़ाता लबादा शानदार है, जो कि लाल-गुलाबी और गहरे भूरे, काले रंगों के कई स्ट्रोक द्वारा व्यक्त किया गया है। अप्रतिबंधित स्वतंत्रता, रूबेंस की सचित्र लिखावट की तीक्ष्ण अभिव्यक्ति का व्यक्तिपरक मनमानी, जानबूझकर की गई लापरवाही से कोई लेना-देना नहीं है।

अपनी ऐतिहासिक रचनाओं में, रूबेन्स हमेशा शासकों के लिए एक शानदार प्रशंसनीय रचना करने तक सीमित नहीं होते हैं, जो अक्सर इसके योग्य होते हैं। पुरातनता की ऐतिहासिक घटनाओं को समर्पित कुछ रचनाओं में, उन्होंने एक ऐतिहासिक नायक के अपने विचार पर जोर दिया - अपने आदर्शों के लिए एक साहसी सेनानी। XVII सदी के क्लासिकिस्टों के विपरीत। उसी समय, रूबेन्स ने भावना और जुनून पर कर्तव्य और कारण की जीत का इतना अधिक गायन नहीं किया, बल्कि नायक की भावना और विचार की तत्काल एकता की सुंदरता को प्रकट किया, जो कि लड़ने के लिए एक भावुक आवेग द्वारा जब्त किया गया था। कार्य। रूबेन्स द्वारा इस तरह की ऐतिहासिक रचनाओं का एक उदाहरण ललित कला संग्रहालय में स्थित है। खोई हुई म्यूनिख पेंटिंग "मुजियो स्केवोला" के लिए ए.एस. पुश्किन स्केच।

मनुष्य के लिए प्रशंसा, उसकी विशद भावनाओं और अनुभवों की समृद्धि को मैगी (1624; एंटवर्प, संग्रहालय) की आराधना और पर्सियस और एंड्रोमेडा (1620-1621; हर्मिटेज) में अभिव्यक्ति मिली। द एडवेंचर ऑफ द मैगी में, रूबेंस ने अपने पहले की वेदी के टुकड़ों की ऊँची नाटकीयता के क्षणों से खुद को मुक्त कर लिया। यह कैनवास उत्सव, छवियों की प्राकृतिक जीवन शक्ति और पात्रों की अभिव्यक्ति के संयोजन से अलग है। सबसे बड़ी पूर्णता के साथ, इस अवधि की विशेषताएं पर्सियस और एंड्रोमेडा में प्रकट हुईं। रूबेन्स ने उस क्षण का चित्रण किया जब पेगासस से उतरे समुद्र के राक्षस को मारने वाले पर्सियस, प्राचीन मिथक के अनुसार, राक्षस के लिए एक बलिदान के रूप में, एंड्रोमेडा के पास एक चट्टान तक पहुंच गया। उत्सव के बैनरों की तरह, पर्सियस के लाल रंग के लबादे की तह और नायक के मुकुट वाली विजय की नीली बागे फड़फड़ाती है। हालांकि, चित्र की सामग्री विजयी नायक के एपोथोसिस तक सीमित नहीं है। एक भारी खोल पहने हुए, पर्सियस नग्न, खुशी से शर्मिंदा एंड्रोमेडा के पास जाता है और उसके हाथ को अत्यधिक कोमलता से छूता है। एंड्रोमेडा थोड़ी सुनहरी चमक से घिरा हुआ है, बाकी तस्वीर की अधिक सामग्री-सघन रंग प्रणाली का विरोध करता है। सुनहरी-शहद की चमक, एंड्रोमेडा की शानदार नग्नता को ढंकते हुए, उसके शरीर को ढँकने वाले सुनहरे ब्रोकेड के आवरण में भौतिक हो जाती है। रूबेंस से पहले किसी ने भी इतनी गहराई के साथ प्रेम की सुंदरता और महान आनंद नहीं गाया, जिसने इसके रास्ते में आने वाली सभी बाधाओं को हरा दिया। साथ ही, इस तस्वीर में मानव शरीर को चित्रित करने में रूबेन्स का कौशल विशेष रूप से पूरी तरह से प्रकट हुआ है। ऐसा लगता है कि यह जीवन के रोमांच से संतृप्त है - लुक की नमी, ब्लश का हल्का खेल, नाजुक त्वचा की मखमली नीरसता इतने मनोरम रूप से व्यक्त की जाती है।

रूबेंस ड्राइंग के एक उल्लेखनीय मास्टर थे। चित्रों के लिए उनके प्रारंभिक चित्र छवि की सामान्य भावनात्मक स्थिति को व्यक्त करने के लिए कुछ स्ट्रोक और गतिकी से भरे स्थानों में इसके आंदोलन में लिए गए रूप की प्रकृति को पकड़ने की उनकी क्षमता में हड़ताली हैं। रूबेंस के चित्र को चौड़ाई और निष्पादन की स्वतंत्रता की विशेषता है: या तो कागज पर पेंसिल के दबाव को मजबूत करना या कमजोर करना, वह आकृति के विशिष्ट सिल्हूट को कैप्चर करता है, मांसपेशियों के तनावपूर्ण खेल को बताता है ("क्रॉस के उत्थान के लिए एक अध्ययन") . द बोअर हंट के लिए प्रारंभिक चित्रों में से एक में, रूबेंस ने आत्मविश्वास से प्रकाश और छाया के रसदार रस के साथ रूप को बिखेर दिया, गाँठ के विपरीत, टेढ़े-मेढ़े पेड़ के तने और झिलमिलाती रोशनी के साथ झिलमिलाते हुए पत्ते के हल्के कांप को व्यक्त किया। सुरम्य अभिव्यंजना, बढ़ी हुई भावुकता, गतिशीलता की एक महान भावना, तकनीक का कलात्मक लचीलापन रूबेन्स की ड्राइंग की महारत की विशेषता है।

रूबेन्स की सचित्र भाषा का आकर्षण उनके परिपक्व काल के चित्रों में भी प्रकट होता है। रूबेन्स के काम में चित्र का उतना महत्व नहीं था जितना कि हल्स, रेम्ब्रांट या वेलाज़क्वेज़ के काम में। और फिर भी रूबेंस के चित्र 17 वीं शताब्दी की कला में एक विशिष्ट और महत्वपूर्ण स्थान रखते हैं। रूबेन्स का चित्र कुछ हद तक नई ऐतिहासिक परिस्थितियों में उच्च पुनर्जागरण के चित्र की मानवतावादी परंपराओं को जारी रखता है। इतालवी पुनर्जागरण के आकाओं के विपरीत, रूबेंस संयमित रूप से लेकिन स्पष्ट रूप से चित्रित किए जा रहे व्यक्ति के लिए अपने प्रत्यक्ष व्यक्तिगत संबंध को व्यक्त करता है। उनके चित्र या तो सहानुभूति, या विनम्र सम्मान, या मॉडल के लिए हर्षित प्रशंसा की भावनाओं से भरे हुए हैं। उस सब के लिए, रूबेन्स के अपने मॉडलों के व्यक्तिगत संबंध में एक महत्वपूर्ण सामान्य विशेषता है। यह परोपकार है, छवि के नायक का सामान्य सकारात्मक मूल्यांकन। एक ओर, किसी व्यक्ति की छवि की ऐसी समझ आधिकारिक बारोक चित्र के लक्ष्यों के अनुरूप होती है, जो "योग्य", "महत्वपूर्ण" व्यक्तियों को चित्रित करने के लिए समर्पित है; दूसरी ओर, मनुष्य के प्रति इस तरह के रवैये में, रूबेन्स के जीवन-पुष्टि आशावाद और मानवतावाद ने स्वयं अपनी अभिव्यक्ति पाई। इसलिए, रूबेंस, सामान्य तौर पर, रेम्ब्रांट और वेलाज़क्वेज़ के विपरीत, मॉडल के साथ समानता और विश्वासपूर्वक समानता व्यक्त करते हुए, अपनी शारीरिक और मनोवैज्ञानिक उपस्थिति की सभी व्यक्तिगत मौलिकता के हस्तांतरण में बहुत गहराई तक नहीं जाते हैं। व्यक्ति के नैतिक जीवन में जटिल आंतरिक अंतर्विरोध उसकी दृष्टि के क्षेत्र से बाहर रहते हैं। प्रत्येक चित्र में, रूबेन्स, व्यक्तिगत विशेषताओं के लक्षण वर्णन के बिना, मॉडल की सामाजिक स्थिति की सामान्य विशेषता पर जोर देते हैं। सच है, शासकों के चित्रों में, उदाहरण के लिए, मैरी डे मेडिसी (1622-1625; प्राडो) के चित्र में, विशेषताओं की सत्यता और जीवन शक्ति केवल कठिनाई के साथ औपचारिक बारोक चित्र की पारंपरिकता के माध्यम से टूटती है; इसलिए, व्यक्तियों के चित्र या तो कलाकार के करीब हैं या सामाजिक पदानुक्रम के शीर्ष पर नहीं हैं, हमारे लिए बहुत अधिक कलात्मक मूल्य हैं। डॉ. टुल्डन (सी. 1615 - 1618; म्यूनिख), नौकरानी (सी. 1625; हर्मिटेज) के चित्रों में? सुसन्ना फोरमैन (1620; लंदन) और कुछ स्व-चित्रों में, रूबेन्स चित्र का यह यथार्थवादी आधार सबसे अधिक लगातार दिखाई देता है।

