संकलनकर्ताओं से
यह पुस्तक उस ऐतिहासिक काल के संगीत साहित्य पर एक पाठ्यपुस्तक है, जो 19वीं शताब्दी के अंतिम दशकों में शुरू होती है। ऐसी पाठ्यपुस्तक पहली बार सामने आई है: पांचवां अंक समाप्त होता है, जैसा कि आप जानते हैं, के-डेबसी और एम। रेवेल के काम के साथ।
पुस्तक में विभिन्न राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों का विवरण शामिल है, जिसने इसकी समग्र संरचना निर्धारित की। पहला खंड उन सामान्य प्रक्रियाओं का विवरण देता है जो विभिन्न देशों की संगीत कला में और विभिन्न व्यक्तित्वों के रचनाकारों के काम में अपने तरीके से लागू की गई थीं। प्रत्येक बाद के खंड में किसी दिए गए देश की संगीत संस्कृति का अवलोकन होता है, साथ ही साथ इस स्कूल के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों के काम के लिए समर्पित एक मोनोग्राफिक अनुभाग भी होता है। केवल I. Stravinsky के काम के लिए समर्पित खंड इसकी संरचना में भिन्न है: इसमें एक परिचयात्मक समीक्षा शामिल नहीं है। और यह समझ में आता है: आखिरकार, अपना अधिकांश जीवन विशेष परिस्थितियों के कारण रूस के बाहर बिताने के बाद, स्ट्राविंस्की एक रूसी मास्टर बने रहे और किसी भी विदेशी स्कूल से संबंधित नहीं थे। हमारी सदी के लगभग सभी प्रमुख संगीतकारों पर उनके रचनात्मक सिद्धांतों का निर्णायक प्रभाव हमें 20 वीं शताब्दी की संगीत कला के विकास की सामान्य तस्वीर से स्ट्राविंस्की को हटाने की अनुमति नहीं देता है। विदेशी संगीत साहित्य पर पाठ्यपुस्तक में इस मोनोग्राफिक अध्याय को शामिल करना भी स्कूल में पाठ्यक्रम की ख़ासियत के कारण है: जब तक उन्होंने 20 वीं शताब्दी के विदेशी संगीत का अध्ययन किया, तब तक छात्र या तो व्यक्तित्व से परिचित नहीं थे या आई। स्ट्राविंस्की का संगीत। वे संगीत कला के इस पृष्ठ को केवल चौथे पाठ्यक्रम के अंत में बदल देंगे, जहां संगीतकार के काम की केवल पहली, रूसी अवधि पर विचार किया जाता है।

पाठ्यपुस्तक के संकलनकर्ताओं और लेखकों का ध्यान समीक्षाधीन अवधि की सामान्य संगीत और ऐतिहासिक प्रक्रियाओं को दिखाने और हमारी सदी के क्लासिक्स बनने वाले सबसे उत्कृष्ट कार्यों के विश्लेषण पर केंद्रित है। 20वीं शताब्दी की संगीत कला की घटनाओं की असाधारण जटिलता, उनकी विषमता, पारस्परिक अंतर्विरोधों और उनके तीव्र परिवर्तन को ध्यान में रखते हुए, समीक्षा अध्यायों ने पिछले संस्करणों की तुलना में इस पुस्तक में बहुत अधिक स्थान पर कब्जा कर लिया है। फिर भी, विषय के पद्धतिगत सिद्धांतों के अनुसार, संकलक ने संगीत कार्यों के विश्लेषण पर ध्यान केंद्रित करने की मांग की, जो इस मामले में रचनात्मक तरीकों की विविधता, सोचने के तरीके, विभिन्न शैलीगत निर्णयों और संगीत की बहुलता को प्रकट करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं। हमारी सदी के उस्तादों की संगीतकार तकनीक।

इस तथ्य को ध्यान में रखते हुए कि पुस्तक संगीत कला का एक व्यापक चित्रमाला प्रदान करती है, और विश्लेषण कई मामलों में बहुत जटिल है (जो काफी हद तक सामग्री द्वारा ही पूर्व निर्धारित है), संकलक इस पाठ्यपुस्तक को न केवल छात्रों को संबोधित करना संभव मानते हैं प्रदर्शन, बल्कि संगीत विद्यालयों के सैद्धांतिक विभागों का भी। पुस्तक की सामग्री शैक्षिक प्रक्रिया में इसके लिए एक चयनात्मक दृष्टिकोण की अनुमति देती है; अध्यायों के अध्ययन की गहराई और विवरण स्वयं शिक्षकों द्वारा निर्धारित किया जाता है, जो छात्रों की तैयारियों के स्तर, नोट्स और संगीत रिकॉर्डिंग के साथ शैक्षिक प्रक्रिया के भौतिक उपकरण और इस भाग के लिए पाठ्यक्रम द्वारा आवंटित घंटों की संख्या पर निर्भर करता है। बेशक।
इस पुस्तक पर लेखकों के एक बड़े समूह ने काम किया। इसलिए सामग्री प्रस्तुत करने के विभिन्न तरीकों की अनिवार्यता; उसी समय, इसके दृष्टिकोण में, संकलक ने एक समान पद्धतिगत सिद्धांतों को संरक्षित करने का प्रयास किया।

विषय
संकलनकर्ताओं से
XX सदी की विदेशी संगीत कला के विकास के तरीके।
ऑस्ट्रिया की संगीत संस्कृति
गुस्ताव महलर
स्वर रचनात्मकता। "एक यात्रा प्रशिक्षु के गीत"
सिम्फोनिक रचनात्मकता। पहली सिम्फनी
अर्नोल्ड शेनबर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
"वारसॉ से उत्तरजीवी"
एल्बन बर्ग
जीवन और रचनात्मक पथ
म्यूजिकल ड्रामा वोज़ज़ेक
वायलिन और आर्केस्ट्रा के लिए Concerto
एंटोन वेबर।
जीवन और रचनात्मक पथ
जर्मनी की संगीत संस्कृति
रिचर्ड स्ट्रॉस
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता। सिम्फोनिक कविताएँ "डॉन जुआन" और "टिल उलेंसपीगल"
पॉल हिंदेमिथ
जीवन और रचनात्मक पथ
सिम्फोनिक रचनात्मकता। सिम्फनी "कलाकार मैथिस"।
कार्ल ओआरएफ
जीवन और रचनात्मक पथ
कार्ल ओर्फ के काम की मुख्य शैलियाँ और उनकी विशेषताएं।
ओपेरा "चालाक लड़की"
"कारमिना बुराना"
इगोर स्ट्राविंस्की
जीवन और रचनात्मक पथ
"भजन की सिम्फनी"
ओपेरा "ओडिपस रेक्स"
फ्रांस की संगीत संस्कृति।
आर्थर वनगर
जीवन और रचनात्मक पथ
नाट्य और वक्तृत्व रचनात्मकता। ओरटोरियो "जोन ऑफ आर्क दाँव पर"
सिम्फोनिक रचनात्मकता। तीसरा सिम्फनी ("लिटर्जिकल")
डेरियस मिजो
जीवन और रचनात्मक पथ
स्वर-वाद्य, रचनात्मकता। "आग का महल"
फ्रांसिस पोलेंक
जीवन और रचनात्मक पथ
ओपेरा "द ह्यूमन वॉयस"
स्पेन की संगीत संस्कृति
मैनुअल डे फला
जीवन और रचनात्मक पथ
बैले "प्यार एक जादूगरनी है"
ओपेरा "लघु जीवन"

म्यूजिक लाइब्रेरी हमें खुशी है कि आपने हमारी म्यूजिक लाइब्रेरी में अपनी रुचि की सामग्री ढूंढ ली और डाउनलोड कर ली। पुस्तकालय लगातार नए कार्यों और सामग्रियों के साथ अद्यतन किया जाता है, और अगली बार आप निश्चित रूप से आपके लिए कुछ नया और दिलचस्प पाएंगे। परियोजना का पुस्तकालय पाठ्यक्रम के आधार पर पूरा किया जाता है, साथ ही छात्रों के क्षितिज को पढ़ाने और विस्तारित करने के लिए अनुशंसित सामग्री भी। छात्रों और शिक्षकों दोनों को यहां उपयोगी जानकारी मिलेगी। पुस्तकालय पद्धतिगत साहित्य भी प्रस्तुत करता है। हमारे पालतू जानवर संगीतकार और कलाकार समकालीन कलाकार यहां आपको प्रमुख कलाकारों, संगीतकारों, प्रसिद्ध संगीतकारों की जीवनी, साथ ही साथ उनके काम भी मिलेंगे। कार्य अनुभाग में, हम प्रदर्शनों की रिकॉर्डिंग पोस्ट करते हैं जो आपको सीखने में मदद करेंगे, आप सुनेंगे कि यह कार्य कैसा लगता है, काम का उच्चारण और बारीकियाँ। हम classON.ru पर आपका इंतजार कर रहे हैं। वीएन ब्रायंटसेवा जोहान सेबेस्टियन बाख 1685 - 1750 वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट 1756 - 1791 फ्रांज शुबर्ट 1797 - 1828 www.classON.ru जोसेफ हेडन 1732 - 1809 लुडविग वैन बीथोवेन 1770 - 1827 Fryderyk चोपिन 1810 - 1949 रूस में बच्चों की शिक्षा उनके बारे में अधिक से अधिक हो गई लगभग 10वीं शताब्दी ईसा पूर्व से प्रचुर मात्रा में। दृश्य कलाएँ विकसित हो रही हैं - और कलाकार संगीतकारों को चित्रित करते हैं जो धार्मिक संस्कारों, सैन्य अभियानों, शिकार, गंभीर जुलूसों, गायन और वाद्य यंत्रों के साथ नृत्य करते हैं। इस तरह की छवियों को संरक्षित किया गया है, विशेष रूप से, खुदाई के दौरान पाए गए मंदिरों और सिरेमिक फूलदानों की दीवारों पर। लेखन प्रकट होता है - और पांडुलिपियों के लेखक उनमें गीतों और भजनों के काव्य ग्रंथों का परिचय देते हैं, संगीतमय जीवन के बारे में रोचक जानकारी प्रदान करते हैं। समय के साथ, लेखक संगीत, इसकी महत्वपूर्ण सामाजिक, शैक्षिक भूमिका सहित, साथ ही इसकी भाषा के तत्वों के सैद्धांतिक अध्ययन के बारे में दार्शनिक चर्चाओं पर बहुत ध्यान देते हैं। इस जानकारी में से अधिकांश प्राचीन विश्व के कुछ देशों में संगीत के बारे में संरक्षित किया गया था, उदाहरण के लिए, प्राचीन चीन, प्राचीन भारत, प्राचीन मिस्र में, विशेष रूप से तथाकथित प्राचीन देशों में - प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम, जहां यूरोपीय संस्कृति की नींव बिछाए गए थे 2. जे.एस. बाख को प्राचीन काल से संगीत का परिचय प्रिय बच्चों! पिछले साल आपके पास पहले से ही संगीत साहित्य के पाठ थे। उन्होंने संगीत भाषा के मूल तत्वों, कुछ संगीत रूपों और शैलियों, संगीत की अभिव्यंजक और दृश्य संभावनाओं और आर्केस्ट्रा पर चर्चा की। उसी समय, विभिन्न प्रकार के युगों के बारे में बातचीत स्वतंत्र रूप से आयोजित की गई थी - या तो पुरातनता के बारे में, या आधुनिकता के बारे में, या सदियों से कम या हमसे दूर लौटने के बारे में। और अब कालानुक्रमिक अनुक्रमिक - ऐतिहासिक - क्रम 1 में संगीत साहित्य से परिचित होने का समय आ गया है। प्राचीन ग्रीस में संगीत के बारे में हमें प्राचीन विश्व के संगीत के बारे में जानकारी कैसे मिली पुरातनता की महान सांस्कृतिक और ऐतिहासिक भूमिका का पुख्ता सबूत यह तथ्य है कि प्राचीन ग्रीस में 8वीं शताब्दी ईसा पूर्व में सार्वजनिक खेल प्रतियोगिताओं, ओलंपिक खेलों का जन्म हुआ था। . और दो शताब्दियों के बाद, वहां संगीत प्रतियोगिताएं आयोजित की जाने लगीं - पायथियन गेम्स, जिन्हें आधुनिक प्रतियोगिताओं का दूर का पूर्वज माना जा सकता है। पाइथियन खेलों का आयोजन मंदिर में किया गया था, जो कला के संरक्षक, सूर्य और प्रकाश के देवता अपोलो के सम्मान में बनाया गया था। मिथकों के अनुसार, राक्षसी सर्प अजगर को पराजित करने के बाद, उन्होंने स्वयं इन खेलों की स्थापना की। यह ज्ञात है कि एक बार वे आर्गोस से सक्कड़ द्वारा जीते गए थे, औलोस पर बजाते हुए, ओबो के करीब एक वायु वाद्य यंत्र, अपोलो के संघर्ष के बारे में एक कार्यक्रम, पायथन के साथ। प्राचीन ग्रीक संगीत के लिए कविता के साथ एक विशिष्ट संबंध था, नृत्य, रंगमंच। महान कवि होमर के लिए जिम्मेदार वीर महाकाव्य "इलियड" और "ओडिसी" को गायन की आवाज में गाया गया था। गायक आमतौर पर पौराणिक ऑर्फ़ियस की तरह, काव्य पाठ और संगीत दोनों के लेखक थे, और वे स्वयं गीत पर स्वयं के साथ थे। उत्सव में मूकाभिनय भावों के साथ सामूहिक नृत्य गीतों का प्रदर्शन किया गया। प्राचीन ग्रीक त्रासदियों और हास्य में, गाना बजानेवालों की एक बड़ी भूमिका थी: उन्होंने कार्रवाई पर टिप्पणी की, इसके प्रति अपना दृष्टिकोण व्यक्त किया। खुदाई के दौरान, पुरातत्वविदों को सबसे सरल संगीत वाद्ययंत्र मिला (उदाहरण के लिए, हवा के उपकरण - ड्रिल किए गए छेद वाले जानवरों की हड्डियाँ) और निर्धारित कि वे लगभग चालीस हजार साल पहले बनाए गए थे। नतीजतन, संगीत की कला पहले से ही अस्तित्व में थी। 1877 में फोनोग्राफ का आविष्कार होने के बाद - यांत्रिक रिकॉर्डिंग और ध्वनि के पुनरुत्पादन के लिए पहला उपकरण, संगीतकारों-शोधकर्ताओं ने दुनिया के उन कोनों की यात्रा करना शुरू किया जहां कुछ जनजातियों के जीवन का एक आदिम तरीका था। ऐसी जनजातियों के प्रतिनिधियों से, एक फोनोग्राफ की मदद से, उन्होंने गायन और वाद्य धुनों के नमूने रिकॉर्ड किए। लेकिन इस तरह की रिकॉर्डिंग, निश्चित रूप से, केवल एक अनुमानित विचार देती है कि उन प्राचीन काल में संगीत कैसा था। शब्द "कालक्रम" (इसका अर्थ है "समय में ऐतिहासिक घटनाओं का क्रम") दो ग्रीक शब्दों - "क्रोनोस" ("समय") और "लोगो" ("सिद्धांत") से आता है। 1 लैटिन शब्द "एंटीग्यूस" का अर्थ "प्राचीन" है। इससे प्राप्त "प्राचीन" शब्द प्राचीन ग्रीस और प्राचीन रोम के इतिहास और संस्कृति को संदर्भित करता है। 2 2 www.classON.ru नायकों के कर्मों के आधार पर रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। आधुनिक संगीतज्ञों को प्राचीन दुनिया में संगीत के बारे में कुछ जानकारी है और फिर भी वे अन्य कलाओं के इतिहासकारों से ईर्ष्या करते हैं। बड़ी संख्या में प्राचीन वास्तुकला, प्राचीन ललित कलाओं, विशेष रूप से मूर्तिकला के शानदार स्मारकों को संरक्षित किया गया है, कई पांडुलिपियों को महान प्राचीन नाटककारों द्वारा त्रासदियों और हास्य के ग्रंथों के साथ पाया गया है। लेकिन उसी युग में बनाए गए संगीत कार्य और बहुत बाद में भी हमारे लिए अनिवार्य रूप से अज्ञात हैं। ऐसा क्यों हुआ? तथ्य यह है कि संगीत संकेतन (संकेतन) की एक पर्याप्त सटीक और सुविधाजनक प्रणाली का आविष्कार करना एक बहुत ही मुश्किल काम था, जिसे आप में से प्रत्येक ने महारत हासिल की थी जब आप संगीत सीखना शुरू कर रहे थे। इसे हल करने में कई शताब्दियां लग गईं। सच है, प्राचीन यूनानियों ने अक्षर संकेतन का आविष्कार किया था। उन्होंने वर्णमाला के कुछ अक्षरों के साथ संगीत विधाओं के चरणों को निर्दिष्ट किया। लेकिन लयबद्ध संकेत (डैश से) हमेशा जोड़े नहीं गए थे। केवल 19 वीं शताब्दी ईस्वी के मध्य में, वैज्ञानिकों ने अंततः इस अंकन के रहस्यों को उजागर किया। हालांकि, अगर वे प्राचीन ग्रीक संगीत पांडुलिपियों में ऊंचाई में ध्वनि के अनुपात को ठीक से समझने में सक्षम थे, तो अवधि में अनुपात केवल लगभग होता है। इसके अलावा, बहुत कम ऐसी पांडुलिपियाँ पाई गई हैं, और उनमें केवल कुछ मोनोफोनिक कार्यों (उदाहरण के लिए, भजन) और अधिक बार - उनके टुकड़े के रिकॉर्ड हैं। पर्याप्त दृश्यता। इसलिए, संगीतकारों ने लंबे समय तक सहायक संकेत चिह्नों का उपयोग किया है। इन चिह्नों को मंत्रों के शब्दों के ऊपर रखा गया था और या तो अलग-अलग ध्वनियों या उनके छोटे समूहों को निरूपित किया गया था। उन्होंने ऊंचाई या अवधि में ध्वनियों के सटीक अनुपात का संकेत नहीं दिया। लेकिन अपने शिलालेख के साथ, उन्होंने कलाकारों को राग आंदोलन की दिशा की याद दिलाई, जो इसे दिल से जानते थे और इसे एक पीढ़ी से दूसरी पीढ़ी तक पहुंचाते थे। पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों में, जिनके संगीत पर बाद में इस पाठ्यपुस्तक में चर्चा की जाएगी, ऐसे चिह्नों को नीम कहा जाता था। नीमों का उपयोग प्राचीन कैथोलिक पूजा-पाठ के भजनों - ग्रेगोरियन जप को रिकॉर्ड करने के लिए किया जाता था। यह सामान्य नाम पोप ग्रेगरी I3 के नाम से लिया गया है। किंवदंती के अनुसार, छठी शताब्दी के अंत में, उन्होंने इन मोनोफोनिक मंत्रों का मुख्य संग्रह संकलित किया। केवल पुरुषों और लड़कों द्वारा चर्च सेवा के दौरान प्रदर्शन करने का इरादा - एकल और गाना बजानेवालों द्वारा एक साथ, वे लैटिन प्रार्थना ग्रंथों में लिखे गए हैं। लेकिन 11वीं शताब्दी में, इतालवी भिक्षु गुइडो डी अरेज़ो ("अरेज़ो से") ने अंकन के एक नए तरीके का आविष्कार किया। उन्होंने मठ में लड़कों को गाना सिखाया और चाहते थे कि उनके लिए आध्यात्मिक मंत्रों को याद करना आसान हो जाए। उस समय तक, नीम को ऊपर और नीचे एक क्षैतिज रेखा पर रखा जाना शुरू हुआ। यह रेखा एक विशिष्ट ध्वनि के अनुरूप थी और इस प्रकार रिकॉर्डिंग की अनुमानित ऊंचाई का स्तर स्थापित किया। और गुइडो एक साथ चार समानांतर रेखाएँ खींचने का विचार लेकर आए ("शासक") एक दूसरे से समान दूरी पर और उन पर और उनके बीच नीम लगाते हैं। इस तरह पूर्वज आधुनिक संगीत कर्मचारियों का उदय हुआ - एक कड़ाई से पंक्तिबद्ध कैनवास की तरह, जिसने ध्वनियों के पिच अनुपात को सटीक रूप से इंगित करना संभव बना दिया टोन और सेमिटोन। और साथ ही, संगीत संकेतन अधिक दृश्यमान हो गया - जैसे एक संगीत के आंदोलन को चित्रित करने वाली तस्वीर, इसकी झुकाव। शासकों से संबंधित ध्वनियां, गुइडो ने लैटिन वर्णमाला के अक्षरों को नामित किया, उनकी शैली शुरू हुई बाद में बदल गया और अंततः संकेतों में बदल गया, जिसे उन्होंने चाबियां कहा। शासकों पर "बैठना" और उनके बीच, समय के साथ वे अलग-अलग नोटों में बदल गए, जिसमें सिर पहले वर्गों के आकार के थे। प्रश्न और कार्य 1। वैज्ञानिकों के अनुसार सबसे पुराने वाद्ययंत्र कब बने थे? यह क्या कहता है? 2. फोनोग्राफ क्या है, इसका आविष्कार कब हुआ और शोधकर्ताओं ने इसका उपयोग कैसे शुरू किया? 3. प्राचीन विश्व के किन देशों के संगीत के बारे में सबसे अधिक जानकारी संरक्षित की गई है? मानचित्र पर निर्धारित करें - किस समुद्र के आसपास ऐसे तीन देश स्थित थे। 4. प्राचीन संगीत प्रतियोगिताएं - पाइथियन गेम्स - कब और कहाँ आयोजित होने लगीं? 5. प्राचीन यूनान में संगीत किस कला से निकटता से जुड़ा था? 6. प्राचीन यूनानियों ने किस अंकन का आविष्कार किया था? यह किस तरह से गलत है? शीर्षक "रोम का पोप" एक पादरी द्वारा आयोजित किया जाता है जो एक अंतरराष्ट्रीय आध्यात्मिक संगठन के रूप में कैथोलिक चर्च का प्रमुख होता है। कैथोलिक धर्म रूढ़िवादी और प्रोटेस्टेंटवाद के साथ-साथ ईसाई पंथों में से एक है। 4 प्राचीन रोमवासी लैटिन भाषा बोलते थे। 476 में रोमन साम्राज्य के पतन के बाद, लैटिन धीरे-धीरे बोली जाने लगी। इससे तथाकथित रोमांस भाषाएँ निकलीं - इतालवी, फ्रेंच, स्पेनिश, पुर्तगाली। 3 कैसे सुविधाजनक अंकन बनाया गया था मध्य युग में (इस ऐतिहासिक काल की शुरुआत 6 वीं शताब्दी ईस्वी मानी जाती है), अक्षर संकेतन लगभग भुला दिया गया था। 3 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा अंकन की एक नई पद्धति के बारे में अफवाहें - किसी तरह के चमत्कार की तरह - पोप जॉन XIX तक पहुंच गईं। उन्होंने गुइडो को अपने पास बुलाया और एक आविष्कृत रिकॉर्डिंग के अनुसार उनके लिए एक अज्ञात राग गाया। भविष्य में, समानांतर शासकों की संख्या कई बार बदली गई, ऐसा हुआ - यहाँ तक कि बढ़कर अठारह हो गया। केवल 17 वीं शताब्दी के अंत तक वर्तमान पांच-पंक्ति के कर्मचारी "जीत" गए। कई अलग-अलग चाबियों का भी इस्तेमाल किया गया था। केवल 19वीं सदी में ट्रेबल और बास फांक सबसे आम हो गए। गुइडो डी'रेज़ो के आविष्कार के बाद, एक और मुश्किल काम लंबे समय तक हल किया गया था - कैसे अंकन में सुधार किया जाए ताकि यह न केवल ऊंचाई में, बल्कि अवधि में भी ध्वनियों के सटीक अनुपात को इंगित करे। कुछ समय बाद, उन्होंने सोचा इसके लिए संगीत संकेतों का उपयोग, आकार में भिन्न। पहले इसमें कई पारंपरिक नियम जोड़े गए, जिससे व्यवहार में इसे लागू करना मुश्किल हो गया। और कई शताब्दियों के दौरान, धीरे-धीरे एक अधिक सुविधाजनक संकेतन विकसित किया गया - ठीक वही जो हम जारी रखते हैं अब उपयोग करने के लिए। 17 वीं शताब्दी की शुरुआत के बाद, यह केवल विवरण में सुधार किया गया था। और इसका लयबद्ध सिद्धांत, जो इतने लंबे समय से खोजा जा रहा है, अब सबसे सरल प्रतीत होता है। इसमें यह तथ्य शामिल है कि एक संपूर्ण नोट अवधि में हमेशा दो हिस्सों के बराबर होता है - शैली में अलग, एक आधा - दो चौथाई, एक चौथाई - दो आठवां, और इसी तरह। 16 वीं शताब्दी में सलाखों ने सलाखों को अलग करना शुरू किया, और आकार की शुरुआत में संगीतमय संकेतन को अनिवार्य रूप से इंगित किया गया था 17वीं शताब्दी से है। हालाँकि, उस समय न केवल संगीत पांडुलिपियाँ थीं, बल्कि मुद्रित नोट भी थे। संगीत के लिए छपाई मुद्रण के आविष्कार के तुरंत बाद शुरू हुई - 15वीं शताब्दी के अंत में। प्राचीन दुनिया में और लंबे समय तक मध्य युग में, संगीत एक नियम के रूप में, मोनोफोनिक था। केवल कुछ मामूली अपवाद थे। उदाहरण के लिए, एक गायक ने एक वाद्य यंत्र बजाते हुए एक गीत का प्रदर्शन किया और उसे डब किया (यानी इसे उसी समय बजाया)। उसी समय, आवाज और वाद्य यंत्र कभी-कभी थोड़ा फैल सकते थे, एक दूसरे से विचलित हो सकते थे और जल्द ही फिर से अभिसरण कर सकते थे। इस प्रकार, एक मोनोफोनिक ध्वनि धारा में, दो-स्वर के "द्वीप" उत्पन्न हुए और गायब हो गए। लेकिन हमारे युग की पहली और दूसरी सहस्राब्दी के मोड़ पर, पॉलीफोनिक गोदाम लगातार विकसित होने लगे और बाद में पेशेवर संगीत कला में प्रमुख हो गए। यह जटिल और लंबी संरचना मुख्य रूप से कैथोलिक चर्च संगीत के क्षेत्र में केंद्रित थी। मामला निम्नलिखित तकनीक के आविष्कार (किसके द्वारा - अज्ञात) के साथ शुरू हुआ। एक गायक (या कई गायकों) ने मुख्य आवाज का प्रदर्शन किया - ग्रेगोरियन मंत्र की धीमी चिकनी धुन। और दूसरी आवाज सख्ती से समानांतर में चलती थी - बिल्कुल उसी लय में, केवल हर समय एक सप्तक, या एक क्वार्ट, या एक क्विंट की दूरी पर। अब, हमारे कानों को यह बहुत खराब, "खाली" लगता है। लेकिन एक हज़ार साल पहले, इस तरह के गायन, एक चर्च के मेहराब के नीचे गूँजते हुए, एक गिरजाघर, चकित और प्रसन्न होकर, संगीत के लिए नई अभिव्यंजक संभावनाएँ खोलीं। कुछ समय बाद, चर्च के संगीतकारों ने दूसरी आवाज़ का नेतृत्व करने के लिए अधिक लचीले और विविध तरीकों की तलाश शुरू कर दी। और फिर उन्होंने अधिक से अधिक कुशलता से तीन, चार आवाजों को जोड़ना शुरू किया, बाद में कभी-कभी और भी आवाजें। प्रश्न और कार्य 1। अभ्यास पत्र संकेतन में क्या असुविधाजनक था? 2. मध्यकालीन गायकों को नीम ने क्या सुझाव दिया? 3. ग्रेगोरियन जप क्या है और इसे क्यों कहा जाता है? 4. गुइडो डी'रेज़ो के आविष्कार का सार बताएं। 5. गुइडो के आविष्कार के बाद हल किया जाने वाला अगला कार्य क्या था? 6. कब से अंकन में महत्वपूर्ण परिवर्तन नहीं हुआ? सदी के चर्च संगीतकार पेरोटिन। वह एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि थे गायन कला - पेरिसियन "स्कूल ऑफ नोट्रे डेम" ("स्कूल ऑफ आवर लेडी")। उल्लेखनीय सुंदरता की इमारत में पेरोटिन के मंत्र सुनाई दिए। यह मध्यकालीन गोथिक वास्तुकला का एक प्रसिद्ध स्मारक है, जिसे XIX सदी के फ्रांसीसी लेखक विक्टर द्वारा वर्णित किया गया है। ह्यूगो प्रसिद्ध उपन्यास "नॉट्रे डेम कैथेड्रल" में। संगीत में पॉलीफोनी का विकास कैसे शुरू हुआ इस तरह पॉलीफोनी का विकास शुरू हुआ। ग्रीक भाषा से अनुवादित, इस शब्द का अर्थ है "पॉलीफोनी"। लेकिन पॉलीफोनी को केवल इस प्रकार की पॉलीफोनी कहा जाता है जिसमें दो या दो से अधिक समान स्वर एक साथ ध्वनि करते हैं, इसके अलावा, उनमें से प्रत्येक की अपनी स्वतंत्र मधुर रेखा होती है। यदि एक स्वर मुख्य राग का नेतृत्व करता है, जबकि अन्य इसके अधीन हैं (इसके साथ, इसके साथ), तो यह समरूपता है - दूसरा। अंकन के सुधार के लिए धन्यवाद, धीरे-धीरे, विशेष रूप से 13 वीं शताब्दी से, संगीत पांडुलिपियां अधिक होने लगीं और अधिक सटीक रूप से व्याख्या की गई। इससे न केवल संगीत संस्कृति के बारे में जानकारी के साथ, बल्कि पिछले युगों के संगीत से भी परिचित होना संभव हो गया। यह कोई संयोग नहीं था कि अंकन की सफलताएं पॉलीफोनी के विकास की शुरुआत के साथ मेल खाती हैं - संगीत कला के इतिहास में एक महत्वपूर्ण चरण। 4 www.classON.ru रूसी कला मास के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक प्रमुख संगीत शैली बन गई है। साधारण मास 5 में भक्तिपूर्ण लैटिन ग्रंथों के छह मुख्य मंत्र शामिल हैं। ये हैं "किरियो एलीसन" ("भगवान, दया करें"), "ग्लोरिया" ("ग्लोरी"), "क्रेडो" ("आई बिलीव"), "सैंक्टस" ("पवित्र"), "बेनेडिक्टस" ("धन्य") ) और "अग्नुस देई" ("भगवान का मेमना")। प्रारंभ में, ग्रेगोरियन मंत्र सामूहिक रूप से एक स्वर में सुनाई देता था। लेकिन लगभग 15वीं शताब्दी तक, द्रव्यमान जटिल पॉलीफोनिक भागों 6 के चक्र में बदल गया था। उसी समय, नकल बहुत कुशलता से उपयोग की जाने लगी। लैटिन "इमिटेटियो" से अनुवादित का अर्थ है "नकल"। संगीत में, कभी-कभी अतिरिक्त-संगीत ध्वनियों की नकल कर सकते हैं, उदाहरण के लिए, एक कोकिला की ट्रिल, कोयल की कॉल, समुद्र की लहरों की आवाज़। तब इसे ओनोमेटोपोइया या ओनोमेटोपोइया कहा जाता है। और संगीत में नकल एक ऐसी तकनीक है, जब एक स्वर में एक राग समाप्त होने के बाद, दूसरी आवाज़ बिल्कुल (या बिल्कुल सटीक नहीं) इसे दूसरी ध्वनि से दोहराती है। अन्य आवाजें उसी तरह से प्रवेश कर सकती हैं। होमोफोनिक संगीत में, नकल संक्षिप्त रूप से प्रकट हो सकती है। और पॉलीफोनिक संगीत में, यह विकास के मुख्य तरीकों में से एक है। यह मेलोडिक आंदोलन को लगभग निरंतर बनाने में मदद करता है: पॉलीफोनिक संगीत में सभी आवाजों में एक साथ विराम और तालमेल केवल दुर्लभ अपवादों के रूप में होते हैं। अन्य पॉलीफोनिक उपकरणों के साथ नकल का संयोजन करते हुए, संगीतकारों ने अपने द्रव्यमान को बड़े कोरल कार्यों में बनाया जिसमें चार या पांच आवाजें एक जटिल ध्वनि कपड़े में आपस में जुड़ी हुई हैं। इसमें ग्रेगोरियन जप की धुन को भेदना पहले से ही मुश्किल है और प्रार्थना के शब्दों को सुनना उतना ही मुश्किल है। यहाँ तक कि ऐसे लोग भी थे जहाँ लोकप्रिय धर्मनिरपेक्ष गीतों की धुनों को मुख्य रूप से इस्तेमाल किया जाता था। इस स्थिति ने सर्वोच्च कैथोलिक आध्यात्मिक अधिकारियों को चिंतित कर दिया। 16वीं शताब्दी के मध्य में, यह आम तौर पर चर्च सेवाओं के दौरान पॉलीफोनिक गायन पर प्रतिबंध लगाने जा रहा था। लेकिन इस तरह का प्रतिबंध अद्भुत इतालवी संगीतकार फिलिस्तीन के कारण नहीं लगा, जिन्होंने अपना लगभग पूरा जीवन रोम में बिताया और पोप अदालत के करीब थे (उनका पूरा नाम जियोवन्नी पियरलुइगी दा फिलिस्तीना है, जो कि "फिलिस्तीन से" है - एक रोम के पास छोटा शहर)। फिलिस्तीन, अपने द्रव्यमान के साथ (और उन्होंने उनमें से सौ से अधिक लिखा), पॉलीफोनी की उपस्थिति में कामयाब रहे। चूँकि संगत का राग-हार्मोनिक आधार है, संगीत प्रस्तुति के होमोफ़ोनिक गोदाम को होमोफ़ोनिक-हार्मोनिक भी कहा जाता है। प्रश्न और कार्य 1। कब से संगीत पांडुलिपियों को अधिक से अधिक सटीक रूप से व्याख्यायित किया जाने लगा? 2. संगीत कला के इतिहास में किस महत्वपूर्ण नए चरण के साथ अंकन की सफलता का संयोग हुआ? 3. कब, किस संगीत में और किस धुन के आधार पर धीरे-धीरे पॉलीफोनी का निर्माण हुआ? 4. समानांतर दो स्वर क्या थे? कई समानांतर चौथे, पांचवें और सप्तक को एक साथ गाएं। 5. पॉलीफोनी और होमोफोनी में क्या अंतर है? कैसे पॉलीफोनी का विकास जारी रहा जबकि चर्च गायन में पॉलीफोनी का विकास शुरू हुआ, धर्मनिरपेक्ष संगीत में मोनोफोनी का प्रभुत्व बना रहा। उदाहरण के लिए, 12वीं-14वीं शताब्दी में मध्यकालीन कवियों-गायकों द्वारा रचित और प्रस्तुत किए गए मोनोफोनिक गीतों की कई रिकॉर्डिंग्स को डिक्रिपर्ड किया गया है। फ्रांस के दक्षिण में, प्रोवेंस में, उन्हें फ्रांस के उत्तर में ट्रौबाडर्स कहा जाता था - ट्रौवर्स, जर्मनी में - मिनेसिंगर्स। उनमें से कई प्रसिद्ध शूरवीर थे और उनके गीतों में अक्सर "सुंदर महिला" की सुंदरता और गुण गाए जाते थे जिनकी वे पूजा करते थे। इन कवियों-गायकों के गीतों की धुन अक्सर लोक धुनों के करीब होती थी, जिसमें नृत्य भी शामिल थे, और लय काव्य पाठ की लय के अधीन थी। बाद में, XIV-XVI सदियों में, कारीगरों में से जर्मन कवि-गायक कार्यशालाओं में एकजुट हुए, खुद को मेइस्टरिंगर्स ("मास्टर गायक") कहते थे। चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष गीत मोनोफोनी एक दूसरे से अलग नहीं हुए। इस प्रकार, में आवाजें जो ग्रेगोरियन मंत्र में आध्यात्मिक मंत्रों में जोड़ी गईं, धर्मनिरपेक्ष गीतों का प्रभाव (उदाहरण के लिए, संकटमोचकों और ट्रूवेर्स के गीत) ध्यान देने योग्य हो गए। इसी समय, 13 वीं शताब्दी के अंत तक, फ्रांस में विशुद्ध रूप से धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक कार्य दिखाई दिए , जहां सभी स्वरों की पार्टियां एक गीत चरित्र की धुनों पर आधारित थीं, और ग्रंथों की रचना लैटिन में नहीं, बल्कि फ्रेंच में की गई थी। समय के साथ, कैथोलिक चर्च संगीत में, अभी भी चर्च की छुट्टियों के लिए समर्पित विशेष जनसमूह हैं। याद रखें कि ए चक्र कई अलग-अलग हिस्सों (या टुकड़ों) का एक काम है, जो एक सामान्य विचार से एकजुट होता है। ) एक मधुर और हार्मोनिक मोड़ है जो संगीत के पूरे टुकड़े या उसके खंड 5 6 5 www.classON.ru को पूरा करता है। रूसी कला के क्षेत्र में शिक्षा यह साबित करने के लिए कि पॉलीफोनिक रचनाएँ, बहुत कुशल रहते हुए, पारदर्शी रूप से ध्वनि कर सकती हैं और लिटर्जिकल ग्रंथों को स्पष्ट रूप से सुना जा सकता है। फिलिस्तीन का संगीत तथाकथित सख्त शैली की प्राचीन कोरल पॉलीफोनी की चोटियों में से एक है। यह हमें प्रबुद्ध उदात्त चिंतन की दुनिया में ले जाता है - जैसे कि यह एक समान, शांत करने वाली चमक बिखेरता है। कवि, संगीतकार, वैज्ञानिक और कला प्रेमी। संगत के साथ एक नई तरह की अभिव्यंजक एकल गायन बनाने और इसे नाटकीय कार्रवाई के साथ संयोजित करने के विचार से उन्हें दूर किया गया। इस तरह पहले ओपेरा का जन्म हुआ, जिसके प्लॉट प्राचीन पौराणिक कथाओं से लिए गए थे। सबसे पहले "डैफने" है, जो संगीतकार जैकोपो पेरी (वाई कोरिया के साथ) और कवि ओ रिनुकिनी द्वारा रचित है। यह 1597 में फ्लोरेंस में किया गया था (पूरे काम को संरक्षित नहीं किया गया है)। प्राचीन ग्रीक पौराणिक कथाओं में, डाफ्ने नदी के देवता लाडन और पृथ्वी देवी गैया की बेटी है। अपोलो के उत्पीड़न से भागते हुए, उसने देवताओं से मदद के लिए प्रार्थना की और एक लॉरेल (ग्रीक "डैफ्ने" - "लॉरेल") में बदल गया - अपोलो का पवित्र वृक्ष। चूंकि अपोलो को कला का संरक्षक देवता माना जाता था, इसलिए पायथियन खेलों के विजेताओं को लॉरेल पुष्पमाला पहनाई जाने लगी, जिसके संस्थापक को अपोलो माना जाता था। लॉरेल पुष्पांजलि और लॉरेल की एक अलग शाखा जीत, महिमा और इनाम का प्रतीक बन गई है। 1600 में रचित दो अन्य ओपेरा (एक जे. पेरी द्वारा, दूसरा जी. कैसिनी द्वारा) दोनों को "यूरीडाइस" कहा जाता है क्योंकि वे दोनों महान गायक ऑर्फियस के प्राचीन ग्रीक मिथक पर आधारित एक ही काव्य पाठ का उपयोग करते हैं। पहले इतालवी ओपेरा महान लोगों के महलों और घरों में किए गए थे। ऑर्केस्ट्रा में कुछ प्राचीन वाद्ययंत्र शामिल थे। इसका नेतृत्व एक संगीतकार ने किया था जिसने सेम्बलो (हार्पसीकोर्ड के लिए इतालवी नाम) बजाया था। अभी तक कोई प्रस्ताव नहीं आया था, और प्रदर्शन की शुरुआत तुरही के शोर से हुई थी। और मुखर भागों में, पुनरावर्ती प्रबल हुआ, जिसमें संगीत का विकास काव्य पाठ के अधीन था। जल्द ही, संगीत ने ओपेरा में एक तेजी से स्वतंत्र और महत्वपूर्ण महत्व हासिल करना शुरू कर दिया। यह पहले उत्कृष्ट ओपेरा संगीतकार - क्लाउडियो मोंटेवेर्डी की योग्यता है। उनका पहला ओपेरा - "ऑर्फ़ियस" - 1607 में मंटुआ में आयोजित किया गया था। उसका नायक फिर से वही प्रसिद्ध गायक है जिसने अपनी कला से मृतकों के अंडरवर्ल्ड के देवता हेड्स को प्रसन्न किया, और उसने ऑर्फियस की प्यारी पत्नी यूरीडाइस को धरती पर छोड़ दिया। लेकिन अधोलोक की स्थिति - अपने राज्य को छोड़ने से पहले, यूरीडाइस को कभी न देखें - ऑर्फियस ने उल्लंघन किया और फिर से, हमेशा के लिए, उसे खो दिया। मोंटेवेर्डी के संगीत ने इस दुखद कहानी को एक अभूतपूर्व गेय और नाटकीय अभिव्यक्ति दी। मोंटेवेर्डी के ऑर्फियस में मुखर भागों, गायन, आर्केस्ट्रा एपिसोड प्रकृति में बहुत अधिक विविध हो गए। इस काम में, एक मधुर अरियोस शैली आकार लेने लगी - इतालवी ओपेरा संगीत का सबसे महत्वपूर्ण विशिष्ट गुण। फ्लोरेंस के उदाहरण के बाद, ओपेरा की रचना और प्रदर्शन न केवल मंटुआ में, बल्कि रोम, वेनिस और नेपल्स जैसे इतालवी शहरों में भी किया जाने लगा। अन्य यूरोपीय देशों में नई शैली में रुचि पैदा होने लगी, और उनके प्रश्न और कार्य 1। ट्रूबाडोर्स, ट्रूवर्स, मिनेसिंगर्स और मास्टर्सिंगर्स कौन हैं? 2. क्या प्राचीन चर्च पॉलीफोनी और धर्मनिरपेक्ष गीत धुनों के बीच कोई संबंध है? 3. साधारण द्रव्यमान के मुख्य भागों के नाम लिखिए। 4. संगीत में अर्थानुरणन के उदाहरण दीजिए। 5. संगीत में अनुकरण किसे कहते हैं ? 6. फिलिस्तीन ने जनता में क्या हासिल किया? ओपेरा का जन्म। 17 वीं शताब्दी की शुरुआत से ठीक पहले ओरटोरियो और कैंटाटा - ऐतिहासिक काल की पहली शताब्दी जिसे नया युग कहा जाता है - संगीत की कला में अत्यधिक महत्व की घटना हुई: ओपेरा का जन्म इटली में हुआ था। प्राचीन काल से विभिन्न नाट्य प्रदर्शनों में संगीत का उपयोग किया जाता रहा है। उनमें, वाद्य और कोरल नंबरों के साथ, व्यक्तिगत स्वर एकल, जैसे गाने, का प्रदर्शन किया जा सकता था। और ओपेरा में गायक और गायक अभिनेता और अभिनेत्री बन गए। उनका गायन, ऑर्केस्ट्रा के साथ, मंच की कार्रवाई के संयोजन में प्रदर्शन की मुख्य सामग्री को व्यक्त करना शुरू कर दिया। यह दृश्यों, वेशभूषा और अक्सर नृत्य - बैले द्वारा पूरक होता है। इस प्रकार, ओपेरा में, संगीत ने विभिन्न कलाओं के घनिष्ठ समुदाय का नेतृत्व किया। इसने उसके लिए महान नई कलात्मक संभावनाएँ खोलीं। ओपेरा गायकों ने अभूतपूर्व शक्ति के साथ लोगों के व्यक्तिगत भावनात्मक अनुभवों - हर्षित और दुखद दोनों को व्यक्त करना शुरू किया। उसी समय, ओपेरा में सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यंजक साधन आर्केस्ट्रा की संगत के साथ एकल गायन आवाज का होमोफोनिक संयोजन था। और अगर 17 वीं शताब्दी तक पश्चिमी यूरोप में पेशेवर संगीत मुख्य रूप से चर्च में विकसित हुआ, और द्रव्यमान सबसे बड़ी शैली थी, तो संगीत थिएटर मुख्य केंद्र बन गया, और सबसे बड़ी शैली ओपेरा थी। 16 वीं शताब्दी के अंत में इतालवी शहर फ्लोरेंस में, सर्कल 6 ने रूस में कला के क्षेत्र में www.classON.ru बच्चों की शिक्षा एकत्र की, शासकों ने इसे इतालवी संगीतकारों को अपनी अदालती सेवा में आमंत्रित करने के लिए एक प्रथा के रूप में लिया। इसने इस तथ्य में योगदान दिया कि लंबे समय तक इतालवी संगीत यूरोप में सबसे प्रभावशाली बन गया। फ्रांस में, 17 वीं शताब्दी में, इसका अपना राष्ट्रीय ओपेरा उत्पन्न हुआ, जो इतालवी से अलग था। इसके संस्थापक - जीन-बैप्टिस्ट एल यूल एल और - जन्म से इतालवी। फिर भी, उन्होंने फ्रांसीसी संस्कृति की विशिष्टताओं को सही ढंग से महसूस किया और एक प्रकार की फ्रांसीसी ऑपरेटिव शैली बनाई। लूली के ओपेरा में, एक ओर एक पुनरावर्ती प्रकृति के गायन और छोटे अरिया ने एक बड़े स्थान पर कब्जा कर लिया, और दूसरी ओर, बैले नृत्य, गंभीर मार्च और स्मारकीय गायन। पौराणिक भूखंडों के साथ, शानदार वेशभूषा, नाटकीय मशीनों की मदद से जादुई चमत्कारों का चित्रण, यह सब फ्रांसीसी राजा लुई XIV के शासनकाल के दौरान अदालत के जीवन की चमक और भव्यता के अनुरूप था। जर्मनी में पहला ओपेरा, डाफ्ने (1627), पूर्व-बाख युग के सबसे महान जर्मन संगीतकार हेनरिक शुट्ज़ द्वारा बनाया गया था। लेकिन उसका संगीत नहीं बचा है। और देश में ओपेरा शैली के विकास के लिए कोई स्थिति नहीं थी: उन्होंने वास्तव में केवल 19 वीं शताब्दी की शुरुआत के साथ आकार लिया। और शुट्ज़ के काम में, आध्यात्मिक ग्रंथों पर अभिव्यंजक मुखर-वाद्य रचनाओं द्वारा मुख्य स्थान पर कब्जा कर लिया गया था। 1689 में, उल्लेखनीय प्रतिभा के संगीतकार हेनरी पुरसेल द्वारा पहला अंग्रेजी ओपेरा, डिडो और एनीस, लंदन में प्रदर्शित किया गया था। इस ओपेरा का संगीत हार्दिक गीत, काव्यात्मक कल्पना और रंगीन रोजमर्रा की छवियों के साथ लुभावना है। हालाँकि, परसेल की मृत्यु के बाद, लगभग दो शताब्दियों तक, अंग्रेजी संगीतकारों में कोई उत्कृष्ट संगीत रचनाकार नहीं थे। 16वीं-17वीं शताब्दी के मोड़ पर, ओपेरा के साथ-साथ और इटली में भी, ओराटोरी और कैंट अता का जन्म हुआ। यह ओपेरा के समान है जिसमें एकल कलाकार, गाना बजानेवालों और आर्केस्ट्रा भी उनके प्रदर्शन में भाग लेते हैं, और इसमें वे अरिया, गायन, मुखर पहनावा, गाना बजानेवालों, आर्केस्ट्रा के एपिसोड भी ध्वनि करते हैं। लेकिन ओपेरा में हम घटनाओं (साजिश) के विकास के बारे में सीखते हैं न केवल एकल कलाकार क्या गाते हैं, बल्कि यह भी कि वे क्या करते हैं और आम तौर पर मंच पर क्या होता है। और oratorio और cantata में कोई स्टेज एक्शन नहीं है। वे वेशभूषा और दृश्यों के बिना एक संगीत कार्यक्रम की सेटिंग में किए जाते हैं। लेकिन oratorio और cantata में भी अंतर है, हालांकि हमेशा स्पष्ट नहीं होता है। आम तौर पर एक ओरटोरियो एक बड़े आकार का काम होता है और एक अधिक विकसित धार्मिक साजिश के साथ। इसमें अक्सर एक महाकाव्य-नाटकीय चरित्र होता है। इस संबंध में, गायक-कथावाचक का वर्णनात्मक पुनरावर्ती भाग अक्सर वाद्यवृंद में शामिल होता है। एक विशेष प्रकार का आध्यात्मिक oratorios "जुनून", या "निष्क्रिय" (लैटिन से अनुवादित - "पीड़ा") है। "जुनून" यीशु मसीह की पीड़ा और मृत्यु के बारे में बताता है, जिसे क्रूस पर चढ़ाया गया था। 7 www.classON.ru मौखिक पाठ की सामग्री के आधार पर, रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा को आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष में विभाजित किया गया है। 17वीं शताब्दी में और 18वीं शताब्दी की शुरुआत में, इटली में कई छोटे, कक्ष छावनी का उदय हुआ। इनमें दो या तीन अरियाओं के साथ वैकल्पिक रूप से दो या तीन गायन शामिल थे। भविष्य में, मुख्य रूप से गंभीर प्रकृति के छावनी व्यापक हो गए। जर्मनी में विभिन्न निर्माणों के आध्यात्मिक छावनी और "जुनून" सबसे अधिक विकसित हुए थे। अरियास, और यह एक कलाप्रवीण व्यक्ति मार्ग आंदोलन को तैनात करने के लिए आकर्षक है। कोरेली और विवाल्डी की विरासत में, एक बड़ा स्थान तीनों सोनाटा शैली का है। अधिकांश तीनों सोनटास में, दो मुख्य भाग वायलिन द्वारा बजाए जाते हैं, और तीसरा भाग एक हार्पसीकोर्ड या अंग के साथ होता है, जिसमें सेलो या बेससून द्वारा बास की आवाज दोगुनी होती है। तिकड़ी सोनाटा के बाद, वायलिन के लिए एक सोनाटा या हार्पसीकोर्ड के साथ एक अन्य वाद्य यंत्र दिखाई दिया। साथ ही कंसर्टो ग्रोसो - ऑर्केस्ट्रा के लिए एक कंसर्टो (पहले - तार)। इन शैलियों के कई कार्यों को पुराने सोनाटा के रूप में चित्रित किया गया है। यह आमतौर पर धीमी-तेज़-धीमी-तेज़ गति अनुपात वाला चार-भाग वाला चक्र होता है। कुछ समय बाद, पहले से ही 18 वीं शताब्दी में, विवाल्डी ने ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ वायलिन और कुछ अन्य उपकरणों के लिए एकल संगीत कार्यक्रम बनाना शुरू किया। तीन भागों का एक चक्र था: "तेज-धीमा-तेज"। प्रश्न और कार्य 1। ओपेरा कहाँ और कब पैदा हुआ था? समझाएं कि एक ओपेरा संगीत के साथ नाट्य प्रदर्शन से कैसे भिन्न होता है। 2. ओपेरा संगीत में अभिव्यक्ति का सबसे महत्वपूर्ण साधन क्या है? 3. क्लाउडियो मोंटेवेर्डी द्वारा पहले ओपेरा का नाम क्या है, और इसके संगीत में कौन से गुण प्रकट होते हैं? 4. पुराने फ्रेंच ओपेरा की विशेषताओं के बारे में बताएं। 5. जर्मनी में लिखे गए पहले ओपेरा और इंग्लैंड में लिखे गए पहले ओपेरा का नाम बताएं। 6. ओपेरा से ओरटोरियो और कैंटाटा के बीच मुख्य अंतर क्या है? 7. "जुनून" ("निष्क्रिय") क्या हैं? प्राचीन मिस्र में भी अंग ने अपना सदियों पुराना इतिहास शुरू किया। 17वीं शताब्दी तक, यह व्यापक कलात्मक संभावनाओं वाला एक बहुत ही जटिल उपकरण बन गया था। छोटे अंग तब निजी घरों में भी पाए जा सकते थे। उनका उपयोग प्रशिक्षण सत्रों के लिए किया जाता था, उन्होंने लोक गीतों और नृत्यों की धुनों पर विविधताएँ बजाईं। और नक्काशीदार लकड़ी के निकायों के साथ पाइपों की चमचमाती पंक्तियों के साथ महान अंग, जैसा कि वे अब चर्चों और गिरिजाघरों में करते हैं। आजकल कई कॉन्सर्ट हॉल में अंग भी होते हैं। आधुनिक अंगों में, कई हजार पाइप और सात कीबोर्ड (मैनुअल) तक, एक के ऊपर एक - सीढ़ियों की तरह स्थित होते हैं। बहुत सारे पाइप हैं क्योंकि वे समूहों - रजिस्टरों में विभाजित हैं। ध्वनि का एक अलग रंग (समय) प्राप्त करने के लिए रजिस्टरों को चालू किया जाता है और विशेष लीवर के साथ स्विच किया जाता है। अंग भी एक पेडल से लैस हैं। यह कई बड़ी चाबियों का संपूर्ण फुट कीबोर्ड है। उन्हें अपने पैरों से दबाकर, ऑर्गनिस्ट लंबे समय तक बास ध्वनि निकाल सकता है और बनाए रख सकता है (ऐसी निरंतर ध्वनियों को पेडल या अंग बिंदु भी कहा जाता है)। लय की समृद्धि के संदर्भ में, यदि संभव हो तो, सबसे हल्के पियानोसिमो की तुलना गरजने वाले फोर्टिसिमो से करने के लिए, संगीत वाद्ययंत्रों के बीच अंग की कोई बराबरी नहीं है। 17वीं शताब्दी में, अंग कला जर्मनी में विशेष रूप से उच्च स्तर पर पहुंची। अन्य देशों की तरह, जर्मन चर्च के आयोजक संगीतकार और कलाकार दोनों थे। वे न केवल आध्यात्मिक मंत्रों के साथ, बल्कि अकेले भी थे। उनमें कई प्रतिभाशाली गुणी और कामचलाऊ लोग थे जिन्होंने अपने खेल से लोगों की पूरी भीड़ को आकर्षित किया। उनमें से सबसे उल्लेखनीय डायट्रिच बक्सटेहुड है। युवा जोहान सेबेस्टियन बाख उनका नाटक सुनने के लिए दूसरे शहर से पैदल आए थे। बक्सटेहुड का विविध और व्यापक कार्य उस समय के मुख्य प्रकार के अंग संगीत का प्रतिनिधित्व करता है। एक ओर, ये 17 वीं शताब्दी के प्रस्तावना, कल्पनाएँ और वाद्य संगीत हैं, इसकी शैलियाँ और रूप हैं। लंबे समय तक, वाद्य यंत्रों को बजाने से अक्सर मुखर कार्यों में या नृत्य के साथ आवाज़ों के हिस्से दोगुने हो जाते हैं। वाद्य रचनाओं की वाद्य व्यवस्था भी वितरित की गई। वाद्य संगीत का स्वतंत्र विकास केवल 17वीं शताब्दी में तेज हुआ। उसी समय, मुखर पॉलीफोनी में विकसित होने वाली कलात्मक तकनीकें इसमें विकसित होती रहीं। वे गीत और नृत्य के आधार पर एक समरूप गोदाम के तत्वों से समृद्ध थे। उसी समय, ऑपरेटिव संगीत की अभिव्यंजक उपलब्धियों ने वाद्य रचनाओं को प्रभावित करना शुरू कर दिया। वायलिन, शानदार गुणी क्षमताओं के साथ, एक बहुत ही मधुर आवाज है। और यह ओपेरा के जन्मस्थान में था, इटली में, वायलिन संगीत विशेष रूप से सफलतापूर्वक विकसित होना शुरू हुआ। 17 वीं शताब्दी के अंत में, आर्केंजेलो कोरेली का काम फला-फूला और एंटोनियो विवाल्डी की रचनात्मक गतिविधि शुरू हुई। इन उत्कृष्ट इतालवी संगीतकारों ने भागीदारी के साथ और वायलिन की प्रमुख भूमिका के साथ कई वाद्य यंत्रों का निर्माण किया। उनमें, वायलिन एक ओपेरा 8 www.classON.ru रूसी कला टोकाटास के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा में मानव आवाज के रूप में स्पष्ट रूप से गा सकता है। उनमें, पॉलीफोनिक एपिसोड कामचलाऊ मार्ग और कॉर्ड के साथ स्वतंत्र रूप से वैकल्पिक होते हैं। दूसरी ओर, ये अधिक सख्ती से निर्मित टुकड़े हैं, जिसके कारण नकली पॉलीफोनी का सबसे जटिल रूप, फ्यूग्यू का उदय हुआ। बक्सटेहुड ने कोरल प्रस्तावना के रूप में प्रोटेस्टेंट कोरले के कई अंग अनुकूलन भी किए। ग्रेगोरियन जप के विपरीत, यह लैटिन में नहीं, बल्कि जर्मन में आध्यात्मिक मंत्रों का सामान्य नाम है। वे 16वीं शताब्दी में प्रकट हुए, जब एक नए प्रकार के ईसाई सिद्धांत, प्रोटेस्टेंटवाद, कैथोलिक धर्म से अलग हो गए। प्रोटेस्टेंट जप का मधुर आधार जर्मन लोक गीत थे। 17 वीं शताब्दी में, अंग के समर्थन से सभी पारिश्रमिकों द्वारा गाना बजानेवालों द्वारा प्रोटेस्टेंट मंत्र का प्रदर्शन किया जाने लगा। इस तरह की कोरल व्यवस्थाओं के लिए, ऊपरी आवाज़ में एक राग के साथ चार-आवाज़ वाला राग गोदाम विशिष्ट है। इसके बाद, ऐसे गोदाम को कोरल कहा जाता था, भले ही यह वाद्य कार्य में होता हो। आयोजकों ने कड़े कीबोर्ड वाद्य भी बजाए और उनके लिए रचना की। इन उपकरणों के कार्यों का सामान्य नाम क्लैवियर म्यूजिक है। तार वाले कीबोर्ड उपकरणों के बारे में पहली जानकारी 14वीं-15वीं शताब्दी की है। 17वीं शताब्दी तक, हार्पसीकोर्ड इनमें से सबसे आम बन गया था। तो इसे फ्रांस में कहा जाता है, इटली में इसे सेम्बलो कहा जाता है, जर्मनी में - कीलफ्लगेल, इंग्लैंड में - हार्पसीकोर्ड। फ्रांस में छोटे वाद्ययंत्रों का नाम एपिनेट है, इटली में - इंग्लैंड के स्पिनेट्स - वर्जिनल। हार्पसीकोर्ड पियानो का पूर्वज है, जो 18वीं शताब्दी के मध्य से उपयोग में आना शुरू हुआ। जब आप हार्पसीकोर्ड की चाबियां दबाते हैं, तो छड़ पर लगे पंख या चमड़े की जीभ, तार को चुभने लगती है। यह झटकेदार, सोनोरस और एक ही समय में थोड़ी सरसराहट की आवाज़ निकलती है। हार्पसीकोर्ड पर, ध्वनि की ताकत चाबियों पर प्रभाव की ताकत पर निर्भर नहीं करती है। इसलिए, उस पर क्रेस्केंडोस और डिमिन्यूएन्डोस बनाना असंभव है - पियानो के विपरीत, जिस पर हथौड़ों से हथौड़ों के साथ चाबियों के अधिक लचीले कनेक्शन के कारण यह संभव है। हार्पसीकोर्ड में दो या तीन कीबोर्ड और एक उपकरण हो सकता है जो आपको ध्वनि का रंग बदलने की अनुमति देता है। एक और छोटे कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट - क्लैविकॉर्ड - की आवाज हार्पसीकोर्ड की आवाज से कमजोर होती है। लेकिन दूसरी ओर, क्लैविकॉर्ड पर अधिक मधुर वादन संभव है, क्योंकि इसके तार नहीं तोड़े जाते, बल्कि उन पर धातु की प्लेटें दबाई जाती हैं। शुरुआती हार्पसीकोर्ड संगीत की मुख्य शैलियों में से एक कई भागों का एक सूट है, जो एक कुंजी में लिखा गया है। प्रत्येक भाग में आमतौर पर किसी न किसी प्रकार के नृत्य की गति का उपयोग किया जाता है। पुराने सूट का आधार अलग-अलग नृत्यों के चार नृत्य हैं, हमेशा राष्ट्रीय मूल को स्पष्ट नहीं करते हैं। ये इत्मीनान से (संभवतः जर्मनी से), अधिक फुर्तीली झंकार (फ्रांस से), धीमी सरबांडे (स्पेन से), और तेज़ गीग्यू (आयरलैंड या इंग्लैंड से) हैं। 17 वीं शताब्दी के अंत से, पेरिस के हार्पसीकोर्डिस्ट के उदाहरण के बाद, सुइट्स को ऐसे फ्रांसीसी नृत्यों के साथ पूरक किया जाने लगा, जैसे मीनू, गवोटे, बोर्रे और पाससेपिड। उन्हें मुख्य नृत्यों के बीच डाला गया था, जिससे इंटरमीडिया खंड (लैटिन में "इंटीग" का अर्थ "बीच") था। प्राचीन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड संगीत लालित्य, अनुग्रह और छोटे मधुर आभूषणों की बहुतायत, जैसे कि मोर्डेंट्स और ट्रिल्स द्वारा प्रतिष्ठित है। फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड शैली फ्रांकोइस कूपरिन (1668 - 1733) के काम में विकसित हुई, जिसका नाम द ग्रेट रखा गया। उन्होंने लगभग ढाई सौ नाटकों की रचना की और उन्हें सत्ताईस सुइट्स में संयोजित किया। वे धीरे-धीरे विभिन्न कार्यक्रम नामों वाले नाटकों पर हावी होने लगे। सबसे अधिक बार, ये महिलाओं के लघु हार्पसीकोर्ड पोर्ट्रेट की तरह होते हैं - कुछ चरित्र लक्षण, उपस्थिति, आचरण के सुविचारित ध्वनि रेखाचित्र। उदाहरण के लिए, नाटक "ग्लॉमी", "टचिंग", "फुर्तीला", "बिखरे हुए", "शरारती" हैं। उनके महान समकालीन जोहान सेबेस्टियन बाख ने फ्रेंच हार्पसीकोर्ड संगीत में बहुत रुचि दिखाई, जिसमें फ्रेंकोइस कूपेरिन के नाटक भी शामिल थे। प्रश्न और कार्य 1। वाद्य विधाओं का स्वतंत्र विकास कब तीव्र हुआ? 2. आर्कैंजेलो कोरेली और एंटोनियो विवाल्डी का पसंदीदा वाद्य यंत्र कौन सा है? 3. अंग की संरचना के बारे में बताएं। 4. अंग कला किस देश में विशेष रूप से फली फूली? एक प्रोटेस्टेंट जप क्या है? 5. हार्पसीकोर्ड के उपकरण के बारे में बताएं। पुराने हार्पसीकोर्ड सूट के मुख्य भागों में कौन से नृत्य आंदोलनों का उपयोग किया जाता है? इसलिए, पाठ्यपुस्तक के परिचयात्मक खंड ने संक्षेप में प्राचीन काल से संगीत की दुनिया में कुछ महत्वपूर्ण घटनाओं का परिचय दिया। यह 18वीं और 19वीं सदी में काम करने वाले महान पश्चिमी यूरोपीय संगीतकारों की विरासत को और जानने में मदद करने के लिए एक ऐतिहासिक "भ्रमण" था। कुछ समय के लिए, क्लैवियर को कीबोर्ड-विंड इंस्ट्रूमेंट - ऑर्गन सहित सभी कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स के लिए संगीत कहा जाता था। 8 9 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जोहान का जीवन पथ रॉड, परिवार, बचपन। जोहान सेबेस्टियन बाख का जन्म 1685 में थुरिंगिया में हुआ था - मध्य जर्मनी के क्षेत्रों में से एक, जंगलों से घिरे छोटे से शहर आइसेनच में। थुरिंगिया में, तीस साल के युद्ध (1618-1648) के गंभीर परिणाम, जिसमें यूरोपीय शक्तियों के दो बड़े समूह आपस में भिड़ गए थे, अभी भी महसूस किए गए थे। यह विनाशकारी युद्ध जोहान सेबेस्टियन के पूर्वजों के साथ हुआ, जो जर्मन शिल्प और किसान पर्यावरण से निकटता से जुड़े थे। उनके परदादा, जिनका नाम वीट था, एक बेकर थे, लेकिन उन्हें संगीत से इतना प्यार था कि उन्होंने कभी भी ज़िथर के साथ भाग नहीं लिया, एक मेन्डोलिन के समान एक वाद्य यंत्र, यहां तक ​​​​कि चक्की के दौरे के दौरान भी जब वह आटा पीसा जा रहा था। और उनके वंशजों में, जो थुरिंगिया और पड़ोसी क्षेत्रों में बस गए, इतने संगीतकार थे कि इस पेशे का अभ्यास करने वाले सभी लोगों को वहां "बाख" कहा जाता था। ये चर्च के आयोजक, वायलिन वादक, बांसुरी वादक, तुरही बजाने वाले थे, उनमें से कुछ ने संगीतकार के रूप में प्रतिभा दिखाई। वे शहर की नगर पालिकाओं की सेवा में थे और उन छोटी रियासतों और डचियों के शासकों के दरबार में थे जिनमें जर्मनी विभाजित था। सेबस्टियन बाख 1685-1750 इस महान जर्मन संगीतकार के संगीत का भाग्य अद्भुत है, जिनके जन्म को तीन सौ से अधिक वर्ष बीत चुके हैं। अपने जीवनकाल के दौरान, उन्हें मुख्य रूप से संगीत वाद्ययंत्र के एक आयोजक और पारखी के रूप में मान्यता मिली, और उनकी मृत्यु के बाद उन्हें कई दशकों तक लगभग भुला दिया गया। लेकिन फिर धीरे-धीरे उन्होंने उनके काम को फिर से खोजना शुरू किया और उन्हें एक अनमोल कलात्मक खजाने के रूप में सराहा, कौशल में नायाब, गहराई में अटूट और सामग्री की मानवता। "धारा नहीं! "समुद्र उसका नाम होना चाहिए।" तो एक और संगीत प्रतिभा बाख के बारे में कहा - बीथोवेन9। बाख स्वयं अपने कार्यों का केवल एक छोटा सा हिस्सा प्रकाशित करने में सफल रहे। अब उनमें से एक हजार से अधिक प्रकाशित हैं (कई और खो गए हैं)। बाख की पहली पूर्ण कृतियाँ उनकी मृत्यु के सौ साल बाद जर्मनी में छपनी शुरू हुईं, और इसमें छियालीस मात्राएँ थीं। और मोटे तौर पर यह गणना करना भी असंभव है कि कितना मुद्रित किया गया है और बाख के संगीत के कितने अलग-अलग संस्करण अलग-अलग देशों में छपे हैं। इसके लिए चल रही मांग इतनी बड़ी है। इसके लिए न केवल विश्व संगीत कार्यक्रम में, बल्कि शैक्षिक में भी एक व्यापक और सम्मानजनक स्थान रखता है। जोहान सेबेस्टियन बाख सचमुच संगीत में शामिल सभी लोगों के शिक्षक बने हुए हैं। वह एक गंभीर और सख्त शिक्षक हैं, उन्हें पॉलीफोनिक कार्यों को करने की कला में महारत हासिल करने के लिए ध्यान केंद्रित करने की क्षमता की आवश्यकता होती है। लेकिन जो कठिनाइयों से नहीं डरता और अपनी आवश्यकताओं पर पूरा ध्यान देता है, वह अपनी कठोरता के पीछे हृदय की बुद्धिमानी और दयालुता को महसूस करेगा, जिसे वह अपनी सुंदर अमर कृतियों से सिखाता है। एसेनच में वह घर जहां जेएसबाख का जन्म हुआ था 9 "बाख" का अर्थ जर्मन में "धारा" है। 