नौकरानी के चित्र में रूबेंस ने एक हंसमुख युवती के आकर्षण को व्यक्त किया। एक गर्म पृष्ठभूमि के खिलाफ, कॉलर के मोती-सफेद फोम से घिरा उसका चेहरा बाहर खड़ा है; सुनहरे बालों की भुलक्कड़ लटें उसके मंदिरों और माथे को ढँक देती हैं। हल्के सुनहरे प्रतिबिंब, गर्म पारदर्शी परछाइयाँ मुक्त रूप से रखी गई ठंडी हाइलाइट्स के साथ जीवन के रोमांच को व्यक्त करती हैं। नौकरानी ने अपना सिर थोड़ा घुमाया, और प्रकाश और छाया उसके चेहरे पर चमक उठी, उसकी आँखों में रोशनी की चिंगारियाँ चमक उठीं, बालों की लटें काँपने लगीं, और एक मोती की बाली छाया में झिलमिला उठी।

बाद के समय के रूबेंस के चित्रों में, वियना संग्रहालय (सी। 1638) में रखा गया उनका स्व-चित्र उल्लेख के योग्य है। यद्यपि औपचारिक चित्र की विशेषताएं खुद को रचना में महसूस करती हैं, फिर भी रूबेंस की शांत मुद्रा में बहुत अधिक स्वतंत्रता और सहजता है। कलाकार का चेहरा, चौकस और परोपकारी रूप से दर्शक को देख रहा है, जीवन से भरा हुआ है। इस चित्र में, रूबेंस प्रमुखता के व्यक्ति के अपने आदर्श की पुष्टि करते हैं, समृद्ध रूप से प्रतिभाशाली, बुद्धिमान, आत्मविश्वासी।

मास्टर के दिवंगत चित्रों में, कलाकार की दूसरी पत्नी, युवा ऐलेना फोरमैन के चित्र विशेष रूप से आकर्षक हैं। उनमें से सबसे अच्छा बच्चों के साथ हेलेना फोरमैन का लौवर चित्र है (1636 के बाद)। इस चित्र में, बैरोक सेरेमोनियल पोर्ट्रेट के सिद्धांतों का प्रभाव लगभग महसूस नहीं किया गया है, शानदार सामान और शानदार कपड़े छोड़ दिए गए हैं। पूरी तस्वीर शांत और निर्मल आनंद की भावना से ओतप्रोत है। माँ और बच्चों की छवि प्राकृतिक सहजता से भरी होती है और साथ ही एक विशेष आकर्षण भी। युवा माँ अपने सबसे छोटे बेटे को अपनी गोद में रखती है और विचारशील कोमलता के साथ अपना चेहरा उसके सामने झुकाती है। एक कोमल सुनहरी चमक एक हल्की धुंध के साथ सभी रूपों को ढँक देती है, लाल धब्बों की उज्ज्वल ध्वनि को नरम कर देती है, और शांत और गंभीर आनंद का वातावरण बनाती है। महिला - माँ और प्रेमी के लिए भजन इस सांसारिक मैडोना में भव्य रूप से सन्निहित है।

एक फर कोट के साथ एक नग्न हेलेना फोरमैन का एक पूर्ण-लंबाई वाला चित्र उसके कंधों पर फेंके गए मोटे फर ("फर कोट", 1638-1639; वियना) के साथ छंटनी की गई चित्र शैली से परे है। रूबेन्स ने अपनी युवा पत्नी के कामुक आकर्षण को व्यक्त करते हुए स्त्री सौंदर्य के अपने आदर्श को मूर्त रूप दिया। अद्भुत कौशल के साथ, रूबेंस गुलाबी त्वचा के नाजुक अतिप्रवाह और चेहरे को कर्ल की चमक के बीच, अंधेरे शराबी फर और एक नग्न शरीर के बीच विरोधाभासों का उपयोग करता है।

रूबेन्स ने हेलेन फोरमैन को न केवल चित्रों में दर्शाया है। हम एंड्रोमेडा (1638-1640; बर्लिन) और बतशेबा (सी। 1635; ड्रेसडेन) में उसकी विशेषताओं को पहचानते हैं। रूबेंस के लिए पेंटिंग आंख के लिए एक दावत है, होने के उत्सव की समृद्धि के लिए अपने लालची प्यार को संतुष्ट करना। ड्रेसडेन कैनवस में, सीट पर फेंके गए बेडस्प्रेड के लाल रंग की आवाज़ और पीछे फेंके गए फर कोट के काले-भूरे मोटे रंग की तुलना में, नीग्रो लड़के के हरे-नीले कपड़े, जैतून-काले रंग का उसके शरीर को एक ध्वनिमय तार बनाने के लिए कहा जाता है, जिसके खिलाफ नग्न शरीर के रंगों की सारी समृद्धि सामने आती है। बतशेबा। इसी समय, रूबेंस रूप और रंग की सबसे सूक्ष्म बारीकियों को व्यक्त करता है। यह नीग्रो की आँखों के गोरों की चमक और उस पत्र के सफेद धब्बे का रस है जिसे वह बतशेबा को देता है।

जीवन की कामुक समृद्धि का विषय, इसका शाश्वत आंदोलन, रूबेन्स द्वारा "बच्चनलिया" में अपनी सबसे प्रत्यक्ष अभिव्यक्ति पाता है। शराब के नशे में चूर, व्यंग्य, व्यंग्य एक हिंसक भीड़ में चित्र पर आक्रमण करते हैं। कभी-कभी (सिलेनस की विजय में, 1620 के अंत में; लंदन) भीड़ एक अंतहीन जुलूस का हिस्सा होने का आभास देती है, जो तस्वीर के फ्रेम से कट जाती है।

इस प्रकार के सबसे उल्लेखनीय कार्यों में से एक हर्मिटेज बाचस (1635 और 1640 के बीच) है। रुबेन्स का बाचूस टिटियन ("बैकस और एराडने") के सामंजस्यपूर्ण रूप से सुंदर बाचूस से बहुत दूर है। शराब के एक बैरल पर बैठे एक हंसमुख ग्लूटन की मोटी आकृति कुछ हद तक डी कॉस्टर - फ़्लैंडर्स के गर्भ द्वारा बनाई गई लम्मे गूज़क की छवि के करीब है। "बैकस" की पूरी रचना को होने के शारीरिक आनंद के लिए एक स्पष्ट भजन के रूप में माना जाता है।

1610 के दशक में रूबेन्स के काम में इतना महत्वपूर्ण स्थान लिया। सामान्य चरित्र में बैरोक वेदी रचनाएँ बाद की अवधि में पृष्ठभूमि में फीकी पड़ जाती हैं और आमतौर पर कार्यशाला द्वारा स्वयं कलाकार की भागीदारी के बिना ही प्रदर्शित की जाती हैं। जब गुरु स्वयं इस तरह के कार्यों की ओर मुड़ता है, तो वह यथार्थवादी अभिव्यक्ति से भरे कार्यों का निर्माण करता है। उनकी वेदी रचना "सेंट का दर्शन" Ildefons” (1630-1632; ब्रसेल्स, स्केच इन द हर्मिटेज) इस संबंध में बहुत खुलासा करता है। यह उल्लेखनीय है कि स्केच वेदी पेंटिंग की तुलना में रचना के बहुत अधिक यथार्थवाद से प्रतिष्ठित है। तीन पंखों में कोई सशर्त विभाजन नहीं है, उड़ते हुए स्वर्गदूतों को चित्रित नहीं किया गया है, आदि पात्रों की मुद्राएँ अधिक स्वाभाविक और सरल हैं। प्रकाश की एकता, वायु पर्यावरण का संचरण रंग विरोधाभासों की तीक्ष्णता को नरम करता है। रचनात्मक निर्माण की स्पष्टता में सुधार करते हुए, रूबेन्स एक ही समय में प्रारंभिक वेदी रचनाओं की अत्यधिक सजावट से इनकार करते हैं, अक्सर कई पात्रों के साथ अत्यधिक भीड़ से। कलाकार की यथार्थवादी आकांक्षाओं की बढ़ती परिपक्वता और निरंतरता ने उसे बाइबिल और प्राचीन विषयों के दायरे से परे जाने के लिए प्रेरित किया होगा। यह आंशिक रूप से 1620 और 1630 के दशक में उनके काम में चित्र और परिदृश्य के उत्कर्ष के कारण था।

रूबेन्स का परिदृश्य डच परंपराओं को विकसित करता है, जिससे उन्हें एक नया वैचारिक अर्थ और कलात्मक महत्व मिलता है। वह मुख्य रूप से समग्र रूप से प्रकृति की सामान्यीकृत छवि की समस्या को हल करता है; दुनिया के अस्तित्व की राजसी तस्वीर, मनुष्य और प्रकृति का स्पष्ट सामंजस्य, उससे इसकी उत्कृष्ट काव्यात्मकता प्राप्त करता है और साथ ही साथ कामुक रूप से पूर्ण रूप से विकसित होता है। दुनिया पूरी है, और एक व्यक्ति इसके साथ शांति और खुशी से अपनी एकता महसूस करता है। रूबेंस द्वारा पहले के परिदृश्य, जैसे द कैरियर्स ऑफ स्टोन्स (सी। 1620; हर्मिटेज), रचना में कुछ अधिक नाटकीय हैं। अग्रभूमि की चट्टानें, जैसा कि यह थीं, पृथ्वी के आंत्र से तनाव के साथ उठती हैं, इसके आवरण को गर्जना के साथ फाड़ देती हैं। बड़े प्रयास से, घोड़े और लोग एक भारी भरी हुई गाड़ी को एक पहाड़ी सड़क के शिखर पर घुमाते हैं। रूबेन्स के बाद के परिदृश्य शांत और अधिक पवित्र हैं। विशेष रूप से पूरी तरह से एक सामान्यीकृत बनाने की उनकी क्षमता और साथ ही साथ द फार्म एट लाइकेन (1633; लंदन, बकिंघम पैलेस) में प्रकृति की स्पष्ट रूप से आश्वस्त करने वाली छवि प्रकट हुई है। नदी के बैकवाटर, मैदानों की राजसी स्पष्टता, आकाश तक अपनी शाखाओं को फैलाते हुए पेड़, बादलों की उड़ान लय की एक स्पष्ट संगति बनाती है जो दुनिया की शक्तिशाली सांस को व्यक्त करती है। मोटे झुंड, एक किसान महिला धीरे-धीरे एक जग के साथ रास्ते पर चल रही है, एक किसान जो अपने घोड़े को पानी के छेद में लाया, जीवन की राजसी सद्भाव की समग्र तस्वीर को पूरा करता है। "वोडोपॉय" में रसदार रंग, और चांदी-नीले रंग की रोशनी, चित्र को ढँकने, और पर्णसमूह के सूक्ष्म संचरण और नमी की झिलमिलाहट के साथ व्यापक सजावटी प्रभावों के संयोजन के साथ आंख को भाता है।