10 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जोहान सेबेस्टियन के पिता आइसेनच में एक वायलिन वादक, शहर और दरबारी संगीतकार थे। उन्होंने अपने सबसे छोटे बेटे को संगीत सिखाना शुरू किया और उसे एक चर्च स्कूल भेजा। सुंदर ऊंची आवाज के साथ, लड़के ने स्कूल गाना बजानेवालों में गाया। जब वह दस वर्ष के थे, तब उनके माता-पिता की मृत्यु हो गई। बड़े भाई, पड़ोसी शहर ओहड्रूफ़ में एक चर्च आयोजक, ने अनाथ की देखभाल की। उन्होंने अपने छोटे भाई को स्थानीय लिसेयुम को सौंपा और उन्हें स्वयं अंग पाठ दिया। बाद में, जोहान सेबेस्टियन भी एक वीणावादक, वायलिन वादक और वायलिन वादक बन गए। और बचपन से ही उन्होंने विभिन्न लेखकों की रचनाओं को फिर से लिखते हुए, अपने दम पर संगीत रचना में महारत हासिल की। उन्हें एक संगीत नोटबुक को फिर से लिखना पड़ा, जो उनके बड़े भाई से गुप्त रूप से चांदनी रातों में उनके लिए विशेष रुचि थी। लेकिन जब लंबी मेहनत पूरी हो गई, तो उन्हें यह पता चला, जोहान सेबेस्टियन के अनधिकृत कृत्य के लिए नाराज हो गए और निर्दयता से उनसे पांडुलिपि छीन ली। एक स्वतंत्र जीवन की शुरुआत। लूनबर्ग। पंद्रह वर्ष की आयु में, जोहान सेबेस्टियन ने एक निर्णायक कदम उठाया - वह सुदूर उत्तरी जर्मन शहर लूनबर्ग चले गए, जहाँ उन्होंने छात्रवृत्ति धारक के रूप में मठ चर्च में स्कूल में प्रवेश किया। स्कूल के पुस्तकालय में, वह जर्मन संगीतकारों की रचनाओं की बड़ी संख्या में पांडुलिपियों से परिचित होने में सक्षम था। लुनेबर्ग और हैम्बर्ग में, जहां वह देश की सड़कों से गए, कोई भी प्रतिभाशाली जीवों के खेल को सुन सकता था। यह संभव है कि जोहान सेबस्टियन ने हैम्बर्ग में ओपेरा हाउस का दौरा किया - उस समय जर्मनी में एकमात्र ऐसा था जिसने इतालवी में नहीं, बल्कि जर्मन में प्रदर्शन किया। उन्होंने तीन साल बाद स्कूल से सफलतापूर्वक स्नातक किया और अपनी जन्मभूमि के करीब नौकरी की तलाश करने लगे। वीमर। तीन शहरों में एक वायलिन वादक और संगठक के रूप में सेवा करने के बाद, 1708 में बाख, पहले से ही शादीशुदा, नौ साल के लिए वीमर (थुरिंगिया) में बस गए। वहाँ वे ड्यूक के दरबार में एक आयोजक थे, और फिर वाइस-कैपेला मास्टर (चैपल के प्रमुख के सहायक - गायकों और वाद्य यंत्रों का एक समूह)। एक किशोर के रूप में, ओहड्रूफ़ में, बाख ने संगीत की रचना करना शुरू किया, विशेष रूप से, अंग के लिए प्रोटेस्टेंट कोरल की व्यवस्था करने के लिए, उनका पसंदीदा वाद्य यंत्र। और वीमर में, उनके कई उल्लेखनीय परिपक्व अंग काम दिखाई दिए, जैसे डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू, सी माइनर में पासकाग्लिया 10, कोरल प्रील्यूड्स। उस समय तक, बाख अंग और हार्पसीकोर्ड पर एक नायाब कलाकार और सुधारक बन गया था। निम्नलिखित मामले से इसकी पुष्टि की गई थी। एक बार बाख सक्सोनी की राजधानी ड्रेसडेन गए, जहां उन्होंने उनके और लुइस मारचंद के बीच एक प्रतियोगिता आयोजित करने का फैसला किया, जो कि प्रसिद्ध फ्रांसीसी जीव वादक और हार्पसीकोर्डिस्ट थे। लेकिन उन्होंने पहले ही सुना था कि कैसे बाख ने अद्भुत रचनात्मक सरलता के साथ हार्पसीकोर्ड पर सुधार किया, ड्रेसडेन को चुपके से छोड़ने के लिए जल्दबाजी की। प्रतियोगिता नहीं हुई। वीमर दरबार में इतालवी और फ्रांसीसी संगीतकारों के कार्यों से परिचित होने का अवसर मिला। बाख ने उनकी उपलब्धियों को बड़ी दिलचस्पी और कलात्मक पहल के साथ माना। उदाहरण के लिए, उन्होंने हार्पसीकोर्ड और एंटोनियो विवाल्डी के वायलिन संगीत कार्यक्रम के अंग के लिए कई मुफ्त व्यवस्था की। इस तरह संगीत कला के इतिहास में पहला क्लैवियर कंसर्ट का जन्म हुआ। वीमर में तीन साल के लिए, बाख को हर चौथे रविवार को एक नया आध्यात्मिक कैंटाटा बनाना था। कुल मिलाकर, तीस से अधिक कार्य इस प्रकार उत्पन्न हुए। हालाँकि, जब बुजुर्ग कोर्ट बैंडमास्टर, जिनके कर्तव्यों को वास्तव में बाख द्वारा निभाया गया था, की मृत्यु हो गई, तो खाली पद उन्हें नहीं, बल्कि मृतक के अक्षम बेटे को दिया गया। इस तरह के अन्याय से नाराज बाख ने अपना इस्तीफा सौंप दिया। "अपमानजनक मांग" के लिए उन्हें नजरबंद कर दिया गया। लेकिन उन्होंने अपने आप पर जोर देते हुए एक साहसी, गर्वपूर्ण तप दिखाया। और एक महीने बाद, ड्यूक को अनिच्छा से विद्रोही संगीतकार को जंगल में छोड़ने के लिए "निर्दयी आदेश" देना पड़ा। कोथेन। 1717 के अंत में, बाख और उनका परिवार कोथेन चले गए। थुरिंगिया के पड़ोस में एक छोटे से राज्य के शासक कोथेन के राजकुमार लियोपोल्ड अनहॉल्ट ने उन्हें अदालत के बैंडमास्टर की जगह की पेशकश की थी। वह एक अच्छा संगीतकार था - उसने गाया, हार्पसीकोर्ड बजाया और वायोला दा गंबा 11। राजकुमार ने अपने नए बैंडमास्टर को अच्छी वित्तीय सहायता प्रदान की और उसके साथ बहुत सम्मान किया। बाख के कर्तव्यों, जिसमें उनका अपेक्षाकृत कम समय लगता था, में अठारह गायकों और वादकों के एक चैपल को निर्देशित करना, राजकुमार के साथ जाना और स्वयं हार्पसीकोर्ड बजाना शामिल था। कोथेन में, कई बाख विभिन्न उपकरणों के लिए काम करते हैं। उनमें क्लेवियर संगीत बहुत विविध है। एक ओर, ये शुरुआती लोगों के लिए टुकड़े हैं - पासाकागलिया स्पेनिश मूल का एक धीमा तीन-तरफ़ा नृत्य है। इसके आधार पर, बास में बार-बार दोहराए जाने वाले राग के साथ भिन्नता के रूप में वाद्य यंत्र उत्पन्न हुए। 10 11 वियोला दा गाम्बा एक प्राचीन वाद्य यंत्र है जो सेलो जैसा दिखता है। 11 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा छोटे प्रस्ताव, दो-भाग और तीन-भाग के आविष्कार। वे बाख द्वारा अपने सबसे बड़े बेटे, विल्हेम फ्रीडेमैन के साथ अध्ययन करने के लिए लिखे गए थे। दूसरी ओर, यह एक स्मारकीय कार्य के दो खंडों में से पहला है - "द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर", जिसमें कुल मिलाकर 48 प्रस्तावनाएँ और फ़्यूग्यू शामिल हैं, और कॉन्सर्ट योजना की एक बड़ी रचना - "क्रोमैटिक फ़ैंटेसी एंड फ्यूग्यू" है। "फ्रेंच" और "इंग्लिश" के रूप में जाने जाने वाले क्लैवियर सुइट्स के दो संग्रहों का निर्माण भी कोथेन काल से संबंधित है। प्रिंस लियोपोल्ड बाख को अपने साथ पड़ोसी राज्यों की यात्रा पर ले गए। जब जोहान सेबस्टियन 1720 में इस तरह की यात्रा से लौटे, तो उन्हें भारी दुःख हुआ - उनकी पत्नी मारिया बारबरा की मृत्यु हो गई, चार बच्चों को छोड़कर (तीन और जल्दी मर गए)। डेढ़ साल बाद बाख ने दोबारा शादी की। उनकी दूसरी पत्नी, अन्ना मैग्डेलेना, की आवाज़ अच्छी थी और वह बहुत संगीतमय थी। उसके साथ अध्ययन करते हुए, बाख ने दो क्लैवियर "नोट बुक्स" को अपने स्वयं के टुकड़ों से और आंशिक रूप से अन्य लेखकों द्वारा टुकड़ों से संकलित किया। जोहान सेबेस्टियन के जीवन में एना मैग्डेलेना एक दयालु और देखभाल करने वाली साथी थी। उसने उसे तेरह बच्चे पैदा किए, जिनमें से छह वयस्क होने से बचे। लीपज़िग। 1723 में, बाख थुरिंगिया के पड़ोसी सक्सोनी के एक प्रमुख वाणिज्यिक और सांस्कृतिक केंद्र लीपज़िग चले गए। उन्होंने प्रिंस लियोपोल्ड के साथ अच्छे संबंध बनाए रखे। लेकिन कोथेन में, संगीत गतिविधि की संभावनाएं सीमित थीं - न तो कोई बड़ा अंग था और न ही गाना बजानेवालों का। इसके अलावा, बाख के बड़े बेटे थे, जिन्हें वह अच्छी शिक्षा देना चाहता था। लीपज़िग में, बाख ने कैंटर का पद संभाला - लड़कों के गायन के प्रमुख और गायन स्कूलों के शिक्षक; सेंट थॉमस (थॉमस्किर्चे) के चर्च में। उन्हें कई प्रतिबंधात्मक शर्तों को स्वीकार करना पड़ा, उदाहरण के लिए "बरगोमास्टर की अनुमति के बिना शहर नहीं छोड़ना।" कैंटर बाख के कई अन्य कर्तव्य थे। उन्हें एक छोटे से स्कूल गाना बजानेवालों और एक बहुत छोटे ऑर्केस्ट्रा (या बल्कि, एक पहनावा) में विभाजित करना पड़ा ताकि संगीत दो चर्चों में सेवाओं के साथ-साथ शादियों में, अंत्येष्टि में और विभिन्न उत्सवों में बज सके। और सभी कोरस लड़कों के पास अच्छा संगीत डेटा नहीं था। स्कूल का घर गंदा, उपेक्षित था, विद्यार्थियों को खराब खाना खिलाया जाता था और भिखारी के कपड़े पहनाए जाते थे। बाख, जिन्हें एक ही समय में लीपज़िग "संगीत निर्देशक" माना जाता था, ने चर्च के अधिकारियों और शहर प्रशासन (मजिस्ट्रेट) का ध्यान इस ओर आकर्षित किया। लेकिन बदले में उन्हें बहुत कम भौतिक सहायता मिली, लेकिन बहुत सी तुच्छ कार्यालय नाइटपिकिंग और फटकार। छात्रों के साथ, वह न केवल गायन में लगे थे, बल्कि वाद्य यंत्र बजाने में भी लगे हुए थे, इसके अलावा, उन्होंने अपने खर्च पर उनके लिए एक लैटिन शिक्षक को काम पर रखा था। लीपज़िग में सेंट थॉमस (बाएं) का चर्च और स्कूल। (एक पुरानी नक्काशी से)। कठिन जीवन परिस्थितियों के बावजूद, बाख उत्साहपूर्वक रचनात्मकता में लगे रहे। अपनी सेवा के पहले तीन वर्षों में, उन्होंने लगभग हर हफ्ते गाना बजानेवालों के साथ एक नई आध्यात्मिक छावनी की रचना की और उसका अभ्यास किया। कुल मिलाकर, इस शैली में बाख के लगभग दो सौ कार्यों को संरक्षित किया गया है। और उनकी कई दर्जन धर्मनिरपेक्ष छावनी भी जानी जाती हैं। वे, एक नियम के रूप में, स्वागत करने वाले और बधाई देने वाले, विभिन्न महान व्यक्तियों को संबोधित करते थे। लेकिन उनमें से एक ऐसा अपवाद है, जो लीपज़िग में लिखी गई कॉमिक "कॉफ़ी कैंटाटा" है, जो कॉमिक ओपेरा के एक दृश्य के समान है। यह बताता है कि कैसे एक युवा, जीवंत लिज़ेन कॉफी के लिए एक नए फैशन की आदी है, अपने पिता, पुराने भुनभुनाने वाले श्लेनड्रियन की इच्छा और चेतावनियों के खिलाफ। लीपज़िग में, बाख ने अपनी सबसे उत्कृष्ट स्मारकीय मुखर-वाद्य रचनाएँ बनाईं - जॉन के अनुसार जुनून, मैथ्यू 12 के अनुसार जुनून और बी माइनर में मास, सामग्री में उनके करीब, साथ ही बड़ी संख्या में विभिन्न वाद्य रचनाएँ, जिनमें शामिल हैं दूसरा खंड "वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर", जॉन और मैथ्यू (साथ ही मार्क और ल्यूक) का एक संग्रह, यीशु मसीह की शिक्षाओं के अनुयायी हैं, जिन्होंने गोस्पेल्स को संकलित किया - उनके सांसारिक जीवन, पीड़ा ("जुनून") और मौत। ग्रीक में "सुसमाचार" का अर्थ है "अच्छी खबर"। 12 12 www.classON.ru रूसी कला "द आर्ट ऑफ़ द फ्यूग्यू" के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। उन्होंने ड्रेसडेन, हैम्बर्ग, बर्लिन और अन्य जर्मन शहरों की यात्रा की, वहां अंग बजाया, नए उपकरणों का परीक्षण किया। दस से अधिक वर्षों के लिए, बाख ने लीपज़िग में "म्यूजिक कॉलेज" का नेतृत्व किया - एक ऐसा समाज जिसमें विश्वविद्यालय के छात्र और संगीत प्रेमी - वादक और गायक शामिल हैं। बाख के निर्देशन में, उन्होंने धर्मनिरपेक्ष प्रकृति के कार्यों से सार्वजनिक संगीत कार्यक्रम दिए। संगीतकारों के साथ संवाद करते हुए, वह किसी भी अहंकार के लिए एक अजनबी था और अपने दुर्लभ कौशल के बारे में इस प्रकार बात करता था: "मुझे कड़ी मेहनत करनी थी, जो कोई भी उतना ही कठिन होगा।" ढेर सारी चिंताएँ, लेकिन ढेर सारी खुशियाँ भी बाख को उनके बड़े परिवार में ले आईं। उसके घेरे में, वह पूरे होम कॉन्सर्ट की व्यवस्था कर सकता था। उनके चार बेटे प्रसिद्ध संगीतकार बने। ये विल्हेम फ्रीडेमैन और कार्ल फिलिप एमानुएल (मारिया बारबरा के बच्चे), जोहान क्रिस्टोफ फ्रेडरिक और जोहान क्रिश्चियन (अन्ना मैग्डेलेना के बच्चे) हैं। इन वर्षों में, बाख का स्वास्थ्य बिगड़ गया। उनकी आंखों की रोशनी तेजी से बिगड़ गई। 1750 की शुरुआत में, उनकी आंखों की दो असफल सर्जरी हुई, वे अंधे हो गए और 28 जुलाई को उनकी मृत्यु हो गई। जोहान सेबेस्टियन बाख ने शानदार रचनात्मक प्रेरणा से प्रकाशित एक कठिन और मेहनती जीवन जिया। उन्होंने एक महत्वपूर्ण भाग्य नहीं छोड़ा, और एना मैग्डेलेना की दस साल बाद गरीबों के लिए एक धर्मार्थ घर में मृत्यु हो गई। और बाख की सबसे छोटी बेटी, रेजिना सुसन्ना, जो 19वीं शताब्दी तक जीवित रही, को निजी दान द्वारा गरीबी से बचाया गया, जिसमें बीथोवेन ने एक महान हिस्सा लिया। रचनात्मकता बाख का संगीत अपने मूल देश की संस्कृति से जुड़ा हुआ है। दोनों जर्मन द्वारा काम करता है और विदेशी संगीतकार। अपने काम में, उन्होंने शानदार ढंग से सामान्यीकरण किया और यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को समृद्ध किया। अधिकांश कैंटटास, "जॉन पैशन", "मैथ्यू पैशन", मास इन बी माइनर और आध्यात्मिक ग्रंथों पर कई अन्य कार्य बाख द्वारा लिखे गए थे। न केवल एक चर्च संगीतकार के कर्तव्य या अभ्यस्त रीति के अनुसार, बल्कि एक ईमानदार धार्मिक भावना से गर्म। वे मानवीय दुखों के लिए करुणा से भरे हुए हैं, मानव खुशियों की समझ से ओत-प्रोत हैं। समय के साथ, वे मंदिरों से बहुत आगे निकल गए और ऐसा किया विभिन्न राष्ट्रीयताओं और धर्मों के श्रोताओं को गहराई से प्रभावित करने के लिए बाख की आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष रचनाएं एक दूसरे से उनकी सच्ची मानवता से संबंधित हैं। संगीत छवियों की एक पूरी दुनिया। बाख का नायाब पॉलीफोनिक कौशल होमोफोनिक-हार्मोनिक साधनों से समृद्ध है। उनके मुखर विषयों को वाद्य विकासात्मक तकनीकों के साथ व्यवस्थित रूप से अनुमति दी जाती है, और वाद्य विषय अक्सर भावनात्मक रूप से इतने संतृप्त होते हैं, जैसे कि कुछ महत्वपूर्ण गाया जा रहा हो और शब्दों के बिना उच्चारित किया जा रहा हो। Organ13 के लिए डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू यह बेहद लोकप्रिय काम इच्छाशक्ति के खतरनाक लेकिन साहसी रोना से शुरू होता है। यह तीन बार सुना जाता है, एक सप्तक से दूसरे सप्तक तक गिरता है, और निचले रजिस्टर में गड़गड़ाहट की गड़गड़ाहट की ओर जाता है। इस प्रकार, टोकाटा की शुरुआत में, एक अंधेरे छायांकित, भव्य ध्वनि स्थान की रूपरेखा तैयार की जाती है। 1 एडैगियो प्रश्न और कार्य 1। बाख के संगीत के भाग्य के बारे में क्या असामान्य है? 2. हमें बाख की मातृभूमि, उनके पूर्वजों और उनके बचपन के वर्षों के बारे में बताएं। 3. बाख के स्वतंत्र जीवन की शुरुआत कब और कहाँ से हुई? 4. वीमर में बाख की गतिविधि कैसे आगे बढ़ी और इसका अंत कैसे हुआ? 5. कोथेन में बाख के जीवन और इन वर्षों के उनके कार्यों के बारे में बताएं। 6. बाख कौन से वाद्य यंत्र बजाते थे और उनका पसंदीदा वाद्य यंत्र कौन सा था? 7. बाख ने लीपज़िग जाने का फैसला क्यों किया और वहाँ उसे किन मुश्किलों का सामना करना पड़ा? 8. लीपज़िग में एक संगीतकार के रूप में बाख और एक कलाकार के रूप में बाख की गतिविधियों के बारे में बताएं। उनके द्वारा वहां बनाई गई कृतियों के नाम लिखिए। टोकाटा (इतालवी में "टोकाटा" - "टच", "हिट" क्रिया से "टोकारे" "टच", "टच") कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स के लिए एक गुणी टुकड़ा है। 13 13 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा इसके अलावा, शक्तिशाली "घूर्णन" पुण्योसो मार्ग और व्यापक राग "फट" सुनाई देते हैं। वे कई बार विरामों से अलग हो जाते हैं और विस्तारित तारों पर रुक जाते हैं। तीव्र और धीमी गति का यह विरोध हिंसक तत्वों के साथ लड़ाई के बीच सतर्क राहत की याद दिलाता है। और एक मुक्त, कामचलाऊ तरीके से निर्मित टोकाटा के बाद, एक फग्यू लगता है। यह एक विषय के अनुकरणात्मक विकास पर ध्यान केंद्रित करता है, जिसमें दृढ़-इच्छा सिद्धांत मौलिक शक्तियों पर अंकुश लगाता है, जैसा कि यह था: 2 एलेग्रो मॉडरेटो व्यापक रूप से विस्तार करते हुए, फ्यूग्यू एक कोडा में विकसित होता है - अंतिम, अंतिम खंड। यहाँ फिर से टोकाटा का कामचलाऊ तत्व टूट जाता है। लेकिन वह अंततः तनावपूर्ण अनिवार्य टिप्पणियों से शांत हो जाती है। और संपूर्ण कार्य की अंतिम सलाखों को कठोर मानवीय इच्छा की कठोर और राजसी जीत के रूप में माना जाता है। बाख के अंग कार्यों का एक विशेष समूह कोरल प्रस्तावना है। उनमें से, एक गेय प्रकृति के अपेक्षाकृत छोटे टुकड़े गहरी अभिव्यंजना द्वारा प्रतिष्ठित हैं। उनमें, कोरल माधुर्य की ध्वनि स्वतंत्र रूप से विकसित साथ वाली आवाज़ों से समृद्ध होती है। इस तरह, उदाहरण के लिए, बाख की उत्कृष्ट कृतियों में से एक, एफ माइनर में कोरल प्रस्तावना प्रस्तुत की जाती है। क्लेवियर संगीत आविष्कार बाख ने अपने सबसे बड़े बेटे विल्हेम फ्रीडेमैन को पढ़ाने के दौरान उनके द्वारा रचित सरल टुकड़ों के कई संग्रह संकलित किए। इनमें से एक संग्रह में, उन्होंने पंद्रह चाबियों में पंद्रह दो-स्वर वाले पॉलीफोनिक टुकड़े रखे और उन्हें "आविष्कार" कहा। लैटिन से अनुवादित, "आविष्कार" शब्द का अर्थ है "आविष्कार", "आविष्कार"। नौसिखिया संगीतकारों द्वारा प्रदर्शन के लिए उपलब्ध बाख के दो-भाग के आविष्कार, पॉलीफोनिक सरलता और एक ही समय में कलात्मक अभिव्यक्ति के मामले में वास्तव में उल्लेखनीय हैं। इस प्रकार, सी प्रमुख में पहला दो-भाग का आविष्कार एक शांत, उचित चरित्र के छोटे, सहज और अस्वास्थ्यकर विषय से पैदा हुआ है। यह ऊपरी आवाज से गाया जाता है और तुरंत नकल करता है _ एक और ऑक्टेट में दोहराता है - निचला एक: 14 www.classON.ru रूसी कला उछाल वाली गेंदों के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। ऊपरी एक की पुनरावृत्ति (नकल) के दौरान, आवाज मेलोडिक आंदोलन जारी रखती है। इस प्रकार बास में लगने वाले विषय का विरोध बनता है। इसके अलावा, यह विरोध - एक ही मधुर पैटर्न के साथ - कभी-कभी लगता है जब विषय एक या किसी अन्य आवाज में फिर से प्रकट होता है (बार 2-3, 7-8, 8-9)। ऐसे मामलों में, विपक्ष को प्रतिधारित कहा जाता है (गैर-प्रतिधारित लोगों के विपरीत, जो हर बार विषय को पेश किए जाने पर नए सिरे से रचा जाता है)। अन्य पॉलीफोनिक कार्यों की तरह, इस आविष्कार में ऐसे खंड हैं जहां विषय अपने पूर्ण रूप में ध्वनि नहीं करता है, लेकिन केवल इसके व्यक्तिगत घुमावों का उपयोग किया जाता है। इस तरह के खंडों को विषय की प्रस्तुतियों के बीच रखा जाता है और इन्हें इंटरल्यूड्स कहा जाता है। सी में आविष्कार की सामान्य पूर्णता एक विषय पर आधारित विकास द्वारा दी गई है, जो पॉलीफोनिक संगीत के लिए विशिष्ट है। टुकड़े के बीच में, मुख्य कुंजी से प्रस्थान किया जाता है, और अंत में यह वापस आ जाता है। इस आविष्कार को सुनकर, कोई भी कल्पना कर सकता है कि दो छात्र परिश्रमपूर्वक पाठ को दोहराते हैं, एक दूसरे को अधिक अभिव्यक्ति के साथ बेहतर ढंग से बताने की कोशिश करते हैं। इस टुकड़े में, सी प्रमुख आविष्कार की संरचना के समान, एक विशेष तकनीक एक बड़ी भूमिका निभाती है। विषय के प्रारंभिक परिचय के बाद ऊपरी आवाज में, निचली आवाज न केवल इसका अनुकरण करती है, बल्कि इसकी निरंतरता (प्रतिस्थापन) भी करती है। इस प्रकार, कुछ समय के लिए एक निरंतर विहित और नकल, या लाइकेनॉन उत्पन्न होता है। इसके साथ ही दो-आवाज़ वाले आविष्कारों के साथ, बाख ने एक ही चाबियों में पंद्रह तीन-आवाज़ वाले पॉलीफोनिक टुकड़ों की रचना की। उसने उनका नाम रखा! "सिम्फनीज़" (ग्रीक से अनुवादित - "व्यंजन")। पुराने दिनों में, पॉलीफोनिक वाद्य कार्यों को अक्सर ऐसा कहा जाता था। लेकिन बाद में इन टुकड़ों को तीन-भाग वाले आविष्कार कहने का रिवाज़ बन गया। वे पॉलीफोनिक विकास की अधिक जटिल तकनीकों का उपयोग करते हैं। सबसे महत्वपूर्ण उदाहरण एफ माइनर (नौवें) में तीन-भाग का आविष्कार है। यह दो विपरीत विषयों के एक साथ परिचय के साथ शुरू होता है। उनमें से एक का आधार, एक बास आवाज में लग रहा है, रंगीन सेमीटोन के साथ एक मापा तनावपूर्ण वंश है। इस तरह की चालें अक्सर पुराने ओपेरा से दुखद एरिया में होती हैं। यह दुष्ट भाग्य, भाग्य की उदास आवाज की तरह है। मध्य में दूसरा विषय, ऑल्टो आवाज शोकाकुल रूपांकनों-आहों के साथ व्याप्त है: भविष्य में, तीसरा विषय इन दो विषयों के साथ और भी अधिक मर्मज्ञ रूप से विनती करने वाले विस्मयादिबोधक के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ा हुआ है। नाटक के अंत तक, दुष्ट भाग्य की आवाज निष्ठुर बनी रहती है। लेकिन मानवीय दुखों के स्वर थमते नहीं हैं। उनके पास मानव आशा की एक न बुझने वाली चिंगारी है। और एक पल के लिए ऐसा लगता है कि अंतिम एफ प्रमुख राग में फ्लैश होता है। Eisenach 15 में बाख हाउस में B माइनर हार्पसीकोर्ड में बाख की सिम्फनी www.classON.ru रूसी कला क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा (तीन-भाग आविष्कार संख्या 15) भी अपनी गीतात्मक पैठ के लिए विख्यात है। अपने आविष्कारों और "सिम्फनीज़" की पांडुलिपि की प्रस्तावना में, बाख ने संकेत दिया कि उन्हें "खेलने का गायन तरीका" विकसित करने में मदद करनी चाहिए। हार्पसीकोर्ड पर, इसे पूरा करना कठिन था। इसलिए, बाख ने घर पर छात्रों के साथ कक्षाओं में एक और तार वाले कीबोर्ड उपकरण - क्लैविचॉर्ड का उपयोग करना पसंद किया। इसकी कमजोर ध्वनि कंसर्ट प्रदर्शन के लिए अनुपयुक्त है। लेकिन, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, हार्पसीकोर्ड के विपरीत, क्लैविकॉर्ड स्ट्रिंग्स को प्लक नहीं किया जाता है, लेकिन धातु की प्लेटों के साथ धीरे से जकड़ा जाता है। यह ध्वनि की सुन्दरता में योगदान देता है और आपको गतिशील रंग बनाने की अनुमति देता है। इस प्रकार, बाख, जैसा कि था, पियानो पर मधुर और सुसंगत आवाज की संभावनाओं का पूर्वाभास हुआ - एक ऐसा उपकरण जो अपने समय में अभी भी डिजाइन में अपूर्ण था। और महान संगीतकार की इस इच्छा को सभी आधुनिक पियानोवादकों को याद रखना चाहिए। कौरेंटे फ्रेंच मूल का ट्रिपल डांस है। लेकिन फ्रांसीसी हार्पसीकोर्ड झंकार के लिए, कुछ लयबद्ध परिष्कार और तौर-तरीके विशिष्ट थे। C माइनर में बाख के सुइट में Courante इस नृत्य शैली की इतालवी विविधता के समान है - अधिक जीवंत और मोबाइल। यह दो आवाजों के लचीले संयोजन से सुगम होता है जो एक-दूसरे को भड़काने लगती हैं: सी माइनर में "फ्रेंच सूट" बाख के क्लैवियर सूट के तीन संग्रहों के अलग-अलग नाम हैं। उन्होंने स्वयं तीसरे संग्रह में शामिल छह सुइट्स को "पार्टिटास" कहा (सूट का नाम "पार्टिटा" न केवल उनमें14 पाया जाता है)। और अन्य दो संग्रह - छह टुकड़े प्रत्येक - बाख की मृत्यु के बाद "फ्रेंच सूट" और "इंग्लिश सूट" कहलाने लगे, जिन कारणों से बिल्कुल स्पष्ट नहीं किया गया था। "फ्रेंच सूट" का दूसरा सी माइनर की कुंजी में लिखा गया था। प्राचीन सुइट्स में स्थापित परंपरा के अनुसार, इसमें चार मुख्य भाग शामिल हैं - अल्लेमांडे, कौरांटे, साराबांडे और गिग, साथ ही दो और इंटरमीडिया भाग - आरिया और मिनुएट, सरबांडे और गिग के बीच डाले गए हैं। अल्लेमांडे एक नृत्य है जो XVI-XVII सदियों में कई यूरोपीय देशों - इंग्लैंड, नीदरलैंड, जर्मनी, फ्रांस और इटली में बना था। इसलिए, उदाहरण के लिए, पुराना जर्मन एलेमांडे एक कठिन समूह नृत्य था। लेकिन, क्लैवियर सुइट्स में प्रवेश करने के बाद, 18वीं शताब्दी तक एलेमांडे ने अपनी नृत्य विशेषताओं को लगभग खो दिया था। अपने "पूर्वजों" से उसने केवल चार या दो तिमाहियों के आकार के साथ एक इत्मीनान से शांत चाल को बरकरार रखा। यह अंततः एक शिथिल निर्मित प्रस्तावना बन गया। यह सी माइनर में बाख के सुइट से एक विचारशील गेय प्रस्तावना और अल्लेमांडे जैसा दिखता है। यहाँ, सबसे अधिक बार, तीन आवाज़ें अपनी पंक्तियों का नेतृत्व करती हैं। लेकिन कभी-कभी उनके साथ कोई चौथी आवाज भी जुड़ जाती है। साथ ही, सबसे सुन्दर आवाज ऊपरी है: साराबांडे तीन भाग वाला स्पेनिश नृत्य है। एक बार यह तेज़, मनमौजी था, और बाद में यह धीमा, गंभीर, अक्सर अंतिम संस्कार के जुलूस के करीब हो गया। बाख सूट से साराबांडे तीन-भाग वाले गोदाम में शुरू से अंत तक पुराना है। मध्य और निम्न स्वरों की गति हमेशा सख्त, एकाग्र (तिमाही और आठवें प्रबल) होती है। और ऊपरी आवाज़ का आंदोलन बहुत अधिक मुक्त और मोबाइल है, बहुत अभिव्यंजक है। यहां सोलहवें नोट प्रबल होते हैं, व्यापक अंतराल (पांचवें, छठे, सातवें) पर चालें अक्सर पाई जाती हैं। इस प्रकार, संगीत प्रस्तुति की दो विपरीत परतें बनती हैं, एक लयात्मक रूप से तीव्र ध्वनि पैदा होती है15: "भागों में विभाजित" - शब्द "पार्टिटा" इतालवी से अनुवादित है (क्रिया "पार्टी" से - "विभाजित करने के लिए")। सरबंदे में, अग्रणी ऊपरी आवाज बाकी के साथ इतना विपरीत नहीं है, लेकिन उनके द्वारा पूरक है। 14 15 16 www.classON.ru सी माइनर में रूसी कला प्रस्तावना और फ्यूग्यू के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर प्रील्यूड और फ्यूग्यू इन सी मेजर, प्रील्यूड एंड फ्यूग्यू इन सी माइनर, प्रील्यूड और फ्यूग्यू के पहले खंड से सी शार्प मेजर, प्रील्यूड और फ्यूग सी-शार्प माइनर - और इसी तरह ऑक्टेव में शामिल सभी बारह सेमीटोन के माध्यम से। नतीजा सभी प्रमुख और छोटी चाबियों में कुल 24 दो-भाग "प्रिल्यूड और फ्यूग्यू" चक्र है। इस प्रकार बाख के वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के दोनों खंड (कुल - 48 प्रस्तावनाएं और फ्यूग्स) बनाए गए हैं। इस भव्य कार्य को विश्व संगीत कला में सबसे महान माना जाता है। इन दो खंडों से प्रस्तावना और फ़्यूग सभी पेशेवर पियानोवादकों के प्रशिक्षण और संगीत कार्यक्रमों में शामिल हैं। बाख के समय में, कीबोर्ड उपकरणों की ट्यूनिंग में, एकसमान स्वभाव धीरे-धीरे स्थापित हो गया था - सप्तक को बारह समान सेमीटोन में विभाजित करना। पहले, अनुकूलन प्रणाली अधिक जटिल थी। उसके साथ, तीन या चार से अधिक वर्णों वाली चाबियों में, कुछ अंतराल और तार धुन से बाहर हो गए। इसलिए, संगीतकार ऐसी चाबियों का उपयोग करने से बचते थे। बाख द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में शानदार ढंग से साबित करने वाले पहले व्यक्ति थे कि समान स्वभाव के साथ, सभी 24 चाबियों का समान सफलता के साथ उपयोग किया जा सकता है। इसने संगीतकारों के लिए नए क्षितिज खोले, बढ़ते हुए, उदाहरण के लिए, एक कुंजी से दूसरी कुंजी में संशोधन (संक्रमण) करने की क्षमता। वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर में, बाख ने दो-आंदोलन चक्र "प्रिल्यूड और फ्यूग्यू" के प्रकार की स्थापना की। प्रस्तावना स्वतंत्र रूप से बनाई गई है। इसमें एक महत्वपूर्ण भूमिका होमोफोनिक-हार्मोनिक वेयरहाउस और इम्प्रोवाइजेशन की हो सकती है। यह कड़ाई से पॉलीफोनिक काम के रूप में फ्यूग्यू के विपरीत बनाता है। साथ ही, "प्रस्तावना और फ्यूग्यू" चक्र के हिस्से न केवल एक सामान्य tonality से एकजुट होते हैं। उनके बीच, प्रत्येक मामले में, सूक्ष्म आंतरिक संबंध अपने तरीके से प्रकट होते हैं। द वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू में इन सामान्य विशिष्ट विशेषताओं का पता लगाया जा सकता है। प्रस्तावना में दो मुख्य भाग होते हैं। अधिक विशाल पहले पूरी तरह से दोनों हाथों में सोलहवीं की एक समान गति से भरा हुआ है। यह अंदर से अभिव्यंजक मधुर और हार्मोनिक तत्वों से संतृप्त है। ऐसा लगता है जैसे, तटों से विवश, एक बेचैन धारा खदबदा रही है: गिग एक तेज़, दिलेर नृत्य है, जो आयरलैंड और इंग्लैंड से उत्पन्न होता है। पुराने दिनों में, अंग्रेज नाविक जिग नृत्य करना पसंद करते थे। सुइट्स में, टमटम आमतौर पर अंतिम, अंतिम आंदोलन होता है। अपने सी माइनर गिगुएट में, बाख अक्सर दो आवाजों के बीच विहित नकल की तकनीक का उपयोग करता है (जैसा कि एफ प्रमुख में आविष्कार में है)। इस नाटक की प्रस्तुति एक "उछलती" बिंदीदार ताल के माध्यम से अनुमत है: अल्लेमांडे और कौरेंटे के बीच के अंतर की तुलना में, साराबांडे और गिग के बीच का अंतर तेज है। लेकिन यह उनके बीच डाले गए दो अतिरिक्त भागों से नरम हो जाता है। "आरिया" नामक भाग एक ओपेरा में एक एकल स्वर संख्या की तरह अधिक नहीं लगता है, बल्कि एक शांत, सरल गीत की तरह है। अगला मिनुएट एक फ्रांसीसी नृत्य है जो गतिशीलता को अनुग्रह के साथ जोड़ता है। तो इस सूट में, एक सामान्य रागिनी के साथ, सभी भागों की लाक्षणिक दृष्टि से तुलना की जाती है। जिग के आयाम मुख्य रूप से तीन तरफा होते हैं। XVIII सदी में यह मुख्य रूप से 3/8, 6/8, 9/8, 12/8 है। 16 17 www.classON.ru मध्यम स्वर में रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, एक स्पष्ट, उभरा हुआ, एक लोचदार नृत्य ताल के साथ अच्छी तरह से याद किया जाने वाला विषय: 11 मॉडरेटो ऊर्जावान दृढ़ता को विषय में अनुग्रह, धूर्त शरारत के साथ जोड़ा जाता है। दृढ़ इच्छाशक्ति के माध्यम से। यह आगे विविध और गतिशील विकास के अवसर प्रदान करता है। विकास की शुरुआत में, विषय हल्का लगता है - केवल एक बार यह एक प्रमुख कुंजी (ई-फ्लैट प्रमुख) में किया जाता है। रीप्राइज़ में, मुख्य कुंजी (सी माइनर) में थीम के तीन मुख्य अंशों में, दूसरा, बास में, इतना शक्तिशाली दायरा प्राप्त करता है कि यह प्रस्तावना में उग्र प्राकृतिक शक्तियों को याद करता है। और एक और बात, फ्यूग्यू थीम का अंतिम कार्यान्वयन एक प्रबुद्ध हाउस मेजर कॉर्ड के साथ समाप्त होता है। प्रस्तावना और फ्यूग्यू के अंत के बीच समानता में, चक्र के विपरीत भागों के आंतरिक भावनात्मक संबंध का पता चलता है। शक्तिशाली ऊर्जा संचित करने के बाद, पहले खंड के अंत में यह प्रवाह, जैसा कि यह था, किनारे पर बहता है और अगले खंड की शुरुआत में यह और भी तेज हो जाता है, जिससे इसके रास्ते में सब कुछ बह जाने का खतरा होता है। प्रस्तावना के इस चरमोत्कर्ष को टेम्पो में सबसे तेज़ (पीजेस्टो) में परिवर्तन और एक पॉलीफोनिक डिवाइस के उपयोग द्वारा चिह्नित किया गया है - एक दो-आवाज़ वाला कैनन। लेकिन उग्र तत्वों को अचानक रागों के अत्याचारी स्ट्रोक और पुनरावर्ती के सार्थक वाक्यांशों द्वारा रोक दिया जाता है। यहाँ गति का दूसरा परिवर्तन आता है - सबसे धीमे (अडाजियो)। और प्रस्तावना के अंतिम सलाखों में गति के तीसरे परिवर्तन के बाद मध्यम तेज A11ego में, बास में टॉनिक अंग बिंदु धीरे-धीरे दाहिने हाथ में सोलहवें के आंदोलन को धीमा कर देता है। यह धीरे-धीरे फैलता है और सी प्रमुख तार पर जम जाता है। शांति है, शांति है। प्रस्तावना के इस तरह के मुक्त, कामचलाऊ समापन के बाद, ध्यान एक अलग, विपरीत योजना पर जाता है। तीन-आवाज वाला फ्यूग्यू शुरू होता है। लैटिन और इतालवी में इस शब्द का अर्थ है "दौड़ना", "उड़ान", "तेज धारा"। संगीत में, एक फग्यू एक जटिल पॉलीफोनिक काम है, जहां आवाजें गूंजती हैं, एक दूसरे के साथ पकड़ती हैं। अधिकांश फ़्यूज़ एक ही विषय पर आधारित होते हैं। कम आम दो के साथ फ्यूग्यू हैं, और शायद ही कभी तीन या चार विषयों के साथ। और आवाज़ों की संख्या के अनुसार, फ़्यूज़ दो-, तीन-, चार- और पाँच-भाग हैं। सिंगल-डार्क फ्यूग्स किसी एक आवाज में मुख्य कुंजी में थीम की प्रस्तुति के साथ शुरू होते हैं। विषय फिर अन्य आवाजों द्वारा वैकल्पिक रूप से नकल किया जाता है। इस प्रकार फ्यूगू का पहला खंड, प्रदर्शनी, बनता है। दूसरे खंड में - विकास - विषय केवल अन्य कुंजियों में दिखाई देता है। और तीसरे, अंतिम खंड में - reprise9 - इसे फिर से मुख्य कुंजी में किया जाता है, लेकिन इसे अब एक स्वर में प्रस्तुत नहीं किया जाता है। यहाँ प्रदर्शनी निश्चित रूप से दोहराई नहीं गई है। फ्यूग्यू में, प्रतिधारित काउंटरपोजिशन और इंटरल्यूड्स का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। बाख का सी-माइनर फ्यूग्यू, प्रश्न में शुरू होता है, फ्यूग्यू में दिखाई देता है - पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप - बाख के काम में अपनी पूर्ण परिपक्वता और उज्ज्वल फूल पर पहुंच गया है। 19 वीं शताब्दी के प्रसिद्ध रूसी संगीतकार और पियानोवादक, एंटोन ग्रिगोरीविच रुबिनस्टीन ने अपनी पुस्तक "म्यूजिक एंड इट्स रिप्रेजेंटेटिव्स" में "वेल-टेम्पर्ड क्लैवियर" की प्रशंसा करते हुए लिखा है कि कोई भी "धार्मिक, वीर, उदासीन, राजसी, शोकाकुल, विनोदी, देहाती, नाटकीय चरित्र; एक बात में वे सभी एक जैसे हैं - सुंदरता में ... ”जोहान सेबेस्टियन बाख की उम्र महान जर्मन संगीतकार जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल (1685-1759) थी - पॉलीफोनी के एक अद्भुत गुरु, एक कलाप्रवीण व्यक्ति। उनकी किस्मत अलग थी। उन्होंने अपना अधिकांश जीवन जर्मनी के बाहर बिताया, एक देश से दूसरे देश में घूमते हुए (वे कई दशकों तक इंग्लैंड में रहे)। 18 www.classON.ru रूसी कला हैंडेल के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा कई ओपेरा, oratorios, विभिन्न वाद्य कार्यों के लेखक हैं। संगीत में शास्त्रीय शैली का गठन प्रश्न और कार्य 1। बाख के आध्यात्मिक और लौकिक कार्यों में क्या समानता है? 2. अंग के लिए डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू की लाक्षणिक प्रकृति के बारे में बताएं। 3. बाख के आविष्कारों के विषय गाएं जिन्हें आप जानते हैं। जब इसे रोक दिया जाता है तो विरोध क्या होता है? 4. पॉलीफोनिक कार्य में अंतराल क्या है? किस नकल को कैनोनिकल या कैनन कहा जाता है? 5. सी माइनर में "फ्रेंच सूट" के मुख्य भागों का नाम और वर्णन करें। 6. बाख का वेल-टेम्पर्ड क्लेवियर कैसे बनाया जाता है? 7. प्रस्तावना और फ्यूगू के बीच मुख्य अंतर क्या है? द वेल-टेम्पर्ड क्लेवियर के पहले खंड से सी माइनर में प्रील्यूड और फ्यूग्यू के उदाहरण के साथ इसे दिखाएं। क्या इनमें भी समानताएं हैं? 18वीं शताब्दी का संगीत थिएटर, विशेष रूप से इसका मध्य और उत्तरार्ध, यूरोपीय संगीत कला के सभी क्षेत्रों में महान परिवर्तन का समय है। इस सदी की शुरुआत के साथ, इतालवी ओपेरा में धीरे-धीरे दो शैलियों का उदय हुआ - ओपेरा सेरिया (गंभीर) और ओपेरा बफा (हास्य)। सेरिया ओपेरा में अभी भी पौराणिक और ऐतिहासिक भूखंड प्रचलित हैं, जिसमें तथाकथित "उच्च" नायक दिखाई दिए - पौराणिक देवता, प्राचीन राज्यों के राजा, पौराणिक कमांडर। और बफ़ा ओपेरा में, भूखंड मुख्य रूप से आधुनिक रोज़मर्रा के हो गए हैं। यहाँ के नायक सामान्य लोग थे जिन्होंने ऊर्जावान और वास्तविक रूप से अभिनय किया। Giovanni Battista Pergolesi की Giovanni Battista Pergolesi की The Servant Lady, जो 1733 में नेपल्स में जनता के सामने आई, एक ओपेरा बफ़ा का पहला उल्लेखनीय उदाहरण था। नायिका, उद्यमी नौकरानी सर्पीना, चतुराई से अपने चिड़चिड़े मालिक उबेर्टो से शादी करती है और खुद एक रखैल बन जाती है। कई शुरुआती इतालवी बफ़ा ओपेरा की तरह, द सर्वेंट-मिस्ट्रेस मूल रूप से पेर्गोलेसी के ओपेरा सेरिया द प्राउड प्रिज़नर (याद रखें कि शब्द "इंटरल्यूड" मूल रूप से लैटिन है और इसका अर्थ है "इंटरैक्शन") के बीच अंतराल के दौरान एक मंच अंतराल के रूप में प्रदर्शन किया गया था। जल्द ही, द सर्वेंट-मैडम ने एक स्वतंत्र कार्य के रूप में कई देशों में बहुत ख्याति प्राप्त की। कॉमिक ओपेरा का जन्म 18वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में फ्रांस में हुआ था। यह पेरिस के मेलों में सिनेमाघरों में दिए गए संगीत के साथ हंसमुख, मजाकिया हास्य प्रदर्शन से उत्पन्न हुआ। और एक कॉमिक ओपेरा में बदलने के लिए, जहां मुखर संख्या पात्रों की मुख्य विशेषता बन गई, इतालवी बफा ओपेरा के उदाहरण ने फ्रेंच फेयर कॉमेडीज की मदद की। पेरिस में इस प्रदर्शन के लिए, इतालवी "बफन्स" के ओपेरा ट्रूप का बहुत महत्व था, जब फ्रांस की राजधानी पेर्गोलेसी के "सर्वेंट मैडम" से सचमुच मुग्ध थी। इतालवी ओपेरा बफा के विपरीत, फ्रेंच कॉमिक ओपेरा में, संख्याएँ वैकल्पिक रूप से गायन के साथ नहीं, बल्कि संवादात्मक संवादों के साथ उत्पन्न होती हैं। द सिंगस्पायर भी बनाया गया है - एक जर्मन और ऑस्ट्रियाई किस्म का कॉमिक ओपेरा, जो दूसरे में दिखाई दिया। मुख्य कार्य मुखर और वाद्य कार्य "जॉन के अनुसार जुनून", "मैथ्यू के अनुसार जुनून" मास इन बी माइनर सेक्रेड कैंटैटस (लगभग 200) बचे हुए) और धर्मनिरपेक्ष कैंटाटस (20 से अधिक बचे) ऑर्केस्ट्रा काम करता है 4 सुइट्स (“ओवरचर्स”) 6 “ब्रैंडेनबर्ग कॉन्सर्टोस” चैम्बर ऑर्केस्ट्रा के साथ सोलो इंस्ट्रूमेंट्स के लिए कॉन्सर्ट्स हार्पसीकोर्ड के लिए 7 कॉन्सर्ट्स दो के लिए 3 कॉन्सर्टो, तीन हार्पसीकोर्ड्स के लिए 2 वायलिन कॉन्सर्टो के लिए कॉन्सर्टो दो वायलिन झुके हुए वाद्य यंत्रों के लिए काम करता है 3 सोनाटा और 3 पार्टिटास वायलिन एकल के लिए 6 सोनाटा वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए 6 सूट ("सोनाटा") सेलो सोलो ऑर्गन वर्क के लिए 70 कोरल प्रील्यूड्स प्रील्यूड्स और फ्यूग्यू सी माइनर कीबोर्ड वर्क्स में डी माइनर पासाकाग्लिया में टोकाटा और फ्यूग्यू संग्रह "लिटिल प्रील्यूड्स एंड फ्यूग्स" 15 दो-भाग आविष्कार और 15 तीन-भाग आविष्कार ("सिम्फनीज़") 48 टेम्पर्ड क्लैवियर 6 "फ्रेंच के प्रस्तावना और फ्यूग्यूज़" और 6 अंग्रेजी सूट 6 सुइट्स (पार्टिट) हार्पसीकोर्ड सोलो क्रोमैटिक फैंटेसी और फ्यूग्यू आर्ट ऑफ फ्यूग्यू 19 www.classON.ru के लिए कॉन्सर्टो इटालियनो कॉमिक ओपेरा की सभी किस्मों की संगीतमय भाषा लोक गीत और नृत्य की धुनों के साथ घनिष्ठ संबंध की विशेषता है। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, महान जर्मन संगीतकार क्रिस्टोफ विलिबल्ड ग्लक (1714-1787) द्वारा गंभीर ओपेरा शैलियों में मौलिक रूप से सुधार किया गया था। उन्होंने अपना पहला सुधारवादी ओपेरा, ऑर्फ़ियस और यूरीडिस (1762) लिखा, जो कि पौराणिक प्राचीन यूनानी गायक की कहानी पर आधारित था, जिसे शुरुआती लोगों के बाद से ओपेरा में बार-बार इस्तेमाल किया गया है (यह परिचय में चर्चा की गई थी)। Gluck ने ओपेरा में अपने सुधार के लिए एक कठिन मार्ग का अनुसरण किया। वह कई यूरोपीय देशों - जर्मनी, ऑस्ट्रिया, डेनमार्क, साथ ही चेक गणराज्य में स्लाव द्वारा आबादी वाले इटली के साथ-साथ इंग्लैंड में गए थे। वियना में मजबूती से बसने से पहले, ग्लक ने मिलान, वेनिस, नेपल्स, लंदन, कोपेनहेगन, प्राग और अन्य शहरों में थिएटरों के मंच पर अपनी ओपेरा श्रृंखला के 17 मंचन किए। इस शैली के ओपेरा कई यूरोपीय देशों के कोर्ट थिएटरों में प्रदर्शित किए गए थे। अपवाद फ्रांस था। वहां, 18 वीं शताब्दी के मध्य में, वे केवल पारंपरिक फ्रांसीसी शैली में गंभीर ओपेरा की रचना और मंचन करते रहे। लेकिन ग्लक ने प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकार जीन-बैप्टिस्ट लुली और जीन-फिलिप रामेउ के ओपेरा अंकों का ध्यानपूर्वक अध्ययन किया। इसके अलावा, Gluck ने फ्रेंच कॉमिक ओपेरा की नई शैली में वियना में आठ कार्यों को लिखा और सफलतापूर्वक मंचन किया। वह निस्संदेह जर्मन और ऑस्ट्रियाई सिंघस्पिल के साथ इतालवी बफा ओपेरा से अच्छी तरह परिचित थे। इस सारे ज्ञान ने ग्लक को गंभीर ओपेरा के लिए रचना के पहले से ही पुराने सिद्धांतों को पूरी तरह से नवीनीकृत करने में सक्षम बनाया। अपने सुधारवादी ओपेरा में, पहले वियना में और फिर पेरिस में, ग्लक ने पात्रों के भावनात्मक अनुभवों को बहुत अधिक सच्चाई और नाटकीय तीव्रता, प्रभावशीलता के साथ व्यक्त करना शुरू किया। उन्होंने अरियास में गुणी अंशों को ढेर करने से इनकार कर दिया, और सस्वर पाठों की अभिव्यक्ति को बढ़ा दिया। संगीत और मंच के विकास के संदर्भ में उनके ओपेरा अधिक उद्देश्यपूर्ण हो गए, और रचना में अधिक सामंजस्यपूर्ण हो गए। इस प्रकार, संगीत की भाषा में और नए कॉमिक और सुधारित गंभीर ओपेरा के निर्माण में, नई, शास्त्रीय शैली की महत्वपूर्ण विशिष्ट विशेषताओं की पहचान की गई - विकास की सक्रिय प्रभावशीलता, अभिव्यंजक साधनों की सरलता और स्पष्टता, रचनात्मक सामंजस्य और सामान्य महान और संगीत का उदात्त चरित्र। 18वीं शताब्दी के दौरान इस शैली ने धीरे-धीरे यूरोपीय संगीत में आकार लिया, 1770-1780 तक परिपक्व हुआ और 19वीं शताब्दी के दूसरे दशक के मध्य तक हावी रहा। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि "क्लासिक" की परिभाषा का एक और व्यापक अर्थ हो सकता है। "क्लासिक" (या "क्लासिक") को संगीत और कला के अन्य कार्यों को भी कहा जाता है जिन्हें उनके निर्माण के समय की परवाह किए बिना अनुकरणीय, परिपूर्ण, नायाब के रूप में मान्यता दी गई है। इस अर्थ में, 16वीं शताब्दी के इतालवी संगीतकार फिलिस्तीना, प्रोकोफिव के ओपेरा, और शोस्ताकोविच की सिम्फनी, 20वीं शताब्दी के रूसी संगीतकारों को शास्त्रीय या क्लासिक्स कहा जा सकता है। वाद्य संगीत ग्लक के ऑपरेटिव सुधार के समान व्यापक अंतरराष्ट्रीय आधार पर, 18 वीं शताब्दी में वाद्य संगीत का गहन विकास हुआ। यह कई यूरोपीय देशों के संगीतकारों के संयुक्त प्रयासों से किया गया था। गीत और नृत्य के आधार पर, संगीत की भाषा की शास्त्रीय स्पष्टता और गतिशीलता को विकसित करते हुए, उन्होंने धीरे-धीरे चक्रीय वाद्य यंत्रों की नई शैलियों का गठन किया - जैसे कि शास्त्रीय सिम्फनी, शास्त्रीय सोनाटा, शास्त्रीय स्ट्रिंग चौकड़ी। इनमें सोनाटा रूप का बड़ा महत्व है। इसलिए, वाद्य चक्रों को सोनाटा या सोनाटा-सिम्फनी कहा जाता है। सोनाटा रूप। आप पहले से ही जानते हैं कि पॉलीफोनिक संगीत का उच्चतम रूप फ्यूग्यू है। और सोनाटा फॉर्म होमोफोनिक हार्मोनिक संगीत का उच्चतम रूप है, जहां केवल कभी-कभी पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग किया जा सकता है। उनके निर्माण में, ये दो रूप एक दूसरे के समान हैं। फ्यूग्यू की तरह, सोनाटा रूप में तीन मुख्य खंड हैं: प्रदर्शनी, विकास और पुनर्कथन। लेकिन उनके बीच महत्वपूर्ण अंतर भी हैं। सोनाटा फॉर्म और फ्यूग्यू के बीच मुख्य अंतर तुरंत प्रदर्शनी 18 में दिखाई देता है। फ्यूग्यू का विशाल बहुमत पूरी तरह से एक विषय पर बनाया गया है, जो प्रत्येक प्रदर्शनी में वैकल्पिक रूप से किया जाता है। यह जर्मन शब्द "सिंगन" ("गाना") से आता है। और "स्पील" ("प्ले")। 18 यह शब्द लैटिन मूल का है, जिसका अर्थ है "प्रस्तुति", "शो"। 20 www.classON.ru रूस आवाज में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। और सोनाटा के रूप की प्रदर्शनी में, एक नियम के रूप में, दो मुख्य विषय दिखाई देते हैं, चरित्र में कम या ज्यादा भिन्न। सबसे पहले, मुख्य भाग का विषय लगता है, बाद में पार्श्व भाग का विषय प्रकट होता है। लेकिन किसी भी मामले में आपको "पक्ष" की परिभाषा को "द्वितीयक" के रूप में नहीं समझना चाहिए। वास्तव में पार्श्व भाग का विषय मुख्य भाग के विषय की तुलना में सोनाटा रूप में कम महत्वपूर्ण भूमिका नहीं निभाता है। "द्वितीयक" शब्द का उपयोग यहां किया गया है, क्योंकि पहले के विपरीत, यह आवश्यक रूप से मुख्य कुंजी में नहीं, बल्कि दूसरे में, जैसे कि द्वितीयक में होता है। शास्त्रीय संगीत में, यदि प्रदर्शनी में मुख्य भाग प्रमुख है, तो पक्ष भाग प्रमुख की कुंजी में कहा गया है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी प्रमुख है, तो पार्श्व भाग की कुंजी जी है) मेजर)। यदि प्रदर्शनी में मुख्य भाग मामूली है, तो पार्श्व भाग समानांतर प्रमुख में कहा गया है (उदाहरण के लिए, यदि मुख्य भाग की कुंजी सी नाबालिग है, तो पार्श्व भाग की कुंजी ई-फ्लैट प्रमुख है)। या तो एक छोटा बंडल या एक कनेक्टिंग बैच मुख्य और साइड पार्टियों के बीच रखा जाता है। एक स्वतंत्र, मधुर रूप से उभरा हुआ विषय भी यहां दिखाई दे सकता है, लेकिन अधिक बार मुख्य भाग के विषय के स्वरों का उपयोग किया जाता है। कनेक्टिंग पार्ट साइड पार्ट में ट्रांजिशन के रूप में कार्य करता है, यह साइड पार्ट की कुंजी में मॉड्यूलेट होता है। इस प्रकार, तानवाला स्थिरता का उल्लंघन होता है। अफवाह कुछ नए "संगीत कार्यक्रम" की शुरुआत की उम्मीद करने लगती है। यह एक साइड पार्टी की थीम का आभास देता है। कभी-कभी प्रदर्शनी एक परिचय से पहले हो सकती है। और पार्श्व भाग के बाद, या तो एक छोटा सा निष्कर्ष लगता है, या एक संपूर्ण अंतिम भाग, अक्सर एक स्वतंत्र विषय के साथ। इस तरह से साइड पार्ट के टोन को ठीक करते हुए एक्सपोजर समाप्त होता है। संगीतकार के निर्देश पर, संपूर्ण प्रदर्शनी को दोहराया जा सकता है। विकास - सोनाटा रूप का दूसरा खंड। इसमें, प्रदर्शनी से परिचित विषय नए संस्करणों में दिखाई देते हैं, अलग-अलग तरीकों से वैकल्पिक होते हैं, और तुलना की जाती है। इस तरह की बातचीत में अक्सर पूरे विषय शामिल नहीं होते हैं, लेकिन रूपांकनों और वाक्यांशों को उनसे अलग किया जाता है। अर्थात्, विकास के विषय अलग-अलग तत्वों में विभाजित होने लगते हैं, उनमें निहित ऊर्जा को प्रकट करते हैं। इस मामले में, चाबियों का लगातार परिवर्तन होता है (मुख्य कुंजी शायद ही कभी प्रभावित होती है और लंबे समय तक नहीं)। अलग-अलग चाबियों में दिखाई देने वाले, विषय और उनके तत्व नए दृष्टिकोण से दिखाए गए एक नए तरीके से प्रकाशित होने लगते हैं। विकास में विकास चरमोत्कर्ष पर एक महत्वपूर्ण तनाव तक पहुँच जाता है, इसके पाठ्यक्रम की दिशा बदल जाती है। इस खंड के अंत में, मुख्य कुंजी पर वापसी तैयार की जा रही है, पुनरावृत्ति की बारी है। रिप्रेजेंट सोनाटा फॉर्म का तीसरा खंड है। यह मुख्य कुंजी में मुख्य भाग की वापसी के साथ शुरू होता है। कनेक्टिंग भाग एक नई कुंजी की ओर नहीं ले जाता है। इसके विपरीत, यह मुख्य कुंजी को ठीक करता है, जिसमें अब द्वितीयक और अंतिम दोनों भाग दोहराए जाते हैं। तो, अपनी तानवाला स्थिरता के साथ पुनरावृत्ति, विकास की अस्थिर प्रकृति को संतुलित करती है और पूरे को एक शास्त्रीय सामंजस्य प्रदान करती है। आश्चर्य को कभी-कभी अंतिम निर्माण द्वारा पूरक किया जा सकता है - एक कोडा (लैटिन शब्द से लिया गया है जिसका अर्थ है "पूंछ")। इसलिए, जब एक फ्यूगू लगता है, तो हमारा ध्यान एक विषय द्वारा सन्निहित एक संगीत विचार में सुनने, सोचने और महसूस करने पर केंद्रित होता है। जब किसी काम को सोनाटा के रूप में सुना जाता है, तो हमारी सुनवाई दो मुख्य (और पूरक) विषयों की तुलना और बातचीत का अनुसरण करती है - जैसे कि विभिन्न संगीत कार्यक्रमों, संगीत क्रिया के विकास के बाद। इन दो संगीत रूपों की कलात्मक संभावनाओं के बीच यह मुख्य अंतर है। शास्त्रीय सोनाटा (सोनाटा-सिम्फोनिक) चक्र। लगभग 18वीं शताब्दी के अंतिम तीसरे भाग में शास्त्रीय सोनाटा चक्र ने आखिरकार संगीत में आकार ले लिया। पहले, सूट के रूप में वाद्य कार्यों का प्रभुत्व था, जहां धीमी और तेज भागों को वैकल्पिक किया गया था, और इसके करीब पुराने सोनाटा का रूप था। अब, शास्त्रीय सोनाटा चक्र में, भागों की संख्या (आमतौर पर तीन या चार) निश्चित रूप से निर्धारित की गई है, लेकिन उनकी सामग्री अधिक जटिल हो गई है। पहला आंदोलन आमतौर पर सोनाटा रूप में लिखा जाता है, जिसकी चर्चा पिछले पैराग्राफ में की गई थी। वह तेज या मध्यम तेज गति से चलती है। अक्सर यह A11ego होता है। इसलिए, इस तरह के आंदोलन को आमतौर पर सोनाटा रूपक कहा जाता है। इसमें संगीत में अक्सर एक ऊर्जावान, प्रभावी चरित्र होता है, जो अक्सर तनावपूर्ण, नाटकीय होता है। गति और सामान्य चरित्र में दूसरा आंदोलन हमेशा पहले के विपरीत होता है। अक्सर यह धीमा, सबसे गेय और मधुर होता है। लेकिन यह अलग भी हो सकता है, उदाहरण के लिए, एक धीमी कथा या नृत्य-सुशोभ के समान। तीन-भाग के चक्र में, अंतिम, तीसरा भाग, अंतिम फिर से तेज़ होता है, आमतौर पर अधिक तेज़, लेकिन विकास की तुलना में आंतरिक रूप से कम तीव्र पहले को। शास्त्रीय सोनाटा चक्रों (विशेष रूप से सिम्फनी) के फाइनल में अक्सर भीड़ भरे उत्सव की मस्ती के चित्र चित्रित होते हैं, और उनके विषय लोक गीतों और नृत्यों के करीब होते हैं। इस मामले में, रोंडो फॉर्म का अक्सर उपयोग किया जाता है (फ्रेंच "रोंडे" - "सर्कल" से)। जैसा कि आप जानते हैं, यहाँ पहला खंड (बचना) कई बार दोहराया जाता है, नए खंडों (एपिसोड) के साथ बारी-बारी से। 21 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा उनका पहला ओपेरा है? 3. शास्त्रीय शैली कब तक परिपक्व हुई और किस समय तक संगीत में शास्त्रीय शैली हावी रही? "क्लासिक" की दो परिभाषाओं के बीच अंतर स्पष्ट करें। 4. फ्यूग्यू और सोनाटा फॉर्म के बीच सामान्य निर्माण में क्या समानता है? और उनमें मुख्य अंतर क्या है? 5. सोनाटा फॉर्म के मुख्य और अतिरिक्त वर्गों का नाम बताइए। उसका रेखाचित्र बनाइए। 6. सोनाटा के रूप के मुख्य और पार्श्व भाग एक दूसरे के साथ अपने प्रदर्शन और पुनरावृत्ति में कैसे सहसंबद्ध होते हैं? 7. सोनाटा रूप में विकास की विशेषता क्या है? 8. शास्त्रीय सोनाटा चक्र के भागों का वर्णन करें। 9. कलाकारों की रचना के आधार पर मुख्य प्रकार के शास्त्रीय सोनाटा चक्रों का नाम बताइए। यह सब चार-भाग वाले चक्रों के कई फाइनल को अलग करता है। लेकिन उनमें चरम भागों (पहले और चौथे) के बीच दो मध्य भाग रखे जाते हैं। एक - धीमा - एक सिम्फनी में आमतौर पर दूसरा होता है, और चौकड़ी में - तीसरा। 18 वीं शताब्दी की शास्त्रीय सिम्फनी का तीसरा आंदोलन मिनुएट है, जो चौकड़ी में दूसरा स्थान लेता है। तो, हमने "सोनाटा", "चौकड़ी", "सिम्फनी" शब्दों का उल्लेख किया। इन चक्रों के बीच का अंतर कलाकारों की रचना पर निर्भर करता है। एक विशेष स्थान सिम्फनी का है - ऑर्केस्ट्रा के लिए एक काम, जिसे कई श्रोताओं के सामने एक बड़े कमरे में ध्वनि के लिए डिज़ाइन किया गया है। इस अर्थ में, कंसर्ट सिम्फनी के करीब है - ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ एकल वाद्य यंत्र के लिए तीन-आंदोलन की रचना। सबसे आम कक्ष वाद्य चक्र सोनाटा (एक या दो उपकरणों के लिए), तिकड़ी (तीन उपकरणों के लिए), चौकड़ी (चार उपकरणों के लिए), पंचक (पांच उपकरणों के लिए)19 हैं। सोनाटा रूप और सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र, संगीत में संपूर्ण शास्त्रीय शैली की तरह, 18 वीं शताब्दी में गठित किया गया था, जिसे "ज्ञान की उम्र" (या "ज्ञान की उम्र") कहा जाता है, साथ ही साथ "उम्र" भी कहा जाता है। कारण का ”। इस शताब्दी में, विशेष रूप से इसकी दूसरी छमाही में, कई यूरोपीय देशों में तथाकथित "तृतीय संपत्ति" के प्रतिनिधियों को नामित किया गया था। ये वे लोग थे जिनके पास न तो कुलीन उपाधियाँ थीं और न ही आध्यात्मिक उपाधियाँ। उन्होंने अपनी सफलता का श्रेय अपने काम और पहल को दिया। उन्होंने "प्राकृतिक मनुष्य" के आदर्श की घोषणा की, जो प्रकृति द्वारा ही रचनात्मक ऊर्जा, उज्ज्वल दिमाग और गहरी भावनाओं से संपन्न था। यह आशावादी लोकतांत्रिक आदर्श संगीत और कला और साहित्य के अन्य रूपों में अपने तरीके से परिलक्षित हुआ। उदाहरण के लिए, ज्ञानोदय की शुरुआत में मानव मन और अथक हाथों की जीत को 1719 में प्रकाशित अंग्रेजी लेखक डैनियल डेफो ​​​​के प्रसिद्ध उपन्यास, द लाइफ एंड अमेजिंग एडवेंचर्स ऑफ रॉबिन्सन क्रूसो द्वारा महिमामंडित किया गया था। जोसेफ हेडन 1732-1809 संगीत में शास्त्रीय शैली अपनी परिपक्वता तक पहुंच गई और जोसेफ हेडन, वोल्फगैंग एमेडियस मोजार्ट और लुडविग वैन बीथोवेन के कार्यों में फल-फूल रही थी। उनमें से प्रत्येक का जीवन और कार्य ऑस्ट्रिया की राजधानी वियना में एक लंबा समय बिताया। इसलिए, हेडन, मोजार्ट और बीथोवेन को विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। ऑस्ट्रिया एक बहुराष्ट्रीय साम्राज्य था। इसमें ऑस्ट्रियाई लोगों के साथ, जिनकी मूल भाषा जर्मन है, हंगेरियन और विभिन्न स्लाविक लोग रहते थे, जिनमें चेक, सर्ब, क्रोट शामिल थे। उनके गीत और प्रश्न और कार्य 1 . 18वीं शताब्दी के राष्ट्रीय हास्य नाटकों के नाम लिखिए। इटालियन बफा ओपेरा के निर्माण और फ्रेंच कॉमिक ओपेरा के निर्माण में क्या अंतर है? 2. महान ऑपरेटिव सुधारक क्रिस्टोफ विलिबल्ड ग्लक की गतिविधि किन देशों और शहरों से जुड़ी थी? किस कथानक पर उन्होंने अन्य चैम्बर-एन्सेम्बल वाद्य चक्रों के नाम लिखे - सेक्सेट (6), सेप्टेट (7), ऑक्टेट (8), नॉननेट (9), डेसीमेट (10)। "चैंबर संगीत" की परिभाषा इतालवी शब्द "कैमरा" - "रूम" से आई है। 19वीं शताब्दी तक, कई उपकरणों के लिए रचनाएँ अक्सर घर पर ही की जाती थीं, यानी उन्हें "कक्ष संगीत" के रूप में समझा जाता था। 19 22 www.classON.ru रूसी कला नृत्य की धुनों के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा गांवों और शहरों दोनों में सुनी जा सकती है। वियना में, लोक संगीत हर जगह - केंद्र में और बाहरी इलाकों में, सड़क के चौराहों पर, सार्वजनिक उद्यानों और पार्कों में, रेस्तरां और पब में, अमीर और गरीब निजी घरों में सुनाई देता था। वियना पेशेवर संगीत संस्कृति का एक प्रमुख केंद्र भी था, जो शाही दरबार, बड़प्पन 1 के चैपल और कुलीन सैलून, कैथेड्रल और चर्चों के आसपास केंद्रित था। इतालवी ओपेरा सेरिया की ऑस्ट्रियाई राजधानी में लंबे समय से खेती की जाती है, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, ग्लक ने अपना ऑपरेटिव सुधार शुरू किया। संगीत बहुतायत से कोर्ट उत्सव के साथ। लेकिन विनीज़ ने स्वेच्छा से संगीत के साथ प्रफुल्लित करने वाले प्रदर्शनों में भाग लिया, जिससे सिंघपिल्स का जन्म हुआ, और वे नृत्य के बहुत शौकीन थे। तीन महान विनीज़ संगीत क्लासिक्स में, हेडन सबसे पुराना है। वह 24 वर्ष का था जब मोजार्ट का जन्म हुआ और 38 वर्ष का था जब बीथोवेन का जन्म हुआ। हेडन ने लंबा जीवन जिया। वह मोजार्ट से बच गया, जो लगभग दो दशक पहले मर गया था और तब भी जीवित था जब बीथोवेन ने पहले से ही अपने अधिकांश परिपक्व कार्यों का निर्माण किया था। निजी रियासत थिएटर के लिए, उन्होंने दो दर्जन से अधिक ओपेरा, सेरिया, बफ़ा, साथ ही कठपुतलियों द्वारा खेले जाने वाले प्रदर्शनों के लिए कई "कठपुतली" ओपेरा लिखे। लेकिन उनकी मुख्य रचनात्मक रुचियों और उपलब्धियों का क्षेत्र सिम्फोनिक और चैम्बर 2 वाद्य संगीत है। कुल मिलाकर यह 800 से अधिक रचनाएँ हैं। उनमें से, 100 से अधिक सिम्फनी, 80 से अधिक स्ट्रिंग चौकड़ी और 60 से अधिक क्लैवियर सोनाटा विशेष रूप से महत्वपूर्ण हैं। सबसे बड़ी पूर्णता, चमक और मौलिकता के साथ उनके परिपक्व नमूनों में, महान ऑस्ट्रियाई संगीतकार की आशावादी विश्वदृष्टि का पता चला था। केवल कभी-कभी यह उज्ज्वल रवैया एक उदास मनोदशा से प्रेरित होता है। वे हमेशा हेडन के जीवन के अटूट प्रेम, उत्सुक अवलोकन, हंसमुख हास्य, सरल, स्वस्थ और एक ही समय में आसपास की वास्तविकता की काव्यात्मक धारणा से दूर हो जाते हैं। जीवन पथ बचपन। रोरौ और हैनबर्ग। फ्रांज़ जोसेफ हेडन का जन्म 1732 में हंगरी की सीमा के पास और वियना से दूर नहीं, पूर्वी ऑस्ट्रिया में स्थित रोरौ गाँव में हुआ था। हेडन के पिता एक कुशल कोचमेकर थे, उनकी माँ ने रोरू के मालिक काउंट की संपत्ति पर एक रसोइया के रूप में काम किया। उनके सबसे बड़े बेटे जोसेफ, जिन्हें प्यार से परिवार में ज़ेपरल कहा जाता था, माता-पिता ने जल्दी ही उन्हें मेहनती, सटीकता, सफाई का आदी बनाना शुरू कर दिया। हेडन के पिता संगीत बिल्कुल भी नहीं जानते थे, लेकिन वे गाना पसंद करते थे, खुद के साथ वीणा बजाते थे, खासकर तब जब उनके साथ। मेहमान एक छोटे से घर में इकट्ठे हुए। Zepperl ने संगीत के लिए एक उल्लेखनीय कान का खुलासा करते हुए, एक स्पष्ट चांदी की आवाज में गाया। और जब लड़का केवल पांच साल का था, तो उसे पड़ोसी शहर हैनबर्ग में एक दूर के रिश्तेदार के पास भेजा गया, जिसने चर्च स्कूल और गाना बजानेवालों का नेतृत्व किया। हैनबर्ग में, सेपरल ने गाना बजानेवालों में पढ़ना, लिखना, गिनना, गाना सीखा, और क्लैविकॉर्ड और वायलिन बजाने के कौशल में महारत हासिल करना भी शुरू किया। लेकिन एक अनजान परिवार में रहना उनके लिए आसान नहीं था। कई वर्षों बाद, उन्होंने याद किया कि तब उन्हें "भोजन से अधिक बीटर" प्राप्त हुआ था। जैसे ही ज़ेपरल हैनबर्ग पहुंचे, उन्हें संगीत के साथ चर्च के जुलूस में भाग लेने के लिए टिमपनी को पीटना सीखने का आदेश दिया गया। लड़के ने एक छलनी ली, उसके ऊपर एक कपड़ा खींचा और लगन से व्यायाम करने लगा। उन्होंने अपना कार्य सफलतापूर्वक पूरा किया। जुलूस का आयोजन करते समय ही उन्हें एक बहुत ही छोटे कद के व्यक्ति की पीठ पर एक वाद्य यंत्र लटकाना पड़ता था। और वह कुबड़ा था, जिससे दर्शकों की हंसी छूट गई। वियना में सेंट स्टीफन कैथेड्रल के चैपल में। हैनबर्ग का दौरा करने के बाद, विनीज़ कैथेड्रल बैंडमास्टर और कोर्ट संगीतकार जॉर्ज रेउटर ने उत्कृष्ट संगीत क्षमताओं पर ध्यान आकर्षित किया, हेडन एक ईमानदार आस्तिक थे। वह आध्यात्मिक ग्रंथों पर आधारित कई जनसमूह और अन्य मुखर और वाद्य कार्यों के लेखक हैं। 23 www.classON.ru रूसी कला Zepperl के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। इसलिए 1740 में, आठ वर्षीय हेडन ने खुद को ऑस्ट्रिया की राजधानी में पाया, जहां उन्हें सेंट स्टीफन के कैथेड्रल (मुख्य) कैथेड्रल के चैपल में एक गायक के रूप में स्वीकार किया गया था। खुद कर रहा हूँ। स्वतंत्र जीवन की कठिन शुरुआत। जब, अठारह वर्ष की आयु तक, युवक की आवाज टूटने लगी - यह अस्थायी रूप से कर्कश हो गया और लचीलापन खो दिया, तो उसे बेरहमी से और बेरहमी से चैपल से बाहर निकाल दिया गया। छत के नीचे एक छोटे से कमरे में अपनी पत्नी और बच्चे के साथ रहने वाले एक परिचित गायक द्वारा कुछ समय के लिए शरण न लेने पर, वह खुद को आश्रय और धन के बिना पाकर भूख और ठंड से मर सकता था। हेडन ने किसी भी संगीत के काम को शुरू करना शुरू किया: उन्होंने नोटों की नकल की, गायन में पैनी सबक दिया, क्लैवियर बजाना, स्ट्रीट वाद्य यंत्रों में एक वायलिन वादक के रूप में भाग लिया, जिसने शहर के लोगों में से एक के सम्मान में रात में सेरेनेड का प्रदर्शन किया। अंत में वह वियना के केंद्र में एक घर की छठी और आखिरी मंजिल पर एक छोटा कमरा किराए पर लेने में सक्षम हो गया। कमरा हवा से छेदा हुआ था, उसमें कोई चूल्हा नहीं था, सर्दियों में पानी अक्सर जम जाता था। हेडन दस साल तक ऐसी ही दुर्दशा में रहे। लेकिन उन्होंने हिम्मत नहीं हारी और उत्साहपूर्वक अपनी पसंदीदा कला में लगे रहे। "जब मैं अपने पुराने, कृमि-खाए हुए हंसली में बैठा," उन्होंने अपने बुढ़ापे में याद किया, "मैंने किसी राजा की खुशी से ईर्ष्या नहीं की।" हेडन को उनके जीवंत, हंसमुख चरित्र से रोजमर्रा की कठिनाइयों को दूर करने में मदद मिली। एक बार, उदाहरण के लिए, रात में उन्होंने अपने साथी संगीतकारों को वियना की एक सड़क पर एकांत कोनों में रखा, और उनके संकेत पर, सभी ने वही बजाया जो उन्हें पसंद था। परिणाम एक "कैट कॉन्सर्ट" था, जिससे आसपास के निवासियों में खलबली मच गई। संगीतकारों में से दो पुलिस में समाप्त हो गए, लेकिन निंदनीय "सेरेनेड" के भड़काने वाले को प्रत्यर्पित नहीं किया गया था। एक लोकप्रिय कॉमिक अभिनेता से परिचित होने के बाद, हेडन ने उनके साथ मिलकर सिंघस्पिल "द लैम डेमन" की रचना की और एक छोटी राशि अर्जित की, उसे एक फुटमैन के रूप में सेवा दी। धीरे-धीरे, हेडन ने शिक्षक और संगीतकार दोनों के रूप में वियना में ख्याति प्राप्त करना शुरू कर दिया। वह प्रसिद्ध लोगों से मिले; संगीतकार और संगीत प्रेमी। एक प्रमुख अधिकारी के घर में, उन्होंने चैम्बर कलाकारों की टुकड़ियों के प्रदर्शन में भाग लेना शुरू किया और अपनी देश की संपत्ति में संगीत कार्यक्रमों के लिए अपनी पहली स्ट्रिंग चौकड़ी बनाई। और हेडन ने अपनी पहली सिम्फनी 1759 में लिखी, जब उन्हें अपने निपटान में एक छोटा ऑर्केस्ट्रा मिला, जो काउंट मोरज़िन के चैपल का प्रमुख बन गया। गिनती केवल अविवाहित संगीतकारों को रखती थी। विनीज़ हेयरड्रेसर की बेटी से शादी करने वाले हेडन को इसे गुप्त रखने के लिए मजबूर किया गया था। लेकिन यह केवल 1760 तक जारी रहा, जब वियना में, शानदार इमारतों और स्थापत्य कलाकारों की टुकड़ियों वाला एक बड़ा सुंदर शहर, लड़के पर नए ज्वलंत छापों की लहर दौड़ गई। चारों ओर बहुराष्ट्रीय लोक संगीत बजने लगा। गिरजाघर और शाही दरबार में, जहाँ गाना बजानेवालों ने भी प्रदर्शन किया, गंभीर गायन और वाद्य कार्य किए गए। लेकिन अस्तित्व की स्थितियां फिर से कठिन हो गईं। कक्षा में, रिहर्सल और प्रदर्शन में, गाना बजानेवालों के लड़के बहुत थके हुए थे। उन्हें खराब तरीके से खिलाया जाता था, वे लगातार आधे भूखे रहते थे। उन्हें उनकी शरारतों के लिए कड़ी सजा दी गई। लिटिल हेडन ने गायन, क्लैवियर और वायलिन बजाने की कला का परिश्रमपूर्वक अध्ययन करना जारी रखा और वह वास्तव में संगीत रचना करना चाहते थे। हालांकि, रायटर ने इस पर कोई ध्यान नहीं दिया। अपने स्वयं के मामलों में बहुत व्यस्त, हेडन के पूरे नौ साल चैपल में रहने के दौरान, उन्होंने उसे रचना में केवल दो पाठ दिए। लेकिन जोसेफ ने अपने लक्ष्य का हठपूर्वक, लगन से पीछा किया। कुछ साल बाद उन्होंने "द न्यू लैम इम्प" नामक एक और सिंगिंगस्पिल लिखा। 20 24 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा, गिनती के भौतिक मामलों को हिला दिया गया और उन्होंने अपने चैपल को भंग कर दिया। हेडन की शादी असफल रही। उनका चुना हुआ एक भारी, क्रोधी चरित्र से प्रतिष्ठित था। वह अपने पति के रचना मामलों में बिल्कुल भी दिलचस्पी नहीं ले रही थी - इस बात के लिए कि उसने अपनी रचनाओं की पांडुलिपियों से पाट के लिए पैपिलोट्स और लाइनिंग बनाई। कुछ साल बाद हेडन अपनी पत्नी से अलग रहने लगे। उनके बच्चे नहीं थे। प्रिंसेस एस्तेरज़ी के चैपल में। 1761 में एक धनी हंगेरियन; प्रिंस पाल एंटल एस्टरहाज़ी ने हेडन को वाइस-कपेलमिस्टर के रूप में ईसेनस्टेड में आमंत्रित किया। उस क्षण से, एस्टेरज़ी परिवार के साथ हेडन की सेवा शुरू हुई, जो पूरे तीन दशकों तक चली। पांच साल बाद, वह बैंडमास्टर बन गए - इस पद पर आसीन बुजुर्ग संगीतकार की मृत्यु के बाद। पाला एंटल के उत्तराधिकारी, जिनकी मृत्यु 1762 में हुई थी, उनके भाई Myklosh 1 ने शानदार और महंगे मनोरंजन के प्रति अपनी प्रतिबद्धता से प्रतिष्ठित किया, जिसका नाम शानदार था। कुछ साल बाद, उन्होंने अपने निवास को ईसेनस्टेड से 126 कमरों के एक नए देश के महल में स्थानांतरित कर दिया, इसे एक विशाल पार्क के साथ घेर लिया, 400 सीटों के साथ एक ओपेरा हाउस और पास में एक कठपुतली थियेटर का निर्माण किया, और चैपल में संगीतकारों की संख्या में काफी वृद्धि की . इसमें काम ने हेडन को अच्छी वित्तीय सहायता दी, और इसके अलावा - अपने नए कार्यों के ऑर्केस्ट्रल प्रदर्शन को निर्देशित करते हुए, अभ्यास में बहुत कुछ बनाने और तुरंत खुद को परखने का अवसर मिला। एस्टरहाज़ में (जैसा कि नई रियासत को बुलाया गया था), भीड़ भरे स्वागत अक्सर आयोजित किए जाते थे, अक्सर उच्च रैंकिंग वाले विदेशी मेहमानों की भागीदारी के साथ। इसके लिए धन्यवाद, हेडन का काम धीरे-धीरे ऑस्ट्रिया के बाहर जाना जाने लगा। लेकिन इस सब में, जैसा कि वे कहते हैं, सिक्के का दूसरा पहलू था। जब उन्होंने सेवा में प्रवेश किया, हेडन ने एक अनुबंध पर हस्ताक्षर किए, जिसके अनुसार वह एक प्रकार का संगीत सेवक बन गया। राजकुमार के आदेशों को सुनने के लिए, उसे रोजाना, खाने से पहले और बाद में, महल के सामने, एक पाउडर विग और सफेद स्टॉकिंग्स में उपस्थित होना पड़ता था। अनुबंध ने हेडन को तत्काल लिखने के लिए बाध्य किया "कोई भी संगीत जिसे उनका आधिपत्य चाहता है, किसी को भी नई रचनाएं नहीं दिखाने के लिए, और इससे भी ज्यादा किसी को उन्हें लिखने की अनुमति नहीं देने के लिए, लेकिन उन्हें केवल अपने प्रभुत्व के लिए और उनके ज्ञान और अनुग्रह के बिना रखने के लिए किसी के लिए कुछ भी रचना न करने की अनुमति"। इसके अलावा, हेडन को चैपल में आदेश और संगीतकारों के व्यवहार का निरीक्षण करने, गायकों को सबक देने और उपकरणों और नोटों की सुरक्षा के लिए जिम्मेदार होने की आवश्यकता थी। वह किसी महल में नहीं रहता था, बल्कि पड़ोस के गांव में, एक छोटे से घर में रहता था। ईसेनस्टेड से, रियासत का दरबार सर्दियों में वियना चला जाता था। और एस्टरहाज़ी से, हेडन कभी-कभी राजकुमार के साथ या विशेष अनुमति से राजधानी में आ सकता था। Eisenstadt और Esterhase में बिताए कई वर्षों में, हेडन एक नौसिखिए संगीतकार से एक महान संगीतकार के पास गए, जिनका काम उच्च कलात्मक पूर्णता तक पहुँच गया और न केवल ऑस्ट्रिया में, बल्कि अपनी सीमाओं से भी दूर पहचाना गया। तो, छह "पेरिस सिम्फनीज़" (नंबर 82-87) उनके द्वारा फ्रांस की राजधानी से आदेश द्वारा लिखे गए थे, जहां उन्होंने 1786 में सफलता के साथ आवाज उठाई थी। वियना में वोल्फगैंग एमेडियस मोजार्ट के साथ हेडन की बैठकें 1780 के दशक की हैं। दोनों महान संगीतकारों के काम पर मैत्रीपूर्ण तालमेल का लाभकारी प्रभाव पड़ा। समय के साथ, हेडन को अपनी आश्रित स्थिति के बारे में अधिक जानकारी होने लगी। 1790 की पहली छमाही में वियना में एस्तेरज़ी के दोस्तों को लिखे गए उनके पत्रों में, इस तरह के वाक्यांश हैं: "अब - मैं अपने जंगल में बैठा हूँ - परित्यक्त - एक गरीब अनाथ की तरह - लगभग लोगों की कंपनी के बिना - उदास .. एस्टरहाज़ी के अंतिम राजकुमारों के पास विशाल सम्पदा थी, उनके पास कई नौकर थे और उन्होंने अपने महलों में एक शाही जीवन व्यतीत किया। विशेष 25 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा कई दिनों तक मुझे नहीं पता था कि मैं एक बैंडमास्टर था या एक बैंडलीडर... हर समय एक गुलाम होना दुखद है...» में एक नया मोड़ भाग्य। इंग्लैंड की यात्राएँ। 1790 की शरद ऋतु में मिक्लोस एस्टरहाज़ी की मृत्यु हो गई। वह एक प्रबुद्ध संगीत प्रेमी थे, कड़े वाद्य यंत्र बजाते थे और हेडन जैसे "संगीत सेवक" की अपने तरीके से सराहना नहीं कर सकते थे। राजकुमार ने उन्हें एक बड़ी आजीवन पेंशन दी। संगीत के प्रति उदासीन मिकलोस के वारिस एंटल ने चैपल को खारिज कर दिया। लेकिन यह कामना करते हुए कि प्रसिद्ध संगीतकार उनके दरबारी बैंडमास्टर बने रहे, उन्होंने हेडन को नकद भुगतान भी बढ़ा दिया, जो इस प्रकार, आधिकारिक कर्तव्यों से मुक्त हो गए और खुद को पूरी तरह से निपटाने में सक्षम हो गए। हेडन संगीत रचना के इरादे से वियना चले गए, और सबसे पहले अन्य देशों की यात्रा के प्रस्तावों को ठुकरा दिया। लेकिन फिर वह इंग्लैंड की लंबी यात्रा करने के प्रस्ताव पर सहमत हो गया और 1791 की शुरुआत में लंदन पहुंचा। इस प्रकार, अपने साठवें जन्मदिन के करीब, हेडन ने पहली बार समुद्र को अपनी आँखों से देखा और पहली बार खुद को दूसरे राज्य में पाया। ऑस्ट्रिया के विपरीत, जो अभी भी अपने तरीकों से सामंती-अभिजात वर्ग था, इंग्लैंड लंबे समय तक एक बुर्जुआ देश रहा था, और संगीत सहित सामाजिक, लंदन में जीवन वियना से बहुत अलग था। लंदन में, कई औद्योगिक और वाणिज्यिक उद्यमों के साथ एक विशाल शहर, संगीत कार्यक्रम कुलीनता के महलों और सैलून में आमंत्रित चयनित व्यक्तियों के लिए नहीं थे, बल्कि सार्वजनिक हॉल में आयोजित किए गए थे, जहां हर कोई शुल्क के लिए आया था। इंग्लैंड में हेडन का नाम पहले से ही महिमा के प्रभामंडल से घिरा हुआ था। दोनों प्रसिद्ध संगीतकारों और उच्च श्रेणी के व्यक्तियों ने उन्हें न केवल एक समान माना, बल्कि विशेष सम्मान भी दिया। उनके नए काम, जिसके प्रदर्शन में उन्होंने एक कंडक्टर के रूप में काम किया, उत्साह से मिले और उन्हें उदारता से भुगतान किया गया। हेडन ने 40-50 लोगों के एक बड़े ऑर्केस्ट्रा का संचालन किया, जो कि एस्तेरज़ी चैपल के आकार का दोगुना है। ऑक्सफोर्ड यूनिवर्सिटी ने उन्हें डॉक्टर ऑफ म्यूजिक की मानद उपाधि से सम्मानित किया। डेढ़ साल बाद हेडन वियना लौट आया। रास्ते में उन्होंने जर्मन शहर बॉन का दौरा किया। वहां उन्होंने पहली बार युवा लुडविग वैन बीथोवेन से मुलाकात की, जो जल्द ही हेडन के साथ अध्ययन करने के इरादे से वियना चले गए। लेकिन बीथोवेन ने लंबे समय तक उससे सबक नहीं लिया। दो संगीत प्रतिभाएँ, जो उम्र और स्वभाव में बहुत भिन्न थीं, तब उन्हें वास्तविक आपसी समझ नहीं मिली। हालांकि, प्रकाशन के दौरान बीथोवेन ने अपने तीन पियानो सोनटास (संख्या 1-3) हेडन को समर्पित किए। हेडन की इंग्लैंड की दूसरी यात्रा 1794 में शुरू हुई और डेढ़ साल से कुछ अधिक समय तक चली। सफलता फिर विजयी हुई। निर्मित कई कार्यों से; इन यात्राओं के दौरान और उनके संबंध में, बारह तथाकथित "लंदन सिम्फनीज़" विशेष रूप से महत्वपूर्ण थे। जीवन और रचनात्मकता के अंतिम वर्ष। एस्टरहाज़ी के अगले राजकुमार, मिक्लोस II, अपने पूर्ववर्ती की तुलना में संगीत में अधिक रुचि रखते थे। इसलिए, हेडन ने कभी-कभी वियना से ईसेनस्टेड तक दौड़ना शुरू किया और राजकुमार के आदेश पर कई जनसमूह लिखे। हाल के वर्षों के संगीतकार की मुख्य रचनाएँ - दो स्मारकीय oratorios "द क्रिएशन ऑफ़ द वर्ल्ड" और "द सीज़न्स" - वियना में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शित किए गए (1799 में एक, 1801 में दूसरा)। प्राचीन अराजकता का चित्रण, जिससे दुनिया तब उत्पन्न होती है, पृथ्वी का निर्माण, पृथ्वी पर जीवन का जन्म और मनुष्य का निर्माण - ऐसी इन वाद्य यंत्रों में से पहली की सामग्री है। दूसरे ओटोरियो के चार भाग ("स्प्रिंग", "समर", "ऑटम", "विंटर") ग्रामीण प्रकृति और किसान जीवन के सुव्यवस्थित संगीतमय रेखाचित्रों से बने हैं। 26 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा 1803 के बाद, हेडन ने कुछ और नहीं लिखा। महिमा और सम्मान से घिरे हुए उन्होंने चुपचाप अपना जीवन व्यतीत किया। 1809 के वसंत में नेपोलियन युद्धों की ऊंचाई पर हेडन की मृत्यु हो गई, जब फ्रांसीसी ने वियना में प्रवेश किया। सेलोस और डबल बेस। वुडविंड वाद्य यंत्रों के समूह में बांसुरी, ओबोज, शहनाई और बासून शामिल हैं 21. हेडन का पीतल के वाद्ययंत्रों का समूह सींग और तुरही द्वारा बनाया गया है, और उन्होंने ताल वाद्य यंत्रों से केवल टिमपनी का इस्तेमाल किया और केवल आखिरी, बारहवीं लंदन सिम्फनी में उन्होंने एक त्रिकोण जोड़ा , झांझ और एक ड्रम। प्रश्न और कार्य 1। किन तीन महान संगीतकारों को विनीज़ संगीत क्लासिक्स कहा जाता है? ऐसी परिभाषा क्या बताती है? 2. 18वीं सदी में वियना के संगीतमय जीवन के बारे में बताएं। 3. हेडन के काम में मुख्य संगीत शैलियों का नाम बताइए। 4. हेडन का बचपन और जवानी कहाँ और कैसे बीता? 5. हेडन ने अपनी स्वतंत्र यात्रा कैसे शुरू की? 6..हेडन का जीवन और कार्य उनकी सेवा के दौरान प्रिंसेस एस्तेरज़ी के चैपल में कैसे आगे बढ़ा? 7. हेडन की इंग्लैंड यात्राओं और उनके जीवन के अंतिम वर्षों के बारे में बताएं। सिम्फोनिक रचनात्मकता जब हेडन ने 1759 में अपनी पहली सिम्फनी लिखी, तो इस शैली में कई काम पहले से मौजूद थे और बनते रहे। वे इटली, जर्मनी, ऑस्ट्रिया और अन्य यूरोपीय देशों में उत्पन्न हुए। 18वीं शताब्दी के मध्य में, उदाहरण के लिए, जर्मन शहर मैनहेम में रचित और प्रदर्शन किए गए सिम्फनी, जो उस समय के लिए सबसे अच्छा ऑर्केस्ट्रा था, ने सामान्य प्रसिद्धि प्राप्त की। तथाकथित "मैनहेम स्कूल" के रचनाकारों में कई चेक थे। सिम्फनी के पूर्वजों में से एक तीन-भाग इतालवी ओपेरा ओवरचर है (गति के अनुसार भागों के अनुपात के साथ: "त्वरित-धीमी-त्वरित")। शुरुआती ("पूर्व-शास्त्रीय") सिम्फनी में, भविष्य की शास्त्रीय सिम्फनी का मार्ग अभी भी प्रशस्त था, जिसकी पहचान आलंकारिक सामग्री और रूप की पूर्णता का महत्व था। इस रास्ते पर चलते हुए, हेडन 1780 के दशक में अपनी परिपक्व सिम्फनी में पहुंचे। और उसी समय, अभी भी बहुत युवा मोजार्ट की परिपक्व सिम्फनी दिखाई दी, आश्चर्यजनक रूप से कलात्मक महारत की ऊंचाइयों पर तेजी से आगे बढ़ रही थी। मोजार्ट की असामयिक मृत्यु के बाद, हेडन ने अपनी लंदन सिम्फनी बनाई, जिसने इस शैली में उनकी उपलब्धियों का ताज पहनाया, जिसने उन्हें गहरा सदमा दिया। हेडन की परिपक्व सिम्फनी में, चार-आंदोलन चक्र की निम्नलिखित विशिष्ट रचना स्थापित की गई थी: सोनाटा एलेग्रो, धीमी गति, मिनुएट और फिनाले (आमतौर पर रोंडो या सोनाटा रूपक के रूप में)। उसी समय, वाद्ययंत्रों के चार समूहों से ऑर्केस्ट्रा की शास्त्रीय रचना इसकी मुख्य विशेषताओं में निर्धारित की गई थी। अग्रणी समूह - स्ट्रिंग। इसमें वायलिन, वायलस शामिल हैं, हेडन ने हमेशा शहनाई का इस्तेमाल नहीं किया। यहां तक ​​कि उनकी लंदन सिम्फनी में भी, वे केवल पांच (बारह में से) में दिखाई देते हैं। 21 27 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा इस सिम्फनी को "सैन्य" के रूप में जाना जाता है। हेडन की कुछ अन्य सिम्फनी के नाम भी हैं। ज्यादातर मामलों में, वे स्वयं संगीतकार द्वारा नहीं दिए जाते हैं और केवल एक विवरण को चिह्नित करते हैं, अक्सर सचित्र, उदाहरण के लिए, सिम्फनी "चिकन" या "टिकिंग" के धीमे हिस्से में क्लकिंग की नकल - सिम्फनी के धीमे हिस्से में " घंटे"। एफ-शार्प माइनर में सिम्फनी के साथ एक विशेष कहानी जुड़ी हुई है, जिसे "फेयरवेल" नाम दिया गया था। इसका एक अतिरिक्त पाँचवाँ भाग है (अधिक सटीक रूप से, कोडा प्रकार का एक अडाजियो)। इसके प्रदर्शन के दौरान, एक-एक करके ऑर्केस्ट्रा के सदस्य मोमबत्तियाँ बुझाते हैं, अपने वाद्य यंत्र लेते हैं और निकल जाते हैं। केवल दो वायलिन वादक बचे हैं, जो चुपचाप और उदास होकर आखिरी बार बजाते हैं और निकल भी जाते हैं। इसके लिए निम्नलिखित व्याख्या है। मानो एक बार गर्मियों में, प्रिंस मिकलोस I ने एस्टरहाज़ में अपने चैपल के संगीतकारों को सामान्य से अधिक देर तक विलंबित किया। और वे Eisenstadt में रहने वाले अपने परिवारों को देखने के लिए जितनी जल्दी हो सके एक छुट्टी प्राप्त करना चाहते थे। और फेयरवेल सिम्फनी के असामान्य दूसरे समापन ने इन परिस्थितियों के संकेत के रूप में कार्य किया। सिम्फनी के अलावा, हेडन के पास ऑर्केस्ट्रा के लिए कई अन्य कार्य हैं, जिनमें सौ से अधिक व्यक्तिगत मीनू शामिल हैं। और अचानक सब कुछ खुशी से बदल जाता है: सोनाटा रूपक का प्रदर्शन शुरू होता है। धीमी गति के बजाय - तेज (एलेग्रो कॉन स्पिरिटो - "जल्दी, उत्साह के साथ"), भारी बास यूनिसन के बजाय - मोबाइल का पहला मकसद, संक्रामक रूप से हंसमुख, मुख्य भाग का नृत्य विषय जी की समान ध्वनियों से पैदा होता है और ए-फ्लैट एक उच्च रजिस्टर में। मुख्य कुंजी में बताए गए इस विषय के सभी रूप, पहली ध्वनि की पुनरावृत्ति के साथ शुरू होते हैं - जैसे कि एक उत्कट रौंदने के साथ: ई-फ्लैट प्रमुख में सिम्फनी यह हेडन के बारह "लंदन सिम्फनीज़" का ग्यारहवां है। इसकी मुख्य कुंजी ई-फ्लैट मेजर है। इसे "टिम्पनी ट्रेमोलो सिम्फनी" 22 के रूप में जाना जाता है। सिम्फनी चार आंदोलनों में है। पहला भाग धीमे परिचय के साथ शुरू होता है। टिमपनी का ट्रेमोलो ("अंश") टॉनिक ध्वनियों के लिए धीरे-धीरे बजता है। यह गड़गड़ाहट के दूर के रोल की तरह है। फिर परिचय का बहुत ही विषय सुचारू रूप से विस्तृत "लेज" में प्रकट होता है। सबसे पहले, यह सेलो, डबल बेस और बेससून द्वारा ऑक्टेव एकसमान में बजाया जाता है। ऐसा लगता है जैसे कोई रहस्यमयी परछाइयाँ चुपचाप तैर रही हों, कभी रुक रही हों। यहाँ वे झिझकते हैं और जम जाते हैं: परिचय के अंतिम उपायों में, पड़ोसी ध्वनियों जी और ए-फ्लैट पर कई बार बारी-बारी से, कान को उम्मीद करने के लिए मजबूर करते हैं - आगे क्या होगा? थीम को पियानो स्ट्रिंग इंस्ट्रूमेंट्स द्वारा दो बार दोहराया जाता है, जो डांसिंग फन की एक जंगली दहाड़ से पूरित होता है, जो पूरे ऑर्केस्ट्रा में बजता है। यह गड़गड़ाहट जल्दी से दूर हो जाती है, और जोड़ने वाले हिस्से में रहस्य का एक संकेत फिर से प्रकट होता है। टोनल स्थिरता टूट गई है। बी-फ्लैट मेजर (ई-फ्लैट मेजर का प्रमुख) में एक मॉड्यूलेशन है - साइड पार्ट की कुंजी। जोड़ने वाले हिस्से में कोई नया विषय नहीं है, लेकिन टिमपनी के विषय का मूल मकसद सुना जाता है - गोलार्द्धों की त्वचा उनके ऊपर फैली हुई है, जो दो छड़ियों से टकराती है। प्रत्येक गोलार्द्ध केवल एक पिच की ध्वनि उत्पन्न कर सकता है। शास्त्रीय सिम्फनी आमतौर पर टॉनिक और प्रभावशाली के लिए ट्यून किए गए दो गोलार्द्धों का उपयोग करते हैं। 22 28 www.classON.ru मुख्य भाग की रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा और परिचय के विषय का एक दूरस्थ अनुस्मारक: पक्ष भाग (बी-फ्लैट प्रमुख) की कुंजी की पुष्टि के साथ प्रदर्शनी समाप्त होती है। प्रदर्शनी दोहराई जाती है, और विकास इस प्रकार है। यह मुख्य भाग के विषय से अलग किए गए रूपांकनों के पॉलीफोनिक नकल और तानवाला-हार्मोनिक विकास से संतृप्त है। साइड गेम का विषय विकास के अंत की ओर दिखाई देता है। यह पूरी तरह से डी-फ्लैट मेजर की कुंजी में किया जाता है, जो कि मुख्य एक से बहुत दूर है, जो कि ऐसा प्रतीत होता है, जैसा कि एक नए, असामान्य प्रकाश में था। और एक दिन (एक फ़र्माटा के साथ एक सामान्य विराम के बाद) परिचय के रहस्यमय विषय के स्वर भी बास में दिखाई देते हैं। विकास मुख्य रूप से पियानो और पियानिसिमो लगता है, और केवल कभी-कभी - फोर्टे और फोर्टिसिमो अलग-अलग sforzando लहजे के साथ। यह रहस्य की छाप को बढ़ाता है। उनके विकास में मुख्य पार्टी के विषय से रूपांकन कभी-कभी एक शानदार नृत्य जैसा दिखता है। कोई कल्पना कर सकता है कि यह कुछ रहस्यमयी रोशनी का नृत्य है, जो कभी-कभी तेज चमकती है। ई-फ्लैट मेजर की कुंजी में, न केवल मुख्य भाग, बल्कि पार्श्व भाग को भी दोहराया जाता है, और बाइंडर को छोड़ दिया जाता है। कोड में कुछ रहस्य प्रकट होता है। यह शुरू होता है, परिचय की तरह, एक अडाजियो टेम्पो के साथ, एक शांत टिमपनी ट्रैपोलो और धीमी एकसमान चाल। लेकिन जल्द ही, पहले भाग के अंत में, तेज गति, जोरदार सोनोरिटी और हंसमुख नृत्य "स्टॉम्पिंग" वापसी। सिम्फनी का दूसरा भाग - एन्डांटे - दो विषयों पर भिन्नता है - सी माइनर में गीत और सी प्रमुख में गीत-मार्चिंग। इन तथाकथित दोहरे रूपों का निर्माण इस प्रकार है: पहले और दूसरे विषयों की रूपरेखा दी गई है, फिर अनुसरण करें: पहले विषय का पहला रूपांतर, दूसरे विषय का पहला रूपांतर, पहले विषय का दूसरा रूपांतर, दूसरा दूसरे विषय की सामग्री के आधार पर दूसरे विषय और कोड की भिन्नता। आज तक, शोधकर्ता पहले विषय की राष्ट्रीयता के बारे में बहस करते हैं। क्रोएशियाई संगीतकारों का मानना ​​है कि यह अपनी विशेषताओं के संदर्भ में एक क्रोएशियाई लोक गीत है, जबकि हंगरी के संगीतकारों का मानना ​​है कि यह एक हंगेरियन गीत है। सर्ब, बुल्गारियाई, पोल्स भी इसमें अपनी राष्ट्रीय विशेषताएं पाते हैं। इस विवाद को निश्चित रूप से हल नहीं किया जा सकता है, क्योंकि इस तरह के एक पक्ष के विषय की रिकॉर्डिंग फिर से एक हंसमुख नृत्य है। लेकिन मुख्य पार्टी की तुलना में, वह इतनी ऊर्जावान नहीं है, बल्कि अधिक सुंदर, स्त्री है। माधुर्य एक ओबो के साथ वायलिन पर लगता है। एक विशिष्ट वाल्ट्ज संगत इस विषय को लैंडर के करीब लाती है - एक ऑस्ट्रियाई और दक्षिण जर्मन नृत्य, वाल्ट्ज के पूर्वजों में से एक: 29 www.classON.ru पुराने माधुर्य की रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा और इसके शब्द नहीं मिले। जाहिर है, कई स्लाव और हंगेरियन धुनों की विशेषताएं इसमें विलीन हो गई हैं; इस तरह, विशेष रूप से, एक संवर्धित दूसरे (ई-फ्लैट - फैडिज़) के लिए एक अजीबोगरीब कदम है: दूसरे विषय की विविधताएं वीर मार्चिंग ट्रैड को फिर से शुरू करती हैं, जो गुणी मार्ग से अलंकृत होती हैं - बांसुरी की कृपा। और एक बड़े कोड में, "संगीत कार्यक्रमों" के विकास में अप्रत्याशित मोड़ आते हैं। सबसे पहले, मार्चिंग थीम एक कोमल, पारदर्शी ध्वनि में बदल जाती है। फिर बिंदीदार लय के साथ इससे अलग एक रूपांकन तीव्रता से विकसित होता है। यह ई-फ्लैट मेजर की रागिनी की अचानक उपस्थिति की ओर जाता है, जिसके बाद मार्च थीम का अंतिम मार्ग सी प्रमुख में उज्ज्वल और पूरी तरह से लगता है। सिम्फनी का तीसरा भाग - मीनू - मूल रूप से एक उच्च-समाज के नृत्य की गरिमामयी चाल को राग में व्यापक छलांग और लयबद्धता के साथ जोड़ती है: एक मंत्र और दूसरा, प्रमुख विषय। पहले की तुलना में, इसके साथ ही इसके साथ कुछ आत्मीयता है - एक चौथा बीट, राग की एक आरोही और फिर अवरोही दिशा और एक ऊंचा चौथा चरण (फैडिज़): यह सनकी विषय एक सहज, शांत गति से शुरू होता है तिकड़ी में - मीनू का मध्य भाग, पहले खंड और उसके सटीक दोहराव के बीच स्थित है23: पियानो और पियानिसिमो स्ट्रिंग इंस्ट्रूमेंट्स द्वारा पहले विषय की व्याख्या एक इत्मीनान से वर्णन की तरह है, जैसे कुछ असामान्य घटनाओं के बारे में कहानी की शुरुआत। इनमें से पहले को दूसरे, मार्चिंग थीम की अचानक जोरदार प्रस्तुति के साथ प्रस्तुत किया जा सकता है, जिसमें स्ट्रिंग समूह में वायु वाद्ययंत्र जोड़े जाते हैं। पहले विषय की पहली भिन्नता में कथा स्वर को बरकरार रखा गया है। लेकिन शोकाकुल और सावधान गूँज उसकी आवाज़ में शामिल हो जाती है। दूसरे विषय की पहली भिन्नता में, एकल वायलिन सनकी पैटर्न वाले मार्ग के साथ माधुर्य को रंग देता है। पहले विषय की दूसरी भिन्नता में, कथन अचानक एक तूफानी, उत्तेजित चरित्र पर ले जाता है (टिम्पनी सहित सभी उपकरणों का उपयोग किया जाता है)। दूसरे में, मीनू (या बल्कि, उनके चरित्र के संदर्भ में इसके चरम सूक्ष्म रूप से विचित्र वर्ग) लोक और रोजमर्रा के विषयों के विपरीत है, एक ओर, सिम्फनी के पहले और दूसरे भाग, और दूसरी ओर, इसके अंतिम, चौथा भाग - समापन। यहाँ, जैसा कि एक शास्त्रीय सोनाटा रूपक में होना चाहिए, प्रदर्शनी में मुख्य भाग ई-फ्लैट प्रमुख की मुख्य कुंजी में प्रस्तुत किया गया है, पार्श्व भाग बी-फ्लैट प्रमुख की प्रमुख कुंजी में है, और दोनों के पुनरावृत्ति में वे ई-फ्लैट मेजर में ध्वनि करते हैं। हालांकि, पार्श्व भाग में, लंबे समय तक, आर्केस्ट्रा कार्यों के मध्य भाग को आमतौर पर तीन उपकरणों द्वारा किया जाता था। यहीं से नाम "तिकड़ी" आता है। 23 30 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक बिल्कुल नया विषय है। यह मुख्य पार्टी के विषय की सामग्री पर बनाया गया है। फ्रांसीसी शब्द "रोंडे" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "सर्कल" या "राउंड डांस"। प्रश्न और कार्य 1। हेडन और मोजार्ट अपनी परिपक्व सिम्फनी की रचना करने कब आए थे? 2. हेडन सिम्फनी में आमतौर पर कौन से भाग होते हैं? हेडन के वाद्य यंत्रों के समूहों के नाम लिखिए। 3. हेडन की सिम्फनी के कौन से शीर्षक आप जानते हैं? 4. ई-फ्लैट मेजर में हेडन की सिम्फनी को "विथ ट्रेमोलो या टॉरस" क्यों कहा जाता है? यह किस सेक्शन से शुरू होता है? 5. इस सिम्फनी के पहले भाग में सोनाटा फॉर्म के मुख्य विषयों का वर्णन करें। 6. सिम्फनी का दूसरा भाग किस रूप में और किन विषयों पर लिखा गया था? 7. तीसरे भाग के मुख्य विषयों और अनुभागों का वर्णन करें। 8. फिनाले में मुख्य और पार्श्व भागों के विषयों के बीच संबंध की ख़ासियत क्या है? सिम्फनी के पहले भाग और उसके समापन में संगीत के चरित्र के बीच क्या संबंध है? इस प्रकार, यह पता चला है कि संपूर्ण समापन एक विषय पर आधारित है। संगीतकार, जैसे कि एक जटिल खेल में, या तो विषय को पूरी तरह से फिर से शुरू करता है, या कुशलता से इसके वेरिएंट और व्यक्तिगत तत्वों को जोड़ता है। और वह अपने आप में पेचीदा है। आखिरकार, एक हार्मोनिक आधार पहली बार इसमें प्रकट होता है - दो सींगों की तथाकथित "सुनहरी चाल" - शिकार सींगों का एक विशिष्ट संकेत। और उसके बाद ही क्रोएशियाई लोक गीतों के करीब एक नृत्य राग इस आधार पर लगाया जाता है। यह एक ध्वनि पर "स्टंपिंग" से शुरू होता है, और भविष्य में इस मकसद को कई बार दोहराया जाता है, नकल की जाती है, एक आवाज से दूसरी आवाज में चलती है। यह पहले आंदोलन के मुख्य विषय के उद्घाटन के मूल भाव की याद दिलाता है और इसे वहां कैसे विकसित किया जाता है। इसके अलावा, संगीतकार ने फाइनल में एक ही गति का संकेत दिया - एलेग्रो कॉन स्पिरिटो। इस प्रकार, फाइनल में, एक हंसमुख लोक नृत्य का तत्व अंत में राज करता है। लेकिन यहां इसका एक विशेष चरित्र है - यह एक जटिल गोल नृत्य जैसा दिखता है, एक समूह नृत्य जिसमें नृत्य को गीत और खेल क्रिया के साथ जोड़ा जाता है। यह इस तथ्य से भी पुष्टि की जाती है कि प्रदर्शनी में मुख्य भाग को मुख्य कुंजी में दो अतिरिक्त बार दोहराया जाता है - एक छोटे से संक्रमणकालीन प्रकरण के बाद और एक पार्श्व भाग के बाद। यही है, ऐसा लगता है कि यह फिर से शुरू हो रहा है, एक सर्कल में आंदोलन कर रहा है। और यह रोन्डो रूप की विशेषताओं को सोनाटा रूप में पेश करता है। शब्द "रोंडो", जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, क्लैवियर क्रिएटिविटी जब हेडन ने अपने क्लैवियर कार्यों का निर्माण किया, तो पियानो ने धीरे-धीरे हार्पसीकोर्ड और क्लैविकॉर्ड को संगीत अभ्यास से बदल दिया। हेडन ने इन प्राचीन कीबोर्ड उपकरणों के लिए अपनी प्रारंभिक रचनाएँ लिखीं, और बाद के संस्करणों में उन्होंने "हार्पसीकोर्ड या पियानो के लिए" और अंत में, कभी-कभी केवल "पियानो के लिए" संकेत देना शुरू किया। उनके क्लैवियर कार्यों में, सबसे महत्वपूर्ण स्थान एकल सोनटास का है। पहले, यह माना जाता था कि हेडन के पास उनमें से केवल 52 थे लेकिन फिर, शोधकर्ताओं की खोज के लिए धन्यवाद, यह संख्या बढ़कर 62 हो गई। उनमें से सबसे प्रसिद्ध डी मेजर और ई माइनर24 में सोनाटा हैं। डी मेजर में सोनाटा मुख्य भाग का विषय, जो इस सोनाटा के पहले भाग को शुरू करता है, एक ऐसा नृत्य है जो आनंद और उत्साह के साथ बचकाना शरारती ऑक्टेव जंप, ग्रेस नोट्स, मार्डेंट और ध्वनियों की पुनरावृत्ति के साथ होता है। इस तरह के संगीत की कल्पना एक ऑपेरेबफा में बजाए जाने के रूप में की जा सकती है: पहले के संस्करणों में, ये सोनटास "नंबर 37" और "नंबर 34" के रूप में और बाद के संस्करणों में "नंबर 50" और "नंबर 53" के रूप में छपे हैं। . 24 31 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा लेकिन फिर मुख्य भाग से शरारती कूद पक्ष भाग के विषय के विकास में प्रवेश करती है, और फिर - जोड़ने वाले हिस्से से उग्र मार्ग आंदोलन। यह अधिक तनावपूर्ण, व्यापक हो जाता है, और अचानक जल्दी से शांत हो जाता है - जैसे कि किसी तात्कालिक निर्णय से। उसके बाद, प्रदर्शनी एक गैर-नृत्य अंतिम पार्टी के साथ समाप्त होती है। विकास में फिर से खूब चहल-पहल है। यहाँ सप्तक मुख्य भाग के विषय से कूदता है, बाएँ हाथ की ओर बढ़ता है, और भी अधिक शरारती हो जाता है, और मार्ग आंदोलन प्रदर्शनी में द्वितीयक भाग के विषय के विकास की तुलना में अधिक तनाव और व्यापक दायरे तक पहुँच जाता है। पुनरावृत्ति में, मुख्य कुंजी (डी प्रमुख) में पक्ष और अंतिम भागों की ध्वनि एक हर्षित मनोदशा के प्रभुत्व को मजबूती से स्थापित करती है। सबसे मजबूत कंट्रास्ट सोनाटा में संक्षिप्त दूसरे आंदोलन द्वारा पेश किया जाता है, जो चरित्र में धीमा और संयमित है। डी माइनर में इसी नाम की चाभी में लिखा होता है। संगीत में सरबांडे की भारी धुन सुनाई देती है - एक पुराना नृत्य, जो अक्सर एक अंतिम संस्कार के जुलूस का रूप धारण कर लेता है। और ट्रिपल और बिंदीदार लयबद्ध आकृतियों के साथ अभिव्यंजक मधुर उद्गारों में हंगेरियन जिप्सियों की शोकपूर्ण धुनों के साथ समानता है: सोलहवीं के हंसमुख, उधम मचाने वाले मार्ग लिंकिंग पार्टी को भरते हैं। और पक्ष भाग का विषय (एक प्रमुख की कुंजी में) भी नृत्य करने योग्य है, केवल अधिक संयमित, सुरुचिपूर्ण: 32 www.classON.ru ई माइनर में रूसी कला सोनाटा के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा। उन्होंने लगन से इसके लिए तैयारी की, लेकिन एस्तेरज़ी चैपल में अपने आधिकारिक कर्तव्यों के कारण इसे पूरा नहीं कर सके। यह संभव है कि दूर की "विदेशी" यात्रा के सपने और उनसे जुड़े अनुभव उस समय पैदा हुए ई माइनर सोनाटा में परिलक्षित हुए हों। यह हेडन द्वारा कुछ छोटे सोनटास में से एक है जहां पहले आंदोलन में एक स्पष्ट गेय चरित्र को बहुत तेज गति के साथ जोड़ा जाता है। इस आंदोलन के मुख्य भाग का विषय, जिसके साथ सोनाटा शुरू होता है, भी अजीब है: लेकिन हेडन की आशावादी कला में, मृत्यु की उदास छवियां हमेशा जीवन की उज्ज्वल छवियों से दूर हो जाती हैं। और इस सोनाटा का डी माइनर दूसरा भाग, टॉनिक पर नहीं, बल्कि प्रमुख कॉर्ड पर समाप्त होता है, जो सीधे डी मेजर फिनाले 25 से गुजरता है। फिनाले को रोंडो के रूप में बनाया गया है, जहां मुख्य विषय - रिफ्रेन ( डी मेजर की मुख्य कुंजी में) - तीन बार दोहराया जाता है, और इसके दोहराव के बीच बदलते खंड होते हैं - एपिसोड: पहला एपिसोड डी माइनर में होता है, और दूसरा - जी मेजर में। यहाँ, केवल पहले में, डी माइनर एपिसोड में, शोकपूर्ण यादें फिसलती हैं - मध्य भाग की एक प्रतिध्वनि। जी मेजर में दूसरा एपिसोड, पहले से ही लापरवाह रूप से प्रफुल्लित है और एक ही नोट पर दाएं और बाएं हाथों के कॉमिक "रोल कॉल" की ओर जाता है। और फिनाले का फ्लाइंग और डांसिंग मुख्य विषय (रोंडो से बचना) हेडन के सबसे हंसमुख में से एक है: थीम के शुरुआती वाक्यांश यहां दो तत्वों के संयोजन से बने हैं। बास में, बाएं हाथ में, पियानो एक मामूली टॉनिक ट्रायड पर चलता है - जैसे कॉल कहीं दूर भागने के लिए। और वहीं दाहिने हाथ में कांपते हुए, जैसे कि संदेह, डगमगाने वाले मकसद-जवाब। विषय की सामान्य गति कोमल, लहरदार, लहराती है। इसके अलावा, पहले आंदोलन का आकार - 6/8 - बारकारोल शैली की विशेषता है - "पानी पर गाने"26। लिंकिंग भाग में, ई माइनर के समानांतर जी प्रमुख में एक मॉड्यूलेशन होता है - पक्ष और अंतिम भागों की कुंजी। कनेक्टिंग और अंतिम भाग, सोलहवीं के चलने वाले अंशों से भरे हुए, पार्श्व भाग को फ्रेम करते हैं - प्रकाश, स्वप्निल। यह इतालवी शब्द "अटैका सबिटो इल फिनाले" द्वारा इंगित किया गया है, जिसका अर्थ है "तुरंत समापन शुरू करना।" प्रारंभ में, विनीशियन गोंडोलियर्स के गीतों को बारकारोल कहा जाता था। शैली का बहुत नाम इतालवी शब्द "बारका" - "नाव" से आया है। 