हाल के दशकों में, रूबेन्स ने लोक जीवन का चित्रण किया है। वह उसे मुख्य रूप से उत्सव की ओर से दिलचस्पी लेती है। "केर्मेस" (सी। 1635-1636; लौवर) और विशेष रूप से "किसान नृत्य" (1636 और 1640 के बीच; प्राडो) में, रूबेन्स, 16 वीं शताब्दी के डच यथार्थवादियों की परंपराओं से शुरू होकर, एक सामान्यीकृत छवि तक बढ़ जाता है। लोगों की ताकत और महानता। रूबेन्स के वीर आशावाद का लोक आधार यहाँ इसकी सबसे प्रत्यक्ष अभिव्यक्ति प्राप्त करता है। एक तेज गति वाले नृत्य में, गोल नृत्य की गति या तो प्रकट होती है या ढह जाती है। युवा किसान और किसान महिलाएँ अपने स्वास्थ्य में, अपने उल्लासपूर्ण प्रफुल्लता में सुंदर हैं। शांत राजसी परिदृश्य एक उपजाऊ और शक्तिशाली भूमि की छवि को फिर से बनाता है। एक शक्तिशाली शाखित ओक अपने पत्ते के साथ नर्तकियों को ढक लेता है। शाखाओं के बीच बैठे एक बांसुरी वादक की आकृति, जैसा कि यह थी, ओक के साथ-साथ ओक की गहराई से निकलती है। धरती। उनकी बांसुरी का संगीत अपने आप में प्रकृति का आनंदमय और उन्मुक्त गीत है। रूबेंस के किसानों की छवियां रोजमर्रा की प्रामाणिकता से रहित हैं, लेकिन उनकी उपस्थिति की स्वस्थ सादगी, उनकी खुशमिजाजी के लिए प्रशंसा उन्हें फ़्लैंडर्स और उसके लोगों की अटूट शक्ति और महानता के प्रतीक में बदल देती है।

रूबेंस की कार्यशाला न केवल कई सबसे बड़े फ्लेमिश चित्रकारों के गठन का केंद्र थी - प्रजनन उत्कीर्णन के मास्टर्स का एक नया एंटवर्प स्कूल भी यहां बनाया गया था, जो मुख्य रूप से रूबेन्स के सचित्र मूल, साथ ही साथ उनके सर्कल के कलाकारों को पुन: प्रस्तुत करता है। एक नियम के रूप में, उत्कीर्णन को मूल से नहीं, बल्कि विशेष रूप से तैयार किए गए - रूबेन्स के छात्रों द्वारा - ग्रिसल चित्र द्वारा निष्पादित किया गया था। इस प्रकार, एक पेंटिंग की रंगीन छवि को टोनल-ग्राफिक छवि में अनुवादित किया गया; बड़े पैमाने पर कटौती, बदले में, उकेरने वाले के कार्य को सुविधाजनक बनाती है। भाग में, इस प्रारंभिक कार्य ने कलात्मक सामान्यीकरण की विशेष डिग्री निर्धारित की जो 17 वीं शताब्दी के फ्लेमिश उत्कीर्णन को अलग करती है। अन्य पश्चिमी यूरोपीय स्कूलों के बीच। रूबेंस ने उत्कीर्णन के सभी चरणों में सक्रिय रूप से काम का पालन किया और अक्सर इसमें स्वयं हस्तक्षेप किया, जिससे प्रूफ प्रिंट में बदलाव हुए। उत्कीर्णन के प्रतिभाशाली उस्तादों की आकाशगंगा में, सबसे पहले लुकास वोरस्टरमैन (1595-1675) का उल्लेख किया जाना चाहिए। यद्यपि रूबेंस के साथ उनका रचनात्मक सहयोग बहुत लंबे समय तक नहीं चला, लेकिन यह उत्कीर्णन की संख्या और कलात्मक परिणामों दोनों के मामले में बेहद फलदायी था। रूबेन्स की रचनात्मक अवधारणा के बाद, वोरस्टरमैन केवल काले और सफेद के माध्यम से रुबेंस की रचनाओं के रंगीन सामंजस्य की तीव्रता की भावना को व्यक्त करने के लिए, चमकदार रोशनी से समृद्ध मख़मली छाया तक शानदार संक्रमण के साथ चादरों को संतृप्त करने के लिए, समृद्ध करने के लिए और कभी-कभी कोमल और सूक्ष्म, कभी-कभी मजबूत और ऊर्जावान स्ट्रोक के साथ अभिव्यक्तता में विविधता लाते हैं। लगभग छाया में नीरस और शुष्क क्रॉस-हैचिंग से बचते हुए, जो अतीत में इतना सामान्य था, और तेज समोच्च रेखा और सूक्ष्म विवरण ड्राइंग को छोड़कर, मास्टर ने बड़े द्रव्यमान, रसदार प्रकाश और छाया विरोधाभासों पर अपनी नक्काशी का निर्माण किया, जो पूरी तरह से कब्जा कर रहा था रूबेन्स की कला की गतिशील और गंभीर भावना। इस नई शैली के वोरस्टरमैन द्वारा रखी गई नींव को उनके छात्रों और अनुयायियों द्वारा जारी रखा गया और विकसित किया गया, जो अभी भी वोरस्टरमैन की चौड़ाई और स्वतंत्रता को प्राप्त नहीं कर सके, हालांकि उनमें से पॉल पोंसियस (1603-1658) जैसे प्रतिभाशाली स्वामी थे, जिन्हें विशेष रूप से जाना जाता था। एक प्रथम श्रेणी के चित्रकार, भाई बोल्स्वर्ट - बोथियस (सी। 1580-सी। 1634) और शेल्टे एडमे (1581 - 1659), जिनके सबसे अच्छे काम रूबेन्स द्वारा परिदृश्य से उत्कीर्णन हैं।

तीक्ष्ण उत्कीर्णन फ़्लैंडर्स में उत्कीर्णन का प्रमुख प्रकार था, जो नक़्क़ाशी को पृष्ठभूमि में धकेलता था। एंटवर्प स्कूल की नई शैली रूबेन्स के घेरे में एकमात्र जाइलोग्राफर क्रिस्टोफर जैगर (1596-सी। 1652) के काम में भी प्रकट हुई।

रूबेन्स के बाद फ़्लैंडर्स में सबसे महान चित्रकार उनके सबसे प्रतिभाशाली छात्र और युवा समकालीन, एंथोनी वैन डाइक (1599-1641) थे। वान डाइक के व्यक्तिगत भाग्य में, पूंजीपति वर्ग के धनी तबके के मूल निवासी, जो अपने पूरे जीवन में बड़प्पन के चुने हुए घेरे में प्रवेश करने के इच्छुक थे, और अपने काम के विकास में, जिसमें लोकतांत्रिक परंपराओं से प्रस्थान राष्ट्रीय चित्रकला की योजना बनाई गई है, समकालीन फ्लेमिश समाज के अभिजात वर्ग की सामान्य प्रक्रिया स्पष्ट रूप से परिलक्षित हुई थी। लेकिन वैन डाइक के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में, एक स्वस्थ यथार्थवादी शुरुआत को संरक्षित किया गया है, उनके समय के लोगों की गहरी, सार्थक छवियां बनाई गई हैं।

वान डाइक ने अपनी प्रारंभिक कला शिक्षा एंटवर्प में चित्रकार वैन बालेन से प्राप्त की। उन्नीस वर्ष की आयु में वे रुबेन्स की कार्यशाला में आए। एक साल बाद, युवा कलाकार को पेंटर्स के एंटवर्प कॉर्पोरेशन का सदस्य चुना गया। रूबेन्स ने अपने छात्र की बहुत सराहना की, और वैन डाइक जल्द ही विभिन्न आदेशों को पूरा करने में उनके सहायक बन गए। इस अवधि के दौरान, मास्टर धार्मिक विषयों पर पेंटिंग बनाते हैं जो रचना में गतिशील होते हैं। उनमें से कई रूबेंस ("सेंट जेरोम", "ड्रंकन स्ट्रॉन्ग"; ड्रेसडेन) का एक मजबूत प्रभाव दिखाते हैं। हालांकि, रूबेंस की तुलना में, वैन डाइक की छवियां भावनाओं की मौलिक परिपूर्णता खो देती हैं, अधिक सुस्त, कम महत्वपूर्ण लगती हैं। मास्टर अक्सर उनकी ऊँची और आमतौर पर बाहरी रूप से समझी जाने वाली अभिव्यक्ति के लिए प्रयास करते हैं, जो उनके कुछ कैनवस को दूर की कौड़ी का रंग देता है, जैसे कि, उदाहरण के लिए, म्यूनिख "सेंट की शहादत"। सेबस्टियन" (1618-1621)। वैन डाइक कहीं अधिक दिलचस्प है जहां वह अपने काम ("सेंट मार्टिन और भिखारी") के करीब आलंकारिक समाधान पाता है।