25 26 33 www.classON.ru कला रूस के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा जैसे कि ऊपर की ओर बढ़ रही हो: प्रकृति, संकेतों की आवाज़ के साथ, जैसे कि वापसी की यात्रा के लिए बुला रही हो, दिल हर्षित चिंता में लग रहा था! और यहाँ, राग संक्रमण के बाद, तीसरे आंदोलन (समापन) का मुख्य विषय प्रकट होता है। यह रोन्डो रूप का खंडन है जिसमें फिनाले लिखा गया है। यह एक प्रेरित साथ वाले गीत की तरह दिखता है जो "पूर्ण पाल पर" अपनी मूल भूमि पर जाने में मदद करता है: तो, रोंडो फॉर्म की योजना, समापन में, इस प्रकार है: बचना (ई माइनर), पहला एपिसोड (ई प्रमुख) , बचना (ई नाबालिग), दूसरा एपिसोड (ई प्रमुख), बचना (ई नाबालिग)। दोनों प्रसंग रागिनी से और मधुर आत्मीयता से एक दूसरे से जुड़े हुए हैं। जब लिंकिंग, द्वितीयक और अंतिम भाग ध्वनि करते हैं, तो कल्पना आकर्षक चित्र खींचती है - कितनी आसानी से एक निष्पक्ष हवा चलती है, कितनी खुशी से तेज गति को आगे बढ़ाया जाता है। इसके अलावा, विकास में, मुख्य, कनेक्टिंग और अंतिम भागों की सामग्री पर निर्मित, छोटी चाबियों में विचलन प्रबल होता है। मुख्य में, अर्थात्, प्रमुख नहीं, बल्कि मामूली रागिनी, द्वितीयक और अंतिम भाग जो पुनरावृत्ति में अधिक विशाल ध्वनि बन गए हैं। फिर भी, अज्ञात दूरी में प्रयास करने से उदासी और आध्यात्मिक संदेह अंततः पराजित हो जाते हैं। पहले आंदोलन की अंतिम सलाखों का यही अर्थ है, जहां मुख्य पार्टी के विषय की आह्वानात्मक शुरुआत उल्लेखनीय रूप से दोहराई जाती है। सोनाटा का दूसरा भाग, धीमा, जी प्रमुख में, एक प्रकार का वाद्य अरिया है, जो एक हल्के चिंतनशील मनोदशा के साथ होता है। उसका हल्का रंगतुरा पक्षियों के चहकने, बड़बड़ाने वाली धाराओं की गूँज से भरा है: प्रश्न और कार्य 1. हेडन के क्लैवियर संगीत की मुख्य शैली का नाम बताइए। उनके कितने सोनाटा ज्ञात हैं? 2. डी मेजर में सोनाटा के पहले भाग के मुख्य भागों का वर्णन करें। क्या इस भाग में मुख्य और पार्श्व भागों के बीच कोई संबंध है? 3. डी मेजर में सोनाटा का दूसरा आंदोलन संगीत में क्या अंतर लाता है? फिनाले से इसका क्या संबंध है? 4. ई माइनर में सोनाटा के पहले भाग के मुख्य भाग के विषय की संरचना और प्रकृति की विशेषताओं के बारे में बताएं। इस भाग के बाकी विषयों और वर्गों को परिपक्व और चित्रित करें। 5. ई माइनर में सोनाटा के दूसरे आंदोलन की विशेषता क्या है? 6. ई माइनर में सोनाटा के फिनाले के रूप और उसके मुख्य विषय की प्रकृति के बारे में बताएं। प्रमुख कार्य 100 से अधिक सिम्फनी (104) विभिन्न उपकरणों और ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत कार्यक्रम की श्रृंखला 80 से अधिक क्वार्टेट (दो वायलिन, वायोला और सेलो के लिए) (83) 62 क्लैवियर सोनटास क्रिएशन एंड सीज़न ऑरटोरियोस 24 ओपेरा स्कॉटिश और आयरिश गीतों की व्यवस्था हालांकि, कोई बात नहीं कितना प्यारा शांतिपूर्ण विश्राम कहीं दूर है, 34 www.classON.ru बच्चों की शिक्षा रूसी कला के क्षेत्र में कई शैलियों में लिखी गई है - उनकी सिम्फनी, वाद्य संगीत कार्यक्रम, विभिन्न चैम्बर पहनावा, पियानो सोनटास, गाना बजानेवालों के लिए आवश्यक वस्तु, एकल कलाकार और आर्केस्ट्रा। मोजार्ट की असामान्य रूप से प्रारंभिक और तेजी से विकसित अभूतपूर्व प्रतिभा उसके नाम के आसपास बनाई गई; पौराणिक "संगीत चमत्कार" का प्रभामंडल। उज्ज्वल विशेषता; उन्हें नाटक ("छोटी त्रासदी") "मोजार्ट और सालियरी" में ए.एस. पुश्किन द्वारा एक प्रेरित कलाकार के रूप में दिया गया था। इसके आधार पर, एन ए रिमस्की कोर्साकोव 27 द्वारा इसी नाम का ओपेरा लिखा गया था। मोजार्ट पी के पसंदीदा संगीतकार थे। I. त्चिकोवस्की 28. वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट 1756-1791 जीवन पथ परिवार। बचपन। जनवरी 1756 में पैदा हुए वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट का जन्म स्थान ऑस्ट्रियाई शहर साल्ज़बर्ग है। यह तेजी से साल्ज़च नदी के पहाड़ी किनारों पर सुरम्य रूप से फैला हुआ है, जिसने आल्प्स की पूर्वी तलहटी में अपना मार्ग निर्धारित किया है। साल्ज़बर्ग एक छोटी सी रियासत की राजधानी थी, जिसके शासक के पास एक आर्चबिशप की आध्यात्मिक गरिमा थी। वोल्फगैंग अमाडेस के पिता, लियोपोल्ड मोजार्ट ने अपने चैपल में सेवा की। वह एक गंभीर और उच्च शिक्षित संगीतकार थे - एक विपुल संगीतकार, वायलिन वादक, संगठक और शिक्षक। उनके द्वारा प्रकाशित "वायलिन वादन का स्कूल" रूस सहित कई देशों में वितरित किया गया था। लियोपोल्ड और उनकी पत्नी अन्ना मारिया के सात बच्चों में से केवल दो बच गए - सबसे छोटा बेटा वोल्फगैंग एमाडेस और बेटी मारिया अन्ना (नैनर्ल), जो बड़ी थी! भाई साढ़े चार साल। जब उनके पिता ने नैनर्ल को, जिनके पास उत्कृष्ट क्षमताएं थीं, हार्पसीकोर्ड बजाना सिखाना शुरू किया, उन्होंने जल्द ही तीन वर्षीय वोल्फगैंग के साथ अध्ययन करना शुरू किया, उनके बेहतरीन कान और अद्भुत संगीत स्मृति को देखते हुए, चार साल तक लड़के ने पहले ही कोशिश की थी संगीत रचना, और उनके पहले जीवित हार्पसीकोर्ड टुकड़े उनके पिता द्वारा रिकॉर्ड किए गए थे, जब लेखक केवल पाँच वर्ष का था। एक कहानी है कि कैसे चार वर्षीय वोल्फगैंग ने एक क्लैवियर कंसर्ट की रचना करने की कोशिश की। कलम के साथ, उसने अपनी उँगलियाँ स्याही के कुँए में डुबोईं और संगीत के कागज़ पर धब्बा लगा दिया। जब मेरे पिता ने इस बचकानी रिकॉर्डिंग में झाँका तो नहीं, धब्बों के माध्यम से उन्होंने इसमें निस्संदेह संगीत की सार्थकता का पता लगाया। सबसे महान संगीत प्रतिभाओं में से एक, ऑस्ट्रियाई संगीतकार वोल्फगैंग एमेडियस मोजार्ट केवल 35 वर्ष का था। इनमें से उन्होंने तीस वर्षों तक संगीत की रचना की और 600 से अधिक कृतियों की विरासत छोड़कर विश्व कला के स्वर्ण कोष में अपना अमूल्य योगदान दिया। अपने जीवनकाल के दौरान मोजार्ट के रचनात्मक उपहार का सबसे विश्वसनीय, उच्चतम मूल्यांकन उनके बड़े समकालीन जोसेफ हेडन द्वारा दिया गया था। "... आपका बेटा," उन्होंने एक बार वोल्फगैंग अमाडेस के पिता से कहा था, "सबसे महान संगीतकार हैं जिन्हें मैं व्यक्तिगत रूप से और नाम से जानता हूं; उसके पास स्वाद है, और इसके अलावा, रचना का सबसे बड़ा ज्ञान है। हेडन और मोजार्ट के संगीत, जिसे विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है, में दुनिया की एक आशावादी सक्रिय-प्रभावी धारणा है, जो उनकी काव्यात्मक उच्चता और गहराई के साथ भावनाओं को व्यक्त करने में सादगी और स्वाभाविकता का संयोजन है। इसी समय, उनके कलात्मक हितों के बीच एक महत्वपूर्ण अंतर है। हेडन लोक-रोज़ और गेय-महाकाव्य छवियों के करीब है, और मोजार्ट के लिए - वास्तव में गेय और गीतात्मक-नाटकीय। मोजार्ट की कला विशेष रूप से किसी व्यक्ति के भावनात्मक अनुभवों के प्रति संवेदनशीलता के साथ-साथ विभिन्न मानव पात्रों के अवतार में सटीकता और जीवंतता के साथ मनोरम है। इसने उन्हें एक उल्लेखनीय ओपेरा संगीतकार बना दिया। उनके ओपेरा, और सबसे बढ़कर द मैरिज ऑफ फिगारो, डॉन जियोवानी और द मैजिक फ्लूट ने तीसरी शताब्दी के लिए अपरिवर्तनीय सफलता का आनंद लिया है, जिसका मंचन सभी संगीत थिएटरों के मंच पर किया जा रहा है। विश्व संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शनों की सूची में सबसे सम्मानित स्थानों में से एक पर मोजार्ट के कार्यों का कब्जा है। सालियरी ने मोजार्ट को ईर्ष्या से जहर देने वाला संस्करण केवल एक किंवदंती है। त्चैकोव्स्की ने मोजार्ट द्वारा चार पियानो टुकड़ों को व्यवस्थित किया और उनसे मोजार्टियाना सूट बना लिया। 27 28 35 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक वायलिन संगीत कार्यक्रम का प्रदर्शन करेगी ... रूमाल से ढके कीबोर्ड पर बजाएं और साथ ही अगर यह उनकी आंखों के सामने हो, तो वह दूर से ही सभी का नाम लेंगे ध्वनियाँ जो एक-एक करके या रागों में उन्हें क्लैवियर या किसी अन्य उपकरण पर ले जाया जाएगा या वस्तुओं द्वारा प्रकाशित किया जाएगा - एक घंटी, एक गिलास, एक घड़ी। अंत में, वह न केवल हार्पसीकोर्ड पर, बल्कि अंग पर भी, जब तक दर्शक चाहते हैं, और किसी भी, यहां तक ​​\u200b\u200bकि सबसे कठिन, चाबियों में भी सुधार करेंगे, जिसे वे कहते हैं ... "पहली संगीत कार्यक्रम यात्राएं। लियोपोल्ड मोजार्ट ने अपने प्रतिभाशाली बच्चों के साथ प्रमुख संगीत केंद्रों में संगीत कार्यक्रमों की यात्रा शुरू करने का फैसला किया। जर्मन शहर म्यूनिख की पहली यात्रा - 1762 की शुरुआत में हुई, जब वोल्फगैंग मुश्किल से छह साल का था। छह महीने बाद, मोजार्ट परिवार वियना गया। वहां, वोल्फगैंग और नैनर्ल ने शाही दरबार में प्रदर्शन किया, उन्हें जबरदस्त सफलता मिली, और उन पर उपहारों की बौछार हुई। 1763 की गर्मियों में मोजार्ट ने पेरिस और लंदन की शानदार यात्रा की। लेकिन पहले उन्होंने कई जर्मन शहरों का दौरा किया, और रास्ते में - फिर से पेरिस में, साथ ही एम्स्टर्डम, हेग, जिनेवा और कई अन्य शहरों में। छोटे मोजार्टों, विशेष रूप से वोल्फगैंग के प्रदर्शन ने हर जगह आश्चर्य और प्रशंसा जगाई, यहां तक ​​कि सबसे शानदार शाही दरबारों में भी। उस समय के रिवाज के अनुसार, वोल्फगैंग एक कशीदाकारी काले सूट और एक पाउडर विग में एक महान दर्शकों के सामने आया, लेकिन साथ ही उसने विशुद्ध रूप से बचकानी सहजता के साथ व्यवहार किया, उदाहरण के लिए, वह अपने घुटनों पर साम्राज्ञी के लिए कूद सकता था। . लगातार 4-5 घंटे तक चलने वाले संगीत कार्यक्रम छोटे संगीतकारों के लिए बहुत थकाने वाले थे, और जनता के लिए एक तरह का मनोरंजन बन गया। यहाँ एक घोषणा में कहा गया है: “… बारहवें वर्ष में एक लड़की और सातवें वर्ष में एक लड़का हार्पसीकोर्ड संगीत कार्यक्रम बजाएगा। .. इसके अलावा, एक लड़का 36 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा संगीत कार्यक्रम का दौरा तीन साल से अधिक समय तक जारी रहा और वोल्फगैंग को कई अलग-अलग अनुभव लाए। उन्होंने बड़ी संख्या में वाद्य और मुखर कार्यों को सुना, कुछ उत्कृष्ट संगीतकारों से मुलाकात की (लंदन में - जोहान सेबेस्टियन बाख, जोहान क्रिश्चियन के सबसे छोटे बेटे के साथ)। प्रदर्शनों के बीच, वोल्फगैंग ने उत्साहपूर्वक रचना का अध्ययन किया। पेरिस में, वायलिन और हार्पसीकोर्ड के लिए उनके चार सोनटास प्रिंट से बाहर आ गए, यह दर्शाता है कि ये सात साल के लड़के के काम थे। लंदन में उन्होंने अपनी पहली सिम्फनी लिखी। साल्ज़बर्ग लौटें और वियना में रहें। पहला ओपेरा। 1766 के अंत में पूरा परिवार साल्ज़बर्ग लौट आया। वोल्फगैंग ने अपने पिता के मार्गदर्शन में व्यवस्थित रूप से रचना तकनीक में संलग्न होना शुरू किया। मोजार्ट ने पूरा 1768 वियना में बिताया। थिएटर के साथ एक अनुबंध के तहत, बारह वर्षीय वोल्फगैंग ने इतालवी मॉडलों का अनुसरण करते हुए तीन महीने में बफा ओपेरा द इमेजिनरी सिंपल गर्ल लिखी। रिहर्सल शुरू हुई, लेकिन प्रदर्शन स्थगित होने लगा और फिर पूरी तरह से रद्द कर दिया गया (शायद ईर्ष्यालु लोगों की साज़िशों के कारण)। यह साल्ज़बर्ग में अगले साल ही हुआ था। विएना में, वोल्फगैंग ने संगीत के कई अन्य टुकड़ों की भी रचना की, जिसमें पांच सिम्फनी भी शामिल हैं, और एक नए चर्च के अभिषेक में सफलतापूर्वक अपना पवित्र मास आयोजित किया। इटली की यात्राएँ। 1769 के अंत से 1773 की शुरुआत तक, वोल्फगैंग अमाडेस ने अपने पिता के साथ इटली के चारों ओर तीन लंबी यात्राएँ कीं। इस "संगीत की भूमि" में युवा मोजार्ट ने रोम, नेपल्स, मिलान, फ्लोरेंस सहित एक दर्जन से अधिक शहरों में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शन किया। उन्होंने अपनी सिम्फनी का संचालन किया, हार्पसीकोर्ड, वायलिन और अंग बजाया, दिए गए विषयों पर कामचलाऊ सोनटास और फग्यू, दिए गए ग्रंथों पर अरिया, दृष्टि से उत्कृष्ट रूप से कठिन काम किए और उन्हें अन्य चाबियों में दोहराया। दो बार उन्होंने बोलोग्ना का दौरा किया, जहाँ कुछ समय के लिए उन्होंने प्रसिद्ध शिक्षक - सिद्धांतकार और संगीतकार पाद्रे मार्टिनी से सबक लिया। शानदार ढंग से कठिन परीक्षा पास करने के बाद (जटिल पॉलीफोनिक तकनीकों का उपयोग करके एक पॉलीफोनिक रचना लिखी गई), चौदह वर्षीय मोजार्ट को एक विशेष अपवाद के रूप में बोलोग्ना फिलहारमोनिक अकादमी का सदस्य चुना गया। और चार्टर के अनुसार, केवल संगीतकार जो बीस वर्ष की आयु तक पहुँच चुके थे और इस आधिकारिक संस्थान में प्रारंभिक प्रवास के अनुभव के साथ ही इसे अनुमति दी गई थी। रोम में, वेटिकन (पापल निवास) 29 में सिस्टिन चैपल का दौरा करते हुए, मोजार्ट ने एक बार 17 वीं शताब्दी के इतालवी संगीतकार ग्रेगोरियो एलेग्री द्वारा दो गायकों के लिए एक बड़ी पॉलीफोनिक आध्यात्मिक रचना सुनी। इस काम को पोप की संपत्ति माना जाता था और इसे कॉपी या वितरित करने की अनुमति नहीं थी। लेकिन मोजार्ट ने स्मृति से पूरे जटिल कोरल स्कोर को लिख लिया, और पापल कोरिस्टर ने रिकॉर्डिंग की सटीकता की पुष्टि की। इटली - न केवल संगीत का एक महान देश, बल्कि ललित कला और वास्तुकला का भी - मोजार्ट को कलात्मक छापों की बहुतायत देता है। ओपेरा हाउस में जाकर वे विशेष रूप से मोहित हो गए। युवक ने इतालवी ऑपरेटिव शैली में इतनी महारत हासिल की कि उसने थोड़े समय में तीन ओपेरा लिखे, जिनका मिलान में बड़ी सफलता के साथ मंचन किया गया। ये दो ओपेरा-श्रृंखला हैं - "मिथ्रिडेट्स, पोंटस के राजा" और "लुसियस सुल्ला" - और पौराणिक कथानक "अल्बा में एस्कानियो" पर एक देहाती ओपेरा30। वियना, म्यूनिख, मैनहेम, पेरिस की यात्राएँ। शानदार रचनात्मक और संगीत कार्यक्रम की सफलता के बावजूद, वोल्फगैंग एमेडियस इतालवी राज्यों के किसी भी शासक के दरबार में सेवा पाने में विफल रहा। मुझे साल्जबर्ग लौटना पड़ा। यहाँ, मृत आर्चबिशप के बजाय, एक नया, अधिक निरंकुश और असभ्य शासक शासन करता था। मोजार्ट्स के लिए, जो उनकी सेवा में थे, नई यात्राओं के लिए छुट्टी प्राप्त करना अधिक कठिन हो गया। और ओपेरा हाउस, जिसके लिए मोजार्ट रचना करना चाहता था, साल्ज़बर्ग में उपलब्ध नहीं था, और संगीत गतिविधि के अन्य अवसर सीमित थे। दो संगीतकारों के लिए वियना की यात्रा केवल इस तथ्य के लिए संभव थी कि साल्ज़बर्ग आर्कबिशप स्वयं ऑस्ट्रिया की राजधानी का दौरा करना चाहता था। अनिच्छा से, उन्होंने मोजार्ट्स को यात्रा करने की अनुमति भी दी; म्यूनिख, जहां युवा संगीतकार के नए ओपेरा बफा का मंचन किया गया। और अगली यात्रा के लिए, केवल वोल्फगैंग एमेडियस बड़ी मुश्किल से अनुमति प्राप्त करने में कामयाब रहा। उनके पिता को साल्ज़बर्ग में रहने के लिए मजबूर किया गया था, और उनकी माँ अपने बेटे के साथ चली गईं। पहला लंबा पड़ाव जर्मन शहर मैनहेम में हुआ। यहाँ वोल्फगैंग एमॅड्यूस और एना मारिया का उसके घर में पूर्व-शास्त्रीय मैनहेम संगीतकार स्कूल के एक प्रतिनिधि, तत्कालीन प्रसिद्ध सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा के नेताओं में से एक ने सौहार्दपूर्वक स्वागत किया था। मैनहेम में, माइकल एंजेलो सहित इतालवी कलाकारों द्वारा रचित मोजार्ट। 30 पोंटस का साम्राज्य काला सागर पर एक प्राचीन राज्य है, मुख्य रूप से वर्तमान तुर्की तट ("पोंट एक्सिनस", जो कि "मेहमाननवाज समुद्र", काला सागर के लिए प्राचीन ग्रीक नाम है)। लुसियस सुल्ला एक प्राचीन यूनानी सैन्य और राजनीतिक व्यक्ति हैं। देहाती (इतालवी शब्द "पादरी" से - "चरवाहा") एक भूखंड के साथ एक काम है जो प्रकृति की गोद में जीवन को आदर्श बनाता है। सिस्टिन चैपल - वेटिकन में पोप का होम चर्च; इसे 15वीं शताब्दी में पोप सिक्सटस IV के तहत बनाया गया था। चैपल की दीवारों और छत को महान 29 37 www.classON.ru के साथ रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा के साथ चित्रित किया गया है, जो पहले से ही परिपक्व संगीत शैली द्वारा चिह्नित ज्यादातर वाद्य यंत्र हैं। लेकिन वोल्फगैंग अमाडेस के लिए भी यहां कोई स्थायी नौकरी नहीं थी। 1778 के वसंत में मोजार्ट और उनकी मां पेरिस पहुंचे। हालाँकि, वहाँ वास्तविक पहचान पाने और एक प्रमुख स्थान पर कब्जा करने की उम्मीदें पूरी नहीं हुईं। फ्रांस की राजधानी में चमत्कारिक बच्चा, यह प्रतीत होता है जीवित खिलौना, पहले ही भुला दिया गया है, और वे युवा संगीतकार की समृद्ध प्रतिभा को पहचानने में विफल रहे हैं। मोजार्ट न तो संगीत कार्यक्रम के आयोजन के साथ भाग्यशाली था, न ही एक ओपेरा के लिए एक आदेश प्राप्त करने के साथ। वह पाठों से दयनीय कमाई पर रहता था, थिएटर के लिए वह केवल एक छोटे बैले "ट्रिंकेट" के लिए संगीत लिख सकता था। उनकी कलम से नए उल्लेखनीय काम सामने आए, लेकिन तब उन्होंने गंभीरता से ध्यान आकर्षित नहीं किया। और वोल्फगैंग अमाडेस की गर्मियों में भारी दुःख हुआ: उसकी माँ बीमार पड़ गई और मर गई। अगले साल की शुरुआत में, मोजार्ट साल्ज़बर्ग लौट आया। ओपेरा इदोमेनेओ। आर्चबिशप से नाता तोड़ें और वियना चले जाएँ। मोजार्ट के लिए आने वाले वर्षों की सबसे महत्वपूर्ण घटनाएं म्यूनिख में ओपेरा इदोमेनेओ, किंग ऑफ क्रेते का निर्माण और मंचन थीं, इसकी बड़ी सफलता। यहाँ इतालवी ओपेरा सेरिया के सर्वोत्तम गुणों को ग्लुक के ऑपरेटिव सुधार के सिद्धांतों के साथ जोड़ा गया था। इसने मोजार्ट की विशद मूल ऑपरेटिव कृतियों के उद्भव का मार्ग प्रशस्त किया। ... यह 1781 था। मोजार्ट 25 साल का है। वह नए रचनात्मक विचारों से भरे साढ़े तीन सौ कार्यों के लेखक हैं। और साल्ज़बर्ग आर्कबिशप के लिए, वह केवल एक संगीत सेवक है, जिसे अभिमानी और निरंकुश गुरु अत्याचार करते हैं और अधिक से अधिक अपमानित करते हैं, उसे लोगों के कमरे में मेज पर बैठने के लिए मजबूर करते हैं "रसोइयों के ऊपर, लेकिन कमी के नीचे", उसे अनुमति नहीं देता है बिना आज्ञा के कहीं जाना, न कहीं प्रदर्शन करना। यह सब मोजार्ट के लिए असहनीय हो गया और उन्होंने अपना इस्तीफा सौंप दिया। आर्चबिशप ने दो बार उन्हें शाप और अपमान के साथ मना कर दिया, और उनके दल ने संगीतकार को दरवाजे से बाहर निकाल दिया। लेकिन आध्यात्मिक झटके का अनुभव करने के बाद, वह अपने निर्णय पर अडिग रहा। मोजार्ट पहले महान संगीतकार थे जिन्होंने आर्थिक रूप से सुरक्षित लेकिन दरबारी संगीतकार की निर्भर स्थिति से गर्व से नाता तोड़ा। वियना: पिछले दशक। मोजार्ट वियना में बस गए। उदाहरण के लिए, प्राग में अपने ओपेरा डॉन जियोवानी के पहले उत्पादन के सिलसिले में या जर्मनी में दो संगीत कार्यक्रमों के दौरों के दौरान, केवल कभी-कभार ही उन्होंने ऑस्ट्रिया की राजधानी को संक्षिप्त रूप से छोड़ा। 1782 में उन्होंने कॉन्स्टेंस वेबर से शादी की, जो उनके हंसमुख स्वभाव और संगीतमयता से प्रतिष्ठित थे। एक के बाद एक, बच्चे पैदा हुए (लेकिन छह में से चार बच्चों के रूप में मर गए)। संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शन से मोजार्ट की कमाई उनके क्लैवियर संगीत के कलाकार के रूप में, रचनाओं के प्रकाशन और ओपेरा की प्रस्तुतियों से अनियमित थी। इसके अलावा, मोजार्ट, एक दयालु, भरोसेमंद और अव्यवहारिक व्यक्ति होने के नाते, यह नहीं जानता था कि पैसे के मामलों को विवेकपूर्ण तरीके से कैसे प्रबंधित किया जाए। 1787 के अंत में कोर्ट चैंबर संगीतकार की अल्प भुगतान वाली स्थिति में नियुक्ति, जिसे केवल नृत्य संगीत की रचना करने का निर्देश दिया गया था, ने उसे अक्सर पैसे की अनुभवी आवश्यकता से नहीं बचाया। उस सब के लिए, दस विनीज़ वर्षों में, मोजार्ट ने ढाई सौ से अधिक नई रचनाएँ बनाईं। उनमें से कई विधाओं में उनकी सबसे चमकीली कलात्मक उपलब्धियाँ थीं। मोजार्ट की शादी के वर्ष में, उनके सिंघस्पिल द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो, स्पार्कलिंग, का वियना में बड़ी सफलता के साथ मंचन किया गया था; हास्य31. और ओपेरा-बफा "द मैरिज ऑफ फिगारो", मूल रूप से; शैली "जॉली ड्रामा" "डॉन जुआन" और परी कथा "मैजिक फ्लूट", जो पिछले विनीज़ वर्षों में उत्पन्न हुई, सभी में संगीत थिएटर द्वारा पहुंची सबसे ऊंची चोटियों से संबंधित हैं! उसकी कहानी। मोजार्ट ने 1788 की गर्मियों में उनकी तीन सबसे अच्छी सिम्फनी लिखी थी, जो आखिरी थी, जिसमें जी माइनर (नंबर 40) में से एक भी शामिल है। उसी दशक में, संगीतकार के कई अन्य वाद्य यंत्र दिखाई दिए - चार-भाग वाले ऑर्केस्ट्रा "लिटिल नाइट सेरेनेड", कई पियानो संगीत कार्यक्रम, सोनटास और विभिन्न चैम्बर पहनावा। मोजार्ट ने अपनी छह स्ट्रिंग चौकड़ी हेडन को समर्पित की, जिनके साथ उन्होंने गर्म दोस्ती विकसित की। मोजार्ट ने इन वर्षों में बाख और हैंडेल के कार्यों का बहुत रुचि के साथ अध्ययन किया। मोजार्ट का सबसे हालिया काम Requiem है, गाना बजानेवालों, एकल कलाकारों और आर्केस्ट्रा के लिए मृतकों के लिए एक जनसमूह। जुलाई 1791 में, संगीतकार को एक ऐसे व्यक्ति द्वारा आदेश दिया गया था जो अपना नाम नहीं देना चाहता था। यह रहस्यमय लग रहा था, उदास पूर्वाभास को जन्म दे सकता है। कुछ साल बाद ही यह पता चला कि आदेश एक विनीज़ काउंट से आया था जो किसी और के काम को खरीदना चाहता था और उसे अपना बताकर पास करना चाहता था। गंभीर रूप से बीमार, मोजार्ट Requiem को पूरी तरह से पूरा करने में असमर्थ था। यह संगीतकार के छात्रों में से एक द्वारा मसौदे के अनुसार पूरा किया गया था। एक कहानी है कि महान संगीतकार की मृत्यु की पूर्व संध्या पर, जिसके बाद 5 दिसंबर, 1791 की रात को दोस्तों ने उनके साथ अभी भी अधूरे काम के कुछ हिस्सों को गाया। Requiem में शोकाकुल डिजाइन के अनुसार, मोजार्ट के संगीत की प्रेरित गेय और नाटकीय अभिव्यक्ति ने एक विशेष उदात्तता और गंभीरता हासिल कर ली। धन की कमी के कारण, मोजार्ट को 31 32 सेराग्लियो - धनी पूर्वी रईसों के घरों में आधी महिला के लिए एक आम कब्र में दफनाया गया था। लैटिन शब्द "requiem" का अर्थ है "शांति"। 38 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा खराब है, और उनके दफनाने का सही स्थान अज्ञात है। सुज़ाना के लिए, काउंटेस ने अपने कपड़े पहने। अपनी पत्नी द्वारा शर्मिंदा, अल्माविवा को फिगारो और सुज़ाना को अपनी शादी का जश्न मनाने से रोकने के लिए मजबूर नहीं किया जाता है, जो सभी प्रकार की अप्रत्याशित घटनाओं से भरे एक "पागल दिन" को खुशी और खुशी से समाप्त करता है। ऑपेरा की शुरुआत एक ऐसे ओवरचर से होती है जिसने काफी लोकप्रियता हासिल की है और अक्सर सिम्फनी कॉन्सर्ट 34 में किया जाता है। यहाँ बाद की कार्रवाई के सामान्य मूड को स्पष्ट रूप से व्यक्त किया गया है, इसकी आकर्षक तेज़ी और उत्साहजनक उत्साह। ओवरचर सोनाटा रूप में लिखा गया है, लेकिन बिना विकास के, जिसे प्रदर्शनी और पुनरावृत्ति के बीच एक संक्षिप्त संबंध द्वारा प्रतिस्थापित किया गया है। इसी समय, पांच विषय स्पष्ट रूप से प्रतिष्ठित हैं, जल्दी से एक दूसरे की जगह ले रहे हैं। उनमें से पहला और दूसरा मुख्य बैच, तीसरा और चौथा - साइड बैच, पाँचवाँ - अंतिम बैच बनाते हैं। वे सभी ऊर्जावान हैं, लेकिन साथ ही प्रत्येक का अपना विशेष चरित्र है। मुख्य भाग का पहला विषय, स्ट्रिंग इंस्ट्रूमेंट्स और बेससून द्वारा एक साथ बजाया जाता है, शरारती चपलता के साथ तेजी से आगे बढ़ता है: प्रश्न और असाइनमेंट 1। हेडन के संगीत के साथ मोजार्ट के संगीत में क्या समानता है? और इन दो विनीज़ क्लासिक्स के कलात्मक हितों में क्या अंतर है? 2. हमें वोल्फगैंग एमॅड्यूस मोजार्ट के परिवार और शुरुआती बचपन के बारे में बताएं। 3. मोजार्ट ने छोटे लड़के के रूप में किन देशों और शहरों में प्रदर्शन किया? ये प्रदर्शन कैसे थे? 4. मोजार्ट ने किस उम्र में अपना पहला ओपेरा बफा लिखा था? इसे क्या कहा जाता था और इसे कहाँ रखा गया था? 5. हमें युवा मोजार्ट की इटली यात्राओं के बारे में बताएं। 6. बाद में मोजार्ट किन शहरों में गया? क्या उनकी पेरिस यात्रा सफल रही? 7. हमें साल्ज़बर्ग आर्कबिशप के साथ मोजार्ट के ब्रेक के बारे में बताएं। 8. मोजार्ट के जीवन और कार्य के अंतिम दशक का वर्णन करें। इस काल में उनके द्वारा सृजित प्रमुख कृतियों के नाम लिखिए। ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" मोजार्ट के ओपेरा "द मैरिज ऑफ फिगारो" का प्रीमियर 1786 में वियना में हुआ था। संगीतकार ने पहले दो प्रदर्शनों के लिए हार्पसीकोर्ड का संचालन किया। सफलता बहुत बड़ी थी, लेकिन माप को एनकोर के लिए दोहराया गया था। फ्रांसीसी लेखक ब्यूमरैचिस क्रेजी डे, या द मैरिज ऑफ फिगारो की कॉमेडी पर आधारित लोरेंजो दा पोंटे द्वारा चार कृत्यों में इस ओपेरा का लिब्रेट्टो (मौखिक पाठ) इतालवी में लिखा गया था। 1875 में, P. I. Tchaikovsky ने इस लिब्रेटो का रूसी में अनुवाद किया, और उनके अनुवाद में ओपेरा हमारे देश में किया जाता है। मोजार्ट ने द मैरिज ऑफ फिगारो को ओपेरा बफा कहा। लेकिन यह सिर्फ एक मनोरंजक कॉमेडी नहीं है जिसमें मजाकिया स्थितियां हैं। मुख्य पात्रों को संगीत द्वारा विभिन्न जीवित मानवीय पात्रों के रूप में दर्शाया गया है। और ब्यूमरैचिस के नाटक का मुख्य विचार मोजार्ट के करीब था। इसके लिए इस तथ्य में शामिल है कि काउंट अल्माविवा फिगारो और उसकी दुल्हन, नौकर सुज़ाना के नौकर, अपने शीर्षक वाले स्वामी की तुलना में अधिक चतुर और सभ्य निकलते हैं, जिनकी साज़िशों को वे चतुराई से प्रकट करते हैं। गिनती खुद सुज़ाना को पसंद करती है, और वह उसकी शादी में देरी करने की कोशिश कर रही है। लेकिन फिगारो और सुज़ाना ने आविष्कारशील रूप से सभी बाधाओं को पार कर लिया, जो एक महान व्यक्ति की सेवा में काउंट की पत्नी और युवा पेज चेरुबिनो को अपनी ओर आकर्षित कर रहे थे। मुख्य पार्टी की कनेक्टिंग थीम, भरी गई पार्टी मुख्य रूप से भिन्न होती है। याद रखें कि "ओवरचर" शब्द फ्रांसीसी क्रिया "उवरिर" से लिया गया है, जिसका अर्थ है "खोलना", "शुरू करना"। 33 34 39 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में साहसी बच्चों की शिक्षा के पैमाने के मार्ग के साथ, पार्श्व भाग का पहला विषय प्रकट होता है, जिसकी धुन वायलिन द्वारा की जाती है। विषय में लयबद्ध रूप से सनकी, थोड़ा सनकी, लेकिन लगातार चरित्र है: मुखर संख्या। तो, फिगारो के हिस्से में पहला एकल नंबर (उसे बैरिटोन को सौंपा गया था) - एक छोटी सी अरिया (कैवेटिना) - सुज़ाना द्वारा अपने मंगेतर को सूचित करने के तुरंत बाद लगता है कि गिनती ने उसके प्रेमालाप का पीछा करना शुरू कर दिया। इस संबंध में, फिगारो मजाक में एक मीनू के आंदोलन में एक राग गाता है - एक वीर उच्च समाज नृत्य (कैवेटिना के तीन-भाग के पुनरावृत्ति रूप के चरम खंड): पार्श्व भाग का दूसरा विषय निर्णायक विस्मयादिबोधक जैसा दिखता है: और अंतिम भाग का विषय सबसे संतुलित है, जैसे कि सब कुछ सुलझाना: पुनरावृत्ति में, पक्ष और अंतिम भाग डी प्रमुख की मुख्य कुंजी में पहले से ही दोहराए जाते हैं। वे एक कोडा से जुड़े हुए हैं, आगे प्रस्ताव के हंसमुख और जीवंत चरित्र पर बल देते हैं। इस मोजार्ट ओपेरा में, एक बड़े स्थान पर मुखर पहनावा, मुख्य रूप से युगल (दो वर्णों के लिए) और टरसेट्स (तीन वर्णों के लिए) का कब्जा है। वे हार्पसीकोर्ड के साथ सस्वर पाठ से अलग हो जाते हैं। और दूसरा, तीसरा और अंतिम, चौथा, कार्य फाइनल के साथ समाप्त होता है - छह से ग्यारह पात्रों की भागीदारी के साथ बड़े पहनावा। सॉलोस को विभिन्न तरीकों से क्रिया के गतिशील विकास में शामिल किया गया है। कैवेटिना के मध्य भाग में, संयमित आंदोलन को एक तेज गति से बदल दिया जाता है, एक सुरुचिपूर्ण तीन-बीट राग को एक मुखर दो-बीट से बदल दिया जाता है। यहाँ फिगारो पहले से ही अपने गुरु की कपटी "योजनाओं को हर कीमत पर रोकने के लिए अपने इरादे को स्पष्ट रूप से व्यक्त करता है: यह युवा पृष्ठ चेरुबिनो को संबोधित है। उसने गलती से सुना कि कैसे काउंट ने सुज़ैन को अपने प्यार का इज़हार करने की कोशिश की, और ऐसे अवांछित गवाह को सैन्य सेवा में जाने का आदेश दिया गया। अपनी आरिया में, फिगारो ने प्रसन्नतापूर्वक और चतुराई से स्थिति का मजाक उड़ाया, अदालत के जीवन से लाड़ प्यार करने वाले एक युवक को चित्रित करते हुए, कठोर सैन्य जीवन की तस्वीरें। संगीत में, यह "आतंकवादी" धूमधाम की चाल के साथ उत्तेजक नृत्य क्षमता के कुशल संयोजन से परिलक्षित होता है। यह वह राग है जो रोंडो के रूप में तीन बार बजता है: दूसरा गीत जैसी प्रकृति का एक छोटा सा अरिया है "गर्म खून दिल को उत्तेजित करता है।" यह कोमल भावनाओं की एक अधिक संयमित स्वीकारोक्ति है, डरपोक रूप से खुद काउंटेस को संबोधित किया गया है: सुज़ाना (सोप्रानो) को कई पहनावाओं में ऊर्जावान, निपुण और साधन संपन्न बताया गया है, न कि फिगारो से हीन। उसी समय, उनकी छवि चौथे अधिनियम से उज्ज्वल स्वप्निल अरिया में सूक्ष्म रूप से काव्यात्मक है। इसमें, सुज़ाना मानसिक रूप से फिगारो को एक कोमल अपील के साथ संबोधित करती है: जैसा कि चेरुबिनो के लिए खुद (उसका हिस्सा एक कम महिला आवाज - मेज़ो-सोप्रानो द्वारा किया जाता है), उसे दो अरियाओं में एक उत्साही युवक के रूप में वर्णित किया गया है, जो अभी भी खुद को समझने में असमर्थ है। भावनाएं, हर किसी के साथ प्यार में पड़ने के लिए तैयार। उनमें से एक हर्षित और तरकश दोनों है "बताओ, मैं समझा नहीं सकता"। यह लय के साथ माधुर्य को जोड़ती है, जैसे कि उत्तेजना के साथ रुक-रुक कर: 41 www.classON.ru रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा प्रश्न और कार्य 1। मोजार्ट के ले नोज़े डी फिगारो का प्रीमियर कब और कहाँ हुआ था? 2. इसका कामेच्छा किस कॉमेडी पर आधारित है? 3. इस कार्य का मुख्य विचार क्या है? 4. ओपेरा का ओवरचर कैसे बनाया जाता है? 5. फिगारो के हिस्से में दो सोलो नंबरों की विशेषताओं के बारे में बताएं। 6. चेरुबिनो की भूमिका किस आवाज को सौंपी गई है? उसकी अरियाओं की धुन गाओ। 7. सुज़ाना को कैसे पहनावा और कैसे - चौथे अधिनियम से अरिया में चित्रित किया गया है? चौथी भिन्नता (दाहिने हाथ पर बाएं हाथ फेंकने के साथ), इसके विपरीत, अधिक साहसपूर्वक व्यापक है। पाँचवाँ रूपांतर, जहाँ एन्डांटे ग्राज़ियोसो की प्रारंभिक अस्वाभाविक गति को बहुत धीमी गति से बदल दिया जाता है - एडैगियो, एक मधुर वाद्य यंत्र है, जो रंगतुरा से रंगा हुआ है। और फिर गति में तेजी से परिवर्तन (एलेग्रो) अंतिम, छठे बदलाव के हंसमुख नृत्य चरित्र से मेल खाता है। सोनाटा का दूसरा आंदोलन मीनू है। हमेशा की तरह, यह पहले आंदोलन के संगीत की पुनरावृत्ति में सटीक पुनरावृत्ति के साथ तीन-आंदोलन के पुनरावृत्ति रूप में बनाया गया है। उनके बीच मध्य भाग (तिकड़ी) 35 है। मीनू के सभी भागों में, मर्दाना दृढ़ और दबंग व्यापक स्वरों की तुलना स्त्रीलिंग कोमल और सहज स्वरों के साथ की जाती है, जो अभिव्यंजक गीतात्मक विस्मयादिबोधक-पते के समान हैं। क्लेवियर मोजार्ट के प्रसिद्ध सोनाटा इन ए मेजर के लिए सोनाटा इन ए मेजर, जिसे आमतौर पर टर्किश मार्च सोनाटा कहा जाता है, एक असामान्य रूप से निर्मित चक्र है। यहां पहला आंदोलन सोनाटा रूपक नहीं है, बल्कि एक हल्के और शांत, सरल रूप से सुंदर विषय पर छह भिन्नताएं हैं। यह एक गीत की तरह दिखता है जिसे विनीज़ संगीतमय जीवन में एक अच्छे, शांतिपूर्ण मूड में गाया जा सकता है। इसकी धीरे-धीरे बहने वाली लय में, सिसिलियाना के आंदोलन के समान है - एक पुराना इतालवी नृत्य या नृत्य गीत: संगीतकार ने सोनाटा (अंतिम) के तीसरे भाग को "A11a Turca" - "तुर्की तरीके से" कहा। बाद में, इस समापन समारोह को "तुर्की मार्च" नाम दिया गया। तुर्की लोक और पेशेवर संगीत की आंतरिक संरचना के साथ कुछ भी सामान्य नहीं है, जो यूरोपीय कानों के लिए असामान्य है। लेकिन 18 वीं शताब्दी में, यूरोपीय, मुख्य रूप से नाट्य संगीत में, मार्च के लिए एक फैशन उत्पन्न हुआ, जिसे पारंपरिक रूप से "तुर्की" कहा जाता है। वे "जनिसरी" ऑर्केस्ट्रा के टिम्ब्रे रंग का उपयोग करते हैं, जिसमें हवा और ताल वाद्य यंत्रों का प्रभुत्व था - बड़े और स्नेयर ड्रम, झांझ, त्रिकोण। तुर्की सेना की पैदल सेना इकाइयों के सैनिकों को जनिसारी कहा जाता था। यूरोपीय लोगों द्वारा उनके मार्च के संगीत को जंगली, शोर, "बर्बर" माना जाता था। भिन्नताओं के बीच कोई तीव्र विरोधाभास नहीं है, लेकिन उन सभी का एक अलग चरित्र है। पहली भिन्नता में, सुंदर सनकी मेलोडिक मूवमेंट प्रबल होता है, दूसरे में - ग्रेसफुल प्लेफुलनेस को एक विनोदी रंग के साथ जोड़ा जाता है (बाएं हाथ के भाग में "शरारती" ग्रेस नोट्स उल्लेखनीय हैं)। तीसरी भिन्नता - केवल एक प्रमुख में नहीं, बल्कि एक नाबालिग में लिखी गई - थोड़ी उदास मधुर आकृतियों से भरी हुई है, समान रूप से चलती है, जैसे कि कोमल शर्म के साथ: तिकड़ी के अंत में पदनाम "मिनुएटो दा कैपो" है। . इतालवी - "सिर से", "शुरुआत से"। 35 "दा कैपो" 42 www.classON.ru से अनुवादित रूसी कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा समापन एक असामान्य रूप में लिखा गया है। इसे तीन-भाग के कोरस (एक प्रमुख में) के रूप में परिभाषित किया जा सकता है। कोरस की बार-बार पुनरावृत्ति फिनाले की संरचना को एक रोंडो की विशेषताएं देती है। पहला आंदोलन - आसानी से "परिक्रमा" रूपांकनों (एक नाबालिग) के साथ - और मध्य आंदोलन - एक मधुर मार्ग आंदोलन (एफ-शार्प माइनर) के साथ - स्वाभाविक रूप से एक स्पष्ट मार्चिंग ट्रेड के साथ सुंदर नृत्य क्षमता को जोड़ती है: लंबे समय तक यह माना जाता था कि मोजार्ट ने पेरिस में 1778 की गर्मियों में ए मेजर में सोनाटा की रचना की। लेकिन फिर उन्हें जानकारी मिली कि यह कुछ साल बाद वियना में हुआ था। इस तरह की जानकारी सभी अधिक विश्वसनीय है क्योंकि वहाँ, 1782 में, मोजार्ट के सिंघस्पिल "द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" का प्रीमियर हुआ था। इसमें, तुर्की में कार्रवाई होती है, और ओवरचर के संगीत में, और दो मार्च-जैसे गायकों में, "जनिसरी" संगीत की नकल ध्यान देने योग्य होती है। इसके अलावा, क्या यह शोर है? मोजार्ट ने ए मेजर में फोर्जिंग "जनिसरी" कोडा को केवल 1784 में सीनेट के फाइनल में जोड़ा, जब काम प्रकाशित हुआ था। यह भी उल्लेखनीय है कि सोनाटा में, "द एबडक्शन फ्रॉम द सेराग्लियो" के रूप में, एक बड़ी भूमिका गीत और मार्च की शैलियों की है। इस सब में, नाट्य संगीत के साथ वाद्य संगीत का संबंध प्रकट हुआ, जो मोजार्ट की बहुत विशेषता है। प्रश्न और कार्य 1। ए मेजर में मोजार्ट के सोनाटा में चक्र के बारे में क्या असामान्य है? हमें इस काम के पहले भाग में विषय की प्रकृति और उस पर छह विविधताओं के बारे में बताएं। 2. सोनाटा के दूसरे भाग में किस नृत्य शैली का प्रयोग किया गया है? 3. समझाएं कि ए मेजर में सोनाटा के समापन को तुर्की मार्च क्यों कहा जाता है। इसके निर्माण की ख़ासियत क्या है? इसके मुख्य विषयों पर गाओ। 4. मोजार्ट के किस संगीतमय और नाटकीय काम के साथ उनके "तुर्की मार्च" का संगीत प्रतिध्वनित होता है? जी माइनर में सिम्फनी 1788 में वियना में रचित, जी माइनर में सिम्फनी! (संख्या 40) महान संगीतकार की सबसे प्रेरित कृतियों में से एक है। सिम्फनी का पहला भाग बहुत तेज गति से सोनाटा रूपक है। यह मुख्य भाग के विषय से शुरू होता है, जो तुरंत एक गोपनीय, ईमानदार गेय स्वीकारोक्ति के रूप में मोहित हो जाता है। यह वायलिन द्वारा अन्य तार वाले उपकरणों की धीरे-धीरे चलने वाली संगत में गाया जाता है। ओपेरा द मैरिज ऑफ फिगारो (उदाहरण 37 देखें) से चेरुबिनो की पहली अरिया की शुरुआत के रूप में एक ही उत्साहित लय को इसके माधुर्य में पहचाना जा सकता है। लेकिन अब यह अधिक "वयस्क", गंभीर और साहसी गीत है: कोरस (एक प्रमुख में) तीन बार बजता है, यह एक तरह का "जनिसरी शोर बचना" है, बाएं हाथ के हिस्से में ड्रम रोल की नकल है सुना जाता है: इस संबंध में, "तुर्की मार्च" को कभी-कभी "तुर्की शैली में रोंडो" ("रोंडो अल्ला टर्का") कहा जाता है। 36 43 www.classON.ru रूस में कला के क्षेत्र में बच्चों की शिक्षा एक छोटा विकास)। लेकिन इसमें कोई विरोधाभास नहीं है, सब कुछ सामान्य उज्ज्वल मनोदशा का पालन करता है, जो मुख्य भाग में शुरू से ही निर्धारित होता है जो कड़े वाद्ययंत्रों पर लगता है: चरित्र की मर्दानगी को जोड़ने वाले हिस्से में बढ़ाया जाता है, जिसमें मुख्य भाग विकसित होता है . जी माइनर के समानांतर बी-फ्लैट मेजर में एक मॉड्यूलेशन है - साइड पार्ट की कुंजी। इसका विषय-वस्तु मुख्य विषय-वस्तु की तुलना में हल्की, अधिक सुन्दर और स्त्रैण है। यह रंगीन इंटोनेशन द्वारा रंगीन है, साथ ही स्ट्रिंग और वुडविंड इंस्ट्रूमेंट्स के टिम्बर्स का विकल्प: सातवें बार में, दो बत्तीस सेकंड के नोटों का एक हल्का "फड़फड़ाता हुआ" आंकड़ा यहां दिखाई देता है। भविष्य में, यह तब सभी विषयों की मेलोडिक लाइनों में प्रवेश करता है, फिर ऐसा लगता है कि यह उनके चारों ओर लपेटता है, अलग-अलग उपकरणों के साथ अलग-अलग रजिस्टरों में दिखाई देता है। यह शांतिपूर्ण प्रकृति की आवाज़ों की गूँज की तरह है। केवल कभी-कभी थोड़ा सा परेशान, उन्हें अब करीब से सुना जाता है, फिर दूरी में। स्थापित परंपरा के अनुसार, सिम्फनी का तीसरा भाग मीनू है। लेकिन इसमें केवल मध्य भाग - तिकड़ी - स्पष्ट रूप से पारंपरिक है। जी मेजर में अपनी सुगम गति, स्वरों की मधुरता और रागिनी के साथ, तिकड़ी जी-माइनर मुख्य, इस मीनू के चरम खंडों को बंद कर देती है, जो गीतात्मक और नाटकीय तनाव के मामले में पूरी तरह से असामान्य है। ऐसा लगता है कि एन्डांटे में सन्निहित प्रकृति के शांत चिंतन के बाद, अब मुझे आध्यात्मिक चिंताओं और अशांति की दुनिया में लौटना पड़ा, जो कि सिम्फनी के पहले भाग पर हावी थी। यह सिम्फनी की मुख्य कुंजी - जी माइनर की वापसी से मेल खाती है: अंतिम भाग में ऊर्जा का एक नया विस्फोट होता है। यहां प्रमुख भूमिका मुख्य पार्टी के विषय के पहले - तीन-ध्वनि - मूल भाव के बार-बार और लगातार विकास की है। अपेक्षाकृत विस्तृत विकास की शुरुआत के साथ, बादल उत्सुकता से इकट्ठा होते दिख रहे हैं। लाइट बी-फ्लैट मेजर से एफ-शार्प माइनर की उदास दूर की कुंजी में एक तेज मोड़ है। विकास में, मुख्य पक्ष का विषय नाटकीय रूप से विकसित होता है। यह कुंजियों की एक पूरी श्रृंखला के माध्यम से जाता है, अलग-अलग वाक्यांशों और रूपांकनों में विभाजित होता है, और वे अक्सर ऑर्केस्ट्रा की विभिन्न आवाज़ों में नकल करते हैं। इस विषय का पहला मकसद बहुत ही तीव्रता से स्पंदित होता है। लेकिन अंत में उसकी धड़कन कमजोर पड़ जाती है, उसका कंपन थम जाता है, और एक आश्चर्य आता है। हालाँकि, विकास में प्राप्त उच्च नाटकीय तीव्रता का प्रभाव पहले भाग के इस खंड में परिलक्षित होता है। यहां कनेक्टिंग भाग की लंबाई काफी बढ़ जाती है, यह पक्ष और अंतिम भागों की प्रस्तुति की ओर जाता है जो अब प्रमुख नहीं है, लेकिन जी माइनर की मुख्य कुंजी में है, जो उनकी ध्वनि को और अधिक नाटकीय बनाता है। सिम्फनी का दूसरा भाग ई फ्लैट मेजर में एन्डांटे है। यह अपनी कोमल और कोमल शांति के साथ गेय-नाटकीय पहले भाग के विपरीत है। एंडांटे फॉर्म भी सोनाटा है (जी माइनर मुख्य कुंजी है और सिम्फनी का चौथा भाग है - फिनाले, बहुत तेज गति से चल रहा है। फिनाले सोनाटा रूप में लिखा गया है। सिम्फनी के इस भाग में प्रमुख विषय है मुख्य भाग का विषय पहले भाग के मुख्य भाग के विषय के साथ, यह सबसे चमकदार मोजार्ट वाद्य विषयों को संदर्भित करता है। लेकिन अगर पहले आंदोलन में विषय एक निविदा और श्रद्धेय गीतात्मक स्वीकारोक्ति की तरह लगता है, तो समापन का विषय एक भावुक गेय और नाटकीय अपील है, जो साहस से भरा है और हम 44 www.classON.ru बच्चों की कला की शिक्षा तय करेंगे। रूस 2. हमें सिम्फनी के पहले भाग के मुख्य विषयों और उनके विकास के बारे में बताएं। 3. सिम्फनी के दूसरे और तीसरे भाग में संगीत का क्या चरित्र है? 4. सिम्फनी के फिनाले में मुख्य विषय क्या है? इसका चरित्र पहले आंदोलन के मुख्य भाग के विषय के चरित्र से कैसे भिन्न है? 5. फिनाले के मुख्य भाग की थीम कैसे तैयार की जाती है? विकास में विकास किस पर आधारित है? मुख्य कार्य यह उग्र अपील रागों की ध्वनियों के साथ राग के तीव्र उतार-चढ़ाव द्वारा बनाई गई है, और एक ध्वनि के चारों ओर चक्कर लगाने वाले ऊर्जावान मधुर आंकड़े इसके आवेग का जवाब देते हैं। सिम्फनी के पहले भाग की तरह, फिनाले के साइड पार्ट का ग्रेसफुल थीम विशेष रूप से प्रदर्शनी में उज्ज्वल है जब इसे बी फ्लैट मेजर में प्रदर्शित किया जाता है: 19 ओपेरा रिक्विम लगभग 50 सिम्फनी 27 कॉन्सर्ट क्लैवियर और ऑर्केस्ट्रा के लिए 5 कॉन्सर्ट वायलिन के लिए और बांसुरी, शहनाई, बेससून, सींग, वीणा स्ट्रिंग चौकड़ी (20 से अधिक) के साथ ऑर्केस्ट्रा संगत के साथ ऑर्केस्ट्रा संगीत कार्यक्रम और क्लेवियर के लिए पंचक सोनाटा, वायलिन और क्लेवियर के लिए विविधताएं, कल्पनाएं, रोंडो, क्लैवियर के लिए मिनट अंतिम भाग पर आधारित है मुख्य भाग के विषय का दूसरा तत्व। फाइनल के विकास में, मुख्य पार्टी के विषय का पहला, आविष्कारशील तत्व विशेष रूप से गहन रूप से विकसित होता है। विकास के हार्मोनिक और पॉलीफोनिक तरीकों की एकाग्रता से उच्च नाटकीय तनाव प्राप्त होता है - कई चाबियों और अनुकरणीय रोल कॉलों में आयोजित करना। पुनरावृत्ति में, जी माइनर की मुख्य कुंजी में साइड पार्ट का प्रदर्शन उदासी से थोड़ा सा प्रभावित होता है। और मुख्य भाग (सकारात्मक, ऊर्जावान आंकड़े) के विषय का दूसरा तत्व, जैसा कि प्रदर्शनी में है, पुनरावृत्ति में अंतिम भाग के दिल में लगता है। नतीजतन, इस सरल मज़ार्ट रचना में समापन पूरे सोनाटा-सिम्फोनिक चक्र का एक उज्ज्वल गेय और नाटकीय शिखर बनाता है, जो आलंकारिक विकास के माध्यम से अपने उद्देश्यपूर्णता में अभूतपूर्व है। लुडविग वैन बीथोवेन 1770-1827 महान जर्मन संगीतकार लुडविग वैन बीथोवेन तीन शानदार संगीतकारों में सबसे कम उम्र के हैं जिन्हें विनीज़ क्लासिक्स कहा जाता है। भव्य सामाजिक परिवर्तन और उथल-पुथल के युग में, बीथोवेन 17 वीं और 19 वीं शताब्दी के मोड़ पर पहले से ही रहने और बनाने के लिए हुआ। उनकी युवावस्था समय, प्रश्नों और असाइनमेंट 1 के साथ मेल खाती है। जी माइनर नंबर 40 में मोजार्ट ने सिम्फनी कब और कहां बनाई? 45 www.classON.ru रूस में बच्चों की कला शिक्षा

विदेशों के संगीत साहित्य पर सहायक नोट्स संगीत साहित्य पर मौजूदा पाठ्यपुस्तकों के अतिरिक्त हैं। मैनुअल की सामग्री विषय PO.02.UP.03 के कार्यक्रम से मेल खाती है। संस्कृति मंत्रालय द्वारा अनुशंसित संगीत कला "पियानो", "स्ट्रिंग इंस्ट्रूमेंट्स", "विंड एंड पर्क्यूशन इंस्ट्रूमेंट्स", "फोक इंस्ट्रूमेंट्स", "कोरल सिंगिंग" के क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य शैक्षिक कार्यक्रमों का "संगीत साहित्य" रूसी संघ का।

संगीत साहित्य पर सहायक नोट्स मानवतावादी शिक्षा और विशेष रूप से छात्रों की विशेष दक्षताओं को विकसित करने के लिए डिज़ाइन किए गए हैं: "... संगीत की सोच, धारणा के कौशल और संगीत कार्यों के विश्लेषण के लिए, संगीत के रूप के पैटर्न के बारे में ज्ञान प्राप्त करने के लिए, संगीत की भाषा की बारीकियों के बारे में, संगीत के अभिव्यंजक साधन" 1 .

पाठ्यपुस्तक सांस्कृतिक और ऐतिहासिक युगों के संदर्भ में संगीतकारों के काम को प्रस्तुत करती है, ऐतिहासिक घटनाओं और संबंधित कलाओं के साथ निकट संबंध में अध्ययन किया जाता है। सार सामग्री वी. एन. ब्रायंटसेवा, वी.एस. गैलात्स्काया, एल. वी. किरिलिना, वी. डी. कोनेन, टी. एन. लिवानोवा, आई. डी. प्रोखोरोवा और अन्य प्रसिद्ध संगीतज्ञों द्वारा संगीत और संगीत साहित्य के इतिहास पर शोध का मुख्य शोध है, जो सामान्यीकृत और संक्षिप्त रूप में निर्देशात्मक सामग्री है। तालिकाओं, आरेखों और दृश्य समर्थनों की। दृश्य समर्थन (प्रसिद्ध कलाकारों द्वारा चित्रों का पुनरुत्पादन, संगीतकारों के चित्र, उनके रिश्तेदारों और दोस्तों, संस्कृति और कला के प्रमुख आंकड़े, ऐतिहासिक आंकड़े, आदि) न केवल मौखिक जानकारी के साथ और पूरक हैं, बल्कि ललित कला के क्षेत्र में सूचना के वाहक हैं। कला, संगीत में युगों और प्रवृत्तियों से सीधे संबंधित हैं, संगीतकारों का काम, यूरोपीय देशों के इतिहास, संस्कृति और कला को दर्शाता है।