वैन डाइक को जन्मजात चित्रकार कहा जा सकता है। उन्होंने चित्र कला की अपनी शैली बनाई, जिसने कई यूरोपीय देशों के उच्चतम हलकों में व्यापक लोकप्रियता हासिल की। ग्राहक न केवल वैन डाइक के शानदार शिल्प कौशल से बहुत ही प्रकार के औपचारिक अभिजात चित्र के समाधान से आकर्षित हुए। वान डाइक की कला का आकर्षक बल मानव व्यक्तित्व का अंतर्निहित आदर्श था, जिसका उन्होंने अपने कार्यों में पालन किया।

वैन डाइक का आदमी, जैसा कि वह था, रोजमर्रा की जिंदगी से ऊपर उठ गया; आंतरिक रूप से प्रतिष्ठित, यह औसत दर्जे की छाप से रहित है। कलाकार मुख्य रूप से अपना आध्यात्मिक शोधन दिखाना चाहता है। अपने सर्वश्रेष्ठ चित्रों में, वैन डाइक ने, सतही आदर्शीकरण में पड़े बिना, सजीव और विशिष्ट छवियां बनाईं, जिनमें एक ही समय में एक अजीबोगरीब काव्य अपील है।

वैन डाइक के शुरुआती एंटवर्प चित्र उनके मूल शहर के महान नागरिकों, उनके परिवारों, उनकी पत्नियों और बच्चों के साथ कलाकारों की छवियों का प्रतिनिधित्व करते हैं। ये काम फ्लेमिश पेंटिंग ("पारिवारिक चित्र", 1618 और 1620 के बीच हर्मिटेज; कॉर्नेलिस वैन डेर गेस्ट का चित्र) की परंपराओं से निकटता से जुड़े हुए हैं।

1620 में वैन डाइक इंग्लैंड और फिर इटली गया। रोम में, उन्होंने वैज्ञानिक और राजनयिक कार्डिनल गुइडो बेंटिवोग्लियो (फ्लोरेंस, पिट्टी) का चित्र बनाया। यहां पहले से ही वैन डाइक की कला के सिद्धांत स्पष्ट रूप से व्यक्त किए गए हैं। लाल पर्दे की पृष्ठभूमि के खिलाफ एक कुर्सी पर बैठे कार्डिनल की छवि सशक्त रूप से औपचारिक है। लेकिन बाहरी प्रतिनिधित्व को किसी व्यक्ति के समृद्ध आंतरिक जीवन के प्रकटीकरण के साथ जोड़ा जाता है। प्रकाश बेंटिवोग्लियो के विचारशील, आध्यात्मिक चेहरे पर पड़ता है, जो विचार के गहन कार्य को व्यक्त करता है। यह महत्वपूर्ण है कि बौद्धिक चरित्र चित्रण में वान डाइक इस व्यक्ति की विशिष्टता पर जोर देता है, छवि में उत्साह का स्पर्श लाता है।

वैन डाइक व्यापार संबंधों द्वारा फ़्लैंडर्स के साथ निकटता से जुड़े एक कुलीन गणराज्य जेनोआ में बसता है। वह शहर के सबसे बड़े कुलीन परिवारों के लिए एक लोकप्रिय चित्रकार बन जाता है। वेनेटियन की पेंटिंग के साथ परिचित होने से मास्टर, उनके पैलेट की रचना तकनीक समृद्ध होती है। वह इतालवी बड़प्पन के प्रतिनिधियों के राजसी, अक्सर पूर्ण-लंबाई वाले चित्र बनाता है। जेनोआ के शानदार महलों के बैंगनी ड्रैपरियों और विशाल स्तंभों की पृष्ठभूमि के खिलाफ घमंडी बुजुर्गों, कुलीन घुड़सवारों, लंबी गाड़ियों के साथ भारी, गहनों से सजी पोशाक में पतली महिलाओं को प्रस्तुत किया जाता है। ये शानदार सेटिंग पोर्ट्रेट-पेंटिंग हैं।

जेनोइस काल के सभी कार्य समान नहीं हैं - उनमें से कुछ में एक निश्चित धर्मनिरपेक्ष अवैयक्तिकता प्रबल है। लेकिन इस समय के सर्वश्रेष्ठ चित्रों में, जैसा कि बेंटिवोग्लियो के चित्र में है, किसी को छवियों के अजीबोगरीब उत्साह का आभास मिलता है। Marquise Catharina Durazzo न्यूयॉर्क मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट के चित्र में एक उत्कृष्ट व्यक्तित्व के रूप में दिखाई देती है। छवि की आध्यात्मिकता इस तरह के अधिक अंतरंग और कुछ हद तक रोमांटिक चित्र के अनुरूप है। लेकिन एक अधिक पारंपरिक औपचारिक छवि की सीमाओं के भीतर भी, वैन डाइक छवियों को जीवन के रोमांच से भर देता है। युवा Marquise Balbiani (न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट) के चित्र में, सब कुछ असामान्य लगता है, एक विशेष परिष्कृत सुंदरता द्वारा चिह्नित: लम्बी अनुपात, चेहरे का पीलापन और लाड़ प्यार करने वाले बेकार हाथ, बेहतरीन रंगों से सजे काले कपड़ों की भव्यता झिलमिलाता सोने के फीता का पैटर्न। लेकिन, शायद, जो सबसे ज्यादा कैप्चर करता है वह आध्यात्मिक उत्थान, आंतरिक पुनरुत्थान की भावना है जो छवि को पार करता है।

वैन डाइक के अपने वतन लौटने पर, उनके काम का दूसरा एंटवर्प काल (1627-1632) शुरू होता है। इस समय, रूबेंस एक लंबी राजनयिक यात्रा के लिए निकल जाता है, और वैन डाइक वास्तव में फ़्लैंडर्स का पहला कलाकार बन जाता है। 1630 से वह आर्कड्यूक के दरबार का दरबारी चित्रकार था। वैन डाइक इस समय विभिन्न फ्लेमिश चर्चों के साथ-साथ पौराणिक विषयों पर चित्रों के लिए बहुत सारी वेदी के चित्र बनाते हैं। लेकिन, पहले की तरह, उनका मुख्य पेशा एक चित्र बना हुआ है। एक औपचारिक चित्र की परंपरा में चित्रित गणमान्य व्यक्तियों और रईसों, कमांडरों और प्रीलेट्स, अमीर फ्लेमिश व्यापारियों की छवियों के साथ, वह वकीलों, डॉक्टरों और उनके साथी फ्लेमिश कलाकारों के चित्र बनाता है। यह रचनात्मकता की इस अवधि के दौरान था कि वैन डाइक का जीवंत स्वभाव, फ़्लैंडर्स की कला की यथार्थवादी परंपराओं के साथ उनका संबंध विशेष रूप से स्पष्ट रूप से प्रकट होता है। कलाकारों के चित्र सटीकता और विशेषताओं की सामग्री में भिन्न होते हैं: थके हुए, सख्त स्नाइडर (वियना, संग्रहालय), बहादुर स्नियर्स (म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक), अच्छे स्वभाव वाले क्रायर (वियना, लिकटेंस्टीन गैलरी), डॉक्टर लाजर मैकर्कीज़स (1622-1630; हरमिटेज), भाषाविद और प्रकाशक जान वैन डेन वाउवर (द पुश्किन स्टेट म्यूज़ियम ऑफ़ फाइन आर्ट्स)। इन वर्षों के सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक युवा सौंदर्य मारिया लुईस डी टैसिस (वियना, लिकटेंस्टीन गैलरी) का चित्र है। यह चित्र प्रतिनिधित्व की उस डिग्री को बरकरार रखता है जो वैन डाइक के जेनोइस कार्यों को अलग करता है, और साथ ही यह जीवन शक्ति और शांत स्वाभाविकता से भरी छवि है।

वान डाइक के नक़्क़ाशी कार्यों में विशेषता का तीखापन भी निहित है, जिसने 1627 में प्रकाशित "आइकोनोग्राफी" बनाई, जो प्रसिद्ध समकालीनों के नक़्क़ाशी-चित्रों का एक संग्रह है (सौ छवियों में से, मास्टर ने अपने स्वयं के साथ सोलह चित्र बनाए) हाथ, बाकी के लिए उन्होंने प्रारंभिक रेखाचित्र दिए)।

1632 में, वह इंग्लैंड के लिए रवाना हुआ और चार्ल्स प्रथम का दरबारी चित्रकार बन गया। इंग्लैंड में, महत्वाकांक्षी वैन डाइक को कुलीनता की उपाधि और एक नाइट की सोने की चेन मिली। मैरी रासवेन से उनकी शादी के लिए धन्यवाद, जो एक बहुत ही प्राचीन लेकिन गरीब परिवार से आई थीं, कलाकार कठोर अंग्रेजी अभिजात वर्ग की श्रेणी में प्रवेश करता है। वह राजा, रानी और उनके बच्चों के कई चित्र बनाता है; उनके लिए प्रस्तुत करने का सम्मान सभी उच्च अंग्रेजी समाज द्वारा मांगा जाता है।