संदर्भ नोट्स की सामग्री में चार खंड होते हैं, जो बदले में, प्राचीन ग्रीस की संगीत संस्कृति से लेकर 19 वीं शताब्दी के रोमांटिक संगीतकारों के काम तक यूरोपीय संगीत के विकास की अवधि को कवर करने वाले विषयों में विभाजित हैं। तो पहला खंड प्राचीन ग्रीस, मध्य युग और पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति की जांच करता है। दूसरा खंड बारोक युग, जे.एस. बाख और जी.एफ. हैंडेल के काम का अध्ययन करता है। तीसरा खंड क्लासिकवाद के युग के लिए समर्पित है, जहां विनीज़ क्लासिक्स - जे हेडन, डब्ल्यू ए मोजार्ट और एल बीथोवेन के काम पर जोर दिया गया है। चौथा खंड रूमानियत के युग पर सामग्री प्रस्तुत करता है, एफ शुबर्ट और एफ चोपिन का काम, उन्नीसवीं सदी के रोमांटिक संगीतकार एफ मेंडेलसोहन, एफ लिस्केट, आर शुमान, जी बर्लियोज़ के काम का एक संक्षिप्त अवलोकन। डी. वर्डी, आर. वैगनर, जे. ब्राह्म्स, जे. बिज़ेट।

मैनुअल में पाठ में पाए जाने वाले अर्थों, शब्दों और अवधारणाओं के शब्दकोश, एक संक्षिप्त विश्लेषण और अध्ययन किए गए कार्यों के संगीत उदाहरण भी शामिल हैं।

तालिकाओं और आरेखों में सामग्री की एक सख्त प्रस्तुति के साथ, मैनुअल में संगीतकारों के जीवन से दिलचस्प तथ्य शामिल हैं, जो एक कथा के रूप में प्रस्तुत किए गए हैं और रंगीन कलात्मक चित्रों के साथ हैं, जो बच्चों की धारणा और ध्यान को ताज़ा करते हैं।

विदेशी देशों के संगीत साहित्य पर संदर्भ नोट्स बच्चों के कला विद्यालय, बच्चों के संगीत विद्यालय के दूसरे और तीसरे वर्ष के अध्ययन (ग्रेड 5 और 6) के छात्रों के लिए हैं, जो क्षेत्र में अतिरिक्त पूर्व-पेशेवर सामान्य शैक्षिक कार्यक्रमों का अध्ययन कर रहे हैं। संगीत कला का। बच्चों के संगीत विद्यालयों के संगीत-सैद्धांतिक और विशेष विषयों के शिक्षक, बच्चों के कला विद्यालय नई सामग्री का अध्ययन करते समय पाठ्यपुस्तक का उपयोग कर सकते हैं, कवर किए गए विषयों को दोहरा सकते हैं और व्यवस्थित कर सकते हैं, छात्रों के मध्यवर्ती और अंतिम प्रमाणन की तैयारी कर सकते हैं, संगीत-सैद्धांतिक ओलंपियाड की तैयारी कर सकते हैं, स्वतंत्र कार्य अतिरिक्त सामान्य विकास कार्यक्रमों को लागू करते समय छात्रों, समूह और व्यक्तिगत प्रशिक्षण के हिस्से में सांस्कृतिक और शैक्षिक गतिविधियों में संगीत कला के क्षेत्र।

संदर्भ नोट्स एक कार्यपुस्तिका के साथ होते हैं, जिसे कक्षा में काम करने के लिए डिज़ाइन किया गया है।

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तात्याना गुर्येवना सेवेलिवा के मैनुअल "विदेशी संगीत साहित्य पर संदर्भ नोट्स" की खरीद के लिए, कृपया लेखक से संपर्क करें [ईमेल संरक्षित]

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1 विषय पी.ओ.02 के लिए अनुकरणीय कार्यक्रम। यूपी.03. संगीत साहित्य। - मास्को 2012

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