कुछ में, विशेष रूप से इस अवधि के शुरुआती कार्यों में, वैन डाइक अभी भी अपनी प्रतिभा की ताकत को बरकरार रखता है। छवियों के स्पष्ट अभिजात वर्ग को भावनात्मक और मनोवैज्ञानिक शोधन के साथ जोड़ा गया है: फिलिप व्हार्टन (1632; न्यूयॉर्क, मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट), मैरी रासवेन (सी। 1640; म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक), थॉमस व्हार्टन (1630 के दशक के अंत में) के चित्र। ; हरमिटेज संग्रहालय)। अंग्रेजी काल के वैन डाइक के उत्कृष्ट कार्यों में किंग चार्ल्स I (सी। 1635; लौवर) का चित्र शामिल है। पारंपरिक तकनीकों में मास्टर द्वारा चित्रित चार्ल्स I के कई चित्रों में से, यह कैनवास डिजाइन की अपनी विशेष मौलिकता के लिए खड़ा है। औपचारिक छवि के सिद्धांतों को यहां एक मजबूर तरीके से प्रकट नहीं किया गया है, जैसा कि वैन डाइक के कई अन्य चित्रों में है, बल्कि नरम, अधिक अंतरंग व्याख्या में, जो, हालांकि, कलाकार के शानदार कौशल के लिए धन्यवाद, किसी भी तरह से नहीं जाता है मॉडल की प्रतिनिधित्व क्षमता के नुकसान के लिए। राजा को एक सुंदर लापरवाह मुद्रा में एक परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ चित्रित किया गया है; उसके पीछे एक नौकर एक शुद्ध घोड़ा रखता है। पारदर्शी सिल्वर-ग्रे और सुस्त सुनहरे रंगों के साथ संतृप्त चित्र का रंग उत्तम सुंदरता से अलग है। चार्ल्स I की छवि - लालित्य और अभिजात वर्ग का बहुत अवतार - वैन डाइक द्वारा काव्यात्मक है, और साथ ही, इस आदमी का आंतरिक सार, अभिमानी और कमजोर, तुच्छ और आत्मविश्वासी, आकर्षक सज्जन और अदूरदर्शी सम्राट , यहाँ बहुत सूक्ष्मता से व्यक्त किया गया है।

लेकिन वैन डाइक के काम में विरोधाभास पहले कभी इतना स्पष्ट नहीं रहा जितना कि अंग्रेजी काल में था। इन कार्यों के साथ, जो उनके उच्च कौशल की गवाही देते हैं, वैन डाइक, आज्ञाकारी रूप से अपने महान ग्राहकों की इच्छाओं का पालन करते हुए, कई खाली आदर्श चित्र बनाते हैं। उनके कार्यों के सचित्र गुणों में भी गिरावट आ रही है। इस समय उनके काम करने का तरीका ही सांकेतिक है। आदेशों से अभिभूत, वह, रूबेन्स की तरह, प्रशिक्षु सहायकों के साथ खुद को घेर लेता है। वैन डाइक ने एक दिन के लिए कई पोर्ट्रेट्स पर काम किया। मॉडल के स्केच में एक घंटे से अधिक नहीं लगा, बाकी, विशेष रूप से कपड़े और हाथ, कार्यशाला में विशेष सिटर के छात्रों द्वारा जोड़े गए थे। पहले ही दूसरे सत्र में, वैन डाइक ने चित्र को उतनी ही तेजी से पूरा किया। इसी तरह की विधि ने उनमें एक निश्चित मोहर की प्रबलता पैदा कर दी।

वैन डाइक की कलात्मक भूमिका अत्यंत महत्वपूर्ण थी और मुख्य रूप से अपनी मातृभूमि के बाहर ही प्रकट हुई थी। अंग्रेजी चित्रकार चित्रकार उनकी कला की परंपराओं पर निर्भर थे। दूसरी ओर, स्वर्गीय वैन डाइक के आदर्श औपचारिक चित्र का प्रकार 17वीं और 18वीं शताब्दी के कई पश्चिमी यूरोपीय चित्रकारों के लिए एक आदर्श बन गया।

फ्लेमिश पेंटिंग का तीसरा सबसे बड़ा प्रतिनिधि जैकब जॉर्डन (1593-1678) था। एक अमीर एंटवर्प व्यापारी का बेटा, उसने अपना पूरा जीवन अपने गृहनगर में बिताया। एडम वैन नोर्ट के साथ अध्ययन (1607 से) का जॉर्डन के कलात्मक विकास पर अधिक प्रभाव नहीं पड़ा। दूसरों की तुलना में अधिक निकटता से, वह ओल्ड नीदरलैंडिश पेंटिंग की यथार्थवादी परंपरा से जुड़ा था। आधुनिक इतालवी मास्टर्स में से, उन्होंने कारवागियो की कला की सबसे अधिक सराहना की। पहचान जल्द ही युवा कलाकार को मिली। पहले से ही 1615 में उन्हें एंटवर्प चित्रकारों के गिल्ड के सदस्य का खिताब मिला और 1621 में उन्हें इसका डीन चुना गया।

शायद, किसी भी उस्ताद ने फ्लेमिश कला के मिट्टी के सिद्धांत को इतनी ताकत से व्यक्त नहीं किया, कभी-कभी मोटे कामुकता की छाया लेते हुए, जैसा कि जॉर्डन में होता है। यह इस तथ्य से सुगम था कि उन्होंने इटली का दौरा नहीं किया और इसके अलावा, इतालवी मॉडलों के अनुकूल होने का प्रयास नहीं किया। जॉर्डन के काम, यहां तक ​​​​कि धार्मिक और पौराणिक विषयों पर, शैली के संदर्भ में व्याख्या की जाती है, पात्र, जो अक्सर घरेलू वातावरण में दिए जाते हैं और हमेशा जीवन से लिखे जाते हैं, कभी-कभी बहुत भारी लगते हैं। इसी समय, उनका काम रोजमर्रा के अभियोग की विशेषताओं से रहित है - इसमें एक विशेष उत्सव का तमाशा और प्रफुल्लता का अटूट भंडार है। दुनिया की आशावादी धारणा की यह पूर्णता जॉर्डन को रूबेंस के करीब लाती है। लेकिन, बाद के विपरीत, जॉर्डन के पास कलात्मक सामान्यीकरण की ऐसी शक्ति नहीं है, इतना विशाल रचनात्मक दायरा और ऐसी अटूट कल्पना। उनकी कला कुछ हद तक एक आयामी है।

जॉर्डन का कलात्मक व्यक्तित्व उनके शुरुआती कार्यों में पहले से ही स्पष्ट है। द एडवेंचर ऑफ द शेफर्ड्स (1618; स्टॉकहोम, म्यूजियम) में, मार्मिक मासूमियत से भरपूर, किसानों ने एक युवा, बदसूरत फ्लेमिश महिला को अपनी गोद में एक बच्चे के साथ घेर लिया। बड़े आंकड़े घनी जगह को भरते हैं, कलाकार उन्हें मजबूत, विषम क्रियोस्कोरो के साथ तराशता है, जो आंकड़ों और वस्तुओं की स्पर्शनीय भौतिकता पर जोर देता है। कॉम्पैक्ट रचना की सादगी, बड़े सुरम्य स्थानों पर निर्मित रंग की ध्वनि, छवियों की जीवन शक्ति इस सरल दृश्य को महत्व देती है। वही विशेषताएं पौराणिक विषयों ("बृहस्पति की शिक्षा", लौवर; "मेलिएगर और अटलंता", एंटवर्प) पर जॉर्डन के चित्रों को अलग करती हैं। और उनमें हम जीवन से छीने हुए वही भरे-पूरे, मजबूत लोक प्रकार पाते हैं। गुरु के कार्य कम सफल होते हैं, जिसमें वह अमूर्त अलंकारिक चित्र बनाने का प्रयास करता है। इस प्रकार, ब्रसेल्स पेंटिंग "प्रजनन क्षमता का रूपक" (सी। 1625-1628; ब्रुसेल्स), जिसमें कई सुंदर विवरण हैं, कुल मिलाकर बड़े पैमाने पर आंकड़े के साथ अतिभारित, अतिभारित लगता है। जाहिरा तौर पर, 1630 से पहले, रचनात्मक डिजाइन पेंटिंग "एक चट्टान से पानी पर नक्काशी करने वाले मूसा" के संदर्भ में एक बोल्ड और मूल निष्पादित किया गया था (कार्लज़ूए, संग्रहालय)।

सबसे स्पष्ट रूप से, जॉर्डन के काम की मौलिकता उन कैनवस में प्रकट होती है जिसमें शैली के रूप प्रमुख होते हैं। उन्होंने स्वेच्छा से लोक कहावतों, दंतकथाओं, कहावतों, सुविचारित और धूर्त उत्साह से भरी कहानियों को चित्रित किया। मास्टर के काम में कई पसंदीदा विषय थे जिन पर वह बार-बार लौट आया। तो, म्यूनिख, कासेल, बुडापेस्ट, मॉस्को के संग्रहालयों में, ईसप की कथा के कथानक पर लिखी गई पेंटिंग "ए सैटियर विजिटिंग ए पीजेंट" के कई संस्करण हैं। वे एक किसान परिवार के भोजन का चित्रण करते हैं, जिसमें एक बकरी के पैर वाला व्यंग्य शामिल होता है। ललित कला के मास्को संग्रहालय का सबसे सफल कैनवास। कथा के अनुसार, व्यंग्य लोगों के दोहरेपन से हैरान है - एक किसान का व्यवहार जो इसे ठंडा करने के लिए दलिया पर उड़ाता है, जबकि पहले उसने उन्हें गर्म करने के लिए अपने हाथों पर फूंक मारी थी। जॉर्डन और व्यंग्यकार और किसान एक ही प्रकृति के बच्चे हैं, शारीरिक रूप से मजबूत, सरल-हृदय, मोटे जीवन शक्ति से भरे हुए हैं। अपने असामान्य अतिथि के साथ भोजन और बातचीत में लीन, जिनकी उपस्थिति उनके घेरे में काफी स्वाभाविक लगती है, किसानों ने मेज के चारों ओर भीड़ लगा दी। उनके भारी शरीर, लाल-गाल वाले चेहरे, खुरदरे पैर, अग्रभूमि में एक मिट्टी के बर्तन को प्लास्टिक की स्पर्शनीयता से अवगत कराया जाता है। एक विस्तृत घने ब्रशस्ट्रोक, सोनोरस ब्लू, रेड, येलो, गोल्डन-ब्राउन टोन के बड़े रंगीन धब्बे, रंगों से संतृप्त, मास्को चित्र की पेंटिंग को अलग करते हैं।

आयॉर्डन विशेष रूप से बर्गर परिवारों को चित्रित करने के शौकीन थे, या तो उत्सव की मेज पर लापरवाही से भोजन करते थे, या एक परिवार के संगीत कार्यक्रम के लिए एक साथ इकट्ठा होते थे। इन दृश्यों का चित्रण पारंपरिक लोक उत्सवों की प्रफुल्लित करने वाली भावना को दर्शाता है। यदि रूबेंस के काम में समान प्रकृति के विषयों और छवियों को एक उच्च कलात्मक सामान्यीकरण की विशेषताओं से अलग किया जाता है, तो जॉर्डन के चित्रों में शैली के तत्व अधिक स्पष्ट होते हैं। जिन विषयों में वह बार-बार लौटा, उनमें "बीन किंग" के त्योहार की छवि थी। छुट्टी उस दिन मनाई जाती थी, जब किंवदंती के अनुसार, राजा शिशु मसीह को प्रणाम करने आए थे। दावत में उपस्थित व्यक्ति जिसके पास सेम के साथ केक का एक टुकड़ा था, वह छुट्टी का राजा बन गया।

हर्मिटेज पेंटिंग द बीन किंग (सी. 1648) में फ्लेमिश बर्गर के एक शोरगुल वाले परिवार को दर्शाया गया है। आदरणीय बूढ़ा - परिवार का पिता - "राजा" स्वयं, एक कागज़ के मुकुट के साथ ताज पहनाया जाता है, एक गिलास से शराब पीता है, और पूरी कंपनी उत्साही नशे में चिल्लाती है। जगह भारी वजन वाली आकृतियों से भरी हुई है, जिसके चारों ओर बर्तनों से भरी मेज है। एक मजबूत आंदोलन जो इस बेचैन समूह की अनुमति देता है, वह बेलगाम मस्ती का आभास देता है। प्रत्येक चरित्र को विशद और वाक्पटुता से चित्रित किया गया है। गुरु का सचित्र तरीका एक विशेष अक्षांश तक पहुँचता है। जॉर्डन पहले से ही यहां तेज रोशनी और छाया के विपरीत से बचता है। तस्वीर सुनहरे गुलाबी से सुनहरे भूरे रंग के कई रंगों के साथ गर्म रंगों में बनी हुई है। गुरु असभ्य हास्य से भरे रोजमर्रा के दृश्य के लिए स्मारकीय महत्व की विशेषताएं बताता है। जॉर्डन कई चित्रों के लेखक भी थे। उन्होंने गहरी मनोवैज्ञानिक छवियां बनाने का लक्ष्य नहीं रखा था। कुछ चित्र उनके चित्रों के करीब हैं (फैमिली पोर्ट्रेट, सीए। 1615; हर्मिटेज)। जॉर्डन परिवार (मैड्रिड, प्राडो) का एक अधिक औपचारिक चित्र।

1630 के बाद से जॉर्डन एंटवर्प में रूबेंस के साथ मिलकर कई सजावटी काम करता है। पहले से ही इस समय, और विशेष रूप से रूबेन्स की मृत्यु के बाद, जब जॉर्डन फ्लेमिश स्कूल के प्रमुख और कई सजावटी अलंकारिक और पौराणिक रचनाओं के लेखक थे, जो अभिजात वर्ग के ग्राहकों के स्वाद को पूरा करते थे, उनके पतन की अवधि शुरू हुई काम। रचना और आकृतियों का भारीपन, जो पहले कलाकार की विशेषता थी, अत्यधिक हो जाता है। कलाकार के बाद के काम, कभी-कभी व्यक्तिगत विवरणों को चित्रित करने में अपनी प्रतिभा और कौशल को बनाए रखते हुए, आम तौर पर झूठे बैरोक पाथोस से भरे होते हैं।

17वीं शताब्दी की फ्लेमिश पेंटिंग के सबसे विशिष्ट क्षेत्रों में से एक। एक स्थिर जीवन था, जिसे उस समय स्वतंत्र महत्व प्राप्त हुआ था। अक्सर विशाल अनुपात तक पहुँचते हुए, अभी भी जीवन फ्लेमिश बड़प्पन के विशाल महलों की दीवारों पर सजावट के रूप में कार्य करता है। अंतरंग डच स्टिल लाइफ के विपरीत, फ्लेमिश स्टिल लाइफ प्लॉट रचना पर सीमाएं हैं। घरेलू शैली के करीब के दृश्य दुकानों और रसोई में दर्शाए गए हैं; वस्तुओं की अंतहीन बहुतायत के बीच, मानव आकृतियाँ खो जाती हैं। फ़्लैंडर्स की कला की हंसमुख प्रकृति ने विशेष बल के साथ स्थिर जीवन में खुद को प्रकट किया; फ्लेमिश कलाकारों ने वस्तुनिष्ठ दुनिया के विविध रूपों को संप्रेषित करने में अपने शानदार कौशल का परिचय दिया।

17वीं शताब्दी के फ़्लैंडर्स में अब तक का सबसे बड़ा जीवन चित्रकार। रूबेन्स फ्रैंस स्नाइडर्स (1579-1657) के सहयोगी थे। स्नाईडर्स के विशाल कैनवस पर, मांस के शव, एक मारे गए हिरण, झींगा मछलियों, एक जंगली सूअर का सिर, विभिन्न प्रकार की रसीली, पकी हुई सब्जियां और फल, मृत पक्षियों के ढेर, समुद्र और नदी की मछलियों को विचित्र रूप से मेजों पर ढेर कर दिया जाता है, और यह ऐसा लगता है कि केवल चित्र फ़्रेम प्रकृति के उपहारों की इस अंतहीन बहुतायत को सीमित करते हैं। सामान्य जैतून के स्वर से, सफेद, नीले, विशेष रूप से लाल (लॉबस्टर, मांस, जामुन, एक दुकानदार या दुकानदार के कपड़े) के सोनोरस स्पॉट बाहर खड़े होते हैं। स्नाइडर्स के अभी भी जीवन के निर्माण में कुछ यादृच्छिकता एक रंग संरचना के अधीन है, जो एक पूर्ण सजावटी पूरे की छाप पैदा करती है।

अभी भी जीवन (1618-1621) की प्रसिद्ध श्रृंखला में रचनात्मकता की परिपक्व अवधि में, संरक्षक आर्कबिशप ट्रिस्ट के महल के लिए अभिप्रेत है, जो अब हर्मिटेज के हॉल को सजाते हैं, स्नाइडर्स "मछली", "फल" और "सब्जी" बनाते हैं। "दुकानें।

कलाकार हर वस्तु को पूरी सावधानी से चित्रित करता है, लेकिन सबसे पहले वह प्रकृति की समृद्धि के व्यापक चित्रण के लिए प्रयास करते हुए, स्थिर जीवन को समग्र रूप से देखता है। स्नाइडर के उज्ज्वल, सुरुचिपूर्ण अभी भी जीवन आनंदमय उत्सव से भरे हुए हैं और कम से कम सभी को "मृत प्रकृति" कहा जा सकता है - वे इतने उत्साही जीवन से भरे हुए हैं। इस गतिशीलता को इस तथ्य से बढ़ाया जाता है कि कलाकार अपने अभी भी जीवन में जीवित प्राणियों का परिचय देता है (एक छोटा बंदर फल चुराता है, एक कुत्ता बिल्ली पर झपटता है, एक घोड़ा जो ऊपर आता है वह सब्जियां खाता है, आदि)।

स्नाइडर्स जानवरों को चित्रित करने में एक महान स्वामी थे, जबकि उनके चित्रों में मानव आकृतियाँ सबसे कम अभिव्यंजक हैं; वे अक्सर अन्य कलाकारों द्वारा चित्रित किए गए थे। बिना किसी कारण के, स्नाइडर्स के कई अभी भी जीवन उनकी साजिश रचनाओं के करीब हैं - तेजी से शिकार के दृश्य या शोर पोल्ट्री हाउस। शिकार के दृश्यों की एक अजीबोगरीब शैली, जिसके क्षेत्र में चित्रकार पॉल डे वो (1596-1678), स्नाइडर्स के करीबी, ने भी काम किया, फ्लेमिश कला में सटीक रूप से व्यापक हो गया, क्योंकि जंगली की एक भयंकर लड़ाई के शानदार तमाशे की छवि कुत्तों द्वारा ज़हर दिए गए जानवरों ने विशेष रूप से फ्लेमिश मास्टर्स द्वारा प्रिय प्रभावों के लिए अनुकूल अवसर खोले।

जेन वीट (1611-1661) का काम अधिक संयमित और परिष्कृत है, जो फ्लेमिश स्टिल लाइफ का एक और उत्कृष्ट गुरु है। स्नाइडर्स के विपरीत, फीट शक्तिशाली स्मारकीय और सजावटी दायरे के कार्यों को बनाने का प्रयास नहीं करता है। उनका अभी भी जीवन एक स्पष्ट और कॉम्पैक्ट रचना और रंग की एक दुर्लभ सुंदरता के साथ बंद चित्रफलक पेंटिंग, अधिक अंतरंग, विषयों की पसंद में अधिक कठोर है। ग्रे, नीले, नीले, लाल, बकाइन-ग्रे, पीले-गुलाबी स्वरों के सूक्ष्म रूप से सामंजस्यपूर्ण संक्रमणों में, उन्होंने अटूट रंगीन विविधताएँ बनाईं। विशेष गुण के साथ, फ़ीट चित्रित वस्तुओं की बनावट को व्यक्त करता है: पक्षियों के नाजुक इंद्रधनुषी मोती-ग्रे पंख, शराबी नरम हरे फर, नम अंगूर, रत्नों की तरह चमकते हुए ("बैटलड गेम", ए.एस. पुश्किन के नाम पर ललित कला संग्रहालय; "फल और तोता", 1645, हर्मिटेज; "फल और फूल", ब्रुसेल्स, ललित कला संग्रहालय)।

17वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध के रूबेन्स, जॉर्डन, स्नाइडर्स और अन्य फ्लेमिश चित्रकारों के कार्यों के आगे, उनके समकालीन एड्रियन ब्रोवर (1605/06-1638) के कार्य असामान्य प्रतीत होते हैं। हालाँकि, इस मूल गुरु की कला किसी प्रकार की ऐतिहासिक दुर्घटना नहीं थी। रचनात्मकता Brouwer, 16 वीं सदी की पेंटिंग और साहित्य में मौजूदा विकासशील। किसी व्यक्ति के विचित्र विनोदी चित्रण की परंपराओं ने फ्लेमिश समाज के निचले वर्गों के जीवन के छायादार पहलुओं को प्रतिबिंबित किया। उन्होंने दयनीय धुएँ वाली सराय में दृश्यों को दर्शाती छोटी शैली की रचनाएँ लिखीं जहाँ किसान, गरीब और आवारा लोग इकट्ठा हुए। उनके चित्रों में अक्सर पीने के नशे को हिंसक झगड़े, ताश के खेल, धूम्रपान करने वालों, क्रूर घरेलू दवा में बदलते हुए दिखाया गया है। बोहेमियन शरारत की एक साहसी भावना ब्रोवर के कार्यों में व्याप्त है, जो उस समय फ्लेमिश कला पर हावी होने वाली कलात्मक प्रवृत्तियों के विपरीत है।

एड्रियन ब्रोवर का जन्म ओडेनार्डे में एक शिल्पकार के परिवार में हुआ था। एक युवा व्यक्ति के रूप में वह हॉलैंड गए, जहां उन्होंने फ्रैंस हेल्स के साथ हार्लेम में अध्ययन किया होगा; हार्लेम और एम्स्टर्डम में काम किया। डच पेंटिंग स्कूल ने युवा कलाकार को बहुत कुछ दिया, लेकिन वह अपनी मातृभूमि में एक स्वतंत्र गुरु के रूप में विकसित हुआ, जहाँ वह 1631 में लौटा। ब्रोवर के शुरुआती चित्रों में (उदाहरण के लिए, बर्लिन "स्कूल", जो हॉलैंड में वापस लिखा गया है), फ्रैंक कैरिकेचर की विशेषताएं हैं। मूर्ख, विकृत मुस्कराहट के साथ सूक्ति-समान सनकी का एक प्रकार का डंप प्रस्तुत किया गया है। लेकिन उनके तेज आंदोलनों और इशारों के प्रसारण में, कोई भी उस पथ का अनुमान लगा सकता है जिसके साथ गतिशील रचनाओं के स्वामी, तत्काल परिवर्तनशील पोज और पात्रों की अभिव्यक्तता पर जोर देने वाले ब्रोवर का काम भविष्य में विकसित होता है। ये गुण निरर्थक रोष (ड्रेसडेन, मॉस्को, लेनिनग्राद के संग्रहालयों में पेंटिंग) या जुआ कार्ड गेम ("किसान प्लेइंग कार्ड्स", 1630 के दशक; म्यूनिख, अल्टे पिनाकोथेक) से भरे शराबी झगड़े के चित्रण में प्रकट होते हैं। Brouwer के नायक, असभ्य लोग गरीबी और नशे से कुचले जाते हैं, अक्सर क्रोध और तबाही की भावना से प्रभावित होते हैं। लेकिन वर्षों में, उनकी कला, विचित्र के कुछ तत्वों को बरकरार रखते हुए, गहरी और अधिक सार्थक हो जाती है। पब में दृश्य कम तूफानी हो जाते हैं, जैसे कि आवारा और जुआरी उत्तेजित करने वाले आधार जुनून उनमें कम हो जाते हैं। ब्रौवर की रचनाएँ कोमल हास्य के साथ रंगे हुए एक अधिक चिंतनशील चरित्र पर ले जाती हैं। वह धूम्रपान करने वालों की एक कंपनी को आपस में शांति से बात करते हुए चित्रित करता है, या "किसान चौकड़ी" (म्यूनिख) के रूप में ऐसी तस्वीर बनाता है। बाद के इस कैनवास में चार निःस्वार्थ गायन किसानों और एक जलती हुई चूल्हा के पास एक बच्चे के साथ एक मोटी फ्लेमिश महिला को दर्शाया गया है। हमेशा की तरह, ब्रौवर की छवियां जानबूझकर अलंकृत हैं; उन्होंने किसानों को अपने खुले मुंह से गाते हुए दिखाया, जो उनके बदसूरत चेहरों को एक हास्यपूर्ण अभिव्यक्ति देता है। और साथ ही, तस्वीर में मानवीय गर्मजोशी और जीवन की सच्चाई का बोध है। वह स्वेच्छा से लोगों के एकल आंकड़ों को चित्रित करता है, या तो अपने उदास विचारों में डूबा हुआ है, या गिटार बजा रहा है, या जानवरों के साथ प्यार से बात कर रहा है ("मैन विथ ए डॉग", ओस्टरबेक, हेल्ड्रिंग संग्रह; "टैवर्नकीपर", म्यूनिख)। आम आदमी के लिए ब्रोवर की सहानुभूति से ये छवियां गर्म होती हैं और खुद कलाकार के व्यक्तित्व की छाप होती है। वास्तव में, अपने जीवन के अंतिम वर्षों में लिखे गए कथित स्व-चित्र (द हेग, मायरित्सुइस) में, वह एक ऐसी छवि बनाता है जो अपने समय के लिए अद्भुत है। हमारे सामने बोहेमिया का एक विशिष्ट प्रतिनिधि है: सभी बाहरी मर्यादाओं के प्रति उदासीन, उदासीन, और साथ ही, एक बुद्धिमान, विचारशील चेहरे में एक जटिल आंतरिक जीवन परिलक्षित होता है।

अपने कलात्मक कौशल में, ब्रौवर अपने समय की उत्कृष्ट उपलब्धियों के स्तर पर खड़ा है। मुख्य और गौण दोनों पात्रों के चरित्र-चित्रण में, वह एक विशेष तीखेपन तक पहुँचता है। आंकड़े हमेशा गति में दर्शाए जाते हैं, उनके इशारे उल्लेखनीय रूप से सटीक होते हैं; चेहरे के भावों पर जोर दिया जाता है, लेकिन वास्तविकता की भावना को कभी नहीं खोते हैं ("बिटर मेडिसिन"; फ्रैंकफर्ट एम मेन, स्टैडेल इंस्टीट्यूट)।

उनके चित्रों की रचना में, आमतौर पर दो योजनाएँ प्रतिष्ठित होती हैं: अग्रभूमि में अभिनेताओं का मुख्य और बहुत कॉम्पैक्ट समूह होता है, गहराई में - एक अर्ध-अंधेरा स्थान। एक मधुशाला या सराय, जिसमें आगंतुकों के आंकड़े बमुश्किल अलग-अलग होते हैं और जैसा कि यह था, उनका दैनिक जीवन चलता है। प्रकाश और छाया के संक्रमण की मदद से, अंतरिक्ष की गहराई और एकल की भावना

वायु वातावरण। ब्रोवर एक उत्कृष्ट रंगकर्मी हैं, जो उत्तम रंग संयोजन के स्वामी हैं। उनके कैनवस आमतौर पर भूरे-जैतून के पैमाने में बनाए जाते हैं; दूर की योजना को हवादार ग्रे और पीले रंग के स्वरों में लिखा गया है, और अग्रभूमि में, चित्रित लोगों के कपड़ों में फीके नीले, क्रीम, गुलाबी, पीले रंग के रंगों के बारीक सामंजस्यपूर्ण रंगीन धब्बों को उजागर किया गया है। ब्रौवर की पेंटिंग तकनीक स्वतंत्रता और कलात्मकता से अलग है।

उनके जीवन के अंतिम वर्षों में ब्रोवर के परिदृश्य कार्य शामिल हैं। वे सबसे विशुद्ध रूप से और सीधे तौर पर उनके काम के गीतवाद को व्यक्त करते हैं, जो उनकी शैली के चित्रों में एक छिपे हुए रूप में प्रकट होता है। उनके परिदृश्य में, व्यक्तिगत अनुभव का स्पर्श महसूस होता है। उनमें से कुछ विशेष अंतरंगता की भावना से प्रभावित हैं - उदाहरण के लिए, बर्लिन में "लैंडस्केप विद ए शेफर्ड" कलाकार एक हल्के धूप वाले दिन को दर्शाता है; सड़क के किनारे बैठा एक चरवाहा अपना पाइप बजाता है, गरीब किसान झोपड़ियाँ फैले पेड़ों की गहरी छाँव में छिप जाते हैं; प्रकृति शांति और शांति से भरा है। ब्रोवर के अन्य परिदृश्य नाटकीय भावनाओं से ओत-प्रोत हैं। सबसे अधिक बार, वह रात के परिदृश्य को चंद्रमा की असमान रोशनी से रोशन करता है, जो फटे हुए बादलों और हवा में सरसराहट वाले पेड़ों पर फिसलता है ("ड्यून लैंडस्केप विद ए राइजिंग मून"; बर्लिन)। परिदृश्य के मिजाज के अनुसार, स्टाफिंग भी है (डकैती के दृश्य, हमले, आवारा लोगों के एकाकी भयावह आंकड़े)। इन चित्रों में आघात तीव्र बेचैन लय प्राप्त कर लेता है। प्रकृति की अपनी मर्मज्ञ व्यक्तिगत धारणा की प्रकृति से, ब्रौवर फ्लेमिश कला में अकेला खड़ा है, और इस संबंध में उनके परिदृश्य रेब्रब्रांट के बजाय गूंजते हैं।

ब्रौवर की कला, इसकी संरचना में गहराई से मूल, एक ही समय में अन्य राष्ट्रीय विद्यालयों की कला में विशेष रूप से डच शैली के साथ समान घटनाओं से जुड़ी थी। हालाँकि, फ्लेमिश मास्टर के कार्य डच शैली के चित्रकारों के कार्यों से काफी भिन्न हैं। कलाकार के जीवंत स्वभाव, आलंकारिक डिजाइन की निर्भीकता में ब्रोवर उनसे आगे निकल जाता है। उनके कैनवस कई डच मास्टर्स, क्षुद्र दैनिक लेखन, सतही मनोरंजन में निहित बुर्जुआ संकीर्णता की भावना से रहित हैं। वह विशद रूप से और राहत में देखता है, उसके काम की बहुत सीमा, छवियों के विचित्र और गीतात्मक रंग दोनों सहित, बहुत व्यापक है।

ब्रोवर की रचनाएँ, जिसमें आडंबरपूर्ण अखंडता और पाखंडी नैतिकता की उपेक्षा की गई, ने "अच्छे समाज" के स्वाद को झकझोर दिया। उस समय के प्रमुख कलाकारों द्वारा ब्रोवर की कला की सराहना की गई, जिनमें रेम्ब्रांट और रूबेन्स थे। लेकिन ब्रौवर के काम के योग्य उत्तराधिकारी नहीं थे। सत्रहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, देश के पतन की अवधि के दौरान, विभिन्न परिस्थितियों में कला का विकास हुआ। डेविड टेनियर्स (1610-1690) सत्रहवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्लेमिश पेंटिंग के एक विशिष्ट मास्टर थे। 1630 के दशक में काम करना। ब्रोवर के साथ मिलकर, उन्होंने शैली चित्रों के निर्माण में आंशिक रूप से उनकी नकल की। लेकिन छोटे-छोटे आंकड़ों से आबाद, मुलायम चांदी के स्वर में चित्रित उनके सुरुचिपूर्ण चित्र मनोरंजक हैं। कई "केर्मेसेस" अच्छी तरह से तैयार किए गए दावतों और मनोरंजन को दर्शाते हैं, हालांकि कुछ हद तक अशिष्ट, बेहद समान ग्रामीणों। वे कभी-कभी उच्च वर्ग के सदस्यों द्वारा कृपालु रूप से देखे जाते हैं। फ्लेमिश समाज के कुलीन वर्ग में टेनियर्स के चित्र बहुत सफल रहे। कलाकार ने फैशन, ग्राहकों की आवश्यकताओं का पालन किया। 1640 के दशक में उनकी "लोकतांत्रिककरण" शैली को शानदार छवियों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था - शैतान, चुड़ैलों, सनकी उनके चित्रों में दिखाई देते हैं ("द टेम्पटेशन ऑफ सेंट एंथोनी") - या मज़ेदार छोटी चीज़ों की छवियां - ऐसे दृश्य जिनमें बंदरों को रसोई में विभिन्न कार्य करते हुए प्रस्तुत किया जाता है या नाई ("रसोई में बंदर"; हरमिटेज संग्रहालय)। इस तरह के चित्र, सूक्ष्म रूप से रंगे हुए, रंग में सुखद, उपाख्यानात्मक मनोरंजन से भी भरे हुए हैं। बाद में, जब टेनियर्स स्टैडफ़ोल्डर आर्कड्यूक लियोपोल्ड की आर्ट गैलरी के क्यूरेटर बन गए, तो उन्होंने जिज्ञासाओं और कला दीर्घाओं के मंत्रिमंडलों के अंदरूनी चित्रण को आगे बढ़ाया। ये उबाऊ, शुष्क कार्य केवल ऐतिहासिक और कलात्मक दस्तावेजों के रूप में दिलचस्प हैं, क्योंकि वे पांडित्यपूर्ण सटीकता के साथ कई अद्भुत कार्यों का प्रतिनिधित्व करते हैं जो गैलरी में थे। अपने जीवन के अंत में, फिर से किसान शैली की ओर मुड़ते हुए, टेनियर्स पूरी तरह से फ्लेमिश कला की यथार्थवादी परंपराओं से विदा हो गए, जो कि 18 वीं शताब्दी के देहाती और वीरतापूर्ण उत्सवों की भावना में दृश्य बनाते हैं।

XVII सदी के दूसरे भाग में। फ्लेमिश कला में, रचनात्मक सुस्ती, छवियों की कतरन, विदेशी मॉडलों की अनियंत्रित नकल, विशेष रूप से फ्रांस और हॉलैंड के कला विद्यालयों का समय आता है। देर से फ्लेमिश मास्टर्स में, केवल जैन साइबर्ग्स (1627-सी। 1703) ध्यान देने योग्य हैं। उनके काम बहुत नीरस हैं। ये बदसूरत, देहाती फ्लेमिश किसान महिलाओं की छवियां हैं जो हरे-भरे लॉन पर झुंडों की रखवाली करती हैं या सड़क के किनारे आराम से आराम करती हैं ("लैंडस्केप विद स्लीपिंग पीजेंट वुमन"; म्यूनिख)। अक्सर कलाकार उज्ज्वल वन नदियों के छायादार जंगलों को चित्रित करते हैं, जिसके माध्यम से महिलाएं, किसान अपने झुंडों को चलाते हैं या वैगन पर चलते हैं, अपनी स्कर्ट को अंदर खींचते हैं। आकार में काफी बड़े, साइबेरचैट के कैनवस को ठंडे, चांदी जैसे, कुछ कठोर सचित्र तरीके से लिखा गया है। गुरु बार-बार एक ही विषय, प्रकृति के एक ही कोने को बदलता है। उनके चित्रों में सब कुछ सरल, शांत, व्यवसायिक है। लेकिन, अपने समय के फ्लेमिश चित्रकारों के विपरीत, जिन्होंने जैक्स डी "आर्टोइस (1613-1686) की तरह, काल्पनिक, विशुद्ध रूप से सजावटी परिदृश्यों का निर्माण किया या एक आदर्श क्लासिकिस्ट परिदृश्य की ओर प्रवृत्त हुए, साइबेरचेट्स की पेंटिंग उनकी प्रकृति की वास्तविक छवि के करीब हैं। जन्मभूमि।

17 वीं शताब्दी में उच्च पूर्णता को प्रतिष्ठित किया गया था। फ़्लैंडर्स की लागू कला के कार्य: बेहतरीन कारीगरी का फीता, कीमती लकड़ियों और हाथी दांत और विशेष रूप से टेपेस्ट्री के साथ जड़ा हुआ शानदार फर्नीचर। टेपेस्ट्री बनाना 14वीं शताब्दी से देश का अग्रणी कलात्मक उद्योग रहा है। ब्रसेल्स इसका मुख्य केंद्र था। मंदिरों की सजावट के साथ-साथ फ्लेमिश बड़प्पन और धनी व्यापारियों के सामने के अपार्टमेंट में टेपेस्ट्री का व्यापक रूप से उपयोग किया गया था। उनका उत्पादन पेंटिंग के उत्कर्ष के साथ निकटता से जुड़ा हुआ था, जिसके प्रमुख स्वामी (रूबेन्स और जॉर्डन सहित) ने टेपेस्ट्री के लिए टेपेस्ट्री बनाई। फ्लेमिश दीवार कालीन, 17 वीं शताब्दी बड़े आकार तक पहुँचते हैं, उनकी रचनाएँ अधिक जटिल हो जाती हैं, रंगीन संरचना एक विशेष तीव्रता प्राप्त कर लेती है। सजावटी और पुष्प रूपांकनों से मिलकर विस्तृत और विविध सीमाओं की शुरूआत से वैभव की छाप बढ़ जाती है। टेपेस्ट्रीस, जो अक्सर श्रृंखला में प्रदर्शित होते हैं, बाइबिल के भूखंडों, प्राचीन इतिहास के साथ-साथ अलंकारिक सामग्री की छवियों के आधार पर जटिल मल्टी-फिगर दृश्यों को दर्शाते हैं। 17वीं शताब्दी का पहला भाग फ़्लैंडर्स में टेपेस्ट्री उत्पादन में सबसे अधिक वृद्धि का समय है। सदी के अंत तक, जब यूरोप में फ्रांसीसी कारख़ाना सामने आए, फ्रांसीसी स्वाद का प्रभाव ध्यान देने योग्य है, विशेष रूप से 18 वीं शताब्दी के दौरान बढ़ रहा है। फ्लेमिश टेपेस्ट्रीस की आलंकारिक संरचना का सजावटी पैमाना खो गया है, वीरतापूर्ण उत्सवों और देहाती दृश्यों की छवि फैशनेबल हो जाती है, फीके रंगों का उपयोग किया जाता है। यह महत्वपूर्ण है कि इस समय टेनियर्स की रमणीय ग्रामीण रचनाओं ने विशेष लोकप्रियता हासिल की, जिसके आधार पर न केवल फ़्लैंडर्स में, बल्कि पश्चिमी यूरोप के अन्य देशों में भी कई टेपेस्ट्री बनाई गईं। अक्सर टेपेस्ट्री कार्डबोर्ड से बनाई जाती हैं, फ्लेमिश द्वारा नहीं, बल्कि फ्रेंच मास्टर्स द्वारा।